# De l'intermédialité au nouveau matérialisme. L'esthétique postanatomique pour la scène contemporaine.

Andrea Giomi

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Andrea Giomi. De l'intermédialité au nouveau matérialisme. L'esthétique postanatomique pour la scène contemporaine. JIT 2022 - Journées d'Informatique Théâtrale 2022, Inria Grenoble Rhône Alpes; ENSATT Lyon; Laboratoire Passages XX-XXI de l'Université Lyon 2, Oct 2022, Lyon, France. hal-04153499

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# DE L'INTERMÉDIALITÉ AU NOUVEAU MATÉRIALISME. L'ESTHÉTIQUE POSTANATOMIQUE POUR LA SCÈNE CONTEMPORAINE

Andrea Giomi

Accademia Albertina di Belle Arti di Torino

andrea.giomi@albertina.academy

## RÉSUMÉ

La scène théâtrale intermédiaire se révèle de plus en plus comme un écosystème complexe où interagissent de multiples agentivités, y compris environnements technologiques. Par cela, elle est récemment devenue un objet d'étude pour les approches néomatérialistes, qui conduisent un décentrement majeur de l'anthropocentrisme au sein des arts et des sciences. En partant de ce constat, cet article présente une lecture des formes performatives technologiques contemporaines en portant une attention particulière aux représentations "postanatomiques" du corps, notion que nous allons introduire en adoptant une approche néomaterialiste. En particulier, les créations hybrides et inter-artistiques de Isabelle Choinière, Jaime del Val, Marco Donnarumma, Margherita Pevere et Isabelle Van Grimde, seront présentées. Faisant écho à certains propos du nouveau matérialisme et notamment à la notion d'intra-action, ces artistes conçoivent la technique comme moyen pour solliciter l'émergence de corporéités hybrides qui intègrent l'alterité non humaine (machinique, animale, végétale, inorganique) dans leur écosystème. Les pratiques scéniques présentées offrent ainsi un terrain critique pour repenser non seulement les "marges" de la scène médiatique contemporaine mais elles suggèrent également un horizon poétique pour interroger les politiques des corps en rapport avec les technologies numériques.

## 1. INTRODUCTION

### 1.1. La remédiation la scène théâtrale

Depuis désormais une trentaine d'années, les technologies numériques ont fait leur apparition dans le spectacle vivant en modifiant de manière profonde les enjeux de la création théâtrale ainsi que le rapport entre spectateur et événement scénique. L'introduction sur scène des nouveaux médias tels que l'image numérique, le streaming vidéo, la diffusion sonore immersive, les systèmes de capture de mouvement, la robotique et la réalité augmentée a en effet sollicité l'émergence de nouvelles formes d'écriture médiatique qui touchent désormais les aspects formels de la mise en scène, l'élaboration dramaturgique, la scénographie, le jeu d'acteur, le rapport entre le performeur et l'espace, et la participation active du public [32]. Pendant les deux derniers décennies, la manière dont ces technologies ont transformé les formes spectaculaires a fait l'objet de nombreuses études visant à répertorier les nouveaux

modes d'existence de la scène théâtrale à travers le prisme du numérique [3][10][17], du multimédia [22] [25][26][27] et de l'intermédiaité [7][24][28][31]. Dans ce cadre, les chercheurs et les chercheuses ont étudié davantage les processus de remédiation numérique de la scène théâtrale, en s'intéressant, entre autres, aux effets de présence produits par le virtuel [4][14][15][23], à l'augmentation du corps de l'acteur/performeur par la technologie [6][9][13][29], à la déterritorialisation du théâtral par d'autres médias [18].

### 1.2. Un décentrement majeur

Ces approches, souvent issues de la tradition postmoderne, ont étudié les technologies comme des médias capables de renouveler l'univers esthétique et poïétique de la création artistique ainsi que de transformer la scène théâtrale en scène augmentée, numérique, et immersive. Cependant, les approches intermédiaires de la remédiation, ne semblent pas totalement rendre compte des transformations en cours qui traversent d'une part les technologies actuelles, et d'autre part la création contemporaine, D'un côté, nous observons aujourd'hui un changement majeur dans le statut même des médias, dont le mode d'existence est de moins en moins celui de l'instrument, et de plus en plus celui de l'agent, capable d'exhiber sa propre performativité (réseaux de neurones, IA, machine learning, etc.). De l'autre, la création contemporaine semble s'éloigner de plus en plus du paradigme théâtre+numérique, pour expérimenter des formes spectaculaires inter- et transartistiques issues de pratiques hybrides, qui ne sont pas réductibles à l'intermédiaité, à la remédiation et à l'augmentation de la scène théâtrale. Autant l'agentivité technologique que les pratiques hybrides de la scène contemporaine reflètent un glissement épocal au sein des sciences et des arts, visant à questionner le rôle de l'anthropocentrisme dans notre culture. Ce "décentrement" est crucial notamment au sein approches dites néomaterialistes. Issu de théoriciennes telles que Karen Barad, Rosi Braidotti, Elizabeth Grosz, Jane Bennett et Vicki Kirby, le nouveau matérialisme émerge principalement au sein du féminisme, de la philosophie, des études scientifiques et de la théorie culturelle au début des années 2000 en réaction à la tendance linguistique et culturelle de la tradition postmoderne. Dans ce cadre, elles proposent des nouveaux paradigmes qui repensent les pratiques discursives du point de vue de leurs interactions dynamiques (intra-actions) avec les phénomènes matériels, y compris les objets
inorganiques, les technologies et les organismes et processus non humains. Dans ce contexte, les environnements technologiques sont considérés comme des sujets porteurs d'une agentivité plus-que-humaine, (more-than-human) capable de déclencher des processus d'hybridation: en informant les comportements individuels, les interactions sociales et la communication, les technologies numériques modifient matériellement l'utilisateur humain en participant à la construction de sa subjectivité.

## 1.3. Intermédialité théâtrale et nouveau matérialisme

La scène théâtrale se révèle dès lors un intéressant objet d'étude pour les approches néomaterialistes puisqu'il s'agit d'un écosystème complexe où interagissent de multiples agentivités, y compris les environnements technologiques. La publication récente de Hervé Guay, Jean-Marc Larrue, Nicole Nolette [19], en suivant la piste ouverte par Rebecca Schneider [34], représente une première importante exploration au sein des études théâtrales. Dans ce cadre, les auteurs considèrent l'ouverture vers les approches néomaterialistes, non pas comme une nouvelle façon de la tradition postmoderne mais plutôt comme une conséquence du décentrement méthodologique initié par la réflexion autour de l'intermédiairité théâtrale.

En suivant cette piste, cet article présente une lecture des formes performatives technologiques contemporaines en portant une attention particulière aux représentations "postanatomiques" du corps, notion que nous allons introduire en adoptant une approche néomaterialiste. En particulier, les créations hybrides et inter-artistiques de Isabelle Choinière, Jaime del Val, Marco Donnarumma, Margherita Pevere et Isabelle Van Grimde, seront présentées. Faisant écho à certains propos du nouveau matérialisme et notamment à la notion d'intra-action [2], ces artistes conçoivent la technique comme moyen pour solliciter l'émergence de corporéités hybrides qui intègrent l'alterité non humaine (machinique, animale, végétale, inorganique) dans leur écosystème. En particulier, nous allons analyser la notion d'"intercorporéité" chez Choinière (2007-2013) ; les performances-installations de Del Val (2013-17) sur les écologies post-queer et les technologies de surveillance ; les performances sonores de Donnarumma et Pevere (2018) qui engagent l'IA en proposant une approche critique de la politique des corps ; les créations intermédiaires d'Isabelle Van Grimde (2018-19) qui encouragent une vision futuriste féminine de l'hybridation corps-technologie. Dans ces travaux, nous retrouvons un questionnement profond autour des limites de l'expérience sensible dans laquelle les technologies figurent comme vecteurs de bio-morphisme, d'antinormativité et de détournement.

# 2. L'ESTHÉTIQUE POSTANATOMIQUE

## 2.1. Une notion issue du féminisme néo-matérialiste

Le terme "corps post-anatomique" a été utilisé pour la première fois par Jaime del Val pour décrire une image corporelle produite par les technologies de médiation dans laquelle le corps devient "méconnaissable, seulement presque lisible, il n'a pas d'anatomie clairement définie, pas de sexe et de genre binaire, pas d'humanité reconnaissable, il prolifère dans de multiples devenirs de sexe et d'espèce, il est un élément en devenir et inorganique" [35]. En partant de cette définition, nous utilisons le terme postanatomique pour désigner une tendance esthétique majeure de le scène contemporaine visant à déstructurer la représentation anatomique du corps par le biais des technologies. Cette approche esthétique se base sur la capacité du performeur à perturber les normes anatomiques en intégrant des formes d'agentivité plus qu'humaines. Le préfixe "post" fait référence à la tradition postmoderne, et en particulier au posthumanisme féministe [5]. Le posthumanisme désigne plusieurs théories philosophiques revendiquant la fin de l'humanisme et de l'anthropocentrisme, de même que le postanatomique renvoie à un ensemble de stratégies esthétiques visant à déconstruire les représentations "anatomiques". Il convient de souligner que l'anatomie est ici considérée comme un appareil disciplinaire [16], à savoir un dispositif normatif. En ce sens, le dispositif anatomique est à entendre comme une façon de regarder les corps, un filtre perceptif et cognitif nous permettant de voir, de représenter et de conceptualiser la corporéité selon une grille normative particulière. D'un point de vue féministe, l'anatomie peut être interprétée comme une représentation formelle de l'Homme de Vitruve [5] : un modèle supposé universel de l'humanité (c'est-à-dire une version masculine blanche cis-hétéronormative de l'humain) qui nie les innombrables spécificités humaines - de couleur, de genre, d'habilité, de mouvement, de pensée, de culture. Au contraire, les corps performatifs de Choinière, Val, Donnarumma, Pevere et Van Grimde, dissèquent l'anatomie pour la réassembler en une configuration hybride de genres, de machines informatiques, de matière inorganique et d'organismes non humains.

Le terme "esthétique" est ici adopté pour désigner une tendance particulière au sein de la scène théâtrale hybride contemporaine. Cependant, la notion d'esthétique fait également référence au le fait que les approches postanatomiques impliquent des pratiques sensibles de perception, de mouvement, d'affect, d'écoute et de vision matériellement engagées, au-delà des niveaux discursif et linguistique. Les stratégies esthétiques adoptées par les artistes sont diverses : de l'utilisation de la lumière pour réduire la visibilité du corps, à l'expérimentation de l'image numérique, pour susciter des représentations de genre fluide, de l'utilisation du son pour animer des machines technologiques à l'emploi de la projection pour fragmenter l'intégrité et l'unité corporelles. Dans les pages suivantes, nous allons analyser ces stratégies en
examinant la manière dont ces créations scéniques suggèrent des configurations possibles d'anatomies fluides et d'altérités technologiques. Ce faisant, nous observons également comment ces pratiques artistiques résonnent avec le nouveau tournant matérialiste de la théorie féministe [1] [21][33][39].

Nous allons voir, en effet, comment certains concepts fondamentaux du féminisme néo-matérialiste tels que l'entrelacement, la diffraction, la co-adaptation et l'intra-action, peuvent être adoptés pour lire la manière dont l'agentivité non-humaine participe à la construction de la corporeité et de la subjectivité humaines. En ce sens, dans le cadre des créations scéniques postanatomiques, l'altérité non humaine n'est pas présentée comme une contrepartie passive. Au contraire, l'altérité est considérée comme une entité capable d'exercer sa propre agentivité. Cette agentivité se caractérise par une dimension rhizomatique qui est souvent distribuée entre les sujets humains, les caméras, les algorithmes, le son, les écrans, les reliques inorganiques et les organes corporels-machiniques.

## 2.2. Meat Paradoxe (2007-13)

Isabelle Choinière est chorégraphe et chercheuse, spécialiste reconnue dans le domaine de la recherche. Considérée comme l'une des véritables pionnières de la danse numérique avec des pièces futuristes telles que *La démence des anges* (1999), elle explore aujourd'hui les nouvelles formes de la scène performative hybride intégrant la technologie, le son et le mouvement dans une approche transdisciplinaire. Au centre de sa recherche, on retrouve les notions merleau-pontiennes de chair et d'intercorporéité. Choinière explore la manière dont l'interface technologique peut être utilisée comme moyen pour développer un corps collectif, c'est-à-dire une entité auto-organisée formée par plusieurs corps. L'un des points de départ de sa pensée chorégraphique est en effet l'idée que deux corps peuvent former une entité circulaire et réversible.

Dans *Meat Paradoxe* (2007-2013), Choinière explore le potentiel des technologies dans la création d'un environnement sensoriel capable d'activer les principes d'auto-organisation entre un groupe de danseurs. La pièce est conçue par la chorégraphe comme une sculpture tridimensionnelle en mouvement [8] composée par cinq danseurs partiellement nus qui forment un agglomérat corporel amorphe – un corps collectif - grâce au contact constant de leurs corps. Chaque danseur est équipé d'un microphone sans fil qui lui permet de produire des traces sonores (mots, gémissements, chants, bruits produits par le contact entre les corps, etc.). Le matière sonore ainsi générée est élaborée et spatialisée en temps réel via un logiciel conçu par Dominique Besson. Les sons et les gestes produits par chaque performeur deviennent ainsi des échos du corps collectif, la manifestation médiatisée du d'un corps multiple qui émerge comme une entité sonore. Selon Enrico Pitozzi [30], le corps sonore créé par Choinière ne répond pas simplement à une stratégie anthropomorphique. Le traitement sonore vise, en effet, à générer une image sonore "molécularisée" du corps. La recherche de Choinière semble ainsi pénétrer la

matière du son et en même temps, celle du corps, car elle opère "à l'intérieur d'une fine limite où la forme du corps et du son se dissolvent". Visuellement et kinesthésiquement, la proximité des corps nus des danseurs et la vibration sonore collective qu'ils produisent, constituent une masse intercorporelle qui vise à générer une "déhiérarchisation" des corps individuels [8], et qui amène les spectateurs, au moins métaphoriquement, au milieu de la chair, au sens merleau-pontien du terme.

La recherche artistique de Choinière, semble évoquer aussi une nouvelle condition esthétique: les technologies permettent de rendre intelligible et percevable notre entrelacement fondamental avec les autres corps, et les autres sujets ; par cela, il faut entendre les interfaces tout d'abord comme des techniques corporelles, une façon d'interroger et de modifier la conscience du corps. Les environnements technologiques conçues par Choinière sont en effet des outils de reconfiguration de la corporéité, des agents de la transformation du corps-sujet. En modifiant notre rapport corporel au monde, les technologies induisent une réorganisation de la géographie sensorielle du performeur ; dans ce cadre, la conscience proprioceptive du corps devient un site d'émergence de nouvelles corporalités dont le couplage avec les environnements technologiques (fils, logiciels, signaux, bit, ondes sonores, etc.) produit une nouvelle chair numérique.

## 2.3. Micro-sexes (2013-2015)

Jaime del Val est un artiste transdisciplinaire, théoricien et activiste espagnol qui se définit comme binaire et non humain. Depuis les années 2000, Val développe des projets interdisciplinaires comprenant des ateliers, des conférences et des performances (par exemple le Metabody Forum) qui remettent en question les technologies de surveillance contemporaines ainsi que les conceptions normatives d'affect, sexe, genre et habilité [37]. Informé par les théories néomatérialistes et posthumanistes, il/elle propose de questionner les pratiques algorithmiques de contrôle, issues des dichotomies visuelles rationalistes, avec l'indétermination du mouvement, qui s'enracine dans la proprioception (c'est-à-dire le sens interne, musculaire-articulaire du mouvement du corps). "Metaformance" est un terme utilisé par Val pour définir une série de performances/installations hybrides qui mettent en cause la perspective géométrique et linéaire. Pendant les "métaformances", le public et l'interprète peuvent faire l'expérience d'un "environnement intra-actif" leur permettant de percevoir le mouvement au-delà de l'espace géométrique cartésien [36]. Les performances de Val reposent sur l'utilisation de la technologie *Flexinamics*, une structure mobile et portable composée de matériaux flexibles et de textiles translucides. Composée de modules adaptables, la structure devient un environnement performatif multimédia interactif pour des espaces extérieurs et intérieurs qui peuvent être configurés en fonction de situations performatives spécifiques. Les modules sont fixés au corps de l'interprète (comme une sorte de kinésphère augmentée), ce qui lui permet de se déplacer
librement dans l'espace. Les métastructures *Flexinamics* permettent de prolonger le sens de la proprioception dans un environnement plus large par le biais de relations élastiques : en effet, le corps à l'intérieur de la structure est invité à explorer des torsions non conventionnelles, en se concentrant sur la connexion kinesthésique élastique aux structures [37]. Le corps de l'interprète est également équipé de capteurs de mouvement, de microphones radio et d'interfaces de traitement audio numérique, lui permettent de produire des sons électroniques en temps réel. De plus, des images 3D sont projetées soit sur la structure mobile, soit directement sur le corps de l'interprète.

Microsexes, est une métaformance permettant au corps de se percevoir à travers des microcaméras placées sur la peau et à travers le traitement électronique de la voix. Cet environnement intra-actif peut être expérimenté soit comme une performance, soit comme un atelier participatif. Dans la performance, Val utilise des caméras de surveillance, attachées aux mains, pour capturer et zoomer sur différents fragments de son corps nu. Les images, capturées par les caméras, sont diffusées en direct et projetées soit sur l'architecture mobile (*Flexinamics*), soit sur un écran. Comme les caméras sont attachées aux mains, elles permettent à Val de réaliser des gros plans du corps, offrant une vision tactile et amorphe de la corporéité. Ce faisant, la technologie de médiation met en œuvre deux processus différents de reconfiguration corporelle : d'une part, elle permet au spectateur de percevoir la peau comme une territorialité élargie remettant en question l'intelligibilité des frontières anatomiques ; d'autre part, les visions rapprochées de parties du corps (c'est-à-dire la main, le dos, le cou ou les parties génitales), mettent en œuvre une fragmentation corporelle qui laisse émerger une performance des "organes sans corps" [40]. Ce faisant, les mouvements de caméra offrent une perspective toujours changeante sur une anatomie sans forme. Cette image corporelle peut être décrite mais seulement comme anti-perspectiviste mais aussi comme non-humaine : la peau amorphe de l'interprète est immédiatement perçue comme une altérité indéterminée qui nous laisse penser à un organisme étranger fait de désir et d'impulsions vitales, dans lequel prolifèrent des micro-sexes. De plus, l'utilisation de la voix électronique pendant la performance renforce la perception d'un paysage étranger, fait d'organes sexuels multiples, indéterminés et émergents, délivrant un sentiment d'intimité (non humaine). Cette corporalité amorphe joue avec la perception du spectateur afin de remettre en question les définitions normatives et binaires du sexe et du genre biologiques. En ce sens, l'expérience de *Microsexes* montre comment l'appareil technique construit matériellement des configurations discursives et perceptives du genre, du sexe et de l'organisme.

Dans la version participative de la métaformance, le public peut se déplacer dans la structure *Flexinamics* et interagir avec l'interprète, en influençant les mouvements de l'interprète, et en modifiant ainsi le résultat audiovisuel. Dans ce contexte, les spectateurs peuvent percevoir une imbrication complexe entre leur corps, le corps de l'interprète, le retour audio-visuel et la structure architecturale. Un tel environnement intra-actif

complexe permet l'émergence d'une situation perceptive inhabituelle dans laquelle la corporéité devient un champ relationnel. L'expérience permet d'explorer les "désalignements" anatomiques et les micro-déviations subtiles par rapport aux postures et trajectoires de mouvement habituelles. Ainsi, les corps se perçoivent mutuellement de manière proprioceptive plutôt que de manière perspective, ce qui permet une écologie affective dans laquelle la relationnalité découle de l'excès de frontières normatives.

## 2.4. Eingeweide (2018)

Marco Donnarumma est un artiste-performeur, musicien, et chercheur, connu pour son travail théâtral, pour ses performances sonores et pour ses installations robotiques. Son travail s'intéresse au lien entre performance rituelle, computation autonome et politique du corps. Depuis 2014, les recherches de Donnarumma portent sur la notion d'hybridation, en se concentrant sur la manière dont les corps humains et technologiques peuvent donner naissance à une écologie complexe dans laquelle "l'expérience, la psyché, la matérialité et la technologie sont toujours en tension les unes avec les autres" [11]. Dans ses performances, les intra-actions homme-machine sont explorées en combinant les corps des interprètes avec des prothèses mécaniques, des systèmes d'IA et des capteurs bio-physiques ; une caractéristique particulière de sa pratique est l'utilisation de signaux électriques et mécaniques musculaires (EMG/MMG) qui lui permettent d'interagir avec le son et les lumières par la contraction des muscles. Margherita Pevere est une bio-artiste, performeuse et chercheuse dont le travail se développe au croisement de la biotechnologie, de l'écologie et des études queer. Sa pratique artistique peut être décrite comme diffractive puisqu'elle combine des protocoles scientifiques avec des installations artistiques, des performances, des collections de plantes et de reliques animales. Les études de Pevere portent sur la transformation de la matière biologique et technologique, en s'interrogeant sur la manière dont les organismes vivants et les agents non humains peuvent alimenter le débat sur l'interconnexion entre les humains et la biosphère dans une époque hyper-technologique.

Donnarumma et Pevere ont collaboré pour la création de *Eingeweide* (2018), une performance transdisciplinaire fusionnant art corporel, théâtre, art sonore et nouveaux médias. La pièce présente deux créatures nues immergées dans un espace sombre à peine éclairé par des led et des spots révélant les corps des interprètes et un paysage désolé fait de reliques non humaines (tas de gros sel, prothèses, organes hors du corps, peaux inorganiques, serveurs informatiques). Un paysage sonore électronique immersif enveloppe la scène : basses fréquences, sons granulaires, effets de saturation, voix lointaines et percussions techno. L'environnement sonore amplifie théâtralement les rythmes organiques des corps en les réverbérant à travers des impulsions lumineuses artificielles. Du point de vue chorégraphique, la performance se concentre sur le travail au sol et la relation corporelle à la gravité. Les deux corps interagissent l'un avec l'autre en mettant en
déclenchent de manière interactive une texture sonore. Chaque panneau offre un traitement d'image différent, permettant ainsi aux spectateurs de choisir le corps du futur qu'ils souhaitent adopter.

La troisième partie d'Eve 2050 est l'œuvre scénique, qui intègre plusieurs éléments de l'installation (panneaux interactifs, son, projections holographiques). L'immersivité visuelle est renforcée par des projections à grande échelle qui couvrent à la fois la scène et les interprètes. Dans ce dernier volet du triptyque, huit danseuses et danseurs d'origines culturelles et ethniques différentes évoluent dans un environnement immersif et interactif évoquant une humanité connectée où de multiples formes d'incarnation sont mobilisées : mutations génétiques, cohabitation de l'humain et de l'IA, rêves d'immortalité, hybridation humain-non humain et identités évolutives post-genre.

D'un point de vue technique, la combinaison de logiciels d'analyse d'images et de systèmes de capture de mouvement (c'est-à-dire des caméras de profondeur et des techniques de suivi du squelette) est adoptée dans l'ensemble du triptyque. Dans la web-série, la technologie interactive est utilisée pour générer des effets visuels sur les corps des actrices et des acteurs sans utiliser des techniques de post-production. Des effets similaires sont projetés sur les corps des spectateurs, qui peuvent se promener dans l'installation interactive, et sur les corps des interprètes pendant la pièce théâtrale. Cette approche à la technique peut être considérée comme "diffractive", dans un sens néomatérialiste [2], car elle montre comment la même technologie peut être re-située dans différents contextes artistiques (web-série, installation, performance) et mise en œuvre par diverses agentivités (acteurs, spectateurs, interprètes sur scène). À cet égard, Eve 2050 engage son public dans une enquête artistique, esthétique et éthique sur l'avenir de l'être humain à l'ère de la technologie numérique - dans laquelle les avancées biomédicales et l'intelligence artificielle gagnent du terrain - en conduisant le spectateur dans une exploration incarnée à travers les transformations possibles des identités. Le pour distinguer des lignes de code du reste du texte.

## 3. CONCLUSIONS

Dans son dernier ouvrage *Staying With the Trouble*, la philosophe féministe Donna Haraway propose une perspective inédite sur la manière dont nous pouvons reconfigurer nos relations avec la terre et ses habitants [20]. Notre époque, qu'elle appelle "Chthulucène", est une époque dans laquelle les humains et les non-humains sont inextricablement liés par des liens tentaculaires. Dans ce cadre, les écosystèmes technologiques doivent être compris comme de véritables agents, plutôt que de pures interfaces de représentation, capables de modifier matériellement les utilisateurs/observateurs humains. Comme le suggère Haraway, ce cadre exige l'adoption de postures participatives telles que la sym-poiesis, ou faire-avec, plutôt que l'auto-poiesis, ou la fabrication de soi. Apprendre à rester dans le trouble, apprendre l'art de vivre avec l'altérité semble être nécessaire pour construire des futurs plus vivables.

Dans les créations scéniques analysées, les artistes visent à enquêter, à travers la perception du spectateur, l'accord intime entre la temporalité du corps, la matière sonore et visuelle, et les mécanismes d'affection, tout en mettant en lumière les influences que les technologies contemporaines ont sur la circulation et l'échange de signes entre êtres vivants. En termes expressives, le travail performatif de ces artistes relève d'une approche qu'on peut définir postanatomique, s'articulant autour de la deconstruction, et de la transformation de la figure humaine par le biais d'un travail spécifique sur l'image projetée, sur la sonification, et sur la dimension gravitaire et musculaire du corps. L'impact cognitif et émotionnel de cette transformation est directement lié aux propriétés dynamiques de la matière (physique, visuelle et acoustique) et de la forme vivante simulée, s'articulant à partir d'illusions perceptives, déclenchées par l'annulation des frontières corporelles, et induites par la limitation de la lumière et par des environnements sonores immersifs.

Ces approches postanatomiques interrogent le rapport entre scène et technologies selon trois logiques majeures : (i) le bio-morphisme, (ii) l'antinormativité et (iii) le détournement.

(i) Dans les créations scéniques analysées, la corporéité est constamment infectée, altérée et polluée par d'autres agents non humains. Par cela, les artistes conçoivent la médiation technologique comme processus de déterritorialisation et de métamorphose permettant de déconstruire de manière dynamique l'intégrité anatomique. Le corps devient ainsi une entité méta-stable qui invite les spectateurs à repenser la nature de l'être, comme un projet expérimental dans lequel les différences et les multiplicités prolifèrent.

(ii) Présentant l'anatomie comme fluide, en mutation permanente, orientée vers la transformation, le corps postanatomique déconstruit les représentations normatives de l'anatomie humaine en termes de genre, de sexe, de habilité et de normalité. En ce sens, les corps postanatomiques semblent refuser les politiques disciplinaires fondées sur la normalisation des usages du corps, sur le patriarcat et sur le binarisme. Dans cette critique micro-politique de l'anthropocentrisme normatif, les relations asymétriques de pouvoir sont remplacées par la diversité et l'inclusivité.

(iii) En faisant écho au concept néo-matérialiste de "response-ability" [2], les approches postanatomiques proposent un contexte d'expérience esthétique pour repenser les usages de la technologie. À travers la notion d'hybridité, ces pratiques mettent en scène un détournement des valeurs intrinsèques du dispositif. Plus précisément, elles remettent en cause les valeurs normatives d'efficacité, de contrôle et de surveillance qui sont incarnés par les biotechnologies, l'intelligence artificielle et les technologies de la communication actuelles.

En ce sens, les pratiques scéniques présentées proposent une "résistance du monde sensible" qui ne se traduit pas dans une proposition anti-technologique. Au
contraire, elles considèrent que les environnements technologiques imprègnent déjà toute notre vie quotidienne, en affectant nos comportements sociaux, nos désirs et nos mouvements. À cet égard, les artistes présentés offrent un terrain critique pour repenser les "marges" de la scène médiatique contemporaine et de l'informatique théâtrale [38] dans le sillage de l'intermédiairité. De plus, elles/ils suggèrent un horizon poétique pour s'interroger autour des politiques des corps en rapport aux technologies numériques aujourd'hui.

## 4. RÉFÉRENCES

1. Alaimo, Stacy, Susan Hekman, and Susan J. Hekman, eds. Material feminisms. Indiana University Press, 2008.

2. Barad, Karen. Meeting the Universe Halfway: Quantum Physics and the Entanglement of Matter and Meaning. Duke University Press, 2007.

3. Bardiot, Clarisse. "Arts de la scène et technologies numériques : les digital performances", Leonardo/Olats, 2013.

4. Bourassa, Renée, and Louise Poissant. Personnage virtuel et corps performatif: Effets de présence. PUQ, 2013.

5. Braidotti, Rosi. The Posthuman. Polity Press, 2013.

6. Broadhurst, Susan, and Josephine Machon. Performance and technology. Practice of Virtual Embodiment and Interactivity. Palgrave Macmillan, 2006.

7. Chapple, Freda, and Chiel Kattenbelt, eds. Intermediality in theatre and performance. Vol. 2. Rodopi, 2006.

8. Choinière, Isabelle. "Somatic/embodiment/technology as an evolutive strategy: The ontological shift of the performative body in contact with technologies." Journal of Dance & Somatic Practices, 10(2), 2018.

9. Davidson, Andrea, Isabelle Choinière, and Enrico Pitozzi. Through the prism of the senses: New Realities of the Body in Contemporary Performance. Technologies, Cognition and Emergent research-creation Methodologies. Intellect Books, 2020.

10. Dixon, Steve. Digital performance: a history of new media in theater, dance, performance art, and installation. MIT press, 2007.

11. Donnarumma, Marco. "Beyond the cyborg: performance, attunement and autonomous computation." International Journal of Performance Arts and Digital Media 13.2 (2017): 105-119.

12. Donnarumma, Marco. "Across Bodily and Disciplinary Borders. Hybridity as methodology, expression, dynamic" Performance Research, 25:4, 2020.

13. Féral, Josette. L'acteur face aux écrans. Corps en scène, éditions L'Entretemps, 2018.

14. Féral, Josette, and Edwige Perrot. De la présence aux effets de présence. Ecarts et enjeux. Rennes: Presses universitaires de Rennes, 2012.

15. Féral, Josette, and Edwige Perrot. Le réel à l'épreuve des technologies. Presses Universitaires de Rennes, Rennes, 2013.

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18. Giannachi, Gabriella. The Politics of New Media Theatre. Routledge, 2007.

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