*Squid Game* = poubelle de l'histoire.

Le genre du *hopepunk* porte l'idée que se battre pour une société plus juste est un combat qui vaut tous les risques. Dans *Mécanique Céleste*, les personnages parlent souvent de transgresser les règles. Dans *Fausse Garde*, Fessat combat au service d'un activisme révolutionnaire. Tu es familier avec le genre du *hopepunk* ? Pour toi, y a-t-il une place pour la violence contre le système capitaliste ?

La question de transgresser les règles, je l'adore dans *Mécanique Céleste*, parce que les personnages ne le font que par des biais légaux.

Et par exemple, tout ce qu'on vit aujourd'hui avec la « crise sanitaire », c'est accepté uniquement parce que c'est sous le sceau de l'état d'urgence. Si tu veux changer le monde sans respecter les lois, il faut qu'il y ait état d'urgence. Les premiers à contourner la loi et à exploiter ses failles, c'est ceux qui les érigent.

Le personnage d'Eddy en est le parfait exemple, c'est-à-dire « Oh, il y a urgence ? Ben décidez-vous maintenant ! ». Et ça pour moi c'est dégueulasse, c'est comme l'agent immobilier qui te met la pression pour que tu achètes. Donc toute cette façon de faire, cette pression, cette pressurisation, ça crée forcément de la violence. Et l'autre côté de la violence, c'est l'injustice, c'est le même paradigme.
Donc la question c'est même pas s'ils ont tort ou raison, parce que
les gens qui contiennent leur violence, c'est encore pire, c'est des
cocottes-minute.

Si la violence sort, c'est qu'elle en a besoin.

C'est comme un enfant auquel on interdit d'être violent, ça
dissimule juste son mal-être, au lieu d'essayer de le comprendre et
d'avancer. Et puis si on le punit derrière, ça l'empêche encore plus
de s'exprimer, et il se renferme encore plus sur ce qui ne va pas.

Donc pour moi, c'est même pas un débat.

Mettre ce débat en place c'est affirmer qu'on ne cherche pas
d'harmonie dans la société. Se demander « pour » ou « contre »,
c'est passer à côté de cette recherche.

Après, la question qui m'intéresse, c'est « Que révèle l'expression
de la violence ? Est-elle instrumentalisée par ceux qui sont
autorisés à penser ? »

Tu peux dire ce que tu veux, la violence, si on t'empêche de
l'exprimer, y a un moment où ça explose.

Qu'est-ce que tu penses de la place du manga en France ?
La force du manga, c'est que ça parle au jeune public. Y a de la bande dessinée européenne pour le jeune public, y a pas de souci, mais ce qui m'attriste, c'est qu'une grosse partie de ce public ne trouve pas son compte par les auteurs français. C'est dommage qu'on n'arrive pas à échanger avec ces gosses-là. Mais je me prête à croire qu'avec des trucs comme le Label 619 on retrouve ce côté pop culture, etc.

Moi, j'aimerais beaucoup retrouver ce public, parce qu'on a eu les mêmes lectures, donc je vois pas pourquoi on n'aurait plus rien à se dire.

Le manga en France c'est une grande question, parce que moi, je suis pour le rapprochement des mondes, mon travail il est entre les deux. Je kiffe Gaston, je kiffe Akira, je vois pas pourquoi j'aurais à choisir.

**Dans ton dernier album, Mécanique Céleste, tout semble avoir été réalisé en traditionnel.**

**Dans un monde où l'outil numérique est de plus en plus présent, quelle relation entretiens-tu avec le dessin traditionnel ?**

J'ai pas envie de porter un jugement, mais ce que je peux raconter, c'est mon expérience. J'ai fait des bédés entières en numérique.

Moi je pense que le numérique, c'est comme toute grande découverte de l'humanité. On l'utilise et on l'essaye dans tous les
domaines, et au final on le gardera que pour les domaines où il est pratique.

C'est comme quand on a eu le pétrole, on a tout fait avec : de la pétrochimie, du plastique, etc. Et puis à un moment donné, on s'est rendu compte qu'il y avait des domaines où le carton était mieux que le plastique.

L'être humain n'est peut-être pas assez intuitif pour s'empêcher d'essayer les nouveaux trucs partout. Donc le numérique, on fait pareil, on l'utilise partout. On en arrive même à des domaines où on croit que ça fait gagner du temps, mais en fait ça en fait perdre. Et personnellement, je trouve qu'en dessin numérique on atteint un niveau d'absurdité. Les *brushes* et tout, etc.

Moi j'ai eu pas mal de frustration à la sortie de certains albums parce que l'ordinateur me poussait à rentrer trop dans le détail à cause du *zoom*, donc déjà il me faisait perdre le rapport avec ma planche une fois qu'elle serait imprimée, devant laquelle je me disais au final « *Ah, tout ça pour ça* ? ».

Et puis j'ai développé un sentiment de non-accomplissement : je finissais ma journée, j'éteignais l'ordi, et le non-contact avec la matière y jouait. Et je me suis rendu compte que le numérique, comme tu peux effacer ou annuler, j'étais moins impliqué dans ce que je faisais. Et paradoxalement, quand tu veux être hyper précis, tu perds du temps. Tu dois zoomer. Moi quand je veux zoomer, je m'approche, je m'applique.

Mon rendu, il serait impossible à avoir dans le même délai. Et pour l'aquarelle, tu peux te brosser. Alors, y a des gens qui font
des colos magnifiques à l'ordi, y a pas de problème, mais pour
s'escrimer à avoir le même rendu qu'à l'aquarelle, il vaut mieux
l'apprendre sur papier.

C'est selon moi, et après, moi, j'adore l'aquarelle... c'est un rapport
à l'eau, il y a un retour à la vie. Ok c'est stressant, faut se canaliser,
quand tu as commencé ton dégradé, que l'eau est en train de
sécher, que tu es pas tout à fait prêt, tu es dans le réel, tu es
submergé par ton truc ! Tu dois l'accompagner, tu dois pas forcer
le jeu mais le diriger quand même.

Pour moi, il y a un rapport au matériel et au concret qui est super
nécessaire. On se fout de la gueule des gens qui écoutent de
l'ASMR, mais moi je les comprends. Quand on est à ce point
coupé en permanence avec le réel, on veut écouter du bois qui
craque. Hé ben moi je veux être avec ma feuille, mon papier et
mon encre. C'est direct, je veux pas d'intermédiaire. Cet objet est
un intermédiaire, je veux pas de capote quand je dessine.

Et c'est pour ça que les dessins à l'ordi sont un peu lisses. Parce que
ton geste n'est pas guidé ou arrêté, il glisse sur une surface lisse.
Moi, si mon papier il m'accroche, il m'accroche, et quand je fais de
la litho, c'est la pierre qui influence mon geste. C'est une entente.
Sur tablette, tu peux mettre une feutrine et des brushes qui te font
croire que... mais tu n'as pas de contact avec la matière. C'est du
virtuel, et tu perds énormément de sens.

Là, quand je change d'outil, d'encre, quand je penche ma feuille
pour jouer avec l'eau, ça n'a rien à voir. Ils ont d'ailleurs essayé
d'imiter ça sur Paint à l'époque, tu pouvais simuler d'avoir ta
tablette penchée pour avoir l'encre qui coulait... waouh ! Comme
pour de vrai... enfin presque.
Il fallait essayer.

Et puis, j'ai failli perdre la vue avec les écrans. J'ai développé un
glaucome, détruit mes nerfs optiques. Retrouver le papier était
salutaire.

On me dit toujours la même chose « *Et si tu te trompes ?* » . Et pourquoi tu veux que je me trompe ? Un gars qui marche sur un fil à plusieurs mètres au-dessus du sol, il fait comment ? Ben il se trompe pas. Si tu t'autorises à te tromper, tu te tromperas.

Le dessin traditionnel, c'est dessiner en conscience, ne pas être
dans un dessin industriel que tu produis puis que tu envoies par
mail.

Quand tu réagis avec tout ça, en conscience, tu trouves ta place
dans le monde.

Est-ce que tu fais un lien entre ta pratique des sports de
combat et ta pratique du dessin traditionnel ?

En ce moment, je travaille ma respiration et ma façon d'être assis.
Se mettre dans une posture recroquevillée, en mode mal à l'aise,
c'est encore une façon de ne pas assumer. Il faut être bien face à la
feuille. C'est un rapport au monde. C'est donner le meilleur de soi
au monde. Et pour avoir cette force de donner le meilleur, il faut
bien s'installer, se donner de la place. Pourquoi ? Parce que tu vas
offrir ça au monde.

Comme en arts martiaux, plus tu répètes un geste, plus tu
découvres des choses à améliorer dedans. Des fois, je pose juste un
trait, et je me vois en train de le faire. Il n'y a plus un seul trait qui
devient anodin. Tout devient partie de la discipline. Et quand tu
rentres dans la lassitude, tu peux être sûr et certain que c'est parce
que tu as oublié de redevenir présent dans ton action.

Changer de technique m'aide vachement. Et ce qui est compliqué
en ce moment justement, c'est de garder la même technique, et de
toujours continuer de la faire évoluer, l'acérer, la rendre plus
pertinente, sans l'alourdir de détails.

L'aquarelle, c'est une technique de papa utilisée dans la
bande dessinée historique. Toi, tu arrives à rendre un truc
super contemporain, avec un gros vent de fraîcheur.
Comment tu fais ça ?

Mon truc, ça a été de réutiliser le travail de l'animation où tu es
juste en celluloïde de gouache, en deux teintes. En fait, ce procédé
interdit le côté vieillot de l'aquarelle comme les modelés, la
brillance ou quoi. Et ça pour moi c'est *no way*. Je fais comme si j'étais en aplats de sérigraphie sur les persos.

Chez Miyazaki par exemple, les décors sont des superbes peintures, de la gouache, c'est magnifique, et puis les personnages sont en aplats d'une ou de deux couleurs, pour l'ombre et la lumière, mais pas plus. J'utilise exactement cette technique dans *Mécanique Céleste*, c'est une technique qui ramène un côté très graphique, qui fait ressortir le personnage, et c'est ça qui déringardise le truc, parce que c'est des codes actuels qu'on a du manga et de l'animation.

Donc moi je reprends ce truc de l'animation, mais ça fait pas *cheap anim*, parce que c'est une aquarelle donc ça reste vibrant, c'est animé par le grain. Et de temps en temps, je passe du bleu au violet dans un personnage pour susciter une certaine émotion, mais c'est tout, on garde le sentiment de l'aplat. Ce qui fait que ça reste moderne, c'est que tout est très tranché, très graphique. Je suis vraiment dans une adaptation traditionnelle de la technique de l'animation. C'est ça qui est moderne : j'ai un dessin dynamique, des designs modernes, et une technique qui est graphique.

J'aime bien allier l'ancien et le moderne.

J'ai une fatigue de la couleur numérique, je vois toujours l'ordi entre moi et la couleur.

Les onomatopées ont une forte place graphique dans tes images, plus proche de l'usage qu'on en fait dans le manga
que dans la bande dessinée franco-belge. D'où te vient ce
style ?

Tout me vient de Gaston. Franquin est très expressif dans ses
onomatopées. C'est expressif, c'est bien pensé, ça suit le
mouvement.

Ma manière d'envisager l'onomatopée, c'est de le faire comme un
fx. S'il y a de la fumée, l'onomatopée prend la forme de fumée, etc.

Propos recueillis par Anthony Rico,
le vendredi 17 février 2022.
# Jéronimo Cejudo

## Tu peux te présenter rapidement ?

Je m'appelle Jéronimo, j'ai un certain âge qui change tout le temps, je suis auteur de manga français depuis 2017, année à laquelle j'ai réalisé une première œuvre « Lil'Berry », sortie chez Delcourt-Tonkam et scénarisée par Fabien Dalmasso. Suite à ça, j'ai participé au concours Tezuka, organisé par la Shueisha (le Shônen Jump, etc.) qui était ouvert pour la première fois au monde, à l'occasion de sa centième édition, et pour laquelle mon one shot Devil Dive Inferno a remporté la deuxième place. En fin 2020, j'ai signé pour Ripper, à venir chez Ankama.

Dans Ripper, l'univers est pour moi l'un des points forts. Il est détaillé, il a une histoire et un fonctionnement qui interagissent avec les intrigues de l'œuvre, et il interagit directement avec les personnages (au niveau de leur mode de vie, leur alimentation, via la prédation, etc.). On pourrait presque le considérer comme un personnage à part entière de l'œuvre. Quelle place tu lui accordes dans ton récit ?

Les œuvres du mangaka Tsutomu Nihei comme Blame! ou Aposimz, et de Hidetaka Miyazaki, le créateur de jeux vidéo
comme *Bloodborne* et *Dark Souls*, m'ont vachement marqué. Dans leurs œuvres, tout s'articule autour de leur univers. Dans *Blame!* par exemple, l'univers est un personnage, et dans *Aposiz*, le personnage erre dans l'univers. Je ne me suis jamais vraiment posé la question, je l'ai fait assez naturellement, j'aime beaucoup créer des univers, et surtout des mythologies, et leur donner un semblant de cohérence. Depuis longtemps, je m'intéresse à tout ce qui est mythologies, création du monde, création de l'univers : d'où on vient, d'où « tout » vient... Peut-être que c'était naturel d'en venir à la création en elle-même, par la bande dessinée, et d'en venir à la création d'un univers.

C'est d'ailleurs peut-être pour ça que travailler avec un scénariste sur mon précédent projet m'avait frustré, parce que je n'avais pas la mainmise sur mon univers. Là, pour *Ripper*, je me suis plu à inventer la genèse de tout l'univers pour que tout s'articule autour de celui-ci. C'est vrai qu'il occupe une bonne place dans le manga. C'est cet univers qui marque le début du récit et qui pousse les personnages à trouver des solutions. Mais sa place reste moindre que celle des personnages, car c'est tout de même eux qui vont véhiculer des choses et faire avancer le récit, pour découvrir ce que l'univers leur réserve. Ils sont face à un mur, et ils ne peuvent pas faire autrement.

En termes d'écriture, *Ripper*, à la base, ça devait juste être un *one shot* avec une mouvance post-apo. L'univers était totalement détruit, c'était un bidonville, avec quelques humains qui vivaient à l'extérieur, et il se limitait à des empilements de déchets. Bon, je
suis parti sur totalement autre chose, où vraiment, j'ai laissé
aucune chance à qui que ce soit parce que le constat - un peu
négatif on va le dire - par rapport à la situation environnementale
m'y a conduit. Cet univers a engendré les personnages, et les
personnages ont engendré l'univers. C'est un tout. Plus je
développais les personnages, plus je devais développer l'univers,
donc il a fini par prendre une énorme place. Si j'en ai la chance,
plus tard dans le récit, les personnages seront amenés à le
découvrir encore plus. Là où ils vivent, c'est là où ils ont pris plus
de place, parce qu'ils ont repoussé cet univers. La suite apparaîtra
dans le tome 2, c'est là qu'on verra un peu comment il fonctionne,
et j'aimerais le détailler petit à petit. Et puis j'aimerais vraiment
l'étendre pour plus tard en donner une vision moins pessimiste...
Pour en dire sans trop en dire. (rires)

À la base, j'ai pensé *Ripper* comme un manga d'aventure, à la *One Piece* ou *Dr Stone*, où les personnages vont voyager à travers le monde, et finalement, leur écriture et la création du Bosquet ont fait que je les ai retranchés. Mais j'aimerais arriver à un moment dans le récit où cette bulle éclate et où l'aventure commence.

Le monde est asséché, l'eau se fait rare, et Junk et Crappy vivent de toutes les trouvailles qu'ils peuvent recycler. Les seuls végétaux qui poussent sont radioactifs, à l'exception des champignons et des pommes de terre, ce qu'on imagine être appuyé par un fait scientifique. Tu as fait beaucoup de
documentation pour écrire *Ripper* ? Si oui, comment articules-tu ces données documentaires avec la fiction ?

Oui, j'ai fait beaucoup de documentation et de recherches. Je ne m'en souvenais plus d'ailleurs, mais ma compagne me l'a rappelé. (rires) De base, je voulais déjà qu'il n'y ait plus de végétation dans l'univers de *Ripper*. Et forcément, quand il n'y a plus de végétation, plus de bois, et plus de plantes, il y a beaucoup de choses qui manquent aux êtres humains. L'eau se fait rare mais il y en a encore, bien entendu, et les seuls trucs qui poussent sont radioactifs pour les humains.

Je me suis demandé ce qui pouvait pousser sans avoir forcément besoin d'eau, de soleil, etc. Je me suis donc renseigné sur la culture avec du tissu. Avec juste de la terre et du tissu, certaines pousses comme les pommes de terre peuvent germer à travers le tissu. Pas besoin d'eau, ni de beaucoup de lumière, juste d'une petite aide humaine. J'ai fait beaucoup de recherches autour de la culture. Les champignons, ce qui est marrant, c'est qu'ils évoluent très vite, ils peuvent fusionner, être modifiés, donner de nouvelles espèces, etc., donc je me suis dit que ça pouvait être marrant – et ça, on le voit un peu plus dans le tome 2 – de donner un côté « les champignons sont partout ». Ils vont servir d'armes, de compléments, de médication, de vêtements.

Je suis parti de recherches scientifiques, mais je ne voulais pas donner à *Ripper* un aspect trop documentaire. À la base, le manga, c'est fait pour divertir, s'amuser, se détendre. Si ça part sur quelque chose de trop documenté comme on le voit dans *Jojo's*
*Bizarre Adventure* ou *Hunter x Hunter*, le lectorat peut vite se perdre dans toutes les informations et décrocher. J'ai donc laissé une énorme place à l'imagination, pour me faire plaisir déjà, et pour donner une bonne *vibe* au manga.

Pour les pommes de terre, c'est surtout parce que j'ai vu qu'on pouvait tout faire avec : des gâteaux, du sucre, de l'électricité... On peut faire plein de trucs avec les pommes de terre.

J'ai quand même rajouté une énergie en plus : *l'écho*, qui va venir donner un coup de pouce à ces cultures, pour amener de l'intrigue comme un outil narratif. *L'écho*, c'est tout simplement des spores. Il y en a partout, et ça aide les plantes à se développer.

Et les champignons sont à la base de beaucoup de choses. L'immense réseau mycélien qui parcourt toute la terre aide à ce que les arbres communiquent entre eux, que les plantes communiquent entre elles,... tout ce réseau permet de transmettre des informations, de l'adn, etc. Il y a un documentaire, *Fantastic Fungi*, sur Netflix, qui en parle et qui m'a beaucoup inspiré.

**On pourrait classer cet univers comme « éco-apocalyptique » ou « post-écologique », est-ce qu'il y a des œuvres de science-fiction qui t'ont inspiré dans la création de Ripper ?**

Les deux œuvres majeures qui m'ont inspiré *Ripper*, c'est *Fire Punch*, de Tatsuki Fujimoto, qui a été une énorme claque. J'ai lu les huit tomes d'une seule traite. Mais vraiment pour le côté post-apo et le côté « l'humanité n'en n'a plus rien à foutre », un
peu pessimiste, où il n'y a plus aucune chance. Il n'y a pas ce côté
organique, végétal, etc. que j'ai développé. Il y a aussi toutes les
œuvres de Mathieu Bablet : *Carbone*⁶ et *Silicium*¹⁴, je m'en suis pas
remis, *Shangri-La*, c'est incroyable. Et puis en petite inspiration, il
y a *Mad Max : Fury Road*, pour ce côté post-apo où ils vont
toujours de l'avant. Parce que vraiment, ils vont de l'avant dans
*Mad Max*, ils ne font que ça. Et ensuite, il y a *Dark Crystal*.
Même s'il n'y a pas ce côté humain, parce que c'est de la *dark
fantasy*, il y a ce côté œuvre écologique avec un message comme
quoi l'univers est en perte, et qu'il faut, plutôt que d'essayer de
partir sur Mars par exemple, utiliser autrement nos ressources. Il
doit y en avoir d'autres, comme *Blade Runner*, mais les principales
sont celles-ci.

Je sais que tu as travaillé en tant qu'éboueur à une période
de ta vie. C'est une chose que tu revendiques même comme
étant l'une de tes inspirations pour la création de Ripper.
Tu peux nous parler de cette expérience ? Est-ce que ce job a
eu une influence dans le développement de ta conscience
écologique ?

J'ai travaillé pendant deux ans en tant qu'éboueur. C'est de là
qu'est né Ripper. À partir de là, j'ai écrit sur un post-it « *Projet
manga : éboueurs + Power Rangers* ». C'est vraiment la genèse de
Ripper. (rires)
C'était une bonne expérience, il y a des bons et des mauvais côtés,
bien sûr. Ce sont des gens qui se lèvent à deux heures du mat', il y
en a qui font ça parce qu'ils aiment faire ça. Ils nettoient les rues
des villes, et pourtant ils sont mal perçus et mal accueillis par
certaines personnes. C'était une belle expérience parce que très
humaine. Tout le monde peut vivre une bonne expérience en tant
qu'èboueur, mais il y a les à-côté : tu as les mains dans la merde
toute la journée, tu vois ce que les gens jettent... des ordis, des
livres, des animaux !... Certaines personnes, quand leur animal
meurt, le jettent à la poubelle. Il y a beaucoup de choses neuves
qui peuvent être réutilisées ou données en plus. Quand tu arrives à
la déchetterie et que tu vois des montagnes de déchets...

Après j'avais déjà ce type de réflexion avant. Mais il y a un truc qui s'est fait. Un constat.

Après à côté, je trie pas, j'utilise une voiture, etc. J'ai une
conscience, mais j'essaye de ne plus me culpabiliser sur ça à partir
du moment où les gouvernements et tous ceux qui ont les clés
pour agir ne le font pas. J'ai beau avoir des gestes écolos tous les
jours, à partir du moment où en haut il se passe rien, j'ai
l'impression d'avancer contre un mur. Le film *Don't Look Up*
montre bien ce déni des gouvernements.

Tant qu'ils n'auront pas trouvé comment faire du profit sur le dos
de l'écologie, ça bougera pas. Tant qu'il y a pas de quoi se faire de
la maille sur la fin du monde, les gens qui décident à notre place ne
réagiront pas, leur but c'est juste d'aller coloniser une autre
planète, s'ils le peuvent.
Est-ce que c'était difficile de concilier la *vibe* positive du *shônen nekketsu* avec un imaginaire de « l'effondrement » ?

Oui et non. Je pense que ça se ressent dans le personnage de Junk, qui est un peu lunatique. Il transmet de bonnes émotions, il est bienveillant, souriant, mais par moments, il est négatif, pessimiste. C'est compliqué dans le sens où le *shônen nekketsu* c'est se dépasser, s'entraider, aller de l'avant. Et je vais pas te mentir, pour *Ripper*, le *shônen*, c'est une porte d'entrée. C'est ce qui se lit et se vend le plus en manga.

Dans *Ripper*, c'est pas vers du *shônen* aux multiples pouvoirs, dépassement de soi, transformation ultime, vers quoi je tends. C'est plus vers un constat amer. La *vibe* positive se sentira vers le début, pour, je l'espère, s'assombrir un peu - si j'arrive au nombre de tomes que je veux. Les personnages vivent, mais ils ont perdu espoir. Et Junk, c'est le côté positif de cet univers. La Tribu du Chêne le dit quand elle rencontre Junk : « *on avait totalement perdu espoir, et ta rencontre fait qu'il y a peut-être encore quelque chose* ».

Souvent, dans les œuvres de fiction post-apo, l'humanité est mise au centre, genre « l'humanité va se relever, l'humanité ne perd jamais, on aura beau vivre des épidémies, des guerres, l'humanité s'en sortira toujours » . Moi je suis parti d'un autre constat. J'ai laissé aucune chance à l'humanité, clairement. L'humanité s'en est sortie, certes, mais à quel prix ?
Dans *Ripper*, il y a un côté post-apo sombre, négatif, parce que l'humanité a perdu, elle est finie, traquée, et tout ça ; mais j'ai quand même apporté ce côté kitsch, coloré, que les « *Power Rangers* » apportent, et il fallait ça. Il fallait que j'apporte un côté coloré, amusant, avec des armures bariolées qui dénotent avec le côté post-apo et fin du monde.

**Est-ce que tu dirais que tu es touché par l'éco-anxiété aujourd'hui ? Si oui, qu'est-ce que ça t'apporte, la réalisation de ce manga ?**

Peut-être qu'inconsciemment, toute cette ambiance générale a donné *Ripper, de facto*. Je t'avoue que toute cette anxiété, j'essaie de ne pas y penser, surtout qu'on sort de deux ans vraiment pourris entre covid, confinements, pass,... ce truc de vouloir contrôler la population sous réserve d'épidémie, au lieu de combattre l'épidémie... combattre les humains... Donc j'essaye de pas trop y penser parce que ça peut être contre-productif. C'est là, comme pour toutes les personnes qui sont un peu conscientes de ça et qui peuvent être anxieuses pour elle, pour leur famille, ou pour toutes les choses qui nous entourent. Je pense que c'était là pour la réalisation de *Ripper*, mais inconsciemment.

Dans *Ripper*, la disparition des animaux, des végétaux, la montée des eaux, la fonte des glaciers, c'était un peu nécessaire. Ce manga, je le fais pas pour donner une quelconque morale ou pour donner quelque leçon à qui que ce soit. Si les gens veulent recevoir un
message et que ça ouvre leur conscience écologique, tant mieux,
mais c'est vraiment pas mon but premier.

Je cherche à m'amuser, à écrire une histoire qui me parle et des
personnages qui vont s'entraider et se soutenir dans un univers qui
tente de les détruire.

Comme nous, le but va être de s'entraider et de s'unir face à la
catastrophe.

## Est-ce qu'aujourd'hui tu aurais pu faire un manga sans parler d'écologie ?

Non, parce que si j'avais pas fait *Ripper*, j'aurais fait un autre projet
que j'ai en tête depuis mes jeunes années qui s'appelle « *Road Tree*
» et qui parle d'un voyage autour du monde et d'un arbre, le
dernier. Le personnage principal y a un lien avec les végétaux et le
cosmos.

Je sais pas pourquoi je suis autant attiré par les personnages qui
sont liés à la nature, l'univers, etc. Je me suis jamais posé la
question, parce que sinon je risque de partir dans des délires genre
« cosmos, univers, on est tous liés ». (rires) C'est ce que je disais
avec le réseau mycélien, qui ressemble au réseau neuronal, au
réseau corporel, au réseau cosmique, etc. Quand tu pars là-dedans,
tu te dis qu'on fait partie d'un tout, et que tout est lié. Je ne parle
pas de dieu ou de religion, mais plutôt de – et c'est con à dire parce
que j'y crois sans y croire, mais de – spiritualité, où tu fais partie
d'un ensemble.

Je... je vais me perdre...
Si je développe je vais me perdre.

Je vais me perdre dans l'immensité de l'univers. (rires)

J'adore l'eau, dans trois ans y en aura plus.

## Tu as pratiqué les arts martiaux. Tu peux nous résumer ton parcours ? C'est quoi le lien que tu peux faire avec l'écologie ou avec le manga ?

Tout jeune, j'en ai fait beaucoup. J'ai fait du karate, du judo - auquel j'ai eu une petite médaille de bronze -, j'ai fait de l'aikido,... et puis il y a eu une énorme coupure où je n'ai plus fait de sport pendant plusieurs années, jusqu'à découvrir le yoseikan budo, que j'ai pratiqué pendant quatre ans, jusqu'au covid. Donc de 2016 à 2020.

C'est un art martial créé par Hiro Mochizuki, dernier descendant des samouraïs, trésor national du Japon... qui vit à Aix-En-Provence. Il a 88 ans je crois, ou un peu moins. C'est incroyable, l'aura qu'il dégage. Je l'ai rencontré plusieurs fois. Comme j'étais assez bien gradé et « prometteur » selon mon sensei, qui était son élève direct, il m'a emmené là-bas. J'ai assisté à deux de ses cours.

Je vais pas te mentir, ça me manque de ouf de faire des arts martiaux, mais avec le covid, il y a commencé à y avoir une ambiance un peu trop politique. Alors, je parle déjà beaucoup politique moi, mais là j'y allais pour les arts martiaux, j'étais là pour m'améliorer, m'entraîner, me dépasser, et ça, ça m'a un peu
fait décrocher. Et puis la période a fait que je ne suis pas trop sorti pendant deux ans. J'aimerais reprendre en septembre.

Le yoseikan budo est une incroyable découverte, parce que c'est un art martial dit « libre », et une synthèse de beaucoup d'arts martiaux, à laquelle tu peux apporter ta pierre à son édifice. C'est un art martial qui évolue. Dans les arts martiaux, il y a la discipline et le calme. Le sensei est devenu un ami, clairement, on peut rigoler, mais il y a un moment où il faut être carré, discipliné, respecter les maîtres et l'art martial. Il y avait une bonne ambiance qui m'a plu.

Et quand, à force de rester assis douze heures par jour, tu as le corps qui te dit « tu as 30 ans, tu en fais 80 », c'est plus possible. Il faut vraiment que je reprenne. (rires)

Surtout alors qu'on me disait « tu es fait pour ça ». Mon but c'était pas la compétition ou les grades, même si j'étais 6ème kyu et que mon sensei voulait que j'en fasse, moi mon but c'était vraiment le travail sur moi, le développement de moi, le renforcement et la discipline. Le but c'était de passer de bons moments à me dépenser, à suer, et à prendre des patates. Parce que forcément j'en prenais. (rires)

Avec le manga, il y a ce lien à la discipline, au fait d'être organisé, de se lever à telle heure, de se dédier à son travail et de ne pas se lever avant d'avoir fini sa journée. D'être concentré. Le concours Tezuka, peut-être que si je n'avais pas fait d'arts martiaux, son côté compétition ne m'aurait pas attiré. Ce côté compétition ou rivalité tu le retrouves dans le manga, où tu veux te surpasser quand tu vois tes potos qui eux aussi se dépassent. Mais c'est une rivalité
saine, liée au dépassement de soi, pas un truc comme certaines
personnes, certains mangakas qui ont eu des phrases genre « je
vais te dépasser », « je vais te mettre à genoux » de la part
d'amateurs. Reno Lemaire, que je considère comme mon mentor,
même s'il aime pas trop que je dise ça, on lui a déjà dit ça en
dédicace. J'ai reçu des trucs dans le genre en mp. Mais il y a aussi
des choses très positives, des messages genre « voir ton travail me
motive », « tu me donnes envie de me dépasser », « de faire du
manga encore plus » et ça c'est cool.

L'histoire de Ripper, c'est celle de Junk, un gars amnésique
qui a survécu durant au moins une dizaine d'années là où
aucun autre « ancien humain » ne le pouvait. Tu relies les
mystères de l'identité de ton protagoniste directement à
ceux de ton univers. C'est un truc très manga. C'est quoi la
place des personnages dans le manga écolo, selon toi ?

Dans le manga écolo, je sais pas, mais dans le manga en lui-même,
selon moi, ils ont la place la plus importante. Ce sont les
personnages qui vont faire avancer l'histoire, c'est eux qui vont
faire découvrir l'univers, c'est aux personnages que le lectorat va
s'attacher, donc c'est à travers eux que le lectorat va vivre, ressentir
des émotions, découvrir des choses, etc.

Dans Ripper, les personnages vont servir à faire avancer l'intrigue.
La rencontre avec Junk va être le déclic qui va amorcer l'histoire et
nous emmener vers toutes les autres péripéties. Je me focalise sur
les cinq personnages principaux, ceux de l'équipe du chêne :
Lance, Nessa, Le Pi, Billie, Junk, qui vont chacun avoir une vision
de cet univers. Par exemple, Le Pi est un perso plus optimiste,
alors que Lance est clairement dépressif. Il est alcoolique, il n'est
pas respecté, et à cause de lui tout le monde morfle, donc il se met
une carapace. Il a le syndrome du sauveur, mais à côté de ça, il a
envie d'aider, de comprendre ce qui est arrivé. Et à côté de ça, il y a
Crappy, qui est le seul animal de cet univers – apparemment – et
qui parle.

En fait, c'est très dur d'avoir autant de personnages dans un
univers aussi vaste. C'est pour ça que j'ai essayé de cloisonner
l'univers pour l'instant, pour le début, pour pas trop me disperser.
Déjà six, c'est beaucoup, et j'en fais rapidement intervenir
beaucoup d'autres. Après, un manga, c'est comme ça, c'est
beaucoup de personnages hauts en couleurs, et il faut faire des
roulements pour que les lecteurs s'identifient à l'un ou à l'autre.
Les personnages, ils vivent dans cet univers depuis une vingtaine
d'années, qui est de la manière qu'on leur raconte, et puis d'un
coup, ils se rendent compte que c'est pas le cas. Il y a une prise de
conscience.

Aucun rapport, mais j'ai vu récemment la nouvelle première
ministre qui a dit « *la vie c'est le travail* »... je trouve qu'elle
dépasse les bornes (petit jeu de mots). La vie c'est pas le travail, la
vie, c'est être avec ses proches, ses amis, etc. Se conditionner à vivre
à travers le travail, c'est la pire des choses. Mais bon, comme on dit,
« *À Rome, vis comme un Romain* », on n'a pas le choix de
travailler malheureusement.
Et c'est en ça que les personnages dans *Ripper* vont être confrontés à ce basculement de leur vie, qui va les amener à se demander : « Et s'il y avait autre chose ? Et si on pouvait vivre autrement ? ».

Et bien sûr, il y aura d'autres intrigues qui arriveront, avec d'autres personnages, d'autres modes de vie, d'autres cultures, d'autres manières de voir les choses, ailleurs, plus loin... et voilà, c'est dur de fermer... Si *Ripper* avait été fini, j'aurais pu spoiler. (rires)

Les « natifs » ont appelé tous ceux qui ont disparu « les anciens humains », et Junk, les seuls souvenirs antérieurs aux dix dernières années, c'est grâce à Crappy qu'il se les est construits. Il manque peut-être un *flashback* dans le premier tome, mais il arrive dans le tome 2.

Junk est présenté par Crappy comme une des personnes les plus gentilles qui soient. On assiste à sa bienveillance et sa volonté de le protéger tout du long, comme à la page 131, à laquelle Junk est confronté à la promesse d'entraînement classique des nekketsu, et la première chose à laquelle il pense à ce moment, c'est : « *Avec de l'entraînement, je pourrai nourrir Crappy comme il se doit* ». C'est quoi les valeurs humaines que tu veux transmettre à travers Junk ? À travers ton manga ?

Difficile comme question. À travers *Ripper*, j'ai pas envie de faire la morale, j'ai pas envie d'inculquer certaines valeurs, et je n'ai pas envie de délivrer un message, c'est vraiment pas mon but. J'ai juste
envie que les gens passent un bon moment, lisent une bonne
histoire, et si eux ça les ouvre à quelque chose et ça leur fait faire
un cheminement personnel, tant mieux.

Junk, c'est quelqu'un qui est détaché de cet univers. Là où il
arrive, il voit la hiérarchie, les castes, et lui, il y avait pas de
hiérarchie, son but premier c'était de nourrir Crappy. Il ne dort
pas, il ne se nourrit pas, il ne boit pas, etc. Il avait un seul but,
c'était de nourrir Crappy, donc d'apporter à l'autre. C'est en ça
qu'il se dit quand il rencontre Lance et son escadron qu'il ne va
pas juste apporter son aide à Crappy, mais qu'il veut apporter son
aide à tout le monde.

Pour moi, on naît bienveillant. Et plus on évolue, plus on avance,
plus la société nous dit qu'on ne peut pas. J'ai quand même vu
qu'il existe un crime qui s'appelle « le délit de solidarité ». Cédric
Herrou, qui avait hébergé des migrants africains, a été puni par la
loi par délit de solidarité. Parce qu'il est venu en aide à des gens.
Donc quand tu marches dans la rue et que tu vois des gens dans la
misère et la pauvreté, c'est l'évolution sociale qui fait que tu ne les
aides pas.

C'est là que c'est intéressant de développer un personnage comme
Junk, qui a l'habitude de venir en aide à des gens. Là, il va devoir
aider plus que d'habitude, peut-être jusqu'à un point de
non-retour, où cette aide va être néfaste. C'est un point que je
veux développer dans *Ripper*, avec l'influence que Lance et tous
les humains du *Bosquet* vont avoir sur Junk.

C'est le seul qui peut créer de la végétation, dans ce monde où l'on
en manque, donc il va arriver dans cet univers où tous ces
humains ont besoin de cette végétation, ils vivent sans depuis
vingt ans, et il arrive comme une sorte de Messie qui va apporter
une solution. Mais quand il y a une solution, on connaît les
humains, ils la pompent toujours jusqu'à ce qu'il n'en reste plus
rien. C'est ce sur quoi j'aimerais arriver dans *Ripper*. C'est pas très
positif. (rires)

Donc voilà, si j'arrive à transmettre des valeurs, c'est assez
inconscient et je l'aurais fait à travers ma sensibilité plutôt. Il y a
une scène que j'aurais aimé développer un peu plus, c'est la scène
dans laquelle Lance prend Junk dans ses bras, mais le manga faisait
déjà 220 pages. J'ai beaucoup aimé la dessiner, c'est une des scènes
que j'aimerais que les gens se disent « ok, je ressens le truc ».

Junk, orphelin, grandit dans l'illusion d'avoir une famille
grâce à deux mannequins en plastique qu'il nomme « papa »
et « maman ». Quand Lance lui propose d'intégrer *la tribu
du Chêne*, le héros ne pense qu'à une chose : s'être trouvé
une famille. Junk est un peu un adolescent en quête
d'identité, qui cherche sa place dans le monde ? Qu'est-ce
que tu penses de ça vis-à-vis de ton public ?

Je vais sortir une phrase bateau, mais je pense qu'on cherche tous
notre place dans le monde. Il y a des jemenfoutistes, mais je pense
qu'on cherche tous une place, même minime. On la trouve à
travers les gens qui nous entourent, notre famille, nos amis, si on
n'a pas de famille, ça peut être nos amis cette famille, une famille
reconstruite, ça peut être à travers le virtuel, les jeux vidéos ou la création, etc.

Junk, je l'ai pas pensé comme un ado parce qu'il a dix-neuf/vingt ans, mais à la vingtaine on est encore jeune. À mes dix-huit/vingt ans, j'étais pas très fute-fute. (rires) Ça veut pas dire que je le suis maintenant, mais je n'étais pas très éclairé sur certaines questions. Là encore, ça découle de l'éducation et de l'environnement au sein duquel on grandit, bien entendu.

Mais clairement oui, il est en quête d'identité. L'avoir fait amnésique, c'est un cliché du manga, mais ça va permettre d'amener à des intrigues qui vont lui permettre de se connaître un peu mieux.

Junk, c'est le personnage central autour duquel toute l'intrigue va tourner, mais c'est pas celui que je vais développer en premier. Grâce à lui, qui s'en fout d'être amnésique et de pas savoir d'où il vient, ce sont les autres personnages qui vont savoir d'où ils viennent eux. Le premier personnage que je vais développer, c'est Lance. Ça va être un échange entre les deux. C'est grâce à Junk que Lance va évoluer, et c'est grâce à Lance que Junk va évoluer. Et c'est comme ça que tous les personnages vont graviter autour de Junk : Billie, Nessa, Le Pi vont évoluer. Donc sa propre quête va servir les autres personnages. Ça va être dur à mettre en place. Écrire, c'est très très dur. (rires) On verra si j'y arrive.

Donc oui, je pense que tous ces personnages, et même nous, on cherche une place. On ne cherche pas forcément à se faire un nom ou à avoir la lumière, mais on cherche à ce qu'au moins une personne se souvienne de nous. Eiichiro Oda le dit dans *One Piece*
à travers le personnage d'Hiluluk : « Est-ce qu'une personne meurt quand il se fait tirer dessus ? Est-ce qu'une personne meurt quand il est atteint de maladie ? Non, une personne meurt lorsqu'on arrête de se souvenir d'elle. » Je pense qu'on œuvre tous inconsciemment à ça, à ce qu'au moins une personne se souvienne de nous, dans cette quête.

Sa cicatrice représente son amnésie, sa quête d'identité. Junk, à la base, il n'avait pas de cicatrice. J'ai fait des recherches sur l'art japonais du *kintsugi*, cet art japonais de recoller les morceaux des objets cassés et de les recouvrir avec de la peinture dorée, pour rappeler la renaissance etc. C'est là que j'ai rajouté à Junk des cicatrices dorées. Et aux *wendigos* aussi.

**Tu fais référence aux Power Rangers à travers la série préférée de Junk, « Chroma Rangers », la scène de transformation de Lance a une esthétique qui rappelle celle de Savane dans Dreamland, et tu fais preuve d'un humour très français. Comment la pop-culture occidentale - et notamment celle du divertissement - nourrit-elle ton imaginaire ?**

J'ai su à 15 ans que je voulais être dessinateur de bande dessinée. J'ai rencontré Reno Lemaire cette année-là. Quand j'ai découvert son manga, que je l'ai kiffé, et que j'ai vu son nom, je me suis dit... « Mais... il est pas japonais ?! » Je suis allé voir à la fin du tome, j'ai vu qu'il était Montpellierain, et là je réalise qu'on peut être
mangaka en étant français. Comme ils disent dans les émissions
télé « Et là, c'est le déclic ». Dans *Dreamland*, il y a le *pattern* des
sourcils enroulés qui revient souvent : quand Terrence s'énerve,
dans le design de certains monstres, etc. Et Reno fait beaucoup
d'armures organiques. Ces deux influences ont joué dans ma
façon de dessiner le masque de Junk, avec ses sourcils enroulés, et
la façon de se transformer de Lance et de Junk.

Les *Power Rangers*, je suis pas fan *hardcore*, mais j'ai grandi avec eux. Leur esthétique colorée, les mégas robots qui s'assemblent, le côté « jouet », ça m'a beaucoup parlé. Et il y avait aussi *Beetleborgs* (ou *B-Fighter Kabuto*) avec ce côté insectoïde que j'aimais. Je me suis renseigné sur les origines des *Power Rangers*, jusqu'à Shotaro Ishinomori dans les années 60.

Tout nourrit mon imaginaire. Les films Marvel, la musique, la
bande dessinée... Le groupe Slipknot par exemple, ils portent des
masques. J'aime beaucoup les groupes grimés (genre maquillés,
qui mettent en avant un univers avant tout). Marvel, ok c'est pas
du grand cinéma, du *Snatch*, du *Arnaque, crime et botanique*, mais
c'est des films qui m'ont marqué de ouf. Les gens qui
m'entourent, ça peut être n'importe qui ou n'importe quoi.

Dans la pop-culture occidentale, j'ai commencé par de la
franco-belge : *Boule et Bill*, *Michel Vaillant, Astérix*,... Puis à huit
ans, on m'a offert un *Dragon Ball*, le tome 35 : *Cell contre Gohan*.
Le rythme, la narration, le découpage, la baston,... Astérix se tape,
mais c'est fait de façon rigolote. Il n'y a pas ce côté sérieux du
manga. Quand j'ai commencé le manga, j'ai mis un peu de côté la
bande dessinée franco-belge. Mon père m'a fait commencer les
*comics* quand j’étais petit. Les *X-men*, pour le *Patriarche* notamment, m’ont beaucoup inspiré pour *Ripper*.

Le rythme du récit est soutenu, tu fais des pages chargées de cases à la *One Piece*, les premiers combats de la série sont cash épiques, la transformation du héros super stylée apparaît dès la moitié du premier tome... On a l'impression d'être dans le quatrième arc d'un manga, et ça passe. Est-ce qu'en France, le manga doit aller encore plus vite que le manga japonais, pour trouver son public ?

J'en ai pas l'impression. D'un côté oui, parce qu'à l'époque (y a trois ans), on signait pour 3 tomes, avec un éditeur derrière qui te disait qu'il fallait trouver une fin semi-ouverte si jamais ça ne plaisait pas au public.

Donc tu peux te dire que trois tomes c'est pas beaucoup, mais trois tomes, c'est plus de six cent pages. Si en six cent pages tu n'arrives pas à raconter une histoire et à arriver à accrocher le lecteur, c'est qu'il y a un problème. Maintenant, c'est plutôt quatre ou cinq tomes, donc tu as huit cent voir mille pages pour accrocher le lectorat.

Les Japonais n'ont pas cette chance. Au bout d'un tome, on peut les arrêter.

Je ne me prends pas la tête avec du « *Est-ce que je dois aller trop vite ?* ».
À la première écriture, je suis allé un peu vite, j'ai dit trop de trucs puis j'en ai fait une deuxième version, où j'ai plus pris
mon temps, et puis *Reno* m'a dit « *Écris juste ton histoire comme tu l'entends* ».

Je ne pense pas à si ça va se finir et quand. Si ça se finit,
j'improviserai une fin. Je ne me dis pas « *Putain j'ai quatre tomes, faut que je raconte mon histoire comme ça...* »

Si je devais donner un conseil, c'est d'écrire comme on le veut, au
fil de la plume, et en plus, de se laisser le loisir de l'improvisation.

Quand j'ai écrit le tome 1, j'ai tout *boardé* d'un coup, donc ça
figeait ce que je devais faire, parce que je pouvais pas changer.
Donc maintenant, je fais chapitre par chapitre pour me laisser le
loisir d'avoir des idées pour la suite des péripéties, et d'en rajouter
au moment du *board*, du crayonné, voire même de l'encrage.
Par exemple, pour le tome 2, j'en suis à une centaine de pages, et il
me reste quelques chapitres. Je sais ce qu'il s'y passe, mais en une
ligne. Et je sais pas comment ce qui va se passer va se passer. C'est
là que je prends mon temps sur l'écriture, et je pense que ça peut
rendre le récit plus sincère.

Dans le premier tome, j'ai l'impression de n'avoir pas donné assez d'infos, et en plus d'en avoir trop donné. Dans les deuxième et troisième tomes, j'en donnerai encore d'autres pour alimenter l'univers.

Mais en ce qui concerne la production, de toute façon, on ne
pourra jamais aller plus vite que les Japonais. Tant qu'il n'y a pas
la même « usine » du manga que dans le *Shônen Jump*. Mais
n'oublions pas que le *Shônen Jump*, ce n'est pas tous les mangas
japonais. Celui-ci est le seul magazine qui pousse les auteurs à
publier à un rythme hebdomadaire, qui fait voter le public pour
pousser un manga soit vers le haut soit vers la sortie, et qui fait des
sondages de popularité pour décider de quels personnages les
mangakas vont mettre en avant, en fonction de ce que veulent les
lecteurs. Et puis ils travaillent avec des assistants.

En France, l'assistanat commence petit à petit, Reno Lemaire a deux assistants, ZD. en a eu deux sur *Space Punch*, Tony Valente en a un... ça tend à se démocratiser. Mais il y a pas encore un vivier assez important dans le manga français.

C'est quoi la force du manga français par rapport au manga
japonais, selon toi ? Si on faisait un état des lieux du manga
français aujourd'hui, qu'est-ce que tu en dirais ? Où il en est
? De quoi a-t-il besoin ? Et comment ça va évoluer dans les
prochaines années, selon toi ?

La force du manga français, je dirais que c'est d'être libre. C'est la liberté qu'on a sur notre œuvre. Là où les Japonais sont libres dans leur œuvre, mais ils sont tout de même conditionnés par le vote du public, par les choix et idées de leur *tanto*, qui là-bas s'imposent vraiment.

Pour bosser avec des éditrices françaises chez Ankama, et avoir
bossé avec un *tanto* japonais, si elles, elles m'aiguillent et me
donnent des idées, elles ne les imposent pas.

Alors que le *tanto*, lui, quand ça lui plaît pas, il te le dit clairement.
Pour moi, le manga français va évoluer pour le mieux. Il a mal commencé, avec des influences mi-japonaises mi-occidentales et des codes qu'on digérait mal. Beaucoup des premiers mangas français singeaient le manga japonais. Là où chez les jeunes qui font du manga aujourd'hui, ce sont des personnes qui ont grandi avec le manga, qui l'ont analysé et qui ont mieux digéré ses codes.

e pense qu'on commence à sortir de l'eau, et que là, tout ce qui va sortir (à 90%), ne va apporter que du positif au paysage du manga français. Ce sera un cercle vertueux qui va le pousser vers le haut.
Reno me disait que quand il voit les jeunes qui émergent comme ZD, Senchiro, ou moi, il se dit « *Faut que je me donne* ».

Et même en dehors du manga, quand je vois d'autres artistes comme Aominecchi qui fait des illus de fou, Naokuren qui fait un taf de fou, Mimo avec *Dome*, etc., ils ont compris.

Il y a plus ce « ça fait pas manga » ou « on sent que c'est manga français ». Il y en a qui s'y accrochent, mais à part ça, ça ne va que vers du bon.

## Qu'espères-tu accomplir avec Ripper ? Sur le plan artistique ? Au niveau de ta carrière ? Au niveau du manga français ? C'est quoi la place de Ripper dans le monde ?

Ben clairement j'aimerais dominer le monde, être ultra riche grâce à Ripper, et puis devenir totalement égoïste et ne pas donner mon argent. (rires) Pas du tout.
J'aimerais que le manga fasse partie de ma carrière, que le manga
soit ma carrière, soit ma vie, que je vive du manga longtemps. Au
niveau du manga français, rien de spécial.

Si déjà *Ripper* fait partie du paysage du manga français, ça me convient parfaitement. Actuellement, quand on cite le manga français, on cite *Dreamland* et *Radiant*. Ce sont eux les deux mastodontes. J'aimerais juste que *Ripper* fasse partie du paysage du manga français, en positif. J'espère juste que *Ripper* ait une *vibe* un peu unique. Après, je veux juste raconter mon histoire comme je le veux, me lever le matin et être content de taffer sur mon histoire.

Et surtout, je veux que les lecteurs et lectrices kiffent la lecture, les personnages, l'univers... Que ces personnes veuillent devenir des *rippers*, clairement ! (rires)

Par exemple ce serait marrant, - même si ça n'arrivera peut-être jamais - que les gamins disent dans la cours de récré « *Je passe en mode ripper* ! »... Se dire ça, ça pousse à faire de son mieux.

## Le premier tome de Ripper sort dans dix jours, comment tu te sens ?

J'ai un peu peur et je suis excité à la fois. C'est pas comme *Lil'Berry*. *Ripper*, j'y ai mis tout mon être, c'est mon bébé, et même si c'est que le tome 1, j'ai juste une hâte, c'est que les gens la lisent, kiffent parce que moi j'ai kiffer la faire. J'ai vécu l'échec avec *Lil'Berry*, même si je me suis rattrapé entre temps avec *Devil Dive*
*Inferno* pour le prix Tezuka, avec la signature de *Ripper*, etc. mais il y a quand même cet *a priori*.

Surtout que toute ma vie, on m'a dit que je ne savais pas écrire. On me disait que j'étais « pas fou en scénario », en écriture, donc forcément quand on te rabâche ça, tu perds confiance. Après il y a Akira Toriyama qui a lu mon histoire et qui a kiffé apparemment... mais j'estime qu'il y a un facteur chance. J'ai donc cet *a priori*, mais j'ai hâte que les gens lisent et kiffent à la lecture !

Ce ne sera pas parfait, parce que c'est ma première œuvre solo et que je n'ai publié que trois albums avant, et même au bout de vingt tomes ce ne sera jamais parfait, mais j'essaye de faire au mieux, et j'espère que ça se ressentira. J'espère qu'on sentira que c'est sincère, et que les gens kifferont à la lecture. J'attends les premiers retours des lecteurs. J'ai hâte autant que j'ai peur. (rires)

## Un mot de la fin ?

Bonne lecture et bonne chance.

\#soyeztémoin

Propos recueillis par Anthony Rico,
le mardi 24 mai 2022.
# Bibliographie

## Essais :

- Aurélien BARREAU, *Le plus grand défi de l'histoire de l'humanité. Face à la catastrophe écologique et sociale*, Michel Lafon, 2020.

- Pierre BOURDIEU, *La domination masculine*, Paris, Éditions du Seuil, 1998.

- Frans DE WAAL, *Le singe en nous*, Paris, Fayard, coll. « Le temps des sciences », 2006.

- Philippe DESCOLA, *Une écologie des relations*, Paris, CNRS Éditions, coll. « Les grandes voix de la recherche », 2019.

- Philippe DESCOLA, *La composition des mondes. Entretiens avec Pierre Charbonnier*, Paris, Champs essai, 2017.

- Paul GRAVETT, *Manga. Soixante ans de bande dessinée japonaise*, Monaco, Éditions du Rocher, 2003.

- Jean-Samuel KRIEGK, *L'art du manga*, Paris, Palette..., 2021.

- Matthieu PINON et Laurent LEFEBVRE, *Histoire(s) du manga moderne*, Paris, Ynnis éditions, 2019.
- Pablo SERVIGNE et Raphaël STEVENS, *Comment tout peut s'effondrer. Petit manuel de collapsologie à l'usage des générations présentes*, Paris, Éditions du Seuil, 2015.

**Articles scientifiques :**

- Yves BONNARDD, et Axelle PLAYOUST-BRAURE. « 4. La viande, symbole du suprémacisme humain », dans *Solidarité animale. Défaire la société spéciste*, La Découverte, 2020, pp. 85-105.

- Christian BONNET, Stéphanie PECHIKOFF, Laeticia PETIT, « De l'exposition du héros aux blasons du corps » dans *Topique*, n°126, janvier 2014, p.25-38.

- Christian BONNET, « Le mythe du héros à la cicatrice : une structure idéologique adolescente ou « Quand le héros affronte la mort de la mort » » dans Revue de psychothérapie psychanalytique de groupe, n°67, février 2014, p.157-166.

- Frédéric DUCARME, Gabriel BORTZMEYER et Joanne CLAVEL, « Chapitre 16 : Hollywood, miroir déformant de l'écologie » dans *Le souci de la nature*, France, CNRS, 2017, p. 219-229.

- Nicolas GASTINEAU, « La galaxie collapse » dans *Philosophie magazine*, n°136, février 2020, p. 48-49.

- Sandra LAUGIER, « Care, environnement et éthique globale », *Cahiers du Genre*, n° 59, février 2015, p. 127-152.
- Alexandre LACROIX, « La fin du monde, vous la voyez comment ? » dans *Philosophie magazine*, n°136, février 2020, p. 45-47.

- Frédéric NEYRAT, « Le cinéma éco-apocalyptique. Anthropocène, cosmophagie, anthropophagie » dans *Communications*, n°96, janvier 2015, p. 67-79.

- Pascal ROBERT, « Les stéréotypes dans la bande dessinée franco-belge : jeux et plasticité narrative. » dans *Hermès, La revue*, n°86, janvier 2019, p. 111-119.

- Val PLUMWOOD, Traduit de l'anglais par Hicham-Stéphane Afeissa, « La nature, le moi et le genre : féminisme, philosophie environnementale et critique du rationalisme », *Cahiers du Genre*, n° 59, février 2015, p. 21-47.

## Conférences :

- Alain DAMASIO, *Des Gafa à Gaïa*, 27 septembre 2020, Paris, Forum des Images, dans le cadre de la 3ème édition de NewIamages Festival, direct Youtube.

https://www.youtube.com/watch?v=uA8KJeFD_fY

## Podcasts :

- Nicolas MARTIN, Gwen DE BONNEVAL, Jérôme VINCENT et Bénédicte LECLERCQ, *Science-fiction : vert, c'est vert*, dans « La méthode scientifique », le vendredi 29 octobre 2021, écoute sur Radio
France.

https://www.radiofrance.fr/franceculture/podcasts/la-methode-scientifique/science-fiction-vert-c-est-vert-7160355

**Sitographie :**

- Adrien VERMONT, site officiel : https://adrienvermont.tumblr.com/

**Mangas :**

- BURONSON et Tetsuo HARA, *Ken Le Survivant*, (première publication *Hokutō no Ken*) Tokyo, Shueisha, 1983-1988, 27 volumes.

- Jéronimo CEJUDO, *Ripper*, Roubaix, Ankama Éditions, depuis 2022, 1 volume.

- Fabien DALMASSO, JERO, *Lil'Berry*, Paris, Éditions Delcourt-Tonkam, 2019-2020, 3 volumes.

- Paru ITAGAKI, *Beastars*, Tokyo, Akita Shoten, 2016-2020, 22 volumes.

- Hitoshi IWAAKI, *Parasite*, Édition originale, Grenoble, Éditions Glénat, coll. « Glénat manga », 2020-2021, 8 volumes (première publication *Kiseijū*, Tokyo, Kodansha, 1988-1994, 10 volumes).

- Masashi KISHIMOTO, *Naruto*, Tokyo, Shueisha, 1999-2014, 72 volumes.
- Yukito KISHIRO, *Gunnm*, Tokyo, Shueisha, 1990-1995, 9 volumes.

- Hayao MIYAZAKI, *Nausicaä De la Vallée du Vent*, Grenoble, Éditions Glénat, coll. « Studio Ghibli », 2009-2011, 7 volumes (première publication *Kaze no tani no Naushika*, Tokyo, Tokuma Shoten, 1982-1994, 7 volumes).

- Eiichiro ODA, *One Piece*, Tokyo, Shueisha, depuis 1997, 102 volumes.

- Katsuhiro OTOMO, *Akira*, 1990-1994, Tokyo, Kodansha, 14 volumes.

- Mitsutoshi SHIMABUKURO, *Toriko*, 2008-2016, Tokyo, Shueisha, 43 volumes.

- Kaiu SHIRAI et Posuka DEMIZU, *The Promised Neverland*, Tokyo, Shueisha, 2016-2020, 20 volumes.

- Shunji SONOYAMA, *Gyåtoruzu*, 1965-1975, Tokyo, Jitsugyo no Nihon Sha, 9 volumes.

- Jirô TANIGUCHI, *Ice Age Chronicle of the Earth*, Tokyo, Kodansha, 1988, 2 volumes.

- Akira TORIYAMA, *Dragon Ball*, Tokyo, Shueisha, 1984-1995, 42 volumes.

- Yuto TSUKUDA et Shun SAEKI, *Food Wars !*, Tokyo, Shueisha, 2012-2019, 36 volumes.

**Bandes dessinées :**
- Mathieu BABLET, *Carbone*⁶ et *Silicium*¹⁴, Roubaix, Ankama Éditions, coll. « Label 619 », 2020.

- Mathieu BABLET, *Shangri-La*, Roubaix, Ankama Éditions, coll. « Label 619 », 2016.

- Alejandro JODOROWSKY et MŒBIUS, *L'Incal*, Intégral, Paris, Les Humanoïdes associés, 1981-1988.

- MERWAN, *Fausse Garde*, Paris, Dargaud,

- MERWAN, *Mécanique Céleste*, Paris, Dargaud, 2019.

- MŒBIUS, *Le monde d'Edena*, Intégrale, Paris, Casterman, 1983-2001.

- Baptiste PAGANI, *Les Lames d'Ashura*, Roubaix, Ankama Éditions, coll. « Label 619 », 2021.

- Baptiste PAGANI, *The Golden Path*, Roubaix, Ankama Éditions, coll. « Label 619 », 2019.

- Vincent PERRIOT, *Negalyod*, Paris, Casterman, 2018.

- Vincent PERRIOT, *Negalyod. Le dernier mot*, Paris, Casterman, 2021.

- Bernard SÉLET et Julien SOLÉ, *Les requins. Les connaître pour les comprendre*, Bruxelles, Éditions Le Lombard, coll. « La petite Bédéthèque des Savoirs », 2016, 88 pages.

**Films d'animation:**
- Hayao MIYAZAKI, *Le Château Ambulant*, Tokyo, Studio Ghibli, 2004, 119 minutes.

- Hayao MIYAZAKI, *Le Voyage de Chihiro*, Tokyo, Studio Ghibli, 2001, 124 minutes.

- Hayao MIYAZAKI, *Nausicaä De la Vallée du Vent*, Tokyo, Studio Topcraft, 1984, 116 minutes.

- Hayao MIYAZAKI, *Ponyo sur la falaise*, Tokyo, Studio Ghibli, 2008, 100 minutes.

- Hayao MIYAZAKI, *Princesse Mononoke*, Tokyo, Studio Ghibli, 1997, 135 minutes.

- Nick PARK et Peter LORD, *Chicken Run*, 2000, Aardman Animations, DreamWork Pictures et Pathé, 84 minutes.

**Romans :**

- Frank HERBERT, *Dune*, réédition de 2012 aux éditions Robert Laffont, traduit de l'anglais (États-Unis) par Michel Demuth. Oeuvre originale de 1965.

**Séries télévisées :**

- Michael DANTE DIMARTINO et Bryan KONIETZKO, *Avatar, le dernier maître de l'air*, 2005-2008, USA, Nickelodeon Productions, 61 épisodes.
- Shunji SONOYAMA, *Hajime Ningen Gyatoruz*, 1974-1976, Tokyo, Studios Tokyo Movie Shinsha, 77 épisodes.

**Films :**

- James CAMERON, *Terminator*, 1984, États-Unis, Hemdale Film Corporation et Pacific Western Productions, 107 minutes.

- Richard FLEISCHER, *Soleil vert*, 1973, États-Unis, Metro-Goldwyn-Mayer, 93 minutes.

- Xavier GENS, *The Divide*, 2011, États-Unis, Allemagne et Canada, Instinctive Film, Julijette et Preferred Content, 122 minutes.

- Albert et Allen HUGHES, *Le livre d'Eli*, 2010, États-Unis, Warner Bros, 118 minutes.

- Bong JOON-HO, *Snowpiercer, le Transperceneige*, 2013, Corée du Sud, Moho Films, Opus Pictures et Stillking Films, 126 minutes.

- George MILLER, *Mad Max*, 1979, Australie, Kennedy Miller Productions, 88 minutes.

- George MILLER, *Mad Max 2 : Le défi*, 1981, Australie, Kennedy Miller Productions, 95 minutes.

- George MILLER, *Mad Max : Au-delà du dôme du tonnerre*, 1985, Australie, États-Unis, Kennedy Miller Productions, 107 minutes.
- George MILLER, *Mad Max : Fury Road*, 2015, Australie, Kennedy Miller Productions et Village Roadshow Pictures, 120 minutes.

- Shaun MONSON, *Earthlings*, 2005, États-Unis, Nation Earth, 95 minutes.

- Kevin REYNOLDS, *Waterworld*, 1995, États-Unis, Universal Pictures, Gordon Comany, Davis Entertainment et Litch/Mueller Film Corporation, 136 minutes.

- Steven SPIELBERG, *Les Dents de la mer*, 1975, États-Unis, Universal Pictures, Zanuck/Brown Productions, 124 minutes.
# Dossier de production plastique :
« Un grand pouvoir implique une grande écoresponsabilité »

<figure><img src="image_4.png" /></figure>

ANTHONY RICO
2022
# Les enfants de l'Homme

Encre sur papier et trames numériques, 42 x 29,7 cm, octobre 2021.

«Je me sentais mal en écrivant ce deuxième tome de Negalyod, et ça se voit dans mon dessin, qui est plus fourni, mais également plein de retouches, parce qu'au fur et à mesure que je perdais parfois confiance en notre monde, et ça se traduisait en une perte de confiance en mon dessin.»

- Vincent Perriot

<figure><img src="image_5.png" /></figure>
Quand on se penche sur la question écolo-
gique et qu'on voit cette société continuer
de sombrer dans la même direction écocide
malgré les dégâts déjà apparents sur la bios-
phère, on se pose souvent la question de
l'environnement dans lequel vont vivre les
générations futures.

Pas très optimiste pour le coup, cette illustra-
tion a été réalisée comme une forme d'éxu-
toire au pessimisme, à la honte, et à bien
d'autres sentiments négatifs dans lesquels
l'éco-anxiété me pousse parfois...

Si l'idée me trotte dans la tête depuis
des années de réaliser une histoire
sur un couple stérile ayant pour rêve
de remplir leur foyer d'un magnifique
bébé, survivant dans un monde dé-
vasté où les enfants nés les dix der-
nières années sont systématiquement
malades, déformés ou irradiés, et
règnent en maîtres sur la Terre où ils
abattraient tous les adultes, comme
s'ils appartenaient à une autre espèce
à chasser pour sauver la Terre, la voie
des récits positifs que je tente d'em-
prunter aujourd'hui me contraint de
renoncer à sa réalisation.

Le dessin est alors un moyen d'exorci-
ser cette histoire qui me hante.

Si le dessin ne raconte certainement
pas tout cela au premier abord, il reste
un moyen de storytelling. À défaut
d'extérioriser mon pessimisme éco-
logique et d'accepter de transmettre
de la négativité aux lecteur.rices-spec-
tateur.rices à travers les mots d'une
bande dessinée, il m'arrive de char-
ger ma plume de ces angoisses, pour
sombrer dans cette obsession du trait,
comme si je tentais de gribouiller les
mirages sombres qui viennent à moi.

L'acte artistique ne trouve pas toujours
de justification, mais je ne dois pas lais-
ser le pessimisme hanter ma création.
Un grand pouvoir implique une grande
écoresponsabilité.

<figure><img src="image_6.png" /></figure>
# Le Mangeur d'Hommes et le Sale Monstre

Encre sur papier et outils numériques, impression
17,5 x 11,5 cm, 16 pages, mars-avril 2021, sens de
lecture japonais.

## LE MANGEUR D'HOMMES ET LE SALE MONSTRE

<figure><img src="image_7.png" /></figure>

Couverture de «Le mangeur d'hommes et le sale monstre».
<figure><img src="image_8.png" /><figcaption>Extrait page 1</figcaption></figure>

Dans *Le mangeur d'hommes et le sale monstre*, je mets en scène la relation d'un garçon à la mâchoire monstrueuse, aux enfants d'un village. Rejeté par la société, ce « sale monstre » vit seul dans une grotte, en rêvant d'avoir un jour des amis, comme le témoigne la peinture pariétale en première case. La main qui salit la peinture représente la déception, le motif du rêve perdu.

<figure><img src="image_9.png" /></figure>

<figure><img src="image_10.png" /></figure>

<figure><img src="image_11.png" /></figure>

<figure><img src="image_12.png" /></figure>
Au début de l'histoire, le jeune monstre tombe sur un requin échoué sur la plage, mutilé et prisonnier de filets de pêche. L'enfant, alors pris de pitié, commence à l'aider quand il entend des personnes s'approcher. Souhaitant à tout prix éviter le contact avec les humain.e.s qui le méprisent, il court se cacher derrière des rochers pour mieux observer la scène.

Les individus qui approchent parlent de pêche, l'un vantant la plage en question pour les gros poissons qui y nagent, les autres l'accusant de mensonge. Cette conversation permet d'expliciter un des thèmes inhérents à l'oeuvre : celui de la pêche.

<figure><img src="image_13.png" /><figcaption>Extrait page 5</figcaption></figure>

Un troisième personnage apparaît ensuite. Il s'agit d'une petite fille de l'âge du monstre. Elle s'interpose entre la bande d'enfants et le requin, et se positionne ainsi en faiseuse de paix. L'histoire se construira notamment autour de leurs joutes verbales.

<figure><img src="image_14.png" /><figcaption>Extrait page 4</figcaption></figure>

Ce sont des enfants du village avoisanant qui apparaissent. Ceux-ci aperçoivent à leur tour le requin échoué, mais contrairement au jeune monstre, eux ne lui viennent pas en aide. Ils commencent à le battre pour la menace qu'il représente pour leur communauté, et souhaitent même le tuer, pour être vus en héros et sauveurs.

<figure><img src="image_15.png" /><figcaption>Extrait page 6</figcaption></figure>
<figure><img src="image_16.png" /><figcaption>Extrait page 7</figcaption></figure>

Dans ce récit, je mets en scène l'opposition entre deux façons de penser : celle du spécisme, et celle de la défense des animaux. Si, tout seule, le personnage de la petite fille ne peut rien faire pour sauver le requin, elle tente en revanche de rallier la bande d'enfants à sa cause, tandis que ces derniers arguent qu'il faut tuer le requin.

La petite fille, par sa bienveillance et son courage, remplira involontairement le rôle de la figure du mentor, qui guidera le héros dans cette courte aventure. Ainsi, ce dernier, qui était prêt à s'enfuir par peur de subir plus de discrimination, finit par faire demi-tour pour réapparaître au devant de la scène en tant que sauveur à son tour.

Dans ce récit, je joue sur le parallélisme entre le jeune monstre et le requin. Selon bon nombre d'humanistes étudiant les questions sociologiques liées à la relation de l'être humain à l'environnement, l'idée est de mise que le spécisme est l'une des racines du racisme, et de la discrimination en général.

Par la superposition de phylactères désignant le requin comme un monstre et les plans montrant l'enfant à la mâchoire démesurée dont les autres personnages ignorent la présence dans la scène, je joue sur l'ambiguïté en mettant en parallèle les deux victimes d'une discrimination semblable. Ainsi, tout au long du débat houleux entre la bande d'enfants qui veut achever le requin et la petite fille qui souhaite le sauver, des allers-retours se font entre la position du requin et celle du protagoniste, discriminés pour leur différence.

<figure><img src="image_17.png" /></figure>

<figure><img src="image_18.png" /></figure>
<figure><img src="image_19.png" /><figcaption>Extrait page 11</figcaption></figure>

La notion de peur a également une place importante dans le récit. Le héros comme le requin sont craints par les humain.e.s pour leur dimorphisme dentaire, et sont perçus comme une menace.

Le mythe du requin mangeur d'hommes a été popularisé dans l'imaginaire collectif depuis le film *Les dents de la mer* (1975, Steven Spielberg). En réalité, il y a chaque année moins de décès dûs à des attaques de requins qu'à la foudre. Déconstruire certains mythes hollywoodiens est une piste primordiale selon l'agroécologue Pablo Servigne, qui citait Serge Latouche « Décolonisons l'imaginaire ! », dans son livre *Comment tout peut s'effondrer* (2015).

<figure><img src="image_20.png" /><figcaption>Extrait page 13</figcaption></figure>

Ici, la bande d'enfants croit venger la mort de pêcheurs et sauver le village en tuant le requin. Tout du long du récit, le personne ne bouge pas. Il est impuissant, exténué et au bord de la mort, prisonnier des filets de pêche au bord de l'eau. Il y a donc là aussi un décalage texte-image, entre les mots des enfants qui décrivent l'animal comme une menace qu'il faut éliminer sous peine de prendre des risques mortels, et les plans du requin mourant.

À l'intervention du jeune monstre dans la confrontation, le leader de la bande tombe dans des filets de pêche et s'y endigue. Il menace alors de se faire écraser par la cabane de fortune de laquelle pendent les filets. L'antagoniste partage alors la douleur de la victime.

<figure><img src="image_21.png" /><figcaption>Extrait page 13</figcaption></figure>
<figure><img src="image_22.png" /></figure>

Extrait page 15

Les acolytes de sa bande et la petite fille supportent le toit, mais n'ont aucun moyen de sectionner les filets. Le temps est alors compté. Le monstre intervient pour sectionner les entraves avec ses dents.

En épilogue de l'histoire, le monstre est accepté par cet échantillon de société que représentent les quatre enfants, et ses dents sont même admirées pour leur utilité.

Le récit est ainsi proche d'un conte, avec une fin non loin d'être utopiste. L'histoire joue sur une morale, celle de l'acceptation des autres, de l'entraide, et du respect de l'environnement.

<figure><img src="image_23.png" /></figure>

Extrait page 15
# L'Université de Picardie
## Jules Verne

Encre sur papier et trames numériques,
42 x 29,7 cm, février 2021.

Février 2021 : la France est noyée entre
les deuxième et troisième confinements.

<figure><img src="image_24.png" /></figure>

L'Université de Picardie Jules Verne décide de lancer un évènement destiné aux étudiant.es : un concours de dessin.

Si la consigne du concours «Dessine ta fac» mentionnait de dessiner un bâtiment de l'UPJV, j'ai choisi d'en représenter les six à la manière d'une planche de manga ou de bande dessinée.

L'absence de texte et les différentes trames qui font office de gris permettent de ralentir le temps, afin de créer, par le découpage des images en cases juxtaposées, un récit contemplatif qui tente de retranscrire la lenteur de cette période particulière. L'absence de vie humaine - ou presque - se fait sentir par les personnages blancs fantomatiques qui, eux seuls, arpentent les rues.
# Endangered Week

Recherches documentaires, crayon graphite sur papier, 21 x 29,7 cm, novembre 2020.

<figure><img src="image_25.png" /></figure>

Le dessin d'observation est fondamental dans ma pratique. Je réalise des dessins d'étude pour m'approprier les sujets que je m'apprête à mettre en scène dans une histoire ou un dessin.

Cette série a été réalisée d'après photos et vidéos trouvées sur internet, en vue de la préparation de la *Endangered Week 2020*.
# Endangered Week

Encre sur papier, 42 x 29,7 cm,
série de 3 dessins, novembre 2020.

Les réseaux sociaux sont, selon moi, un milieu qu'il est urgent d'employer comme support de réflexion intellectuelle sur le monde. Ils sont l'un des outils les plus aliénants que la société capitaliste du divertissement et de la consommation ait réussi à fabriquer jusqu'ici, et s'ils nécessitent eux-mêmes d'être largement remis en question, leur portée populaire est indéniable. Ils sont les nouveaux médias de notre temps.

Ce genre d'évènement fait partie des initiatives intéressantes.

Compte tenu du niveau de détail fourni à la réalisation de ces dessins, je n'ai pas pu effectuer les sept en une semaine et n'ai pu en réaliser que trois.

<figure><img src="image_26.png" /></figure>

Jour n°1 : Manchot des Galàpagos

<figure><img src="image_27.png" /></figure>

La *Endangered Week* est un évènement annuel sur les réseaux sociaux fondé par un collectif d'artistes français.es.

Ce regroupement artistique virtuel consiste à publier un dessin par jour d'une espèce menacée d'extinction selon la liste de l'UICN, parmi une liste propre à chaque édition établie, afin de créer un phénomène de sensibilisation à l'extinction de la biodiversité *via* les réseaux sociaux.

Jour n°5 : Tigre du Bengal
<figure><img src="image_28.png" /></figure>

Jour n°6 : Lycaon
Francis Sauvage :
Sushi Dash !

Dessin numérique, impression 17,5 x 11,5 cm,
46 pages, septembre-octobre 2020, sens de
lecture japonais.

<figure><img src="image_29.png" /><figcaption>Couverture de «Francis Sauvage : Sushi Dash».</figcaption></figure>
<figure><img src="image_30.png" /><figcaption>Page 2</figcaption></figure>

Dans *Sushi Dash*, l'histoire commence alors que Francis fait ses courses à la *Bio-coop* : une boîte de conserve tombe au sol et s'ouvre. Une tête de sardine en sort et interpelle notre héros, le conjurant de sauver la biodiversité marine des *Redslice Industries* qui la menace. Ni une, ni deux, Francis effectue son meilleur sprint, enfile un costume de poisson et traverse l'océan à la nage jusqu'à la ferme d'engraissement de thons rouges.

Sorte de surhomme intrépide et testostéroné parodiant les figures héroïques du cinéma hollywoodien des années 1980, Francis n'est ni là pour défendre la Terre contre un envahisseur extra-terrestre, ni pour faire exploser ses ennemis en compressant leurs points vitaux. Non, Francis Sauvage est un « défenseur des animaux opprimés » et « écoresponsable autodidacte », selon ses dires. En somme, c'est une surhomme intrépide, testostéroné, végétarien et pacifiste.

<figure><img src="image_31.png" /><figcaption>Page 5</figcaption></figure>

Francis Sauvage est une série épi-sodique qui aborde des thèmes écologiques. Chaque épisode est une fable absurde construite autour d'une activité humaine me-naçant une ou plusieurs espèces animales.
<figure><img src="image_32.png" /></figure>

Page 12

Dans le premier épisode, Francis manquait de se faire écraser par un chauffard à dos d'éléphant, qui euthanasiera celui-ci. Dans le deuxième, il était confronté à la chasse aux mouettes tandis que l'humanité s'apercevait qu'il n'y avait plus de poulet à manger pour la tradition du dimanche midi. Et dans ce troisième opus, c'est dans une ferme d'engraissement de thons rouges que Francis doit faire face à différents coupables d'exploitation animale.

Si je traite du sujet de la disparition des espèces par le biais de la fiction dans cette série, je le fais en l'appuyant sur un fond documentaire et des données réelles.

En détournant les données documentaires pour en faire de la fiction, je crée un récit à la fois épique et humoristique.

<figure><img src="image_33.png" /></figure>

Extrait page 11

Ainsi, au cours de l'histoire, je tente de sensibiliser à la pollution environnementale et aux dégâts sur la biodiversité quue génèrent les piscicultures. Je mets également en scène d'autres activités industrielles qui endommagent la biosphère, comme par exemple dans une scène dans laquelle j'attire l'attention sur les manipulations génétiques des aliments à but commercial.

Page 16

<figure><img src="image_34.png" /></figure>
Avec pour antagonistes des industries géantes du secteur agro-alimentaire et pour protagonistes des civil.e.s ou des travailleur. euse.s, je mets en scène de façon détournée la lutte des classes prolétaire et capitaliste.

Dans cette histoire courte, c'est le personnage de Ginette Morue qui incarne la figure de l'ouvrier soumis aux dictats de son entreprise. Si le personnage pensait chérir les animaux et participer à leur confort en devenant éleveuse, elle se rendra rapidement compte que c'est impossible au sein de cette entreprise.

Francis incarnant l'idée de révolution, Ginette devra alors faire un choix cornélien entre l'aider à renverser son patron, ou garder son C.D.D.

<figure><img src="image_35.png" /></figure>

<figure><img src="image_36.png" /></figure>

Page 23

Page 36

<figure><img src="image_37.png" /></figure>

L'histoire de Francis Sauvage : Sushi Dash est chargée en informations complexes : pour lea lecteur.ice peu averti.e des problèmes environnementaux liés au commerce de thon rouge, il y a beaucoup à assimiler pour comprendre les enjeux du récit.

C'est pourquoi les épisodes de cette série ont toujours une trame scénaristique très simple.

À la manière d'un blockbuster d'action, Francis aperçoit un animal en danger, découvre le marché qui menace cet animal, puis se bagarre avec le grand méchant pour sauver les spécimens menacés.
Si le ton de l'histoire – sans mauvais jeu de mots – tourne autour de l'humour absurde, Francis, lui, est un personnage traîgique soumis à la fatalité : si l'on pourrait attendre d'un récit d'action une victoire du bien sur le mal, ce n'est pas le cas des épi-sodes de *Francis Sauvage*.

Notre héros fournit des efforts considérables pour secourir les animaux sujets à la surexploitation humaine, et quand il parvient à écarter le danger central de l'histoire pour les secourir, un autre plus grand lui succède instantanément, et a raison des animaux.

Comme évoqué précédemment, dans le premier épisode, l'éléphant est euthanasisé. Dans le deuxième, alors que Francis a sauvé les mouettes du lac de la Hôtoie de deux éleveurs qui menaçaient des les échanger contre des canards en plastique, le lieutenant Kentucky lance un filet géant pour les attirapper tous du même coup, et rentrera ainsi chez lui pour lancer une nouvelle recette de tenders à la viande de mouette. Et Francis n'y pourra rien. Dans ce troisième opus, Francis triomphe du Colonel Honoré Hareng, et parvient à libérer les thons dans l'océan, mais...

<figure><img src="image_38.png" /></figure>
<figure><img src="image_39.png" /></figure>

Page 45

À peine les poissons sortent-ils de leur prison qu’un cargo pétrolier sombre au large. Les poissons en meurent instantanément.

Il s’agit par ce procédé d’informer sur les enjeux d’une seule activité humaine et son impact drastique sur la biodiversité, et une fois ces informations supposément assimilées par le lecteur.rice, de désamorcer le scénario en en montrant une seconde.

La pagination du récit y joue son rôle : le premier enjeu environnemental est développé et « diabolisé » par le biais d’une fiction aux enjeux croissants sur quarante-trois pages, puis en seulement deux pages, tous ces efforts fournis sont réduits à néant.

<figure><img src="image_40.png" /></figure>

Page 44

Ce motif narratif récurrent dans les opus de Francis Sauvage sert de point d’orgue à ma tentative de sensibilisation écologique : à travers le sentiment de déception que peut laisser une fin si abrupte, dans laquelle le héros n’a aucun pouvoir d’action, il rappelle au lectorat qu’il y a beaucoup plus qu’une cause d’extinction de chaque espèce animale ou végétale liée à l’homme, et que n’importe quelle cause de disparition, de n’importe quelle espèce, pourrait constituer un récit au moins aussi grand.
# The Shoemaker and the Hungry Leg

Encre sur papier et trames numériques, impression 17,5 x 11,5 cm, 30 pages, juin-juillet 2020, sens de lecture japonais.

<figure><img src="image_41.png" /><figcaption>Extrait page 8</figcaption></figure>

Dans ce manga, je conte l'histoire d'un jeune cordonnier démuni de jambes qui, un soir, alors qu'il rentrait du travail par un chemin dans la forêt, fait la rencontre de la came-cruse.

La came-cruse est une créature folklorique française originaire de la région de la Gascogne et appartenant à la catégorie des croque-mitaines. Cette créature erre sur les routes de la région en quête de se repaître des imprudent.es qui s'y aventurent la nuit.

Grâce à un sac de bottes accroché à son fauteuil, le protagoniste parvient à capturer la créature.

<figure><img src="image_42.png" /><figcaption>Page 11</figcaption></figure>

Les deux personnages vont apprendre à faire connaissance, faire des activités ensemble comme cuisiner, faire le ménage ou dessiner, jusqu'à devenir amis. Ils partageront leur vie et auront une importance capitale dans celle de l'autre durant la suite du récit.

<figure><img src="image_43.png" /><figcaption>Page 16</figcaption></figure>
On retrouve dans The Shoemaker and the Hungry Leg des questions communes à l'intégration des autres, ici, d'un personnage handicapé, en société. Le récit tient à la relation entre trois éléments : un enfant amputé des deux jambes, le métier de cordonnier, et une jambe animée.

Dans la seconde partie du récit, les deux protagonistes, devenus amis, développent leur amitié. Un clocher emblématique de la ville se trouve en haut d'un escalier. La camecruse veut monter tirer la corde de la cloche avec son ami, mais celui-ci est dans l'incapacité de monter les marches à cause de son handicap physique.

<figure><img src="image_44.png" /></figure>

Alors que le cordonnier se démène pour fabriquer une chaussure sur-mesure à son amie blessée à force de marcher, la camecruse disparaît un matin en s'engouffrant mystérieusement dans la forêt.

<figure><img src="image_45.png" /></figure>

L'enfant, rentrant chez lui le soir, le cadeau pour son amie dans les bras, constate que celle-ci a disparu. Lui qui vivait seul et sans ami jusqu'à ce que la came-cruse n'apparaisse dans sa vie voit son bonheur s'effondrer brutalement.

<figure><img src="image_46.png" /></figure>
<figure><img src="image_47.png" /></figure>

Au départ baptisé Le Cordonnier et la Came-Cruse, j'ai décidé d'opter pour The Shoemaker and the Hungry Leg comme titre final de ce one shot. Si je privilégie bien sûr le manga local au divertissement mondialisé, et que je ne vise pas une carrière aux Etats-Unis, le titre anglais avait une force que le français n'avait pas : l'inclusivité.

En effet, après la publication de ce one shot sur internet, le personnage du cordonnier, que j'avais conçu comme un jeune garçon dans mon esprit, et étant donné que le man-ga muet ne donnait aucune information à son sujet, était autant vu par les lecteur.rices comme un garçon que comme une fille. Finalement, son genre n'avait aucun enjeu dans l'histoire. J'ai donc choisi de « dégenrer » le personnage en débarrassant le récit de la seule information qu'il pouvait donner quant à son sexe tel que je le percevais, celle du titre comportant « le cordonnier » au masculin.

À travers la figure de la came-cruse, j'invoque également une forme d'animisme, et le registre du merveilleux tout au long de ce récit.

Si les jambes ne sont pas une espèce en voie de disparition qu'il faudrait apprendre à percevoir autrement pour les préserver de leur extinction, tout personnage est intéressant à animer, et celui-ci l'est particulièrement dans sa rencontre avec le personnage du cordonnier sans jambes, car il permet de convoquer une réflexion sur l'idée du membre fantôme - ici littéralement fantôme, dans la mesure où il provient du corps d'un mort, celui que surplombe la came-cruse à la page 23.

L'animisme est donc double dans l'univers du récit : il évoque à la fois une créature non-humaine - quoique, vu qu'elle est extraite d'un corps humain - animée, et la question de l'au-delà à travers la mort antérieure de cette créature.

<figure><img src="image_48.png" /></figure>
<figure><img src="image_49.png" /></figure>

Quelque temps plus tard, une ombre surgit à
la porte ouverte du cordonnier. C'est la came-
cruse, de retour. Comme invitée à entrer par
la créature, une seconde ombre se présente
face au cordonnier. Il s'agit d'une seconde
came-cruse, plus petite, et cette fois-ci faite
d'une jambe gauche, qui le regarde avec un
grand œil juvénile.

Larmoyant de joie, l'enfant éclate de rire,
dans son grand bonheur de voir les deux
amies.

L'enfant monte les escaliers du clocher en
marchant, tire sur la corde et fait retentir
la cloche. Il a désormais deux jambes avec
un œil chacune, les deux came-cruses, et on
voit le glas retentir tandis que son fauteuil
est resté en bas de l'escalier.

<figure><img src="image_50.png" /></figure>

Les jambes merveilleuses qui viennent se
greffer au corps du protagoniste à la fin, si
elles offrent une vision un peu naïve, ren-
voient un message d'espoir lié à la guérison.

À la manière d'un conte, le récit a pour but
de faire ressentir des émotions, de faire s'in-
terroger sur le handicap et de transmettre
un message d'espoir et de solidarité.

Si l'œuvre ne décolonise aucun imaginaire
écocide et n'aborde pas directement de pro-
blématique environnementale, elle enrichit
toutefois le paysage humain des person-
nages de manga, et nourrit des imaginaires
positifs sur la question du rapport au corps,
du rapport au monde, et de la vie en situa-
tion de handicap.
Colonel Honoré Hareng :
La Pierre philosophale

Encre sur papier, 21 x 29,7 cm, 6 pages,
mai 2020, sens de lecture occidental.

<figure><img src="image_51.png" /></figure>

XVIIIÈME SIÈCLE, MINE DE DÛRLABEUR

<figure><img src="image_52.png" /></figure>

<figure><img src="image_53.png" /></figure>

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<figure><img src="image_55.png" /></figure>

<figure><img src="image_56.png" /></figure>

<figure><img src="image_57.png" /></figure>

<figure><img src="image_58.png" /></figure>

Page 1

Au XVIIIème siècle, deux mineurs trouvent une pierre capable de générer une énergie illimitée. Mais l'utilisation de celle-ci a un prix : la santé de toustes.

Rêvant d'une vie confortable, les deux protagonistes se rendront à la chambre de commerce française, bien décidés à braver tous les obstacles éthiques qui se dressent sur leur route.
<figure><img src="image_59.png" /><figcaption>Page 5</figcaption></figure>

Au même titre que Francis Sauvage, le Colonel Honoré Hareng est un personnage original qui incarne des valeurs. Mais si son pair porte bien des idées comme le respect du vivant ou la protection des plus faibles, le Colonel, lui, obéit aux lois de la soif de progrès, à l'exploitation des plus faibles et du capital économique. Le Colonel est ainsi une personnification du capitalisme.

Cette histoire, première lauréate du concours de création étudiante du CROUS en 2020, était soumise au thème «alchimie». J'y ai utilisé l'uranium 238 comme une parodie contemporaine de la pierre philosophale.

Dans cette histoire, je dresse une caricature de ce qui peut mener un individu à détruire l'environnement. Le fait est, que le protagoniste en est inconscient, et quand les autres personnages tels que le scientifique (p. 2-3) ou l'homme venu du futur (p. 4-6) tentent de le prévenir, il se refuse de les écouter, et poursuit sa quête.

À la quatrième page, alors que le Colonel s'apprête à céder l'uranium à une chambre de commerce, un jeune homme apparaît pour s'opposer à la transaction. Ce personnage, venu d'une époque future, tente de dissuader les businessmen de révéler ce minerai au monde, listant les dangers qu'il représente - aujourd'hui - pour l'humanité. Les protagonistes l'abattent. Lorsque le gouverneur de la chambre de commerce demande ce qu'il se passerait si l'homme avait dit la vérité, le Colonel répond « Je suis persuadé que les générations futures sauraient trouver une solution ! ».

Cette idée de la connexion intergénérationnelle est centrale dans le récit. Tout comme notre société détruit l'environnement futur pour les besoins présents, le Colonel et son acolyte Eustache vendent une pierre qui menacera le monde futur pour le confort et la richesse. Si l'énergie nucléaire n'est pas la plus dégrdante pour l'environnement, elle pose tout de même la question de ce qu'on laisse aux générations futures.

<figure><img src="image_60.png" /><figcaption>Page 6</figcaption></figure>
# Naturalisme du XXIème siècle

Série de dessins, encre sur papier, 40,5 x 29,7 cm,
novembre 2020-janvier 2021.

<figure><img src="image_61.png" /><figcaption>Naturalisme du XXIème
siècle n°2</figcaption></figure>

À partir de vidéos, de reportages, ou de photographies trouvées sur internet, je redessine dans cette série des catastrophes naturelles ou les dégâts causés par celles-ci. Je mets en scène un dualisme entre la Nature et le territoire humain.

<figure><img src="image_62.png" /><figcaption>Naturalisme du XXIème
siècle n°3</figcaption></figure>

<caption>Naturalisme du XXIème
siècle n°1</caption>

Deux motifs récurrents que je mets en avant dans mes choix de représentation sont les bâtiments et les véhicules. Ces deux objets représentent des abris pour l'être humain, et un aboutissement de la civilisation technocène. Si la présence de bâtiments est la preuve de la conquête d'un territoire par l'homme, alors les véhicules sont le signe de la conquête de tous les territoires par l'homme.

Tantôt cassés, inondés ou renversés, à travers la représentation de ces figures dévastés, je tente de remettre en question la relation humain-environnement, en mettant en scène l'illusion de notre invincibilité face à ce dernier.
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Après le Sublime au XVIIIème siècle est apparu au début du XIXème le courant du Sublime apocalyptique. Si à cette époque les peintres tels que John Martin et Samuel Colman mettaient en forme le discours de la fin des temps en se basant sur l'Apocalypse de la Bible, aujourd'hui, un discours semblable se diffuse de plus en plus à travers le prisme écologique, à tel point qu'il existe aujourd'hui une science de la crise environnementale : la collapsologie.

<figure><img src="image_64.png" /><figcaption>John Martin, Le grand jour de Sa colère, 1851-1853.</figcaption></figure>

Ces peintures mettant en scène des catastrophes météorologiques déchaînées par une Terre toute-puissante face à laquelle l'Homme est impuissant, sont des œuvres qui dépeignent la relation entre les êtres humains et la Terre, qui est centrale dans mon travail.

Naturalisme du XXIème siècle n°4

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Ici, par la mise en page proche de celle d'une page de bande dessinée, je cherche à inviter lea spectateur.rice à se construire son propre récit par la mise en relation des images. Sans ordre de lecture, ni indications spatio-temporelles, lea spectateur.rice n'a qu'à interpréter ce qu'il.elle voit et faire le lien entre les vides.

Répertorier de l'actualité en dessin lui donne une dimension plus intemporelle que les photographies journalistiques dont elles sont issues, qui elles, sont faites sur le moment et destinées à disparaître au profit de la prochaine actualité. C'est pour moi une manière de donner une vie plus longue à ces évènements dans l'imaginaire visuel. Quelques soient la date et le lieu de prise des clichés de départ, je les réunis dans un même récit.

Le titre « Naturalisme du XXIème siècle » a une dimension ironique. Mon processus de réalisation des images est celui d'un dessinateur naturaliste, à l'exception – et non des moindres – que je ne dessine pas sur le motif. Pour représenter ces images spectaculaires, je dessine d'après des photographies trouvées sur internet. C'est ce que font la majorité des dessinateur.rice.s aujourd'hui quand il.elles ont besoin de modèles.

Naturalisme du XXIème
siècle n°6

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<figure><img src="image_74.png" /><figcaption>Naturalisme du XXIème
siècle n°5</figcaption></figure>

La composition des pages peut aussi rappeler une page de recherche d'images dans Google. Cette idée de la recherche internet suggère un contraste dans le fait qu'il s'agit de catastrophes humaines, et qu'elles sont témoignées par une personne derrière un ordinateur, probablement bien au chaud chez elle (moi). Le catalogue suggère également l'idée que le paysage naturel sauvage se raréfie de plus en plus, et n'existera peut-être bientôt que dans les souvenirs photographiques et les encyclopédies.

Faisant écho à la crise environnementale, je désigne par ce titre la notion de « Nature » aujourd'hui, et à la fois, par la mise en scène de catastrophes, j'évoque le sombre futur qui nous attend inéluctablement.

Le « XXIème siècle » dans ce titre désigne-t-il les années 2000 à aujourd'hui, sous-entendant que c'est la période à laquelle ces catastrophes se sont produites, ou bien le présent, car il s'agit de photographies recopiées au lendemain de leur parution dans les journaux, ou bien encore le reste du siècle à venir, annonçant la répétition de ces évènements catastrophiques ?
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# Monsieur Alpha

Série de dessins, aquarelle et encres sur papier, 17,5 x 26,5 cm, janvier 2019-mars 2020.

<figure><img src="image_86.png" /><figcaption>Couverture numéro 1</figcaption></figure>

<figure><img src="image_87.png" /><figcaption>Couverture numéro 2</figcaption></figure>

Monsieur Alpha est une série d'illustrations réalisées entre janvier 2019 et mars 2020. Cette série parodie l'image populaire de «l'homme viril» puise son inspiration dans l'imagerie des couvertures de comics dit «éducatifs» publiés dans les années 1960 et 1970.

Au cours de ces années, une vague de revues aux héros calqués sur les codes de la virilité contemporaine à cette époque a pris d'assaut un pan du marché. Ces codes n'ont pas beaucoup évolué depuis.

Des maisons d'édition telle que «Arédit éditions» ont racheté des licences américaines entre les années 1962 et 1987 pour les traduire en France, mais en ont aussi créé des originales en scénario collectifs. C'est ainsi que sont nés les revues Capitaine Courage, Monsieur TV, Sergent Gorille, Tim l'Audace, Tom Tempest, Silver Colt, Téméraire, Katan, et bien d'autres sous la collection «Courage Exploit».

La série de comics qui a inspiré ce projet est la série Jack Sport, publiée entre 1975 et 1977, scénarisée par plusieurs personnes de la maison Arédit, et dessinée par Bob Dan.
<figure><img src="image_88.png" /><figcaption>Couverture de Jack Sport
numéro 1</figcaption></figure>

<figure><img src="image_89.png" /><figcaption>Couverture de Jack Sport
numéro 7</figcaption></figure>

Sur les couvertures de cette revue, le protagoniste est toujours mis à l'honneur dans des scènes de violence et de domination. Ainsi, tantôt il fait une clé de bras à un voleur, tantôt il empoigne un malfrat par le col, tantôt il étrangle un berger allemand.

<figure><img src="image_90.png" /><figcaption>Couverture numéro 4</figcaption></figure>

À travers cette série d'illustrations, je dresse une critique satirique à la fois du modèle masculin patriarcal selon une conception datée de l'image de l'homme, et à la fois du moule sociétal consumériste.

Les titres de chaque épisode évoquent une règle de virilité implicite, ou de bienséance, tandis que le dessin sur la couverture montre les conséquences néfastes que peuvent avoir de tels idéaux sur le comportement d'un individu.

Ainsi Monsieur Alpha montre qui commande à la maison, consomme au moins trois produits laitiers par jour, consomme encore, chasse la femelle, ne se mêle pas des affaires de ses voisins, ou bien défend sa patrie du danger que représentent les étrangers.

<figure><img src="image_91.png" /><figcaption>Couverture numéro 3</figcaption></figure>
<figure><img src="image_92.png" /><figcaption>Couverture numéro 5</figcaption></figure>

Le premier numéro a pour propos la violence conjugale, qui peut découler de l'idée de devoir de domination de l'homme dans le couple. Le second représente l'absurdité d'un modèle alimentaire qui considère comme nécessaire de consommer le lait maternel d'autres mammifères. La troisième caricature les postures codifiées dans l'espace public. La quatrième traite de l'extinction des espèces et d'une de ses causes.

C'est à partir du moment où j'ai entamé une publication mensuelle de ces illustrations sur les réseaux sociaux que j'ai commencé à les lier de plus en plus à l'actualité.

<figure><img src="image_93.png" /><figcaption>Couverture numéro 6</figcaption></figure>

Dans la cinquième illustration, parue au début de l'hiver alors que la nuit commençait à se coucher de plus en plus tôt, le harcèlement de rue était le sujet abordé. Dans le sixième numéro, l'exploitation des plus pauvres et la complicité de la mondialisation dans le travail d'enfants dans d'autres pays. Dans le septième, le coronavirus commençait à toucher les Etats-Unis, et pour le huitième, le premier confinement faisait grimper les chiffres des violences conjugales en France. Cette fois-ci, Monsieur Alpha n'était pas le coupable, mais le complice indirect de l'acte qu'il commettait dans la première illustration. La boucle est bouclée.
<figure><img src="image_94.png" /><figcaption>Couverture numéro 8</figcaption></figure>

Les racines du patriarcat et du capitalisme peuvent être trouvées sous presque n'importe quelle situation sociale, car elles sont précisément les fondements de la majeure partie des sociétés dans le monde.

<figure><img src="image_95.png" /><figcaption>Couverture numéro 7</figcaption></figure>

En exagérant les situations de plus en plus jusqu'à les rendre absurdes au fil des numéros, je tente de mettre à distance la réalité. L'humour a cette faculté de rendre les images simples à capter, et les informations qu'elles contiennent, digestes. Par le biais de l'humour comme «couverture», le spectateur va se remémorer l'image qui pourtant, véhicule des messages dramatiques.

Si déconstruire un modèle paradigme idéalisé depuis des siècles n'est pas si simple que l'acte de création d'une image, l'humour noir à la limite de l'acceptable, faisant se demander quel est le parti de l'auteur dans ce qu'il a écrit et dessiné dans ces illustrations, peut inviter le lecteur à se questionner sur les notions de bien et de mal dans ce récit, et ainsi, le sensibiliser à divers problèmes inconscients de notre comportement.