# Le pouvoir du scandale au théâtre

Mounya Boudiaf

► To cite this version:

Mounya Boudiaf. Le pouvoir du scandale au théâtre. Sciences de l'Homme et Société. 2021. dumas-04598732

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# Le pouvoir du scandale au théâtre

Mounya Boudiaf

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Mounya Boudiaf. Le pouvoir du scandale au théâtre. Sciences de l'Homme et Société. 2021. dumas-04598732

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LE
POUVOIR
DU SCANDALE
AU THEATRE

Sous la direction de Monsieur GUILLAUME PINÇON.

Boudiaf Mounya 2020/2021.
LE
POUVOIR
DU SCANDALE
AU THEATRE

Sous la direction de Monsieur GUILLAUME PINÇON.

Boudiaf Mounya 2020/2021.
Remerciements

Remerciements à monsieur Albert Rombeaut mon premier professeur de
Théâtre, ayant transmis sa passion à tant de personnes dans sa vie, et ayant
fidèlement répondu présent pour échanger sur le sujet.

Je remercie également monsieur Jean Paul Wenzel metteur en scène, Arlette Namiand dramaturge et Lou Wenzel comédienne et metteu.se en scène pour leurs témoignages et aide sur ce mémoire.

Merci particulier à monsieur Jean Pierre Léonardini grand critique de théâtre (L'Humanité) pour ses conseils précieux et ses témoignages.

Merci à Ikbal B.K. pour son témoignage et sa passion.

Merci à mon directeur de mémoire pour son regard sur ce travail et à tous mes
professeurs de master ayant guidé et répondu à mes questions sur ce sujet.

Merci à mes camarades de promotion et particulièrement à Maélise pour ses
conseils et encouragements.

Merci à tous les artistes metteurs en scènes et auteurs et journalistes ayant
partagé leurs expériences sur ce sujet.
Remerciements

Remerciements à monsieur Albert Rombeaut mon premier professeur de
Théâtre, ayant transmis sa passion à tant de personnes dans sa vie, et ayant
fidèlement répondu présent pour échanger sur le sujet.

Je remercie également monsieur Jean Paul Wenzel metteur en scène, Arlette Namiand dramaturge et Lou Wenzel comédienne et metteu.se en scène pour leurs témoignages et aide sur ce mémoire.

Merci particulier à monsieur Jean Pierre Léonardini grand critique de théâtre (L'Humanité) pour ses conseils précieux et ses témoignages.

Merci à Ikbal B.K. pour son témoignage et sa passion.

Merci à mon directeur de mémoire pour son regard sur ce travail et à tous mes
professeurs de master ayant guidé et répondu à mes questions sur ce sujet.

Merci à mes camarades de promotion et particulièrement à Maélise pour ses
conseils et encouragements.

Merci à tous les artistes metteurs en scènes et auteurs et journalistes ayant
partagé leurs expériences sur ce sujet.
# SOMMAIRE GENERAL

## Chapitre I Le scandale au théâtre: une mesure mouvante

### A/ L'art existe-t'il sans scandale?

a) Qu'est ce que le scandale?

- Définition du scandale au théâtre.

- Cartographies des scandales: un rapport au temps.

- Scandales à recettes, à buzz.

b) Comment passe t-on de la polémique au scandale ?

- *Hyperion* de Marie José Malis.

- Une frontière en mouvement.

### B/ Les Paravents de Genet

a) Premier scandale théâtral ayant retenti à l'assemblée

b) Position de jean louis Barrault (interview Michel Droit)

## Chapitre II Quand le scandale s'attaque au corps il fait corps

### I/ Sur le concept du visage du fils de Dieu de Romeo Castellucci

A) Quand le scandale touche au corps il fait corps.

B) Extrait de conférence de presse Castellucci du 19 juillet 2011.

C) Le délit de blasphème.

### B/Rodrigo Garcia Accidens et Golgota Picnic

A) Un parcours aux scandales politico-médiatiques.

B) *Accidens*.

C) /Le débat sur la liberté d'expression: L'affaire Golgota Picnic.
# SOMMAIRE GENERAL

## Chapitre I Le scandale au théâtre: une mesure mouvante

### A/ L'art existe-t'il sans scandale?

a) Qu'est ce que le scandale?

- Définition du scandale au théâtre.

- Cartographies des scandales: un rapport au temps.

- Scandales à recettes, à buzz.

b) Comment passe t-on de la polémique au scandale ?

- *Hyperion* de Marie José Malis.

- Une frontière en mouvement.

### B/ Les Paravents de Genet

a) Premier scandale théâtral ayant retenti à l'assemblée

b) Position de jean louis Barrault (interview Michel Droit)

## Chapitre II Quand le scandale s'attaque au corps il fait corps

### I/ Sur le concept du visage du fils de Dieu de Romeo Castellucci

A) Quand le scandale touche au corps il fait corps.

B) Extrait de conférence de presse Castellucci du 19 juillet 2011.

C) Le délit de blasphème.

### B/Rodrigo Garcia Accidens et Golgota Picnic

A) Un parcours aux scandales politico-médiatiques.

B) *Accidens*.

C) /Le débat sur la liberté d'expression: L'affaire Golgota Picnic.
# Chapitre III Du scandale théâtral au scandale politique: un enjeu brûlant

## I/ Exibit B Brett Bailey le Clair miroir des scandales anticolonialistes

A) Annulation du spectacle *Exibit B* de Brett Bailey

B/ L'installation de Brett Bailey

C) Accusation d'appropriation culturelle

## II/ Les suppliantes d'Eschyle à la Sorbonne de Philippe Brunel

A/ La guerre du « Blackface »

B/ Un mode de réaction importé des luttes féministes noires américaines.

## III/ Annulation interdiction quelle valeur juridique pour la censure ?

A/ Le rôle du juge administratif

B) Les nouvelles formes de censure et leur valeur juridique

C/ Interview d'un directeur de théâtre.

## Conclusion
# Chapitre III Du scandale théâtral au scandale politique: un enjeu brûlant

## I/ Exibit B Brett Bailey le Clair miroir des scandales anticolonialistes

A) Annulation du spectacle *Exibit B* de Brett Bailey

B/ L'installation de Brett Bailey

C) Accusation d'appropriation culturelle

## II/ Les suppliantes d'Eschyle à la Sorbonne de Philippe Brunel

A/ La guerre du « Blackface »

B/ Un mode de réaction importé des luttes féministes noires américaines.

## III/ Annulation interdiction quelle valeur juridique pour la censure ?

A/ Le rôle du juge administratif

B) Les nouvelles formes de censure et leur valeur juridique

C/ Interview d'un directeur de théâtre.

## Conclusion
# INTRODUCTION

Les scandales marquent toute l'histoire du théâtre. C'est une question énigmatique et pourtant depuis le spectacle sur La Prise de Millet de Phrynicos (en 492-490 avant notre ère), jusqu'aux spectacles de Castellucci et García ainsi que les controverses soulevées par les spectacles de Brett Bailey, Falk Richter, Les Suppliantes à la Sorbonne 1, les scandales brulent l'histoire du théâtre, en révèle les ruptures tant poétiques que politiques. Si pour certain.e.s il n'y a pas d'Arts sans scandale ou d'oeuvres sans polémiques, on peut interroger de façon profonde les cartographies et les normes des spectacles vivants contemporains dans leur relation aux spectateurs-trices. Il existe des normes historiques que le scandale transgresse jusqu'à faire échoir les attendus. Si ces normes peuvent évoluer selon les époques, on ne peut saisir complètement ce qui se joue face aux œuvres scandaleuses, car elles sont de fait sujet à interprétation. Le scandale peut arriver par volonté, par lobbyisme, ou encore par activisme. Cependant, les spectateurs-trices ont une grande part dans l'énergie créatrice de l'art vivant et les limites qu'ils-elles lui donne. Notre monde crie à la crise, le théâtre plus que jamais ressent le besoin de se réinventer, de renouveler sa fonction politique. Olivier Neveux, dans son essai « Contre le théâtre politique » 1. engage la réflexion de l'in-tranquilité du spectateur et nous pousse à interroger profondément le besoin de ces mutations modernistes de l'art vivant et leur impact sur les publics. Nous pouvons sonder à travers l'événement du scandale, les relations entre les spectacles et les publics. Si le spectacle vivant ressent le besoin de réagir face au monde, qu'en est t'il des besoins des publics? Appréhendent ils de plus en plus souvent l'art vivant sous l'égide de certaines attentes de bonne moeurs ou de bonne moralité. Qu'en est il des scandales à recettes et de ces « modes spectaculaires » visant à utiliser les luttes comme un esthétisme de genre ? Quels sont les liens entre la réalité et la fiction ? Est-ce un scandale ou un succès de l'art politique lorsque le spectacle finit par se dérouler à l'extérieur des salles de spectacles ? Le zapping et l'arrivée d'internet ont- ils favoriser la politisation des scandales au théâtre ? La mise en scène des conflits ou des événements récents est elle le miroir du scandale du monde ?

## Notes:

1. Olivier Neveux « *Contre le Théâtre politique* »
# INTRODUCTION

Les scandales marquent toute l'histoire du théâtre. C'est une question énigmatique et pourtant depuis le spectacle sur La Prise de Millet de Phrynicos (en 492-490 avant notre ère), jusqu'aux spectacles de Castellucci et García ainsi que les controverses soulevées par les spectacles de Brett Bailey, Falk Richter, Les Suppliantes à la Sorbonne 1, les scandales brulent l'histoire du théâtre, en révèle les ruptures tant poétiques que politiques. Si pour certain.e.s il n'y a pas d'Arts sans scandale ou d'oeuvres sans polémiques, on peut interroger de façon profonde les cartographies et les normes des spectacles vivants contemporains dans leur relation aux spectateurs-trices. Il existe des normes historiques que le scandale transgresse jusqu'à faire échoir les attendus. Si ces normes peuvent évoluer selon les époques, on ne peut saisir complètement ce qui se joue face aux œuvres scandaleuses, car elles sont de fait sujet à interprétation. Le scandale peut arriver par volonté, par lobbyisme, ou encore par activisme. Cependant, les spectateurs-trices ont une grande part dans l'énergie créatrice de l'art vivant et les limites qu'ils-elles lui donne. Notre monde crie à la crise, le théâtre plus que jamais ressent le besoin de se réinventer, de renouveler sa fonction politique. Olivier Neveux, dans son essai « Contre le théâtre politique » 1. engage la réflexion de l'in-tranquilité du spectateur et nous pousse à interroger profondément le besoin de ces mutations modernistes de l'art vivant et leur impact sur les publics. Nous pouvons sonder à travers l'événement du scandale, les relations entre les spectacles et les publics. Si le spectacle vivant ressent le besoin de réagir face au monde, qu'en est t'il des besoins des publics? Appréhendent ils de plus en plus souvent l'art vivant sous l'égide de certaines attentes de bonne moeurs ou de bonne moralité. Qu'en est il des scandales à recettes et de ces « modes spectaculaires » visant à utiliser les luttes comme un esthétisme de genre ? Quels sont les liens entre la réalité et la fiction ? Est-ce un scandale ou un succès de l'art politique lorsque le spectacle finit par se dérouler à l'extérieur des salles de spectacles ? Le zapping et l'arrivée d'internet ont- ils favoriser la politisation des scandales au théâtre ? La mise en scène des conflits ou des événements récents est elle le miroir du scandale du monde ?

## Notes:

1. Olivier Neveux « *Contre le Théâtre politique* »
Le scandale au théâtre nous renvoie-t-il finalement non pas à la fonction politique de l'art vivant mais au pouvoir qu'il a sur le collectif ? Le paradoxe de l'art contemporain ouvre et creuse des failles aussi violentes que ce qu'il croyait dénoncer au préalable. Ne sommes nous pas dans une nouvelle façon d'aborder la création artistique ? N'est-ce pas un comble pour un spectacle dénonçant le racisme d'être accusé de spectacle raciste ? N'est-ce pas un comble pour un spectacle censé dénoncer des injustices se révéler être injuste dans son fonctionnement, sa hiérarchie et les publics auquel il s'adresse ou à ceux dont il a volé l'histoire ? Quelle est la place de l'identité des artistes lorsqu'il s'agit au théâtre de représenter dans sa fonction la plus basique de la représentation des êtres, des schémas plus vrais que vrais ? L'ennemi commun qui inspirait la création artistique dans son désir de raconter le monde et qui avait pour cible l'art bourgeois n'est-il pas devenu aujourd'hui le monde artistique lui-même ? Une certaine élite militante n'est-elle pas devenue elle même l'embourgeoisement que le public rejette aujourd'hui ne pardonnant aucun compromis ? Est-il possible de faire de l'art sans mouvoir ou faire échoir l'individu et le collectif ? Le lynchage artistique sur les réseaux publics (comme on lynche un Shylock) n'a-t-il pas réussi à légitimer des radicalités de pensée moralisatrices et faussées proposant de nouvelles normes de réflexion identitaires et violentes ? Nous verrons dans une première partie de quoi on parle lorsqu'on parle de scandale dans le spectacle vivant ainsi que les exemples correspondant à cette notion. Il existe une cartographie et des normes du spectacle vivant contemporain « engagé » que nous devons définir afin de cerner les composantes de ce qui est jugé choquant ou non. Nous verrons dans un deuxième temps comment a eu lieu la réception par les publics des propositions artistiques « scandaleuses » et l'extension, dans la cité, comment du « scandale théâtre vers le scandale politique ». Nous pourrons enfin nous attacher à la valeur juridique des pétitions engagées pour censurer les spectacles jugés scandaleux.

Notes:

1. Brait Bailey Exhibit B.

2. Falk Richter.

3. *Les suppliantes* scandale du Blackface à la Sorbonne.
Le scandale au théâtre nous renvoie-t-il finalement non pas à la fonction politique de l'art vivant mais au pouvoir qu'il a sur le collectif ? Le paradoxe de l'art contemporain ouvre et creuse des failles aussi violentes que ce qu'il croyait dénoncer au préalable. Ne sommes nous pas dans une nouvelle façon d'aborder la création artistique ? N'est-ce pas un comble pour un spectacle dénonçant le racisme d'être accusé de spectacle raciste ? N'est-ce pas un comble pour un spectacle censé dénoncer des injustices se révéler être injuste dans son fonctionnement, sa hiérarchie et les publics auquel il s'adresse ou à ceux dont il a volé l'histoire ? Quelle est la place de l'identité des artistes lorsqu'il s'agit au théâtre de représenter dans sa fonction la plus basique de la représentation des êtres, des schémas plus vrais que vrais ? L'ennemi commun qui inspirait la création artistique dans son désir de raconter le monde et qui avait pour cible l'art bourgeois n'est-il pas devenu aujourd'hui le monde artistique lui-même ? Une certaine élite militante n'est-elle pas devenue elle même l'embourgeoisement que le public rejette aujourd'hui ne pardonnant aucun compromis ? Est-il possible de faire de l'art sans mouvoir ou faire échoir l'individu et le collectif ? Le lynchage artistique sur les réseaux publics (comme on lynche un Shylock) n'a-t-il pas réussi à légitimer des radicalités de pensée moralisatrices et faussées proposant de nouvelles normes de réflexion identitaires et violentes ? Nous verrons dans une première partie de quoi on parle lorsqu'on parle de scandale dans le spectacle vivant ainsi que les exemples correspondant à cette notion. Il existe une cartographie et des normes du spectacle vivant contemporain « engagé » que nous devons définir afin de cerner les composantes de ce qui est jugé choquant ou non. Nous verrons dans un deuxième temps comment a eu lieu la réception par les publics des propositions artistiques « scandaleuses » et l'extension, dans la cité, comment du « scandale théâtre vers le scandale politique ». Nous pourrons enfin nous attacher à la valeur juridique des pétitions engagées pour censurer les spectacles jugés scandaleux.

Notes:

1. Brait Bailey Exhibit B.

2. Falk Richter.

3. *Les suppliantes* scandale du Blackface à la Sorbonne.
# Chapitre UN

## Le scandale au théâtre

## Du point de vue artistique et des organisateurs

### A/ L'art existe-t'il sans scandale?

#### a) Qu'est ce que le scandale?

-Définition du scandale au théâtre.

-Cartographies des scandales: un rapport au temps

-Scandales à recettes, à buzz.

#### b) Comment passe t-on de la polémique au scandale: un mouvement de banalisation ?

-*Hyperion* de Marie José Malis

-Une frontière en mouvement

### B/ Les Paravents de Genet

#### a) Premier scandale théâtral ayant retenti à l'assemblée

#### b) Position de Jean Louis Barrault (interview Michel Droit)
# Chapitre UN

## Le scandale au théâtre

## Du point de vue artistique et des organisateurs

**A/ L'art existe-t'il sans scandale?**

a) Qu'est ce que le scandale ?

-Définition du scandale au théâtre.

-Cartographies des scandales: un rapport au temps

-Scandales à recettes, à buzz.

b) Comment passe t-on de la polémique au scandale: un mouvement de banalisation ?

-*Hyperion* de Marie José Malis

-Une frontière en mouvement

**B/ Les Paravents de Genet**

a) Premier scandale théâtral ayant retenti à l'assemblée

b) Position de Jean Louis Barrault (interview Michel Droit)
Le scandale est d'abord communément définit comme « un effet fâcheux » ou une indignation produite dans l'opinion publique par un fait, un acte estimé contraire à la morale et aux usages.

Il peut s'agir également d'une grave affaire malhonnête, honteuse, qui a un grand retentissement dans le public : Un scandale financier par exemple ou de la presse à scandale. On parle également de querelle bruyante lorsque l'on évoque le scandale : faire du scandale sur la voie publique par exemple. Le scandale peut être un fait qui heurte la conscience, le bon sens, la morale, peut susciter l'émotion, la révolte (Le scandale de la faim dans le monde).

Enfin 1. le scandale peut jaillir d'une parole ou d'un acte répréhensible qui sont pour le prochain une occasion de péché ou de dommage spirituel. Dans toutes ces définitions un élément commun revient, l'effet et la réaction que provoque le scandale sur son prochain, et l'idée quelque peu péjorative qu'il peut revêtir.

Concernant l'Art, esthétique, vivant, plastique, il est juste de se positionner par rapport au scandale. La question est intrigante car pour certain.e.s l'art théâtral trouve son essence dans l'effet de réaction qu'il va produire sur les publics.

Il cherche par définition à atteindre une réaction, un heurt, un sentiment profond chez celui ou celle qui le reçoit, de fait son existence « provoque » une réaction, quelqu'elle soit chez l'autre. L'Art peut également se définir par un surgissement en rapport à une chose donnée qu'il ne peut contenir dans la réalité. Le contenir est tellement impossible qu'il doit exprimer ce qu'il tente de contenir. L'art agit.

Pour aller plus loin l'art « réagit ». Il réagit face à un monde en bouleversement, le monde tel que nous le percevons avec ses crises et ses élans, ses mouvements et ses temporalités, ses réalités et ses fictions.

L'Art relie toutes ces actions et réactions entre elles à travers une oeuvre.

Il représente la somme de tous ces états, qui de façon fluide ou non, voyagent entre le créateur-trice et celui qui reçoit ou perçoit l'œuvre, le point commun étant la ré-action.

## Notes

1. Définition Larousse

2. Hegel et l'Esthétique sur l'art
Le scandale est d'abord communément définit comme « un effet fâcheux » ou une indignation produite dans l'opinion publique par un fait, un acte estimé contraire à la morale et aux usages.

Il peut s'agir également d'une grave affaire malhonnête, honteuse, qui a un grand retentissement dans le public : Un scandale financier par exemple ou de la presse à scandale. On parle également de querelle bruyante lorsque l'on évoque le scandale : faire du scandale sur la voie publique par exemple. Le scandale peut être un fait qui heurte la conscience, le bon sens, la morale, peut susciter l'émotion, la révolte (Le scandale de la faim dans le monde).

Enfin 1. le scandale peut jaillir d'une parole ou d'un acte répréhensible qui sont pour le prochain une occasion de péché ou de dommage spirituel. Dans toutes ces définitions un élément commun revient, l'effet et la réaction que provoque le scandale sur son prochain, et l'idée quelque peu péjorative qu'il peut revêtir.

Concernant l'Art, esthétique, vivant, plastique, il est juste de se positionner par rapport au scandale. La question est intrigante car pour certain.e.s l'art théâtral trouve son essence dans l'effet de réaction qu'il va produire sur les publics.

Il cherche par définition à atteindre une réaction, un heurt, un sentiment profond chez celui ou celle qui le reçoit, de fait son existence « provoque » une réaction, quelqu'elle soit chez l'autre. L'Art peut également se définir par un surgissement en rapport à une chose donnée qu'il ne peut contenir dans la réalité. Le contenir est tellement impossible qu'il doit exprimer ce qu'il tente de contenir. L'art agit.

Pour aller plus loin l'art « réagit ». Il réagit face à un monde en bouleversement, le monde tel que nous le percevons avec ses crises et ses élans, ses mouvements et ses temporalités, ses réalités et ses fictions.

L'Art relie toutes ces actions et réactions entre elles à travers une oeuvre.

Il représente la somme de tous ces états, qui de façon fluide ou non, voyagent entre le créateur-trice et celui qui reçoit ou perçoit l'œuvre, le point commun étant la ré-action.

## Notes

1. Définition Larousse

2. Hegel et l'Esthétique sur l'art
Peter Brook dit souvent 1.« pour qu'il y ait théâtre, il faut un acteur et un public ». Un spectacle a un retentissement plus immédiat et un impact plus direct qu'un texte écrit, qu'on lit seul chez soi. L'effet est d'autant plus fort qu'il est amplifié par les corps, les gestes, le ton, le jeu des acteurs, les décors, la présence des spectateurs réunis dans la salle. Les codes mêmes du théâtre invitent les auteurs à leur transgression, de manière consciente ou non ; c'est ce cadre qui appelle le dépassement des limites. Aussi il est juste de se demander si l'art n'est pas la définition même de ce qui peut provoquer un scandale?

C'est parce que l'on est scandalisé de tel ou telle injustice ou révolté de telle ou telle situation que nous nous mettons à exprimer ce sentiment dans ce qu'on appelle une oeuvre d'art. Si l'art dans l'antiquité n'avait que pour mission d'embellir le réel, il a affirmé au fil des mouvements une fonction d'authenticité.

> Pour Hegel, l'art éveille l'âme. « Il nous procure d'une part l'expérience de la vie réelle, nous transporte dans des situations que notre expérience personnelle ne fait pas et ne nous fera peut-être jamais connaître(...) le but de l'art consiste à rendre accessible à l'intuition ce qui existe dans l'esprit humain, ce qui remue la poitrine humaine, agite l'esprit Humain ».

Cette définition nous intéresse dans la relation entre l'art et le scandale, en ce que l'art met en mouvement, agite remue quelque chose niché dans la conscience humaine et réagit et interagit avec l'être.

Nathalie Heinich estime 2.qu'il n'y a rien de plus à comprendre, dans le scandale, que ce qui fait le scandale, un composite de valeurs transgressées, de sujets indignés et de contexte publicisé, et ce que fait le scandale des valeurs réaffirmées, des collectifs d'indignation, et des histoires à raconter. Dans sa définition du scandale on entend des lors la question de la transgression, le scandale va venir « bousculer au delà » transgresser un interdit celui du commun. Le commun ayant des « valeurs » sous jacentes, intuitives et collectives. Le scandale va ainsi nous rappeler que le corps et les valeurs de ce corpus d'individus sont touchés. Il va nous rappeler comme le théâtre est en soi un conflit entre des sentiments, un sujet et des êtres, un conflit qui touche au corps qui atteint la norme attendue collective.

Notes:

1.Cours de théâtre Peter Brook à l'EPSAD direction Stuart Seide année 2002

2.N. Heinich, « L'art du scandale. Indignation esthétique et sociologie des valeurs », Politix : revue des sciences sociales du politique. 2005, vol.18, n°71, p. 136.
Peter Brook dit souvent 1.« pour qu'il y ait théâtre, il faut un acteur et un public ». Un spectacle a un retentissement plus immédiat et un impact plus direct qu'un texte écrit, qu'on lit seul chez soi. L'effet est d'autant plus fort qu'il est amplifié par les corps, les gestes, le ton, le jeu des acteurs, les décors, la présence des spectateurs réunis dans la salle. Les codes mêmes du théâtre invitent les auteurs à leur transgression, de manière consciente ou non ; c'est ce cadre qui appelle le dépassement des limites. Aussi il est juste de se demander si l'art n'est pas la définition même de ce qui peut provoquer un scandale?

C'est parce que l'on est scandalisé de tel ou telle injustice ou révolté de telle ou telle situation que nous nous mettons à exprimer ce sentiment dans ce qu'on appelle une oeuvre d'art. Si l'art dans l'antiquité n'avait que pour mission d'embellir le réel, il a affirmé au fil des mouvements une fonction d'authenticité.

> Pour Hegel, l'art éveille l'âme. « Il nous procure d'une part l'expérience de la vie réelle, nous transporte dans des situations que notre expérience personnelle ne fait pas et ne nous fera peut-être jamais connaître(...) le but de l'art consiste à rendre accessible à l'intuition ce qui existe dans l'esprit humain, ce qui remue la poitrine humaine, agite l'esprit Humain ».

> Cette définition nous intéresse dans la relation entre l'art et le scandale, en ce que l'art met en mouvement, agite remue quelque chose niché dans la conscience humaine et réagit et interagit avec l'être.

Nathalie Heinich estime 2.qu'il n'y a rien de plus à comprendre, dans le scandale, que ce qui fait le scandale, un composite de valeurs transgressées, de sujets indignés et de contexte publicisé, et ce que fait le scandale des valeurs réaffirmées, des collectifs d'indignation, et des histoires à raconter. Dans sa définition du scandale on entend des lors la question de la transgression, le scandale va venir « bousculer au delà » transgresser un interdit celui du commun. Le commun ayant des « valeurs » sous jacentes, intuitives et collectives. Le scandale va ainsi nous rappeler que le corps et les valeurs de ce corpus d'individus sont touchés.Il va nous rappeler comme le théâtre est en soi un conflit entre des sentiments, un sujet et des êtres, un conflit qui touche au corps qui atteint la norme attendue collective.

Notes:

1.Cours de théâtrePeter Brook à l'EPSAD direction Stuart Seide année 2002

2.N. Heinich, « L'art du scandale. Indignation esthétique et sociologie des valeurs », Politix : revue des sciences sociales du politique. 2005, vol.18, n°71, p. 136.
S'll n'y a pas d'art sans scandale. Le théâtre est exposé à cette réaction.

« Le surgissement d'une œuvre peut provoquer le dégoût, la répulsion, le sentiment d'un rejet incontrôlable. »2

Il est interessant d'entendre comment Diane Scott va cartographier les coordonnées du théâtre afin d'analyser ce qui fait scandale ou non. La première donnée quelle nous offre dans le rapport scène salle est la notion de « réactivité à la parole publique » qui va être différente d'une époque à une autre. (Ex un spectacle qui se passe dans un saloon ou le théâtre manque en tant que bâtiment mais où il est un fait social réel).

Le théâtre à l'échelle de l'histoire moderne, c'est un lieu d'émotion sociale, c'est un lieu de violence. Laurence Leving qui a travaillé sur Shakespeare aux états unis, dans son livre « *Culture d'en haut culture d'en bas* »1. sur la hiérarchie des cultures aux États Unis raconte des choses du théâtre pendant toute la conquête de l'ouest et c'est dune violence hallucinante. Le théâtre est un lieu de bagarre où s'exprime à un degré d'intensité les conflits sociaux de l'époque le rapport entre l'Europe et les États unis. Pour en revenir aux lieux de spectacles, existe à l'époque dans les règlements municipaux des indications des règles de conduite pouvant nous permettre d'identifier les moeurs. Ces règlements disent bien: il ne faut pas crier, il ne faut pas casser des vitres quand vous avez trop chaud, il ne faut pas poursuivre les comédiennes dans les coulisses.

Aujourd'hui nous n'avons plus beaucoup de règles de ce genre (règle la sonnerie de portable). Aussi notre sensibilité par rapport à ce qui se passe dans une salle est déterminé historiquement.

A la fin du 18 ème, les villes s'équipent mais au 18 ème, le théâtre a lieu dans des lieux qui ne sont pas des théâtres et qui ne conviennent pas à l'afflux des gens, dans une salle surchauffée ou si une pièce incarnée se révèle être un lieu de violence, on va par exemple bombarder de fruits pourris l'acteur ou casser les fenêtres, car en soi le lieu n'est pas un lieu sacré dit de théâtre et se passe souvent dans des pièces ou la chaleur est intense.

Notre sensibilité face au théâtre et aux scandales est ainsi mouvante.

Notes:

3. Diane Scott rencontre autour de je suis Fassbinder conférence sur le scandale
S'll n'y a pas d'art sans scandale. Le théâtre est exposé à cette réaction.

> « Le surgissement d'une œuvre peut provoquer le dégoût, la répulsion, le sentiment d'un rejet incontrôlable. »²

Il est interessant d'entendre comment Diane Scott va cartographier les coordonnées du théâtre afin d'analyser ce qui fait scandale ou non. La première donnée quelle nous offre dans le rapport scène salle est la notion de « réactivité à la parole publique » qui va être différente d'une époque à une autre. (Ex un spectacle qui se passe dans un saloon ou le théâtre manque en tant que bâtiment mais où il est un fait social réel).

Le théâtre à l'échelle de l'histoire moderne, c'est un lieu d'émotion sociale, c'est un lieu de violence. Laurence Leving qui a travaillé sur Shakespeare aux états unis, dans son livre « *Culture d'en haut culture d'en bas* »¹, sur la hiérarchie des cultures aux États Unis raconte des choses du théâtre pendant toute la conquête de l'ouest et c'est dune violence hallucinante. Le théâtre est un lieu de bagarre où s'exprime à un degré d'intensité les conflits sociaux de l'époque le rapport entre l'Europe et les États unis. Pour en revenir aux lieux de spectacles, existe à l'époque dans les règlements municipaux des indications des règles de conduite pouvant nous permettre d'identifier les moeurs. Ces règlements disent bien: il ne faut pas crier, il ne faut pas casser des vitres quand vous avez trop chaud, il ne faut pas poursuivre les comédiennes dans les coulisses.

Aujourd'hui nous n'avons plus beaucoup de règles de ce genre (règle la sonnerie de portable). Aussi notre sensibilité par rapport à ce qui se passe dans une salle est déterminé historiquement.

A la fin du 18ème, les villes s'équipent mais au 18ème, le théâtre a lieu dans des lieux qui ne sont pas des théâtres et qui ne conviennent pas à l'afflux des gens, dans une salle surchauffée ou si une pièce incarnée se révèle être un lieu de violence, on va par exemple bombarder de fruits pourris l'acteur ou casser les fenêtres, car en soi le lieu n'est pas un lieu sacré dit de théâtre et se passe souvent dans des pièces ou la chaleur est intense.

Notre sensibilité face au théâtre et aux scandales est ainsi mouvante.

Notes:

3. Diane Scott rencontre autour de je suis Fassbinder conférence sur le scandale
Quand on bombarde de fruits un spectacle parce que tel vers nous offense est ce un scandale ? Si cette réaction est le lot commun du spectateur classique, ce n'est pas du scandale, c'est la vie courante. Elle explique ainsi la nécessité d'un contexte de « pacification de la vie du public » auquel cas sa réaction appartiendrait à la vie normale. Donc quand a t-on a faire à un scandale ?

La deuxième élément qui joue dans la façon de qualifier ou pas la question du scandale au théâtre c'est précisément le moment ou quelque chose arrive au sens du scandale moderne. Le refus de l'art bourgeois et académique. Conforter le refus d'un art qui défend une cause sociale ou politique à savoir utiliser l'art pour l'art. C'est exactement à cet endroit que se créé la possibilité du scandale au sens strict à savoir un espace de parole qui revendique une autonomie de ses propres règles sur l'autonomie. C'est là où intervient la rupture. En effet lorsque nous disons il n'y a pas d'art sans scandale, cela est vrai et en même temps cela est faux. Si on se situe à l'époque de Léonard de Vinci quand il y a des commanditaires qui passent commande de toiles de fresques, il y a parfois des désaccords sur l'objet commandé mais peut on parler de scandale ? Non. C'est difficile à manier.

Hors si on revient à la définition du mot la norme arrive.

Scandale ça veut dire tomber. En grec « Scandalon » c'est l'achoppement, c'est ce qui fait qu'on trébuche. Le scandale dans le latin c'est ce qui fait qu'on chute.

Diane Scott fait référence au Latin ecclésiastique évangile selon Saint Mathieu dit « malheur au monde à cause des scandales » (Mathieu 18.7) Il est nécessaire qu'il arrive des scandales mais « malheur à l'homme par qui les scandales arrivent, si ta main ou ton pied est pour toi une occasion de chute, coupes les, jettes les, mieux vaut entrer dans la vie manchot ou boiteux que d'être jeté dans le feu éternel ».

Donc au départ le scandale c'est « la faute » c'est religieux c'est « le péché » et le mot va conserver au 19 ème cette idée de transgression.
Quand on bombarde de fruits un spectacle parce que tel vers nous offense est ce un scandale ? Si cette réaction est le lot commun du spectateur classique, ce n'est pas du scandale, c'est la vie courante. Elle explique ainsi la nécessité d'un contexte de « pacification de la vie du public » auquel cas sa réaction appartiendrait à la vie normale. Donc quand a t-on a faire à un scandale ?

La deuxième élément qui joue dans la façon de qualifier ou pas la question du scandale au théâtre c'est précisément le moment ou quelque chose arrive au sens du scandale moderne. Le refus de l'art bourgeois et académique. Conforter le refus d'un art qui défend une cause sociale ou politique à savoir utiliser l'art pour l'art. C'est exactement à cet endroit que se créé la possibilité du scandale au sens strict à savoir un espace de parole qui revendique une autonomie de ses propres règles sur l'autonomie. C'est là où intervient la rupture. En effet lorsque nous disons il n'y a pas d'art sans scandale, cela est vrai et en même temps cela est faux. Si on se situe à l'époque de Léonard de Vinci quand il y a des commanditaires qui passent commande de toiles de fresques, il y a parfois des désaccords sur l'objet commandé mais peut on parler de scandale ? Non. C'est difficile à manier.

Hors si on revient à la définition du mot la norme arrive.

Scandale ça veut dire tomber. En grec « Scandalon » c'est l'achoppement, c'est ce qui fait qu'on trébuche. Le scandale dans le latin c'est ce qui fait qu'on chute.

Diane Scott fait référence au Latin ecclésiastique évangile selon Saint Mathieu dit « malheur au monde à cause des scandales » (Mathieu 18.7) Il est nécessaire qu'il arrive des scandales mais « malheur à l'homme par qui les scandales arrivent, si ta main ou ton pied est pour toi une occasion de chute, coupes les, jettes les, mieux vaut entrer dans la vie manchot ou boiteux que d'être jeté dans le feu éternel ».

Donc au départ le scandale c'est « la faute » c'est religieux c'est « le péché » et le mot va conserver au 19 ème cette idée de transgression.
Bourdieu dans « les règles de l'art », l'art dans sa définition moderniste décrit un phénomène particulier qui appartient au scandale et fait référence pour l'exemple aux procès intentés à Flaubert et Baudelaire pour Les Fleurs du mal et Madame Bovary. Le scandale ça touche au corps, pas seulement parce que Madame Bovary parle d'adultère. Ça touche au corps dans le sens être scandalisé, quelque chose fait violence dans la réception des choses. C'est quelque chose qui nous atteint, dans l'idée qu'on se fait de la norme. Donc cette phrase il n'y a pas d'art sans scandale est vrai à partir de l'idée que l'on se fait de l'autonomie.

Cette idée apparaît quand l'art décide de s'arracher de la religion, on va avoir des objets d'arts qui ne voudront plus être jugés en fonction de ces normes dans une époque toujours selon Bourdieu où l'on vit un déploiement de richesse, de l'industrialisation qui accompagne les fortunes ostentatoires de violences sociales grandissantes et des rapports sociaux liés à la bohème.

L'invention de l'intellingencia qui revendique une haine de la bourgeoisie et dans le même temps une identification au peuple génère des tensions très fortes. Ces tensions se sont d'ailleurs aujourd'hui creusé et viennent de loin. Elles reflètent à quel point le passage d'une révolte à l'oppression est si mince. Dans le rapport au pouvoir du scandale on ne peut que lier ces deux faits. Ce qui réagit face à une injustice a pu dans le temps devenir le propre miroir de ce que qui était rejeté.

Quelles sont les conditions d'une parole qui va être dans un rapport de scandale? Chez Flaubert par exemple ce sera le rejet de l'académisme, et de l'art bourgeois, etc et en même temps refus d'un art social, question des ouvriers par exemple. Il s'agit de refuser l'autre branche et aussi l'art bourgeois donc c'est l'idée de « l'utilité de l'art » qui est récusé par ce mouvement de l'art pour l'art.

C'est là que se crée la possibilité du scandale au sens strict.

C'est-à-dire la possibilité d'une parole qui revendique une autonomie de ses propres règles.
Bourdieu dans « les règles de l'art », l'art dans sa définition moderniste décrit un phénomène particulier qui appartient au scandale et fait référence pour l'exemple aux procès intentés à Flaubert et Baudelaire pour Les Fleurs du mal et Madame Bovary. Le scandale ça touche au corps, pas seulement parce que Madame Bovary parle d'adultère. Ça touche au corps dans le sens être scandalisé, quelque chose fait violence dans la réception des choses. C'est quelque chose qui nous atteint, dans l'idée qu'on se fait de la norme. Donc cette phrase il n'y a pas d'art sans scandale est vrai à partir de l'idée que l'on se fait de l'autonomie.

Cette idée apparaît quand l'art décide de s'arracher de la religion, on va avoir des objets d'arts qui ne voudront plus être jugés en fonction de ces normes dans une époque toujours selon Bourdieu où l'on vit un déploiement de richesse, de l'industrialisation qui accompagne les fortunes ostentatoires de violences sociales grandissantes et des rapports sociaux liés à la bohème.

L'invention de l'intellingencia qui revendique une haine de la bourgeoisie et dans le même temps une identification au peuple génère des tensions très fortes. Ces tensions se sont d'ailleurs aujourd'hui creusé et viennent de loin. Elles reflètent à quel point le passage d'une révolte à l'oppression est si mince. Dans le rapport au pouvoir du scandale on ne peut que lier ces deux faits. Ce qui réagit face à une injustice a pu dans le temps devenir le propre miroir de ce que qui était rejeté.

Quelles sont les conditions d'une parole qui va être dans un rapport de scandale? Chez Flaubert par exemple ce sera le rejet de l'académisme, et de l'art bourgeois, etc et en même temps refus d'un art social, question des ouvriers par exemple. Il s'agit de refuser l'autre branche et aussi l'art bourgeois donc c'est l'idée de « l'utilité de l'art » qui est récusé par ce mouvement de l'art pour l'art.

C'est là que se crée la possibilité du scandale au sens strict.

C'est-à-dire la possibilité d'une parole qui revendique une autonomie de ses propres règles.
La troisième coordonnée quelle évoque : aujourd'hui le scandale fait recette ou le buzz.Quand Baudelaire (le procès de Baudelaire qui avait été condamné pour outrage à la religion mais ce n'est pas ce grief qui avait été retenu. C'est « l'atteinte au moeurs » qui qualifiait la condamnation pour son éditeur ayant également fait de la prison) la condamnation pour amendes était de 300 francs de l'époque .Le théâtre du Grütly à Genève avait intitulé leur saison « Outrage » .Sur la façade du musée Baubourg à paris il y avait un portrait de Pompidou qui disait : « L'art doit discuter doit contester doit protester »C'est très paradoxale d'avoir une citation pareil, on a une définition du scandale totalement institutionnelle , il y a un appel au scandale. Qu'est ce qui se joue là dedans ?

Depuis les années 90 on a une instance accru sur la dimension politique du théâtre, à savoir une volonté de réactiver la dimension politique du théâtre. L'idée qu'au théâtre il peut y avoir du scandale ça participe à ça. On peut tenter de dire que le scandale est du bon côté de la barrière, un changement s'opère . On a l'idée que la culture est en crise. La culture aurait échoué dans sa mission. Malgré la volonté de Malraux, les pauvres ne vont pas au théâtre, la culture n'a pas atteint son adresse et qui plus est en 2002 le Pen arrive au deuxième tour des élections et beaucoup d'intellectuels vont incriminer la culture pour cela.Le théâtre aurait du être une plue value empêchant la société de tomber dans les extrémismes. Rambert dans libération affirmait que le théâtre est un rempart contre le FN, si les théâtres nationaux n'étaient pas la ce serait pire! Ribes disait que le théâtre était du côté de la civilisation.

Il faudrait que le théâtre puisse retrouver une place centrale dans la cité et ses questions politiques.Aujourd'hui parler de scandale n'est pas péjoratif, on attend au contraire une réactivité plus grande de la parole publique .Aujourd'hui nous vivons un affaissement .En retour ça crée un désir autour de lui .

Quels sont les coordonnées historique ce cette réactivité de la parole publique ? Hyperion a fait polémique. Pour aller plus loin comment passes ton de la polémique au scandale?
La troisième coordonnée quelle évoque : aujourd'hui le scandale fait recette ou le buzz.Quand Baudelaire (le procès de Baudelaire qui avait été condamné pour outrage à la religion mais ce n'est pas ce grief qui avait été retenu. C'est « l'atteinte au moeurs » qui qualifiait la condamnation pour son éditeur ayant également fait de la prison) la condamnation pour amendes était de 300 francs de l'époque. Le théâtre du Grütly à Genève avait intitulé leur saison « Outrage ». Sur la façade du musée Baubourg à Paris il y avait un portrait de Pompidou qui disait : « L'art doit discuter doit contester doit protester » C'est très paradoxale d'avoir une citation pareil, on a une définition du scandale totalement institutionnelle, il y a un appel au scandale. Qu'est ce qui se joue là dedans ?

Depuis les années 90 on a une instance accru sur la dimension politique du théâtre, à savoir une volonté de réactiver la dimension politique du théâtre. L'idée qu'au théâtre il peut y avoir du scandale ça participe à ça. On peut tenter de dire que le scandale est du bon côté de la barrière, un changement s'opère. On a l'idée que la culture est en crise. La culture aurait échoué dans sa mission. Malgré la volonté de Malraux, les pauvres ne vont pas au théâtre, la culture n'a pas atteint son adresse et qui plus est en 2002 le Pen arrive au deuxième tour des élections et beaucoup d'intellectuels vont incriminer la culture pour cela. Le théâtre aurait du être une plue value empêchant la société de tomber dans les extrémismes. Rambert dans libération affirmait que le théâtre est un rempart contre le FN, si les théâtres nationaux n'étaient pas la ce serait pire! Ribes disait que le théâtre était du côté de la civilisation.

Il faudrait que le théâtre puisse retrouver une place centrale dans la cité et ses questions politiques. Aujourd'hui parler de scandale n'est pas péjoratif, on attend au contraire une réactivité plus grande de la parole publique. Aujourd'hui nous vivons un affaissement. En retour ça crée un désir autour de lui.

Quels sont les coordonnées historique ce cette réactivité de la parole publique ? Hyperion a fait polémique. Pour aller plus loin comment passes ton de la polémique au scandale?
## II/ De la polémique au scandale, du scandale à la polémique: un mouvement de banalisation ?

Hyperion adaptation du roman épistolaire d'Hôlderlin joué à Avignon dans la mise en scène de Marie José Malis est un parfait exemple de polémique qui dérape. On peut lire dans certaines critiques « cinq heures distillées au bord de l'inaudible par des comédiens d'apparence déprimés. Résultat une hémorragie de spectateurs. » Ou encore « Hyperion ou comment assassiner un chef d'oeuvre très len-te-ment au théâtre, on n'est pas là pour assister à une grand-messe philosophico-poétique et politique (ce qu' Hypérion, le texte de Hölderlin, n'est pas) » Dans le courrier international « La nouvelle directrice du Théâtre de la Commune à Aubervilliers rate son entrée au Festival d'Avignon, dans les grandes largeurs. Dans les grandes longueurs » On peut lire également ce qui effraie c'est qu'un artiste puisse se couper à ce point du public ». Ce à quoi marie José Malis répond dans l'humanité:

> « La moitié de la salle a refusé le spectacle. L'autre moitié a pensé : ça, c'est du théâtre. La représentation théâtrale construit le spectateur. Si on le retrouve à la sortie identique à l'entrée, c'est qu'on ne fait pas du théâtre. Si on ne transforme pas le spectateur, c'est que l'on a échoué. C'est pour ça que je parle de joie. Joie des acteurs qui savent que le texte d'Hôlderlin va les porter vers de nouveaux possibles. Joie du public, aussi. Au maximum de l'adversité, j'ai vu du public manifester sa joie. Mon intention n'est pas de le diviser. Je ne suis pas arrogante. Mais je suis prête à payer le prix de cette division. Je pense que le théâtre dort et notre travail est de le réveiller parce qu'on veut réveiller le monde. Que ça déplaise, heurte des habitudes, ce n'est pas un problème. Être minoritaire non plus. Pasolini disait qu'un artiste qui n'est pas minoritaire, porteur de pensées qui scandalisent, qui viennent défaire le conformisme de gauche, ne fait pas son boulot. La question est que des artistes minoritaires – dont je suis – peuvent et doivent diriger des lieux. Un des facteurs d'hystérie du Festival d'Avignon consistait à faire mon procès comme directrice du Théâtre de la Commune d'Aubervilliers »

Le Contexte du roman était la révolution grecque de 1830. La Grèce est sortie de la tutelle de l'empire ottoman, et offre de nouvelles conditions spirituelles de l'homme. Marie José Malis reprend le spectacle depuis la question de la gauche aujourd'hui, c'est-à-dire que nous sommes à un moment de crise politique. Toute une question de la relance d'une parole de gauche c'est retrouver le courage etc. Hyperion c'est une parabole pour poser la question de quelque chose qui finit. C'est une parabole collective et d'ailleurs chacun des comédiens porte cette parole, il n'y a plus de personnages.
## II/ De la polémique au scandale, du scandale à la polémique: un mouvement de banalisation ?

Hyperion adaptation du roman épistolaire d'Hôlderlin joué à Avignon dans la mise en scène de Marie José Malis est un parfait exemple de polémique qui dérape. On peut lire dans certaines critiques « cinq heures distillées au bord de l'inaudible par des comédiens d'apparence déprimés. Résultat une hémorragie de spectateurs. » Ou encore « Hyperion ou comment assassiner un chef d'oeuvre très len-te-ment au théâtre, on n'est pas là pour assister à une grand-messe philosophico-poétique et politique (ce qu' Hypérion, le texte de Hölderlin, n'est pas) » Dans le courrier international « La nouvelle directrice du Théâtre de la Commune à Aubervilliers rate son entrée au Festival d'Avignon, dans les grandes largeurs. Dans les grandes longueurs » On peut lire également ce qui effraie c'est qu'un artiste puisse se couper à ce point du public ». Ce à quoi marie José Malis répond dans l'humanité:

> « La moitié de la salle a refusé le spectacle. L'autre moitié a pensé : ça, c'est du théâtre. La représentation théâtrale construit le spectateur. Si on le retrouve à la sortie identique à l'entrée, c'est qu'on ne fait pas du théâtre. Si on ne transforme pas le spectateur, c'est que l'on a échoué. C'est pour ça que je parle de joie. Joie des acteurs qui savent que le texte d'Hôlderlin va les porter vers de nouveaux possibles. Joie du public, aussi. Au maximum de l'adversité, j'ai vu du public manifester sa joie. Mon intention n'est pas de le diviser. Je ne suis pas arrogante. Mais je suis prête à payer le prix de cette division. Je pense que le théâtre dort et notre travail est de le réveiller parce qu'on veut réveiller le monde. Que ça déplaise, heurte des habitudes, ce n'est pas un problème. Être minoritaire non plus. Pasolini disait qu'un artiste qui n'est pas minoritaire, porteur de pensées qui scandalisent, qui viennent défaire le conformisme de gauche, ne fait pas son boulot. La question est que des artistes minoritaires – dont je suis – peuvent et doivent diriger des lieux. Un des facteurs d'hystérie du Festival d'Avignon consistait à faire mon procès comme directrice du Théâtre de la Commune d'Aubervilliers »

Le Contexte du roman était la révolution grecque de 1830. La Grèce est sortie de la tutelle de l'empire ottoman, et offre de nouvelles conditions spirituelles de l'homme. Marie José Malis reprend le spectacle depuis la question de la gauche aujourd'hui, c'est-à-dire que nous sommes à un moment de crise politique. Toute une question de la relance d'une parole de gauche c'est retrouver le courage etc. Hyperion c'est une parabole pour poser la question de quelque chose qui finit. C'est une parabole collective et d'ailleurs chacun des comédiens porte cette parole, il n'y a plus de personnages.
Ils disent nous pouvons agir, nous ne sommes pas assignés au champ de ruine. Elle venait d'être nommée au CDN d'Aubervilliers (fleuron de la décentralisation française) et cela a fait polémique : la presse hostile, la salle qui se vide. Plusieurs choses ont fait trébucher le spectacle qui lui même a réunit plusieurs facteurs. Les critiques disaient on a pas le droit de faire ça, « *De quel oubli des lois du théâtre ce spectacle est il le nom?* » ça a heurté les normes du théâtre mais il faut dire que les critiques dramatiques n'en disaient pas beaucoup plus, les critiques disaient qu'on attendait rien. L'adresse singulière et lyrique ne convenait pas, l'esthétique non plus. Si nous nous arrêtons là, nous pourrions donc parler de polémique d'un désaccord ou chacun est libre de quitter l'espace de parole de discussion. Mais l'histoire ne s'arrête pas là et c'est à cet endroit que l'objet de réflexion peut troubler. Des gens de l'équipe ainsi que des spectateurs attendent Marie José Malis pour l'agresser, on pourrait dire qu'on à faire à un scandale au sens ou ça atteint le corps.

Aussi à quel moment passe ton de la polémique au scandale, quels sont les mécanismes qui passent de l'un à l'autre? Castellucci *Sur le concept du visage de dieu* est ce un scandale ou une polémique ? Y a t-il un phénomène de scandale à la mode ? Richter est t'il un scandale ? (Spectacle ou l'extrême droite assigne en justice) Est ce que c'est orchestré ? Un Scandale a t-il des bénéfices ? Est ce qu'un contexte de manif pour tous par exemple ou une volonté extrémiste qui veulent se re mobiliser peut inverser la situation? Nous remarquons au fil de l'histoire comme certaine polémique ou désaccord dégénèrent en scandales car ils apparaissent à un moment T de l'histoire de la vie d'un spectacle. Le contexte créé ainsi le scandale. Il créé même du Buzz. En soi le scandale est le versant du débat polémique que provoque la rupture, c'est devenu quelque chose qui ouvre une discussion. Mais finalement le scandale ouvre beaucoup plus que cela puisqu'il créé la polémique, le débat. Pour olivier neveux « Le théâtre est une chambre d'écho. Quand on assiste à un spectacle, on y assiste en étant lourd, chargé, saturé de ce qu'on a vécu dans la journée, de la presse qu'on a lue, de l'époque dans laquelle on vit. Il est évident que les artistes créent avec cette chose-là. (Olivier Neveux) « Le scandale représente un moyen de communication privilégié entre la scène et la salle, offrant l'espoir d'un théâtre capable de concilier l'individu et la cité. 1

# 1.THÈSE

Spécialité : Littérature Française Arrêté ministériel : 7 août 2006
Présentée par Delphine AEBI.
Ils disent nous pouvons agir, nous ne sommes pas assignés au champ de ruine. Elle venait d'être nommée au CDN d'Aubervilliers (fleuron de la décentralisation française) et cela a fait polémique : la presse hostile, la salle qui se vide. Plusieurs choses ont fait trébucher le spectacle qui lui même a réunit plusieurs facteurs. Les critiques disaient on a pas le droit de faire ça, « *De quel oubli des lois du théâtre ce spectacle est il le nom?* » ça a heurté les normes du théâtre mais il faut dire que les critiques dramatiques n'en disaient pas beaucoup plus, les critiques disaient qu'on attendait rien. L'adresse singulière et lyrique ne convenait pas, l'esthétique non plus. Si nous nous arrêtons là, nous pourrions donc parler de polémique d'un désaccord ou chacun est libre de quitter l'espace de parole de discussion. Mais l'histoire ne s'arrête pas là et c'est à cet endroit que l'objet de réflexion peut troubler. Des gens de l'équipe ainsi que des spectateurs attendent Marie José Malis pour l'agresser, on pourrait dire qu'on à faire à un scandale au sens ou ça atteint le corps.

Aussi à quel moment passe ton de la polémique au scandale, quels sont les mécanismes qui passent de l'un à l'autre? Castellucci *Sur le concept du visage de dieu* est ce un scandale ou une polémique ? Y a t-il un phénomène de scandale à la mode ? Richter est t'il un scandale ? (Spectacle ou l'extrême droite assigne en justice) Est ce que c'est orchestré ? Un Scandale a t-il des bénéfices ? Est ce qu'un contexte de manif pour tous par exemple ou une volonté extrémiste qui veulent se re mobiliser peut inverser la situation? Nous remarquons au fil de l'histoire comme certaine polémique ou désaccord dégénèrent en scandales car ils apparaissent à un moment T de l'histoire de la vie d'un spectacle. Le contexte créé ainsi le scandale. Il créé même du Buzz. En soi le scandale est le versant du débat polémique que provoque la rupture, c'est devenu quelque chose qui ouvre une discussion. Mais finalement le scandale ouvre beaucoup plus que cela puisqu'il créé la polémique, le débat. Pour olivier neveux « Le théâtre est une chambre d'écho. Quand on assiste à un spectacle, on y assiste en étant lourd, chargé, saturé de ce qu'on a vécu dans la journée, de la presse qu'on a lue, de l'époque dans laquelle on vit. Il est évident que les artistes créent avec cette chose-là. (Olivier Neveux) « Le scandale représente un moyen de communication privilégié entre la scène et la salle, offrant l'espoir d'un théâtre capable de concilier l'individu et la cité. 1

# 1. THÈSE

Spécialité : Littérature Française Arrêté ministériel : 7 août 2006
Présentée par Delphine AEBI.
Le scandale prend des formes multiples, met en scène des acteurs très divers et se déroule selon des scénarios et dans des contextes différents.

Donnons d'autres exemples :

Dans un cahier destiné à présenter l'œuvre de Jean Genet, Jean-Louis Barrault distingue « *deux manières en art, d'être cause de scandale* »2 : d'une part « le scandale que « les Autres » font à propos de l'artiste [...] à propos de l'œuvre créée », l'œuvre en question étant le plus souvent le « produit d'une sincérité ingénue » ; d'autre part « le scandale prémédité par l'artiste lui-même », qui « a fabriqué une œuvre en vue de choquer les autres ».

Vient le jugement, Barrault étant convaincu que « ce second cas est le fait d'une imposture, puisqu'il cherche à faire passer pour inconscient et original ce qui a été simplement calculé ». Selon Barrault, « Jamais le véritable artiste ne cherche à faire scandale. Tout à coup, à sa grande surprise, [...] il découvre qu'il « fait scandale », alors qu'il n'obéissait qu'à une évidence, imposée par sa vision » ; ainsi, « C'est [son] génie qui était scandaleux... Aux yeux des Autres », indépendamment de sa volonté. Pour Aymé le scandale est tantôt 1 « un bienfait, une des mamelles du monde », tantôt « un vampire funèbre et ricaneur ».

## Notes:

2 J-L. Barrault cité dans La Bataille des Paravents, Théâtre de l'Odéon, 1966, Paris : IMEC, 1991, p. 53.

1 Ibid., p. 197-198.
Le scandale prend des formes multiples, met en scène des acteurs très divers et se déroule selon des scénarios et dans des contextes différents.

Donnons d'autres exemples :

Dans un cahier destiné à présenter l'œuvre de Jean Genet, Jean-Louis Barrault distingue « *deux manières en art, d'être cause de scandale* »2 : d'une part « le scandale que « les Autres » font à propos de l'artiste [...] à propos de l'œuvre créée », l'œuvre en question étant le plus souvent le « produit d'une sincérité ingénue » ; d'autre part « le scandale prémédité par l'artiste lui-même », qui « a fabriqué une œuvre en vue de choquer les autres ».

Vient le jugement, Barrault étant convaincu que « ce second cas est le fait d'une imposture, puisqu'il cherche à faire passer pour inconscient et original ce qui a été simplement calculé ». Selon Barrault, « Jamais le véritable artiste ne cherche à faire scandale. Tout à coup, à sa grande surprise, [...] il découvre qu'il « fait scandale », alors qu'il n'obéissait qu'à une évidence, imposée par sa vision » ; ainsi, « C'est [son] génie qui était scandaleux... Aux yeux des Autres », indépendamment de sa volonté. Pour Aymé le scandale est tantôt 1 « un bienfait, une des mamelles du monde », tantôt « un vampire funèbre et ricaneur ».

## Notes:

2 J-L. Barrault cité dans La Bataille des Paravents, Théâtre de l'Odéon, 1966, Paris : IMEC, 1991, p. 53.

1 Ibid., p. 197-198.
Cela n'est pas sans nous rappeler la fameuse in-tranquilité du spectateur dont
Olivier neveux fait grand cas. Pour lui mai 68 entraîne une rupture caractérisée
par une libéralisation des mœurs, mais aussi une banalisation du scandale.

Notons que Marcel Aymé constatait déjà en 1948 ce phénomène de banalisation :

> « Il y a tant de saloperies dans le monde que tout le monde se fout du scandale à présent » 2.

Marcel Aymé distingue « *le scandale en province* » du « *scandale à Paris* ».

Le premier, explique-t-il, est rare, tandis que « Paris est le grand pourvoyeur de scandales » : « C'est lui qui en fournit les plus beaux prétextes et qui donne le branle à l'opinion », parce que «la finance, le commerce, la politique et la police y ont leurs centres d'activités respectifs », et parce qu'il « abrite une foule de hauts personnages ».

Paris est enfin la « capitale de la presse qui, en ces matières, joue un rôle important et parfois décisif » 3. Ainsi, tout semble partir de Paris, capitale intellectuelle du pays où les grands scandales éclatent : à cet égard, la décentralisation reste somme toute relative à cette époque.

Avant de nous attarder sur l'exemple des paravents de Genet et à cette période de 1966 afin de bien comprendre ce qui a pu évoluer au fil du temps évoquons Hernani très brièvement .

Notes:

1. J.Cocteau, journal 1942-1945, Paris: Gallimard, 1989, p.546.

2. M. Aymé, Uranus, Paris : Gallimard, 1948, p. 128.

3. M. Aymé, Silhouette du scandale, op. cit., p. 95.
Cela n'est pas sans nous rappeler la fameuse in-tranquilité du spectateur dont
Olivier neveux fait grand cas . Pour lui mai 68 entraîne une rupture caractérisée
par une libéralisation des mœurs, mais aussi une banalisation du scandale.

Notons que Marcel Aymé constatait déjà en 1948 ce phénomène de banalisation :

> « Il y a tant de saloperies dans le monde que tout le monde se fout du scandale à présent » 2.

Marcel Aymé distingue « *le scandale en province* » du « *scandale à Paris* ».

Le premier, explique-t-il, est rare, tandis que « Paris est le grand pourvoyeur de scandales » : « C'est lui qui en fournit les plus beaux prétextes et qui donne le branle à l'opinion », parce que «la finance, le commerce, la politique et la police y ont leurs centres d'activités respectifs », et parce qu'il « abrite une foule de hauts personnages ».

Paris est enfin la « capitale de la presse qui, en ces matières, joue un rôle important et parfois décisif » 3. Ainsi, tout semble partir de Paris, capitale intellectuelle du pays où les grands scandales éclatent : à cet égard, la décentralisation reste somme toute relative à cette époque.

Avant de nous attarder sur l'exemple des paravents de Genet et à cette période
de 1966 afin de bien comprendre ce qui a pu évoluer au fil du temps évoquons
Hernani très brièvement .

Notes:

1.J.Cocteau, journal 1942-1945, Paris: Gallimard, 1989, p.546.

2.M. Aymé, Uranus, Paris : Gallimard, 1948, p. 128.

3.M. Aymé, Silhouette du scandale, op. cit., p. 95.
La bataille d'Hernani est elle considérée comme une bataille ou une polémique? Drame romantique de Victor Hugo, Hernani déclenche au moment de sa sortie une polémique si forte qu'on la qualifie de "bataille". Le 25 février 1830, à la Comédie-Française, les défenseurs de Victor Hugo s'opposent violemment à ceux qui réclament l'arrêt de la pièce pour outrage au bon goût. Au nom de la liberté du créateur, Victor Hugo ne respecte aucune des trois unités chères au théâtre classique : sa pièce ne se passe pas dans un seul lieu, ni sur une période de temps réduite, et l'intrigue n'est pas unique. Hugo refuse aussi le rythme classique de l'alexandrin au nom du respect du naturel : ses personnages ne parlent pas en vers et ne font pas de rime !Ni tragédie, ni comédie, la pièce même moments comiques et rebondissements tragiques. La rivalité entre le roi d'Espagne Hernani et Don Gomez de Silva, pour Doña Sol, entraine à la fois de grands malheurs et des moments de joie. Hernani et Doña Sol se marient finalement, mais ils sont contraints au suicide. Avec Hernani, Victor Hugo engage la bataille des Romantiques contre les classiques, attachés aux règles du XVIIe siècle.4

On peut bien avec le recul des années affirmer que la bataille ici se fait entre d'une part les romantiques qui souhaitent conserver une certaine esthétique de genre et les théâtraux révolutionnaires qui eux souhaitent une révolution des genres de l'art dramatique. Aussi la polémique ici est bien présente, cela nous pousse à affirmer que finalement ce qui distinguerait le scandale de la polémique, serait le sujet attaqué. En soi attaquer une esthétique n'est profondément pas un dérangement qui touche à l'être ou déplace son regard politique sur le monde cela touche à la raison qui consciemment décide ou non de débattre. En revanche le scandale a de cela qu'il dérange profondément l'être humain de sorte à ce qu'il ne puisse poursuivre son chemin sans se sentir attaqué. On attaque lorsque l'on se bat pour un genre ou une esthétique autant que lorsque l'on se sent insulté par des propos jugés blasphématoires racistes ou violent envers les animaux ou les femmes. Ce que nous pouvons faire comme distinction est que le scandale attaque ce qui relève des traits humains alors que la polémique s'attaque à l'œuvre. Cela nous amène à cette conclusion : le scandale a une part d'émotionnel et d'irrationnel dans sa conception la ou la polémique s'empare totalement de la raison et la philosophie.

Notes:

4. Bibliothèque nationale de France, département Bibliothèque-musée de l'opéra, ESTAMPESSCENES Hernani.
La bataille d'Hernani est elle considérée comme une bataille ou une polémique ?
Drame romantique de Victor Hugo, Hernani déclenche au moment de sa sortie
une polémique si forte qu'on la qualifie de "bataille". Le 25 février 1830, à la
Comédie-Française, les défenseurs de Victor Hugo s'opposent violemment à
ceux qui réclament l'arrêt de la pièce pour outrage au bon goût. Au nom de la
liberté du créateur, Victor Hugo ne respecte aucune des trois unités chères au
théâtre classique : sa pièce ne se passe pas dans un seul lieu, ni sur une période
de temps réduite, et l'intrigue n'est pas unique. Hugo refuse aussi le rythme
classique de l'alexandrin au nom du respect du naturel : ses personnages ne
parlent pas en vers et ne font pas de rime ! Ni tragédie, ni comédie, la pièce même
moments comiques et rebondissements tragiques. La rivalité entre le roi
d'Espagne Hernani et Don Gomez de Silva, pour Doña Sol, entraine à la fois de
grands malheurs et des moments de joie. Hernani et Doña Sol se marient
finalement, mais ils sont contraints au suicide. Avec Hernani, Victor Hugo
engage la bataille des Romantiques contre les
classiques, attachés aux règles du XVIIe siècle. 4

On peut bien avec le recul des années affirmer que la bataille ici se fait entre
d'une part les romantiques qui souhaitent conserver une certaine esthétique de
genre et les théâtraux révolutionnaires qui eux souhaitent une révolution des
genres de l'art dramatique. Aussi la polémique ici est bien présente , cela nous
pousse à affirmer que finalement ce qui distinguerait le scandale de la
polémique, serait le sujet attaqué. En soi attaquer une esthétique n'est
profondément pas un dérangement qui touche à l'être ou déplace son regard
politique sur le monde cela touche à la raison qui consciemment décide ou non
de débattre. En revanche le scandale a de cela qu'il dérange profondément l'être
humain de sorte à ce qu'il ne puisse poursuivre son chemin sans se sentir
attaqué. On attaque lorsque l'on se bat pour un genre ou une esthétique autant
que lorsque l'on se sent insulté par des propos jugés blasphématoires racistes
ou violent envers les animaux ou les femmes . Ce que nous pouvons faire
comme distinction est que le scandale attaque ce qui relève des traits humains
alors que la polémique s'attaque à l'œuvre. Cela nous amène à cette conclusion
le scandale a une part d'émotionnel et d'irrationnel dans sa conception la ou la
polémique s'empare totalement de la raison et la philosophie .

Notes:

4. Bibliothèque nationale de France, département Bibliothèque-musée de l'opéra, ESTAMPESSCENES Hernani.
## B/Les paravents de Genet

Les paravents de Genet est la pièce qui provoque le premier scandale théâtral ayant abouti à un débat à l'assemblée Nationale. En avril 1966, Roger Blin met en scène les Paravents de Jean Genet pour la première fois en France au Théâtre de l'Odéon dirigé à l'époque par Jean Louis Barrault. La pièce de Jean Genet jouée par 65 comédiens, dont Maria Casarès, Madeleine Renaud, Jean-Louis Barrault ou encore Germaine Kerjean se déroule en Algérie, et dénonce l'absurdité de la guerre sans l'évoquer clairement. 1966 est marqué par la guerre d'Algérie longtemps appelée la guerre sans nom et les événements encore frais d'octobre 61. Les mémoires encore douloureuses des massacres et de la violence ne sont encore qu'un précurseur d'autre brisures à venir. La pièce au Théâtre de l'Odéon est d'abord annoncée sans heurts à la télévision par les chaines françaises dans une longue émission du 13 avril 1966. Genet dira pendant longtemps que « ni les soldats ni le lieutenant ni le général n'apparaissent dans cette pièce afin de faire revivre un seul instant « la capitulation de la France en Algérie » 1

Ce n'est que plus tard qu'il affirmera que : « *La pièce Les Paravents ne fut qu'une longue méditation sur la guerre d'Algérie* » 2

On pouvait retrouver le même rapport de dénégation chez Barrault concernant la prise de position sur la question Algérienne de sorte que la pièce est comprise comme un acte politique et déclenche un scandale aussi important que celui de Hernani sans la base avoir été pensée comme un scandale politique. Au bout de quinze jours d'exploitation, la tension monte, des insultes et des réactions qui deviennent de plus en plus violentes, jets de chaises, de fumigènes. Quatre ans après la déclaration d'indépendance de l'Algérie, le sujet déclenche des émeutes complètement à vif devant le théâtre et sur la scène.

### NOTE

1. J.Genet. *Les Paravents* p. 308.

2. Genet J., « Il me paraît indécent de parler de moi », in L'Ennemi déclaré, Paris, Gallimard.

Des officiers envahissent l'espace scénique, un commando pénètre l'espace
## B/Les paravents de Genet

Les paravents de Genet est la pièce qui provoque le premier scandale théâtral ayant abouti à un débat à l'assemblée Nationale. En avril 1966, Roger Blin met en scène les Paravents de Jean Genet pour la première fois en France au Théâtre de l'Odéon dirigé à l'époque par Jean Louis Barrault. La pièce de Jean Genet jouée par 65 comédiens, dont Maria Casarès, Madeleine Renaud, Jean-Louis Barrault ou encore Germaine Kerjean se déroule en Algérie, et dénonce l'absurdité de la guerre sans l'évoquer clairement. 1966 est marqué par la guerre d'Algérie longtemps appelée la guerre sans nom et les événements encore frais d'octobre 61. Les mémoires encore douloureuses des massacres et de la violence ne sont encore qu'un précurseur d'autre brisures à venir. La pièce au Théâtre de l'Odéon est d'abord annoncée sans heurts à la télévision par les chaines françaises dans une longue émission du 13 avril 1966. Genet dira pendant longtemps que « ni les soldat ni le lieutenant ni le général n'apparaissent dans cette pièce afin de faire revivre un seul instant « la capitulation de la France en Algérie » 1

Ce n'est que plus tard qu'il affirmera que : « La pièce Les Paravents ne fut qu'une longue méditation sur la guerre d'Algérie » 2

On pouvait retrouver le même rapport de dénégation chez Barrault concernant la prise de position sur la question Algérienne de sorte que la pièce est comprise comme un acte politique et déclenche un scandale aussi important que celui de Hernani sans à la base avoir été pensée comme un scandale politique. Au bout de quinze jours d'exploitation, la tension monte, des insultes et des réactions qui deviennent de plus en plus violentes, jets de chaises, de fumigènes. Quatre ans après la déclaration d'indépendance de l'Algérie, le sujet déclenche des émeutes complètement à vif devant le théâtre et sur la scène.

### NOTE

1. J.Genet. *Les Paravents* p. 308.

2. Genet J., « Il me paraît indécent de parler de moi », in L'Ennemi déclaré, Paris, Gallimard.

Des officiers envahissent l'espace scénique, un commando pénètre l'espace
Les forces de l'ordre se dressent à l'entrée de la salle tous les soirs pour que la pièce puisse avoir lieu. Place de l'Odeon une importante manifestation du groupe « Occident » (extrême droite) a lieu devant le Théâtre avec des débordements conséquents dans la journée et nuit du 30 avril au premier mai.scénique avec des bombes fumigènes ainsi que des rats morts qu'ils jettent sur la scène. Le souvenir du commando de jeunes officiers entrant sur la scène pendant la scène dit « des vents » (d'où le nom Les Paravents) marque les esprits. Dans cette scène, le lieutenant français meurt, et ses hommes le saluent d'une salve de pet.

Voici la citation finale de la pièce dans cette séquence ayant provoqué scandale et qui se jouait en coulisse : (la citation est reprise régulièrement et citée également au journal officiel)

> « Bien-sur il ne sera pas en terre française mais enfin on peut tout de même puisqu'on a que ça toi Roger si t'as des gaz de rab et les autres aussi on peut lui en cacher une bouffée on va lui faire respirer l'air du Lot et Garonne et vos pets, lâchez les en silence que l'ennemi ne nous repère pas, quelle ouvre la narine du lieutenant et qu'en expirant on va lui tirer en silence les coups de canons réservés aux personnalités, chacun le sien visez bien ses narines, feu, c'est bien, chacun y met du sien, un petit air de France »

Pour Michel Corvin ayant écrit la préface de la réédition de la pièce, 4« Pour la plupart des critiques, ou bien la pièce parle de l'Algérie, de la France et de son armée, et elle le fait de façon ignoble qui mérite l'opprobre et le rejet ; ou bien Genet y fait semblant de s'intéresser à l'Algérie et à sa révolution, mais son seul vrai souci – et sa vraie réussite – est de délivrer un vaste poème ésotérique et carnavalesque ».

Pour lui ce qui bouleverse le spectateur, c'est 5 « l'inversion carnavalesque, le passage du noble – la guerre – à l'ignoble le langage caustique de la dérision. C'est parce que Genet se rit de la guerre que la pièce est moralement inacceptable ou artistiquement réussie. »

Notes:

4. M. CORVIN, « Préface », dans J. GENET, *Les paravents, op. cit.*, p. XII.

5. Presse de université de saint louis « Une lecture esperpentique des Paravents de Jean Genet » de Muriel Lazzarini-Dossin
Les forces de l'ordre se dressent à l'entrée de la salle tous les soirs pour que la pièce puisse avoir lieu. Place de l'Odeon une importante manifestation du groupe « Occident » (extrême droite) a lieu devant le Théâtre avec des débordements conséquents dans la journée et nuit du 30 avril au premier mai.scénique avec des bombes fumigènes ainsi que des rats morts qu'ils jettent sur la scène. Le souvenir du commando de jeunes officiers entrant sur la scène pendant la scène dit « des vents » (d'où le nom Les Paravents) marque les esprits. Dans cette scène, le lieutenant français meurt, et ses hommes le saluent d'une salve de pet.

Voici la citation finale de la pièce dans cette séquence ayant provoqué scandale et qui se jouait en coulisse : (la citation est reprise régulièrement et citée également au journal officiel)

> « Bien-sur il ne sera pas en terre française mais enfin on peut tout de même puisqu'on a que ça toi Roger si t'as des gaz de rab et les autres aussi on peut lui en cacher une bouffée on va lui faire respirer l'air du Lot et Garonne et vos pets, lâchez les en silence que l'ennemi ne nous repère pas, quelle ouvre la narine du lieutenant et qu'en expirant on va lui tirer en silence les coups de canons réservés aux personnalités, chacun le sien visez bien ses narines, feu, c'est bien, chacun y met du sien, un petit air de France »

Pour Michel Corvin ayant écrit la préface de la réédition de la pièce, 4« Pour la plupart des critiques, ou bien la pièce parle de l'Algérie, de la France et de son armée, et elle le fait de façon ignoble qui mérite l'opprobre et le rejet ; ou bien Genet y fait semblant de s'intéresser à l'Algérie et à sa révolution, mais son seul vrai souci – et sa vraie réussite – est de délivrer un vaste poème ésotérique et carnavalesque ».

Pour lui ce qui bouleverse le spectateur, c'est 5 « l'inversion carnavalesque, le passage du noble – la guerre – à l'ignoble le langage caustique de la dérision. C'est parce que Genet se rit de la guerre que la pièce est moralement inacceptable ou artistiquement réussie. »

Notes:

4. M. CORVIN, « Préface », dans J. GENET, *Les paravents, op. cit.*, p. XII.

5. Presse de université de saint louis « Une lecture esperpentique des Paravents de Jean Genet » de Muriel Lazzarini-Dossin
Le 27 octobre 1966 André Malraux interpellé par les élus qui veulent interdire la pièce, va prononcer un discours édifiant sur la liberté d'expression ou plus exactement sur la libre représentation du spectacle, faisant résonner le débat de façon brulante encore aujourd'hui.

« La liberté mesdames, messieurs, n'a pas toujours les mains propres. Mais quand elle n'a pas les mains propres, avant de la passer par la fenêtre, il faut y regarder à deux fois. Il s'agit d'un théâtre subventionné, dites vous. Là dessus je n'ai rien à dire. Mais, la lecture qui a été faite à la tribune est celle d'un fragment. Ce fragment n'est pas joué sur la scène, mais dans les coulisses. Il donne, dit on, le sentiment qu'on est en face d'une pièce Anti-Française. Si nous étions vraiment en face d'une pièce anti-Française, un problème assez sérieux se poserait. Or, quiconque a lu cette pièce sait très bien qu'elle n'est pas anti-Française. Elle est anti-Humaine. Elle est anti-tout. Genet n'est pas plus anti-Français que Goya anti-espagnol. Vous avez l'équivalent de la scène dont vous parlez dans les Caprices. Par conséquent, le véritable problème qui se pose ici-il a d'ailleurs été posé-c'est celui, comme vous l'avez appelé de la « pourriture ».

Mais là encore, Mesdames, Messieurs, allons lentement! Car avec des citations on peut tout faire. (Alors ô ma beauté, dites à la vermine qui nous mangera de baisers... », c'est de la pourriture! ) »

Dans un premier temps le discours démarre avec l'idée de la dignité, « avoir les mains propres », Malraux pose son discours sur l'argument des sacrifices que nous devons à la défense des grandes idées pour se construire et construire le respect de la liberté de penser de l'autre. Malraux fait le parallèle également avec le théâtre subventionné qui serait soumis à une injonction d'honneur et en réponse à l'indignation ressentie après la représentation des Paravents. Malraux se permet d'entrer totalement dans le fond du sujet : la pièce est elle anti-française? Cette façon de repondre est novatrice et même très engageante. Malraux prend le débat à la hauteur du scandale qu'il a provoqué et n'hésite pas à révéler ce qui se cache derrière ce qui n'ose pas se dire franchement.

Notes:

4. M. CORVIN, « Préface », dans J. GENET, *Les paravents*, op. cit., p. XII.

5. Presse de université de saint louis « Une lecture esperpentique des Paravents de Jean Genet » de Muriel Lazzarini-Dossin
Le 27 octobre 1966 André Malraux interpellé par les élus qui veulent interdire la pièce, va prononcer un discours édifiant sur la liberté d'expression ou plus exactement sur la libre représentation du spectacle, faisant résonner le débat de façon brulante encore aujourd'hui.

« La liberté mesdames, messieurs, n'a pas toujours les mains propres. Mais quand elle n'a pas les mains propres, avant de la passer par la fenêtre, il faut y regarder à deux fois. Il s'agit d'un théâtre subventionné, dites vous. Là dessus je n'ai rien à dire. Mais, la lecture qui a été faite à la tribune est celle d'un fragment. Ce fragment n'est pas joué sur la scène, mais dans les coulisses. Il donne, dit on, le sentiment qu'on est en face d'une pièce Anti-Française. Si nous étions vraiment en face d'une pièce anti-Française, un problème assez sérieux se poserait. Or, quiconque a lu cette pièce sait très bien qu'elle n'est pas anti-Française. Elle est anti-Humaine. Elle est anti-tout. Genet n'est pas plus anti-Français que Goya anti-espagnol. Vous avez l'équivalent de la scène dont vous parlez dans les Caprices. Par conséquent, le véritable problème qui se pose ici-il a d'ailleurs été posé-c'est celui, comme vous l'avez appelé de la « pourriture ».

Mais là encore, Mesdames, Messieurs, allons lentement! Car avec des citations on peut tout faire. (Alors ô ma beauté, dites à la vermine qui nous mangera de baisers... », c'est de la pourriture! ) »

Dans un premier temps le discours démarre avec l'idée de la dignité, « avoir les mains propres », Malraux pose son discours sur l'argument des sacrifices que nous devons à la défense des grandes idées pour se construire et construire le respect de la liberté de penser de l'autre. Malraux fait le parallèle également avec le théâtre subventionné qui serait soumis à une injonction d'honneur et en réponse à l'indignation ressentie après la représentation des Paravents. Malraux se permet d'entrer totalement dans le fond du sujet : la pièce est elle anti-française? Cette façon de repondre est novatrice et même très engageante. Malraux prend le débat à la hauteur du scandale qu'il a provoqué et n'hésite pas à révéler ce qui se cache derrière ce qui n'ose pas se dire franchement.

Notes:

4. M. CORVIN, « Préface », dans J. GENET, *Les paravents*, op. cit., p. XII.

5. Presse de université de saint louis « Une lecture esperpentique des Paravents de Jean Genet » de Muriel Lazzarini-Dossin
« Je ne prétends nullement-je n'ai d'ailleurs pas à le prétendre- que M.Genet soit Baudelaire.S'il était Baudelaire, on ne le saurait pas. La preuve c'est qu'on ne savait pas que Baudelaire était un génie.Ce qui est certain, c'est que l'argument invoqué : « cela blesse ma sensibilité, on doit donc l'interdire », est un argument déraisonnable. L'argument raisonnable est le suivant : Cette pièce blesse votre sensibilité. N'allez par acheter votre place au contrôle. On joue d'autres choses ailleurs. Il n'y a pas obligation. Nous ne sommes pas à la radio ou à la télévision. » Si nous commençons à admettre le critère dont vous avez parlé, nous devons écarter la moitié de la peinture gothique française, car le grand retable de Grünewald a été peint pour les pestiférés. Nous devons aussi écarter la totalité de l'œuvre de Goya ce qui sans doute n'est pas rien. Et je reviens à Baudelaire que j'évoquais à l'instant... »

Pour aller plus loin Malraux se demande en grand défenseurs quelle est la place de la subjectivité humaine dans la censure, la sensibilité est elle un argument valable ?C'est extraordinaire car en prenant son rôle au sérieux il rappelle à quel point il na aucun rôle à jouer dans l'interdiction de cette pièce ! Il laisse également flotter l'idée que les génie créateurs peuvent le devenir avec le temps et que le talent de l'un ou l'autre n'existe pas dans un temps éphémère de création artistique et de réception d'un spectacle auquel cas les grands génies n'auraient jamais été révélés au monde.

Le théâtre existe pour que les gens y retrouvent leur propre grandeur. Mais le théâtre de France n'est pas un théâtre où l'on ne joue que Les Paravents. C'est un théâtre ou l'on joue Les Paravents, mais entre le Pain dur de Claudel et les classiques, en attendant Shakespeare. Il ne s'agit plus du tout de savoir si on donne de l'argent pour jouer Les Paravents. Il s'agit de savoir si l'on doit ne jouer dans un théâtre de cette nature que des œuvres qui sont dans une certaine direction. Quand on parlait de théâtre subventionné, il y a un siècle, on parlait d'un théâtre d'exception. Or aujourd'hui la subvention s'adresse à presque tous les théâtres. Je ne parle pas de théâtres privés parisiens. Je parle des centres dramatiques. Si nous admettons une censure particulière pour le théâtre privé parisien, que nous ne subventionnons pas, nous l'aurons pour le théâtre privé de province; si nous admettons une censure pour les théâtres subventionnés parisiens, nous l'admettons pour tous les centres dramatiques, c'est-à-dire pour tout ce qui est le théâtre vivant en France.
« Je ne prétends nullement-je n'ai d'ailleurs pas à le prétendre- que M.Genet soit Baudelaire.S'il était Baudelaire, on ne le saurait pas. La preuve c'est qu'on ne savait pas que Baudelaire était un génie.Ce qui est certain, c'est que l'argument invoqué : « cela blesse ma sensibilité, on doit donc l'interdire », est un argument déraisonnable. L'argument raisonnable est le suivant : Cette pièce blesse votre sensibilité. N'allez par acheter votre place au contrôle. On joue d'autres choses ailleurs. Il n'y a pas obligation. Nous ne sommes pas à la radio ou à la télévision. » Si nous commençons à admettre le critère dont vous avez parlé, nous devons écarter la moitié de la peinture gothique française, car le grand retable de Grünewald a été peint pour les pestiférés. Nous devons aussi écarter la totalité de l'œuvre de Goya ce qui sans doute n'est pas rien. Et je reviens à Baudelaire que j'évoquais à l'instant... »

Pour aller plus loin Malraux se demande en grand défenseurs quelle est la place de la subjectivité humaine dans la censure, la sensibilité est elle un argument valable ?C'est extraordinaire car en prenant son rôle au sérieux il rappelle à quel point il na aucun rôle à jouer dans l'interdiction de cette pièce ! Il laisse également flotter l'idée que les génie créateurs peuvent le devenir avec le temps et que le talent de l'un ou l'autre n'existe pas dans un temps éphémère de création artistique et de réception d'un spectacle auquel cas les grands génies n'auraient jamais été révélés au monde.

Le théâtre existe pour que les gens y retrouvent leur propre grandeur. Mais le théâtre de France n'est pas un théâtre où l'on ne joue que Les Paravents. C'est un théâtre ou l'on joue Les Paravents, mais entre le Pain dur de Claudel et les classiques, en attendant Shakespeare. Il ne s'agit plus du tout de savoir si on donne de l'argent pour jouer Les Paravents. Il s'agit de savoir si l'on doit ne jouer dans un théâtre de cette nature que des œuvres qui sont dans une certaine direction. Quand on parlait de théâtre subventionné, il y a un siècle, on parlait d'un théâtre d'exception. Or aujourd'hui la subvention s'adresse à presque tous les théâtres. Je ne parle pas de théâtres privés parisiens. Je parle des centres dramatiques. Si nous admettons une censure particulière pour le théâtre privé parisien, que nous ne subventionnons pas, nous l'aurons pour le théâtre privé de province; si nous admettons une censure pour les théâtres subventionnés parisiens, nous l'admettons pour tous les centres dramatiques, c'est-à-dire pour tout ce qui est le théâtre vivant en France.
Malraux rappelle ensuite que le théâtre subventionné a évolué avec le temps et que remettre en cause le fait de subventionner les théâtres en fonction de tel ou tel projet programmé reviendrait à reculer sur les avancées du spectacle vivant qui ont été acquises avec le temps.

« C'est pourquoi on ne peut s'engager dans une telle voie qu'avec une extreme prudence et je ne supprimerai pas pour rien la liberté des théâtres subventionnés. J'insiste sur les mots « pour rien », car si nous interdisons Les Paravents, ils seront rejoués demain, non pas trois fois mais cinq cents fois. Nous aurons à la rigueur prononcé un excellent discours et prouvé que nous étions capables de prendre une mesure d'interdiction, mais en fait nous n'aurons rien interdit du tout. L'essentiel n'est pas de savoir ce que nous pourrons faire de trois mille francs de subvention mais de savoir ce qu'on interdira ou non, de savoir quelle gloire sera donnée par l'interdiction à une pièce dont on veut minimiser la portée par une opération de gribouille. Je ne crois pas que ce soit urgent. En fait nous n'autorisons pas Les Paravents pour ce que vous leur reprochez et qui peut être légitime, nous les autorisons malgré ce que vous leur reprochez, comme nous admirons Baudelaire pour la fin d'une Charogne et non pas pour la description du mort. » 6.

C'est encore la grandeur du rôle de l'état qui est ici en jeu. Interdire entraine des conséquences et en comparant ces conséquences on y perd plus que ce que l'on croyait gagner en dignité.

Ce discours édifiant et profond nous permet de voir à quel point le politique se mêle d'une part très cruciale des enjeux de société au théâtre. La fonction du spectacle qui à l'origine dénonce l'absurdité de la guerre dépasse malgré elle cette dénonciation car le climat politique de l'époque reste très tendu.

Notes:

6. André Malraux, Intervention à l'Assemblée Nationale, 27 octobre 1966.
Malraux rappelle ensuite que le théâtre subventionné a évolué avec le temps et que remettre en cause le fait de subventionner les théâtres en fonction de tel ou tel projet programmé reviendrait à reculer sur les avancées du spectacle vivant qui ont été acquises avec le temps.

« C'est pourquoi on ne peut s'engager dans une telle voie qu'avec une extreme prudence et je ne supprimerai pas pour rien la liberté des théâtres subventionnés. J'insiste sur les mots « pour rien », car si nous interdisons Les Paravents, ils seront rejoués demain, non pas trois fois mais cinq cents fois. Nous aurons à la rigueur prononcé un excellent discours et prouvé que nous étions capables de prendre une mesure d'interdiction, mais en fait nous n'aurons rien interdit du tout. L'essentiel n'est pas de savoir ce que nous pourrons faire de trois mille francs de subvention mais de savoir ce qu'on interdira ou non, de savoir quelle gloire sera donnée par l'interdiction à une pièce dont on veut minimiser la portée par une opération de gribouille. Je ne crois pas que ce soit urgent. En fait nous n'autorisons pas Les Paravents pour ce que vous leur reprochez et qui peut être légitime, nous les autorisons malgré ce que vous leur reprochez, comme nous admirons Baudelaire pour la fin d'une Charogne et non pas pour la description du mort. » 6.

C'est encore la grandeur du rôle de l'état qui est ici en jeu. Interdire entraine des conséquences et en comparant ces conséquences on y perd plus que ce que l'on croyait gagner en dignité.

Ce discours édifiant et profond nous permet de voir à quel point le politique se mêle d'une part très cruciale des enjeux de société au théâtre. La fonction du spectacle qui à l'origine dénonce l'absurdité de la guerre dépasse malgré elle cette dénonciation car le climat politique de l'époque reste très tendu.

Notes:

6. André Malraux, Intervention à l'Assemblée Nationale, 27 octobre 1966.
Cependant, en 2021 lorsqu'il s'agit de monter des spectacles concernant l'Algérie, et la question de la colonisation, nous sommes constamment face à des débats houleux. Ils ne provoquent peut être plus le scandale de cette façon, et nous n'avons certes pas devant les salles de spectacles des partisans interdisant le sujet de se raconter. En revanche, force est de constater que les opposants restent les mêmes. C'est la un étrange signal, les luttes extrémistes se transmettent et avec elles les incompréhensions liées à tant de souffrance. Genet devrait être monté dix cent fois comme disait Barrault car l'idée même d'évoquer les événements de cette guerre ou les conséquences que ceux ci déclenchent aujourd'hui à savoir l'impossibilité de la construction d'un récit narratif par exemple pour les jeunes générations algériennes vivant en France. En raison d'un déficit de représentation historique et littéraire sur les plateaux de théâtre, le dialogue ainsi que le déliement de la parole reste effrayant pour nos acteurs sociaux, nos directeurs de théâtre ainsi que pour les corps enseignants. Alors que la pièce de Genet n'est même pas connu par les jeunes générations, et que les références liées à leur histoire sont absentes de l'enseignement et du récit commun français. Ce qu'on peut donc constater est que la réaction si brulante des extrêmes prenant à bras le corps la question de l'identité française qui se sent attaquée. Il y aurait une identité française à laquelle on ne touche pas. Et bien gardée.

Il y a pourtant une évolution un changement qui aurait conforter Malraux sur le rôle de la culture et son soutien stratégique de l'état. Si ce soutien est souvent une façon pour les artistes de se positionner (souvent contre) il reste que concernant des sujets d'oppression ou ceux liés à la colonisation, certains hommes politiques ont réussi à intégrer ces récits dans l'imaginaire français. Concernant la colonisation ou l'identité, il y a eu des hommes politiques qui ont oeuvré davantage comparativement aux hommes de lettres. Aujourd'hui faire de l'Art appartient à tous et toutes et si cela fait scandale cela appartient aux opposants de l'universalité de création. Aussi sans le soutien de l'état certain sujets dit scandaleux ne peuvent être défendus. Seul l'état peut défendre ces projets artistiques, car le théâtre politique et engagé ne peut se faire sans son pardon ou ce qu'il a osé délier. Nous pouvons affirmer que certains scandales donc ont besoin du grand récit commun français pour se libérer.
Cependant, en 2021 lorsqu'il s'agit de monter des spectacles concernant l'Algérie, et la question de la colonisation, nous sommes constamment face à des débats houleux. Ils ne provoquent peut être plus le scandale de cette façon, et nous n'avons certes pas devant les salles de spectacles des partisans interdisant le sujet de se raconter. En revanche, force est de constater que les opposants restent les mêmes. C'est la un étrange signal, les luttes extrémistes se transmettent et avec elles les incompréhensions liées à tant de souffrance. Genet devrait être monté dix cent fois comme disait Barrault car l'idée même d'évoquer les événements de cette guerre ou les conséquences que ceux ci déclenchent aujourd'hui à savoir l'impossibilité de la construction d'un récit narratif par exemple pour les jeunes générations algériennes vivant en France. En raison d'un déficit de représentation historique et littéraire sur les plateaux de théâtre, le dialogue ainsi que le déliement de la parole reste effrayant pour nos acteurs sociaux, nos directeurs de théâtre ainsi que pour les corps enseignants. Alors que la pièce de Genet n'est même pas connu par les jeunes générations, et que les références liées à leur histoire sont absentes de l'enseignement et du récit commun français. Ce qu'on peut donc constater est que la réaction si brulante des extrêmes prenant à bras le corps la question de l'identité française qui se sent attaquée. Il y aurait une identité française à laquelle on ne touche pas. Et bien gardée.

Il y a pourtant une évolution un changement qui aurait conforter Malraux sur le rôle de la culture et son soutien stratégique de l'état. Si ce soutien est souvent une façon pour les artistes de se positionner (souvent contre) il reste que concernant des sujets d'oppression ou ceux liés à la colonisation, certains hommes politiques ont réussi à intégrer ces récits dans l'imaginaire français. Concernant la colonisation ou l'identité, il y a eu des hommes politiques qui ont oeuvré davantage comparativement aux hommes de lettres. Aujourd'hui faire de l'Art appartient à tous et toutes et si cela fait scandale cela appartient aux opposants de l'universalité de création. Aussi sans le soutien de l'état certain sujets dit scandaleux ne peuvent être défendus. Seul l'état peut défendre ces projets artistiques, car le théâtre politique et engagé ne peut se faire sans son pardon ou ce qu'il a osé délier. Nous pouvons affirmer que certains scandales donc ont besoin du grand récit commun français pour se libérer.
B Interview de Jean Louis Barrault Le 3 mai 65 par Michel Droit
(intervieweur de De Gaulle)annexe 1

Est ce qu'un metteur en scène choisit le scandale ? A t-il conscience des réactions a venir ? Ce sont les questions que Michel droit creuse avec Jean Louis Barrault avouant sans détour à quel point de colère et de transgression Genet se trouvait, décrit comme une personne qui règle ses comptes avec la société, une écriture d'un genre agressif. C'est intéressant d'avancer l'idée que par transposition le scandale vient d'une révolte profonde qu'un metteur en scène peut déjà reconnaitre chez un auteur de théâtre vivant. Ce qui est vivant est la vibration de cette révolte. et pour aller plus loin c'est cette liberté de création qui rend possible la transformation de cette colère en un outil puissant poétique et universel. Jean Louis Barrault nous rappelle comme cette liberté de l'auteur, cette liberté du metteur, de l'acteur ne doit pas être remise en cause et donc la liberté du spectateur non plus. Il est libre d'aimer ou non le propos. En revanche dit il, cela est vrai dans une certaine mesure. Celle où il ne transforme pas lui même l'oeuvre en acte politique. Pour lui la pièce parle de misère et de mort et non de l'insulte au peuple français. Les paravents sont un exemple historique interessant car le contexte de l'époque reste très déterminant comme le disait Diane Scott. Un contexte ou l'insulte aux morts et particulièrement ceux qui se sont battus à la guerre ne supporte aucune analyse ou distance. Jean Louis Barrault a l'intelligence de rappeler que les morts sont toujours insultés. Pour lui les légionnaires des Paravents ont un Language cru et ce n'est pas de la dérision ni de la critique de les décrire ainsi, cela aurait été déshonorant de les décrire autrement. Cette France colonialiste ne supporte pas la critique et c'est la que le projet est pertinent, une fois de plus Genet poète universel ne se contente pas de diviser des camps et d'en préférer un, il vise autant les colons que le nationalisme des algériens et la pièce ferait tout autant scandale en Algérie. Voici enfin les mots résonnant encore terriblement aujourd'hui de Jean Louis Barrault:

> Il est aussi délicat de jouer Les Paravents de Genet dans une certaine Algérie que dans une certaine France. Mais il y a un endroit où Les Paravents de Genet doivent être joués, c'est dans un théâtre, car le théâtre est un Etat indépendant qui devrait être reconnu à l'ONU, et qui est la gloire et l'honneur de l'humanité, qu'il y ait tout à coup, dans la géographie de la Terre, des endroits de 100m2 où la liberté est absolue et où la justice est mise en question, c'est à l'honneur de l'humanité. C'est ça le théâtre.

Notes:

Annexe 17. Format court - Vidéo - Magazine Date de diffusion :03 mai 1966

Source : ORTF (Collection: A propos )Oeuvre(s) Les Paravents (Jean Genet - Auteur / Jean-Louis Barrault - Mise en scène)
B Interview de Jean Louis Barrault Le 3 mai 65 par Michel Droit
(intervieweur de De Gaulle)annexe 1

Est ce qu'un metteur en scène choisit le scandale ? A t-il conscience des réactions a venir ? Ce sont les questions que Michel droit creuse avec Jean Louis Barrault avouant sans détour à quel point de colère et de transgression Genet se trouvait, décrit comme une personne qui règle ses comptes avec la société, une écriture d'un genre agressif. C'est intéressant d'avancer l'idée que par transposition le scandale vient d'une révolte profonde qu'un metteur en scène peut déjà reconnaitre chez un auteur de théâtre vivant. Ce qui est vivant est la vibration de cette révolte. et pour aller plus loin c'est cette liberté de création qui rend possible la transformation de cette colère en un outil puissant poétique et universel. Jean Louis Barrault nous rappelle comme cette liberté de l'auteur, cette liberté du metteur, de l'acteur ne doit pas être remise en cause et donc la liberté du spectateur non plus. Il est libre d'aimer ou non le propos. En revanche dit il, cela est vrai dans une certaine mesure. Celle où il ne transforme pas lui même l'oeuvre en acte politique. Pour lui la pièce parle de misère et de mort et non de l'insulte au peuple français. Les paravents sont un exemple historique interessant car le contexte de l'époque reste très déterminant comme le disait Diane Scott. Un contexte ou l'insulte aux morts et particulièrement ceux qui se sont battus à la guerre ne supporte aucune analyse ou distance. Jean Louis Barrault a l'intelligence de rappeler que les morts sont toujours insultés. Pour lui les légionnaires des Paravents ont un Language cru et ce n'est pas de la dérision ni de la critique de les décrire ainsi, cela aurait été déshonorant de les décrire autrement. Cette France colonialiste ne supporte pas la critique et c'est la que le projet est pertinent, une fois de plus Genet poète universel ne se contente pas de diviser des camps et d'en préférer un, il vise autant les colons que le nationalisme des algériens et la pièce ferait tout autant scandale en Algérie. Voici enfin les mots résonnant encore terriblement aujourd'hui de Jean Louis Barrault:

> Il est aussi délicat de jouer Les Paravents de Genet dans une certaine Algérie que dans une certaine France. Mais il y a un endroit où Les Paravents de Genet doivent être joués, c'est dans un théâtre, car le théâtre est un Etat indépendant qui devrait être reconnu à l'ONU, et qui est la gloire et l'honneur de l'humanité, qu'il y ait tout à coup, dans la géographie de la Terre, des endroits de 100m2 où la liberté est absolue et où la justice est mise en question, c'est à l'honneur de l'humanité. C'est ça le théâtre.

Notes:

Annexe 17. Format court - Vidéo - Magazine Date de diffusion :03 mai 1966

Source : ORTF (Collection: A propos )Oeuvre(s) Les Paravents (Jean Genet - Auteur / Jean-Louis Barrault - Mise en scène)
# Chapitre DEUX

## Le scandale du point de vue organique des spectateurs

## Qu la sacralité de La religion et du corps.

### I/ Sur le concept du visage du fils de Dieu de Romeo Castellucci

A) Quand le scandale touche au corps il fait corps.

B) Extrait de conference de presse Castellucci du 19 juillet 2011.

C) Le délit de blasphème.

### B/ Rodrigo Garcia Accidens et Golgota Picnic

A) Un parcours aux scandales politico médiatiques.

B) Accidens.

C) Le débat sur la liberté d'expression: L'affaire Golgota Picnic.
# Chapitre DEUX

## Le sandale du point de vue organique des spectateurs

## Qu la sacralité de La religion et du corps.

### I/ Sur le concept du visage du fils de Dieu de Romeo Castellucci

A) Quand le scandale touche au corps il fait corps.

B) Extrait de conference de presse Castellucci du 19 juillet 2011.

C) Le délit de blasphème.

### B/ Rodrigo Garcia Accidens et Golgota Picnic

A) Un parcours aux scandales politico médiatiques.

B) Accidens.

C) Le débat sur la liberté d'expression: L'affaire Golgota Picnic.
# I/ Sur le concept du visage du fils de Dieu de Romeo Castellucci

## A/Quand le scandale touche au corps il fait corps

Pour exemple les Pièces de Castellucci sont souvent considérées comme « provocatrices » par leur forme et leur contenu. Le spectacle créé et présenté au festival d'Avignon 2011, intitulé Sul concetto di volto nel figlio di Dio, en français : Sur le concept du visage du fils de Dieu en a été le témoignage le plus parlant.

Considéré comme «blasphématoire» par des mouvements intégristes, le spectacle a suscité de très violentes manifestations à Paris, à Avignon et partout où il a tourné.

Sur scène un père, très vieil homme, en peignoir. Son fils s'apprête à partir au travail.

Le vieil homme est incontinent. Trois fois, le fils, avec une patience infinie, va le changer tandis que ce père, à la fin, sanglote, dans un mouvement de désespoir et d'abandon, il va souiller complètement le lit et l'espace de jeu. Le fils se réfugie au pied de l'image. C'est un spectacle sur un père et son fils et la relation tendre entre ces deux entités.

Dès le début, ce spectacle impose la présence d'un visage sur-dimensionné : le portrait du Christ intitulé Salvator Mundi, reproduction agrandie sur toile du tableau de Antonello Da Messina, peintre de la Renaissance italienne, regardant fixement la salle. Le reste de l'atmosphère est clinique.

Castellucci, explicite dans le programme du festival d'Avignon cette métaphore biblique : « la perte de substance, la perte de soi que caractérise cette incessante défécation du vieil homme et qui est à mettre en regard avec la perte de sa divinité par le Christ pour intégrer un corps d'homme, ce qui passe par la kenosis, du verbe grec « kénoô » signifiant se vider. Tout ceci se passe dans un temps très long. Cette lenteur impose un moment d'arrêt une mise en conscience.

À la fin de cette première scène, le vieillard répandra un bidon de liquide excrémentiel sur le lit et le sol. Mais c'est bien l'autre séquence fascinante en soi qui est considérée comme blasphématoire: Dans l'espace scénique presquevidé de ses meubles par les deux techniciens vêtus de noir, un enfant entre avec un sac à dos et en sort des jouets en forme de grenades. Il les jette au visage du Christ, sur des sons d'explosions. D'autres enfants entrent en scène et font de même : les bombes, loin d'altérer l'image du Christ, retombent au sol qui semble alors jonché de crottes. Pour Romeo Castellucci, cette scène, inspirée par une photographie de Diane Arbus intitulée

« *L'enfant à la grenade de Central Park* » (1962), ne serait pas un geste iconoclaste mais une forme de prière au travers de l'innocence d'un enfant et de jouets dépourvus de tout réalisme.

Le visage du Christ est déformé par des mains et des pieds qui poussent la toile de l'intérieur.
# I/ Sur le concept du visage du fils de Dieu de Romeo Castellucci

## A/Quand le scandale touche au corps il fait corps

Pour exemple les Pièces de Castellucci sont souvent considérées comme « provocatrices » par leur forme et leur contenu. Le spectacle créé et présenté au festival d'Avignon 2011, intitulé Sul concetto di volto nel figlio di Dio, en français : Sur le concept du visage du fils de Dieu en a été le témoignage le plus parlant.

Considéré comme «blasphématoire» par des mouvements intégristes, le spectacle a suscité de très violentes manifestations à Paris, à Avignon et partout où il a tourné.

Sur scène un père, très vieil homme, en peignoir. Son fils s'apprête à partir au travail.

Le vieil homme est incontinent. Trois fois, le fils, avec une patience infinie, va le changer tandis que ce père, à la fin, sanglote, dans un mouvement de désespoir et d'abandon, il va souiller complètement le lit et l'espace de jeu. Le fils se réfugie au pied de l'image. C'est un spectacle sur un père et son fils et la relation tendre entre ces deux entités.

Dès le début, ce spectacle impose la présence d'un visage sur-dimensionné : le portrait du Christ intitulé Salvator Mundi, reproduction agrandie sur toile du tableau de Antonello Da Messina, peintre de la Renaissance italienne, regardant fixement la salle. Le reste de l'atmosphère est clinique.

Castellucci, explicite dans le programme du festival d'Avignon cette métaphore biblique : « la perte de substance, la perte de soi que caractérise cette incessante défécation du vieil homme et qui est à mettre en regard avec la perte de sa divinité par le Christ pour intégrer un corps d'homme, ce qui passe par la kenosis, du verbe grec « kénoô » signifiant se vider. Tout ceci se passe dans un temps très long. Cette lenteur impose un moment d'arrêt une mise en conscience.

À la fin de cette première scène, le vieillard répandra un bidon de liquide excrémentiel sur le lit et le sol. Mais c'est bien l'autre séquence fascinante en soi qui est considérée comme blasphématoire: Dans l'espace scénique presque vidé de ses meubles par les deux techniciens vêtus de noir, un enfant entre avec un sac à dos et en sort des jouets en forme de grenades. Il les jette au visage du Christ, sur des sons d'explosions. D'autres enfants entrent en scène et font de même : les bombes, loin d'altérer l'image du Christ, retombent au sol qui semble alors jonché de crottes. Pour Romeo Castellucci, cette scène, inspirée par une photographie de Diane Arbus intitulée

« *L'enfant à la grenade de Central Park* » (1962), ne serait pas un geste iconoclaste mais une forme de prière au travers de l'innocence d'un enfant et de jouets dépourvus de tout réalisme.

Le visage du Christ est déformé par des mains et des pieds qui poussent la toile de l'intérieur.
Castellucci invoque sa conception du théâtre et de sa fonction politique : l'artiste italien réfute toute intention de profaner une image sainte.

Il s'oppose au flux ininterrompu des images télévisuelles par la création d'images différentes.

Il ne ne délivre aucun message, ni aucune communication politique, publicitaire ou autre.

« Je fais un théâtre de questionnement, de l'inquiétude, qui joue sur l'ambiguïté. Et tout est ambigu dans « Sur le concept du visage du fils de Dieu » : Jésus, la merde, qui est aussi de la lumière... Ce que je cherche c'est à fendre en deux la conscience, à ouvrir une blessure pour que les questions puissent entrer profondément en nous. L'art repose entièrement sur cette condition de poser des problèmes, sinon il est purement décoratif.

(Propos recueillis par Fabienne Darge. Le Monde, 26/10/2011) 1.

Selon Olivier Neveux, Ce type de théâtre confronterait les spectateurs à l'impossibilité de déchiffrer les éléments dé-dialectisés des images scéniques, les condamnant à la surface des choses et à leurs perceptions propres rendues de facto « en puissance et en valeur, équivalentes et interchangeables, toutes légitimes. »

Tout ce qui s'est produit autour du spectacle a conduit à questionner les vérités.Il n'y a plus eu dès lors « d'indifférenciation et d'interchangeabilité des opinions » sur la réception de cette oeuvre, mais bien une quête de sens collectif, l'élaboration d'une pensée et d'une réflexion sur l'homme dans sa relation avec l'autre.

Si Romeo Castellucci rejette le terme de provocation, il semble actionner cependant tous les leviers d'un appel au spectateur mettant le regard en éveil et la sensibilité en mouvement.

Roméo Castellucci déclare, dans Télérama, qu'il préfère le mot scandale (idée d'arrêt et de mise en conscience,) au mot provocation (qui relèverait d'une intention insidieuse et manipulatoire), au sens grec de petit caillou qui fait trébucher.

2. Telerema

Le terme provocation dans son sens étymologique signifie faire appel en citant une émotion.Pour Rodrigo Garcia, metteur en scène argentin, il s'agit de création de « confusion chez le public »

Pour les deux metteurs en scène le but est de renouveler le language et de toucher le public.

Notes:

1. (Propos recueillis par Fabienne Darge. Le Monde, 26/10/2011)

2. Telerema par Fabienne Pascaud
Castellucci invoque sa conception du théâtre et de sa fonction politique : l'artiste italien réfute toute intention de profaner une image sainte.

Il s'oppose au flux ininterrompu des images télévisuelles par la création d'images différentes.

Il ne ne délivre aucun message, ni aucune communication politique, publicitaire ou autre.

« Je fais un théâtre de questionnement, de l'inquiétude, qui joue sur l'ambiguïté. Et tout est ambigu dans « Sur le concept du visage du fils de Dieu » : Jésus, la merde, qui est aussi de la lumière... Ce que je cherche c'est à fendre en deux la conscience, à ouvrir une blessure pour que les questions puissent entrer profondément en nous. L'art repose entièrement sur cette condition de poser des problèmes, sinon il est purement décoratif.

(Propos recueillis par Fabienne Darge. Le Monde, 26/10/2011) 1.

Selon Olivier Neveux, Ce type de théâtre confronterait les spectateurs à l'impossibilité de déchiffrer les éléments dé-dialectisés des images scéniques, les condamnant à la surface des choses et à leurs perceptions propres rendues de facto « en puissance et en valeur, équivalentes et interchangeables, toutes légitimes. »

Tout ce qui s'est produit autour du spectacle a conduit à questionner les vérités.Il n'y a plus eu dès lors « d'indifférenciation et d'interchangeabilité des opinions » sur la réception de cette oeuvre, mais bien une quête de sens collectif, l'élaboration d'une pensée et d'une réflexion sur l'homme dans sa relation avec l'autre.

Si Romeo Castellucci rejette le terme de provocation, il semble actionner cependant tous les leviers d'un appel au spectateur mettant le regard en éveil et la sensibilité en mouvement.

Roméo Castellucci déclare, dans Télérama, qu'il préfère le mot scandale (idée d'arrêt et de mise en conscience,) au mot provocation (qui relèverait d'une intention insidieuse et manipulatoire), au sens grec de petit caillou qui fait trébucher.

2. Telerema

Le terme provocation dans son sens étymologique signifie faire appel en citant une émotion.Pour Rodrigo Garcia, metteur en scène argentin, il s'agit de création de « confusion chez le public »

Pour les deux metteurs en scène le but est de renouveler le language et de toucher le public.

Notes:

1. (Propos recueillis par Fabienne Darge. Le Monde, 26/10/2011)

2. Telerema par Fabienne Pascaud
B/Extrait de Conférence de presse Castellucci du 19 juillet 2011(annexe 2)

Ce qui percute lorsque Castellucci s'exprime c'est son rapport à la réalité, plus précisément d'un combat avec la réalité. On commence le spectacle dans le réel pour avancer vers l'irréel ? C'est ce choc qui induit chez le spectateur la teneur insoutenable de ses spectacles et particulièrement le fait ou l'impossibilité d'accepter notre propre mort. Il utilise la matière comme un abime épouvantable, voir la propre déchéance d'un homme dans ses excrément de la façon la plus intime, dans la relation avec son fils est une scène de vie quotidienne universellement reconnue. Mais l'ajout supplémentaire du spectateur intime de cette relation est bien le point crucial de ce long moment étiré dans le temps, on se retrouve vu et regardé par le Christ imposant, fixant le propre miroir de nos obscurs secrets.

La position voyeuriste de cette relation ajoute à cette scène le tragique du tableau.

C'est à la nationale galerie de Londres qu'il ressent ce sentiment devant ce tableau. Se sentir vu et saisi par ce regard. On est pris par l'oeil du Christ. Ce qui est frappant dans ce raconte Castellucci et qui est aussi émouvant au possible, c'est son retour sur la notion de tendresse entre un père et un fils qui s'occupe de lui. Le mouvement logique circulaire de retour aux choses de la nature, rendre à l'amour l'amour du père qui demande pardon à son fils. C'est une transposition totale de la bible ou l'on imagine la faiblesse du créateur face à la créature. Cette pensée selon laquelle, dans cette relation scénique une humanité est possible. Une chair également. C'est une relation crue entre un créateur et sa créature. Et dans cette possible transposition humaine de la relation à Dieu peut se jouer les colères les défaites les chutes et les désespoirs.

Ce choc là, peut bouleverser mais de la à provoquer scandale. Alors comment en arrive t-on à l'insupportable ? Sans doute le tableau détruit par les enfants, salissant l'image du Christ. Mais il nous rappelle le Purgatorio et sa violence. Cet endroit exact ou selon lui il y a l'amour total. Pour lui il ne s'agit pas de blasphème mais d'un appel.

D'un appel d'amour. Pour les opposants il s'agit d'un délit de blasphème.
## B/Extrait de Conférence de presse Castellucci du 19 juillet 2011(annexe 2)

Ce qui percute lorsque Castellucci s'exprime c'est son rapport à la réalité, plus précisément d'un combat avec la réalité. On commence le spectacle dans le réel pour avancer vers l'irréel ? C'est ce choc qui induit chez le spectateur la teneur insoutenable de ses spectacles et particulièrement le fait ou l'impossibilité d'accepter notre propre mort. Il utilise la matière comme un abime épouvantable, voir la propre déchéance d'un homme dans ses excrément de la façon la plus intime, dans la relation avec son fils est une scène de vie quotidienne universellement reconnue. Mais l'ajout supplémentaire du spectateur intime de cette relation est bien le point crucial de ce long moment étiré dans le temps, on se retrouve vu et regardé par le Christ imposant, fixant le propre miroir de nos obscurs secrets.

La position voyeuriste de cette relation ajoute à cette scène le tragique du tableau.

C'est à la nationale galerie de Londres qu'il ressent ce sentiment devant ce tableau. Se sentir vu et saisi par ce regard. On est pris par l'oeil du Christ. Ce qui est frappant dans ce raconte Castellucci et qui est aussi émouvant au possible, c'est son retour sur la notion de tendresse entre un père et un fils qui s'occupe de lui. Le mouvement logique circulaire de retour aux choses de la nature, rendre à l'amour l'amour du père qui demande pardon à son fils. C'est une transposition totale de la bible ou l'on imagine la faiblesse du créateur face à la créature. Cette pensée selon laquelle, dans cette relation scénique une humanité est possible. Une chair également. C'est une relation crue entre un créateur et sa créature. Et dans cette possible transposition humaine de la relation à Dieu peut se jouer les colères les défaites les chutes et les désespoirs.

Ce choc là, peut bouleverser mais de la à provoquer scandale. Alors comment en arrive t-on à l'insupportable ? Sans doute le tableau détruit par les enfants, salissant l'image du Christ. Mais il nous rappelle le Purgatorio et sa violence. Cet endroit exact ou selon lui il y a l'amour total. Pour lui il ne s'agit pas de blasphème mais d'un appel.

D'un appel d'amour. Pour les opposants il s'agit d'un délit de blasphème.
### C) Le délit de blasphème

Les deux dernières scènes, qui mettent en contact les éléments excrémentiels (même fictifs) et le visage du Christ ont été considérées comme blasphématoires et ont éveillé l'indignation d'un certain public et la fureur des extrémistes catholiques.

On a pu observer des bagarres de spectateurs indignés en Avignon mais aussi à Paris. Les jours qui ont suivit les manifestations on a pu voir également quelques personnes s'agenouiller devant le théâtre.

Des intégristes catholiques ont réclamé l'interdiction lors de sa représentation au théâtre de la ville de Paris. Ce sont des intégristes de l'église Saint-Nicolas-du-Chardonnet (Civitas).

Les banderoles disaient : « La France est chrétienne et doit le rester.» les catholiques qui ont protesté pendant une dizaine de jours contre le spectacle de Romeo Castellucci font l'objet d'une attention policière toute particulière. À plusieurs reprises, la représentation de « Sur le concept du visage du fils de Dieu » a déjà été interrompue en raison d'incidents.

Deux manifestants ont même été interceptés sur un balcon du théâtre alors qu'ils s'apprêtaient à asperger le site à l'aide de deux bidons d'huile de vidange.

Ce spectacle a réveillé les débats sur la liberté de l'expression artistique, dans une époque trop consensuelle mais aussi des violences et des prises de positions qui n'en ont pas moins altéré la fréquentation. Dans un des documentaires on peut voir la foule se précipiter des le lendemain de la manifestation devant le théâtre de la rose des vents à Villeneuve d'Asq. On peut entendre des prises de positions interessantes comme celle de Frère Thierry Hubert.Passionné de théâtre et défendant sans relâche le droit de représentation des bousculements des images de foi. Quand on y pense, le théâtre avait une visée profondément déroutante pour l'église, et voir les liens entre le christianisme et le théâtre souvent perçu comme des lieux de mémoire opposés est assez troublant. Grâce à ces scandales finalement on a des metteurs en scènes profondément et surtout bouleversés dans leur questionnement face à l'univers et à la spiritualité de la matière et du sacré. Et on a des croyants qui au milieu de ces radicalités soutiennent la libre création artistique contemporaine.
### C) Le délit de blasphème

Les deux dernières scènes, qui mettent en contact les éléments excrémentiels (même fictifs) et le visage du Christ ont été considérées comme blasphématoires et ont éveillé l'indignation d'un certain public et la fureur des extrémistes catholiques.

On a pu observer des bagarres de spectateurs indignés en Avignon mais aussi à Paris. Les jours qui ont suivit les manifestations on a pu voir également quelques personnes s'agenouiller devant le théâtre.

Des intégristes catholiques ont réclamé l'interdiction lors de sa représentation au théâtre de la ville de Paris. Ce sont des intégristes de l'église Saint-Nicolas-du-Chardonnet (Civitas).

Les banderoles disaient : « La France est chrétienne et doit le rester.» les catholiques qui ont protesté pendant une dizaine de jours contre le spectacle de Romeo Castellucci font l'objet d'une attention policière toute particulière. À plusieurs reprises, la représentation de « Sur le concept du visage du fils de Dieu » a déjà été interrompue en raison d'incidents.

Deux manifestants ont même été interceptés sur un balcon du théâtre alors qu'ils s'apprêtaient à asperger le site à l'aide de deux bidons d'huile de vidange.

Ce spectacle a réveillé les débats sur la liberté de l'expression artistique, dans une époque trop consensuelle mais aussi des violences et des prises de positions qui n'en ont pas moins altéré la fréquentation. Dans un des documentaires on peut voir la foule se précipiter des le lendemain de la manifestation devant le théâtre de la rose des vents à Villeneuve d'Asq. On peut entendre des prises de positions interessantes comme celle de Frère Thierry Hubert.Passionné de théâtre et défendant sans relâche le droit de représentation des bousculements des images de foi. Quand on y pense, le théâtre avait une visée profondément déroutante pour l'église, et voir les liens entre le christianisme et le théâtre souvent perçu comme des lieux de mémoire opposés est assez troublant. Grâce à ces scandales finalement on a des metteurs en scènes profondément et surtout bouleversés dans leur questionnement face à l'univers et à la spiritualité de la matière et du sacré. Et on a des croyants qui au milieu de ces radicalités soutiennent la libre création artistique contemporaine.
Dans cette oeuvre il y a le regard, on est vu et on voit pour déclencher un effet sur l'écoulement du temps. Roméo Catellucci se retrouve visé par une plainte à Strasbourg (maillon) après la représentation l'association l'avenir de la culture évoque l'art 166 du droit local d'Alsace-Moselle, qui dispose:

> Celui qui cause un scandale en blasphémant publiquement contre Dieu par des propos outrageants ou qui outrage publiquement un des cultes chrétiens ou une communauté religieuse établie sur le territoire, et reconnue comme corporation, ou les institutions ou cérémonies de ces cultes, ou qui, dans une église ou un autre lieu consacré à des assemblées religieuses, commet des actes injurieux et scandaleux, est puni d'un emprisonnement de trois ans au plus. »Le maire de Strasbourg et le préfet du Bas-Rhin sont accusés de complicité.

Les catholiques intégristes avaient déjà provoqué des troubles lors des représentations parisiennes de la pièce. Gérard Ducrey, conseil de l'association, explique que recouvrir le visage du Christ d'une représentation d'excréments constitue un blasphème. Et puisqu'il s'agit d'un délit dans le droit local d'Alsace-Moselle, alors selon lui le procureur de la République doit se saisir de l'affaire :

> Notre plainte vise ceux qui ont commis ce blasphème, mais aussi ceux qui, sciemment, l'ont laissé se produire. Je pense notamment au maire de Strasbourg et au préfet du Bas-Rhin, que nous avons alertés sur ce qu'il était prévisible qu'il advienne au théâtre. Il appartient au procureur de la République de décider de l'opportunité des poursuites. Il s'agit d'un délit constitué dont la répression est prévue par la loi locale, nous ne demandons que l'application de la loi.

Certes, cet article du code pénal local existe bel et bien mais il n'a pas été utilisé dans un jugement définitif depuis au moins 1918, date à laquelle la France a récupéré l'Alsace et la Moselle et où le droit local a été traduit en français, selon Jean-Marie Wendling, président de l'institut du droit local.
Dans cette oeuvre il y a le regard, on est vu et on voit pour déclencher un effet sur l'écoulement du temps. Roméo Catellucci se retrouve visé par une plainte à Strasbourg (maillon) après la représentation l'association l'avenir de la culture évoque l'art 166 du droit local d'Alsace-Moselle, qui dispose:

> Celui qui cause un scandale en blasphémant publiquement contre Dieu par des propos outrageants ou qui outrage publiquement un des cultes chrétiens ou une communauté religieuse établie sur le territoire, et reconnue comme corporation, ou les institutions ou cérémonies de ces cultes, ou qui, dans une église ou un autre lieu consacré à des assemblées religieuses, commet des actes injurieux et scandaleux, est puni d'un emprisonnement de trois ans au plus. »Le maire de Strasbourg et le préfet du Bas-Rhin sont accusés de complicité.

Les catholiques intégristes avaient déjà provoqué des troubles lors des représentations parisiennes de la pièce. Gérard Ducrey, conseil de l'association, explique que recouvrir le visage du Christ d'une représentation d'excréments constitue un blasphème. Et puisqu'il s'agit d'un délit dans le droit local d'Alsace-Moselle, alors selon lui le procureur de la République doit se saisir de l'affaire :

> Notre plainte vise ceux qui ont commis ce blasphème, mais aussi ceux qui, sciemment, l'ont laissé se produire. Je pense notamment au maire de Strasbourg et au préfet du Bas-Rhin, que nous avons alertés sur ce qu'il était prévisible qu'il advienne au théâtre. Il appartient au procureur de la République de décider de l'opportunité des poursuites. Il s'agit d'un délit constitué dont la répression est prévue par la loi locale, nous ne demandons que l'application de la loi.

Certes, cet article du code pénal local existe bel et bien mais il n'a pas été utilisé dans un jugement définitif depuis au moins 1918, date à laquelle la France a récupéré l'Alsace et la Moselle et où le droit local a été traduit en français, selon Jean-Marie Wendling, président de l'institut du droit local.
Étonnamment un revirement de situation fait chavirer la décision dans le sens de Castellucci, selon l'église catholique de France, il n'y a pas blasphème. Nous ne la considérons pas comme blasphématoire car il n'y a pas de volonté de souiller le visage du Christ, il s'agit d'une mise en scène des souffrances de l'être humain... Ce qui est compatible avec la doctrine chrétienne, ainsi il n'est pas blasphématoire de crucifier Jésus. C'est vrai que cette pièce peut choquer certains fidèles, mais il faut alors expliquer le contexte plutôt que d'invoquer des textes obsolètes comme l'article 166.

Le directeur du théâtre du Maillon quant à lui affirmera son soutien indéfectible à Roméo Castellucci « Lorsque j'ai vu la pièce avant sa programmation, je n'ai pas pensé une seconde qu'elle pourrait donner lieu à de telles interprétations. Il n'y a ni blasphème, ni injure à la religion catholique. La pièce est victime d'une bande de personnes en mal de reconnaissance et d'audience qui ont trouvé là un point de ralliement commode, mais injustifiable. Nous sommes coproducteurs de ce spectacle, si Roméo Castellucci devait se défendre en justice, nous serions à ses côtés.

Mais qu'est ce que le blasphème et pourquoi refait il surface dans nos sociétés laïques ? La législation réussit elle à s'adapter au retour du religieux ?

En France le délit de blasphème est aboli en 1791. Le blasphème à l'origine est une insulte à Dieu mais avec le temps il est devenu une insulte à tout ce qui est sacré. On observe depuis les attentats du commerce cacher et celui de Charlie Hebdo, de Montrouge et de L'hyper cacher le retour d'une sensibilité à vif sur les sujets religieux. La question du scandale dans un monde en proie à une remise en perspective des symboliques, est très pertinente car elle remet en jeu également les socles sui permettent de mesurer une société. Les objets de colère ou plutôt la qualité des objets de colère qu'on offre à une jeunesse sont la seule façon de prendre la température d'une société. Que peut raconter de fait le miroir des attentats et le retour au délit de blasphème sinon une perte des repères et une perte des objets de lutte.
Étonnamment un revirement de situation fait chavirer la décision dans le sens de Castellucci, selon l'église catholique de France, il n'y a pas blasphème. Nous ne la considérons pas comme blasphématoire car il n'y a pas de volonté de souiller le visage du Christ, il s'agit d'une mise en scène des souffrances de l'être humain... Ce qui est compatible avec la doctrine chrétienne, ainsi il n'est pas blasphématoire de crucifier Jésus. C'est vrai que cette pièce peut choquer certains fidèles, mais il faut alors expliquer le contexte plutôt que d'invoquer des textes obsolètes comme l'article 166.

Le directeur du théâtre du Maillon quant à lui affirmera son soutien indéfectible à Roméo Castellucci « Lorsque j'ai vu la pièce avant sa programmation, je n'ai pas pensé une seconde qu'elle pourrait donner lieu à de telles interprétations. Il n'y a ni blasphème, ni injure à la religion catholique. La pièce est victime d'une bande de personnes en mal de reconnaissance et d'audience qui ont trouvé là un point de ralliement commode, mais injustifiable. Nous sommes coproducteurs de ce spectacle, si Roméo Castellucci devait se défendre en justice, nous serions à ses côtés.

Mais qu'est ce que le blasphème et pourquoi refait il surface dans nos sociétés laïques ? La législation réussit elle à s'adapter au retour du religieux ?

En France le délit de blasphème est aboli en 1791. Le blasphème à l'origine est une insulte à Dieu mais avec le temps il est devenu une insulte à tout ce qui est sacré. On observe depuis les attentats du commerce cacher et celui de Charlie Hebdo, de Montrouge et de L'hyper cacher le retour d'une sensibilité à vif sur les sujets religieux. La question du scandale dans un monde en proie à une remise en perspective des symboliques, est très pertinente car elle remet en jeu également les socles sui permettent de mesurer une société. Les objets de colère ou plutôt la qualité des objets de colère qu'on offre à une jeunesse sont la seule façon de prendre la température d'une société. Que peut raconter de fait le miroir des attentats et le retour au délit de blasphème sinon une perte des repères et une perte des objets de lutte.
Ce qui fait corps comme nous lavions déjà évoqué est que le scandale soude la communauté autour d'un ennemi commun, il ne divise pas. Dans le décryptage avec la spécialiste Anastasia Colosimo, autrice d'un essai intitulé *Les Bûchers de la liberté* (Stock, 2016)2, l'analyse du blasphème est devellopée avec beaucoup de pertinence. Elle va parler de la judiciarisation du blasphème et que des lors qu'il y a procès une victime doit témoigner. Dans ce cas la victime est Dieu. Or Dieu ne peut apparaître comme victime réelle au procès on parle de crime sans victime. Elle est alors construite politiquement. On condamne le blasphème, non pas parce que Dieu est touché mais parce qu'on estime que le blasphémateur met en péril la société. A l'origine dans les sociétés traditionnelles les dirigeants des sociétés ont souvent une autorité et légitimité de droit divin. Aussi il y a un rapport intime entre le fait d'insulter Dieu et d'insulter le Prince. Et donc lorsque le blasphème est condamné ce n'est pas tant au nom de Dieu mais au nom des hommes qui croient en cette vérité.

Nous pouvons citer quelques exemples qui nous permettent de comprendre les enjeux du scandale de blasphème beaucoup plus politique que religieux, pour rappel, le chevalier de la barre fut condamné par un tribunal civil alors que l'église demandait sa relaxe. C'est une idée très ancienne mais qui à notre époque provoque toujours autant de remous.

La Performeuse Deborah De Robertis se voit condamnée à une amende de 2 000 pour s'être montrée nue devant la grotte de Lourdes. Avant elle, de nombreux artistes de différents pays ont été condamnés par la justice pour des créations jugées sacrilèges. La récidiviste, déjà relaxée par le passé pour des performances dénudées au Louvre et à Orsay, affirme avoir voulu réunir à Lourdes deux figures bibliques, Marie « l'asexuée » et Marie-Madeleine la « trop sexuée », pour dénoncer les stéréotypes féminins véhiculés par la Religion.

Notes:

1. Le Monde des religions n° 83, juin 2017

2. *Les Bûchers de la liberté* (Stock, 2016)
Ce qui fait corps comme nous lavions déjà évoqué est que le scandale soude la communauté autour d'un ennemi commun, il ne divise pas. Dans le décryptage avec la spécialiste Anastasia Colosimo, autrice d'un essai intitulé *Les Bûchers de la liberté* (Stock, 2016)2, l'analyse du blasphème est devellopée avec beaucoup de pertinence. Elle va parler de la judiciarisation du blasphème et que des lors qu'il y a procès une victime doit témoigner. Dans ce cas la victime est Dieu. Or Dieu ne peut apparaître comme victime réelle au procès on parle de crime sans victime. Elle est alors construite politiquement. On condamne le blasphème, non pas parce que Dieu est touché mais parce qu'on estime que le blasphémateur met en péril la société. A l'origine dans les sociétés traditionnelles les dirigeants des sociétés ont souvent une autorité et légitimité de droit divin. Aussi il y a un rapport intime entre le fait d'insulter Dieu et d'insulter le Prince. Et donc lorsque le blasphème est condamné ce n'est pas tant au nom de Dieu mais au nom des hommes qui croient en cette vérité.

Nous pouvons citer quelques exemples qui nous permettent de comprendre les enjeux du scandale de blasphème beaucoup plus politique que religieux, pour rappel, le chevalier de la barre fut condamné par un tribunal civil alors que l'église demandait sa relaxe. C'est une idée très ancienne mais qui à notre époque provoque toujours autant de remous.

La Performeuse Deborah De Robertis se voit condamnée à une amende de 2 000 pour s'être montrée nue devant la grotte de Lourdes. Avant elle, de nombreux artistes de différents pays ont été condamnés par la justice pour des créations jugées sacrilèges. La récidiviste, déjà relaxée par le passé pour des performances dénudées au Louvre et à Orsay, affirme avoir voulu réunir à Lourdes deux figures bibliques, Marie « l'asexuée » et Marie-Madeleine la « trop sexuée », pour dénoncer les stéréotypes féminins véhiculés par la Religion.

## Notes:

1. Le Monde des religions n° 83, juin 2017

2. *Les Bûchers de la liberté* (Stock, 2016)
Dans le même sens il est pertinent d'évoquer la présence des féministes dans ce débat lié aux scandales puisque plusieurs d'entres elles vont se servir de ces codes de domination ou d'action pour renverser le pouvoir. En 2003, le tribunal régional de Gdansk, en Pologne, a condamné l'artiste Dorota Nieznalska à six mois de prison ferme, commués en peine de travaux d'utilité publique, pour injure aux sentiments religieux. La raison ? Son installation baptisée Pasja (« passion », en polonais). Présentée à la galerie Wyspa, à Gdansk, en 2002, celle-ci se composait d'une photo de cuisses et de parties génitales masculines intégrées à une croix gréco-romaine accompagnée d'une vidéo filmant un sportif en train de soulever des haltères. Les recours en justice et le tollé international suscité par la sentence ont toutefois permis à l'artiste d'échapper à la peine en 2009.

On observe souvent que le blasphème concerne les œuvres d'art plastiques, mais on ne peut avancer que cela concerne moins l'art vivant, dans le sens ou sur les plateaux l'art ne cesse de bouger et de mêler tous les arts. Les performances et les spectacles très visuels jouent sur le choc visible, l'image scénique à l'instar de certains metteurs en scène utilisant la voix et le corps pour scandaliser le public (Vincent Macaigne).

En Europe, la question du blasphème n'a jamais vraiment disparu. Elle s'est sécularisée. D'ailleurs, le délit de blasphème est loin d'y être aboli partout : certains pays le pénalisent encore.

Et dans d'autres pays comme la France, avec la loi Pleven de 1972, il a été maquillé : il n'est plus question de délit de blasphème, mais « d'offense aux croyants ». Cette loi posant des limites à la liberté d'expression jugée trop permissive et susceptible de mettre en péril la paix civile. Elle interdit donc l'injure, la diffamation, la provocation à la haine en raison de l'appartenance ou de la non-appartenance à une religion, une nation, une race ou une ethnie. En Angleterre, si le délit de blasphème a été supprimé en 2008, le député Jeremy Corbyn a évoqué la possibilité de le réintégrer. Au lendemain des attentats contre Charlie Hebdo s'est rapidement développée l'idée que le journal satirique n'aurait pas dû blasphémer. Selon lui on a transformé le blasphème en offense aux croyants, le muant même parfois en une insulte raciste, alors qu'il n'a rien à voir avec ça.
Dans le même sens il est pertinent d'évoquer la présence des féministes dans ce débat lié aux scandales puisque plusieurs d'entres elles vont se servir de ces codes de domination ou d'action pour renverser le pouvoir. En 2003, le tribunal régional de Gdansk, en Pologne, a condamné l'artiste Dorota Nieznalska à six mois de prison ferme, commués en peine de travaux d'utilité publique, pour injure aux sentiments religieux. La raison ? Son installation baptisée Pasja (« passion », en polonais). Présentée à la galerie Wyspa, à Gdansk, en 2002, celle-ci se composait d'une photo de cuisses et de parties génitales masculines intégrées à une croix gréco-romaine accompagnée d'une vidéo filmant un sportif en train de soulever des haltères. Les recours en justice et le tollé international suscité par la sentence ont toutefois permis à l'artiste d'échapper à la peine en 2009.

On observe souvent que le blasphème concerne les œuvres d'art plastiques, mais on ne peut avancer que cela concerne moins l'art vivant, dans le sens ou sur les plateaux l'art ne cesse de bouger et de mêler tous les arts. Les performances et les spectacles très visuels jouent sur le choc visible, l'image scénique à l'instar de certains metteurs en scène utilisant la voix et le corps pour scandaliser le public (Vincent Macaigne).

En Europe, la question du blasphème n'a jamais vraiment disparu. Elle s'est sécularisée. D'ailleurs, le délit de blasphème est loin d'y être aboli partout : certains pays le pénalisent encore.

Et dans d'autres pays comme la France, avec la loi Pleven de 1972, il a été maquillé : il n'est plus question de délit de blasphème, mais « d'offense aux croyants ». Cette loi posant des limites à la liberté d'expression jugée trop permissive et susceptible de mettre en péril la paix civile. Elle interdit donc l'injure, la diffamation, la provocation à la haine en raison de l'appartenance ou de la non-appartenance à une religion, une nation, une race ou une ethnie. En Angleterre, si le délit de blasphème a été supprimé en 2008, le député Jeremy Corbyn a évoqué la possibilité de le réintégrer. Au lendemain des attentats contre Charlie Hebdo s'est rapidement développée l'idée que le journal satirique n'aurait pas dû blasphémer. Selon lui on a transformé le blasphème en offense aux croyants, le muant même parfois en une insulte raciste, alors qu'il n'a rien à voir avec ça.
L'islam semble particulièrement sensible au blasphème. Cette notion est, de fait, revenue par le monde musulman. En outre, c'est seulement dans des pays musulmans qu'on peut être condamné à mort pour blasphème. Dans ces pays, les libertés sont encore très limitées et le rapport aux minorités extrêmement problématique. Le blasphème y est encore une fois un outil politique : il permet de persécuter des minorités religieuses qui dérangent.

En parlant de performance l'affaire Pussy Riot nous donne également un aperçu très pertinent de ce qu'il se passe ailleurs dans le monde. Enfin très récemment l'affaire Mila nous rappel a quel point s'exprimer sur le fait religieux peut être dangereux. Une branche du ministère, le comité inter-ministeriel de prévention de la radicalisation s'empare néanmoins de la libération de la parole à travers des spectacles évoquant toutes les radicalités et tout ce qui pourrait être choquant.

Parmi ces spectacles et sans soutien du CIPDR certaines pièces n'auraient pu être jouées sans provoquer un profond ressentiment ou un scandale. Entrons nous dans une époque ou finalement l'institutionnalisation du fait religieux dans la vie publique et également sur les plateaux de théâtre se voit revêtir une mission sociale politique d'apaisement et de prévention telle quelle était voulue depuis si longtemps?

L'Europe quant à elle continue d'entretenir un rapport ambigu au blasphème, en France, les procès pour offense aux croyants sont loin d'émaner de seuls groupes musulmans.

Certains catholiques des marges, comme l'AGRIF (Alliance générale contre le racisme et pour le respect de l'identité française et chrétienne), mènent une croisade juridique contre les œuvres qu'ils jugent provocatrices. Il y a un lien entre le retour du blasphème et la crise de l'identité telle que nous la traversons, nous vivons une véritable crise des symboliques qui de fait ne peut que se répercuter dans les œuvres contemporaines. La loi Pleven de 1972 a instauré une concurrence identitaire et victimaire très forte. Attaqué en 2001 pour avoir présenté l'islam comme « *la religion la plus con* », l'écrivain Michel Houellebecq n'a pas été condamné.

Le Délit Blasphème reste ainsi un sujet encore sensible et les scandales paradoxalement continuent de faire avancer les réflexions. Peut être sont il dans ce cas de figure la seule voie de distanciation possible pouvant nous sauver de la fermeture et de l'étroitesse des extrémismes.
L'islam semble particulièrement sensible au blasphème. Cette notion est, de fait, revenue par le monde musulman. En outre, c'est seulement dans des pays musulmans qu'on peut être condamné à mort pour blasphème. Dans ces pays, les libertés sont encore très limitées et le rapport aux minorités extrêmement problématique. Le blasphème y est encore une fois un outil politique : il permet de persécuter des minorités religieuses qui dérangent.

En parlant de performance l'affaire Pussy Riot nous donne également un aperçu très pertinent de ce qu'il se passe ailleurs dans le monde. Enfin très récemment l'affaire Mila nous rappel a quel point s'exprimer sur le fait religieux peut être dangereux. Une branche du ministère, le comité inter-ministeriel de prévention de la radicalisation s'empare néanmoins de la libération de la parole à travers des spectacles évoquant toutes les radicalités et tout ce qui pourrait être choquant.

Parmi ces spectacles et sans soutien du CIPDR certaines pièces n'auraient pu être jouées sans provoquer un profond ressentiment ou un scandale. Entrons nous dans une époque ou finalement l'institutionnalisation du fait religieux dans la vie publique et également sur les plateaux de théâtre se voit revêtir une mission sociale politique d'apaisement et de prévention telle quelle était voulue depuis si longtemps?

L'Europe quant à elle continue d'entretenir un rapport ambigu au blasphème, en France, les procès pour offense aux croyants sont loin d'émaner de seuls groupes musulmans.

Certains catholiques des marges, comme l'AGRIF (Alliance générale contre le racisme et pour le respect de l'identité française et chrétienne), mènent une croisade juridique contre les œuvres qu'ils jugent provocatrices. Il y a un lien entre le retour du blasphème et la crise de l'identité telle que nous la traversons, nous vivons une véritable crise des symboliques qui de fait ne peut que se répercuter dans les œuvres contemporaines. La loi Pleven de 1972 a instauré une concurrence identitaire et victimaire très forte. Attaqué en 2001 pour avoir présenté l'islam comme « *la religion la plus con* », l'écrivain Michel Houellebecq n'a pas été condamné.

Le Délit Blasphème reste ainsi un sujet encore sensible et les scandales paradoxalement continuent de faire avancer les réflexions. Peut être sont il dans ce cas de figure la seule voie de distanciation possible pouvant nous sauver de la fermeture et de l'étroitesse des extrémismes.
## II/Rodrigo Garcia

## A/Un parcours aux scandales politico-médiatiques

Rodriguo Garcia Directeur du CDN de Montpellier, dramaturge, scénographe, metteur en scène et plasticien est né à Buenos Aires d'un Père boucher et d'une mère marchande de légumes. A 11 ans il aide son père dans la boucherie

« Dans le barrio où je suis né, j'étais malgré tout le riche de la favela, car pour leur commerce, mes parents avaient construit une maison en dur. Mon autre privilège était d'être le seul à avoir les moyens de me faire payer un ballon de foot en cuir. J'avais beau être le pire des joueurs et rester dans les buts, tout le monde voulait jouer avec moi car je possédais le ballon » lui qui plus tard montera un spectacle sur Maradona « Je ne sais pourquoi, mais un jour je me suis dit que la seule solution pour m'échapper de la boucherie était la littérature. A la maison, les livres se comptaient sur les doigts d'une main, trois livres de cuisine, le théâtre de Federico García Lorca, relique chérie par mes parents émigrés espagnols et, va savoir pourquoi, les oeuvres complètes d'Oscar Wilde »

Il alterne la fac le foot les trafics entre amis avant d'obtenir une licence en sciences de la communication et publicité. Il se met à travailler dans la pub malgrè son grand désir de faire du théâtre. Il s'installe en Espagne en 1986 et crée trois ans plus tard sa compagnie : La Carniceria Teatro (« théâtre boucherie »). Cherchant à bousculer les Conventions et les évidences d'une société de consommation faussement lisse, il n'hésite pas à recourir à toutes sortes de provocations et de techniques d'agressions.

« La période la plus sombre de ma vie. Je voulais monter des textes et faire du théâtre... Je travaillais dans la pub et investissais tout l'argent gagné dans des productions que personne ne venait voir. Par deux fois, j'ai dû jeter mes scénographies à la poubelle. Ces échecs m'ont convaincu d'essayer d'écrire. J'ai pondu un texte, Macbeth imágenes. J'en ai honte, mais c'est avec ce pur plagiat d'Heiner Müller que j'ai obtenu un premier prix d'écriture (rires). D'autres textes ont suivi »
## II/Rodrigo Garcia

## A/Un parcours aux scandales politico-médiatiques

Rodriguo Garcia Directeur du CDN de Montpellier, dramaturge, scénographe, metteur en scène et plasticien est né à Buenos Aires d'un Père boucher et d'une mère marchande de légumes. A 11 ans il aide son père dans la boucherie

« Dans le barrio où je suis né, j'étais malgré tout le riche de la favela, car pour leur commerce, mes parents avaient construit une maison en dur. Mon autre privilège était d'être le seul à avoir les moyens de me faire payer un ballon de foot en cuir. J'avais beau être le pire des joueurs et rester dans les buts, tout le monde voulait jouer avec moi car je possédais le ballon » lui qui plus tard montera un spectacle sur Maradona « Je ne sais pourquoi, mais un jour je me suis dit que la seule solution pour m'échapper de la boucherie était la littérature. A la maison, les livres se comptaient sur les doigts d'une main, trois livres de cuisine, le théâtre de Federico García Lorca, relique chérie par mes parents émigrés espagnols et, va savoir pourquoi, les oeuvres complètes d'Oscar Wilde »

Il alterne la fac le foot les trafics entre amis avant d'obtenir une licence en sciences de la communication et publicité. Il se met à travailler dans la pub malgrè son grand désir de faire du théâtre. Il s'installe en Espagne en 1986 et crée trois ans plus tard sa compagnie : La Carniceria Teatro (« théâtre boucherie »). Cherchant à bousculer les Conventions et les évidences d'une société de consommation faussement lisse, il n'hésite pas à recourir à toutes sortes de provocations et de techniques d'agressions.

« La période la plus sombre de ma vie. Je voulais monter des textes et faire du théâtre... Je travaillais dans la pub et investissais tout l'argent gagné dans des productions que personne ne venait voir. Par deux fois, j'ai dû jeter mes scénographies à la poubelle. Ces échecs m'ont convaincu d'essayer d'écrire. J'ai pondu un texte, Macbeth imágenes. J'en ai honte, mais c'est avec ce pur plagiat d'Heiner Müller que j'ai obtenu un premier prix d'écriture (rires). D'autres textes ont suivi »
Dans After Sun, il crée une danse avec un lapin sur sex bomb de Tom Jones et fait scandale. Il perturbe totalement le public lorsqu'il les invite à le rejoindre sur scène pour retirer son slip (en Allemagne la moitié des spectateurs quitte la salle quand un vieil homme la fait)

Il se fait huer au rond point dans « *Et balancez mes cendres sur Mickey* » ou une femme se fait tondre sur scène.

En 2011, *Golgota Picnic* met les chrétiens déchaînés dans tous leurs états parce qu'on traite ceux qui confessent leur foi de «baiseurs de gosse» et Jésus déambule avec des billets de banque enfoncés dans ses plaies.

Ce n'est pas la première fois que l'artiste Rodriguo Garcia suscite l'indignation de certains milieux radicaux.

## B/La pièce Accidens

Accidens est une pièce qu'il a écrite en 2010, dans celle-ci un comédien tranche en morceau un homard vivant avant de le cuire et le manger. Pour le metteur en scène il s'agit de traiter « la nécessité de survivre » dans un geste artistique poétique. En Pologne alors qu'il est invité à faire une performance et ou il reprend celle du homard, il se retrouve au poste:

> « Ils m'ont accusé d'acte de torture, j'ai passé trois heures au poste de police à devoir m'expliquer avant d'être relâché. »

En France, les manifestants rédigent une pétition en ligne qui a récolté plus de 28000 signatures. Le collectif s'indignent qu'un homard soit « suspendu à un crochet », avant qu'on ne lui « tranche les pinces qu'on ne le coupe en deux. » Valérie Barthas, élue en charge des droits de l'animal, exprime son indignation en plein Conseil municipal:

> « Je trouve ça lamentable (...) C'est un acte de cruauté ».
Dans After Sun, il crée une danse avec un lapin sur sex bomb de Tom Jones et fait scandale. Il perturbe totalement le public lorsqu'il les invite à le rejoindre sur scène pour retirer son slip (en Allemagne la moitié des spectateurs quitte la salle quand un vieil homme la fait)

Il se fait huer au rond point dans « *Et balancez mes cendres sur Mickey* » ou une femme se fait tondre sur scène.

En 2011, *Golgota Picnic* met les chrétiens déchaînés dans tous leurs états parce qu'on traite ceux qui confessent leur foi de «baiseurs de gosse» et Jésus déambule avec des billets de banque enfoncés dans ses plaies.

Ce n'est pas la première fois que l'artiste Rodriguo Garcia suscite l'indignation de certains milieux radicaux.

## B/La pièce Accidens

Accidens est une pièce qu'il a écrite en 2010, dans celle-ci un comédien tranche en morceau un homard vivant avant de le cuire et le manger. Pour le metteur en scène il s'agit de traiter « la nécessité de survivre » dans un geste artistique poétique. En Pologne alors qu'il est invité à faire une performance et ou il reprend celle du homard, il se retrouve au poste:

> « Ils m'ont accusé d'acte de torture, j'ai passé trois heures au poste de police à devoir m'expliquer avant d'être relâché. »

En France, les manifestants rédigent une pétition en ligne qui a récolté plus de 28000 signatures. Le collectif s'indignent qu'un homard soit « suspendu à un crochet », avant qu'on ne lui « tranche les pinces qu'on ne le coupe en deux. » Valérie Barthas, élue en charge des droits de l'animal, exprime son indignation en plein Conseil municipal:

> « Je trouve ça lamentable (...) C'est un acte de cruauté ».
Rodriguo Garcia furieux avait apporté une réponse dans une lettre qui s'est retrouvé diffusé sur Facebook après une représentation au théâtre humain de Montpellier. De la part des spectateurs, les réactions sont fébriles et violentes, en Pologne, un homme était monté sur scène pour tenter de sauver le homard tout comme à Paris, où une spectatrice s'était levée lors de la première pour tenter de décrocher le crustacé suspendu à un fil sur scène. Bien vite rassise sous les invectives du metteur en scène. La mise à mort d'un homard n'est nullement anecdotique pour Rodrigo Garcia. Il s'agit pour lui d'un « acte primitif », « un retour à la nature : tuer un animal pour manger ». L'acte lui rappelle aussi « la noirceur d'un passé pas si éloigné en Argentine », à savoir la répression et la torture.

Les réactions pendant le spectacle en tournée continuent d'être vives, plusieurs spectateurs quittent la salle, les autres contemplent en silence ce homard dont on entend battre le cœur grâce à un micro. L'acteur, la mine sinistre, décroche le homard au bout de très longues minutes et le pose soigneusement sur un plan de travail avant de le trancher proprement en deux, et de la mettre sur le grill, où il tressaute un bon moment. Rodrigo Garcia défend sa vision artistique publiquement et assume ses choix :

> « Si l'art n'est pas un appel à la désobéissance, s'il n'apporte pas de confusion à une société aux idées aussi claires que dangereuses, dites-moi qui pourra nous aider à découvrir la face B passionnante des choses ?».

C'est Une désobéissance qu'il revendique. Dans l'oeuvre de Rodrigo Garcia, La présence animale est fondamentale. Escargots, cafards, chiens, homards sont les personnages forcés de ses pièces :

> « C'est simple, les animaux existent donc je peux les utiliser » Rodrigo Garcia cherche à perturber les espaces et les Conventions théâtrales. On voit bien que l'utilisation animale dans l'art soulève la question éthique de ses limites. Certains pourtant se demandent s'il perdrait de sa puissance poétique en intégrant le respect de la vie sur scène. C'est d'ailleurs cela qui est interessant dans l'évènement car si la pétition n'a pas de valeur juridique elle vient bousculer les codes habituels. Rodrigo Garcia piqué va même sans servir pour dénoncer le manque d'engagement que représente les luttes sur Facebook et cette société du zapping.
Rodriguo Garcia furieux avait apporté une réponse dans une lettre qui s'est retrouvé diffusé sur Facebook après une représentation au théâtre humain de Montpellier. De la part des spectateurs, les réactions sont fébriles et violentes, en Pologne, un homme était monté sur scène pour tenter de sauver le homard tout comme à Paris, où une spectatrice s'était levée lors de la première pour tenter de décrocher le crustacé suspendu à un fil sur scène. Bien vite rassise sous les invectives du metteur en scène. La mise à mort d'un homard n'est nullement anecdotique pour Rodrigo Garcia. Il s'agit pour lui d'un « acte primitif », « un retour à la nature : tuer un animal pour manger ». L'acte lui rappelle aussi « la noirceur d'un passé pas si éloigné en Argentine », à savoir la répression et la torture.

Les réactions pendant le spectacle en tournée continuent d'être vives, plusieurs spectateurs quittent la salle, les autres contemplent en silence ce homard dont on entend battre le cœur grâce à un micro. L'acteur, la mine sinistre, décroche le homard au bout de très longues minutes et le pose soigneusement sur un plan de travail avant de le trancher proprement en deux, et de la mettre sur le grill, où il tressaute un bon moment. Rodrigo Garcia défend sa vision artistique publiquement et assume ses choix :

> « Si l'art n'est pas un appel à la désobéissance, s'il n'apporte pas de confusion à une société aux idées aussi claires que dangereuses, dites-moi qui pourra nous aider à découvrir la face B passionnante des choses ?».

C'est Une désobéissance qu'il revendique. Dans l'oeuvre de Rodrigo Garcia, La présence animale est fondamentale. Escargots, cafards, chiens, homards sont les personnages forcés de ses pièces :

> « C'est simple, les animaux existent donc je peux les utiliser » Rodrigo Garcia cherche à perturber les espaces et les Conventions théâtrales. On voit bien que l'utilisation animale dans l'art soulève la question éthique de ses limites. Certains pourtant se demandent s'il perdrait de sa puissance poétique en intégrant le respect de la vie sur scène. C'est d'ailleurs cela qui est interessant dans l'évènement car si la pétition n'a pas de valeur juridique elle vient bousculer les codes habituels. Rodrigo Garcia piqué va même sans servir pour dénoncer le manque d'engagement que représente les luttes sur Facebook et cette société du zapping.
Cette affaire met sur la table une guerre Ethique concernant non plus le homard et le fait qu'il soit tué ni même la défense des animaux mais l'engagement politique sur internet derrière un écran d'ordinateur et l'inertie dans laquelle il nous met en miroir.

Voici les propos Écris par Rodrigo Garcia :

« Vous êtes complètement idiots.

Il y a plus de vingt mille signatures pour une pétition qui ne dit rien d'autre que des contre-vérités. Vous vous laissez manipuler par des inconnus : vous êtes complètement idiots.

Qu'a donc la communication dans les réseaux sociaux qui la rend digne de confiance, Vraisemblable, per se ?

Sociologues d'aujourd'hui : voilà un sujet intéressant !

Il y a quelque chose d'immédiat, quelque chose d'irréfléchi, quelque chose qui provoque une réaction urgente et maladroite, car elle n'est pas analysée, confrontée à d'autres sources.

On ne veut plus rien découvrir, car découvrir quelque chose par nous-mêmes fatigue, Salit, épuise.

Maintenant nous voulons qu'on nous dise à quoi nous devons adhérer et à quoi nous devons dire non. Et c'est toujours pareil : une petite signature ou un j'aime ou je n'aime pas. En somme : que cela ne nous demande pas d'effort.

Vous ne réfléchissez pas dans la solitude (« personne n'a de temps », haha, je me marre) sur les conséquences de votre adhésion à certains mouvements qui dans le fond peuvent même être un attentat à la liberté d'expression. Comme, par exemple, essayer de faire interdire une performance.

Et je vous révèle (puisque je remarque que vous ne vous en êtes pas encore Rendus compte) que dire j'aime ou je n'aime pas ou signer par internet n'est pas une action réelle. C'est un acte de paresse de la part de lâches.

Condamner par internet n'est pas une action, la bataille a lieu sur le champ de bataille.

Et vous voulez participer à la bataille sans décoller le cul de votre fauteuil.

Vous êtes complètement idiots.

Dire j'aime ou je n'aime pas ou signer une lettre qui déambule comme une folle sur la toile c'est signaler que vous vous conformez à une existence de FANTÔMES.
Cette affaire met sur la table une guerre Ethique concernant non plus le homard et le fait qu'il soit tué ni même la défense des animaux mais l'engagement politique sur internet derrière un écran d'ordinateur et l'inertie dans laquelle il nous met en miroir.

Voici les propos Écris par Rodrigo Garcia :

« Vous êtes complètement idiots.

Il y a plus de vingt mille signatures pour une pétition qui ne dit rien d'autre que des contre-vérités. Vous vous laissez manipuler par des inconnus : vous êtes complètement idiots.

Qu'a donc la communication dans les réseaux sociaux qui la rend digne de confiance, Vraisemblable, per se ?

Sociologues d'aujourd'hui : voilà un sujet intéressant !

Il y a quelque chose d'immédiat, quelque chose d'irréfléchi, quelque chose qui provoque une réaction urgente et maladroite, car elle n'est pas analysée, confrontée à d'autres sources.

On ne veut plus rien découvrir, car découvrir quelque chose par nous-mêmes fatigue, Salit, épuise.

Maintenant nous voulons qu'on nous dise à quoi nous devons adhérer et à quoi nous devons dire non. Et c'est toujours pareil : une petite signature ou un j'aime ou je n'aime pas. En somme : que cela ne nous demande pas d'effort.

Vous ne réfléchissez pas dans la solitude (« personne n'a de temps », haha, je me marre) sur les conséquences de votre adhésion à certains mouvements qui dans le fond peuvent même être un attentat à la liberté d'expression. Comme, par exemple, essayer de faire interdire une performance.

Et je vous révèle (puisque je remarque que vous ne vous en êtes pas encore Rendus compte) que dire j'aime ou je n'aime pas ou signer par internet n'est pas une action réelle. C'est un acte de paresse de la part de lâches.

Condamner par internet n'est pas une action, la bataille a lieu sur le champ de bataille.

Et vous voulez participer à la bataille sans décoller le cul de votre fauteuil. Vous êtes complètement idiots.

Dire j'aime ou je n'aime pas ou signer une lettre qui déambule comme une folle sur la toile c'est signaler que vous vous conformez à une existence de FANTÔMES.
Votre photo sur votre carte d'identité : un drap couvrant un tas sans forme.

Vous dites j'aime d'un concert que vous n'avez pas vu, qui s'est joué à des
milliers de kilomètres de vous. Mais vous en avez vu quelques secondes en
vidéo...

Vous dites je n'aime pas d'une information que vous n'avez pas analysée, de
Choses auxquelles vous n'avez pas assisté, vous vous laissez diriger par le Dieu
réseaux sociaux et je ne sais plus quelle religion est la pire de toutes. Vous ne
vous rendez pas compte que vous reproduisez les fanatismes insensés que vous
critiquez ?

Et maintenant venons-en au homard.

Dans ma performance ACCIDENS, l'acteur tue et cuisine un homard

Exactement comme le lui a enseigné le chef du restaurant La Rula dans la
localité de Lastres en Asturies, Espagne.

Ensuite il le cuisine à la poêle et il le mange.

Je veux dire que si dans le monde meurent chaque jour environ cent mille
homards sur les tables des restaurants (et dans les maisons aussi, moi par
exemple je les cuisine et les mange à la maison, ce qui revient deux fois moins
cher), il se trouve que le seul homard qui meurt pour une cause poétique, c'est le
nôtre (car si les gens les pêchent c'est pour les manger, par pour les prendre
comme animaux de compagnie).

Et ça, ça vous dérange terriblement. Ça vous embête que nous nous exprimions
librement. Vous portez un dictateur en vous et je n'ai pas pitié de vous.

Rappelez-vous que ma performance ACCIDENS porte un sous-titre : tuer pour
manger. A vous, les animaux vous arrivent sur la table déjà morts et même
cuisinés. Vous n'écoutez du disque de la vie que la face A.

Vous êtes complètement idiots. »

Cette lettre est une réthorique fascinante et montre à quel point le dialogue est là
malgré le scandale et malgré les violences induites. C'est un dialogue publique
qui se fait sur les réseaux. Deux corps virtuels s'expriment non plus sur l'objet du
scandale mais sur la façon dont il réagit sur nous et ce que nous en faisons. Ce
nouveau mode d'action/réaction inscrit le débat de façon politique, et pourtant les
adresses sont intimes.
Votre photo sur votre carte d'identité : un drap couvrant un tas sans forme.

Vous dites j'aime d'un concert que vous n'avez pas vu, qui s'est joué à des
milliers de kilomètres de vous. Mais vous en avez vu quelques secondes en
vidéo...

Vous dites je n'aime pas d'une information que vous n'avez pas analysée, de
Choses auxquelles vous n'avez pas assisté, vous vous laissez diriger par le Dieu
réseaux sociaux et je ne sais plus quelle religion est la pire de toutes. Vous ne
vous rendez pas compte que vous reproduisez les fanatismes insensés que vous
critiquez ?

Et maintenant venons-en au homard.

Dans ma performance ACCIDENS, l'acteur tue et cuisine un homard

Exactement comme le lui a enseigné le chef du restaurant La Rula dans la
localité de Lastres en Asturies, Espagne.

Ensuite il le cuisine à la poêle et il le mange.

Je veux dire que si dans le monde meurent chaque jour environ cent mille
homards sur les tables des restaurants (et dans les maisons aussi, moi par
exemple je les cuisine et les mange à la maison, ce qui revient deux fois moins
cher), il se trouve que le seul homard qui meurt pour une cause poétique, c'est le
nôtre (car si les gens les pêchent c'est pour les manger, par pour les prendre
comme animaux de compagnie).

Et ça, ça vous dérange terriblement. Ça vous embête que nous nous exprimions
librement. Vous portez un dictateur en vous et je n'ai pas pitié de vous.

Rappelez-vous que ma performance ACCIDENS porte un sous-titre : tuer pour
manger. A vous, les animaux vous arrivent sur la table déjà morts et même
cuisinés. Vous n'écoutez du disque de la vie que la face A.

Vous êtes complètement idiots. »

Cette lettre est une réthorique fascinante et montre à quel point le dialogue est là
malgré le scandale et malgré les violences induites. C'est un dialogue publique
qui se fait sur les réseaux. Deux corps virtuels s'expriment non plus sur l'objet du
scandale mais sur la façon dont il réagit sur nous et ce que nous en faisons. Ce
nouveau mode d'action/réaction inscrit le débat de façon politique, et pourtant les
adresses sont intimes.
C'est une nouveauté, et l'amplification de ces vecteurs virtuels creent un cyber
espace ou la parole circule d'un bout à l'autre du monde. Le sujet du scandale
n'existe plus de façon nationale, mais à l'échelle du monde et selon des critères
totalement différent.

Pourtant Rodrigo Garcia provoque le même sentiment dans des pays ou les
codifications et valeurs de références sont différentes alors de quoi l'accusent
t-ont réellement ?

Rodrigo Garcia est accusé d'en faire un fond de commerce, mais pour autant la
limite ne semble pas si claire. Décrit comme un metteur en scène enragé par les
Inrocks Rodrigo Garcia semble traversé d'une vérité constante, il enchaine les
scandales les un après les autres et semble imperturbable. Il souhaite ouvrir les
spectateurs à une autre vision du monde, il se veut un progressiste qui refuse le
théâtre de dogme et de codes. Il s'inspire de sa banlieue d'enfance de la rue ou
il a grandit et s'inspire de ce réel brut, il écrit au plateau. Son théâtre est immédiat
et son but est d'amener le spectateur à un choc direct.

Il se rapproche en cela de la performance. C'est un metteur en scène de la
destruction inspiré de Heiner Muller. Il n'a surtout aucun rapport au sacré.

Rodrigo Garcia ne met pas en scène les conflits mais leurs effets.

C'est un narrateur du moment spontanée qui cherche l'étonnement de l'individu
au moment T de son existence et dans le temps précis de la représentation. Le
spectateur est saisi et pris au piège.

Néanmoins dans ces exemples de scandales ils sont libres de réagir et de porter
une voie publique pour l'interdire. La liberté d'expression va dans les deux sens
Mais les publics ont ils conscientiser ce que cela raconte d'eux mêmes ?

Voilà la une raison pour Rodrigo Garcia de continuer son aventure..
C'est une nouveauté, et l'amplification de ces vecteurs virtuels créent un cyber
espace ou la parole circule d'un bout à l'autre du monde. Le sujet du scandale
n'existe plus de façon nationale, mais à l'échelle du monde et selon des critères
totalement différent.

Pourtant Rodrigo Garcia provoque le même sentiment dans des pays ou les
codifications et valeurs de références sont différentes alors de quoi l'accusent
t-ont réellement ?

Rodrigo Garcia est accusé d'en faire un fond de commerce, mais pour autant la
limite ne semble pas si claire. Décrit comme un metteur en scène enragé par les
Inrocks Rodrigo Garcia semble traversé d'une vérité constante, il enchaine les
scandales les un après les autres et semble imperturbable. Il souhaite ouvrir les
spectateurs à une autre vision du monde, il se veut un progressiste qui refuse le
théâtre de dogme et de codes. Il s'inspire de sa banlieue d'enfance de la rue ou
il a grandit et s'inspire de ce réel brut, il écrit au plateau. Son théâtre est immédiat
et son but est d'amener le spectateur à un choc direct.

Il se rapproche en cela de la performance. C'est un metteur en scène de la
destruction inspiré de Heiner Muller. Il n'a surtout aucun rapport au sacré.

Rodrigo Garcia ne met pas en scène les conflits mais leurs effets.

C'est un narrateur du moment spontanée qui cherche l'étonnement de l'individu
au moment T de son existence et dans le temps précis de la représentation. Le
spectateur est saisi et pris au piège.

Néanmoins dans ces exemples de scandales ils sont libres de réagir et de porter
une voie publique pour l'interdire. La liberté d'expression va dans les deux sens
Mais les publics ont ils conscientiser ce que cela raconte d'eux mêmes ?

Voilà la une raison pour Rodrigo Garcia de continuer son aventure..
## B/Le débat sur la liberté d'expression: l'affaire Golgota Picnic

Sur scène de petits pains ronds pour hamburger emplissent l'espace. Un écran cinq acteurs sur scène et aucun personnage. Parmi les images diffusées celle du christ sur la croix qui n'est pas sans nous rappeler Roméo Castellucci.

Le christ donc « un type nul dès qu'il s'agissait de parler de foot », qui potassa les noms « guérillas à venir » et choisit pour le sien le mot « AMOUR » en lettres majuscules. « Le premier démagogue » puisqu'il « multipla la nourriture pour le peuple au lieu de travailler coude à coude avec lui ». Un gars qui « promet l'amour éternel comme on repeint des voitures chez un carrossier ». Rodrigo Garcia se plaira également à ajouter : « Tous ces beaux édifices doivent être livrés aux flammes », car tous ces tableaux plein de croix, de larmes et de plaies, « c'est de la propagande pour la perversion, le tourment et la cruauté ». Et ceux qui travaillent dans les musées, parce qu'il faut bien vivre, sont des complices.

Jean pierre Thibaudat qui intitule son article « Rodriguo Garcia fait la nique aux intégristes » décrit ensuite la scène suivante:

« Visages sculptés de légumes, ces sexes ouverts et filmés le temps d'un mouvement de jambes, ces poils (cheveux, sexe) maculés créant une composition de corps nus pour je ne sais quel Dali, ce corps d'homme au sol les bras en croix dont le visage est broyé de viande hachée, ou cette danse de corps des deux sexes que l'on arrose de peintures et qui s'emmêlent les pinceaux. Et puis dans une lumière atténuée, sur un sol dont l'ordonnance des petits pains a été ravagée, un homme nu s'assoit à un piano et tout, lentement, s'apaise. Le pianiste Marino Formenti joue « Les Sept dernières paroles du Christ sur la croix » de Joseph Haydn. Intégralement. »1.

Présentée en première au théâtre de Toulouse le 16 novembre 2012, la pièce est qualifiée de blasphématoire et christiano-phobe. Très vite des manifestations ont lieu et malgré l'envie de l'évêque de concilier le dialogue entre la culture et le christianisme (n'adhérant pas néanmoins à la pièce) l'aventure ne s'arrête pas là et se poursuit à Paris au Théâtre du Rond Point.

Notes:

<footnote n="1">1. Par J_p_Thibaudat Publié le 25 janvier 2017/</footnote>
## B/Le débat sur la liberté d'expression: l'affaire Golgota Picnic

Sur scène de petits pains ronds pour hamburger emplissent l'espace. Un écran cinq acteurs sur scène et aucun personnage. Parmi les images diffusées celle du christ sur la croix qui n'est pas sans nous rappeler Roméo Castellucci.

Le christ donc « un type nul dès qu'il s'agissait de parler de foot », qui potassa les noms « guérillas à venir » et choisit pour le sien le mot « AMOUR » en lettres majuscules. « Le premier démagogue » puisqu'il « multipla la nourriture pour le peuple au lieu de travailler coude à coude avec lui ». Un gars qui « promet l'amour éternel comme on repeint des voitures chez un carrossier ». Rodrigo Garcia se plaira également à ajouter : « Tous ces beaux édifices doivent être livrés aux flammes », car tous ces tableaux plein de croix, de larmes et de plaies, « c'est de la propagande pour la perversion, le tourment et la cruauté ». Et ceux qui travaillent dans les musées, parce qu'il faut bien vivre, sont des complices.

Jean pierre Thibaudat qui intitule son article « Rodriguo Garcia fait la nique aux intégristes » décrit ensuite la scène suivante:

« Visages sculptés de légumes, ces sexes ouverts et filmés le temps d'un mouvement de jambes, ces poils (cheveux, sexe) maculés créant une composition de corps nus pour je ne sais quel Dali, ce corps d'homme au sol les bras en croix dont le visage est broyé de viande hachée, ou cette danse de corps des deux sexes que l'on arrose de peintures et qui s'emmêlent les pinceaux. Et puis dans une lumière atténuée, sur un sol dont l'ordonnance des petits pains a été ravagée, un homme nu s'assoit à un piano et tout, lentement, s'apaise. Le pianiste Marino Formenti joue « Les Sept dernières paroles du Christ sur la croix » de Joseph Haydn. Intégralement. »1.

Présentée en première au théâtre de Toulouse le 16 novembre 2012, la pièce est qualifiée de blasphématoire et christiano-phobe. Très vite des manifestations ont lieu et malgré l'envie de l'évêque de concilier le dialogue entre la culture et le christianisme (n'adhérant pas néanmoins à la pièce) l'aventure ne s'arrête pas là et se poursuit à Paris au Théâtre du Rond Point.

Notes:

<footnote n="1">1. Par J_p_Thibaudat Publié le 25 janvier 2017/</footnote>
Le collectif culture et foi déplorant cette vision de la religion en appelle au dialogue et demande une rencontre avec Jean Michel Ribes qui accepte d'organiser une table ronde avec des professionnels de la culture et des chrétiens laïcs. Pourtant dans les jours qui suivent 2000 catholiques traditionalistes défilent à l'appel de Civitas devant le théâtre du rond point. Ces manifestants n'avaient jamais vu la pièce et pourtant leur présence dans la rue faisait apparaître l'ennemi que la culture attendait et contre lequel elle se construit.

L'affaire Golgota Picnic va venir re-interroger la question de la liberté d'expression à tous les niveaux du débat publique.

Golgota picnic était une cible de choix. 15 élus de L'UMP, sous le mandat de Nicolas Sarkozy parmi lesquels Pierre Lelouche secrétaire d'état UMP et membre de l'opposition au conseil municipal de paris questionnait la légitimité des financements publics de la pièce produite par le festival d'Automne.

Dans un communiqué de presse émis par des élus toulousains (radicaux de gauche) « La provocation se doit d'être constructive plutôt que destructive ou clivante, s'inscrire dans la recherche de la concorde, de la pacification des relations humaines (...) Les fonds publics alloués à la culture, aux oeuvres artistiques ne doivent participer ni au prosélytisme religieux ni à l'intolérance religieuse »

Alexandre Marciel l'un des auteurs du communiqué ajoutera : « Autant continuer à être libre de penser ce qu'on veut dans la sphère privée, autant les subventions publiques ne doivent pas servir à financer ce genre de spectacle » 1.

C'est ainsi qu'au delà de la liberté d'expression une notion plus étroite surpasse « la volonté politique de voir l'art restaurer le lien social et faire oeuvre d'apaisement » à défaut de perdre ses financements de création. C'est une censure subtile et insidieuse qui dans un contexte de crise de la culture se retrouve pris en étau par les désillusions de la fonction politique de l'art censé être populaire au sens strict et une marchandisation de l'art.
Le collectif culture et foi déplorant cette vision de la religion en appelle au dialogue et demande une rencontre avec Jean Michel Ribes qui accepte d'organiser une table ronde avec des professionnels de la culture et des chrétiens laïcs. Pourtant dans les jours qui suivent 2000 catholiques traditionalistes défilent à l'appel de Civitas devant le théâtre du rond point. Ces manifestants n'avaient jamais vu la pièce et pourtant leur présence dans la rue faisait apparaître l'ennemi que la culture attendait et contre lequel elle se construit.

L'affaire Golgota Picnic va venir re-interroger la question de la liberté d'expression à tous les niveaux du débat publique.

Golgota picnic était une cible de choix. 15 élus de L'UMP, sous le mandat de Nicolas Sarkozy parmi lesquels Pierre Lelouche secrétaire d'état UMP et membre de l'opposition au conseil municipal de Paris questionnait la légitimité des financements publics de la pièce produite par le festival d'Automne.

Dans un communiqué de presse émis par des élus toulousains (radicaux de gauche) « La provocation se doit d'être constructive plutôt que destructive ou clivante, s'inscrire dans la recherche de la concorde, de la pacification des relations humaines (...) Les fonds publics alloués à la culture, aux oeuvres artistiques ne doivent participer ni au prosélytisme religieux ni à l'intolérance religieuse »

Alexandre Marciel l'un des auteurs du communiqué ajoutera : « Autant continuer à être libre de penser ce qu'on veut dans la sphère privée, autant les subventions publiques ne doivent pas servir à financer ce genre de spectacle » 1.

C'est ainsi qu'au-delà de la liberté d'expression une notion plus étroite surpasse « la volonté politique de voir l'art restaurer le lien social et faire oeuvre d'apaisement » à défaut de perdre ses financements de création. C'est une censure subtile et insidieuse qui dans un contexte de crise de la culture se retrouve pris en étau par les désillusions de la fonction politique de l'art censé être populaire au sens strict et une marchandisation de l'art.
Golgota Picnic crée dans un contexte de crise fut finalement plus qu'un scandale. Il fut un révélateur de la terrible question du théâtre subventionné, « l'idée que le théâtre n'a pas sa place dans le budget de l'état s'il contribue à diviser plus qu'à rassembler ».

Rodrigo Garcia, dans un de ses spectacles faisait une analyse très juste de la crise de la culture « Un théâtre est-il le lieu naturel pour ce qui est exceptionnel, poétique et provocateur ? Oui. C'est l'endroit parfait d'après les politiciens conservateurs et l'extrême droite. / Voilà comment la poésie et le feu sont sous contrôle, et c'est à peine s'ils gardent contact avec les passants. / On conçoit des œuvres radicales dans des conteneurs qui les protègent et les amoindrissent. Dans des musées et des théâtres. Dans des galeries d'art et dans des salles de concert qui transforment une idée subversive en un passe-temps du samedi soir. Dans ces conteneurs, rien n'est extraordinaire, tout est à sa place, réduit au calme et au silence »2.

Finalement Rodrigo Garcia et ses détracteurs ont cela de similaire : un désenchantement moderne au rythme lancinant de TNA, There is no alternative.

Rodrigo Garcia fait de l'Art dans le sens ou il remet en mouvement l'acte de créer et son rapport aux finances et à la liberté subversive. Il ne raconte pas un conte linéaire. Il interroge une société. Et il le fait de façon tranchante et brute. Ils elles ont créer un buzz autour d'un homme qui critique le buzz, le capitalisme, l'hypocrisie. Qu'on aime ou non, il s'en moque et ce que les autres pensent ne perturbe pas sa liberté de création. Il n'est pas scandaleux.

Il est libre en Art.

Notes:

1. Chloé Lavalette, « Rodrigo García et la « crise de la culture » : contextualisations critiques », COnTEXTES [En ligne], 26 | 2020, mis en ligne le 15 janvier 2020, consulté le 27 août 2021. URL : http://journals.openedition.org/contextes/8718 ; DOI : https://doi.org/10.4000/contextes.8718

2. Rodrigo García, *Et balancez mes cendres sur Mickey.*
Golgota Picnic crée dans un contexte de crise fut finalement plus qu’un scandale. Il fut un révélateur de la terrible question du théâtre subventionné, « l'idée que le théâtre n'a pas sa place dans le budget de l'état s'il contribue à diviser plus qu'à rassembler ».

Rodrigo Garcia, dans un de ses spectacles faisait une analyse très juste de la crise de la culture « Un théâtre est-il le lieu naturel pour ce qui est exceptionnel, poétique et provocateur ? Oui. C'est l'endroit parfait d'après les politiciens conservateurs et l'extrême droite. / Voilà comment la poésie et le feu sont sous contrôle, et c'est à peine s'ils gardent contact avec les passants. / On conçoit des œuvres radicales dans des conteneurs qui les protègent et les amoindrissent. Dans des musées et des théâtres. Dans des galeries d'art et dans des salles de concert qui transforment une idée subversive en un passe-temps du samedi soir. Dans ces conteneurs, rien n'est extraordinaire, tout est à sa place, réduit au calme et au silence »2.

Finalement Rodrigo Garcia et ses détracteurs ont cela de similaire : un désenchantement moderne au rythme lancinant de TNA, There is no alternative.

Rodrigo Garcia fait de l'Art dans le sens ou il remet en mouvement l'acte de créer et son rapport aux finances et à la liberté subversive. Il ne raconte pas un conte linéaire. Il interroge une société. Et il le fait de façon tranchante et brute. Ils elles ont créer un buzz autour d'un homme qui critique le buzz, le capitalisme, l'hypocrisie. Qu'on aime ou non, il s'en moque et ce que les autres pensent ne perturbe pas sa liberté de création. Il n'est pas scandaleux.

Il est libre en Art.

Notes:

1. Chloé Lavalette, « Rodrigo García et la « crise de la culture » : contextualisations critiques », COnTEXTES [En ligne], 26 | 2020, mis en ligne le 15 janvier 2020, consulté le 27 août 2021. URL : http://journals.openedition.org/contextes/8718 ; DOI : https://doi.org/10.4000/contextes.8718

2. Rodrigo García, *Et balancez mes cendres sur Mickey*.
# Chapitre trois

Quand le scandale touche à la mémoire des luttes tues ou oubliées.

* Comment s'enracine-t-il aux contextes artistiques et socio-politiques, ?*

* Comment s'articule-t-il au pôle censure/liberté d'expression?*

* Comment l'analyse rétrospective de celui-ci est-elle elle-même ancrée dans des choix théoriques et des sensibilités éthiques qui peuvent en redéfinir les contours?*

* Le scandale post moderne rend il au théâtre sa fonction politique ?*

## I/ le Clair miroir des scandales anticolonialistes: Un enjeu brûlant

* A) Annulation du spectacle *Exhibit B* de Brett Bailey

* B/ L'installation de Brett Bailey

* C) Accusation d'appropriation culturelle

## II/ Les suppliantes d'Eschyle à la sorbonne de Philippe Brunel

* A/ La guerre du « Blackface »*

* B/ Un mode de réaction inspirée des luttes féministes noires américaines

## III/ Annulation interdiction quelle valeur juridique pour la censure ?

* A/ Le rôle du juge administratif

* B) Les nouvelles formes de censure et leur valeur juridique

* C/ Interview d'un directeur de théâtre .
# Chapitre trois

Quand le scandale touche à la mémoire des luttes tues ou oubliées.

* Comment s'enracine-t-il aux contextes artistiques et socio-politiques, ?

* Comment s'articule-t-il au pôle censure/liberté d'expression ?

* Comment l'analyse rétrospective de celui-ci est-elle elle-même ancrée dans des choix théoriques et des sensibilités éthiques qui peuvent en redéfinir les contours ?

* Le scandale post moderne rend il au théâtre sa fonction politique ?

## I/ le Clair miroir des scandales anticolonialistes: Un enjeu brûlant

* A) Annulation du spectacle *Exibit B* de Brett Bailey

* B/ L'installation de Brett Bailey

* C) Accusation d'appropriation culturelle

## II/ Les suppliantes d'Eschyle à la sorbonne de Philippe Brunel

* A/ La guerre du « Blackface »

* B/ Un mode de réaction inspirée des luttes féministes noires américaines

## III/ Annulation interdiction quelle valeur juridique pour la censure ?

* A/ Le rôle du juge administratif

* B) Les nouvelles formes de censure et leur valeur juridique

* C/ Interview d'un directeur de théâtre .
## II/ Le Clair miroir des scandales anticolonialistes: un enjeu brûlant

### A)Annulation du spectacle *Exibit B* de Brett Bailey

Présentée à travers le monde depuis 2012, l'installation Exhibit-B du metteur en scène sud-africain, Brett Bailey, a été annulée au Barbican Center de Londres le 23 septembre 2014.

Suite à des manifestations lors de son ouverture au Théâtre Gérard Philippe de Saint-Denis en France le 27 novembre 2014, plusieurs représentations ont été annulées avant de se poursuivre les jours suivants sous protection policière. La mobilisation du Collectif Contre *Exhibit-B*, continuait à la veille de la présentation de la performance au Cent-Quatre (Paris 19e) du 7 au 14 décembre. Brett Bailey avait été convié en mars 2014 par l'International Theater Institute pour délivrer une réflexion sur le théâtre et la culture de la paix, il avait mis en scène un premier opus *Exibit B*, le second avait déclenché des critiques positives et notamment le soutien de Peter Brook sur sa page Facebook parlant d'une extra-ordinaire prouesse.

Le 24 septembre 2014 suite à une manifestation extrême à l'extérieur du Barbican center à Londres mettant en danger, (d'après le théâtre), la sécurité des artistes interprètes, le spectacle est annulé. On le décrit comme le spectacle le plus controversé, on parle de « Zoo humain » dans les médias. Le monde présente l'affaire ainsi:

*Exibit B une évocation des zoos humains qui scandalise. L'oeuvre se veut une critique de l'époque coloniale elle est accusée de racisme 1.*

Il ne s'agit pas d'un fait commun, nous sommes au cœur d'un défit de société absolument épineux et qu'aujourd'hui nous devons regarder en face. La question des représentations sur les plateaux de théâtre des personnalités de la culture d'origine étrangère et souvent issues de récits controlées par les puissances coloniales fait retentir la question de façon trés extrême.

C'est un enjeu sur le feu.

Notes:

<footnote n="1">1. le monde par Fabienne Darge publiée 27 novembre 2014</footnote>
## II/ Le Clair miroir des scandales anticolonialistes: un enjeu brûlant

### A)Annulation du spectacle *Exibit B* de Brett Bailey

Présentée à travers le monde depuis 2012, l'installation Exhibit-B du metteur en scène sud-africain, Brett Bailey, a été annulée au Barbican Center de Londres le 23 septembre 2014.

Suite à des manifestations lors de son ouverture au Théâtre Gérard Philippe de Saint-Denis en France le 27 novembre 2014, plusieurs représentations ont été annulées avant de se poursuivre les jours suivants sous protection policière. La mobilisation du Collectif Contre *Exhibit-B*, continuait à la veille de la présentation de la performance au Cent-Quatre (Paris 19e) du 7 au 14 décembre. Brett Bailey avait été convié en mars 2014 par l'International Theater Institute pour délivrer une réflexion sur le théâtre et la culture de la paix, il avait mis en scène un premier opus *Exibit B*, le second avait déclenché des critiques positives et notamment le soutien de Peter Brook sur sa page Facebook parlant d'une extra-ordinaire prouesse.

Le 24 septembre 2014 suite à une manifestation extrême à l'extérieur du Barbican center à Londres mettant en danger, (d'après le théâtre), la sécurité des artistes interprètes, le spectacle est annulé. On le décrit comme le spectacle le plus controversé, on parle de « Zoo humain » dans les médias. Le monde présente l'affaire ainsi:

*Exibit B une évocation des zoos humains qui scandalise. L'oeuvre se veut une critique de l'époque coloniale elle est accusée de racisme 1.*

Il ne s'agit pas d'un fait commun, nous sommes au cœur d'un défit de société absolument épineux et qu'aujourd'hui nous devons regarder en face. La question des représentations sur les plateaux de théâtre des personnalités de la culture d'origine étrangère et souvent issues de récits controlées par les puissances coloniales fait retentir la question de façon trés extrême.

C'est un enjeu sur le feu.

Notes:

<footnote n="1">1. le monde par Fabienne Darge publiée 27 novembre 2014</footnote>
Sarah Myers une militante crée une pétition en ligne « annulation de l'exposition raciste. Mais elle n'est pas la seule à s'en étrangler.

« Des Noirs, à demi dénudés, silencieux, immobiles, esthétisés sous une lumière décorative ! Un spectacle fait par un Blanc pour des Blancs qui vont voir le Noir humilié, et repartent avec un frisson d'horreur et de culpabilité... Et tout ça avec de l'argent public ! »

John Mullen lui aussi militant, du Front de gauche, professeur d'histoire au département d'anglais de l'université de Créteil, Blanc (lui aussi), antiraciste (lui aussi), issu d'un milieu ouvrier au nord de Manchester n'a qu'un seul but: faire interdire Exhibit B : « 70 000 personnes ont lu mon blog, de ma vie entière de militant cela ne m'est jamais arrivé...

Exibit B-le Zoo humain. 22988 signatures alors que cela fait trois ans que le projet circule partout et que c'est principalement une oeuvre qui dénonce le racisme aux yeux de l'assistante et comédienne Berthe Tanwo Njole.

« Je me demande qui est le raciste puisque l'on reproche à Brett Bailey d'être blanc. voilà la vraie question. On reproche à un sud africain blanc d'expliquer aux africains leur histoire. Jusqu'à preuve du contraire il est aussi africain que moi et lorsque j'ai commence a travaillé avec lui j'ai d'abord vu un être Humain. »

L'article du monde décrit des scènes d'une grande violence :

« La barrière a commencé à vaciller. Franco alias le Pacificateur dans l'ancien groupe de rap La Brigade, a grimpé sur la première marche le mégaphone à la main. « Mon corps n'est pas à vendre ! », « Décolonisons l'imaginaire ! », disaient les sages banderoles. « Salopards ! » a hurlé une pasionaria petite et baraquée. Et c'est alors que tout est parti en vrille : les barrières se sont effondrées, les grands costauds – tee-shirts noirs fraîchement endossés – de la Brigade antinégrophobie ont ouvert la voie et jeudi 27 novembre la foule galvanisée s'est ruée sur le Théâtre Gérard-Philipe (TGP) à Saint-Denis en banlieue parisienne. Une vitre brisée d'une frappe de marteau, quelques coups donnés, un début d'envahissement rapidement repoussé par la sécurité et des policiers arrivés en courant qui n'avaient visiblement rien vu venir. »

Mais que voit on exactement sur scène et que vit on en tant que spectateur/trices ?
Sarah Myers une militante crée une pétition en ligne « annulation de l'exposition raciste. Mais elle n'est pas la seule à s'en étrangler.

« Des Noirs, à demi dénudés, silencieux, immobiles, esthétisés sous une lumière décorative ! Un spectacle fait par un Blanc pour des Blancs qui vont voir le Noir humilié, et repartent avec un frisson d'horreur et de culpabilité... Et tout ça avec de l'argent public ! »

John Mullen lui aussi militant, du Front de gauche, professeur d'histoire au département d'anglais de l'université de Créteil, Blanc (lui aussi), antiraciste (lui aussi), issu d'un milieu ouvrier au nord de Manchester n'a qu'un seul but: faire interdire Exhibit B : « 70 000 personnes ont lu mon blog, de ma vie entière de militant cela ne m'est jamais arrivé...

Exibit B-le Zoo humain. 22988 signatures alors que cela fait trois ans que le projet circule partout et que c'est principalement une oeuvre qui dénonce le racisme aux yeux de l'assistante et comédienne Berthe Tanwo Njole.

« Je me demande qui est le raciste puisque l'on reproche à Brett Bailey d'être blanc. voilà la vraie question. On reproche à un sud africain blanc d'expliquer aux africains leur histoire. Jusqu'à preuve du contraire il est aussi africain que moi et lorsque j'ai commence a travaillé avec lui j'ai d'abord vu un être Humain. »

L'article du monde décrit des scènes d'une grande violence :

« La barrière a commencé à vaciller. Franco alias le Pacificateur dans l'ancien groupe de rap La Brigade, a grimpé sur la première marche le mégaphone à la main. « Mon corps n'est pas à vendre ! », « Décolonisons l'imaginaire ! », disaient les sages banderoles. « Salopards ! » a hurlé une pasionaria petite et baraquée. Et c'est alors que tout est parti en vrille : les barrières se sont effondrées, les grands costauds – tee-shirts noirs fraîchement endossés – de la Brigade antinégrophobie ont ouvert la voie et jeudi 27 novembre la foule galvanisée s'est ruée sur le Théâtre Gérard-Philipe (TGP) à Saint-Denis en banlieue parisienne. Une vitre brisée d'une frappe de marteau, quelques coups donnés, un début d'envahissement rapidement repoussé par la sécurité et des policiers arrivés en courant qui n'avaient visiblement rien vu venir. »

Mais que voit on exactement sur scène et que vit on en tant que spectateur/trices ?
B/L'installation de Brett Bailey

Il a voulu faire une installation à propos des pires horreurs que l'être humain

Est capable de faire à partir du moment où il se met dans une position supérieure en
décidant que, sur le critère de la couleur de la peau, l'autre est un objet.

Les mises en situation des artistes provoque donc cet état de supériorité chez celui
qui regarde et vit l'installation. D'après Brett Bailey son œuvre « explore les
dimensions et la complexité du paysage africain colonial et post colonial »

Exhibit B est une installation-performance centrée sur l'histoire occultée du racisme et les rapports de pouvoir complexes entre Europe et Afrique de la fin du XVIIIe siècle à nos jours.

« Exhibit » comme « exhibition » bien sûr, mais aussi pour ce que le terme signifie littéralement : « pièce à conviction » (cette explication est trouvable dans le programme de la performance). C'est cette relation brutale de l'acceptation que met en scène cette exposition transposée : des pièces à conviction humaines, en chair et en os, immobiles.

On voit une série de tableaux vivants construits sur le modèle des zoos humains, l'ensemble fait écho aux expositions ethnographiques et au racisme scientifique qui ont proliféré dès les années 1850 dans les pays colonialistes. Par ce voyage dans le temps, Brett Bailey convoque les atrocités commises en Afrique et interroge les politiques actuelles envers les immigrés africains en Europe. Cette proposition d'une grande force plastique et politique est une expérience déroutante et rare pour le spectateur, questionnant son statut même. Au plus près d'une reconstitution des faits historiques, des sentiments puissants surgissent devant ce qui d'habitude est relaté sur une page de livre scolaire. Ici, aucun objet n'instaure de distance entre celui qui contemple et celui qui est contemplé. C'est, en son principe, le regard posé sur l'altérité qui est réexaminé.

Les spectateurs ont des indications avant l'entrée de l'exposition, le silence les directions, le rapport à la sacralité est posé. Les mise en scène des oeuvres vivantes exposées répondent à tous les critères de la muséographie. (éclairage, angle gardiens d'exposition, cartels, cimaises etc).

Les personnes exposées sont toutes d'origines africaines, des humains de chair et d'os. On peut passer et repasser librement devant ces œuvres. Sur les cartels on peut lire « Trophées ramenés en Europe du Congo français ».

Les interprètes immobiles quant à eux regardent le spectateur et suivent des yeux le moindre de ses déplacements.
B/L'installation de Brett Bailey

Il a voulu faire une installation à propos des pires horreurs que l'être humain

Est capable de faire à partir du moment où il se met dans une position supérieure en
décidant que, sur le critère de la couleur de la peau, l'autre est un objet.

Les mises en situation des artistes provoque donc cet état de supériorité chez celui
qui regarde et vit l'installation. D'après Brett Bailey son œuvre « explore les
dimensions et la complexité du paysage africain colonial et post colonial »

Exhibit B est une installation-performance centrée sur l'histoire occultée du racisme et les rapports de pouvoir complexes entre Europe et Afrique de la fin du XVIIIe siècle à nos jours.

« Exhibit » comme « exhibition » bien sûr, mais aussi pour ce que le terme signifie littéralement : « pièce à conviction » (cette explication est trouvable dans le programme de la performance). C'est cette relation brutale de l'acceptation que met en scène cette exposition transposée : des pièces à conviction humaines, en chair et en os, immobiles.

On voit une série de tableaux vivants construits sur le modèle des zoos humains,
l'ensemble fait écho aux expositions ethnographiques et au racisme scientifique qui
ont proliféré dès les années 1850 dans les pays colonialistes. Par ce voyage dans le
temps, Brett Bailey convoque les atrocités commises en Afrique et interroge les
politiques actuelles envers les immigrés africains en Europe. Cette proposition d'une
grande force plastique et politique est une expérience déroutante et rare pour le
spectateur, questionnant son statut même. Au plus près d'une reconstitution des faits
historiques, des sentiments puissants surgissent devant ce qui d'habitude est relaté
sur une page de livre scolaire. Ici, aucun objet n'instaure de distance entre celui qui
contemple et celui qui est contemplé. C'est, en son principe, le regard posé sur
l'altérité qui est réexaminé.

Les spectateurs ont des indications avant l'entrée de l'exposition, le silence les
directions, le rapport à la sacralité est posé. Les mise en scène des oeuvres vivantes
exposées répondent à tous les critères de la muséographie. (éclairage, angle
gardiens d'exposition, cartels, cimaises etc).

Les personnes exposées sont toutes d'origines africaines, des humains de chair et d'os. On peut passer et repasser librement devant ces œuvres. Sur les cartels on peut lire « Trophées ramenés en Europe du Congo français ».

Les interprètes immobiles quant à eux regardent le spectateur et suivent des yeux le
moindre de ses déplacements.
Dans cette église en chantier, une permanente mise à distance s'opère, suscitée par le ton froid, clinique et grinçant des cartels – « *Objet trouvé désignant*, par exemple, un réfugié du XXIe siècle en attente d'expulsion »

Entre une ironie cynique et une esthétique indubitable sans pathos ni moralisme
le propos est amplifié. Ce geste artistique est sur le fil.1.

Suite aux manifestations et à l'annulation à Londres, Brett Bailey s'en trouve
meurtri « *Mon art défend ce qu'ils défendent* » l'équipe est en colère.

Même si Brett Bailey assume son choix il finit par regretter et se demande si
l'exposition se justifie encore compte tenu du fracas quelle provoque il la voit
comme une aiguille qui percerait un abscès de fureur de frustration et de
douleur.2.

En effet, s'il est encore un sujet tabou à vif dans nos questionnements modernes,
c'est bien celui lié à l'histoire colonial africaine et panafricaine.

Dans toutes les strates de la société un éveil des consciences est en cours, les mouvements décolonisons les arts et les nombreux travaux et écrits et nombreuses dénonciation de la non représentativité des récits et des personnes issues des minorités travaillent sans relâche à faire rendre digne la mémoire.

Sidi Mohamed Barkat chercheur associé au laboratoire de psychologie du travail et de l'action du conservatoire national des Arts et Métiers, avait défini dans son livre « le corps d'exception » le rapport frontal entre l'indigénat et le système colonial, pour lui les colonisés ont été institués comme corps d'exception, l'image de corps sans raison réputé dangereux, indignes de la qualité de citoyen mais cependant membre de la nation française, inclus dans le corps social en tant qu'exclus, soumis à un régime légal d'exception permanent établissant au cœur de l'état de droit une suspension du principe d'égalité. Cette réduction des colonisés à des corps simplement organiques et des-humanisés, ainsi que leur exclusion de la sphère politique, ont rendu pensable et possible leur transformation en corps indifférenciés pouvant être mis à mort arbitrairement, au moment précis où ils prétendaient apparaître dans l'espace public comme des sujets porteurs du droit d'avoir des droits.3.

Notes:

1. Caroline Châtelet https://doi.org/10.4000/agon.2709

2. Libé culture par Sabine Cessou publié le 7 décembre 2014

3. »Le corps d'exception» Sidi Mohamed Barkat