California Adventure » une mise à jour de la « Tower of Terror » qui devenait l'attraction « Guardians of the Galaxy: Mission Breakout! », orientant la sensation de peur initiale de l'attraction en quelque chose d'excitant s'apparentant au ton des films. Outre cette attraction lancée le 27 mai 2017, « Animal Kingdom » fit sortir le même jour l'une de ses plus grosses extensions : « Pandora – The World of Avatar ». Conçue comme une expérience sensorielle immersive, l'attraction a pour but de donner vie au film de James Cameron tout en amenant le parc dans la nuit, créant une nouvelle expérience grâce à un système d'effets bioluminescents attachés aux éléments du décor. La dernière extension liée à la capitalisation de marque pour les parcs a eu lieu le 31 mai 2019 dans les parcs Disneyland à Anaheim et Disney Hollywood Studio à Orlando. S'agissant de la plus grande expansion d'un parc d'attraction autour d'une « thématique unique », Disney lance « Star Wars: Galaxy's Edge » dans le but de créer un parc Star Wars à tous les niveaux de sa conception et de brouiller lignes entre ce qui tient de l'attraction ou non. Si la vague des modernisations a d'abord été accueillie avec du scepticisme de la part des fans puristes des parcs Disney, le public n'a cessé de croître au fur et à mesure de ces mouvements au sein des parcs.<fnref n="107" />

La troisième décision d'Iger concernant l'expansion de l'entreprise à travers les parcs est sans nul doute la plus important de toute : la création du parc de Shanghai. Pour Iger, il s'agissait ni plus ni moins que du mouvement le plus important de son mandat à ses yeux :

> « C'était la première fois que nous amenions nos parcs à thèmes dans les terres chinoises. J'ai travaillé sur le projet pendant 19 ans. J'avais mis le pied pour la première fois dans le pays en 1998. Nous avons dû faire face à plusieurs négociations politiques, des changements de régimes politiques, tous les styles de discussions inimaginables. [...] Mais je pensais que ce serait le temps le plus important de ma carrière, ainsi qu'un grand moment pour la Walt Disney Company d'apporter un parc à thème en Chine. Je pensais que cela signifiait beaucoup pour le monde également parce que Disneyland est une grande icône américaine ».<fnref n="108" />

D'un budget initial de 3.7 milliards de dollars, il s'agit du plus gros investissement de la Walt Disney Company à l'international quand bien même ils sont détenteurs minoritaires du

<footnote n="107">¹⁰⁷ *The Imagineering Story*, épisode 6 « To Infinity and Beyond ».</footnote>

<footnote n="108">¹⁰⁸ Traduit de l'anglais WINFREY Oprah, « Disney CEO Robert Iger talks with Oprah Winfrey about his life and career at Disney », https://www.youtube.com/watch?v=OS4y0giPVaE&list=WL&index=14&t=1286s</footnote>
projet. Le plus important pour Iger et son équipe à Imagineering est de trouver la balance parfaite entre « héritage culturel chinois » et « tradition Disney » :

> « Nous étions sur le point d'annoncer le contrat et je voulais que tout le monde sache que nous faisions très attention en nous installant en Chine à respecter parfaitement le peuple chinois et sa culture. Alors que nous préparions le communiqué de presse, je proposai : « L'authenticité Disney, la distinction chinoise ». Et la formule plut ».<fnref n="109" />

Avec ce partenariat, Disney a créé le parc présentant le plus de modifications pour davantage satisfaire les attentes du public chinois. Aucun élément de la culture américaine n'est présent dans le parc, notamment « Main Street » qui est remplacé par « Gardens of Imagination », un espace de convivialité pour se retrouver en famille pour l'équipe d'Imagineering. Plusieurs attractions phares des autres parcs sont absentes comme « Jungle Cruise » ou « Haunted Mansion » et d'autres sont modifiées, comme l'attraction Pirates of the Caribbean rendue plus dynamique que celle d'Anaheim ou le « Space Mountain » devenant une attraction liée au film Tron pour son côté plus futuriste.<fnref n="110" /> Malgré tous ces changements, les enjeux économiques et les perspectives d'avenir sont beaucoup trop élevés pour l'entreprise selon Iger :

> « Dans un pays de 1.3 milliards d'habitants, nous espérons que 10 millions d'entre eux iront [dans le parc], ce qui reste un faible pourcentage de la population. Mais comme avec ce qu'il s'est passé dans les Etats-Unis dans les années 1950, cela devient une expérience "cathartique", avec une marque "cathartique" pour des enfants qui grandissent. Nous voulons créer quelque chose de similaire en Chine. Nous avions un partenaire très volontaire en Chine qui nous a aidés à passer un deal très complexe mais à la fin, ils ont senti que cela serait bénéfique pour la Chine. Cela leur permettait de créer un nombre important d'emplois sur l'immense marché qu'est Shanghai et nous pensions qu'il s'agissait probablement de la meilleure manière pour nous de faire grandir notre marque sur un marché présentant certes plusieurs challenges mais qui était immense ».<fnref n="111" />

Le 16 juin 2016, le douzième parc Disney ouvre ses portes pour un budget avoisinant au final 5.5 milliards de dollars. Le succès est immédiat pour l'entreprise, avec des critiques positives

<footnote n="109">¹⁰⁹ *The Imagineering Story*, épisode 6 « To Infinity and Beyond ».</footnote>

<footnote n="110">¹¹⁰ *Ibid*.</footnote>

<footnote n="111">¹¹¹ Traduit de l'anglais OLIAN Judy D., vid cit., https://www.youtube.com/watch?v=OJ1K61bYP5A&list=WL&index=15&t=28s</footnote>
projet. Le plus important pour Iger et son équipe à Imagineering est de trouver la balance parfaite entre « héritage culturel chinois » et « tradition Disney » :

> « Nous étions sur le point d'annoncer le contrat et je voulais que tout le monde sache que nous faisions très attention en nous installant en Chine à respecter parfaitement le peuple chinois et sa culture. Alors que nous préparions le communiqué de presse, je proposai : « L'authenticité Disney, la distinction chinoise ». Et la formule plut ».<fnref n="109" />

Avec ce partenariat, Disney a créé le parc présentant le plus de modifications pour davantage satisfaire les attentes du public chinois. Aucun élément de la culture américaine n'est présent dans le parc, notamment « Main Street » qui est remplacé par « Gardens of Imagination », un espace de convivialité pour se retrouver en famille pour l'équipe d'Imagineering. Plusieurs attractions phares des autres parcs sont absentes comme « Jungle Cruise » ou « Haunted Mansion » et d'autres sont modifiées, comme l'attraction Pirates of the Caribbean rendue plus dynamique que celle d'Anaheim ou le « Space Mountain » devenant une attraction liée au film Tron pour son côté plus futuriste.<fnref n="110" /> Malgré tous ces changements, les enjeux économiques et les perspectives d'avenir sont beaucoup trop élevés pour l'entreprise selon Iger :

> « Dans un pays de 1.3 milliards d'habitants, nous espérons que 10 millions d'entre eux iront [dans le parc], ce qui reste un faible pourcentage de la population. Mais comme avec ce qu'il s'est passé dans les Etats-Unis dans les années 1950, cela devient une expérience "cathartique", avec une marque "cathartique" pour des enfants qui grandissent. Nous voulons créer quelque chose de similaire en Chine. Nous avions un partenaire très volontaire en Chine qui nous a aidés à passer un deal très complexe mais à la fin, ils ont senti que cela serait bénéfique pour la Chine. Cela leur permettait de créer un nombre important d'emplois sur l'immense marché qu'est Shanghai et nous pensions qu'il s'agissait probablement de la meilleure manière pour nous de faire grandir notre marque sur un marché présentant certes plusieurs challenges mais qui était immense ».<fnref n="111" />

Le 16 juin 2016, le douzième parc Disney ouvre ses portes pour un budget avoisinant au final 5.5 milliards de dollars. Le succès est immédiat pour l'entreprise, avec des critiques positives

<footnote n="109">¹⁰⁹ *The Imagineering Story*, épisode 6 « To Infinity and Beyond ».</footnote>

<footnote n="110">¹¹⁰ *Ibid*.</footnote>

<footnote n="111">¹¹¹ Traduit de l'anglais OLIAN Judy D., vid cit., https://www.youtube.com/watch?v=OJ1K61bYP5A&list=WL&index=15&t=28s</footnote>
du parc et plus de 11 millions de visiteurs la première année, dépassant de loin les prévisions de l'époque.<fnref n="112" />

<figure><img src="image_10.png" /><figcaption>Photo d'ensemble de Disneyland Shanghai<fnref n="113" /></figcaption></figure>

Prenant du recul sur cet accomplissement de la Walt Disney Company, Bob Iger ne s'est apparemment pas trompé :

« C'est le plus grand moment de ma carrière ».<fnref n="114" />

### III- Les clés du succès selon Iger

« S'il on a un grand succès, ou que l'on a accompli quelque chose de bien, essayer de rendre cette chose la meilleure possible m'a vraiment frappé comme principe de leadership. Tout au long de mon parcours, j'ai été le témoin de personnes qui se sont contentés du “bien” lorsque cela aurait pu être génial, voire même “accepter la médiocrité” ce qui est bien pire. J'ai donc essayé d'inculquer cela chez les gens : “si vous avez du temps et des ressources, ce qui est fréquemment le cas, prenez le temps et utilisez ces ressources pour rendre quelque chose de bien en quelque chose de génial”. C'est plus facile, il y a moins de résistance lorsqu'on s'arrête à un point [ou si on abandonne]. C'est plus dur de faire quelque chose de génial mais nous devons travailler plus pour cela ».<fnref n="115" />

<footnote n="112">¹¹² Ibid.</footnote>

<footnote n="113">¹¹³ Image prise sur : https://news cgtn com/news/2020-03-09/Shanghai-Disneyland-remains-closed-parts-of-the-resort-will-reopen-Olk04ho7Cw/index.html</footnote>

<footnote n="114">¹¹⁴ The Imagineering Story, épisode 6 « To Infinity and Beyond ».</footnote>

<footnote n="115">¹¹⁵ Traduit de l'anglais dans WINFREY Oprah, vid cit., https://www.youtube.com/watch?v=OS4y0giPVaE&list=WL&index=14&t=1286s</footnote>
du parc et plus de 11 millions de visiteurs la première année, dépassant de loin les prévisions de l'époque.<fnref n="112" />

<figure><img src="image_9.png" /><figcaption>Photo d'ensemble de Disneyland Shanghai<fnref n="113" /></figcaption></figure>

Prenant du recul sur cet accomplissement de la Walt Disney Company, Bob Iger ne s'est apparemment pas trompé :

« C'est le plus grand moment de ma carrière ».<fnref n="114" />

### III- Les clés du succès selon Iger

« S'il on a un grand succès, ou que l'on a accompli quelque chose de bien, essayer de rendre cette chose la meilleure possible m'a vraiment frappé comme principe de leadership. Tout au long de mon parcours, j'ai été le témoin de personnes qui se sont contentés du "bien" lorsque cela aurait pu être génial, voire même "accepter la médiocrité" ce qui est bien pire. J'ai donc essayé d'inculquer cela chez les gens : "si vous avez du temps et des ressources, ce qui est fréquemment le cas, prenez le temps et utilisez ces ressources pour rendre quelque chose de bien en quelque chose de génial". C'est plus facile, il y a moins de résistance lorsqu'on s'arrête à un point [ou si on abandonne]. C'est plus dur de faire quelque chose de génial mais nous devons travailler plus pour cela ».<fnref n="115" />

<footnote n="112">¹¹² Ibid.</footnote>

<footnote n="113">¹¹³ Image prise sur : https://news cgtn com/news/2020-03-09/Shanghai-Disneyland-remains-closed-parts-of-the-resort-will-reopen-Olk04ho7Cw/index.html</footnote>

<footnote n="114">¹¹⁴ The Imagineering Story, épisode 6 « To Infinity and Beyond ».</footnote>

<footnote n="115">¹¹⁵ Traduit de l'anglais dans WINFREY Oprah, vid cit., https://www.youtube.com/watch?v=OS4y0giPVaE&list=WL&index=14&t=1286s</footnote>
Cette citation concernant la poursuite insatiable de la perfection, en réalité inspiré de la
doitrine d'un grand chef cuisinier japonais, est l'un des nombreux préceptes de la
philosophie de Bob Iger concernant la manière de gérer au mieux son entreprise. Selon lui, il
doit y avoir trois clés majeures pour le bon fonctionnement de son entreprise : suivre une
liste préétablie de principes de leadership, être capable de créer une bonne équipe autour
de soi et savoir être capable de gérer les situations de crises.

a. Les principes essentiels du leadership d'Iger

En ayant été dans le monde des médias dès les années 1970 et président de la Walt Disney
Company, Bob Iger a accumulé une expérience qui lui a permis d'adopter une
« philosophie » autour du leadership qui lui est propre. Selon, lui, il existe différents critères
fondamentaux qui définissent le succès de son leadership. Il y a trois axes majeurs qui
ressortent.

Le premier concerne sa vision idéalisée d'un travail bien accompli. Comme il a été indiqué
précédemment, Iger est un fervent défenseur de l'idée de perfection. Il est un leader qui
pousse ses employés dans leurs derniers retranchements pour qu'ils puissent être investis
un maximum dans leurs travaux. Selon lui, obliger ses employés à constamment chercher la
perfection est ce qu'il y a de mieux pour la marque qu'ils représentent. Vient ensuite la
notion « d'être décisif ». Pour Iger, elle est la clé qui permet à une équipe d'avoir une vision
et un ordre de marche à suivre. S'il ne faut pas qu'un leader apparaisse comme impulsif, il
n'y a rien de pire pour une équipe qu'un leader toujours indécis. Toute forme d'indécision
est contreproductive tant sur le long que le court terme. A partir de ce moment, il faut que
sa vision idéalisée du travail se fasse avec une grande intégrité. Elle est le meilleur moyen
pour Iger d'être en adéquation avec sa philosophie. Si Iger veut être le leader qu'on a
présenté, c'est-à-dire quelqu'un qui prône un grand degré de créativité au sein de son
entreprise, ses décisions ne peuvent pas aller contre cette notion. Si un leader comme lui
sait qu'une situation épineuse doit avoir lieu, il se doit d'utiliser des moyens créatifs pour
parvenir à l'outrepasser.<fnref n="116" />

<footnote n="116">116 IGER Bob, « Bob Iger – Teaches Business Strategy and Leadership », *Tenets For Success*, https://www.masterclass.com/classes/bob-iger-teaches-business-strategy-and-leadership</footnote>
Cette citation concernant la poursuite insatiable de la perfection, en réalité inspiré de la
doitrine d'un grand chef cuisinier japonais, est l'un des nombreux préceptes de la
philosophie de Bob Iger concernant la manière de gérer au mieux son entreprise. Selon lui, il
doit y avoir trois clés majeures pour le bon fonctionnement de son entreprise : suivre une
liste préétablie de principes de leadership, être capable de créer une bonne équipe autour
de soi et savoir être capable de gérer les situations de crises.

a. Les principes essentiels du leadership d'Iger

En ayant été dans le monde des médias dès les années 1970 et président de la Walt Disney
Company, Bob Iger a accumulé une expérience qui lui a permis d'adopter une
« philosophie » autour du leadership qui lui est propre. Selon, lui, il existe différents critères
fondamentaux qui définissent le succès de son leadership. Il y a trois axes majeurs qui
ressortent.

Le premier concerne sa vision idéalisée d'un travail bien accompli. Comme il a été indiqué
précédemment, Iger est un fervent défenseur de l'idée de perfection. Il est un leader qui
pousse ses employés dans leurs derniers retranchements pour qu'ils puissent être investis
un maximum dans leurs travaux. Selon lui, obliger ses employés à constamment chercher la
perfection est ce qu'il y a de mieux pour la marque qu'ils représentent. Vient ensuite la
notion « d'être décisif ». Pour Iger, elle est la clé qui permet à une équipe d'avoir une vision
et un ordre de marche à suivre. S'il ne faut pas qu'un leader apparaisse comme impulsif, il
n'y a rien de pire pour une équipe qu'un leader toujours indécis. Toute forme d'indécision
est contreproductive tant sur le long que le court terme. A partir de ce moment, il faut que
sa vision idéalisée du travail se fasse avec une grande intégrité. Elle est le meilleur moyen
pour Iger d'être en adéquation avec sa philosophie. Si Iger veut être le leader qu'on a
présenté, c'est-à-dire quelqu'un qui prône un grand degré de créativité au sein de son
entreprise, ses décisions ne peuvent pas aller contre cette notion. Si un leader comme lui
sait qu'une situation épineuse doit avoir lieu, il se doit d'utiliser des moyens créatifs pour
parvenir à l'outrepasser.<fnref n="116" />

<footnote n="116">116 IGER Bob, « Bob Iger – Teaches Business Strategy and Leadership », *Tenets For Success*, https://www.masterclass.com/classes/bob-iger-teaches-business-strategy-and-leadership</footnote>
Le second axe qui définit sa manière de voir le leadership concerne son rapport à la franchise et à « l'authenticité ». Pour Iger, il s'agit sans doute de l'éthique la plus importante lorsque l'on est dans sa position de PDG :

> « Lorsque je parle “d'authenticité” dans le leadership, je parle d'être honnête, d'être franc, vrai. Je parle du fait de ne jamais truquer quoi que ce soit ou de faire quoi que ce soit qui ne prend pas ses racines dans la vérité ».<fnref n="117" />

L'authenticité permet d'être honnête, une autre valeur importante pour Bob Iger. Selon lui, être honnête tient avant tout à se montrer reconnaissant envers ses employés. Pour cela, il s'agit d'être présent auprès d'eux et leur montrer qu'il éprouve de l'intérêt pour eux. Enfin, si un leader doit être franc, il faut que celui-ci puisse être capable de reconnaître les erreurs de ses employés. Les erreurs pour Iger dans ce sens tiennent davantage à la notion d'échec, comme échouer dans un processus créatif par exemple. Si échec il y a, il faut utiliser ce moment pour permettre à ces personnes de pleinement les assumer et d'essayer d'y remédier par la suite. Il faut essayer de créer une culture de résilience qui leur permette mieux de prendre la responsabilité de leurs actions.<fnref n="118" />

Le dernier axe concerne le positivisme qu'il doit générer dans une entreprise. L'un des ennemis ultimes du leadership est le pessimisme pour Iger. Le fait d'injecter de l'optimisme peut être un facteur de motivation importante pour un groupe. Il est la base de tout leadership selon Iger :

> « Un leader peut être réaliste mais il est très important d'infuser un niveau d'optimisme dans à peu près tout ce qu'il se passe et dans ce qu'un leader demande aux gens de faire ».<fnref n="119" />

Il y a également un rôle pour la curiosité et l'humour dans sa gestion de l'entreprise. Si l'humour est un avant tout un détail qui peut ajouter de la valeur à un bon leadership, la curiosité quant à elle est vitale à la fois pour un patron et pour ses employés :

> « Je pense que c'est compliqué d'enseigner aux gens d'être curieux mais je pense que c'est important de les encourager à l'être. Tout le monde a un niveau de curiosité et des fois, cette curiosité doit être développée. Des fois aussi cela prend du temps

<footnote n="117">¹¹⁷ Traduit de l'anglais dans : *Ibid*.</footnote>

<footnote n="118">¹¹⁸ *Ibid*.</footnote>

<footnote n="119">¹¹⁹ Traduit de l'anglais dans *Ibid*.</footnote>
Le second axe qui définit sa manière de voir le leadership concerne son rapport à la franchise et à « l'authenticité ». Pour Iger, il s'agit sans doute de l'éthique la plus importante lorsque l'on est dans sa position de PDG :

> « Lorsque je parle “d'authenticité” dans le leadership, je parle d'être honnête, d'être franc, vrai. Je parle du fait de ne jamais truquer quoi que ce soit ou de faire quoi que ce soit qui ne prend pas ses racines dans la vérité ».<fnref n="117" />

L'authenticité permet d'être honnête, une autre valeur importante pour Bob Iger. Selon lui, être honnête tient avant tout à se montrer reconnaissant envers ses employés. Pour cela, il s'agit d'être présent auprès d'eux et leur montrer qu'il éprouve de l'intérêt pour eux. Enfin, si un leader doit être franc, il faut que celui-ci puisse être capable de reconnaître les erreurs de ses employés. Les erreurs pour Iger dans ce sens tiennent davantage à la notion d'échec, comme échouer dans un processus créatif par exemple. Si échec il y a, il faut utiliser ce moment pour permettre à ces personnes de pleinement les assumer et d'essayer d'y remédier par la suite. Il faut essayer de créer une culture de résilience qui leur permette mieux de prendre la responsabilité de leurs actions.<fnref n="118" />

Le dernier axe concerne le positivisme qu'il doit générer dans une entreprise. L'un des ennemis ultimes du leadership est le pessimisme pour Iger. Le fait d'injecter de l'optimisme peut être un facteur de motivation importante pour un groupe. Il est la base de tout leadership selon Iger :

> « Un leader peut être réaliste mais il est très important d'infuser un niveau d'optimisme dans à peu près tout ce qu'il se passe et dans ce qu'un leader demande aux gens de faire ».<fnref n="119" />

Il y a également un rôle pour la curiosité et l'humour dans sa gestion de l'entreprise. Si l'humour est un avant tout un détail qui peut ajouter de la valeur à un bon leadership, la curiosité quant à elle est vitale à la fois pour un patron et pour ses employés :

> « Je pense que c'est compliqué d'enseigner aux gens d'être curieux mais je pense que c'est important de les encourager à l'être. Tout le monde a un niveau de curiosité et des fois, cette curiosité doit être développée. Des fois aussi cela prend du temps

<footnote n="117">¹¹⁷ Traduit de l'anglais dans : *Ibid*.</footnote>

<footnote n="118">¹¹⁸ *Ibid*.</footnote>

<footnote n="119">¹¹⁹ Traduit de l'anglais dans *Ibid*.</footnote>
d'être curieux. C'est une forme de consommation d'énergie d'une certaine manière mais c'est quelque chose que j'encourage chez les gens et que je recherche lorsque j'embauche quelqu'un ».<fnref n="120" />

Lorsque l'on regarde en détail les principes de leadership de Bob Iger, on se rend compte qu'il reprend un nombre incalculable de principes de Walt Disney. On retrouve en grande partie une mise en avant du système américain et de ses valeurs. Walt Disney était connu pour être un patriote et la manière dont il a construit son empire est rempli des valeurs et stéréotypes américain du « self-made man ». On remarque que cette vision de l'Amérique était même un aspect fondamental de ses films :

> « Le modèle américain prévaut, avec un monde à l'image des Etats-Unis et d'Hollywood, terre du "melting pot" et des bons sentiments, et "land of oppotunities". Le cinéma de Disney est construit sur la logique du "Go West" et donc l'idée d'une quête positive semée d'embûches envisagées comme autant d'étapes spirituelles vers l'accession à l'humanité. Le Destin est là, veillant sur tous ceux assurés d'en avoir un ».<fnref n="121" />

Iger s'approprie à sa manière les codes et les valeurs profondément américaines de Walt Disney. Il prône une glorification de l'individualisme à base de rêve américain et avec un optimisme béat. Tous ces éléments se retrouvent dans son management et dans sa « philosophie » de leadership.

## b. L'équipe

> « Vous devez commencer par former une bonne équipe. Avec une entreprise de cette envergure, avec tous ses business et beaucoup de complexité, vous ne pouvez pas vous en sortir tout seul. Vous devez construire une équipe avec le temps. Vous les laissez prendre les décisions, qu'elles soient créatives ou d'affaires. Je leur laisse la place d'opérer car certains business sont énormes en soi, comme celui des parcs à thèmes par exemple ».<fnref n="122" />

La Walt Disney Company étant une entreprise et un studio de cinéma, il est possible de scinder l'équipe de Bob Iger en deux groupes majeurs : l'équipe administrative et l'équipe

<footnote n="120">¹²⁰ Traduit de l'anglais dans *Ibid*.</footnote>

<footnote n="121">¹²¹ DENIS Sébastien, *opus cit.*, p. 168.</footnote>

<footnote n="122">¹²² WINFREY Oprah, *vid cit.*, https://www.youtube.com/watch?v=OS4y0giPVaE&list=WL&index=14&t=1286s</footnote>
d'être curieux. C'est une forme de consommation d'énergie d'une certaine manière mais c'est quelque chose que j'encourage chez les gens et que je recherche lorsque j'embauche quelqu'un ».<fnref n="120" />

Lorsque l'on regarde en détail les principes de leadership de Bob Iger, on se rend compte qu'il reprend un nombre incalculable de principes de Walt Disney. On retrouve en grande partie une mise en avant du système américain et de ses valeurs. Walt Disney était connu pour être un patriote et la manière dont il a construit son empire est rempli des valeurs et stéréotypes américain du « self-made man ». On remarque que cette vision de l'Amérique était même un aspect fondamental de ses films :

> « Le modèle américain prévaut, avec un monde à l'image des Etats-Unis et d'Hollywood, terre du "melting pot" et des bons sentiments, et "land of oppotunities". Le cinéma de Disney est construit sur la logique du "Go West" et donc l'idée d'une quête positive semée d'embûches envisagées comme autant d'étapes spirituelles vers l'accession à l'humanité. Le Destin est là, veillant sur tous ceux assurés d'en avoir un ».<fnref n="121" />

Iger s'approprie à sa manière les codes et les valeurs profondément américaines de Walt Disney. Il prône une glorification de l'individualisme à base de rêve américain et avec un optimisme béat. Tous ces éléments se retrouvent dans son management et dans sa « philosophie » de leadership.

## b. L'équipe

> « Vous devez commencer par former une bonne équipe. Avec une entreprise de cette envergure, avec tous ses business et beaucoup de complexité, vous ne pouvez pas vous en sortir tout seul. Vous devez construire une équipe avec le temps. Vous les laissez prendre les décisions, qu'elles soient créatives ou d'affaires. Je leur laisse la place d'opérer car certains business sont énormes en soi, comme celui des parcs à thèmes par exemple ».<fnref n="122" />

La Walt Disney Company étant une entreprise et un studio de cinéma, il est possible de scinder l'équipe de Bob Iger en deux groupes majeurs : l'équipe administrative et l'équipe

<footnote n="120">¹²⁰ Traduit de l'anglais dans *Ibid*.</footnote>

<footnote n="121">¹²¹ DENIS Sébastien, *opus cit.*, p. 168.</footnote>

<footnote n="122">¹²² WINFREY Oprah, *vid cit.*, https://www.youtube.com/watch?v=OS4y0giPVaE&list=WL&index=14&t=1286s</footnote>
créative. Si une présentation de chaque membre apparaît comme fondamentale pour comprendre en détail le fonctionnement de l'entreprise, il est possible cependant de sortir du lot des personnes qui, à mon sens, ont qui ont le plus d'influence au sein de Disney.

## Membres importants de l'équipe administrative de Bob Iger

L'équipe administrative de la Walt Disney Company est scindée en deux parties majeures. On retrouve le conseil d'administration de l'entreprise qui représente les actionnaires et contrôle les actions menées par la direction de l'entreprise. On retrouve ensuite le comité de direction qui prend en compte les demandes du conseil d'administration et qui détermine comment cela doit se traduire dans les décisions de l'entreprise. De cette équipe se dégage trois personnes ayant une influence significative sur le fonctionnement de Disney.

<figure><img src="image_11.png" /><figcaption>Alan F. Horn</figcaption></figure>

Coprésident du comité de direction et chef du secteur créatif à Walt Disney Studios, il est responsable de toutes les stratégies créatives et des opérations globales de la division Disney's Studio Entertainment, supervisant la production, le marketing et la distribution du studio. Il est l'une des figures les plus respectées d'Hollywood. Cofondateur de Castle Rock Entertainment en 1987, il a contribué au développement avec sa société de plusieurs films à succès comme *The Shawshank Redemption* ou *The Green Mile*. De 1999 à 2011, il est engagé par Warner Bros. en tant que Directeur Général où il s'occupe des sorties en cinéma et en vidéo du groupe. Durant son passage, Warner connaît un âge d'or tant critique que populaire au cinéma avec des films comme *The Departed*, *Million Dollar Baby*, *The Dark Knight* ou encore toute la saga *Harry Potter*. Depuis son arrivée chez Disney en 2012, il tient une place importante dans les acquisitions de Lucasfilm et de la 21<sup>st</sup> Century Fox ainsi que dans le développement de Disney+. En plus de son activité chez Disney, il est membre de l'Académie des Oscars, de l'Académie des Emmy Awards et du conseil d'administration de l'American Film Institute.<sup>123</sup>

<footnote n="123">123 Image et texte : Rédaction, « Alan F. Horn », https://thewaltdisneycompany.com/leaders/alan-f-horn/</footnote>
créative. Si une présentation de chaque membre apparaît comme fondamentale pour comprendre en détail le fonctionnement de l'entreprise, il est possible cependant de sortir du lot des personnes qui, à mon sens, ont qui ont le plus d'influence au sein de Disney.

## Membres importants de l'équipe administrative de Bob Iger

L'équipe administrative de la Walt Disney Company est scindée en deux parties majeures. On retrouve le conseil d'administration de l'entreprise qui représente les actionnaires et contrôle les actions menées par la direction de l'entreprise. On retrouve ensuite le comité de direction qui prend en compte les demandes du conseil d'administration et qui détermine comment cela doit se traduire dans les décisions de l'entreprise. De cette équipe se dégage trois personnes ayant une influence significative sur le fonctionnement de Disney.

### Alan F. Horn

<figure><img src="image_10.png" /></figure>

Coprésident du comité de direction et chef du secteur créatif à Walt Disney Studios, il est responsable de toutes les stratégies créatives et des opérations globales de la division Disney's Studio Entertainment, supervisant la production, le marketing et la distribution du studio. Il est l'une des figures les plus respectées d'Hollywood. Cofondateur de Castle Rock Entertainment en 1987, il a contribué au développement avec sa société de plusieurs films à succès comme *The Shawshank Redemption* ou *The Green Mile*. De 1999 à 2011, il est engagé par Warner Bros. en tant que Directeur Général où il s'occupe des sorties en cinéma et en vidéo du groupe. Durant son passage, Warner connaît un âge d'or tant critique que populaire au cinéma avec des films comme *The Departed*, *Million Dollar Baby*, *The Dark Knight* ou encore toute la saga *Harry Potter*. Depuis son arrivée chez Disney en 2012, il tient une place importante dans les acquisitions de Lucasfilm et de la 21<sup>st</sup> Century Fox ainsi que dans le développement de Disney+. En plus de son activité chez Disney, il est membre de l'Académie des Oscars, de l'Académie des Emmy Awards et du conseil d'administration de l'American Film Institute.<sup>123</sup>

<footnote n="123">123 Image et texte : Rédaction, « Alan F. Horn », https://thewaltdisneycompany.com/leaders/alan-f-horn/</footnote>
## Bob Chapek

De ses premières années au sein de l'entreprise jusqu'à la fin de la présidence de Bob Iger, Bob Chapek a tenu plusieurs rôles importants au sein de la Walt Disney Company. A son arrivée en 1993, il est nommé en tant que Président de la distribution de Walt Disney Studios puis en tant que président de Walt Disney Home Entertainment où il joue une part importante dans l'élaboration de stratégies de commercialisation du studio. Mais la grande contribution de Bob Chapek au sein de l'entreprise vient du travail fait au niveau de ses parcs à thèmes. Il est devenu Président de Disney « Parks and Resorts » en 2015, avant d'être élu Président de « Disney Parks, Experiences and Products » en 2018, et a été le commanditaire de la politique d'expansion des parcs. Il tient un rôle important dans l'ouverture de Disneyland Shanghai et dans le développement de « Star Wars: Galaxy's Edge ». Toujours à la pointe de la technologie, la politique de Bob Chapek se focalise avant tout sur une approche centrée autour des attentes des clients, cherchant comment les surprendre et comment améliorer leurs expériences. En près de 30 ans, la carrière de Chapek chez Disney a été synonyme d'expansion et de transformation, promouvant créativité et nouveautés technologiques.<fnref n="124" />

<figure><img src="image_12.png" /></figure>

## Zenia Mucha

<figure><img src="image_13.png" /></figure>

Zenia Mucha est une cadre dirigeante chez Disney et Chef de la Communication de l'entreprise. Elle est responsable de la communication générale de la Walt Disney Company, comme première porte-parole. Elle supervise les stratégies de communication et les relations aux médias pour l'entreprise. Elle est l'une des personnes les plus proches de Bob Iger au sein de l'entreprise :

<footnote n="124">¹²⁴ Image et texte : Rédaction, « Bob Chapek », https://thewaltdisneycompany.com/leaders/bob-chapek-2/</footnote>
## Bob Chapek

De ses premières années au sein de l'entreprise jusqu'à la fin de la présidence de Bob Iger, Bob Chapek a tenu plusieurs rôles importants au sein de la Walt Disney Company. A son arrivée en 1993, il est nommé en tant que Président de la distribution de Walt Disney Studios puis en tant que président de Walt Disney Home Entertainment où il joue une part importante dans l'élaboration de stratégies de commercialisation du studio. Mais la grande contribution de Bob Chapek au sein de l'entreprise vient du travail fait au niveau de ses parcs à thèmes. Il est devenu Président de Disney « Parks and Resorts » en 2015, avant d'être élu Président de « Disney Parks, Experiences and Products » en 2018, et a été le commanditaire de la politique d'expansion des parcs. Il tient un rôle important dans l'ouverture de Disneyland Shanghai et dans le développement de « Star Wars: Galaxy's Edge ». Toujours à la pointe de la technologie, la politique de Bob Chapek se focalise avant tout sur une approche centrée autour des attentes des clients, cherchant comment les surprendre et comment améliorer leurs expériences. En près de 30 ans, la carrière de Chapek chez Disney a été synonyme d'expansion et de transformation, promouvant créativité et nouveautés technologiques.<fnref n="124" />

<figure><img src="image_11.png" /></figure>

## Zenia Mucha

<figure><img src="image_12.png" /></figure>

Zenia Mucha est une cadre dirigeante chez Disney et Chef de la Communication de l'entreprise. Elle est responsable de la communication générale de la Walt Disney Company, comme première porte-parole. Elle supervise les stratégies de communication et les relations aux médias pour l'entreprise. Elle est l'une des personnes les plus proches de Bob Iger au sein de l'entreprise :

<footnote n="124">¹²⁴ Image et texte : Rédaction, « Bob Chapek », https://thewaltdisneycompany.com/leaders/bob-chapek-2/</footnote>
« Les grands leaders, ou les leaders à succès, sont de grands communicants. J'ai des personnes que me le rappellent constamment, comme Zenia Mucha, responsable de la communication de l'entreprise, qui me rappelle bien faire sortir mon message ».<fnref n="125" />

Arrivée en 2001 comme cadre en communication chez ABC, elle dirige la communication de la Walt Disney Company depuis 2002, en particulier autour des positionnements stratégiques de l'entreprise, comme les acquisitions faites de Pixar à la 21<sup>st</sup> Century Fox ou les différentes politiques d'expansion de Disney.<fnref n="126" />

## Membres importants de l'équipe créative de Bob Iger

Les membres importants de l'équipe créative de la Walt Disney Company sont les producteurs exécutifs chargés de la direction des sous-studios de l'entreprise : Pixar, Marvel et Lucasfilm.

### Kevin Feige

Si Ike Perlmutter est la personne qui a sauvé Marvel de la banqueroute, la personne responsable de son succès ces dernières années est sans nul doute Kevin Feige. Producteur de films, il se rapproche de la firme au début des années 2000 où il devient producteur exécutif de plusieurs marques, comme la trilogie *Spider-Man* ou la saga *X-Men*. Nommé Président de Marvel Studios, il gère tout le domaine créatif des films produits par Marvel Entertainment.<fnref n="127" /> Il est le créateur du « Marvel Cinematic Universe » et responsable de la grande popularité des univers étendus au cinéma depuis les années 2010. Outre le succès retentissant au box-office des films sortis, Bob Iger ne tarit pas d'éloges sur lui :

« [Les personnes à Marvel] ont redéfini les super-héros pour une nouvelle ère, ont élargi leur pertinence selon leur sexe, leur génération et leur position géographique - établissant de nouveaux standards dans la manière de narrer. Ce genre de succès

<figure><img src="image_14.png" /></figure>

<footnote n="125">¹²⁵ OLIAN Judy D., *vid cit*, https://www.youtube.com/watch?v=OJ1K61bYP5A&list=WL&index=15&t=28s</footnote>

<footnote n="126">¹²⁶ Image et texte : Rédaction, « Zenia Mucha », https://thewaltdisneycompany.com/leaders/zenia-mucha/</footnote>

<footnote n="127">¹²⁷ Image et texte : Rédaction, « Kevin Feige », http://www.premiere.fr/Star/Kevin-Feige</footnote>
« Les grands leaders, ou les leaders à succès, sont de grands communicants. J'ai des personnes que me le rappellent constamment, comme Zenia Mucha, responsable de la communication de l'entreprise, qui me rappelle bien faire sortir mon message ».<fnref n="125" />

Arrivée en 2001 comme cadre en communication chez ABC, elle dirige la communication de la Walt Disney Company depuis 2002, en particulier autour des positionnements stratégiques de l'entreprise, comme les acquisitions faites de Pixar à la 21<sup>st</sup> Century Fox ou les différentes politiques d'expansion de Disney.<fnref n="126" />

## Membres importants de l'équipe créative de Bob Iger

Les membres importants de l'équipe créative de la Walt Disney Company sont les producteurs exécutifs chargés de la direction des sous-studios de l'entreprise : Pixar, Marvel et Lucasfilm.

### Kevin Feige

Si Ike Perlmutter est la personne qui a sauvé Marvel de la banqueroute, la personne responsable de son succès ces dernières années est sans nul doute Kevin Feige. Producteur de films, il se rapproche de la firme au début des années 2000 où il devient producteur exécutif de plusieurs marques, comme la trilogie *Spider-Man* ou la saga *X-Men*. Nommé Président de Marvel Studios, il gère tout le domaine créatif des films produits par Marvel Entertainment.<fnref n="127" /> Il est le créateur du « Marvel Cinematic Universe » et responsable de la grande popularité des univers étendus au cinéma depuis les années 2010. Outre le succès retentissant au box-office des films sortis, Bob Iger ne tarit pas d'éloges sur lui :

« [Les personnes à Marvel] ont redéfini les super-héros pour une nouvelle ère, ont élargi leur pertinence selon leur sexe, leur génération et leur position géographique - établissant de nouveaux standards dans la manière de narrer. Ce genre de succès

<figure><img src="image_13.png" /></figure>

<footnote n="125">¹²⁵ OLIAN Judy D., *vid cit*, https://www.youtube.com/watch?v=OJ1K61bYP5A&list=WL&index=15&t=28s</footnote>

<footnote n="126">¹²⁶ Image et texte : Rédaction, « Zenia Mucha », https://thewaltdisneycompany.com/leaders/zenia-mucha/</footnote>

<footnote n="127">¹²⁷ Image et texte : Rédaction, « Kevin Feige », http://www.premiere.fr/Star/Kevin-Feige</footnote>
n'est jamais le fruit du hasard, c'est le résultat du talent, de la vision, de la passion et du courage - et à Marvel Studios tout a commencé avec Kevin ».<sup>128</sup>

## Kathleen Kennedy

<figure><img src="image_15.png" /></figure>

Présidente de Lucasfilm, Kathleen Kennedy est l'une des productrices les plus prolifiques et les plus respectées d'Hollywood. Avant de prendre son poste au moment du rachat de Disney, elle avait contribué à produire plus de 70 films qui ont reçu collectivement 120 nominations aux Oscars, pour 25 victoires au total. Parmi ces films, nous retrouvons des productions de grands réalisateurs comme Steven Spielberg, Martin Scorsese, Clint Eastwood ou encore Robert Zemeckis, des blockbusters populaires comme *Jurassic Park* ou *Gremlins* aux films d'auteurs adulés par la critique comme *Schindler's List* ou *The Diving Bell and the Butterfly*. A la tête de Lucasfilm, elle gère trois divisions : Lucasfilm, Industrial Light & Magic et Skywalker Sound. Elle a produit cinq films *Star Wars* ainsi que la série *The Mandolorian* sur Disney+. En plus de ces activités, elle est membre de plusieurs conseils d'administration, comme celui de l'Académie des Oscars, de l'American Film Institute ou de l'USC School of Cinematic Arts.<sup>129 130</sup>

## Pete Docter et Jim Morris

Pete Docter et Jim Morris sont les deux têtes pensantes et gestionnaires de Pixar Animation Studios. Arrivé dans l'entreprise en 1990, le premier est un réalisateur du studio et Chef des décisions créatives chez Pixar. Plusieurs de ses films font partie des classiques du studio comme *Monsters. Inc.*, *Up* et *Inside Out*. Ces

<figure><img src="image_16.png" /></figure>

<footnote n="128"><sup>128</sup> BERNARD Alexandre, « Avengers- Endgame : comment Kevin Feige a conquis Hollywood », https://www.lefigaro.fr/cinema/avengers-endgame-comment-kevin-feige-a-conquis-hollywood-20190421</footnote>

<footnote n="129"><sup>129</sup> Rédaction, « Kathleen Kennedy – President », https://www.lucasfilm.com/leadership/kathleen-kennedy/</footnote>

<footnote n="130"><sup>130</sup> Image prise sur : https://starwars.fandom.com/fr/wiki/Kathleen_Kennedy</footnote>
n'est jamais le fruit du hasard, c'est le résultat du talent, de la vision, de la passion et du courage - et à Marvel Studios tout a commencé avec Kevin ».<sup>128</sup>

## Kathleen Kennedy

<figure><img src="image_14.png" /></figure>

Présidente de Lucasfilm, Kathleen Kennedy est l'une des productrices les plus prolifiques et les plus respectées d'Hollywood. Avant de prendre son poste au moment du rachat de Disney, elle avait contribué à produire plus de 70 films qui ont reçu collectivement 120 nominations aux Oscars, pour 25 victoires au total. Parmi ces films, nous retrouvons des productions de grands réalisateurs comme Steven Spielberg, Martin Scorsese, Clint Eastwood ou encore Robert Zemeckis, des blockbusters populaires comme *Jurassic Park* ou *Gremlins* aux films d'auteurs adulés par la critique comme *Schindler's List* ou *The Diving Bell and the Butterfly*. A la tête de Lucasfilm, elle gère trois divisions : Lucasfilm, Industrial Light & Magic et Skywalker Sound. Elle a produit cinq films *Star Wars* ainsi que la série *The Mandolorian* sur Disney+. En plus de ces activités, elle est membre de plusieurs conseils d'administration, comme celui de l'Académie des Oscars, de l'American Film Institute ou de l'USC School of Cinematic Arts.<sup>129 130</sup>

## Pete Docter et Jim Morris

Pete Docter et Jim Morris sont les deux têtes pensantes et gestionnaires de Pixar Animation Studios. Arrivé dans l'entreprise en 1990, le premier est un réalisateur du studio et Chef des décisions créatives chez Pixar. Plusieurs de ses films font partie des classiques du studio comme *Monsters. Inc.*, *Up* et *Inside Out*. Ces

<figure><img src="image_15.png" /></figure>

<footnote n="128"><sup>128</sup> BERNARD Alexandre, « Avengers- Endgame : comment Kevin Feige a conquis Hollywood », https://www.lefigaro.fr/cinema/avengers-endgame-comment-kevin-feige-a-conquis-hollywood-20190421</footnote>

<footnote n="129"><sup>129</sup> Rédaction, « Kathleen Kennedy – President », https://www.lucasfilm.com/leadership/kathleen-kennedy/</footnote>

<footnote n="130"><sup>130</sup> Image prise sur : https://starwars.fandom.com/fr/wiki/Kathleen_Kennedy</footnote>
deux derniers ont reçu par ailleurs reçu l'Oscar du Meilleur Film d'animation. Jim Morris quand à lui est le Président de Pixar et supervise toutes les productions et opérations d'entreprise. Arrivé en 2005 après avoir travaillé 17 dans différentes divisions de Lucasfilm et notamment ILM, il s'est occupé de toutes les supervisions des films de *Ratatouille* (2007) à *Onward* (2020). Il est également membre de l'Académie des Oscars et des BAFTA.<fnref n="131" /> <fnref n="132" />

On remarque devant l'élaboration de ses équipes administratives et créatives avant tout une volonté de prendre des personnes ayant fait leurs preuves d'un point de vue économique. Les personnes en charge du comité de direction ont permis à la Walt Disney Company de se développer ou ont connu un franc succès économique dans leur expérience antérieure. Ils ont eu plus ou moins une manière de grimper les échelons de manière exponentielle au sein de l'entreprise, à l'image de carrière de Bob Iger avant de devenir PDG. On observe sa volonté à mettre des personnes en charge qui font écho à son parcours. Au niveau de l'équipe créative, il y a là encore avant tout des producteurs ayant connus des succès en salle. A l'exception de Pete Docter qui est réalisateur, Iger favorise des personnes ayant un eu rendement financier intéressant plutôt que des créateurs pour diriger le secteur créatif de l'entreprise.

### c. La gestion de crises

La gestion des situations de crises est le dernier pilier pour Bob Iger dans sa manière de savoir diriger son entreprise. Au cours de son mandat en tant que PDG, il y a eu deux types des scandales majeurs qui ont mis à mal le bon déroulement de la Walt Disney Company.

Aujourd'hui, tous les faits et gestes d'un individu ou d'un groupe important sont épiés par des concurrents ou potentiels groupes pouvant mettre à mal une institution en place. Depuis près de 3 ans maintenant, plusieurs membres de l'industrie hollywoodienne ont dénoncé des actes odieux de plusieurs figures importantes du cinéma américain, le cas étant le plus médiatisé étant celui d'Harvey Weinstein qui a reçu d'innombrables plaintes pour harcèlement sexuel. Les mouvements « #MeToo » et « Time's Up » aux Etats-Unis font réagir les studios très rapidement concernant les agissements des membres de leur équipe.

<footnote n="131">¹³¹ Rédaction, « Leadership », https://www.pixar.com/leadership</footnote>

<footnote n="132">¹³² Photo prise sur : https://www.zimbio.com/photos/Jim+Morris</footnote>
deux derniers ont reçu par ailleurs reçu l'Oscar du Meilleur Film d'animation. Jim Morris quand à lui est le Président de Pixar et supervise toutes les productions et opérations d'entreprise. Arrivé en 2005 après avoir travaillé 17 dans différentes divisions de Lucasfilm et notamment ILM, il s'est occupé de toutes les supervisions des films de *Ratatouille* (2007) à *Onward* (2020). Il est également membre de l'Académie des Oscars et des BAFTA.<fnref n="131" /> <fnref n="132" />

On remarque devant l'élaboration de ses équipes administratives et créatives avant tout une volonté de prendre des personnes ayant fait leurs preuves d'un point de vue économique. Les personnes en charge du comité de direction ont permis à la Walt Disney Company de se développer ou ont connu un franc succès économique dans leur expérience antérieure. Ils ont eu plus ou moins une manière de grimper les échelons de manière exponentielle au sein de l'entreprise, à l'image de carrière de Bob Iger avant de devenir PDG. On observe sa volonté à mettre des personnes en charge qui font écho à son parcours. Au niveau de l'équipe créative, il y a là encore avant tout des producteurs ayant connus des succès en salle. A l'exception de Pete Docter qui est réalisateur, Iger favorise des personnes ayant un eu rendement financier intéressant plutôt que des créateurs pour diriger le secteur créatif de l'entreprise.

### c. La gestion de crises

La gestion des situations de crises est le dernier pilier pour Bob Iger dans sa manière de savoir diriger son entreprise. Au cours de son mandat en tant que PDG, il y a eu deux types des scandales majeurs qui ont mis à mal le bon déroulement de la Walt Disney Company.

Aujourd'hui, tous les faits et gestes d'un individu ou d'un groupe important sont épiés par des concurrents ou potentiels groupes pouvant mettre à mal une institution en place. Depuis près de 3 ans maintenant, plusieurs membres de l'industrie hollywoodienne ont dénoncé des actes odieux de plusieurs figures importantes du cinéma américain, le cas étant le plus médiatisé étant celui d'Harvey Weinstein qui a reçu d'innombrables plaintes pour harcèlement sexuel. Les mouvements « #MeToo » et « Time's Up » aux Etats-Unis font réagir les studios très rapidement concernant les agissements des membres de leur équipe.

<footnote n="131">¹³¹ Rédaction, « Leadership », https://www.pixar.com/leadership</footnote>

<footnote n="132">¹³² Photo prise sur : https://www.zimbio.com/photos/Jim+Morris</footnote>
Concernant la manière de se comporter en tant que personne de pouvoir, Iger s'est montré très catégorique :

> « Je pense que l'on peut être puissant et être décent. Je ne pense pas que la décence empêche d'exercer une autorité ou un quelconque pouvoir. Je pense en réalité que cela l'améliore. C'est complexe mais je pense à la dureté [envers les gens] et puis-je être dur et décent ? Puis-je donner un compte-rendu honnête et rester décent ? Vous pouvez ! Cela ne veut pas dire que vous ne blesserez pas quelqu'un le long de la route mais vous ne le faites pas pour le blesser. C'est important d'être conscient de cela quand vous lui donnez un compte-rendu. Vous essayez de projeter quel impact cela peut avoir sur leur vie ».<fnref n="133" />

Deux cas en particulier montrent comment la Walt Disney Company a géré ces imprévus afin d'éviter toute forme de scandale la concernant. Le premier cas concerne John Lasseter. Dans l'histoire des studios Disney et du cinéma d'animation en général, son nom a une importance plus forte que quiconque : co-fondateur du groupe Pixar Animation Studios, réalisateur de la plupart des premiers films Pixar tels que *Toy Story* (1995), *Monsters Inc.* (2002) ou encore *Finding Nemo* (2003), et directeur créatif du groupe à partir de 2006 lors de l'acquisition de Pixar par Disney. D'apparence amicale dans des grands événements avec les fans ou les journalistes, une affaire le concernant fait surface. Alors qu'il annonce en novembre 2017 vouloir prendre un congé sabbatique de six mois environ pour des « faux-pas » qu'il aurait commis au sein de l'entreprise Disney, plusieurs journaux relayent à ce moment que Lasseter aurait tenu des propos et eu des gestes inappropriés auprès de plusieurs femmes à Pixar.

Au moment d'annoncer les mesures prises à l'encontre d'un des piliers de la major, Bob Iger a préféré sortir un communiqué remerciant Lasseter, par respect envers les contributions que ce dernier a apporté à Disney mais également au monde de l'animation au fil des années. John Lasseter a quant à lui sorti un communiqué quelques jours après pour s'excuser de son comportement « déplacé ». Il finira par tenir un rôle de consultant chez Disney jusqu'au 31 décembre 2018.<fnref n="134" />

<footnote n="133">¹³³ Traduit de l'anglais dans WINFREY Oprah, vid cit, https://www.youtube.com/watch?v=OS4y0giPVaE&list=WL&index=14&t=1286s</footnote>

<footnote n="134">¹³⁴ BARNES Brooks, « Pixar Co-Founder to Leave Disney After 'Missteps' », https://www.nytimes.com/2018/06/08/business/media/john-lasseter-leaves-disney.html</footnote>
Concernant la manière de se comporter en tant que personne de pouvoir, Iger s'est montré très catégorique :

> « Je pense que l'on peut être puissant et être décent. Je ne pense pas que la décence empêche d'exercer une autorité ou un quelconque pouvoir. Je pense en réalité que cela l'améliore. C'est complexe mais je pense à la dureté [envers les gens] et puis-je être dur et décent ? Puis-je donner un compte-rendu honnête et rester décent ? Vous pouvez ! Cela ne veut pas dire que vous ne blesserez pas quelqu'un le long de la route mais vous ne le faites pas pour le blesser. C'est important d'être conscient de cela quand vous lui donnez un compte-rendu. Vous essayez de projeter quel impact cela peut avoir sur leur vie ».<fnref n="133" />

Deux cas en particulier montrent comment la Walt Disney Company a géré ces imprévus afin d'éviter toute forme de scandale la concernant. Le premier cas concerne John Lasseter. Dans l'histoire des studios Disney et du cinéma d'animation en général, son nom a une importance plus forte que quiconque : co-fondateur du groupe Pixar Animation Studios, réalisateur de la plupart des premiers films Pixar tels que *Toy Story* (1995), *Monsters Inc.* (2002) ou encore *Finding Nemo* (2003), et directeur créatif du groupe à partir de 2006 lors de l'acquisition de Pixar par Disney. D'apparence amicale dans des grands événements avec les fans ou les journalistes, une affaire le concernant fait surface. Alors qu'il annonce en novembre 2017 vouloir prendre un congé sabbatique de six mois environ pour des « faux-pas » qu'il aurait commis au sein de l'entreprise Disney, plusieurs journaux relayent à ce moment que Lasseter aurait tenu des propos et eu des gestes inappropriés auprès de plusieurs femmes à Pixar.

Au moment d'annoncer les mesures prises à l'encontre d'un des piliers de la major, Bob Iger a préféré sortir un communiqué remerciant Lasseter, par respect envers les contributions que ce dernier a apporté à Disney mais également au monde de l'animation au fil des années. John Lasseter a quant à lui sorti un communiqué quelques jours après pour s'excuser de son comportement « déplacé ». Il finira par tenir un rôle de consultant chez Disney jusqu'au 31 décembre 2018.<fnref n="134" />

<footnote n="133">¹³³ Traduit de l'anglais dans WINFREY Oprah, *vid cit*, https://www.youtube.com/watch?v=OS4y0giPVaE&list=WL&index=14&t=1286s</footnote>

<footnote n="134">¹³⁴ BARNES Brooks, « Pixar Co-Founder to Leave Disney After 'Missteps' », https://www.nytimes.com/2018/06/08/business/media/john-lasseter-leaves-disney.html</footnote>
La manière de traiter cette affaire s'est avérée plutôt bénéfique pour les studios Disney. Les décisions ont été jugées justes de la part des personnes travaillant au sein de l'entreprise, ainsi que des journalistes et des fans en général. De plus, bien que scandale il y ait eu, la portée médiatique de l'événement a été relativement limitée pour que les dirigeants puissent prendre les décisions en grande partie dans leur cercle privé.

Le second cas concerne le réalisateur James Gunn. Fantasque et geek en tout point, Gunn a contribué en grande partie au succès de Disney grâce au succès monstre des films *Guardians of the Galaxy* (2014) et *Guardians of the Galaxy : Vol. 2* (2017), récoltant tous les deux plus de 1,6 milliard de dollars au box-office mondial.135 Alors que celui-ci s'apprêtait à se pencher sur la réalisation du troisième volet, plusieurs membres de l'« Alt Right » américaine ont déniché des tweets de 2009 dans lequel des plaisanteries de Gunn faisaient des allusions plus que douteuses sur des sujets sensibles tels que le viol et la pédophilie. Lors de la publication de ces informations dans les médias en juin 2018, la position de la major a été très directe :

> « Les attitudes et déclarations offensantes découverts sur Twitter de James sont indéfendables et inconsistantes avec les valeurs de notre studio, et nous avons coupé notre relation en affaire avec lui ».136

Alors que la décision concernant John Lasseter avait été louée par une majorité de personnes, celle-ci a été le début d'une grande fronde anti-Disney, et ce pour différentes raisons. Si les tweets en question du réalisateur ont été décortiqués, ceux-ci comprenant de l'humour noir voulu ayant des propos plus choquants que drôles, plusieurs questionnements ont émergé sur le renvoi par Disney. Le plus grand empire cinématographique au monde n'était-il pas au courant de ces tweets devenus tristement célèbres au moment d'engager Gunn au début de leur collaboration ? Au vu des mesures de sécurité et d'informations faites par la major, il apparaît que cette théorie soit peu probable, alors pourquoi jouer la carte de la surprise dans la communication sur l'affaire et traiter Gunn de la sorte ? Les acteurs des *Guardians of the Galaxy*, Chris Pratt, Zoe Saldana ou encore Dave Bautista, ont également publié une lettre ouverte condamnant les agissements de la Walt Disney Company. La

<footnote n="135">135 Sources box-office sur : https://www.boxofficemojo.com/release/r13177416193/ et https://www.boxofficemojo.com/title/tt3896198/?ref=_bo_se_r_1</footnote>

<footnote n="136">136 Traduit de l'anglais dans JACKSON Dory, « What's happened with James Gunn? The tweets that got him fired originally, https://www.newsweek.com/what-happened-james-gunn-tweets-got-him-fired-originally-1365213</footnote>
La manière de traiter cette affaire s'est avérée plutôt bénéfique pour les studios Disney. Les décisions ont été jugées justes de la part des personnes travaillant au sein de l'entreprise, ainsi que des journalistes et des fans en général. De plus, bien que scandale il y ait eu, la portée médiatique de l'événement a été relativement limitée pour que les dirigeants puissent prendre les décisions en grande partie dans leur cercle privé.

Le second cas concerne le réalisateur James Gunn. Fantasque et geek en tout point, Gunn a contribué en grande partie au succès de Disney grâce au succès monstre des films *Guardians of the Galaxy* (2014) et *Guardians of the Galaxy : Vol. 2* (2017), récoltant tous les deux plus de 1,6 milliard de dollars au box-office mondial.135 Alors que celui-ci s'apprêtait à se pencher sur la réalisation du troisième volet, plusieurs membres de l'« Alt Right » américaine ont déniché des tweets de 2009 dans lequel des plaisanteries de Gunn faisaient des allusions plus que douteuses sur des sujets sensibles tels que le viol et la pédophilie. Lors de la publication de ces informations dans les médias en juin 2018, la position de la major a été très directe :

> « Les attitudes et déclarations offensantes découverts sur Twitter de James sont indéfendables et inconsistantes avec les valeurs de notre studio, et nous avons coupé notre relation en affaire avec lui ».136

Alors que la décision concernant John Lasseter avait été louée par une majorité de personnes, celle-ci a été le début d'une grande fronde anti-Disney, et ce pour différentes raisons. Si les tweets en question du réalisateur ont été décortiqués, ceux-ci comprenant de l'humour noir voulu ayant des propos plus choquants que drôles, plusieurs questionnements ont émergé sur le renvoi par Disney. Le plus grand empire cinématographique au monde n'était-il pas au courant de ces tweets devenus tristement célèbres au moment d'engager Gunn au début de leur collaboration ? Au vu des mesures de sécurité et d'informations faites par la major, il apparaît que cette théorie soit peu probable, alors pourquoi jouer la carte de la surprise dans la communication sur l'affaire et traiter Gunn de la sorte ? Les acteurs des *Guardians of the Galaxy*, Chris Pratt, Zoe Saldana ou encore Dave Bautista, ont également publié une lettre ouverte condamnant les agissements de la Walt Disney Company. La

<footnote n="135">135 Sources box-office sur : https://www.boxofficemojo.com/release/r13177416193/ et https://www.boxofficemojo.com/title/tt3896198/?ref=_bo_se_r_1</footnote>

<footnote n="136">136 Traduit de l'anglais dans JACKSON Dory, « What's happened with James Gunn? The tweets that got him fired originally, https://www.newsweek.com/what-happened-james-gunn-tweets-got-him-fired-originally-1365213</footnote>
question du moment où Gunn avait tweeté montrait aussi un décalage entre ce que le
réalisateur représentait au moment des accusations et la teneur de ces tweets donnés il y a
10 ans, qui bien qu'indélicats ne se voulaient pas choquants à la base.<fnref n="137" />

Après ces événements, le 15 mars 2019 a été marqué par le retour de Gunn au sein de la « famille » Disney, neuf mois environ après avoir été remercié de ses services. Une nouvelle qui a eu le mérite de rendre les fans heureux, ainsi que le réalisateur très ému après des mois mouvementés :

> « Je suis énormément reconnaissant à chaque personne qui m'a supporté ces derniers mois. Je suis continuellement en train d'apprendre et continuerai à travailler afin de devenir le meilleur être humain que je puisse être. J'apprécie profondément la décision de Disney et je suis très impatient de continuer à faire des films qui examine les liens d'amour qui nous unissent tous ».<fnref n="138" />

A la différence de Lasseter, l'affaire James Gunn aura surtout montré que Disney a été capable de changer sa position sur une situation délicate. Difficile cela dit de savoir s'il s'agit d'une réelle prise de conscience de leur manque de discernement, ou s'il ne s'agit que d'un coup de communication pour ne plus s'attirer les foudres de son public... Quoi qu'il en soit, l'ger n'hésita pas à rappeler qu'il fallait forcément prendre en compte un nombre important de facteurs, comme la plus-value financière, mais qu'au final la décence était le seul facteur qui prévalait sur les autres dans ces situations :

> « Il y a une balance mais nous ne pouvons pas sacrifier la décence pour des dollars. Nous sommes si connus avec la marque Disney que les gens nous attendent de nous comporter avec responsabilité et comme de bons citoyens. Nous ne sommes pas parfaits, nous sommes une collection d'êtres humains. Nous faisons des erreurs, des choses arrivent. Nous apprenons de nos erreurs, nous essayons de les admettre mais je pense qu'il est très important de nous dépeindre comme une entreprise empathique, décente et responsable».<fnref n="139" />

<footnote n="137">¹³⁷ KAIN Erik, « Why Disney Was Right To Reinstate James Gunn On 'Guardians Of The Galaxy 3' », https://www.forbes.com/sites/erikkain/2019/03/16/why-disney-was-right-to-reinstate-james-gunn-on-guardians-of-the-galaxy-3/#d098fed2be5d</footnote>

<footnote n="138">¹³⁸ Traduit de l'anglais dans JACKSON Dory, *art cit.*, https://www.newsweek.com/what-happened-james-gunn-tweets-got-him-fired-originally-1365213</footnote>

<footnote n="139">¹³⁹ Traduit de l'anglais dans WINFREY Oprah, *vid cit*, https://www.youtube.com/watch?v=OS4y0giPVaE&list=WL&index=14&t=1286s</footnote>
question du moment où Gunn avait tweeté montrait aussi un décalage entre ce que le
réalisateur représentait au moment des accusations et la teneur de ces tweets donnés il y a
10 ans, qui bien qu'indélicats ne se voulaient pas choquants à la base.<fnref n="137" />

Après ces événements, le 15 mars 2019 a été marqué par le retour de Gunn au sein de la « famille » Disney, neuf mois environ après avoir été remercié de ses services. Une nouvelle qui a eu le mérite de rendre les fans heureux, ainsi que le réalisateur très ému après des mois mouvementés :

> « Je suis énormément reconnaissant à chaque personne qui m'a supporté ces derniers mois. Je suis continuellement en train d'apprendre et continuerai à travailler afin de devenir le meilleur être humain que je puisse être. J'apprécie profondément la décision de Disney et je suis très impatient de continuer à faire des films qui examine les liens d'amour qui nous unissent tous ».<fnref n="138" />

A la différence de Lasseter, l'affaire James Gunn aura surtout montré que Disney a été capable de changer sa position sur une situation délicate. Difficile cela dit de savoir s'il s'agit d'une réelle prise de conscience de leur manque de discernement, ou s'il ne s'agit que d'un coup de communication pour ne plus s'attirer les foudres de son public... Quoi qu'il en soit, l'ger n'hésita pas à rappeler qu'il fallait forcément prendre en compte un nombre important de facteurs, comme la plus-value financière, mais qu'au final la décence était le seul facteur qui prévalait sur les autres dans ces situations :

> « Il y a une balance mais nous ne pouvons pas sacrifier la décence pour des dollars. Nous sommes si connus avec la marque Disney que les gens nous attendent de nous comporter avec responsabilité et comme de bons citoyens. Nous ne sommes pas parfaits, nous sommes une collection d'êtres humains. Nous faisons des erreurs, des choses arrivent. Nous apprenons de nos erreurs, nous essayons de les admettre mais je pense qu'il est très important de nous dépeindre comme une entreprise empathique, décente et responsable».<fnref n="139" />

<footnote n="137">¹³⁷ KAIN Erik, « Why Disney Was Right To Reinstate James Gunn On 'Guardians Of The Galaxy 3' », https://www.forbes.com/sites/erikkain/2019/03/16/why-disney-was-right-to-reinstate-james-gunn-on-guardians-of-the-galaxy-3/#d098fed2be5d</footnote>

<footnote n="138">¹³⁸ Traduit de l'anglais dans JACKSON Dory, *art cit.*, https://www.newsweek.com/what-happened-james-gunn-tweets-got-him-fired-originally-1365213</footnote>

<footnote n="139">¹³⁹ Traduit de l'anglais dans WINFREY Oprah, *vid cit*, https://www.youtube.com/watch?v=OS4y0giPVaE&list=WL&index=14&t=1286s</footnote>
Synthèse de la Partie I

Si Bob Iger a récupéré une entreprise qui certes n'était pas au mieux mais qui en aucun cas n'était dans un état désastreux, comme ce fut le cas avec son prédécesseur par exemple, il l'a cependant révolutionné en une entreprise qui laisse la concurrence sur le bas côté de la route. Entre acquisitions et adaptations aux besoins du marché, toutes les manœuvres importantes qu'il a réalisées au sein de l'entreprise se sont avérées payantes pour la Walt Disney Company. Ces trois stratégies ont toutes été bénéfiques pour l'entreprise et l'image de celle-ci n'a jamais été aussi prédominante sur le marché que depuis qu'il a été président.
Sa valeur n'est aussi plus la même : au cours de son mandat, la Walt Disney Company est passée d'une valeur sur marché de 48,4 milliards de dollars à 257 milliards de dollars.<fnref n="140" />

D'un point de vue de l'entreprenariat pur, il s'agit peut-être du coup de maître le plus important fait ces vingt dernières années. Mais la Walt Disney Company n'est pas une entreprise qui capitalise sur de « simples » rachats et paris technologiques. Comprendre Disney et la manière dont Bob Iger l'a dirigée permet de mieux mettre en perspective tout ce qui gravite autour d'elle : les stratégies de leadership, sa « philosophie » du leadership, la gestion des crises et le choix des membres de l'équipe... Disney, comme l'a rappelé Iger dès sa prise de fonction, c'est un studio qui crée du contenu. Tout en sachant que tout ce qu'il se passe dans l'entreprise est lié, notamment les relations entre créativité et philosophie de la marque, et après avoir vu l'impact de la politique d'Iger pour diriger la société, il va maintenant être intéressant de voir si la philosophie d'Iger peut également être palpable dans les contenus proposés par la Walt Disney Company...

<footnote n="140">140 OBINNEJI Chibuzor Francis, « Disney CEO Bob Iger Steps Down; Bob Chapek takes reins », https://ogbongetech.com/2020/02/disney-ceo-bob-iger-steps-down-bob-chapek-takes-reins/</footnote>
Synthèse de la Partie I

Si Bob Iger a récupéré une entreprise qui certes n'était pas au mieux mais qui en aucun cas n'était dans un état désastreux, comme ce fut le cas avec son prédécesseur par exemple, il l'a cependant révolutionné en une entreprise qui laisse la concurrence sur le bas côté de la route. Entre acquisitions et adaptations aux besoins du marché, toutes les manœuvres importantes qu'il a réalisées au sein de l'entreprise se sont avérées payantes pour la Walt Disney Company. Ces trois stratégies ont toutes été bénéfiques pour l'entreprise et l'image de celle-ci n'a jamais été aussi prédominante sur le marché que depuis qu'il a été président.
Sa valeur n'est aussi plus la même : au cours de son mandat, la Walt Disney Company est passée d'une valeur sur marché de 48,4 milliards de dollars à 257 milliards de dollars.<fnref n="140" />

D'un point de vue de l'entreprenariat pur, il s'agit peut-être du coup de maître le plus important fait ces vingt dernières années. Mais la Walt Disney Company n'est pas une entreprise qui capitalise sur de « simples » rachats et paris technologiques. Comprendre Disney et la manière dont Bob Iger l'a dirigée permet de mieux mettre en perspective tout ce qui gravite autour d'elle : les stratégies de leadership, sa « philosophie » du leadership, la gestion des crises et le choix des membres de l'équipe... Disney, comme l'a rappelé Iger dès sa prise de fonction, c'est un studio qui crée du contenu. Tout en sachant que tout ce qu'il se passe dans l'entreprise est lié, notamment les relations entre créativité et philosophie de la marque, et après avoir vu l'impact de la politique d'Iger pour diriger la société, il va maintenant être intéressant de voir si la philosophie d'Iger peut également être palpable dans les contenus proposés par la Walt Disney Company...

<footnote n="140">140 OBINNEJI Chibuzor Francis, « Disney CEO Bob Iger Steps Down; Bob Chapek takes reins », https://ogbongetech.com/2020/02/disney-ceo-bob-iger-steps-down-bob-chapek-takes-reins/</footnote>
## Partie II : L'influence de Bob Iger au sein des films produits par la Walt Disney Company

Après avoir vu le leadership et la philosophie professionnelle de Bob Iger dans le fonctionnement de la Walt Disney Company, il va maintenant être question de voir quel est son rôle dans la création des différents films du studio. S'il est évident de rappeler que les films Disney sont conçus par des équipes créatives comme dans tous les studios du monde, il est important de savoir que contrairement aux autres major studios d'Hollywood, tout ce qui est créé, conçu ou manufacturé par la Walt Disney Company doit impérativement être en adéquation avec la marque. Les films en sont une partie cruciale. L'interrogation principale est : comment cela peut il fonctionner ? Fonctionner tant d'un point de vue créatif que du résultat attendu. Il faut que les films soient appréciés par les critiques et les spectateurs par les valeurs que le réalisateur cherche à véhiculer tout en étant en adéquation avec l'essence du studio.

Disney a toujours fonctionné de cette manière cela dit, et ce depuis les valeurs instaurées dans le studio par Walt Disney. Tout ce que touche le studio est « Disneyifié » si bien que les spectateurs ne peuvent résolument pas se tromper en voyant l'une de leurs productions. Pour Iger cependant, il faut avant tout être pertinent avec ces différentes créations, et savoir précisément ce que l'on cherche à faire véhiculer comme information ou comme émotion pour le spectateur. Cela commence par questionner l'institution sur ses propres fondements, aussi respectée soit-elle :

> « L'une des choses les plus difficiles pour une entreprise qui a eu du succès est de continuer à en avoir et de savoir rester pertinente. Comment maintenir de la pertinence à une marque qui a été créée en 1923 ? [...] Je pense que c'est fait de différentes manières. Quand vous avez une grande marque, il y a un héritage et beaucoup de traditions. Il est toujours mieux d'en avoir mais elles ne doivent pas vous empêcher d'innover. Ce qui arrive souvent dans des entreprises comme celle-ci est que l'homme ou la femme en charge vénère la marque. Elle est sacrée, le monde change mais pas la marque. C'est ridicule ! Vous devez évoluer. Vous devez mettre en
## Partie II : L'influence de Bob Iger au sein des films produits par la Walt Disney Company

Après avoir vu le leadership et la philosophie professionnelle de Bob Iger dans le fonctionnement de la Walt Disney Company, il va maintenant être question de voir quel est son rôle dans la création des différents films du studio. S'il est évident de rappeler que les films Disney sont conçus par des équipes créatives comme dans tous les studios du monde, il est important de savoir que contrairement aux autres major studios d'Hollywood, tout ce qui est créé, conçu ou manufacturé par la Walt Disney Company doit impérativement être en adéquation avec la marque. Les films en sont une partie cruciale. L'interrogation principale est : comment cela peut il fonctionner ? Fonctionner tant d'un point de vue créatif que du résultat attendu. Il faut que les films soient appréciés par les critiques et les spectateurs par les valeurs que le réalisateur cherche à véhiculer tout en étant en adéquation avec l'essence du studio.

Disney a toujours fonctionné de cette manière cela dit, et ce depuis les valeurs instaurées dans le studio par Walt Disney. Tout ce que touche le studio est « Disneyifié » si bien que les spectateurs ne peuvent résolument pas se tromper en voyant l'une de leurs productions. Pour Iger cependant, il faut avant tout être pertinent avec ces différentes créations, et savoir précisément ce que l'on cherche à faire véhiculer comme information ou comme émotion pour le spectateur. Cela commence par questionner l'institution sur ses propres fondements, aussi respectée soit-elle :

> « L'une des choses les plus difficiles pour une entreprise qui a eu du succès est de continuer à en avoir et de savoir rester pertinente. Comment maintenir de la pertinence à une marque qui a été créée en 1923 ? [...] Je pense que c'est fait de différentes manières. Quand vous avez une grande marque, il y a un héritage et beaucoup de traditions. Il est toujours mieux d'en avoir mais elles ne doivent pas vous empêcher d'innover. Ce qui arrive souvent dans des entreprises comme celle-ci est que l'homme ou la femme en charge vénère la marque. Elle est sacrée, le monde change mais pas la marque. C'est ridicule ! Vous devez évoluer. Vous devez mettre en
balance le respect de l'héritage et continuer à innover. Comprenez les valeurs, ce qui a contribué à son grand succès. Dans le cas de Disney : les choses qui sont bonnes pour ma famille, les choses qui me font rire, les choses qui sont inclusives. Il y a un charme universel à ce que nous faisons, regardant le monde avec optimisme... Continuons d'amener ces valeurs de l'avant mais appliquons-les de manières différentes. Reconnaissons que les corps dans lesquels ces valeurs rentrent et que la manière dont ces personnes ont accès à ces histoires doivent changer ».<fnref n="141" />

L'idée générale paraît donc simple sur le papier : faire perdurer des valeurs traditionnelles de l'entreprise au sein des films et en faire évoluer d'autres pour que la représentation que l'on se fait de la Walt Disney Company puisse être mise à l'ordre du jour. Plusieurs interrogations demeurent cependant : quelles doivent être les valeurs conservées par l'entreprise ? Quelles doivent être les nouvelles valeurs inculquées par l'entreprise ? Comment les films sont-ils utilisés pour dépeindre ces valeurs ? En fait, quel est l'impact de Bob Iger au sein des films de la Walt Disney Company dans la représentation des valeurs véhiculées et de l'esthétique des films ?

L'objectif de cette partie est d'étudier un corpus de films issus des différents studios de la Walt Disney Company et de voir les éléments clés représentés à l'écran, allant des éléments qui se rattachent à l'image traditionnelle de Disney aux éléments qui montrent une évolution au sein de l'entreprise.

# I- Présentation du corpus

Pour cela, nous allons analyser quatre films issus de différentes branches de l'entreprise :
*Star Wars : The Force Awakens* de Lucasfilm, *Coco* de Pixar Animation Studios, *Black Panther* de Marvel Studios et *Mary Poppins Returns* de Walt Disney Pictures. Le choix de ces films a été effectué à partir de plusieurs critères. Le premier provient de la date de sorties des films. Tous sortis en salles entre 2015 et 2018, ces films ont été découverts à partir du moment où les acquisitions des sous-studios Disney (Pixar, Marvel et Lucasfilm) ont été actées. Il est donc question de voir à travers ces films comment la Walt Disney Company les traite d'un point de vue thématique, esthétique et narratif. Le second critère vient évidemment du fait

<footnote n="141">¹⁴¹ Traduit de l'anglais dans OLIAN Judy D., « Leaders on leadership: Robert A. Iger, The Walt Disney Company », https://www.youtube.com/watch?v=0J1K61bYP5A&list=WL&index=15&t=28s</footnote>
balance le respect de l'héritage et continuer à innover. Comprenez les valeurs, ce qui a contribué à son grand succès. Dans le cas de Disney : les choses qui sont bonnes pour ma famille, les choses qui me font rire, les choses qui sont inclusives. Il y a un charme universel à ce que nous faisons, regardant le monde avec optimisme... Continuons d'amener ces valeurs de l'avant mais appliquons-les de manières différentes. Reconnaissons que les corps dans lesquels ces valeurs rentrent et que la manière dont ces personnes ont accès à ces histoires doivent changer ».<fnref n="141" />

L'idée générale paraît donc simple sur le papier : faire perdurer des valeurs traditionnelles de l'entreprise au sein des films et en faire évoluer d'autres pour que la représentation que l'on se fait de la Walt Disney Company puisse être mise à l'ordre du jour. Plusieurs interrogations demeurent cependant : quelles doivent être les valeurs conservées par l'entreprise ? Quelles doivent être les nouvelles valeurs inculquées par l'entreprise ? Comment les films sont-ils utilisés pour dépeindre ces valeurs ? En fait, quel est l'impact de Bob Iger au sein des films de la Walt Disney Company dans la représentation des valeurs véhiculées et de l'esthétique des films ?

L'objectif de cette partie est d'étudier un corpus de films issus des différents studios de la Walt Disney Company et de voir les éléments clés représentés à l'écran, allant des éléments qui se rattachent à l'image traditionnelle de Disney aux éléments qui montrent une évolution au sein de l'entreprise.

# I- Présentation du corpus

Pour cela, nous allons analyser quatre films issus de différentes branches de l'entreprise : *Star Wars : The Force Awakens* de Lucasfilm, *Coco* de Pixar Animation Studios, *Black Panther* de Marvel Studios et *Mary Poppins Returns* de Walt Disney Pictures. Le choix de ces films a été effectué à partir de plusieurs critères. Le premier provient de la date de sorties des films. Tous sortis en salles entre 2015 et 2018, ces films ont été découverts à partir du moment où les acquisitions des sous-studios Disney (Pixar, Marvel et Lucasfilm) ont été actées. Il est donc question de voir à travers ces films comment la Walt Disney Company les traite d'un point de vue thématique, esthétique et narratif. Le second critère vient évidemment du fait

<footnote n="141">¹⁴¹ Traduit de l'anglais dans OLIAN Judy D., « Leaders on leadership: Robert A. Iger, The Walt Disney Company », https://www.youtube.com/watch?v=OJ1K61bYP5A&list=WL&index=15&t=28s</footnote>
que chaque film appartient à un sous-studio différent. Cela va permettre de voir dans
quelles mesures les films se font écho ou sont distants les uns envers les autres. Enfin, le
choix de ces films s'est porté sur les prémices de chaque film. Comme indiqué ci-dessous,
chaque film appartient à des genres différents et possède une histoire qui, en théorie, rend
les films indépendants les uns des autres. Un film comme *The Incredibles 2* (2018) aurait été
tout aussi intéressant à analyser que Coco par exemple mais son thème super-héroïque était
beaucoup trop proche des films de Marvel Studios.

a. **Star Wars : The Force Awakens (Star Wars : Le Réveil de la Force, J.J. Abrams, 2015)**

Septième épisode de la saga commencée en 1977 avec Star Wars : Episode IV : A New Hope
de George Lucas, Star Wars : The Force Awakens est le premier film Lucasfilm produit par
Disney depuis leur acquisition en 2012. Réalisé par J.J. Abrams et sorti le 18 décembre 2015
aux Etats-Unis, le film se déroule 30 ans après les événements du sixième volet. Le Premier
Ordre, descendant de l'Empire Galactique, traque à travers la galaxie les membres de la
Résistance alors que Luke Skywalker, le dernier représentant Jedi, a disparu. Le film est
l'occasion pour les fans de la saga de retrouver les personnages majeurs de la trilogie
originale, interprétés par Mark Hamill, Harrison Ford et Carrie Fisher, ainsi que d'introduire
une nouvelle génération de héros, sous les traits de Daisy Ridley, John Boyega et Oscar Isaac.
D'un budget de production avoisinant les 250 millions de dollars US, ce film fait partie, à
l'heure actuelle<fnref n="142" />, des cinq films de l'histoire à avoir dépassé la barre symbolique des 2
milliards de dollars au box-office mondial, avec *Titanic* (James Cameron, 1997), *Avatar*
(James Cameron, 2009), *Avengers : Infinity War* (Joe et Anthony Russo, 2018) et *Avengers :
Endgame* (Joe et Anthony Russo, 2019). A sa sortie, il a été la plus grosse recette enregistrée
en un week-end en termes de recettes sur le sol américain, avec 247 millions de dollars, et
est devenu le plus gros succès au box-office américain avec 967 millions de dollars
remportés<fnref n="143" />.

<footnote n="142">¹⁴² Ecrit avant le 25/07/2020.</footnote>

<footnote n="143">¹⁴³ Source box-office sur : https://www.boxofficemojo.com/movies/?page=main&id=starwars7.htm</footnote>
que chaque film appartient à un sous-studio différent. Cela va permettre de voir dans
quelles mesures les films se font écho ou sont distants les uns envers les autres. Enfin, le
choix de ces films s'est porté sur les prémices de chaque film. Comme indiqué ci-dessous,
chaque film appartient à des genres différents et possède une histoire qui, en théorie, rend
les films indépendants les uns des autres. Un film comme *The Incredibles 2* (2018) aurait été
tout aussi intéressant à analyser que Coco par exemple mais son thème super-héroïque était
beaucoup trop proche des films de Marvel Studios.

a. **Star Wars : The Force Awakens (Star Wars : Le Réveil de la Force, J.J. Abrams, 2015)**

Septième épisode de la saga commencée en 1977 avec *Star Wars : Episode IV : A New Hope*
de George Lucas, *Star Wars : The Force Awakens* est le premier film Lucasfilm produit par
Disney depuis leur acquisition en 2012. Réalisé par J.J. Abrams et sorti le 18 décembre 2015
aux Etats-Unis, le film se déroule 30 ans après les événements du sixième volet. Le Premier
Ordre, descendant de l'Empire Galactique, traque à travers la galaxie les membres de la
Résistance alors que Luke Skywalker, le dernier représentant Jedi, a disparu. Le film est
l'occasion pour les fans de la saga de retrouver les personnages majeurs de la trilogie
originale, interprétés par Mark Hamill, Harrison Ford et Carrie Fisher, ainsi que d'introduire
une nouvelle génération de héros, sous les traits de Daisy Ridley, John Boyega et Oscar Isaac.
D'un budget de production avoisinant les 250 millions de dollars US, ce film fait partie, à
l'heure actuelle<fnref n="142" />, des cinq films de l'histoire à avoir dépassé la barre symbolique des 2
milliards de dollars au box-office mondial, avec *Titanic* (James Cameron, 1997), *Avatar*
(James Cameron, 2009), *Avengers : Infinity War* (Joe et Anthony Russo, 2018) et *Avengers :
Endgame* (Joe et Anthony Russo, 2019). A sa sortie, il a été la plus grosse recette enregistrée
en un week-end en termes de recettes sur le sol américain, avec 247 millions de dollars, et
est devenu le plus gros succès au box-office américain avec 967 millions de dollars
remportés<fnref n="143" />.

<footnote n="142">¹⁴² Ecrit avant le 25/07/2020.</footnote>

<footnote n="143">¹⁴³ Source box-office sur : https://www.boxofficemojo.com/movies/?page=main&id=starwars7.htm</footnote>
b. Coco (Lee Unkrich et Adrian Molina, 2017)

Coco est un film d'animation des studios Pixar sorti le 22 novembre 2017 aux Etats-Unis. Réalisé par Lee Unkrich, ayant réalisé également *Toy Story 3* (2010), et Adrian Molina, animateur sur *Ratatouille* (2007) et story-boarder sur *Toy Story 3*, le film se déroule à l'occasion de la fête des morts au Mexique. Miguel, un jeune garçon rêve de devenir guitariste mais sa famille refuse catégoriquement qu'il devienne musicien. L'histoire du jeune homme prend une tournure inattendue alors que celui-ci se retrouve absorbé dans le royaume des morts où les esprits de ses ancêtres se retrouvent pour communier spirituellement avec les vivants. Lauréat de deux Oscars, dont celui de Meilleur film d'animation, Coco a été un grand succès commercial, compte tenu de sa date de sortie tardive dans l'année, avec plus de 807 millions de dollars au box-office, et ce malgré un score sur sol américain en demi-teinte avec 209 millions, faisant de lui « seulement » le 14ème plus gros succès du studio sur vingt films sur ses terres<fnref n="144" />.

c. Black Panther (Ryan Coogler, 2018)

Black Panther est le 18ème film du « Marvel Cinematic Universe », lancé en 2008 avec la sortie d'Iron Man de Jon Favreau. Réalisé par Ryan Coogler et sorti le 16 février 2018, il suit les aventures de T'Challa, roi du Wakanda, pays fictionnel africain caché du reste du monde. Découvert dans le 13ème opus de l'univers cinématographique *Captain America : Civil War* (Joe et Anthony Russo, 2016), T'Challa va devoir faire face à plusieurs menaces visant son trône ainsi que les ressources avancées de son pays. On retrouve notamment Chadwick Boseman dans le rôle principal avec Michael B. Jordan, acteur fétiche de Coogler après *Fruitvale Station* (2014) et *Creed* (2015), dans le rôle d'Erik Killmonger, « arch nemesis » de T'Challa. Le film a eu une forte résonance dans le monde du cinéma. Outre son succès commercial très important, avec plus de 1,3 milliards de dollars générés dont 700 millions sur le sol américain, faisant de lui le 3ème plus gros succès domestique du pays à sa sortie, *Black Panther* a également reçu plusieurs récompenses, comme en témoigne les trois Oscars remportés sur sept nominations.<fnref n="145" />

<footnote n="144">¹⁴⁴ Source box-office sur : https://www.boxofficemojo.com/movies/?id=pixar1117.htm</footnote>

<footnote n="145">¹⁴⁵ Source box-office sur https://www.boxofficemojo.com/movies/?id=marvel2017b.htm</footnote>
b. Coco (Lee Unkrich et Adrian Molina, 2017)

Coco est un film d'animation des studios Pixar sorti le 22 novembre 2017 aux Etats-Unis. Réalisé par Lee Unkrich, ayant réalisé également *Toy Story 3* (2010), et Adrian Molina, animateur sur *Ratatouille* (2007) et story-boarder sur *Toy Story 3*, le film se déroule à l'occasion de la fête des morts au Mexique. Miguel, un jeune garçon rêve de devenir guitariste mais sa famille refuse catégoriquement qu'il devienne musicien. L'histoire du jeune homme prend une tournure inattendue alors que celui-ci se retrouve absorbé dans le royaume des morts où les esprits de ses ancêtres se retrouvent pour communier spirituellement avec les vivants. Lauréat de deux Oscars, dont celui de Meilleur film d'animation, Coco a été un grand succès commercial, compte tenu de sa date de sortie tardive dans l'année, avec plus de 807 millions de dollars au box-office, et ce malgré un score sur sol américain en demi-teinte avec 209 millions, faisant de lui « seulement » le 14ème plus gros succès du studio sur vingt films sur ses terres<fnref n="144" />.

c. Black Panther (Ryan Coogler, 2018)

Black Panther est le 18ème film du « Marvel Cinematic Universe », lancé en 2008 avec la sortie d'Iron Man de Jon Favreau. Réalisé par Ryan Coogler et sorti le 16 février 2018, il suit les aventures de T'Challa, roi du Wakanda, pays fictionnel africain caché du reste du monde. Découvert dans le 13ème opus de l'univers cinématographique *Captain America : Civil War* (Joe et Anthony Russo, 2016), T'Challa va devoir faire face à plusieurs menaces visant son trône ainsi que les ressources avancées de son pays. On retrouve notamment Chadwick Boseman dans le rôle principal avec Michael B. Jordan, acteur fétiche de Coogler après *Fruitvale Station* (2014) et *Creed* (2015), dans le rôle d'Erik Killmonger, « arch nemesis » de T'Challa. Le film a eu une forte résonance dans le monde du cinéma. Outre son succès commercial très important, avec plus de 1,3 milliards de dollars générés dont 700 millions sur le sol américain, faisant de lui le 3ème plus gros succès domestique du pays à sa sortie, *Black Panther* a également reçu plusieurs récompenses, comme en témoigne les trois Oscars remportés sur sept nominations.<fnref n="145" />

<footnote n="144">¹⁴⁴ Source box-office sur : https://www.boxofficemojo.com/movies/?id=pixar1117.htm</footnote>

<footnote n="145">¹⁴⁵ Source box-office sur https://www.boxofficemojo.com/movies/?id=marvel2017b.htm</footnote>
d. Mary Poppins Returns (Le Retour de Mary Poppins, Rob Marshall, 2018)

*Mary Poppins Returns* est la suite du film *Mary Poppins* (Robert Stevenson, 1964), avec Emily Blunt dans le rôle de la célèbre nounou après avoir été interprétée par Julie Andrews dans le premier film. Alors que les enfants Banks, Michael et Jane, sont désormais devenus adultes, Mary Poppins revient allée des Cerisiers afin de s'occuper des enfants de Michael, alors que ce dernier vient de perdre sa femme et croule sous les dettes de son logement. Réalisé par Rob Marshall et sorti le 19 décembre 2018, le film a reçu un accueil critique favorable mais n'a pas eu le succès commercial escompté pour le studio car le film a récolté un chiffre au box-office mondial avoisinant les 350 millions de dollars, qui avec les frais de production, communication et distribution, n'a pas permis à Disney de faire de bénéfices<sup>146</sup>.

<figure><img src="image_17.png" /></figure>

<footnote n="146">146 Source box-office sur https://www.boxofficemojo.com/movies/?id=disneyliveaction22018.htm</footnote>
d. Mary Poppins Returns (Le Retour de Mary Poppins, Rob Marshall, 2018)

*Mary Poppins Returns* est la suite du film *Mary Poppins* (Robert Stevenson, 1964), avec Emily Blunt dans le rôle de la célèbre nounou après avoir été interprétée par Julie Andrews dans le premier film. Alors que les enfants Banks, Michael et Jane, sont désormais devenus adultes, Mary Poppins revient allée des Cerisiers afin de s'occuper des enfants de Michael, alors que ce dernier vient de perdre sa femme et croule sous les dettes de son logement. Réalisé par Rob Marshall et sorti le 19 décembre 2018, le film a reçu un accueil critique favorable mais n'a pas eu le succès commercial escompté pour le studio car le film a récolté un chiffre au box-office mondial avoisinant les 350 millions de dollars, qui avec les frais de production, communication et distribution, n'a pas permis à Disney de faire de bénéfices<sup>146</sup>.

<figure><img src="image_16.png" /></figure>

<footnote n="146">146 Source box-office sur https://www.boxofficemojo.com/movies/?id=disneyliveaction22018.htm</footnote>
<figure><img src="image_18.png" /></figure>

<figure><img src="image_19.png" /><figcaption>Affiches des films du corpus<fnref n="147" /></figcaption></figure>

## II- Une « authenticité » Disney

La recherche « d'authenticité » de la marque Disney est le premier angle de représentation qui doit être fondamental à tous les films qui sont développés par l'entreprise. De tous ces différents éléments, plusieurs sont primordiaux pour Bob Iger.

> « Je pense que les histoires chez Disney doivent permettre aux gens de se sentir plus optimistes. Nous ne sommes pas cyniques et pas sceptiques. Nous sommes respectueux de nos ainés. Nous pouvons même être patriotes, et pas nécessairement des Etats-Unis. Nous apprécions la valeur de l'aventure du héros... ».<fnref n="148" />

La marque Disney fait véhiculer quelque chose qui se veut être positif pour son spectateur, et cela depuis la création des premiers studios qui avaient ces valeurs fondamentales. Au fil des années, l'entreprise a réussi à garder ces éléments cruciaux, au plus grand plaisir d'Iger :

> « La marque Disney a connu beaucoup de pression afin de rester pertinente au fil des années. Elle a été sollicitée pour qu'elle change les valeurs fondamentales qui étaient

<footnote n="147">147 Images prises sur : https://www movieposters com/</footnote>

<footnote n="148">148 Traduit de l'anglais dans GRAZER Brian, « Bob Iger in conversation with Brian Grazer at Live Talks Los Angeles », https://www youtube com/watch?v=DHCaEDE1nug&list=WL&index=15</footnote>
<figure><img src="image_17.png" /></figure>

<figure><img src="image_18.png" /><figcaption>Affiches des films du corpus<fnref n="147" /></figcaption></figure>

## II- Une « authenticité » Disney

La recherche « d'authenticité » de la marque Disney est le premier angle de représentation qui doit être fondamental à tous les films qui sont développés par l'entreprise. De tous ces différents éléments, plusieurs sont primordiaux pour Bob Iger.

> « Je pense que les histoires chez Disney doivent permettre aux gens de se sentir plus optimistes. Nous ne sommes pas cyniques et pas sceptiques. Nous sommes respectueux de nos ainés. Nous pouvons même être patriotes, et pas nécessairement des Etats-Unis. Nous apprécions la valeur de l'aventure du héros... ».<fnref n="148" />

La marque Disney fait véhiculer quelque chose qui se veut être positif pour son spectateur, et cela depuis la création des premiers studios qui avaient ces valeurs fondamentales. Au fil des années, l'entreprise a réussi à garder ces éléments cruciaux, au plus grand plaisir d'Iger :

> « La marque Disney a connu beaucoup de pression afin de rester pertinente au fil des années. Elle a été sollicitée pour qu'elle change les valeurs fondamentales qui étaient

<footnote n="147">147 Images prises sur : https://www movieposters com/</footnote>

<footnote n="148">148 Traduit de l'anglais dans GRAZER Brian, « Bob Iger in conversation with Brian Grazer at Live Talks Los Angeles », https://www youtube com/watch?v=DHCaEDE1nug&list=WL&index=15</footnote>
insufflées dans la marque créée par Walt Disney depuis près d'un siècle. Un exemple est que la marque devait être plus provocatrice. Le monde devenait plus provocateur dans son langage, dans sa violence ou sexuellement, il fallait utiliser notre narration pour dépeindre notre marque de manière plus provocatrice. Cela aurait été une énorme erreur pour Disney. Cela nous aurait distancés des valeurs fondamentales de la marque et nous aurions eu une entreprise qui n'aurait eu rien à voir avec celle que nous avions en premier lieu ».<fnref n="149" />

Les films de la Walt Disney Company sont donc avant tout des films pour toute la famille. Il est possible de voir une évolution dans ces dernières années de la présence d'un humour davantage potache et plus grossier au sein de leurs films d'animation notamment, sans doute pour surfer sur la vague du succès de studios concurrents, comme Dreamworks avec Shrek (2001) et Blue Sky avec Ice Age (2002). Mais encore aujourd'hui, le crédo de ne faire aucun film plus « mature », ou « Rated R » où la présence d'un adulte est nécessaire pour qu'une personne en dessous de 17 ans puisse le voir, est encore d'actualité. De ce fait, malgré les différents changements qui sont arrivés dans l'entreprise, avec diverses acquisitions, toutes les différentes propriétés ont été soumises à ce régime de représentation. On retrouve tout un tas de définitions du cinéma Disney traditionnel dans les films, mais il y a avant tout deux thématiques fondamentales qui définissent les films du corpus présenté.

## a. Une dynamique centrée sur la famille

De par la volonté de la Walt Disney Company de faire des films pour la famille, il apparaît presque de manière évidente que le thème récurrent dans leurs films soit justement porté sur les valeurs familiales. A travers les quatre films proposés, il est possible de voir deux différents types de familles dans la représentation de Disney.

Le premier type représente la famille aimante qui va connaître plusieurs embuches sur sa route. C'est le cas notamment dans *Mary Poppins Returns*, où la famille Banks a un rôle prépondérant dans le film. Les obstacles sont multiples à travers le film : il y a tout d'abord la mort de la mère Banks, la femme de Michael Banks que le spectateur connaît déjà car il

<footnote n="149">¹⁴⁹ Traduit de l'anglais dans IGER Bob, « Bob Iger – Teaches Business Strategy and Leadership », *Creating Brand Value*, https://www.masterclass.com/classes/bob-iger-teaches-business-strategy-and-leadership</footnote>
insufflées dans la marque créée par Walt Disney depuis près d'un siècle. Un exemple est que la marque devait être plus provocatrice. Le monde devenait plus provocateur dans son langage, dans sa violence ou sexuellement, il fallait utiliser notre narration pour dépeindre notre marque de manière plus provocatrice. Cela aurait été une énorme erreur pour Disney. Cela nous aurait distancés des valeurs fondamentales de la marque et nous aurions eu une entreprise qui n'aurait eu rien à voir avec celle que nous avions en premier lieu ».<fnref n="149" />

Les films de la Walt Disney Company sont donc avant tout des films pour toute la famille. Il est possible de voir une évolution dans ces dernières années de la présence d'un humour davantage potache et plus grossier au sein de leurs films d'animation notamment, sans doute pour surfer sur la vague du succès de studios concurrents, comme Dreamworks avec Shrek (2001) et Blue Sky avec Ice Age (2002). Mais encore aujourd'hui, le crédo de ne faire aucun film plus « mature », ou « Rated R » où la présence d'un adulte est nécessaire pour qu'une personne en dessous de 17 ans puisse le voir, est encore d'actualité. De ce fait, malgré les différents changements qui sont arrivés dans l'entreprise, avec diverses acquisitions, toutes les différentes propriétés ont été soumises à ce régime de représentation. On retrouve tout un tas de définitions du cinéma Disney traditionnel dans les films, mais il y a avant tout deux thématiques fondamentales qui définissent les films du corpus présenté.

a. Une dynamique centrée sur la famille

De par la volonté de la Walt Disney Company de faire des films pour la famille, il apparaît presque de manière évidente que le thème récurrent dans leurs films soit justement porté sur les valeurs familiales. A travers les quatre films proposés, il est possible de voir deux différents types de familles dans la représentation de Disney.

Le premier type représente la famille aimante qui va connaître plusieurs embuches sur sa
route. C'est le cas notamment dans *Mary Poppins Returns*, où la famille Banks a un rôle
prépondérant dans le film. Les obstacles sont multiples à travers le film : il y a tout d'abord la
mort de la mère Banks, la femme de Michael Banks que le spectateur connaît déjà car il

<footnote n="149">¹⁴⁹ Traduit de l'anglais dans IGER Bob, « Bob Iger – Teaches Business Strategy and Leadership », *Creating Brand Value*, https://www.masterclass.com/classes/bob-iger-teaches-business-strategy-and-leadership</footnote>
s'agit d'un des deux enfants dont la nounou magique s'occupe dans le premier film. Il y a donc dans le film une situation de crise émotionnelle pour Michael et ses trois enfants qui vont devoir faire leur deuil au fil de l'avancement du film. Mary Poppins joue donc un double enjeu dans le film pour remédier à la perte de la mère Banks : elle joue l'ange gardien de Michael qui, à l'image du premier film pour son père, va lui permettre d'ouvrir les yeux sur les choses qu'il possède plutôt que de vivre dans le regret de ce qu'il n'a plus. Puis, elle va jouer en quelque sorte un rôle de mère de substitution, bien plus visible que dans le premier film, auprès des enfants lui conférant un rôle plus important auprès de la famille Banks.

Outre la tragédie familiale, les obstacles financiers dans le film menacent directement les Banks. Dans le film, la maison traditionnelle des Banks est sur le point de leur être retirée. Et avant un miracle arrivant à la fin du film, où les problèmes des héros sont résolus pour le mieux à la manière des films classiques de Walt Disney Pictures, le film permet de mettre en avant un peu plus en avant la solidarité de la famille Banks en action, que ce soit aux travers des enfants en soutien de leur père ou par la relation de Jane Banks qui épaule son frère dans ces épreuves. Mary Poppins sert de catalyseur au regain de force familial dans le film et aux valeurs du message général du film : toute épreuve n'est insurmontable qu'à partir du moment où on est une famille soudée, des valeurs traditionnelles déjà représentées par Walt Disney dès les prémices du studio.

Coco en un sens possède des éléments relativement proches de *Mary Poppins Returns* dans le rapport familial qu'il développe. On observe dès les premières minutes une famille soudée, aimante et bienveillante les uns envers les autres. Il y a cependant un obstacle purement idéologique qui empêche Miguel de se sentir bien dans sa famille : sa volonté de devenir musicien. Le spectateur apprend les raisons d'un tel rejet de la musique au sein de la famille Rivera : plusieurs années auparavant, l'arrière-arrière grand-père de Miguel avait abandonné sa famille pour poursuivre sa carrière de guitariste à travers le Mexique et n'est jamais revenu au domicile familial. Sa femme, Imelda, a alors juré dès ce jour que la musique n'aurait plus sa place dans leur foyer. La famille Rivera est donc vue dans le film comme une famille fière, faisant face à tout ce qui pourrait la séparer. Comme le dit Abuelita, la grand-mère de Miguel dans le film :
s'agit d'un des deux enfants dont la nounou magique s'occupe dans le premier film. Il y a donc dans le film une situation de crise émotionnelle pour Michael et ses trois enfants qui vont devoir faire leur deuil au fil de l'avancement du film. Mary Poppins joue donc un double enjeu dans le film pour remédier à la perte de la mère Banks : elle joue l'ange gardien de Michael qui, à l'image du premier film pour son père, va lui permettre d'ouvrir les yeux sur les choses qu'il possède plutôt que de vivre dans le regret de ce qu'il n'a plus. Puis, elle va jouer en quelque sorte un rôle de mère de substitution, bien plus visible que dans le premier film, auprès des enfants lui conférant un rôle plus important auprès de la famille Banks.

Outre la tragédie familiale, les obstacles financiers dans le film menacent directement les Banks. Dans le film, la maison traditionnelle des Banks est sur le point de leur être retirée. Et avant un miracle arrivant à la fin du film, où les problèmes des héros sont résolus pour le mieux à la manière des films classiques de Walt Disney Pictures, le film permet de mettre en avant un peu plus en avant la solidarité de la famille Banks en action, que ce soit aux travers des enfants en soutien de leur père ou par la relation de Jane Banks qui épaule son frère dans ces épreuves. Mary Poppins sert de catalyseur au regain de force familial dans le film et aux valeurs du message général du film : toute épreuve n'est insurmontable qu'à partir du moment où on est une famille soudée, des valeurs traditionnelles déjà représentées par Walt Disney dès les prémices du studio.

Coco en un sens possède des éléments relativement proches de *Mary Poppins Returns* dans le rapport familial qu'il développe. On observe dès les premières minutes une famille soudée, aimante et bienveillante les uns envers les autres. Il y a cependant un obstacle purement idéologique qui empêche Miguel de se sentir bien dans sa famille : sa volonté de devenir musicien. Le spectateur apprend les raisons d'un tel rejet de la musique au sein de la famille Rivera : plusieurs années auparavant, l'arrière-arrière grand-père de Miguel avait abandonné sa famille pour poursuivre sa carrière de guitariste à travers le Mexique et n'est jamais revenu au domicile familial. Sa femme, Imelda, a alors juré dès ce jour que la musique n'aurait plus sa place dans leur foyer. La famille Rivera est donc vue dans le film comme une famille fière, faisant face à tout ce qui pourrait la séparer. Comme le dit Abuelita, la grand-mère de Miguel dans le film :
Il y a un sens de loyauté qui est rattaché à la famille Rivera pour les individus qui la composent mais les souhaits de Miguel l'empêchent d'être heureux par l'interdiction de faire de la musique. En arrivant dans le monde des morts, le seul moyen d'en ressortir est d'obtenir la bénédiction de sa famille pour revenir dans le monde des vivants. Lorsqu'Imelda propose de renvoyer Miguel, elle décide que celui-ci ne doivent plus s'accrocher à la musique. De ce fait, Miguel refuse sa bénédiction et décide de partir à la recherche d'Ernesto de la Cruz, le plus célèbre mariachi du Mexique, dont il est persuadé à ce moment du film qu'il est son arrière-arrière grand-père. Au cours de son parcours dans le royaume des morts, Miguel va faire la rencontre de son réel ancêtre, Hector, victime d'une trahison d'Ernesto de la Cruz causant sa mort par empoisonnement. Au final, au moment où la trahison éclate, la famille devient solidaire d'Hector et arrive à changer sa manière de penser, sur la musique principalement, afin que Miguel puisse rentrer dans le monde des vivants où il pourra continuer à jouer de la musique.

Le message est fort à cet instant sur l'importance de la famille dans le film. Miguel, par le fait de ne vouloir que jouer de la musique, a trouvé quelque chose d'encore plus riche au travers de sa famille dans le monde des morts : une rédemption et une justice pour un membre de sa famille, justice qui permettra à la famille Rivera d'avancer dans une plus grande sérénité à la fin du film.

Le deuxième type de représentation familiale concerne la version tragique de la famille. Alors que Disney a toujours choisi de mettre un point d'honneur sur l'importance de la famille pour un individu, il existe des films dans leur catalogue récent qui mettent en scène des déchirures familiales qui sont tragiques. Et même si Coco et Mary Poppins Returns montrent comment vivre avec cette tragédie, ces autres films montrent des personnages qui au sein du récit sont directement acteurs de la tragédie qui se déroule devant les yeux du spectateur.

Star Wars a toujours été un univers où l'importance de la famille a été représentée, mais la plupart des représentations familiales sont empreintes de tragédie : le fait que Darth Vader soit le père de Luke Skywalker et Leia Organa montre l'impossibilité d'une réconciliation

<footnote n="150">¹⁵⁰ UNKRICH Lee et MOLINA Adrian (réalisateur), Coco, Walt Disney Studios Distribution, 2017. Tlmecodes dans le film: 10:25</footnote>
Il y a un sens de loyauté qui est rattaché à la famille Rivera pour les individus qui la composent mais les souhaits de Miguel l'empêchent d'être heureux par l'interdiction de faire de la musique. En arrivant dans le monde des morts, le seul moyen d'en ressortir est d'obtenir la bénédiction de sa famille pour revenir dans le monde des vivants. Lorsqu'Imelda propose de renvoyer Miguel, elle décide que celui-ci ne doivent plus s'accrocher à la musique. De ce fait, Miguel refuse sa bénédiction et décide de partir à la recherche d'Ernesto de la Cruz, le plus célèbre mariachi du Mexique, dont il est persuadé à ce moment du film qu'il est son arrière-arrière grand-père. Au cours de son parcours dans le royaume des morts, Miguel va faire la rencontre de son réel ancêtre, Hector, victime d'une trahison d'Ernesto de la Cruz causant sa mort par empoisonnement. Au final, au moment où la trahison éclate, la famille devient solidaire d'Hector et arrive à changer sa manière de penser, sur la musique principalement, afin que Miguel puisse rentrer dans le monde des vivants où il pourra continuer à jouer de la musique.

Le message est fort à cet instant sur l'importance de la famille dans le film. Miguel, par le fait de ne vouloir que jouer de la musique, a trouvé quelque chose d'encore plus riche au travers de sa famille dans le monde des morts : une rédemption et une justice pour un membre de sa famille, justice qui permettra à la famille Rivera d'avancer dans une plus grande sérénité à la fin du film.

Le deuxième type de représentation familiale concerne la version tragique de la famille. Alors que Disney a toujours choisi de mettre un point d'honneur sur l'importance de la famille pour un individu, il existe des films dans leur catalogue récent qui mettent en scène des déchirures familiales qui sont tragiques. Et même si Coco et Mary Poppins Returns montrent comment vivre avec cette tragédie, ces autres films montrent des personnages qui au sein du récit sont directement acteurs de la tragédie qui se déroule devant les yeux du spectateur.

Star Wars a toujours été un univers où l'importance de la famille a été représentée, mais la plupart des représentations familiales sont empreintes de tragédie : le fait que Darth Vader soit le père de Luke Skywalker et Leia Organa montre l'impossibilité d'une réconciliation

<footnote n="150">¹⁵⁰ UNKRICH Lee et MOLINA Adrian (réalisateurs), Coco, Walt Disney Studios Distribution, 2017. Tlmecodes dans le film: 10:25</footnote>
finale, Padme Amidala qui meurt du fait qu'Anakin Skywalker a sombré dans le côté obscur,
Vader qui meurt au moment de son retour vers le côté clair de la force... Et *Star Wars : The
Force Awakens* rentre dans cette idée de « famille dégénérative » chère à la saga.

Chaque trilogie de *Star Wars* est focalisée autour d'un personnage Skywalker, Anakin dans la « prélogie » et Luke dans la trilogie originale. Dans ce film, Kylo Ren, interprété par Adam Driver, est le nouveau Skywalker présenté. Fils de Han Solo et Leia, neveu de Luke, Ben Solo de son vrai nom est l'un des personnages les plus tragiques de l'univers galactique. Corrompu par le Supreme Leader Snoke dans le côté obscur de la force, il est la raison de l'exil de Luke au début du film, ayant détruit son temple et tué ses « padawans » avec ses acolytes, les Chevaliers de Ren. Outre ses agissements, le premier élément tragique vient du fait que les trois personnages principaux de la première trilogie, que le spectateur avait quittés heureux et unis, sont maintenant touchés par les agissements de Kylo : Leia et Han ne sont plus ensemble, Luke s'est coupé du monde, la rébellion n'est plus ce qu'elle était...

Mais un autre aspect de sa personnalité permet de définir ce personnage. Contrairement à
la plupart des figures antagonistes de *Star Wars* qui prônent un mal assumé, rendant de ce
fait la saga manichéenne, Kylo Ren n'est pas l'antagoniste qu'il veut laisser transparaitre. Il
n'a pas fini sa formation, comme dit Snoke à la fin du film, il commet plusieurs erreurs et
éprouve encore des sentiments à l'égard de ses proches, l'empêchant d'embrasser
complètement le coté obscur. Le dernier acte du film marque sa confrontation avec son père
sur la base Starkiller. Alors que ce dernier tente de le ramener auprès des siens, Kylo montre
qu'il n'arrive pas à pleinement embrasser l'un des deux côtés. Il tue au final son père de sang
froid afin se laisser consumer par le côté obscur.

Cet événement dans *The Force Awakens* donne une notion très complexe dans la dimension
familiale du film. Il permet d'émanciper un antagoniste de l'histoire, s'affranchissant de ses
dernières émotions pouvant le faire revenir du côté lumineux de la Force. Il s'agit là de
l'événement inverse de la fin de *Star Wars : Episode VI : The Return of the Jedi* où Vader
reviens du côté clair de la force. En un sens, la mise à mort de Han par son fils est la base
finale, Padme Amidala qui meurt du fait qu'Anakin Skywalker a sombré dans le côté obscur,
Vader qui meurt au moment de son retour vers le côté clair de la force... Et *Star Wars : The
Force Awakens* rentre dans cette idée de « famille dégénérative » chère à la saga.

Chaque trilogie de *Star Wars* est focalisée autour d'un personnage Skywalker, Anakin dans la « prélogie » et Luke dans la trilogie originale. Dans ce film, Kylo Ren, interprété par Adam Driver, est le nouveau Skywalker présenté. Fils de Han Solo et Leia, neveu de Luke, Ben Solo de son vrai nom est l'un des personnages les plus tragiques de l'univers galactique. Corrompu par le Supreme Leader Snoke dans le côté obscur de la force, il est la raison de l'exil de Luke au début du film, ayant détruit son temple et tué ses « padawans » avec ses acolytes, les Chevaliers de Ren. Outre ses agissements, le premier élément tragique vient du fait que les trois personnages principaux de la première trilogie, que le spectateur avait quittés heureux et unis, sont maintenant touchés par les agissements de Kylo : Leia et Han ne sont plus ensemble, Luke s'est coupé du monde, la rébellion n'est plus ce qu'elle était...

Mais un autre aspect de sa personnalité permet de définir ce personnage. Contrairement à
la plupart des figures antagonistes de *Star Wars* qui prônent un mal assumé, rendant de ce
fait la saga manichéenne, Kylo Ren n'est pas l'antagoniste qu'il veut laisser transparaitre. Il
n'a pas fini sa formation, comme dit Snoke à la fin du film, il commet plusieurs erreurs et
éprouve encore des sentiments à l'égard de ses proches, l'empêchant d'embrasser
complètement le coté obscur. Le dernier acte du film marque sa confrontation avec son père
sur la base Starkiller. Alors que ce dernier tente de le ramener auprès des siens, Kylo montre
qu'il n'arrive pas à pleinement embrasser l'un des deux côtés. Il tue au final son père de sang
froid afin se laisser consumer par le côté obscur.

Cet événement dans *The Force Awakens* donne une notion très complexe dans la dimension
familiale du film. Il permet d'émanciper un antagoniste de l'histoire, s'affranchissant de ses
dernières émotions pouvant le faire revenir du côté lumineux de la Force. Il s'agit là de
l'événement inverse de la fin de *Star Wars : Episode VI : The Return of the Jedi* où Vader
reviens du côté clair de la force. En un sens, la mise à mort de Han par son fils est la base
tragique de la nouvelle trilogie, tout en sachant que cette trilogie devrait marquer la fin de la
saga Skywalker.<fnref n="151" />

*Black Panther* est relativement proche de l'image de *The Force Awakens* dans ses valeurs familiales. Alors que l'on voit T'Challa entretenir des rapports de respect et d'honneur avec les membres de sa famille proche, symbolisés par sa mère et sa sœur Shuri, il y a au sein de ce film un passé tragique autour de la famille du héros.

Durant la séquence d'introduction du film se déroulant en 1992, T'Chaka, père de T'Challa et ancien roi du Wakanda, rend visite à son frère N'Jobu dans une banlieue américaine, pour lui parler d'un vol de matériaux wakandais et possible trafic d'armes. T'Chaka sait que son frère est le commanditaire, grâce à Zuri, l'espion que son père avait laissé en place avec lui. Alors qu'il l'ordonne de revenir au Wakanda pour être jugé, N'Jobu tente de tuer Zuri mais T'Chaka l'en empêche, le tuant accidentellement au passage. Ce tragique événement familial va marquer les prémices de la relation tendu entre T'Challa et Erik Killmonger à travers le film.

Lors de son arrivée au Wakanda, Killmonger demande l'obtention du trône, de par son sang royal ainsi qu'en guise de réparation de la mort de son père. Lors du combat, le spectateur découvre les cicatrices sur son corps, « une pour chaque mort infligée ». Nous nous rendons compte que l'acte du début de film et l'abandon d'Erik enfant dans cette banlieue auront eu raison de la vie paisible qu'il aurait pu avoir si T'Chaka avait agi autrement avec lui. En cela, Killmonger devient un personnage dont le spectateur comprend les motivations, bien qu'il condamne ses agissements dans le film.

A travers ces différents exemples de famille dans les films, Disney tente un maximum de diversifier le rapport traditionnel de sa représentation familiale, tout en gardant plusieurs valeurs traditionnelles. La plupart des événements et péripéties qui arrivent aux personnages principaux sont souvent directement liés à la famille des personnages, permettant au spectateur par la même occasion de se sentir concerné par le fait que celui-ci a de fortes chances d'avoir une famille, qu'il s'entende ou non avec eux.

<footnote n="151">151 HAY Julie, « Star Wars 9 marquera la fin de saga Skywalker », https://www.journaldugeek.com/2019/03/13/star-wars-9-marquera-fin-de-saga-skywalker/</footnote>
tragique de la nouvelle trilogie, tout en sachant que cette trilogie devrait marquer la fin de la
saga Skywalker.<fnref n="151" />

*Black Panther* est relativement proche de l'image de *The Force Awakens* dans ses valeurs familiales. Alors que l'on voit T'Challa entretenir des rapports de respect et d'honneur avec les membres de sa famille proche, symbolisés par sa mère et sa sœur Shuri, il y a au sein de ce film un passé tragique autour de la famille du héros.

Durant la séquence d'introduction du film se déroulant en 1992, T'Chaka, père de T'Challa et ancien roi du Wakanda, rend visite à son frère N'Jobu dans une banlieue américaine, pour lui parler d'un vol de matériaux wakandais et possible trafic d'armes. T'Chaka sait que son frère est le commanditaire, grâce à Zuri, l'espion que son père avait laissé en place avec lui. Alors qu'il l'ordonne de revenir au Wakanda pour être jugé, N'Jobu tente de tuer Zuri mais T'Chaka l'en empêche, le tuant accidentellement au passage. Ce tragique événement familial va marquer les prémices de la relation tendu entre T'Challa et Erik Killmonger à travers le film.

Lors de son arrivée au Wakanda, Killmonger demande l'obtention du trône, de par son sang royal ainsi qu'en guise de réparation de la mort de son père. Lors du combat, le spectateur découvre les cicatrices sur son corps, « une pour chaque mort infligée ». Nous nous rendons compte que l'acte du début de film et l'abandon d'Erik enfant dans cette banlieue auront eu raison de la vie paisible qu'il aurait pu avoir si T'Chaka avait agi autrement avec lui. En cela, Killmonger devient un personnage dont le spectateur comprend les motivations, bien qu'il condamne ses agissements dans le film.

A travers ces différents exemples de famille dans les films, Disney tente un maximum de diversifier le rapport traditionnel de sa représentation familiale, tout en gardant plusieurs valeurs traditionnelles. La plupart des événements et péripéties qui arrivent aux personnages principaux sont souvent directement liés à la famille des personnages, permettant au spectateur par la même occasion de se sentir concerné par le fait que celui-ci a de fortes chances d'avoir une famille, qu'il s'entende ou non avec eux.

<footnote n="151">151 HAY Julie, « Star Wars 9 marquera la fin de saga Skywalker », https://www.journaldugeek.com/2019/03/13/star-wars-9-marquera-fin-de-saga-skywalker/</footnote>
## b. Rapport à la nostalgie

Depuis quelques années maintenant, les consommateurs des produits audiovisuels américains ont remarqué une tendance dans les contenus des ses derniers : le rapport à la nostalgie. Tant dans le fait que la Walt Disney Company utilise ses films pour faire des références à d'anciens films, comme dans la suite d'une saga par exemple, ou à travers certains thèmes des films produits. Cette pratique est depuis plusieurs années utilisée dans toute forme de marketing et d'après Ben Ho, cette technique s'est avérée satisfaisante auprès des consommateurs :

> « Les 'marketeurs' savent que nous faire rappeler des souvenirs positifs nous fait acheter plus de choses. Des expériences montrent que les publicités qui induisent plus de nostalgie permettent aux spectateurs d'aimer cette publicité davantage, leur font aimer la marque davantage, et de ce fait accroissent les chances qu'il achète le produit. Quand de larges populations commencent à chercher le confort du familier, les créateurs média peuvent en profiter en les approvisionnant de leurs souvenirs d'adolescence. Ce n'est pas que nous n'ayons plus de nouvelles idées : c'est que les vieilles idées sont des paris plus sûrs financièrement ».<fnref n="152" />

Les majors hollywoodiennes ont donc saisi l'opportunité de cette technique marketing afin d'attirer un plus grand nombre de personnes en salle, et la Walt Disney Company fait évidemment partie de ceux qui ont le mieux exploité cet aspect dans leurs films.

*Star Wars : The Force Awakens* est peut-être le film du corpus étudié ayant eu le plus recours à une valeur nostalgique. Le film use de son rapport d'ancienne propriété pour accentuer cette nostalgie et donner un sentiment de familiarité à ses spectateurs. Il existe trois caractéristiques principales à cette nostalgie.

La première concerne l'esthétique globale du film. Avant l'arrivée du septième épisode de *Star Wars*, deux trilogies avaient été réalisées : la trilogie originale de 1977 à 1983 et la « prélogie » de 1999 à 2005. Au cours des années qui ont séparé *Star Wars : Episode III : Revenge of the Sith* et *The Force Awakens*, une grande partie de la communauté des fans de *Star Wars* éprouvaient plusieurs réserves sur la « prélogie », qui ne capture pas pour eux l'esprit de la première trilogie. Outre des choix scénaristiques tarabiscotés, où le concept de

<footnote n="152">¹⁵² Traduit de l'anglais dans HO Ben, « How Hollywood manipulates you by using your childhood memories », whttps://qz.com/1108122/how-hollywood-manipulates-you-using-your-childhood-memories/</footnote>
## b. Rapport à la nostalgie

Depuis quelques années maintenant, les consommateurs des produits audiovisuels américains ont remarqué une tendance dans les contenus des ses derniers : le rapport à la nostalgie. Tant dans le fait que la Walt Disney Company utilise ses films pour faire des références à d'anciens films, comme dans la suite d'une saga par exemple, ou à travers certains thèmes des films produits. Cette pratique est depuis plusieurs années utilisée dans toute forme de marketing et d'après Ben Ho, cette technique s'est avérée satisfaisante auprès des consommateurs :

> « Les 'marketeurs' savent que nous faire rappeler des souvenirs positifs nous fait acheter plus de choses. Des expériences montrent que les publicités qui induisent plus de nostalgie permettent aux spectateurs d'aimer cette publicité davantage, leur font aimer la marque davantage, et de ce fait accroissent les chances qu'il achète le produit. Quand de larges populations commencent à chercher le confort du familier, les créateurs média peuvent en profiter en les approvisionnant de leurs souvenirs d'adolescence. Ce n'est pas que nous n'ayons plus de nouvelles idées : c'est que les vieilles idées sont des paris plus sûrs financièrement ».<fnref n="152" />

Les majors hollywoodiennes ont donc saisi l'opportunité de cette technique marketing afin d'attirer un plus grand nombre de personnes en salle, et la Walt Disney Company fait évidemment partie de ceux qui ont le mieux exploité cet aspect dans leurs films.

*Star Wars : The Force Awakens* est peut-être le film du corpus étudié ayant eu le plus recours à une valeur nostalgique. Le film use de son rapport d'ancienne propriété pour accentuer cette nostalgie et donner un sentiment de familiarité à ses spectateurs. Il existe trois caractéristiques principales à cette nostalgie.

La première concerne l'esthétique globale du film. Avant l'arrivée du septième épisode de *Star Wars*, deux trilogies avaient été réalisées : la trilogie originale de 1977 à 1983 et la « prélogie » de 1999 à 2005. Au cours des années qui ont séparé *Star Wars : Episode III : Revenge of the Sith* et *The Force Awakens*, une grande partie de la communauté des fans de *Star Wars* éprouvaient plusieurs réserves sur la « prélogie », qui ne capture pas pour eux l'esprit de la première trilogie. Outre des choix scénaristiques tarabiscotés, où le concept de

<footnote n="152">¹⁵² Traduit de l'anglais dans HO Ben, « How Hollywood manipulates you by using your childhood memories », whttps://qz.com/1108122/how-hollywood-manipulates-you-using-your-childhood-memories/</footnote>
la force change drastiquement par exemple, et des performances d'acteurs jugées
moyennes par les fans, le style esthétique des films de la « prélogie » allait à l'encontre des
épisodes IV, V et VI. En 1999, George Lucas voulait explorer les nouvelles opportunités que le
numérique pouvait lui procurer, avec une abondance d'effets visuels, des « blue screens »,
etc. ... loin des décors construits ou des effets pratiques réalisés dans les années 1970, qui
donnaient une esthétique toute sauf artificielle au film.

J.J. Abrams et son équipe ont donc pris soin de rester proche de l'esthétique de la trilogie
originale, comme plusieurs membres de l'équipe expliquent dans les bonus Blu-ray du film :

> « J.J. insistait pour qu'on revienne à l'esthétique qui a fait le succès de la trilogie originale. [...] Pour nous c'est un peu comme un retour à la maison, que ce soit l'aspect visuel ou le style du film ». (Doug Chiang, chef du design à Lucasfilm)<fnref n="153" />

> « L'idée n'est pas de copier les premiers films, mais de rester dans le même univers »
> (Dennis Muren, consultant créatif des effets spéciaux).<fnref n="154" />

La grande majorité des décors a donc été construite, du village de Jakku aux couloirs de la
base Starkiller en passant par le Faucon Millenium et le château de Maz Kanata, donnant un
aspect réaliste proche des premiers Star Wars. Mais le choix esthétique va même plus loin
que ça. Ben Rosenblatt, le coproducteur du film, parlait également de l'importance de la
pellicule dans le tournage du film :

> « Pour faire un Star Wars, on est obligé de filmer sur pellicule. La trilogie originale a
> été filmée sur pellicule, et ça joue dans l'apparence du film et la perception qu'on en
> a. Il faut capturer ça sur celluloïd, ça ne fait aucun doute » <fnref n="155" />

Le fait de tourner le film sur pellicule donne un rapport esthétique particulier à l'image, qui
renvoi comme le dit Rosenblatt à la trilogie originale. Cela vient également renforcer l'écart
important fait à la « prélogie » qui avait été tournée essentiellement en numérique.

Le deuxième choix qui donne une valeur esthétique au film vient de la structure même du
film. La saga possède des échos dans la structure ou dans les événements qui arrivent aux
cours de ses films. Par exemple, on retrouve les batailles intergalactiques dans l'espace à la

<footnote n="153">153 BOUZEREAU Laurent, « Secrets of The Force Awakens: A Cinematic Journey », in Star Wars: The Force Awakens, Lucasfilm, 2016. Timecodes dans la vidéo : 5:38.</footnote>

<footnote n="154">154 *Ibid*. Timecodes dans la vidéo : 5:55.</footnote>

<footnote n="155">¹⁵⁵ *Ibid*. Timecodes dans la vidéo : 7:35.</footnote>
la force change drastiquement par exemple, et des performances d'acteurs jugées
moyennes par les fans, le style esthétique des films de la « prélogie » allait à l'encontre des
épisodes IV, V et VI. En 1999, George Lucas voulait explorer les nouvelles opportunités que le
numérique pouvait lui procurer, avec une abondance d'effets visuels, des « blue screens »,
etc. ... loin des décors construits ou des effets pratiques réalisés dans les années 1970, qui
donnaient une esthétique toute sauf artificielle au film.

J.J. Abrams et son équipe ont donc pris soin de rester proche de l'esthétique de la trilogie
originale, comme plusieurs membres de l'équipe expliquent dans les bonus Blu-ray du film :

> « J.J. insistait pour qu'on revienne à l'esthétique qui a fait le succès de la trilogie originale. [...] Pour nous c'est un peu comme un retour à la maison, que ce soit l'aspect visuel ou le style du film ». (Doug Chiang, chef du design à Lucasfilm)<fnref n="153" />

> « L'idée n'est pas de copier les premiers films, mais de rester dans le même univers »
> (Dennis Muren, consultant créatif des effets spéciaux).<fnref n="154" />

La grande majorité des décors a donc été construite, du village de Jakku aux couloirs de la
base Starkiller en passant par le Faucon Millenium et le château de Maz Kanata, donnant un
aspect réaliste proche des premiers *Star Wars*. Mais le choix esthétique va même plus loin
que ça. Ben Rosenblatt, le coproducteur du film, parlait également de l'importance de la
pellicule dans le tournage du film :

> « Pour faire un *Star Wars*, on est obligé de filmer sur pellicule. La trilogie originale a été filmée sur pellicule, et ça joue dans l'apparence du film et la perception qu'on en a. Il faut capturer ça sur celluloïd, ça ne fait aucun doute » <fnref n="155" />

Le fait de tourner le film sur pellicule donne un rapport esthétique particulier à l'image, qui
renvoi comme le dit Rosenblatt à la trilogie originale. Cela vient également renforcer l'écart
important fait à la « prélogie » qui avait été tournée essentiellement en numérique.

Le deuxième choix qui donne une valeur esthétique au film vient de la structure même du
film. La saga possède des échos dans la structure ou dans les événements qui arrivent aux
cours de ses films. Par exemple, on retrouve les batailles intergalactiques dans l'espace à la

<footnote n="153">153 BOUZEREAU Laurent, « Secrets of *The Force Awakens*: A Cinematic Journey », in *Star Wars: The Force Awakens*, Lucasfilm, 2016. Timecodes dans la vidéo : 5:38.</footnote>

<footnote n="154">154 *Ibid*. Timecodes dans la vidéo : 5:55.</footnote>

<footnote n="155">155 *Ibid*. Timecodes dans la vidéo : 7:35.</footnote>
fin de *Star Wars : Episode IV et Star Wars : Episode I*, le bras coupé d'Anakin Skywalker dans *Star Wars : Episode II* faisant écho à celui de Luke Skywalker dans *Star Wars : Episode V...*
Pour le coup, *The Force Awakens* reprend plusieurs éléments d'intrigue à *A New Hope* pour en devenir presque une reconstitution.

Les actes du film sont très similaires : un premier acte sur une planète désertique avec un personnage principal qui n'est pas heureux sur cette planète. Ce même personnage va faire une rencontre avec un droïde échappé d'un vaisseau et perdu dans le désert, qui possède des plans que l'Ordre en place veut impérativement récupérer. Accompagné par ses nouveaux compagnons, le personnage principal va quitter sa planète à bord du Faucon Millenium et rechercher l'armée d'irréductibles soldats contre le régime totalitaire en place.
Bien que la mort du mentor du personnage principal intervienne vers le dernier acte du film, les troupes résistantes arrivent à vaincre la base armée destructrice de l'Ordre en place. Les héros célèbrent leur victoire à la fin en attendant de nouvelles aventures, générique de fin.

*The Force Awakens* est structurellement le copié-collé du film de 1977. Mais faisant cela, le fait de d'avoir une trame narrative aussi similaire à celle d*A New Hope* permet de mettre encore en avant la nostalgie voulue par Disney et Lucasfilm. En montrant une structure de film proche d'un film que les fans adorent, l'amour que les gens ont eu pour l'ancien film est sensé se déplacer vers le nouveau film.

A l'aide de cette structure également, une sorte de nouvelle dimension nostalgique intervient grâce aux personnages en place. Dans le film, le fait de revoir des personnages que l'on a connu dans le passé est un gage quasi automatique de joie pour le spectateur, et ce avant même que ce personnage fasse quelque chose. Par exemple, Han Solo prend le rôle du mentor dans le film : il a donc une double dimension nostalgique, d'une part parce qu'il est un personnage que l'on a aimé par le passé, et d'autre part parce qu'il reprend d'une certaine manière le rôle d'Obi Wan dans l'Episode IV. Et à travers la nostalgique que certains personnages véhiculent, d'autres prennent de l'importance dans le film : il s'agit de BB-8 par exemple qui prend un rôle similaire à R2-D2, de Rey qui reprend un rôle proche de celui de Luke...

Enfin la dernière dimension nostalgique est de l'ordre de l'« Easter Egg ». Ces éléments sont des bribes issues de culture populaire qui servent à travers des visuels à rendre hommage à
fin de *Star Wars : Episode IV et Star Wars : Episode I*, le bras coupé d'Anakin Skywalker dans *Star Wars : Episode II* faisant écho à celui de Luke Skywalker dans *Star Wars : Episode V...*
Pour le coup, *The Force Awakens* reprend plusieurs éléments d'intrigue à *A New Hope* pour en devenir presque une reconstitution.

Les actes du film sont très similaires : un premier acte sur une planète désertique avec un personnage principal qui n'est pas heureux sur cette planète. Ce même personnage va faire une rencontre avec un droïde échappé d'un vaisseau et perdu dans le désert, qui possède des plans que l'Ordre en place veut impérativement récupérer. Accompagné par ses nouveaux compagnons, le personnage principal va quitter sa planète à bord du Faucon Millenium et rechercher l'armée d'irréductibles soldats contre le régime totalitaire en place.
Bien que la mort du mentor du personnage principal intervienne vers le dernier acte du film, les troupes résistantes arrivent à vaincre la base armée destructrice de l'Ordre en place. Les héros célèbrent leur victoire à la fin en attendant de nouvelles aventures, générique de fin.

*The Force Awakens* est structurellement le copié-collé du film de 1977. Mais faisant cela, le fait de d'avoir une trame narrative aussi similaire à celle d*A New Hope* permet de mettre encore en avant la nostalgie voulue par Disney et Lucasfilm. En montrant une structure de film proche d'un film que les fans adorent, l'amour que les gens ont eu pour l'ancien film est sensé se déplacer vers le nouveau film.

A l'aide de cette structure également, une sorte de nouvelle dimension nostalgique intervient grâce aux personnages en place. Dans le film, le fait de revoir des personnages que l'on a connu dans le passé est un gage quasi automatique de joie pour le spectateur, et ce avant même que ce personnage fasse quelque chose. Par exemple, Han Solo prend le rôle du mentor dans le film : il a donc une double dimension nostalgique, d'une part parce qu'il est un personnage que l'on a aimé par le passé, et d'autre part parce qu'il reprend d'une certaine manière le rôle d'Obi Wan dans l'Episode IV. Et à travers la nostalgie que certains personnages véhiculent, d'autres prennent de l'importance dans le film : il s'agit de BB-8 par exemple qui prend un rôle similaire à R2-D2, de Rey qui reprend un rôle proche de celui de Luke...

Enfin la dernière dimension nostalgique est de l'ordre de l'« Easter Egg ». Ces éléments sont des bribes issues de culture populaire qui servent à travers des visuels à rendre hommage à
un film, un livre... Développés dans un premier temps dans le monde du jeu vidéo, où il s'agissait pour les créateurs de cacher des lignes de programme pour que le joueur découvrant le jeu puisse débloquer cette programmation cachée à l'aide d'une combinaison de touche ou de mouvement à l'écran, ces « Œufs de Pâques » ont pris de plus en plus d'importance dans les films populaires contemporains.

Les « Easter Eggs » sont très nombreux dans *Star Wars*. Certains se veulent anecdotiques, comme la partie d'échecs holographique que Finn réactive malencontreusement avec son coude, partie qui reprenait à l'endroit où on l'avait laissé dans l' *Episode IV*. Certains sont plus recherchés dans leur exécution, comme l'antenne du Faucon Millenium de forme différente dans le film que dans l'ancienne trilogie. En effet, lors de la bataille finale de l' *Episode VI*, l'antenne du Faucon avait été détruite dans l'attaque de la seconde Etoile Noire. Un détail presque insignifiant mais qui montre une forme de continuité dans la saga scénaristiquement parlant. Ces « Easter Eggs » sont ici pour rendre hommage à la communauté de fans qui apprécient ces détails dans leur univers.

*Mary Poppins Returns* emprunte plusieurs éléments nostalgiques qui définissent le film. L'esthétique globale du film se veut très similaire à celle du premier *Mary Poppins*. A l'image de *Star Wars : The Force Awakens*, le film est structuré à l'identique que le premier film. Mary Poppins arrive allée des Cerisiers pour s'occuper des enfants Banks alors que leur vie de famille est fragilisée par de dures épreuves récentes, symbolisées dans le film par la mort de la mère des enfants et les dettes financières de leur père. Entremêlés de passages dans la vie réelle et de purs moments de fantaisie, la venue de Mary Poppins va permettre à la famille de se retrouver à la fin, alors que Mary Poppins part avec son parapluie dans le ciel Londonien, un sourire aux lèvres.

Les numéros musicaux de *Mary Poppins Returns* sont également des miroirs à ceux du premier film. Le film a pris le parti de ne pas reprendre des chansons existantes du premier film, pour ne pas tomber dans l'exagération nostalgique et jouer la carte de la « facilité ». Cependant, une grande partie des chansons du deuxième opus ne sert strictement qu'à rendre hommage aux chansons du premier film. « Can You Imagine That ? » est une chanson se rapprochant de « Spoon Full of Sugar » pour sa valeur pédagogique envers l'éducation des enfants dans des tâches qu'ils peuvent accomplir durant la journée, tout en utilisant la participation d'animaux pour participer à la musicalité de l'extrait. Dans ce film, les dauphins
un film, un livre... Développés dans un premier temps dans le monde du jeu vidéo, où il s'agissait pour les créateurs de cacher des lignes de programme pour que le joueur découvrant le jeu puisse débloquer cette programmation cachée à l'aide d'une combinaison de touche ou de mouvement à l'écran, ces « Œufs de Pâques » ont pris de plus en plus d'importance dans les films populaires contemporains.

Les « Easter Eggs » sont très nombreux dans *Star Wars*. Certains se veulent anecdotiques, comme la partie d'échecs holographique que Finn réactive malencontreusement avec son coude, partie qui reprenait à l'endroit où on l'avait laissé dans l' *Episode IV*. Certains sont plus recherchés dans leur exécution, comme l'antenne du Faucon Millenium de forme différente dans le film que dans l'ancienne trilogie. En effet, lors de la bataille finale de l' *Episode VI*, l'antenne du Faucon avait été détruite dans l'attaque de la seconde Etoile Noire. Un détail presque insignifiant mais qui montre une forme de continuité dans la saga scénaristiquement parlant. Ces « Easter Eggs » sont ici pour rendre hommage à la communauté de fans qui apprécient ces détails dans leur univers.

*Mary Poppins Returns* emprunte plusieurs éléments nostalgiques qui définissent le film. L'esthétique globale du film se veut très similaire à celle du premier *Mary Poppins*. A l'image de *Star Wars : The Force Awakens*, le film est structuré à l'identique que le premier film. Mary Poppins arrive allée des Cerisiers pour s'occuper des enfants Banks alors que leur vie de famille est fragilisée par de dures épreuves récentes, symbolisées dans le film par la mort de la mère des enfants et les dettes financières de leur père. Entremêlés de passages dans la vie réelle et de purs moments de fantaisie, la venue de Mary Poppins va permettre à la famille de se retrouver à la fin, alors que Mary Poppins part avec son parapluie dans le ciel Londonien, un sourire aux lèvres.

Les numéros musicaux de *Mary Poppins Returns* sont également des miroirs à ceux du premier film. Le film a pris le parti de ne pas reprendre des chansons existantes du premier film, pour ne pas tomber dans l'exagération nostalgique et jouer la carte de la « facilité ». Cependant, une grande partie des chansons du deuxième opus ne sert strictement qu'à rendre hommage aux chansons du premier film. « Can You Imagine That ? » est une chanson se rapprochant de « Spoon Full of Sugar » pour sa valeur pédagogique envers l'éducation des enfants dans des tâches qu'ils peuvent accomplir durant la journée, tout en utilisant la participation d'animaux pour participer à la musicalité de l'extrait. Dans ce film, les dauphins
et autres animaux aquatiques remplacent les oiseaux du premier film. La participation d'animaux aux chansons met également en avant différents cas s'étant déroulés dans de précédentes œuvres Disney. « A Cover Is Not the Book » et « Trip a Little Light Fantastic » sont des chansons qui rendent hommage respectivement a « Supercalifragiliscexpialidocious » et « Chim Chim Cher-ee » et sont quasiment identiques esthétiquement parlant. La première chanson se déroule dans un monde similaire au premier film, qui combine images réelles et animation. Alors que la Walt Disney Company s'est depuis un certain temps tourné vers l'animation 3D avec ses films d'animation originaux et les studios Pixar, le film prend le choix de l'animation 2D et du compositing comme ce fut le cas dans le premier film. La seconde chanson montre la classe ouvrière londonienne au travail la nuit, centrée autour du personnage Jack, interprété par Lin-Manuel Miranda l'allumeur de réverbères de l'allée des Cerisiers, personnage presque reconstitué à l'identique de celui-ci de Bert dans le premier film. La chorégraphie, faite de plusieurs acrobaties par les danseurs/ouvriers, rappelle celle de « Chim Chim Cher-ee » avec les ramoneurs de cheminée dont Bert faisait partie.

Il existe encore des rapports thématiques entre les chansons des deux films. « Turning Turtles » et « I Love to Laugh » sont deux chansons qui célèbrent la fantaisie du monde dans lequel ils vivent, où des jeux gravitationnels sont mis en place pour l'illustrer. « Nowhere to Go But Up » et « Let's Go Fly a Kyte » sont des conclusions qui célèbrent la joie de vivre, avec un départ de Mary Poppins en retrait de la célébration rendant la fin presque douce amère. La nostalgie est alors dans Mary Poppins un thème presque défini à outrance à travers le film, qui fait certes le choix de créer leurs propres morceaux musicaux afin de mieux utiliser des « Easter Eggs » pour faire une meilleure corrélation entre anciennes chansons, que les fans de Mary Poppins apprécient, et morceaux récents.

*Coco et Black Panther* n'ont pas véritablement de dynamique nostalgique qui définit le film. Cependant, à travers leurs familles respectives, le sens du devoir et le respect des traditions peuvent être vues comme une forme indirecte de nostalgie.

Les familles de T'Challa et Miguel sont constamment dans des agissements prédéfinis afin que leurs ancêtres ne soit pas déçus de leur comportement. En un sens, les comportements et décisions des deux héros à la fin des films vont permettre à leurs proches de s'affranchir de leurs règles et de laisser la nostalgie s'éloigner tranquillement de leurs vies.
et autres animaux aquatiques remplacent les oiseaux du premier film. La participation d'animaux aux chansons met également en avant différents cas s'étant déroulés dans de précédentes œuvres Disney. « A Cover Is Not the Book » et « Trip a Little Light Fantastic » sont des chansons qui rendent hommage respectivement a « Supercalifragiliscexpialidocious » et « Chim Chim Cher-ee » et sont quasiment identiques esthétiquement parlant. La première chanson se déroule dans un monde similaire au premier film, qui combine images réelles et animation. Alors que la Walt Disney Company s'est depuis un certain temps tourné vers l'animation 3D avec ses films d'animation originaux et les studios Pixar, le film prend le choix de l'animation 2D et du compositing comme ce fut le cas dans le premier film. La seconde chanson montre la classe ouvrière londonienne au travail la nuit, centrée autour du personnage Jack, interprété par Lin-Manuel Miranda l'allumeur de réverbères de l'allée des Cerisiers, personnage presque reconstitué à l'identique de celui-ci de Bert dans le premier film. La chorégraphie, faite de plusieurs acrobaties par les danseurs/ouvriers, rappelle celle de « Chim Chim Cher-ee » avec les ramoneurs de cheminée dont Bert faisait partie.

Il existe encore des rapports thématiques entre les chansons des deux films. « Turning Turtles » et « I Love to Laugh » sont deux chansons qui célèbrent la fantaisie du monde dans lequel ils vivent, où des jeux gravitationnels sont mis en place pour l'illustrer. « Nowhere to Go But Up » et « Let's Go Fly a Kyte » sont des conclusions qui célèbrent la joie de vivre, avec un départ de Mary Poppins en retrait de la célébration rendant la fin presque douce amère. La nostalgie est alors dans Mary Poppins un thème presque défini à outrance à travers le film, qui fait certes le choix de créer leurs propres morceaux musicaux afin de mieux utiliser des « Easter Eggs » pour faire une meilleure corrélation entre anciennes chansons, que les fans de Mary Poppins apprécient, et morceaux récents.

Coco et Black Panther n'ont pas véritablement de dynamique nostalgique qui définit le film. Cependant, à travers leurs familles respectives, le sens du devoir et le respect des traditions peuvent être vues comme une forme indirecte de nostalgie.

Les familles de T'Challa et Miguel sont constamment dans des agissements prédéfinis afin que leurs ancêtres ne soit pas déçus de leur comportement. En un sens, les comportements et décisions des deux héros à la fin des films vont permettre à leurs proches de s'affranchir de leurs règles et de laisser la nostalgie s'éloigner tranquillement de leurs vies.
Si l'on parle de tradition, *Black Panther* possède un élément qui est l'un des plus répandus de la mythologie classique Marvel : la perte du père. On retrouve ce thème chez la plupart super-héros, tant chez Marvel que chez d'autres marques : Spiderman, Batman, Iron Man, Thor, Superman... T'Challa a une dimension psychologique commune avec presque tous les super-héros. De plus, la perte d'un membre de la famille est quelque chose que qui est explorée dans plusieurs films d'animation Disney : *Bambi*, *The Lion King*, *Big Hero 6*... On est dans une dimension traditionnelle thématique à ce sujet tant du film super-héroïque de base mais également du film Disney traditionnel. Pour *Coco*, la dimension psychologique de Miguel n'est pas forcément explorée dans une « tradition Disney » mais peut trouver ses sources au sein de l'animation japonaise par exemple. Miguel traverse le monde des esprits pour retrouver sa famille. On est dans une thématique assez proche des films Ghibli, notamment avec *Le Voyage de Chihiro* (2001), mais également dans des films d'animation japonais plus récents comme *Voyage vers Agartha* (2011).

Donc la nostalgie dans *Black Panther* et *Coco* est présente mais ne devient pas là l'un des thèmes cruciaux à l'histoire du film, contrairement à *Star Wars : The Force Awakens* et *Mary Poppins Returns*.

### c. L'esthétique unique

Lorsque l'on parle d' « authenticité » dans les films Disney, le dernier élément majeur qui saute aux yeux est l'esthétique des films. En tant que spectateur, il est possible de s'attendre à des esthétiques différentes au sein du corpus de films. Après tout, les films présentés sont censés être des films « différents » les uns des autres, ne serait-ce que dans le genre auquel ils appartiennent : un « space opera », un parcours initiatique en cinéma d'animation, un film de super-héros et une comédie musicale.

Seulement voilà : la dimension esthétique des films est quasiment identique. Il y a une unicité esthétique qui se dégage. Il ne fait aucun doute que l'on regarde une production de la Walt Disney Company, tant devant un film Marvel que Pixar. Que ce soit dans la réalisation, le montage ou la structure narrative, une seule dimension esthétique se dégage.
Si l'on parle de tradition, *Black Panther* possède un élément qui est l'un des plus répandus de la mythologie classique Marvel : la perte du père. On retrouve ce thème chez la plupart super-héros, tant chez Marvel que chez d'autres marques : Spiderman, Batman, Iron Man, Thor, Superman... T'Challa a une dimension psychologique commune avec presque tous les super-héros. De plus, la perte d'un membre de la famille est quelque chose que qui est explorée dans plusieurs films d'animation Disney : *Bambi*, *The Lion King*, *Big Hero 6*... On est dans une dimension traditionnelle thématique à ce sujet tant du film super-héroïque de base mais également du film Disney traditionnel. Pour *Coco*, la dimension psychologique de Miguel n'est pas forcément explorée dans une « tradition Disney » mais peut trouver ses sources au sein de l'animation japonaise par exemple. Miguel traverse le monde des esprits pour retrouver sa famille. On est dans une thématique assez proche des films Ghibli, notamment avec *Le Voyage de Chihiro* (2001), mais également dans des films d'animation japonais plus récents comme *Voyage vers Agartha* (2011).

Donc la nostalgie dans *Black Panther* et *Coco* est présente mais ne devient pas là l'un des thèmes cruciaux à l'histoire du film, contrairement à *Star Wars : The Force Awakens* et *Mary Poppins Returns*.

### c. L'esthétique unique

Lorsque l'on parle d' « authenticité » dans les films Disney, le dernier élément majeur qui saute aux yeux est l'esthétique des films. En tant que spectateur, il est possible de s'attendre à des esthétiques différentes au sein du corpus de films. Après tout, les films présentés sont censés être des films « différents » les uns des autres, ne serait-ce que dans le genre auquel ils appartiennent : un « space opera », un parcours initiatique en cinéma d'animation, un film de super-héros et une comédie musicale.

Seulement voilà : la dimension esthétique des films est quasiment identique. Il y a une unicité esthétique qui se dégage. Il ne fait aucun doute que l'on regarde une production de la Walt Disney Company, tant devant un film Marvel que Pixar. Que ce soit dans la réalisation, le montage ou la structure narrative, une seule dimension esthétique se dégage.
Une CGI omniprésente

Tous les visuels des films se ressemblent. Ceux-ci viennent principalement de l'abondance de CGI dans chaque film. Développée au cours des années 1990, la Computer Generated Imagery est comme son nom l'indique de l'imagerie générée par des images de synthèse sur ordinateur. S'il est compliqué de « blâmer » Coco pour l'utilisation de CGI, l'animation 3D numérique de Pixar étant fondée exclusivement sur les effets numériques, les trois autres films en prises de vue réelles sont très portés sur les effets spéciaux.

Star Wars : The Force Awakens et Black Panther sont des films presque intégralement tournés avec des effets spéciaux. Le premier film possède énormément d'images en CGI à différents niveaux. Tout d'abord, il y a les éléments numériques au sein d'un décor naturel. On trouve beaucoup de décors physiques qui sont complétés par de la CGI. L'exemple le plus commun est l'intérieur de chaque vaisseau où les éléments en fond de décor sont modifiés par des effets spéciaux. On retrouve en plus des personnages directement en CGI : en plus des personnages de Snoke et Maz Kanata, interprétés respectivement par Andy Serkis et Lupita Nyong'o en « motion capture », on retrouve également les Raftars en images de synthèse. Ces créatures dangereuses sont d'ailleurs les seules du film à être entièrement numérisées. C'est assez paradoxal comme approche car on ne comprend pas la raison artistique d'un tel choix.

On retrouve par la suite les décors entièrement numérisés. Ceux-ci concernent principalement le dernier acte du film avec les batailles autour de la base Starkiller ou encore la vision que Rey a dans la cantina de Maz. Au final, ils n'y a que très peu de plans qui sont dénués d'effets spéciaux. On notera certains plans larges sur Jakku au début du film et les derniers plans à la fin du film au Temple Jedi.

Black Panther suit la même démarche que The Force Awakens dans l'utilisation d'effets spéciaux à outrance. Cependant, l'utilisation de la CGI est encore plus importante. Il y a beaucoup moins de décor naturels, seuls quelques intérieurs sont inchangés comme l'appartement au début du film ou la scène du musée à Londres dans le second acte. La quasi-intégralité du film est en CGI. L'exemple le plus marquant est la capitale du Wakanda qui est entièrement numérisée. Même des personnages réels sont souvent entièrement numérisés. A chaque fois que T'Challa porte le costume du Black Panther, il apparaît en CGI.
Une CGI omniprésente

Tous les visuels des films se ressemblent. Ceux-ci viennent principalement de l'abondance de CGI dans chaque film. Développée au cours des années 1990, la Computer Generated Imagery est comme son nom l'indique de l'imagerie générée par des images de synthèse sur ordinateur. S'il est compliqué de « blâmer » Coco pour l'utilisation de CGI, l'animation 3D numérique de Pixar étant fondée exclusivement sur les effets numériques, les trois autres films en prises de vue réelles sont très portés sur les effets spéciaux.

Star Wars : The Force Awakens et Black Panther sont des films presque intégralement tournés avec des effets spéciaux. Le premier film possède énormément d'images en CGI à différents niveaux. Tout d'abord, il y a les éléments numériques au sein d'un décor naturel. On trouve beaucoup de décors physiques qui sont complétés par de la CGI. L'exemple le plus commun est l'intérieur de chaque vaisseau où les éléments en fond de décor sont modifiés par des effets spéciaux. On retrouve en plus des personnages directement en CGI : en plus des personnages de Snoke et Maz Kanata, interprétés respectivement par Andy Serkis et Lupita Nyong'o en « motion capture », on retrouve également les Raftars en images de synthèse. Ces créatures dangereuses sont d'ailleurs les seules du film à être entièrement numérisées. C'est assez paradoxal comme approche car on ne comprend pas la raison artistique d'un tel choix.

On retrouve par la suite les décors entièrement numérisés. Ceux-ci concernent principalement le dernier acte du film avec les batailles autour de la base Starkiller ou encore la vision que Rey a dans la cantina de Maz. Au final, ils n'y a que très peu de plans qui sont dénués d'effets spéciaux. On notera certains plans larges sur Jakku au début du film et les derniers plans à la fin du film au Temple Jedi.

Black Panther suit la même démarche que The Force Awakens dans l'utilisation d'effets spéciaux à outrance. Cependant, l'utilisation de la CGI est encore plus importante. Il y a beaucoup moins de décor naturels, seuls quelques intérieurs sont inchangés comme l'appartement au début du film ou la scène du musée à Londres dans le second acte. La quasi-intégralité du film est en CGI. L'exemple le plus marquant est la capitale du Wakanda qui est entièrement numérisée. Même des personnages réels sont souvent entièrement numérisés. A chaque fois que T'Challa porte le costume du Black Panther, il apparaît en CGI.
Le combat final dans les souterrains wakandais peut même être considéré comme une séquence d'animation car il n'y a plus aucun élément réel. On a davantage l'impression de voir un film d'animation Pixar dans l'esthétique d'effets spéciaux 3D.

Aussi surprenant que cela puisse paraître, *Mary Poppins Returns* est truffé d'éléments en CGI. Si la plupart du temps il s'agit d'éléments de fonds de décor générés par ordinateur, comme l'Allée des Cerisiers quand les membres de la famille Banks sont dans la maison, il y a certaines scènes où les effets spéciaux sont omniprésents. Dans les numéros musicaux, les images de synthèse sont omniprésentes. Si l'on prend en exemple le premier moment musical de Mary Poppins dans le film, on observe que la salle de bains est remplie d'éléments ajoutés en postproduction : lavabo, dauphin... La seconde partie de la scène est entièrement numérisée, seuls Mary Poppins et les enfants Banks sont réels. Il ne s'agit pas du seul moment où tout est informatisé : d'une manière générale, tous les numéros musicaux sont remplis de fonds verts et d'effets spéciaux.

L'abondance de CGI dans les films du corpus montre essentiellement une chose fondamentale voulue par Disney : avoir des films qui ont l'air spectaculaire. La plupart de leurs effets sont réalisés par les équipes d'ILM, considérées par les spécialistes comme les maîtres en la matière par les spécialistes. Le rendu final est souvent des plus spectaculaires. Cela étant dit, la surabondance d'effets donne automatiquement un résultat superficiel. Le spectateur est face à un monde factice qui va directement créer une distanciation entre lui et le spectateur. Le rapport à la CGI de Coco est assez différent dû au fait qu'il s'agit d'un film d'animation. Le spectateur est face à un autre médium, une manière différente de raconter une histoire. Il aura plus d'aisance à adopter l'univers du film, malgré les éléments fantastiques qui s'y trouvent.

On peut également voir la CGI comme une évolution de l'imaginaire traditionnel de Walt Disney. Les effets spéciaux allient l'imaginaire, matérialisé par les effets numériques, au réel. Mais là encore, l'abondance d'éléments en CGI crée un décalage trop important pour que cette vision se vérifie. L'imaginaire et l'irréel prennent tellement le dessus sur le réel que même ce principe de base de Disney n'est plus véritablement respecté dans l'esthétique des films.
Le combat final dans les souterrains wakandais peut même être considéré comme une séquence d'animation car il n'y a plus aucun élément réel. On a davantage l'impression de voir un film d'animation Pixar dans l'esthétique d'effets spéciaux 3D.

Aussi surprenant que cela puisse paraître, *Mary Poppins Returns* est truffé d'éléments en CGI. Si la plupart du temps il s'agit d'éléments de fonds de décor générés par ordinateur, comme l'Allée des Cerisiers quand les membres de la famille Banks sont dans la maison, il y a certaines scènes où les effets spéciaux sont omniprésents. Dans les numéros musicaux, les images de synthèse sont omniprésentes. Si l'on prend en exemple le premier moment musical de Mary Poppins dans le film, on observe que la salle de bains est remplie d'éléments ajoutés en postproduction : lavabo, dauphin... La seconde partie de la scène est entièrement numérisée, seuls Mary Poppins et les enfants Banks sont réels. Il ne s'agit pas du seul moment où tout est informatisé : d'une manière générale, tous les numéros musicaux sont remplis de fonds verts et d'effets spéciaux.

L'abondance de CGI dans les films du corpus montre essentiellement une chose fondamentale voulue par Disney : avoir des films qui ont l'air spectaculaire. La plupart de leurs effets sont réalisés par les équipes d'ILM, considérées par les spécialistes comme les maîtres en la matière par les spécialistes. Le rendu final est souvent des plus spectaculaires. Cela étant dit, la surabondance d'effets donne automatiquement un résultat superficiel. Le spectateur est face à un monde factice qui va directement créer une distanciation entre lui et le spectateur. Le rapport à la CGI de Coco est assez différent dû au fait qu'il s'agit d'un film d'animation. Le spectateur est face à un autre médium, une manière différente de raconter une histoire. Il aura plus d'aisance à adopter l'univers du film, malgré les éléments fantastiques qui s'y trouvent.

On peut également voir la CGI comme une évolution de l'imaginaire traditionnel de Walt Disney. Les effets spéciaux allient l'imaginaire, matérialisé par les effets numériques, au réel. Mais là encore, l'abondance d'éléments en CGI crée un décalage trop important pour que cette vision se vérifie. L'imaginaire et l'irréel prennent tellement le dessus sur le réel que même ce principe de base de Disney n'est plus véritablement respecté dans l'esthétique des films.
## Un code couleur commun

Au niveau des couleurs utilisées, on retrouve à nouveau une concordance au niveau des films du corpus. Les films n'ont pas de couleurs en commun à proprement parler mais leur utilisation de la couleur vient du même procédé. Tout d'abord, toutes les couleurs sont éclatantes. Il n'y a que très rarement des couleurs désaturées, de couleurs pâles. De plus, on observe souvent des associations de couleurs qui existent principalement pour attirer l'œil du spectateur.

L'un des meilleurs exemples est dans Coco. Il y a deux couleurs principales : l'orange et le bleu. Chacune des deux couleurs est liée à un thème précis. L'orange symbolise le passage vers l'au-delà lors de la fête des morts. Le pont de feuilles qui permet aux esprits d'aller voir leur descendance pendant la fête des morts ainsi que le halo lumineux autour des corps sont les exemples les plus marquants dans le film. Le bleu est souvent utilisé pour symboliser le passé. La plupart du film se déroule au cours d'une nuit et la pénombre donne un aspect bleuté dans presque tous les plans de la ville des morts. Pour en revenir aux éléments nostalgiques dans les films du corpus, la couleur bleu de Coco sert également à illustrer le passé des personnages. On peut notamment voir cet aspect dans la cachette de Miguel où la lumière de l'écran de télévision reflète une lumière bleutée ou quand tous les esprits des morts parlent de leur passé. La couleur bleue est souvent ici un mélange de nostalgie et de mélancolie.

Le contraste avec ces deux couleurs donnent un sentiment d'harmonie stylistique à Coco. Hormis les scènes de flashbacks où les couleurs sont volontairement désaturées, toutes les couleurs dans le film sont brillantes. Les plans larges de la ville des morts sont très riches en couleurs si bien qu'il vient s'ajouter une profonde valeur irréaliste au film. La vibrance des couleurs amplifie la distanciation entre la réalité et l'imaginaire du film.

Black Panther est en ce sens un film qui suit un code couleur brillant et saturé comme Coco. Le film est présenté comme une explosion de couleurs qui saute aux yeux du spectateur. Chaque scène possède sa propre couleur dominante : le blanc « représente » la scène du musée, le bleu foncé et le violet sont omniprésents dans la scène où T'Challa voit son père, les scènes dans le laboratoire de recherches sont noires et bleues... Les scènes où une
## Un code couleur commun

Au niveau des couleurs utilisées, on retrouve à nouveau une concordance au niveau des films du corpus. Les films n'ont pas de couleurs en commun à proprement parler mais leur utilisation de la couleur vient du même procédé. Tout d'abord, toutes les couleurs sont éclatantes. Il n'y a que très rarement des couleurs désaturées, de couleurs pâles. De plus, on observe souvent des associations de couleurs qui existent principalement pour attirer l'œil du spectateur.

L'un des meilleurs exemples est dans Coco. Il y a deux couleurs principales : l'orange et le bleu. Chacune des deux couleurs est liée à un thème précis. L'orange symbolise le passage vers l'au-delà lors de la fête des morts. Le pont de feuilles qui permet aux esprits d'aller voir leur descendance pendant la fête des morts ainsi que le halo lumineux autour des corps sont les exemples les plus marquants dans le film. Le bleu est souvent utilisé pour symboliser le passé. La plupart du film se déroule au cours d'une nuit et la pénombre donne un aspect bleuté dans presque tous les plans de la ville des morts. Pour en revenir aux éléments nostalgiques dans les films du corpus, la couleur bleu de Coco sert également à illustrer le passé des personnages. On peut notamment voir cet aspect dans la cachette de Miguel où la lumière de l'écran de télévision reflète une lumière bleutée ou quand tous les esprits des morts parlent de leur passé. La couleur bleue est souvent ici un mélange de nostalgie et de mélancolie.

Le contraste avec ces deux couleurs donnent un sentiment d'harmonie stylistique à Coco. Hormis les scènes de flashbacks où les couleurs sont volontairement désaturées, toutes les couleurs dans le film sont brillantes. Les plans larges de la ville des morts sont très riches en couleurs si bien qu'il vient s'ajouter une profonde valeur irréaliste au film. La vibrance des couleurs amplifie la distanciation entre la réalité et l'imaginaire du film.

Black Panther est en ce sens un film qui suit un code couleur brillant et saturé comme Coco. Le film est présenté comme une explosion de couleurs qui saute aux yeux du spectateur. Chaque scène possède sa propre couleur dominante : le blanc « représente » la scène du musée, le bleu foncé et le violet sont omniprésents dans la scène où T'Challa voit son père, les scènes dans le laboratoire de recherches sont noires et bleues... Les scènes où une
couleur ne prend pas le dessus sont généralement celles où les explosions de couleurs apparaissent. La bataille finale entre les différents camps du Wakanda est symptomatique de la volonté des créateurs de représenter un nombre incalculable de couleurs variées à l'écran. Les couleurs sont censées donner un côté « Waouh ! ». Il y a une surenchère des couleurs comme si elles étaient supposées donner une valeur ajoutée par leur nombre conséquent et leur brillance. Au final, on a davantage l'impression que l'abondance des couleurs n'est qu'une façade qui sert à définir le style du film. Ce dernier est un peu à l'image de son générique de fin au moment de l'apparition du « cast », où une couleur est rattachée à un nom de comédien sans réelle justification ou propos artistique.

Le jeu sur les contrastes de couleur est également très présent dans *Mary Poppins Returns*. A l'image de *Black Panther*, on retrouve une variété de couleurs qui sont rattachées à chaque scène. Le jeu sur les contrastes de couleurs est souvent recherché : les personnages sont souvent habillés dans des couleurs qui sont très différentes de celles des décors. Cela est souvent visible avec le personnage de Mary Poppins : dans sa première chanson, elle est habillée en vert sous un ciel bleu et rose. Elle est en rouge lorsqu'elle rentre dans la boutique aux couleurs vertes de sa cousine. Elle est finalement en bleu dans la dernière scène au parc. On est là pour voir des personnages se démarquer dans un décor riche en couleurs. L'effet « Waouh ! » est toujours recherché.

*Star Wars: The Force Awakens* possède un code couleur qui non seulement est en adéquation avec les autres films du corpus mais également avec la saga *Star Wars* dans son ensemble. La franchise a toujours eu un code couleur défini : bleu et blanc (hormis en ce qui concerne les Stormtroopers) pour symboliser le côté lumineux de la force et le rouge et noir pour le côté obscur. Non seulement ces quatre couleurs sont les couleurs principales qui sont dans le film, mais par comparaison avec les films précédents, il y a une scène qui utilise la couleur dans un contexte narratif. Lors de la mise à mort de Han Solo par son fils, le rouge et le bleu sont omniprésents dans la scène pour souligner l'indécision de Kylo à rejoindre définitivement le côté obscur. Ce n'est qu'au moment où sa décision est prise que la couleur rouge prend le dessus sur le bleu. Certes, si l'issue de la scène était prévisible dès le départ, la rattacher avec des marqueurs visuels en couleur lui permet de prendre une plus grande dimension dans la narration. Cette scène n'est malheureusement que le seul exemple pertinent de la mise en avant de la couleur dans *The Force Awakens*.
couleur ne prend pas le dessus sont généralement celles où les explosions de couleurs apparaissent. La bataille finale entre les différents camps du Wakanda est symptomatique de la volonté des créateurs de représenter un nombre incalculable de couleurs variées à l'écran. Les couleurs sont censées donner un côté « Waouh ! ». Il y a une surenchère des couleurs comme si elles étaient supposées donner une valeur ajoutée par leur nombre conséquent et leur brillance. Au final, on a davantage l'impression que l'abondance des couleurs n'est qu'une façade qui sert à définir le style du film. Ce dernier est un peu à l'image de son générique de fin au moment de l'apparition du « cast », où une couleur est rattachée à un nom de comédien sans réelle justification ou propos artistique.

Le jeu sur les contrastes de couleur est également très présent dans *Mary Poppins Returns*. A l'image de *Black Panther*, on retrouve une variété de couleurs qui sont rattachées à chaque scène. Le jeu sur les contrastes de couleurs est souvent recherché : les personnages sont souvent habillés dans des couleurs qui sont très différentes de celles des décors. Cela est souvent visible avec le personnage de Mary Poppins : dans sa première chanson, elle est habillée en vert sous un ciel bleu et rose. Elle est en rouge lorsqu'elle rentre dans la boutique aux couleurs vertes de sa cousine. Elle est finalement en bleu dans la dernière scène au parc. On est là pour voir des personnages se démarquer dans un décor riche en couleurs. L'effet « Waouh ! » est toujours recherché.

*Star Wars: The Force Awakens* possède un code couleur qui non seulement est en adéquation avec les autres films du corpus mais également avec la saga *Star Wars* dans son ensemble. La franchise a toujours eu un code couleur défini : bleu et blanc (hormis en ce qui concerne les Stormtroopers) pour symboliser le côté lumineux de la force et le rouge et noir pour le côté obscur. Non seulement ces quatre couleurs sont les couleurs principales qui sont dans le film, mais par comparaison avec les films précédents, il y a une scène qui utilise la couleur dans un contexte narratif. Lors de la mise à mort de Han Solo par son fils, le rouge et le bleu sont omniprésents dans la scène pour souligner l'indécision de Kylo à rejoindre définitivement le côté obscur. Ce n'est qu'au moment où sa décision est prise que la couleur rouge prend le dessus sur le bleu. Certes, si l'issue de la scène était prévisible dès le départ, la rattacher avec des marqueurs visuels en couleur lui permet de prendre une plus grande dimension dans la narration. Cette scène n'est malheureusement que le seul exemple pertinent de la mise en avant de la couleur dans *The Force Awakens*.
Les associations de ces couleurs dans les films ont pour but unique de fournir une harmonie visuelle plaisante à l'œil du spectateur. Pour faire simple, les couleurs des films sont ici pour rendre le film beau, où plutôt joli. Les films sont agréables à regarder mais un problème majeur intervient : ils deviennent mornes et sans saveur particulière du fait de leur standardisation.

## Un « non-style » de réalisation

En plus d'un code couleur très « flashy », l'un des aspects que les films ont en commun est le manque criant d'un style de réalisation propre aux réalisateurs des films.

Les réalisateurs sont avant tout cantonnés à être des narrateurs de l'histoire des films. Il n'y a aucun style ou angle de réflexion dans la manière dont les films sont filmés. Les réalisateurs sont avant tout ici pour mettre en avant l'histoire à l'écran. Mais la standardisation de l'image, composée essentiellement de CGI et de couleurs vives et diversifiées, ne donne aucune réelle possibilité d'expression pour les réalisateurs. Un simple exemple peut expliquer le manque de style visible à l'écran. Tous les films utilisent à outrance les plans larges pour mettre en avant les mondes imaginaires créés en CGI. On retrouve notamment le croiseur impérial sur Jakku dans The Force Awakens, l'arrivée de T'Challa au Wakanda sur son vaisseau dans *Black Panther*, Miguel découvrant la cité des morts dans *Coco* et encore Mary Poppins apparaissant dans le ciel avec le cerf volant de Georgie. Ces quelques exemples sont légions dans les films du corpus. On a davantage l'impression que les réalisateurs sont ici pour mettre en avant le « worldbuilding » des films. On met en avant les effets numériques, certes bien réalisés, au détriment d'autres éléments, comme un travail d'approfondissement autour de l'élaboration des personnages.

Il y a surtout un sentiment de gâchis qui s'opère à la vision des films car avec un style de réalisation commun, les réalisateurs ne peuvent exprimer pleinement leur potentiel. Comparons rapidement la réalisation de Ryan Coogler sur *Black Panther* avec son film qui le précède, *Creed*. Ces deux films sont issus d'une franchise de films d'action à succès. Ils possèdent par ailleurs une structure qui les ancre dans leurs sagas respectives. *Black Panther* est structuré comme la plupart des films de super-héros Marvel et *Creed* est un copié-collé scénaristique du premier *Rocky*. La différence majeure s'effectue dans la réalisation : Coogler donne un style très percutant aux scènes d'action dans *Creed*, tant dans les
Les associations de ces couleurs dans les films ont pour but unique de fournir une harmonie visuelle plaisante à l'œil du spectateur. Pour faire simple, les couleurs des films sont ici pour rendre le film beau, où plutôt joli. Les films sont agréables à regarder mais un problème majeur intervient : ils deviennent mornes et sans saveur particulière du fait de leur standardisation.

## Un « non-style » de réalisation

En plus d'un code couleur très « flashy », l'un des aspects que les films ont en commun est le manque criant d'un style de réalisation propre aux réalisateurs des films.

Les réalisateurs sont avant tout cantonnés à être des narrateurs de l'histoire des films. Il n'y a aucun style ou angle de réflexion dans la manière dont les films sont filmés. Les réalisateurs sont avant tout ici pour mettre en avant l'histoire à l'écran. Mais la standardisation de l'image, composée essentiellement de CGI et de couleurs vives et diversifiées, ne donne aucune réelle possibilité d'expression pour les réalisateurs. Un simple exemple peut expliquer le manque de style visible à l'écran. Tous les films utilisent à outrance les plans larges pour mettre en avant les mondes imaginaires créés en CGI. On retrouve notamment le croiseur impérial sur Jakku dans The Force Awakens, l'arrivée de T'Challa au Wakanda sur son vaisseau dans *Black Panther*, Miguel découvrant la cité des morts dans *Coco* et encore Mary Poppins apparaissant dans le ciel avec le cerf volant de Georgie. Ces quelques exemples sont légions dans les films du corpus. On a davantage l'impression que les réalisateurs sont ici pour mettre en avant le « worldbuilding » des films. On met en avant les effets numériques, certes bien réalisés, au détriment d'autres éléments, comme un travail d'approfondissement autour de l'élaboration des personnages.

Il y a surtout un sentiment de gâchis qui s'opère à la vision des films car avec un style de réalisation commun, les réalisateurs ne peuvent exprimer pleinement leur potentiel. Comparons rapidement la réalisation de Ryan Coogler sur *Black Panther* avec son film qui le précède, *Creed*. Ces deux films sont issus d'une franchise de films d'action à succès. Ils possèdent par ailleurs une structure qui les ancre dans leurs sagas respectives. *Black Panther* est structuré comme la plupart des films de super-héros Marvel et *Creed* est un copié-collé scénaristique du premier *Rocky*. La différence majeure s'effectue dans la réalisation : Coogler donne un style très percutant aux scènes d'action dans *Creed*, tant dans les
mouvements de caméra que dans le montage qui est effectué dans le film. Il donne lui-même le tempo du film : plans séquences pour souligner la tension d'Adonis Creed lors de son premier combat, mouvement de caméra vers le sol lorsque Adonis prend un KO... *Black Panther* n'a rien de tout cela : il y a une manière très basique de filmer les scènes d'action. Le plus souvent, elles s'effectuent en caméra portée et sans avoir véritablement une cohérence au montage dans l'enchainement des plans. La bataille finale du film est à l'opposée de celle de *Creed*, tant dans la réalisation que dans l'abondance d'effets numériques. On n'a pas l'impression que Coogler réalise le film car son style n'a pas d'impact sur produit final et cela en devient frustrant.

Le seul réalisateur qui arrive a donné un minimum sa personnalité et son style est J.J. Abrams dans *Star Wars : The Force Awakens*. Mais là encore, on est plus dans l'ordre du « gimmick » que d'un véritable style de réalisation. En effet, Abrams est connu pour son utilisation abondante de « lens flares », une aberration optique rendue possible par une diffusion de lumière au travers de plusieurs lentilles d'un objectif de caméra.<fnref n="156" /> On peut en observer plusieurs dans le film : quand Poe et Finn tentent d'échapper au premier ordre dans leur nacelle au début du film, lorsque Han, Rey et Finn regardent la carte holographique dans le Faucon Millenium ou encore quand la base Starkiller recharge son arme destructrice. Si Abrams aime cet aspect visuel dans ses films, il n'a pour le coup aucun impact véritable sur l'histoire ou sur le spectateur, d'où le « gimmick ». On retrouve aussi quelques plans qu'Abrams affectionne. Par exemple, on retrouve ses plans composés qui dépeignent deux éléments narratifs successivement au sein d'un même plan. On peut le retrouver au tout début du film lorsque Poe est arrêté par le Premier Ordre et Finn traumatisé par l'attaque sur le village. Ces plans apportent certes du dynamisme à l'image mais sont beaucoup trop sporadiques dans le film pour parler d'un véritable style de réalisation par Abrams.

## Un rythme toujours plus dynamique

Après avoir vu les différents éléments plastiques visibles dans les films du corpus qui permettent d'établir une standardisation à l'écran, il va être question à présent d'étudier le rythme des films. A nouveau, il est possible d'observer des corrélations entre eux.

<footnote n="156">156 BALLAÏCHE Philippe, *Les Secrets de l'image vidéo*, Eyrolles (8ᵉ édition), Paris, 2011, p. 132.</footnote>
mouvements de caméra que dans le montage qui est effectué dans le film. Il donne lui-même le tempo du film : plans séquences pour souligner la tension d'Adonis Creed lors de son premier combat, mouvement de caméra vers le sol lorsque Adonis prend un KO... *Black Panther* n'a rien de tout cela : il y a une manière très basique de filmer les scènes d'action. Le plus souvent, elles s'effectuent en caméra portée et sans avoir véritablement une cohérence au montage dans l'enchainement des plans. La bataille finale du film est à l'opposée de celle de *Creed*, tant dans la réalisation que dans l'abondance d'effets numériques. On n'a pas l'impression que Coogler réalise le film car son style n'a pas d'impact sur produit final et cela en devient frustrant.

Le seul réalisateur qui arrive a donné un minimum sa personnalité et son style est J.J. Abrams dans *Star Wars : The Force Awakens*. Mais là encore, on est plus dans l'ordre du « gimmick » que d'un véritable style de réalisation. En effet, Abrams est connu pour son utilisation abondante de « lens flares », une aberration optique rendue possible par une diffusion de lumière au travers de plusieurs lentilles d'un objectif de caméra.<fnref n="156" /> On peut en observer plusieurs dans le film : quand Poe et Finn tentent d'échapper au premier ordre dans leur nacelle au début du film, lorsque Han, Rey et Finn regardent la carte holographique dans le Faucon Millenium ou encore quand la base Starkiller recharge son arme destructrice. Si Abrams aime cet aspect visuel dans ses films, il n'a pour le coup aucun impact véritable sur l'histoire ou sur le spectateur, d'où le « gimmick ». On retrouve aussi quelques plans qu'Abrams affectionne. Par exemple, on retrouve ses plans composés qui dépeignent deux éléments narratifs successivement au sein d'un même plan. On peut le retrouver au tout début du film lorsque Poe est arrêté par le Premier Ordre et Finn traumatisé par l'attaque sur le village. Ces plans apportent certes du dynamisme à l'image mais sont beaucoup trop sporadiques dans le film pour parler d'un véritable style de réalisation par Abrams.

## Un rythme toujours plus dynamique

Après avoir vu les différents éléments plastiques visibles dans les films du corpus qui permettent d'établir une standardisation à l'écran, il va être question à présent d'étudier le rythme des films. A nouveau, il est possible d'observer des corrélations entre eux.

<footnote n="156">156 BALLAÏCHE Philippe, *Les Secrets de l'image vidéo*, Eyrolles (8ᵉ édition), Paris, 2011, p. 132.</footnote>
La première notion est celle du rythme effréné des films. Bien que les films appartiennent à des sous-genres différents, le rythme est étrangement similaire. On remarque cela notamment dans le fait que les films n'ont quasiment aucun temps mort. Considérons que pour *Mary Poppins Returns* et *Coco*, les temps forts sont symbolisés par les parties de chants et les rares scènes d'actions. Les deux films sont entrecoupés de moments où l'histoire se déroule, où les personnages poursuivent leur aventure, et de ces temps forts. Dans *Mary Poppins Returns*, on compte dix scènes chantées, avec une moyenne d'une chanson performée toutes les huit minutes environ. Le film met l'accent sur cet aspect pour dynamiser l'histoire au maximum. Il n'y a aucun répit dans la narration, où chaque scène est interrompue ou conclue par une chanson. Dans *Coco*, on dénombre également une dizaine de scènes où Miguel et sa famille chantent, le tout dans un film de 95 min sans le générique. Il y a une volonté dans ces deux films de multiplier au maximum ces « temps forts » afin de garder l'investissement du spectateur toujours à son paroxysme. Si bien que l'on peut ressentir une certaine forme de fatigue à la fin des films car ceux-ci n'ont pas de temps morts.

Le rythme effréné de *Black Panther* et *Star Wars : The Force Awakens* est encore plus visible et marqué. Etant deux films d'actions à proprement parler, ils ne sont formés que des moments d'actions et de calme qui alternent. Les deux films possèdent sensiblement 54 minutes de scènes d'action. Afin de donner un ordre d'idée sur la durée totale des films, les scènes d'actions de Black Panther représentent environ 45% du film. Pour *The Force Awakens*, les chiffres sont équivalents avec 43%. Avec des taux aussi conséquents, il n'y a quasiment aucun moment de répit dans les films. Dans *Black Panther*, le plus grand moment sans action dure seulement 19 minutes. Il intervient entre l'affrontement de T'Challa contre Killmonger et la bataille finale. Dans *The Force Awakens*, le plus grand moment de calme à lieu entre l'évasion des Raftars et l'arrivée de Kylo Ren sur Takodana, la planète de Maz Kanata. Ce moment dure 20 minutes.

Si l'on observe ensuite le temps moyen entre une scène d'action et une scène calme, on se rend compte qu'il y a en moyenne une scène d'action toutes les 10 minutes dans *The Force Awakens* et toutes les 9 minutes et 30 secondes dans *Black Panther*. Cette absence de répit est ici pour générer une expérience palpitante et constamment saisissante. Les films n'existent que pour stimuler l'attention du public. On peut voir dans le rythme des films leur
La première notion est celle du rythme effréné des films. Bien que les films appartiennent à des sous-genres différents, le rythme est étrangement similaire. On remarque cela notamment dans le fait que les films n'ont quasiment aucun temps mort. Considérons que pour *Mary Poppins Returns* et *Coco*, les temps forts sont symbolisés par les parties de chants et les rares scènes d'actions. Les deux films sont entrecoupés de moments où l'histoire se déroule, où les personnages poursuivent leur aventure, et de ces temps forts. Dans *Mary Poppins Returns*, on compte dix scènes chantées, avec une moyenne d'une chanson performée toutes les huit minutes environ. Le film met l'accent sur cet aspect pour dynamiser l'histoire au maximum. Il n'y a aucun répit dans la narration, où chaque scène est interrompue ou conclue par une chanson. Dans *Coco*, on dénombre également une dizaine de scènes où Miguel et sa famille chantent, le tout dans un film de 95 min sans le générique. Il y a une volonté dans ces deux films de multiplier au maximum ces « temps forts » afin de garder l'investissement du spectateur toujours à son paroxysme. Si bien que l'on peut ressentir une certaine forme de fatigue à la fin des films car ceux-ci n'ont pas de temps morts.

Le rythme effréné de *Black Panther* et *Star Wars : The Force Awakens* est encore plus visible et marqué. Etant deux films d'actions à proprement parler, ils ne sont formés que des moments d'actions et de calme qui alternent. Les deux films possèdent sensiblement 54 minutes de scènes d'action. Afin de donner un ordre d'idée sur la durée totale des films, les scènes d'actions de Black Panther représentent environ 45% du film. Pour *The Force Awakens*, les chiffres sont équivalents avec 43%. Avec des taux aussi conséquents, il n'y a quasiment aucun moment de répit dans les films. Dans *Black Panther*, le plus grand moment sans action dure seulement 19 minutes. Il intervient entre l'affrontement de T'Challa contre Killmonger et la bataille finale. Dans *The Force Awakens*, le plus grand moment de calme à lieu entre l'évasion des Raftars et l'arrivée de Kylo Ren sur Takodana, la planète de Maz Kanata. Ce moment dure 20 minutes.

Si l'on observe ensuite le temps moyen entre une scène d'action et une scène calme, on se rend compte qu'il y a en moyenne une scène d'action toutes les 10 minutes dans *The Force Awakens* et toutes les 9 minutes et 30 secondes dans *Black Panther*. Cette absence de répit est ici pour générer une expérience palpitante et constamment saisissante. Les films n'existent que pour stimuler l'attention du public. On peut voir dans le rythme des films leur
volonté d'adapter leurs contenus à un public jeune, enfant et adolescent. L'idée de faire un
film qui stimule constamment l'attention sur des scènes d'actions rappelle plusieurs dessins
animés que l'on trouve sur les programmes télévisés américains pour enfant. Selon une
étude d'Angeline Lillard de l'Université de Virginie en 2011, les séries d'animation
américaines absorbent très rapidement l'attention des enfants avec une multitude de
situations dans des mondes irréels.<fnref n="157" /> On peut voir dans le rythme de ses films une tentative
de Disney de plaire aux enfants et d'attirer leur attention constante sur de l'action en
boucle. Si telle est la stratégie de Disney pour attirer des spectateurs en salles, non
seulement l'étude montre que cela peut s'avérer néfaste pour l'attention d'un enfant mais
cela montre avant tout que Disney s'assoit sur l'éthique des films et ne voit en eux que des
gagne-pains.

Une même structure narrative

Au niveau de la structure narrative, en plus de l'alternance dans les scénarios des moments d'action et de calme qui rythme les films, on remarque que les films possèdent énormément d'éléments en commun.

Tout d'abord, on remarque une formule au niveau des héros. Que l'on connaisse ou non les
héros de l'histoire avant le film, soit parce qu'il s'agit d'une suite ou parce que ces
personnages ont été présentés dans un autre film, ils possèdent souvent un objectif
commun. Rey et Miguel sont les héros que le spectateur découvre pour la première fois dans
leurs films respectifs. Tous les deux sont tristes de leur situation et aspirent à poursuivre
leurs rêves : Miguel veut devenir un « mariachi » et Rey veut partir de Jakku afin de vivre une
nouvelle vie riche en aventures. Ils ont leurs « cachettes » composées d'éléments qui
symbolisent leurs rêves. T'Challa aspire lui aussi à des ambitions : il souhaite devenir un
grand monarque pour le Wakanda, prendre des décisions justes pour ses sujets et aider le
peuple wakandais. Le cas de Mary Poppins peut être celui qui diffère le plus car elle est
présente dans le film comme une aide au véritable « héros de l'histoire » : Michael Banks. Il
doit assurer une sécurité financière à sa famille et empêcher la réquisition de sa maison. Son

<footnote n="157">157 LAMBERT Maxime, « Regarder des dessins animés trop rythmés est néfaste pour la concentration des enfants », www.maxisciences.com/television/regarder-des-dessins-animes-trop-rythmes-est-nefaste-pour-la-concentration-des-enfants_art16953.html</footnote>
volonté d'adapter leurs contenus à un public jeune, enfant et adolescent. L'idée de faire un
film qui stimule constamment l'attention sur des scènes d'actions rappelle plusieurs dessins
animés que l'on trouve sur les programmes télévisés américains pour enfant. Selon une
étude d'Angeline Lillard de l'Université de Virginie en 2011, les séries d'animation
américaines absorbent très rapidement l'attention des enfants avec une multitude de
situations dans des mondes irréels.<fnref n="157" /> On peut voir dans le rythme de ses films une tentative
de Disney de plaire aux enfants et d'attirer leur attention constante sur de l'action en
boucle. Si telle est la stratégie de Disney pour attirer des spectateurs en salles, non
seulement l'étude montre que cela peut s'avérer néfaste pour l'attention d'un enfant mais
cela montre avant tout que Disney s'assoit sur l'éthique des films et ne voit en eux que des
gagne-pains.

Une même structure narrative

Au niveau de la structure narrative, en plus de l'alternance dans les scénarios des moments
d'action et de calme qui rythme les films, on remarque que les films possèdent énormément
d'éléments en commun.

Tout d'abord, on remarque une formule au niveau des héros. Que l'on connaisse ou non les
héros de l'histoire avant le film, soit parce qu'il s'agit d'une suite ou parce que ces
personnages ont été présentés dans un autre film, ils possèdent souvent un objectif
commun. Rey et Miguel sont les héros que le spectateur découvre pour la première fois dans
leurs films respectifs. Tous les deux sont tristes de leur situation et aspirent à poursuivre
leurs rêves : Miguel veut devenir un « mariachi » et Rey veut partir de Jakku afin de vivre une
nouvelle vie riche en aventures. Ils ont leurs « cachettes » composées d'éléments qui
symbolisent leurs rêves. T'Challa aspire lui aussi à des ambitions : il souhaite devenir un
grand monarque pour le Wakanda, prendre des décisions justes pour ses sujets et aider le
peuple wakandais. Le cas de Mary Poppins peut être celui qui diffère le plus car elle est
présente dans le film comme une aide au véritable « héros de l'histoire » : Michael Banks. Il
doit assurer une sécurité financière à sa famille et empêcher la réquisition de sa maison. Son

<footnote n="157">157 LAMBERT Maxime, « Regarder des dessins animés trop rythmés est néfaste pour la concentration des enfants », www.maxisciences.com/television/regarder-des-dessins-animes-trop-rythmes-est-nefaste-pour-la-concentration-des-enfants_art16953.html</footnote>
objectif est de rendre la vie de sa famille meilleure. Mary Poppins est l'héroïne du film mais Michael est la figure qui s'apparente au héros des films précédents.

Tous les héros des films ont des valeurs identiques : ils sont contre l'injustice, ils sont tous prêts à faire des efforts conséquents pour parvenir à atteindre leur objectif, ils sont philanthropes... Au cours du premier acte de chaque film, les héros sont face à leur responsabilité et doivent agir en connaissance de cause. Rey quitte Jakku pour aider la Résistance. Miguel arrive dans le royaume des morts et doit retourner auprès des siens. T'Challa retrouve la trace de Klaw et décide de le poursuivre. La famille Banks retrouve Mary Poppins qui leur propose de l'aide pour l'éducation des enfants.

A un certain point du film, les héros échouent contre la figure antagoniste. Rey et Miguel se font capturer, respectivement par Kylo Ren et Ernesto de la Cruz. T'Challa échoue deux fois : il ne parvient pas à capturer Klaw et il perd son combat contre Killmonger. Enfin, Michael Banks n'arrive pas à empêcher la réquisition de sa maison par William Wilkins, le banquier corrompu du film. On remarque aussi que le méchant a souvent des valeurs fondamentales qui le distancie du héros. Les quatre antagonistes sont à la recherche de gloire. Elle peut être économique ou simplement populaire. Ils sont les méchants car ils ne possèdent pas les valeurs des protagonistes afin d'obtenir cette gloire. Ils sont tous profondément misanthropes et n'hésitent pas à agir en « monstres », cherchant à semer le chaos et n'hésitant pas à tuer s'il le faut.

Mais évidemment, nous sommes dans des films Disney et donc forcément, le « bien gagne toujours sur le mal ». Ce qui sauve les héros sont leurs familles. Elles sont toujours le point d'appui du héros. L'aide peut être physique, comme T'Challa qui est secouru par sa mère et sa sœur, ou émotionnelle, avec les enfants de Michael qui se montrent solidaires envers lui. On conclue toujours les histoires par un « showdown » épique où les héros battent leur némésis. La fin est heureuse pour les héros qui vont par la suite vivre de nouvelles aventures.

Le fait de voir une structure narrative aussi similaire soulève beaucoup d'interrogations. Les films sont « safe » et ne dégagent qu'une impression de « produit préfabriqué ». D'un point de vue narratif, aucune prise de risque n'est envisagée. On est bien au-delà de la simple familiarité scénaristique. On obtient la formule d'un « feel good movie » sans réelle
objectif est de rendre la vie de sa famille meilleure. Mary Poppins est l'héroïne du film mais Michael est la figure qui s'apparente au héros des films précédents.

Tous les héros des films ont des valeurs identiques : ils sont contre l'injustice, ils sont tous prêts à faire des efforts conséquents pour parvenir à atteindre leur objectif, ils sont philanthropes... Au cours du premier acte de chaque film, les héros sont face à leur responsabilité et doivent agir en connaissance de cause. Rey quitte Jakku pour aider la Résistance. Miguel arrive dans le royaume des morts et doit retourner auprès des siens. T'Challa retrouve la trace de Klaw et décide de le poursuivre. La famille Banks retrouve Mary Poppins qui leur propose de l'aide pour l'éducation des enfants.

A un certain point du film, les héros échouent contre la figure antagoniste. Rey et Miguel se font capturer, respectivement par Kylo Ren et Ernesto de la Cruz. T'Challa échoue deux fois : il ne parvient pas à capturer Klaw et il perd son combat contre Killmonger. Enfin, Michael Banks n'arrive pas à empêcher la réquisition de sa maison par William Wilkins, le banquier corrompu du film. On remarque aussi que le méchant a souvent des valeurs fondamentales qui le distancie du héros. Les quatre antagonistes sont à la recherche de gloire. Elle peut être économique ou simplement populaire. Ils sont les méchants car ils ne possèdent pas les valeurs des protagonistes afin d'obtenir cette gloire. Ils sont tous profondément misanthropes et n'hésitent pas à agir en « monstres », cherchant à semer le chaos et n'hésitant pas à tuer s'il le faut.

Mais évidemment, nous sommes dans des films Disney et donc forcément, le « bien gagne toujours sur le mal ». Ce qui sauve les héros sont leurs familles. Elles sont toujours le point d'appui du héros. L'aide peut être physique, comme T'Challa qui est secouru par sa mère et sa sœur, ou émotionnelle, avec les enfants de Michael qui se montrent solidaires envers lui. On conclue toujours les histoires par un « showdown » épique où les héros battent leur némésis. La fin est heureuse pour les héros qui vont par la suite vivre de nouvelles aventures.

Le fait de voir une structure narrative aussi similaire soulève beaucoup d'interrogations. Les films sont « safe » et ne dégagent qu'une impression de « produit préfabriqué ». D'un point de vue narratif, aucune prise de risque n'est envisagée. On est bien au-delà de la simple familiarité scénaristique. On obtient la formule d'un « feel good movie » sans réelle
implication stylistique ou artistique. Il s'agit essentiellement d'apporter des variations autour d'un seul et même film : un film Disney lambda en quelque sorte.

## Disney comme unique critère esthétique

Approcher les films Disney d'un point de vue purement esthétique montre qu'une seule vision se dégage véritablement. Les films sont censés tous se ressembler un maximum. Au niveau de l'image, tous les éléments sont traités de manière identique : le spectateur est face à des mondes imaginaires presque intégralement créés numériquement. Toutes les couleurs sont vives, éclatantes et très diverses et les réalisateurs n'ont pas d'impact sur les films. On est ici pour voir quelque chose de spectaculaire à l'écran. Il y a une forme de surenchère des effets afin de créer l'illusion d'une utopie à laquelle le spectateur ne peut finalement pas se rattacher à l'écran car la plupart des éléments travaillés sont factices. Le rythme des films est souvent très soutenu pour créer un effet de surprise et de dynamisme excitant. Nous avons plus l'impression d'être dans une attraction d'un parc à thème qui stimule nos émotions à sa guise. Nous reviendrons à cette notion plus tard dans le mémoire. Enfin, la structure presque identique solidifie l'impression générale que les films n'ont aucune valeur unique, si ce n'est de mettre en avant une seule narration.

L'esthétique des films permet de revenir à la notion de « branding » de Bob Iger. Dans le cadre des films du corpus, on se rend compte que tous les sous-studio de la major n'ont pas de réel impact sur le rendu final de leurs œuvres. Iger avait cependant précisé que le plus important dans l'acquisition des studios est de garder une forme d'unicité rattachée à chaque studio. Il disait notamment que Pixar devait garder son côté original et que Marvel ne devait pas devenir le « Marvel de Disney ». A travers cette analyse, on se rend compte qu'il n'en est rien d'un point de vue esthétique. Dans ces films, la marque Disney prévaut sur tous les autres studios.

Il est donc possible de voir une limite de la politique d'Iger concernant sa position sur l'acquisition des marques. On remarque un manque d'éthique dans le potentiel créatif de Lucasfilm, Marvel ou encore Pixar qui doivent respecter la ligne éditoriale de la Walt Disney Company. C'est dommageable d'un point de créatif et dans la perception de ces films. On à l'impression d'avoir un étau de Disney autour de films qui ne peuvent s'exprimer artistiquement. C'est assez ironique de voir Iger être autant concerné par l'image de Disney
implication stylistique ou artistique. Il s'agit essentiellement d'apporter des variations autour d'un seul et même film : un film Disney lambda en quelque sorte.

## Disney comme unique critère esthétique

Approcher les films Disney d'un point de vue purement esthétique montre qu'une seule vision se dégage véritablement. Les films sont censés tous se ressembler un maximum. Au niveau de l'image, tous les éléments sont traités de manière identique : le spectateur est face à des mondes imaginaires presque intégralement créés numériquement. Toutes les couleurs sont vives, éclatantes et très diverses et les réalisateurs n'ont pas d'impact sur les films. On est ici pour voir quelque chose de spectaculaire à l'écran. Il y a une forme de surenchère des effets afin de créer l'illusion d'une utopie à laquelle le spectateur ne peut finalement pas se rattacher à l'écran car la plupart des éléments travaillés sont factices. Le rythme des films est souvent très soutenu pour créer un effet de surprise et de dynamisme excitant. Nous avons plus l'impression d'être dans une attraction d'un parc à thème qui stimule nos émotions à sa guise. Nous reviendrons à cette notion plus tard dans le mémoire. Enfin, la structure presque identique solidifie l'impression générale que les films n'ont aucune valeur unique, si ce n'est de mettre en avant une seule narration.

L'esthétique des films permet de revenir à la notion de « branding » de Bob Iger. Dans le cadre des films du corpus, on se rend compte que tous les sous-studio de la major n'ont pas de réel impact sur le rendu final de leurs œuvres. Iger avait cependant précisé que le plus important dans l'acquisition des studios est de garder une forme d'unicité rattachée à chaque studio. Il disait notamment que Pixar devait garder son côté original et que Marvel ne devait pas devenir le « Marvel de Disney ». A travers cette analyse, on se rend compte qu'il n'en est rien d'un point de vue esthétique. Dans ces films, la marque Disney prévaut sur tous les autres studios.

Il est donc possible de voir une limite de la politique d'Iger concernant sa position sur l'acquisition des marques. On remarque un manque d'éthique dans le potentiel créatif de Lucasfilm, Marvel ou encore Pixar qui doivent respecter la ligne éditoriale de la Walt Disney Company. C'est dommageable d'un point de créatif et dans la perception de ces films. On à l'impression d'avoir un étau de Disney autour de films qui ne peuvent s'exprimer artistiquement. C'est assez ironique de voir Iger être autant concerné par l'image de Disney