Jillian C. Rogers, Resonant Recoveries: French Music and Trauma between the World Wars

New York, Oxford University Press, 2021, 400 p.

Louise Guérot

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OpenEdition
Journals

Édition électronique

URL : https://journals.openedition.org/transposition/10003

DOI : 10.4000/15b0g

ISSN : 2110-6134

Éditeur

CRAL - Centre de recherche sur les arts et le langage

Référence électronique

Louise Guérot, « Jillian C. Rogers, Resonant Recoveries: French Music and Trauma between the World Wars », Transposition [En ligne], 13 | 2025, mis en ligne le 31 juillet 2025, consulté le 14 janvier 2026.

URL : http://journals.openedition.org/transposition/10003 ; DOI : https://doi.org/10.4000/15b0g

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Jillian C. Rogers, Resonant Recoveries:
French Music and Trauma between the
World Wars

New York, Oxford University Press, 2021, 400 p.

Louise Guérot

RÉFÉRENCE

Jillian C. Rogers, *Resonant Recoveries: French Music and Trauma between the World Wars*, New York, Oxford University Press, 2021, 400 p.

L'un des objectifs du livre est de reconnaître l'ampleur du traumatisme subi par les musiciens de l'entre-deux-guerres et d'examiner la manière dont la création musicale a pu stabiliser, transformer ou affecter d'une autre manière la vie émotionnelle des musiciens.<fnref n="1" /> (p. 4)

<footnote n="1">1 C'est en avril 2020, durant les semaines de confinement dues à la pandémie de coronavirus, que Jillian G. Rogers a écrit *Resonant Recoveries* ainsi qu'elle l'évoque dans sa préface. Le parallèle avec le sujet du livre paraît évident : la crise de 2020 a été tout à la fois synonyme de choc et de profonde transformation de la vie quotidienne, à l'instar des événements de la Première Guerre mondiale. Ces similarités mènent Rogers à mettre en avant le thème central de son étude : le rôle de la musique dans nos vies quotidiennes et intimes à travers la question – intemporelle – de son effet réconfortant. Paru en 2021 aux Oxford University Presses, *Resonant Recoveries* est écrit à partir du travail de doctorat de l'autrice. Elle y étudie les relations entre musique, deuil et traumatisme chez les musiciennes et les musiciens de la modernité française sous un angle inhabituel : comment ont-ils utilisé la musique pour surmonter le traumatisme de la Grande Guerre ? D'emblée, Rogers s'écarte donc des travaux habituels qui s'intéressent à l'expression du traumatisme dans les œuvres :</footnote>
2 Au cœur de l'analyse se trouve ainsi l'idée de la musique comme « technologie corporelle de consolation² », capable de modifier des états émotionnels. L'un des buts de l'étude est donc de s'intéresser à l'intime. Pour ce faire, Rogers s'est appuyé sur des sources d'une grande diversité : les archives personnelles de musiciens et compositeurs de la période, le discours public véhiculé dans la presse, les méthodes d'apprentissage des instruments et les productions théâtrales.

3 Le livre est divisé en cinq chapitres. Le premier éclaire le contexte socioculturel de l'époque en montrant comment la musique devient un moyen de faire face aux traumatismes dans une société marquée par l'indicibilité des émotions. Rogers s'appuie sur la notion de pudeur pour montrer que le silence est la seule réponse socialement acceptable à un traumatisme compris alors comme une faiblesse et stigmatisé par les pouvoirs publics et la société. Il n'y a donc pas de place pour l'expression verbale, ce qui amène les musiciens à concevoir la musique comme une forme de soin émotionnel qui peut les aider à se sentir mieux en se soustrayant à la censure sociale. La musique, sa pratique ou son audition, est en effet comprise comme une échappatoire à la guerre et au contexte nationaliste : les considérations qui sous-tendent le répertoire et les choix de compositions sont donc dictés par le contexte historique autant que par le désir de l'oublier.

4 Les quatre chapitres suivants développent chacun une des manières dont les musiciens comprennent la pratique musicale comme une technologie corporelle de consolation : par les vibrations (chapitre 2), par les mouvements rythmiques (chapitre 3), comme un moyen de rappeler la présence d'êtres chers (chapitre 4) et par le rire comme source de plaisir (chapitre 5).

5 Le second chapitre étudie les effets présumés de la vibration sonore sur le corps : la musique est conçue une « pratique vibratoire, thérapeutique, un médium qui opère spécifiquement dans et à travers le corps³ » (p. 99). Cette conception n'est pas nouvelle, mais prend une autre dimension à cette époque. En effet, avec la guerre, le son devient une crainte et une source de danger : la musique est alors comprise comme « un médium thérapeutique qui donne aux auditeurs, musiciens et compositeurs une alternative aux sons désordonnés de la guerre [...] qui ont engendré de graves dommages sur leur système nerveux⁴ » (p. 126). Le chapitre retrace la naissance d'une forme de musicothérapie, notamment comme une alternative aux traitements proposés par les autorités de l'époque, et la façon dont ce discours est développé par d'autres acteurs que les musiciens, permettant sa propagation durant l'Entre-deux-guerres.

6 Le troisième chapitre s'intéresse au répertoire de la musique dite dépouillée et son lien avec les mouvements du corps. L'autrice retrace d'abord l'intérêt des théoriciens et musiciens pour le rythme et leur entremêlement avec les discours médicaux, ainsi que leur réception chez les musiciens. Une partie du chapitre est entièrement consacrée aux théories d'Émile Jacques Dalcroze et de son élève Jean d'Udine ainsi qu'à leur réception dans les cercles d'artistes de l'époque. Enfin, Rogers montre les répercussions de ces théories sur le répertoire : elle observe que nombre de ces œuvres sont basées sur un mouvement perpétuel. La régularité rythmique est pensée comme une façon d'apaiser le traumatisme résultant des sons désordonnés de la guerre. Ce chapitre s'intéresse donc au travail des compositeurs, par l'analyse de plusieurs œuvres de style dépouillé, mais aussi au travail de l'interprète et l'auditeur, par la façon dont ces œuvres sont construites au regard de leur effet émotionnel.
7 Le quatrième chapitre se concentre sur le lien entre musique et mémoire. L'autrice y étudie la manière dont les artistes se servent de la musique pour invoquer la présence d'êtres chers décédés, les activités musicales constituant donc des pratiques mémorielles utilisées pour surmonter un deuil. La musique devient une « pratique de la relation⁵ » qui maintient le lien avec la personne disparue. En effet, à l'instar d'une grande partie de la société française, beaucoup de musiciens deviennent dans l'après-guerre des « personnes en deuil perpétuel⁶ ». La musique, dans cette perspective, permet de recréer le souvenir vivant de leurs proches, par un processus multisensoriel qui dépasse la pratique ou la composition et implique l'intégralité du corps, chaque expérience sensorielle ayant le potentiel de faire surgir des souvenirs. Rogers se concentre à la fin du chapitre sur les activités de deux interprètes en deuil, Marguerite Long pour son mari et Nadia Boulanger pour sa sœur Lili, ainsi que sur le travail de deux compositeurs, Maurice Ravel pour sa mère et Darius Milhaud pour son ami, le poète Léo Latil. Ce dernier cas offre une analyse fine et fouillée du *Quatuor n° 3* de Milhaud, dédié à son ami, qui met au jour tous les liens de l'œuvre avec le travail poétique et le souvenir de son ami, jusque dans le refus de la publication de l'œuvre de son vivant.

8 Le cinquième chapitre offre un axe d'étude un peu différent, puisqu'il est centré sur la notion de plaisir, en montrant comment les musiciens et dramaturges ont collaboré dans le théâtre musical pour créer un espace social qui permet le rire. L'analyse se concentre majoritairement sur les liens des musiciens avec les mouvements artistiques dada et surréalistes : la manière dont ils se sont engagés dans ces mouvements et ces idées éclaire la manière dont la musique et l'humour ont permis de trouver un soulagement physique et psychologique acceptable socialement. Le chapitre met également au jour les relations personnelles entre les différents artistes et la façon dont, au-delà d'un mouvement artistique, ces relations ont influencé la création et les œuvres : ils ont cherché à créer et à maintenir des liens d'amitié par la composition. Les œuvres étaient pensées autant pour faire rire leurs amis que pour leur plaisir personnel. L'humour partagé instaure ainsi une connexion entre les artistes qui leur apporte le réconfort de l'appartenance à un groupe.

9 Cette étude renouvelle l'historiographie de la vie musicale française des années 1920. Par la diversité des acteurs étudiés, elle montre notamment la porosité des lignes tracées par les historiens entre le front et l'arrière : les problématiques et analyses soulevées s'appliquent aussi bien aux soldats qu'aux civils, aux compositeurs qui ont été au front qu'à ceux qui sont restés à l'arrière, et les exemples entremêlent des situations qui, dans la plupart des travaux, sont séparées par cette ligne historiographique. Une des forces du livre est la riche contextualisation des théories qui traversent le milieu intellectuel de cette époque, par une approche interdisciplinaire : l'autrice développe ainsi des analyses fines qui replacent les œuvres et les acteurs dans un contexte historique et intellectuel, sous-tendu de normes sociales strictes. Chaque angle d'approche est mis au regard des théories médicales, philosophiques et psychologiques qui traversent l'époque. Ces allers-retours entre le contexte intellectuel et les usages qu'en ont faits les musiciens sont particulièrement stimulants : les multiples changements d'échelle offrent une vue d'ensemble riche et nuancée du sujet. Enfin, le livre est illustré par une grande variété d'exemples concernant autant les acteurs de l'époque que les œuvres musicales. Les exemples sont toujours à propos, même si les analyses d'œuvres menées dans cette perspective frôlent
parfois l'analyse psychologisante. En étudiant la musique comme soin, Resonant Recoveries retrace ainsi une histoire de la musicothérapie à une époque où ce concept n'existe pas encore.

## NOTES

1. « One of my aims with this book, then, is to acknowledge the extent of the trauma that interwar musicians experienced, and consider the ways in which music making may have stabilized, transformed, or otherwise affected musicians' emotional lives. » Toutes les traductions sont de l'autrice.

2. « corporeal technology of consolation »

3. « As a vibrational, therapeutic practice and medium that operated specifically in and through the body. »

4. « A therapeutic medium that provided listeners, performers, and composers with a sonic replacement for the irregularity of battle sounds [...] and that had, in many instances, engendered seriously deleterious effects on their nervous systems. »

5. « linking practice »

6. « perennial mourners »

## AUTEURS

### LOUISE GUÉROT

Musicologue et musicienne, Louise Guérot est doctorante à l'Université de Strasbourg (UR ACCRA) et à l'UMR Sirice (Paris 1). Ancienne élève de l'ENS et du CNSMDP, ses premières recherches portent sur la redécouverte et la pratique de la musique ancienne, en lien avec ses activités de flûtiste à bec. Germaniste, elle s'intéresse également aux pratiques musicales contemporaines dans ces espaces et depuis octobre 2023, elle prépare, sous la direction de Mathieu Schneider et de Corine Defrance, une thèse sur la vie musicale des zones françaises d'occupation en Allemagne et en Autriche dans laquelle elle étudie les liens entre politique et esthétique musicale dans l'après-guerre.