A y regarder de plus près encore, nous pouvons observer la présence de nombreux insectes. En effet, une abeille butine une fleur des giroflées blanches, en même temps qu'une fourmi évolue sur des pétales de cette même fleur et qu'un papillon est posé sur la partie supérieure de cette tige. Une libellule est représentée sur un des pétales de la rose *Centifolia*, et cette même fleur est butinée par une guêpe. Ensuite, une chenille ondule sur la tige du pavot double. Enfin, une petite sauterelle est discrètement peinte sur les feuilles de la branche de fleurs d'oranger. Ces insectes, placés avec parcimonie sur le bouquet, rappellent la nature éphémère de ces fleurs, peintes ici à leur apogée, mais destinées à faner et donc à perdre de leur éclat.

Ici, Gerard van Spaendonck fait une démonstration de sa maîtrise dans l'art de peindre des fleurs, alliant la minutie à un souci de réalisme. L'artiste y fait figurer des détails d'une grande qualité, à l'instar de gouttes d'eau rappelant la rosée du matin et la fraîcheur des fleurs. Ces perles d'eau sont notamment représentées sur la Rose *Centifolia* et les feuilles du pavot double. L'attention portée lors de la réalisation de cette toile est traduite par une facture lisse et raffinée. Chaque

fleur est donc peinte dans son plus bel état de floraison ou d'épanouissement, sans pour autant éclipser les éléments adjacents, le tout assemblé dans une sorte de méli-mélo.

Cette œuvre est aujourd'hui insérée dans un cadre en bois doré aux contours rectangulaires et au centre ovale, épousant la forme de la toile. Celle-ci prend alors l'apparence d'un médaillon dans lequel l'orthogonalité de l'appui en marbre fait écho à la forme rectiligne du cadre. Les motifs végétaux de ce dernier rappellent le sujet du tableau, formant ainsi un ensemble cohérent.

## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Ce tableau a été peint en 1773, soit trois ans après l'arrivée de Gerard van Spaendonck à Paris et un an avant sa nomination en tant que « Peintre du roi pour la miniature » par Louis XVI. Il s'agit donc d'une œuvre de jeunesse, antérieure à ses premières expositions aux Salons du Louvre et donc à ses premiers succès.
D'après le catalogue d'exposition rédigé par Sam Segal et Margriet van Boven, cette œuvre aurait fait partie de la collection de M. Lollier, et compterait partie les cinq tableaux acquis par l'amateur d'art. Ces renseignements sont corroborés par le catalogue de vente dudit collectionneur, indiquant même que cette peinture aurait été conçue avec un pendant ovale représentant un bouquet de fleurs dans une coupe d'albâtre avec une monture en bronze. Ainsi, à l'instar de plusieurs tableaux de l'artiste brabançon, cette œuvre serait un élément d'une paire dont l'ensemble formerait une composition cohérente et complémentaire. Cependant, nous ne disposons pas d'informations supplémentaires permettant d'identifier ce pendant.
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©Musée des Beaux-Arts d'Angers

Vase de fleurs, vers 1775, huile sur toile, 0,51 x 0,62 m, signature en bas à droite G. van Spaendonck f., Angers, Musée des Beaux-Arts, n° inv. MBA J 406 (J1881)P

### Hist.

- Vente Livois, Angers, 1791, n°141, non reproduite

- Acquisition Musée des Beaux-Arts d'Angers, 1799, avec la mention « saisie révolutionnaire »

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

- Bon état de conservation

### Expo.

- Gand, musée des Beaux-Arts, 1960 (L'œuvre est alors attribuée à Cornelis van Spaendonck)

- Bordeaux, galerie des Beaux-Arts, 1978

- Paris, Petit Palais, 1979

- Gétigné, Domaine de la Garenne Lemot, 1999

- Gumna, musée d'Art moderne ; Chiba, musée municipal ; Wakayama, musée d'Art moderne ; Kore, musée municipal d'art ; Takamatsu, musée des Beaux-Arts, 2002

- Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional, 2019, n°9
Bibliographie de l'œuvre

- Association des floralies internationales du Musée du Petit Palais, Peintres de fleurs en France du XVIIe au XIXe siècles, cat. expo., Paris, Musée du Petit Palais - Paris, Palais des Beaux-Arts de la ville de Paris, (19 mai 1979 - 2 septembre 1979), Paris, Les presses artistiques, 1979, n°51.

- Bulletin de la Société de l'Histoire de l'Art, Année 1999, note n°79.

- Collectif, *Les chefs d'œuvre du musée d'Angers*, cat. expo., Japon, 2002, p.72.

- Jean-Jacques Delusse, *Catalogue des tableaux du musée d'Angers fait en Vendémiaire an 14, 1805*, Archives de la ville d'Angers, 2 R 17, n°228.

- Jean-Jacques Delusse, *Nouvelle notice des tableaux du muséum d'Angers, département de Maine et Loire*, Angers, Mame, 1816, n°188.

- Dominique-Clément de Ris, *Les Musées de province*, Paris, 1859 - 1861, 2 volumes, réed. 1865, t.I p.245.

- Paul Eeckhout et André A. Moerman, *Fleurs et jardins dans l'art flamand*, cat. exp. Gand, Musée des Beaux-

Arts de Gand (10 avril - 26 juin 1960), Edition de la Connaissance, S.A., Bruxelles, 1960, n°141 (l'œuvre était alors attribuée à Cornelis van Spaendonck).

- Paul Huys Janssen, *Gerard & Cornelis van Spaendonck. Bloemschilders in Parijs. De geur van Succes*, cat. expo., Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (26 avril 2019-25 août 2019), Wbooks, 2019, n°9.

- Michel et Fabrice Fare, *La vie silencieuse en France. La nature morte au XVIIIe siècle*, Fribourg, Office du livre, 1976, n°490.

- Henry Jouin, *Notice des peintures et sculptures du musée d'Angers et description de la galerie David précédée d'une biographie de P.-J. David d'Angers*, Angers, Lachèse, Belleuvre et Dolbeau, 1870, 256 p., n°296

- Henry Jouin, *David d'Angers, sa vie, son œuvre, ses écrits et ses contemporains*, Paris, E. Plon et Cie, 1878, 2 vol., n°296

- Henry Jouin, *Musées d'Angers : peintures, sculptures, cartons, miniatures, gouaches et dessins, collection Bodinier, collection Lenepveu, legs Robin, musée David*, Angers, Lachèse et Dolbeau, 1881, 306 p., n°406.
- Henry Jouin, *Inventaire général des richesses d'art de la France, Province, monuments civils*, tome III, Paris, E. Plon et Nourrit et Cie, 1885, 450 p., n°359.

- Patrick Le Nouëne (dir.), *Chefs-d'oeuvre du Musée des beaux-arts d'Angers : du XIVe au XXe siècle*, Angers, Musée des beaux-arts d'Angers – Paris, Somogy, 2004, 332 p., n°90.

- Pierre-Joseph-Abel Marchand, *Notice des tableaux du muséum de l'Ecole centrale du département de Maine et Loire dont l'exposition aura lieu dans ladite Ecole, les quintidi et décadi de chaque décade, à compter du quinze floréal, jusqu'au 30 fructidor an 9*, Angers, impr. CC. Mame, père et fils, s. d., n°92.

- Pierre-Joseph-Abel Marchand, *Nouvelle notice des tableaux du muséum de l'Ecole centrale du département de Maine-et-Loire, dont l'exposition aura lieu dans la dite Ecole, tous les dimanches*, Angers, s. d., n°228.

- Adrien Mercier, *Notice des tableaux du musée d'Angers*, Angers, Cosnier & Lachèse, 1842, n° 207.

- Adrien Mercier, *Notice des tableaux du musée d'Angers*, Angers, Cosnier & Lachèse, 1847, n°207.

- Pierre Sentout, *Catalogue raisonné d'une très belle collection de tableaux des écoles d'Italie, de Flandres, de Hollande et de France ; pastels, miniatures, gouaches, dessins qui composaient le Cabinet de Feu M. de Livois à Angers*, Angers, 1791, n°141 (Un exemplaire à la BN F.17a/1270b).

- Louis Tavernier, "Le musée d'Angers. Notes pour servir à l'histoire de cet établissement", extrait du *Journal de Maine et Loire*, Angers, 1855, n°141.

- Margriet van Boven, Sam Segal, Gerard & Cornelis van Spaendonck. Twee Brabantse bloemenschilders in Parijs, cat. expo., Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (12 décembre 1980-08 février 1981) Maarssen, La Haye : Gary Schwartz, Sdu, 1988 [première édition : 1980], n°10.
## Description et analyse stylistique

Ce tableau de format rectangulaire propose une coupe en lapis lazuli montée en bronze doré, dont les anses serpentines sont en forme de cygne. Le bouquet qui y est contenu prend une disposition oblique – de l’angle supérieur droite à l’angle inférieur gauche. L’arrière-plan de l’œuvre est réalisé dans des teintes marron-beige, offrant ainsi un champ neutre et uniforme pour contraster avec la variété de couleurs des fleurs peintes. L’ensemble de la composition florale repose sur un rebord en pierre brun clair et avec un effet satiné. Dans la partie inférieure droite, le rebord présent une brèche, offrant alors un espace propice à l’apposition de la signature de l’artiste.

Quelques fleurs se démarque au sein de ce bouquet, notamment des Rose Centifolia, des boules de neige blanches, des primevères rouges et blanches, une tulipe bicolore jaune et violette, et enfin, des roses trémières. Ainsi, la plupart des fleurs offre des volumes généreux et sphériques, tandis que d'autres contribuent à animer la composition dans diverses directions, participant donc à son épanouissement.

Ici, Gerard van Spaendonck déploie tout son art afin de mettre les fleurs en valeur. Il use de sa technique et de sa finesse pour représenter des détails floraux avec une grande minutie, comme les ciselures des feuilles, des détails des petits pétales ou bien les plumes de cygne qui ornent l'anse. De même, il s'attache à rendre ces fleurs sous leur plus bel aspect et à différents stades de leur floraison, variant ainsi les volumes, les couleurs et les formes. En outre, certaines fleurs et leur coloris font écho aux matériaux de la coupe. Ainsi, la tulipe bicolore et une renoncule jaune rappellent le bronze doré ; tandis que le bleu de la rose trémière renvoie au lapis lazuli.

Ajoutons que la plupart des natures mortes peintes par l'artiste brabançon contient des vases avec des formes, des couleurs et des matériaux différents ; mais peu d'entre elles comprennent un support similaire à ce tableau. En effet, van Spaendonck semblait privilégier les contenants verticaux, à l'instar des vases et des urnes, plutôt que des objets bas, tels que cette coupe. Cependant, l'agencement floral et la coupe constituent un ensemble harmonieux, d'où émane une impression de simplicité et de sobriété.
Enfin, notons que le cadre en bois doré porte l'estampille
**E.L INFROIT JME.** Cela signifie Etienne-Louis Infroit, le nom
d'un maître sculpteur et menuisier (1720-1774), suivi de la
marque de jurande JME, faisant référence à la Jurande des
Menuisier Ebéniste, dont la corporation fut effective entre 1751
et 1789.

Contextualisation : commande, réalisation, production de
l'artiste

Cette œuvre appartient à la période de jeunesse de
l'artiste, nouvellement arrivé à Paris et récemment nommé
« Peintre du roi pour la miniature ». Au regard des tableaux
réalisés ultérieurement, il apparaît que cette composition est
moins complexe, offrant moins d'éléments peints (pas de nids,
pas de fond architecturé, pas de piédestal, etc.), se focalisant
donc sur l'objet essentiel qu'est le bouquet et quelques détails
ornementaux.
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©Sotheby's

Nature morte de fleurs dans un vase, sur un rebord, 1775, huile sur toile, 0,56 x 0,46 m, signature en bas au centre G van Spaendonck 1775

### Hist.

- Vente Sotheby's, New York, 2006, n°118, reproduit

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

### Bibliographie

- Margriet van Boven, Sam Segal, Gerard & Cornelis van Spaendonck. Twee Brabantse bloemenschilders in Parijs, cat. expo, Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (12 décembre 1980-08 février 1981) Maarssen, La Haye : Gary Schwartz, Sdu, 1988 [première édition : 1980], n°148.

### Description et analyse stylistique

Cette toile ovale est aujourd'hui intégrée dans un cadre en bois doré rectangulaire dont l'espace central épouse la forme ovoïde de l'œuvre. Gerard van Spaendonck offre ici une composition issue de son travail de jeunesse, c'est-à-dire un
tableau avec un fond neutre et uniforme, comprenant uniquement une coupe remplie de fleurs et posée sur un rebord en marbre.

Pour être plus précis, il s'agit d'une coupe ouverte en agate avec une monture en bronze doré. La forme originale de ce contenant demeure visible malgré quelques fleurs plus envahissantes, essentiellement disposées du côté droit. La composition florale est disposée devant un arrière-plan sombre, contrastant alors avec les nombreuses nuances utilisées pour peindre les fleurs. Quant au rebord, il semble fait de marbre rouge avec des nervures plus foncées.

Quelques fleurs se démarquent de l'ensemble, à l'instar d'une tulipe bicolore jaune et violette - récurrente chez l'artiste brabançon -, une tige de jonquilles blanches, des roses de Noël, deux roses *Centifolia* et un œillet blanc. Les coloris de ces fleurs ne sont pas choisis au hasard dans la mesure où la tulipe rappelle la teinte du fond de l'œuvre, tandis que les jonquilles font écho à l'éclat du bronze doré. Ajoutons qu'une tige avec deux roses *Centifolia* est délicatement posée à gauche au pied de la coupe. Cela permet alors d'équilibrer la

composition puisque ces deux roses apportent un peu de volume à ce côté moins riche en fleurs et en volumes.

Ici encore, van Spaendonck déploie toute sa technique et tout son art pour rendre un bouquet harmonieux, fait de couleurs variées et vives. La délicatesse caractéristique du peintre brabançon se retrouve dans le détail des fleurs, des insectes peints sur différentes feuilles et fleurs ; mais aussi dans l'aspect précieux des matériaux tels que le marbre et l'agate.

## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Cette œuvre serait datée de 1775, et compterait parmi les premières années de la carrière artistique de Gerard van Spaendonck. Les informations relatives à l'historique de l'œuvre sont très clairsemées et ne permettent pas de comprendre son parcours dans le marché de l'art. Cependant, en croisant les informations, une hypothèse peut être émise : il pourrait s'agir d'une œuvre exposée au Salon du Louvre en 1777. En effet, une œuvre similaire - avec une coupe d'agate
et des dimensions identiques - a été présentée par l'artiste au
Salon. Plusieurs possibilités s'offrent alors à l'interprétation :
cette œuvre ne serait pas celle exposée en 1777 au Salon du
Louvre ; ou bien cette œuvre a été peinte en 1775 mais
exposée en 1777 ; ou encore la datation définie par Sotheby's
serait erronée et le tableau aurait été peint en 1777.

Enfin, d'après les experts de Sotheby's, ce tableau de
Gerard van Spaendonck aurait fait partie de la collection
Demidoff<fnref n="122" />, aussi appelée collection San Donato, mais aucun
document ne permet d'infirmer ou de confirmer une telle
hypothèse.

<footnote n="122">122 Collection d'œuvres d'art constituée au cours du XIXe siècle par la famille Demidoff et conservée à la villa San Donato (Italie). La collection est vendue entre 1863 et 1880 par les héritiers de la famille et quelques œuvres sont acquises par</footnote>

<footnote>de riches amateurs d'art, peuplant ainsi de nombreux musée par-delà le monde
(exemple : la Wallace Collection, la National Gallery of Art, le Metropolitan
Museum of Art, la National Gallery, etc.).</footnote>
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<figure><img src="image_8.png" /></figure>

©Numérisation personnelle depuis les archives du R.K.D

Un bouquet de différentes fleurs savamment grouppées (sic) dans un vase en marbre de belle forme orné d'un bas-relief de jeux d'enfans (sic), 1775, peinture sur toile, 1,20 m x 0,93 m.

### Hist.

- Vente Watelet, Paris, 1786, n°29, non reproduite

- Vente Louis-Philippe Ier, Paris, 1851, n°175, non reproduite

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

### Bibliographie de l'œuvre

- Margriet van Boven, Sam Segal, Gerard & Cornelis van Spaendonck. Twee Brabantse bloemenschilders in Parijs, cat. expo, Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (12 décembre 1980-08 février 1981) Maarssen, La Haye: Gary Schwartz, Sdu, 1988 [première édition: 1980], p.196 (n°145).
## Description et analyse stylistique

Il s'agit de la première œuvre recensée de Gerard van Spaendonck représentant un bouquet de fleurs dans un vase sur pied, privilégiant alors la verticalité à l'horizontalité. Mais le peintre tilbourgeois conserve ses autres caractéristiques récurrentes, à savoir le fond neutre, le rebord en pierre et le bouquet qui occupe presque tout l'espace de la toile, quel que soit le format.

Cependant, ici toute analyse iconographique est freinée par l'absence d'une représentation en couleurs de cette toile. En effet, même si l'historique de l'œuvre permet de comprendre une partie de son parcours depuis la sortie de l'atelier de l'artiste, une image en couleurs demeure introuvable.

L'ensemble sobre comprend donc un rebord en pierre, sans doute en marbre de couleur claire. Sur ce support est posé un vase en marbre sur pied et dont la panse est ornée d'un bas-relief. Cette scène sculptée représente des enfants jouant, peut-être avec des balles, mais l'identification demeure difficile du fait de la mauvaise qualité de l'image à disposition.

Ensuite, ce bouquet présente une grande variété de fleurs, toutes orientées dans des directions divergentes, de façon à donner une grande ampleur à la composition florale, tant en épaisseur qu'en hauteur. Ainsi, des fleurs de pavot, des roses trémières, des roses Centifolia, des tulipes bicolores, des giroflées des jardins, ou encore des pivoines ornent ce bouquet. De manière très raffinée, une tige de rose est représentée à droite, sur le rebord en pierre, à l'écart du bouquet et dont un pétale est posé à l'autre extrémité de ce support. Cela a pour effet d'équilibrer davantage la composition puisque le bouquet luxuriant s'oppose au rebord très épuré.

Ici encore, Gerard van Spaendonck fait preuve d'une grande maîtrise dans l'art de peindre les fleurs et d'une grande minutie, illustrée cette fois aussi dans la peinture du vase et des bas-reliefs. Par ailleurs, l'artiste propose un rendu très travaillé des matières, apportant un contraste fort entre la dureté du vase en marbre et la délicatesse des fleurs.

Cet agencement floral n'est pas sans rappeler les œuvres de Jan van Huysum (1682-1749), un contemporain de van Spaendonck, dont les natures mortes de fleurs se composent de la même manière : un support en pierre, un
bouquet proposant de nombreuses fleurs et un fond neutre. Il apparaît donc indubitable que le peintre brabançon s'est inspiré de ce maître amstellodamois pour ses tableaux.

## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

L'œuvre est datée de 1775 et serait le tableau soumis à l'Académie royale de Peinture pour l'agrément de van Spaendonck. Ceci est notamment confirmé dans le catalogue de vente de la collection de Claude-Henri Watelet (1786) : « [...] ce tableau peint en 1775 a été accepté d'une seule voix à l'Académie Royale pour agréer cet habile Artiste ».

En outre, cette œuvre, véritable jalon dans la carrière institutionnelle du peintre brabançon, a servi de modèle pour un artiste appartenant aux suiveurs de Gerard van Spaendonck. Ainsi, une œuvre vendue aux enchères chez Sotheby's en 2012, *Fleurs dans un vase sur un rebord en marbre*, reprend le tableau de van Spaendonck. Cette peinture ayant appartenu à Giancarlo Baroni, a d'ailleurs été attribuée à Cornelis van Spaendonck, avant de lui être refusée au profit d'un peintre

anonyme. Cette version propose des coloris chauds, avec une dominante de fleurs rouges, jaunes et blanches, se détachant sur un fond neutre marron-beige. Nous pouvons alors imaginer que l'artiste a restitué les couleurs originales de l'œuvre du peintre tilbourgeois, mais nous ne disposons pas de preuve pour confirmer cette hypothèse.
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<figure><img src="image_9.png" /></figure>

©Numérisation personnelle depuis les archives du R.K.D

Vase de fleurs, nid d'oisillons et fruits posés sur un entablement de marbre bréché, 1775, 0,71 x 0,58 m, signature en bas à droite (illisible)

### Hist.

- Vente de Tascher, Paris, 1817, n°36, non reproduit

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

### Bibliographie

### Description et analyse stylistique

Cette œuvre propose une composition florale dense, avec de nombreuses fleurs volumineuses contenues dans un vase sur pied et posé sur un support en pierre au bord sinueux. L'ensemble se détache sur un fond neutre, sans doute marron ou brun foncé. Ici, les informations relatives à l'œuvre sont quasiment inexistantes, rendant difficile l'identification et la contextualisation de ce tableau.

A l'instar des autres natures mortes de Gerard van Spaendonck, certaines fleurs sont davantage mises en valeur,
telles que les *Roses Centifolia*, les pavots, une rose trémière, une tulipe bicolore, ou encore des œillets d'Inde. Le bouquet est d'ailleurs agrémenté de grandes feuilles qui apportent une réelle densité à l'agencement floral. Ces éléments de verdure contrastent vivement avec les couleurs pastel des fleurs et les formes variées de ces dernières. De plus, une infime partie du vase semble apparaître entre les fleurs et les feuillages. Ce dernier pourrait être en marbre ou en albâtre, peut-être de couleur beige ou bien légèrement plus sombre comme du brun. A l'instar d'autres vases peint par l'artiste, celui-ci semble orné d'un bas-relief sur la panse. En effet, ce vase présente un profil sinueux, peut-être le résultat d'une ornementation, mais la qualité médiocre de la représentation ne permet pas un développement plus vaste sur ce point. De même, certaines fleurs demeurent difficiles à identifier, ce qui fausse le rendu des couleurs et des matières.

Ajoutons que cette œuvre du peintre brabançon propose deux choix iconographiques inédits : un rebord en pierre non rectiligne et la présence de fruits à proximité immédiate du vase, comblant l'espace laissé sur le support. La première nouveauté, cette courbure du rebord en marbre, apporte du

mouvement à la composition, donnant l'impression que l'entablement et le bouquet se répondent dans une même dynamique. D'une certaine façon, cette variation contribue à l'harmonie de l'œuvre puisque le rebord orthogonal, présent dans d'autres tableaux, installe une certaine distance entre le bouquet et le spectateur. Ensuite, trois fruits sont peints au pied du vase, plus précisément une grappe de raisins blancs, une grappe de raisins rouges et une pêche. Ces fruits sont récurrents dans les œuvres ultérieures de Gerard van Spaendonck. Ainsi, ces fruits représentés à leur maturité, tout comme les fleurs peintes à leur apogée, viennent compléter la composition florale. Ils font écho à la vie des fleurs qui, ensemble, fleurissent progressivement, atteignent leur plus bel état, et fanent tout aussi graduellement.

## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Nous disposons de très peu d'informations relatives à cette œuvre, ces dernières se limitant à un cartel incomplet et à la mention d'une vente aux enchères ayant eu lieu le 20 février 1983 à Versailles, dans le Palais des Congrès.
Cependant, il semble que cette peinture ne soit recensée nulle part, que ce soit sur les bases de données de ventes aux enchères ou bien dans les catalogues de vente.

Par ailleurs, quand bien même la qualité de la représentation n'est pas optimale, la facture de cette œuvre semble différente des autres compositions florales de Gerard van Spaendonck. En effet, il semblerait que la délicatesse caractéristique du peintre brabançon ne soit pas de mise dans ce tableau, et surtout dans la peinture des fleurs délicates comme les Roses *Centifolia* ou bien les pavots. De même, dans la plupart des œuvres de l'artiste tilbourgeois, l'organisation du bouquet peut sembler désordonnée mais elle répond toujours à un axe de composition déterminé en fonction du support et du contenant ; or ici, des élans verticaux sont dirigés indistinctement dans tous les sens, ne privilégiant aucunement un axe principal, ni ne mettant en valeur un élément particulier.

Tous ces éléments peuvent laisser penser que l'attribution de cette œuvre à Gerard van Spaendonck est une erreur, mais il ne s'agit que d'une hypothèse sans fondement concret, ni preuve à l'appui. Dans le cas où cette peinture n'a pas été réalisée de la main de l'artiste hollandais, il pourrait

s'agir d'un travail d'un de ses suiveurs qui se serait inspiré du style du maître.
<figure><img src="image_10.png" /></figure>

©Christie's

Grenades, pêches, raisins et capucines dans un panier avec une urne sculptée sur le rebord, 1776, 0,65 x 0,55 m, signature G. van Spaendonck. 1776

### Hist.

- Vente de Tascher, Paris, 1817, n°35, non reproduit

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

### Bibliographie

- Margriet van Boven, Sam Segal, Gerard & Cornelis van Spaendonck. Twee Brabantse bloemenschilders in Parijs, cat. expo., Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (12 décembre 1980-08 février 1981) Maarssen, La Haye : Gary Schwartz, Sdu, 1988 [première édition : 1980], p. 196-197 (n°146).

### Description et analyse stylistique

Gerard van Spaendonck propose ici une œuvre de format rectangulaire et reprend les mêmes caractéristiques artistiques appliqués dans ses œuvres antérieures, à savoir un
fond neutre et nuancé, ici brun-noir, et le sujet exposé au
centre, sur un rebord rectiligne en pierre.

Cependant, le peintre brabançon se renouvelle et innove
en ajoutant une urne sculptée sur la droite et en remplaçant un
bouquet fourni par une corbeille en osier garnie de fruits.

Ainsi, le tableau offre deux espaces distincts. Tout
d'abord, au premier plan figure la corbeille de fruits comprenant
trois grappes de raisins (noirs, rouges et blancs), trois pêches
et deux grenades. La grappe de raisins blancs déborde de son
contenant et vient chevaucher le rebord en pierre, s'imposant
ainsi au premier plan et rompant alors l'orthogonalité du
support. Il en est de même pour une branche de vigne qui est
délicatement posée en équilibre devant la corbeille. A bien y
regarder, ces deux éléments occupent le premier plan de
l'œuvre et sont placés au centre de celle-ci. En outre, ils
agissent comme un guide pour le regard du spectateur qui se
focalise alors sur la grappe de raisins avant de se découvrir sur
la corbeille puis sur l'urne sculptée.

Ensuite, les autres fruits remplissent entièrement la
corbeille, induisant une idée d'abondance et de profusion.
Notons que la grenade peinte à droite est ouverte, laissant sa

chaire pulpeuse à la vue de tous. Deux autres éléments
végétaux jouxtent cette grenade avec, au centre, une capucine
en fleur et quelques feuilles, et derrière, une autre branche de
vigne. Ce dernier rameau occupe une partie de l'arrière-plan du
tableau puisque les feuilles de vignes sont représentées à
gauche tandis que l'autre extrémité est orientée vers la droite,
permettant une continuité visuelle avec l'urne placée juste en
retrait.

L'arrière-plan comprend donc cette urne sculptée, sans
doute dans de l'albâtre, qui paraît imposante par sa taille
puisqu'elle surplombe la corbeille. Un rapport ambigu est
entretenu entre l'urne et la corbeille, dans la mesure où ces
deux entités tantôt s'opposent, tantôt se complètent. En effet,
la robustesse de l'urne contraste avec la fragilité de la corbeille,
et plus précisément des fruits qu'elle contient. De même que
cette corbeille semble placée dans un équilibre précaire entre
le bord de l'entablement en pierre et une encoche au niveau de
la panse de l'urne, empêchant ainsi la corbeille d'être stable.

Cependant, il existe également des points communs
entre les deux objets, et notamment le thème viticole qui est
présent à plusieurs reprises : avec les branches de vigne et les
raisins dans la corbeille, dont le motif est repris autour de l'anse de l'urne et dans le bas-relief représentant deux *putti* affairés à la vendange. Ainsi, ces deux objets s'opposent autant qu'ils se font écho, apportant du dynamisme à l'œuvre et à lecture.

Ici encore Gerard van Spaendonck montre toute sa maîtrise dans l'art de peindre la nature. Abandonnant exceptionnellement son thème de prédilection que sont les fleurs, le peintre tilbourgeois déploie le même sens du détail et un traitement minutieux dans la représentation des fruits. A titre d'exemple, les arilles rouge vif de la grenade ouverte sont peints avec la même minutie que les raisins, travaillant pareillement la forme et l'éclat. De même, il représente les fruits au plus beau moment de leur maturité, à l'instar des fleurs qui sont toujours à l'apogée de leur floraison et généralement peintes avec une goutte d'eau sur leur pétale afin de souligner leur fraîcheur. En outre, l'équilibre visuel de la composition est assuré par deux éléments verticaux que sont la branche de vigne et l'urne, peintes aux deux extrémités de l'œuvre et rappelant l'opposition précédemment évoquée.

Enfin, van Spaendonck s'applique également à représenter les insectes susceptibles de butiner les fruits

gorgés de sucre. Ainsi, une guêpe se nourrit d'un grain de raisin (peut-être écrasé) à même le rebord en pierre, et un papillon pourrait être posé sur la grenade entière, mais la qualité de la numérisation ne permet que de le deviner.

## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Il existerait un pendant à cette œuvre, peint la même année et vendu conjointement à plusieurs reprises. Ce pendant, étudié dans la fiche d'œuvre suivante, aurait pour titre *Vase de fleurs et nid d'oiseaux sur un entablement*. En outre, les deux tableaux se feraient écho dans la mesure où l'un serait associé au printemps, tandis que l'autre rappellerait l'automne.
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©Artnet

Vase de fleurs et nid sur un entablement, 1776, toile, 0,65 x 0,55 m

### Hist.

- Vente Lollier, Paris, 1789, n°68, non reproduit

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

### Bibliographie

- Margriet van Boven, Sam Segal, Gerard & Cornelis van Spaendonck. Twee Brabantse bloemenschilders in Parijs, cat. expo., Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (12 décembre 1980-08 février 1981) Maarssen, La Haye : Gary Schwartz, Sdu, 1988 [première édition : 1980], p. 197 (n°147).

### Description et analyse stylistique

De façon comparable à son pendant hypothétique étudié dans la fiche d'œuvre précédente, cette œuvre de format rectangulaire témoigne de la constance de Gerard van
Spaendonck à employer les mêmes critères à travers plusieurs œuvres. Ici encore, le peintre brabançon a représenté un bouquet de fleurs contenu dans un vase et posé sur le rebord d'un appui en pierre. Du côté droit figure un nid d'oiseaux rempli d'œufs.

Une fois de plus, le bouquet offre de nombreuses fleurs charnues, donnant un effet de profusion. Par ailleurs, certaines fleurs se démarquent du bouquet, contrastant par leurs couleurs ou bien par leurs formes. Ainsi, deux roses *Centifolia* figurent au centre de la composition florale et sont véritablement mise en valeur. De même, une rose de Provence, deux tulipes, des narcisses et une couronne impériale attirent l'œil du spectateur par leur mises en lumière particulière. Ajoutons que des tiges et des feuillages parsèment le bouquet, lui donnant davantage d'épaisseur et en élan vertical nécessaire au bon équilibre de l'ensemble.

Ensuite, pour la première fois parmi les œuvres recensées de van Spaendonck, le peintre a ajouté nid garni d'œufs sur l'entablement un élément sur l'entablement. Cet élément inédit se retrouve dans d'autres œuvres ultérieures du peintre tilbourgeois, et connaît toujours le même traitement, à

savoir un placement en équilibre sur le bord de l'appui et généralement à distance du bouquet.

Ici, le peintre brabançon a fait le choix de revenir à une composition plus simple, sans ornement ni objets pour accompagner le bouquet de fleurs.

## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Cette œuvre est considérée, par Sam Segal et Margriet van Boven, comme le pendant de l'œuvre précédente, toutes deux réalisées la même année. Elles seraient alors unies dans une même thématique saisonnière puisque l'une symboliserait le printemps, tandis que l'autre serait associée à l'automne.

De plus, une telle composition rappelle la filiation stylistique entretenue entre les œuvres de van Huysum et celles de van Spaendonck. De fait, sont regroupés ici des caractéristiques communes aux deux artistes, à savoir, une attention particulière accordée au volume, aux couleurs ; une impression de désordre et surtout, un traitement naturaliste de l'ensemble.
Par ailleurs, bien que cela ne soit mentionné nulle part,
une description dans le catalogue de vente du cabinet de M.
Lollier (6 avril 1789) pourrait correspondre à cette œuvre. En
effet, le tableau présenté sous le numéro 68 correspond à
l'œuvre étudiée ici, tant par les dimensions que la composition
du bouquet, mais il n'y a aucun élément probant pour confirmer
une telle hypothèse.

## Discussion sur l'attribution

Enfin, l'attribution de l'œuvre à Gerard van Spaendonck
n'est pas certaine puisque la base de données Artnet
mentionne une « attribution » et non identification sûre. La
facture du tableau ressemble aux autres réalisations du peintre
brabançon, mais son style ayant été repris avec beaucoup de
finesse par ses suiveurs, il n'est pas insensé de pouvoir
attribuer l'œuvre à un autre artiste proche de van Spaendonck.
8

<figure><img src="image_12.png" /></figure>

©Drouot Digital

Fleurs coupées dans un vase monté en bronze doré, à droite un nid veillé par un chardonneret, 1776, huile sur toile, 0,47 x 0,37 m,
signature en bas à gauche sur l'entablement G. Van Spaendonck
1776

Hist.

- Vente Drouot, Paris, 2018, n°117, reproduit

Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

D'après le catalogue de vente de Drouot, l'œuvre aurait
subi des restaurations, mais ce seul commentaire ne permet
pas d'en savoir davantage.

Expo.

Bibliographie

Description et analyse stylistique

Conformément à toutes les œuvres de Gerard van Spaendonck, le peintre représente ici un bouquet de fleurs dans un vase d'agate monté en bronze et posé sur un appui en pierre. La composition florale se détache sur un arrière-plan neutre et uniforme, mettant ainsi en lumière les couleurs des fleurs. Ajoutons qu'un nid garni d'œufs et veillé par un
chardonneret est représenté à droite, à proximité du pied du vase.

Ce bouquet est notamment composé de deux roses Centifolia au premier plan, ainsi qu'une tulipe bicolore dorée et violette, et fleur de pavot au cœur de la composition. Ensuite, une rose bleu-gris et un œillet rose et blanc viennent compléter l'ensemble, tant en ajoutant un certain dynamisme du fait de leurs orientations divergentes. Ces fleurs sont récurrentes dans l'œuvre du peintre brabançon et sont comparables à une signature graphique de l'artiste. Notons également que toute l'ampleur du bouquet réside dans le feuillage disposé tout autour du bouquet.

Par ailleurs, le vase d'agate monté en bronze, rappelle en tous points celui de l'œuvre peinte en 1775 (Cf. fiche d'œuvre n°3, section 1). En effet, les deux vases sont strictement identiques et seule leur orientation varie : dans la fiche d'œuvre n° 3, c'est l'anse gauche qui est visible, tandis qu'ici, c'est la partie droite qui est visible. A l'instar de la peintre antérieure, la couleur dorée de la tulipe rappelle la monture en bronze doré du vase. Ici, le rouge de la fleur de pavot fait écho aux quelques plumes rouges du chardonneret. Soulignons

enfin un autre écho coloré : la rose bleu-gris, le liseron bleu délicatement posé sur l'appui en pierre au pied du vase et le gris des œufs dans le nid. Ces rappels colorés participent à la structuration de l'œuvre et à son harmonie.

## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

C'est œuvre datée de 1776 fait partie des réalisations de jeunesse de Gerard van Spaendonck. En effet, l'artiste nouvellement nommé « Peintre du Roi pour la miniature » s'apprête à faire ses débuts aux Salons du Louvre l'année suivante. Ainsi, ce tableau, parmi les premiers de l'artiste, lui offre l'occasion de perfectionner son style et de faire évoluer progressivement ses compositions.

Enfin, ce tableau pourrait également correspondre, à l'instar de l'œuvre n°3, à la description d'une peinture exposée au Salon du Louvre en 1777 (n°185). Cependant, une identification absolue entre les deux œuvres demeure incertaine puisque les dimensions sont différentes (0,57 x 0,46 m pour celle exposée en 1777), à moins que le cadre de cette présente nature morte soit inclus dans la taille de l'ensemble.
<figure><img src="image_13.png" /><figcaption>Fleurs dans un vase d'agate, 1777, 0,53 x 0,43 m</figcaption></figure>

## Hist.

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

- Paris, Salon du Louvre, 1777, n°185

### Bibliographie

- Margriet van Boven, Sam Segal, *Gerard & Cornelis van Spaendonck. Twee Brabantse bloemenschilders in Parijs*, cat. expo., Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (12 décembre 1980-08 février 1981)

Maarssen, La Haye : Gary Schwartz, Sdu, 1988

[première édition : 1980], p.197 (n°149).

### Description et analyse stylistique

Parmi toutes les ressources à disposition, aucun visuel de cette œuvre n'est disponible, rendant donc impossible toute analyse iconographique et stylistique.
## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

L'année 1777 marque la première participation de Gerard van Spaendonck aux Salons du Louvre. Ainsi, il commence par présenter trois œuvres au public parisien, des *Fleurs dans un vase d'agate*, une *Etude de raisins d'Alexandrie et muscats* (Cf. fiche d'œuvre n°10, section 1) et *Un vase de marbre jaune antique, rempli de fleurs* (Cf. fiche d'œuvre n°11, section 1).

Concernant ce tableau, comme évoqué dans la fiche d'œuvre n°3 de la section 1, il paraît probable, aux vues des dimensions et du titre de l'œuvre, qu'il s'agisse d'un tableau peint en 1775 et exposé au Salon du Louvre en 1777 sous le numéro 185. Cela expliquerait pourquoi les ressources mentionnent cette œuvre à la fois en 1775, date de création et en 1777, date d'exposition. Cependant, aucune preuve ne permet d'affirmer avec certitude que ces deux tableaux ne forment qu'un.

Par ailleurs, un autre tableau pourrait correspondre à cette description, il s'agit de la fiche d'œuvre n°8, section 1.

Mais les dimensions sont différentes, à moins que celles-ci inclues le cadre de l'œuvre.
<figure><img src="image_14.png" /><figcaption>Etude de raisins d'Alexandrie et muscats, 1777, 0,43 x 0,43 m</figcaption></figure>

## Hist.

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

- Paris, Salon du Louvre, 1777, n°186

### Bibliographie

- Margriet van Boven, Sam Segal, *Gerard & Cornelis van Spaendonck. Twee Brabantse bloemenschilders in Parijs*, cat. expo., Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (12 décembre 1980-08 février 1981)

Maarssen, La Haye : Gary Schwartz, Sdu, 1988

[première édition : 1980], p.197 (n°148).

### Description et analyse stylistique

Parmi toutes les ressources à disposition, aucun visuel de cette œuvre n'est disponible, rendant donc impossible toute analyse iconographique et stylistique.
## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Ce tableau fait partie des œuvres exposées par Gerard van Spaendonck lors de sa première participation au Salon du Louvre en 1777. Ici, le peintre brabançon montre qu'il maîtrise également la technique de la peinture de fruits, en plus de son habileté renommée à peindre des fleurs. En effet, les deux autres œuvres exposées à ce Salon de 1777 (Cf. fiche d'œuvre n°9, section 1 et fiche d'œuvre n°11, section 1), sont des tableaux représentant presque exclusivement des fleurs, renouant alors avec le style caractéristique du peintre tilbourgeois.
<figure><img src="image_15.png" /></figure>

## Hist.

- Vente Horstmann, Amsterdam, 1929, n°47, reproduit

## Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

## Expo.

- Paris, Salon du Louvre, 1777, n°188

- Tilburg, 1947, n°19 (L'œuvre était alors datée de 1794)

## Bibliographie

- Margriet van Boven, Sam Segal, Gerard & Cornelis van Spaendonck. Twee Brabantse bloemenschilders in Parijs, cat. expo., Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (12 décembre 1980-08 février 1981) Maarssen, La Haye : Gary Schwartz, Sdu, 1988 [première édition : 1980], p. 99 (n°2).

- Albert Van Spaandonck, Le comte Gérard Van Spaendonck. Biographie du professeur d'iconographie du Museum d'histoire naturelle de Paris, Livre I, Bruxelles, éditeur inconnu, 1984, 5 volumes, 83 p., p.50.
## Description et analyse stylistique

Cette œuvre exposée au Salon du Louvre en 1777 est un grand format par rapport aux deux autres tableaux exposés la même année (Cf. fiche d'œuvre n°9, section 1 et fiche d'œuvre n°10, section 1). En outre, cette peinture témoigne d'une évolution dans le style artistique de Gerard van Spaendonck. En effet, pour la première fois, l'arrière-plan de l'œuvre propose ici un espace architecturé sur la droite et un arbre sur la gauche. Ainsi, il ne s'agit plus d'un fond neutre et uniforme, mais d'une variation nécessitant la maîtrise de la perspective et de la hiérarchisation des champs.

Le premier plan présente un bouquet richement garni de fleurs, contenues dans un vase en marbre jaune et posé sur un entablement en pierre. A droite, est disposé un nid garni d'œufs et d'une plume blanche. A l'instar des autres bouquets de van Spaendonck, plusieurs fleurs récurrentes sont peintes ici comme une rose *Centifolia*, des narcisses, des roses trémières, des tulipes bicolores, des giroflées des jardins, des pivoines, des fleurs de pavot et des couronnes impériales. Toutes participent à donner de l'ampleur au bouquet, tant en largeur

qu'en hauteur, notamment grâce aux fleurs charnues et aux longues tiges de certaines variétés.

Ici, les feuilles font écho à l'arbre peint à l'arrière-plan, tandis que les fleurs dans les teintes jaune-orangé rappellent le fond architecturé et le vase en marbre jaune. Par ailleurs, l'orthogonalité du support en pierre et du bâti contrastent vigoureusement avec l'aspect sphérique des fleurs et du vase, proposant alors une alternance des formes savamment maîtrisée.

Malgré l'ajout d'un décor derrière le bouquet, c'est-à-dire un arbre et un espace construit, nous ne parvenons pas à situer la composition florale dans un espace distinct. En effet, la présence de l'arbre et la paroi construite laisseraient penser à un emplacement extérieur, mais aucun autre renseignement spatial ne vient corroborer cette idée, ni même l'infirmer. Ce bouquet semble donc hors du temps, par son immuabilité, et hors de l'espace rendant sa situation énigmatique.
## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Cette œuvre aurait un pendant réalisé en 1779 intitulé *Différentes fleurs dans un vase de marbre blanc, mêlées avec des fruits, comme ananas, pêches, raisins, etc.* (Cf. fiche d'œuvre n°12, section 1). Ces deux tableaux ont d'ailleurs été réunis dans la même collection jusqu'en 1929, date à laquelle ladite collection de F.J.E Horstmann a été vendue. Les deux tableaux étaient datés de 1779, alors que l'un d'entre eux a été peint deux ans plus tôt. De même, d'autres dimensions ont été indiquées pour ce tableau : 0,79 x 0,63 m, correspondant alors aux dimensions du pendant peint en 1779. Ainsi, toutes les informations nécessaires à l'identification des œuvres corroboraient l'idée que ces deux natures mortes fonctionnaient tels des pendants. Toutefois, une partie de ces renseignements était erronée, ne plaidant donc pas en faveur d'une composition d'ensemble.

Le seul argument qui puisse défendre l'hypothèse d'un pendant serait l'idée selon laquelle ce tableau représenterait des éléments printaniers, tandis que le pendant serait dominé par un aspect automnal. Certes, le peintre brabançon a déjà

usé de cette ruse afin de constituer des pendants, mais ici, les différences entre les œuvres sont davantage au profit de compositions indépendantes, plutôt qu'un véritable ensemble.

Ajoutons que d'autres œuvres, exposées ultérieurement au Salon du Louvre proposaient des formats identiques à ce tableau, indiquant alors qu'il ne s'agit pas nécessairement d'un ensemble mais plutôt d'un format régulier utilisé par Gerard van Spaendonck.
<figure><img src="image_16.png" /></figure>

### Hist.

- Vente Horstmann, Amsterdam, 1929, n°47, reproduit

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

- Paris, Salon du Louvre, 1779, n°151

- Tilburg, 1947, n°18

- Tilburg, 1948, n°63

- Amsterdam, 1970, n°35

### Bibliographie

- Albert Van Spaandonck, *Le comte Gérard Van Spaendonck. Biographie du professeur d'iconographie du Museum d'histoire naturelle de Paris*, Livre I, Bruxelles, éditeur inconnu, 1984, 5 volumes, 83 p. p.50.

- Margriet van Boven, Sam Segal, *Gerard & Cornelis van Spaendonck. Twee Brabantse bloemenschilders in Parijs*, cat. expo., Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (12 décembre 1980-08 février 1981)
Maarssen, La Haye : Gary Schwartz, Sdu, 1988
[première édition : 1980], p. 99.

## Description et analyse stylistique

Cette œuvre peinte en 1779 par Gerard van Spaendonck est, d'une certaine manière, une synthèse des œuvres antérieures. En effet, plusieurs critères y sont regroupés : un format rectangulaire habituel, un fond neutre et uniforme, un rebord en pierre orthogonal sur lequel sont posés des fruits, des fleurs et un vase en marbre blanc avec une monture en bronze doré. Cependant, certains détails diffèrent des autres productions, faisant de ce tableau une composition inédite.

Le premier plan est particulièrement chargé, comparativement aux peintures précédentes. Ainsi, des fleurs et des fruits sont représentés en abondance, et plus précisément une grappe de raisins noirs, des pêches, un ananas, une pivoine, une rose *Centifolia*, une rose *Gallica*, une grappe de raisins blancs, des primevères, des quetsches et un melon. Le fond de la composition n'est pas en reste puisque de nombreuses fleurs y sont également représentées, contribuant

à donner un élan vertical à la composition florale. De cette façon, sont reconnaissables des roses trémières, des lilas, des lys bleus, des boules de neige et des delphiniums. Par ailleurs, il faut noter que la plupart des fleurs ne sont pas disposées dans le vase mais sont posées sur le rebord en pierre. Seules quelques fleurs sont placées dans le vase en marbre blanc.

Ce n'est d'ailleurs pas la première fois que le peintre brabançon représente un vase fait dans un matériau précieux avec une monture en bronze. De plus, lorsque le support le permet, un bas-relief est souvent ajouté, animant ainsi la surface du contenant. Ici encore, ce sont des enfants qui sont sculptés, et ceux-ci forment une farandole.

Enfin, comme à l'accoutumée, l'harmonie et l'équilibre du tableau sont assurés par des échos et des rappels savamment répartis, témoignant de la maîtrise du peintre dans l'art de la composition. En effet, les quetsches, les primevères, les giroflées et les lys sont toutes dans des teintes bleu marine ; de même que les raisins blancs, les roses trémières, les boules de neige et le vase en marbre proposent des nuances de beige-crème. En outre, les pêches l'ananas et quelques fleurs rouges contrastent vivement avec le reste de l'œuvre. De même que
l'arrière-plan neutre brun-vert contribue à mettre en valeur tous les composants du tableau.

## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Cette œuvre de 1779 serait un pendant à un tableau peint en 1777 intitulé *Un vase de marbre jaune antique, rempli de fleurs* (Cf. fiche d'œuvre n°11, section 1). Ces deux tableaux ont d'ailleurs été réunis dans la même collection jusqu'en 1929, date à laquelle ladite collection de F.J.E Horstmann a été vendue. Les deux tableaux étaient alors datés de 1779, même si l'un d'entre eux a été peint deux ans plus tôt. Ainsi, les deux peintures étaient considérées comme un ensemble alors que plusieurs éléments semblent indiquer le contraire. Il s'agit notamment de renseignements erronés concernant le pendant et incitant donc à penser que les deux œuvres ont été conçues indépendamment l'une de l'autre.

Le seul argument qui plaide en faveur d'un ensemble est le traitement du thème automnal dans cette œuvre, tandis que le pendant proposerait une thématique printanière. Cependant,

cette alternance est coutumière dans la production de Gerard van Spaendonck, sans pour autant que les œuvres soient pensées comme une unité thématique.
<figure><img src="image_17.png" /><figcaption>*Des fleurs dans un vase de marbre jaune antique, 1779,*
0,71 x 0,34 m</figcaption></figure>

Hist.

Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

Expo.

- Paris, Salon du Louvre, 1779, n°150

Bibliographie

- Margriet van Boven, Sam Segal, *Gerard & Cornelis van Spaendonck. Twee Brabantse bloemenschilders in Parijs*, cat. expo., Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (12 décembre 1980-08 février 1981)
Maarssen, La Haye : Gary Schwartz, Sdu, 1988
[première édition : 1980], p. 197 (n°150).

Description et analyse stylistique

Parmi toutes les ressources à disposition, aucun visuel
de cette œuvre n'est disponible, rendant donc impossible toute
analyse iconographique et stylistique.
## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Cette œuvre a été présentée par Gerard van Spaendonck lors du Salon du Louvre de 1779. Cependant, il se pourrait que cette œuvre soit identique à celle exposée en 1777 sous le numéro 188 intitulée *Un vase de marbre jaune antique, rempli de fleurs* (Cf. fiche d'œuvre n°11, section 1). Mais notons que les dimensions des deux œuvres sont différentes, sans pour autant en expliquer la raison.
<figure><img src="image_18.png" /></figure>

Un tableau représentant une corbeille de fleurs de la plus grande fraîcheur, et d'une imitation belle comme la nature, 1779

## Hist.

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

- Paris, Salon de la Correspondance, 1779

## Bibliographie

### Description et analyse stylistique

Parmi toutes les ressources à disposition, aucun visuel de cette œuvre n'est disponible, rendant donc impossible toute analyse iconographique et stylistique.
## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Le Salon de la Correspondance fut fondé par Mammès-Claude-Catherine Pahin-Champlain de la Blancherie<fnref n="123" /> en 1777. Cette nouvelle institution marginale se voulait une sorte de cercle littéraire et artistique, permettant aux artistes d'exposer et de s'exprimer librement, en dehors des contraintes imposées par l'Académie royale de Peinture. D'après les ressources à disposition, cette œuvre serait la seule proposée par Gerard van Spaendonck au Salon de la Correspondance.

<footnote n="123">¹²³ Mammès-Claude-Catherine Pahin-Champlain de la Blancherie (1752-1811) était un homme de Lettres.</footnote>
<figure><img src="image_19.png" /></figure>

## Hist.

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

### Bibliographie

- Margriet van Boven, Sam Segal, Gerard & Cornelis van Spaendonck. Twee Brabantse bloemenschilders in Parijs, cat. expo., Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (12 décembre 1980-08 février 1981) Maarssen, La Haye : Gary Schwartz, Sdu, 1988 [première édition : 1980], p.100 (n°4).

### Description et analyse stylistique

Cette œuvre de 1779 rappelle les premières compositions florales de Gerard van Spaendonck, en proposant un fond neutre et uniforme duquel se démarquent
des fleurs, des fruits et un vase en cristal posés sur un rebord en pierre. Cependant, la numérisation en noir et blanc ne permet pas d'en savoir davantage sur les couleurs qui illuminent cette toile.

Tout d'abord, le premier plan est occupé par trois pêches posées sur deux feuilles de vigne qui dépassent de l'entablement en pierre. Juste à côté est représenté un melon coupé en quatre morceaux encore reliés dans leur partie inférieure. Ensuite, le second plan comprend une grappe de raisins blancs, un vase en cristal avec une monture en bronze dorée sur le col, ainsi que des roses et une branche de jasmin dans ce vase.

Il y a ici un véritable jeu sur les contrastes des textures et des volumes. Ainsi, la transparence du vase en cristal rappelle les grains de raisins translucides, tandis que tout cela détonne avec l'aspect du veteux des pêches et la rugosité de la peau du melon. Enfin, des résonnances de volume se font remarquer, et notamment avec les raisins, les pêches et le melon qui sont tous des volumes sphériques, par opposition au vase en cristal et aux fleurs qui donnent un élan vertical à l'ensemble. Cependant, notons que les tranches de melon

surprennent par leurs lignes plus abruptes, rappelant l'orthogonalité de l'entablement en pierre.

## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

L'année 1779, date à laquelle cette œuvre a été peinte, coïncide avec un tournant dans la carrière de Gerard van Spaendonck. En effet, le peintre fut nommé à l'Académie royale de peinture quatre ans auparavant et s'apprêtait à entrer au Jardin du Roi en tant que peintre d'esthétique naturelle pour la collection royale des vélins. Il s'agit donc d'une année cruciale pour le peintre brabançon, d'autant plus que son frère cadet, Cornelis van Spaendonck s'est installé à Paris cette même année, marquant ainsi le début de leur collaboration artistique.
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<figure><img src="image_20.png" /></figure>

©Artnet

Jeune fille à la corbeille de fleurs, 1779, huile sur toile,
0,92 x 0,74 m

### Hist.

- Vente Livois, Angers, 1791, n°279, non reproduit

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

### Bibliographie

### Description et analyse stylistique

Cette œuvre de format ovale représente une jeune fille blonde, peinte de trois-quarts, habillée à l'antique avec une tunique beige et une toge bleue ceinte à la taille par une bandelette dorée. Elle se trouve devant un autel cylindrique en pierre, orné d'une guirlande végétale, et elle s'apprête à y déposer une corbeille de fleurs en offrande. C'est précisément cet élément qui a été peint par Gerard van Spaendonck, tandis que la figure féminine a été réalisée par Michel Rabillon (1735- 1786 ?), peintre et pastelliste spécialisé dans les portraits.
Le peintre brabançon s'illustre ici dans la représentation d'une corbeille de fleurs, partiellement visible en raison de la contre-plongée. A l'instar des tableaux de van Spaendonck, quelques fleurs sont mises en évidence, telles que les roses *Centifolia*, des Belle de jour, des giroflées de jardins et des narcisses blancs. Par ailleurs, la corbeille en osier est extrêmement travaillée et présente une tresse ceinte par un pourtour central.

Ici encore, les couleurs se font écho dans l'ensemble de l'œuvre. Ainsi, la toge bleue rappelle le ruban dans les cheveux de la jeune femme et les giroflées des jardins dans la corbeille de fleurs. De même que la ceinture de la tunique et la guirlande de fleurs de l'autel suivent un même mouvement ondulant. Enfin, le contraste des couleurs est rendu possible par la présence d'un fond neutre gris-brun qui rappelle les fonds unis des œuvres du peintre tilbourgeois.

Enfin, cette peinture fait partie d'un ensemble composé d'un autre portrait représentant une jeune femme brune, mais van Spaendonck n'a pas été sollicité dans le cadre de la réalisation de cette seconde œuvre.

## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Il s'agit ici d'une œuvre originale dans la production de Gerard van Spaendonck, en tant que collaboration entre le peintre brabançon et Michel Rabillon. De fait, les peintures réalisées par plusieurs artistes sont rares dans la carrière de van Spaendonck. En effet, des rares collaborations entre l'artiste tilbourgeois et un autre peintre – souvent son frère Cornelis ou ses élèves – résultent essentiellement des tableaux représentant des natures mortes, et non des œuvres en dehors de ce genre, comme ici. Cela signifie donc qu'il est question d'une association inédite entre deux peintres qui n'exercent pas dans le même genre mais qui se complètent pour la réalisation d'un tableau unique.

Enfin, Michel Rabillon comptait parmi ses connaissances proches le Marquis de Livois, un collectionneur, qui acheta d'ailleurs plusieurs toiles de Gerard van Spaendonck.
<figure><img src="image_21.png" /></figure>

### Hist.

- Vente, Paris, 2001, n°00056, non reproduit

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

### Bibliographie

- Paul Huys Janssen, Gerard & Cornelis van Spaendonck. Bloemschilders in Parijs. De geur van Succes, cat. expo., Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (26 avril 2019-25 août 2019), Wbooks, 2019, n°2.

### Description et analyse stylistique

Ce tableau de format rectangulaire propose un fond neutre et uniforme, mettant en valeur un bouquet de fleurs contenu dans un vase d'albâtre posé sur un rebord en pierre. Sur ce support sont également représentés, de gauche à droite, un nid garni d'œufs, un escargot avançant en direction du vase,
deux pêches et une grappe de raisins. Cette composition florale reprend tous les critères mis en œuvre dans la grande majorité des œuvres de Gerard van Spaendonck.

A l'instar de nombreuses autres œuvres du peintre brabançon, ce tableau met en lumière certaines fleurs, et notamment celles qui sont récurrentes dans la production de l'artiste. Ainsi, des roses *Centifolia*, une tulipe bicolore violette et dorée, des roses de Provence, des marguerites, une branche de lilas, des giroflées des jardins et des narcisses se démarquent et apportent de l'ampleur au bouquet. Une harmonie d'ensemble est garantie par les teintes pastel de ces fleurs, réhaussant tout de même la couleur beige du vase.

D'ailleurs, ce vase est un des rares contenants à ne pas présenter de bas-relief, de monture en bronze dorée ou bien à ne pas être fait dans une matière précieuse telle que l'agate ou le marbre. Cependant, quelques ornementations animent ce vase, à l'instar de ciselures au niveau du pied, de la partie inférieure de la panse, du col et des anses.

## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Cette œuvre réalisée en 1780 coïncide avec l'arrivée de Gerard van Spaendonck au Jardin du Roi. Notons d'ailleurs que la plupart des fleurs présentes dans l'ensemble des tableaux ont fait l'objet d'études botaniques restituées dans les vélins, proposant alors une étude individualisée de chacune d'elle. De fait, le peintre disposait de connaissances approfondies concernant les fleurs, y compris d'un point de vue « anatomique », qu'il prenait soin de rendre dans ses vélins et qui se traduisent par une maîtrise minutieuse de leur représentation.
<figure><img src="image_22.png" /></figure>

©Musée du Brabant septentrional

Tableau représentant un vase sculpté en bas-relief, et rempli de fleurs et de fruits, se détachant sur un fond d'architecture, 1781, huile sur toile, 1,00 x 0,82 m, signature en bas à droite G. van Spaendonck 1781, Bois-le-Duc, musée du Brabant septentrional, n° inv. 11.886

### Hist.

- Vente Vaudreuil, Paris, 1787, n°102, non reproduit

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

- Bon état de conservation

### Expo.

- Paris, Salon du Louvre, 1781 (n°154)

- Paris, 1954

- Amsterdam, 2017-2018

- Paris, 2018

- Bois-le-Duc, 2019

### Bibliographie

- Denis Diderot, *Héros et martyrs. Salons de 1769, 1771, 1775, 1781. Pensées détachées sur la peinture*, Livre IV, Paris, Hermann, 1995, p.336.

- Paul Huys Janssen, *Gerard & Cornelis van Spaendonck. Bloemschilders in Parijs. De geur van Succes*, cat. expo., Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (26 avril 2019-25 août 2019), Wbooks, 2019, n°4.
- Mayken Jonkman (dir.), *Les Hollandais à Paris. 1789-1914. Van Spaendonck, Scheffer, Jongkind, Maris, Kaemmerer, Breitner, Van Gogh, Van Dongen, Mondrian*, cat. expo., Amsterdam, Rijksmuseum (13 octobre 2017-07 janvier 2018), La Haye, Collection Mesdag (27 octobre 2017-14 janvier 2018), Paris, Petit Palais (06 février 2018-13 mai 2018), Bussum, THOTH Publishers ; Amsterdam, Van Gogh Museum ; La Haye, RKD - Netherlands Institute for Art History ; Paris, Petit Palais - Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris, 2017, p.58.

- Margriet van Boven, Sam Segal, *Gerard & Cornelis van Spaendonck. Twee Brabantse bloemenschilders in Parijs*, cat. expo., Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (12 décembre 1980-08 février 1981) Maarssen, Den Haag : Gary Schwartz, Sdu, 1988 [première édition : 1980], p. 101 (n°5).

- Albert Van Spaandonck, *Le comte Gérard Van Spaendonck. Biographie du professeur d'iconographie du Museum d'histoire naturelle de Paris*, Livre II, Bruxelles, éditeur inconnu, 1984, 5 volumes, p.31.

## Description et analyse stylistique

Cette œuvre rectangulaire et de grandes dimensions compte parmi les jalons remarquables dans la production artistique de Gerard van Spaendonck. De fait, ce tableau est souvent prêté dans le cadre d'expositions, donnant lieu à une certaine popularité. De plus, cette peinture propose une synthèse des compositions antérieures, dans la mesure où elle comprend un fond architecturé, un vase en albâtre au centre, rempli de fleurs et posé sur un appui en pierre sur lequel sont disposés des fruits et quelques branchages.

Ainsi, le premier plan comprend l'entablement en marbre sur lequel sont disposés un ananas, une branche de groseiller, trois pêches, deux grappes de raisins – des raisins noirs et des raisins blancs – surmontés par une branche de vigne en équilibre. L'ensemble de ces fruits est placé autour du pied du vase en albâtre. Notons que la partie supérieure de la panse du vase présente une ornementation en bas-relief avec des enfants dont l'activité représentée demeure difficilement identifiable en raison des quelques fleurs qui viennent couvrir le motif.
Ensuite, la moitié supérieure du tableau est entièrement consacrée à la représentation du bouquet dont les fleurs partagent presque toutes un élan vertical. A l'instar des autres œuvres du peintre brabançon, les fleurs récurrentes sont représentées ici, c'est-à-dire des roses *Centifolia*, des anémones, des fleurs de pavot, des tulipes bicolores, des roses trémières, des pivoines, des iris et des primevères. Ici, les couleurs des fleurs contrastent entre elles, contribuant ainsi à leur mise en lumière. De fait, l'iris bleue est placée entre deux fleurs blanches, les roses *Centifolia* ressortent sur la couleur crème du vase en albâtre, ou encore la pivoine rose qui se détache des feuillages et des roses trémières.

Enfin, l'arrière-plan comprend un fond architecturé plus élaboré que celui proposé dans l'œuvre peinte en 1777 (Cf. fiche d'œuvre n°11, section 1). En effet, sont peints ici, de droite à gauche, une niche avec un arc en plein-cintre, un pilastre rainuré et un mur concave avec une corniche sculptée. Ce décor architecturé agit comme un écrin autour de ce vase garni de fleurs, et l'absence d'échelle empêche de se rendre compte de la taille du bouquet, lui conférant donc une certaine ampleur.

Par ailleurs, la structure de l'œuvre reprend les caractéristiques iconographiques déjà établis par Gerard van Spaendonck. En effet, l'orthogonalité du support rappelle la verticalité du pilastre, et ces deux éléments s'opposent avec la rotondité du mur, de la niche, du vase et des fleurs. De même que les couleurs sont disposées de sorte à créer des échos. Ainsi, la grappe de raisins noirs à droite renvoie aux quetsches placées à l'autre extrémité du bouquet ; l'iris et la pivoine bleues se répondent d'un bout à l'autre de la composition ; la grappe de raisins blancs reprend la couleur d'une des deux roses trémières ; et les groseilles rappellent les différents éléments rouges parsemés au sein de toute l'œuvre.

Enfin, des insectes animent le tableau, tels un papillon, des coccinelles, des guêpes, des fourmis, des mouches, ou encore un scarabée. Ces derniers alertent quant à l'idée que les fleurs et les fruits sont destinés à faner et flétrir, attirant ainsi ce type d'insectes.
## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

L'étude de cette œuvre capitale implique de s'intéresser à son contexte de production ainsi qu'à sa réception par le public parisien. De fait, les ressources à disposition indiquent qu'il s'agit d'une œuvre exposée au Salon du Louvre en 1781 sous le numéro 154. Mais d'autres renseignements sèment la confusion et font de ce tableau le morceau de réception de l'artiste à l'Académie royale de peinture, alors que le livret dudit salon ne consigne pas une telle information. Cette identification délicate fait l'objet d'un développement plus long dans le cadre de ce présent mémoire (Cf. III.B.1).

Enfin, la présence d'une niche n'est pas sans faire écho aux productions d'Ambrosius Bosschaert qui s'est illustrée dans l'art d'introduire de tels éléments architecture dans ses compositions de natures mortes. Ce détail contribue donc à rappeler la tradition iconographique de laquelle est issu van Spaendonck et qu'il a su non seulement s'approprier, mais aussi faire évoluer en y ajoutant son naturalisme et ses touches personnelles.
<figure><img src="image_23.png" /></figure>

Hist.

Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

Expo.

Bibliographie

- Denis Diderot, *Héros et martyrs. Salons de 1769, 1771, 1775, 1781. Pensées détachées sur la peinture*, Livre IV, Paris, Hermann, 1995, p.336.

- Margriet van Boven, Sam Segal, *Gerard & Cornelis van Spaendonck. Twee Brabantse bloemenschilders in Parijs*, cat. expo., Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (12 décembre 1980-08 février 1981) Maarssen, La Haye : Gary Schwartz, Sdu, 1988 [première édition : 1980], p.197 (n°151).

- Albert Van Spaandonck, *Le comte Gérard Van Spaendonck. Biographie du professeur d'iconographie*
du Museum d'histoire naturelle de Paris, Livre I,
Bruxelles, éditeur inconnu, 1984, 5 volumes, p.73.

## Description et analyse stylistique

La description iconographique de cette œuvre pourrait
être semblable en tous points à celle de l'œuvre présentée
dans la fiche d'œuvre n°18, section 1. En effet, dans les deux
cas, il s'agit de la représentation d'un bouquet de fleurs, dans
un vase avec un décor sculpté en bas-relief. La composition
florale est posée sur un rebord en pierre et l'ensemble se
détache sur un fond architecturé, et plus précisément, un mur
concave avec une corniche moulurée.

Ici, la numérisation en noir et blanc ne permet pas de
distinguer les couleurs des fleurs peintes, mais certaines sont
reconnaissables et les teintes doivent être similaires à l'œuvre
précédemment évoquée, à savoir, une dominance de couleurs
pastel et quelques touches plus vives, sans doute bleues ou
rouges. Le vase quant à lui, offre davantage de différences
puisqu'il est fait de marbre mais semble comprendre une
monture en bronze doré ou bien une ornementation sur le pied
et la partie inférieure de la panse. De même que le bas-relief
est abordé de façon différente. Ici, un espace sculpté est inséré

dans le vase sous la forme d'un médaillon qui contraste
vivement avec la couleur du support. Ainsi, nous pourrions être
amenés à penser qu'il s'agit de deux matériaux différents, peut-
être un médaillon en biscuit de céramique, mais rien ne me
permet de l'affirmer.

Ensuite, des fruits sont placés à côté du vase : des
pêches et des raisins recouverts de feuillages. La présence de
ces fruits permet d'équilibrer la composition et de combler un
espace laissé libre sur le bord de l'appui en pierre. Ils
permettent également de guider le regard du spectateur,
d'abord vers le vase, puis vers la corniche du mur concave.
Celle-ci est également plus simple que dans l'œuvre également
réalisée en 1781, dans la mesure où elle est simplement
sculptée en hauteur et n'est interrompue ni par une niche, ni
par un pilastre.

De même, cette composition florale s'affiche comme une
synthèse des divers éléments travaillés par van Spaendonck,
c'est-à-dire un bouquet richement garni de fleurs contenues
dans un vase comprenant une ornementation et un arrière-plan
architecturé. C'est véritablement avec ce type d'œuvre que
peut se mesurer l'évolution technique et stylistique de Gerard
van Spaendonck. En effet, les premières œuvres du peintre
brabançon contenaient un fond neutre et uniforme, duquel se
détachait le bouquet. Ici, il y a une réelle tentative de
contextualisation des compositions florales, dans la mesure où
l'artiste s'intéresse également au décor et ne se focalise plus
uniquement sur le bouquet de fleurs.

Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Cette peinture réalisée en 1781 pourrait donc être le
morceau de réception de Gerard van Spaendonck à l'Académie
de Peinture puisqu'un doute demeure quant à l'identification
définitive de ce dit tableau. De fait, les incertitudes demeurent
et aucune source ou ressource ne semble être en mesure
d'apporter une réponse tranchée. Le cas du morceau de
réception de l'artiste est développé plus en détail dans le
développement qui précède ces fiches d'œuvres (Cf. III.B.1).
20

<figure><img src="image_24.png" /></figure>

© Numérisation personnelle depuis les archives du R.K.D

Bouquet de fleurs dans une urne sur un entablement, 1782, toile marouflée sur carton, 0,48 x 0,38 m, signature en bas à gauche G. van Spaendonck

### Hist.

- Vente Tajan, Paris, 1991, n°59, non reproduit

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

### Bibliographie

### Description et analyse stylistique

Il s'agit d'une toile ovale proposant un bouquet de fleurs sur un appui en pierre. Cette composition florale est placée au centre de l'œuvre, de sorte que le sujet principal est facilement mis en avant.

Au premier plan figure donc le vase contenant des fleurs dont certaines assez volumineuses telles que la tulipe et la pivoine qui se détachent du reste du bouquet. Cependant, la numérisation en noir et blanc ne permet pas de distinguer correctement le reste de la composition florale ainsi que les
couleurs des fleurs. De même que la qualité médiocre empêche de distinguer les motifs incisés au niveau de la panse du vase. A première vue, ces dessins ressemblent à une frise de dents de scie avec, peut-être, un autre motif au centre.

A l'arrière-plan, le fond est neutre et ne semble pas indiquer un dégradé chromatique traduisant une mise en lumière particulière. Ici, le fond uniforme permet de mettre en valeur la composition florale qui se démarque de façon évidente.

## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Ce tableau peint en 1782 par Gerard van Spaendonck intervient un an après l'élection de l'artiste à l'Académie royale de peinture et de sculpture. La simplicité de cette œuvre dénote avec ses compositions antérieures puisque celles-ci étaient plus complexes, comprenant notamment un fond architecturé, un vase plus richement garni de fleurs et davantage orné, essentiellement avec bas-reliefs. De même, le support est ici dépourvu de fruits ou d'éléments divers qui accompagnent

certaines peintures. La comparaison est d'autant plus marquante avec l'œuvre réalisée en 1781 (Cf. fiche d'œuvre n° 18, section 1). Ainsi, avec cette œuvre, Gerard van Spaendonck semble renouer avec son style de jeunesse après avoir perfectionné sa technique et avoir été reconnu pour son talent par les institutions artistico-politiques parisiennes.
<figure><img src="image_25.png" /></figure>

©Rijksmuseum

Un vase d'albâtre oriental rempli de différentes fleurs, posé sur un socle où sont représentés des Enfants (sic) en bas-relief, 1783, huile sur toile, 0,81 x 0,64 m, signature en bas à droite G. Van Spaendonck. 1783. Amsterdam, Rijksmuseum, n° inv. SK-A-5052.

### Hist.

- Vente Lafontaine, Paris, 1798, non reproduit

- Famille Galitzine

- Famille Korsakov

- Famille Hottinguer

- Vente Artcurial, Paris, 2017, n°144, reproduit

- Vente Galerie Talabardon et Gautier, Paris, 2018, reproduit

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

- Quelques restaurations signalées lors de la vente aux enchères à Paris en 2017

### Expo.

- Paris, Salon du Louvre 1783, n°88

### Bibliographie

- Loterie pittoresque pour le Salon de 1783, Amsterdam, 1783, p.19-20.

- Les peintres volants, ou Dialogue entre un François et un Anglois ; sur les tableaux exposés au Sallon (sic) du Louvre en 1783, Paris, 1783, p.10.
- Messieurs, ami de tout le monde !, Paris, 1783, p.19, n° LXXXVIII.

- Michel Faré et Fabrice Faré, *La vie silencieuse en France. La nature morte au XVIIIᵉ siècle*, Fribourg – Paris, 1976, p.307.

- Margriet van Boven, Sam Segal, *Gerard & Cornelis van Spaendonck. Twee Brabantse bloemenschilders in Parijs*, cat. expo., Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (12 décembre 1980-08 février 1981) Maarssen, La Haye : Gary Schwartz, Sdu, 1988 [première édition : 1980], p.198 (n°152).

## Description et analyse stylistique

Cette œuvre a été présentée au Salon du Louvre en 1783, sous le numéro 88. Il s'agit d'une œuvre éminente dans la carrière du peintre brabançon, et cela se traduit notamment dans sa composition élaborée. De fait, l'arrière-plan est neutre et dans les teintes brun-marron qui contrastent vivement avec le bouquet, le mettant ainsi en valeur et lui conférant une certaine aura, soulignée par la lumière qui se concentre exclusivement sur le sujet central.

Le premier plan du tableau est particulièrement chargé en éléments. Il comprend notamment une corbeille de fleurs, un bouquet abondant contenu dans un vase d'albâtre et posé sur un socle orné d'un bas-relief, et un nid rempli d'œufs. Tout d'abord, le bouquet est majoritairement composé de pivoines doubles et de tulipes bicolores. Une fois encore, ces fleurs sont représentées au meilleur moment de leur floraison et donc à l'apogée de leur éclat. A l'exception d'une seule pivoine, située à l'extrême gauche de la composition florale. Cette fleur semble avoir perdu tous ses pétales et n'offre que son fruit, dépourvu de toute couleur. D'autres fleurs sont également présentes parmi celles évoquées précédemment, il s'agit de giroflées des jardins roses et violettes, d'une branche de jacinthes doubles, une anémone, une rose et une branche de primevères. De plus, le vase en albâtre, dans les teintes marron clair avec des nervures, se démarque de la blancheur pâle des doubles pivoines.

Quant au socle, il est de format cubique et est orné d'un bas-relief. D'un point de vue chromatique, il fait écho aux pivoines placées juste au-dessus. Le bas-relief représente quatre *putti* qui marchent les uns derrière les autres, telle une
procession. Le thème choisis par Gerard van Spaendonck est évidemment d'inspiration antique, faisant peut-être, de son œuvre un manifeste de la peinture moderne, au même titre que certains peintres contemporains comme Jacques-Louis David<fnref n="124" />.

Enfin, les autres éléments qui jouxtent la composition centrale, c'est-à-dire la corbeille de fleurs et le nid d'oiseaux devant des branches de giroflées et de jacinthes, complètent et densifient l'ensemble. Il peut également s'agir d'une astuce artistique permettant au peintre de montrer l'étendue de sa technique et de sa maîtrise picturale. Par ailleurs, le nid d'oiseaux rempli d'œufs témoigne de l'habileté du peintre tilbourgeois à représenter des insectes et des éléments de la faune, associés à la botanique. C'est pourquoi, les oiseaux, les oisillons et les nids (vides ou pleins), sont des thèmes récurrents dans les compositions de l'artiste.

Enfin, les éléments ci-dessus nommés permettent de comprendre la structure complexe de l'œuvre, notamment grâce à l'étude des lignes de composition. Ainsi, dans le

bouquet, les pivoines doubles et les tulipes bicolores forment un motif de croix, similaire à une croix de Saint-André. De même que deux autres axes ordonnent l'ensemble : un axe vertical passant par la tulipe bicolore au centre du bouquet, la branche de jacinthes, une pivoine double, le centre du vase en albâtre et le centre du socle ; et un axe horizontal composé par la corbeille, le socle et le nid d'oiseaux, et souligné par le support en pierre.

Ici, le talent de Gerard van Spaendonck s'exprime pleinement, tant dans la représentation somptueuse des fleurs, que dans le travail évident sur les matériaux, et dans la capacité à structurer une œuvre et donc à lui conférer un équilibre inébranlable. Le travail réalisé autour de cette œuvre est sans doute la raison de son succès lors du Salon de 1783 et des siècles ultérieurs.

<footnote n="124">¹²⁴ Jacques-Louis David (1748-1825) était un peintre néo-classique français.</footnote>
## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

De cette œuvre, il existe deux versions presque similaires. De fait, le tableau étudié ici a été exposé lors du Salon du Louvre en 1783, mais face à certaines critiques exprimées lors de sa présentation, une seconde version a été peinte, la même année, par Gerard van Spaendonck. En effet, les insectes représentés, notamment la mouche sur la panse du vase et le bourdon au cœur de la pivoine, ont été interprétés comme une menace à la pureté et une expression de la fanaison imminente des fleurs. Ainsi, une version épurée et neutre aurait été commandée au peintre qui se plia alors à la requête, réalisant donc une variante.

Cependant, malgré une quasi-identité entre les deux œuvres, quelques différences sont observables dans la seconde version. Par exemple, la coloration de l'ensemble qui est plus vive et les contrastes qui sont davantage appuyés, notamment entre l'arrière-plan de l'œuvre et les fleurs aux couleurs pastel. De même, à l'arrière du bouquet, une couronne impériale remplace la tulipe bicolore, donnant alors plus de densité. Mais le détail le plus éclatant demeure le changement

de motif du bas-relief ornant le socle. La première version propose une procession de quatre *putti*, tandis que la variante montre six *putti* qui semblent se disputer, offrant alors une composition plus désordonnée.

Cependant, c'est la première version de cette œuvre qui inspira van Spaendonck pour la réalisation d'une miniature (fig. 1).

Notons enfin que l'historique de l'œuvre étudiée ici est illustré au dos de l'œuvre, notamment avec la présence de deux cachets en cire. Un premier cachet reprend les armes de la famille Galitzine (fig. 2) et un second cachet, quant à lui, est la marque de la famille Korsakov (fig. 3).

<figure><img src="image_26.png" /></figure>

Figure 1. Gerard van Spaendonck, *Fleurs dans un vase d'albâtre sur un socle en marbre avec des putti en bas-relief, à gauche une corbeille avec des fleurs et à droite, un oiseau et un nid, gouache, 7,5 cm de diamètre, signature en bas à gauche [...] Spaendon [...]*, Cambridge, Fitzwilliam Museum, n°inv. PF 1080-1975, donation Lord Henri Rogers Broughton
<figure><img src="image_27.png" /><figcaption>Figure 2 : Cachet aux armes de la famille Galitzine</figcaption></figure>

<figure><img src="image_28.png" /><figcaption>Figure 3 : Cachet aux armes de la famille Korsakov</figcaption></figure>
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<figure><img src="image_29.png" /></figure>

©Numérisation personnelle depuis les archives du R.K.D

Un vase d'albâtre oriental rempli de différentes fleurs, posé sur un socle où sont représentés des Enfants (sic) en bas-relief, huile sur toile, 0,80 x 0,64 m, signature en bas à gauche G. Van Spaendonck

### Hist.

- Vente Paris, 1901, n°98, non reproduit

- Vente Christie's, New York, 2011, n°9, reproduit

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

### Bibliographie

- Margriet van Boven, Sam Segal, Gerard & Cornelis van Spaendonck. Twee Brabantse bloemenschilders in Parijs, cat. expo., Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (12 décembre 1980-08 février 1981) Maarssen, La Haye : Gary Schwartz, Sdu, 1988 [première édition : 1980], p.198 (n°153).
## Description et analyse stylistique

Il s'agit ici de la variante du tableau peint par Gerard van Spaendonck après le Salon du Louvre en 1783 (Cf. fiche d'œuvre n°21, section 1). Les deux œuvres sont presque identiques, à l'exception de quelques éléments anecdotiques.

Le premier plan est identique dans les deux tableaux et comprend donc beaucoup d'éléments peints dont une corbeille de fleurs, un bouquet abondant contenu dans un vase en albâtre oriental et posé sur un socle orné de bas-reliefs, et un nid rempli d'œufs. De la même façon, les fleurs sont mises en valeurs grâce au fond neutre dans les teintes brun-marron et une lumière qui se concentre exclusivement sur le sujet central.

Tout d'abord, les deux bouquets sont composés de façon identique, avec des doubles pivoines et des tulipes bicolores qui se détachent visiblement du bouquet. Se démarquent également une anémone, une rose et une branche de primevères. Cependant, quelques ajouts sont à mentionner, et notamment un pavot double à côté de ces primevères et une couronne impériale qui vient s'imposer à l'arrière de la composition florale, et vient souligner un élan vertical déjà

annoncé avec les longues tiges des tulipes, les giroflées des jardins et les jacinthes.

Dans cette version, le socle orné de bas-relief est sans doute l'élément qui a connu le plus de modifications. De fait, les *putti* sont toujours bien présents, mais la scène est légèrement différente. En effet, sont peints ici cinq *putti* – et non quatre, comme dans l'œuvre originale – et surtout, ceux-ci ne sont pas en procession linéaire, mais sont tous debout autour d'un *putto* à genoux. Ceci peut faire penser à une scène de dispute, mais rien ne permet de l'affirmer. Ici encore, l'influence antique est visible, notamment dans le choix des *putti* qui sont récurrents dans les représentations antiques ou antiquisantes.

Ensuite, à l'instar de l'œuvre exposée au Salon du Louvre, les éléments adjacents au bouquet sont identiques, c'est-à-dire que la corbeille de fleurs avec des roses *Centifolia* et une anémone, le nid d'oiseaux avec des œufs, et les branches de giroflées et de jacinthes complètent et densifient l'ensemble.

Enfin, la structure du tableau reprend les mêmes lignes directrices, à savoir une croix de Saint-André formé par deux axes : le premier par une tulipe bicolore, une pivoine, une
branche de jacinthes renforcée par la couronne impériale ; et le
second par une branche de jacinthes, une pivoine et une
branche de giroflées soulignée par une autre pivoine.
L'équilibre et la stabilité de l'œuvre sont aussi rendues par un
double axe horizontal composé par le nid d'oiseaux, le socle et
la corbeille de fleurs et renforcé par l'orthogonalité du support
en pierre.

Ici, la variante à l'œuvre exposée lors du Salon du Louvre en 1783 apparaît donc plus consensuelle et plus classique. En effet, les éléments critiqués dans la première œuvre, c'est-à-dire les insectes qui annoncent la fanaison imminente des fleurs et donc leur mort, n'ont plus leur place ici et ne véhiculent alors plus d'image négative. De même, une coloration plus chaude participe à une meilleure réception de cette peinture.

## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Ce tableau est une seconde version d'une œuvre exposée au Salon du Louvre en 1783. Celui-ci omet des éléments critiqués dans la peinture originale qui ont forcé Gerard van Spaendonck à produire cette variante. Ainsi, lors d'une étude des peintures de l'artiste brabançon, et plus spécifiquement de ses productions exposées à l'occasion des Salons du Louvre, il s'agit de ne pas confondre ses deux versions en prêtant attention aux éléments ci-dessus nommées qui permettent de les identifier correctement.

Enfin, un amalgame s'est produit en 2011 lors d'une vente aux enchères chez Christie's, à New York. Cette œuvre a en effet été attribuée à tort à Cornelis van Spaendonck, le frère cadet du peintre. La vérité a été restaurée lors de l'acquisition de la première version par le Rijksmuseum en 2018 et avec la parution d'articles qui étudient en détail les deux œuvres.
<figure><img src="image_30.png" /></figure>

©Christie's

Deux tableaux ovales, l'un un vase de lapis-lazuli et l'autre un vase de porphyre ; tous deux remplis de différentes fleurs, 1783, huile sur toile, 0,43 x 0,36 m, signature en bas au milieu G. Van Spaendonck, collection particulière

### Hist.

- Acquis par Louis XVI dès 1783

- Vente Paris, 1798, n°66

- Vente Rambaut, Paris, 1817, n°93, non reproduit

- Vente Klein, Paris, 1818, n°53, non reproduit

- Vente Laneuville, Paris, 1818, n°66, non reproduit

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

- Paris, Salon du Louvre, 1783, n°89 (paire)

### Bibliographie

- Livret du Salon de l'Académie Royale de Peinture, Paris, 1783, p.30.

- Le Véridique au Sallon, Caillau, 1783, p.17.

- Le Chevalier Bonnemaison, Galerie de Son Altesse Royale Madame la Duchesse de Berry – Ecole Française – Peintres Modernes. Ouvrage dédié à son Altesse Royale et lithographie par d'habiles artistes sous
la direction de M. Le Chevalier de Bonnemaison, Didot,
Paris, 1822, reproduit n°5 et 6.

- B. Scott, « The Duchess of Berry as a Patron of the Arts », Apollo, CXXIV, n°296, octobre 1986, p.353, note 36.

- Margriet van Boven, Sam Segal, Gerard & Cornelis van Spaendonck. Twee Brabantse bloemenschilders in Parijs, cat. expo., Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (12 décembre 1980-08 février 1981) Maarssen, La Haye : Gary Schwartz, Sdu, 1988 [première édition : 1980], p.199-200, n°168-169.

- Albert Van Spaandonck, Le comte Gérard Van Spaendonck. Biographie du professeur d'iconographie du Museum d'histoire naturelle de Paris, Livre III, Bruxelles, éditeur inconnu, 1984, p.4.

## Description et analyse stylistique

Il s'agit ici d'une œuvre de format ovale, fonctionnant en paire avec une autre peinture. Les deux pendants se font écho et représentent, au centre, un bouquet posé sur un support en pierre. Seul le vase change puisque l'un est un vase en lapis-

lazuli monté en bronze tandis que l'autre est un vase en porphyre.

Ici, le bouquet s'impose au premier plan, permettant alors de distinguer clairement une branche de primevères, une pivoine et une rose Centifolia. Plus en retrait sont peintes des branches de giroflées des jardins et des roses trémières, respectivement orange et blanches. Une branche de lilas bleu et une autre rose Centifolia viennent compléter et densifier, de part et d'autre, la composition florale. Enfin, un œillet et une rose sont délicatement inclinés sur le devant du vase.

Cet agencement floral, proposant des couleurs pastel et des couleurs vives, se démarque sur un fond neutre dans les teintes marron-brun clair. Cet arrière-plan sobre et uniforme permet de mettre en valeur les fleurs ainsi que le vase et souligne un rayon de lumière, orienté vers la droite, qui illumine le bouquet et lui confère une aura manifeste.

Avec cette œuvre, Gerard van Spaendonck renoue avec une composition plus simple et plus épurée. En effet, le sujet principal ne comprend qu'un bouquet, sans arrière-plan architecturé, ni éléments mobiliers ou naturels.
## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Ce tableau exposé lors du Salon du Louvre de 1783 a connu une réception plutôt fastueuse, puisqu'il a notamment fait partie des collections royales et princières, et plus précisément celles de Louis XVI et de la Duchesse de Berry. D'ailleurs, cette dernière a marqué les œuvres de son sceau, à l'arrière des œuvres (fig.1).

<figure><img src="image_31.png" /><figcaption>Figure 2: Armes de la duchesse de Berry</figcaption></figure>

Enfin, cette œuvre a fait l'objet d'une copie par une élève de Gerard van Spaendonck, la marquise de Grollier<fnref n="125" /> (fig. 2).

<figure><img src="image_32.png" /><figcaption>Figure 3 : Marquise de Grollier, *Vase de fleurs*, 1784, huile sur toile, 0,46 x 0,38 m, signature en bas à gauche *Mse de Grollier 1784*, collection particulière.</figcaption></figure>

<footnote n="125">¹²⁵ Charlotte Eustache Sophie de Fuligny-Damas, dite Marquise de Grollier (1741-1828) était une artiste peintre française et élève de Gerard van Spaendonck.</footnote>
<figure><img src="image_33.png" /></figure>

©Christie's

Deux tableaux ovales, l'un un vase de lapis-lazuli et l'autre un vase de porphyre ; tous deux remplis de différentes fleurs, 1783, huile sur toile, 0,43 x 0,36 m, signature en bas au milieu G. Van Spaendonck, collection particulière

### Hist.

- Acquis par Louis XVI dès 1783

- Vente Paris, 1798, n°66

- Vente Rambaut, Paris, 1817, n°93, non reproduit

- Vente Klein, Paris, 1818, n°53, non reproduit

- Vente Laneuville, Paris, 1818, n°66, non reproduit

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

- Paris, Salon du Louvre, 1783, n°89, reproduit (paire)

### Bibliographie

- Livret du Salon de l'Académie Royale de Peinture, Paris, 1783, p.30.

- Le Véridique au Sallon, Caillau, 1783, p.17.

- Le Chevalier Bonnemaison, Galerie de Son Altesse Royale Madame la Duchesse de Berry – Ecole Française – Peintres Modernes. Ouvrage dédié à son Altesse Royale et lithographie par d'habiles artistes sous
la direction de M. Le Chevalier de Bonnemaison, Didot,
Paris, 1822, reproduit n°5 et 6.

- B. Scott, « The Duchess of Berry as a Patron of the Arts », Apollo, CXXIV, n°296, octobre 1986, p.353, note 36.

- Margriet van Boven, Sam Segal, Gerard & Cornelis van Spaendonck. Twee Brabantse bloemenschilders in Parijs, cat. expo., Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (12 décembre 1980-08 février 1981) Maarssen, La Haye : Gary Schwartz, Sdu, 1988 [première édition : 1980], p.199-200, n°168-169.

- Albert Van Spaandonck, Le comte Gérard Van Spaendonck. Biographie du professeur d'iconographie du Museum d'histoire naturelle de Paris, Livre III, Bruxelles, éditeur inconnu, 1984, p.4.

## Description et analyse stylistique

Cette œuvre fonctionne en paire avec un tableau peint la même année (Cf. fiche d'œuvre n°23, section1). Les deux pendants se font écho et représentent, au centre, un bouquet posé sur un support en pierre. Seul le vase change puisque l'un

est un vase en lapis-lazuli monté en bronze tandis que l'autre est un vase en porphyre.

Ici, le bouquet est essentiellement composé d'anémones blanches, de mourons des champs et de giroflées bleues. Plus en retrait est peinte une pivoine rose surmontée par une tige d'œillet d'Inde bleu. Ces fleurs contribuent à donner un élément vertical au bouquet, compensant alors avec les mourons des champs qui débordent délicatement sur le devant du bouquet. Dans cette composition, Gerard van Spaendonck a recours à des fleurs qui, traditionnellement, ne se trouvent pas dans des bouquets de fleurs coupées, à l'instar des mourons des champs.

Comme son pendant, l'arrière-plan de la peinture est neutre dans des teintes marron-brun clair. Le contraste entre l'arrière-plan et le bouquet permet donc de mettre en valeur ce dernier élément.
## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Ce tableau exposé lors du Salon du Louvre de 1783 a connu une réception plutôt fastueuse, puisqu'il a notamment fait partie des collections royales et princières, et plus précisément celles de Louis XVI et de la Duchesse de Berry. D'ailleurs, cette dernière a marqué les œuvres de son sceau, à l'arrière des œuvres (fig.1).

<figure><img src="image_34.png" /><figcaption>Figure 4: Armes de la duchesse de Berry</figcaption></figure>
<figure><img src="image_35.png" /><figcaption>Etude de pêches posées sur une pierre, 1783, 0,23 x 0,33 m</figcaption></figure>

## Hist.

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

- Paris, Salon du Louvre, 1783, n°90, reproduit

### Bibliographie

- Margriet van Boven, Sam Segal, *Gerard & Cornelis van Spaendonck. Twee Brabantse bloemenschilders in Parijs*, cat. expo., Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (12 décembre 1980-08 février 1981)
Maarssen, La Haye : Gary Schwartz, Sdu, 1988
[première édition : 1980], p.198 (n°156).

### Description et analyse stylistique

Parmi toutes les ressources à disposition, aucun visuel de cette œuvre n'est disponible, rendant donc impossible une analyse iconographique et stylistique.
## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Ce tableau fait partie des six œuvres exposées par le peintre brabançon Gerard van Spaendonck lors du Salon du Louvre de 1783. D'après le titre de l'œuvre, ce tableau ne semble pas être une composition complexe, et se démarque notamment de l'œuvre exposée la même année sous le numéro 88 (Cf. fiche d'œuvre n°21, section 1). Par ailleurs, cette œuvre semble fonctionner avec une autre œuvre (Cf. fiche d'œuvre n°26, section 1) puisque toutes deux sont des natures mortes de pêches. Cependant, aucun document permet d'infirmer ou de confirmer une telle hypothèse.
<figure><img src="image_36.png" /><figcaption>Autre tableau de pêches dans une assiette, 1783, 0,36 x 0,43 m</figcaption></figure>

## Hist.

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

- Paris, Salon du Louvre, 1783, n°91, reproduit

### Bibliographie

- Margriet van Boven, Sam Segal, *Gerard & Cornelis van Spaendonck. Twee Brabantse bloemenschilders in Parijs*, cat. expo., Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (12 décembre 1980-08 février 1981)
Maarssen, La Haye : Gary Schwartz, Sdu, 1988
[première édition : 1980], p.198 (n°157).

### Description et analyse stylistique

Parmi toutes les ressources à disposition, aucun visuel de cette œuvre n'est disponible, rendant donc impossible une analyse iconographique et stylistique.
## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Ce tableau fait partie des six œuvres exposées par le peintre brabançon Gerard van Spaendonck lors du Salon du Louvre de 1783. D'après le titre de l'œuvre, ce tableau ne semble pas être une composition complexe, et se démarque notamment de l'œuvre exposée la même année sous le numéro 88 (Cf. fiche d'œuvre n°21, section 1). Par ailleurs, cette œuvre semble fonctionner avec une autre œuvre (Cf. fiche d'œuvre n°25, section 1) puisque toutes deux sont des natures mortes de pêches. Cependant, aucun document permet d'infirmer ou de confirmer une telle hypothèse.
<figure><img src="image_37.png" /></figure>

Van Spaendonck, peintre de fleurs. On le voit de ses ouvrages chez Mme la Marquise de Grollier, chez M. Watelet, etc., 1783

Hist.

Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

Expo.

- Paris, Salon de la Correspondance, 1783

Bibliographie

Description et analyse stylistique

Parmi toutes les ressources à disposition, aucun visuel de cette œuvre n'est disponible, rendant donc impossible une analyse iconographique et stylistique.
## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Ce tableau a été présenté au Salon de la Correspondance en 1783 par le peintre brabançon Gerard van Spaendonck.

Ce Salon de la Correspondance (1779-1787) est conçu en concurrence avec les Salons de l'Académie où le peintre avait l'habitude d'exposer ses productions. Il était ouvert à tous les artistes et a entraîné la fondation d'un journal *Les nouvelles de la République des Lettres et des Arts*, dirigé par M. Pahin-Champlain de la Blancherie<fnref n="126" />.

<footnote n="126">¹²⁶ Mammès-Claude-Catherine Pahin-Champlain de la Blancherie (1752-1811) était un homme de Lettres qui fonda, en 1777, le Salon de la Correspondance. Cette nouvelle institution marginale se voulait une sorte de cercle littéraire et artistique,</footnote>

<footnote>permettant aux artistes d'exposer et de s'exprimer librement, en dehors des contraintes imposées par l'Académie.</footnote>
<figure><img src="image_38.png" /></figure>

©Réunion des musées nationaux

Corbeille et vase de fleurs ; Tableau représentant un piédestal d'albâtre, enrichi de bas-relief, sur lequel est posée une corbeille de fleurs et à côté un vase de bronze, 1785, huile sur toile, 1,16 x 0,91 m, signature en bas à gauche G. Van Spaendonck 1785, Fontainebleau, musée national du château de Fontainebleau, n° inv. 1854 ; MR 2596

### Hist.

- Acquis par Louis XVI en 1785

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

- Restauration en 1974 d'après la base Joconde, Ministère de la Culture

### Expo.

- Paris, Salon du Louvre, 1785, n°64

- Paris, Salon du Louvre, 1787, n°84

- Paris, 1774-1775, n°168

- Bois-le-Duc, 1980-1981, n°6

- Paris, 2017-2018

- Bois-le-Duc, 2019, n°12.

### Bibliographie

- Notice des peintures et sculptures placées dans les cours et dans les appartements du palais de Fontainebleau, 1839, p.47 (n°200).

- Notice des peintures et sculptures placées dans les cours et dans les appartements du palais de Fontainebleau, 1841, p.52 (n°224).
- Notice des tableaux appartenant à la collection du Louvre exposés dans les salles du Palais de Fontainebleau, Paris, Charles de Mourgues Frères, Imprimeurs des Musées Nationaux, 1881, p.32 (n°55).

- Paul Huys Janssen, Gerard & Cornelis van Spaendonck. Bloemschilders in Parijs. De geur van Succes, cat. expo., Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (26 avril 2019-25 août 2019), Wbooks, 2019, n°12.

- Mayken Jonkman (dir.), Les Hollandais à Paris. 1789-1914. Van Spaendonck, Scheffer, Jongkind, Maris, Kaemmerer, Breitner, Van Gogh, Van Dongen, Mondrian, cat. expo., Amsterdam, Rijksmuseum (13 octobre 2017-07 janvier 2018), La Haye, Collection Mesdag (27 octobre 2017-14 janvier 2018), Paris, Petit Palais (06 février 2018-13 mai 2018), Bussum, THOTH Publishers ; Amsterdam, Van Gogh Museum ; La Haye, RKD - Netherlands Institute for Art History ; Paris, Petit Palais - Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris, 2017, p.59 (n°48).

- Boris Lossky, Le peintre fleuriste J.F. Van Daël et ses œuvres au château de Fontainebleau, dans BSHAF, 1967 (cité p.132-133).

- Margriet van Boven, Sam Segal, Gerard & Cornelis van Spaendonck. Twee Brabantse bloemenschilders in Parijs, cat. expo., Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (12 décembre 1980-08 février 1981) Maarssen, La Haye : Gary Schwartz, Sdu, 1988 [première édition : 1980], p. 101 (n°6)

- Albert Van Spaandonck, Le comte Gérard Van Spaendonck. Biographie du professeur d'iconographie du Museum d'histoire naturelle de Paris, Livre II, Bruxelles, éditeur inconnu, 1984, 5 volumes, p. 6.

## Description et analyse stylistique

Ce grand format rectangulaire offre un agencement floral accompagné d'éléments naturels et de mobiliers manufacturés. Cette œuvre occupe une place essentielle dans la carrière de Gerard van Spaendonck puisqu'elle a été acquise par Louis XVI après réservation, traduisant ainsi le succès de l'artiste tilbourgeois, y compris dans les plus hautes sphères de la société parisienne.
Il s'agit ici d'un bouquet ample contenu dans une corbeille – celle-ci demeure cachée sous les fleurs – posée sur un piédestal allongé et orné d'un bas-relief. L'ensemble est présenté sur un support curviligne en marbre et accompagné d'un vase avec une monture en bronze. Y figurent également un nid rempli d'œuf et un oiseau à proximité.

Ce bouquet de fleurs, à la différence de ceux représentés dans les autres œuvres, est davantage construit selon un axe horizontal plutôt qu'un axe vertical. En effet, les fleurs à tiges longues sont peu présentes ici, ou si elles le sont, elles ne se démarquent de façon significative. L'artiste brabançon reprend les fleurs qu'il a l'habitude de peindre, à savoir, des tulipes bicolores, des giroflées de jardin, des pivoines, des roses *Centifolia*, des primevères et aussi une branche de lilas. Des lys bleus sont peints dans ce bouquet, mais ne sont pas récurrents dans les œuvres du peintre. La composition florale est agencée de telle façon que les fleurs débordent littéralement de la corbeille, entièrement dissimulée, et forment une sorte de coussin de fleurs. Ici, l'élan vertical n'est pas tant recherché au regard des autres tableaux puisque le

piédestal sur lequel est posée la corbeille apporte cet axe vertical qui structure une partie de l'œuvre.

Ce piédestal plutôt massif présente un bas-relief finement travaillé et dont l'iconographie est issue de motifs antiques. En effet, une prêtresse, vêtue d'une longue tunique et arborant une couronne sur la tête, y est représentée devant un autel circulaire. Cette dernière semble le purifier grâce au flambeau qu'elle tient dans sa main droite. De la main gauche, elle tend un vase sacré à Eros, le second personnage représenté dans cette scène et figurant à l'arrière-plan. Le dieu de l'Amour est reconnaissable ici à son carquois et à son arc. Le bas de la scène est partiellement caché par la branche de lilas qui s'affirme alors au premier plan.

Devant ce piédestal est également présent un vase avec un monture en bronze doré. A la lecture de différentes descriptions de cette œuvre, certains auteurs y voient une coupe à encens, tandis que d'autres ne décrivent qu'un vase manufacturé. Cet objet contient exclusivement des roses *Centifolia* dont la couleur rose pâle vient contraster avec le brun et le doré du vase et de la monture. Cette monture d'ailleurs est très élancée et propose des figures féminines fondues dans la
monture, telles des caryatides émergeant de cette structure.
Elles peuvent également être perçues comme des prêtresses,
et feraient alors écho au bas-relief du piédestal.

Ainsi, la figure féminine est omniprésente dans les
différentes représentations figurées. Un lien symbolique
demande sans doute à être interprété ici. En effet, les figures
maternelle et féminine sont clairement mises en avant. De fait,
les femmes de la monture en bronze peuvent être associées
aux roses qu'il contient ; le bas-relief fait référence à la femme-
prêtresse officiant au nom de l'Amour ; et l'oiseau représenté
en arrière-plan vient nourrir des oisillons affamés regroupés
dans le nid. Les fleurs font également écho à cette
interprétation et viennent souligner la symbolique féminine.
Tout d'abord, les roses Centifolia sont le symbole de l'Amour et
sont généralement symbole de féminité, et les pivoines sont un
symbole marial, et rappellent donc l'amour d'une mère pour son
fils.

Ainsi, Gerard van Spaendonck s'empare ici, et de façon
inédite, d'un thème et d'une iconographie mythologiques
mettant en lumière la figure féminine et renvoyant à la
symbolique de l'amour. Il pourrait s'agir ici d'une tentative de
l'artiste tilbourgeois de reprendre un thème cher à des artistes
tels que François Boucher<sup>127</sup> ou bien Jean-Honoré
Fragonard<sup>128</sup>, mais sous la forme d'une représentation moins
galante, plus intellectuelle.

## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Le tableau a été exposé au Salon du Louvre de 1785
avec un cartel spécifique sur lequel était inscrit « Pour le Roi ».
Ceci indique que l'œuvre a été réservée pour le Roi, sans doute
par l'intermédiaire du Directeur des Bâtiments du Roi, le comte
d'Angiviller<sup>129</sup>.

<footnote n="127">127 François Boucher (1703-1770) était un peintre français, fer de lance du style rococo.</footnote>

<footnote n="128">128 Jean-Honoré Fragonard (1732-1806) est essentiellement connu pour ses scènes galantes et la représentation du libertinage dans un style rococo.</footnote>

<footnote n="129">129 Charles Claude Flahaut de la Billarderie, Comte d'Angiviller (1730-1809) mena d'abord une carrière politique en tant que maréchal de camp, avant d'être nommé, en 1774, Directeur des Bâtiments du roi. Il commença alors une carrière dans le monde de l'art et devint mécène pour de nombreux artistes, dont Gerard van Spaendonck, contribuant ainsi à renouveler les styles. Il avait également la charge</footnote>
Albert Van Spaandonck, le biographe et parent éloigné du peintre tilbourgeois, rend compte, dans le tome 2 de sa monographie<fnref n="130" /> dédiée à l'artiste, que cette œuvre a connu un succès fulgurant auprès du roi Louis XVI.

> [...] Comme le tableau n'allait pas être exposé dès les premiers jours, le roi ordonna qu'on plaçât à l'endroit qui lui serait réservé un carton sur lequel l'avis « pour le Roy » allait aiguiser les curiosités et faire envier l'artiste qui pouvait recevoir une telle marque de confiance. A peine sec, le tableau est pendu à la cimaise ; le carton est remplacé par un autre avis « acheté par le Roy » et dès la fermeture du Salon, le tableau prend le chemin de Fontainebleau où une place lui a été faite. [...]

Cette œuvre de composition complexe rappelle les œuvres peintes en 1781 (Cf. fiche d'œuvre n°18, section 1 et n°19, section 1) et en 1783 (Cf. fiche d'œuvre n°21, section 1 et n°22, section 1) puisque toutes affichent un travail plus détaillé et la présence d'éléments qui densifient et enrichissent

la peinture, tels un fond architecturé, des ornementations en bas-relief ou encore des objets manufacturés, comme c'est le cas ici. D'ailleurs, Gerard van Spaendonck s'inspire des productions de ces contemporains, notamment un bas-relief en marbre du sculpteur Clodion<fnref n="131" />, *Le sacrifice à l'Amour* (fig. 1) ainsi que des œuvres de Pierre-Philippe Thomire<fnref n="132" />, un bronzier particulièrement actif sous l'Ancien Régime.

<figure><img src="image_39.png" /><figcaption>Figure 5: Clodion, *Le sacrifice à l'Amour*, 1773 (?), bas-relief sur marbre, 0,26 x 0,31 m, Paris, musée des Arts décoratifs, n°inv. Gr162</figcaption></figure>

<footnote>d'acquisitions d'œuvres d'art pour la collection royale, préfigurant ainsi les collections exposées au musée du Louvre.</footnote>

<footnote n="130">130 Albert Van Spaandonck, *Le comte Gérard Van Spaendonck. Biographie du professeur d'iconographie du Museum d'histoire naturelle de Paris, Livre II, Bruxelles, éditeur inconnu*, 1984, 5 volumes, p. 6, 76 pages.</footnote>

<footnote n="131">131 Claude Michel, dit Clodion (1738-1814) était un sculpteur français spécialisé dans le style rocaille.</footnote>

<footnote n="132">132 Pierre-Philippe Thomire (1751-1843) était bronzier, sculpteur, ciseleur, doreur et fondeur français.</footnote>
<figure><img src="image_40.png" /><figcaption>Tableau ovale. Vase de porphyre garni de fleurs, 1785, 0,34 x 0,48 m</figcaption></figure>

## Hist.

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

- Paris, Salon du Louvre, 1785, n°65

### Bibliographie

- Margriet van Boven, Sam Segal, Gerard & Cornelis van Spaendonck. Twee Brabantse bloemenschilders in Parijs, cat. expo., Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (12 décembre 1980-08 février 1981) Maarssen, La Haye : Gary Schwartz, Sdu, 1988 [première édition : 1980], p.198 (n°158).

### Description et analyse stylistique

Parmi toutes les ressources à disposition, aucun visuel de cette œuvre n'est disponible, rendant donc impossible toute analyse iconographique et stylistique.
## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Cette œuvre fut exposée au Salon du Louvre en 1785, concomitamment à un tableau en grand format qui fut réservé et acquis par le roi (Cf. fiche d'œuvre n°28, section 1).
<figure><img src="image_41.png" /></figure>

© Christie's

Pêches sur un rebord en marbre, 1785, huile sur toile, 0,29 x 0,38 m, signature en bas à droite G. Van Spaendonck. 1785, collection privée

### Hist.

- Vente Christie's, Londres, 1995, n°10, reproduit

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

### Bibliographie

### Description et analyse stylistique

Cette œuvre de petit format est une des rares peintures de Gerard van Spaendonck à représenter exclusivement des fruits, c'est-à-dire une nature morte sans bouquet de fleurs. Ici, le peintre a recours à une structure habituelle, à savoir un arrière-plan sombre et uniforme, et le sujet au premier plan sur un rebord de pierre orthogonal.

Avec ce tableau, l'artiste brabançon montre sa capacité à peindre des fruits, ce qu'il a déjà expérimenté dans d'autres tableaux qui proposaient quelques fruits dans ses corbeilles ou
bien sur le support en pierre. Mais contrairement aux autres compositions, ce sont les fruits qui sont le sujet principal vers lequel tous les regards sont tournés. Mais à bien y réfléchir, la technique est sensiblement identique à la peinture de fleurs puisqu'il s'agit de rendre leur texture, leur volume et leurs teintes.

Ici, le peintre propose une composition faite de six pêches entières et d'une demi-pêche au premier-plan, ainsi qu'un noyau. Elles sont toutes différentes les unes des autres, offrant des ombres et des coloris faits de nuances. Il s'agirait presque d'une planche anatomique de la pêche puisque, si toutes étaient réunies, nous aurions la vision d'une pêche entière, sous tous ses aspects. Cela est conforté par la présence de la pêche coupée et du noyau qui sont mis en avant par rapport aux fruits entiers. Les pêches peintes ici contrastent fortement avec l'arrière-plan presque noir et font écho au support en marbre dont les nervures sont dans les teintes rouge-orangé.

Il s'agit véritablement d'une œuvre originale compte tenu du reste de la production artistique de Gerard van Spaendonck, mais ce dernier réitéra l'opération à plusieurs reprises en

proposant des peintures ayant pour sujet exclusif une grappe de raisins.

## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Ce tableau de petit format est assimilé à deux autres œuvres, mais leur identification reste hypothétique. En effet, il est parfois associé à un tableau exposé lors du Salon du Louvre en 1789 sous le numéro 40 *Autre petit tableau de pêches posées sur un appui de marbre*. Cependant, les dimensions sont différentes, empêchant toute assimilation certaine. De même, il est comparé à une autre œuvre exposée au Salon du Louvre en 1795 sous le numéro 513 *Petit tableau peint sur marbre blanc représentant quelques pêches et une grappe de raisin (sic)*, mais cette dernière a été réattribuée à Cornelis van Spaendonck, le frère cadet du peintre après avoir longtemps été attribuée à Gerard van Spaendonck lui-même.
<figure><img src="image_42.png" /></figure>

Hist.

Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

Expo.

Bibliographie

Description et analyse stylistique

Avec cette œuvre de 1785, Gerard van Spaendonck contribue à faire perdurer ses compositions florales exclusivement consacrées à la représentation d'un bouquet. En effet, est représenté ici, sur un fond neutre, un bouquet de fleurs contenu dans un vase de simple facture, posé sur un rebord en pierre et accompagné de deux branches d'arbres fruitiers. Cependant, la numérisation en noir et blanc ne permet pas d'en savoir davantage à propos des couleurs utilisées par l'artiste.
Tout d'abord, le premier plan est occupé par une branche de prunier délicatement posée sur le rebord en pierre. Cette branche parvient à capter le regard du spectateur et le guide à travers les différents éléments du tableau. Une branche de cerisier est également disposée sur le support en pierre et jouxte directement le bouquet. Quelques cerises semblent prêtes pour la cueillette et sont tantôt visibles, tantôt cachées par les feuilles. Quant au vase contenant les fleurs, il est légèrement désaxé par rapport au centre du tableau, obligeant ainsi à considérer l'ensemble de l'œuvre et pas seulement le sujet principal. Comme à l'accoutumée, Gerard van Spaendonck propose des bouquets richement garnis et présentant une sorte d'effusion de fleurs. Ici sont mises en avant des roses Gallica, des lys, une tige de roses trémières et des primevères. Toutes ces fleurs sont accompagnées par des feuillages qui contribuent à donner de l'ampleur au bouquet.

D'ailleurs, l'agencement des fleurs fait écho aux branches de cerisier et de prunier sur le support et l'ensemble structure ainsi l'œuvre. De même que l'orthogonalité du rebord en marbre, et malgré sa forme convexe à une extrémité,

s'oppose à la verticalité du vase, soulignée par la forme appliquée au verre.

Cependant, l'absence de couleurs limite l'analyse de cette œuvre, empêchant toute observation à propos des teintes utilisées et du rendu des différentes textures.

## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Avec ce tableau, Gerard van Spaendonck revient à une composition simple, reprenant les critères de ses premières œuvres et contrastant avec ses œuvres les plus élaborées, et notamment celle peinte la même année et acquise par Louis XVI (Cf. fiche d'œuvre n°28, section 1).
<figure><img src="image_43.png" /></figure>

©Art Renewal Center

Un tableau représentant une corbeille remplie de diverses fleurs, posée sur une encoignure de marbre sculpte. A côté se voit un piédestal de marbre blanc, sur lequel est un vase, 1787, huile sur toile, 1,00 x 0,82 m, collection particulière

## Hist.

- Acquis par le Comte d'Artois, 1787

- Vente Fondation Guggenheim, Londres, 1962, n°10

- Vente Franck & Rutley Knight, Londres, 1965, n°154

- Vente Christie's, Londres, 1966, n°57, invendu

- Institut Wildenstein, New York, 1967

- Vente Sotheby's, New York, 2004, n°123, reproduit

## Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

## Expo.

- Paris, Salon du Louvre, 1787, n°85, reproduit

## Bibliographie

- Michel et Fabrice Fare, *La vie silencieuse en France. La nature morte au XVIIe siècle*, Fribourg, Office du livre, 1976, p.309

- Margriet van Boven, Sam Segal, *Gerard & Cornelis van Spaendonck. Twee Brabantse bloemenschilders in Parijs*, cat. expo., Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (12 décembre 1980-08 février 1981)
Maarssen, La Haye : Gary Schwartz, Sdu, 1988
[première édition : 1980],p. 198-199 (n°10).

## Description et analyse stylistique

Cette œuvre peinte en 1787 témoigne de la technique et
de la maîtrise de Gerard van Spaendonck. Il s'agit en effet
d'une des œuvres les plus fournies, avec celles peintes en
1783 (Cf. fiche d'œuvre n°21, section 1 et n°22, section 1) et
en 1785 (Cf. fiche d'œuvre n°28, section 1). Tous ces tableaux
ont en commun de proposer un bouquet de fleurs, un vase
manufacturé ou non, et un élément orné de bas-reliefs.

Ici, le bouquet n'est pas placé au centre de l'œuvre, mais
légèrement sur la gauche, tandis que l'axe médian sépare ce
bouquet du piédestal surmonté du vase. A l'instar des
compositions antérieures, l'artiste brabançon représente ici,
dans une corbeille, des roses *Centifolia*, des roses, des
pivoines, des oreilles d'ours, des anémones, des jacinthes, des
pavots, des capucines, etc. Les fleurs aux longues tiges telles
que les pavots doubles, apportent un élan vertical à la
composition florale et donnent de la densité au bouquet.

A droite de ce bouquet se trouve un piédestal en marbre,
orné de bas-relief. A l'instar des peintures réalisées en 1783
(Cf. fiche d'œuvre n°21, section 1 et n°22, section 1) le motif
est d'origine mythologique et représente des prêtresses devant
un autel, officiant un sacrifice. La partie supérieure de ce
piédestal comprend une frise faite de guirlande et de crâne de
buffles. Certaines analyses font d'ailleurs références à un
sacrifice pour Hermès.

Au sommet de ce piédestal se trouve un vase, peut-être
en albâtre, avec une monture en bronze. La forme est élancée
et la hauteur totale du piédestal et du vase rivalise avec la
poussée de la tige de pavot double. Ici, les montures en bronze
sont concentrées, autour de la panse du vase et prennent la
forme de deux sculptures féminines. Ces représentations sont
à la fois figuratives et à la fois ornementales puisque le haut du
corps est celui d'une femme – qui se cache la poitrine avec des
mains – et le bas du corps est composé de formes rococos qui
descendent le long du vase. Ces figures féminines sont
également à considérer en écho avec les prêtresses sculptées
sur le piédestal.
Enfin, une variation notable est à mentionner concernant
le support en marbre. A la différence de beaucoup de rebords
peints par Gerard van Spaendonck, celui-ci n'est pas
simplement un outils orthogonal servant à la structuration de
l'œuvre, mais est un véritable apport ornemental. En effet, il
s'agit d'une encoignure dont un des côtés est orné d'une frise
faite de fleurs sculptées en bas-relief, entourées d'une
guirlande serpentine. Certaines fleurs comme les roses
*Centifolia*, les jacinthes blanches et les capucines viennent
déborder sur ce décor, s'imposant ainsi au premier plan.

Cette œuvre témoigne donc de toute la technique et la
maîtrise dans l'art pictural déployé par Gerard van
Spaendonck. Cela n'a d'ailleurs pas échappé au Comte
d'Artois, le futur Charles X, qui a fait réserver cette œuvre par
le Comte d'Angiviller lors de son exposition au Salon.

Contextualisation : commande, réalisation, production de
l'artiste

A l'instar des œuvres réservées pour le Roi par
l'intermédiaire du Directeur des bâtiments du roi, le Comte
d'Angiviller, cette œuvre a été exposée au Salon du Louvre en
1787 accompagnée d'un cartel contenant la mention « Pour le
comte d'Artois ». Ce tableau fit donc partie, un temps, des
collections royales, témoignant ainsi du succès du peintre.

De plus, cette peinture est présentée la même année
que le tableau réservé pour le Roi, connu dès 1785 et à
nouveau exposé en 1787 (Cf. fiche d'œuvre n°28, section 1). Il
s'agit donc de deux grands formats affirmant tout le talent de
l'artiste.

Enfin, les archives du R.K.D comprennent la fiche
d'œuvre établie par Sam Segal qui, au verso de son analyse,
esquisse la silhouette du tableau et indique quelques détails
ornementaux (fig.1).
<table><thead><tr><th>Kategorie:</th><th></th><th>Datum:</th><th></th><th>Volgnr:</th><th></th><th></th></tr></thead><tbody><tr><td>Kunstenaar:</td><td>Gerard van Spaendonck</td><td>Koziar:</td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Titel (voorzt.):</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Signatuur, datering:</td><td>geb. 1884 G. Van Spaendonck (1787)</td><td>Toeschr.:</td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Materiaal, techniek (rand):</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Eigenaar:</td><td></td><td>Inv.nr:</td><td></td><td>Onderhoudstoesst:</td><td></td><td></td></tr><tr><td>Samenhang:</td><td></td><td></td><td></td><td>Kat.nr:</td><td>57</td><td></td></tr><tr><td>Eigenaar:</td><td>Christiaan 12-9-66</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Reproduktie:</td><td>cat. / Apollo 29.4.67 afd.</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Fotoarchief:</td><td>+</td><td>RKD (van hh. Wilkestein, N.Y.)</td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Lit.:</td><td></td><td></td><td></td><td>Details:</td><td></td><td></td></tr><tr><td>Tentoonst.:</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Herkomst (evt. prijzen):</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Opmerkingen:</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Rkd.</td><td>E. met so. 11-7-62 39½ x 31½", u. Solomou R. Guggenheim Found.</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Sfeer, kontrast - Oppervlak, penseelvoering - Tonaliteit, helderheid - Stofuitdr., nauwk. - Komplex. (div., rangsch.) - Detaillering - Tetaliteit - Koloriet - Kleurkomp. - Lichtval - Trempe l'oeil eff. - Kwaliteit - enz.:</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Vlakvulling - Ruimteverh. - Symmetrie:</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Dieptewerking, perspektief:</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Achtergrnd:</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Voorgrnd:</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Blad (br., zijranden):</td><td></td><td>plint (profiel, br.):</td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Onderstuk:</td><td></td><td>Mat., kleur, besch.</td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Plaats:</td><td></td><td>Tafelkleed:</td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Kontainer(s):</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Weersp., weerkaats.:</td><td></td><td>Persp., nauwk.:</td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Plaats:</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Bloemen/pl./vr.komp. (kateg., aant. elem.):</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Kontoer, symm., richt., assen:</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Top, hoekp., centrum:</td><td></td><td>Vlakvulling:</td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Dichtheid:</td><td></td><td>Kleurenkomp:</td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Koloriet:</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Bladeren, bladgroen (bladvulling, plaats):</td><td></td><td>Kleuren:</td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Voor/achterz., stofuitdr.:</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Beschad., afsterv.:</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Botanische inventarisatie:</td><td></td><td></td><td></td><td>Penol., aantal:</td><td></td><td></td></tr><tr><td>1.</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>2.</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>3.</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>4.</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>5.</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>6.</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>7.</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>8.</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>9.</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>10.</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>11.</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>12.</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>13.</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>14.</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>15.</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>16.</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>17.</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>18.</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>19.</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>20.</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr></tbody></table>

<table><tbody><tr><td>1.</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>2.</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>3.</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>4.</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>5.</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Overige insekten, spinnen:</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>1.</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>2.</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>3.</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>4.</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>5.</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Overige ongewervelde dieren (inkl. schelpen):</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Gewervelde dieren:</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Vogelnestje (samenst., bouw, inh., plaats):</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Waterdruppels:</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Levenloze objekten:</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr><tr><td>Overigens:</td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td><td></td></tr></tbody></table>

Opmerkingen, schetsen:

<figure><img src="image_44.png" /></figure>

Mand (wecze) met
e.a. (al)hese b.(ni)
slaaphol (top)
piee div.
dubbele lyce. N12 + N
rozén
truienwiel dij.
Dagsehore k
anemoon.

<caption>Figure 6: Fiche d'œuvre rédigée par Sam Segal, conservée aux archives du R.K.D, La Haye (recto et verso).</caption>
<figure><img src="image_45.png" /></figure>

Nature morte de fleurs dans un panier avec deux papillons, une libellule une mouche et un scarabée près d'une urne en albâtre, 1787, huile sur toile, 1,00 x 0,82 m

### Hist.

- Vente Sotheby's, New York, 1994, n°129, non reproduit

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

### Bibliographie

### Description et analyse stylistique

Parmi toutes les ressources à disposition, aucun visuel de cette œuvre n'est disponible, rendant donc impossible tout analyse iconographique et stylistique.

### Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Cette œuvre de 1787 a été peinte la même année que deux œuvres importantes exposées au Salon du Louvre. Il s'agit de la seule œuvre recensée peinte cette année, en dehors des productions pour le Salon du Louvre.
<figure><img src="image_46.png" /><figcaption>© Base Salon</figcaption></figure>

Vase rempli de différentes fleurs et posé sur une table de marbre, où se trouvent deux ananas et une corbeille garnie de différents fruits, 1789, 1,37 x 1,01 m, signature en bas à droite G. Van Spaendonck

### Hist.

- Collection du roi Louis XVI, d'après Margriet van Boven et Sam Segal

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

- Paris, Salon du Louvre, 1789, n°39

### Bibliographie

- Margriet van Boven, Sam Segal, *Gerard & Cornelis van Spaendonck. Twee Brabantse bloemenschilders in Parijs*, cat. expo., Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (12 décembre 1980-08 février 1981) Maarssen, La Haye : Gary Schwartz, Sdu, 1988 [première édition : 1980], p. 199 (n°160, 160a et 160b).
## Description et analyse stylistique

Ce tableau de grand format est entièrement occupé par un bouquet contenu dans un grand vase et accompagné de divers fruits posés sur le rebord en marbre. Dans cette peinture, Gerard van Spaendonck fait figurer les fleurs récurrentes, à savoir des roses *Centifolia*, des tulipes bicolores, une tige de rose trémière, des jacinthes, une branche de giroflées des jardins, une couronne impériale qui s'impose dans le fond, des oreilles d'ours et des pivoines. De plus, beaucoup de fleurs peintes ici sont dotées de tiges longues et droites, ce qui permet de structurer le bouquet en lui donnant un élan vertical et une certaine ampleur. Comme le peintre en a l'habitude, il joint quelques feuillages à la composition florale afin d'apporter davantage d'envergure à l'ensemble.

La profusion des fleurs et de feuillages contribue à créer une jointure entre l'espace consacré au bouquet et les fruits sur l'entablement en marbre. En effet, tout semble se mêler entre les feuilles des épis de maïs et les branches de roses *Centifolia* légèrement inclinées vers le bas. Il en est de même pour une tulipe bicolore ou bien les belles de jour qui viennent effleurer les ananas. Cette impression d'unité tend à faire oublier la

présence du vase jaune et crée une sorte de composition unique.

Sur l'entablement sont donc représentés deux ananas, une branche de groseilles, des marrons et, dans une corbeille, quatre pêches, des épis de maïs et une grappe de raisins. Ici encore, la structure de l'œuvre est savamment pensée par Gerard van Spaendonck dans la mesure où les éléments se font écho ou bien s'opposent. Ainsi, les fruits plus lourds font face à la légèreté et la fragilité des fleurs ; tandis que les couleurs se répondent au sein de l'ensemble. En effet, la couleur des ananas rappelle le rouge-corail de la couronne impériale, le violet des raisins renvoie aux giroflées des jardins et aux jacinthes, en même temps que la rotondité des pêches répond aux roses *Centifolia* connues pour leur densité et leur forme sphérique.

Enfin, le peintre brabançon a repris ici un des traits caractéristiques de sa production artistique, à savoir la présence d'un fond neutre, permettant ainsi de mettre en avant la composition florale qui, par contraste, s'impose encore davantage aux yeux du spectateur.
## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Cette œuvre, exposée au Salon de 1789 a connu plusieurs copies, notamment par Antoine Chazal<fnref n="133" />, un élève de Gerard van Spaendonck, ainsi que par le propre frère de l'artiste, Cornelis van Spaendonck. Mais ici, c'est l'héritage de Jan van Huysum qui se remarque, avec un bouquet richement garni d'où en émane une apparence de désordre et mis en valeur par un traitement naturaliste, tant pour les fleurs que pour les fruits.

Le Salon du Louvre de 1789 ouvre dans un contexte socio-politique tourmenté puisque les événements de juillet ont profondément marqué la population parisienne et ont opéré des changements considérables. Mais malgré cette atmosphère tendue, l'Académie maintient le Salon, mais le fait ouvrir 15 jours plus tôt, à savoir, le 1er septembre.

Gerard van Spaendonck, malgré ses engagements dans la monarchie et auprès de la famille royale, n'est pas évincé des manifestations culturelles et expose deux œuvres au Salon

de 1789. D'ailleurs, Gerard van Spaendonck préfère proposer deux œuvres qui répondent strictement aux critères des natures-mortes, sans motif antique incitant à une interprétation.

Enfin, le tableau qui attire tous les regards et toutes les critiques cette année-là est celui peint par Jacques-Louis David, *Les licteurs rapportent à Brutus les corps de ses fils* (fig.1). Cette œuvre, hautement symbolique, fait écho aux événements récents et à une portée politique indéniable.

<figure><img src="image_47.png" /><figcaption>Figure 7: Jacques-Louis DAVID, *Les licteurs rapportent à Brutus les corps de ses fils*, 1789, huile sur toile, 3,23 x 4,22 m, Paris, musée du Louvre, n°inv. 3693.</figcaption></figure>

<footnote n="133">¹³³ Antoine Chazal (1793-1854) fut l'élève de Gerard van Spaendonck lorsque ce dernier donnait des cours d'iconographie naturelle au Jardin du Roi. Il se spécialisa</footnote>

<footnote>dans les peintures de natures mortes, mais également les portraits et les sujets religieux. Il est notamment connu pour être le grand-oncle de Paul GAUGUIN.</footnote>
<figure><img src="image_48.png" /></figure>

Autre petit tableau de pêches posées sur un appui de marbre, 1789, huile sur toile, 0,39 x 0,46 m

## Hist.

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

- Paris, Salon du Louvre, 1789, n°40

### Bibliographie

- Margriet van Boven, Sam Segal, Gerard & Cornelis van Spaendonck. Twee Brabantse bloemenschilders in Parijs, cat. expo., Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (12 décembre 1980-08 février 1981) Maarssen, La Haye : Gary Schwartz, Sdu, 1988 [première édition : 1980], p. 199 (n°161).

### Description et analyse stylistique

Parmi toutes les ressources à disposition, aucun visuel de cette œuvre n'est disponible, rendant donc impossible toute analyse iconographique et stylistique.
## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Ce tableau de petit format est assimilé à deux autres œuvres, mais leur identification reste hypothétique. En effet, il est parfois associé à un tableau exposé lors du Salon du Louvre en 1785 sous le numéro 65 *Pêches sur un rebord de marbre*. Cependant, les dimensions sont différentes, empêchant toute assimilation certaine. De même, il est confondu avec une autre œuvre exposée au Salon du Louvre en 1795 sous le numéro 513 *Petit tableau peint sur marbre blanc représentant quelques pêches et une grappe de raisin (sic)*, mais cette dernière a été réattribuée à Cornelis van Spaendonck, le frère cadet du peintre. De plus, les matériaux utilisés sont différents, rendant donc caduque une éventuelle assimilation.

Le Salon du Louvre de 1789 ouvre dans un contexte socio-politique tourmenté puisque les événements de juillet ont profondément marqué la population parisienne et ont opéré des changements considérables. Mais malgré cette atmosphère tendue, l'Académie maintient le Salon, mais le fait ouvrir 15 jours plus tôt, à savoir, le 1er septembre.

Gerard van Spaendonck, malgré ses engagements dans la monarchie et auprès de la famille royale, n'est pas évincé des manifestations culturelles et expose deux œuvres au Salon de 1789. D'ailleurs, Gerard van Spaendonck préfère proposer deux œuvres qui répondent strictement aux critères des natures mortes, sans motif antique incitant à une interprétation.

Mais notons que cette année-là, le tableau qui attire tous les regards et toutes les critiques est celui peint par Jacques-Louis David, *Les licteurs rapportent à Brutus les corps de ses fils* (fig.1). Cette œuvre, hautement symbolique, fait écho aux événements récents et à une portée politique indéniable.

<figure><img src="image_49.png" /><figcaption>Figure 8: Jacques-Louis DAVID, *Les licteurs rapportent à Brutus les corps de ses fils*, 1789, huile sur toile, 3,23 x 4,22 m, Paris, musée du Louvre, n°inv. 3693.</figcaption></figure>
<figure><img src="image_50.png" /><figcaption>Des fruits, des fleurs et un vase posé sur un table de marbre, 1790</figcaption></figure>

## Hist.

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

- La Société des Amis des Arts, Paris, 1790, n°21

## Bibliographie

### Description et analyse stylistique

Parmi toutes les ressources à disposition, aucun visuel de l'œuvre n'est disponible, rendant donc impossible toute analyse iconographique et stylistique.
## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

L'année 1790 vit l'apparition de nombreux changements dans l'organisation de la vie artistique parisienne, liés aux tourments politiques qui secouent l'ensemble du pays. Cela entraîna notamment l'annulation du Salon de 1790. Ainsi, certains artistes, amateurs ou collectionneurs d'art s'engagent dans de nouvelles causes, dont le principe fondateur est l'émancipation des institutions royales et donc la liberté de création et de diffusion des œuvres.

C'est pourquoi, dès 1790, les membres de l'Académie, dont Gerard van Spaendonck, se sont constitués en « Commune des arts » et demandent l'instauration d'un Salon libre et même la suppression de l'Académie. Un tel Salon vit d'ailleurs le jour en 1791.

D'autre part, dès 1789, la Société des Amis des Arts<fnref n="134" /> fut créée par l'architecte Charles de Wailly<fnref n="135" />. La Société

incarnait alors tous les changements en cours et les principes portés par les Lumières. Il s'agissait, entre autres, de réinventer le système de spéculation artistique et d'imaginer une nouvelle forme « collective et patriotique<fnref n="136" /> », luttant alors contre la protection individuelle et les commandes privées. Ainsi, une souscription – dont le montant évolua avec le temps, tout comme le nombre de souscripteurs – est demandée afin d'aider les artistes et d'assurer les achats d'œuvres, directement depuis les ateliers des artistes. Par ailleurs, des expositions sont organisées par la Société des Amis des Arts en 1790, 1791, 1792 et 1798. Le soutien aux artistes est donc assuré mais de façon différente puisqu'il est le résultat d'intérêts privés – celui des amateurs – sous une forme collective égalant les commandes publiques émises par l'Académie royale. Notons qu'il faut peut-être y voir une forme plus aboutie de la tentative de Pahin de la Blancherie<fnref n="137" /> à s'émanciper des formes traditionnelles de diffusion des arts.

<footnote n="134">134 Cf. Charlotte Guichard, *Les amateurs d'art à Paris au XVIIIᵉ siècle*, Seyssel, Champ Vallon, 2008, p.332-337.</footnote>

<footnote n="135">135 Charles De Wailly (1730-1798) était architecte et fonda la Société des Amis des Arts en 1789. Les expositions artistiques proposées connurent plusieurs interruptions, notamment avec la Terreur et l'Empire. La Société se réforme en 1817 et perdure jusqu'à la fin du XIXᵉ siècle.</footnote>

<footnote n="136">136 Cf. Charlotte Guichard, *Les amateurs d'art à Paris au XVIIIᵉ siècle*, Seyssel, Champ Vallon, 2008, p.333.</footnote>

<footnote n="137">137 Mammès-Claude-Catherine Pahin-Champlain de la Blancherie (1752-1811) était un homme de Lettres qui fonda, en 1777, le Salon de la Correspondance.</footnote>
<figure><img src="image_51.png" /></figure>

Un tableau représentant différentes fleurs groupées dans un vase et
dans une corbeille, 1790, 1,00 x 0,88 m

Hist.

Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

Expo.

- La Société des Amis des Arts, Paris, 1790, n°39

Bibliographie

Description et analyse stylistique

Parmi toutes les ressources à disposition, aucun visuel
de l'œuvre n'est disponible, rendant donc impossible toute
analyse iconographique et stylistique.

Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

L'année 1790 vit l'apparition de nombreux changements
dans l'organisation de la vie artistique parisienne, liés aux
tourments politiques qui secouent l'ensemble du pays. Cela entraîna notamment l'annulation du Salon de 1790. Ainsi, certains artistes, amateurs ou collectionneurs d'art s'engagent dans de nouvelles causes, dont le principe fondateur est l'émancipation des institutions royales et donc la liberté de création et de diffusion des œuvres.

C'est pourquoi, dès 1790, les membres de l'Académie, dont Gerard van Spaendonck, se sont constitués en « Commune des arts » et demandent l'instauration d'un Salon libre et même la suppression de l'Académie. Un tel Salon vit d'ailleurs le jour en 1791.

D'autre part, dès 1789, la Société des Amis des Arts<fnref n="138" /> fut créée par l'architecte Charles de Wailly<fnref n="139" />. La Société incarnait alors tous les changements en cours et les principes portés par les Lumières. Il s'agissait, entre autres, de réinventer le système de spéculation artistique et d'imaginer une nouvelle

forme « collective et patriotique<fnref n="140" /> », luttant alors contre la protection individuelle et les commandes privées. Ainsi, une souscription – dont le montant évolua avec le temps, tout comme le nombre de souscripteurs – est demandée afin d'aider les artistes et d'assurer les achats d'œuvres, directement depuis les ateliers des artistes. Par ailleurs, des expositions sont organisées par la Société des Amis des Arts en 1790, 1791, 1792 et 1798. Le soutien aux artistes est donc assuré mais de façon différente puisqu'il est le résultat d'intérêts privés – celui des amateurs – sous une forme collective égalant les commandes publiques émises par l'Académie royale. Notons qu'il faut peut-être y voir une forme plus aboutie de la tentative de Pahin de la Blancherie<fnref n="141" /> à s'émanciper des formes traditionnelles de diffusion des arts.

<footnote n="138">¹³⁸ Cf. Charlotte Guichard, *Les amateurs d'art à Paris au XVIIIᵉ siècle*, Seyssel, Champ Vallon, 2008, p.332-337.</footnote>

<footnote n="139">¹³⁹ Charles De Wailly (1730-1798) était architecte et fonda la Société des Amis des Arts en 1789. Les expositions artistiques proposées connurent plusieurs interruptions, notamment avec la Terreur et l'Empire. La Société se réforme en 1817 et perdure jusqu'à la fin du XIXᵉ siècle.</footnote>

<footnote n="140">¹⁴⁰ Cf. Charlotte Guichard, *Les amateurs d'art à Paris au XVIIIᵉ siècle*, Seyssel, Champ Vallon, 2008, p.333.</footnote>

<footnote n="141">¹⁴¹ Mammès-Claude-Catherine Pahin-Champlain de la Blancherie (1752-1811) était un homme de Lettres qui fonda, en 1777, le Salon de la Correspondance.</footnote>
<figure><img src="image_52.png" /></figure>

Autre tableau représentant une grappe de raisins Muscat d'Alexandrie, peinte à l'huile sur marbre de Carrare, 1790, huile sur marbre, 0,49 x 0,43 m

Hist.

Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

Expo.

- La Société des Amis des Arts, Paris, 1790, n°40

Bibliographie

Description et analyse stylistique

Parmi toutes les ressources à disposition, aucun visuel
de l'œuvre n'est disponible, rendant donc impossible toute
analyse iconographique et stylistique.

Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Le choix du marbre comme support d'une peinture est
un processus inédit pour Gerard van Spaendonck. Bien qu'il
réitère l'utilisation de ce support, dès 1791 (Cf. fiche d'œuvre
n°39, section 1), il semble le privilégier à des œuvres de petit format et représentant exclusivement des grappes de raisins.

L'année 1790 vit l'apparition de nombreux changements dans l'organisation de la vie artistique parisienne, liés aux tourments politiques qui secouent l'ensemble du pays. Cela entraîna notamment l'annulation du Salon de 1790. Ainsi, certains artistes, amateurs ou collectionneurs d'art s'engagent dans de nouvelles causes, dont le principe fondateur est l'émancipation des institutions royales et donc la liberté de création et de diffusion des œuvres.

C'est pourquoi, dès 1790, les membres de l'Académie, dont Gerard van Spaendonck, se sont constitués en « Commune des arts » et demandent l'instauration d'un Salon libre et même la suppression de l'Académie. Un tel Salon vit d'ailleurs le jour en 1791.

D'autre part, dès 1789, la Société des Amis des Arts<fnref n="142" /> fut créée par l'architecte Charles de Wailly<fnref n="143" />. La Société

incarnait alors tous les changements en cours et les principes portés par les Lumières. Il s'agissait, entre autres, de réinventer le système de spéculation artistique et d'imaginer une nouvelle forme « collective et patriotique »<fnref n="144" />, luttant alors contre la protection individuelle et les commandes privées. Ainsi, une souscription – dont le montant évolua avec le temps, tout comme le nombre de souscripteurs – est demandée afin d'aider les artistes et d'assurer les achats d'œuvres, directement depuis les ateliers des artistes. Par ailleurs, des expositions sont organisées par la Société des Amis des Arts en 1790, 1791, 1792 et 1798. Le soutien aux artistes est donc assuré mais de façon différente puisqu'il est le résultat d'intérêts privés – celui des amateurs – sous une forme collective égalant les commandes publiques émises par l'Académie royale. Notons qu'il faut peut-être y voir une forme plus aboutie de la tentative de Pahin de la Blancherie<fnref n="145" /> à s'émanciper des formes traditionnelles de diffusion des arts.

<footnote n="142">¹⁴² Charlotte Guichard, *Les amateurs d'art à Paris au XVIIIᵉ siècle*, Seyssel, Champ Vallon, 2008, p.332-337.</footnote>

<footnote n="143">¹⁴³ Charles De Wailly (1730-1798) était architecte et fonda la Société des Amis des Arts en 1789. Les expositions artistiques proposées connurent plusieurs</footnote>

<footnote>interruptions, notamment avec la Terreur et l'Empire. La Société se réforme en 1817 et perdure jusqu'à la fin du XIXᵉ siècle.</footnote>

<footnote n="144">¹⁴⁴ Cf. Charlotte Guichard, *Les amateurs d'art à Paris au XVIIIᵉ siècle*, p.333, op. cit.</footnote>

<footnote n="145">¹⁴⁵ Mammès-Claude-Catherine Pahin-Champlain de la Blancherie (1752-1811) était un homme de Lettres qui fonda, en 1777, le Salon de la Correspondance</footnote>
<figure><img src="image_53.png" /></figure>

©R.K.D

Grappe de raisin, peinte sur marbre 1791, huile sur marbre, 0,26 x 0,20 m, signature en bas à droite G. van Spaendonck, Montpellier, musée Fabre, n° inv. 836.4.70, legs Valedau (1836)

### Hist.

- Vente Laneuville, Paris, 1816, n°60

- Legs Valedau, 1836

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

- Paris, Salon du Louvre, 1791, n°61

### Bibliographie

- Margriet van Boven, Sam Segal, Gerard & Cornelis van Spaendonck. Twee Brabantse bloemenschilders in Parijs, cat. expo., Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (12 décembre 1980-08 février 1981) Maarssen, La Haye : Gary Schwartz, Sdu, 1988 [première édition : 1980], p. 101 (n°7).

- Albert Van Spaandonck, Le comte Gérard Van Spaendonck. Biographie du professeur d'iconographie du Museum d'histoire naturelle de Paris, Livre III, Bruxelles, éditeur inconnu, 1984, 5 volumes, p.18.
## Description et analyse stylistique

Il s'agit ici d'une œuvre de petit format dédiée à la représentation exclusive d'un sujet : une grappe de raisins. Gerard van Spaendonck n'est pas familier des sujets uniques et ne le fait que dans de très rares occasions.

Cette grappe de raisins de Muscat occupe la totalité du support et la branche oblique est peinte de part en part de la tablette de marbre. De façon presque perpendiculaire à cette branche est figurée la grappe de raisins, suspendue à un clou dont la tête reprend la forme d'un coquillage. Cette attache ainsi que la branche de vigne semblent bien minces comparées à la grappe de raisins particulièrement riche en grains.

Ici, encore, Gerard van Spaendonck montre son habileté à représenter les fruits ainsi que toute sa maîtrise permettant de rendre la brillance de certains grains, la lumière et les ombres sur ceux-ci, ainsi que l'impression de maturité des fruits. Cependant, la numérisation en noir et blanc ne permet pas d'en dire davantage sur les contrastes et les couleurs utilisés par le peintre brabançon.

## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

L'année 1791 voit la fuite de la famille royale à Varennes, son arrestation ainsi que la proclamation de la Constitution, opérant un changement important dans la façon de gouverner. C'est dans ce contexte qu'ouvre le Salon du Louvre de 1791 qui, par un décret de l'Assemblée nationale, est désormais ouvert à tous les artistes.

A l'instar du Salon de 1789, c'est le peintre Jacques-Louis David qui reçoit tous les éloges, notamment grâce à la présentation du dessin préparatoire du *Serment du Jeu de Paume* (fig.1) et deux œuvres déjà exposées, *Les licteurs rapportent à Brutus les corps de ses fils* (fig.2) et le *Serment des Horaces*.
<figure><img src="image_54.png" /></figure>

Figure 9: Jacques-Louis David, *Le Serment du Jeu de Paume*, 1791, plume, encre, lavis et rehauts de blanc du crayon sur papier, 30,66 x 1,01m, Paris, musée du Louvre, n°inv. DESS 736.

<figure><img src="image_55.png" /></figure>

Figure 2 : Jacques-Louis David, *Les licteurs rapportent à Brutus les corps de ses fils*, 1789, huile sur toile, 3,23 x 4,22 m, Paris, musée du Louvre, n°inv. 3693.

<figure><img src="image_56.png" /></figure>

Figure 3 : Jacques-Louis David, *Le Serment des Horaces*, 1784, huile sur toile, 3,26 x 4,2 m, Paris, musée du Louvre, n°inv. 3692.
<figure><img src="image_57.png" /><figcaption>Tableau de fleurs, 1791</figcaption></figure>

## Hist.

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

- Salon du Louvre, Paris, 1791, n°74

## Bibliographie

### Description et analyse stylistique

Parmi toutes les ressources à disposition, aucun visuel de cette œuvre n'est disponible, rendant donc impossible toute analyse iconographique et stylistique.

### Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

L'année 1791 voit la fuite de la famille royale à Varennes, son arrestation ainsi que la proclamation de la Constitution, opérant un changement important dans la façon de gouverner.
C'est dans ce contexte qu'ouvre le Salon du Louvre de 1791 qui, par un décret de l'Assemblée nationale, est désormais ouvert à tous les artistes.

A l'instar du Salon de 1789, c'est le peintre Jacques-Louis David qui reçoit tous les éloges, notamment grâce à la présentation du dessin préparatoire du *Serment du Jeu de Paume* (fig.1) et deux œuvres déjà exposées, *Les licteurs rapportent à Brutus les corps de ses fils* (fig.2) et le *Serment des Horaces* (fig.3).

<figure><img src="image_58.png" /><figcaption>Figure 10: Jacques-Louis David, *Le Serment du Jeu de Paume*, 1791, plume, encre, lavis et rehauts de blanc du crayon sur papier, 30,66 x 1,01m, Paris, musée du Louvre, n°inv. DESS 736.</figcaption></figure>

<figure><img src="image_59.png" /><figcaption>Figure 2 : Jacques-Louis David, *Les licteurs rapportent à Brutus les corps de ses fils*, 1789, huile sur toile, 3,23 x 4,22 m, Paris, musée du Louvre, n°inv. 3693.</figcaption></figure>

<figure><img src="image_60.png" /><figcaption>Figure 3 : Jacques-Louis David, *Le Serment des Horaces*, 1784, huile sur toile, 3,26 x 4,2 m, Paris, musée du Louvre, n°inv. 3692.</figcaption></figure>
<figure><img src="image_61.png" /></figure>

©Dorotheum

Vase de fleurs, 1792, huile sur toile, 0,25 x 0,33 m, signature en bas à droite, collection particulière

### Hist.

- Vente Dorotheum, Vienne, 2018, n°381

- Vente Dorotheum, Vienne, 2019, n°620

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

### Bibliographie

### Description et analyse stylistique

Avec ce petit format rectangulaire, Gerard van Spaendonck propose, sur un fond original, un bouquet de fleurs posé sur un rebord en marbre. Ici le vase occupe l'espace central de la toile et s'impose au regard du spectateur. De plus, les couleurs vives utilisées pour les fleurs contrastent vivement entre elles, créant ainsi une œuvre très lumineuse malgré une partie de l'arrière-plan dans les teintes brun-vert.

Le bouquet, sujet principal du tableau et largement mis en avant par l'artiste. Les fleurs peintes ici comptent parmi celles qui sont les plus récurrentes dans l'œuvre du peintre brabançon, et surtout la rose *Centifolia* qui a ici une place de choix puisqu'elle occulte en partie le vase et domine ainsi le
premier-plan. Elle est accompagnée par des Oreilles d'ours,
des roses, une tige de rose trémière et des lys bleus.

Ce bouquet richement garni est présenté dans un vase
orangé posé sur un rebord en marbre dont les nervures brunes
semblent réalisées sans trop de détails. En effet, dans la
plupart des œuvres de Gerard van Spaendonck, les rebords en
marbre sont travaillés avec beaucoup de précisions, tentant de
rendre le plus fidèlement possible les œuvres de la nature.

Enfin, il semble nécessaire d'insister sur l'aspect original
du fond de l'œuvre. Le peintre brabançon a réalisé, tout au long
de sa carrière de nombreux arrière-plans, certains plus
élaborés que d'autres, mais tous étaient conçus pour la totalité
de la toile. Ici, un espace hémisphérique bleu est peint derrière
le bouquet et semble avoir pour diamètre la longueur du
support du vase. Quant au reste dans la peintre, le fond est
brun, sans nuance particulière ni dégradé en raison de la
lumière. Deux hypothèses semblent alors plausibles : il s'agit
d'une sorte de fenêtre sur l'extérieur – mais alors la perspective
ne rend pas compte de cette idée – ou bien le fond est
inachevé, ce qui serait une première dans le cas de Gerard van
Spaendonck.

Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

En 1792, le contexte socio-artistico-politique demeure
tourmenté. Les institutions traditionnelles, dès lors réformées,
continuent d'assurer la vie artistique, à l'instar du Salon du
Louvre qui a réouvert ses portes en 1791.

Cette œuvre semble des plus nébuleuses eu égard au
reste de la production de l'artiste. En effet, la facture trop lisse
est bien différente de la technique précieuse et de grande
qualité développée par van Spaendonck tout au long de sa
carrière. De même, ces couleurs vives ne sont pas habituelles
dans la palette, préférant les teintes harmonieuses et pastel.
Enfin, l'arrière-plan (inachevé ?) demeure un mystère, un fait
sans précédent dans l'ensemble de la production artistique du
peintre brabançon.

Cependant, s'il s'avère que l'arrière-plan de l'œuvre est
bel et bien composé d'une niche ouverte sur un paysage, ici un
décor bleu, alors cela entretien l'héritage pictural et stylistique
d'Ambrosius Bosschaert, qui s'est illustré dans cet ornement
accompagnant ses natures mortes.
<figure><img src="image_62.png" /></figure>

Plusieurs pêches avec une grappe de raisins de Maroc peints sur marbre blanc, 1793, huile sur marbre, 0,56 x 0,46 m

## Hist.

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

- Paris, Salon du Louvre, 1793, n°748

### Bibliographie

- Margriet van Boven, Sam Segal, Gerard & Cornelis van Spaendonck. Twee Brabantse bloemenschilders in Parijs, cat. expo., Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (12 décembre 1980-08 février 1981) Maarssen, La Haye : Gary Schwartz, Sdu, 1988 [première édition : 1980], p. 199 (n°162).

### Description et analyse stylistique

Parmi toutes les ressources à disposition, aucun visuel de cette œuvre n'est disponible, rendant ainsi impossible toute analyse iconographique et stylistique.
## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

L'année 1793 fut une année charnière dans la carrière de Gerard van Spaendonck, pas tant dans le domaine artistique, mais plutôt dans son engagement dans les institutions artistico-politiques. En effet, dès 1793, il fit partie des douze père-fondateurs du Muséum d'Histoire naturelle, désormais réformé. De fait, il participa aux changements de statuts conférant aux professeurs une véritable charge professorale ainsi que des revenus fixes. Il obtint alors la charge de Professeur d'iconographie naturelle et ouvrit son cours à tous les étudiants, y compris les jeunes filles. Parmi eux, nous comptons notamment Pierre-Joseph Redouté et la marquise de Grollier.
<figure><img src="image_63.png" /><figcaption>©The Frick Collection</figcaption></figure>

Raisin avec des insectes sur un rebord en marbre, 1793, huile sur marbre, 0,19 x 0,24 m, New York, The Frick Collection, n° inv. 2012.1.01, donation M. Asbjorn R. Lunde

Hist.

Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

Expo.

Bibliographie

Description et analyse stylistique

A l'instar d'une peinture sur marbre réalisée en 1791 (Cf. fiche d'œuvre n°39, section 1), le sujet exclusif de cette œuvre est une gruppe de raisins. Il s'agit ici de raisins de muscat blanc, délicatement posés sur un rebord en marbre, encore accrochés au cep de vigne avec quelques feuilles. La technique développée ici par Gerard van Spaendonck et la qualité de la représentation donnent l'impression d'un trompe-l'œil. Ici, chaque grain de raisins est peint avec beaucoup d'application, tant dans les couleurs que dans la texture. Cette illusion est renforcée par la position de la gruppe de raisins dont l'extrémité
dépasse du rebord, s'imposant alors au premier-plan et au regard du spectateur.

L'harmonie de l'œuvre est rendue par la structure de la composition et l'unité dans les couleurs. En effet, la totalité de la composition est conçue dans des teintes vert-jaune clair, à l'exception des quelques marques partielles sur les grains de raisin, du cep de vigne et des insectes largement représentés ici. Par ailleurs, le cep de vigne et le rebord en marbre se répondent dans une certaine horizontalité, tandis que la frontalité de la grappe et des feuilles apporte de la profondeur à l'ensemble. Enfin, le dynamisme de l'œuvre est assuré par les formes d'arabesques des vrilles et la présence de ces insectes, dont une fourmi, une coccinelle, une mouche, etc., seuls êtres vivants de la composition.

## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

D'après les experts de la Frick Collection, cette œuvre aurait un pendant, dont la localisation est aujourd'hui inconnue, ayant pour sujet des pêches. Une interprétation serait alors possible si ces deux réalisations sont considérées ensemble :

les grappes de raisins et les pêches sont des attributs du dieu Bacchus, symboles également de l'abondance et de la fertilité. De même, le raisin, transformé en vin, peut être associé au sang du Christ, tout comme les pêches peuvent être la représentation allégorique de la matrice de la Vierge. Ainsi, dans ses natures mortes, Gerard van Spaendonck peut convoquer deux cultures, païenne et chrétienne, grâce à la symbolique des fruits qu'il peint.

Par ailleurs, l'année 1793 fut une année charnière dans la carrière de Gerard van Spaendonck, pas tant dans le domaine artistique, mais plutôt dans son engagement dans les institutions artistico-politiques. En effet, dès 1793, il fit partie des douze père-fondateurs du Muséum d'Histoire naturelle, désormais réformé. De fait, il participa aux changements de statuts conférant aux professeurs une véritable charge professorale ainsi que des revenus fixes. Il obtint alors la charge de Professeur d'iconographie naturelle et ouvrit son cours à tous les étudiants, y compris les jeunes filles. Parmi eux, nous comptons notamment Pierre-Joseph Redouté et la marquise de Grollier.
<figure><img src="image_64.png" /></figure>

*Une corbeille et un vase remplis de différentes fleurs, 1796, huile sur toile*

## Hist.

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

- Paris, Salon du Louvre, 1796, n°480

### Bibliographie

- Margriet van Boven, Sam Segal, *Gerard & Cornelis van Spaendonck. Twee Brabantse bloemenschilders in Parijs*, cat. expo., Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (12 décembre 1980-08 février 1981)
Maarssen, La Haye : Gary Schwartz, Sdu, 1988
[première édition : 1980], p. 199 (n°164).

### Description et analyse stylistique

Parmi toutes les ressources à disposition, aucun visuel de cette œuvre n'est disponible, rendant donc impossible toute analyse iconographique et stylistique.
## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

L'année 1796 marque la dernière participation de Gerard van Spaendonck au Salon du Louvre. Il y propose alors une peinture sur toile et deux peintures sur marbre. Cela coïncide notamment avec l'intensification de sa charge de Professeur d'iconographie au Muséum d'Histoire naturelle dont les cours lui demandent un investissement conséquent. Il n'arrête cependant pas de peindre et se consacre toujours à la collection des vélins ainsi qu'à la peinture sur miniatures.
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<figure><img src="image_65.png" /></figure>

©Numérisation personnelle depuis les archives du R.K.D

Un bouquet de roses, tulipes et pavots peints sur marbre blanc,
1796, huile sur marbre, 0,51 x 0,38 m

Hist.

- Vente Christie's, New York, 1991, n°9

- Vente Sotheby's, New York, 2003, n°87

Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

Expo.

- Paris, Salon du Louvre, 1796, n°481

Bibliographie

- Margriet van Boven, Sam Segal, Gerard & Cornelis van Spaendonck. Twee Brabantse bloemenschilders in Parijs, cat. expo., Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (12 décembre 1980-08 février 1981) Maarssen, La Haye : Gary Schwartz, Sdu, 1988 [première édition : 1980],p. 104 (n°8a).

- Albert Van Spaandonck, Le comte Gérard Van Spaendonck. Biographie du professeur d'iconographie du Museum d'histoire naturelle de Paris, Livre III, Bruxelles, éditeur inconnu, 1984, 5 volumes, p70.
## Description et analyse stylistique

A la différence des peintures sur marbres antérieures, cette œuvre n'est pas dédiée aux fruits (raisins ou pêches), mais à un bouquet de fleurs. Ici, Gerard van Spaendonck délaisse sa toile traditionnelle et opte pour un support déjà utilisé mais relativement inédit : le marbre blanc. En raison du changement de support, la composition de l'œuvre connaît quelques modifications.

En effet, le bouquet occupe la totalité de la surface mais n'est pas contenu dans un vase, ni présenté sur un rebord en marbre, ni exposé devant un arrière-plan neutre et uniforme. Ici, les fleurs coupées sont présentées plus brutalement que d'habitude, mais finalement, cela oblige à se concentrer sur l'essentiel, c'est-à-dire la beauté des fleurs. Le peintre brabançon a choisi pour cette œuvre de représenter ses fleurs les plus récurrentes, à savoir des tulipes bicolores, des roses et des pavots.

La peinture sur marbre blanc a l'avantage de présenter initialement un fond neutre qui permet alors un contraste important avec les couleurs utilisées par l'artiste. Ici, toutes les fleurs sont ainsi mises en avant par le contraste et leur

disposition sur le support qui permettent de les voir toutes ensemble mais de les distinguer les unes des autres.

## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

L'année 1796 marque la dernière participation de Gerard van Spaendonck au Salon du Louvre. Il y propose alors une peinture sur toile et deux peintures sur marbre. Cela coïncide notamment avec l'intensification de sa charge de Professeur d'iconographie au Muséum d'Histoire naturelle dont les cours lui demandent un investissement conséquent. Il n'arrête cependant pas de peindre et se consacre toujours à la collection des vélins ainsi qu'à la peinture sur miniatures.
<figure><img src="image_66.png" /></figure>

Une étude de rose sur marbre blanc, 1796, huile sur marbre

Hist.

Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

Expo.

- Paris, Salon du Louvre, 1796, n°483

Bibliographie

- Margriet VAN BOVEN, Sam SEGAL, Gerard & Cornelis van Spaendonck. Twee Brabantse bloemenschilders in Parijs, cat. expo., Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (12 décembre 1980-08 février 1981) Maarssen, La Haye : Gary SCHWARTZ, Sdu, 1988 [première édition : 1980],p. 199 (n°166) mais référencée sous le numéro d'exposition 482 et non 483.

- Albert VAN SPAANDONCK, Le comte Gérard Van Spaendonck. Biographie du professeur d'iconographie du Museum d'histoire naturelle de Paris, Livre III, Bruxelles, éditeur inconnu, 1984, 5 volumes, p70. Mais référencée sous le numéro d'exposition 482 et non 483.
## Description et analyse stylistique

Parmi toutes les ressources à disposition, aucun visuel de cette œuvre n'est disponible, rendant donc impossible toute analyse iconographique et stylistique.

## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Pour une seconde fois, Gerard VAN SPAENDONCK semble avoir choisi le support en marbre blanc pour peindre des fleurs, à l'instar de l'œuvre présentée au Salon du Louvre la même année sous le numéro 481 (Cf. fiche d'œuvre n°45, section 1).

L'année 1796 marque la dernière participation de Gerard VAN SPAENDONCK au Salon du Louvre. Il y propose alors une peinture sur toile et deux peintures sur marbre. Cela coïncide notamment avec l'intensification de sa charge de Professeur d'iconographie au Muséum d'Histoire naturelle dont les cours lui demandent un investissement conséquent. Il n'arrête cependant pas de peindre et se consacre toujours à la collection des vélins ainsi qu'à la peinture sur miniatures.
<figure><img src="image_67.png" /></figure>

©Numérisation d'après le catalogue d'exposition (2019)

Portrait de Napoléon dans un médaillon, entouré de fleurs, 1805,
huile sur toile, 1,55 x 1,20 m, signature en bas à droite G. Van
Spaendonck, Paris, Fondation Dosne-Thiers

Hist.

Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

Expo.

- Bois-le-Duc, 2019

Bibliographie

- Paul Huys Janssen, Gerard & Cornelis van Spaendonck. Bloemschilders in Parijs. De geur van Succes, cat. expo., Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (26 avril 2019-25 août 2019), Wbooks, 2019, p. 17.

- Margriet van Boven, Sam Segal, Gerard & Cornelis van Spaendonck. Twee Brabantse bloemenschilders in Parijs, cat. expo., Bois-le-Duc, Musée du Brabant septentrional (12 décembre 1980-08 février 1981) Maarssen, La Haye : Gary Schwartz, Sdu, 1988 [première édition : 1980], p.106-107 (n°12).
## Description et analyse stylistique

Il s'agit ici d'un sujet inédit dans la production picturale de Gerard van Spaendonck puisque la peinture comprend un portrait, celui de Napoléon Bonaparte, placé au centre de l'œuvre, à l'endroit normalement occupé par le bouquet de fleurs.

Au premier plan, l'empereur est représenté en buste, orienté de trois-quarts vers la droite et porte le costume des grenadiers. C'est-à-dire un long manteau bleu marine avec un gilet blanc, un col bleu marine et des épaulettes dorées. A sa poitrine, est épinglée la croix de la Légion d'Honneur. Napoléon l'er a le visage fermé et son buste se détache sur un arrière-plan neutre, dans les teintes brunes, ajoutant de la solennité au portrait.

Le cadre ovale qui ceint le portrait prend l'allure d'une couronne de fleurs, dont chacune d'elles a une portée symbolique forte. La moitié gauche comprend une branche d'olivier, une branche de laurier et une tige de palmier, ainsi que quelques fleurs telles que des roses, des belles de jour et des fleurs de lys. La moitié droite quant à elle comprend essentiellement des fleurs, notamment des roses et des lys.

Cependant, une dichotomie apparaît clairement ici puisque la partie gauche est associée à la victoire et à la paix, alors que la partie droite laisse entrevoir la fanaison des fleurs faisant donc penser à un déclin. Cette dernière idée est d'ailleurs renforcée par la figuration d'un buste en plâtre dont la tête est cassée au niveau du cou, peut-être synonyme d'échec ou de rupture.

Toutefois, le portrait de l'empereur ne figure pas exactement au premier plan puisque, sur la partie gauche, figurent une palette de peintre, des pinceaux, ainsi qu'une médaille de la légion d'honneur accrochée à une écharpe noire. Ces éléments sont les attributs de Gerard van Spaendonck et la distinction est celle décernée par l'empereur à l'artiste tilbourgeois en 1804.

Enfin, l'arrière-plan est ici architecturé et comprend deux parties distinctes. A gauche, un mur bâti s'impose dans toute la hauteur du tableau, bouchant l'horizon et, de fait, servant sans doute de support au portrait de l'empereur ; et à droite, une perspective dévoilant un édifice bâti, peut-être la façade du Louvre puisque c'est là-bas que van Spaendonck y a connu le succès.
Enfin, les fleurs ne sont pas travaillées avec autant de
raffinement que d'habitude. Cela est également dû à la distance
instaurée entre le regard du spectateur et les fleurs qui sont
anormalement loin. La mise en valeur ne concerne donc pas la
qualité picturale de van Spaendonck mais bien la portée
symbolique de l'œuvre. Elle est construite sur la dualité
suivante : le succès et la reconnaissance face à la fugacité et
la fragilité de la vie et du pouvoir.

Contextualisation : commande, réalisation, production de
l'artiste

Cette œuvre, peinte en 1805, est à considérer comme
un manifeste de la reconnaissance de Gerard van Spaendonck
à l'égard de Napoléon Bonaparte. En effet, ce dernier a ajouté
à la carrière du peintre brabançon, déjà couronnée de succès,
une distinction réservée à quelques privilégiés.

Avec cette peinture, l'artiste tilbourgeois témoigne également
de sa capacité à peindre des portraits et à réaliser des
compositions hautement symboliques et plus engagées
politiquement.
# Fiches d'œuvres

## Section 2 : les œuvres non datées
1

<figure><img src="image_68.png" /></figure>

©Christie's

Une tulipe, des primevères, des myosotis, des roses, un delphinium, une renoncule, des coquelicots, une gloire du matin et autres fleurs dans un panier avec un nid de passereaux sur un rebord en pierre, huile sur toile, 0,63 x 0,51m

### Hist.

- Vente Christie's, Londres, 2003, n°42

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

### Bibliographie

### Description et analyse stylistique

Il s'agit d'une œuvre de format ovale représentant au centre une corbeille de fleurs posée sur un rebord en pierre. Comme dans la grande majorité des tableaux de Gerard van Spaendonck, le bouquet occupe la totalité de l'espace. De plus, la forme de médaillon suit les volumes de l'agencement floral, contribuant alors à mettre la composition en valeur. Ici, Gerard van Spaendonck a eu recours aux techniques qu'il employait dans ses tableaux de jeunesse, c'est-à-dire une forme ovoïdale, une orthogonalité apportée par le support en pierre,
et le bouquet mis en exergue grâce à un arrière-plan neutre duquel il contraste.

Au premier plan, une rose *Centifolia* s'impose, guidant ainsi le regard du spectateur de la partie inférieure à la partie supérieure du bouquet. Ainsi, la corbeille en osier est partiellement occultée à gauche par un groupe dense de fleurs peintes à leur apogée et toutes délicatement posées sur le rebord en pierre. Tandis qu'à droite, un élan vertical est appliqué aux tiges longues, conférant alors davantage de volume et d'ampleur à l'ensemble. De fait, les roses, les gloires du matin, et les primevères assurent la partie inférieure de la composition florale, tandis que la tulipe bicolore, le myosotis et le delphinium garantissent la densité de l'ensemble.

Enfin, le nid d'oiseau garni d'œufs rappelle le souci de l'artiste brabançon à peindre la nature dans tous ses aspects, faune – exclusivement les oiseaux et les insectes – et flore réunies. D'ailleurs, les œufs non encore éclos font écho aux fleurs peintes à leur apogée, puisque la fanaison et la mort guettent les fleurs en même temps que les oisillons. C'est toute

la portée symbolique des natures mortes qui réside dans ce moment précaire.

## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Ce tableau reprend tous les codes mis en place par Gerard van Spaendonck au début de sa carrière, c'est-à-dire dans les années 1770-1780. Dans les décennies suivantes, les œuvres sont plus élaborées et se sont complexifiées, en même temps que la technique du peintre s'est perfectionnée.
2

<figure><img src="image_69.png" /></figure>

©R.K.D

Raisins noirs sur un plinthe en marbre, huile sur toile, 0,33 x 0,45m,
signature en bas à droite G. van Spaendonck, collection
particulière.

Hist.

- Vente Christie's, New York, 2001, n°55

- Vente Sotheby's, New York, 2006, n°154

Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

Expo.

- Bois-le-Duc, 1980

Bibliographie

Description et analyse stylistique

Cette toile de Gerard van Spaendonck est exclusivement dédiée à des grappes de raisins et rappelle les peintures sur marbre de 1791 (Cf. fiche n°39, section 1) et de 1793 (Cf. fiche n°43, section 1). En effet, ce tableau représente quatre grappes de raisins encore accrochées au cep de vigne et délicatement disposées sur le rebord en marbre.

Une fois encore, le peintre brabançon montre son talent
à représenter des fruits et sa capacité à leur donner tout leur
volume, leur fragilité, leur éclat et leur densité. Ici, une lumière
venue face aux grappes se reflète dans les grains dont
l'extrémité brille légèrement. Notons également que les quatre
grappes s'étendent sur toute la longueur de la toile, donnant
alors un aspect d'abondance, d'autant plus qu'il pourrait s'agir
d'une œuvre en taille réelle, ou presque.

Tandis que le premier plan est accaparé par les grappes
de raisins, l'arrière-plan est plus léger et offre le cep de vigne,
ses vrilles et ses feuilles. L'ensemble est peint sur un fond
neutre dans les teintes brunes. De fait, les feuilles vertes ou
marron-orangé contrastent vivement, en même temps que le
beige du marbre met en valeur les coloris des baies.

Ainsi, cette œuvre, toute en simplicité et délicatesse est
le témoin de la prouesse technique de Gerard van Spaendonck
à représenter des grappes de raisins, atteignant un tel
naturalisme qu'elles apparaissent en trompe-l'œil.

## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Indubitablement, cette œuvre doit être étudiée à la
lumière des autres productions sur marbre. En effet, outre le
support, le sujet, la technique et la qualité sont similaires,
laissant alors penser à une conception contemporaine. Nous
pourrions alors émettre l'hypothèse suivante : Gerard van
Spaendonck aurait d'abord conçu ses œuvres sur toile avant
de le réaliser sur marbre, un support plus complexe à travailler.
3

<figure><img src="image_70.png" /></figure>

©Hampel Fine Art Auctions

*Nature morte avec un nid d'oiseaux*, huile sur toile, 0,65 x 0,54 m,
signature en bas à gauche *Van Spaendonck*

### Hist.

- Vente Hampel Fine Art Auctions, Munich, 2018, n°482

- Vente Hampel Fine Art Auctions, Munich, 2018, n°782

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

### Bibliographie

### Description et analyse stylistique

Cette toile rectangulaire propose un bouquet de fleurs, contenu dans un vase haut et posé sur un rebord en pierre, à côté d'un nid d'oiseaux garni d'œufs. Ici, l'arrière-plan neutre et dégradé assure un contraste avec les fleurs qui figurent au premier-plan.

Ici, le bouquet fourni comprend notamment des roses, des fleurs de jour, des belles de jour, des pavots, une branche de rose trémière et des pivoines. L'agencement floral est plutôt
bien équilibré, avec une disposition équitable formant un ovale depuis le vase. De cette manière, aucune fleur n'est réellement mise en exergue par un élan indépendant. Ici, ce sont davantage les coloris utilisés qui permettent de différencier et de mettre en valeur chaque fleur.

Enfin, il s'agit ici d'une composition relativement simple, correspondant aux critères des premières œuvres de Gerard van Spaendonck.

**Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste**

Bien que le tableau semble avoir été réalisé par Gerard van Spaendonck, plusieurs éléments peuvent remettre cette affirmation en question. Tout d'abord, la facture de l'œuvre semble différente de celle des autres productions de l'artiste brabançon. Les fleurs semblent être peintes sans le souci de naturalisme et dans des teintes qui ne sont pas familières à la palette de van Spaendonck. De même, la composition équilibrée de l'ensemble se démarque des autres natures mortes de l'artiste qui construit savamment ses toiles en créant

un déséquilibre grâce à des élans indépendants et divergents, le tout étant ensuite compensé par l'ajout d'autres éléments. Enfin, bien que le peintre tilbourgeois soit coutumier de la représentation des insectes et des oiseaux, ici, un escargot est peint et semble être l'unique spécimen de son espèce parmi toute la production artistique de van Spaendonck.

Tous ces éléments amènent à douter de l'authenticité de l'attribution. Cependant aucune preuve ne permet, ni de confirmer, ni d'infirmer cette idée. Il pourrait par exemple s'agir d'un travail résultant d'un élève de van Spaendonck qui aurait même reproduit la signature de son maître, ou bien un des suiveurs de ce dernier.
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<figure><img src="image_71.png" /></figure>

©Hampel Fine Art Auctions

*Nature morte de fruits*, huile sur bois, 0,62 x 0,49 m

**Hist.**

- Vente Hampel Fine Art Auctions, Munich, 2015, n°280

**Etat de l'œuvre, restauration éventuelle**

**Expo.**

**Bibliographie**

**Description et analyse stylistique**

Tout d'abord, il est nécessaire de mentionner qu'il s'agit d'une des rares œuvres de Gerard van Spaendonck à ne représenter que des fruits, organisées telle une composition florale. En effet, le peintre brabançon a déjà réalisé des tableaux exclusivement dédiés à des fruits, mais il était question de la représentation d'un seul fruit ou bien de plusieurs fruits identiques (Cf. fiche n°30 section 1, fiche n°39 section 1 et fiche n°43 section 1). La particularité réside ici dans le fait que l'artiste tilbourgeois a choisi de représenter ensemble trois grappes de raisins et une corbeille de pêches. Cette œuvre
apparaît donc comme une combinaison de motifs déjà peints
individuellement.

Ensuite, cette œuvre est conçue comme une nature
morte de fleurs avec un arrière-plan neutre dans les teintes
grises, duquel se démarque un papillon. Sur un rebord en
marbre aux nervures grise-orangée est posée une corbeille en
osier remplie de pêches. Celle-ci est encadrée par trois
grappes de raisins et les ceps de vigne avec les feuilles. Ici, le
naturalisme de van Spaendonck est exploité dans toute sa
dimension avec des détails fins tels que les reflets de la lumière
sur les grains de raisins, l'éclat lumineux sur la peau duveteuse
et nuancée des pêches, les nervures des feuilles de vigne et la
transparence des ailes de la libellule qui domine la composition.

Enfin, la structure de l'œuvre reprend les critères
habituels des peintures de l'artiste, à savoir, un ensemble
savamment équilibré avec un élan vertical apporté par les
vrilles des ceps de vigne ainsi que par la libellule ; en même
temps que les grappes de raisins à droite s'imposent au
premier plan et ancrent l'œuvre dans un mouvement déclinant.
Grâce à ces différents aspects techniques et esthétiques, cette
nature morte de fruits peut être considérée comme un trompe-

l'œil, notamment avec la grappe de raisins blancs qui s'impose
au premier plan et donne tout le volume à la composition.

## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Du fait de l'originalité du sujet, il est assez difficile de
placer cette œuvre dans la production de Gerard van
Spaendonck. En effet, aucune autre composition similaire et
datée ne pourrait aider à apporter des précisions quant à son
contexte de production. Cependant, la qualité picturale
présente ici laisse penser qu'il s'agit d'une œuvre de la
maturité, témoignant du talent du peintre et de son
perfectionnement au fil de sa carrière.
<figure><img src="image_72.png" /></figure>

©Hampel Fine Art Auctions

Sans titre, huile sur bois, 0,62 x 0,53 m, signature en bas à gauche
G. Van Spaendonck

### Hist.

- Vente Hampel Fine Art Auctions, Munich, 2014, n°644

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

### Bibliographie

### Description et analyse stylistique

Ce format rectangulaire, plus sombre que la plupart des œuvres de Gerard van Spaendonck, propose une corbeille de fleurs et de fruits, posée sur un rebord en pierre. Ici, c'est l'impression d'abondance qui prédomine avec, au premier plan, essentiellement des fruits et à l'arrière-plan des fleurs qui contribuent à donner de l'ampleur à la composition.

Le premier plan est constitué de poires, de pêches, de grenades et de grappes de groseilles à maquereaux. Les pêches sont mises en évidence par leur position centrale et leur
couleur claire, presque blanche, qui contraste fortement avec
le reste du tableau. Le peintre offre un jeu autour de la
représentation des fruits, avec des fruits entiers, coupés ou
juste ouverts, comme la grenade dans la corbeille. Ainsi,
l'artiste s'attache à peindre les fruits sous toutes leurs formes,
telles des planches de botaniques. Les fruits posés sur le
rebord en pierre sont accompagnés par quelques fruits secs, à
l'instar de noisettes à droite et de châtaignes à côté des pêches.
Ensuite, au centre de l'œuvre sont représentées deux grappes
de groseilles à maquereaux qui semblent attachées au sommet
de l'anse de la corbeille. La grappe de groseilles à maquereaux
noires suit la courbure de l'anse vers la droite, tandis que la
grappe de groseilles à maquereaux blanches est orientée vers
la gauche. Ainsi, la ligne formée par les grappes de groseilles
à maquereaux clôture l'espace dédié aux fruits et fait la
transition avec les grandes fleurs peintes à l'arrière-plan.

En réalité, les fleurs forment une couronne autour de la
corbeille, depuis la partie inférieure avec des tiges et des
boutons de roses, jusqu'au sommet de la composition où se
trouvent d'autres boutons de roses. Le peintre représente une
rose *Centifolia*, qui, pour une fois, n'est pas peinte au centre de

la composition. Une tulipe bicolore émerge dans la partie
supérieure gauche et éclaire cette zone particulièrement
sombre grâce aux couleurs chaudes – rouge et jaune – utilisées
ici. Presque au même niveau que la tulipe, une crête de coq
rouge vif est représentée et semble s'imposer au sommet de la
corbeille. Enfin, à droite, d'autres fleurs sont peintes dans des
teintes diverses mais leur identification est rendue difficile par
l'obscurité de la scène. L'ensemble est complété et densifié par
la présence de quelques feuillages qui viennent combler les
espaces laissés vides par les fleurs.

Ainsi, cette composition présente une profusion de fleurs
et de fruits, et les lignes de construction permettent au regard
du spectateur de parcourir l'ensemble de l'œuvre en détaillant
chaque élément.

## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Malgré la signature sur l'œuvre ainsi que l'attribution à
Gerard van Spaendonck lors de la vente en 2014, l'attribution
du tableau à Gerard van Spaendonck semble pouvoir être
remise en question. En effet, le peintre brabançon réalise rarement des compositions aussi sombres et dont seuls quelques rayons de lumière parviennent à éclairer de rares éléments. De plus, les groseilles à maquereaux, les noisettes, la poire et la crête de coq sont des pièces inédites, qui ne font pas partie des représentations habituelles et récurrentes dans les autres toiles de van Spaendonck.

De plus, la facture semble être différente des productions de l'artiste tilbourgeois, avec un naturalisme moins affirmé, des coloris plus vifs et une qualité picturale qui s'attache moins aux détails. Ainsi, il pourrait s'agir d'un travail d'un élève du maître brabançon, d'une copie ou bien d'une production originale s'inspirant du style de van Spaendonck. Le peintre aurait alors repris les techniques de composition tout en y développant son propre style.
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<figure><img src="image_73.png" /></figure>

©Artnet

<caption>Vasque de fleurs et nid d'oiseaux, huile sur toile, 1,29 x 1,38 m</caption>

### Hist.

- Vente Brussels Art Auctions, Bruxelles, 2013, n°209

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

### Bibliographie

### Description et analyse stylistique

Cette œuvre inédite fait partie d'un panneau décoratif composé, dans la partie supérieure, d'un tableau de Gerard van Spaendonck, et dans la partie inférieure d'un miroir. Plus précisément, il s'agit d'un trumeau de style Louis XV en bois sculpté dans le style rocaille. La toile insérée dans ce cadre représente un bouquet de fleurs sur un arrière-plan esquissant un paysage. Ici, la qualité médiocre de la reproduction empêche l'identification claire de certaines fleurs, mais celles qui sont les plus récurrentes dans les compositions de l'artiste brabançon sont aisément reconnaissables.
De fait, le bouquet qui s'impose au premier plan, est en partie composé de renoncules, de roses *Centifolia*, d'œillets et d'une couronne impériale qui domine l'ensemble. Ici, le cœur de la composition propose une densité florale importante, tandis que la couronne impériale est empreinte de légèreté, seule au sommet du bouquet.

Ensuite, l'arrière-plan de l'œuvre esquisse un paysage et rappelle les premières tentatives de Gerard van Spaendonck à proposer une ornementation différente d'un fond neutre et uniforme. L'arrière-plan propose ici des teintes claires, ce qui permet de mettre en valeur le bouquet fait de nuances plus variées et plus colorées. De même, les ornements de style rocaille tout autour du cadre en bois doré font écho aux feuillages des fleurs et contribuent ainsi à créer un ensemble ornemental cohérent.

## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

Tout d'abord, il est nécessaire de rappeler que les trumeaux décoratifs comme celui-ci ont connu de nombreuses évolutions dans leurs usages et leur ornementation. D'abord placés autour de la cheminée, et comprenant souvent un miroir dans la partie supérieure, ils sont ensuite devenus plus indépendants du foyer pour devenir un élément de décoration autonome. Ici, il s'agit d'un exemplaire inédit de tableau de Gerard van Spaendonck ceint dans un panneau décoratif de style Louis XV.

Cette œuvre fait écho à un autre projet ornemental du peintre brabançon, c'est-à-dire le projet décoratif pour les portes du boudoir (fig.1) de Rosalie Duthé<fnref n="146" />. Le comte d'Artois, une des conquêtes amoureuses de Melle Duthé, était le propriétaire d'un hôtel particulier à la Chaussée-d'Antin et en fit don à sa courtisane. Et c'est par l'intermédiaire du comte

<footnote n="146">¹⁴⁶ Rosalie Duthé (1748-1830) était danseuse à l'opéra de Paris avant de s'imposer comme courtisane dans la société galante de la fin du XVIIIᵉ siècle.</footnote>
d'Artois, que Gerard van Spaendonck eut la charge de la
décoration des deux panneaux du boudoir.

<figure><img src="image_74.png" /><figcaption>Figure 1 : Projet de décoration pour les portes du boudoir de Melle Duthé par Gerard van Spaendonck.</figcaption></figure>

©Numérisation personnelle depuis les archives du R.K.D
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<figure><img src="image_75.png" /></figure>

©Pook & Pook Inc.

Nature morte d'un vase de fleurs, huile sur toile, 0,33 x 0,25 m

### Hist.

- Vente Pook & Pook Inc., Downington, Pennsylvanie, 2013, n°308

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

### Bibliographie

### Description et analyse stylistique

Cette œuvre de petit format représente un vase de fleurs contenant notamment une rose *Centifolia*, des pivoines, des fleurs de jour, et une branche de lilas. La composition florale est placée devant un mur neutre dégradé, plus clair à droite qu'à gauche en raison d'un choix dans le traitement de la lumière. Le vase est posé sur un rebord en pierre ou en bois qui se fond en partie à gauche avec l'arrière-plan.
Il s'agit ici d'un bouquet minimalisme mais richement
garni avec beaucoup de variétés de fleurs dans un vase plutôt
petit. Les pétales de la rose Centifolia et des pivoines semblent
davantage faire l'objet de détails, tandis que les fleurs en
arrière-plan sont peintes avec moins de minutie. La
composition d'ensemble est bien équilibrée, offrant le vase au
centre et une sorte de halo de lumière mettant en avant chaque
fleur du bouquet. De même, outre le volume apporté par la rose
Centifolia particulièrement charnue, les pivoines et les feuilles
viennent compléter et étoffer l'agencement floral.

Ici, Gerard van Spaendonck déploie son talent dans le
rendu naturaliste des fleurs et dans le traitement minutieux de
certains détails qui caractérisent l'œuvre et la qualité artistique
du peintre brabançon.

Contextualisation : commande, réalisation, production de
l'artiste

Au regard de cette composition, et compte tenu du reste
de la production artistique, une date de création pendant la
période de jeunesse de Gerard van Spaendonck serait tout à

fait envisageable. En effet, cette peinture est semblable à celles
qui sont réalisées sur des toiles ovales et qui ne présentent
qu'un vase au centre avec un grand nombre de fleurs. Il pourrait
même s'agir d'une œuvre antérieure aux premières productions
recensées, puisqu'ici, le vase et certaines fleurs sont moins
raffinés que dans les peintures des années 1770. Cependant,
aucun document, ni aucune piste de recherches ne permettent
de confirmer ou d'infirmer une telle hypothèse.
<figure><img src="image_76.png" /></figure>

Bouquet de roses dans un vase, huile sur toile déposée sur panneau, 0,48 x 0,36 m

### Hist.

- Vente Pook & Pook Inc., Downington, Pennsylvanie, 2013, n°308

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

### Bibliographie

### Description et analyse stylistique

Parmi toutes les ressources à disposition, aucun visuel de l'œuvre n'est disponible, empêchant donc toute analyse iconographique et stylistique.

### Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

En raison de l'absence de visuel, il est impossible de contextualiser l'œuvre dans la production artistique de Gerard van Spaendonck.
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<figure><img src="image_77.png" /></figure>

©Artnet

<caption>*Nature morte aux pêches*, huile sur toile, 0,35 x 0,46 m, signature en bas à gauche G. *Van Spaendonck*</caption>

**Hist.**

- Vente De Muizon & Le Coent, Chantilly, 2001, n°13

**Etat de l'œuvre, restauration éventuelle**

**Expo.**

**Bibliographie**

**Description et analyse stylistique**

Cette peinture de Gerard van Spaendonck, propose une composition inédite constituée de pêches et de vaisselle en porcelaine. En effet, il est rare que le peintre brabançon représente des objets de la vie quotidienne dans ses œuvres. Or ici, il fait le choix de peindre, en plus des pêches, une assiette, un couteau, l'étui du couteau, une carafe d'eau et une tasse en porcelaine avec une soucoupe. De fait, la structure de l'œuvre est différente des natures mortes habituelles de van Spaendonck.
En effet, les pêches contenues dans l'assiette ne sont pas disposées au centre de l'œuvre, mais dans la moitié gauche, de sorte que seules deux pêches se retrouvent au cœur de la composition. Il en est de même pour la carafe qui est légèrement déportée sur la droite mais qui est mise en avant grâce à sa verticalité. La tasse en porcelaine semble aussi légèrement mise de côté, alors que sa blancheur contraste vivement avec le reste de la toile, la mettant ainsi instinctivement en valeur. De fait, le regard du spectateur est obligé d'embrasser la totalité de l'œuvre et non de se concentrer uniquement sur l'élément central.

Cependant, malgré ces innovations et variations iconographiques et stylistiques, Gerard van Spaendonck demeure fidèle à ses principes de composition et propose un arrière-plan neutre et sobre dans les teintes vert foncé, un rebord en marbre beige avec des nervures brunes et un naturalisme dans la représentation des pêches et des éléments de vaisselle. Le peintre brabançon déploie ici son talent pictural et montre sa maîtrise du rendu des matières et des volumes. En effet, la peau duveteuse des pêches est presque palpable ; en même temps que la transparence du verre de la carafe

traduit une grande fragilité, ainsi que la finesse de la porcelaine de la tasse et de sa soucoupe. Enfin, la lame sans doute aiguisée du couteau contribue à souligner la subtilité de l'ensemble.

Ici, l'artiste tilbourgeois propose une œuvre inédite au regard de sa production artistique avec la représentation d'objets du quotidien, autres que des vases. Une fois encore, van Spaendonck révèle sa technique et son savoir-faire en proposant de nouvelles compositions.

## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

En raison de la représentation de la vaisselle, cette peinture de Gerard van Spaendonck fait écho aux œuvres de la marquise de Grollier, une des élèves du peintre brabançon qui fait figurer dans ses natures mortes des objets similaires à ceux peints ici.

En effet, il n'est pas dans l'habitude du peintre tilbourgeois d'avoir recours à de tels éléments, cependant, il serait possible de voir, dans la présence de la tasse en
porcelaine, une allusion à la Manufacture royale de Sèvres,
pour laquelle il a fourni des dessins afin de renouveler le style
décoratif. De fait, une contextualisation précise de l'œuvre
semble trop hasardeuse car van Spaendonck fréquenta la
Manufacture dès ses débuts à Paris et son frère en fut directeur
artistique en 1795, peut-être influençant alors la production de
son aîné.
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<figure><img src="image_78.png" /></figure>

Nature morte de fleurs dans un vase en verre sur un rebord en pierre, huile sur panneau, 0,28 x 0,22 m

Hist.

- Vente Sotheby's, New York, 1996, n°119

Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

Expo.

Bibliographie

Description et analyse stylistique

Parmi toutes les ressources à disposition, aucun visuel de l'œuvre n'est disponible, empêchant donc toute analyse iconographique et stylistique.

Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

En raison de l'absence de visuel, il est impossible de contextualiser l'œuvre dans la production artistique de Gerard van Spaendonck.
<figure><img src="image_79.png" /></figure>

©Artnet

<caption>Bouquet de roses et autres fleurs sur une balustrade, huile sur toile, 0,80 x 0,64 m</caption>

## Hist.

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

### Bibliographie

### Description et analyse stylistique

Il s'agit ici d'un ensemble de deux tableaux représentant un bouquet de fleurs dans un vase posé sur un rebord en pierre – particulièrement épais – sur lequel se trouve un second bouquet. L'ensemble est accompagné d'un arrière-plan neutre et sobre, contrastant alors avec les deux bouquets du premier plan. Mais la numérisation de l'œuvre en noir et blanc ne permet pas de discerner précisément les formes et les couleurs de l'œuvre.
La structure de la toile est originale dans la mesure où aucun des deux bouquets n'est au centre de celle-ci, créant ainsi un déséquilibre. En effet, le bouquet le plus imposant se trouve d'un côté, tandis que le bouquet hors du vase se trouve à l'autre extrémité, insistant sur la dissymétrie. Cependant, un certain équilibre est assuré par l'abondance des deux compositions florales qui proposent alors une grande variété de fleurs.

Mais la qualité médiocre de la numérisation ne permet pas de distinguer correctement les différentes fleurs dans les bouquets. Seules des fleurs charnues et des fleurs plus discrètes sont reconnaissables.

## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

La composition originale de ce tableau permet difficilement de le contextualiser par rapport au reste de la production de l'artiste. En effet, il est rare de voir dans les œuvres de Gerard van Spaendonck des ensembles présentant un tel déséquilibre dans la structure. Cependant une hypothèse

pourrait être émise, celle de la réalisation de cette œuvre entre deux périodes identifiées : une œuvre de la transition entre sa période de jeunesse et ses peintures plus élaborées, proposant une certaine complexification.
<figure><img src="image_80.png" /></figure>

### Hist.

- Vente Paul Brandt, Amsterdam, 1973, n°208

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

### Bibliographie

### Description et analyse stylistique

Ce tableau ovale propose un bouquet de fleurs contenu dans un vase en cristal, modelé selon un motif de vrille et monté en laiton. Ce dernier est posé sur un entablement en pierre dont les formes sont indistinctes en raison de l'obscurité qui domine dans l'œuvre. L'arrière-plan est constitué d'un fond neutre et sombre dans les teintes brunes, mettant ainsi en avant la composition florale qui s'impose au premier plan.

Les fleurs peintes ici sont les plus récurrentes dans la production artistique de Gerard van Spaendonck. En effet, s'y
retrouvent entre autres une rose *Centifolia*, des œillets, une tulipe bicolore violet-doré, une couronne impériale et des pivoines. A l'instar de plusieurs toiles, les fleurs structurent l'œuvre. Ainsi, celles qui sont les plus délicates sont représentées sur le rebord en pierre et densifient la partie inférieure de la toile ; tandis que celles dont la tige est plus longue et rigide servent à donner un élan vertical à l'ensemble de la composition. C'est notamment le cas de la rose *Centifolia* et des œillets qui comblent l'espace vide aux côtés du bouquet. De même l'éclat et la position de la couronne impériale permettent d'étoffer l'agencement floral.

De plus, de façon presque systématique, le peintre brabançon fait en sorte que les couleurs des fleurs se répondent en écho dans l'ensemble de l'œuvre. Ainsi, la couleur du cœur de la rose *Centifolia*, la pivoine, l'œillet et la couronne impériale proposent toutes des teintes rouge vif qui apportent autant d'éclat à l'œuvre. De même, le doré de la tulipe bicolore se retrouve dans la monture en laiton qui orne le contour du vase et l'agrémente d'une guirlande végétale. Enfin, les feuillages rappellent les teintes sombres du fond de l'œuvre

et contribuent à équilibrer l'œuvre d'un point de vue chromatique.

Donc ce tableau propose un bouquet de fleurs disposé dans un vase en cristal richement orné. Le naturalisme de van Spaendonck permet de mettre en valeur la fragilité des fleurs en même temps que le raffinement du vase. Ainsi, du traitement minutieux des couleurs, des matières et des volumes en résulte une œuvre empreinte de délicatesse et de préciosité.

## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

En raison du format ovale de l'œuvre et de la représentation d'un bouquet unique en son centre, l'hypothèse d'un tableau de jeunesse pourrait être émise, autorisant alors la comparaison avec les premières œuvres du peintre brabançon qui reprennent les mêmes caractéristiques. Cependant, en l'absence de document attestant d'une telle datation, aucun élément ne permet de confirmer ou d'infirmer une telle hypothèse de contextualisation.
<figure><img src="image_81.png" /></figure>

©Numérisation personnelle d'après les archives du R.K.D

*Nature morte*, huile sur toile, 0,62 x 0,52 m

**Hist.**

- Vente Paul Brandt, Amsterdam, 1969 (n° inconnu)

- Vente Paul Brandt, Amsterdam, 1970, n°18

**Etat de l'œuvre, restauration éventuelle**

**Expo.**

**Bibliographie**

**Description et analyse stylistique**

Dans ce tableau, Gerard van Spaendonck propose un bouquet richement garni de fleurs contenues dans un vase en terre-cuite posé sur un rebord en pierre. De nombreuses fleurs sont peintes ici, notamment des pivoines, des rhododendrons, des pavots, des roses dont des roses *Centifolia*, une couronne impériale, des tulipes et des primevères. L'ensemble de la composition est présenté sur un arrière-plan neutre compris dans des nuances entre le brun et le jaune, donnant un résultat très lumineux.
Le premier plan de l'œuvre est littéralement envahi par les fleurs qui forment une sorte d'écran derrière lequel nous pouvons distinguer plusieurs détails. En effet, les fleurs volumineuses dominent et rythment la composition florale en même temps qu'elles apportent les différentes nuances de couleurs qui viennent dynamiser l'ensemble. De plus, toutes les fleurs forment un groupe dense, ce qui n'empêche pas de les distinguer individuellement.

Ici, c'est la couleur qui prime sur les volumes, les formes ou le traitement naturaliste des fleurs, ce qui donne à cette œuvre un traitement inédit dans la production de Gerard van Spaendonck.

## Contextualisation : commande, réalisation, production de l'artiste

La facture de cette peinture semble légèrement différente des autres œuvres réalisées par Gerard van Spaendonck. En effet, ses compositions sont rarement aussi lumineuses, dans la mesure où il privilégie le contraste entre l'arrière-plan sombre et les couleurs vives des fleurs.

De plus, le traitement moins naturaliste des fleurs autorise à se questionner sur l'attribution de l'œuvre. De fait, les pétales ne semblent pas travaillés avec un souci du détail aussi grand que le considérait le peintre brabançon. Cela se traduit notamment dans les pétales des roses, des rhododendrons et des tulipes. Toutes ces fleurs semblent davantage juxtaposées ou superposées les unes par rapport aux autres, plutôt que assemblées dans un bouquet et subissant le poids et le volume du tout. Cette dernière caractéristique rappelle notamment les productions de Jan Brueghel l'Ancien, dit Brueghel de Velours qui présentaient les fleurs de façon presque aérienne, sans tenir compte de leur densité au sein du bouquet.

Cependant, aucun document ne permet de vérifier une telle hypothèse et donc de remettre en question cette attribution. Dans le cas où l'auteur de cette toile serait Gerard van Spaendonck, nous pouvons alors nous interroger sur la qualité de la numérisation ou bien de la facture. Il pourrait également s'agir d'une œuvre de jeunesse de l'artiste qui n'aurait pas encore atteint l'apogée de son talent.
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<figure><img src="image_82.png" /></figure>

©Dorotheum

<caption>Nature morte de fleurs, huile sur toile, 0,57 x 0,43 m</caption>

### Hist.

- Vente Dorotheum, Vienne, 1983, n°708

### Etat de l'œuvre, restauration éventuelle

### Expo.

### Bibliographie

### Description et analyse stylistique

Ce tableau propose un bouquet de fleurs dans un vase en terre-cuite, posé sur un rebord en marbre, et à côté duquel est représenté un nid d'oiseaux garni d'œufs. Ici sont peintes des roses *Centifolia*, des tulipes, des pavots doubles et d'autres fleurs plus petites. Ces fleurs se détachent sur un arrière-plan neutre constitué de teintes de gris-vert, opérant alors un contraste entre les deux plans de l'œuvre.