# L'influence des cultures alternatives dans l'Oeuvre de Jean-Luc Verna

Melina Douet

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Melina Douet. L'influence des cultures alternatives dans l'Oeuvre de Jean-Luc Verna. Sciences de l'Homme et Société. 2021. dumas-04615160

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<figure><img src="image_1.png" /></figure>

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<figure><img src="image_2.png" /><figcaption>Jean-Luc Verna devant Wall Drawing 462 de Sol Lewitt (Détail),
Centre Pompidou Metz, 2013. © Joachim Biehler</figcaption></figure>

# L'influence des cultures alternatives dans l'Œuvre de Jean-Luc Verna.

Mémoire Master 2 Histoire de l'art sous la direction de Monsieur Nicholas-Henri ZMELTY maître de conférences en histoire de l'art contemporain à l'Université Picardie Jules Verne
# AVANT-PROPOS

Cette recherche rentre dans le cadre de l'obtention du diplôme du Master Histoire de l'art d'Amiens en art contemporain. Il relate l'influence des cultures alternatives dans l'œuvre de l'artiste niçois Jean-Luc Verna. Ce sujet de mémoire est né grâce à la proposition de mon directeur de mémoire qui unissait des milieux musicaux-culturels qui étaient plus ou moins proches de la scène Metal, scène que je connais depuis longtemps, et d'un artiste que j'apprécie énormément. Artiste que j'ai découvert lors de mes cours en licence Arts plastiques à Amiens.

Jean-Luc Verna, artiste aussi affirmé dans l'art contemporain que marginal, est un artiste peu étudié d'un point de vue de la recherche universitaire. Ce mémoire est donc l'occasion de pouvoir réaliser un écrit sur sa pratique artistique et l'impact des *subcultures*. L'artiste pluridisciplinaire possède de nombreuses sources d'inspirations mais la plus grande et celle qui peut être définie comme une plaque tournante de son art est bien sûr, les cultures alternatives et donc par extension, la musique alternative. De Rammstein, aux Sex Pistols, Bauhaus, Siouxsie and the Banshees passant par Barbara, Velvet Underground, Diamanda Galas, ou encore David Bowie pour ne citer qu'eux sont de grandes sources d'inspirations pour sa pratique artistique tout comme un pilier de sa vie privée.

Cette étude va permettre de poser un questionnement sur l'utilisation de références dépassées dans une pratique contemporaine. Quelle est la réception, mais aussi la perception des œuvres ? Cette recherche met alors en avant, la création d'un art transhistorique. Cet art évoluant dans un paradoxe temporel, faisant des allers-retours entre diverses époques mélangeant histoire de l'art et histoire des cultures alternatives n'appartient alors à aucun genre ni temporalité précise. Ce voyage intemporel et musical nous invite entre passé et présent, haute et basse culture, histoire de l'art et histoire du rock à naviguer entre souvenirs et sentiments universels.

Des difficultés se sont fait ressortir notamment par la quantité innombrable des sources autour des cultures alternatives, des choix ont dû très rapidement s'imposer. Il faut savoir également prendre beaucoup de recul face à ce type de travail, ne pas prendre chaque mot,
chaque idée comme argent comptant que cela soit autour de l'artiste comme pour les
contre-cultures. Tout comme, il ne faut pas non plus entrer dans une ôde à l'artiste et se
penser juge de l'Oeuvre. Une autre difficulté rencontrée est les interférences dans l'œuvre de
l'artiste. Jean-Luc Verna est un artiste qui fait tout communiquer, tout se lie, tout se
questionne et se répond, il est alors difficile de scinder des parties distinctes sans que tout se
mélange. Mais c'est également cet aspect qui rend la pratique de Verna aussi intéressante et
puissante. La forme de ce mémoire où toutes les parties peuvent se mélanger, communiquent
est une résultante naturelle de la pratique de l'artiste. Malgré ces difficultés rencontrées, cette
recherche a été éminemment bénéfique et enrichissante.
Remerciements

Tout d'abord, je tiens à remercier toutes les personnes de près ou de loin qui m'ont aidé pour
la réalisation de ce mémoire.

En premier lieu, je remercie mon directeur de mémoire, Nicholas-Henri Zmelty, maître de
conférences en art contemporain d'Amiens pour ce suivi de recherche, ses conseils, son
temps donné et d'avoir permis à ce mémoire de se construire au mieux.

Je désire également remercier Jean-Luc Verna pour tout ce qu'il a su m'apporter de manière
directe et indirecte. Ainsi que sa galerie Air de Paris pour m'avoir envoyé gracieusement
toutes les photographies des œuvres de l'artiste et m'avoir donné la permission de les
réutiliser pour illustrer cette recherche.

Enfin, je souhaite montrer ma reconnaissance envers ma famille ainsi que mes amis.es qui ont
su me donner tout leur soutien.
# Sommaire

Avant-propos .................................................................................. 1

Remerciements .................................................................................. 3

Introduction .................................................................................... 6

I. L'influence de la scène alternative.................................................. 11

1. Les trois Parques ............................................................................ 11

1.1 The Ice Queen : Siouxsie Sioux .................................................... 12

1.2 Nico : à travers le miroir .............................................................. 18

1.3 Diamanda Galas, la diva des dépossédés ........................................ 23

2. PUNK : l'urgence de la création .................................................... 31

2.1 Genèse d'un mouvement autonome .................................................. 31

2.2 D.I.Y, puissant moteur de création artistique .................................... 34

2.3 L'inspiration punk dans la pratique plastique .................................... 36

3. La présence d'un romantisme noir .................................................... 39

3.1 Tout est plus beau en noir, genèse du mouvement gothique.................. 39

3.2 Figure macabre et figure androgyne .................................................. 42

3.3 Does it hurt ? .................................................................................. 47

4. La New-wave .................................................................................... 48

4.1 Le début d'une nouvelle ère.............................................................. 48

4.2 Jean-Luc Verna, un artiste résolument new wave ................................ 51

4.3 La New wave à travers le dessin .................................................... 52

II. A contre courant ............................................................................ 54

1. Affirmation d'une pratique contemporaine à l'aide de cultures alternatives
<table><tbody><tr><td>essoufflées</td><td>54</td></tr><tr><td>1.1 Les références issues de l'art classique</td><td>57</td></tr><tr><td>1.2 Brouiller la temporalité pour affirmer une contemporanéité</td><td>63</td></tr><tr><td>2. Les choix de représentation dans sa pratique du dessin</td><td>65</td></tr><tr><td>2.1 Les oiseaux</td><td>67</td></tr><tr><td>2.2 Les clowns</td><td>69</td></tr><tr><td>3. Ambiguïté entre culture savante et populaire</td><td>72</td></tr><tr><td>3.1 Les photographies entre histoire de l'art et histoire du Rock</td><td>76</td></tr><tr><td>3.2 Uccello, uccellacci &amp; the birds</td><td>79</td></tr><tr><td>3.3 Les étoiles</td><td>82</td></tr><tr><td>III. Entre références antagonistes et art de la reprise</td><td>87</td></tr><tr><td>1. Le combat de la croix face à l'étoile</td><td>87</td></tr><tr><td>1.1 Des dessins pour désacraliser</td><td>89</td></tr><tr><td>1.2 Le féminin dans la religion</td><td>91</td></tr><tr><td>2. Le remake</td><td>93</td></tr><tr><td>2.1 Réinventer des scènes</td><td>95</td></tr><tr><td>2.2 Des légendes vernaniennes</td><td>96</td></tr><tr><td>2.3 Du chanteur à l'acteur</td><td>99</td></tr><tr><td>3. De la musicalité dans l'inerte à un art total</td><td>101</td></tr><tr><td>3.1 De la musicalité dans l'inerte</td><td>101</td></tr><tr><td>3.1 L'exemple et l'influence du Velvet Underground</td><td>103</td></tr><tr><td>3.2 Un art total</td><td>105</td></tr><tr><td>Conclusion</td><td>107</td></tr></tbody></table>
INTRODUCTION

« Anger tinged with sadness
It's always been like this
Place the dagger 'twist my breast
My nearest and dearest
I hurt it I hurt me
Hurt everything around me
There's nothing no trace
Still cutting to find the place

Anger tinged with sadness
It's always been like this
No nothing no one no more
No no no no I can't take this
Love me, Hate me, Help me,
Save me from me
Hold me, Hurt me, Stop me,
Take this love out!<fnref n="1" /> »

Jean-Luc Verna est un artiste contemporain né en 1966 à Nice et est formé à la Villa Arson notamment par l'artiste Noël Dolla se situant également dans la ville de Nice. Aujourd'hui, il travaille dans son atelier appartement à Paris et donne des cours de dessin à l'ENSAPC (Ecole Nationale Supérieure d'arts de Paris-Cergy). Dès sa jeunesse, il inclut très vite le dessin dans sa vie avec un apprentissage autodidacte, en reproduisant notamment les manuels d'anatomie artistique (Anatomie artistique de l'Homme de Arnould Moreaux, 1997) ou bien les albums de X-men. C'était pour lui une manière d'oublier sa situation familiale :

> « J'ai toujours dessiné pour m'abstraire de mon milieu familial quand j'étais petit et après pour amuser les copains, quand j'étais en bande, ou de temps en temps pour gagner un peu de fric, rarement. »

Rapidement, il devient un artiste pluridisciplinaire : dessinateur, sculpteur, danseur, photographe, performeur, actrice (comme il aime le dire), chanteur... Bien qu'il commence

<footnote n="1">¹ Paroles de Siouxsie And The Banshees, Love Out Me, album The Rapture, 1995</footnote>

<footnote n="2">² Valeria Costa-Kostritsky, 06/10/12, Jean-Luc Verna —
https://www.vice.com/fr/article/qby8x7/jean-luc-verna-592-v4n12</footnote>
sa pratique artistique à travers le médium du dessin, il devient très vite un explorateur des divers supports qu’offrent les arts plastiques ou bien les arts vivants à partir des années 1980³. Verna ne s’emprisonne pas et c’est cette liberté créatrice et artistique qui confère à son œuvre une richesse sans nom. De part sa pluridisciplinarité, les œuvres de l’artiste se révèlent être en communication permanente, tout semble lié. Nous sommes face à une œuvre dite totale.

L’art est le phare de Verna, la création artistique lui permet de rendre le monde plus supportable. Il est indéniable de remarquer que l’artiste niçois possède un lien viscéral avec l’art. L’artiste définit sa pratique comme « un axe de lutte entre hautes et basses cultures, entre l’art des musées, le XIXème siècle, les grands maîtres, la Renaissance, les décadentistes, une certaine littérature, la Nouvelle Vague et le cinéma bis, et là d’où je viens le rock et le sexe.<fnref n="4" />» En clair, la pratique de l’artiste est une expérience artistique riche complètement horrifique et provocante avec quelques pointes d’humour, de rock et de sublime. C’est à travers tous ces angles que l’artiste montre sa vision de la vie, qui pour lui est une blague très cruelle<fnref n="5" />. Mêlant sarcasme, beauté et laideur du corps, il invite le spectateur dans son univers sombre et puissant qui repose sur trois grands piliers :

- L’histoire de l’art mais surtout l’histoire de l’art classique

- L’histoire des cultures alternatives notamment le Post-Punk et le rock

- Le tout en s’insérant dans le champ de l’art contemporain.

C’est l’art de la transposition des histoires antagonistes voire de la transgression. L’artiste aime convoquer les thèmes démodés aux yeux de l’art contemporain tels que les clowns, les oiseaux, les êtres fantastiques et adore s’inspirer des grands maîtres comme Alfred Kubin, Michel-Ange ou Ingres en les associant avec des divas rock et gothiques comme Siouxsie Sioux et Diamanda Galas. Ses inspirations musicales telles que T-Rex, Bauhaus, The Velvet Underground, Donna Summer mais aussi Barbara rencontrent le domaine de l’art, un art du XVIIIe siècle voire du XIXe siècle, c’est un choc des cultures. Ce mélange révèle une volonté de créer une nouvelle mythologie, un nouvel art où toute temporalité est brouillée.

<footnote n="3">³ Paris Art, (s.d), *Jean-Luc Verna - I Apologize* — https://www.paris-art.com/i-apologize/</footnote>

<footnote n="4">⁴ Article Art Côte d’Azur, (s.d) *Jean-Luc Verna « Le corps qui rêve »* — https://www.artcotedazur.fr/artistes.181/art-contemporain.183/jean-luc-verna-le-corps-qui-reve.3291</footnote>

<footnote n="5">⁵ CRENN Julie, *Sous le maquillage : rencontre avec Jean-Luc Verna*, Inferno, 10 Décembre 2012. — https://inferno-magazine.com/2012/12/10/sous-le-maquillage-rencontre-avec-jean-luc-verna/</footnote>
Nous pouvons noter qu’il en résulte une pratique artistique rare et originale. L’art de Jean-Luc Verna évolue dans « une postmodernité brisée aux allures Post-punk<fnref n="6" /> » entre l’acte de « sublimer et de dessublimer en même temps.<fnref n="7" /> » Verna n’est de toute façon jamais là où on pourrait l’attendre<fnref n="8" />, c’est grâce à toutes ses pratiques et ses références qu’il sait toujours nous surprendre. « C’est son arme pour déjouer les attendus, rester singulier et inclassable et n’appartenir à aucune communauté<fnref n="9" />. »

Dans son œuvre beaucoup de thèmes sont récurrents tels que la mort, la sexualité, l’ambivalence des genres, les personnages fantastiques, la religion, mais aussi et surtout de manière plus large ; les cultures alternatives, terme plus général pour parler des contre-cultures et des *subcultures*. Les contre-cultures sont des cultures qui représentent un groupe de protagonistes qui s’oppose de façon délibérée et consciente à la culture dominante de leur époque. Il faut noter qu’il est possible de remarquer plusieurs contre-cultures apparaître et évoluer dans un même espace temps. Les exemples les plus parlants sont bien sûr les Punks ou bien les Hippies. Ces contre-cultures sont toujours en opposition avec la culture dominante et essayent de faire bouger les lignes afin d’atteindre des changements sociétaux. Nous évoquerons également les sous-cultures ou *subcultures*, il faut d’abord noter que ceci n’est pas un terme négatif mais plutôt un problème de traduction. Généralement les disciplines gardent le terme anglais de *subculture* pour ne pas évoquer la négativité que le préfixe « sous » suppose. Mais quelles différences avec les contre-cultures ? Les subcultures sont des cultures affirmées dans la société mais aussi parfois plus souterraines, *underground*. Elles se positionnent différemment de la culture dominante dans ses normes, valeurs et croyances mais elle n’est pas forcément dans la contradiction ni dans la revendication politique. Les *subcultures* peuvent tout simplement rassembler des personnes aux mêmes intérêts esthétiques comme les gothiques par exemple<fnref n="10" />. Les contre-cultures et les *subcultures* ne sont pas figées et vont devenir un sujet phare dans plusieurs domaines de recherches notamment dans des *Cultural Studies* mais également en anthropologie et en sociologie par

<footnote n="6">⁶ MOISDON Stéphanie, *Jean-Luc Verna*, Ed. Flammarion, collection Nouvelle Création contemporaine, 2014.</footnote>

<footnote n="7">⁷ *Ibidem*. — p. 7</footnote>

<footnote n="8">⁸ CRENN Julie, op.cit.</footnote>

<footnote n="9">⁹ TATOT Claude-Hubert, *Contre-Culture* dans *Jean-Luc Verna* de Stéphanie MOISDON. — pp. 211-212</footnote>

<footnote n="10">¹⁰ Es Different, *Différence entre contre-culture et sous-culture* (s.d) — https://fr.esdifferent.com/difference-between-counter-culture-and-sub-culture</footnote>
exemple. Ces dernières ont été des grands thèmes de réflexion afin de comprendre comment et pourquoi ont-elles émergées, mieux comprendre et définir la culture, de voir son évolution, ce qu'elle engendre, tout comme ses alternatives. Nous pouvons nommer plusieurs écrits évoquant ces cultures alternatives comme *The Making of a Counter Culture* de Theodore Roszak en 1969, c'est d'ailleurs dans ce livre que le terme « contre-culture » sera utilisé pour la première fois. Dans *Subcultures: The Meaning of Style* par Dick Hebdige paru en 1979, l'auteur réfléchit sur la réception d'un point de vue social, des acteurs issues de ces cultures alternatives, étant donné qu'elles soient souvent mise à l'écart par la société car elles s'affranchissent des standards dominants.

L'influence des cultures alternatives peut être aisément considérée comme une plaque tournante dans l'œuvre de Jean-Luc Verna. Cela sera donc le point de départ de cette recherche. Nous allons essayer de découvrir pourquoi une place si substantielle est affectée aux contre-cultures et *subcultures*, en outre, découvrir ce qu'elles apportent et ce qu'elles ont encore à dire à travers son travail. Elles font partie intégrante de la vie de Verna d'un point de vue artistique comme dans sa vie quotidienne. Il faut savoir que l'artiste a connu et a participé au mouvement Post-punk comme il a connu le mouvement New wave. Les empreintes de ces mouvements sont très fortes dans son art et sa vie personnelle : cela passe par son groupe I Apologize, son corps, ses dessins, sa vision de la vie, ses créations chorégraphiques...

Néanmoins, les cultures alternatives liées au travail de Jean-Luc Verna n'ont jamais été pleinement évoquées dans des écrits. Évidemment, il existe des sources fondamentales comme la première monographie sur Jean-Luc Verna écrite par Stéphanie Moisdon sortie en 2014 nommée simplement *Jean-Luc Verna* ou bien encore le livre « *Vous n'êtes pas un peu beaucoup maquillé ? — Non* » publié en 2016 autour de la rétrospective de l'artiste du 22 Octobre 2016 jusqu'au 27 Février 2017 au MacVal. Il est alors possible de découvrir un chapitre sur les cultures alternatives dans le livre autour de la rétrospective nommé *Jean-Luc Verna, le Rock et la Grâce* et enfin, un écrit très riche qui expose toutes les influences musicales, celles issues plus largement du Rock, les icônes féminines de l'artiste dans *Contre-culture* de Claude-Hubert Tatot qui se trouve lui, dans la monographie de Stéphanie Moisdon. Ensuite, il est possible de rassembler divers articles issus d'Art Press, In Rock,
Tatouage Mag, Beaux Arts Magazine etc. Mais même si les cultures alternatives sont évoquées notamment le fait qu'il soit un fan inconditionnel de Siouxsie Sioux, aucun livre, aucun article ne convoque uniquement ce sujet. D'un point de vue universitaire, Jean-Luc Verna n'a été au centre que d'une thèse sur ses rôles dans Body Double (X) de Brice Dellsperger datant de 2007 : *Une histoire à rebrousse-poil de la production cinématographique contemporaine : Body Double (X) (1997-2000)* de Brice Dellsperger, la transgression du modèle par Marie Canet sous la direction de Jean-Marc Lachaud.

Ce mémoire peut être alors vu comme un des premiers travaux de recherche sur les cultures alternatives comme inspirations dans l'Œuvre de Jean-Luc Verna et plus largement ses choix souvent à contre-courant de l'actualité, du mainstream. Cette étude s'appuiera sur l'analyse des œuvres de l'artiste à travers le prisme des cultures alternatives. Ce voyage intemporel et musical nous invite entre passé et présent, haute et basse culture, histoire de l'art et musicale à naviguer entre souvenirs, expérience de la mort et les diverses mises en scène des corps dans une volonté de création artistique transhistorique. Son travail ne se cantonne pas au corps extrême ni à ses rôles pour Brice Dellsperger comme dans ce que nous pouvons lire. C'est surtout une réflexion sur ce qui crée ce maillage artistique si solide que nous propose Jean-Luc Verna. Comment arrive-t-il à convoquer diverses références de mondes différents en s'affirmant aujourd'hui comme un artiste contemporain brisant les règles du monde de l'art ? Dans quoi s'ancre sa pratique entière ? Cette recherche convoque alors contre-cultures, *subcultures*, histoire de l'art liées à cette question de la temporalité. Ce travail essayera de répondre à la problématique suivante : en quoi l'influence des cultures alternatives permet de créer une Oeuvre transhistorique et de brouiller la temporalité chez Jean-Luc Verna ? Dans un premier temps, nous étudierons l'influence de la scène alternative, à travers l'icône Siouxsie Sioux puis l'histoire du mouvement Punk et de son insertion dans l'Oeuvre de l'artiste et enfin nous évoquerons la présence d'un romantisme noir issu de la culture gothique et étudierons les autres genres ou *subcultures* qui ont pu influencer l'artiste. Ensuite, nous axerons notre recherche sur la pratique à contre-courant de l'artiste grâce aux références dépassées, l'usage du dessin ainsi que les références importées de la culture savante et la culture populaire. Pour clore cette recherche, nous baserons notre recherche sur l'art de la reprise notamment la place du *remake* et la reprise du thème de la religion allié au sexe. Mais il sera également possible de découvrir une réflexion autour d'une pratique
artistique révélant une musicalité profonde formant un art total.

# L'INFLUENCE DES CULTURES ALTERNATIVES DANS L'OEUVRE DE JEAN-LUC VERNA.

## I. L'influence de la scène alternative

### 1. Les trois Parques, l'influence du féminin

« Je me suis facilement projeté sur cette femme phallique, une femme debout, combattante, qui fait peur. Elle n'est pas Blondie, pas la poupée blonde vénéneuse, Siouxie est le venin pur. Elle est une vibration noire, un truc inquiétant, de tension. Elle possède une puissance qui me rassure, comme un totem qui se dresse, un arbre.<fnref n="11" />» Jean-Luc Verna

Pour commencer cette recherche, nous allons être confrontés aux Trois Parques, trois femmes faisant partie du Panthéon de Verna et qui veillent sur ce dernier. Trois femmes au portrait atypique et captivant qui influencent l'artiste niçois dans sa vie comme dans son œuvre. Il est possible de comprendre que ces artistes ne sont pas conventionnelles et montrent ainsi une certaine forme de puissance. Trois femmes aux pouvoirs communs, ceux de représenter et d'endosser divers rôles, d'avoir recours à des références désuètes tout en s'émancipant des carcans patriarcaux et artistiques qu'on leur impose. Femmes indépendantes qui affirment leur art et dirigent leur création avec une main de fer dans un gant de velours. Siouxsie Sioux, Nico et Diamanda Galás forment les Trois Parques, ces trois êtres féminins issus de la mythologie romaine qui contrôlent la vie et le destin des Hommes à travers l'image de fil qu'elles créent et coupent. Ces trois chanteuses peuvent être perçues comme celles qui influencent les dessins de Verna, celles qui en donnent naissance et qui en

<footnote n="11">¹¹ Interview de Julie CRENN : Sous le maquillage, rencontre avec Jean-Luc Verna, Décembre 2012
— https://inferno-magazine.com/2012/12/10/sous-le-maquillage-rencontre-avec-jean-luc-verna/</footnote>
délivrent la fin. Leur impact se lit à travers des œuvres de Jean-Luc Verna et en apprenant
leur motivation et leur musique nous pouvons comprendre l'impact sur l'artiste
pluridisciplinaire.

1.1 *The Ice Queen, Siouxsie Sioux*

« At a signing the other day, someone asked me how it felt to be the queen of goth. I said, 'That's rather like being known as the Prince Regent of Fools. I hate all that. There is a fun, flippant side to me, of course. But I would much rather be known as the Ice Queen.'<fnref n="12" /> »

Siouxsie Sioux pour The Guardian en 2005 (traduction voir annexe n°1)

Siouxsie Sioux ou Susan Janet Ballion de son vrai nom est la chanteuse londonienne du groupe Siouxsie and the Banshees (voir annexe n°2) (1976 - 1996 - 2002 pour une dernière tournée) et du duo The Creatures avec le batteur des Banshees Budgie (1981 - 2005). Celle que nous nommons *The Ice Queen* pour cause de son caractère affirmé est un pilier des cultures alternatives. Tant par son talent vocal que par la figure de la femme forte, libre et dominatrice qu'elle représente. « *L'effet Siouxsie Sioux* » touchera un grand nombre de personnes qui fera de la chanteuse un modèle. La qualifier d'icône est certainement encore trop réducteur tant la chanteuse est éclectique à travers ses diverses figures. D'un point de vue musical, elle formera Siouxsie and the Banshees avec le bassiste Steven Severin, que soit le public aimait soit il détestait. Mais il est indéniable que le groupe inspira de nombreux artistes pendant leur époque d'activité et encore aujourd'hui comme The Cure, Arctic Monkeys, Cocteau Twins, Massive Attack... Siouxsie and the Banshees ne s'intègre et n'accepte aucun mouvement ni style, il n'est jamais là où nous l'attendons tout comme l'art de Jean-Luc Verna mais possède une esthétique qui lui est propre. Le groupe est difficile à mettre dans une case, il s'inscrit dans un certain post-punk trempant dans divers styles musicaux ; leur musique reste ambivalente et toujours surprenante grâce à leur curiosité. Budgie, batteur du groupe, dira : « *On n'a jamais endossé une quelconque couleur qui dirait*

<footnote n="12">¹²The Guardian, Michael Bracewell, 24/09/2005, *Her dark materials* —
https://www.theguardian.com/music/2005/sep/24/popandrock.siouxsieandthebanshees</footnote>
qu'on est gothique, punk, rock'n'roll, pyscho-billy, space-spoutniks. On est ce qu'on est.<fnref n="13" /> »
Ils ont su sans cesse surprendre leur public et se retrouver à chaque fois à la lisière de
nombreux domaines, sous le joug de la Sioux qui gérait d'une main de fer.

Quand à 13 ans, Jean-Luc Verna voit Siouxsie Sioux pour la première fois dans l'émission Mégahertz d'Alain Maneval, c'est un tournant décisif. A cette époque, Verna écoute de la musique disco, l'artiste comprend très vite l'importance de devenir soi-même et de se détacher de sa relation toxique avec sa famille. Siouxsie Sioux lui a offert la clé de l'affranchissement : « En voyant Siouxie tout a changé. Je suis allé dans la salle de bain, je me suis regardé pendant un quart d'heure, ce que je n'avais encore jamais fait. Le lendemain en partant à l'école, j'ai piqué le crayon à maquillage de ma mère, j'avais treize ans. Mon premier jour de maquillage. J'en ai 46, je n'ai jamais passé un jour depuis sans au moins me passer un trait de crayon, même quand je reste seul chez moi. C'est devenu un rituel obligatoire pour moi, pour supporter mon visage. Ensuite je me suis crêpé les cheveux, j'ai commencé à m'affranchir de ma famille et de tout ce joug. J'ai commencé à être libre.<fnref n="14" />»
Comme l'évoque cette citation, Siouxsie Sioux a joué un rôle déterminant dans la vie de l'artiste, elle est devenue peu à peu une muse, une icône, un pilier. Celle qu'il écoute chaque jour pour rendre sa journée meilleure.

Après cet épisode qui est un marqueur temporel fort et va largement dépasser la période de l'adolescence : Siouxsie Sioux l'a accompagné et l'accompagne encore dans sa vie de l'artiste, que cela soit du domaine de l'artistique mais également personnel. Dans son Oeuvre, nous retrouvons de nombreux dessins sur divers supports de Siouxsie Sioux : une musique écrite en hommage (*The One* par I Apologize) ainsi que des oeuvres se nommant comme des musiques issues du groupe Siouxsie and the Banshees ou The Creatures : *Arabian Knight* (2015) (*voir annexe n°3*), cette oeuvre est un portrait de Siouxsie Sioux portant un bandeau couleur or, ce portrait se rapporte au clip vidéo de la musique *Arabian Knights* datant de 1981 où la chanteuse porte ce fameux bandeau doré (*voir annexe n°4*). Ou bien *Mad Eyed Screamer* (2004) (*voir annexe n°5*) représentant un trapéziste au foulard rouge possédant un

<footnote n="13">13 ETHAIRE Etienne, Diva Siouxsie, Ed. Camion Blanc, 2008. — p. 62</footnote>

<footnote n="14">¹⁴ Interview de Julie CRENN : Sous le maquillage, rencontre avec Jean-Luc Verna, Décembre 2012
— https://inferno-magazine.com/2012/12/10/sous-le-maquillage-rencontre-avec-jean-luc-verna/</footnote>
côté androgyne comme Budgie avec juste au dessus les paroles de la chance *Mad Eyed Screamer* du groupe The Creatures (Siouxsie Sioux et Budgie).

Siouxsie Sioux est celle dont il a gravé son visage et les paroles de *Love Out Me* sur son corps (Voir annexe n°6), elle possède notamment un aspect qui résonne intensément dans la pratique de l'artiste : le transhistorique. Comme l'explique l'artiste, « *elle possède ce caractère transhistorique que j'aime dans le dessin et dans la littérature.* Elle est à la fois la Pythie, la magicienne, Circé, la vampe etc.<fnref n="15" /> » La chanteuse joue alors un modèle mais aussi celui d'une aide dans la quête de l'artiste, à savoir, celle de vouloir ne donner aucun repère temporel dans sa création artistique. En reproduisant Siouxsie Sioux, il va lui faire endosser de nombreux rôles tels que la papesse, la *Wonder Woman* (Arabian Knight, 2015), la vierge (Notre-Dame de Pissing Horse, 2013), la rock star (Mumuse, 2003), la Méduse (Medusa make-up to break-up, 2002), la mort (Suzanne Janet Préault, 2011)... Nous pouvons illustrer ce propos à travers l'œuvre *Dream House/La Noyée/ YSL*, 2014 (voir Annexe n°7). Ce triple titre offre plusieurs lectures, plusieurs références possibles : Siouxsie Sioux incarne alors sa musique avec *Dream House*, très certainement en lien avec l'album *Kiss in the DreamHouse*. Elle est représentée dans cette œuvre avec un sourire apaisé comme l'Inconnue de la Seine (voir annexe n°8). Et enfin, il est possible d'émettre l'hypothèse que YSL sont bien sûr les initiales d'Yves Saint Laurent, maison de haute couture qui va s'inspirer du maquillage de la chanteuse pour ses défilés en 2015. Il est donc possible d'émettre qu'encore une fois, Jean-Luc Verna mélange les époques et les arts à travers sa muse. Sans jamais donner à son œuvre un marqueur temporel précis à travers la Sioux puisqu'elle représente déjà elle-même plusieurs statuts de diverses époques. Elle adopte le rôle qu'elle chante dans *Christine*, musique inspirée d'une certaine Christine Costner Sizemore qui a été diagnostiquée avec des troubles de la personnalité. Elle traverse le temps grâce à son personnage aux multiples facettes positives comme négatives et ses influences de tous horizons mais également par le fait que la chanteuse continue encore de nourrir les artistes actuels. La chanteuse est à la fois dans le passé et dans le présent. En 2001, l'artiste pluridisciplinaire rend hommage à Siouxsie Sioux au MAMCO à Genève. Il reçoit une invitation de Christian Bernard pour créer un *all-over* dans une des salles d'exposition, l'oeuvre s'installera sur les murs mais aussi sur les

<footnote n="15">¹⁵ Interview de Julie CRENN : *Sous le maquillage, rencontre avec Jean-Luc Verna*, Décembre 2012
— https://inferno-magazine.com/2012/12/10/sous-le-maquillage-rencontre-avec-jean-luc-verna/</footnote>
sols : Siouxsie au Palais du Tè<fnref n="16" />. Cette exposition rassemble tout le temple de Verna et nous y retrouvons, bien sûr, Siouxsie Sioux. « Jean-Luc Verna réalise Chapelle Siouxtine, un portrait de Siouxie avec son ex mari, harmonieusement intégré à l'imagerie fantasmagorique du Palazzo del Tè de Giulio Romano. Ainsi l'égérie post punk se marie avec le maniérisme italien du XVIème siècle. Les fresques du Palazzo del Tè à Mantoue sont un trésor de curiosité enfermé dans une architecture classique et austère. Le bâtiment est composé de plusieurs salons où tour à tour le visiteur rencontre la grâce, l'érotisme et la violence. « J'aime le maniérisme et j'adore le Palais du Tè de Giulio Romano, je voulais à la fois représenter ma Sixtine (Sixtine Siouxsie évidemment), les deux ont convergé et fusionné.<fnref n="17" />» La chanteuse est une actrice, une connexion permettant l'assemblage d'une temporalité indéfinie, elle légitime la jonction entre art antique et histoire de la musique sans renier sa forte et impressionnante personnalité.

De plus, Siouxsie Sioux représente assurément un personnage marquant et féroce qu'il est toujours possible de voir comme une référence, une inspiration. D'autant plus que cela fait écho avec cette lutte féministe qui ne cesse de se renforcer aujourd'hui, cette volonté de se libérer du patriarcat des diktats etc ; la chanteuse représente cette femme libre, sous aucune autorité masculine qui s'affirme. Elle déclara : « Rien que le fait d'être une femme et de faire ce que je faisais il y a vingt ans était finalement faire preuve d'engagement politique. Être sur une scène avec l'image que j'avais et les choses que je chantais, c'était on ne peut plus politique... Je n'avais pas besoin de parler de féminisme, je l'incarnais !<fnref n="18" /> » Siouxsie peut être une figure de cette lutte, elle a remis au goût du jour le mystère de la féminité mais aussi la femme fatale et ce n'est pas l'artiste pluridisciplinaire qui dira le contraire et qui dresse un portrait juste de la chanteuse : « C'est une femme que j'aime pour moi qui suis féministe. Elle a de la puissance, elle prend sa destinée en main, elle ne se laisse pas avoir par une industrie menée par des hommes. C'est la femme libre et puissante. C'est Wonder Woman. Elle est un exemple magnifique pour moi.<fnref n="19" /> »

<footnote n="16">¹⁶ Mamco Genève, Jean-Luc Verna, Siouxsie dans le Palais du Tè (s.d) — https://archive.mamco.ch/artistes_fichiers/V/verna.html</footnote>

<footnote n="17">¹⁷ CRENN Julie, Jean-Luc Verna - Etoile insoumise (s.d) — https://crennjulie.com/2011/10/16/jean-luc-verna-etoile-insoumise-laura-12/</footnote>

<footnote n="18">¹⁸ ETHAIRE ETIENNE, Diva Siouxsie, Ed. Camion Blanc, 2008 — p. 203</footnote>

<footnote n="19">¹⁹ Art. Cit. Interview de CRENN Julie.</footnote>
Mais au-delà de cette admiration, en apprenant plus les aspirations de la Ice Queen, il est
possible de se rendre compte de multiples points communs de création et personnels entre
Jean-Luc Verna et Siouxsie Sioux. Grâce à leur même provenance, celle des *subcultures*, ils
cultivent « *la poésie de la monstruosité, la splendeur de la laideur, par-delà bien et mal.*<fnref n="20" /> »
Cette phrase résonne dans les chansons de la chanteuse mais aussi dans les œuvres de l'artiste.
Vouloir mettre la lumière sur des choses jugées laides, rejetées par la société, prouver qu'une
beauté est présente dans tout à ce qu'ils veulent la voir. Ils invoquent tous les deux un art de
tension intimement lié à la mort, nous pouvons donner l'exemple de *Strange Fruit* de l'album
*Through the Looking Glass* (voir annexe n°9) (1987) qui est un poème de Abel Meeropol pour
Siouxsie and the Banshees et l'oeuvre *Bois-moi* (voir annexe n°10) de 2011 de Jean-Luc Verna
qui représente une bouteille avec l'annotation suivante : *The end*. Les deux artistes n'hésitent
pas à se tourner vers un univers à la fois complexe et froid. Nous comprenons que le groupe et
l'artiste mêlent mort et références riches à la création mais aussi art et musique alternative.

Cet attrait commun à l'art, de recourir à la richesse de l'art pour former leur propre art,
univers et esthétique. Pour Jean-Luc Verna, l'art classique est une source de création
inépuisable et qu'il en a recourt dans son Oeuvre comme dans *Régime* (voir annexe n°11) de
1993 qui reprend un portrait d'homme en chair dans une position et une représentation
classique. Dans sa série de photographies représentant de moment de concerts concordant avec
des grands tableaux d'art classique et encore dans l'œuvre *Medusa make-up to break-up* de
2002 (voir *Annexe n°12*). Ce dessin allie le portrait de la chanteuse britannique sous des airs de
Méduse très maquillée. Le mythe et l'image de Méduse est une représentation souvent étudiée
et utilisée dans l'art. L'artiste tire les ficelles de l'art et de la musique pour les nouer entre elles.

Pour Siouxsie Sioux, que cela soit pour son style vestimentaire et son maquillage comme
ses chansons, elle s'inspire des arts visuels, peintures et artistes pour perfectionner son style.
Par exemple, dans le clip promotionnel pour *Happy House* en 1980, nous remarquons deux
inspirations, d'une part la réutilisation de l'image du personnage italien Arlequin. Siouxsie
Sioux est revêtue d'un ensemble à losanges noir et rose au grand col pointu (voir annexe n°13).
Et d'une autre part, le groupe évolue dans une maison complètement distordue à l'architecture

<footnote n="20">²⁰ Edwood, The Web's Worst Page, *Hall of Fame : Siouxsie and the Banshees* (s.d.) —
http://www.ed-wood.net/Halloffame/halloffame-siouxsie.html</footnote>
impossible comme les tableaux de Maurits Cornelis Escher (voir annexe n°14). Mais la chanteuse ne s’arrête pas là, elle a recours également à l’art de Klimt pour parfaire son style comme nous pouvons constater dans le live de 1983 au Royal Albert Hall où nous la voyons avec son iconique maquillage noir charbonneux imposant et portant des gants et une robe noir aux ornements dorés assorties à ses nombreux bijoux. Cette tenue pourrait être une version d’une tenue appartenant à une femme d’un tableau de Gustav Klimt avec une touche Siouxsie.

« *Comme Bowie avant elle, Siouxsie Sioux va emprunter aux arts visuels et à la peinture, son maquillage romantique, ses tenues vestimentaires années 30 et définir un style unique et reconnaissable qui survit toujours aujourd’hui.*<fnref n="21" /> »

Pour la partie création musicale, Siouxsie Sioux va aussi amener à son groupe Siouxsie and the Banshees des références de l'art : nous retrouvons un clin d'oeil à l'oeuvre d'Edvard Munch, *Le cri* avec leur premier album nommé *The Scream*. Le groupe s'inspire aussi des œuvres d'art pour les paroles, nous pouvons citer l'exemple de la musique *Metal Postcard* qui renvoie à l'œuvre dada de John Heartfield, *Hurrah, Die Butter ist alle!* (voir annexe n°15)

Jean-Luc Verna comme Siouxsie Sioux sont tous deux, deux artistes curieux, s'inspirant de tout ce qui les entoure, de tout ce qu'ils apprécient et qui peut être potentiellement une source de création artistique. Ils ouvrent les frontières des arts pour leur travail et unissent la relation entre musique alternative et histoire de l'art.

Pour terminer cette partie, nous pouvons considérer Siouxsie Sioux comme une muse, une icône païenne, un fantôme prenant plusieurs formes qui rôde dans l'art de Verna. « *Elle fait le lien entre la culture populaire et les idoles antiques, les guerrières hystériques de l'Olympe.*<fnref n="22" /> »

La chanteuse officie et surplombe les autres personnages du temple de l'artiste. Multipliant les rôles, elle nous offre plusieurs histoires et nous dévoile sa puissance en tant que femme. Elle permet également de fortifier l'alliance de l'Histoire de l'art et des cultures alternatives, une volonté chère pour Jean-Luc Verna. Au-delà de l'apport dans les créations de ce dernier, Siouxsie Sioux est aussi la parfaite alliée de l'artiste, elle est son phare, celle qui permet de garder le cap et l'inspiration comme l'illustre l'oeuvre *Muse Sioux* de 2004 (voir annexe n°16).

<footnote n="21">²¹ Musicophages, *Siouxsie and the Banshees : 7 titres qui ont influencé les 80's !* 01/06/2017 — http://www.musicophages.com/2017/06/01/siouxie-and-the-banshees-7-titres-qui-ont-influence-les-80s/</footnote>

<footnote n="22">²² MOISDON Stéphanie et TATOT Claude-Hubert, *Jean-Luc Verna*, Ed. Flammarion, 2014. — p.10</footnote>
Elle montre Siouxsie Sioux tenir un jeune Verna alors qu'il est en train de dessiner, ce dessin est une preuve de la place et de l'importance que possède cette dernière dans la vie de Jean-Luc Verna.

## 1.2 A travers le miroir de Nico

Nico ou Christa Päffgen (voir annexe n°17) est une chanteuse, compositrice, actrice, mannequin allemande née en 1938 à Cologne et décédée le 18 juillet 1988 à Ibiza. Elle commence sa carrière en tant que mannequin à l'âge de quinze ans puis actrice en 1958 pour des petits rôles, c'est en 1959 que nous lui proposons un rôle important dans *La Dolce Vita* de Federico Fellini. Ensuite, elle joue dans les films d'Andy Warhol pour enfin intégrer la *Factory* de l'artiste qui décide de la mettre en valeur au sein du Velvet Underground pour un album en 1967, *The Velvet Underground and Nico*. Très rapidement, elle se lance dans une carrière solo et sort six albums. À travers ses musiques sombres et tragiques accompagnées de sa voix lente et monocorde, Nico se détache de ce qui est fait en termes de musique à cette époque. Nous sommes dans une période Glam Rock avec de grandes figures comme David Bowie. Ce travail totalement assumé et en décalage n'échappera pas à la presse qui qualifie Nico de « gothique » en 1971²³ terme qu'il faut percevoir comme quelque chose provenant du passé, de préhistorique. Puis, avec le temps, Nico sera considérée comme une des premières influences du mouvement gothique. De plus, Nico recevra un très bon accueil de la part de la communauté gothique : « Si elle fait flipper les hippies et vomir les punks, Nico trouve, chez ceux que la presse anglaise appelle les goths, l'accueil bienveillant qu'elle attendait<fnref n="24" />.» Cette dernière possède une personnalité marquante, sombre, androgyne, hypnotisante et froide, bien loin d'Edie Sedgwick (voir annexe n°18) autre superstar pour la *Factory* de Warhol. Sans surprise, cette chanteuse fait également partie du panthéon d'icônes de Jean-Luc Verna. De plus, Nico est aussi une référence pour la chanteuse britannique Siouxsie Sioux mais aussi pour l'artiste niçois ce qui renforce l'aspect communicant de ces derniers.

<footnote n="23">²³ Simon Reynolds "From the Velvets to the void" *The Guardian*. 16 mars 2007. "The Marble Index is less folk than folk. It's Gothick, not in the corny white-face-and-eyeliner sense, but harking back to something pre-Christian and atavistic."</footnote>

<footnote n="24">²⁴ FEREY Serge, *Nico, femme fatale*, Le mot et le reste, 2016, — p. 228</footnote>
Un certain idéal romantique est commun à Jean-Luc Verna, Siouxsie Sioux et Nico. Ils sont à la recherche d'une ambiance unanime ; une atmosphère sombre qui inclut une sensibilité profonde, l'utilisation du passé, du sublime, du morbide ; « sombre mais porteur de signes de renouveau.<fnref n="25" />» Ces trois artistes nous offrent une ambiance mystérieuse et envoûtante à la fois. Bien qu'il faut émettre une nuance à propos de Siouxsie et de son groupe qui naviguent non pas seulement sur une atmosphère sombre mais aussi sur quelque chose qui se rapproche aussi d'un spleen et d'une forte tension. Il n'est pas étonnant que Jean-Luc Verna élève Nico au rang de figure tutélaire car tout comme Siouxsie Sioux, c'est une femme qui s'assume et s'affirme dans le monde du rock qui est plus aisément représenté par des figures masculines mais aussi par son style obscur, l'inverse des grandes chanteuses de l'époque notamment Tina Turner. Nico va connaître l'Allemagne divisée et bombardée et sera toujours entourée par la mort, elle était comme enveloppée dans un univers austère et mystique. La mort rôde, tout comme dans l'Oeuvre de Jean-Luc Verna. Mais, c'est une mort magnifiée, les deux artistes rendent la mort belle et poétique. Il est possible de le découvrir dans *Fin* de 1993 où nous voyons un corps complètement allongé sur une masse nébuleuse noire avec une inscription surplombant le tout : fin. Le corps allongé les yeux clos ressemble à une position mélodramatique d'une diva qui rencontre la mort. (voir annexe n°19). *Striptease* (1994) évoque quant à elle une certaine sensualité morbide : une main dévoile une seconde qui était dissimulée sous une manche drapée, la main n'est plus recouverte de chair. Nous sommes face à l'alliance du vivant et du mort avec cette touche de sensualité, de beauté (voir annexe n°20).

Nico sort son premier album *Chelsea Girl* en 1967 qu'elle a composé avec de nombreux artistes : Bob Dylan, Lou Reed, John Cale... Mais c'est *The Marble Index* en 1968 qui va marquer comme une cassure avec tout ce que la chanteuse avait produit jusqu'à présent. Nous sommes loin de l'album pop folk *Chelsea Girl* et de son album avec le Velvet. Nico produit ce nouvel album avec John Cale, un album avant-gardiste grâce à l'omniprésence de l'harmonium, instrument que la chanteuse s'approprie ; l'association avec sa voix très grave insuffle à son album quelque chose à la fois d'inquiétant, de ténébreux mais aussi de reposant. Elle ose une pochette d'album très foncée : son visage très blanc contrastant avec

<footnote n="25">²⁵ MacVal, *Jean-Luc Verna, Rétrospective*, (s.d) — http://www.macval.fr/jean-luc-verna-retrospective</footnote>
ses grands yeux et cheveux noirs. Elle se démarque par ses choix esthétiques car à cette époque, les artistes visaient des pochettes d'album très colorées (voir annexe n°21). Pour la chanteuse, cette fracture entre ces deux albums est une façon de prouver sa place, de la rendre légitime et montrer qu'elle n'est pas seulement belle. Elle est épuisée par toute cette superficialité qu'elle trouvait ennuyeuse.

Les influences pour cet album sont loin d'être dans l'air du temps de l'époque, Nico et John Cale se sont inspirés des musiques classiques européennes modernes. John Cale dira que l'album « makes more sense in terms of advancing the modern European classical tradition than it does as folk or rock music.<fnref n="26" />» (traduction voir annexe n°22). Cet album est le début de la nouvelle Nico et de son art affirmé n'hésitant pas à aller contre la mode de l'époque. « Nico marche à contre-courant des modes.<fnref n="27" />» Elle a toujours été en décalage par sa personnalité mais aussi par sa musique que peu de monde comprenait car les influences étaient lointaines et pas facilement reconnaissables ce qu'explique très bien John Cale encore une fois : « It's unique. No-one had heard anything like it before, which is why some people had a tough time making sense of it. There were no easy reference points. It had nothing in common with anything. It wasn't folk music, it wasn't rock and it certainly wasn't pop. It was something else altogether. It took the listener to a place they'd never been before that was maybe a bit frightening and strange<fnref n="28" />.» (traduction voir annexe n°23) Nico a su créer sa propre temporalité et se retrouve durant sa carrière seule à contre courant de tous. Est-ce la grande Nico qui a influencé Jean-Luc Verna dans cette quête de rendre le temps obsolète ?

Nico mais aussi Siouxsie Sioux, Jean-Luc Verna et de nombreux acteurs des cultures alternatives trouvent leur inspiration dans des mouvements plus anciens. Le romantisme est un courant important, une source riche. Nico appréciait beaucoup le romantique Richard Wagner qui sera une principale source de création tout comme le poète également romantique William Wordsworth. Elle s'inspire tout comme Jean-Luc Verna des autres arts qui l'entourent, poésie, littérature, peintures, tout est une source pour créer des œuvres. Ils nous

<footnote n="26">²⁶ Article de PINNOCK Tom, *Nico and The Marble Index : "She hated the idea of being beautiful."*, 16 octobre 2015 — https://www.uncut.co.uk/features/nico-and-the-marble-index-she-hated-the-idea-of-being-beAUTIFUL-71286/</footnote>

<footnote n="27">²⁷ FERAY Serge, *Nico, femme fatale*, Le mot et le reste, 2016, — p. 89</footnote>

<footnote n="28">²⁸ Art. cit.</footnote>
transportent tous dans un univers où leurs créations s'affirment comme contemporaines mais aussi parfois incomprises par leurs influences.

« *The time is timeless to me*<fnref n="29" />. », (traduction voir annexe n°24) phrase qu'aurait pu dire Jean-Luc Verna, prononcée par Nico montre bien la volonté de la chanteuse de faire le choix de ne pas se soucier du temps, de ce qui est à la mode, toutes les époques se mélangent et communiquent ensemble. L'intemporel évoque ce fait de ne pas pouvoir dater précisément quelque chose puisqu'il est de toutes les époques. L'ultime question que nous pourrions se poser est celle de la technique, du processus artistique de Nico qui rend ses œuvres non obsolètes. Certaines sont plus marquées que d'autres par ce mystère intemporel notamment *The Marble Index, Desertshore* ou bien *The End* esquivent le temps comparé à la musique *My Heart is Empty* où l'arrangement musical paraît daté (hors performance live). Pour les trois albums « *leur originalité préserve de toute obsolescence*.<fnref n="30" />» Le fait que la chanteuse s'affranchisse elle-même et son travail poétique de tous les clichés et de la mode, elle ne peut donc pas être confrontée au démodé, et dépassé. Son travail reste une musique hors du commun à n'importe quelle époque. « *Les meilleurs disques de Nico sont restés hors du temps parce qu'éloignés de tout cliché à la mode de l'époque*.<fnref n="31" />»

Beaucoup moins présente que Siouxsie Sioux dans les dessins de Jean-Luc Verna, Nico reste malgré tout une figure importante dans l'univers de l'artiste et lui consacre quelques clins d'oeil avec des titres, des petits transferts cachés dans des dessins plus grands comme dans l'oeuvre *There shes goes again* (voir annexe n°25) qui est aussi une musique du Velvet Underground que Nico a chanté mais cette version ne figura pas dans l'album. De plus, dans le dessin de Verna, c'est bien Siouxsie Sioux qui y est représentée, il est facile de la reconnaître grâce à son maquillage iconique et à son bandeau.

La deuxième œuvre qui pourrait créer un lien avec Nico est nommée *Kindertotenlieder*. Les *Kindertotenlieder* sont d'abord un recueil de poèmes écrits par Friedrich Rückert après la mort de ses enfants (1833-1834) puis Gustav Mahler reprendra des extraits afin d'y faire une

<footnote n="29">²⁹ *Opus citatum*. — p. 9</footnote>

<footnote n="30">³⁰ FEREY SERGE, *Nico, Femme Fatale*, Le Mot et Le Reste, 2016, — p. 252</footnote>

<footnote n="31">³¹ *Ibidem*. — p. 131</footnote>
oeuvre pour voix et orchestre entre 1901 et 1904. Nico aimait l'oeuvre de Mahler par dessous tout, cela faisait écho à son histoire, elle ne pleurait pas ses enfants évidemment, mais elle pleurait sa mère qui sombrant dans la folie l'a fait retomber en enfance<fnref n="32" />. Jean-Luc Verna réutilise également cette référence à travers le travail de Gisèle Vienne (Chorégraphie franco-autrichienne qui fait souvent appel à l'artiste pour ses pièces). Gisèle Vienne a créé en 2009 *Kindertotenlieder*. Une œuvre chorégraphique s'inspirant dans la perception de la mort que Jean-Luc Verna reprendra en solo certains extraits de cette pièce lors de sa rétrospective au Mac Val en 2016. Il est possible de remarquer que Jean-Luc Verna et Nico possèdent cette référence classique post romantique et qu'ils l'usent comme références artistiques.

La chanteuse allemande a toujours su se démarquer et dans cet élan de faire revivre le passé, elle convoque des références classiques post romantique mais aussi au-delà. Elle fait renaître des œuvres, des techniques, des arts passés, elle revient sur quelque chose de primitif, dépouillé de superficialité. Ce qui démarque Nico des autres, c'est également sa faculté de création très lente qui amène à des poèmes plus qu'à des chansons, elle détruit le système basique de la musique (couplet-refrain-couplet ou de la musique binaire). « *Sa seule poésie aux influences désuètes, sa musique lancinante, presque liturgique*<fnref n="33" />» révèle une capacité de manier, jour avec les mots, il y a une très grande qualité d'écriture et de style. Nico réalise ce qui lui plaît, ce qui la transcende n'ayant pas peur de faire réapparaître des esthétiques anciennes : Elle fait remarquer que « *Certaines de ses chansons sont comme les poèmes gravées sur les pierres tombales.*» Elle renouvelle ainsi un genre de la renaissance ressuscité au XIXe siècle : le *tombeau*, ou recueil d'épitaphes<fnref n="34" />. » C'est toute la magie de la musique de l'artiste.

Nico reste une grande influence, un modèle pour de nombreuses personnes dans le monde musical. La déesse de la lune est brillante dans la réalisation de ses textes mais c'est aussi un personnage, une personnalité à part, une femme mystique obsédée par la magie noire, qui aime s'enregistrer dans le noir complet ou à la lueur des bougies. Une femme pas très bavarde qui répond soit généralement à côté ou bien ne répond pas du tout, c'est un

<footnote n="32">³² *Ibid.* — p. 121</footnote>

<footnote n="33">³³ *Ibid.* — p. 121</footnote>

<footnote n="34">³⁴ *Ibid.* — p. 122</footnote>
personnage déroutant qui éveille la curiosité. Cela fascine et des artistes reproduisent certains aspects de Nico : « Bauhaus, les Banshees, s'ils ont recours à une instrumentalisation rock, puisent dans les mêmes ténèbres que Nico. Le visage blafard de Siouxsie, les rictus émaciés de Pete Murphy, les flips intimistes de David J, les vocalises sataniques de Diamanda Galas, les poèmes surréalistes de Rozz Williams, la voix grave d'Andrew Eldritch sont autant de mises à jours des attitudes et de la musique de Miss Death Trip<fnref n="35" />.»

A travers Jean-Luc Verna, il est possible de noter que Nico continue d'influencer des artistes plus contemporains par sa musique et son univers mais aussi par les mêmes objectifs artistiques : des influences désuètes, affirmer sa différence à travers son art voire son physique, ne vouloir s'ancrer dans aucune temporalité, s'inspirer du mystique, du fantastique, s'affirmer dans une certaine marginalité etc. Ils sont tous les deux dans la vision de l'art comme catharsis; cracher les démons sur une feuille et les transformer en poème, en dessins... Nico et Jean-Luc Verna sont pleinement dans l'incarnation de leur art et essayent de tout faire communiquer ensemble : Jean-Luc Verna lors d'exposition aime quand diverses formes d'art cohabitent et communiquent ensemble, un art qu'il faut voir dans son intégralité tout comme Nico lors de ses concerts qui projetait parfois des extraits du film *La Cicatrice Intérieure* (1972) de Philippe Garrel dans lequel elle jouait et réalisa la bande son. De plus, l'artiste polymorphe avec son groupe I Apologize continue de prouver son admiration pour Nico et plus largement du Velvet Underground en reprenant des musiques lors de leurs concerts. Ou bien, en réutilisant les paroles de *Janitor of Lunacy* de Nico entouré d'un cerne noir au début de la rétrospective du MacVal en 2016 (voir annexe n°26). Nico est une icône plus discrète que Siouxsie Sioux pour Jean-Luc Verna, n'ayant certainement pas eu le même degré d'impact mais reste une inspiration artistique et un pilier personnel.

« Janitor of tyranny
Testify my vanity
Mortalize my memory<fnref n="36" /> » (traduction voir annexe n°27)

## 1.3 Diamanda Galás, la diva des dépossédés

<footnote n="35">³⁵ Ibid. — p.229</footnote>

<footnote n="36">³⁶ Nico, *Janitor of Lunacy*, label Visionary Communications, 13 Septembre 1996.</footnote>
« Je suis le Fléau. Je suis l'Imbécile Sacré. Je suis la merde de Dieu. Je suis le Signe. Je suis la Peste. Je suis l'Antéchrist.<fnref n="37" /> »

Pour cette partie, Diamanda Galás (voir annexe n°28) clôt ce groupe des Trois Parques de Jean-Luc Verna, cette dernière est une chanteuse, musicienne et artiste américaine née le 29 Août 1955 à San Diego. L'artiste étudie la biochimie en parallèle de ses cours de chant lyrique et de piano. Ses débuts sur scène se font en 1979 au Festival d'Avignon dans l'opéra *Un jour comme un autre* de Vinko Globokar, par la suite, elle se lance dans une carrière solo. Diamanda Galás se révèle être une chanteuse hors pair avec sa voix d'une amplitude de trois octaves et demi.

Elle donne très vite un sens à sa musique, elle met sa voix au service de causes qui lui sont chères n'ayant pas peur d'aller vers la provocation pour faire réagir et affirmer ses positions. Elle se sert de sa création en faveur des personnes qui souffrent d'isolement social et d'oppression ou de marginalité de façon plus large, comme son œuvre *The Litanies of Satan* de 1982 inspirée d'un poème de Charles Baudelaire qui traite de cet engagement envers les personnes isolées.

Elle crée entre 1980 et 1990 à propos du sida. Les premières suspicions autour de cette maladie datent de 1980 aux Etats-Unis puis peu à peu prennent du terrain pour contaminer de plus en plus de personnes et dans divers pays. En 1982, il est possible de parler d'épidémie du sida.<fnref n="38" /> La chanteuse est touchée par ce fléau qui anéantira un grand nombre de personnes dont son frère, Philip Dimitri Galás qui sera déclaré séropositif en 1983 et décédera en 1986 à l'âge de 32 ans. Mais de manière générale, c'est un vrai combat qu'elle déclare pour la communauté homosexuelle, minorité rejetée qui est en train de mourir. Diamanda Galás est révoltée par ce mal rongeant et se propageant à toute vitesse, elle décide de composer et d'écrire : « *elle nous incita ainsi à nous battre, à lutter contre ceux qui acceptent ou qui facilitent la mort* :

<footnote n="37">³⁷ Diamanda Galás, *Sono l'Antichristo, Plague Mass*, 1991, *End of the Epidemic* (enregistré en public) (2LP/2CD) Mute Records</footnote>

<footnote n="38">³⁸ *Histoire du Sida*</footnote>
nous-mêmes.<fnref n="39" /> » Elle « insiste sur la nécessité d'une mobilisation générale contre l'épidémie.<fnref n="40" />
»

Jean-Luc Verna n'a également pas peur de prendre le sida comme cible, inscrit dans son
histoire tout comme Galás ou bien l'auteur Catherine Mavrikakis qui a écrit *Diamanda Galás, Guerrière et Gorgone*. Qui par ailleurs, dans son écrit, explique de façon touchante l'ambiance
qui y régnait pendant ses périodes sombres voyant tomber peu à peu ses proches accompagné
d'un arrière goût amer, de colère et d'impuissance. Pour la chanteuse, nous pouvons citer
l'anthologie nommée comme une nouvelle d'Edgar Allan Poe : *Masque of the Red Death*
(1988). La nouvelle d'Edgar Allan Poe relate celle d'un prince et de ses courtisans enfermés
dans une abbaye pour échapper à une épidémie de la Mort Rouge qui frappe le pays. En
sécurité dans l'abbaye, ils mènent une vie de plaisirs et de vices alors que la population est
frappée par la maladie. Ce titre pour Galás n'est certainement pas choisi au hasard puisqu'il
peut largement faire écho à l'épidémie du sida qui frappe un grand nombre de personnes dans
une certaine indifférence et en les excluant. Peu de temps après en 1991, *Plague Mass* sort sous
le label Mute, pour AllMusic<fnref n="41" /> c'est : « *Heart-wrenching cry about the physical suffering
caused by the AIDS plague being compounded by the shameful arrogance of self-appointed
moralists*.<fnref n="42" /> » (voir annexe n°29) Cette messe d'une heure a été enregistrée en direct dans la
cathédrale de Saint-Jean le Divin à New-York, ce choix reflète un combat envers l'Eglise
catholique et sa position face au Sida.

Pour Jean-Luc Verna, il rend hommage aux victimes en créant par exemple un rideau de
scène nommé *Half Knight* (2016) (voir annexe n°30) qu'il utilise durant sa chorégraphie
*Uccello, Uccellacci & the Birds* et dans ses expositions. Ce rideau est dédié à Bruno Pelassy,
artiste polymorphe qui décède du sida en 2002. Cette œuvre est aussi un hommage à
l'installation commune des deux artistes datant de 1996 : *Half Past Night* (voir annexe n°31).
De plus, il réalise un dessin nommé *Galas* (hiv) datant 2007 (voir annexe n°32), dessin d'un
portrait de profil de Diamanda Galás certainement mélangé à celui du dessinateur. Le nom de

<footnote n="39">³⁹ MAVRIKAKIS Catherine, *Diamanda Galas, Guerrière et Gorgone*, — p.17</footnote>

<footnote n="40">⁴⁰ Thèse de Valérie Rauzier, *Diamanda Galás et Kathy Acker : Contre pouvoir à corps et à cris*.
Soutenue le 3 décembre 2016, dirigée par Monsieur Claude Chastagner.</footnote>

<footnote n="41">⁴¹ Base de données de musique en ligne</footnote>

<footnote n="42">⁴² All Music, *Plague Mass* (1984 *End of the Epidemic*) *Diamanda Galas* (s.d) —
https://www.allmusic.com/album/mw0000264786</footnote>
la chanteuse surplombe le tout avec un oiseau mort sur le dos, une personnification du sida et de ses ravages. Le portrait se trouve emprisonné dans cette brume noire épaisse qui se termine en forme de petits serpents. Un mal qui essaye de se propager toujours plus loin. Nous voyons une rose qui se fond dans le sombre dessin comme un signe de respect pour les victimes. Au centre de l'œuvre, il prône une phrase : *We are all HIV+*. Phrase puissante que la chanteuse s'est faite tatouer sur les phalanges comme signe de protestation et de soutien aux malades. Jean-Luc Verna aide aussi la cause en mettant plusieurs dessins dont un *Puramour* libres de droits pour l'association Act Up-Paris pour une vente de tee-shirts et badges afin de conforter l'association qui se bat depuis 1989 en France pour aider tout.es les séropostifs.ves.

Les deux artistes mettent au cœur de leur art, un combat qui les touche sans s'enfermer pour autant uniquement dans cet art politique. L'art pour eux, est une façon d'extérioriser ce mal et de ne pas faire tomber dans l'oubli ceux qui se battent chaque jour contre la maladie. Leur travail est levé comme un étendard pour cette croisade contre le sida et de plus largement redonner une place aux minorités, aux exclu.e.s de la société. Mais admettre qu'ils ne font partie que de ce champ-ci serait une erreur. Les deux travaux artistiques ne peuvent s'inclure que dans un art à des fins de luttes, ils sont riches de bien autres sources et influences de toutes horizons. Grâce à leur marginalité artistique, ils sont libres d'aller et venir dans de nombreux styles, époques et sujets sans jamais être définis par un seul genre. La chanteuse d'origine grecque suit le même chemin ambivalent que celui de Verna, celui d'être à la fois un être marginal pendant le processus de création et par leur contenu mais également connu dans le monde de la création artistique d'aujourd'hui.

Ce ne sont pas des figures qui acceptent une étiquette. D'ailleurs, Galás n'admettra jamais la qualification de gothique et de punk rock. Malgré son univers et son style très sombre, elle n'appartient à rien ni personne. « *Elle ne peut être saisie, ramenée à une définition unique*<fnref n="43" />. » Tout comme Nico, Siouxsie Sioux et Verna, cela sera trop réducteur pour ces artistes qui représentent plus qu'un mouvement, qu'une seule référence. La pluridisciplinarité de Galás et de Jean-Luc Verna bloque la catégorisation, se sont des artistes hors normes pour les classer seulement dans le *Protest Art* pour la chanteuse et ou en tant que

<footnote n="43">⁴³ *Ibidem*. — p. 23</footnote>
dessinateur pour Jean-Luc Verna. Ce sont des artistes qui digèrent de nombreuses influences pour pouvoir les réutiliser dans leur création.

Jean-Luc Verna n'apprécie pas Diamanda Galás pour cette unique raison, les Trois Parques reflètent une certaine image de la féminité à la fois suprême, invulnérable et inaccessible. C'est le féminin informe et protéiforme<fnref n="44" />. La chanteuse représente l'indépendance et endosse plusieurs rôles : la harpie, la walkyrie, la gorgone, les quatre chevaliers de l'apocalypse, « monstre fabuleux et terrifiant.<fnref n="45" />» « Galás terrorise la terreur, elle méduse la Méduse.<fnref n="46" />» Le monde de la musique attribuera à Diamanda Galás des rôles souvent monstrueux qui émanent une certaine crainte car son approche expérimentale de la musique intimide, son fort caractère la fait voir comme une femme dangereuse. Nous pouvons retrouver cette idée dans les photographies de Robert Knoke Medusa (Diamanda Galás), 1992-1993 : « Sur cette série de photographies, Galás pose torse nu, les cheveux tirés en arrière. Elle est couverte d'une peinture gris foncé qui donnent à sa peau les reflets luisants et sombres des statues de plomb. Là encore, l'artiste fixe l'objectif. Son regard semble avoir un effet aussi pétrifiant que celui de la Méduse puisque le spectateur doit fixer la photo longtemps pour essayer de discerner si les yeux sont bien ouverts.<fnref n="47" />» (voir annexe n°33)

La chanteuse réanime également une certaine image de la sorcière mais cela n'est pas étonnant en vue de son statut de femme marginale, secrète, aimant l'esthétique de l'occulte. Elle s'amuse de cette image que nous lui donnons, et ce n'est pas un hasard si elle fera une reprise de la musique *I Put Spell on You* de Screamin' Jay Hawkins. Tony Phillips reçoit la chanteuse lors de sa chronique d'Août 2008 à New-York, il la qualifie de : « *A blood covered banshee.* » (traduction voir annexe n°34). Une banshee est une magicienne ou une messagère de la mort, être solitaire surnaturelle qui annonce la mort par un cri, des pleurs incessants ou bien encore par des lamentations, nous appelons cela : mélopées funèbres. Cette pratique des mélopées funèbres renvoie à la pratique gaélique très ancienne de femmes imitant des

<footnote n="44">⁴⁴ Thèse de Valérie Rauzier, *Diamanda Galás et Kathy Acker : Contre pouvoir à corps et à cris.* Soutenue le 3 décembre 2016, dirigée par Monsieur Claude Chastagner.</footnote>

<footnote n="45">⁴⁵ MAVRIKAKIS Catherine, *Diamanda Galas, Guerrière et Gorgone*, — p. 20</footnote>

<footnote n="46">⁴⁶ *Ibidem*. — p. 38</footnote>

<footnote n="47">⁴⁷ Thèse de Valérie Rauzier, *Diamanda Galás et Kathy Acker : Contre pouvoir à corps et à cris.* Soutenue le 3 décembre 2016, dirigée par Monsieur Claude Chastagner. — p. 218</footnote>
lamentations pendant des enterrements ou autres cérémonies funèbres. Nous retrouvons aussi une trace de cette pratique de lamentations sous le métier de pleureuse durant l'Egypte Antique, la Rome Antique ou durant le Moyen-Âge afin de montrer la douleur du deuil. Aujourd'hui, elles ont pratiquement disparu, elles persistent fébrilement encore en Asie ou au Royaume-Uni. Cette pratique et imagerie de la Banshee et de la pleureuse sont réintroduit par la chanteuse à travers sa musique à partir de 1983, nous pouvons l'entendre très clairement dans *Deliver Me from Mine Enemies* dans *The Divine Punishment* de 1986 ou bien dans *Do Room* de Schrei X (1996). Diamanda Galás qui est surtout très inspirée par la tragédie grecque réutilise une pratique passée de mode pour l'inclure dans son art, dans un contexte contemporain. La chanteuse est une sorcière contemporaine qui nous lance des sorts, ses lamentations, son combat et sa douleur pour nous transporter de l'autre côté grâce à son pouvoir : sa voix. Elle nous projette dans le côté sombre de la mort et des ténèbres. Diamanda Galás a toujours été entre deux mondes : celui de la vie et celui de la mort. « *Elle nous rappelle que l'horreur existe.*<fnref n="48" />»

Diamanda Galás est une artiste qui travaille avec les temps, les cultures, les influences de champs différents etc. C'est une artiste qui « se laisse traverser par tous les temps ou encore les lieux de ce monde.<fnref n="49" />» Elle ne suit aucune mode d'un point de vue musical, aucun code, elle se laisse emporter par tout ce qui la transcende pour en faire son propre art. Elle n'a pas peur de réintroduire des concepts de la tragédie grecque, des chants folkloriques comme le Fado, genre de musique portugais ou encore l'utilisation de la technique du Bel Canto, tradition lyrique italienne basée sur une recherche d'un timbre parfait accompagné d'une certaine virtuosité étonnante. La chanteuse américaine aime mélanger les références mais trois grands champs revient souvent : l'aspect occulte, l'aspect chamanique et le rituel de l'art. Cela se retrouve par exemple dans *The Litanies of Satan*, texte tiré des *Litanies de Satan* (voir annexe n°35) de Charles Baudelaire dans les *Fleurs du mal*, Diamanda Galás récite le texte en français en lui donnant un aspect de prière voire d'incantation magique. Les moments de répétition du texte, de la musique et de la montée en trans de l'artiste se rapprochent de la glossolalie et renforcent le côté chamanique et ritualisent la musique. Ces aspects confèrent ainsi réellement une ambiance très inquiétante, oppressante et obscure. « *Avec Baudelaire, elle y implore le diable*

<footnote n="48">⁴⁸ MAVRIKAKIS Catherine, *Diamanda Galas, Guerrière et Gorgone*, — p.33</footnote>

<footnote n="49">⁴⁹ *Ibidem*. — p. 63</footnote>
*de prendre pitié nos misères*<fnref n="50" />», elle nous aide à nous laver de nos craintes et à donner une place à ceux qui sont isolés. Elle se réapproprie les poèmes de Baudelaire pour en faire une musique d'avant-garde et ce schéma est souvent repris, Galás reprend une référence antérieure pour l'intégrer dans une musique actuelle expérimentale. Elle reprend et/ou s'inspire de Baudelaire mais aussi Gérard de Nerval, du Marquis de Sade, Paul Celan, Pier Paolo Pasolini... Autant de références anciennes pour une création actuelle.

La chanteuse utilise des inspirations des textes sacrés comme la Bible et les détourne comme avec Vena Cava (1993) qui traite de la folie et de la dépression qui sera jugé blasphématoire pour l'Eglise qui la censura de la radio chrétienne et de l'institution religieuse. Diamanda Galás n'a pas peur de créer des associations étonnantes et transhistoriques : « *Elle mêle connaissances ancestrales et connaissances de l'avant garde du 20ème siècle*.<fnref n="51" />» Nous pouvons remarquer qu'elle s'inspire autant de références littéraires que musicales que culturelles qui peuvent être opposées d'un point de vue temporel, par exemple, elle peut s'inspirer de la technique du Bel Canto qui est une référence classique tout comme la technique contemporaine expérimentale du Roy Hart Théâtre créer par Alfred Johnson et Roy Hart lui même. Cette technique s'axe sur le développement de la voix et de l'expression vocale. « *La poétesse des enfers*<fnref n="52" />» détermine sa création par des références opposées mais aussi dépassées tout comme Jean-Luc Verna. En vue de ses origines grecques, elle est passionnée par l'antiquité, la mythologie et bien évidemment par la tragédie. Une puissance primitive de la tragédie se ressent dans les thèmes abordés, elle incarne ou évoque souvent des personnes en lutte qui connaissent une certaine fatalité. Dans l'Oeuvre de Galás, il est possible d'y retrouver également une sorte de purgation du mal, des passions autrement dit la catharsis liée à la tragédie selon Aristote. La chanteuse reprend exactement cette idée classique, pour elle l'art est comme « *nettoyage, purgation, guérison partielle et éventuelle consolation*.<fnref n="53" />»

En clair, Diamanda Galás n'hésite pas à enchevêtrer références classiques et anciennes avec la création de musique d'avant-garde. « *Galás se donne pour tâche d'être poreuse,*

<footnote n="50">⁵⁰ *Ibid.* — p. 20</footnote>

<footnote n="51">⁵¹ *Ibid.* — p. 83</footnote>

<footnote n="52">⁵² *Ibid.* — p. 44</footnote>

<footnote n="53">⁵³ *Ibid.* — p. 99</footnote>
traversée.<fnref n="54" />» Elle reprend des codes, des textes, des références issus de tous les domaines mais en faisant toujours passer des sentiments universels comme la douleur. Car même si la musique de Diamanda Galás paraît éloignée de ce qui est fait aujourd'hui, elle arrive malgré tout à transmettre des émotions que nous avons tous déjà ressenties. La chanteuse ne crée pas pour plaire mais pour nous violenter. Ainsi le fait qu'elle sorte des codes de la musique, depuis 1982 jusqu'à 2017 rend l'écoute de sa musique intemporelle. Son travail reste toujours à la fois surprenant et oppressant mais également riche de références. L'art de Galás est au carrefour de musiques traditionnelles et populaires surtout d'Asie Mineure, grecques (le Rebetiko) et arméniennes mélangées à des racines du jazz, du blues et aux poètes maudits, toujours sur un fond de tragédie.

Pour ce qui est de l'influence de la chanteuse sur Jean-Luc Verna, il est possible de recenser trois œuvres principales : *Diamanda* (1998) et *Galas* (2007) et *Galas* (hiv) (2007). Il lui dédie une baguette magique, objet récurrent dans l'œuvre de l'artiste. Symbole de l'enchantement et de magie qu'il introduit dans notre réalité. Il nous prouve tout au long de son travail que les frontières sont poreuses entre les différents mondes, la baguette magique est une preuve que tout se rencontre et communique. Pour ce qui est de l'œuvre *Diamanda* (*voir annexe n°36*) cela est un choix judicieux qui renvoie de façon honnête au personnage ambivalent qu'est la chanteuse américaine. Cette « baguette magique homicide » est un assemblage entre baguette magique et petite lame, cela reflète parfaitement la violence et la magie que peut procurer l'art de Diamanda Galás. Sa musique est aussi effrénée et violente qu'un coup de poignard, mais la chanteuse ne compose pas pour nous divertir mais pour nous offrir une expérience comme avec *Schrei X* où elle plonge la totalité de la scène et de la salle dans le noir. La chanteuse réenchante notre réalité de façon à nous bousculer parfois à nous mettre mal à l'aise : il faut tout oublier de ce que nous connaissons de la musique pour écouter Galás. Elle est comme une fée maléfique, une fée des enfers qui nous transporte dans son monde morbide et n'hésite pas à créer le trouble et à répandre sa magie noire.

Quant au portrait de Galás datant de 2007, (voir annexe n°37) nous découvrons un dessin de la chanteuse possédant deux cornes, très certainement une référence aux cornes du diable

<footnote n="54">⁵⁴ *Ibid.* — p. 23</footnote>
puisque Galás réfute totalement l'église, son répertoire sombre et sa musique *Sono L'Antichristo* lui a conféré un statut de satanique. Une corne est coupée car elle s'en sert en tant que réceptacle pour fumer et d'où émane une épaisse fumée rouge vive. Le rouge est une couleur que nous retrouvons souvent chez Galás : lumière sur scène, pochettes d'album. Le rouge peut renvoyer aussi à l'enfer, la passion ou bien le pouvoir. Le regard de la chanteuse est à la fois perdu, froid et intransigeant. Jean-Luc Verna a réussi à retranscrire le personnage mystique et puissant de Galás. Ce dessin lui rend hommage et révèle la femme forte que la chanteuse représente.

Pour conclure, les trois Parques de Jean-Luc Verna est une liste non exhaustive de l'influence féminine et musicale sur l'œuvre de l'artiste niçois. La femme émancipée et affirmée est un thème que nous retrouvons aisément dans les dessins de Verna et Siouxsie Sioux, Nico et Diamanda Galás en sont les principales sources de création, et cela vaut surtout pour Siouxsie Sioux qui est le pilier le plus solide dans tous les domaines pour l'artiste. En étudiant le travail des trois Parques nous pouvons comprendre pourquoi et comment il s'en inspire et à quel point leurs travaux rentrent dans la thématique de ce mémoire, celle de la création d'œuvres transhistoriques en multipliant les sources de périodes ou de cultures différentes. Ces musiques, ces œuvres traversent le temps en gardant une possible lecture actuelle et nous font ressentir des sentiments que nous avons tous déjà connus.

## 2. PUNK : l'urgence de la création

### 2.1 Genèse d'un mouvement autonome

> « Fini les solos de guitare interminables, les bœufs approximatifs et les babacooleries qu'on écoute assis en dodelinant du chef. Cette fois on se lève, on lampe une gorgée de bière et on bouge son cul ! » Bruno Blum

La mouvance punk est certainement la plus connue des histoires des cultures alternatives. Il commence à se définir au milieu des années soixante grâce aux musiciens du rock garage, des groupes amateurs répètent dans leur garage ce qui rend le tout très bruyant. « Le principe du groupe de rock amateur, branleur, qui joue approximativement mais avec une énergie sans
faille, est essentiel au processus qui mène au mouvement punk.<fnref n="55" /> » Ensuite le mot punk est repris dans les débuts des années soixante-dix pour cette fois-ci désigner les groupes américains « pour désigner des formations sauvages et à la musique primaire, dont les thèmes tournent autour du mal de vivre, de la drogue et du sexe : MC5, Iggy Pop & The Stooges et The New York Dolls.<fnref n="56" /> » L'Amérique connaît déjà les premières étincelles punk avec l'ouverture du club miteux CBGB's en 1973. Ce club va accueillir les Television, Talking Heads, Blondie, Patti Smith, les Ramones ou encore the Dead Boys, « même look famélique, la même élégance miteuse, le même regard menaçant<fnref n="57" />», ils vont grandement contribuer à la naissance du punk tel que l'on connaît aujourd'hui. En 1975, Malcolm McLaren manager des The New York Dolls va exporter ce concept en Angleterre et va créer le groupe mythique : The Sex Pistols. Le groupe et la presse anglaise vont entraîner une vague d'autres groupes à la mouvance punk.

Autant le punk américain reste plutôt marginal et hétéroclite, autant en Angleterre, il va réellement faire bouger les lignes de l'ordre établi en suivant une même ligne de conduite. En France, il arrivera un peu plus tard et deviendra vraiment médiatique et populaire dans les années quatre-vingt. En Angleterre, nous passons d'un rock plutôt pop et « gentil » vers un rock virulent et agressif afin de faire table rase du passé. Le contexte social et historique en sont pour quelque chose, en 1973, les anglais connaissent un choc pétrolier, le chômage n'a jamais été aussi élevé, des aides pour l'éducation, publiques et pour l'électricité sont bloquées... Les musiciens ressentent alors cette pression qu'ils traduisent par une musique dure et violente et répondent par la provocation. Le Punk sera un vrai mouvement marquant, une vraie résultante parallèle de ce chaos. Nous allons voir naître des groupes légendaires comme Buzzcocks, the Clash, the Slits, Eater, X-Ray Spex, The Misfits The Damned...« *Ce mouvement refuse la séparation entre l'art et la vie, tout comme la séparation entre acteur et spectateur.*<fnref n="58" /> »

<footnote n="55">⁵⁵ BLUM Bruno, *Sex Pistols, Clash... Et la révolution punk*. Ed. Hors Collection 2014.</footnote>

<footnote n="56">⁵⁶ Encyclopaedia Universalis, *Punk* (s.d) — https://www.universalis.fr/encyclopedie/punk/</footnote>

<footnote n="57">⁵⁷ Cadence Infos, *Le punk et son histoire, une musique de révolte* (s.d) — https://www.cadenceinfo.com/histoire-de-la-musique-punk.htm</footnote>

<footnote n="58">⁵⁸ Zones Subversives, *Le punk, une contre-culture dans le capitalisme*, 03/09/2012 — http://www.zones-subversives.com/article-le-punk-une-contre-culture-dans-le-capitalisme-109686739.html</footnote>
Le mouvement va introduire une musique, une esthétique, (crête, cheveux rasés, piercings, vêtements rafistolés avec des épingles à nourrice) (voir annexe n°38) etc mais aussi et surtout une façon de penser et de se rebeller. Les punks vont à l'encontre des codes et de l'autorité. Ils sont contre le gouvernement mais aussi la religion et la police car ils trouvent qu'ils sont bien trop imposants et ne font que oppresser la société. Côté musique, jugeant le rock de leur époque à mourir d'ennui, ils composent des musiques très courtes et brutales qui explorent de nouveaux thèmes jamais exploités dans la musique avant 1973 : la maladie, l'ennui, le contexte social ou bien encore la sexualité et le chômage... Ils sont réellement prêts à se faire entendre et ont cette véritable volonté de changer la société. Ce qui est intéressant dans cette contre culture, c'est la place de la femme, le punk est un des premiers mouvements à autant donner l'accessibilité de la scène aux femmes. Les femmes ne vont donc pas avoir peur de se lever et de venir chanter et jouer ce qu'elles pensent sur scène. Il va être possible de rencontrer des groupes exclusivement féminin comme les Slits. Elles vont réussir à s'affirmer dans un monde masculin. Siouxsie Sioux joue un rôle également dans l'espace punk féminin. D'ailleurs, elle reviendra sur l'impact du mouvement punk sur les femmes à travers cette citation : « *People forget the punk thing was really good for women. It motivated them to pick up a guitar rather than be a chanteuse. It allowed us to be aggressive.*
<fnref n="59" /> » Le mouvement punk, de manière générale, offre la possibilité à tout le monde de pouvoir s'exprimer.

Créatifs, autonomes et spontanés, les punks c'est aussi se positionner contre le capitalisme, ne pas accepter les marchés ni la classe dominante. Ils veulent sortir des circuits de diffusion traditionnelle, nous allons voir émerger de nombreux labels indépendants. Ils veulent également contrer le capitalisme en mettant en avant le *Do it yourself*. Quand Johnny Rotten chanteur des Sex Pistols crie dans sa musique : « *You're future dream is a shopping scheme*<fnref n="60" />», il décrit et dénonce totalement ce qui est en train de se passer et ce qui va continuer. Les punks sont enragés et scandent *No future* issu de la musique *God save the Queen* des Sex Pistols pour bousculer les ordres établies et la bourgeoisie mais aussi pour appuyer leur vision pessimiste et l'état de leur propre futur. Pourtant, ils sont bien en train de

<footnote n="59">⁵⁹ Molly Tie, Punktuation Mag, *Grrrls will be grrrls the women at the birth of punk*, 18/02/2021 — https://www.punktuationmag.com/grrrls-will-be-grrrls-the-women-at-the-birth-of-punk/</footnote>

<footnote n="60">⁶⁰ The Sex Pistols, *Anarchy in the U.K*, album : *Never Mind the Bollocks*, 1977</footnote>
créer une nouvelle énergie, un nouveau regain créateur et une affirmation d'autonomie totale.

Mais il faut nuancer car à l'époque ce n'est pas l'unique mouvement contre culturel à ce
moment, il y a bien sûr le mouvement hippie qui est encore un peu présent quand le
mouvement punk émerge et cela n'empêche pas non plus la musique pop et disco de
continuer sa création. D'autant plus que le punk aussi subversif qu'il soit, n'était pas
vraiment accepté par la bourgeoisie qui était choquée par de tels comportements, tant mieux,
l'objectif était réussi pour les punks. Pour définir clairement et rapidement ce mouvement,
nous pouvons citer Fabien Hein dans son livre *Do It Yourself ! Autodétermination et culture
punk* de 2012 résume de manière juste ce qui était le punk à l'époque : « *Être punk se vit.
Concrètement. Sans différé. Sans l'aval de quiconque. Par l'engagement et par l'action. Avec
l'autonomie et l'indépendance pour horizon. L'émancipation pour élan. L'autodétermination
pour tout bagage.* »

2.2 D.I.Y, puissant moteur de création artistique

L'urgence de la création a fait émaner le D.I.Y, vite créé pour contester les ordres établies, composer pour chambouler les diktats et les marchés... L'urgence de la création se ressent notamment dans le mouvement à travers les musiques très courtes, moins de trois minutes généralement, des œuvres d'art créées avec ce qu'ils trouvaient. Ce qui amenait souvent à l'utilisation de magazines, de journaux, de métrages découpés; ils retouchaient des photographies. Ils allaient à l'essentiel.<fnref n="61" /> Assemblant, collant et retouchant, rappelant le mouvement artistique Dada. Dans la conférence de 2014 à l'ENSA des Rocailles de Biarritz, il explique que sa technique du transfert lui correspond en tout point surtout pour ce côté *cheap* de la création. Il récupère les papiers qu'ils trouvent, vieillis, jaunis, déchirés, il fabrique son propre système d'imprimante manuel grâce au transfert avec du trichloréthylène. Cela renvoie pertinemment à la création punk, celle de récupérer d'assembler, de créer avec des matériaux périssables et non nobles comme ces papiers retrouvés au fond d'une malle qui ont déjà entamé leur processus de désintégration pour recevoir les dessins de Verna (comme *Mariage* de 1993 où nous voyons le papier déchiré ou dans *l'Amour* de 1993 qui montre un

<footnote n="61">61 GERMONVILLE Jean-Paul, *Roll over Rimbaud, le poète et la contre-culture*. Ed.Camion Blanc, 2018</footnote>
papier jaunis et déchiré. (voir annexe n°39 et 40) L'utilisation de ce type de papier, nous montre deux concepts : l'inscription dans plusieurs temporalités mais aussi cette urgence de création, reprendre des vieux papiers sans se soucier de l'état, juste un support de plus pour pouvoir dessiner et raconter. Cette urgence se ressent aussi dans le travail de Verna à travers les papiers utilisés mais aussi dans le caractère, l'aspect non fini de ses dessins. L'aspect vaporeux de certaines œuvres révèlent un dessin qui pourrait se continuer mais qui s'arrête car l'essentiel est montré.

Nous sommes assurément dans le *Do it yourself* ! Le *Do it yourself* ou le D.I.Y (fais-le toi-même) est un concept élevé par la culture punk en réponse à la création de la culture dominante de l'époque. Avec le D.I.Y, ils offrent la possibilité à tout le monde d'être un acteur du monde de la culture et de pouvoir les diffuser largement et facilement : « Ceci explique le recours massif à la photocopieuse, à la polycopie et au pochoir.<fnref n="62" /> » Cette idée de réalisation autonome est véhiculée par des fanzines comme *Sideburns* qui propose un article avec la mention suivante : « voici un accord, en voici un autre, en voilà un troisième, maintenant monte ton propre groupe.<fnref n="63" /> » (voir annexe n°41) La pratique du D.I.Y, aujourd'hui, est encore présente, et touche les nouvelles générations voire même les musiciens : de la création de vêtements à la décoration, passant par la création totale de contenu pour les musiciens (clip, promotion, communication, concert...). Le D.I.Y est devenu une réelle dynamique de création mais aussi de prise de position. A travers cette pratique, les créateurs s'opposent toujours à l'industrie de la musique, de la société consumériste, prennent conscience de l'environnement etc.

Nous remarquons que Jean-Luc Verna conjugue accessibilité à l'art, création artistique avec des méthodes personnelles, volonté de contrer ce capitalisme qui vise à nous faire acheter que réutiliser. Tout cela peut être jugé comme un héritage du mouvement punk. Il n'est pas rare de trouver des œuvres aux papiers assemblés et superposés pour former une seule œuvre. Le dessin est divisé en plusieurs feuilles de différentes grandeurs, couleurs, etc. Nous retrouvons cette technique dans *La Révoltée* ou bien encore et *BRAVO* de 1996 (voir

<footnote n="62">⁶² Philharmonie de Paris, *Europunk* (s.d) — https://collectionsdumusee.philharmoniedeparis.fr/exposition-europunk.aspx</footnote>

<footnote n="63">⁶³ HEIN Fabien, *Volume! Le DIY comme dynamique contre-culturelle ? L'exemple de la scène punk rock*. — pp. 105-126</footnote>
annexe n°42 et 43). Tout comme les punks, il récupère et compose avec ce qu'il possède, il utilise des matériaux éphémères et non nobles qui passent vite, c'est cela aussi l'urgence. Ces matériaux réutilisés possèdent une histoire, se désagrègent, sont en mouvement et sont sur le chemin pour mourir, tout comme nous. La mort, cette blague de mauvais goût<fnref n="64" />. La mort, la violence sont des sujets que nous retrouvons dans le mouvement punk. Dans la création punk comme dans l'art de Verna, nous rencontrons également une certaine affection pour le letraset, qui est créée par une entreprise britannique basée sur du transfert de caractères, de polices d'écriture différentes. Il est possible de le voir sur des créations vestimentaires punk faites par lui-même ou dans ses œuvres notamment dans *King Maniera* (Futura Book Collection) de 1994 (voir annexe n°44). Nous sommes toujours dans cette idée de récupération, de créations à faibles coups. Nous sortons de la création luxueuse pour proposer de l'art accessible à tous, facile et compréhensible par tous.

La création autonome musicale comme vestimentaire ou de manière plus large artistique insufflée par les punks est comme un riche héritage pour Jean-Luc Verna. Nous le voyons déjà en 1998 avec sa veste personnalisée basé sur le letraset, perfecto noir porte le mot « charogne » en rose sur le dos fait par l'artiste (voir annexe n°45) puis continuera sa création sous l'égide du concept D.I.Y avec sa technique du transfert comme le fait de rehausser ses dessins avec des fards à paupières. Bien sûr, que le cosmétique est importante dans la vie de Verna, mais nous pouvons aussi l'apercevoir comme une utilisation alternative, comme un moyen d'avoir de la couleur et du noir par un autre biais que des simples crayons. C'est prendre ce que l'on a pour en détourner son utilisation à des fins artistiques et se détourner des techniques académiques et classiques. Tout comme le rideau de scène *Half Past Knight* (voir annexe n°46) qui est un hommage à Bruno Pelassy mais qui récupère cette manière punk de créer. Rideau javellisé accompagné de pampilles sans valeur et de cristaux Swarovski, nous sommes dans la basse et la haute culture : les cristaux Swarovski, au velour face à la javellisation et les pampilles bon marché. Mais ce qui nous intéresse ici, c'est l'aspect délavé du rideau de scène de la compagnie de Jean-Luc Verna. Elle ressemble à un énorme dripping mais aussi à *tie and dye* fait maison. L'effet tie and dye était très répandu dans la mode punk. Provenant de techniques anciennes issues du Japon, de l'Afrique ou encore de l'Inde, le tie and dye sera d'abord repris par les hippies qui garderont cet esprit très

<footnote n="64">⁶⁴ Collectif, *Jean-Luc Verna. Vous n'êtes pas un peu beaucoup maquillé* ? - Non. Ed. Mac Val, 2016.</footnote>
coloré. Puis les Punk récupèrent le procédé en version plus « rock'n'roll » et sombre, ils accentuent surtout l'effet accidentel que l'effet psychédélique. *Half Past Knight* en est un exemple, les tâches paraissent très hasardeuses comme lancées dans l'urgence. Il y a un aspect provenant d'une puissante énergie et de chaos mêlés à la beauté. C'est l'énergie du moment qui fait naître la création.

### 3.3 L'inspiration punk dans la pratique plastique

Nous le savons maintenant, Jean-Luc Verna aime récupérer et détourner et le mouvement Punk ne passera pas à la trappe. Dans *Parques Avenue* (2001) (voir annexe n°47), il reprend la très célèbre photographie dans la boutique Sex avec entre autre Vivienne Westwood positionnée de dos qui a écrit le mot sex sur ses fesses (voir annexe n°48). Pour rappel, Sex anciennement Let It Rock est la boutique punk par excellence créée et gérée par Vivienne Westwood grandes couturière anglaise et Malcolm McLaren manager des Sex Pistols et des New York Dolls en 1971. Ils développeront toute une esthétique *underground* autour du tartan, des bas, du latex, des tee-shirts à slogan etc. Sex sera la boutique où les punks viennent s'habiller. Cette photographie est donc reprise par Jean-Luc Verna qui transforme ces trois jeunes femmes en parques matures avec les lettres de l'alphabet parcourant leurs fesses et en inversant la photographie (effet miroir). Nous remarquons que trois lettres sont manquantes : S E X. Il inverse le procédé de base et cela pour une raison bien particulière, Jean-Luc Verna est homosexuel, il explique alors qu'il “*a tout lu sur leur cul (des femmes) sauf le sexe*.”<fnref n="65" />

Nous allons en parler plus en détails dans une partie totalement dédiée à la représentation des clowns dans l'art de Jean-Luc Verna mais il est intéressant de commencer à en parler ici à travers le groupe français Bérurier Noir. Groupe punk français, engagé et militant ont marqué la période punk française notamment grâce à leur slogan « *La jeunesse emmerde le Front National* » qui fait écho aux élections de 1988 où ce parti connaît une grande hausse à travers la figure de Jean-Marie Le Pen. Le groupe Bérurier Noir modifie un peu les codes de ce que faisait les punks : textes forts et brutes dénonçant les injustices, ils n'ont pas de batteur et se

<footnote n="65">⁶⁵ Dit lors d'une conférence du 20 Mars 2014 à l'ESA des Rocailles de Biarritz.</footnote>
tournent plus vers un Yes Futur et arborent une image festive accompagnée de clowns. Que ce soit sur les pochettes d' albums : *Joyeux Merdier, Abracadaboum, Enfoncez l'clown* ou en se déguisant sur scène (voir annexe n°49) en portant des nez de clown. Ils reprennent les codes esthétiques et musicales des clowns, dans *Salut à toi* (à la toute fin dans l'album *Enfoncez L'Clown*), on remarque l'utilisation de la musique iconique des clowns mais aussi l'usage de sifflet « langue de belle-mère ». Ils cassent l'image des punks traditionnels et créent leur propre identité. Ils forment un cirque de clowns cyniques et enragés prêts à mener la décadence. Jean-Luc Verna reprend également cette image de clown à une période où ce personnage n'a plus de succès. Nous le retrouvons dans plusieurs de ses dessins et dira dans l'entretien *Lokko, une heure avec Jean-Luc Verna* le 18 octobre 2019⁶⁶, que pour lui il voit le clown comme une figure punk. Le clown est un personnage sauvage, un peu marginal que personne ne comprend vraiment, il ne fait qu'amener des rires.

Dans *Perfectos* (2011), nous pouvons remarquer l'attachement de la musique alternative. Il reprend le concept de l'œuvre autobiographique, il assemble en une œuvre des objets qui le représente et qui ne le quitte jamais. Tous ces objets sont disposés sur et autour d'un transfert sur bois circulaire. (voir annexe n°50) Le dessin représente un bras qui forme le symbole du rock (l'index et l'auriculaire dressés) connu surtout dans le metal et hardrock. Symbole intégré par un des chanteurs du groupe de Black Sabbath Ronnie James Dio. Il reprendra ce geste que sa grand-mère sicilienne faisait pour éloigner le mauvais œil, il s'en servira comme monstration d'union entre le groupe et le public. Par la suite, cela sera repris dans les concerts de metal et hard rock notamment pour rendre honneur au groupe. En ajoutant le pouce, cela devient le symbole de l'amour dans langue des signes et/ou du metal chrétien n'appréciant pas le rapprochement aux cornes de Satan ou encore considéré comme la main du plaisir par l'artiste, en clair, cela est un geste à multiples lectures. Pour ce qui est des accessoires nichés sur le dessus de l'œuvre, nous y retrouvons un perfecto, élément emblématique des cultures alternatives comme le metal, le rock ou bien le punk mais aussi un vêtement indispensable pour Jean-Luc Verna. Il y a également, des fleurs, des menottes, une perruque qui ressemble à la coiffure de Siouxsie Sioux, un couteau, un collier à diamants. Nous sommes entre autobiographie d'artiste et expression nostalgique de l'âge d'or de la culture alternative punk

<footnote n="66">⁶⁶ Exclue LOKKO, Une heure avec Jean-Luc Verna, 18/10/2019 — https://www.youtube.com/watch?v=mpURnzDeITI</footnote>
voire rock de façon plus générale. Cette oeuvre montre un assemblage des contraires, perfecto,
le meilleur ami du punk et collier à diamants, fleurs et couteau, liaisons contradictoires digne
du mouvement punk qui s'amusait à mélanger esthétique bondage et imprimé tartan, symboles
tendancieux (croix gammée, cagoule du violeur de Cambridge) utilisés avec des esthétiques
BDSM, motifs animaliers et flashy ou bien l'utilisation de jarretière sur des jeans
déchirés...Cette oeuvre *Perfectos* rend hommage à son appartenance aux diverses cultures
alternatives et nous renvoie à des souvenirs de cette période. Cela reflète également la personne
qu'est Jean-Luc Verna.

Pour finir cette partie, nous pouvons alors affirmer le lien qui unit Jean-Luc Verna et la
culture Punk. “Verna a pris du punk l’essentiel : le port, la grandeur, le raffinement, le
grotesque, la drôlerie, l’exactitude. Une manière d’écrire son histoire de l’art, en forçant le
trait, de chasser dans le dessin, à la surface fragile d’un corps, d’un mur ou d’une feuille, la
beauté absolue.<fnref n="67" />” Tout comme les punks, l’artiste niçois, éclate les codes, déconstruit pour
mieux reconstruire à l’aide d’objets, de références déjà existants. Nous constatons que l’artiste
se nourrit de cette culture et nous lance des petits clin d’oeil discret à cette dernière comme
avec l’oeuvre *Fausse Sainte de 1994* (voir annexe n°51) où cette sainte crâne rasé possède plus
des allures de Punk plus que de sainte ou comme des références plus flagrantes dans : *Parques
Avenue*. Il extirpe du punk l’esthétique du chaos, de l’outrance, de la flamboyance et d’une
certaine autosuffisance. Jean-Luc Verna reste un artiste complet qui propose un panel
éclectique et mélange les genres. La mouvance punk correspond à une partie de sa vie, qu’il
aime questionner. Qu’avons-nous gardé du punk aujourd’hui ? A t-il encore des causes à
scander ? L’artiste pluridisciplinaire nous propose un pan de sa vie, une vie baignée dans l’art,
ou l’art baigne dans la vie, tout comme le pensait le mouvement DaDa ou Punk, mais il ne
s’arrête pas ici. Verna nous propose également de nous livrer sa passion pour la New-wave, ce
que nous allons analyser dans la dernière partie.

3. La présence d'un romantisme noir

3.1. *Tout est plus beau en noir, genèse du mouvement gothique*

<footnote n="67">⁶⁷ MOISDON Stéphanie et TATOT Claude-Hubert, *Jean-Luc Verna*, 2014. Ed. Flammarion — p. 8</footnote>
« *The fright is all I read*
written on her dying skin
the joy of malediction
give me the power

The worst is all we search
to build the hate, the new empire
a house of desperation
give me the power.<fnref n="68" />»

Corpus Delicti - Noxious (The Demon's Game), 1994

Le gothique est un des mouvements alternatifs le plus dur à cerner. comme l'explique si bien Gavin Baddeley auteur de *Gothic : la culture des ténèbres* : « Le mot gothique est l'un de ces termes intrigants que tout le monde croit comprendre : il évoque les chauves-souris, les cimetières... *Et pourtant, placé sous la lentille du microscope, il gigote et se tortille, et ne laisse pas épingler si facilement...*<fnref n="69" />» Le mouvement très riche et qui ne cesse d'évoluer encore aujourd'hui. Il est difficile de déposer une définition exacte qui mette tout le monde d'accord. Cette partie se fera donc grâce aux nombreuses lectures autour du sujet mais il faut toujours avoir à l'idée que cela n'est pas l'unique vraie vision de ce mouvement, que chaque vision est correcte et qu'elle apporte toujours quelque chose de positif et nourrit le mouvement.

La culture gothique apparaît fin des années 1970 début 1980 en Angleterre et à ses débuts, elle est encore nouée à la culture Punk. Les Velvet Underground et Nico insufflent une ambiance sombre à leur musique, très différente de la musique de l'époque, ils seront qualifiés comme les précurseurs, les pré-gothiques du mouvement. Lou Reed et son album *Rock'n'Roll Animal* (1974) (voir annexe n°52) comme *Diamond Dog* (1974) et son personnage d'Halloween Jack (voir annexe n°53) de David Bowie vont influencer ce qui va suivre d'un point de vue esthétique mais aussi musical. Le gothique devient indépendant du Punk vers 1983 et s'étend à toute l'Europe et fait émerger des groupes tels que Virgin Prunes, Bauhaus, Joy Division, Corpus Delicti, Dead Can Dance, Fields of the Nephilim... L'ouverture de la boîte de nuit londonienne *The Batcave* aide à l'émergence du mouvement et favorise les rassemblements des gothiques. Le club invite sur scène Alien Sex Fiend, The Specimen, Virgin Prunes etc et recevra des personnalités comme Robert Smith (The Cure),

<footnote n="68">⁶⁸ La peur est tout ce que je lis écrit sur sa peau mourante la joie de la malédiction donne moi le pouvoir</footnote>

<footnote>Le pire est tout ce que nous cherchons pour construire la haine, le nouvel empire une maison de désespoir donne-moi le pouvoir.</footnote>

<footnote n="69">⁶⁹ BADDELEY Gavin, *Gothic : La culture des ténèbres*, Ed.Denoël X-Trême, 2004 — p. 9</footnote>
Siouxsie Sioux (Siouxsie and the Banshees), les membres de Bauhaus etc. Bien qu'il faut remarquer que The Cure issu de la Cold wave et Siouxsie and the Banshees n'ont été que de passage dans le mouvement gothique voire ils en ont été simplement inspiré : la trilogie *Seventeen Seconds* (1980), *Faith* (1981), et *Pornography* (1982) pour The Cure, qui se tournera par la suite vers une musique plus pop. Et *Join Hands* (1979) pour Siouxsie and the Banshees qui eux, ne restent jamais affilié à un style.

Le gothique connaît son premier déclin vers la fin des années 1980 pour laisser place à d'autres styles musicaux. Les maisons de disque, la presse, la radio se détachent du phénomène, mais les gothiques et la musique continuent de survivre discrètement grâce aux labels indépendants et aux soirées. Le mouvement connaît un renouvellement grâce aux groupes allemands comme Das Ich ou bien Deine Lakaien et d'autres qui vont créer un nouveau genre celui que nous allons appeler : la *darkwave*<fnref n="70" />. Quant à l'usage du mot gothique, il est d'abord utilisé pour qualifier la musique puis les groupes pour ensuite baptiser les amateurs de cette musique. Le mouvement va s'émanciper et va se créer une identité musicale mais aussi communautaire. Cette contre-culture adopte rapidement des codes : le noir, utilisation de la théâtralité et de l'humour noir, de la littérature, du cinéma... La communauté gothique, musiciens comme simples participants au mouvement s'inspirent et apprécient l'art mais pas n'importe quel art, les peintures et la littérature à l'atmosphère sombre et particulière (Edgar Allan Poe, Mary Shelley, Anne Rice, Bram Stoker, H.P Lovecraft...), la poésie (Charles Baudelaire, Oscar Wilde, le marquis de Sade...) le cinéma expressionniste allemand ou bien les films de la Hammer<fnref n="71" />. Ils sont aussi férus d'imagerie monstrueuse et mystérieuse telle que le vampire. Même si ces codes sont présents, ce ne sont pas des règles à suivre à la lettre et c'est cela qui crée la richesse du gothique. Leur amour pour l'art, la musique, leur esthétique rassemblent tout en laissant chaque individu propre à s'affirmer, grâce à cela nous pouvons remarquer plusieurs formes de gothique, par exemple les groupes Alien Sex Fiend et The Specimen sont plus proche d'un certain *glam destroy* et d'un ton humoristique que des groupes comme Virgin Prunes ou Christian Death (*voir annexe n°54*). Pour certains membres, le gothique est une vision de la vie, un style de vie

<footnote n="70">⁷⁰ BURGER-ROUSSENNAC Annie, article *Goth et gothique d'aujourd'hui. Histoire d'une culture de jeunes à la modes* apparu dans *Société & Représentations*, 2005, n°20. — pp. 185 - 197</footnote>

<footnote n="71">⁷¹ Hammer Film Productions, société de production britannique connue pour ses films fantastiques et d'horreur pendant les années 1950 et 1960.</footnote>
alors que d'autres n'y voit que l'intérêt musical, être gothique c'est écouter de la musique gothique avant tout. La définition de musique gothique est tout aussi difficile que de définir le mouvement, les avis divergent auprès des amateurs. Ce qui est sûr, c'est que la musique gothique doit être vue comme un domaine regroupant plusieurs styles comme la Cold wave, le rock gothique, la Dark Wave, Batcave, Heavenly Voices... La musique gothique est pourvue de points communs dans l'atmosphère transmis par les musiciens : ambiance froide et de tension accompagnées de basses lourdes et omniprésentes, voix graves ou bien éthérées. Les textes parlent de souffrance, de mélancolie, d'amour, de passions, thèmes très romantiques mais encore une fois, ce n'est pas une vérité absolue.

Subissant des clichés, des incompréhensions voire même des craintes, le gothique a toujours été un courant beaucoup plus underground que le Punk par exemple. Les gothiques préfèrent rester éloignés du mainstream et continuent de fréquenter les tréfonds de notre société en toute discrétion en ne souhaitant aucune reconnaissance de l'establishment<sup>72</sup>. Le gothique a beaucoup évolué musicalement parlant comme vestimentairement, nous avons connu le look gothique classique, victorien, aux inspirations sadomasochistes, aujourd'hui le gothique connaît un tournant cybergoth. Les soirées se font encore sur invitations, par bouche à oreille de la communauté. Les soirées ont évoluées, elles ne mettent plus au centre la taffy pulling, danse éthérée typique du mouvement, mais elles mettent en exergue des soirées plus proches des Rave. Ce qu'il faut surtout noter c'est que le mouvement est comme scindé en deux : le gothique cybergoth avec une musique électronique et un autre groupe de gothiques plus classiques avec un brin de nostalgie des années 1980. Pour cette étude, nous allons plus nous pencher sur les références et la période des années 1980 puisque Jean-Luc Verna ne se nourrit que de cette période et qu'il considère que le gothique aujourd'hui a perdu de sa valeur d'un point de vue musicale : « Mais le terme gothique est tellement galvaudé maintenant, on est loin des merdes comme Fields of the Nephilim ou des trucs comme ça. Moi, le seul gothique que j'écoute encore c'est Bauhaus. Ce qu'est devenu le gothique ne m'intéresse pas, c'est du grand guignol.<sup>73</sup>»

<footnote n="72">72 BADDELEY Gavin, *Gothic : la culture des ténèbres*, Denoël X-Trême, 2004.</footnote>

<footnote n="73">73 Martin Caye, Sparse, Jean-Luc Verna "J'ai sorti mon cran d'arrêt cinq fois l'an dernier, les fachos étaient décomplexés" — https://www.sparse.fr/2014/04/29/jean-luc-verna-interview/</footnote>
## 3.2 Figure morbide et figure androgyne

« Le terme gothique est un barbarisme sophistiqué, qui renvoie à une passion pour la vie drapée dans le symbolisme de la mort. C'est un amour cynique du sentiment. Le mariage des extrêmes, tels le sexe et la mort. La lumière qui sourd les ténèbres.<fnref n="74" /> » Et c'est à travers ces aspects qu'il est possible que l'art de Jean-Luc Verna fasse écho au mouvement gothique plus qu'au mouvement pur lui-même. C'est-à-dire que l'artiste n'est pas gothique, comme il n'est pas punk, mais nous pouvons déceler dans son travail des attraits qu'il est possible de relier à ces mouvements car il s'en inspire. Il ne voit pas la vie comme un gothique mais il aime les groupes comme Bauhaus, il ne fréquente pas les soirées gothiques mais il apprécie la littérature sombre que les gothiques apprécient également. Il faut mettre un point d'honneur sur le fait que Verna ne rentre dans aucun mouvement, il fabrique un style, un genre qu'il lui est propre grâce à des références qu'il récupère et qui les façonne à son image.

L'artiste niçois met au centre de sa pratique une atmosphère sombre avec une touche d'humour (parfois noir), évoque la mort tout en la personnifiant, la sublimant et en l'associant à des atouts improbables comme *Mort enceinte* (1996) (voir annexe n°55) qui met en scène un squelette enceinte en bottines à talons. C'est l'alliance des contraires. Le temps passe et en regardant l'art de Verna comme en écoutant la musique gothique, une phrase revient : souviens-toi que tu vas mourir. Toutes les oeuvres qui convoquent la mort sont pour Jean-Luc Verna un memento mori pour lui même : « *Le rapport à la mort est effectivement présent, mais une mort apprivoisée, mon travail et comme un memento mori pour moi même...* Je suis séropositif...*Porter en soi la promesse du pire permet de tirer le meilleur des gens, de l'amitié, du présent...*<fnref n="75" /> » Mais ses dessins mettant en scène la mort nous impacte par la même occasion, cela nous plonge dans un univers romantique noir qui nous rappelle notre condition, notre fatalité, l'art de Jean-Luc Verna se transpose sur quiconque se retrouve face à son oeuvre. Jean-Luc Verna peut être vu comme une Banshee qui nous annonce la mort. Nous sommes confrontés à notre fatalité quand nous sommes plongés dans les œuvres de Verna. Cet attrait pour le morbide, le lugubre mélangé à la beauté, au passé et au cauchemar est

<footnote n="74">⁷⁴ BADDELEY Gavin, *Gothic : la culture des ténèbres*, Denoël X-Trême, 2004. — p. 20</footnote>

<footnote n="75">⁷⁵ Transversales, *Glamort...Jean-Luc Verna*, 09/03/2012 — https://tranversales.blogspot.com/2012/03/glamort-jean-luc-verna.html</footnote>
typique du Romantisme (XVIII - XIXe siècle). Les goths trouvent dans cette mise en avant de la mort et imagerie lugubre, le rappel de la limite du corps. Ils veulent être une allégorie de la mort pour prouver que la vie est précieuse. Les dessins de l'artiste pluridisciplinaire donnent une seconde naissance à ce mouvement oublié et continu d'alimenter cette pensée du corps qui n'est pas éternellement beau. Il recrée des memento mori contemporains comme Concession de 2019 (voir annexe n°56), il nous amène dans une forêt où une tombe y est disposée, ce monument funéraire en granit bleu (labradorite) possède une coiffeuse sur le dessous avec des effets personnels de l'artiste : maquillage, gants, pinceaux... Sur la tombe se trouve un perfecto et des rangers, tous ces objets qui semblent si bien le définir, quand nous voyons les objets, nous voyons Verna. Cette œuvre autobiographique est pensée « comme un portrait intimiste qui revendique une part d'autodérision. Couche revisitée de la Belle au bois dormant, miroir lucide et cruel aux accents de Disneyland, l'œuvre livre différentes facettes d'une vie extravagante.<fnref n="76" /> » Face à cette œuvre, nous nous trouvons entre humour, tragique et sublime.

L'artiste a recours à la prosopopée, le fait de faire parler ou d'animer une personne non présente, un objet. Ce procédé est utilisé pour la personnification de la mort. Chez Jean-Luc Verna, la mort est poétique mais extravagante et définitivement camp<fnref n="77" />. Même si cela nous rappelle une fin imminente, il y a une attitude, un prisme qui rend l'Oeuvre poétique, drôle et nous ferait presque accepter cet fin pour retrouver tout ce panthéon de personnages aussi étranges les un que les autres et rencontrer cette mort qui affirme son style : Haute-Couture (Death is high camp) 1998 (voir annexe n°57), nous dévoile une mort à crète armée de ses bracelets, multiple ceinture et possédant un voile. Mort Haut Couture, 1995, (voir annexe n°58) elle est représentée comme une ballerine gracieuse avec un drapé élégant. Les deux œuvres renvoient aux artifices que l'on se pare pour mieux s'accepter et se trouver plus belle. beau. Elles se dévoilent en tant que mort aux goûts vestimentaires affirmés mais tout en gardant sa position d'être inquiétante en vue du fait que cela reste un squelette aux orbites vides. Il y a toujours cette ambivalence dans le travail de Verna, parler de la mort, oui, mais avec élégance et dérision. La représenter avec grâce tout en gardant un côté lugubre. Ce n'est

<footnote n="76">76 Vents des forêts, *Concession* (s.d) — http://ventdesforets.com/oeuvre/concession/</footnote>

<footnote n="77">77 L'esthétique Camp est associée à la culture gay. Cette esthétique joue surtout avec les conventions, les codes et les cultures dominantes tout en abusant d'artifices et en créant tout une performance autour du personnage incarné. C'est le goût d'en faire trop.</footnote>
jamais ni l'un ni l'autre, il y a toujours des nuances ou des associations invraisemblables.

Le gothique suit deux mots d'ordre : la subversion et réinvention. Il n'hésite pas à faire des alliances antagonistes : « *Le sexe et la mort, ces deux extrêmes, s'embrassent en une union délicieusement grotesque*.<sup>78</sup>» Assemblage surprenant, mais nous pouvons retrouver de nombreuses oeuvres littéraires comme *Le Moine* de M.G Lewis, toute l'imagerie vampirique qui allie désir et mort, musique entre plaisir et douleur : « *Le goth s'exprime à l'aide de métaphores morbides et de fantasmes effrayants*.<sup>79</sup> » Ce concept peut être illustré par *Désir* de Jean-Luc Verna, cette œuvre rend pleinement dans les codes de cette assemblage contradictoire. Ce dessin est une sorte de kamasutra mélangeant squelette et êtres fantastiques formant le mot désir grâce à leur contorsion corporelle. La mort forme le I, droite et en diva entourée de ces êtres imaginaires. Nous nous trouvons entre désir et l'inquiétante étrangeté.

L'androgynie peut être aussi une ligne de conduite que nous retrouvons dans le travail de Jean-Luc Verna comme le mouvement gothique. Une partie du mouvement gothique cherche une esthétique poussée et du côté de la gente masculine, elle se tourne vers une ambiguïté sexuelle. « *Les démons de l'espace androgyne*<sup>80</sup> » comme les appelle Daniel Ash guitariste de Bauhaus vont bousculer les lignes, jouer avec les codes et vont se diriger vers une esthétique qui sème le doute. Nous pouvons citer Peter Murphy (Bauhaus) ou bien Rozz Williams (Christian Death) sont des exemples de ce look. L'androgynie de Peter Murphy forme un tout puisqu'il va jusqu'à adopter des manières de se tenir, de bouger sur scène en relation avec cette ambiguïté : il « possédait une mystérieuse présence scénique. (...) Androgyne et pourtant foncièrement mâle, Murphy, avec son magnétisme empreint de chic sépulcral, son maquillage chargé et son cercueil de théâtre, évoquait une star de film d'horreur sexualisée plutôt qu'un chanteur de rock.*<sup>81</sup> » Il dira : « *Je prends soin de mon look parce que je veux avoir une certaine apparence, pas parce que je veux être beau.*<sup>82</sup> » Cela fait partie intégrante de son art, du groupe.

<footnote n="78"><sup>78</sup> BADDELEY Gavin, *Gothic : La culture des ténèbres*, Ed. Denoël X-Trême, 2008. — p. 7</footnote>

<footnote n="79"><sup>79</sup> *Ibidem*. — p 293</footnote>

<footnote n="80"><sup>80</sup> BADDELEY Gavin, *Gothic : La culture des ténèbres*, Ed. Denoël X-Trême, 2008. p. 247</footnote>

<footnote n="81"><sup>81</sup> *Ibidem*. p. 247</footnote>

<footnote n="82"><sup>82</sup> *Ibid*. p. 247</footnote>
Tout comme Jean-Luc Verna quand il monte sur scène avec I Apologize, il n'hésite pas à
enfiler son plus grand smokey eyes noir, ses talons, corsets, body et long manteau à paillettes
noires pour ses prestations comme pour des shootings photographiques notamment pour la
Maison Ernest<fnref n="83" />. Il se sert de tous les artifices qui sont à sa disposition pour brouiller le
spectre du genre. Cette utilisation de ces artifices provient de sa jeunesse quand il découvre à
la télévision et au Théâtre de verdure (Nice) le travail esthétique des apparences de Lux
Interior (Cramps) avec ses talons hauts et maquillage noir ou bien les tenues extravagantes de
Gary Glitter ou des New-York Dolls<fnref n="84" />. Verna est l'artiste qui joue aisément et naturellement
avec les codes, s'en amuse et les sublime, nous pouvons prendre comme exemple le clip Cunt
Hunt de son groupe I Apologize (2015). L'artiste chanteur incarne le féminin et le masculin,
la reine et le roi évoluant dans une ambiance et une esthétique se rapprochant du gothique<fnref n="85" />.
(voir annexe n°59) Le corps androgyne est aussi fortement représenté dans ses dessins, tous
les corps, tous les styles sont transposés dans la création de Verna. Ils ont tous quelque chose
à nous dire sur leur histoire à travers leur différents corps, il n'est donc pas étonnant de
croiser des personnes à mi-chemin entre le masculin et le féminin. Nous rencontrons des
femmes aux corps très musclés, très masculins comme dans *Rendez-nous Alain Maneval*
(voir annexe n°60), et une *Sainte Véronique I* (voir annexe n°61) possédant un corps féminin
mais au visage du Christ (inspiré de sa légende chrétienne) ce qui rend le tout très étrange et
ou bien encore des enfants à qui la beauté angélique se situe entre les deux genres comme
dans *Cadeau Funeste* (voir annexe n°62). « *Un garçon au féminin, une fille au masculin*<fnref n="86" /> »,
est une preuve relative au fait que Verna ouvre les barrières, tout se mélange, se confond pour
avoir un résultat parfois surprenant, parfois touchant voire questionnant. Mais eux, n'ont pas
l'air de se poser des questions sur leur corps et l'arborent fièrement et en dévoilent une
certaine sensualité comme pour *Sainte Fouffe* (voir annexe n°63) au corps élégamment drapé
au visage masculin aux airs de l'artiste ou bien les deux gardiennes de l'oeuvre *Rendez-nous
Alain Maneval*. L'art de Jean-Luc Verna n'est pas dans une optique de réflexion sur le genre,
mais plus une preuve que tout est fluide. Il nous montre qu'entre la femme et l'homme, il y a
d'autres individus possibles. Il ne fait que représenter des individus différents provenant d'un
large spectre du genre.

<footnote n="83">⁸³ Marque de chaussures de luxe française créée en 1904.</footnote>

<footnote n="84">⁸⁴ MOISDON Stéphanie et TATOT Claude-Hubert, *Jean-Luc Verna*, 2014. Ed. Flammarion - p. 212</footnote>

<footnote n="85">⁸⁵ I Apologize, *Cunt Hunt*, 31/05/2015 — https://www.youtube.com/watch?v=4viUIFq5puk</footnote>

<footnote n="86">⁸⁶ Indochine, *3e sexe*, 1985 issu de l'album 3.</footnote>
## 2.3 Does it hurt ?

De même qu'il est possible de trouver toute une imagerie fétichiste/BDSM qui sera une source d'inspiration esthétique pour les gothiques comme pour les punk. Initié en premier par les Punk et notamment à travers la boutique SEX de Vivienne Westwood et Malcom McLaren. Tout comme pour les gothiques, ils n'hésitent pas à accessoiriser leur tenue avec des menottes, du latex, des harnais en tout genre etc. Mais cela est plus du ressort d'une mode transgressive, d'une association d'éléments chic et choc pour les Punk. Il est possible de noter que le chanteur du groupe Adam and the Ants, était le seul qui possédait au début « un authentique intérêt pour le sadomasochisme, au-delà de son aspect chic et choc. Les flyers, affiches et pochettes du groupe étaient littéralement envahis d'images de dominatrices à talons aiguilles et de minettes bondage bâillonnées. Adam montait parfois sur scène avec l'attirail fétichiste au complet, y compris la cagoule en cuir. Il avait rédigé durant ses études d'histoire de l'art une thèse sur la scène fétichiste.<fnref n="87" /> » Peu à peu des clubs vont ouvrir comme Skin Two ou bien le très discret Torture Garden, cela va beaucoup inspirer et attirer les gothiques qui avaient déjà récupéré une certaine fascination pour les proto-goth femmes de pouvoir et invulnérables comme Siouxsie Sioux et Lydia Lunch. Ils vont continuer à faire vivre cette esthétique et nous pouvons le voir par exemple chez Gitane DeMone une des membres de Christian Death qui adorait se parer de tenues en latex car pour elle cela était « sophistiqué et sexy<fnref n="88" /> » De manière générale, nous verrons de plus en plus de gothiques avec ce style durant les soirées avec des musiques relatant ce thème : *Master and Servant* de Depeche Mode, *Torture des Cure...*

Jean-Luc Verna, lui-même issu de culture alternative, il est alors évident qu'il a connu ce moment où le sadomasochisme était une façon de s'habiller plus qu'une préférence sexuelle. Il est possible de retrouver des allusions à cette esthétique dans les dessins de Jean-Luc Verna : *Mon petit Mircéa*, 1993 (voir annexe n°64) un bas de corps en squelette avec un harnais

<footnote n="87">⁸⁷ BADDELEY Gavin, *Gothic : La culture des ténèbres*, Ed. Denoël X-Trême, 2008 — p. 259</footnote>

<footnote n="88">⁸⁸ *Ibidem*. — p.260</footnote>
imposant et des talons plateformes ou Mamzelle Paramour (voir annexe n°65) femme fontaine
qui ne porte que des gants ainsi que des cuissardes en latex noir de 2003. Mais aussi, il
récupère l'image du cyclope pour la détourner, il utilise une image mythologique pour le
détourner en personnage punk aux yeux bandés avec son œil dans la bouche comme un
bâillon-boule. Il n'hésite pas non plus à inclure son corps dans cette inspiration sadomasochiste
portant des harnais par exemple (voir annexe n°66). Nous pouvons constater à quel point le
gothique s'inspire de domaines divers et variés pour ses propres besoins. Nous sommes dans la
sublimation du corps, le mettre en valeur mais aussi s'en servir pour provoquer, se libérer,
s'accepter. Il est évident que si l'artiste joue sur les genres, il joue également des différentes
sexualités et préférences qui est une sorte de culture alternative en soi. Dans Une sexualité,
(voir annexe n°67) nous voyons une fée prête à donner la fessée à un centaure avec une
baguette magique, nous retrouvons ces deux personnages dans Rends! (voir annexe n°68)
Toujours avec la fée dominante qui demande au centaure soumis à genoux de lui rendre sa
baguette magique qu'il tient dans la bouche. Dans ces deux dessins, il y a évidemment cette
notion de « master and servant », de domination chère au mouvement sadomasochiste. On y
retrouve aussi cette image de la femme forte chère à Verna.

Donc, l'artiste pluridisciplinaire n'hésite pas à récupérer certaines inspirations qui ont
marqué des mouvements alternatifs comme le gothique et son admiration pour le romantisme.
Il sait tirer le meilleur pour pouvoir toujours nous proposer des œuvres surprenantes, poétiques
et touchantes. Il nous montre un autre prisme pour voir la mort et l'univers lugubre avec ces
oeuvres bercées d'humour noir en reprenant cette esthéitque de la laideur et de la souffrance.
L'artiste nous offre aussi la possibilité d'entrer dans un monde BDSM où les femmes dominent.
Dans tout ce pôle-mêle fantasmagorique, nous pouvons remarquer l'abondance de références
aux cultures alternatives, à quel point Jean-Luc Verna y participe à certain degré mais s'en
nourrit aussi. Elles sont vecteurs de créations artistiques et redonnent des lettres de noblesse à
des mouvements oubliés et critiqués.

## 4. La New wave

### 4.1 Début d'une nouvelle ère
« Je suis un enfant de la new wave, donc les textes que j'écris doivent pour moi avoir une
certaine couleur, parler de ce que j'aime. Dans mon écriture, on retrouve mes influences.<fnref n="89" />»

Le mouvement new wave est certainement un des mouvements le plus ambivalent puisqu'il sera démocratisé et très populaire, et qu'il sortira du cadre alternatif. Mais il maintiendra tout de même un caractère underground et indépendant surtout à ses débuts passant par des labels indépendants (Factory, Beggars Banquet...) ou bien des groupes se démarquant et sortant du cadre du mainstream. Durant le milieu des années soixante-dix, le Punk est à son apogée, la new wave est également présente mais plus discrète, elle s'affirme un peu plus tard. Nous sommes maintenant à la fin des années soixante dix et le constat est posé, la mouvance punk s'essouffle et a du mal à créer quelque chose de nouveau. La new wave créée une sorte de rupture avec le punk et également avec le mouvement rock psychédélique hippie, mais sans opposition virulente, sans concurrence. Ce genre doit être perçu comme une nouvelle façon de créer et de sortir de ce cadre contestataire que les Punk ont su nous offrir. Ce style musical propose une création et des sonorités différentes ce qui fait naître un spectre très large de genres et d'ambiances : d'Eurythmic passant par The Talking Head, Depeche Mode ou bien Elvis Costello. « Le terme new wave devient alors un moyen de nommer les groupes Rock dont la musique tente de s'affranchir à la fois des mouvements Rock du passé, mais aussi du Punk, tant musicalement que thématiquement.<fnref n="90" /> »

A cette période, les musiciens et les auditeurs ont besoin d'une nouvelle musique, un autre style, la new-wave naît d'une volonté de recherches musicales nouvelles. Cette dernière a été favorisée par des modes de créations nouveaux notamment grâce à l'accessibilité des boîtes à rythmes et synthétiseurs pour les jeunes musiciens mais aussi grâce à une recrudescence de la création rock. « Si le punk prônait l'absence de technique et de musicalité, la new wave reprend à son compte la simplicité instrumentale – sans toutefois verser dans le chaos sonore –, se tournant même de plus en plus vers les machines.<fnref n="91" /> »

<footnote n="89">⁸⁹ Centre Pompidou, *Jean-Luc Verna, I Apologize* (s.d) — http://mediation.centrepompidou.fr/education/ressources/ENS-artsdelascene-artscontemporain/01-vera.html</footnote>

<footnote n="90">⁹⁰ GILLES Guillaume, *L'esthétique New wave*, ed. Camion Blanc, 2006. - page 37 - 38</footnote>

<footnote n="91">⁹¹ Encyclopaedia Universalis, *New-Wave* (s.d) — https://www.universalis.fr/encyclopedie/new-wave/</footnote>
Le genre new wave va alors s'étendre peu à peu fin des années soixante dix, principalement dans toute l'Angleterre puis les Etats-Unis pour devenir une réelle possibilité d'exploration et d'expérimentation pour les groupes comme notamment Bronski Beat, Ultravox, Frankie goes to Hollywood, Dead or Alive etc. En Allemagne, on la nommera Neue Deutsche Welle qui sera très productive également. « *La new wave est un vaste fourmillement de groupes indépendants dans leur démarche musicale*.

Ce mouvement comporte un riche panel de créations et d'influences. Certains groupes vont plutôt s'inspirer de la musique électronique du groupe majeur Kraftwerk créant ainsi une musique aux accents expérimentaux voire avant-gardiste, comme d'autres vont se tourner vers des musiques avec des sonorités plus pop, aux mélodies accrocheuses et entraînantes etc. La new wave, de manière générale, représente tout ce qui n'est pas assez punk, assez rock ou entièrement pop, ils s'inspirent de tout, l'esthétique du reste, en s'inspirant de tout ils viennent à créer un genre très éclectique. Les artistes puisent leur inspiration dans différents genres musicaux comme le Glam rock, le funk, le pop rock des années soixante et le Art Rock. Pour la

<footnote n="92">⁹² GILLES Guillaume, *L'esthétique New wave*, ed. Camion Blanc, 2006. - page 35</footnote>
deuxième partie de ce mouvement, les artistes vont plutôt s'inspirer de : le Disco, des ballades rock, du jazz ou bien encore du R&B... David Bowie, New Order, Kraftwerk et Roxy Music sont des artistes qui vont être importants pour la création tant pour l'esthétique new wave.

La New wave fait volte-face de ce qui a été réalisé jusqu'alors, les musiciens arborent un style vestimentaire beaucoup plus sage, plus sobre et épuré que les punks ou les hippies (voir annexe n°69). Ils privilégient les costumes-cravate bien loin des motifs colorés des hippies et des crêtes iroquoises de couleurs des punks. Le noir est la couleur phare de ces groupes. « Ils privilégient l'introspection, la froideur et le minimalisme, tant sur le plan visuel qu'au niveau de l'instrumentation.<fnref n="93" /> » Ils ne s'appuient non plus sur l'anarchisme et les revendications mais sur des textes cyniques et plutôt sombres accompagnés d'une musique électronique. Ce mouvement est très riche et marquant dans l'histoire de la musique car ils proposent de nouvelles approches de la musique mais encore aujourd'hui, la new wave a été un tremplin pour la naissance d'autres styles musicaux mais est encore une source d'inspiration pour les artistes actuels.

## 4.2 Jean-Luc Verna, un artiste résolument new wave

Premièrement, il est possible de noter que Jean-Luc Verna est un artiste qui s'inscrit dans la new wave puisqu'il a connu et participé à ce mouvement. Plus jeune, il a baigné dans cet univers musical innovant et éclectique et ce genre musical va l'accompagner et l'accompagne encore aujourd'hui : « *Je suis un mec issu de la new wave*.<fnref n="94" />» De la new wave, il s'en est inspiré de façon plastique car nous retrouvons des œuvres traitant de cette dernière, mais aussi de façon musicale avec ses groupes de musique comme I Apologize (voir annexe n°70). Et enfin dans sa façon de s'intéresser et de puiser dans tout. Pour lui, tout est source d'inspiration pour mener à une création novatrice et différente tout comme les artistes de la new wave ont fait pour proposer une nouvelle production musicale. Jean-Luc Verna assume son ancrage à une

<footnote n="93">⁹³ Encyclopaedia Universalis, New-Wave (s.d) — https://www.universalis.fr/encyclopedie/new-wave/</footnote>

<footnote n="94">⁹⁴ Julie CRENN, *Sous le maquillage, rencontre avec Jean-Luc Verna*, 10/12/2012 — https://inferno-magazine.com/2012/12/10/sous-le-maquillage-rencontre-avec-jean-luc-verna/</footnote>
temporalité usée : « *Je suis le Michel-Ange new wave*.<fnref n="95" /> » dit-il. Cette citation nous révèle toute la complexité temporelle de l'artiste, il se retrouve à la fois dans un art classique comme dans un mouvement musical contemporain. Tout comme Michel-Ange, Jean-Luc Verna est un artiste pluridisciplinaire. Verna se voit comme un créateur aux influences classiques et décalées reprenant vie dans une temporalité contemporaine.

L'artiste faisait toujours preuve de polyvalence et de curiosité créative, il n'est pas étonnant de le voir évoluer dans le monde de la musique. Ce n'est pas la première fois que Jean-Luc Verna s'intéresse à la création musicale, il a déjà eu quelques projets : son premier groupe le grand Tunnel mou fondé en 1982 avec Louis-Frédéric Apostoly, Beauty and the beat, Jean-Luc Verna et ses DumDum Boys puis l'Apologize. Ce dernier groupe est toujours actif aujourd'hui, il est composé de l'artiste, Gautier Tassart, Julien Tiberi, Xavier Boussiron. Nous pouvons notamment les retrouver pour des concerts lors des vernissages d'expositions de Jean-Luc Verna. l'Apologize se définit comme un groupe post punk aux penchants new wave grâce à ses reprises revisitées de standard des années quatre-vingt comme à ses créations personnelles qui résonnent comme des musiques du genre New wave. Jean-Luc Verna se définit comme « *juste l'interprète de ce cabaret New wave décadent*.<fnref n="96" />», il participe avec son groupe à la persévérance du genre à travers la musique. Mais « *ce cabaret New wave décadent* » peut être amplement utilisé pour son Oeuvre. Son univers peut être vu comme un grand cabaret où de multiples créatures étranges communiquent et qui se dirigent vers une décadence certaine, tout en gardant une touche sarcastique et esthétique typique de la New wave. La décadence peut être aussi liée aux artistes pessimistes, anticonformistes et marginaux durant la fin XIXe siècle. qui est une source évidente pour l'artiste niçois. Cette phrase reflète plus que le groupe l'Apologize mais plus globalement l'art et les inspirations de Verna.

## 4.3 La New wave à travers le dessin

Dans son œuvre, *Si la new wave a 30 ans* de 2008 (voir annexe n° 71) nous sommes face

<footnote n="95">⁹⁵ Art Côte d'Azur, Jean-Luc Verna "Le corps qui rêve" (s.d) — https://www.artcotedazur.fr/artistes.181/art-contemporain.183/jean-luc-verna-le-corps-qui-reve.3291</footnote>

<footnote n="96">⁹⁶ Art Côte d'Azur, Jean-Luc Verna "Le corps qui rêve" (s.d) — https://www.artcotedazur.fr/artistes.181/art-contemporain.183/jean-luc-verna-le-corps-qui-reve.3291</footnote>
à une personnification du mouvement new wave. Une femme au visage marqué et à l'air condescendant, un regard charbonneux accompagné d'une bouche très maquillée et déformée tirant vers le bas et qui s'efface. Elle possède également d'imposantes boucles d'oreilles et d'une coiffure extravagante qui donne une impression qu'elle est chauve. Cette femme sait pertinement que son moment de gloire est passée et que cela ne sera plus jamais comme avant. Ensuite, nous découvrons une seconde oeuvre nommée simplement *New wave* (voir *annexe n° 72*), celle-ci est un dessin avec un lettrage *ready made* représentant un simple arbre noir positionné à l'envers avec un bandeau au dessus avec comme inscription « *the New Wave* ».

Ce dessin peut être perçu avec de lecture possible grâce à la reprise du lettrage « *the New Wave* ».

Premièrement, cette œuvre peut être une référence au comic publié entre 1986 et 1987, le comic est, nous pouvons le rappeler, un domaine référence pour Jean-Luc Verna.

Deuxièmement, ce lettrage pourrait être repris d'une affiche, d'un fanzine dédié au mouvement musical. Dans un comme l'autre, ce dessin est une preuve de l'influence à la fois du comic et de la musique, cet arbre provient et à émerger du « sol » que forme le bandeau noir accompagné du lettrage. L'arbre de la création où de multiples formes se créent à travers les tâches et nous laissent travailler notre imagination.

Pour conclure, Il est également important de retenir que Verna ne fait ni d'art purement gothique, punk ou encore new-wave, il crée son propre style nourrit par divers autres domaines, cultures, genres et histoires. Toutes ces œuvres se rapportant aux cultures alternatives sont des preuves, des sortes de témoignages du lien fort que possède l'artiste avec ces mouvements. La musique est un moteur de création. Il nous fait découvrir son histoire et ses multiples facettes grâce à la musique. Jean-Luc Verna s'affirme à la fois comme une diva sombre comme un punk révolté. L'artiste s'abreuve de ce qu'il a connu, de ce qu'il affectionne pour nous offrir un peu de lui mais aussi pour raviver tous ces courants musicaux passés. Grâce à cette création artistique, il renouvelle l'esthétique des cultures alternatives, les fait perdurer dans le temps.

Celui qui se qualifie de « jeune new wave enfermé dans le corps d'un homme vieillissant<fnref n="97" /> », prouve que le mouvement de la new wave est toujours présent chez Jean-Luc Verna malgré le temps qui s'écoule, cela devient possible à travers ses œuvres mais aussi son corps.. Il nous le

<footnote n="97">⁹⁷ Entre, Jean-Luc Verna "Je suis du genre plastique" 10/01/2012 — https://entrevite.wordpress.com/2012/01/10/jean-luc-verna-je-suis-du-genre-plastique/</footnote>
fait partager le temps d'un dessin, d'une chanson mais aussi à travers son corps toujours avec
humour et quelques fois nostalgie. L'artiste pluridisciplinaire manie les aller-retours dans le
passé, permettant de renouveler les possibilités de représentations et de lectures de cultures
alternatives parfois oubliées.

II. A contre courant

1. Affirmation d'une pratique contemporaine à l'aide de références essoufflées

« Je préfère le fané, le dégradé, l'usé, le flétri, l'abimé, le défraichi, le vieillot, l'inactuel, le sans noblesse. Le rehausser le magnifier.<fnref n="98" /> »

Jean-Luc Verna est un artiste à contre-courant que ce soit dans sa pratique, son physique ou encore ses références culturelles. C'est un artiste atypique qui ne rentre dans aucune case de par son œuvre mais aussi par son style. Jean-Luc Verna, c'est un corps ancré à la fois dans le passé mais également dans le présent, c'est une hybridation entre l'ancien et le nouveau. Il sait convoquer les esprits du passé pour sa pratique tout en s'inscrivant dans une totale contemporanéité. Mais alors quels sont les facteurs qui rendent la pratique de l'artiste si contemporaine en faisant appel à des références ou des thèmes dépassés, voire complètement essoufflés ? Qu'est ce qui rend l'œuvre de Jean-Luc Verna si actuelle ?

Le talent de cet artiste, c'est de transposer l'histoire de l'art et du rock, les icônes religieuses et prêtresses du Gothique ou du Punk, s'inspirant de l'ambiance froide de la Cold wave. Claude Hubert Tatot dans *Contre Culture* issu du livre de Stéphanie Moisdon Jean-Luc Verna publié en 2014 exprime justement le pourquoi de ces inspirations : « L'art et son histoire, la danse classique, le Rock, le Post-punk et l'univers New Wave lui ont permis de se construire hors des normes étriquées d'un père culturiste, attaché aux signes extérieurs de virilité, et d'une mère catholique de droite qui se haussait le col. Plutôt que de s'affilier à un

<footnote n="98">⁹⁸ DEVEZE L., FABRE Aline, LAMY Frank, Vous n'êtes pas un peu beaucoup maquillé ? - Non. Ed. Mac Val, 2016. — p - 14.</footnote>
clan, il a opté pour l'alliance des contraires, qu'il résume encore par l'expression triviale : «
c'est pas fromage ou dessert. » Ce mélange devient alors son arme pour déjouer les attendus,
rester singulier et inclassable et n'appartenir à aucune communauté.<fnref n="99" /> » Nous voyons bien à
travers cette citation que l'artiste a su s'affirmer, se construire, trouver sa voie artistique grâce à
de nombreuses références parfois dépassées. Il joue sur des références éclectiques
accompagnées de sa propre histoire, nous pouvons comptabiliser de nombreuses oeuvres qui
relatent de la vie de l'artiste, de ses propres états d'âme comme dans *Corset Barzoï* de 2003 qui
montre un cheval portant un corset afin d'essayer de devenir un Pure sang arabe (*voir annexe
n°73*). Nous savons que Jean-Luc Verna est un homme qui a modifié et qui modifie encore
aujourd'hui son corps tant il a subi des naufrages et tant il cherche sa perfection pour enfin
s'accepter et être en paix avec lui-même. La personne qu'est Verna est également un corps qui
s'inscrit avant tout dans les cultures alternatives, c'est un corps marginalisé, un corps un peu
trop punk, un peu trop tatoué, un peu trop féminin, un peu trop tout à la fois. Son style oscille
entre rockeur sage et star de glam metal lors de ses représentations avec son groupe I
Apologize. Un style qui n'est plus considéré comme à la mode mais qui résiste au temps grâce
à des personnes comme Jean-Luc Verna. Son corps devient alors ambiguë, anticonformiste
entre passé et présent, si il ne fait qu'un avec sa pratique, il est alors naturel de se retrouver
confronté à une pratique qui résulte de ces mêmes adjectifs (*voir annexe n°74 et 75*).

Pour ce qui est des références utilisées, il n’est pas étonnant de découvrir des inspirations
de diverses cultures alternatives car il a connu ces différents mouvements et en a été un des
acteurs. Marqué par ces mouvements à l’identité très forte, aujourd’hui, cela ne s’est pas
détaché de lui, il est normal d’y voir apparaître Siouxsie Sioux, Diamanda Galas, David
Bowie, des reprises de photographies punk dans ses oeuvres, mais il est possible aussi de
reconnaître des titres de divers groupes, des slogans forts comme *No Future*, des reprises
photographiques de la période punk…Tout comme l’illustre son dessin *Mumuse* (2003) (*voir
annexe n°76*) qui reprend Siouxsie Sioux nue avec un cache sexe en forme d’étoile portant une
guitare comme *La Source d’Ingres* (*voir annexe n°77*) tient son amphore. « *Cette ingresque
Siouxsie en « source » mixe les genres. Irrévérencieux tout en rendant hommage, Verna*

<footnote n="99">⁹⁹ TATOT Claude-Hubert, *Contre Culture* dans Jean-Luc Verna de Stéphanie Moisdon, Ed. Flammarion, collection Nouvelle Création contemporaine, 2014. — pp. 211 - 212</footnote>
conjugue avec humour et sérieux rock attitude et "Ingres attitude."<fnref n="100" />» A l'arrière, une inscription, *Noir demain* anagramme d'Iron Maiden, d'ailleurs, il reprendra la typographie du groupe pour écrire ces deux mots. *Noir demain* peut être facilement un équivalent de *No Future* pour les punks.

Quand il mélange art et cultures alternatives, il peut intégrer des références à la fois issues de la culture populaire comme la Paramount ou bien Universal, mais également des références uniquement connues que par les féru.e.s de série B (d'horreur), de littérature classique, de shows internationaux, etc provenants d'une période entre 1970 et 1990. C'est cela qui le nourrit malgré ces références figées dans le passé, ces dernières sont au service de la pratique de l'artiste; une pratique contemporaine puisqu'aujourd'hui nous pouvons constater un très grand marché du dessin et son esthétique résulte d'une contemporanéité même si l'artiste rejette quasi-totalement l'art contemporain et ses acteurs.

Nous savons que les cultures alternatives telles que le Punk, la New wave, le Gothique ont connu leur apogée surtout dans les années 1970-1980. Cette époque a été très riche d'un point de vue esthétique, historique, stylistique etc, c'est un berceau aux ressources infinies (voir *annexe n°78 et 79*). De nombreuses personnes dont Jean-Luc Verna se retrouvent plus dans cette époque passée que celle d'aujourd'hui; il la trouve beaucoup plus intéressante comme le pense Nick Rhodes, claviériste du groupe Duran Duran : « *I always say to people, the Eighties were so inventive because people wanted to stand out. By the time we got to the Nineties, everyone wanted to fit in. It was all about having the same pair of trainers and the same pairs of jeans. That's fatal. Whereas the Eighties you would never be seen in the same pair of jeans that somebody else was wearing.*<fnref n="101" />» (traduction voir *annexe n°80*)

Aujourd'hui, tout va très vite, tout devient désuet et s'essouffle rapidement et la plupart de la société essaye de suivre la mode que les codes d'une époque impose, l'artiste contre cet essai d'uniformiser la société tente une bataille contre le mainstream. Le fait que Verna utilise alors des références passées ne rend pas son travail moins intéressant ni désuet car tôt ou tard tout finit par être remplacé par autre chose. Comment rend-t-il son œuvre actuelle ? Il est

<footnote n="100">¹⁰⁰ *Ibidem*. — p. 212</footnote>

<footnote n="101">¹⁰¹ Az Quotes, Top 25 quotes by Nick Rhodes (s.d) —
https://www.azquotes.com/author/51702-Nick_Rhodes</footnote>
possible de soumettre l'idée que c'est l'assemblage de tout un tas de références, le fait qu'il suit toujours la même ligne de conduite, la même esthétique, cela crée une grande cohérence plastique; tout communique. En tant que spectateur, nous sommes très vite plongés dans cet univers car il y a toujours un élément qui nous parle, que nous connaissons. Car au-delà des portraits de Siouxsie Sioux, Diamanda Galas, l'artiste polymorphe utilise aussi des références dont tout le monde à connaissance comme Elvis Presley, Jésus, David Bowie, le logo de Paramount détourné en Paramour...

Utiliser des références inactuelles, c'est comme utiliser des procédés, des codes, des images désuets pour les exhumer et les inclure une nouvelle fois dans le présent, c'est un challenge. Les références inactuelles sont une continuité de la personne qu'est Jean-Luc Verna mais c'est une aussi une façon de questionner ces références, peuvent-elles encore toucher les spectateurs ? C'est une manière de les magnifier peut être une dernière fois pour illuminer cette époque que l'artiste déteste : « *Je fais de la thanatopraxie. Je produis des fantômes et des cadavres, je leur donne un petit air pimpant qui ne trompe personne, qui les rend recevables dans cette époque totalement mortifère. Ce sont des cadavres fardés comme des vieux clowns... Comme moi... Je suis mort dans les années 80*<fnref n="102" />... »

## 1.1 Les références issues de l'art classique

> « *Ce qui fait la noblesse d'une chose, c'est son éternité.* » Léonard de Vinci.

Jean-Luc Verna est un artiste tiraillé entre plusieurs mondes, l'histoire de l'art et notamment les grands maîtres classiques sont une source de travail mais c'est aussi avant-tout une admiration envers ces artistes, c'est son refuge. L'art classique a permis à l'artiste de pouvoir apprendre à dessiner l'anatomie; cela est très connu dans la pratique du dessin de recopier les grands maîtres classiques pour apprendre et comprendre l'anatomie. Michel-Ange, De Vinci, Ingres, font partie des artistes référents pour Verna. Nous pouvons remarquer deux groupes d'influences : un groupe qui touche les grands maîtres de l'art classique puis un autre issu des mouvements décadent et symboliste. L'artiste polymorphe va extraire de chaque artiste ce qui

<footnote n="102">¹⁰² DEVEZE L., FABRE Aline, LAMY Frank, *Vous n'êtes pas un peu beaucoup maquillé ?* - Non. Ed. Mac Val, 2016. — p. 199</footnote>
lui paraît intéressant d'interroger, des éléments purement esthétiques par exemple. Le nu est quasi omniprésent dans l'œuvre de l'artiste, il montre toutes sortes de corps, des gros, des maigres, des vieux, des moins vieux, des transgenres etc. Le nu est vraiment un genre artistique à part entière, il est au centre de la pratique plastique car la réflexion du corps, de l'Homme lui-même sont deux des nombreuses composantes de questionnements de l'histoire de l'art. Durant la Renaissance, les artistes travaillent sur le corps parfait, le corps idéalisé. Ce sont avec ces modèles que Jean-Luc Verna va découvrir une certaine fascination, un apprentissage et cela restera dans sa pratique. Le corps nu en dit souvent plus. Tout d'abord en utilisant le nu, l'artiste « dépouille ses figures des signe du temps et de la mode<fnref n="103" />», il revient à l'essence. Le corps nu ne peut plus mentir grâce à des apparats. Il dévoile la vraie vérité de qui nous sommes, le nu dévoile tous nos secrets.

A travers, ces tableaux, ces statuaires classiques, l'artiste développe sa propre pratique, ses propres questionnements autour du corps, le corps si cher à Verna, mais lui, ne cherche pas la beauté parfaite du corps. Le nu permettait et permet encore aujourd'hui de montrer nos différences, de montrer tout ce qui constitue l'humanité, d'émaner des questionnements autour de la sexualité, du genre... Il s'inspire de tout ces nus classiques, cela est indéniable mais à nuancer, nous pouvons notamment retrouver des traces de cette influence comme dans l'oeuvre *Encore un autre Jésus* de 1994 (voir annexe n°81) qui révèle Jésus avec une fine silhouette s'affirmant avec un *contrapposto*, position que nous retrouvons dans la sculpture grecque antique à la fin du VI siècle av. J-C et la Renaissance. Ce *contrapposto* est présent également dans la série de photographies, c'est une évidence puisque Jean-Luc Verna se sert de références classiques pour cette oeuvre, nous pouvons citer comme exemple la photographie assimilant Alexandre Falguière, *Cléo de Mérode* de 1895 et Eartha Kitt, Angelitos negros, live, Norwalk Concert Hall, 25 avril 2005 (voir annexe n°82) ou bien Rodin, *L'Âge d'airain* de 1877 et Siouxsie/Patti Smith/Jim Morrison, respiration classique (voir annexe n°83). Malgré cette reprise, l'artiste se rangera du côté de Michel-Ange, la pensée de ce dernier sur le corps influencera l'artiste pluridisciplinaire. Michel-Ange voit le corps comme un bouleversement du fonctionnement de l'image ainsi que le discours théorique et esthétique. Pour lui, « *Le corps humain apparaît comme irrégularité, comme écart, comme irréductibilité : comme un excès de*

<footnote n="103">¹⁰³ MOISDON Stéphanie, TATOT Claude-Hubert, Jean-Luc Verna, Ed. Flammarion, collection Nouvelle Création contemporaine, 2014. — p. 28</footnote>
sens, qui peut troubler l'identification de l'image au modèle de l'imago dei.<fnref n="104" />» Cette pensée résonne avec les représentations du corps que Jean-Luc Verna réalise, ses corps qui se trouvent entre dramaturgie, excès et beauté atypique.

Il est aussi possible d'entrevoir un air de Léonard de Vinci, les dessins nébuleux, aux contours imprécis qu'offrent la pratique du transfert rappellent évidemment la technique du *sfumato* déployée par de Vinci à des fins de contours évanescents et vaporeux grâce à la superposition de fines couches de peinture<fnref n="105" />. Chez Jean-Luc Verna, ce n'est pas la superposition des couches de peinture, mais le transfert ainsi que le rehaut de crayon ou de fard qui crée cet effet de flou ainsi que certainement sa myopie non corrigée qui fait évoluer son dessin dans un flou persistant. Myope ou inspiré de Léonard de Vinci, si nous voyons une similarité, il faut garder en tête que Verna affirme et concrétise son esthétique, sa pratique seul.

L'allégorie est également reprise par l'artiste, il se sert de ce procédé existant depuis environ le VIe siècle av. J-C grâce à Théagène de Rhégion. Même si l'allégorie a beaucoup été utilisée que cela soit dans la littérature ou bien les arts, aujourd'hui, l'allégorie est perçue comme une forme désuète. Et, maintenant, nous le savons, Jean-Luc Verna est un amoureux des choses désuètes, lui-même se considère comme tel car il apparaît aux yeux de la société comme un vieux *punk*, un vieux *destroy* qui n'avance pas pleinement avec son temps<fnref n="106" />.

Nous retrouvons l'allégorie dans deux formes de création possibles, une à travers les vanités et une à travers des personnages. Les vanités sont reprises dans les dessins de l'artiste niçois comme *This is...* datant de 2002 (voir annexe n°84), il représente une vanité épurée avec deux crânes, symbole de la mort, de plus, nous voyons très clairement qu'un des deux crânes possède une fracture ornée d'une perle, ce qui fait référence à un sexe féminin. Tout comme le cierge brûlé tout à droite du dessin qui lui, représente le sexe masculin. Les mots *the end* écrit en plein milieu est souvent utilisé dans les œuvres de l'artiste, il évoque évidemment la fin. Pour Verna tout finit par se terminer. Allié au sexe, cela peut rappeler la fin de la sexualité, la chute de la libido thème cher pour l'artiste qui trouve ce moment beaucoup plus riche et

<footnote n="104">¹⁰⁴ TATOT Claude-Hubert, *Contre-culture dans Jean-Luc Verna* de MOISDON Stéphanie. — p. 31</footnote>

<footnote n="105">¹⁰⁵ — http://sfumato.fr/le-sfumato/</footnote>

<footnote n="106">¹⁰⁶ Jean-Luc Verna, conférence de 2014 à l'ESA des Rocailles de Biarritz le 20 mars.</footnote>
poétique. Nous voyons dans cette œuvre qu'il reprend le procédé de la vanité mais aussi du symbole pour exprimer une idée, une fin en soi. Pour Jean-Luc Verna, l'image n'est qu'intéressante si elle possède plusieurs lectures ou bien plusieurs entrées, elle doit dire un minimum de choses sinon c'est juste une image<fnref n="107" />.

L'allégorie liée aux personnages fonctionne évidemment de la même manière, c'est une façon de faire passer des messages, parfois des prises de position, Verna n'a pas peur d'évoquer ce qu'il ressent face au marché de l'art et c'est bien sûr à travers ses oeuvres qu'il fait passer sa pensée. Dans *El A.P.T.* de 2013 (voir annexe n°85), il dénonce le capitalisme rongeant le monde de l'art à travers la société *Artist Pension Trust*, société qui permet de stocker des œuvres contre 6,50$ par œuvre chaque mois. De plus, selon la fiducie, l'artiste touche entre 32 et 72% du prix de l'œuvre vendue. Plusieurs acteurs de la société se sont plaint de la tournure de la société et de fait que certains artistes se retrouvent alors lésés. Cette société aux enjeux controversés est alors représentée dans le dessin par une grande faucheuse accompagnée de flammes portant un carré gris et rouge, ce carré est tout simplement le sigle de la société.

Pourquoi l'utilisation de l'allégorie ? Tout comme le reste, c'est un procédé qui n'est plus autant utilisé aujourd'hui et qui est intéressant de questionner, que reste t-il de cette pratique ? Peut-elle être encore artistiquement intéressante ? Mais c'est aussi, une preuve pour Verna de montrer que la tradition n'est pas forcément liée à de la réaction. Avoir de nouveau recours à l'allégorie, « c'est montrer que les traditions peuvent être interprétées et aménagées.<fnref n="108" />»

L'Oeuvre de l'artiste, c'est aussi entrevoir une certaine continuité, inspiration du mouvement décadent et symboliste, c'est voir perpétuer un style de dessin sombre et inquiétant. Pour rappel, le mouvement dit Décadentisme est un mouvement artistique ainsi que littéraire datant de la fin du XIXe siècle. Ce mouvement touchera l'Europe et les Etats-Unis, il ne possède pas vraiment de cloisonnement très clair comme les autres mouvements, il faut percevoir ce dernier comme une notion floue, comme une façon de pensée, une attitude. Les artistes de ce courant abordent des sujets avec souvent une ambiance pessimiste et macabre jouant sur l'humour et la dérision mais c'est aussi une envie de provoquer, un rejet du banal et

<footnote n="107">¹⁰⁷ *Ibidem*.</footnote>

<footnote n="108">¹⁰⁸ *Ibid*.</footnote>
du naturalisme. Ce sont des anticonformistes. Alors que le Symbolisme est un mouvement
datant du XIXe siècle en réaction au naturalisme, les artistes veulent dépasser la représentation
dite réaliste à des fins de nouvelles expressions, pour y parvenir, ils utilisent souvent des
analogies ou bien des images pour illustrer leurs propos. Les symbolistes tout comme les
décadents sont friands de thèmes comme la mort, l'ésotérisme, les états d'âme...

Jean-Luc Verna est admiratif devant les œuvres d'art des deux artistes suivants : Félicien Rops et Alfred Kubin, deux artistes pluridisciplinaires aux œuvres sombres et inquiétantes (voir annexe n°86 et n°87). Claude-Hubert Tatot écrira dans *Contre-Culture* une analyse du travail de Rops et Kubin à travers l'Œuvre de Verna : « De l'univers de Rops, Verna adopte presque tout ; l'irrévérence et l'humour, les thèmes et lettrines ainsi que la méthode, qui consiste à évoquer son temps par l'intermédiaire de créatures se transformant et se modifiant à l'image de la société dans laquelle elles vivent. (...) Enfin, il incarne « la ropsienne.», cette nudité ornée, femme puissante, souple, langoureuse, beauté fatale qui servait à démasquer l'hypocrisie de la société bourgeoise à travers les moeurs du temps, ou simplement à traduire le trouble du désir.

109 »

« Par son rituel de création, cynique et démoniaque, Kubin enregistre ce choc profond, insidieux et fabuleux, qui creuse son graphisme. Le grotesque kubinien moque par le bas toutes les fabrications du sérieux, le fantastique qui déchire les surfaces, fait apparaître des créatures du dessous, inconnues et scabreuses. Il n'évoque pas la réalité mais impose un face-à-face éprouvant avec ce simulacre identitaire qui se fait passer pour elle, il ressent l'extériorité comme inférieure. Le dessin de Kubin, le dessein de Verna se croisent à cet endroit : l'évacuation, la défection du réel ne trouvant de demeure que dans le dessin, sorte de grotte archaïque. Un monde pris entre sauvagerie et délire, entre l'émotion crue, triviale, l'horreur et la beauté, loin de toute anesthésie culturelle, dans les champs dévastés de l'enfance. Parmi les créatures de ces mondes mystiques, on voit d'étranges naissances mais aussi d'aliénantes maternités, des féminins-femelles, des matrices morbides. La maternité est une puissance inquiétante pour Kubin, qui ne cesse d'y revenir Mort subite est le dessin et le nom de cette obsession. Dans l'imagerie de Verna, elle peut prendre la forme dangereuse

<footnote n="109">109 MOISDON Stéphanie et TATOT Claude-Hubert, *Jean-Luc Verna* — p. 35</footnote>
d'une Mauvaise mère (2001), d'un squelette engrossé (Mort enceinte; 1996) ou encore d'une figure adipeuse et grotesque (Môman, 2007).<fnref n="110" />» De cet extrait, nous comprenons la place de ces deux artistes pour l'artiste pluridisciplinaire, nous voyons tous les échos faits à la pratique de Rops et Kubin, il continue sur cette lignée même si cela s'affirme comme une atmosphère, une esthétique hors du temps. Jean-Luc Verna, c'est le doux compromis entre monstres provenant tout droit des enfers, des chanteuses élevées au rang de Madone, un duo Jésus et Marie dépravés accompagnés d'une pointe d'humour dans une atmosphère sombre avec de la poussière d'étoile.

Par contre, nous pouvons noter qu'il n'est pas étonnant que l'artiste se tourne vers ce genre de mouvement, voire d'esthétique, il associe cela à l'influence de la musique New wave. Ici, en regardant les dessins que cela soit de Rops, Kubin ou Verna nous ressentons, nous entendons très facilement les musiques à l'ambiance pesante, lugubre et froide qu'offrait surtout la Cold wave. La Cold wave axait son style sur une rythmique très statique, des sonorités froides, des voix lugubres qui chantaient l'angoisse, le mal-être ; comme groupes phares, nous pouvons citer Bauhaus, Joy Division, The Cure ou bien Siouxsie & the Banshees<fnref n="111" /> (voir annexe n° 88 et 89).

Jean-Luc Verna prend la parole à propos de cette admiration pour ces mouvements à l'ambiance froide et sombre répondant à la New wave : « Tous ces maîtres noirs du dessin et de la représentation inquiètent. Cela correspond à mon côté jeune homme new wave qui perdure ! Quand on a cette lecture du monde qui baigne dans une telle bande son et qu'on se balade avec cette musique dans la tête, on n'a pas le même regard que lorsqu'on écoute de la disco. Pour cet art-là, c'est la même chose. Cela correspond à mon état de vie<fnref n="112" />. » Nous comprenons avec cette citation que les influences musicales de l'artiste interagissent directement avec ses influences issues de l'histoire de l'art. De plus, elles renvoient directement à sa personne, aux choix, aux goûts de Verna. Encore une fois, nous remarquons que l'art de Jean-Luc Verna n'est juste qu'une sorte de grande sphère où tout communique et ne forme qu'une histoire malgré des références qui peuvent sembler usées.

<footnote n="110">¹¹⁰ *Ibidem*. — p. 38</footnote>

<footnote n="111">¹¹¹ GERVAISE Gilles, *L'Esthétique New Wave*, Ed. Camion Blanc, 2006</footnote>

<footnote n="112">¹¹² DEVEZE L., FABRE Aline, LAMY Frank, *Vous n'êtes pas un peu beaucoup maquillé ? - Non*. Ed. Mac Val, 2016. — p. 302</footnote>
## 1.2 Brouiller la temporalité pour affirmer une contemporanéité

Brouiller, flouter, c'est deux mots d'ordre sont comme la ligne de conduite dans le travail de l'artiste niçois, c'est un de ses objectifs : brouiller la temporalité, ne s'inscrire dans aucune période. L'assemblage de diverses références et histoires crée quelque chose à la fois d'étrange, de dépassé mais néanmoins d'actuel. *Son inactualité paradoxale*<fnref n="113" /> éveille un engouement, une compréhension auprès des spectateurs car il pose des questions, des constats, des pensées universelles notamment comme celles de la mort, du sexe, du genre, de notre rapport à notre propre corps et cela en partie grâce à travers des moments de l'histoire du rock ou de l'histoire de l'art. Et même si ces références ne sont pas comprises par tous, le fait que cela évoque des thèmes connus par tous, cela supprime, cela annule la provenance de ces acteurs du passé. Nous nous retrouvons face à une œuvre sans temporalité. Ces œuvres dépassent les frontières du temps, de l'histoire, il brouille ces dernières. Verna représente l'histoire de l'humanité, les expériences communes de la vie. C'est un ensemble de questionnements, de sentiments, d'agacements etc qui touchent tout le monde malgré que l'iconographie ne soit pas forcément ancrée dans une certaine actualité. Elle peut être vue comme une sorte de passeur de message. L'art de Jean-Luc Verna, c'est une lutte constante du mort et du vivant, du passé et du présent.

Il y a cette puissante idée du transhistorique, cela dépasse toutes les temporalités, toutes les histoires et c'est cela qui rend si contemporain. En ne faisant à aucune référence historique claire, ni à un art, à un courant artistique cela rend alors, le dessin voir la pratique de manière plus générale si actuelle. Mais attention, pour l'artiste polyvalent il ne s'agit pas de faire une fausse archéologie du dessin datant du XIXe siècle. Il veut créer des dessins qui surgissent comme des apparitions, des souvenirs flous sans date qui se détachent d'une histoire. Il s'agit d'une sorte de twist temporel et référentiel qui détruit la temporalité présente pour créer une œuvre à la temporalité neutre. L'intemporalité est aussi le point d'honneur pour des groupes comme Siouxsie and the Banshees, dans une interview en 2005 pour The

<footnote n="113">¹¹³ MOISDON Stéphanie, *Jean-Luc Verna*. Ed. Flammarion, collection Nouvelle Création contemporaine, 2014. — p. 7</footnote>
Guardian<fnref n="114" />, la chanteuse, Siouxsie Sioux dira : « *The music press tried very hard to make us unfashionable in the 90s, certainly in England,*" says Siouxsie. "For me, timelessness is what counts; sometimes you can only really tell after a long time how timeless something will be. » (voir annexe n°90) A travers l'art de Verna, nous remarquons le côté intemporel de certains groupes, musiques et imagerie. Il est un des artistes qui permet de montrer si la musique alternative punk, gothique, new wave est intemporelle et laquelle perdure encore. Il possède le recul temporel pour questionner ces références et nous laisser considérer ces dernières comme transhistoriques ou non grâce à ses exhumations.

Brouiller la temporalité passe également par les surcouches de divers moments, de diverses couches de lecture... Ces surcouches, nous pouvons le voir à travers le mélange des références mais aussi dans sa technique du transfert. Pour ses transferts, il dessine, photocopie, transfert et rehausse avec plusieurs couches de crayon, de maquillage, avec des matières plus ou moins épaisses... Toutes ces étapes créent des couches qui se superposent, ces couches nous ne pouvons les voir que quand nous sommes face aux dessins. Nous sommes face à plusieurs étapes, plusieurs moments, plusieurs états du dessin, il a comme traversé le temps pour en arriver à sa finalité. Ces couches selon Verna, créent différentes temporalités ce qui désorganise la temporalité, nous sommes perdus, nous ne pouvons donner aucune indication temporelle, cela s'adapte à toutes les époques. L'art de Jean-Luc Verna, « c'est un jeu de forces temporel plus que formel. »<fnref n="115" />

L'ambiguïté fait également partie des notions importantes dans cette bataille contre le temps. Elle est liée à la temporalité détraquée de l'artiste, rendant le dessin ambigu tout comme lui. Le dessin est un lieu de correction tout comme son corps, toujours le retoucher, toujours le rehausser avec des artifices pour être satisfait et se plaire, c'est faire le choix de tout réinterpréter. Le choix de ne plus pouvoir déterminer un âge, une époque. Tous ces artifices utilisés pour cette pratique sont présents pour nous embrouiller sur l'époque du dessin. Nous sommes face à des supports en papier anciens, des papiers qui se désintègrent avec le temps. Ces papiers supportent une nouvelle création, un dessin nouveau, cet ensemble

<footnote n="114">¹¹⁴ The Guardian, Michael Bracewell, 24/09/2005, *Her dark materials* — https://www.theguardian.com/music/2005/sep/24/popandrock.siouxsieandthebanshees</footnote>

<footnote n="115">¹¹⁵ DEVEZE L., FABRE Aline, LAMY Frank, *Vous n'êtes pas un peu beaucoup maquillé ?* - Non. Ed. Mac Val, 2016. — p. 199</footnote>
va à son tour supporter le temps sans réagir de la même manière.

Jean-Luc Verna est pleinement libre dans sa pratique artistique, il s'est forgé son propre monde où il n'écoute que lui-même pour diriger son art. C'est un artiste qui s'appuie uniquement sur ses références et pratiques ; c'est ce qui fait de lui un créateur hors pair mais aussi une pratique non définissable qui ne rentre dans aucune case. Alors, nous pouvons émettre l'idée que comme Verna ne s'inclut pas intégralement dans un domaine ou un style cela crée un phénomène indémodable. Comme disait Lux Interior, « *le meilleur rock'n'roll n'a pas d'âge*.<sup>116</sup> », cela s'applique aussi pour l'œuvre de l'artiste niçois, vouloir la fixer dans une temporalité précise est inutile, le plus important c'est que chaque œuvre puisse délivrer son message et être comprise par tous et tout le temps.

## 2. Les choix de représentation dans sa pratique du dessin

« *Les chemins les plus lubrifiés ne sont pas forcément les plus intéressants*<sup>117</sup>.»

Jean-Luc Verna a toujours su faire des choix déroutants en matière de représentation. Lors de sa formation à la Villa Arson de Nice, Jean-Luc Verna se trouvant en désaccord avec ses professeurs quant à la pratique du dessin, il décide de se lancer dans la peinture. Bien qu'il soit un médiocre peintre comme il dit<sup>118</sup>, cela ne l'empêchera pas de valider son diplôme en peinture. Enfin libre, il reprend donc le dessin dans les années 1990 bien qu'aucun marché ni de foire de dessins existent mais aussi pour des raisons économiques et de place, tout devait tenir dans une valise<sup>119</sup>. Très rapidement, ce renouement avec le dessin va devenir la pratique centrale de l'artiste, sa colonne vertébrale. Stéphanie Moisdon évoque cette idée en écrivant : « *Chez Verna, le dessin est une colonne vertébrale qui fait tenir debout tout le reste : la photographie, le cinéma, la musique, le tatouage, le masque, l'expression du visage, celle du regard.*<sup>120</sup>» Bien qu'à cette époque le dessin est un genre mineur, ce sont les nouveaux médias, le Net art, l'art numérique.. qui font autorité pendant cette période. Au début, il

<footnote n="116"><sup>116</sup> Tiré du reportage M6 lors de leur venue en 1990, https://www.youtube.com/watch?v=TkHGlk1rsV4</footnote>

<footnote n="117"><sup>117</sup>Jean-Luc Verna, l'émission de radio sur Europe 1 le 2 mai 2014</footnote>

<footnote n="118"><sup>118</sup>Jean-Luc Verna, discussion/conférence à la Fonderie Darling de Montréal le 15 Août 2013.</footnote>

<footnote n="119"><sup>119</sup>Jean-Luc Verna, conférence du jeudi 20 Mars 2014 à l'ESA des Rocailles à Biarritz.</footnote>

<footnote n="120"><sup>120</sup> MOISDON Stéphanie, *Jean-Luc Verna*. Ed. Flammarion, collection Nouvelle Création contemporaine, 12 Mars 2014. — p. 8</footnote>
dessine ce qui n'est pas à la mode, ce qui est désuet issu du large éventail de thèmes de l'art contemporain même. L'artiste va alors réfléchir à ce qui est dépassé, lessivé, épuisé avec une vision plus générale, non plus seulement dans l'art contemporain. Jean-Luc Verna cherche quel thème, quel motif, quel genre de dessin est considéré comme démodé, ce qui est outsider. Il prend le contrepied de ce qui est à la mode, il réalise le choix d'être délibérément à contre temps. Le dessin actuel, très peu pour lui, Verna peut être vu comme un artiste non contemporain et il l'assume : « Moi je suis désespérément et fièrement un mec du XXème siècle voire pour ceux qui ne m'aiment pas du XIXème siècle. Ce qui n'est pas pour me déplaire<fnref n="121" /> ! »

L'artiste se tourne alors vers un art du *has been*. Et grâce à ces questionnements, le dessinateur commencera ses séries de clowns, de dessins animaliers et tout particulièrement les oiseaux, les bouquets de fleurs, les chats, les êtres fantastiques...que nous analyserons plus tard. Il fait revivre ces représentations oubliées, ces représentations mortes. Il va essayer à travers ses dessins de savoir si ces images peuvent encore dire, évoquer, un je-ne-sais-quoi à notre époque. Et son objectif étant de trouver encore quelque chose à dire et à raconter à travers des images rejetées par le public. Pour Jean-Luc Verna, créer ce genre d'image c'est « comme des vieilles actrices qu'on inhument et qu'on remaquille pour qu'elles fassent une dernière danse pour voir si elles sont encore en accord avec l'époque.<fnref n="122" />»

Comment fait-il revivre ces thèmes abandonnés ? Il utilise évidemment le transfert et le rehaut de crayon, fard, pierre noire... Il les fait réapparaître sous un nouvel angle toujours avec cette noirceur profonde. Les dessins de Jean-Luc Verna ne sont pas joyeux mais c'est sa vision de la vie qui se reflète dans ses dessins. C'est un artiste à part et atypique qui fait des choix toujours déroutants et pleinement assumés qui cherche les thèmes plus désuets et ringards et tant pis si cela ne plaît pas ou n'intègre pas le marché de l'art. Verna n'a pas peur de montrer les vices, la fragilité de la sexualité ou les humeurs massacrantes de l'humanité. Tout au long de ce mémoire, nous allons découvrir les choix radicaux et étonnants de Jean-Luc Verna et plonger dans son univers à la fois New wave et sombre sur un fond de

<footnote n="121">¹²¹ Art Côte d'Azur, Jean-Luc Verna "Le corps qui rêve" (s.d.) — https://www.artcotedazur.fr/artistes.181/art-contemporain.183/jean-luc-verna-le-corps-qui-reve.3291</footnote>

<footnote n="122">¹²² Tirée du reportage l'Atelier A - Jean-Luc Verna, source : ARTE, 2018 — https://www.arte.tv/fr/videos/081647-014-A/jean-luc-verna/</footnote>
punk.

## 2.1 Les oiseaux

« Birds ? Yes, quite simply. Pale firebirds. Birds are beautiful, different and rich in symbols. I realize my drawing then I make them up with powders. These evanescent volatiles with charcoal bodies - reflect my vision of my contemporaries a bit like the Characters of La Bruyère. » Jean-Luc Verna.

Avant de nous attarder sur les oiseaux, il faut savoir que les animaux sont perçus dans le dessin de Jean-Luc Verna comme *Les Caractères* de Jean de la Bruyère<fnref n="123" />. Jean de la Bruyère, moraliste français publiera plusieurs fois son livre dû aux perpétuelles modifications. Dans cet essai, l'auteur dépeint dans divers chapitres la nature et les comportements de l'Homme et de la société. Il espérait que la lecture de son livre puisse faire changer les mauvais comportements. L'écho que fait Verna face à l'œuvre de Jean de la Bruyère est simplement le fait qu'il reprend les dérives, les comportements, les pensées des Hommes que l'auteur explique dans son livre à travers le dessin et plus précisément à travers les animaux. Dans les dessins d'animaux de l'artiste, nous pouvons retrouver les thèmes tels que la fin de la sexualité, la mort, la réflexion sur le genre, l'extrême droite, être dans un corps que nous trouvons beau mais détesté par les autres... « *Nous sommes plongés dans un monde entre punk et mélancolie*<fnref n="124" />.»

Les représentations d'oiseaux représentent beaucoup en termes de quantité mais également par ce qu'ils sous-entendent à travers leur représentation. C'est-à-dire, que ces oiseaux en disent plus que nous pourrions imaginer aux premiers regards. « *Les oiseaux sont des porteurs de messages que Verna veut nous livrer, ce sont des messagers de l'âme*.<fnref n="125" />» Tout comme les étoiles, l'artiste en fait un thème omniprésent voire d'obsession sans aucune explication, nous les retrouvons sur son corps (*voir annexe n°91*), sur son CD de son groupe I

<footnote n="123">¹²³ Les Caractères de Jean de la Bruyère, première édition publiée en 1688 par Estienne Michallet.</footnote>

<footnote n="124">¹²⁴ Paris Art, Jean-Luc Verna au Muséum de Toulouse : dessins d'oiseaux (s.d) — https://www.paris-art.com/jean-luc-verna-museum-toulouse-dessins-d-oiseaux/</footnote>

<footnote n="125">¹²⁵ DEVEZE L., FABRE Aline, LAMY Frank, *Vous n'êtes pas un peu beaucoup maquillé ? - Non*. Ed. Mac Val, 2016. — p. 108</footnote>
Apologize (voir annexe n°92), ses dessins évidemment... Des messages récurrents dans son œuvre comme le mal être que nous pouvons apercevoir dans Nul de 2016 (voir annexe n°93) ou bien la mort avec Le temps de mourir, 2016 (voir annexe n°94). Chaque volatile représente une humeur, un état d'âme : l'oiseau achevé par la vie, arrogant, anxieux, perdu... Ils nous livrent sans honte leur humeur. Ces oiseaux sont simplement une représentation de nous-mêmes.

Nous y retrouvons également des références aux cultures alternatives notamment dans l'oeuvre *Atomic* de 2016 (voir annexe n°95), « un moineau tout atomisé, dont les plumes se rebellent en punk, Atomic comme la chanson de Blondie<fnref n="126" />» (interprété par le groupe en 1978). Ou bien dans *Under the black star* de 2016 (voir annexe n°96) et *Vertical flight* de 2017 (voir annexe n°97) qui sont un hommage à David Bowie, il y a un oiseau et des bribes d'étoiles qui forment le nom de Bowie ou bien la reprise du titre de sa chanson *Life on Mars?* pour son titre de son dessin d'oiseau de 2015. Nous nous rendons compte qu'à travers n'importe quel motif, il est souvent possible de trouver des accointances entre le dessin (pour les portraits de Siouxsie Sioux par exemple) ou des titres avec la musique ou des acteurs de la musique alternative. « Des titres qui reflètent l'univers singulier de Jean-Luc Verna, partagé entre la littérature du XIXème siècle et le mouvement punk des années 1980, la mélancolie romantique et la subversion underground, la culture savante et la culture populaire<fnref n="127" />.» Tout cela amène à une lecture de plus, une façon de voir autrement l'œuvre, de mieux la cerner et cerner Verna par la même occasion.

Le motif de l'oiseau mort sur le dos est également très récurrent, nous le retrouvons dans de nombreuses oeuvres comme : *Pretty in Pink* de 2016 (voir annexe n°98), *Death Wish* de 2005 (voir annexe n°99), *Ophélie au paradis fantôme* de 2011 (voir annexe n°100)... Cet oiseau mort sur le dos est tout d'abord un emprunt aux vanités mais aussi une nouvelle fois, un lien entre culture savante et populaire. Cela tisse un lien pour l'artiste, entre le mythe de Faust par l'Opéra Rock et le film *Phantom of the Paradise* de Brian de Palma (1974) dans lequel une maison de disques se nomme *Death Records* et leur sigle représente un oiseau

<footnote n="126">¹²⁶ Ibid. — p. 107</footnote>

<footnote n="127">¹²⁷ Paris Art, Jean-Luc Verna au Muséum de Toulouse : dessins d'oiseaux (s.d) — https://www.paris-art.com/jean-luc-verna-museum-toulouse-dessins-d-oiseaux/</footnote>
mort sur le dos (voir annexe n°101). Toute cette volière rassemble les divers états d'âme de la société et de Jean-Luc Verna tout comme des clins d'œil à des références culturelles. L'artiste a réussi son pari de délivrer encore des messages à travers le prisme d'une iconographie dépassée, il a réussi à offrir un second souffle à ces oiseaux bien qu'ils paraissent tous à l'agonie. « Painted bird it's absurd. » dit-il mais il arrive à leur donner une âme et les mettre en mouvement grâce aux accidents de tâches du trichloréthylène. Ces oiseaux continuent à reprendre vie sous les crayons, fards et corps de Verna, encore aujourd'hui, il continue de les dessiner, une preuve que cette imagerie a encore des choses à dire et sous ses airs kitsch, les oiseaux ne cessent de voler.

## 2.2 Les clowns

Le clown est également une iconographie présente tout comme la farandole d'êtres fantastiques : les fées, les satyres, les sorcières... surtout à ses débuts dans les années 1990 (voir annexe n°102). A cette époque tout cela relève d'un certain mauvais goût, du ringard. Nous ne voulions plus de cette iconographie. Mais Jean-Luc Verna continuera de l'utiliser à des fins interrogatives, comment peut-elle continuer d'évoluer dans le temps tout comme le reste de son Oeuvre ? De plus pour l'artiste, mais pour Jean-Luc Verna les clowns sont une loupe sur les émotions : trop drôles, trop tragiques, trop étranges, trop joyeux etc. C'est un personnage qui offre un grand panel d'émotions possibles à transférer dans des dessins<fnref n="128" />.

Les clowns, summum du kitsch, à la fois drôle et dérangeant prennent divers rôles dénonciateur, groupie, autoportrait, drag queen, zombie... Dans les dessins de clowns, il est impossible de passer à côté du choix des titres. Comme nous l'avons vu précédemment avec les oiseaux, les titres nous livrent une explication, une référence qui nous permet de mieux appréhender l'œuvre. Cette fabrique des titres chez Jean-Luc Verna est très attrayante, parfois humoristique, parfois sobre, ou encore complémentaire de l'oeuvre, c'est cela que nous retrouvons dans l'oeuvre de 2018 nommée *Ex fan de Siouxsie, petite babydoll* (voir annexe n°103 et 104) Au-delà de l'allusion évidente de la musique de Serge Gainsbourg titrée : *Ex fan des sixties* interprétée par Jane Birkin, cette clownesse arbore un air perdu, à mi-chemin

<footnote n="128">¹²⁸ Interview : Lokko, une heure avec Jean-Luc Verna, le 18 octobre 2019. — https://www.youtube.com/watch?v=mpURnzDelTI</footnote>
entre clown et drag queen, elle détient des airs troublants avec Siouxsie Sioux : les cheveux volumineux très noirs ainsi que le maquillage noir qui est « *la marque de fabrique* » la marque de fabrique de la chanteuse. Bien qu'elle n'est pas beaucoup l'air d'une babydoll, elle a bien l'air d'une fan de l'Ice Queen. Des écrits relatent que durant les concerts de Siouxsie & the Banshees, les fans arborent le même style vestimentaire et le même maquillage que la chanteuse ce qui avait tendance à l'énerver car elle prônait le fait d'être nous-mêmes, pas la copie de quelqu'un d'autre. « *Qu'importent les interviews parfois méprisantes à l'égard des fans, accusés de ne pas penser par eux-mêmes, des armées de clones suivent désormais le groupe de concerts en concerts.* Mais Siouxsie est ambiguë. Elle fustige les masses qui copient son look. Mais sa vanité en est quand même flattée.<fnref n="129" />» Robert Smith du groupe The Cure fera exactement le même constat, il avoue même un certain malaise ressenti les premières fois face à la multiplication de sa personne : « *Cela peut être effrayant, en observant ses fans, de voir son image démultipliée à l'infini.* Les premières fois, ça m'a mis franchement mal à l'aise. Mais on s'habitue. J'ai compris, en parlant avec eux, qu'ils avaient moins envie de s'identifier à moi que besoin d'appartenir à une communauté. Pour eux, Cure compte tellement qu'ils veulent en faire partie, d'une manière ou d'une autre. De toute façon, je ne peux pas aller contre ça. Mon image ne m'appartient plus.<fnref n="130" />»

Pour en revenir à l'analyse d'Ex fan de Siouxsie, petite babydoll, il est possible de remarquer que le côté drag queen renforce ce sentiment de déguisement, d'exagération des traits. En clair, cette clownesse reprend les codes de la Sioux mais cette époque est résolue, il ne reste plus que les traits physiques. Le titre « *ex fan de Siouxsie* » prouve que cette époque finie, il n'y a plus de nouvelles musiques, il ne reste que les attraits de la chanteuse à travers des clowns. Comme cette époque est dépassée, cela nous paraît-il ridicule et passé de mode comme un clown ?

Les dessins de clowns sont alimentés par ces cultures alternatives voire plus largement de la musique des années 1970 à 1990 comme nous avons pu le découvrir avec l'oeuvre ci-dessus, ou avec *The time warp again* de 2018 en lien avec le film *The Rocky Horror Picture Show* par Jim Sharman en 1975 qui est un film culte pour l'artiste (voir annexe n° 105)

<footnote n="129">129 ETHAIRE Etienne, Diva Siouxsie, 2008, Camion Blanc. — p. 62</footnote>

<footnote n="130">130 Citation Rock, *Citations de Robert Smith*, (s.d) — http://citations.rock.free.fr/html/smith.htm</footnote>
et n°106). Cette oeuvre rend hommage aux séries B d'épouvante liant humour, rock'n'roll et sexe. Pour ce dessin, Verna s'inspire du personnage de docteur Frank-n-Furter joué par Tim Curry, personnage transexuel et bisexuel venu de la planète Transexual de la galaxie Transylvania, le personnage de l'artiste serait une version zombie du personnage toujours en gardant des traits entre féminin et masculin.

Nous voyons très clairement l'influence des grands classiques, de la culture populaire tout en mélangeant avec l'imagerie du clown. Tout comme l'œuvre *Top of the Pops* (2018) (voir annexe n°107) qui, elle réalise un lien avec *Top of the Pops*, émission télévisée britannique axée sur la musique fondée en 1964. Reprendre le clown et l'associer à d'autres références, c'est lui donner le pouvoir de lui faire dire encore quelque chose, c'est de pouvoir le questionner sur la pérennité de son esthétique. Le clown dérangeant (voir annexe n°108), apeurant digne d'un twist de *It* la mini-série de 1990 adaptation du roman de Stephen King réalisée par Tommy Lee Wallace et un membre du Club Kids (voir annexe n°109) est sans doute la meilleure iconographie qui permet de surfer et de perpétuer ce atmosphère étrange et creepy de l'artiste. L'artiste s'approprie les clowns, personnes provenant de l'univers du cirque mais qui à tendance à tendre vers les *Freak Show* ; sans stupéfaction puisque Jean-Luc Verna se considère lui-même comme en dehors de "la norme". Faire un autoportrait en clown, c'est paraître comme un être qui est ridicule, qui n'est pas pris au sérieux. Dans *Le portefeuille de Bixiou* de 2018 (voir annexe n°110 page), nous sommes dans cette utilisation de l'image du clown pour se montrer, nous pourrions supposer que c'est un autoportrait en clown grâce à des détails qui rappellent l'artiste : les piercings, de sa grillz en argent sur les dents, les yeux charbonneux... Nous pouvons également émettre l'hypothèse de l'utilisation du titre comme un lien avec ce que l'artiste est. *Le portefeuille de Bixiou* est une nouvelle écrite et publiée dans le Figaro le 17 novembre 1868 par Alphonse Daudet, elle raconte l'histoire d'un journaliste, féroce, cynique et grinçant détesté par tous qui devient peu à peu aveugle<fnref n="131" />. Cette description peut être transposée sur Jean-Luc Verna.

Nous pouvons voir alors une régression dans le choix des représentations. Jean-Luc Verna questionne ces représentations, que peuvent-elles encore apporter aujourd'hui à l'art

<footnote n="131">¹³¹ Alphonse Daudet, *Le Portefeuille de Bixiou* (s.d) — [Le Portefeuille de Bixiou – Les Amis de Daudet](https://le-portefeuille-de-bixiouLes-Amis-de-Daudet)</footnote>
contemporain ? C'est aussi un choix très fort d'être en marge de la création contemporaine, de briser ce courant mainstream même si parfois la mode rattrape Jean-Luc Verna comme pour le kitsch. Aujourd'hui, il y a un réel engouement pour l'esthétique kitsch et des artistes comme Jeff Koons devient un des artistes les plus chers au monde après le vente de son œuvre Rabbit le 15 mai 2019 pour la somme de 91,1 millions de dollars.

A travers ces choix plastiques, il y a aussi toute une démarche, une prise de position comme l'ont fait les *subcultures*. Sa création artistique, c'est aussi défier, interroger l'effet de mode, le mainstream, quelle réception pour une pratique à l'opposé de tous ? Ses dessins de clowns, tout comme les oiseaux, tout comme les étoiles, sont porteurs de messages, de pensées. Certains comme *Art is Entreprise* (2013) (voir annexe n°111) nous dévoile la pensée de l'artiste sur le monde de l'art aujourd'hui et surtout du rapport entre l'artiste et les galeries. Jean-Luc Verna dénonce grâce à ce clown squelette, les galeries qui extirpant tout ce qu'ils peuvent de l'artiste en visant seulement le profit et l'argent comme une entreprise quitte à parfois virer les artistes s'ils n'ont plus rien à donner. Il dénonce la préférence du bénéfice face à la vision et la passion de l'art.

Alors, que cela soit des clowns, des oiseaux, des faunes, des centaures, des satyres et caetera, tout fonctionne sur le même fond de pensée, ils sont représentés car ils sont *has been* mais ils sont aussi comme un prétexte pour dessiner les gens et leurs humeurs, leurs états d'âme, des positionnements, nos émotions...Ici, nous avons fait le choix de parler exclusivement des clowns et des oiseaux car ce sont les deux catégories qui offrent le plus souvent un lien avec les cultures alternatives. Pour conclure, ils font tous partis intégrante de l'imaginaire de l'artiste et même si nous commençons à retrouver ces iconographies dans le monde de l'art, même si cela redevient à la mode, Jean-Luc Verna ne changera pas pour le moment son répertoire car il veut dire beaucoup et il a encore des choses à dire<fnref n="132" />.

### 3. Ambiguïté entre culture savante et populaire

Le surprenant mélange entre culture savante et culture populaire est une plaque tournante

<footnote n="132">132 CRENN Julie, *Sous le maquillage : rencontre avec Jean-Luc Verna pour Inferno* du 10 décembre 2012 — SOUS LE MAQUILLAGE : RENCONTRE AVEC JEAN-LUC VERNA</footnote>
dans l'œuvre de Jean-Luc Verna. Cela touche toute sa pratique, et est comme un fil conducteur. Avant d'analyser le travail photographique de l'artiste, nous allons étudier les définitions de culture savante et culture populaire. Tout d'abord, la culture savante est une culture qui touche une élite sociale, la classe dominante. Cette notion de culture savante est fortement liée à la pensée de Pierre Bourdieu que nous retrouvons dans *La reproduction* co-écrite avec Jean-Claude Passeron. Pierre Bourdieu évoque le capital culturel qui est l'ensemble des ressources dites culturelles dont dispose une personne. Et ce capital est sans cesse en évolution puisqu'il prend trois formes possibles :

- L'état d'objectivité, être en possession de biens culturels qui correspond aux livres, des œuvres d'art...

- L'état institutionnalisé, la possession de compétences culturelles qui se reflètent à travers les diplômes scolaires.

-L'état incorporé c'est-à-dire la consommation de biens culturels comme assister à des spectacles vivants, l'apprentissage de langue(s) étrangère(s), des activités scolaires et extra-scolaires... L'assimilation des savoirs divers.<fnref n="133" />

La culture savante pour être vue également comme une culture peu accessible qui amène de grandes réflexions et qui toucherait alors qu'une seule partie aisée et instruite de la société.

Quant à la culture populaire, bien que dans les *Cultural Studies*, cette notion est au centre du débat car jugée parfois trop péjorative, nous pourrions la définir comme une culture qui est accessible à tous. La culture populaire est une culture que les populations de classe moyenne connaissent, cette culture populaire touche divers domaines. Aujourd'hui, elle se retrouve dans la musique, dans les séries TV, dans les jeux vidéos... Cette culture touche les masses.

Jean-Luc Verna aime ne faire qu'une culture, faire des choix pour créer une passerelle entre les deux comme si ces deux cultures sont deux antagonistes qui affirment une proximité malgré tout. Stuart Hall émet un avis très intéressant au sujet de la culture populaire et de la relation avec la culture savante : « *Ce sont les relations qui définissent la « culture populaire» dans une tension continue (de corrélation, d'influence et d'antagonisme) avec la culture dominante.*<fnref n="134" /> » Tout d'abord, il faut savoir que la culture dominante ici citée est la culture

<footnote n="133">¹³³ BOURDIEU Pierre, *Les trois états du capital culturel*, Actes de la recherche en sciences sociales Vol.30, années 1979. — pp. 3 - 6</footnote>

<footnote n="134">¹³⁴ HALL Stuart « déconstruction du «populaire» » (1981)</footnote>
savante, c'est la culture qui est formée par rapport à l'élite sociale. Alors, nous pouvons alors
remarquer que dans cette pensée, Stuart Hall, crée un lien entre culture populaire et culture
savante. Il pense que ces deux cultures entretiennent une relation plus forte que nous le
pensons, c'est à travers leur antagonisme que la culture populaire se forme et est en perpétuel
mouvement. Héraclite résume bien cette opposition créatrice : « *Ce qui est contraire est utile
et c'est ce qui est en lutte que naît la plus belle harmonie ; tout se fait par discorde.* »

Finalement, nous pouvons voir que cette vision des deux cultures résonne pleinement
avec la pratique de Jean-Luc Verna. Ces dernières communiquent par l'affrontement, le
décalage, mais plus largement entretiennent une relation et ce que fait l'artiste niçois dans ses
productions qui résultent de références populaires et savantes. Tout comme ses concerts qui
se déroulent très souvent dans des espaces muséales, c'est une confrontation entre arts
plastiques et musique, institution et reprises punk (voir annexe n°112). *I Apologize s'installe
dans un espace muséal, un espace de culture dite savante pour réaliser des reprises de
musiques populaires ou alternatives (Bauhaus, Barbara, Donna Summer, Siouxsie and The
Banshees). Cette étonnante association de deux mondes que tout oppose découle d'une
pratique rare et étonnante dans le monde de l'art mais déjà présente dans le monde de la
musique. Nous pouvons notamment le remarquer dans les styles dits Metal Symphonique ou
Metal Néo-Classique s'inspirent tous les deux avec des différences de compositions
musicales d'une part de la musique issue du Metal et d'autre part d'une musique classique
avec son atmosphère, sa manière d'écriture et ses arrangements orchestraux. Conduit par la
musique, il n'est pas alors pas étonnant d'analyser que Jean-Luc Verna use également
d'associations contradictoires, il réalise le grand écart des cultures. C'est ce qui affirme sa
personnalité, il est à chaque fois ni l'un ni l'autre, juste les deux en même temps, ou entre les
deux.

Néanmoins, nous pouvons affirmer que l'artiste ne prône pas une *high* et *low culture*, il ne positionne pas sa pensée à propos d'une théorie comme pourraient le faire les acteurs des *Cultural Studies*. Pour lui, la culture savante et populaire représentent juste des catalogues de ressources qui se valent tous deux. Il n'y a pas de hiérarchie entre ces deux cultures. Ce sont des apports importants qui sont intéressants à accorder.
Cette envie de réaliser une bascule, une connexion entre culture savante et populaire se lit tout particulièrement dans ses photographies mais également ses dessins. Nous pouvons le voir dans *St Elvise* (voir annexe n°113), nous découvrons le visage d'Elvis Presley chanteur de rock'n'roll et acteur américain maquillé et érigé au rang de vierge. Il suffit d'un voile entourant son visage pour qu'il se transforme en vierge. Une auréole jaune prône sur le dessus du visage, nous pouvons y entrevoir ce fameux mélange entre une iconographie religieuse que nous pourrons juger issue de la culture savante et Elvis Presley qui peut être facilement lié à la culture populaire tout comme le rock'n'roll de manière plus large. Celui qu'on nommait le *King* est une figure culturelle centrale au XXe siècle. Le représenter en vierge est comme une évidence en vue du culte d'adoration et de l'impact qu'il a créé dans le monde de la musique. Hormis ce facteur, il y aussi celui de l'ambiguïté, Elvis devient Elkise avec un “e” car il devient un personnage féminin, il faut savoir que cette ambivalence entre les genres est très présente dans le travail et la vie de Jean-Luc Verna.

Le jeu entre haute et basse culture se ressent également dans ses pièces de verre datant toutes de 2009, l'artiste ose l'alliance entre le sexe et la danse. Ces pièces de verre sont des anneaux pénien ou cockring réalisés avec une très grande complexité esthétique (voir annexe n°114, 115, 116 et 117). L'association entre haute et basse culture se fait grâce aux titres, toutes les pièces de verre ont pour titre un nom de danseurs appréciés par Jean-Luc Verna, nous y retrouvons : Fokine, Legris, Chaignaud, Amagatsu, Fordeyn... Ce qui est incroyable, c'est la façon dont l'artiste arrive à créer des liens avec des objets et références fondamentalement opposés. Ces cockrings, objet trivial et utilitaire est en verre car la sexualité, l'érection et la masculinité sont toutes fragiles comme ce matériau. Mais quel est le rapport avec la danse ? L'anneau pénien est un objet qui à pour fin d'augmenter l'érection donc de la performance, l'esthétique de ceux de Verna est très recherchée et devient presque un ornement, un bijou. Le lien avec la danse intervient car nous le savons tous, dans ce milieu il faut sans cesse augmenter sa performance et parfaire ses prestations et ses gestes tout comme l'acte sexuel. Les cockrings et la danse ont donc pour points communs : la performance, la beauté et le plaisir. Création osée mais réussie, cela s'accorde avec le reste du travail de ce dernier. L'essence de la pratique artistique de Verna est un jeu incessant des
renversements carnavalesques<fnref n="135" /> et des possibilités d'entrevoir des connexions entre des mondes culturellement différents, cela est perceptible dans son projet photographique que nous allons analyser par la suite.

## 3.1 Les photographies entre histoire de l'art et du rock

Ce travail photographique est un travail de grande ampleur tant par sa quantité que par le temps de réalisation. Ce projet est né en 1999 lors d'une proposition pour la réalisation d'une exposition en ligne, l'artiste cherche donc un projet à proposer afin d'y participer, cela sera sans étonnement que ce dernier va alors chercher de l'inspiration dans les livres d'histoire de l'art. Il découvre une statuette égyptienne, *Statue de la divine adoratrice d'Amon, Karomama* (vers 1069 - 30 av.J-C) conservée au musée du Louvres à Paris (voir annexe n°118). Cette statuette n'adopte pas n'importe qu'elle position, il y a une congruence parfaite avec celle de Siouxsie Sioux lors d'un concert, à partir de ce moment, Verna va alors trouver jusqu'à 50 liens entre oeuvres de l'histoire de l'art et acteurs de l'histoire du Rock puis va passer à la réalisation des photographies. Le choix des poses n'est donc pas tiré du hasard. Le travail photographique de Jean-Luc Verna s'ancre pleinement dans une ambiguïté entre culture savante et populaire par le fait que chaque photographie est à double lecture. C'est « l'art de faire des allers-retours<fnref n="136" /> » entre deux cultures que nous avons toujours opposées.

A première vue, nous pouvons très vite analyser des positions tirées de grandes œuvres comme celles de Goya, Le Bernin, Michel-Ange, Auguste Rodin, Otto Dix, Klimt, Caravage et bien d'autres encore. Mais l'analyse ne s'arrête pas là, si nous commençons à creuser, à rechercher dans les archives des cultures alternatives, nous pouvons d'une autre manière lire et analyser les photographies de Jean-Luc Verna. Les positions n'ont pas été sélectionnées seulement pour leur appartenance à la culture savante, à l'histoire de l'art mais aussi comme dit précédemment car elles correspondent à des moments, des positions que des artistes de la musique alternative ont pu adopter lors de leur concert. Jean-Luc Verna se permet de faire un mélange entre un art classique et des moments du rock international, ce projet se trouve entre

<footnote n="135">¹³⁵ DEVEZE L., FABRE Aline, LAMY Frank, *Vous n'êtes pas un peu beaucoup maquillé ?* - Non. Ed. Mac Val, 2016. p. 281.</footnote>

<footnote n="136">¹³⁶ LACROIX Sandrine, *Jean-Luc Verna, Zéro Deux*, 2002</footnote>
hyperbole et provocation<fnref n="137" />. Et c'est bien cette dualité qui rend la série de photographies intéressante. Jean-Luc Verna utilise l'histoire de l'art comme un catalogue d'images existantes mais use également d'un catalogue mental qui est celui des scènes de concert. Les poses des antagonistes issues de la culture rock sont tirées principalement de souvenirs de concerts que l'artiste niçois a vécu (ou de photographies de promotion, de clips vidéo...). Nous pouvons noter des liens avec les stars suivantes : Siouxsie Sioux, Iggy Pop, Nico, Nina Hagen, David Bowie, Poison Ivy et caetera. L'artiste a délibérément inclut la chanteuse Barbara afin de montrer qu'il est bien plus éclectique que cela<fnref n="138" />.

Bien que tout oppose l'art classique et les artistes issus de la scène musicale, l'artiste a su trouver un point de rencontre, des congruences fragiles mais bien présentes. C'est un croisement de ces deux arts. Nous pouvons noter que plusieurs choses renforcent le décalage entre art classique et musique alternative. Tout d'abord, nous pouvons soulever le choix des modèles, Jean-Luc Verna a décidé de se mettre en scène seul parfois accompagné, la série des duos est la dernière en date. Il pose auprès de Guillaume Vial, Nathalie Camou, Ivan Dion ou François Sagat. En premier lieu, leur métier crée un décalage avec les personnes normalement représentées dans l'art classique. De plus, quand l'acteur pornographique et la professionnelle du fitness posent avec Jean-Luc Verna, leurs corps musclés se rapprochent de l'esthétique classique. Mais les tatouages de l'artiste, eux, créent un clivage avec l'art classique mais un renforcement avec les cultures alternatives et la culture rock. Nous le voyons très clairement dans la photographie qui reprend avec François Sagat : Anonyme, Apollon et Daphné en 1625 et Roadie tentant d'attraper une fan grimpée sur scène pendant le concert de Led Zeppelin (voir annexe n°119). Dans cette photographie, il y a donc Jean-Luc Verna qui imite Daphné et François Sagat qui imite Apollon, dans ce duo c'est donc un homme qui contraint une femme, un dieu qui contraint une mortelle, c'est aussi François Sagat et Jean-Luc Verna, deux corps opposés. Il y a d'un côté cette star du porno gay qui possède un corps très athlétique et s'inscrivant dans le capitalisme. Puis, il y a Jean-Luc Verna qui lui possède un corps libre et qui porte les stigmates de la vie (les vergetures, les cicatrices de liposuccion, les tatouages etc). Nous sommes ici, encore une fois, dans deux

<footnote n="137">137 DEVEZE L., FABRE Aline, LAMY Frank, *Vous n'êtes pas un peu beaucoup maquillé ?* - Non. Ed. Mac Val, 2016.</footnote>

<footnote n="138">138 Propos tenus lors de la conférence du jeudi 20 mars 2014 à l'ESA des Rocailles de Biarritz.</footnote>
temporalités totalement différentes, montrant deux histoires différentes à travers les corps des
modèles.

Tout comme le fait de poser nu, cela touche plus l'art classique que les cultures
alternatives. Les artistes rock, punk, gothique... ne performent pas nus hormis peut-être Lux
Interior chanteur du groupe The Cramps qui a fini complètement nu lors d'une performance
de 1980 et qui a tendance à s'effeuiller lors de ses concerts (voir annexe n°120). Mais cela est
à nuancer, cela ne provient pas que de l'art classique mais aussi d'une vision du corps
personnelle et propre à Jean-Luc Verna, il l'explique dans une interview pour Art and Facts
en 2017 : « Il ne s'agit pas d'exhibition, seulement de vérité. Je déteste les vêtements et le
rapport social qu'ils entretiennent. Vous ne serez pas vu de la même façon avec telle ou telle
marque. La nudité en revanche gomme les classes et nous rend tous beaux. Personne n'est
jamais aussi élégant que nu, il y a un côté pur qu'on ne retrouve pas ailleurs. Se mettre (à) nu
implique forcément une sincérité inégalable. C'est aussi raconter une histoire... surtout
quand on a le corps recouvert de tatouages!<fnref n="139" /> »

Dans certaines photographies, il est possible d'entrevoir des socles qui ne sont d'autres
que des valises (Pierre-Charles Simart / Lux Interior) ou des boîtes en cartons (Michel-Ange /
Siouxsie Sioux) ou encore un oreiller (José de Ribera / Lux Interior) (voir annexe n°121 et
n°122) cela renvoie à un peu à une esthétique *destroy*, un peu « *do it yourself* ». Il régit les
poses, les décors, la photographie mais également les accessoires et il prend ce qu'il trouve.
Cela brise un peu le côté parfait, trop lisse que procure les poses classiques, le fond blanc
sans défaut. Cela fait basculer la tendance entre classicisme et rock'n'roll et cela se ressent
encore plus dans les premières séries photographiques avec un Polaroid (Jim Bidgood, CA.
1960 - L7 "Wargasm", live, CA. 1990 ou encore Otto Dix, *Portrait d'Anita Berber* 1925 -
Debbie Harry, Siouxsie Sioux, Marlène Dietrich... (voir annexe n°123 et n°124). Nous
remarquons un décor non neutre avec beaucoup de parasites : des étoiles au mur, un lit, un
poster etc. Nous sommes bien dans des photographies faites seules qui donnent un aspect fait
maison. Cela brise l'atmosphère classique, d'un décor parfait et travaillé que nous pouvons
retrouver dans les tableaux, photographies choisies.

<footnote n="139">139 DE ROCQUIGNY Marine, *Jean-Luc Verna : L'extravagance*, pour Art and facts le 3 février 2017 — http://artandfacts.fr/jean-luc-verna</footnote>