commune a donc était créée par la suite, une société qui va se charger de fabriquer les figurines en metal destinés au jeu et à la collection: la société Citadel. Plus tard, Games Workshop distribue beaucoup d'édition de leurs magazines à travers l'Angleterre et l'Europe, c'est au même moment qu'apparaît le jeu de rôles Warhammer en 1983, un jeu de bataille sur table composé de beaucoup de figurines et de décor. Un jeu à l'univers fantastique, remplis d'orques, d'elfes et de cavaliers. Ce jeu est aussi un immense succès et les figurines se vendent par centaines, le fil conducteur de la société est donc trouvé. En 1986, de nouvelles figurines sortent, cette fois-ci, c'est un univers de science-fiction qui est créé, avec des soldats de l'espace qui seront les symboles de la compagnie Games Workshop: les Space Marines. Encore une fois ces figurines sont très populaires et c'est alors que la société sort un nouveau jeu de bataille en 1987: Warhammer 40 000. Les deux jeux deviennent incontournables et représentent les seuls univers et créations à être diffusés au sein des boutiques de la société, se consacrant alors à leurs propres univers et laissant de coté les jeux de rôles géré par d'autres. White Dwarf devient donc un magazine exclusivement porté sur les produits de Games Workshop et Citadel. La société se porte très bien et s'incère dans de nouveaux médias. Elle crée en 1997 la Black Library, une sorte de maison d'édition consacrée aux romans des deux univers warhammer. La sortie de la trilogie du Seigneur Des Anneaux par Peter Jackson incite les dirigeants de la société à créer un jeu et des figurines autour de la saga des livres48 et des films, permettant ainsi une plus large diffusion des produits. Il y aura même de nombreux jeux vidéo sur les deux univers qui seront créés par la suite. L'entreprise innove et devient de plus en plus qualitative sur ses produits, figurines, décors, peintures, pinceaux, outils de modélisme ...»

<figure><img src="image_41.png" /></figure>

Les univers, les règles de jeux et les magazines sont régulièrement mis à jour. Aujourd'hui des jeux dérivés des univers sont créés et l'expansion de la société ne cesse de croître. Elle a su créer, hormis Le Seigneur Des Anneaux, des univers extraordinairement riches et diversifiés grace aux graphismes, à la conception et à la sculpture des figurines mais aussi grace à la description et à l'imaginaire des mondes et personnages créer par l'entreprise. D'un côté, l'univers Warhammer, un monde de fantaisie, de monstre fantastique dans un temps semblable à notre Moyen-Âge. Un monde

<footnote n="48">48 Le Seigneur des Anneaux, J.R.R. Tolkien, Allen & Unwin, 1954-1955, Londres</footnote>
inspiré du notre par sa géographie, les pays d'Europe sont appelés les pays du Vieux Monde et l'on y trouve le royaume des Humains dirigé par l'Empire et La Bretonnie. Inspirés de nombreux jeux de rôles, ce monde contient des êtres fantastiques tels que les Elfes, les Nains, les Hommes-Lézards, les Hommes-Rats, les Vampires ou les Orques. Un monde de magie, de bêtes féroce et de héros qui font face aux grands ennemis du Chaos, une force de guerriers corrompus qui ne veulent qu'une chose: la destruction du monde. De l'autre côté, l'univers de Warhammer 40 000, un univers futuriste, de science-fiction et de bataille qui se déroule au 41 ème millénaire de notre galaxie, d'où le nom Warhammer 40 000. Comme sa version fantastique, l'on y trouve des humains, dont les fameux Space Marines, dirigés par l'Imperium. L'on peut y trouver aussi des races extraterrestres, comme les Eldars, les Tau, les Tyranides et encore une fois les Orques. On retrouve aussi le grand ennemi du bien, le Chaos qui comme son homologue fantaisiste, n'aspire qu'à l'annihilation de la galaxie. La société Games Workshop a donc créé ses propres univers à travers les figurines mais aussi à travers les récits et les romans qui décrivent et racontent l'histoire de chaque faction, les guerres, les rencontres, la politique, les alliances ... Tous ces récits donnent vies aux figurines, ils ont un passé, une identité qui fait de chaque race, chaque armée un bel outil de création de peinture et de diorama<fnref n="49" />.

Cette société, en plus de la fabrication et la vente de figurines, de décors et de peintures, propose des parties de ces jeux sur d'immense tables de jeu décorées en champ de bataille. Pour présenter ses figurines et pour les mettre en action par rapport à l'imaginaire de certain ou par rapport aux récits des romans, les figurines obtiennent un rôle dans d'immenses dioramas conçus et peints par des modélistes et peintres de la société, au sein de leur siège social à Nottingham en Angleterre, dans des galeries créées pour accueillir ces dioramas. Au siège social, qui conçoit, fabrique et vend les figurines, les peintures, les livres de règles et les romans, se trouve le Warhammer World, un centre événementiel et un musée qui se visite qui contient une salle avec des dizaines de tables de jeu afin de faire des parties de Warhammer, un bar et restaurant et un musée dédié à la collection des figurines et aux dioramas<fnref n="50" />. Ces dioramas présentent les différentes armées de l'univers Warhammer dans une scène de combat ou dans la préparation d'une bataille. La vitrine contient un décor grandiose fabriqué à l'aide des produits de la société et conçu à partir de description dans les romans de la *Black Library*<fnref n="51" />.

<figure><img src="image_43.png" /></figure>

<footnote n="49">49 Historique et explications de l'unives Warhammer.</footnote>

<footnote n="50">50 *Warhammer World Dioramas*, Games Workshop, 2018, 65 pages.</footnote>

<footnote n="51">51 Société Warhammer spécialisée dans la littérature fantastiques autour des personnages créés par la société.</footnote>
inspiré du notre par sa géographie, les pays d'Europe sont appelés les pays du Vieux Monde et l'on y trouve le royaume des Humains dirigé par l'Empire et La Bretonnie. Inspirés de nombreux jeux de rôles, ce monde contient des êtres fantastiques tels que les Elfes, les Nains, les Hommes-Lézards, les Hommes-Rats, les Vampires ou les Orques. Un monde de magie, de bêtes féroce et de héros qui font face aux grands ennemis du Chaos, une force de guerriers corrompus qui ne veulent qu'une chose: la destruction du monde. De l'autre côté, l'univers de Warhammer 40 000, un univers futuriste, de science-fiction et de bataille qui se déroule au 41 ème millénaire de notre galaxie, d'où le nom Warhammer 40 000. Comme sa version fantastique, l'on y trouve des humains, dont les fameux Space Marines, dirigés par l'Imperium. L'on peut y trouver aussi des races extraterrestres, comme les Eldars, les Tau, les Tyranides et encore une fois les Orques. On retrouve aussi le grand ennemi du bien, le Chaos qui comme son homologue fantaisiste, n'aspire qu'à l'annihilation de la galaxie. La société Games Workshop a donc créé ses propres univers à travers les figurines mais aussi à travers les récits et les romans qui décrivent et racontent l'histoire de chaque faction, les guerres, les rencontres, la politique, les alliances ... Tous ces récits donnent vies aux figurines, ils ont un passé, une identité qui fait de chaque race, chaque armée un bel outil de création de peinture et de diorama<fnref n="49" />.

Cette société, en plus de la fabrication et la vente de figurines, de décors et de peintures, propose des parties de ces jeux sur d'immense tables de jeu décorées en champ de bataille. Pour présenter ses figurines et pour les mettre en action par rapport à l'imaginaire de certain ou par rapport aux récits des romans, les figurines obtiennent un rôle dans d'immenses dioramas conçus et peints par des modélistes et peintres de la société, au sein de leur siège social à Nottingham en Angleterre, dans des galeries créées pour accueillir ces dioramas. Au siège social, qui conçoit, fabrique et vend les figurines, les peintures, les livres de règles et les romans, se trouve le Warhammer World, un centre événementiel et un musée qui se visite qui contient une salle avec des dizaines de tables de jeu afin de faire des parties de Warhammer, un bar et restaurant et un musée dédié à la collection des figurines et aux dioramas<fnref n="50" />. Ces dioramas présentent les différentes armées de l'univers Warhammer dans une scène de combat ou dans la préparation d'une bataille. La vitrine contient un décor grandiose fabriqué à l'aide des produits de la société et conçu à partir de description dans les romans de la *Black Library*<fnref n="51" />.

<figure><img src="image_42.png" /></figure>

<footnote n="49">49 Historique et explications de l'unives Warhammer.</footnote>

<footnote n="50">50 *Warhammer World Dioramas*, Games Workshop, 2018, 65 pages.</footnote>

<footnote n="51">51 Société Warhammer spécialisée dans la littérature fantastiques autour des personnages créés par la société.</footnote>
Des centaines de figurines y sont peintes et mises en scène pour que le diorama représente une vraie scène de combat entre deux armées. Dans la plupart des dioramas, l'arrière-plan est peint, comme un vrai diorama animalier. L'un des dioramas les plus célèbres de la galerie est le diorama qui représente la Bataille de Fenris, une bataille tirée de l'imaginaire de *Games Workshop*, elle se passe dans l'univers Warhammer 40 000 et voit s'affronter les humains *Space Wolves* et les aliens *Tyranides*. La bataille se déroule à flanc de montagne, à l'entrée d'une cité construite par les humains, un gouffre sépare deux parties de la montagne et ce gouffre se termine par une rivière gelée. Un pont lie l'entrée de la cité à l'autre versant de la montagne. Les décors et les détails sont saisissants, une vague d'ennemis extraterrestres déferlent sur les combatants humains qui tentent de défendre leur cité. Assiégés de toute part, les combattants de l'humanité résistent aux assauts ennemis tant bien que mal. Un autre diorama très apprécié, comme tous les autres d'ailleurs, est le diorama qui représente une bataille dans une citadelle humaine bâtie sur des rochers en lévitation de l'univers Warhammer. On y voit, surplombant le reste, une citadelle sur un rocher qui s'élève du sol, d'autres rochers du même genre viennent fignoler le décor, un pont en ruine, liant le sol aux rochers. On y voit cette fois une bataille entre les humains de Sigmar, qui représente les hauts guerriers de l'Empire, et les forces du Chaos du dieu Khorne, le dieu de sang. Les troupes de l'Empire tentent de préserver leur patrimoine et leur culture contre cette armée de la désolation. Tous ces dioramas sont les vitrines des collections de figurines et d'histoires que propose la société *Games Workshop*, mais le diorama de ces personnages ne se limite pas aux professionnels de l'entreprise. Afin de rendre compte de leur travail et pour proposer aux spectateurs une vision de leurs figurines en pleine action, la société a construit un auto-musée. Une vitrine sur toutes les possibilitées qu'offraient cette pratique.

Certains hobbyistes se prennent au jeu du diorama et surtout à un style de diorama créer par *Games Workshop* : l'`Armies On Parade. Armies On Parade` est un concours ouvert à tous dont le but est de présenter son armée de figurines peintes entièrement et disposées dans un décor sur un plateau aux dimensions spécifiques, cette armée est en situation d'engagement à la bataille, elle part en guerre. Chaque plateau est unique et original, ils sont constitués de toutes les figurines d'un joueur qui représente donc une armée pouvant appartenir à chacun des univers. Peintes à la perfection dans un décor fascinant, les figurines prennent vie.

*Axlotl Temple* de 2019 est une construction, une maquette d'un temple maya. Initialement, il fût construit pour un décor de jungle pour l'univers Warhammer et il sert de décor aux armées d'Hommes-Lézards.
Des centaines de figurines y sont peintes et mises en scène pour que le diorama représente une vraie scène de combat entre deux armées. Dans la plupart des dioramas, l'arrière-plan est peint, comme un vrai diorama animalier. L'un des dioramas les plus célèbres de la galerie est le diorama qui représente la Bataille de Fenris, une bataille tirée de l'imaginaire de *Games Workshop*, elle se passe dans l'univers Warhammer 40 000 et voit s'affronter les humains *Space Wolves* et les aliens *Tyranides*. La bataille se déroule à flanc de montagne, à l'entrée d'une cité construite par les humains, un gouffre sépare deux parties de la montagne et ce gouffre se termine par une rivière gelée. Un pont lie l'entrée de la cité à l'autre versant de la montagne. Les décors et les détails sont saisissants, une vague d'ennemis extraterrestres déferlent sur les combatants humains qui tentent de défendre leur cité. Assiégés de toute part, les combattants de l'humanité résistent aux assauts ennemis tant bien que mal. Un autre diorama très apprécié, comme tous les autres d'ailleurs, est le diorama qui représente une bataille dans une citadelle humaine bâtie sur des rochers en lévitation de l'univers Warhammer. On y voit, surplombant le reste, une citadelle sur un rocher qui s'élève du sol, d'autres rochers du même genre viennent fignoler le décor, un pont en ruine, liant le sol aux rochers. On y voit cette fois une bataille entre les humains de Sigmar, qui représente les hauts guerriers de l'Empire, et les forces du Chaos du dieu Khorne, le dieu de sang. Les troupes de l'Empire tentent de préserver leur patrimoine et leur culture contre cette armée de la désolation. Tous ces dioramas sont les vitrines des collections de figurines et d'histoires que propose la société *Games Workshop*, mais le diorama de ces personnages ne se limite pas aux professionnels de l'entreprise. Afin de rendre compte de leur travail et pour proposer aux spectateurs une vision de leurs figurines en pleine action, la société a construit un auto-musée. Une vitrine sur toutes les possibilitées qu'offraient cette pratique.

Certains hobbyistes se prennent au jeu du diorama et surtout à un style de diorama créer par *Games Workshop* : l'`Armies On Parade. Armies On Parade` est un concours ouvert à tous dont le but est de présenter son armée de figurines peintes entièrement et disposées dans un décor sur un plateau aux dimensions spécifiques, cette armée est en situation d'engagement à la bataille, elle part en guerre. Chaque plateau est unique et original, ils sont constitués de toutes les figurines d'un joueur qui représente donc une armée pouvant appartenir à chacun des univers. Peintes à la perfection dans un décor fascinant, les figurines prennent vie.

*Axlotl Temple* de 2019 est une construction, une maquette d'un temple maya. Initialement, il fût construit pour un décor de jungle pour l'univers Warhammer et il sert de décor aux armées d'Hommes-Lézards.
<figure><img src="image_44.png" /><figcaption>*Axlotl Temple*, Mattéo Guitton, 2019, polystyrène, carton plume, produit en plastique de Games Workshop, texture, plantes en plastiques.</figcaption></figure>

Le nom *Axlotl Temple* est issu des livres de la société et ce temple est présent sur la carte géographique qui a été imaginée pour Warhammer, il se trouve dans ce qui peut être notre jungle Amazonienne. Il est le début d'un diorama en projet visant à représenter une armée de Seraphons (Hommes-Lézards) se battant contre des Elfes au sein de la Lustrie (Pays où réside les Seraphons, cet une jungle impénétrable remplie de temple en ruine et de cascade entourées par la végétation.). L'univers Warhammer appartient à un imaginaire, à un monde qui a fait l'objet de tout un travail, c'est un peu l'oeuvre d'une vie que de présenter sous forme définitive toutes ces figurines. Le diorama est le moyen le plus réaliste de concevoir un monde, que ce soit notre monde, notre Terre ou que ce soit un monde imaginaire. Bercé par cet imaginaire, la création de diorama rentre dans une pratique personnelle indissociable du reste des travaux personnels. Se représenter le monde, celui dans lequel nous vivons, est difficile, il y a tellement de troubles, tellement de personnes, tellement de choses, il est riche et varié. C'est pourquoi il est plus concevable de l'imaginer et de le figer par des souvenirs, des images, des vidéos, des dioramas. Au plus proche de la réalité, le diorama est aussi ce qu'il y a de plus proche des souvenirs et de l'imaginaire d'un esprit. Un esprit individuel et unique qui façonne nos pensées, qui façonne notre monde, notre histoire et notre vie, comme un diorama.

## b) Le diorama scientifique au service de l'art

Le musée, lieu emblématique de l'histoire du monde. C'est certainement le lieu culturel qui témoigne le plus de la construction de notre réalité et de notre histoire. Il est décuplé en plusieurs catégories, que ce soit le musée d'histoire, le mémorial, le musée d'art, le musée des sciences,
<figure><img src="image_43.png" /><figcaption>*Axlotl Temple*, Mattéo Guitton, 2019, polystyrène, carton plume, produit en plastique de Games Workshop, texture, plantes en plastiques.</figcaption></figure>

Le nom *Axlotl Temple* est issu des livres de la société et ce temple est présent sur la carte géographique qui a été imaginée pour Warhammer, il se trouve dans ce qui peut être notre jungle Amazonienne. Il est le début d'un diorama en projet visant à représenter une armée de Seraphons (Hommes-Lézards) se battant contre des Elfes au sein de la Lustrie (Pays où réside les Seraphons, cet une jungle impénétrable remplie de temple en ruine et de cascade entourées par la végétation.). L'univers Warhammer appartient à un imaginaire, à un monde qui a fait l'objet de tout un travail, c'est un peu l'oeuvre d'une vie que de présenter sous forme définitive toutes ces figurines. Le diorama est le moyen le plus réaliste de concevoir un monde, que ce soit notre monde, notre Terre ou que ce soit un monde imaginaire. Bercé par cet imaginaire, la création de diorama rentre dans une pratique personnelle indissociable du reste des travaux personnels. Se représenter le monde, celui dans lequel nous vivons, est difficile, il y a tellement de troubles, tellement de personnes, tellement de choses, il est riche et varié. C'est pourquoi il est plus concevable de l'imaginer et de le figer par des souvenirs, des images, des vidéos, des dioramas. Au plus proche de la réalité, le diorama est aussi ce qu'il y a de plus proche des souvenirs et de l'imaginaire d'un esprit. Un esprit individuel et unique qui façonne nos pensées, qui façonne notre monde, notre histoire et notre vie, comme un diorama.

## b) Le diorama scientifique au service de l'art

Le musée, lieu emblématique de l'histoire du monde. C'est certainement le lieu culturel qui témoigne le plus de la construction de notre réalité et de notre histoire. Il est décuplé en plusieurs catégories, que ce soit le musée d'histoire, le mémorial, le musée d'art, le musée des sciences,
d'histoire naturelle... Tous deviennent de véritables vitrines à la vie. Le musée informe, instruit et redonne une vie à ce qui semble avoir disparu. On y retrouve toutes sortes d'objets, de découverte qui ont fait notre présent et qui feront sûrement notre futur. Bien qu'ils soient tous différents quant à leurs sujets, leurs modes de fonctionnement ou leurs façons de diffuser leurs recherches, les musées ont la même passion sur ce qu'ils peuvent donner au monde : des œuvres d'art, des pièces historiques, des meubles anciens, des fossiles, des photographies d'antan et même dans de nombreux cas, des dioramas.

Les dioramas dans les musées sont utilisés en guise de témoin, d'un projet en cours ou déjà réalisés, on pense notamment aux maquettes de certains bâtiments importants, des dioramas qui les placent dans un espace urbain. Il y a dans cette vision, une vraie fiction, un faux-semblant, une copie issue du réel afin de rendre compte d'une réalité aux spectateurs. Il y a une volonté de troubler, d'essayer de faire en sorte que ce que le monde voit, soit le plus fidèle à la réalité, le plus crédible. Le diorama s'inscrit comme un domaine important de la vie muséale. Par ce qu'il apporte en matière d'information, de réappropriation, de vision d'une espèce, d'un lieu ou d'un objet.

En 2017, Alexandre Parrs sort un article en anglais intitulé : « *Such goodhearted people: Dioramas in the Nubia Museum of Aswan*<fnref n="52" />. » Il raconte dans cet article, qu'il a pu visiter le musée de Nubie d'Assouan en Égypte et qu'il fût fasciné par les dioramas présents à l'intérieur ainsi que leurs enjeux sur la société et la vie du peuple Nubien dont les dioramas représentaient les architectures et la vie de ce peuple. Il faut savoir que les Nubiens ont dû fuir leurs foyers suite à l'inondation de leurs villages à cause de la construction d'un haut barrage sur le Nil en 1960. Ce barrage permettait d'affirmer l'indépendance de l'Égypte sur l'Europe. Il a submergé la plupart des villages de ce peuple.

> Dans une discussion que j'ai eue cette semaine-là avec le directeur du Musée, Ossama Meguid, il a décrit les dioramas comme la partie préférée du Musée pour les visiteurs nubiens, parce que les scènes semblaient si réelles. Semblaient-ils si réels qu'ils pouvaient remplacer ou même servir à réinventer une réalité disparue? Cet article réfléchit sur les histoires multidimensionnelles que les dioramas ethnographiques nubiens racontent : des histoires de déplacement, de réinventions de traditions, des histoires de représentation d'une culture et, peut-être, des histoires d'autonomisation d'un groupe sacrifié.

Les enjeux que proposent les dioramas du musée d'Assouan sont donc très importants pour l'histoire et la vie du peuple Nubien. L'enjeu historique, ce peuple qui s'est vu sacrifié pour l'indépendance du pays dans lequel ils vivaient prospèrement depuis des siècles. Leurs temples, leurs monuments, symbolse de leur histoire et de celle de l'Égypte, ont été eux aussi délocalisés, et parfois même envoyés dans des musées de différents pays à travers le monde. Il u eu une translocation des

<footnote n="52">52 « Such goodhearted people: *Dioramas in the Nubia Museum of Aswan* »; Alexandra Parrs; dans Autrepart, 2017/4 (n°84), pages 129 à 144.</footnote>
d'histoire naturelle... Tous deviennent de véritables vitrines à la vie. Le musée informe, instruit et redonne une vie à ce qui semble avoir disparu. On y retrouve toutes sortes d'objets, de découverte qui ont fait notre présent et qui feront sûrement notre futur. Bien qu'ils soient tous différents quant à leurs sujets, leurs modes de fonctionnement ou leurs façons de diffuser leurs recherches, les musées ont la même passion sur ce qu'ils peuvent donner au monde : des œuvres d'art, des pièces historiques, des meubles anciens, des fossiles, des photographies d'antan et même dans de nombreux cas, des dioramas.

Les dioramas dans les musées sont utilisés en guise de témoin, d'un projet en cours ou déjà réalisés, on pense notamment aux maquettes de certains bâtiments importants, des dioramas qui les placent dans un espace urbain. Il y a dans cette vision, une vraie fiction, un faux-semblant, une copie issue du réel afin de rendre compte d'une réalité aux spectateurs. Il y a une volonté de troubler, d'essayer de faire en sorte que ce que le monde voit, soit le plus fidèle à la réalité, le plus crédible. Le diorama s'inscrit comme un domaine important de la vie muséale. Par ce qu'il apporte en matière d'information, de réappropriation, de vision d'une espèce, d'un lieu ou d'un objet.

En 2017, Alexandre Parrs sort un article en anglais intitulé : « *Such goodhearted people: Dioramas in the Nubia Museum of Aswan*<fnref n="52" />. » Il raconte dans cet article, qu'il a pu visiter le musée de Nubie d'Assouan en Égypte et qu'il fût fasciné par les dioramas présents à l'intérieur ainsi que leurs enjeux sur la société et la vie du peuple Nubien dont les dioramas représentaient les architectures et la vie de ce peuple. Il faut savoir que les Nubiens ont dû fuir leurs foyers suite à l'inondation de leurs villages à cause de la construction d'un haut barrage sur le Nil en 1960. Ce barrage permettait d'affirmer l'indépendance de l'Égypte sur l'Europe. Il a submergé la plupart des villages de ce peuple.

> Dans une discussion que j'ai eue cette semaine-là avec le directeur du Musée, Ossama Meguid, il a décrit les dioramas comme la partie préférée du Musée pour les visiteurs nubiens, parce que les scènes semblaient si réelles. Semblaient-ils si réels qu'ils pouvaient remplacer ou même servir à réinventer une réalité disparue? Cet article réfléchit sur les histoires multidimensionnelles que les dioramas ethnographiques nubiens racontent : des histoires de déplacement, de réinventions de traditions, des histoires de représentation d'une culture et, peut-être, des histoires d'autonomisation d'un groupe sacrifié.

Les enjeux que proposent les dioramas du musée d'Assouan sont donc très importants pour l'histoire et la vie du peuple Nubien. L'enjeu historique, ce peuple qui s'est vu sacrifié pour l'indépendance du pays dans lequel ils vivaient prospèrement depuis des siècles. Leurs temples, leurs monuments, symbolse de leur histoire et de celle de l'Égypte, ont été eux aussi délocalisés, et parfois même envoyés dans des musées de différents pays à travers le monde. Il u eu une translocation des

<footnote n="52">52 « Such goodhearted people: Dioramas in the Nubia Museum of Aswan »; Alexandra Parrs; dans Autrepart, 2017/4 (n°84), pages 129 à 144.</footnote>
monuments Les dioramas présent étaient parfois sujets à controverses, ils étaient enlevés, démontés car ils ne témoignaient pas vraiment d'une réalité mais caricaturaient le passé. Les descendants du peuple Nubien ne reconnaissaient pas forcément leur histoire et voulaient que leurs enfants, héritiers des traditions de la Nubie, puissent s'identifier et grandir avec les images du passé de leurs ancêtres. Il y eut un vrai enjeu social pour les dioramas, ils étaient les seuls témoins du passé. Le fait est qu'aujourd'hui les dioramas créés et suivis par des chercheurs, des savants, des archéologues spécialistes du sujet recréer un engouement et une nouvelle crédibilité aux souvenirs de ce peuple présenté dans le musée.

> Il est très émouvant de voir les personnes âgées essayer de lire toutes les étiquettes de l'exposition intérieure, en espérant également trouver de vieux artéfacts provenant de leur région natale, ou d'expliquer à leurs petits-enfants les détails de la vie quotidienne qui sont maintenant si rapidement en évolution.

Les dioramas donnent un rôle crucial aux maisons nubiennes car la plupart des scènes recréées se déroulent devant une maison nubienne décorée. Les maisons sont installées à côté du Nil et elles sont décorées de manière traditionnelle.

<figure><img src="image_45.png" /><figcaption>Diorama du musée Nubien d'Assouan.</figcaption></figure>

Les dioramas du musée d'Assouan ont aussi un rôle très important dans re-territorialisation symbolique de la Nubie, en effet par ces archives que sont ces dioramas, le peuple Nubien peut situer et contextualiser l'espace dans lequel on évolué leur peuple. À présent comme barricadé sur une île au milieu du Nil, les Nubiens par les dioramas peuvent constater la grandeur du royaume qui était le leur. Ils peuvent aussi se retrouver dans la manière dont sont faites les habitations, ils retrouvent les décorations traditionnelles et les formes que prenaient leurs habitations. Grâce aux
monuments Les dioramas présent étaient parfois sujets à controverses, ils étaient enlevés, démontés car ils ne témoignaient pas vraiment d'une réalité mais caricaturaient le passé. Les descendants du peuple Nubien ne reconnaissaient pas forcément leur histoire et voulaient que leurs enfants, héritiers des traditions de la Nubie, puissent s'identifier et grandir avec les images du passé de leurs ancêtres. Il y eut un vrai enjeu social pour les dioramas, ils étaient les seuls témoins du passé. Le fait est qu'aujourd'hui les dioramas créés et suivis par des chercheurs, des savants, des archéologues spécialistes du sujet recréer un engouement et une nouvelle crédibilité aux souvenirs de ce peuple présenté dans le musée.

> Il est très émouvant de voir les personnes âgées essayer de lire toutes les étiquettes de l'exposition intérieure, en espérant également trouver de vieux artéfacts provenant de leur région natale, ou d'expliquer à leurs petits-enfants les détails de la vie quotidienne qui sont maintenant si rapidement en évolution.

Les dioramas donnent un rôle crucial aux maisons nubiennes car la plupart des scènes recréées se déroulent devant une maison nubienne décorée. Les maisons sont installées à côté du Nil et elles sont décorées de manière traditionnelle.

<figure><img src="image_44.png" /><figcaption>Diorama du musée Nubien d'Assouan.</figcaption></figure>

Les dioramas du musée d'Assouan ont aussi un rôle très important dans re-territorialisation symbolique de la Nubie, en effet par ces archives que sont ces dioramas, le peuple Nubien peut situer et contextualiser l'espace dans lequel on évolué leur peuple. À présent comme barricadé sur une île au milieu du Nil, les Nubiens par les dioramas peuvent constater la grandeur du royaume qui était le leur. Ils peuvent aussi se retrouver dans la manière dont sont faites les habitations, ils retrouvent les décorations traditionnelles et les formes que prenaient leurs habitations. Grâce aux
dioramas, tout un peuple retrouve son histoire, son territoire et ses souvenirs qui fût submergés par les eaux. On voit, après cet argumentaire, que le rôle du diorama dans un musée, surtout comme celui d'Assouan consacré au peuple de la Nubie, est devenu plus qu'une simple représentation de la réalité. Il est devenu une réalité pour certains, la seule trace de la réalité qui est encore visible. Il est plus difficile de s'imaginer un endroit s'il n'est pas décrit finement. Une image, une photographie ne rend pas forcément compte de tout un lieu, avec ses détails et ses richesses. Le diorama permet cette perception totale du lieu physique, car il est physiquement là, devant nos yeux. L'ambition des dioramas de ce musée va au-delà de la retranscription, il va dans l'introspection et se heurte aux souvenirs, aux vies de ce peuple. Le diorama suggère une renaissance, une sorte d'espoir. L'image que l'on conçoit est celle qui est montrée et après tout il n'y a pas d'opposition à cette vérité car tout ce que l'on sait sur les ruines de ce peuple déchu est présenté sous la forme de diorama. Pour le musée d'Assouan, le diorama est non seulement une représentation, une copie exacte d'une ancienne réalité. Il n'est plus représentation l'exacte vision de la réalité de ce peuple qui se retrouve au travers du diorama. Et il est intéressant de constater les différences de perception du diorama dans l'espace du musée, il faut rappeler que le musée est l'endroit même de la vérité. Or, il est certain que l'on voit certainement autant de copie, de représentation que de réalité dans un musée.

<figure><img src="image_46.png" /><figcaption>Autre diorama du musée Nubien d'Assouan.</figcaption></figure>

Pour les Nubiens la réalité de leur patrimoine sont ces dioramas. Dans un musée d'Histoire, un mémorial de la Première ou de la Seconde Guerre Mondiale, le spectateur confronté à un diorama représentant une scène de bataille sur un terrain rempli de décor et de figurines de soldats mis en scène pour l'affrontement. Ce spectateur est certain qu'il ne s'agit pas d'une véritable scène de guerre mais d'une maquette, d'une copie de l'histoire, tout à été construit pour que cela ressemble à un épisode de la guerre. Il y a une tension idéologique entre l'impression d'une véracité et la véridicité du musée et les interprétations qui peuvent en être faites par les spectateurs. Or s'il vient dans un
dioramas, tout un peuple retrouve son histoire, son territoire et ses souvenirs qui fût submergés par les eaux. On voit, après cet argumentaire, que le rôle du diorama dans un musée, surtout comme celui d'Assouan consacré au peuple de la Nubie, est devenu plus qu'une simple représentation de la réalité. Il est devenu une réalité pour certains, la seule trace de la réalité qui est encore visible. Il est plus difficile de s'imaginer un endroit s'il n'est pas décrit finement. Une image, une photographie ne rend pas forcément compte de tout un lieu, avec ses détails et ses richesses. Le diorama permet cette perception totale du lieu physique, car il est physiquement là, devant nos yeux. L'ambition des dioramas de ce musée va au-delà de la retranscription, il va dans l'introspection et se heurte aux souvenirs, aux vies de ce peuple. Le diorama suggère une renaissance, une sorte d'espoir. L'image que l'on conçoit est celle qui est montrée et après tout il n'y a pas d'opposition à cette vérité car tout ce que l'on sait sur les ruines de ce peuple déchu est présenté sous la forme de diorama. Pour le musée d'Assouan, le diorama est non seulement une représentation, une copie exacte d'une ancienne réalité. Il n'est plus représentation l'exacte vision de la réalité de ce peuple qui se retrouve au travers du diorama. Et il est intéressant de constater les différences de perception du diorama dans l'espace du musée, il faut rappeler que le musée est l'endroit même de la vérité. Or, il est certain que l'on voit certainement autant de copie, de représentation que de réalité dans un musée.

<figure><img src="image_45.png" /><figcaption>Autre diorama du musée Nubien d'Assouan.</figcaption></figure>

Pour les Nubiens la réalité de leur patrimoine sont ces dioramas. Dans un musée d'Histoire, un mémorial de la Première ou de la Seconde Guerre Mondiale, le spectateur confronté à un diorama représentant une scène de bataille sur un terrain rempli de décor et de figurines de soldats mis en scène pour l'affrontement. Ce spectateur est certain qu'il ne s'agit pas d'une véritable scène de guerre mais d'une maquette, d'une copie de l'histoire, tout à été construit pour que cela ressemble à un épisode de la guerre. Il y a une tension idéologique entre l'impression d'une véracité et la véridicité du musée et les interprétations qui peuvent en être faites par les spectateurs. Or s'il vient dans un
lieu comme le musée, le spectateur est certain qu'il va être informé de ce qui s'est réellement passé, et c'est là toute la contradiction. Il est certain que ce qu'il voit est une représentation cependant il est aussi certain que cela a eu lieu et que la façon dont sont disposés les personnages, les bâtiments reflète avec exactitude la scène qui s'est déroulait durant la guerre. Reconstituer une scène dans ses pensées amène à l'acceptation d'une idée, qui transforme le doute en révélation, la question n'est plus: Est-ce vrai ? Est-ce faux ? Mais cela se transforme en une affirmation: cela doit être vrai ! Et c'est dans ce sens que la perception du diorama se comprend. Il créer le lien parfait entre réalité et doute. L'espace du musée apporte donc un vrai tremplin au diorama qui devient un objet culte de cet espace, il y a une redondance de ce médium car il est, sans doute, l'objet de représentation le plus proche de la réalité.

Que ce soit pour l'aspect éducatif, ludique ou encore pour sa disposition, sa mise en scène, le diorama est certainement la pièce la plus importante d'un musée, il est le témoin le plus représentatif de l'histoire de la muséographie et de la vision de ce que doit être l'histoire dans tous ses aspects. L'histoire du diorama est indissociable de la nôtre, il est la reconstitution de situation qui font parties de l'histoire de notre monde.

Par le biais du diorama, et de par leurs utilités au sein de la reconstitution de la réalité, les artistes contemporains ainsi que les historiens de l'art ce sont approprié le modèle du diorama pour en faire une œuvre d'art mais aussi, en faire une recherche à part entière de l'histoire de l'art.

Le diorama est donc devenu pour certain, une œuvre d'art, il est le témoin direct de la réalité. À travers la photographie, la construction de diorama, la modélisation et la théorie, les artistes et théoriciens de l'art ont su expérimenter et sublimer le diorama. Il représente le moyen le plus crédible pour atteindre une réalité et faire passer une émotion, car de par sa présence et son histoire, le diorama est un facteur important dans l'inspiration d'un artiste en quête de reproduction de la réalité. Il y a une fascination exercée sur ces modélisations et ces modes de représentation. C'est un divertissement, il y a une dimension spectaculaire et théâtrale pour ce type de représentation. Au-delà de cette recherche, certains protagonistes se sont intéressés à la fabrication même du diorama et du travail minutieux qu'il imposait. Noémie Étienne, historienne de l'art et professeure à l'institut d'histoire de l'art de l'Université de Berne en Suisse a consacré un ouvrage sur les dioramas de Franz Boas et d'Arthur C. Parker<fnref n="53" />. Ces dioramas sont des dioramas anthropologiques créés par les deux hommes et qui ont été exposés au Museum d'histoire naturelle de New York ainsi qu'au Musée d'histoire naturelle de l'État de New York, ce sont les premiers dioramas visibles en musée qui sont

<footnote n="53">53 Les autres et les ancêtres. Les dioramas de Franz Boas et d'Arthur C. Parker à New York, Noémie Étienne, Les Presses du réel, coll. « Oeuvres en sociétés », Dijon, 2020, 343 pages.</footnote>
lieu comme le musée, le spectateur est certain qu'il va être informé de ce qui s'est réellement passé, et c'est là toute la contradiction. Il est certain que ce qu'il voit est une représentation cependant il est aussi certain que cela a eu lieu et que la façon dont sont disposés les personnages, les bâtiments reflète avec exactitude la scène qui s'est déroulait durant la guerre. Reconstituer une scène dans ses pensées amène à l'acceptation d'une idée, qui transforme le doute en révélation, la question n'est plus: Est-ce vrai ? Est-ce faux ? Mais cela se transforme en une affirmation: cela doit être vrai ! Et c'est dans ce sens que la perception du diorama se comprend. Il créer le lien parfait entre réalité et doute. L'espace du musée apporte donc un vrai tremplin au diorama qui devient un objet culte de cet espace, il y a une redondance de ce médium car il est, sans doute, l'objet de représentation le plus proche de la réalité.

Que ce soit pour l'aspect éducatif, ludique ou encore pour sa disposition, sa mise en scène, le diorama est certainement la pièce la plus importante d'un musée, il est le témoin le plus représentatif de l'histoire de la muséographie et de la vision de ce que doit être l'histoire dans tous ses aspects. L'histoire du diorama est indissociable de la nôtre, il est la reconstitution de situation qui font parties de l'histoire de notre monde.

Par le biais du diorama, et de par leurs utilités au sein de la reconstitution de la réalité, les artistes contemporains ainsi que les historiens de l'art ce sont approprié le modèle du diorama pour en faire une œuvre d'art mais aussi, en faire une recherche à part entière de l'histoire de l'art.

Le diorama est donc devenu pour certain, une œuvre d'art, il est le témoin direct de la réalité. À travers la photographie, la construction de diorama, la modélisation et la théorie, les artistes et théoriciens de l'art ont su expérimenter et sublimer le diorama. Il représente le moyen le plus crédible pour atteindre une réalité et faire passer une émotion, car de par sa présence et son histoire, le diorama est un facteur important dans l'inspiration d'un artiste en quête de reproduction de la réalité. Il y a une fascination exercée sur ces modélisations et ces modes de représentation. C'est un divertissement, il y a une dimension spectaculaire et théâtrale pour ce type de représentation. Au-delà de cette recherche, certains protagonistes se sont intéressés à la fabrication même du diorama et du travail minutieux qu'il imposait. Noémie Étienne, historienne de l'art et professeure à l'institut d'histoire de l'art de l'Université de Berne en Suisse a consacré un ouvrage sur les dioramas de Franz Boas et d'Arthur C. Parker<fnref n="53" />. Ces dioramas sont des dioramas anthropologiques créés par les deux hommes et qui ont été exposés au Museum d'histoire naturelle de New York ainsi qu'au Musée d'histoire naturelle de l'État de New York, ce sont les premiers dioramas visibles en musée qui sont

<footnote n="53">53 Les autres et les ancêtres. Les dioramas de Franz Boas et d'Arthur C. Parker à New York, Noémie Étienne, Les Presses du réel, coll. « Oeuvres en sociétés », Dijon, 2020, 343 pages.</footnote>
à l'origine de l'expansion du diorama au sein des musées. Dans les années 1900, une nouvelle façon d'exposer se distingue dans les musées, le diorama regroupe l'aspect réel d'un sujet et d'une scène ainsi que l'art de créer un espace fictionnel grandeur nature. L'art, l'anthropologie et les sciences naturelles regroupées sous une seule bannière, l'étude des tous premiers dioramas qui vont être exposés aux yeux du monde vont fasciner la professeure en histoire de l'art qui va voir en ces créations, un nouveau moyen d'exposition mais aussi un nouveau moyen de créer. Les créateurs de ces dioramas sont des experts en histoire et en civilisation humaine, Franz Boas est un anthropologue allemand et Arthur C. Parker est un archéologue d'origine iroquoise-sénéca spécialisé dans les peuples autochtones. La façon dont ils ont réalisés les statues, les figurines géantes d'humains Amérindiens a conquis les artistes et les scientifiques, dans un premier temps, leurs vision, leur expérience et leurs connaissances sur le sujet, la sculpture réalisée le plus fidèlement possible, le moulage, la peinture, les détails vestimentaires, les outils, les armes et bien d'autres éléments. À la base ces dioramas étaient aussi bien anthropologiques que politiques, il s'agissait de faire constater la richesse d'un peuple autrefois décimé. Le temps semble donc s'arrêter dans l'espace même du musée et les spectateurs sont pris entre fiction et histoire du passé, et le fait que cette sorte d'altérité créée par le diorama sur l'esprit d'un spectateur va particulièrement stimuler certains artistes qui vont voir en cette manière de rendre compte, une opportunité artistique visant à faire ressentir autre chose au spectateur, comme une sorte de souvenir incontrôlé.

Les archives qu'ont créées ces chercheurs font sens dans l'histoire de la représentation, dans l'esthétisme de l'art américain et qui ont su recréer l'histoire des premières civilisations américaine avec un nouveau regard, celui du diorama. Noémie Étienne a passé plusieurs années dans les coulisses et dans les galeries des musées américains afin d'affiner sa recherche. Comme sur l'étude d'un artiste où chaque toile, chaque esquisse, chaque objet est minutieusement examiné afin de publier un récit inédit et concret du travail d'un artiste. La professeure a réalisé des recherches pointues pour arriver à son but et ainsi témoigner d'un grand récit qu'est celui de la création du diorama dans les musées américains. Les scientifiques, les artistes et les personnes qui dirigent l'espace d'un musée se sont liés afin de proposer une nouvelle mise en scène de l'histoire dans le lieu que représente le musée. De plus le livre propose une véritable vision sur les collections ethnographiques des musées, sur l'époque colonialisme, des débats encore actuels aujourd'hui dans tous les domaines de notre société. En retraçant le parcours du diorama des musées nord-américain, Noémie Étienne montre le tournant qui a été créé par ce dispositif, ainsi que toutes les interrogations qu'il a posées. Franz Boas, le créateur des dioramas du musée de New York a pour but avec ce diorama de faire évoluer la partie éducative et informative du musée avec des créations
à l'origine de l'expansion du diorama au sein des musées. Dans les années 1900, une nouvelle façon d'exposer se distingue dans les musées, le diorama regroupe l'aspect réel d'un sujet et d'une scène ainsi que l'art de créer un espace fictionnel grandeur nature. L'art, l'anthropologie et les sciences naturelles regroupées sous une seule bannière, l'étude des tous premiers dioramas qui vont être exposés aux yeux du monde vont fasciner la professeure en histoire de l'art qui va voir en ces créations, un nouveau moyen d'exposition mais aussi un nouveau moyen de créer. Les créateurs de ces dioramas sont des experts en histoire et en civilisation humaine, Franz Boas est un anthropologue allemand et Arthur C. Parker est un archéologue d'origine iroquoise-sénéca spécialisé dans les peuples autochtones. La façon dont ils ont réalisés les statues, les figurines géantes d'humains Amérindiens a conquis les artistes et les scientifiques, dans un premier temps, leurs vision, leur expérience et leurs connaissances sur le sujet, la sculpture réalisée le plus fidèlement possible, le moulage, la peinture, les détails vestimentaires, les outils, les armes et bien d'autres éléments. À la base ces dioramas étaient aussi bien anthropologiques que politiques, il s'agissait de faire constater la richesse d'un peuple autrefois décimé. Le temps semble donc s'arrêter dans l'espace même du musée et les spectateurs sont pris entre fiction et histoire du passé, et le fait que cette sorte d'altérité créée par le diorama sur l'esprit d'un spectateur va particulièrement stimuler certains artistes qui vont voir en cette manière de rendre compte, une opportunité artistique visant à faire ressentir autre chose au spectateur, comme une sorte de souvenir incontrôlé.

Les archives qu'ont créées ces chercheurs font sens dans l'histoire de la représentation, dans l'esthétisme de l'art américain et qui ont su recréer l'histoire des premières civilisations américaine avec un nouveau regard, celui du diorama. Noémie Étienne a passé plusieurs années dans les coulisses et dans les galeries des musées américains afin d'affiner sa recherche. Comme sur l'étude d'un artiste où chaque toile, chaque esquisse, chaque objet est minutieusement examiné afin de publier un récit inédit et concret du travail d'un artiste. La professeure a réalisé des recherches pointues pour arriver à son but et ainsi témoigner d'un grand récit qu'est celui de la création du diorama dans les musées américains. Les scientifiques, les artistes et les personnes qui dirigent l'espace d'un musée se sont liés afin de proposer une nouvelle mise en scène de l'histoire dans le lieu que représente le musée. De plus le livre propose une véritable vision sur les collections ethnographiques des musées, sur l'époque colonialisme, des débats encore actuels aujourd'hui dans tous les domaines de notre société. En retraçant le parcours du diorama des musées nord-américain, Noémie Étienne montre le tournant qui a été créé par ce dispositif, ainsi que toutes les interrogations qu'il a posées. Franz Boas, le créateur des dioramas du musée de New York a pour but avec ce diorama de faire évoluer la partie éducative et informative du musée avec des créations
ludiques et accessibles à chaque individu, de plus le contexte de l'époque accélère l'américanisation du musée, et la fierté de l'appropriation du même ancêtre, en l'occurrence, l'amérindien. Les Américains voient leur histoire ainsi que son évolution et les immigrés qui arrivent dans le " nouveau monde" peuvent se rendre compte de l'histoire de leur nouveau pays. En plus du contexte artistique, le diorama va jouer sur la mémoire et le contexte social et politique de l'Amérique. Dans une autre finalité Arthur C. Parker, le créateur des dioramas du musée de l'État de New York va lui insister sur le fait de réintroduire dans la mémoire collective, le lourd passé américain et mettre en avant les peuples traditionnels non pas pour créer un ancêtre commun mais pour revaloriser ces peuples dont il est le légitime héritier. D'origine amérindienne et partisan des droits de ce peuple, il voit à travers les dioramas un moyen de recréer l'histoire et d'apporter une nouvelle vision quant à l'immense culture que possédaient et possèdes toujours ses ancêtres.

Ouvrage très important dans l'histoire du diorama et dans l'histoire des musées américains, il apporte aussi un caractère politique, social, et historique tout en passant par l'aspect artistique du diorama. Il regroupe donc tous les éléments d'un recueil unique sur la pratique du diorama et sur ses enjeux au sein d'une société. Noémie Étienne retranscrit avec exactitude le rôle du diorama, entre art et histoire. Noémie Étienne fut possée au-delà de ses expériences précédentes, elle fut transportée dans l'art du diorama, dans l'ébauche d'une société et dans la création de l'histoire d'un peuple.

Le diorama s'inscrit donc dans le milieu de l'art contemporain grâce à son histoire et sa polyvalence, le procédé, qui demande un grand travail de reconstitution et de pratique, à su bouleverser une fois de plus l'histoire d'un espace. Effectivement, il a donné un nouveau souffle à l'exposition dans un musée et il s'est vu attribuer une exposition dans certains grands lieux de l'art contemporain.

Auparavant le diorama servait l'espace du musée et il vient à présent remplir les galeries d'exposition de centre d'art. En 2017, le Palais de Tokyo, à Paris, en collaboration avec la Shirn Kunsthalle de Francfort, organise une exposition intitulée : *Dioramas*<fnref n="54" />. Un exposition qui vient élever le diorama au rang d'oeuvre d'art. Cette pratique inédite des artistes contemporains et cet engouement nouveau pour le diorama a inscrit cette exposition dans une nouvelle approche de l'art contemporain. Dans cette exposition tous les domaines qui inspirent le diorama se croisent, l'art, le cinéma, l'histoire et l'histoire des sciences naturelles. À la poursuite des différentes facettes de l'art, le Palais de Tokyo fait appel à Claire Garnier, Laurent Le Bon, Katharina Dhom et Florence Ostende, commissaires d'exposition et scénographes, afin de percer les mystères du diorama et de le faire entrer dans le monde de l'art au sein de l'espace d'exposition du lieu.

<footnote n="54">54 *Dioramas*, Katharina Dohm, Claire Garnier, Laurent Le Bon, Flammarion, 2017, 348 pages. Catalogue d'exposition</footnote>
ludiques et accessibles à chaque individu, de plus le contexte de l'époque accélère l'américanisation du musée, et la fierté de l'appropriation du même ancêtre, en l'occurrence, l'amérindien. Les Américains voient leur histoire ainsi que son évolution et les immigrés qui arrivent dans le " nouveau monde" peuvent se rendre compte de l'histoire de leur nouveau pays. En plus du contexte artistique, le diorama va jouer sur la mémoire et le contexte social et politique de l'Amérique. Dans une autre finalité Arthur C. Parker, le créateur des dioramas du musée de l'État de New York va lui insister sur le fait de réintroduire dans la mémoire collective, le lourd passé américain et mettre en avant les peuples traditionnels non pas pour créer un ancêtre commun mais pour revaloriser ces peuples dont il est le légitime héritier. D'origine amérindienne et partisan des droits de ce peuple, il voit à travers les dioramas un moyen de recréer l'histoire et d'apporter une nouvelle vision quant à l'immense culture que possédaient et possèdes toujours ses ancêtres.

Ouvrage très important dans l'histoire du diorama et dans l'histoire des musées américains, il apporte aussi un caractère politique, social, et historique tout en passant par l'aspect artistique du diorama. Il regroupe donc tous les éléments d'un recueil unique sur la pratique du diorama et sur ses enjeux au sein d'une société. Noémie Étienne retranscrit avec exactitude le rôle du diorama, entre art et histoire. Noémie Étienne fut possée au-delà de ses expériences précédentes, elle fut transportée dans l'art du diorama, dans l'ébauche d'une société et dans la création de l'histoire d'un peuple.

Le diorama s'inscrit donc dans le milieu de l'art contemporain grâce à son histoire et sa polyvalence, le procédé, qui demande un grand travail de reconstitution et de pratique, à su bouleverser une fois de plus l'histoire d'un espace. Effectivement, il a donné un nouveau souffle à l'exposition dans un musée et il s'est vu attribuer une exposition dans certains grands lieux de l'art contemporain.

Auparavant le diorama servait l'espace du musée et il vient à présent remplir les galeries d'exposition de centre d'art. En 2017, le Palais de Tokyo, à Paris, en collaboration avec la Shirn Kunsthalle de Francfort, organise une exposition intitulée : *Dioramas*<fnref n="54" />. Un exposition qui vient élever le diorama au rang d'oeuvre d'art. Cette pratique inédite des artistes contemporains et cet engouement nouveau pour le diorama a inscrit cette exposition dans une nouvelle approche de l'art contemporain. Dans cette exposition tous les domaines qui inspirent le diorama se croisent, l'art, le cinéma, l'histoire et l'histoire des sciences naturelles. À la poursuite des différentes facettes de l'art, le Palais de Tokyo fait appel à Claire Garnier, Laurent Le Bon, Katharina Dhom et Florence Ostende, commissaires d'exposition et scénographes, afin de percer les mystères du diorama et de le faire entrer dans le monde de l'art au sein de l'espace d'exposition du lieu.

<footnote n="54">54 *Dioramas*, Katharina Dohm, Claire Garnier, Laurent Le Bon, Flammarion, 2017, 348 pages. Catalogue d'exposition</footnote>
<figure><img src="image_47.png" /><figcaption>Man with buffalo, 2007,</figcaption></figure>

Autant de caractéristique qui font du diorama un modèle de création idéale dans le terrain de jeu d'un artiste. L'écrivain Honoré de Balzac parlait du diorama comme " la merveille du siècle "<fnref n="55" />. Et même si cette " merveille" assume son caractère illusionniste, elle n'en est pas moins une source d'information historique unique et exceptionnelle. L'artifice qu'est le diorama plonge le spectateur dans un monde qui est le sien mais dans lequel il ne peut voir toutes les facettes, c'est ainsi que le diorama donne du sens à l'histoire du monde, en présentant la représentation d'une chose qui peut être inaccessible. Plus de cinquante artistes et passionnés de dioramas à travers le temps ont participé à cette exposition. Du 14 juin au 10 septembre 2017, le Palais de Tokyo a donc réussi à transmettre la source d'inspiration qu'est le diorama, l'exposition a su traverser l'histoire du dispositif et de sa technique, des tableaux animés en passant par la taxidermie ou les maquettes, le diorama est un point crucial de l'histoire du monde du musée mais aussi du monde de l'art. Ces œuvres venues du monde entier permettent aux spectateurs de se mettre à la place d'un concepteur de diorama, le programme conçu par le lieu d'exposition se veut chronologique. L'exposition se présente alors en plusieurs parties, abordant plusieurs thèmes, de plus ou moins grandes importances. Les dioramas les plus anciens, datant d'avant du 19ème siècle sont dans la première partie de l'exposition, des crèches, des mises en scène religieuses et des dispositifs semblables à ceux de Daguerre sont présents. Les dioramas naturels sont aussi un thème principal et constituent l'espace principal du lieu. Afin d'en savoir un peu plus sur les différentes techniques et sur l'histoire du diorama, des textes et des ressources visuelles sont exposées, des documents d'anthropologues

<footnote n="55">55 *Dioramas*, France Culture. www.franceculture.fr/evenement/dioramas</footnote>
<figure><img src="image_46.png" /><figcaption>Man with buffalo, 2007,</figcaption></figure>

Autant de caractéristique qui font du diorama un modèle de création idéale dans le terrain de jeu d'un artiste. L'écrivain Honoré de Balzac parlait du diorama comme " la merveille du siècle "<fnref n="55" />. Et même si cette " merveille" assume son caractère illusionniste, elle n'en est pas moins une source d'information historique unique et exceptionnelle. L'artifice qu'est le diorama plonge le spectateur dans un monde qui est le sien mais dans lequel il ne peut voir toutes les facettes, c'est ainsi que le diorama donne du sens à l'histoire du monde, en présentant la représentation d'une chose qui peut être inaccessible. Plus de cinquante artistes et passionnés de dioramas à travers le temps ont participé à cette exposition. Du 14 juin au 10 septembre 2017, le Palais de Tokyo a donc réussi à transmettre la source d'inspiration qu'est le diorama, l'exposition a su traverser l'histoire du dispositif et de sa technique, des tableaux animés en passant par la taxidermie ou les maquettes, le diorama est un point crucial de l'histoire du monde du musée mais aussi du monde de l'art. Ces œuvres venues du monde entier permettent aux spectateurs de se mettre à la place d'un concepteur de diorama, le programme conçu par le lieu d'exposition se veut chronologique. L'exposition se présente alors en plusieurs parties, abordant plusieurs thèmes, de plus ou moins grandes importances. Les dioramas les plus anciens, datant d'avant du 19ème siècle sont dans la première partie de l'exposition, des crèches, des mises en scène religieuses et des dispositifs semblables à ceux de Daguerre sont présents. Les dioramas naturels sont aussi un thème principal et constituent l'espace principal du lieu. Afin d'en savoir un peu plus sur les différentes techniques et sur l'histoire du diorama, des textes et des ressources visuelles sont exposées, des documents d'anthropologues

<footnote n="55">55 *Dioramas*, France Culture. www.franceculture.fr/evenement/dioramas</footnote>
ou de taxidermistes. Des photographies de diorama réalisées par des artistes accompagnent aussi les vitrines. Ensuite vient la section des dioramas anthropologiques, quelques variations de ces dispositifs sont présentes, certains artistes ont détourné ce sujet afin d'en soulever les véritables caractéristiques, notamment sur le point de vue colonialiste. Les spectateurs vont donc découvrir l'aspect humain du diorama. On voit donc aussi certains dioramas contemporains mêlant réalité et subterfuge du diorama, des dioramas créés par des artistes qui se sont servi du dispositif comme un atelier de création à grande échelle. Un film est aussi exposé, celui-ci se déroule à l'intérieur même de diorama, il s'agit du film *La Town*, de 2014 et réalisé par Cao Fei. L'exposition *Dioramas* démontre donc le potentiel que possède le diorama et plonge le spectateur dans son histoire et dans sa conception, il se rend ainsi compte de l'ampleur du dispositif sur le monde artistique et se retrouve débordé par le nombre de projets présents au Palais de Tokyo, entre art fiction et réalité du propos, le diorama a su s'attribuer lui-même une place prépondérante dans le travail artistique et cette exposition lui rend un parfait hommage.

La scène qui se déroule devient quasiment réelle, elle peut appartenir au réel, et de par sa captation par l'appareil photographique, elle est réelle. L'image qui est renvoyée est matériellement existante, et ce qu'on y voit peut l'être aussi. La photographie de diorama vient donc donner vie au diorama et Hiroshi Sugimoto va illustrer parfaitement le goût pour la captation de diorama.

Hiroshi Sugimoto est un photographe et un architecte japonais travaillant la plupart du temps à New York, et c'est dans cette ville que son histoire avec le diorama va commencer. Il arrive donc à New York en 1974 pour la première fois et décide de visiter les différents sites touristiques de la ville. Passage obligé par le Musée américain d'histoire naturelle qui constitue une attraction connue, il se retrouve nez à nez avec les dioramas animaliers. Au début, il n'est que peu impressionné et doute de l'efficacité visuelle du diorama et il juge ce dispositif à première vue, trop loin de la réalité.

Décidant de donner encore une chance au diorama il jette une fois de plus un coup d'oeil rapide avec l'un des deux yeux fermé et se rend compte que finalement si l'on regarde ce dispositif à la façon d'une caméra, tout peut sembler réel. Au travers de l'appareil photographique, il n'y a plus d'illusions, la scène se déroule devant nous. En partant du principe que l'appareil photographique ne présente que ce qui est réel, grâce au jeu qui se met en place entre réalité photographique et réalité du monde, par cette ambiguïté, Sugimoto démarre ses premières séries en noir et blanc sur les dioramas qu'il a appelés *Dioramas*, expérimentant ainsi le médium photographique et piégeant le spectateur sur la véracité de ce qui est montré sur les photos. Ours polaires, antilopes, animaux marins, vautours, cerfs et hommes préhistoriques sont mis en scène dans un diorama puis photographié par l'artiste pour alimenter la série d'oeuvres. Évidemment posés dans leurs milieux naturel, les animaux font que la scène retranscrit une réalité, et par la photographie et par le
ou de taxidermistes. Des photographies de diorama réalisées par des artistes accompagnent aussi les vitrines. Ensuite vient la section des dioramas anthropologiques, quelques variations de ces dispositifs sont présentes, certains artistes ont détourné ce sujet afin d'en soulever les véritables caractéristiques, notamment sur le point de vue colonialiste. Les spectateurs vont donc découvrir l'aspect humain du diorama. On voit donc aussi certains dioramas contemporains mêlant réalité et subterfuge du diorama, des dioramas créés par des artistes qui se sont servi du dispositif comme un atelier de création à grande échelle. Un film est aussi exposé, celui-ci se déroule à l'intérieur même de diorama, il s'agit du film *La Town*, de 2014 et réalisé par Cao Fei. L'exposition *Dioramas* démontre donc le potentiel que possède le diorama et plonge le spectateur dans son histoire et dans sa conception, il se rend ainsi compte de l'ampleur du dispositif sur le monde artistique et se retrouve débordé par le nombre de projets présents au Palais de Tokyo, entre art fiction et réalité du propos, le diorama a su s'attribuer lui-même une place prépondérante dans le travail artistique et cette exposition lui rend un parfait hommage.

La scène qui se déroule devient quasiment réelle, elle peut appartenir au réel, et de par sa captation par l'appareil photographique, elle est réelle. L'image qui est renvoyée est matériellement existante, et ce qu'on y voit peut l'être aussi. La photographie de diorama vient donc donner vie au diorama et Hiroshi Sugimoto va illustrer parfaitement le goût pour la captation de diorama.

Hiroshi Sugimoto est un photographe et un architecte japonais travaillant la plupart du temps à New York, et c'est dans cette ville que son histoire avec le diorama va commencer. Il arrive donc à New York en 1974 pour la première fois et décide de visiter les différents sites touristiques de la ville. Passage obligé par le Musée américain d'histoire naturelle qui constitue une attraction connue, il se retrouve nez à nez avec les dioramas animaliers. Au début, il n'est que peu impressionné et doute de l'efficacité visuelle du diorama et il juge ce dispositif à première vue, trop loin de la réalité.

Décidant de donner encore une chance au diorama il jette une fois de plus un coup d'oeil rapide avec l'un des deux yeux fermé et se rend compte que finalement si l'on regarde ce dispositif à la façon d'une caméra, tout peut sembler réel. Au travers de l'appareil photographique, il n'y a plus d'illusions, la scène se déroule devant nous. En partant du principe que l'appareil photographique ne présente que ce qui est réel, grâce au jeu qui se met en place entre réalité photographique et réalité du monde, par cette ambiguïté, Sugimoto démarre ses premières séries en noir et blanc sur les dioramas qu'il a appelés *Dioramas*, expérimentant ainsi le médium photographique et piégeant le spectateur sur la véracité de ce qui est montré sur les photos. Ours polaires, antilopes, animaux marins, vautours, cerfs et hommes préhistoriques sont mis en scène dans un diorama puis photographié par l'artiste pour alimenter la série d'oeuvres. Évidemment posés dans leurs milieux naturel, les animaux font que la scène retranscrit une réalité, et par la photographie et par le
diorama, l'instant vécu par ces animaux est capturé définitivement. La netteté des décors et des
détails peut surprendre, mais la scène surréaliste qui est montrée peut tout à fait être perçue comme
appartenant à la réalité de la vie sauvage. Le travail de l'artiste ne se limite pas à la photographie de
diorama, il doit le rendre le plus réaliste possible, la lumière, les effets cadrage et la qualité
photographique sont indispensables à la représentation du dispositif. L'ambiance, l'atmosphère
présente dans les photographies témoignent de l'aspect réaliste de l'image. Le premier regard est
perturbé et le sentiment de doute oblige le spectateur à regarder plus loin, à regarder au-delà de ce
qu'il voit.

<figure><img src="image_48.png" /></figure>

© Hiroshi Sugimoto: Dioramas

Toutes ces photographies ont donné lieu à un ouvrage appelé lui aussi Dioramas<fnref n="56" />, constituée de ces
images de diorama, la série d'oeuvres est ainsi présenté dans sa totalité. C'est donc épris de ces
dioramas naturalistes au côté desquels il a passé une partie de sa carrière qu'Hiroshi Sugimoto à
enjolivé le dispositif qu'est le diorama, son appareil pointé sur la mise en scène comme si elle se
déroulait dans la réalité, le sujet principal prend vie soudainement, et c'est par ce procédé que le
photographe persiste dans son enseignement sur la véracité et la crédibilité de l'image
photographique et le pouvoir de la photographie afin de créer ou de recréer l'histoire, et dans cette
perspective, diorama et photographie jouent sur le même tableau. Dans ce travail précis et aux
aspects visuels et techniques prochent de ses précédents travaux, Sugimoto se réinvente et réinvente
le diorama, non pas dans sa conception mais plutôt dans sa diffusion. Il arrive à donner vie à un
diorama à travers la photographie. Le diorama se sert de l'artiste pour devenir une œuvre d'art et

<footnote n="56">56 *Dioramas*, Hiroshi Sugimoto, Xavier Barral Eds, collection beaux livres, 2014, 118 pages.</footnote>
diorama, l'instant vécu par ces animaux est capturé définitivement. La netteté des décors et des
détails peut surprendre, mais la scène surréaliste qui est montrée peut tout à fait être perçue comme
appartenant à la réalité de la vie sauvage. Le travail de l'artiste ne se limite pas à la photographie de
diorama, il doit le rendre le plus réaliste possible, la lumière, les effets cadrage et la qualité
photographique sont indispensables à la représentation du dispositif. L'ambiance, l'atmosphère
présente dans les photographies témoignent de l'aspect réaliste de l'image. Le premier regard est
perturbé et le sentiment de doute oblige le spectateur à regarder plus loin, à regarder au-delà de ce
qu'il voit.

<figure><img src="image_47.png" /></figure>

© Hiroshi Sugimoto: Dioramas

Toutes ces photographies ont donné lieu à un ouvrage appelé lui aussi Dioramas<fnref n="56" />, constituée de ces
images de diorama, la série d'oeuvres est ainsi présenté dans sa totalité. C'est donc épris de ces
dioramas naturalistes au côté desquels il a passé une partie de sa carrière qu'Hiroshi Sugimoto à
enjolivé le dispositif qu'est le diorama, son appareil pointé sur la mise en scène comme si elle se
déroulait dans la réalité, le sujet principal prend vie soudainement, et c'est par ce procédé que le
photographe persiste dans son enseignement sur la véracité et la crédibilité de l'image
photographique et le pouvoir de la photographie afin de créer ou de recréer l'histoire, et dans cette
perspective, diorama et photographie jouent sur le même tableau. Dans ce travail précis et aux
aspects visuels et techniques prochent de ses précédents travaux, Sugimoto se réinvente et réinvente
le diorama, non pas dans sa conception mais plutôt dans sa diffusion. Il arrive à donner vie à un
diorama à travers la photographie. Le diorama se sert de l'artiste pour devenir une œuvre d'art et

<footnote n="56">56 *Dioramas*, Hiroshi Sugimoto, Xavier Barral Eds, collection beaux livres, 2014, 118 pages.</footnote>
l'artiste se sert du diorama pour créer une œuvre d'art. Hiroshi Sugimoto expérimente encore les différentes caractéristiques du diorama et superpose des couches de représentation en capturant les dioramas il sème le trouble dans l'esprit du spectateur et du critique d'art en figeant une scène qui fige le temps et la réalité et de ce fait la frontière entre fiction et réalité se trouble de plus en plus.
Le diorama est bel et bien une fiction artistique mais il est surtout un moyen de faire évoluer ou recréer une réalité.

Le diorama, bien intégré dans le milieu de l'art, devient un objet de création à part entière, il est exposé, photographié et l'on s'aperçoit que les artistes s'en servent comme d'un supplément indissociable de leur travail ou de leurs recherches. Dans certains cas, comme celui que nous allons traiter, le diorama n'est plus la source d'inspiration ou le modèle d'exposition, il est l'oeuvre de l'artiste. L'artiste va créer des dioramas et va pouvoir dévoiler son propre monde à travers le dispositif qu'est le diorama. Entre poésie et rigueur naturelle, les dioramas de Dominique Gonzalez-Foerster ont été créés à l'occasion d'une exposition entre septembre 2009 et avril 2010 à la DIA Art Foundation de New York<fnref n="57" />. L'artiste propose une juxtaposition de lieux sauvages et naturels différents : le désert aride, la forêt tropicale dense et humide mais aussi le fond de l'océan calme et paisible. La temporalité et les éléments du réel sont présents par le biais d'ouvrages, de livres et de pages altérées par le temps que l'artiste incère dans ces vitrines, des vitrines à échelle humaine semblable à des décors de théâtre.

Attirant le regard et immergeant le spectateur, les dioramas de Dominique Gonzalez-Foerster puisent leurs créations dans les célèbres dioramas du musée américain d'histoire naturelle de New York. Les paysages, les environnements présentés sont fidèles à la réalité, leur crédibilité fonctionne car la minutie du détail et la conception de ces paysages sont particulièrement réussis. L'illusion est parfaite, hors contexte, si l'on déplace ces dioramas derrière une fenêtre, il est fortement probable que nous pensions que ce qui se trouve à l'extérieur de la fenêtre fasse parti la réalité. La seule marque qui témoigne de la fiction, ce sont ses livres. Le but de ces dioramas merveilleux était de répondre à une question que l'artiste s'est posée : " Comment les livres survivront-ils ou disparaîtront-ils ? En passant par le diorama, Gonzalez-Foerster trouve une réponse et peut en donner une preuve, image parfaite de la vie d'un ouvrage.

<footnote n="57">57 Chronotopes & Dioramas: *Atlantic, Désert, Tropics*; Dominique Gonzalez-Foerster; du 23 Septembre 2009 au 18 Avril 2010; Dia Art Foundation, 2010, New York. Catalogue d'exposition.</footnote>
l'artiste se sert du diorama pour créer une œuvre d'art. Hiroshi Sugimoto expérimente encore les différentes caractéristiques du diorama et superpose des couches de représentation en capturant les dioramas il sème le trouble dans l'esprit du spectateur et du critique d'art en figeant une scène qui fige le temps et la réalité et de ce fait la frontière entre fiction et réalité se trouble de plus en plus.
Le diorama est bel et bien une fiction artistique mais il est surtout un moyen de faire évoluer ou recréer une réalité.

Le diorama, bien intégré dans le milieu de l'art, devient un objet de création à part entière, il est exposé, photographié et l'on s'aperçoit que les artistes s'en servent comme d'un supplément indissociable de leur travail ou de leurs recherches. Dans certains cas, comme celui que nous allons traiter, le diorama n'est plus la source d'inspiration ou le modèle d'exposition, il est l'oeuvre de l'artiste. L'artiste va créer des dioramas et va pouvoir dévoiler son propre monde à travers le dispositif qu'est le diorama. Entre poésie et rigueur naturelle, les dioramas de Dominique Gonzalez-Foerster ont été créés à l'occasion d'une exposition entre septembre 2009 et avril 2010 à la DIA Art Foundation de New York<fnref n="57" />. L'artiste propose une juxtaposition de lieux sauvages et naturels différents : le désert aride, la forêt tropicale dense et humide mais aussi le fond de l'océan calme et paisible. La temporalité et les éléments du réel sont présents par le biais d'ouvrages, de livres et de pages altérées par le temps que l'artiste incère dans ces vitrines, des vitrines à échelle humaine semblable à des décors de théâtre.

Attirant le regard et immergeant le spectateur, les dioramas de Dominique Gonzalez-Foerster puisent leurs créations dans les célèbres dioramas du musée américain d'histoire naturelle de New York. Les paysages, les environnements présentés sont fidèles à la réalité, leur crédibilité fonctionne car la minutie du détail et la conception de ces paysages sont particulièrement réussis. L'illusion est parfaite, hors contexte, si l'on déplace ces dioramas derrière une fenêtre, il est fortement probable que nous pensions que ce qui se trouve à l'extérieur de la fenêtre fasse parti la réalité. La seule marque qui témoigne de la fiction, ce sont ses livres. Le but de ces dioramas merveilleux était de répondre à une question que l'artiste s'est posée : " Comment les livres survivront-ils ou disparaîtront-ils ? En passant par le diorama, Gonzalez-Foerster trouve une réponse et peut en donner une preuve, image parfaite de la vie d'un ouvrage.

<footnote n="57">57 Chronotopes & Dioramas: Atlantic, Désert, Tropics; Dominique Gonzalez-Foerster; du 23 Septembre 2009 au 18 Avril 2010; Dia Art Foundation, 2010, New York. Catalogue d'exposition.</footnote>
<figure><img src="image_49.png" /><figcaption>*Chronotopes & Dioramas: Atlantic, Désert, Tropics*, Dominique Gonzalez-Foerster, 2009</figcaption></figure>

Dans un paysage créé de toutes pièces et ressemblant à ce qu'il y a de plus proche de la réalité, le livre ce consume dans la nature, par le climat de l'espace où il se trouve. On retrouve le motif du texte, du livre, dans l'espace d'exposition, grâce à des grandes " cartes littéraires " installées sur les murs de l'exposition et servant de lien au diorama<fnref n="58" />. Car à travers ces paysages et ces textes, l'artiste témoigne de ces voyages littéraires, entre admiration, fascination et interrogation. L'histoire de la littérature et du livre sont partie prenante de l'installation. Cette approche particulière du diorama vient de la notion de chronotope<fnref n="59" />, une notion essentielle à l'oeuvre de l'artiste, le nom de l'exposition reprend même cette notion: *Chronotopes & Dioramas: Atlantic, Désert, Tropics*. La notion de chronotope vient d'un historien de la littérature et théoricien russe du 20ème siècle, Mikhail Bakhtine, et cela exprime " la connectivité intrinsèque des relations temporelles et spatiales qui s'expriment artistiquement dans la littérature. " L'artiste a donc lié son travail artistique du diorama à sa passion pour la littérature. Ce qui est récurrent dans l'ensemble de son œuvre, notamment par le biais de films et d'installations. On voit que le diorama n'est pas seulement un prétexte à la création, une source d'inspiration. Il représente un travail artistique, théorique et poétique interprété par Dominique Gonzalez-Foerster. Entre espace du réel et temps, et grâce à l'intervention d'une notion qui lie l'art au roman, le rapport de l'artiste au diorama se fait naturellement. En effet, le diorama peut être un marqueur de temps et un symbole de réalité. Associé à la notion de chronotope qui fait de ces deux mots, temps et espace, l'intégralité des œuvres de cette exposition sont des pages ouvertes sur le monde et sur l'univers de l'artiste qui

<footnote n="58">58 Un des livres disposés dans le diorama est *Farentheigth 481* de Ray Bradbury.</footnote>

<footnote n="59">59 Le chronotope de Mikhail Bakhtine dans *Esthétique et théorie du roman*, notes essentielles, troisième étude: Formes du temps et du chronotope dans le roman, 1978, page 235.</footnote>
<figure><img src="image_48.png" /><figcaption>*Chronotopes & Dioramas: Atlantic, Désert, Tropics*, Dominique Gonzalez-Foerster, 2009</figcaption></figure>

Dans un paysage créé de toutes pièces et ressemblant à ce qu'il y a de plus proche de la réalité, le livre ce consume dans la nature, par le climat de l'espace où il se trouve. On retrouve le motif du texte, du livre, dans l'espace d'exposition, grâce à des grandes " cartes littéraires " installées sur les murs de l'exposition et servant de lien au diorama<fnref n="58" />. Car à travers ces paysages et ces textes, l'artiste témoigne de ces voyages littéraires, entre admiration, fascination et interrogation. L'histoire de la littérature et du livre sont partie prenante de l'installation. Cette approche particulière du diorama vient de la notion de chronotope<fnref n="59" />, une notion essentielle à l'oeuvre de l'artiste, le nom de l'exposition reprend même cette notion: *Chronotopes & Dioramas: Atlantic, Désert, Tropics*. La notion de chronotope vient d'un historien de la littérature et théoricien russe du 20ème siècle, Mikhail Bakhtine, et cela exprime " la connectivité intrinsèque des relations temporelles et spatiales qui s'expriment artistiquement dans la littérature. " L'artiste a donc lié son travail artistique du diorama à sa passion pour la littérature. Ce qui est récurrent dans l'ensemble de son œuvre, notamment par le biais de films et d'installations. On voit que le diorama n'est pas seulement un prétexte à la création, une source d'inspiration. Il représente un travail artistique, théorique et poétique interprété par Dominique Gonzalez-Foerster. Entre espace du réel et temps, et grâce à l'intervention d'une notion qui lie l'art au roman, le rapport de l'artiste au diorama se fait naturellement. En effet, le diorama peut être un marqueur de temps et un symbole de réalité. Associé à la notion de chronotope qui fait de ces deux mots, temps et espace, l'intégralité des œuvres de cette exposition sont des pages ouvertes sur le monde et sur l'univers de l'artiste qui

<footnote n="58">58 Un des livres disposés dans le diorama est *Farentheigth 481* de Ray Bradbury.</footnote>

<footnote n="59">59 Le chronotope de Mikhail Bakhtine dans *Esthétique et théorie du roman*, notes essentielles, troisième étude: Formes du temps et du chronotope dans le roman, 1978, page 235.</footnote>
propose un livre, une histoire en trois dimensions par le diorama. Le spectateur se retrouve alors au plus près des émotions de l'artiste, comme face à un diorama animalier ou à un diorama historique.

<figure><img src="image_50.png" /><figcaption>Chronotopes & Dioramas: *Atlantic, Désert, Tropics*; Dominique Gonzalez-Foerster, 2009</figcaption></figure>

Très proche du diorama, la maquette à aussi trouvée une place dans le travail de certains artistes. Que cela soit pour un projet esthétique, environnemental ou urbain, ces artistes ont fait de la maquette, ou du diorama des œuvres de représentation. Il n'en demeure pas moins vrai qu'il s'agit tout de même de la représentation d'une réalité. Le sujet dont ces maquettes traitent est une partie de notre réalité, non pas une scène qui se joue, mais plutôt une chose qui est montrée. C'est l'avantage de la maquette par rapport au diorama, elle permet plus de libertés dans la façon de mettre en scène son sujet, et elle n'est pas obligatoirement finie au sens propre. Mais elle reste crédible et réaliste.

Eva Jospin, depuis les années 2000, a fait du carton son matériau de prédilection. Très peu onéreux, malléable et léger, ce matériau n'est que peu utilisé dans l'art contemporain de l'époque, il est toutefois très utilisé en modélisme. En coupant et en assemblant ces différents bouts de carton et en leur donnant la forme de branches et de troncs d'arbres, l'artiste à créée à grande échelle une illusion de forêt impénétrable et dense qui se fige devant le spectateur.

<figure><img src="image_51.png" /></figure>
propose un livre, une histoire en trois dimensions par le diorama. Le spectateur se retrouve alors au plus près des émotions de l'artiste, comme face à un diorama animalier ou à un diorama historique.

<figure><img src="image_49.png" /><figcaption>Chronotopes & Dioramas: *Atlantic, Désert, Tropics*; Dominique Gonzalez-Foerster, 2009</figcaption></figure>

Très proche du diorama, la maquette à aussi trouvée une place dans le travail de certains artistes. Que cela soit pour un projet esthétique, environnemental ou urbain, ces artistes ont fait de la maquette, ou du diorama des œuvres de représentation. Il n'en demeure pas moins vrai qu'il s'agit tout de même de la représentation d'une réalité. Le sujet dont ces maquettes traitent est une partie de notre réalité, non pas une scène qui se joue, mais plutôt une chose qui est montrée. C'est l'avantage de la maquette par rapport au diorama, elle permet plus de libertés dans la façon de mettre en scène son sujet, et elle n'est pas obligatoirement finie au sens propre. Mais elle reste crédible et réaliste.

Eva Jospin, depuis les années 2000, a fait du carton son matériau de prédilection. Très peu onéreux, malléable et léger, ce matériau n'est que peu utilisé dans l'art contemporain de l'époque, il est toutefois très utilisé en modélisme. En coupant et en assemblant ces différents bouts de carton et en leur donnant la forme de branches et de troncs d'arbres, l'artiste à créée à grande échelle une illusion de forêt impénétrable et dense qui se fige devant le spectateur.

<figure><img src="image_50.png" /></figure>
La forêt de carton d'Eva Jospin.

Ce royaume sylvestre créé de toutes pièces seulement avec du carton est très réaliste et on a l'impression de voir devant nous une véritable forêt de bois en automne une magnifique sculpture en trompe l'oeil dans lequel le spectateur est immergé. Présenté comme un panorama, notamment au Louvre, dans l'espace de la Cour carrée, le spectateur se retrouve encerclé par cette forêt de cartons. Travaillant à la main, découpant le carton au cutter comme pour le sculpter, Eva Jospin et son équipe se sont mis à la place de concepteurs de décors pour le spectacle et ont réussi à redonner vie à la matière première du carton : le bois. Juxtaposant alors ces couches de cartons, entre Land Art, Art des jardins et modélisme, l'impressionnant édifice très bien détaillé se montre comme une véritable forêt inaccessible aux yeux du public. Au premier plan, l'on voit les troncs s'élever, les branches et les feuilles. Les couleurs chaudes font penser à une forêt automnale. Disposées successivement les unes devant les autres, ces sculptures deviennent la représentation d'une forêt. De plus le fait de la réaliser seulement avec du carton facilite son démontage et son déplacement mais aussi sa multiplicité, tel un décor de théâtre qui va de scène en scène. L'aspect écologique est aussi très important dans ce travail, car le carton est réutilisé, comme dans la création de décors de théâtre où les décors sont fait à partir de matériaux récupérés, comme le carton, le polystyrène ... La question de la domination de l'homme sur la nature est aussi évoquée. Ce projet complet fait sens dans le monde de l'art contemporain mais aussi dans le monde de la maquette et du diorama, la sensation de liberté et d'immersion dans une représentation de la réalité fait écho à cette expérience du diorama.

Entre maquette et diorama, *Le Projet de la Maquette*, lancée en 2002 par l'artiste marocain Hassan Darsi et exposée un temps au Centre Georges Pompidou est une œuvre qui présente une maquette, un diorama à petite échelle du Parc de l'Hermitage de Casablanca au Maroc. Minutieusement détaillée et imposante cette grande maquette fût réalisée dans une finalité urbaine et économique, en effet le but était de rendre compte de l'état désastreux dans lequel se trouvait le parc. Négligée par la ville, la représentation avait pour but de figer dans le temps l'abandon de ce parc. Suite à ce projet, des pétitions et des articles de presse ont été diffusés, ce qui a permis la possible réhabilitation du jardin public. Créé à partir de terre, de sable, de bois, de lichen, de plastiques, de verre et d'autres éléments de modélisme, la maquette a permis la revalorisation d'un territoire, comme les dioramas du musée Nubien d'Assouan, les communautés qui vivent à Casablanca ont pu se rendre compte de l'impact de l'expansion urbaine sur ce parc mythique de la ville marocaine. Tel un diorama, Hassan Darsi à figé une scène du temps, la mémorisant à jamais. D'ordinaire, l'habituelle maquette architecurale envisage les projets de rénovations et de modernisation. Ce contre emploi de la
La forêt de carton d'Eva Jospin.

Ce royaume sylvestre créé de toutes pièces seulement avec du carton est très réaliste et on a l'impression de voir devant nous une véritable forêt de bois en automne une magnifique sculpture en trompe l'oeil dans lequel le spectateur est immergé. Présenté comme un panorama, notamment au Louvre, dans l'espace de la Cour carrée, le spectateur se retrouve encerclé par cette forêt de cartons. Travaillant à la main, découpant le carton au cutter comme pour le sculpter, Eva Jospin et son équipe se sont mis à la place de concepteurs de décors pour le spectacle et ont réussi à redonner vie à la matière première du carton : le bois. Juxtaposant alors ces couches de cartons, entre Land Art, Art des jardins et modélisme, l'impressionnant édifice très bien détaillé se montre comme une véritable forêt inaccessible aux yeux du public. Au premier plan, l'on voit les troncs s'élever, les branches et les feuilles. Les couleurs chaudes font penser à une forêt automnale. Disposées successivement les unes devant les autres, ces sculptures deviennent la représentation d'une forêt. De plus le fait de la réaliser seulement avec du carton facilite son démontage et son déplacement mais aussi sa multiplicité, tel un décor de théâtre qui va de scène en scène. L'aspect écologique est aussi très important dans ce travail, car le carton est réutilisé, comme dans la création de décors de théâtre où les décors sont fait à partir de matériaux récupérés, comme le carton, le polystyrène ... La question de la domination de l'homme sur la nature est aussi évoquée. Ce projet complet fait sens dans le monde de l'art contemporain mais aussi dans le monde de la maquette et du diorama, la sensation de liberté et d'immersion dans une représentation de la réalité fait écho à cette expérience du diorama.

Entre maquette et diorama, *Le Projet de la Maquette*, lancée en 2002 par l'artiste marocain Hassan Darsi et exposée un temps au Centre Georges Pompidou est une œuvre qui présente une maquette, un diorama à petite échelle du Parc de l'Hermitage de Casablanca au Maroc. Minutieusement détaillée et imposante cette grande maquette fût réalisée dans une finalité urbaine et économique, en effet le but était de rendre compte de l'état désastreux dans lequel se trouvait le parc. Négligée par la ville, la représentation avait pour but de figer dans le temps l'abandon de ce parc. Suite à ce projet, des pétitions et des articles de presse ont été diffusés, ce qui a permis la possible réhabilitation du jardin public. Créé à partir de terre, de sable, de bois, de lichen, de plastiques, de verre et d'autres éléments de modélisme, la maquette a permis la revalorisation d'un territoire, comme les dioramas du musée Nubien d'Assouan, les communautés qui vivent à Casablanca ont pu se rendre compte de l'impact de l'expansion urbaine sur ce parc mythique de la ville marocaine. Tel un diorama, Hassan Darsi à figé une scène du temps, la mémorisant à jamais. D'ordinaire, l'habituelle maquette architecurale envisage les projets de rénovations et de modernisation. Ce contre emploi de la
maquette fige, à la manière d'une photographie, l'état d'un lieu à un moment donné afin de rendre compte de l'abandon du lieu.

<figure><img src="image_52.png" /><figcaption>Le projet de la maquette, Hassan Darsi, 2002</figcaption></figure>

Photographié, créé ou mis en valeur, ce dispositif de représentation de réalité est une ressource qualitative de création, par la liberté et l'action que le diorama présente. Les artistes trouvent en lui le moyen de dévoiler ce qu'il y a de plus proche de la réalité. Une réalité mise en scène par la création d'une oeuvre d'art unique et inédite. Très liée à l'exposition des dioramas du musée américain d'histoire naturelle, la pratique du diorama de ces artistes se situe dans une catégorie à part du champ de l'art, que cela soit dans sa manière d'être exposée ou dans sa manière d'être créée. Les artistes se servent beaucoup des dioramas car il sont par définition illimités en matière de création, qu'il soient fictionnels ou vrais. Le diorama apporte une expansion de l'imaginaire qui va servir non seulement aux artistes mais aussi à tous ceux qui le pratiquent, le diorama ouvre donc les portes d'un nouveau monde.
maquette fige, à la manière d'une photographie, l'état d'un lieu à un moment donné afin de rendre compte de l'abandon du lieu.

<figure><img src="image_51.png" /><figcaption>Le projet de la maquette, Hassan Darsi, 2002</figcaption></figure>

Photographié, créé ou mis en valeur, ce dispositif de représentation de réalité est une ressource qualitative de création, par la liberté et l'action que le diorama présente. Les artistes trouvent en lui le moyen de dévoiler ce qu'il y a de plus proche de la réalité. Une réalité mise en scène par la création d'une oeuvre d'art unique et inédite. Très liée à l'exposition des dioramas du musée américain d'histoire naturelle, la pratique du diorama de ces artistes se situe dans une catégorie à part du champ de l'art, que cela soit dans sa manière d'être exposée ou dans sa manière d'être créée. Les artistes se servent beaucoup des dioramas car il sont par définition illimités en matière de création, qu'il soient fictionnels ou vrais. Le diorama apporte une expansion de l'imaginaire qui va servir non seulement aux artistes mais aussi à tous ceux qui le pratiquent, le diorama ouvre donc les portes d'un nouveau monde.
Conclusion

Prenons simplement une feuille de papier, dessinons sur une des faces un motif imaginaire, une
forme qui n'appartient qu'à notre réalité. Une fois le dessin réalisé, retournons la feuille et prenons
l'autre face, nous marquerons sur cette face la phrase suivante: « Il s'agit d'une fiction ».

Puis, exposons le dessin au monde qui nous entoure en expliquant qu'il s'agit d'un dessin
appartenant au réel, ce qui est faux, ce dessin étant purement fictionnel. Maintenant que les
spectateurs croient en notre histoire, dévoilons l'autre face, ils s'aperçoivent de la fiction.

Prenons le haut de la feuille et faisons le rejoindre le bas de celle-ci, de façon à obtenir une forme
de tube large. Et enfin enroulons la feuille pour obtenir un tube beaucoup plus étroit, comme-ci l'on
était en train de fabriquer une longue vue en papier. Maintenant que les deux faces ne font plus
qu'unes, marquons, sur le tube le mot: « Diorama ». La face où le dessin est présent représente la
première partie de cette analyse sur les fictions artistiques, elle est ce que l'artiste fait croire aux
spectateurs qui se mettent à douter et qui ressentent l'envie de croire en un récit qu'ils pensent
pourtant peu réaliste. L'autre face, celle où est inscrite la phrase, elle, représente la deuxième partie
de la recherche, la fiction est dévoilée, elle est visible et le spectateur voit l'envers de la fiction, il y
découvre la supercherie. Mais cela ne veut pas dire pour autant qu'il a réussi à sortir du piège tendu
par l'artiste, au contraire, il se retrouve au milieu de deux univers contradictoires qui semblent se
mêler devant ses yeux. Et enfin, le tube représente la troisième partie, celle où les dioramas servent
de liant aux deux autres parties. En effet, le spectateur est clairement piégé dans la fiction car le
diorama est ce qu'il y a le plus proche de la réalité tout en étant la chose qui s'en éloigne le plus.

Au cours de cette recherche, nous avons constaté toute la créativité mise en place par les artistes
pour supposer un voyage au spectateur entre réalité et fiction. Tout d'abord en le piégeant, ensuite
en lui racontant que la réalité est constituée d'une infinité d'autres réalités et enfin le figeant devant
une vitrine fictionnelle qui énonce des propositions asséritives sur le monde réel. L'identité est une
notion très importante dans cette étude, l'identité artistique, culturelle ou bien l'identité personnelle.
Il est sage de prendre en compte, lorsque l'on entame une création fictionnelle que nous pouvons
jouer n'importe quel rôle dans n'importe quelle réalité. Notre réalité passe inaperçue par rapport à
celle que l'on désire, ou que l'on est en train de construire. Le meilleur procédé pour exposer le réel,
est de passer par la fiction. Le monde de l'art est un monde qui peut être envisagé comme n'étant
que fictionnel, mais il est surtout le monde où les réalités sont les plus représentées. Deux univers,
deux mondes mais un seul objectif : proposer notre propre vision de la réalité. Qu'elle soit plausible
ou pas, ici n'est pas l'intérêt, seule la démarche compte. Nous ne serons ni des menteurs, ni des
Conclusion

Prenons simplement une feuille de papier, dessinons sur une des faces un motif imaginaire, une
forme qui n'appartient qu'à notre réalité. Une fois le dessin réalisé, retournons la feuille et prenons
l'autre face, nous marquerons sur cette face la phrase suivante: « Il s'agit d'une fiction ».

Puis, exposons le dessin au monde qui nous entoure en expliquant qu'il s'agit d'un dessin
appartenant au réel, ce qui est faux, ce dessin étant purement fictionnel. Maintenant que les
spectateurs croient en notre histoire, dévoilons l'autre face, ils s'aperçoivent de la fiction.

Prenons le haut de la feuille et faisons le rejoindre le bas de celle-ci, de façon à obtenir une forme
de tube large. Et enfin enroulons la feuille pour obtenir un tube beaucoup plus étroit, comme-ci l'on
était en train de fabriquer une longue vue en papier. Maintenant que les deux faces ne font plus
qu'unes, marquons, sur le tube le mot: « Diorama ». La face où le dessin est présent représente la
première partie de cette analyse sur les fictions artistiques, elle est ce que l'artiste fait croire aux
spectateurs qui se mettent à douter et qui ressentent l'envie de croire en un récit qu'ils pensent
pourtant peu réaliste. L'autre face, celle où est inscrite la phrase, elle, représente la deuxième partie
de la recherche, la fiction est dévoilée, elle est visible et le spectateur voit l'envers de la fiction, il y
découvre la supercherie. Mais cela ne veut pas dire pour autant qu'il a réussi à sortir du piège tendu
par l'artiste, au contraire, il se retrouve au milieu de deux univers contradictoires qui semblent se
mêler devant ses yeux. Et enfin, le tube représente la troisième partie, celle où les dioramas servent
de liant aux deux autres parties. En effet, le spectateur est clairement piégé dans la fiction car le
diorama est ce qu'il y a le plus proche de la réalité tout en étant la chose qui s'en éloigne le plus.

Au cours de cette recherche, nous avons constaté toute la créativité mise en place par les artistes
pour supposer un voyage au spectateur entre réalité et fiction. Tout d'abord en le piégeant, ensuite
en lui racontant que la réalité est constituée d'une infinité d'autres réalités et enfin le figeant devant
une vitrine fictionnelle qui énonce des propositions asséritives sur le monde réel. L'identité est une
notion très importante dans cette étude, l'identité artistique, culturelle ou bien l'identité personnelle.
Il est sage de prendre en compte, lorsque l'on entame une création fictionnelle que nous pouvons
jouer n'importe quel rôle dans n'importe quelle réalité. Notre réalité passe inaperçue par rapport à
celle que l'on désire, ou que l'on est en train de construire. Le meilleur procédé pour exposer le réel,
est de passer par la fiction. Le monde de l'art est un monde qui peut être envisagé comme n'étant
que fictionnel, mais il est surtout le monde où les réalités sont les plus représentées. Deux univers,
deux mondes mais un seul objectif : proposer notre propre vision de la réalité. Qu'elle soit plausible
ou pas, ici n'est pas l'intérêt, seule la démarche compte. Nous ne serons ni des menteurs, ni des
piégeurs, et encore moins des imposteurs, nous serons des créateurs de mondes, des créateurs d'histoire, des créateurs de vies. En imitant le monde, on le rend plus accessible. N'arrêtons jamais de créer des projets fictifs, car c'est le seul moyen de s'échapper d'une réalité et d'en façonner une nouvelle. Nous serons alors des innovateurs, des pionniers d'un monde qui n'appartient qu'à nous seul, mais qui peut être une réalité pour chacun d'entre nous. Les humains rentrent dans la fiction afin de faire ce qu'ils veulent, et ils y restent pour pouvoir être ce qu'ils veulent.
piégeurs, et encore moins des imposteurs, nous serons des créateurs de mondes, des créateurs d'histoire, des créateurs de vies. En imitant le monde, on le rend plus accessible. N'arrêtons jamais de créer des projets fictifs, car c'est le seul moyen de s'échapper d'une réalité et d'en façonner une nouvelle. Nous serons alors des innovateurs, des pionniers d'un monde qui n'appartient qu'à nous seul, mais qui peut être une réalité pour chacun d'entre nous. Les humains rentrent dans la fiction afin de faire ce qu'ils veulent, et ils y restent pour pouvoir être ce qu'ils veulent.
# Bibliographie

## Essai:

* Fictions et Médias: intermédialité dans les fictions; Bernard Guelton (dir); Publication de la Sorbonne, Paris, 2011.

* Joan Fontcuberta; Joan Fontcuberta; Photopoche Actes Sud, Tours, 2008.

* Art, création, fiction. Entre sociologie et philosophie; Nathalie Heinich, Jean-Marie Schaeffer; Edition Jacqueline Chambon, Nîmes, 2004.

* Le baiser de Judas, photographie et vérité, Joan Fontcuberta; Actes Sud, Arles, 2005.

* Figures d'artistes, Natacha Pugnet; Archibooks, Paris, 2008.

* Les autres et les ancêtres. Les dioramas de Franz Boas et d'Arthur C. Parker à New York, Noémie Étienne, Les Presses du réel, coll. « Oeuvres en sociétés », Dijon, 2020, 343 pages.

* Le réel et son double: Essai sur l'illusion, Clément Rosset, Editions Gallimard, Collection « Folio Essais », Paris, 1993, 129 pages.

* Guide du Pourquoi-Pas?, Stéphanie Solinas, Seuil, 2020, 192 pages.

* Le style documentaire d'August Sander à Walker Evans, Olivier Lugon, Editions Macula, Collection: Le champ de l'image, 2001, 440 pages.

* Riding Modern Art, Raphaël Zarka, Editions B42, 2018, 152 pages.

* Le Seigneur des Anneaux, J.R.R. Tolkien, Allen et Unwin, 1954-1955, Londres.

* Fiction et diction, Gérard Genette, Seuil, 1991, 150 pages.
# Bibliographie

## Essai:

* Fictions et Médias: intermédialité dans les fictions; Bernard Guelton (dir); Publication de la Sorbonne, Paris, 2011.

* Joan Fontcuberta; Joan Fontcuberta; Photopoche Actes Sud, Tours, 2008.

* Art, création, fiction. Entre sociologie et philosophie; Nathalie Heinich, Jean-Marie Schaeffer; Edition Jacqueline Chambon, Nîmes, 2004.

* Le baiser de Judas, photographie et vérité, Joan Fontcuberta; Actes Sud, Arles, 2005.

* Figures d'artistes, Natacha Pugnet; Archibooks, Paris, 2008.

* Les autres et les ancêtres. Les dioramas de Franz Boas et d'Arthur C. Parker à New York, Noémie Étienne, Les Presses du réel, coll. « Oeuvres en sociétés », Dijon, 2020, 343 pages.

* Le réel et son double: Essai sur l'illusion, Clément Rosset, Editions Gallimard, Collection « Folio Essais », Paris, 1993, 129 pages.

* Guide du Pourquoi-Pas?, Stéphanie Solinas, Seuil, 2020, 192 pages.

* Le style documentaire d'August Sander à Walker Evans, Olivier Lugon, Editions Macula, Collection: Le champ de l'image, 2001, 440 pages.

* Riding Modern Art, Raphaël Zarka, Editions B42, 2018, 152 pages.

* Le Seigneur des Anneaux, J.R.R. Tolkien, Allen et Unwin, 1954-1955, Londres.

* Fiction et diction, Gérard Genette, Seuil, 1991, 150 pages.
* *Simulacres et simulation*, Jean Baudrillard, éditions Galilée, 1981, 240 pages.

* *La société du Spectacle*, Guy Debord, Buchet/Chastel, 1967.

* *La tranfiguration du banal, une philosophie de l'art*, Arthur Danto, Essais, Seuil, 2019, 416 pages.

* *L'artiste est une femme, La modernité de Marcel Duchamp*, Giovanna Zapperi, Presses Universitaire de France, 2012, 152 pages.

* *Le diorama de Daguerre :La peinture mécanique*, Guillaume Le Gall, Éditions Mare et Martin, 2013, 135 pages.

## Catalogue d'exposition

* *Catalogue d'exposition du FRAC Champagne-Ardenne de Reims*; Gilles Gavillet et Rust; Mars 2013; Edition FRAC Champagne-Ardenne, Reims.

* *Chronotopes & Dioramas: Atlantic, Désert, Tropics*; Dominique Gonzalez-Foerster; du 23 Septembre 2009 au 18 Avril 2010; Dia Art Foundation, 2010, New York.

* *Feux Pâles: une pièce à conviction (1987)*; Philippe Thomas, Froment, Perec, Poinsot; CAPC-Musée d'Art Contemporain, 1990.

* *Ludovic Chemarin_1998-2005/2011-2014*; Damien Beguet & P.Nicolas Ledoux, Raphaële Jeune, Perrine Lacroix, Isabelle de Maison Rouge, Jean-Claude Moineau, Olivier Moussa; Les presses du réel, Mars 2015.

* *Volte Face, A l'envers de la science, les leçons de l'histoire*; Joan Fontcuberta; CAIRN centre d'art et les éditions Images en Manoeuvres, 2000.

* *Dioramas*, Hiroshi Sugimoto, Xavier Barral Eds, collection beaux livres, 2014, 118 pages.
* *Simulacres et simulation*, Jean Baudrillard, éditions Galilée, 1981, 240 pages.

* *La société du Spectacle*, Guy Debord, Buchet/Chastel, 1967.

* *La tranfiguration du banal, une philosophie de l'art*, Arthur Danto, Essais, Seuil, 2019, 416 pages.

* *L'artiste est une femme, La modernité de Marcel Duchamp*, Giovanna Zapperi, Presses Universitaire de France, 2012, 152 pages.

* *Le diorama de Daguerre :La peinture mécanique*, Guillaume Le Gall, Éditions Mare et Martin, 2013, 135 pages.

## Catalogue d'exposition

* *Catalogue d'exposition du FRAC Champagne-Ardenne de Reims*; Gilles Gavillet et Rust; Mars 2013; Edition FRAC Champagne-Ardenne, Reims.

* *Chronotopes & Dioramas: Atlantic, Désert, Tropics*; Dominique Gonzalez-Foerster; du 23 Septembre 2009 au 18 Avril 2010; Dia Art Foundation, 2010, New York.

* *Feux Pâles: une pièce à conviction (1987)*; Philippe Thomas, Froment, Perec, Poinsot; CAPC-Musée d'Art Contemporain, 1990.

* *Ludovic Chemarin_1998-2005/2011-2014*; Damien Beguet & P.Nicolas Ledoux, Raphaële Jeune, Perrine Lacroix, Isabelle de Maison Rouge, Jean-Claude Moineau, Olivier Moussa; Les presses du réel, Mars 2015.

* *Volte Face, A l'envers de la science, les leçons de l'histoire*; Joan Fontcuberta; CAIRN centre d'art et les éditions Images en Manoeuvres, 2000.

* *Dioramas*, Hiroshi Sugimoto, Xavier Barral Eds, collection beaux livres, 2014, 118 pages.
* *Dioramas*, Katharina Dohm, Claire Garnier, Laurent Le Bon, Flammarion, 2017, 348 pages.

* *Warhammer World Dioramas*, Games Workshop, 2018, 65 pages.

* *Vues d'en haut*, Angela Lampe, Centre Pompidou Metz, 2013.

* *Faux-Semblants ou le simulacre dans l'art contemporain*, Pierre-Paul Dupont, Claude Lorent, Jacques Sojcher, Jean-Pierre Verheggen, édition Stichting Kunstboek, exposé à la Maison de la Culture de Namur, septembre 2009.

## Articles

* « *Entretiens à propos de Ludovic Chemarin* »; Perrine Lacroix, Damien Beguet, P.Nicolas Ledoux; dans *Multitudes*, 2014/3 (n°57), pages 102 à 109.

* « *Borges et moi* »; Joan Fontcuberta, Jorge Luis Borges et Claude Bleton; dans *La pensée De Midi*, 2000/2 (n°2), pages 52 à 59.

* « *Such goodhearted people: Dioramas in the Nubia Museum of Aswan* »; Alexandra Parrs; dans *Autrepart*, 2017/4 (n°84), pages 129 à 144.

* « *La longue histoire des Fake News aux Etats-Unis* »; Michel Goussot; dans *Raison Présente*, 2018/4 (n°208), pages 7 à 17.

* « *Phénoménologie et fiction* »; Eric Clémens; dans *Littérature*, 2003, (n°132), pages 48 à 54.

* « *Au fait, qu'est-ce qu'une œuvre d'art ?* »; Catherine Millet; dans *Artpress* (486-487), 2021, pages 6 à 7.

* « *La documentation photographique d'un site culturel, fabrique d'atopies* »; Marie Després-Lonnet; dans *Communication & Languages*, 2014/2, (n°180), pages 31 à 46.

* « *Le Musée d'histoire naturelle de New York: temple mondial du diorama* »; Maxime Tellier; sur France Culture, 31/07/2020.
* *Dioramas*, Katharina Dohm, Claire Garnier, Laurent Le Bon, Flammarion, 2017, 348 pages.

* *Warhammer World Dioramas*, Games Workshop, 2018, 65 pages.

* *Vues d'en haut*, Angela Lampe, Centre Pompidou Metz, 2013.

* *Faux-Semblants ou le simulacre dans l'art contemporain*, Pierre-Paul Dupont, Claude Lorent, Jacques Sojcher, Jean-Pierre Verheggen, édition Stichting Kunstboek, exposé à la Maison de la Culture de Namur, septembre 2009.

## Articles

* « *Entretiens à propos de Ludovic Chemarin* »; Perrine Lacroix, Damien Beguet, P.Nicolas Ledoux; dans *Multitudes*, 2014/3 (n°57), pages 102 à 109.

* « *Borges et moi* »; Joan Fontcuberta, Jorge Luis Borges et Claude Bleton; dans *La pensée De Midi*, 2000/2 (n°2), pages 52 à 59.

* « *Such goodhearted people: Dioramas in the Nubia Museum of Aswan* »; Alexandra Parrs; dans *Autrepart*, 2017/4 (n°84), pages 129 à 144.

* « *La longue histoire des Fake News aux Etats-Unis* »; Michel Goussot; dans *Raison Présente*, 2018/4 (n°208), pages 7 à 17.

* « *Phénoménologie et fiction* »; Eric Clémens; dans *Littérature*, 2003, (n°132), pages 48 à 54.

* « *Au fait, qu'est-ce qu'une œuvre d'art ?* »; Catherine Millet; dans *Artpress* (486-487), 2021, pages 6 à 7.

* « *La documentation photographique d'un site culturel, fabrique d'atopies* »; Marie Després-Lonnet; dans *Communication & Languages*, 2014/2, (n°180), pages 31 à 46.

* « *Le Musée d'histoire naturelle de New York: temple mondial du diorama* »; Maxime Tellier; sur France Culture, 31/07/2020.
* « *Teddy Bear Patriarchy : Taxidermy in the Garden of Eden, New York City, 1908-1936* »;
Donna Haraway ; in *Social Text* ; ( n°11, winter, 1984-1985 ) ; pp. 20-64 (47 pages) ; publié
par Duke University Press.

* « *Jake et Dinos Chapman : Dancing Hell. * » ; Catherine Millet ; dans *Artpress* ( n°365 ) ;
mars 2010.
* « *Teddy Bear Patriarchy : Taxidermy in the Garden of Eden, New York City, 1908-1936* »;
Donna Haraway ; in *Social Text* ; ( n°11, winter, 1984-1985 ) ; pp. 20-64 (47 pages) ; publié
par Duke University Press.

* « *Jake et Dinos Chapman : Dancing Hell. * » ; Catherine Millet ; dans *Artpress* ( n°365 ) ;
mars 2010.
# ポートフォリオ

Théorie de l'art
Art et écriture
ポートフォリオ

Théorie de l'art
Art et écriture
Les lettres n'ont pas de signification pure, c'est seulement une fois quelles sont alignés avec d'autres lettres qu'elles donnent un mot, en Occident les suites de lettres donnent des mots, les suites de mots donnent des phrases et les suites de phrases donnent des textes. A la base de l'écriture, surtout en orient, les signes, les symboles représentaient des mots, ces signes avaient une signification, les hiéroglyphes en Egypte, les signes Chinois ou Japonais dans la culture Asiatiques, et même les runes nordiques en Scandinavie...

L'écriture comme à son origine va peu à peu dans le milieu de l'art se transformer, non pas dans la forme, mais dans le fond, l'écriture va devenir art, on va faire des lettres un art, c'est déjà le cas chez certaines civilisations, mais il est vrai que certains artistes vont s'employer à faire de l'écriture une pièce d'art, une œuvre à part entière...

<figure><img src="image_53.png" /></figure>

Unetitelled, Miguel Clemente, 2020
Les lettres n'ont pas de signification pure, c'est seulement une fois quelles sont alignés avec d'autres lettres qu'elles donnent un mot, en Occident les suites de lettres donnent des mots, les suites de mots donnent des phrases et les suites de phrases donnent des textes. A la base de l'écriture, surtout en orient, les signes, les symboles représentaient des mots, ces signes avaient une signification, les hiéroglyphes en Egypte, les signes Chinois ou Japonais dans la culture Asiatiques, et même les runes nordiques en Scandinavie...

L'écriture comme à son origine va peu à peu dans le milieu de l'art se transformer, non pas dans la forme, mais dans le fond, l'écriture va devenir art, on va faire des lettres un art, c'est déjà le cas chez certaines civilisations, mais il est vrai que certains artistes vont s'employer à faire de l'écriture une pièce d'art, une œuvre à part entière...

<figure><img src="image_52.png" /></figure>

Unetitelled, Miguel Clemente, 2020
MIGUEL CLEMENTE

Personnage mystérieux, Miguel Clemente aka Michel Clément comme il aime s'intituler, il joue sur le fait de posséder plusieurs identités méconnues, du moins on ne sait pas que c'est lui qui se cache derrière plusieurs personnages de la scène artistique contemporaine mais aussi musicale, et a sa demande il est impossible d'en dévoiler les noms !

Miguel Clemente est graphiste de profession et réalise en parallèle et en relation directe avec son travail des productions plastiques numériques principalement basées sur l'écriture, l'écriture numérique, digitale qu'il utilise aussi bien dans ce contexte créatif mais aussi dans le contexte professionnel. Les formes infinies de lettres qu'il peut proposer s'accentuent par une pratique précise et artistique de l'outil digitale comme outil créatif, les logiciels informatiques de création de formes au service du dessin plastique. Très influencé par l'écriture et la culture asiatique et Japonaise plus précisément, il s'accapare des codes de création de ses cultures pour réaliser ses travaux et rendre hommage à la tradition graphique japonaise et à la pop culture de ce pays dans lequel il a entrepris quelques voyages, il associe donc la tradition asiatique des formes et images et sa tradition occidentale. Son parcours, à la base n'était pas forcément celui d'un graphiste, il à étudié a l'Université de Picardie Jules Verne et à effectuer une Licence Arts Plastiques et a obtenu son Master recherche Arts plastiques, c'est ainsi qu'il s'est formé surtout théoriquement pour compenser certaines lacunes pratiques qu'il a largement comblées avec le temps et l'expérience. Il s'est ensuite dirigé vers le métier de graphiste grâce à ses compétences en la matière et sa propre volonté. Sans oublier ses racines plastiques il entreprend en lien avec son emploi des productions picturales, des logos, des esquisses, des photographies en rapport avec les lettres, les mots et les formes qu'il peut en tirer pour la proposer au monde de différentes manières, par le biais de sa profession, avec les enseignes, les sites internet ou bien encore les pochettes d'album... mais aussi par le biais d'une pratique artistique dédiée à son plaisir et à son envie d'être confondue, car à près tout un graphiste n'est-il pas un artiste ?

<figure><img src="image_54.png" /></figure>

<figure><img src="image_55.png" /></figure>

豆腐
小僧

<figure><img src="image_56.png" /></figure>

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MIGUEL CLEMENTE

Personnage mystérieux, Miguel Clemente aka Michel Clément comme il aime s'intituler, il joue sur le fait de posséder plusieurs identités méconnues, du moins on ne sait pas que c'est lui qui se cache derrière plusieurs personnages de la scène artistique contemporaine mais aussi musicale, et a sa demande il est impossible d'en dévoiler les noms !

Miguel Clemente est graphiste de profession et réalise en parallèle et en relation directe avec son travail des productions plastiques numériques principalement basées sur l'écriture, l'écriture numérique, digitale qu'il utilise aussi bien dans ce contexte créatif mais aussi dans le contexte professionnel. Les formes infinies de lettres qu'il peut proposer s'accentuent par une pratique précise et artistique de l'outil digitale comme outil créatif, les logiciels informatiques de création de formes au service du dessin plastique. Très influencé par l'écriture et la culture asiatique et Japonaise plus précisément, il s'accapare des codes de création de ses cultures pour réaliser ses travaux et rendre hommage à la tradition graphique japonaise et à la pop culture de ce pays dans lequel il a entrepris quelques voyages, il associe donc la tradition asiatique des formes et images et sa tradition occidentale. Son parcours, à la base n'était pas forcément celui d'un graphiste, il à étudié a l'Université de Picardie Jules Verne et à effectuer une Licence Arts Plastiques et a obtenu son Master recherche Arts plastiques, c'est ainsi qu'il s'est formé surtout théoriquement pour compenser certaines lacunes pratiques qu'il a largement comblées avec le temps et l'expérience. Il s'est ensuite dirigé vers le métier de graphiste grâce à ses compétences en la matière et sa propre volonté. Sans oublier ses racines plastiques il entreprend en lien avec son emploi des productions picturales, des logos, des esquisses, des photographies en rapport avec les lettres, les mots et les formes qu'il peut en tirer pour la proposer au monde de différentes manières, par le biais de sa profession, avec les enseignes, les sites internet ou bien encore les pochettes d'album... mais aussi par le biais d'une pratique artistique dédiée à son plaisir et à son envie d'être confondue, car à près tout un graphiste n'est-il pas un artiste ?

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豆腐
小僧

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<figure><img src="image_56.png" /></figure>
A travers son métier, sa profession de graphiste qui lui sert à gagner sa vie, Miguel Clemente propose en parallèle des œuvres destinées à un public plus artistique que ses clients professionnels à qui ils louent habituellement ses services, notamment pour les enseignes de commerces, les sites internet mais aussi la réalisation de cover, pochette d'album et de cassette de musique.

Un graphiste est au cœur de l'écriture, il donne des formes, des styles et des sensations uniques, originales et diverses aux lettres, aux mots, ainsi qu'aux symboles. Sa pratique artistique est donc très souvent indissociable à sa pratique professionnelle car il se sert des techniques, des codes et des formes qu'il a l'habitude de traiter sur ses logiciels, Ps AI sur ses supports digitaux qui sont dans tous les sens du terme, ses outils de travail.

Miguel, commence la plupart du temps, par une esquisse, un croquis sur papier, un dessin, un mot ou une phrase qu'il scanne sur son ordinateur et qu'il insère dans ses logiciels, ce qui fait que ses œuvres sont essentiellement numérique, même si certaines d'entre elles sont destinées à l'impression à la demande d'un acheteur ou pour une exposition par exemple, mais le fait qu'elles soit quasiment à chaque fois non palpables et numériques est un rappel à son métier mais aussi à une pratique qu'il affectionne particulièrement.

L'artiste voit l'écriture dans l'art, l'art d'écrire ou encore l'écriture artistique à deux niveaux :

* L'écriture comme une expression artistique, une complémentarité entre écrire et crée une forme artistique, la créer avec l'écriture, faire des mots une œuvre d'art, une expansion à notre pensée créatrice, comme on peut voir dans le Graphiti, les origines du street art ou encore l'art de l'écriture asiatique qui prend un tout autre sens que nos écrits Occidentaux mais aussi les poèmes surréaliste ou dada... L'écriture est un retour, un retour aux sources, un retour aux bases de ce que l'humain à créer pour communiquer, pour apprendre mais surtout pour transmettre et ne pas se faire oublier par les nombreuses générations qui suivront, et bien après le travail de l'écrivain, des millions de possibilités de typographies, de formes et de mots rendus crédibles grâce au simple fait de l'écrire. Il y a une sorte de confrontation entre art et écriture, par le fait qu'on écrive sur l'art mais en créant une forme artistique par l'écriture, la frontière se brise et va laisser place à ce que l'écrivain Umberto Eco va nommer comme titre de l'un de ses ouvrages "L'oeuvre Ouverte"<fnref n="60" />, c'est-à-dire de ne pas donné de signification précise à une œuvre, pour que celle-ci reste assimilable à tous et à toutes. Lorsque qu' écriture et art ne font qu'un, la parole n'en est que plus forte, car le spectateur reconnaît le mot, le geste d'écriture et peut tout à fait s'imaginer au cœur de l'oeuvre est en être aussi le créateur car il se confond dans la pratique artistique, la pratique d'écrire quelque chose, mais aussi de lire l'oeuvre dans son ensemble.

<footnote n="60">60 *L'oeuvre ouverte*, Umberto Eco, Ed. Du Seuil, (1962, originale) 2015</footnote>
A travers son métier, sa profession de graphiste qui lui sert à gagner sa vie, Miguel Clemente propose en parallèle des œuvres destinées à un public plus artistique que ses clients professionnels à qui ils louent habituellement ses services, notamment pour les enseignes de commerces, les sites internet mais aussi la réalisation de cover, pochette d'album et de cassette de musique.

Un graphiste est au cœur de l'écriture, il donne des formes, des styles et des sensations uniques, originales et diverses aux lettres, aux mots, ainsi qu'aux symboles. Sa pratique artistique est donc très souvent indissociable à sa pratique professionnelle car il se sert des techniques, des codes et des formes qu'il a l'habitude de traiter sur ses logiciels, Ps AI sur ses supports digitaux qui sont dans tous les sens du terme, ses outils de travail.

Miguel, commence la plupart du temps, par une esquisse, un croquis sur papier, un dessin, un mot ou une phrase qu'il scanne sur son ordinateur et qu'il insère dans ses logiciels, ce qui fait que ses œuvres sont essentiellement numérique, même si certaines d'entre elles sont destinées à l'impression à la demande d'un acheteur ou pour une exposition par exemple, mais le fait qu'elles soit quasiment à chaque fois non palpables et numériques est un rappel à son métier mais aussi à une pratique qu'il affectionne particulièrement.

L'artiste voit l'écriture dans l'art, l'art d'écrire ou encore l'écriture artistique à deux niveaux :

* L'écriture comme une expression artistique, une complémentarité entre écrire et crée une forme artistique, la créer avec l'écriture, faire des mots une œuvre d'art, une expansion à notre pensée créatrice, comme on peut voir dans le Graphiti, les origines du street art ou encore l'art de l'écriture asiatique qui prend un tout autre sens que nos écrits Occidentaux mais aussi les poèmes surréaliste ou dada... L'écriture est un retour, un retour aux sources, un retour aux bases de ce que l'humain à créer pour communiquer, pour apprendre mais surtout pour transmettre et ne pas se faire oublier par les nombreuses générations qui suivront, et bien après le travail de l'écrivain, des millions de possibilités de typographies, de formes et de mots rendus crédibles grâce au simple fait de l'écrire. Il y a une sorte de confrontation entre art et écriture, par le fait qu'on écrive sur l'art mais en créant une forme artistique par l'écriture, la frontière se brise et va laisser place à ce que l'écrivain Umberto Eco va nommer comme titre de l'un de ses ouvrages "L'oeuvre Ouverte"<fnref n="60" />, c'est-à-dire de ne pas donné de signification précise à une œuvre, pour que celle-ci reste assimilable à tous et à toutes. Lorsque qu' écriture et art ne font qu'un, la parole n'en est que plus forte, car le spectateur reconnaît le mot, le geste d'écriture et peut tout à fait s'imaginer au cœur de l'oeuvre est en être aussi le créateur car il se confond dans la pratique artistique, la pratique d'écrire quelque chose, mais aussi de lire l'oeuvre dans son ensemble.

<footnote n="60">60 *L'oeuvre ouverte*, Umberto Eco, Ed. Du Seuil, (1962, originale) 2015</footnote>
* L'écriture sur son art, la critique, l'analyse, la description d'une œuvre d'art, un complément optionnel ou non à l'oeuvre, c'est un paragraphe ajouté à l'expression pratique, pour en définir les signes, les formes et les idées en premier lieu abstraites mais qui s'éclairssices avec le geste d'écrire sur ce qu'on voit, l'esprit général est d'expliquer une idée, une pensée ou un geste créatif. L'art suggère une émotion, le language, le texte vient mettre un mot à l'émotion, à l'inverse du premier point, dans lequel l'écriture est l'émotion.

C'est ainsi que Miguel Clemente entend la question d'art et écriture lorsqu'on lui on parle, il voit ça à travers son parcours étudiant et sa pratique actuelle, car hormis le fait qu'il se sert de l'écriture comme fil conducteur de son travail, il n'écrit pas sur ses œuvres il s'y refuse et préfère que son travail parle de lui-même et le fait que la plupart de ses travaux présentent des mots, des écrits, il est amusant de constater qu'on puisse lire ses œuvres au sens propre et au sens figuré.

Son travail graphique est influencé par la culture japonaise, suite donc à ses voyages, il revient avec une nouvelle vision de la pratique de l'écriture, de l'art, de la société... et en général une pratique de la vie bien différente de notre société et de notre mode de vie occidentale. S'inspirant de la culture pop japonaise car elle était à son apogée lors de son

adolescence, il va prendre le goût de créer avec les techniques graphiques asiatiques pour composer ses œuvres, il dit ceci : "cette source d'inspiration ( culture japonaise) vient bouleverser les codes occidentaux", et c'est ce qu'il cherche à faire dans son travail, pas forcément dans la composition finale mais surtout dans la manière de fabriquer, de créer ou de faire ses mots, par exemple dans la culture occidentale on lit les phrases horizontalement, de gauche à droite, au Japon les représentations graphiques de l'écriture sont beaucoup plus libres, il peuvent se lire verticalement, de haut en bas, de droite à gauche et finalement dans un peu tout les sens, sans que cela soit un fouilli permanent, car au contraire, tout est très bien organisé, réfléchi et surtout réduit au strict minimum, c'est-à-dire que sur ce qui est montré il n'y a rien en trop et rien qui manque, c'est le juste milieu, c'est la précision, la netteté des choses et des mots notamment. Car lorsqu'il écrit des mots pour créer ses œuvres il va droit au but, il ne prend pas plusieurs chemins et écrit simplement ce qu'il veut dire ou ce qu'il veut montrer, sans surplus, il prend comme exemple les haïku, des petits poèmes classiques japonais brefs et précis de dix-sept syllabes réparties en trois vers qui ont pour but de rendre hommage, de célébrer l'évanescence des choses. C'est la description pure des choses, c'est totalement épuré et c'est l'exemple parfait de ce que l'artiste recherche à faire, allé aux plus près des choses de manière efficace et précise sans en faire trop et représenter tout simplement ce qu'il veut montrer, ce qu'il veut dire et rien d'autre.

ポスタ
AFFIC
* L'écriture sur son art, la critique, l'analyse, la description d'une œuvre d'art, un complément optionnel ou non à l'oeuvre, c'est un paragraphe ajouté à l'expression pratique, pour en définir les signes, les formes et les idées en premier lieu abstraites mais qui s'éclairssices avec le geste d'écrire sur ce qu'on voit, l'esprit général est d'expliquer une idée, une pensée ou un geste créatif. L'art suggère une émotion, le language, le texte vient mettre un mot à l'émotion, à l'inverse du premier point, dans lequel l'écriture est l'émotion.

C'est ainsi que Miguel Clemente entend la question d'art et écriture lorsqu'on lui on parle, il voit ça à travers son parcours étudiant et sa pratique actuelle, car hormis le fait qu'il se sert de l'écriture comme fil conducteur de son travail, il n'écrit pas sur ses œuvres il s'y refuse et préfère que son travail parle de lui-même et le fait que la plupart de ses travaux présentent des mots, des écrits, il est amusant de constater qu'on puisse lire ses œuvres au sens propre et au sens figuré.

Son travail graphique est influencé par la culture japonaise, suite donc à ses voyages, il revient avec une nouvelle vision de la pratique de l'écriture, de l'art, de la société... et en général une pratique de la vie bien différente de notre société et de notre mode de vie occidentale. S'inspirant de la culture pop japonaise car elle était à son apogée lors de son

adolescence, il va prendre le goût de créer avec les techniques graphiques asiatiques pour composer ses œuvres, il dit ceci : "cette source d'inspiration ( culture japonaise) vient bouleverser les codes occidentaux", et c'est ce qu'il cherche à faire dans son travail, pas forcément dans la composition finale mais surtout dans la manière de fabriquer, de créer ou de faire ses mots, par exemple dans la culture occidentale on lit les phrases horizontalement, de gauche à droite, au Japon les représentations graphiques de l'écriture sont beaucoup plus libres, il peuvent se lire verticalement, de haut en bas, de droite à gauche et finalement dans un peu tout les sens, sans que cela soit un fouilli permanent, car au contraire, tout est très bien organisé, réfléchi et surtout réduit au strict minimum, c'est-à-dire que sur ce qui est montré il n'y a rien en trop et rien qui manque, c'est le juste milieu, c'est la précision, la netteté des choses et des mots notamment. Car lorsqu'il écrit des mots pour créer ses œuvres il va droit au but, il ne prend pas plusieurs chemins et écrit simplement ce qu'il veut dire ou ce qu'il veut montrer, sans surplus, il prend comme exemple les haïku, des petits poèmes classiques japonais brefs et précis de dix-sept syllabes réparties en trois vers qui ont pour but de rendre hommage, de célébrer l'évanescence des choses. C'est la description pure des choses, c'est totalement épuré et c'est l'exemple parfait de ce que l'artiste recherche à faire, allé aux plus près des choses de manière efficace et précise sans en faire trop et représenter tout simplement ce qu'il veut montrer, ce qu'il veut dire et rien d'autre.

ポスタ
AFFIC
Il fait référence à une époque aussi, celle du peintre et écrivain japonais Hokusai qui représente pour lui un véritable maître dans la transmission de la tradition graphique asiatique, il prône donc ces techniques ancestrales de voir l'écriture, qui ne se veut pas simplement une suite de lettres, une combinaison technique mais qui suggèrait juste "le mot", l'approche de l'écriture chez Miguel Clemente se situe surtout sur la culture graphique du Japon et donc de l'expression, de l'émotion que donne le signe, le mot que l'on voit, c'est qu'il raconte qui importe pas ce qu'on en fait, comme une œuvre d'art, et c'est cette finalité que cherche Miguel dans son travail.

« Je veux proposer quelque chose de différent. » Miguel Clemente.

Il retrouve ce point de vue dans son métier de graphiste, car il dit que "ces techniques traditionnelles sont le thème centrale de sa pratique professionnel de graphisme, faire en sorte qu'une mise en page soit artistique, qu'elle raconte et suggère quelque chose, c'est certes un supplément au sujet principal mais il l'embellit, il le rend plus agréable, plus mis en valeur, il captive l'attention", il fait donc quasiment la même chose dans son travail plastique, il prend pour modèle les affiches, les affiches publicitaires, de concert, politique... car celles-ci en Asie sont au format paysage à l'inverse des notre qui sont en format portrait, et sa théorie là-dessus est que; en Occident les affiches sont au format portrait car elles sont centrées sur l'humain et en Asie, elles sont centrées sur la nature, on voit dans sa réflexion une dualité entre la pratique occidentale et la pratique Asiatique, sans cracher sur ses origines qui sont clairement européennes il trouve dans la culture Japonaise une échapatoire, une culture adoptive plus spirituelle, en tout cas dans l'art, il évoque cette confrontation en la mettant en parallèle avec le duel art écriture et écrire sur l'art cité précédemment.

Il joue aussi avec une de ses influences, les théories de Roland Barthes notamment sur ses voyages au Japon<fnref n="61" />, et notamment sur la vision graphique qu'il peut apporter, sur le fait qu'il dise que le rectangle soit l'unique forme non naturelle, mais aussi sur la façon de voir les choses, en gros son goût de conversions, de voir ce qui se fait ailleurs, la différence de culture et de vie, et d'ailleurs comme Miguel, Roland Barthes à trouvé son El Dorado à travers le Japon, par ses formes, ses traditions, sa manière de vivre et aussi sa nourriture. Les voyages renverses les codes et c'est suite à son voyage que notre artiste s'est appliqué à créer ses propres formes en partant des codes graphiques asiatiques et fini par développer ses codes personnels au fur et à mesure de ses réalisations. Suite à sa formation universitaire Miguel

<figure><img src="image_58.png" /></figure>

<footnote n="61">61 *L'empire des signes*, Roland Barthes, 1970</footnote>
Il fait référence à une époque aussi, celle du peintre et écrivain japonais Hokusai qui représente pour lui un véritable maître dans la transmission de la tradition graphique asiatique, il prône donc ces techniques ancestrales de voir l'écriture, qui ne se veut pas simplement une suite de lettres, une combinaison technique mais qui suggèrait juste "le mot", l'approche de l'écriture chez Miguel Clemente se situe surtout sur la culture graphique du Japon et donc de l'expression, de l'émotion que donne le signe, le mot que l'on voit, c'est qu'il raconte qui importe pas ce qu'on en fait, comme une œuvre d'art, et c'est cette finalité que cherche Miguel dans son travail.

« Je veux proposer quelque chose de différent. » Miguel Clemente.

Il retrouve ce point de vue dans son métier de graphiste, car il dit que "ces techniques traditionnelles sont le thème centrale de sa pratique professionnel de graphisme, faire en sorte qu'une mise en page soit artistique, qu'elle raconte et suggère quelque chose, c'est certes un supplément au sujet principal mais il l'embellit, il le rend plus agréable, plus mis en valeur, il captive l'attention", il fait donc quasiment la même chose dans son travail plastique, il prend pour modèle les affiches, les affiches publicitaires, de concert, politique... car celles-ci en Asie sont au format paysage à l'inverse des notre qui sont en format portrait, et sa théorie là-dessus est que; en Occident les affiches sont au format portrait car elles sont centrées sur l'humain et en Asie, elles sont centrées sur la nature, on voit dans sa réflexion une dualité entre la pratique occidentale et la pratique Asiatique, sans cracher sur ses origines qui sont clairement européennes il trouve dans la culture Japonaise une échapatoire, une culture adoptive plus spirituelle, en tout cas dans l'art, il évoque cette confrontation en la mettant en parallèle avec le duel art écriture et écrire sur l'art cité précédemment.

Il joue aussi avec une de ses influences, les théories de Roland Barthes notamment sur ses voyages au Japon<fnref n="61" />, et notamment sur la vision graphique qu'il peut apporter, sur le fait qu'il dise que le rectangle soit l'unique forme non naturelle, mais aussi sur la façon de voir les choses, en gros son goût de conversions, de voir ce qui se fait ailleurs, la différence de culture et de vie, et d'ailleurs comme Miguel, Roland Barthes à trouvé son El Dorado à travers le Japon, par ses formes, ses traditions, sa manière de vivre et aussi sa nourriture. Les voyages renverses les codes et c'est suite à son voyage que notre artiste s'est appliqué à créer ses propres formes en partant des codes graphiques asiatiques et fini par développer ses codes personnels au fur et à mesure de ses réalisations. Suite à sa formation universitaire Miguel

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<footnote n="61">61 *L'empire des signes*, Roland Barthes, 1970</footnote>
Clemente, il a aussi pu s'enrichir d'autres artistes plus occidentaux pour l'élaboration de sa pratique personnelle, notamment par Roman Opalka, avec l'écriture en pression, le fait d'écrire inlassablement dans une performance, ce qui l'intéresse c'est l'expression d'écrire, c'est l'idée de l'oeuvre ouverte, le développement d'idée par l'oeuvre. Il voit aussi son travail évolué par le travail d'Eric Sati, lorsque ce compositeur musicale en extension de sa production musicale à eu une obsession pour la calligraphie, pour la signature, il joue plus sur l'expression graphique que sur la littérature et c'est ce que cherche à faire Miguel dans son travail.

Il a cherché aussi du coté d' Alix Cléo Roubaud, une photographe qui était aussi la femme du poète Jacques Roubaud, elle avait une pratique littéraire poussée dans laquelle elle revenait sur ses œuvres en créant un parallèle entre écriture et œuvre, un effet miroir, une superposition entre ce qu'elle dit et ce qu'elle montre. Ce qui intéresse notre artiste chez cette photographe, c'est le fait qu'elle cherche à écrire ce qu'elle n'a pas pu exprimer dans ces œuvres.

Toutes ses références que Miguel Clemente à survoler dans sa formation à l'UPJV, lui ont servis à être l'artiste qu'il est aujourd'hui, un artiste très attaché à l'écriture et à la manière de la rendre œuvre.

ぶんぼ
PAPET

« Je cherche, et j'aime le faire, je cherche les différents thèmes, les effets graphiques, la répétition, répéter les dessins graphiquement fait évoluer ma manière de travailler et de voir les choses comme je veut qu'elles soient, j'ai alors un éventail de proposition devant moi pour montrer un contraste entre textes dans le sens ou on l'entend et graphisme, je rends le texte œuvre et l'oeuvre c'est le texte. » Miguel Clemente.

<figure><img src="image_59.png" /></figure>
Clemente, il a aussi pu s'enrichir d'autres artistes plus occidentaux pour l'élaboration de sa pratique personnelle, notamment par Roman Opalka, avec l'écriture en pression, le fait d'écrire inlassablement dans une performance, ce qui l'intéresse c'est l'expression d'écrire, c'est l'idée de l'oeuvre ouverte, le développement d'idée par l'oeuvre. Il voit aussi son travail évolué par le travail d'Eric Sati, lorsque ce compositeur musicale en extension de sa production musicale à eu une obsession pour la calligraphie, pour la signature, il joue plus sur l'expression graphique que sur la littérature et c'est ce que cherche à faire Miguel dans son travail.

Il a cherché aussi du coté d' Alix Cléo Roubaud, une photographe qui était aussi la femme du poète Jacques Roubaud, elle avait une pratique littéraire poussée dans laquelle elle revenait sur ses œuvres en créant un parallèle entre écriture et œuvre, un effet miroir, une superposition entre ce qu'elle dit et ce qu'elle montre. Ce qui intéresse notre artiste chez cette photographe, c'est le fait qu'elle cherche à écrire ce qu'elle n'a pas pu exprimer dans ces œuvres.

Toutes ses références que Miguel Clemente à survoler dans sa formation à l'UPJV, lui ont servis à être l'artiste qu'il est aujourd'hui, un artiste très attaché à l'écriture et à la manière de la rendre œuvre.

ぶんぼ
PAPET

« Je cherche, et j'aime le faire, je cherche les différents thèmes, les effets graphiques, la répétition, répéter les dessins graphiquement fait évoluer ma manière de travailler et de voir les choses comme je veut qu'elles soient, j'ai alors un éventail de proposition devant moi pour montrer un contraste entre textes dans le sens ou on l'entend et graphisme, je rends le texte œuvre et l'oeuvre c'est le texte. » Miguel Clemente.

<figure><img src="image_58.png" /></figure>
ポスタ
AFFIC

Affich, 2019

ぶんぼ
PAPET

Papet, 2019

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Logo, 2020
ポスタ
AFFIC

Affich, 2019

ぶんぼ
PAPET

Papet, 2019

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Logo, 2020
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Siteweb, dans la série "Logo", 2020

<figure><img src="image_62.png" /></figure>

<figure><img src="image_63.png" /></figure>

Séries des "Moonbabies", 2019
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Siteweb, dans la série "Logo", 2020

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Séries des "Moonbabies", 2019
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Ullis, 2020

<figure><img src="image_65.png" /></figure>

Dettes, 2020

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K7, 2019
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Ullis, 2020

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Dettes, 2020

<figure><img src="image_65.png" /></figure>

K7, 2019
Entretien avec Miguel Clemente, réduit pour la transcription à l'écrit, car beaucoup d'autres sujets ont étaient évoqués,

Mercredi 25 Novembre 2020,

18h 07, durée 1h 13 minutes, par visio

Mattéo: Bonjour Miguel, comment ça va ?

Miguel: Ca va et toi, comment se passe ton confinement ?

Ma: Ca va merci, le confinement se passe plutôt bien, j'ai mes cours en visio, c'est un peu compliqué pour diverses raisons mais bon ça va, et toi ?

Mi: Bah écoute oui, ça va aussi, moi je vois ça, en tout cas pour moi, une opportunité de création, alors évidemment pour le monde culturel c'est compliqué, mais c'est une période paradoxale, d'un côté on peut se mettre dans sa bulle, on peut s'isoler pour créer, se recentrer sur nous tout ça, tout ça... mais de l'autre on ne peut assister à une expo, à un spectacle ou aller à la bibliothèque, on ne peut pas s'enrichir en créativité quoi, à part sur internet mais bon...

Ma: Oui c'est sûr, c'est clairement ça, très étrange cette époque, bon en tout cas quoi qu'il en soit merci, merci de me donner de ton temps sûrement précieux, j'imagine que tu as plein de choses à faire donc merci pour avoir accepté de répondre à quelques questions.

Mi: Mais de rien, c'est avec plaisir, et puis voilà c'est aussi bien, c'est très intéressant de débattre sur un sujet et de parler à quelqu'un, de revoir des personnes en ce moment même si c'est par visio ... (rire)

Ma: Oui tout à fait, c'est un plaisir sur moi aussi, du coup je vais être directe sur ma première question, art et écriture, qu'est-ce que tu entend par là, ça t'évoque quoi quand tu entends ce terme ?

Mi: Eh bien pas grand-chose ... non je plaisante, en vérité c'est quelque chose qui forcément attire mon attention puisque je suis graphiste donc j'écris beaucoup et je me sers des instruments de graphistes pour créer des œuvres plastiques donc je même, grossièrement parlant l'art et l'écriture car ce que je propose ce sont des signes, des symboles, des phrases, des mots...et c'est pour ça que tu as choisi de m'interroger moi en particulier mais oui, la première chose à laquelle je pense c'est que
Entretien avec Miguel Clemente, réduit pour la transcription à l'écrit, car beaucoup d'autres sujets ont étaient évoqués,

Mercredi 25 Novembre 2020,

18h 07, durée 1h 13 minutes, par visio

Mattéo: Bonjour Miguel, comment ça va ?

Miguel: Ca va et toi, comment se passe ton confinement ?

Ma: Ca va merci, le confinement se passe plutôt bien, j'ai mes cours en visio, c'est un peu compliqué pour diverses raisons mais bon ça va, et toi ?

Mi: Bah écoute oui, ça va aussi, moi je vois ça, en tout cas pour moi, une opportunité de création, alors évidemment pour le monde culturel c'est compliqué, mais c'est une période paradoxale, d'un côté on peut se mettre dans sa bulle, on peut s'isoler pour créer, se recentrer sur nous tout ça, tout ça... mais de l'autre on ne peut assister à une expo, à un spectacle ou aller à la bibliothèque, on ne peut pas s'enrichir en créativité quoi, à part sur internet mais bon...

Ma: Oui c'est sûr, c'est clairement ça, très étrange cette époque, bon en tout cas quoi qu'il en soit merci, merci de me donner de ton temps sûrement précieux, j'imagine que tu as plein de choses à faire donc merci pour avoir accepté de répondre à quelques questions.

Mi: Mais de rien, c'est avec plaisir, et puis voilà c'est aussi bien, c'est très intéressant de débattre sur un sujet et de parler à quelqu'un, de revoir des personnes en ce moment même si c'est par visio ... (rire)

Ma: Oui tout à fait, c'est un plaisir sur moi aussi, du coup je vais être directe sur ma première question, art et écriture, qu'est-ce que tu entend par là, ça t'évoque quoi quand tu entends ce terme ?

Mi: Eh bien pas grand-chose ... non je plaisante, en vérité c'est quelque chose qui forcément attire mon attention puisque je suis graphiste donc j'écris beaucoup et je me sers des instruments de graphistes pour créer des œuvres plastiques donc je même, grossièrement parlant l'art et l'écriture car ce que je propose ce sont des signes, des symboles, des phrases, des mots...et c'est pour ça que tu as choisi de m'interroger moi en particulier mais oui, la première chose à laquelle je pense c'est que
comme tu le sais j'ai faits mes études à la fac d'art à Amiens, donc à l'UPJV comme toi et je constate
deux niveaux dans art et écriture, c'est donc premièrement l'art d'écrire ou l'écriture comme art,
donc l'écriture est l'oeuvre et donc l'autre niveau c'est écrire sur l'art, l'écriture sur une œuvre.

Ma: Ok, et du coup toi tu fais partie de quelle catégorie, tu préfères quoi, écrire sur l'art ou écrire de l'art ?

Mi: Evidemment que j'ai beaucoup écrit sur l'art dans ma formation universitaire, je crois que tu le fais aussi, après pour moi la fac ça remonte à quelques années mais je suppose que tu passes obligatoirement par là ?

Ma: Oui oui, forcément !

Mi: Oui donc en effet j'ai écrit sur l'art mais je considère qu' écrire sur l'art, c'est la désacraliser, c'est lui coller une sorte de définition alors qu'il n'y en a pas, je ne critique pas les théoriciens de l'art ou les critiques ou vous, les étudiants c'est différent de mon propos mais il me semble qu'une œuvre d'art parle d'elle-même et que si elle a besoin d'explication, elle n'est pas abouti ou ne fonctionne pas tout simplement ! Donc je suis de ceux qui font de l'écriture un art, du moins qui essaye de passer par l'écriture, par l'art d'écrire pour transmettre une émotion.

Après il est évident que c'est une argumentation personnelle, c'est ce que moi je pense, après il y a beaucoup de vérité dans ce genre de questionnement.

Ma: Très bien, et, on peut voir dans certaines de tes œuvres, des mots inscrits avec des écritures, des symboles Asiatiques, de ce que je connais de toi, ce sont des signes Japonais, quel est ton rapport avec le Japon et ton rapport avec leur écriture ?

Mi: Oui en effet il s'agit de mots japonais, qui correspondent le plus souvent au mot, enfin à la traduction que j'en fais, au mot qui est présent sur l'oeuvre, et en fait, depuis ma jeunesse, mes années lycée et à l'université aussi, j'ai été fortement attiré par la culture Japonaise et de ce fait j'en ai étudié les coutumes, j'ai même eu la chance de faire un voyage là-bas et par rapport à ma pratique j'ai pu en apprendre les codes et les traditions graphiquent ainsi que l'art d'écrire un sentiment, l'art d'écrire la nature et j'ai pu lier ça avec mes origines européennes et d'écrire ma nature, celle dans laquelle je vis, si tu vois ce que je veux dire.
comme tu le sais j'ai faits mes études à la fac d'art à Amiens, donc à l'UPJV comme toi et je constate
deux niveaux dans art et écriture, c'est donc premièrement l'art d'écrire ou l'écriture comme art,
donc l'écriture est l'oeuvre et donc l'autre niveau c'est écrire sur l'art, l'écriture sur une œuvre.

Ma: Ok, et du coup toi tu fais partie de quelle catégorie, tu préfères quoi, écrire sur l'art ou écrire de l'art ?

Mi: Evidemment que j'ai beaucoup écrit sur l'art dans ma formation universitaire, je crois que tu le fais aussi, après pour moi la fac ça remonte à quelques années mais je suppose que tu passes obligatoirement par là ?

Ma: Oui oui, forcément !

Mi: Oui donc en effet j'ai écrit sur l'art mais je considère qu' écrire sur l'art, c'est la désacraliser, c'est lui coller une sorte de définition alors qu'il n'y en a pas, je ne critique pas les théoriciens de l'art ou les critiques ou vous, les étudiants c'est différent de mon propos mais il me semble qu'une œuvre d'art parle d'elle-même et que si elle a besoin d'explication, elle n'est pas abouti ou ne fonctionne pas tout simplement ! Donc je suis de ceux qui font de l'écriture un art, du moins qui essaye de passer par l'écriture, par l'art d'écrire pour transmettre une émotion.

Après il est évident que c'est une argumentation personnelle, c'est ce que moi je pense, après il y a beaucoup de vérité dans ce genre de questionnement.

Ma: Très bien, et, on peut voir dans certaines de tes œuvres, des mots inscrits avec des écritures, des symboles Asiatiques, de ce que je connais de toi, ce sont des signes Japonais, quel est ton rapport avec le Japon et ton rapport avec leur écriture ?

Mi: Oui en effet il s'agit de mots japonais, qui correspondent le plus souvent au mot, enfin à la traduction que j'en fais, au mot qui est présent sur l'oeuvre, et en fait, depuis ma jeunesse, mes années lycée et à l'université aussi, j'ai été fortement attiré par la culture Japonaise et de ce fait j'en ai étudié les coutumes, j'ai même eu la chance de faire un voyage là-bas et par rapport à ma pratique j'ai pu en apprendre les codes et les traditions graphiquent ainsi que l'art d'écrire un sentiment, l'art d'écrire la nature et j'ai pu lier ça avec mes origines européennes et d'écrire ma nature, celle dans laquelle je vis, si tu vois ce que je veux dire.
Ma: D'accord, donc la culture de l'écriture Japonaise est vraiment le point de départ de ton travail ?

Mi: Oui tout à fait, mon métier de graphiste est très lié à une production plus commune, plus occidentale même si j'essaie dans sa composition de reprendre les codes asiatiques mais il est vrai que j'aime dans ma pratique artistique de m'éloigner le plus possible de l'Occidentale pour y revenir par un graphisme de l'art japonais, je fais un parallèle dans tous les sens du terme entre les deux cultures mais je laisse plus de place à la culture japonaise qui est le fil rouge de ma pratique.

Ma: Comment t'inscrit-tu, je parle surtout de tes œuvres ou l'écriture et le point central et même dans ton travail, comment t'inscrit-tu dans l'idée d'art écriture ?

Mi: Je ne vois pas cela comme ça, a vrai dire je ne pense pas vraiment à ce terme quand je créer, je fais ça à l'instinct, au feeling par rapport à mes goûts et mes influences, maintenant si je dois faire partie d'un mouvement, quel qu'il soit, si j'ai l'honneur d'être mis dans la catégorie des artistes de l'art écriture...

Ma: Moi je t'y inscris en tout cas !

Mi: Ahhh merci ! C'est très gentil, eh bien je vas pouvoir répondre à ta question comme ça...

Du coup je me vois plus comme un artiste qui va représenter l'écriture et non pas forcément l'écrire directement, je vais faire en sorte d'épurer le plus possible mon propos et ne faire que ce qui est essentiel de faire, en tout cas pour moi, et pour le coup je vais essayer de créer une composition graphique originale et la laisser s'exprimer par elle-même.

Ma: Tu as eu l'occasion d'avoir une exposition à La Lune Des Pirates, la salle de concerts à Amiens située au Quai Bélue, ils ont un espace d'exposition à l'étage, c'était lors d'un événement que tu as créé avec les gérants du lieu, un événement ou tu as lié tes passions, l'art et la musique, car il y avait des concerts en même temps, c'était une expo concert comme tu me l'as dit, l'évènement s'appelait "Soyez sympa, rembobinez", le vernissage à eu lieu le 26 janvier 2020, j'ai eu l'occasion d'y être présent et donc comment c'est passé cette exposition pour toi, et qu'est-ce-que cela t'as apporté ?

Mi: Oui c'était une vraie bonne soirée, j'ai eu beaucoup de chance d'avoir une telle opportunité, surtout pour une première expo, j'étais accompagnée d'une autre artiste qui s'appelle Manon Thiriet et c'est vrai que grâce à cette expo/concert j'ai pu lier mes passions en une soirée et me faire
Ma: D'accord, donc la culture de l'écriture Japonaise est vraiment le point de départ de ton travail ?

Mi: Oui tout à fait, mon métier de graphiste est très lié à une production plus commune, plus occidentale même si j'essaie dans sa composition de reprendre les codes asiatiques mais il est vrai que j'aime dans ma pratique artistique de m'éloigner le plus possible de l'Occidentale pour y revenir par un graphisme de l'art japonais, je fais un parallèle dans tous les sens du terme entre les deux cultures mais je laisse plus de place à la culture japonaise qui est le fil rouge de ma pratique.

Ma: Comment t'inscrit-tu, je parle surtout de tes œuvres ou l'écriture et le point central et même dans ton travail, comment t'inscrit-tu dans l'idée d'art écriture ?

Mi: Je ne vois pas cela comme ça, a vrai dire je ne pense pas vraiment à ce terme quand je créer, je fais ça à l'instinct, au feeling par rapport à mes goûts et mes influences, maintenant si je dois faire partie d'un mouvement, quel qu'il soit, si j'ai l'honneur d'être mis dans la catégorie des artistes de l'art écriture...

Ma: Moi je t'y inscris en tout cas !

Mi: Ahhh merci ! C'est très gentil, eh bien je vas pouvoir répondre à ta question comme ça...

Du coup je me vois plus comme un artiste qui va représenter l'écriture et non pas forcément l'écrire directement, je vais faire en sorte d'épurer le plus possible mon propos et ne faire que ce qui est essentiel de faire, en tout cas pour moi, et pour le coup je vais essayer de créer une composition graphique originale et la laisser s'exprimer par elle-même.

Ma: Tu as eu l'occasion d'avoir une exposition à La Lune Des Pirates, la salle de concerts à Amiens située au Quai Bélue, ils ont un espace d'exposition à l'étage, c'était lors d'un événement que tu as créé avec les gérants du lieu, un événement ou tu as lié tes passions, l'art et la musique, car il y avait des concerts en même temps, c'était une expo concert comme tu me l'as dit, l'évènement s'appelait "Soyez sympa, rembobinez", le vernissage à eu lieu le 26 janvier 2020, j'ai eu l'occasion d'y être présent et donc comment c'est passé cette exposition pour toi, et qu'est-ce-que cela t'as apporté ?

Mi: Oui c'était une vraie bonne soirée, j'ai eu beaucoup de chance d'avoir une telle opportunité, surtout pour une première expo, j'étais accompagnée d'une autre artiste qui s'appelle Manon Thiriet et c'est vrai que grâce à cette expo/concert j'ai pu lier mes passions en une soirée et me faire
connaître d'un côté par ma pratique artistique et de l'autre sur ma musique, même si évidemment
l'expo n'a pas pu aller à son terme à cause de l'épidémie du covid 19, donc c'est dommage mais on
aura l'occasion d'en refaire peut-être une un jour...

Ma: J'espère aussi pour toi et pour tout le monde, en tout cas je te remercie pour cet entretien, pour
tes réponses et pour ce moment de partage sur des sujets divers et variés (rire) et à bientôt, bonne
soirée à toi et bon courage !

Mi: Merci à toi, c'était très intéressant, à refaire vraiment, bon courage à toi pour cette année universitaire si spéciale et à bientôt !

ポートフォリオ

Dossier Art et Création, Mattéo Guitton, 2020
connaître d'un côté par ma pratique artistique et de l'autre sur ma musique, même si évidemment
l'expo n'a pas pu aller à son terme à cause de l'épidémie du covid 19, donc c'est dommage mais on
aura l'occasion d'en refaire peut-être une un jour...

Ma: J'espère aussi pour toi et pour tout le monde, en tout cas je te remercie pour cet entretien, pour
tes réponses et pour ce moment de partage sur des sujets divers et variés (rire) et à bientôt, bonne
soirée à toi et bon courage !

Mi: Merci à toi, c'était très intéressant, à refaire vraiment, bon courage à toi pour cette année universitaire si spéciale et à bientôt !

ポートフォリオ

Dossier Art et Création, Mattéo Guitton, 2020
# FAUX ENTRETIEN D'ARTISTE

Bonjour, merci de me recevoir ici, dans votre atelier si je puis dire, puisque nous sommes dans la rue , à Amiens, l'un de vos lieux de travail euh.... préférés ?

Bonjour, merci à toi, on peut se tutoyer, ça sera plus fluide je pense. C'est très sympathique à toi de vouloir m'interroger sur mon travail, je t'en remercie, vraiment .

Eh bien oui, on est à Amiens, la ville dans laquelle je vis la plupart du temps, c'est ici que tout à un peu commencé donc oui, on peut dire que ça fait partie de mon principal espace de travail, vu que je travaille essentiellement dans l'espace public, donc euh dans la rue, dans les espaces verts, tout ça, tout ça...

Entretien recueilli par Mattéo Guitton, le
16 novembre 2019 à Amiens.

Très bien, et est-ce que tu pourrais me dire, enfin me faire un résumé de votre, de ton parcours pardon, sans forcément rentrer dans les détails de ta vie, mais comment tout ça c'est passé pour toi ?

Comment j'en suis arrivé là tu veux dire ?

Oui, oui, ton parcours pour devenir un artiste ?

Ah ok, donc euh oui, j'ai suivi une formation artistique depuis les années lycée, j'ai été rapidement plus intégréssé par la pratique, il y a eu un moment ou eh bien ... la théorie m'a dépassé, je me suis vraiment plongé dans une pratique artistique, au début dans le cadre des ateliers, et puis au fur et à mesure vers une pratique beaucoup plus personnelle.

C'est comme ça que tout a démarré ?

C'est comme ça que tout a démarré ! J'ai réalisé quelques travaux d'abord pour moi, ensuite j'ai vite compris que j'avais une envie d'aller travailler dans la rue pour m'inspirer de tout ce qui m'entourait, et à force de ... d'exposer dans la ville, j'ai rapidement était remarqué et observé ...

Par des galeries d'art ?
# FAUX ENTRETIEN D'ARTISTE

Bonjour, merci de me recevoir ici, dans votre atelier si je puis dire, puisque nous sommes dans la rue , à Amiens, l'un de vos lieux de travail euh.... préférés ?

Bonjour, merci à toi, on peut se tutoyer, ça sera plus fluide je pense. C'est très sympathique à toi de vouloir m'interroger sur mon travail, je t'en remercie, vraiment .

Eh bien oui, on est à Amiens, la ville dans laquelle je vis la plupart du temps, c'est ici que tout à un peu commencé donc oui, on peut dire que ça fait partie de mon principal espace de travail, vu que je travaille essentiellement dans l'espace public, donc euh dans la rue, dans les espaces verts, tout ça, tout ça...

Entretien recueilli par Mattéo Guitton, le
16 novembre 2019 à Amiens.

Très bien, et est-ce que tu pourrais me dire, enfin me faire un résumé de votre, de ton parcours pardon, sans forcément rentrer dans les détails de ta vie, mais comment tout ça c'est passé pour toi ?

Comment j'en suis arrivé là tu veux dire ?

Oui, oui, ton parcours pour devenir un artiste ?

Ah ok, donc euh oui, j'ai suivi une formation artistique depuis les années lycée, j'ai été rapidemment plus intégréssé par la pratique, il y a eu un moment ou eh bien ... la théorie m'a dépassé, je me suis vraiment plongé dans une pratique artistique, au début dans le cadre des ateliers, et puis au fur et à mesure vers une pratique beaucoup plus personnelle.

C'est comme ça que tout a démarré ?

C'est comme ça que tout a démarré ! J'ai réalisé quelques travaux d'abord pour moi, ensuite j'ai vite compris que j'avais une envie d'aller travailler dans la rue pour m'inspirer de tout ce qui m'entourait, et à force de ... d'exposer dans la ville, j'ai rapidement était remarqué et observé ...

Par des galeries d'art ?
Peut tu maintenant me parler de ta pratique, de ton travail d'aujourd'hui, en quoi ça consiste pour ceux qui ne te connaissent pas encore ?

Oui, bien sûr, je réalise, la plupart du temps des sculptures, des volumes avec les différentes choses qui me sont proposées par la ville, par l'environnement qui est autour de moi, je prends ce qui m'entoure, j'en fais une forme inédite, imaginaire pour... par rapport au contexte présent.

La politique par exemple ?

La politique, l'écologie, l'art contemporain, je fais en sorte de ne pas me limiter pour pouvoir travailler tout le temps et pour faire ce dont j'ai vraiment envie maintenant, je travaille avec ce que je vois, avec ce que j'entends, avec ce qui se passe, c'est pour ça que la rue, la ville, la nature c'est des choses qui me parlent, c'est ce à quoi mon regard est habitué à voir, c'est peut-être même ce que je ne vois plus tellement j'y suis habitué. Je ne peux pas travailler et parler de choses que je ne connais pas.

Par des gens, des passants au début et puis je ne sais comment, peut-être par le bouche-à-oreille ou par la chance je ne peux pas te dire, une galerie, enfin un monsieur, ou une dame, je ne sais plus trop, il me semble que c'était un monsieur, oui enfin bref, cette personne m'a contactée via les réseaux sociaux même si je n'y étais pas trop présent, c'était la personne responsable de la galerie Le 180, à Rouen, donc on s'est contacté plusieurs fois jusqu'à ce qu'elle me dise de venir présenter mes travaux à l'occasion d'un vernissage sur une exposition d'oeuvre de jeunes artistes, et puis euh à partir de là on a travaillé ensemble, enfin avec la dame, cette fois-ci je m'en rappelle, la dame présente à la galerie puisque le responsable était souvent en voyage, la dame qui s'appelle Anne... je ne sais plus comment, décidément! Mais voilà, je commençais un peu à gagner ma vie, puis après j'ai travaillé ici, à Amiens avec la galerie d'art Stéphane Plaza Immobilier, car oui il y avait une galerie d'art dans cette agence immobilière qu'était quand même pas mal... et puis là, depuis quelques mois je suis avec la galerie E2/Sterput à Bruxelles et euh ... et voilà.
Peut tu maintenant me parler de ta pratique, de ton travail d'aujourd'hui, en quoi ça consiste pour ceux qui ne te connaissent pas encore ?

Oui, bien sûr, je réalise, la plupart du temps des sculptures, des volumes avec les différentes choses qui me sont proposées par la ville, par l'environnement qui est autour de moi, je prends ce qui m'entoure, j'en fais une forme inédite, imaginaire pour... par rapport au contexte présent.

La politique par exemple ?

La politique, l'écologie, l'art contemporain, je fais en sorte de ne pas me limiter pour pouvoir travailler tout le temps et pour faire ce dont j'ai vraiment envie maintenant, je travaille avec ce que je vois, avec ce que j'entends, avec ce qui se passe, c'est pour ça que la rue, la ville, la nature c'est des choses qui me parlent, c'est ce à quoi mon regard est habitué à voir, c'est peut-être même ce que je ne vois plus tellement j'y suis habitué. Je ne peux pas travailler et parler de choses que je ne connais pas.

Par des gens, des passants au début et puis je ne sais comment, peut-être par le bouche-à-oreille ou par la chance je ne peux pas te dire, une galerie, enfin un monsieur, ou une dame, je ne sais plus trop, il me semble que c'était un monsieur, oui enfin bref, cette personne m'a contactée via les réseaux sociaux même si je n'y étais pas trop présent, c'était la personne responsable de la galerie Le 180, à Rouen, donc on s'est contacté plusieurs fois jusqu'à ce qu'elle me dise de venir présenter mes travaux à l'occasion d'un vernissage sur une exposition d'oeuvre de jeunes artistes, et puis euh à partir de là on a travaillé ensemble, enfin avec la dame, cette fois-ci je m'en rappelle, la dame présente à la galerie puisque le responsable était souvent en voyage, la dame qui s'appelle Anne... je ne sais plus comment, décidément! Mais voilà, je commençais un peu à gagner ma vie, puis après j'ai travaillé ici, à Amiens avec la galerie d'art Stéphane Plaza Immobilier, car oui il y avait une galerie d'art dans cette agence immobilière qu'était quand même pas mal... et puis là, depuis quelques mois je suis avec la galerie E2/Sterput à Bruxelles et euh ... et voilà.
Et c'est pour ça que je ne me contente que de
mon espace de vie pour réaliser et imaginer
mes travaux. Donc je prends des morceaux
de la ville, du béton, de la ferraille, du bois,
du carton ect ect ... Et donc je fais des
formes abstraites de premier abord mais qui
correspondent à une continuité figurative de
l'espace dans laquelle elle se trouve, l'oeuvre
fait partie de l'espace, elle fait corps avec lui.

Du fait que tu travailles dans la rue, est ce
que cela fait de toi un Street artiste, ou alors
est-ce que tu te considères comme un Street
artiste, comment tu te définis dans
l'art finalement ?

Ah c'est un débat assez compliqué, c'est
difficile de me considérer moi-même, je veux
dire par là que moi ... je fais mes œuvres et
c'est tout après je suis un artiste parce que je
me sens comme tel et puis les institutions, les
médias ... m'ont fait artiste officiel quoi,
donc euh je laisse faire les autres dans cette
question-là, mais moi je ne me considère pas
comme un Street artistes par sa définition
classique s'il y en a une, je travaille, certes
euh dans la rue, dans la ville mais d'ailleurs
je me sens plus près de la vie que de la ville,
disons plus simplement que je travaille dans
la vie, je sais pas ...euh, après je peux
comprendre qu'on puisse m'intégrer dans
cette appartenance artistique et ça ne me
dérange pas, seulement, je ne veux pas être
dans une case j'ai l'impression que cela me
limite dans ma création, autant avoir euh
autant voir plus large pour mieux euh pour
avoir un large éventail de possibilités, donc
peu importe, moi je ne me vois pas dans une
classification artistique mais je ne vois aucun
inconvénient à ce qu'on cherche à quel genre
appartient mon travail, au contraire.

D'accord et du coup, ça va être une question
un peu compliquée mais euh, tu préféres être
un artiste qui marche bien et qui créer des
œuvres qui parlent à tout le monde et de ce
fait tu serais plus célèbre ou bien préférais tu
être un artiste qui reste ancré dans ces choix
personnels au détriment du goût des autres ?

Eh bien, oui, alors, j'ai bien entendu envie de
faire en sorte que mes créations provoquent un
sentiment aux spectateurs, je veux faire en sorte
qu'ils soient touchés par mes travaux, parce que
c'est pour moi le propre d'un artiste d'être une
personne qui touche les autres, mais c'est vrai
que je partirais toujours du principe que je ferais
ce que j'ai envie de faire et pour l'instant ce que
j'ai fait, c'est ce que j'ai eu vraiment envie de
faire et que cela parle quand même aux gens
puisque je gagne ma vie grâce à ma
passion...donc j'aimerais avant tout rester moi-
même, être artiste tout simplement, après c'est
vrai que la célébrité, bien que différente dans le
monde de l'art, est forcément apprécié.

Il est aussi évoqué que tu t'intéresses à la fiction
depuis peu, est-ce que tu peux m'en dire un
mot ?

Oui, je m'intéresse à cette notion car on peut
tout se permettre avec la fiction, on peut créer
tout un univers et en faire les moindres choix et
les moindres conséquences, et ce qu'il y a de
stupéfiant c'est que la fiction, le faux sert à
montrer la vérité, c'est la façon la plus subtile,
sans obligatoirement mentir, mais c'est la façon
la plus discrète de présenter le monde à travers
la représentation, enfin pour moi en tout cas, on
peut tout faire, tout ce permettre, créer toutes
sortes de choses fausses en affirmant que c'est
vrai, tu pourrais faire de fausses œuvres d'art,
des faux reportages ou des fausses interviews
par exemple, tu resteras crédible malgré tout, car
en sachant que c'est impossible tu ne doutes pas
que cela puisse être vrai ou inversement si tu es
persuadé que tout est possible, rien ne semble
impossible...je ne sais pas si tu vois ce que je
veut dire vraiment, mais en gros c'est ça, pour
moi !

Oui oui je vois tout à fait ! Et du coup, une
dernière petite question pour toi, quelle est ta
définition de l'art en quelques mots ?

Ouh la la, et bien l'art est pour moi euh ... je
vais dire que c'est un univers plein de questions
dans lequel il ne faut pas s'attendre à avoir de
réponses !
Et c'est pour ça que je ne me contente que de
mon espace de vie pour réaliser et imaginer
mes travaux. Donc je prends des morceaux
de la ville, du béton, de la ferraille, du bois,
du carton ect ect ... Et donc je fais des
formes abstraites de premier abord mais qui
correspondent à une continuité figurative de
l'espace dans laquelle elle se trouve, l'oeuvre
fait partie de l'espace, elle fait corps avec lui.

Du fait que tu travailles dans la rue, est ce
que cela fait de toi un Street artiste, ou alors
est-ce que tu te considères comme un Street
artiste, comment tu te définis dans
l'art finalement ?

Ah c'est un débat assez compliqué, c'est
difficile de me considérer moi-même, je veux
dire par là que moi ... je fais mes œuvres et
c'est tout après je suis un artiste parce que je
me sens comme tel et puis les institutions, les
médias ... m'ont fait artiste officiel quoi,
donc euh je laisse faire les autres dans cette
question-là, mais moi je ne me considère pas
comme un Street artistes par sa définition
classique s'il y en a une, je travaille, certes
euh dans la rue, dans la ville mais d'ailleurs
je me sens plus près de la vie que de la ville,
disons plus simplement que je travaille dans
la vie, je sais pas ...euh, après je peux
comprendre qu'on puisse m'intégrer dans
cette appartenance artistique et ça ne me
dérange pas, seulement, je ne veux pas être
dans une case j'ai l'impression que cela me
limite dans ma création, autant avoir euh
autant voir plus large pour mieux euh pour
avoir un large éventail de possibilités, donc
peu importe, moi je ne me vois pas dans une
classification artistique mais je ne vois aucun
inconvénient à ce qu'on cherche à quel genre
appartient mon travail, au contraire.

D'accord et du coup, ça va être une question
un peu compliquée mais euh, tu préféres être
un artiste qui marche bien et qui créer des
œuvres qui parlent à tout le monde et de ce
fait tu serais plus célèbre ou bien préférais tu
être un artiste qui reste ancré dans ces choix
personnels au détriment du goût des autres ?

Eh bien, oui, alors, j'ai bien entendu envie de
faire en sorte que mes créations provoquent un
sentiment aux spectateurs, je veux faire en sorte
qu'ils soient touchés par mes travaux, parce que
c'est pour moi le propre d'un artiste d'être une
personne qui touche les autres, mais c'est vrai
que je partirais toujours du principe que je ferais
ce que j'ai envie de faire et pour l'instant ce que
j'ai fait, c'est ce que j'ai eu vraiment envie de
faire et que cela parle quand même aux gens
puisque je gagne ma vie grâce à ma
passion...donc j'aimerais avant tout rester moi-
même, être artiste tout simplement, après c'est
vrai que la célébrité, bien que différente dans le
monde de l'art, est forcément apprécié.

Il est aussi évoqué que tu t'intéresses à la fiction
depuis peu, est-ce que tu peux m'en dire un
mot ?

Oui, je m'intéresse à cette notion car on peut
tout se permettre avec la fiction, on peut créer
tout un univers et en faire les moindres choix et
les moindres conséquences, et ce qu'il y a de
stupéfiant c'est que la fiction, le faux sert à
montrer la vérité, c'est la façon la plus subtile,
sans obligatoirement mentir, mais c'est la façon
la plus discrète de présenter le monde à travers
la représentation, enfin pour moi en tout cas, on
peut tout faire, tout ce permettre, créer toutes
sortes de choses fausses en affirmant que c'est
vrai, tu pourrais faire de fausses œuvres d'art,
des faux reportages ou des fausses interviews
par exemple, tu resteras crédible malgré tout, car
en sachant que c'est impossible tu ne doutes pas
que cela puisse être vrai ou inversement si tu es
persuadé que tout est possible, rien ne semble
impossible...je ne sais pas si tu vois ce que je
veut dire vraiment, mais en gros c'est ça, pour
moi !

Oui oui je vois tout à fait ! Et du coup, une
dernière petite question pour toi, quelle est ta
définition de l'art en quelques mots ?

Ouh la la, et bien l'art est pour moi euh ... je
vais dire que c'est un univers plein de questions
dans lequel il ne faut pas s'attendre à avoir de
réponses !
Ok, très bien, merci à toi pour cet entretien et de m'avoir donné de ton temps pour répondre à mes questions, et puis bonne continuation à toi et plein de bonnes choses pour le futur !

Merci à toi, j'espère avoir répondu comme il faut à tes questions, bonne continuation à toi aussi, plein de créations artistiques t'attendent, et à bientôt peut être ?

Oui avec plaisir, passe une bonne journée, merci encore !

De rien, bonne journée !!

Faux entretien d'artiste, Mattéo Guitton, 2020
Ok, très bien, merci à toi pour cet entretien et de m'avoir donné de ton temps pour répondre à mes questions, et puis bonne continuation à toi et plein de bonnes choses pour le futur !

Merci à toi, j'espère avoir répondu comme il faut à tes questions, bonne continuation à toi aussi, plein de créations artistiques t'attendent, et à bientôt peut être ?

Oui avec plaisir, passe une bonne journée, merci encore !

De rien, bonne journée !!

Faux entretien d'artiste, Mattéo Guitton, 2020