Colette Deblé s’oppose de manière radicale et surprenante à tout ce qui intéresse les historiens de l’art aux œuvres historiques et à la façon dont ils traitent celles-ci selon des critères de conservation.

Lors de notre première rencontre à l’occasion de l’exposition de Dessau, Colette Deblé portait ses grandes silhouettes sous le bras, enroulées sommairement dans un film plastique à bulles, un peu comme une grande baguette. Elle ne semblait guère se préoccuper du fait qu’en les déroulant des particules de couleur et des paillettes se détachaient ici et là et virevoltaient gaiement dans tous les sens. Au contraire, l’existence amibienne, une pollinisation douce et difficilement maniable des éléments colorés paraissait plutôt l’amuser. Mes préoccupations quant à la manière d’accrocher ces œuvres délicates lui étaient étrangères. Elle me confia alors que la formule magique était « Patafix » – une sorte de pâte adhésive permettant de fixer les silhouettes au mur tout en les laissant flotter librement dans l’espace.

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De manière générale, Colette Deblé est hostile à toute forme de fixation conventionnelle et d’encadrement des œuvres d’art. Pour l’exposition de Dessau, elle souhaitait également que ses lavis petit format soient fixés au mur sans cadre et, sinon avec du « Patafix », avec des épingles. C’est là que j’ai cru bon d’intervenir par mesures de sécurité. Les figures féminines ont donc été encadrées d’une fine bordure, même si pour Colette Deblé il s’agissait plutôt de les libérer de tout type de cadre. Comme nous le verrons par la suite, elle pousse ce principe fondamental de son art plus loin encore.

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Pour beaucoup de silhouettes, Colette Deblé me demandait : « Connaissez-vous ce personnage ? » Aux contours, on pouvait reconnaître certaines figures célèbres de tableaux de maîtres anciens – notamment L’Ascension de Marie-Madeleine de Velázquez, Danaé de Titien ou L’Ascension de Marie-Madeleine de Philippe de Champaigne. Mais ces silhouettes de corps féminins sont elles aussi libérées de toutes formes de cadres et prélevées du contexte paysager ou intérieur du tableau original. Le découpage du corps féminin va si loin que tout recoupement avec d’autres personnages ou objets est éliminé comme un élément hétérogène ou étranger. Ainsi, les silhouettes féminines semblent parfois incomplètes, déchirées, partielles, voire en état de dissolution.

Cet effet est compensé par un coloris intense qui insuffle une nouvelle vie aux silhouettes féminines. Dans les travaux grand format, celles-ci regorgent de vitalité et impressionnent par leur profondeur cosmique. La matérialité du papier qui semble s’étirer et se gonfler comme s’il respirait renforce encore cet effet vivifiant.

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Dans ses aquarelles petit format, Colette Deblé recourt à une technique différente mais avec un effet semblable. La surface intérieure du contour de la silhouette tracé au stylo à encre est humectée d’eau où se fondent plus ou moins librement les couleurs à l’encre de Chine. Cet effet de couleur, qui donne une nouvelle vie aux personnages, vise également à les libérer de leur contexte historique. « Mes couleurs », déclare Colette Deblé, « effacent ou éliminent les attributs historiques de la société dont étaient dotées les figures féminines ». La forme et la matière des vêtements, les bijoux, les coiffures, le teint de la peau, signes d’appartenance à une classe sociale ou instruments d’un comportement codifié durant les siècles précédents, sont inhibés par le libre jeu des couleurs et dépassés de manière esthétique et ludique. En les retirant du contexte du tableau historique et en les libérant de tous les attributs de la société, Colette Deblé veut débarrasser ses figures féminines des charges et pesanteurs. Les silhouettes acquièrent ainsi une translucidité et une apesanteur donnant l’impression d’un flottement dans l’espace. Cet effet est renforcé par les points multicolores d’un ciel étoilé recouvrant complètement les figures ou le papier, les libérant encore une fois des charges et pesanteurs et bouleversant l’orientation au sens d’un haut et d’un bas hiérarchiques.

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Colette Deblé éprouve une joie presque furtive toujours accompagnée d’un sourire lorsque le contemplateur, amusé par l’étonnante métamorphose, reconnaît les personnages féminins qu’elle a « détourés » comme décrit plus haut.

Le terme de « détourage » de motifs renvoie au domaine de la reproduction technique et du design graphique. Le découpage de formes et de textes est une technique familière à Colette Deblé, qui a autrefois travaillé comme maquettiste et graphiste. Son procédé artistique ne se laisse cependant pas réduire à une simple technique, il comporte une dimension plus profonde.

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Si l’on considère la silhouette de la princesse Christiane Amalie d’Anhalt-Dessau d’après un tableau de Johann August Friedrich Tischbein, on constate que Colette Deblé n’a pas hésité à lui ôter ses enfants, représentés comme intimement liés à leur mère sur le tableau original. [Elle n’a pourtant rien contre les enfants. Elle a un fils, une fille et sept petits-enfants qu’elle qualifie de « merveilles » et qu’elle aime apparemment beaucoup.] L’agencement des personnages du tableau de Johann August Friedrich Tischbein est organisé selon une composition française classique, composition que Colette Deblé transgresse consciemment, car son intérêt principal réside dans une libération multiple des figures féminines. Il s’agit de l’art de la composition que Charles le Brun, directeur de l’Académie française, décrit comme modèle dans sa conférence académique du XVIIème siècle. Cette manière de composer consiste à mettre harmonieusement en relation et à « enchaîner » les personnages du tableau à travers un parallélisme des membres se fondant les uns dans les autres. Cette théorie se base sur les principes d’une rhétorique picturale centralisatrice et sur la vision du monde à la fois mécaniste et autoritaire de l’Absolutisme. Celui-ci appréhendait la société – en citant librement Descartes – comme un système de rouages dirigé pas le roi, l’individu n’étant ici qu’un rouage de la machine. Même le rousseauisme éclairé transparaissant chez Tischbein et la nouvelle sensibilité bourgeoise ne pouvaient mettre fin à l’implication de l’individu dans une structure dominée – si ce n’était par le roi – du moins par les hommes. Au vu de cette théorie sous-tendant la composition classique française, il paraît logique que Colette Deblé brise l’enchaînement des figures féminines aux personnages secondaires et élimine les chevauchements des membres. Elle parvient ainsi à dissocier les personnages de leurs modèles historiques généralement composés dans l’esprit classique pour n’en garder que les êtres proprement féminins. Le contemplateur prend alors conscience du fait que, dans les arts plastiques, les personnages historiques féminins n’ont jamais eu droit à une existence libre de toute représentation sociale. Colette Deblé confère ainsi à ses figures féminines « détourées » une existence autonome qui ne leur était accordée que de manière très limitée de leur vivant. On semble associer une qualité spécifiquement féminine au libre jeu des couleurs. En français comme en allemand, « couleur » est un mot féminin tandis que « contour » est du genre masculin.

Une fois conscient de cette polarité, il semble que la dynamique des couleurs propre aux silhouettes de Colette Deblé aille parfois à l’encontre du contour limitatif du personnage historique et que celui-ci se laisse difficilement contenir.

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Jacques Derrida, qui a rendu hommage à l’œuvre de Colette Deblé dans un livre, distingue dans le coloris spécifique une autre métaphorique encore qu’il comprend également comme proprement féminine. Selon lui, par la technique du lavis décrite plus haut, le trait de Colette Deblé n’a pas de fermeté et doit s’affirmer dans l’élément eau. Il voit dans ses aquarelles un processus de gestation et l’existence amibienne et embryonnaire qui en résulte. Ce renvoi au germe de la vie humaine prenant forme dans le corps féminin permet de dépasser les futurs modèles et formes de représentation de l’existence féminine de manière radicale. Les personnages féminins que Colette Deblé cite en n’en gardant que les silhouettes sont ainsi libérés et émancipés de l’œuvre picturale originale et du modèle historique.

Il ne s’agit cependant pas d’une émancipation doctrinaire. Colette Deblé lutte certes avec véhémence pour la liberté des femmes, qui ne doivent en aucun cas être définies à travers la famille, les enfants ou les hommes. Il n’y a cependant aucune hostilité ou agressivité vis-à-vis de l’autre sexe. Elle résume sa position par une simple formule : « Les hommes aiment également les femmes, ils ne peuvent donc être mes ennemis. » Son art ne s’adresse du reste pas qu’aux femmes, il touche également directement les hommes. Elle n’a rien contre le fait d’être qualifiée de féministe, ne semble cependant pas y attacher beaucoup d’importance.

Son propos est d’ordre plus humaniste. La mort lente de sa mère qui s’étira sur plus de dix ans constitua une impulsion créatrice essentielle. Elle ne parvint à surmonter cette perte d’une personne aimée qu’en se consacrant aux innombrables femmes disparues de l’histoire, auxquelles il n’était généralement pas permis de survivre dans la mémoire. Nous avons ici affaire au thème classique du memento mori, ce dont témoigne également un petit détail observé lors du montage de l’exposition. Après avoir fixé, malgré toutes mes réserves, ses aquarelles sans encadrement sur le grand panneau, Colette Deblé se mit à chercher nerveusement une gouache dans ses cartons pour l’échanger contre une autre. « Il y a un squelette dessus » déclara-t-elle, « je ne sais pas s’il s’agit d’une femme ou d’un homme » et, en riant aux éclats, elle ajouta : « C’est probablement un homme ». En tant qu’Allemand je ne peux que lui donner raison, car en allemand la mort est un mot masculin. Mais la vraie raison qui motiva l’artiste à intégrer la représentation du squelette aux œuvres exposées est que : « sur un squelette, on ne distingue pas de différence entre homme et femme », de même, « devant la mort et l’oubli tous les hommes sont égaux et mes tableaux s’adressent à tous les hommes ». C’est ce qu’exprime le squelette. Cette conception recoupe celle d’un autre grand artiste français contemporain : Christian Boltanski. Mais contrairement à celui-ci et malgré un message analogue, on ne trouve pas chez Colette Deblé cette dominance du noir et du gris si chère à Boltanski. « Je déteste le noir » affirme-t-elle. Et c’est là qu’entre peut-être en jeu un autre trait spécifiquement féminin, à savoir l’attachement à la vie qu’exprime son œuvre rayonnante de couleurs. Ce n’est sans doute pas sans raison si en français la vie est un mot féminin.

Expositions :

« Damenwahl :die Macht der Frauen » Dessau, Magdebourg, Naumbourg, Quedlinbourg, Halberstadt, Stendal, Bourg, Mersebourg

« Colette Deblé. Les Femmes s’envolent » Médiathèque d’Issy-Les-Moulineaux, décembre 2010 – 29 janvier 2011