alors que sa politique esthétique détériore l'image des films, et donc l'image de la société mère par la même occasion.

Lorsque l'on regarde les films, Bob Iger ne semble intéressé qu'à une seule chose : avoir une dynamique de « remakes » et des suites. Tous les films sont identiques structurellement mais même dans les suites, on retrouve des histoires identiques à celles qui les précédent. Pour *Mary Poppins Returns* et *Star Wars : The Force Awakens*, il est même avant tout question d'en faire des « reboots » : recréer et réinsuffler une nouvelle dynamique à un film ou une saga pour essayer de créer une saga qui en découle. Ces deux films, qui sont des suites d'un point de vue narratif, ne sont que des « reboots » dissimulés. Les films sont des copies du film original où seuls des « twists » narratifs changent sur des éléments déjà préexistants.

### III- Vers une représentation plus progressiste

La société change, et Hollywood en fait de même. Dans une volonté de se tourner vers l'avenir, les majors ont adopté une « nouvelle » approche dans leur film : le choix de la diversité, afin de donner une voix aux individus n'ayant pas eu la possibilité de s'exprimer par le passé. Et celui-ci n'est pas si lointain que cela : lors d'une étude massive de plusieurs représentants de l'Université de Southern California sur l'importance donnée à la diversité dans des films populaires entre 2007 et 2014, il a été possible de voir que les films laissaient très peu place à la diversité : 30% seulement de femmes, plus de 73% de personnages caucasiens, quasi absence de la communauté LGBT à l'écran...<fnref n="158" /> Au vu de ce que cela engendre, la distanciation entre la représentation à l'écran et le public visé, les studios ont décidé d'arborer de nouvelles mesures afin de voir l'émergence d'un nouveau discours dans leur catalogue se montrant progressiste et plus à l'image de la société actuelle.

La Walt Disney Company a évidemment embrassé ce changement de mentalité au sein de ses films comme le rappelle Bob Iger :

> « Les films que nous faisons et les histoires que nous racontons sont bien plus pertinentes, plus populaires et ont plus d'intérêt quand ils reflètent au mieux le public

<footnote n="158">¹⁵⁸ SMITH Stacy L., CHOUEITI Marc, PIEPER Katherine, GILLIG Traci, LEE Carmen et DELUCA Dylan, « Inequality in 700 Popular Films: Examining Portrayals of Character Gender, Race, & LBBT Status from 2007 to 2014 », https://annenberg.usc.edu/sites/default/files/MDSCI_Inequality_in-700_Popular.pdf</footnote>
alors que sa politique esthétique détériore l'image des films, et donc l'image de la société mère par la même occasion.

Lorsque l'on regarde les films, Bob Iger ne semble intéressé qu'à une seule chose : avoir une dynamique de « remakes » et des suites. Tous les films sont identiques structurellement mais même dans les suites, on retrouve des histoires identiques à celles qui les précédent. Pour *Mary Poppins Returns* et *Star Wars : The Force Awakens*, il est même avant tout question d'en faire des « reboots » : recréer et réinsuffler une nouvelle dynamique à un film ou une saga pour essayer de créer une saga qui en découle. Ces deux films, qui sont des suites d'un point de vue narratif, ne sont que des « reboots » dissimulés. Les films sont des copies du film original où seuls des « twists » narratifs changent sur des éléments déjà préexistants.

### III- Vers une représentation plus progressiste

La société change, et Hollywood en fait de même. Dans une volonté de se tourner vers l'avenir, les majors ont adopté une « nouvelle » approche dans leur film : le choix de la diversité, afin de donner une voix aux individus n'ayant pas eu la possibilité de s'exprimer par le passé. Et celui-ci n'est pas si lointain que cela : lors d'une étude massive de plusieurs représentants de l'Université de Southern California sur l'importance donnée à la diversité dans des films populaires entre 2007 et 2014, il a été possible de voir que les films laissaient très peu place à la diversité : 30% seulement de femmes, plus de 73% de personnages caucasiens, quasi absence de la communauté LGBT à l'écran...<fnref n="158" /> Au vu de ce que cela engendre, la distanciation entre la représentation à l'écran et le public visé, les studios ont décidé d'arborer de nouvelles mesures afin de voir l'émergence d'un nouveau discours dans leur catalogue se montrant progressiste et plus à l'image de la société actuelle.

La Walt Disney Company a évidemment embrassé ce changement de mentalité au sein de ses films comme le rappelle Bob Iger :

> « Les films que nous faisons et les histoires que nous racontons sont bien plus pertinentes, plus populaires et ont plus d'intérêt quand ils reflètent au mieux le public

<footnote n="158">158 SMITH Stacy L., CHOUEITI Marc, PIEPER Katherine, GILLIG Traci, LEE Carmen et DELUCA Dylan, « Inequality in 700 Popular Films: Examining Portrayals of Character Gender, Race, & LBBT Status from 2007 to 2014 », https://annenberg.usc.edu/sites/default/files/MDSCI_Inequality_in-700_Popular.pdf</footnote>
que nous cherchons à atteindre. Cela veut dire insuffler non seulement une diversité de personnages mais une diversité de narrations auxquelles tout le monde peut se rattacher ».<sup>159</sup>

Venant d'un studio qui a eu un passif avec des polémiques concernant la représentation de personnages issus de minorités ethniques et des accusations de sexisme, il s'agit même d'une volonté pour Iger de s'affranchir d'un passé qui n'a pas toujours été évident pour l'entreprise. Au sein du corpus de films étudiés, il y a deux types principaux de discours que la direction progressiste de Disney cherche mettre en avant.

## a. Diversité ethnique

Le premier type de discours progressiste dans les films contemporains de Disney est de l'ordre de la diversité ethnique. Il existe depuis plusieurs années maintenant des débats selon lesquels les films hollywoodiens relèguent au second plan les personnes issues d'appartenances ethniques autres que caucasien, comme la communauté noire américaine, hispanique et amérindienne. Afin de remédier à cette inégalité, des mesures ont été prises par le système hollywoodien de sorte à inclure davantage de communautés, à la manière d'un quota plus ou moins défini. Mais ces quelques maigres consolations n'ont pas eu l'impact significatif. Les acteurs issus de ces minorités ethniques continuaient d'avoir un maigre temps à l'écran et les créateurs toujours aussi peu nombreux. Disney a alors tenté une approche afin de représenter « au mieux » ces communautés.

Black Panther est devenu ces deux dernières années l'un des films les plus marquants ayant mis en avant la communauté noire américaine. Pour Bob Iger, l'importance culturelle que le film soulevait était sa force principale, malgré des réticences de la part de plusieurs personnes chez Disney.

> « Black Panther était quelque chose que je voulais vraiment faire. Certaines personnes voulaient le faire, et d'autres non. Il y a avait du scepticisme de faire un film sur un super-héros noir. Cela m'a excité de travailler dessus notamment pour son impact culturel. Mais cela m'a aussi excité car il a fait taire tous les sceptiques. Je pense à vrai

<footnote n="159"><sup>159</sup> Traduit de l'anglais dans IGER Bob, « Bob Iger – Teaches Business Strategy and Leadership », *Anticipating what consumer wants*, https://www.masterclass.com/classes/bob-iger-teaches-business-strategy-and-leadership</footnote>
que nous cherchons à atteindre. Cela veut dire insuffler non seulement une diversité de personnages mais une diversité de narrations auxquelles tout le monde peut se rattacher ».<sup>159</sup>

Venant d'un studio qui a eu un passif avec des polémiques concernant la représentation de personnages issus de minorités ethniques et des accusations de sexisme, il s'agit même d'une volonté pour Iger de s'affranchir d'un passé qui n'a pas toujours été évident pour l'entreprise. Au sein du corpus de films étudiés, il y a deux types principaux de discours que la direction progressiste de Disney cherche mettre en avant.

## a. Diversité ethnique

Le premier type de discours progressiste dans les films contemporains de Disney est de l'ordre de la diversité ethnique. Il existe depuis plusieurs années maintenant des débats selon lesquels les films hollywoodiens relèguent au second plan les personnes issues d'appartenances ethniques autres que caucasien, comme la communauté noire américaine, hispanique et amérindienne. Afin de remédier à cette inégalité, des mesures ont été prises par le système hollywoodien de sorte à inclure davantage de communautés, à la manière d'un quota plus ou moins défini. Mais ces quelques maigres consolations n'ont pas eu l'impact significatif. Les acteurs issus de ces minorités ethniques continuaient d'avoir un maigre temps à l'écran et les créateurs toujours aussi peu nombreux. Disney a alors tenté une approche afin de représenter « au mieux » ces communautés.

*Black Panther* est devenu ces deux dernières années l'un des films les plus marquants ayant mis en avant la communauté noire américaine. Pour Bob Iger, l'importance culturelle que le film soulevait était sa force principale, malgré des réticences de la part de plusieurs personnes chez Disney.

> « *Black Panther* était quelque chose que je voulais vraiment faire. Certaines personnes voulaient le faire, et d'autres non. Il y a avait du scepticisme de faire un film sur un super-héros noir. Cela m'a excité de travailler dessus notamment pour son impact culturel. Mais cela m'a aussi excité car il a fait taire tous les sceptiques. Je pense à vrai

<footnote n="159"><sup>159</sup> Traduit de l'anglais dans IGER Bob, « Bob Iger – Teaches Business Strategy and Leadership », *Anticipating what consumer wants*, https://www.masterclass.com/classes/bob-iger-teaches-business-strategy-and-leadership</footnote>
dire que lorsque l'on se focalise sur des convictions anciennes dans un business qui ne ressemble à rien à celui d'antan, on échoue. Je sais qu'il y a des apprentissages passés que vous devez prendre en compte mais votre prise de décisions doit changer d'un point de vue créatif. [...] C'est complètement nécessaire. Je pense que quand les gens parlent de diversité dans leur business et le besoin d'en avoir plus, et clairement il y en a, il y a une part d'éthique qui doit être faite dont je supporte complètement. Il y a aussi un aspect commercial, ce n'est pas la seule raison de le faire, mais vous ne pouvez faire de films ou raconter des histoires qui reflètent un monde qu'ils essaient d'atteindre, qui est très diversifié, sans avoir un groupe diversifié qui prend les décisions créatives. Donc, je ne l'approche pas juste comme un cas de business, car ce n'est pas juste ça, mais parce que c'est la bonne chose à faire ».<fnref n="160" />

Plusieurs décisions créatrives ont été prises, ainsi que des choix thématiques utilisés à travers le film. Le premier choix créatif vient de l'équipe utilisée pour créer *Black Panther*. Alors que dans un premier temps la réalisatrice Ava Duvernay devait être la réalisatrice du projet, des divergences artistiques ont fait que Ryan Coogler est devenu le réalisateur à mener à bien le film. Son approche du film, peu conventionnelle quand il s'agit de film de super-héros, s'est calquée sur un modèle d'appartenance identitaire comme il l'expliqua lors de la promotion du film :

> « Je voulais regarder ce film dans un contexte d'identité africaine dans ses différentes formes. Spécifiquement du point de vue de la diaspora africaine, et les effets de la colonisation, en particulier la colonisation européenne ».<fnref n="161" />

Afin de connaitre son sujet un maximum, Coogler voulait faire des recherches détaillées en Afrique afin d'apprendre et d'approfondir ses connaissances du continent, comme l'explique Kevin Feige :

> « Quand Coogler est revenu, il a amené avec lui tout ce presque tout ce qui ce trouverai dans le film, des terrains et pics enneigés des Jabari et le Royaume de M'Baku, la Tribu de la Porte, les thématiques de ce que représente être un afro-américain à aller en Afrique. [...] Je pense sincèrement que ces trois semaines passées

<footnote n="160">160 Traduit de l'anglais dans GRAZER Brian, *vid cité*, https://www.youtube.com/watch?v=DHCaEDE1nug&list=WL&index=15</footnote>

<footnote n="161">161 Traduit de l'anglais dans KAY Jeremy, « Creating a cultural phenomenon: Ryan Coogler, Kevin Feige reflect on 'Black Panther' », https://www.screendaily.com/features/creating-a-cultural-phenomenon-ryan-coogler-kevin-feige-reflect-on-black-panther/5135362.article</footnote>
dire que lorsque l'on se focalise sur des convictions anciennes dans un business qui ne ressemble à rien à celui d'antan, on échoue. Je sais qu'il y a des apprentissages passés que vous devez prendre en compte mais votre prise de décisions doit changer d'un point de vue créatif. [...] C'est complètement nécessaire. Je pense que quand les gens parlent de diversité dans leur business et le besoin d'en avoir plus, et clairement il y en a, il y a une part d'éthique qui doit être faite dont je supporte complètement. Il y a aussi un aspect commercial, ce n'est pas la seule raison de le faire, mais vous ne pouvez faire de films ou raconter des histoires qui reflètent un monde qu'ils essaient d'atteindre, qui est très diversifié, sans avoir un groupe diversifié qui prend les décisions créatives. Donc, je ne l'approche pas juste comme un cas de business, car ce n'est pas juste ça, mais parce que c'est la bonne chose à faire ».<fnref n="160" />

Plusieurs décisions créatrives ont été prises, ainsi que des choix thématiques utilisés à travers le film. Le premier choix créatif vient de l'équipe utilisée pour créer *Black Panther*. Alors que dans un premier temps la réalisatrice Ava Duvernay devait être la réalisatrice du projet, des divergences artistiques ont fait que Ryan Coogler est devenu le réalisateur à mener à bien le film. Son approche du film, peu conventionnelle quand il s'agit de film de super-héros, s'est calquée sur un modèle d'appartenance identitaire comme il l'expliqua lors de la promotion du film :

> « Je voulais regarder ce film dans un contexte d'identité africaine dans ses différentes formes. Spécifiquement du point de vue de la diaspora africaine, et les effets de la colonisation, en particulier la colonisation européenne ».<fnref n="161" />

Afin de connaitre son sujet un maximum, Coogler voulait faire des recherches détaillées en Afrique afin d'apprendre et d'approfondir ses connaissances du continent, comme l'explique Kevin Feige :

> « Quand Coogler est revenu, il a amené avec lui tout ce presque tout ce qui ce trouverai dans le film, des terrains et pics enneigés des Jabari et le Royaume de M'Baku, la Tribu de la Porte, les thématiques de ce que représente être un afro-américain à aller en Afrique. [...] Je pense sincèrement que ces trois semaines passées

<footnote n="160">¹⁶⁰ Traduit de l'anglais dans GRAZER Brian, *vid cité*, https://www.youtube.com/watch?v=DHCaEDE1nug&list=WL&index=15</footnote>

<footnote n="161">¹⁶¹ Traduit de l'anglais dans KAY Jeremy, « Creating a cultural phenomenon: Ryan Coogler, Kevin Feige reflect on 'Black Panther' », https://www.screendaily.com/features/creating-a-cultural-phenomenon-ryan-coogler-kevin-feige-reflect-on-black-panther/5135362.article</footnote>
en Afrique doivent compter dans l'Histoire comme étant l'un des périoles les plus
importants qu'un réalisateur a pris avant de faire une grosse production. Il a une
douzaine d'exemple d'expériences personnelles qu'il a eu là bas qu'il a tourné autour
et mis dans son film ».<fnref n="162" />

L'autre décision créatrice vient de la volonté du studio et de l'équipe d'avoir un casting avec environ 90% d'acteurs et actrices afro-américains. Un événement rare, qui plus est dans un blockbuster hollywoodien. Pour Aliyah Thomas, cette annonce à l'approche du film montrait à quel point cette décision avait été importante dans une époque où on reprochait souvent au cinéma hollywoodien de « blanchir » ses films :

« *Black Panther* est le premier film Marvel avec un personnage noir comme tête d'affiche, mais ce casting a '90 pour cent' noir rend l'histoire encore plus progressiste que les fans peuvent imaginer. Le fait que Ryan Coogler tient beaucoup à la réalité noire (personnages, espaces, etc.) de l'histoire de T'Challa est significative en termes de représentation contemporaine. [...] *Black Panther* va indubitablement être une expédition culturelle qui, à travers ses personnages de la nation wakandaise, va mettre en vedette les expériences d'un individu noir ».<fnref n="163" />

Les thématiques du film sont également primordiales concernant cette identité et elles se déroulent en deux points majeurs : la représentation de l'Afrique et la lutte contre la persécution des noirs aux Etats-Unis. L'Afrique est donc vue sous le prisme du Wakanda, qui est dans l'histoire le seul pays à ne pas avoir été colonisé par les européens, et a donc pu prospérer sans colons exploitant ses ressources. Comme expliqué dans l'introduction du film, la ressource principale du pays est le vibranium, métal le plus puissant du monde dans l'univers cinématographique du film, qui a permis au peuple wakandais de développer une technologie de pointe encore plus avancée qu'en occident. Du fait de son isolationnisme, le Wakanda est un pays qui respecte les traditions et défend des valeurs communes basées sur l'entraide et le respect. T'Challa est la parfaite représentation de ce que représente le Wakanda, tant dans ses valeurs que dans sa méfiance des étrangers pouvant piller ses ressources ou bousculer l'équilibre établi depuis des siècles. Cette présentation de l'Afrique

<footnote n="162">162 Traduit de l'anglais dans *Ibid*.</footnote>

<footnote n="163">163 Traduit de l'anglais dans THOMAS Aliyah, « What the '90 Percent' Black Cast of 'Black Panther' Means in the Age of Whitewashing », https://studybreaks.com/culture/black-panther/</footnote>
en Afrique doivent compter dans l'Histoire comme étant l'un des périoles les plus
importants qu'un réalisateur a pris avant de faire une grosse production. Il a une
douzaine d'exemple d'expériences personnelles qu'il a eu là bas qu'il a tourné autour
et mis dans son film ».<fnref n="162" />

L'autre décision créatrice vient de la volonté du studio et de l'équipe d'avoir un casting avec environ 90% d'acteurs et actrices afro-américains. Un événement rare, qui plus est dans un blockbuster hollywoodien. Pour Aliyah Thomas, cette annonce à l'approche du film montrait à quel point cette décision avait été importante dans une époque où on reprochait souvent au cinéma hollywoodien de « blanchir » ses films :

« *Black Panther* est le premier film Marvel avec un personnage noir comme tête d'affiche, mais ce casting a '90 pour cent' noir rend l'histoire encore plus progressiste que les fans peuvent imaginer. Le fait que Ryan Coogler tient beaucoup à la réalité noire (personnages, espaces, etc.) de l'histoire de T'Challa est significative en termes de représentation contemporaine. [...] *Black Panther* va indubitablement être une expédition culturelle qui, à travers ses personnages de la nation wakandaise, va mettre en vedette les expériences d'un individu noir ».<fnref n="163" />

Les thématiques du film sont également primordiales concernant cette identité et elles se déroulent en deux points majeurs : la représentation de l'Afrique et la lutte contre la persécution des noirs aux Etats-Unis. L'Afrique est donc vue sous le prisme du Wakanda, qui est dans l'histoire le seul pays à ne pas avoir été colonisé par les européens, et a donc pu prospérer sans colons exploitant ses ressources. Comme expliqué dans l'introduction du film, la ressource principale du pays est le vibranium, métal le plus puissant du monde dans l'univers cinématographique du film, qui a permis au peuple wakandais de développer une technologie de pointe encore plus avancée qu'en occident. Du fait de son isolationnisme, le Wakanda est un pays qui respecte les traditions et défend des valeurs communes basées sur l'entraide et le respect. T'Challa est la parfaite représentation de ce que représente le Wakanda, tant dans ses valeurs que dans sa méfiance des étrangers pouvant piller ses ressources ou bousculer l'équilibre établi depuis des siècles. Cette présentation de l'Afrique

<footnote n="162">162 Traduit de l'anglais dans *Ibid*.</footnote>

<footnote n="163">163 Traduit de l'anglais dans THOMAS Aliyah, « What the '90 Percent' Black Cast of 'Black Panther' Means in the Age of Whitewashing », https://studybreaks.com/culture/black-panther/</footnote>
est donc vue comme une critique ouverte des colons qui n'ont pas permis aux pays africains d'exploiter leur potentiel par leur faute.

La lutte contre la persécution des noirs est vue à travers les motivations de Killmonger dans le film. Cousin germain de T'Challa, il a vécu aux Etats-Unis avec son père N'Jobu. Après la mort de ce dernier, il part dans l'armée et veut poursuivre la voie de son père : extraire et récupérer le vibranium du Wakanda afin de fournir des armes perfectionnés aux Chiens de guerre, groupe militarisé radicalisé dont Killmonger fait partie, et de permettre une émancipation des communautés noires à travers le monde. Quand bien même ses motivations semblent justes, il est vu comme un antagoniste par l'implication de la violence et la destruction dans ses plans. Ses différentes confrontations avec T'Challa sont d'ordre idéologique, et c'est pourquoi il demande d'accéder au trône du Wakanda afin de faire changer tout le système politique en place, en particulier l'isolationnisme prôné dans le pays.

Cette guerre idéologique entre les deux personnages permet dans le film de voir deux points de vue auxquels la communauté noire américaine peut se référer à travers leur vécu. T'Challa et Killmonger sont d'une certaine manière la représentation de deux personnages marquants de la lutte contre le racisme au Etats-Unis : Martin Luther King Jr., prônant l'égalité et la paix, et Malcom X, qui voulait atteindre l'égalité par la force et les révoltes. Tous deux veulent le bien pour leur peuple, et avant tout leur protection. A la fin du film, lors de l'ultime confrontation entre les deux personnages, T'Challa blesse mortellement Killmonger et bien qu'il puisse être soigné, ce dernier refuse et préfère quitter ce monde avec sa fierté et ses convictions, en témoigne ses derniers mots dans le film :

> « Je veux reposer dans l'océan avec mes ancêtres qui ont sauté des bateaux. Parce qu'ils savaient que la mort était préférable aux chaînes »<fnref n="164" />.

Au final, la confrontation des idéologies se conclue dans le film par une forme de réconciliation : T'Challa, de par ses expériences à travers le film, va faire évoluer son point de vue sur la situation politique de son pays, dans laquelle les prémices d'une ouverture sur le monde vont être possibles. On peut le voir dans la scène de conclusion du film lors du rachat des immeubles où Killmonger a grandi, et qui serviront à créer le premier « Centre d'Aide

<footnote n="164">¹⁶⁴ COOGLER Ryan (réalisateur), *Black Panther*, Walt Disney Studios Distribution, 2018. Timecodes dans le film : 1:53:08.</footnote>
est donc vue comme une critique ouverte des colons qui n'ont pas permis aux pays africains d'exploiter leur potentiel par leur faute.

La lutte contre la persécution des noirs est vue à travers les motivations de Killmonger dans le film. Cousin germain de T'Challa, il a vécu aux Etats-Unis avec son père N'Jobu. Après la mort de ce dernier, il part dans l'armée et veut poursuivre la voie de son père : extraire et récupérer le vibranium du Wakanda afin de fournir des armes perfectionnés aux Chiens de guerre, groupe militarisé radicalisé dont Killmonger fait partie, et de permettre une émancipation des communautés noires à travers le monde. Quand bien même ses motivations semblent justes, il est vu comme un antagoniste par l'implication de la violence et la destruction dans ses plans. Ses différentes confrontations avec T'Challa sont d'ordre idéologique, et c'est pourquoi il demande d'accéder au trône du Wakanda afin de faire changer tout le système politique en place, en particulier l'isolationnisme prôné dans le pays.

Cette guerre idéologique entre les deux personnages permet dans le film de voir deux points de vue auxquels la communauté noire américaine peut se référer à travers leur vécu. T'Challa et Killmonger sont d'une certaine manière la représentation de deux personnages marquants de la lutte contre le racisme au Etats-Unis : Martin Luther King Jr., prônant l'égalité et la paix, et Malcom X, qui voulait atteindre l'égalité par la force et les révoltes. Tous deux veulent le bien pour leur peuple, et avant tout leur protection. A la fin du film, lors de l'ultime confrontation entre les deux personnages, T'Challa blesse mortellement Killmonger et bien qu'il puisse être soigné, ce dernier refuse et préfère quitter ce monde avec sa fierté et ses convictions, en témoigne ses derniers mots dans le film :

> « Je veux reposer dans l'océan avec mes ancêtres qui ont sauté des bateaux. Parce qu'ils savaient que la mort était préférable aux chaînes »<fnref n="164" />.

Au final, la confrontation des idéologies se conclue dans le film par une forme de réconciliation : T'Challa, de par ses expériences à travers le film, va faire évoluer son point de vue sur la situation politique de son pays, dans laquelle les prémices d'une ouverture sur le monde vont être possibles. On peut le voir dans la scène de conclusion du film lors du rachat des immeubles où Killmonger a grandi, et qui serviront à créer le premier « Centre d'Aide

<footnote n="164">¹⁶⁴ COOGLER Ryan (réalisateur), *Black Panther*, Walt Disney Studios Distribution, 2018. Timecodes dans le film : 1:53:08.</footnote>
International du Wakanda », mais également lors de la première scène post-générique du film, où T'Challa fait un discours au Nations Unies sur la situation de crise :

> « Pour la première fois de notre histoire, nous partagerons nos connaissances et nos ressources avec le monde extérieur. Le Wakanda n'observera plus dans l'ombre. Ce n'est pas possible. Ce n'est pas souhaitable. Nous allons montrer comment nous pouvons, en tant que frères et sœurs sur cette Terre, nous respecter mutuellement. Aujourd'hui plus que jamais, des divisions illusoires menacent notre existence même. Nous connaissons tous la vérité. Nous avons plus d'affinités que de divergences. Mais en temps de crise, le sage construit des ponts tandis que l'idiot érige des barrières ».<fnref n="165" />

Un message fort prononcé, qui parle de l'actualité des Etats-Unis. Disney profite de ce film pour critiquer plus ou moins directement et ouvertement la politique d'immigration du Président américain Donald Trump, en particulier sa volonté de mettre un mur à la frontière mexicaine afin de restreindre au maximum le nombre d'immigrés dans son pays.

La dernière notion dans le film qui arrive à donner une voix aux communautés africaines et noires américaines vient du choix de la bande sonore. Comme dans plusieurs films Marvel, le film possède à la fois un « Original Score » et un « Original Soundtrack ». Concernant les musiques, le compositeur Ludwig Göransson a connu une expérience similaire à Ryan Coogler. Il est allé en Afrique afin de s'imprégner de la culture présente sur place :

> « La première chose que j'ai faite était de savoir où je voulais aller. C'est un vaste continent qui possède plein de différentes musiques. Chaque pays et tribu ont leurs propres instruments. J'ai appelé plein d'amis étant allés là bas et l'un d'eux avait produit un album avec Baaba Maal, un célèbre chanteur sénégalais. Je l'ai appelé pour savoir s'il était intéressé de travailler avec moi sur le film, si je pouvais l'enregistrer éventuellement, et il accepta ».<fnref n="166" />

Göransson a donc enregistré sa bande sonore avec des artistes et des instruments africains, ce qui lui a permis de mettre en avant non seulement les thématiques du film mais également les représentations de l'image à l'écran. Pour la bande originale, plusieurs artistes populaires issus de la communauté noire américaine sont présents dans le film : Kendrick

<footnote n="165">¹⁶⁵ *Ibid.* Timecodes dans le film : 2:00:25.</footnote>

<footnote n="166">¹⁶⁶ BROWN Lisa, « The Making Of ‘Wakanda’ With Ludwig Göransson », https://www.youtube.com/watch?v=fcO5klPyfX4</footnote>
International du Wakanda », mais également lors de la première scène post-générique du film, où T'Challa fait un discours au Nations Unies sur la situation de crise :

> « Pour la première fois de notre histoire, nous partagerons nos connaissances et nos ressources avec le monde extérieur. Le Wakanda n'observera plus dans l'ombre. Ce n'est pas possible. Ce n'est pas souhaitable. Nous allons montrer comment nous pouvons, en tant que frères et sœurs sur cette Terre, nous respecter mutuellement. Aujourd'hui plus que jamais, des divisions illusoires menacent notre existence même. Nous connaissons tous la vérité. Nous avons plus d'affinités que de divergences. Mais en temps de crise, le sage construit des ponts tandis que l'idiot érige des barrières ».<fnref n="165" />

Un message fort prononcé, qui parle de l'actualité des Etats-Unis. Disney profite de ce film pour critiquer plus ou moins directement et ouvertement la politique d'immigration du Président américain Donald Trump, en particulier sa volonté de mettre un mur à la frontière mexicaine afin de restreindre au maximum le nombre d'immigrés dans son pays.

La dernière notion dans le film qui arrive à donner une voix aux communautés africaines et noires américaines vient du choix de la bande sonore. Comme dans plusieurs films Marvel, le film possède à la fois un « Original Score » et un « Original Soundtrack ». Concernant les musiques, le compositeur Ludwig Göransson a connu une expérience similaire à Ryan Coogler. Il est allé en Afrique afin de s'imprégner de la culture présente sur place :

> « La première chose que j'ai faite était de savoir où je voulais aller. C'est un vaste continent qui possède plein de différentes musiques. Chaque pays et tribu ont leurs propres instruments. J'ai appelé plein d'amis étant allés là bas et l'un d'eux avait produit un album avec Baaba Maal, un célèbre chanteur sénégalais. Je l'ai appelé pour savoir s'il était intéressé de travailler avec moi sur le film, si je pouvais l'enregistrer éventuellement, et il accepta ».<fnref n="166" />

Göransson a donc enregistré sa bande sonore avec des artistes et des instruments africains, ce qui lui a permis de mettre en avant non seulement les thématiques du film mais également les représentations de l'image à l'écran. Pour la bande originale, plusieurs artistes populaires issus de la communauté noire américaine sont présents dans le film : Kendrick

<footnote n="165">¹⁶⁵ *Ibid.* Timecodes dans le film : 2:00:25.</footnote>

<footnote n="166">¹⁶⁶ BROWN Lisa, « The Making Of ‘Wakanda’ With Ludwig Göransson », https://www.youtube.com/watch?v=fcO5klPyfX4</footnote>
Lamar, The Weeknd, SZA... Le premier est d'ailleurs le producteur de l'album de chansons et se réjouissait de la vision créative de l'album dans laquelle les artistes, tous « panafricains », ont pu donner une voix à tout un continent qui ne demandait qu'à s'exprimer selon lui.167 Cette combinaison du style hip-hop prôné par les artistes autour de l'Afrique rentre à nouveau dans cette dynamique de mélanger le peuple africain et la communauté noire aux Etats-Unis pour accentuer davantage un style esthétique fort à travers *Black Panther*.

Coco est aussi un film qui met en valeur une autre communauté ethnique. En effet, le film représente la communauté mexicaine durant l'un des moments traditionnels les plus importants du pays : « Día de los muertos », le jour des morts en français. La rédaction du site mexique-fr.com avait établi une présentation détaillée de ce que cette fête représente pour les mexicains, pour ce que l'on appelle la Toussaint en France :

> « La fête des morts est une fête d'une grande importance au Mexique. Elle se déroule en effet, pendant 2 jours, le 1er et 2 novembre juste après la fête de Halloween qui n'a aucun rapport. C'est aussi une occasion pour se retrouver en famille. Lors du Día de Muertos, la visite rituelle est très festive, avec des offrandes de bonbons, de têtes de mort en sucre ou de tequila. Les Mexicains vont dans les cimetières, mangent sur les tombes, dansent, chantent. Ce n'est pas un jour triste pour eux. Ils confectionnent des autels dans leurs maisons et mettent des bougies dans leurs habitations ».168

Ce jour est le rapprochement familial entre les vivants et les esprits des morts qui ont compté pour les vivants. Il combine différentes pratiques : celles des Aztèques qui se recueillaient une fois par an sur la tombe de leurs morts, celles des Espagnols qui faisaient des offrandes à la Toussaint espérant apaiser les esprits des morts qui les entouraient quotidiennement, et Halloween dans la culture récente pour le divertissement des enfants et les costumes.169

Dans le film, tous les éléments de « Día de los muertos » sont représentés. Il y a d'abord les squelettes. Tous les ancêtres de Miguel, ainsi que les esprits d'autres familles qu'il rencontre dans le monde des morts, sont des squelettes. Il s'agit là d'une esthétique typique de la fête

<footnote n="167">167 CARMICHAEL Rodney et MADDEN Sydney, « 'Black Panther: The Album' Is Kendrick Lamar's Parallel, Pan-African Universe », https://www.npr.org/sections/allsongs/2018/02/21/587334273/black-panther-the-album-is-kendrick-lamar-s-parallel-pan-african-universe?t=1556023333568</footnote>

<footnote n="168">168 Rédaction, « La Fête des Morts (Día de los Muertos) », http://www.mexique-fr.com/art-culture/la-fete-des-morts-dia-de-los-muertos/</footnote>

<footnote n="169">169 Ibid</footnote>
Lamar, The Weeknd, SZA... Le premier est d'ailleurs le producteur de l'album de chansons et se réjouissait de la vision créative de l'album dans laquelle les artistes, tous « panafricains », ont pu donner une voix à tout un continent qui ne demandait qu'à s'exprimer selon lui.<fnref n="167" /> Cette combinaison du style hip-hop prôné par les artistes autour de l'Afrique rentre à nouveau dans cette dynamique de mélanger le peuple africain et la communauté noire aux Etats-Unis pour accentuer davantage un style esthétique fort à travers *Black Panther*.

Coco est aussi un film qui met en valeur une autre communauté ethnique. En effet, le film représente la communauté mexicaine durant l'un des moments traditionnels les plus importants du pays : « Día de los muertos », le jour des morts en français. La rédaction du site mexique-fr.com avait établi une présentation détaillée de ce que cette fête représente pour les mexicains, pour ce que l'on appelle la Toussaint en France :

> « La fête des morts est une fête d'une grande importance au Mexique. Elle se déroule en effet, pendant 2 jours, le 1er et 2 novembre juste après la fête de Halloween qui n'a aucun rapport. C'est aussi une occasion pour se retrouver en famille. Lors du Día de Muertos, la visite rituelle est très festive, avec des offrandes de bonbons, de têtes de mort en sucre ou de tequila. Les Mexicains vont dans les cimetières, mangent sur les tombes, dansent, chantent. Ce n'est pas un jour triste pour eux. Ils confectionnent des autels dans leurs maisons et mettent des bougies dans leurs habitations ».<fnref n="168" />

Ce jour est le rapprochement familial entre les vivants et les esprits des morts qui ont compté pour les vivants. Il combine différentes pratiques : celles des Aztèques qui se recueillaient une fois par an sur la tombe de leurs morts, celles des Espagnols qui faisaient des offrandes à la Toussaint espérant apaiser les esprits des morts qui les entouraient quotidiennement, et Halloween dans la culture récente pour le divertissement des enfants et les costumes.<fnref n="169" />

Dans le film, tous les éléments de « Día de los muertos » sont représentés. Il y a d'abord les squelettes. Tous les ancêtres de Miguel, ainsi que les esprits d'autres familles qu'il rencontre dans le monde des morts, sont des squelettes. Il s'agit là d'une esthétique typique de la fête

<footnote n="167">167 CARMICHAEL Rodney et MADDEN Sydney, « 'Black Panther: The Album' Is Kendrick Lamar's Parallel, Pan-African Universe », https://www.npr.org/sections/allsongs/2018/02/21/587334273/black-panther-the-album-is-kendrick-lamar-s-parallel-pan-african-universe?t=1556023333568</footnote>

<footnote n="168">168 Rédaction, « La Fête des Morts (Día de los Muertos) », http://www.mexique-fr.com/art-culture/la-fete-des-morts-dia-de-los-muertos/</footnote>

<footnote n="169">169 Ibid</footnote>
mexicaine, qui a pour habitude de représenter ainsi la mort à travers des bijoux, tableaux et autres décorations associés à l'événement. La place laissée aux « cempasuchils » est également importante dans le film. Ces feuilles orangées recouvrent tombes, rues et tout élément en relation à la Fête des morts. De par leur couleur phosphorescente et leur senteur particulière, les mexicains utilisent cette feuille comme guide pour les esprits. Dans *Coco*, les « cempasuchils » sont le facteur déterminant qui permet à Miguel d'aller dans le royaume des morts. Les « alebrijes » ont également une part importante dans le film. Ces animaux sont des guides de voyage pour les âmes dans le monde des morts.<fnref n="170" />

Le monde des morts possède également une architecture qui s'approprie les codes des villes les plus influentes du Mexique. Lorsque Miguel pénètre dans le monde des morts il découvre les habitations des morts et la ville est grandement inspirée de Guanajuato. La ville Mexicaine, cité minière à la base, a été construite sur un flanc de colline et n'a cessé d'évoluer et de grandir au fil des années.<fnref n="171" /> A l'image de Guanajuato, la ville fictive est en constante évolution, comme si la ville progressait au fur et à mesure des décès. De plus, la ville reste dans la dynamique joyeuse de la vision de la mort car en reprenant les multiples couleurs de la ville originelle, la cité des morts apparaît comme un havre de paix et de joie pour les esprits qui y arrivent.

Enfin, il y a un aspect assez intéressant qui est exploré dans le film sur la relation que nous vivants avons envers les morts. Dans *Coco*, les morts peuvent venir communier avec leurs descendants grâce aux mémoires qu'ils partagent. Les « ofrendas » ont également une importance fondamentale dans le film car ce sont les photographies placées sur l'autel qui permettent aux morts de rendre visite aux vivants. Sans les photos sur l'autel, les morts ne peuvent pas venir d'un monde à l'autre, et le film n'hésite pas à jouer la carte tragique dans la manière de traiter les oubliés. Ces derniers vivent dans un bidonville de la cité, à l'écart des morts qui vivent en harmonie. Alors que Miguel voit l'un d'entre eux disparaître, on apprend qu'il s'agit pour eux de la dernière mort, celle de l'oubli éternel. Il y a une corrélation entre les oubliés et la situation politique du peuple mexicain dans notre société aujourd'hui. Suite aux multiples décisions politiques prises par l'administration Trump ouvertement anti-mexicaine, entre sa volonté de faire financer un mur à la frontière par le

<footnote n="170">170 BARONIAN Renaud, « Cinéma : au Mexique sur le traces de « Coco » », http://www.leparisien.fr/culture-loisirs/cinema/cinema-au-mexique-sur-les-traces-de-coco-28-12-2017-7473720.php</footnote>

<footnote n="171">171 Ibid.</footnote>
mexicaine, qui a pour habitude de représenter ainsi la mort à travers des bijoux, tableaux et autres décorations associés à l'événement. La place laissée aux « cempasuchils » est également importante dans le film. Ces feuilles orangées recouvrent tombes, rues et tout élément en relation à la Fête des morts. De par leur couleur phosphorescente et leur senteur particulière, les mexicains utilisent cette feuille comme guide pour les esprits. Dans *Coco*, les « cempasuchils » sont le facteur déterminant qui permet à Miguel d'aller dans le royaume des morts. Les « alebrijes » ont également une part importante dans le film. Ces animaux sont des guides de voyage pour les âmes dans le monde des morts.<fnref n="170" />

Le monde des morts possède également une architecture qui s'approprie les codes des villes les plus influentes du Mexique. Lorsque Miguel pénètre dans le monde des morts il découvre les habitations des morts et la ville est grandement inspirée de Guanajuato. La ville Mexicaine, cité minière à la base, a été construite sur un flanc de colline et n'a cessé d'évoluer et de grandir au fil des années.<fnref n="171" /> A l'image de Guanajuato, la ville fictive est en constante évolution, comme si la ville progressait au fur et à mesure des décès. De plus, la ville reste dans la dynamique joyeuse de la vision de la mort car en reprenant les multiples couleurs de la ville originelle, la cité des morts apparaît comme un havre de paix et de joie pour les esprits qui y arrivent.

Enfin, il y a un aspect assez intéressant qui est exploré dans le film sur la relation que nous vivants avons envers les morts. Dans *Coco*, les morts peuvent venir communier avec leurs descendants grâce aux mémoires qu'ils partagent. Les « ofrendas » ont également une importance fondamentale dans le film car ce sont les photographies placées sur l'autel qui permettent aux morts de rendre visite aux vivants. Sans les photos sur l'autel, les morts ne peuvent pas venir d'un monde à l'autre, et le film n'hésite pas à jouer la carte tragique dans la manière de traiter les oubliés. Ces derniers vivent dans un bidonville de la cité, à l'écart des morts qui vivent en harmonie. Alors que Miguel voit l'un d'entre eux disparaître, on apprend qu'il s'agit pour eux de la dernière mort, celle de l'oubli éternel. Il y a une corrélation entre les oubliés et la situation politique du peuple mexicain dans notre société aujourd'hui. Suite aux multiples décisions politiques prises par l'administration Trump ouvertement anti-mexicaine, entre sa volonté de faire financer un mur à la frontière par le

<footnote n="170">170 BARONIAN Renaud, « Cinéma : au Mexique sur le traces de « Coco » », http://www.leparisien.fr/culture-loisirs/cinema/cinema-au-mexique-sur-les-traces-de-coco-28-12-2017-7473720.php</footnote>

<footnote n="171">171 Ibid.</footnote>
gouvernement mexicain, la construction de camps de réfugiés où des enfants furent séparés de leurs parents et mis dans des cages tels des animaux, les bidonvilles rappellent les difficultés de plusieurs individus ne serait ce que de se faire reconnaitre. Le but du film sert à rappeler l'importance de la considération humaine pour les individus qui se font trop facilement oublier.

La représentation de la culture mexicaine se fait également dans le film à travers la musique. Elément clé de l'intrigue et de la bande sonore, le film est centré sur la musique traditionnelle mexicaine : le mariachi. Il s'agit d'une musique folklorique qui originairement était composé de musiciens utilisant des instruments à cordes. C'est au cours du XXe siècle, après la révolution mexicaine, que ce registre musical a été promu par le gouvernement mexicain comme étant l'un des symboles majeurs du pays. Dépeinte à partir des années 1920 à la radio ou au cinéma, plusieurs artistes, comme Luis Miguel ou Silvestre Vargas, ont grandement contribué à la popularité de cette musique dans la culture mexicaine.<fnref n="172" />

Dans Coco, l'image du « mariachi » est matérialisée par Ernesto de la Cruz. On remarque son importance dans l'Histoire du Mexique et les différents médias dans lesquels il a bâti sa réputation. De plus, lorsque Miguel joue les notes de guitare dans la salle commémorative du chanteur, il accède au monde des morts. Cela donne une importance à travers les âges et générations qui regroupent aussi bien ceux qui sont partis que ceux qui sont restés. Et cela rappelle à quel point la musique est fondamentale à l'événement de « Día de los Muertos ».

Enfin, Star Wars : The Force Awakens traite de la question de la représentation ethnique, bien que ce ne soit pas une thématique principale dans le film. Traditionnellement parlant, la diversité n'a jamais été un fort dans la saga Star Wars : un personnage féminin fort par trilogie, deux acteurs afro-américains dans la première trilogie dont un dont on ne voit le visage, des clichés racistes dans Star Wars : Episode I : The Phantom Menace... Cependant, la politique prise par Lucasfilm concernant l'approche des nouveaux films Star Wars se veut plus proche de la diversité culturelle de la société.<fnref n="173" /> Au vu du casting, les trois personnages principaux sont interprétés par des acteurs issus des minorités vues à l'écran : Daisy Ridley, une actrice, John Boyega, acteur noir britannique et Oscar Isaac, acteur guatémaltèque.

<footnote n="172">¹⁷² SCHWAB Steve, « The History of Mariachi Music in Mexico », https://www.seasidemexico.com/puerto-aventuras/travel-information/mariachi-history/</footnote>

<footnote n="173">¹⁷³ EVANS Zachary, « Diversity Awakens: Star Wars and Representation », https://www.thefourohfive.com/film/article/diversity-awakens-star-wars-and-representation-144</footnote>
gouvernement mexicain, la construction de camps de réfugiés où des enfants furent séparés de leurs parents et mis dans des cages tels des animaux, les bidonvilles rappellent les difficultés de plusieurs individus ne serait ce que de se faire reconnaitre. Le but du film sert à rappeler l'importance de la considération humaine pour les individus qui se font trop facilement oublier.

La représentation de la culture mexicaine se fait également dans le film à travers la musique. Elément clé de l'intrigue et de la bande sonore, le film est centré sur la musique traditionnelle mexicaine : le mariachi. Il s'agit d'une musique folklorique qui originairement était composé de musiciens utilisant des instruments à cordes. C'est au cours du XXe siècle, après la révolution mexicaine, que ce registre musical a été promu par le gouvernement mexicain comme étant l'un des symboles majeurs du pays. Dépeinte à partir des années 1920 à la radio ou au cinéma, plusieurs artistes, comme Luis Miguel ou Silvestre Vargas, ont grandement contribué à la popularité de cette musique dans la culture mexicaine.<fnref n="172" />

Dans Coco, l'image du « mariachi » est matérialisée par Ernesto de la Cruz. On remarque son importance dans l'Histoire du Mexique et les différents médias dans lesquels il a bâti sa réputation. De plus, lorsque Miguel joue les notes de guitare dans la salle commémorative du chanteur, il accède au monde des morts. Cela donne une importance à travers les âges et générations qui regroupent aussi bien ceux qui sont partis que ceux qui sont restés. Et cela rappelle à quel point la musique est fondamentale à l'événement de « Día de los Muertos ».

Enfin, Star Wars : The Force Awakens traite de la question de la représentation ethnique, bien que ce ne soit pas une thématique principale dans le film. Traditionnellement parlant, la diversité n'a jamais été un fort dans la saga Star Wars : un personnage féminin fort par trilogie, deux acteurs afro-américains dans la première trilogie dont un dont on ne voit le visage, des clichés racistes dans Star Wars : Episode I : The Phantom Menace... Cependant, la politique prise par Lucasfilm concernant l'approche des nouveaux films Star Wars se veut plus proche de la diversité culturelle de la société.<fnref n="173" /> Au vu du casting, les trois personnages principaux sont interprétés par des acteurs issus des minorités vues à l'écran : Daisy Ridley, une actrice, John Boyega, acteur noir britannique et Oscar Isaac, acteur guatémaltèque.

<footnote n="172">172 SCHWAB Steve, « The History of Mariachi Music in Mexico », https://www.seasidemexico.com/puerto-aventuras/travel-information/mariachi-history/</footnote>

<footnote n="173">173 EVANS Zachary, « Diversity Awakens: Star Wars and Representation », https://www.thefourohfive.com/film/article/diversity-awakens-star-wars-and-representation-144</footnote>
Cette position permet à Lucasfilm de choisir les héros de la trilogie et voir des acteurs issus
de minorités rentrer dans cette dynamique d'inclusion voulue par le studio.

Il y a également un symbole fort dans le film concernant le personnage de Finn, interprété
par John Boyega. L'arc narratif de celui-ci tient compte de l'émancipation pure et simple de
son personnage. Pour Lawrence Kasdan, scénariste du film, la manière de représenter Finn
est l'une des forces majeures du film :

« La décision de faire de Finn un stromtrooper déserteur est l'une des plus importantes que l'on ait prises. J'ai pensé que ce serait génial de sortir notre héros des rangs de ce qui était, en gros, une série d'automates sans visage, indifférenciés, auxquels personne ne prêtait vraiment attention. Il devait y avoir quelqu'un là-dedans ».<fnref n="174" />

FN-2187 de son vrai nom, numéro de son matricule de stormtrooper, passe d'un rang d'esclave du premier ordre à un personnage qui défiera ses anciens maîtres à la fin du film. Un message fort pour la communauté noire américaine à travers le parcours de Finn dans le film, qui arrive à s'affranchir de ses chaines et se libérer de l'oppression qui le contrôlait.

b. Une dimension plus féministe

A travers ces différents films, on remarque la volonté de la part de Disney de mettre en
avant un autre discours progressiste que celui de la diversité ethnique : la dimension
féministe dans les films. Ces dernières années, l'image de la femme à Hollywood s'est vue
considérablement changée, que ce soit en coulisses où les studios et producteurs tendent à
créer une meilleure parité homme – femme, où celles-ci ont pris plus d'ampleur dans les
films.

Si la place des femmes devient plus importante dans les films contemporains, l'enjeu et
l'importance de cette dynamique est fondamentale à la Walt Disney Company dans
l'approche de ses films. Outre la vision moderne que cela lui permet d'engendrer, la mise en
avant d'une dimension féministe permet surtout à Disney de se distancer d'une valeur qui
était omniprésente au sein de ses films à travers toute son histoire : le patriarcat, ou en tout
cas des éléments dans les films s'apparentant à des prémices de patriarcat. Tant dans ses

<footnote n="174">¹⁷⁴ « Secrets of The Force Awakens: A Cinematic Journey ». Timecodes dans la vidéo : 16:44.</footnote>
Cette position permet à Lucasfilm de choisir les héros de la trilogie et voir des acteurs issus
de minorités rentrer dans cette dynamique d'inclusion voulue par le studio.

Il y a également un symbole fort dans le film concernant le personnage de Finn, interprété
par John Boyega. L'arc narratif de celui-ci tient compte de l'émancipation pure et simple de
son personnage. Pour Lawrence Kasdan, scénariste du film, la manière de représenter Finn
est l'une des forces majeures du film :

« La décision de faire de Finn un stromtrooper déserteur est l'une des plus importantes que l'on ait prises. J'ai pensé que ce serait génial de sortir notre héros des rangs de ce qui était, en gros, une série d'automates sans visage, indifférenciés, auxquels personne ne prêtait vraiment attention. Il devait y avoir quelqu'un là-dedans ».<fnref n="174" />

FN-2187 de son vrai nom, numéro de son matricule de stormtrooper, passe d'un rang d'esclave du premier ordre à un personnage qui défiera ses anciens maîtres à la fin du film. Un message fort pour la communauté noire américaine à travers le parcours de Finn dans le film, qui arrive à s'affranchir de ses chaines et se libérer de l'oppression qui le contrôlait.

b. Une dimension plus féministe

A travers ces différents films, on remarque la volonté de la part de Disney de mettre en
avant un autre discours progressiste que celui de la diversité ethnique : la dimension
féministe dans les films. Ces dernières années, l'image de la femme à Hollywood s'est vue
considérablement changée, que ce soit en coulisses où les studios et producteurs tendent à
créer une meilleure parité homme – femme, où celles-ci ont pris plus d'ampleur dans les
films.

Si la place des femmes devient plus importante dans les films contemporains, l'enjeu et
l'importance de cette dynamique est fondamentale à la Walt Disney Company dans
l'approche de ses films. Outre la vision moderne que cela lui permet d'engendrer, la mise en
avant d'une dimension féministe permet surtout à Disney de se distancer d'une valeur qui
était omniprésente au sein de ses films à travers toute son histoire : le patriarcat, ou en tout
cas des éléments dans les films s'apparentant à des prémices de patriarcat. Tant dans ses

<footnote n="174">¹⁷⁴ « Secrets of The Force Awakens: A Cinematic Journey ». Timecodes dans la vidéo : 16:44.</footnote>
classiques d'animation que dans ses films en prises de vues réelles, il a systématiquement été question de mettre en avant une relation entre personnage féminin en admiration ou amoureuse d'un alter égo masculin. Que le personnage principal soit féminin ou masculin, c'est toujours ce dernier qui va sauver l'héroïne du mal qui règne dans l'histoire racontée. Cette dynamique narrative était la formule de base de Disney, surtout dans son « Happy End » qui dans sa morale explique que le héros doit forcément fonder une famille, évidemment dans la manière patriarcale la plus traditionnelle possible. Pour Iger, la représentation des femmes se devait de changer pour la Walt Disney Company au cours de ces dernières années :

> « L'une des choses les plus importantes à faire est de montrer des jeunes femmes qui ont le pouvoir d'agir, qui ont une estime de soi, qui ont un objectif qui ne repose pas nécessairement sur l'amour d'un homme ou d'un prince charmant pour pousser le cliché. Des femmes qui ont l'esprit d'aventure, capables d'indépendance de pensées et d'action ».<fnref n="175" />

S'il était possible de trouver des valeurs patriarcales au sein de l'entreprise, il est important de rappeler qu'au cours de son histoire, plusieurs femmes ont tenu des responsabilités importantes. On peut notamment retrouver les femmes qui ont permis de développer et de définir l'esthétique des films d'animation Disney dès les années 1930. A une époque où les studios d'animation concurrents les mettaient à l'écart de la plupart de leurs décisions créatives, les femmes chez Walt Disney étaient dans tous les domaines créatifs : écriture, artistes conceptuelles, conseillères... Plusieurs d'entre elles, comme Mary Blair, Bianca Majolie ou Mary Goodrich, ont eu un impact prépondérant sur la mise au point de « l'esthétique Disney ».<fnref n="176" /> Mais malgré cela, l'image des femmes dans les films d'animation Disney était toujours très traditionaliste, ou « cliché » pour reprendre les mots de Bob Iger. L'idée principale était de voir les personnages féminins dans les films contemporains de la Walt Disney Company sous un autre jour, d'une façon bien plus moderne et qui correspond davantage aux évolutions dans la société.

<footnote n="175">175 IGER Bob, « Bob Iger – Teaches Business Strategy and Leadership », *Creating Brand Value*, https://www.masterclass.com/classes/bob-iger-teaches-business-strategy-and-leadership</footnote>

<footnote n="176">176 HOLT Nathalia, « The Forgotten Women Who Helped Shape the Look of Disney Animation », https://time.com/5706383/feminist-disney-frozen-history/</footnote>
classiques d'animation que dans ses films en prises de vues réelles, il a systématiquement été question de mettre en avant une relation entre personnage féminin en admiration ou amoureuse d'un alter égo masculin. Que le personnage principal soit féminin ou masculin, c'est toujours ce dernier qui va sauver l'héroïne du mal qui règne dans l'histoire racontée. Cette dynamique narrative était la formule de base de Disney, surtout dans son « Happy End » qui dans sa morale explique que le héros doit forcément fonder une famille, évidemment dans la manière patriarcale la plus traditionnelle possible. Pour Iger, la représentation des femmes se devait de changer pour la Walt Disney Company au cours de ces dernières années :

> « L'une des choses les plus importantes à faire est de montrer des jeunes femmes qui ont le pouvoir d'agir, qui ont une estime de soi, qui ont un objectif qui ne repose pas nécessairement sur l'amour d'un homme ou d'un prince charmant pour pousser le cliché. Des femmes qui ont l'esprit d'aventure, capables d'indépendance de pensées et d'action ».<fnref n="175" />

S'il était possible de trouver des valeurs patriarcales au sein de l'entreprise, il est important de rappeler qu'au cours de son histoire, plusieurs femmes ont tenu des responsabilités importantes. On peut notamment retrouver les femmes qui ont permis de développer et de définir l'esthétique des films d'animation Disney dès les années 1930. A une époque où les studios d'animation concurrents les mettaient à l'écart de la plupart de leurs décisions créatives, les femmes chez Walt Disney étaient dans tous les domaines créatifs : écriture, artistes conceptuelles, conseillères... Plusieurs d'entre elles, comme Mary Blair, Bianca Majolie ou Mary Goodrich, ont eu un impact prépondérant sur la mise au point de « l'esthétique Disney ».<fnref n="176" /> Mais malgré cela, l'image des femmes dans les films d'animation Disney était toujours très traditionaliste, ou « cliché » pour reprendre les mots de Bob Iger. L'idée principale était de voir les personnages féminins dans les films contemporains de la Walt Disney Company sous un autre jour, d'une façon bien plus moderne et qui correspond davantage aux évolutions dans la société.

<footnote n="175">175 IGER Bob, « Bob Iger – Teaches Business Strategy and Leadership », *Creating Brand Value*, https://www.masterclass.com/classes/bob-iger-teaches-business-strategy-and-leadership</footnote>

<footnote n="176">176 HOLT Nathalia, « The Forgotten Women Who Helped Shape the Look of Disney Animation », https://time.com/5706383/feminist-disney-frozen-history/</footnote>
Dans *Star Wars : The Force Awakens*, la dimension féministe est omniprésente. Le personnage central est Rey, interprétée par Daisy Ridley dont c'est le premier film. La description de son personnage ainsi que son parcours à travers le film représentent en grande partie les phases essentielles de son émancipation. J.J. Abrams expliquait d'ailleurs que le processus créatif de son personnage était la clé pour raconter à nouveau une histoire au sein de la saga intergalactique :

> « Nous avions une idée que cette jeune femme dont on ignore tout disent : “Où est Luke Skywalker ?”. C’était excitant, l’idée que ce personnage qu’on connait tous soit découvert par une jeune héroïne inconnue. C’était très intrigant. Je trouvais que c’était un bon point de départ pour l’histoire ».<fnref n="177" />

Le spectateur découvre Rey dans le film avec des habits de pilleuse des sables, en train de récupérer des morceaux d'épaves de Star Destroyer sur la planète Jakku. Alors qu'elle ramène ces fragments à Unkar Plutt, son employeur l'ayant recueillie quand elle était enfant, celui-ci lui donne un salaire misérable compte tenu des risques qu'elle a dû prendre dans l'épave. Cette séquence, où Rey n'a pas encore prononcé un mot dans le film, témoigne d'un message dissimulé de la part de Lucasfilm sur l'équité salariale qui n'est pas respecté envers les femmes.

Alors que Rey rencontre BB-8, Plutt lui propose une paye démesurément grande pour acquérir le droïde. Cependant, Rey se montre juste dans la situation où elle refuse de le vendre. Dès l'introduction de son personnage, Rey renvoie une image de personnage incorruptible, faisant la part du bien et du mal.

Au fur et à mesure de l'avancée du film, différentes facettes montrent l'évolution de son personnage de simple pilleuse des sables à protagoniste de la nouvelle trilogie initiée par Lucasfilm. Tout d'abord avec les rencontres avec Finn, Han Solo et Chewbacca, personnages à forts caractères, où Rey apparaît comme ayant le dessus à chaque fois dans les scènes proposées. Lors de l'attaque du Premier Ordre sur Jakku, Finn tente d'être le décisionnaire de l'échappatoire de la planète, prenant notamment Rey par la main. Cette dernière ne se démonte pas pour autant, refusant catégoriquement de se faire prendre la main et trouvant les solutions pour se dépêtrer de ses situations. Elle est celle qui pilote le Faucon Millenium

<footnote n="177">¹⁷⁷ « Secrets of The Force Awakens: A Cinematic Journey ». Timecodes dans la vidéo : 4:06.</footnote>
Dans *Star Wars : The Force Awakens*, la dimension féministe est omniprésente. Le personnage central est Rey, interprétée par Daisy Ridley dont c'est le premier film. La description de son personnage ainsi que son parcours à travers le film représentent en grande partie les phases essentielles de son émancipation. J.J. Abrams expliquait d'ailleurs que le processus créatif de son personnage était la clé pour raconter à nouveau une histoire au sein de la saga intergalactique :

> « Nous avions une idée que cette jeune femme dont on ignore tout disent : “Où est Luke Skywalker ?”. C’était excitant, l’idée que ce personnage qu’on connait tous soit découvert par une jeune héroïne inconnue. C’était très intrigant. Je trouvais que c’était un bon point de départ pour l’histoire ».<fnref n="177" />

Le spectateur découvre Rey dans le film avec des habits de pilleuse des sables, en train de récupérer des morceaux d'épaves de Star Destroyer sur la planète Jakku. Alors qu'elle ramène ces fragments à Unkar Plutt, son employeur l'ayant recueillie quand elle était enfant, celui-ci lui donne un salaire misérable compte tenu des risques qu'elle a dû prendre dans l'épave. Cette séquence, où Rey n'a pas encore prononcé un mot dans le film, témoigne d'un message dissimulé de la part de Lucasfilm sur l'équité salariale qui n'est pas respecté envers les femmes.

Alors que Rey rencontre BB-8, Plutt lui propose une paye démesurément grande pour acquérir le droïde. Cependant, Rey se montre juste dans la situation où elle refuse de le vendre. Dès l'introduction de son personnage, Rey renvoie une image de personnage incorruptible, faisant la part du bien et du mal.

Au fur et à mesure de l'avancée du film, différentes facettes montrent l'évolution de son personnage de simple pilleuse des sables à protagoniste de la nouvelle trilogie initiée par Lucasfilm. Tout d'abord avec les rencontres avec Finn, Han Solo et Chewbacca, personnages à forts caractères, où Rey apparaît comme ayant le dessus à chaque fois dans les scènes proposées. Lors de l'attaque du Premier Ordre sur Jakku, Finn tente d'être le décisionnaire de l'échappatoire de la planète, prenant notamment Rey par la main. Cette dernière ne se démonte pas pour autant, refusant catégoriquement de se faire prendre la main et trouvant les solutions pour se dépêtrer de ses situations. Elle est celle qui pilote le Faucon Millenium

<footnote n="177">¹⁷⁷ « Secrets of The Force Awakens: A Cinematic Journey ». Timecodes dans la vidéo : 4:06.</footnote>
pour échapper aux Chasseurs TIE avec Finn, celle qui arrive à permettre de réguler la vitesse subliminale de l'appareil alors que Han Solo, le pilote attitré du vaisseau, n'y arrive pas. En plus de ses qualités humaines, elle se montre à la fois stratégiquement et méthodiquement intelligente envers le danger apparent, et douée avec les technologies qui l'entourent.

Ensuite, sa rencontre avec Kylo Ren va servir de catalyseur à son émancipation dans le film. Alors que celui-ci la torture à l'aide de la force sur la base Starkiller, la rendant dans un premier temps fébrile et vulnérable, Rey parvient à faire appel à la force, grâce notamment à son interaction plus tôt dans le film avec Maz Kanata, lui permettant d'empêcher toute forme d'abus de la part de Kylo. Découvrant petit à petit ses pouvoirs avec la force, elle va pouvoir s'échapper et ensuite affronter son tourmenteur dans le dernier acte du film, combat dont elle sortira victorieuse bien que son ennemi ne puisse être définitivement vaincu. La force prend une valeur tout autre avec Rey : le spectateur se rend compte que le titre du film, *Le Réveil de la Force*, est en relation au personnage de Rey. Il faut dès lors comprendre que la trilogie reposera sur ses épaules et qu'elle est le visage du « renouveau » de *Star Wars*.

Un pari intéressant dans une saga qui avait principalement des personnages masculins comme figures de proue, malgré quelques personnages féminins marquants comme la Princesse Leia dans la trilogie originale ou Padme Amidala dans la « prélogie ». D'autant plus que Rey est interprétée par une actrice inconnue à l'époque, Daisy Ridley, et cette idée de double nouveauté était l'un des aspects les plus intéressants dans le processus créatif du film selon J. J. Abrams :

> « On cherchait quelqu'un de nouveau. Un personnage qui devait se montrer vulnérable, coriace, terrifiée. Et de trouver une inconnue qui puisse faire tout ça, ça n'a pas été facile [...] On a vu de super actrices, mais en vérité, il n'y a que Daisy [Ridley] qui nous a donné l'impression de pouvoir faire tout ce que le personnage doit faire ».<fnref n="178" />

Bien que Rey soit évidemment le personnage féminin le plus mis en avant, *The Force Awakens* possède un autre personnage fort féminin du coté des antagonistes : le Capitaine Phasma. Chef de section important dans les lignes de combat du Premier Ordre, section dont

<footnote n="178">¹⁷⁸ Ibid. Timecodes dans la vidéo : 15:38 et 16:05.</footnote>
pour échapper aux Chasseurs TIE avec Finn, celle qui arrive à permettre de réguler la vitesse subliminale de l'appareil alors que Han Solo, le pilote attitré du vaisseau, n'y arrive pas. En plus de ses qualités humaines, elle se montre à la fois stratégiquement et méthodiquement intelligente envers le danger apparent, et douée avec les technologies qui l'entourent.

Ensuite, sa rencontre avec Kylo Ren va servir de catalyseur à son émancipation dans le film. Alors que celui-ci la torture à l'aide de la force sur la base Starkiller, la rendant dans un premier temps fébrile et vulnérable, Rey parvient à faire appel à la force, grâce notamment à son interaction plus tôt dans le film avec Maz Kanata, lui permettant d'empêcher toute forme d'abus de la part de Kylo. Découvrant petit à petit ses pouvoirs avec la force, elle va pouvoir s'échapper et ensuite affronter son tourmenteur dans le dernier acte du film, combat dont elle sortira victorieuse bien que son ennemi ne puisse être définitivement vaincu. La force prend une valeur tout autre avec Rey : le spectateur se rend compte que le titre du film, *Le Réveil de la Force*, est en relation au personnage de Rey. Il faut dès lors comprendre que la trilogie reposera sur ses épaules et qu'elle est le visage du « renouveau » de *Star Wars*.

Un pari intéressant dans une saga qui avait principalement des personnages masculins comme figures de proue, malgré quelques personnages féminins marquants comme la Princesse Leia dans la trilogie originale ou Padme Amidala dans la « prélogie ». D'autant plus que Rey est interprétée par une actrice inconnue à l'époque, Daisy Ridley, et cette idée de double nouveauté était l'un des aspects les plus intéressants dans le processus créatif du film selon J. J. Abrams :

> « On cherchait quelqu'un de nouveau. Un personnage qui devait se montrer vulnérable, coriace, terrifiée. Et de trouver une inconnue qui puisse faire tout ça, ça n'a pas été facile [...] On a vu de super actrices, mais en vérité, il n'y a que Daisy [Ridley] qui nous a donné l'impression de pouvoir faire tout ce que le personnage doit faire ».<fnref n="178" />

Bien que Rey soit évidemment le personnage féminin le plus mis en avant, *The Force Awakens* possède un autre personnage fort féminin du coté des antagonistes : le Capitaine Phasma. Chef de section important dans les lignes de combat du Premier Ordre, section dont

<footnote n="178">¹⁷⁸ Ibid. Timecodes dans la vidéo : 15:38 et 16:05.</footnote>
Finn fait également partie au début du film, elle est vue comme une figure d'autorité très redoutée par ses troupes et ennemis. Gwendoline Christie, qui interprète Phasma, se réjouissait d'avoir un personnage féminin fort au sein de *Star Wars* :

> « Le capitaine Phasma est le premier antagoniste féminin de *Star Wars*. Je trouve ça très encourageant qu'une franchise comme *Star Wars* en fasse un personnage moderne et progressiste. Un nouveau personnage féminin qui n'est pas sexualisé, ce qui compte c'est qu'on s'intéresse aux choix qu'elle fait. [...] J'ai trouvé ça super qu'ils n'aient pas féminisé l'armure, c'était fantastique. Mais il fallait qu'on sache que c'est une femme. Subtilement, j'ai essayé de faire en sorte qu'on le voit dans sa manière de se tenir, dans la posture. Ce n'est pas sexualisé, mais il y a une certaine féminité qui ajoute à l'identité du personnage ».<fnref n="179" />

Une décision dans le film qui prône le féminisme de manière marquée de la part de Lucasfilm, d'autant plus qu'un grand nombre de stormtroopers dans le film sont jouée par des femmes, faisant écho aux propos de Gwendoline Christie sur l'émergence d'une plus grande importance féminine dans le film.

Dans *Black Panther*, les représentations de la femme ont plusieurs visages. Le plus important est sans doute les Dora Milaje. Elles sont les guerrières protectrices du Wakanda et la garde rapprochée du Roi. Dans le film, elles sont dirigées par Okoye, interprétée par Danai Gurira, qui sert de premier lieutenant et chef de guerre. Unaniment considérées par le peuple wakandais et les chefs de clans comme les meilleurs guerrières du royaume, il n'y a aucun homme faisant partie du Dora Milaje. Le fait de représenter un groupe de guerrières pouvant rivaliser avec n'importe quel autre groupe militaire contemporain, qui pour le coup sont quasi exclusivement composés d'homme, donne un rapport d'émancipation à la cause féminine assez importante dans le film. Après, le film reprends également les valeurs des comics originaux qui prônent le « black and girl power ». A l'époque de leur sortie en 1977, les comics ont eu un impact sur la communauté afro-africaine, tant sur la perception d'une Afrique non colonisée que sur sa variétés de personnages émancipés.<fnref n="180" />

En plus de ces guerrières, deux personnages féminins proches de T'Challa montrent deux autres représentations féminines à l'écran. La première est Shuri : princesse du Wakanda,

<footnote n="179">¹⁷⁹ « Secrets of *The Force Awakens*: A Cinematic Journey ». Timecodes dans la vidéo : 33:12 et 34:20.</footnote>

<footnote n="180">¹⁸⁰ LEWIS Victor, « Wakanda Forever: How ‘Black Panther’ Upholds a Revolutionary Legacy », https://chapelboro.com/town-square/wakanda-forever</footnote>
Finn fait également partie au début du film, elle est vue comme une figure d'autorité très redoutée par ses troupes et ennemis. Gwendoline Christie, qui interprète Phasma, se réjouissait d'avoir un personnage féminin fort au sein de *Star Wars* :

> « Le capitaine Phasma est le premier antagoniste féminin de *Star Wars*. Je trouve ça très encourageant qu'une franchise comme *Star Wars* en fasse un personnage moderne et progressiste. Un nouveau personnage féminin qui n'est pas sexualisé, ce qui compte c'est qu'on s'intéresse aux choix qu'elle fait. [...] J'ai trouvé ça super qu'ils n'aient pas féminisé l'armure, c'était fantastique. Mais il fallait qu'on sache que c'est une femme. Subtilement, j'ai essayé de faire en sorte qu'on le voit dans sa manière de se tenir, dans la posture. Ce n'est pas sexualisé, mais il y a une certaine féminité qui ajoute à l'identité du personnage ».<fnref n="179" />

Une décision dans le film qui prône le féminisme de manière marquée de la part de Lucasfilm, d'autant plus qu'un grand nombre de stormtroopers dans le film sont jouée par des femmes, faisant écho aux propos de Gwendoline Christie sur l'émergence d'une plus grande importance féminine dans le film.

Dans *Black Panther*, les représentations de la femme ont plusieurs visages. Le plus important est sans doute les Dora Milaje. Elles sont les guerrières protectrices du Wakanda et la garde rapprochée du Roi. Dans le film, elles sont dirigées par Okoye, interprétée par Danai Gurira, qui sert de premier lieutenant et chef de guerre. Unaniment considérées par le peuple wakandais et les chefs de clans comme les meilleurs guerrières du royaume, il n'y a aucun homme faisant partie du Dora Milaje. Le fait de représenter un groupe de guerrières pouvant rivaliser avec n'importe quel autre groupe militaire contemporain, qui pour le coup sont quasi exclusivement composés d'homme, donne un rapport d'émancipation à la cause féminine assez importante dans le film. Après, le film reprends également les valeurs des comics originaux qui prônent le « black and girl power ». A l'époque de leur sortie en 1977, les comics ont eu un impact sur la communauté afro-africaine, tant sur la perception d'une Afrique non colonisée que sur sa variétés de personnages émancipés.<fnref n="180" />

En plus de ces guerrières, deux personnages féminins proches de T'Challa montrent deux autres représentations féminines à l'écran. La première est Shuri : princesse du Wakanda,

<footnote n="179">¹⁷⁹ « Secrets of *The Force Awakens*: A Cinematic Journey ». Timecodes dans la vidéo : 33:12 et 34:20.</footnote>

<footnote n="180">¹⁸⁰ LEWIS Victor, « Wakanda Forever: How ‘Black Panther’ Upholds a Revolutionary Legacy », https://chapelboro.com/town-square/wakanda-forever</footnote>
elle est la sœur cadette de T'Challa. A travers le film, elle est vue comme une personne indépendante et sure d'elle-même. Elle est vue comme une sorte de génie en technologie avancée au Wakanda : elle aide son frère en mission grâce à des nouvelles technologies qu'elle met au point, elle conçoit les costumes et équipements de son frère... De plus, elle est à la tête des centres de soins royaux des pays, dans lequel elle opère plusieurs blessures graves avec le vibranium synthétisé. Outre ses aptitudes, elle possède une personnalité très forte où son optimisme débordant lui permet de tenir tête à son frère et autres forts tempérament du film. Enfin, dans le dernier acte du film, le spectateur découvre l'instinct de guerrière de Shuri qui n'hésite pas à affronter Killmonger, pourtant bien meilleur guerrier qu'elle dans le film. On observe donc un personnage multi-facettes qui apparaît bien plus riche que les personnages secondaires souvent monotones des grosses productions hollywoodiennes et films de super-héros.

Letitia Wright, qui interprète Shuri dans le film, se réjouissait du choix de Marvel Studios d'avoir accentué de manière importante le nombre de personnages dont le jeune public féminin pourrait maintenant s'identifier :

> « Cela représente beaucoup pour moi [de penser aux jeunes filles pouvant s'identifier à mon personnage] parce qu'il y avait un manque à ce niveau. Et maintenant que l'on a des personnages comme Shuri, il y a une montée du nombre de personnage vers les jeunes fillez peuvent s'identifier. Pas simplement par rapport à mon ethnicité ou pour des filles noires, mais pour des filles de toute part. C'est un grand moment de fierté, et pour les garçons aussi finalement. Ils peuvent la trouver cool, célébrer cela ainsi que Black Panther ».<fnref n="181" />

De plus, Letitia Wright a précisé qu'avoir une plus grande diversité dans les représentations pouvait permettre à un studio de prendre confiance et ainsi avoir une plus forte présence de la gente féminine dans ces superproductions :

> « Je pense qu'il faut embrasser [ce changement]. Nous en parlons beaucoup et si nous avançons dans les futures phases de Marvel, dans les dix prochaines années, pourquoi

<footnote n="181">¹⁸¹ Traduit de l'anglais dans CROSSAN Ash, « 'Black Panther' Sequel: Letitia Wright Is Ready to Break Shuri Out of the Lab! », https://www.youtube.com/watch?v=xdW0Kvk7RWM</footnote>
elle est la sœur cadette de T'Challa. A travers le film, elle est vue comme une personne indépendante et sure d'elle-même. Elle est vue comme une sorte de génie en technologie avancée au Wakanda : elle aide son frère en mission grâce à des nouvelles technologies qu'elle met au point, elle conçoit les costumes et équipements de son frère... De plus, elle est à la tête des centres de soins royaux des pays, dans lequel elle opère plusieurs blessures graves avec le vibranium synthétisé. Outre ses aptitudes, elle possède une personnalité très forte où son optimisme débordant lui permet de tenir tête à son frère et autres forts tempérament du film. Enfin, dans le dernier acte du film, le spectateur découvre l'instinct de guerrière de Shuri qui n'hésite pas à affronter Killmonger, pourtant bien meilleur guerrier qu'elle dans le film. On observe donc un personnage multi-facettes qui apparaît bien plus riche que les personnages secondaires souvent monotones des grosses productions hollywoodiennes et films de super-héros.

Letitia Wright, qui interprète Shuri dans le film, se réjouissait du choix de Marvel Studios d'avoir accentué de manière importante le nombre de personnages dont le jeune public féminin pourrait maintenant s'identifier :

> « Cela représente beaucoup pour moi [de penser aux jeunes filles pouvant s'identifier à mon personnage] parce qu'il y avait un manque à ce niveau. Et maintenant que l'on a des personnages comme Shuri, il y a une montée du nombre de personnage vers les jeunes fillez peuvent s'identifier. Pas simplement par rapport à mon ethnicité ou pour des filles noires, mais pour des filles de toute part. C'est un grand moment de fierté, et pour les garçons aussi finalement. Ils peuvent la trouver cool, célébrer cela ainsi que Black Panther ».<fnref n="181" />

De plus, Letitia Wright a précisé qu'avoir une plus grande diversité dans les représentations pouvait permettre à un studio de prendre confiance et ainsi avoir une plus forte présence de la gente féminine dans ces superproductions :

> « Je pense qu'il faut embrasser [ce changement]. Nous en parlons beaucoup et si nous avançons dans les futures phases de Marvel, dans les dix prochaines années, pourquoi

<footnote n="181">¹⁸¹ Traduit de l'anglais dans CROSSAN Ash, « 'Black Panther' Sequel: Letitia Wright Is Ready to Break Shuri Out of the Lab! », https://www.youtube.com/watch?v=xdW0Kvk7RWM</footnote>
ne pas faire une expérience Marvel 100% féminine ? Je signerai directement pour ça ».<sup>182</sup>

Le second personnage féminin important dans *Black Panther* concerne Nakia. Espionne wakandaise, elle fait partie d'une tribu soutenant la couronne de T'Challa, avec qui elle entretient une relation sentimentale plus ou moins officielle. Elle est une militante prônant une ouverture sur le monde du Wakanda. En soi, elle est la représentation à la fois de l'idéologie de T'Challa, qui cherche à avoir une paix durable et prospère pour le peuple wakandais, et de Killmonger qui cherche avant tout à empêcher les inégalités des communautés sur le monde. C'est au final le personnage le plus charismatique qui va alors mettre en perspective le changement de cap de la politique du royaume de T'Challa à la fin du film. Elle est tiraillée entre son désir de servir son pays et de vouloir une ouverture sur le monde de ce dernier :

> « J'ai vu trop de misère pour l'ignorer. Je ne serai plus heureuse ici en sachant qu'ailleurs d'autres n'ont rien ».<sup>183</sup>

On est proche d'une politique libérale américaine à travers ses motivations. Le libéralisme, vu en France comme terme désignant « la droite », est aussi Etats-Unis une conception plus sociale qui cherche à donner aux puissances publiques plus de pouvoir. On est dans une politique qui se veut plus égalitaire entre les individus et est en parfaite opposition avec les valeurs des conservateurs.<sup>184</sup> Cette approche montre d'une manière assez peu dissimulée la volonté pour Marvel Studios et Disney d'appuyer leur agenda politique.

*Mary Poppins Returns* traite également des valeurs féministes dans le film. Déjà dans le premier film, Mrs. Banks, la mère de Michael et Jane, était la figure de proue de l'affirmation de ces valeurs féministes. La scène musicale « Sister Suffragettes » relatait justement des inégalités dans la société entre hommes et femmes. Jane prend ainsi le relais dans *Mary Poppins Returns* de sa mère en tant que femme politiquement engagée. Pour la costumière du film, Sandy Powell, il fallait arriver à illustrer de plusieurs manières l'émancipation des femmes, et notamment à travers les costumes dans le film :

<footnote n="182"><sup>182</sup> Traduit de l'anglais dans *Ibid*.</footnote>

<footnote n="183"><sup>183</sup> *Black Panther*. Timecodes dans le film : 32 :25.</footnote>

<footnote n="184"><sup>184</sup> BOUVET Laurent, « La fin du libéralisme américain ? », *Raisons Politiques*, 04/2004, p 25-26.</footnote>
ne pas faire une expérience Marvel 100% féminine ? Je signerai directement pour ça ».<sup>182</sup>

Le second personnage féminin important dans *Black Panther* concerne Nakia. Espionne wakandaise, elle fait partie d'une tribu soutenant la couronne de T'Challa, avec qui elle entretient une relation sentimentale plus ou moins officielle. Elle est une militante prônant une ouverture sur le monde du Wakanda. En soi, elle est la représentation à la fois de l'idéologie de T'Challa, qui cherche à avoir une paix durable et prospère pour le peuple wakandais, et de Killmonger qui cherche avant tout à empêcher les inégalités des communautés sur le monde. C'est au final le personnage le plus charismatique qui va alors mettre en perspective le changement de cap de la politique du royaume de T'Challa à la fin du film. Elle est tiraillée entre son désir de servir son pays et de vouloir une ouverture sur le monde de ce dernier :

> « J'ai vu trop de misère pour l'ignorer. Je ne serai plus heureuse ici en sachant qu'ailleurs d'autres n'ont rien ».<sup>183</sup>

On est proche d'une politique libérale américaine à travers ses motivations. Le libéralisme, vu en France comme terme désignant « la droite », est aussi Etats-Unis une conception plus sociale qui cherche à donner aux puissances publiques plus de pouvoir. On est dans une politique qui se veut plus égalitaire entre les individus et est en parfaite opposition avec les valeurs des conservateurs.<sup>184</sup> Cette approche montre d'une manière assez peu dissimulée la volonté pour Marvel Studios et Disney d'appuyer leur agenda politique.

*Mary Poppins Returns* traite également des valeurs féministes dans le film. Déjà dans le premier film, Mrs. Banks, la mère de Michael et Jane, était la figure de proue de l'affirmation de ces valeurs féministes. La scène musicale « Sister Suffragettes » relatait justement des inégalités dans la société entre hommes et femmes. Jane prend ainsi le relais dans *Mary Poppins Returns* de sa mère en tant que femme politiquement engagée. Pour la costumière du film, Sandy Powell, il fallait arriver à illustrer de plusieurs manières l'émancipation des femmes, et notamment à travers les costumes dans le film :

<footnote n="182"><sup>182</sup> Traduit de l'anglais dans *Ibid*.</footnote>

<footnote n="183"><sup>183</sup> *Black Panther*. Timecodes dans le film : 32 :25.</footnote>

<footnote n="184"><sup>184</sup> BOUVET Laurent, « La fin du libéralisme américain ? », *Raisons Politiques*, 04/2004, p 25-26.</footnote>
« En tant que fille d'une suffragette, j'ai décidé de faire d'elle une sorte de femme moderne indépendante, d'où les pantalons. Elle a trois tenues différentes à travers le film et toutes ont un pantalon [...] Je voulais qu'elle est l'air terre à terre. Mes références étaient Katharine Hepburn, [Greta] Garbo et [Marlene] Dietrich, en pantalons d'époque ».<fnref n="185" />

Si le port du pantalon est depuis plusieurs années vu comme un vêtement unisexe, le choix de le représenter en est un plus fort qu'il n'y paraît, car ce vêtement n'était pas rentré dans la norme de mode féminine à l'époque de la Grande Dépression, époque dans laquelle le film se déroule.

Mais outre Jane, le personnage de Mary Poppins soulève plus d'interrogations dans son rapport au féminisme. Il est assez compliqué de savoir si le personnage de Mary Poppins, qu'il soit interprété par Julie Andrews ou Emily Blunt, est empreint de valeurs féministes. Pour Maria Supplisson, il y a une ambivalence qui peut être observée dans la version du personnage de 1964 :

« Mary semble vivre par ses propres règles et voyage comme il lui plaît, pourtant elle occupe une fonction qui est traditionnellement attribuée aux femmes : c'est une nounou. Il est facile d'argumenter qu'elle ne semble pas venir de notre monde, mais son rôle dans celui-ci est un rôle dont les femmes étaient principalement confinées. Spécialement dans l'époque edwardienne que le film dépeint. Cependant, Mary est aussi clairement capable de se frayer un chemin et établir des règles sans se faire marcher dessus par les Banks. [...] Par dessus tout : voir une femme changer les vies d'une famille entière et plus spécifiquement l'esprit de Mr. Banks (un homme adulte, et banquier qui plus est, la représentation la plus limpide des valeurs patriarcales) est indubitablement un autre symbole féministe. Mary Poppins est une personne à l'influence positive et elle n'est pas sujette à vouloir des encouragements ou à vivre une romance... Il est compris qu'elle restera une nounou, mais la force et le mystère autour de son personnage est suffisant pout la rendre plus moderne qu'un grand nombre de films de 1964 aurait permis ».<fnref n="186" />

<footnote n="185">¹⁸⁵ Traduit de l'anglais dans THOMAS Leah Marilla, « In 'Mary Poppins Returns,' Jane Banks Is Living Up To Her Mother's Suffragette Ideals », https://www.bustle.com/p/in-mary-poppins-returns-jane-banks-is-living-up-to-her-mothers-suffragette-ideals-13161762</footnote>

<footnote n="186">¹⁸⁶ Traduit de l'anglais dans SUPPLISSON Maria, « Is Mary Poppins a feminist film? », https://www.quora.com/Is-Mary-Poppins-a-feminist-film</footnote>
« En tant que fille d'une suffragette, j'ai décidé de faire d'elle une sorte de femme moderne indépendante, d'où les pantalons. Elle a trois tenues différentes à travers le film et toutes ont un pantalon [...] Je voulais qu'elle est l'air terre à terre. Mes références étaient Katharine Hepburn, [Greta] Garbo et [Marlene] Dietrich, en pantalons d'époque ».<fnref n="185" />

Si le port du pantalon est depuis plusieurs années vu comme un vêtement unisexe, le choix de le représenter en est un plus fort qu'il n'y paraît, car ce vêtement n'était pas rentré dans la norme de mode féminine à l'époque de la Grande Dépression, époque dans laquelle le film se déroule.

Mais outre Jane, le personnage de Mary Poppins soulève plus d'interrogations dans son rapport au féminisme. Il est assez compliqué de savoir si le personnage de Mary Poppins, qu'il soit interprété par Julie Andrews ou Emily Blunt, est empreint de valeurs féministes. Pour Maria Supplisson, il y a une ambivalence qui peut être observée dans la version du personnage de 1964 :

« Mary semble vivre par ses propres règles et voyage comme il lui plaît, pourtant elle occupe une fonction qui est traditionnellement attribuée aux femmes : c'est une nounou. Il est facile d'argumenter qu'elle ne semble pas venir de notre monde, mais son rôle dans celui-ci est un rôle dont les femmes étaient principalement confinées. Spécialement dans l'époque edwardienne que le film dépeint. Cependant, Mary est aussi clairement capable de se frayer un chemin et établir des règles sans se faire marcher dessus par les Banks. [...] Par dessus tout : voir une femme changer les vies d'une famille entière et plus spécifiquement l'esprit de Mr. Banks (un homme adulte, et banquier qui plus est, la représentation la plus limpide des valeurs patriarcales) est indubitablement un autre symbole féministe. Mary Poppins est une personne à l'influence positive et elle n'est pas sujette à vouloir des encouragements ou à vivre une romance... Il est compris qu'elle restera une nounou, mais la force et le mystère autour de son personnage est suffisant pout la rendre plus moderne qu'un grand nombre de films de 1964 aurait permis ».<fnref n="186" />

<footnote n="185">¹⁸⁵ Traduit de l'anglais dans THOMAS Leah Marilla, « In 'Mary Poppins Returns,' Jane Banks Is Living Up To Her Mother's Suffragette Ideals », https://www.bustle.com/p/in-mary-poppins-returns-jane-banks-is-living-up-to-her-mothers-suffragette-ideals-13161762</footnote>

<footnote n="186">¹⁸⁶ Traduit de l'anglais dans SUPPLISSON Maria, « Is Mary Poppins a feminist film? », https://www.quora.com/Is-Mary-Poppins-a-feminist-film</footnote>
En dévoilant un personnage définitivement moderne, *Mary Poppins Returns* est en soi un bon prolongement des valeurs de 1964. La version du personnage interprétée par Emily Blunt reprend les mêmes éléments qui définissent la version de Julie Andrews : l'autorité, la sagesse, la fantaisie... La différence avec cette version est qu'elle connaît déjà deux membres de la famille Banks, Michael et Jane, lui permettant d'avoir une proximité et une confiance significative dans le film, là où elle devait se trouver une place dans le premier film pour exprimer son potentiel et avoir la confiance des membres de la famille.

## Synthèse de la Partie II :

Bob Iger n'a évidemment pas réalisé le moindre film du corpus mais son importance est tout de même palpable dans les films. On observe une balance entre les valeurs fondamentales de la Walt Disney Company, c'est-à-dire l'importance de la dimension familiale et l'importance liée à la nostalgie et la tradition, et de nouvelles valeurs avec plus de diversité à l'écran et un rôle plus prépondérant des femmes dans les films. De ce point de vue, la volonté d'Iger d'être plus en adéquation avec le monde qui l'entoure aujourd'hui semble accomplie. Si tous ces différents éléments sont évalués au préalable afin d'attirer un nombre plus important de spectateurs en salle, il témoigne aussi de la vision du monde voulu par Bob Iger.

La dimension où l'on ressent sans doute le plus l'influence de la politique de Bob Iger est dans la dimension esthétique des films. Cette dernière est en lien direct avec l'importance d'avoir une marque forte. En instaurant une standardisation de l'esthétique dans des films, il définit une ligne directrice des films. Mais en faisant cela, ces derniers ne se démarquent pas entre eux. Si l'on ajoute le fait que les films rentrent dans une dynamique de « reboot », on se rend compte qu'Iger est avant tout intéressé par l'idée d'avoir des marques « bankable » plutôt que de créer des films pour leur dimension artistique et esthétique.

D'un point de vue économique, les films ont rapporté à la Walt Disney Company des sommes d'argent au box office immenses, leur permettant notamment de recouvrir l'argent investi par l'entreprise au cours du mandat de Bob Iger. Il va maintenant être question de savoir qu'elles sont les différentes limites et critiques émises à l'encontre de la Walt Disney Company, tant dans la politique de l'entreprise que dans les films produits.
En dévoilant un personnage définitivement moderne, *Mary Poppins Returns* est en soi un bon prolongement des valeurs de 1964. La version du personnage interprétée par Emily Blunt reprend les mêmes éléments qui définissent la version de Julie Andrews : l'autorité, la sagesse, la fantaisie... La différence avec cette version est qu'elle connaît déjà deux membres de la famille Banks, Michael et Jane, lui permettant d'avoir une proximité et une confiance significative dans le film, là où elle devait se trouver une place dans le premier film pour exprimer son potentiel et avoir la confiance des membres de la famille.

## Synthèse de la Partie II :

Bob Iger n'a évidemment pas réalisé le moindre film du corpus mais son importance est tout de même palpable dans les films. On observe une balance entre les valeurs fondamentales de la Walt Disney Company, c'est-à-dire l'importance de la dimension familiale et l'importance liée à la nostalgie et la tradition, et de nouvelles valeurs avec plus de diversité à l'écran et un rôle plus prépondérant des femmes dans les films. De ce point de vue, la volonté d'Iger d'être plus en adéquation avec le monde qui l'entoure aujourd'hui semble accomplie. Si tous ces différents éléments sont évalués au préalable afin d'attirer un nombre plus important de spectateurs en salle, il témoigne aussi de la vision du monde voulu par Bob Iger.

La dimension où l'on ressent sans doute le plus l'influence de la politique de Bob Iger est dans la dimension esthétique des films. Cette dernière est en lien direct avec l'importance d'avoir une marque forte. En instaurant une standardisation de l'esthétique dans des films, il définit une ligne directrice des films. Mais en faisant cela, ces derniers ne se démarquent pas entre eux. Si l'on ajoute le fait que les films rentrent dans une dynamique de « reboot », on se rend compte qu'Iger est avant tout intéressé par l'idée d'avoir des marques « bankable » plutôt que de créer des films pour leur dimension artistique et esthétique.

D'un point de vue économique, les films ont rapporté à la Walt Disney Company des sommes d'argent au box office immenses, leur permettant notamment de recouvrir l'argent investi par l'entreprise au cours du mandat de Bob Iger. Il va maintenant être question de savoir qu'elles sont les différentes limites et critiques émises à l'encontre de la Walt Disney Company, tant dans la politique de l'entreprise que dans les films produits.
# Partie III : Limites et critiques de la Walt Disney Company sous Bob Iger

Les éléments observés dans les deux premières parties permettent de mettre en avant deux aspects fondamentaux de l'influence que Bob Iger a eue au sein de la Walt Disney Company. Tout d'abord, ses stratégies économiques ont permis à l'entreprise de devenir la première puissance économique à Hollywood. Ensuite, la politique des « reboots » et suites de films s'est avérée payante d'un point de vue économique. Jamais les films Disney n'avaient connu pareil succès en salle.

Lors de sa prise de fonction en tant que PDG, Bob Iger avait les objectifs de relancer différents secteurs de l'entreprise qui étaient à l'arrêt. Il devait aussi régler tous les conflits d'intérêt en interne et que chacun suive le cap qu'il avait fixé pour l'entreprise. En relation aux films, il a gardé des thématiques traditionnelles de Disney et s'en est séparé d'autres afin de ne pas tomber dans les travers de ce que l'entreprise avait vécu au cours de son histoire, comme indiqué précédemment avec notamment des accusations de stéréotypes racistes ou de sexisme.

Avec tous ces différents éléments à prendre en compte, y a-t-il eu des critiques ayant été attribués à la Walt Disney Company depuis 2005 ? L'objectif de cette partie est de voir en premier les critiques émises envers la politique générale de Bob Iger puis dans un deuxième temps de voir quelles sont les critiques qui visaient les films de l'entreprise. Enfin, j'exposerai ma vision personnelle, détaillant mes propres réflexions sur la manière dont a fonctionné la Walt Disney Company sous Iger.

## I- Critiques de la politique du studio

Le premier axe majeur des critiques faites à l'encontre de la Walt Disney Company concerne la politique établie par Bob Iger. Si du point de vue de l'entreprise, les décisions se sont avérées payantes pour de nombreuses raisons, elles ont néanmoins cristallisé plusieurs réserves et blâmes tant sur le fond que la forme de sa politique.
# Partie III : Limites et critiques de la Walt Disney Company sous Bob Iger

Les éléments observés dans les deux premières parties permettent de mettre en avant deux aspects fondamentaux de l'influence que Bob Iger a eue au sein de la Walt Disney Company. Tout d'abord, ses stratégies économiques ont permis à l'entreprise de devenir la première puissance économique à Hollywood. Ensuite, la politique des « reboots » et suites de films s'est avérée payante d'un point de vue économique. Jamais les films Disney n'avaient connu pareil succès en salle.

Lors de sa prise de fonction en tant que PDG, Bob Iger avait les objectifs de relancer différents secteurs de l'entreprise qui étaient à l'arrêt. Il devait aussi régler tous les conflits d'intérêt en interne et que chacun suive le cap qu'il avait fixé pour l'entreprise. En relation aux films, il a gardé des thématiques traditionnelles de Disney et s'en est séparé d'autres afin de ne pas tomber dans les travers de ce que l'entreprise avait vécu au cours de son histoire, comme indiqué précédemment avec notamment des accusations de stéréotypes racistes ou de sexisme.

Avec tous ces différents éléments à prendre en compte, y a-t-il eu des critiques ayant été attribués à la Walt Disney Company depuis 2005 ? L'objectif de cette partie est de voir en premier les critiques émises envers la politique générale de Bob Iger puis dans un deuxième temps de voir quelles sont les critiques qui visaient les films de l'entreprise. Enfin, j'exposerai ma vision personnelle, détaillant mes propres réflexions sur la manière dont a fonctionné la Walt Disney Company sous Iger.

## I- Critiques de la politique du studio

Le premier axe majeur des critiques faites à l'encontre de la Walt Disney Company concerne la politique établie par Bob Iger. Si du point de vue de l'entreprise, les décisions se sont avérées payantes pour de nombreuses raisons, elles ont néanmoins cristallisé plusieurs réserves et blâmes tant sur le fond que la forme de sa politique.
## a. Politique des rachats : les problèmes d'un monopole

Lorsque la Walt Disney Company a fait ses acquisitions durant le mandat de Bob Iger, tout un tas de critiques se sont mis à pleuvoir. Il y eu les questions évidentes qui surviennent lorsque des entreprises fusionnent et qui sont souvent synonymes de licenciements de masse. Les mouvements au sein du personnel au moment de la finalisation de l'acquisition de la Fox, qui ont causé des milliers de licenciements, ont donc été logiquement accueillis avec beaucoup de véhémence.<fnref n="187" /> Bob Iger a précisé également qu'il avait reçu des critiques au moment de l'acquisition de Pixar. Ils craignaient notamment une baisse qualitative des contenus de Pixar sous l'étendard Disney. Toujours selon Iger, ces critiques sont normales parce qu'elles viennent de l'extérieur et ne voient pas l'objectif principal de ces acquisitions :

> « [Les acquisitions de propriétés] étaient critiquées. Peut-être pour de bonnes raisons venant de l'extérieur mais si vous les regardez de ce point de vue, vous ne les verrez pas nécessairement comme les personnes qui sont à l'intérieur. Donc pour Pixar, nous regardions à différente choses. L'une d'elles était que nous étions en train de regarder la valeur de Pixar sur le long terme pour l'entreprise ; mais que nous apportions aussi le leadership de Pixar, John Lasseter et Ed Catmull, à Disney pour donner un nouveau tournant à Disney Animation. Mais ça, les critiques ne l'ont pas vu. Lorsque nous voyons ce qu'il s'est passé chez Disney Animation, si vous voyez à des films comment *Tangled*, *Moana*, *Zootopia*, *Frozen*, *Big Hero 6*... la liste est extraordinaire en termes d'impact que l'équipe a eu chez Disney. Cela ne pouvait pas être su [pour des personnes venant de l'extérieur] ».<fnref n="188" />

S'il est vrai que les derniers classiques d'animation Disney ont répondu présents dans les attentes des critiques et des fans et que l'acquisition de Pixar y est pour beaucoup, l'ultime acquisition de la Walt Disney Company, le rachat de la 21<sup>st</sup> Century Fox, a soulevé beaucoup de critiques. Avec plus de 30% de parts du marché hollywoodien, Disney est aujourd'hui dans une position d'exercer un monopole.

Avant de montrer quels pourraient être les effets négatifs que pourrait engendrer un monopole, il est important de préciser que l'industrie cinématographique américaine est

<footnote n="187">¹⁸⁷ MAAS Jennifer, MAGLIO Tony et WILLIAMS Trey, « Fox Employees 'Walking on Eggshells' as Heavy Layoofs Continue Under Disney », https://www.thewrap.com/fox-employees-layoffs-reaction-disney-new-leadership/</footnote>

<footnote n="188">¹⁸⁸ GRAZER Brian, « Bob Iger in conversation with Brian Grazer at Live Talks Los Angeles », https://www.youtube.com/watch?v=DHCaEDE1nug&list=WL&index=15</footnote>
## a. Politique des rachats : les problèmes d'un monopole

Lorsque la Walt Disney Company a fait ses acquisitions durant le mandat de Bob Iger, tout un tas de critiques se sont mis à pleuvoir. Il y eu les questions évidentes qui surviennent lorsque des entreprises fusionnent et qui sont souvent synonymes de licenciements de masse. Les mouvements au sein du personnel au moment de la finalisation de l'acquisition de la Fox, qui ont causé des milliers de licenciements, ont donc été logiquement accueillis avec beaucoup de véhémence.<fnref n="187" /> Bob Iger a précisé également qu'il avait reçu des critiques au moment de l'acquisition de Pixar. Ils craignaient notamment une baisse qualitative des contenus de Pixar sous l'étendard Disney. Toujours selon Iger, ces critiques sont normales parce qu'elles viennent de l'extérieur et ne voient pas l'objectif principal de ces acquisitions :

> « [Les acquisitions de propriétés] étaient critiquées. Peut-être pour de bonnes raisons venant de l'extérieur mais si vous les regardez de ce point de vue, vous ne les verrez pas nécessairement comme les personnes qui sont à l'intérieur. Donc pour Pixar, nous regardions à différente choses. L'une d'elles était que nous étions en train de regarder la valeur de Pixar sur le long terme pour l'entreprise ; mais que nous apportions aussi le leadership de Pixar, John Lasseter et Ed Catmull, à Disney pour donner un nouveau tournant à Disney Animation. Mais ça, les critiques ne l'ont pas vu. Lorsque nous voyons ce qu'il s'est passé chez Disney Animation, si vous voyez à des films comment *Tangled*, *Moana*, *Zootopia*, *Frozen*, *Big Hero 6*... la liste est extraordinaire en termes d'impact que l'équipe a eu chez Disney. Cela ne pouvait pas être su [pour des personnes venant de l'extérieur] ».<fnref n="188" />

S'il est vrai que les derniers classiques d'animation Disney ont répondu présents dans les attentes des critiques et des fans et que l'acquisition de Pixar y est pour beaucoup, l'ultime acquisition de la Walt Disney Company, le rachat de la 21<sup>st</sup> Century Fox, a soulevé beaucoup de critiques. Avec plus de 30% de parts du marché hollywoodien, Disney est aujourd'hui dans une position d'exercer un monopole.

Avant de montrer quels pourraient être les effets négatifs que pourrait engendrer un monopole, il est important de préciser que l'industrie cinématographique américaine est

<footnote n="187">¹⁸⁷ MAAS Jennifer, MAGLIO Tony et WILLIAMS Trey, « Fox Employees 'Walking on Eggshells' as Heavy Layoofs Continue Under Disney », https://www.thewrap.com/fox-employees-layoffs-reaction-disney-new-leadership/</footnote>

<footnote n="188">¹⁸⁸ GRAZER Brian, « Bob Iger in conversation with Brian Grazer at Live Talks Los Angeles », https://www.youtube.com/watch?v=DHCaEDE1nug&list=WL&index=15</footnote>
dans cette dynamique de fusions/absorptions de studios depuis les années 1980. Rupert Murdoch acquiert la 20<sup>th</sup> Century Fox en 1986. En 1989 a lieu le « merger » Time Inc. et Warner. Les studios de films Sony ne sont qu'une fusion de Columbia et Tristar. Vivendi et Viacom rachètent respectivement Paramount et Universal...<sup>189</sup> La différence majeure est que les acquisitions de Disney en 12 ans, de Pixar à la Fox, déséquilibre la répartition des bénéfices entre les majors, d'où les risques d'un monopole.

Un monopole à Hollywood serait l'une des pires choses qui pourrait arriver au système, tant dans son fonctionnement et sa santé économique que dans la qualité de films issus de l'industrie. Pour Brett Heinz, la situation dans laquelle est la Walt Disney Company actuellement n'est qu'une résultante du système économique américain actuel, et qui pourrait mettre à mal toute l'industrie du film :

> « L'économie américaine est au milieu d'une "crise de concentration" dans laquelle chaque industrie est dominée par une entreprise ou une petite poignée d'entreprises qui contrôlent les marchés. Hollywood est dans ce cas de figure. Les effets douloureux de cette crise sont de grande envergure, avec des dommages faits à la compétition entre les studios, les salaires, les formations, les innovations et bien plus. L'émergence de Disney en tant que puissance monopolisée dans l'industrie du film menace la viabilité de l'indépendance créative des films, le nombre de places des salles de cinéma sous la pression d'exploitation, la limite de la diversité de films disponibles, un abaissement de la valeur de notre culture et un empirement des inégalités économiques et politiques ».<sup>190</sup>

Si Disney est à l'image de plusieurs sociétés ayant pris le monopole de l'activité au sein de leurs industries respectives ces dernières années, il apparaît que certaines craintes d'Heinz ont déjà vu le jour. L'un des plus importants facteurs ces dernières années a été le nombre de films issus de Disney qui a considérablement baissé : 24 films en moyenne dans les années 1990 contre 12 dans les années 2010. La différence majeure est qu'avec les budgets plus imposants des productions et de plus gros retours sur investissements, le nombre de films parmi les plus gros succès a drastiquement augmenté, passant d'une moyenne de 1,9

<footnote n="189"><sup>189</sup> AUGROS Joël et KITSOPANIDOU Kira, *opus cit.*, p. 191-192.</footnote>

<footnote n="190"><sup>190</sup> Traduit de l'anglais dans HEINZ Brett, « It's Time to Break Up Disney », https://prospect.org/power/time-to-break-up-disney-monopoly/</footnote>
dans cette dynamique de fusions/absorptions de studios depuis les années 1980. Rupert Murdoch acquiert la 20<sup>th</sup> Century Fox en 1986. En 1989 a lieu le « merger » Time Inc. et Warner. Les studios de films Sony ne sont qu'une fusion de Columbia et Tristar. Vivendi et Viacom rachètent respectivement Paramount et Universal...<sup>189</sup> La différence majeure est que les acquisitions de Disney en 12 ans, de Pixar à la Fox, déséquilibre la répartition des bénéfices entre les majors, d'où les risques d'un monopole.

Un monopole à Hollywood serait l'une des pires choses qui pourrait arriver au système, tant dans son fonctionnement et sa santé économique que dans la qualité de films issus de l'industrie. Pour Brett Heinz, la situation dans laquelle est la Walt Disney Company actuellement n'est qu'une résultante du système économique américain actuel, et qui pourrait mettre à mal toute l'industrie du film :

> « L'économie américaine est au milieu d'une "crise de concentration" dans laquelle chaque industrie est dominée par une entreprise ou une petite poignée d'entreprises qui contrôlent les marchés. Hollywood est dans ce cas de figure. Les effets douloureux de cette crise sont de grande envergure, avec des dommages faits à la compétition entre les studios, les salaires, les formations, les innovations et bien plus. L'émergence de Disney en tant que puissance monopolisée dans l'industrie du film menace la viabilité de l'indépendance créative des films, le nombre de places des salles de cinéma sous la pression d'exploitation, la limite de la diversité de films disponibles, un abaissement de la valeur de notre culture et un empirement des inégalités économiques et politiques ».<sup>190</sup>

Si Disney est à l'image de plusieurs sociétés ayant pris le monopole de l'activité au sein de leurs industries respectives ces dernières années, il apparaît que certaines craintes d'Heinz ont déjà vu le jour. L'un des plus importants facteurs ces dernières années a été le nombre de films issus de Disney qui a considérablement baissé : 24 films en moyenne dans les années 1990 contre 12 dans les années 2010. La différence majeure est qu'avec les budgets plus imposants des productions et de plus gros retours sur investissements, le nombre de films parmi les plus gros succès a drastiquement augmenté, passant d'une moyenne de 1,9

<footnote n="189"><sup>189</sup> AUGROS Joël et KITSOPANIDOU Kira, *opus cit.*, p. 191-192.</footnote>

<footnote n="190"><sup>190</sup> Traduit de l'anglais dans HEINZ Brett, « It's Time to Break Up Disney », https://prospect.org/power/time-to-break-up-disney-monopoly/</footnote>
films parmi les dix films avec les plus gros revenus contre 3,7 lors des dix dernières années.
Cette tendance est problématique pour Heinz :

« Ceci est peut être le meilleur exemple qui explique que le monopole de Disney est un problème, y compris pour leurs fans et leurs filiales : le manque de compétition forte signifierait que Disney n'a tout simplement pas besoin de faire autant de films ».<fnref n="191" />

En plus du nombre plus restreint de films, la tendance pourrait s'aggraver dans les années à venir maintenant que la Fox appartient à Disney. D'autres aspects culturels peuvent s'avérer très problématiques pour l'industrie. Selon Adam Adler, il y a deux craintes majeures à avoir sur la manière dont Disney va gérer certaines marques récemment acquises :

« Il y a deux types de préoccupations quand on parle de la domination culturelle de Disney. Il y a une préoccupation concernant la préservation des œuvres. Certaines œuvres ne pourraient plus être disponibles. Ensuite, il y a une préoccupation concernant l'intégrité créative de Disney. Plusieurs ne font pas confiance à l'entreprise afin qu'elles honorent proprement ces œuvres. [...] Quand on parle de la préservation, la principale préoccupation est celle de l'accessibilité. La peur est que Disney va limiter l'accès à ces œuvres culturelles, ou que Disney va modifier les travaux originaux pour promouvoir leur futurs projet. [...] En rapport à l'intégrité créative, les fans ont peur que Disney manque de motivation pour développer des propriétés à leur potentiel maximal. La crainte est que Disney sera avant tout motivée à générer des bénéfices. Ce faisant, l'entreprise ne prendrait plus aucun risques, ne repousserait plus les barrières créatives, ou n'amènerait plus leurs franchises où elles "doivent" aller par peur de controverses ou de flop au box-office ».<fnref n="192" />

Enfin, la position de Heinz sur la Walt Disney Company est radicale : il faut démanteler une partie de l'entreprise pour un marché plus équitable, de par la position actuelle de l'entreprise vis-à-vis de l'industrie cinématographique américaine sur le long terme :

<footnote n="191">¹⁹¹ *Ibid*.</footnote>

<footnote n="192">¹⁹² Traduit de l'anglais dans ADLER Adam, « Disney's Cultural Monopoly Isn't Illegal, but It Still Raises Red Flags », https://www.escapistmagazine.com/v2/disney-cultural-monopoly-problems/</footnote>
films parmi les dix films avec les plus gros revenus contre 3,7 lors des dix dernières années.
Cette tendance est problématique pour Heinz :

« Ceci est peut être le meilleur exemple qui explique que le monopole de Disney est un problème, y compris pour leurs fans et leurs filiales : le manque de compétition forte signifierait que Disney n'a tout simplement pas besoin de faire autant de films ».<fnref n="191" />

En plus du nombre plus restreint de films, la tendance pourrait s'aggraver dans les années à venir maintenant que la Fox appartient à Disney. D'autres aspects culturels peuvent s'avérer très problématiques pour l'industrie. Selon Adam Adler, il y a deux craintes majeures à avoir sur la manière dont Disney va gérer certaines marques récemment acquises :

« Il y a deux types de préoccupations quand on parle de la domination culturelle de Disney. Il y a une préoccupation concernant la préservation des œuvres. Certaines œuvres ne pourraient plus être disponibles. Ensuite, il y a une préoccupation concernant l'intégrité créative de Disney. Plusieurs ne font pas confiance à l'entreprise afin qu'elles honorent proprement ces œuvres. [...] Quand on parle de la préservation, la principale préoccupation est celle de l'accessibilité. La peur est que Disney va limiter l'accès à ces œuvres culturelles, ou que Disney va modifier les travaux originaux pour promouvoir leur futurs projet. [...] En rapport à l'intégrité créative, les fans ont peur que Disney manque de motivation pour développer des propriétés à leur potentiel maximal. La crainte est que Disney sera avant tout motivée à générer des bénéfices. Ce faisant, l'entreprise ne prendrait plus aucun risques, ne repousserait plus les barrières créatives, ou n'amènerait plus leurs franchises où elles "doivent" aller par peur de controverses ou de flop au box-office ».<fnref n="192" />

Enfin, la position de Heinz sur la Walt Disney Company est radicale : il faut démanteler une partie de l'entreprise pour un marché plus équitable, de par la position actuelle de l'entreprise vis-à-vis de l'industrie cinématographique américaine sur le long terme :

<footnote n="191">¹⁹¹ *Ibid*.</footnote>

<footnote n="192">¹⁹² Traduit de l'anglais dans ADLER Adam, « Disney's Cultural Monopoly Isn't Illegal, but It Still Raises Red Flags », https://www.escapistmagazine.com/v2/disney-cultural-monopoly-problems/</footnote>
« La position que tient Disney lui donne la possibilité d’offrir des produits de moindre qualité, écraser les compétiteurs, comprimer les profits d’autres marchés, influencer des politiciens en leur faveur et bien plus encore».<fnref n="193" />

Alors qu’il prône une dissolution de plusieurs actifs de l’entreprise et une nouvelle politique gouvernementale visant à empêcher ces situations à l’avenir, ses préoccupations ont été partagées par plusieurs de ses pairs de l’industrie.

Il arrive cependant que certains spécialistes disent que le monopole de Disney n’est pas forcément quelque chose qui est sûr d’arriver. Owen Gleiberman dit qu’en réalité l’un des éléments à prendre en compte vient du fait que l’avenir de Disney dépend de marques du « passé ». Le monopole de Disney pourrait ne pas avoir lieu si s’avère que l’impact de leurs marques est moindre à l’avenir, avec notamment la fin des épisodes de *Star Wars* et la fin de la « Infinity Saga » de Marvel.

« Cela peut paraître assez contre-intuitif, mais les propriétés dont Disney a fait les nouvelles fondations de son nouvel empire ont déjà été exploitées à grande échelle ».<fnref n="194" />

Si Gleiberman ne pense pas que la Walt Disney Company puisse avoir un monopole de l’industrie, il ne s’agit ici que d’un avis dissident au milieu des voix qui s’élèvent contre la politique des rachats de l’entreprise. Entre demande de dissolution ou de nouvelles mesures politiques, cette politique a été de loin la plus controversée de l’ère Iger.

## b. L’arrivée de Disney dans le streaming

Autre mesure forte de Bob Iger, l’expansion de Disney dans le monde de la SVOD a également suscité également plusieurs critiques de l’industrie. Dans un premier temps, cette décision de Disney a relancé le débat déjà houleux qui secoue Hollywood, et le monde du cinéma en général, sur la place que les plateformes de streaming prennent dans la distribution des films. Si les plateformes SVOD ne font que grandir en popularité, les exploitants de salles en souffrent notamment, comme le rappelle Capucine Cousin :

<footnote n="193">¹⁹³ Traduit de l’anglais dans HEINZ Brett, *art cit.*, https://prospect.org/power/time-to-break-up-disney-monopoly/</footnote>

<footnote n="194">¹⁹⁴ Traduit de l’anglais dans GLEIBERMAN Owen, « Why Is Everyone So Scared of Disney? (Column) », https://variety.com/2019/film/columns/why-is-everyone-scared-of-disney-1203267038/</footnote>
« La position que tient Disney lui donne la possibilité d’offrir des produits de moindre qualité, écraser les compétiteurs, comprimer les profits d’autres marchés, influencer des politiciens en leur faveur et bien plus encore».<fnref n="193" />

Alors qu’il prône une dissolution de plusieurs actifs de l’entreprise et une nouvelle politique gouvernementale visant à empêcher ces situations à l’avenir, ses préoccupations ont été partagées par plusieurs de ses pairs de l’industrie.

Il arrive cependant que certains spécialistes disent que le monopole de Disney n’est pas forcément quelque chose qui est sûr d’arriver. Owen Gleiberman dit qu’en réalité l’un des éléments à prendre en compte vient du fait que l’avenir de Disney dépend de marques du « passé ». Le monopole de Disney pourrait ne pas avoir lieu si s’avère que l’impact de leurs marques est moindre à l’avenir, avec notamment la fin des épisodes de *Star Wars* et la fin de la « Infinity Saga » de Marvel.

« Cela peut paraître assez contre-intuitif, mais les propriétés dont Disney a fait les nouvelles fondations de son nouvel empire ont déjà été exploitées à grande échelle ».<fnref n="194" />

Si Gleiberman ne pense pas que la Walt Disney Company puisse avoir un monopole de l’industrie, il ne s’agit ici que d’un avis dissident au milieu des voix qui s’élèvent contre la politique des rachats de l’entreprise. Entre demande de dissolution ou de nouvelles mesures politiques, cette politique a été de loin la plus controversée de l’ère Iger.

## b. L’arrivée de Disney dans le streaming

Autre mesure forte de Bob Iger, l’expansion de Disney dans le monde de la SVOD a également suscité également plusieurs critiques de l’industrie. Dans un premier temps, cette décision de Disney a relancé le débat déjà houleux qui secoue Hollywood, et le monde du cinéma en général, sur la place que les plateformes de streaming prennent dans la distribution des films. Si les plateformes SVOD ne font que grandir en popularité, les exploitants de salles en souffrent notamment, comme le rappelle Capucine Cousin :

<footnote n="193">¹⁹³ Traduit de l’anglais dans HEINZ Brett, *art cit.*, https://prospect.org/power/time-to-break-up-disney-monopoly/</footnote>

<footnote n="194">¹⁹⁴ Traduit de l’anglais dans GLEIBERMAN Owen, « Why Is Everyone So Scared of Disney? (Column) », https://variety.com/2019/film/columns/why-is-everyone-scared-of-disney-1203267038/</footnote>
« Une "netflixisation" de l'écosystème qui préoccupe Hollywood, car elle pourrait se traduire par un affaiblissement des salles, la baisse des subventions, ou un phagocytage de la chaîne de création, en laissant sur le carreau tout un tas d'intermédiaires ».<fnref n="195" />

Si Disney va évidemment sortir la plupart de ses films au cinéma, il serait possible de voir un nombre grandissant de films sur Disney+, alors qu'ils auraient pu être diffusés au cinéma. Cette perturbation de l'écosystème audiovisuel est pour le coup très dommageable pour tout un business considéré comme « sacré » il n'y pas si longtemps que cela.

D'autres personnes émettent de grandes réserves sur la formule de Disney+ vis-à-vis des spectateurs mais également de la société mère. Jason Lau pense en effet que l'impact de Disney intégrant le monde de la SVOD peut être très dommageable pour ses modèles économiques, qui sont basés sur des modèles traditionnels pré-SVOD :

« Dans le monde analogique des films et émissions télévisées, les producteurs de contenus ont toujours été des joueurs dominants dans la chaîne de valeur, et ainsi ils absorbaient la plupart de la valeur générée. Par exemple, personne ne va au cinéma grâce à la qualité d'un cinéma mais plutôt de la qualité d'un film, avec le studio qui détenait tous les droits. Le cinéma est juste une chaîne générique et Disney, ou n'importe quel producteur de contenus, n'est pas obligé de détenir la chaîne parce que la valeur ajoutée était basse. [...] Cependant, le streaming en ligne a changé ce paradigme ».<fnref n="196" />

Selon lui, par le fait que des plateformes comme Netflix ou Amazon Prime Video sortent instantanément leurs contenus sur leur plateforme, Disney se trouve déjà avec un désavantage majeur car leurs films issus de marques de qualité, comme *Star Wars* ou Marvel, devront forcément sortir au cinéma au préalable, donnant un effet très réducteur de la plateforme pour le spectateur :

« Il y aura forcément des films qui sortiront directement sur la plateforme Disney+, mais il va être très facile de les assimiler aux films à petits budget qui sortaient directement en DVD avec lesquels sous sommes familiers. Cela aurait pu marcher

<footnote n="195">¹⁹⁵ COUSIN Capucine, *opus cit.*, p. 2.</footnote>

<footnote n="196">¹⁹⁶ Traduit de l'anglais dans LAU Jason, « Disney+: bad for Disney, bad for consumers... but it's their only choice left », https://medium.com/make-innovation-work/disney-bad-for-disney-bad-for-consumers-but-their-only-choice-left-72c36b14b567</footnote>
« Une "netflixisation" de l'écosystème qui préoccupe Hollywood, car elle pourrait se traduire par un affaiblissement des salles, la baisse des subventions, ou un phagocytage de la chaîne de création, en laissant sur le carreau tout un tas d'intermédiaires ».<fnref n="195" />

Si Disney va évidemment sortir la plupart de ses films au cinéma, il serait possible de voir un nombre grandissant de films sur Disney+, alors qu'ils auraient pu être diffusés au cinéma. Cette perturbation de l'écosystème audiovisuel est pour le coup très dommageable pour tout un business considéré comme « sacré » il n'y pas si longtemps que cela.

D'autres personnes émettent de grandes réserves sur la formule de Disney+ vis-à-vis des spectateurs mais également de la société mère. Jason Lau pense en effet que l'impact de Disney intégrant le monde de la SVOD peut être très dommageable pour ses modèles économiques, qui sont basés sur des modèles traditionnels pré-SVOD :

« Dans le monde analogique des films et émissions télévisées, les producteurs de contenus ont toujours été des joueurs dominants dans la chaîne de valeur, et ainsi ils absorbaient la plupart de la valeur générée. Par exemple, personne ne va au cinéma grâce à la qualité d'un cinéma mais plutôt de la qualité d'un film, avec le studio qui détenait tous les droits. Le cinéma est juste une chaîne générique et Disney, ou n'importe quel producteur de contenus, n'est pas obligé de détenir la chaîne parce que la valeur ajoutée était basse. [...] Cependant, le streaming en ligne a changé ce paradigme ».<fnref n="196" />

Selon lui, par le fait que des plateformes comme Netflix ou Amazon Prime Video sortent instantanément leurs contenus sur leur plateforme, Disney se trouve déjà avec un désavantage majeur car leurs films issus de marques de qualité, comme Star Wars ou Marvel, devront forcément sortir au cinéma au préalable, donnant un effet très réducteur de la plateforme pour le spectateur :

« Il y aura forcément des films qui sortiront directement sur la plateforme Disney+, mais il va être très facile de les assimiler aux films à petits budget qui sortaient directement en DVD avec lesquels sous sommes familiers. Cela aurait pu marcher

<footnote n="195">¹⁹⁵ COUSIN Capucine, *opus cit.*, p. 2.</footnote>

<footnote n="196">¹⁹⁶ Traduit de l'anglais dans LAU Jason, « Disney+: bad for Disney, bad for consumers... but it's their only choice left », https://medium.com/make-innovation-work/disney-bad-for-disney-bad-for-consumers-but-their-only-choice-left-72c36b14b567</footnote>
dans une époque « pré-Netflix Originals », mais maintenant ils doivent satisfaire des
consommateurs qui paient des frais mensuels et qui vont attendre du contenu frais,
nouveau et de qualité régulièrement. Quel intérêt de payer une adhésion mensuelle à
Disney si je ne peux pas voir le dernier *Star Wars* juste après sa sortie ? ».<fnref n="197" />

En plus de la Walt Disney Company qui semble être sur un terrain glissant quant à son approche d'un business qu'elle découvre, son arrivée dans ce monde est également dommageable pour les spectateurs selon Lau.

L'arrivée de Disney+ rajoute plus d'ampleur au casse-tête de l'accumulation de plateformes
qui sortent. Cette accumulation empêche les spectateurs d'être à jour sur plusieurs contenus
à moins qu'ils ne dépensent davantage d'argent pour pouvoir y accéder. En cela, les services
des plateformes se rapprochent de plus en plus du système du « cable » américain, là où les
plateformes de streaming devaient être une alternative à ce système.

Lau constate que l'arrivée de plusieurs groupes audiovisuels dans le monde du streaming fait
du mal à l'industrie et au pouvoir d'achat des consommateurs. Le fait que Disney ne soit pas
dépendant que de l'industrie du film et que chaque élément qu'ils mettent en place soit lié à
toutes les strates de l'entreprise peut être un avantage dans une optique davantage centrée
sur eux-mêmes et sur leurs fans :

> « Disney n'a pas besoin de rivaliser directement avec Netflix ; Disney veut simplement que ses fans continuent d'aimer Disney, et ainsi fournir à ses fans des touches additionnelles pour interagir avec les personnages et les thèmes qu'ils aiment ».<fnref n="198" />

c. Une communication malhonnête ?

Si la Walt Disney Company a toujours tenu à être cohérente avec ses valeurs dans sa communication et dans ses décisions politiques, plusieurs personnes ont critiqué la manière dont Bob Iger a géré la communication au cours de son mandat. Certains l'accusent même de malhonnêteté quant aux décisions publiques, notamment la manière dont il a géré les situations de crises.

<footnote n="197">¹⁹⁷ *Ibid*.</footnote>

<footnote n="198">¹⁹⁸ *Ibid*.</footnote>
dans une époque « pré-Netflix Originals », mais maintenant ils doivent satisfaire des
consommateurs qui paient des frais mensuels et qui vont attendre du contenu frais,
nouveau et de qualité régulièrement. Quel intérêt de payer une adhésion mensuelle à
Disney si je ne peux pas voir le dernier *Star Wars* juste après sa sortie ? ».<fnref n="197" />

En plus de la Walt Disney Company qui semble être sur un terrain glissant quant à son approche d'un business qu'elle découvre, son arrivée dans ce monde est également dommageable pour les spectateurs selon Lau.

L'arrivée de Disney+ rajoute plus d'ampleur au casse-tête de l'accumulation de plateformes
qui sortent. Cette accumulation empêche les spectateurs d'être à jour sur plusieurs contenus
à moins qu'ils ne dépensent davantage d'argent pour pouvoir y accéder. En cela, les services
des plateformes se rapprochent de plus en plus du système du « cable » américain, là où les
plateformes de streaming devaient être une alternative à ce système.

Lau constate que l'arrivée de plusieurs groupes audiovisuels dans le monde du streaming fait
du mal à l'industrie et au pouvoir d'achat des consommateurs. Le fait que Disney ne soit pas
dépendant que de l'industrie du film et que chaque élément qu'ils mettent en place soit lié à
toutes les strates de l'entreprise peut être un avantage dans une optique davantage centrée
sur eux-mêmes et sur leurs fans :

> « Disney n'a pas besoin de rivaliser directement avec Netflix ; Disney veut simplement que ses fans continuent d'aimer Disney, et ainsi fournir à ses fans des touches additionnelles pour interagir avec les personnages et les thèmes qu'ils aiment ».<fnref n="198" />

c. Une communication malhonnête ?

Si la Walt Disney Company a toujours tenu à être cohérente avec ses valeurs dans sa communication et dans ses décisions politiques, plusieurs personnes ont critiqué la manière dont Bob Iger a géré la communication au cours de son mandat. Certains l'accusent même de malhonnêteté quant aux décisions publiques, notamment la manière dont il a géré les situations de crises.

<footnote n="197">¹⁹⁷ *Ibid*.</footnote>

<footnote n="198">¹⁹⁸ *Ibid*.</footnote>
Stephen Galloway, très admiratif du travail accompli par Bob Iger, admet qu'il était assez inhabituel de trouver autant de scandales et de controverses dans une entreprise aussi prolifique que Disney. Il reconnaît que certaines décisions étaient évidemment les bonnes à prendre, comme le renvoi de John Lasseter, qui étaient en plus l'une des plus grandes figures créatives de l'entreprise. Il approuve également les renvois de Roseanne Barr pour ses « tweets » racistes envers une conseillère de Barack Obama, Valerie Jarrett, et celui de John Skipper suite à une affaire de consommation de drogue et d'extorsion. Cependant, il lui semble très « bizarre », pour ne pas dire suspect, que la Walt Disney Company et Bob Iger ne soient pas au courant de tels agissements. Ces insinuations sont évidemment des critiques ouvertes sur la malhonnêteté que l'entreprise a eu au moment de faire affaire avec toutes ces personnes :

> « Peut-être que connaître ce genre de choses n'est pas la qualité la plus importante d'un PDG. Mais une conscience des risques l'est. [...] Personne n'a-il-prévenu Iger que Roseanne était une bombe à retardement et qu'elle n'était pas en adéquation avec les valeurs la marque Disney ? ».<fnref n="199" />

En plus du « fiasco » de la situation avec James Gunn, l'imbroglio autour de Tom Staggs est également un cas assez intéressant. Directeur Général de la Walt Disney Company à partir de 2015 et désigné comme le successeur attitré de Bob Iger à la présidence de l'entreprise, celui-ci quitte de l'entreprise un an plus tard, d'un commun accord apparemment. Pour Galloway, l'accumulation de ces situations a pu être minimisée grâce à la croissance économique de Disney :

> « Toutes [ces décisions] étaient des erreurs largement évitables, mais il s'agit aussi du style d'erreurs qui auraient pu inciter l'entreprise à opérer à de sérieux changement ou de revue d'effectif en interne. Aucune erreur ne s'est montrée rédhibitoire, et Iger a retrouvé son « halo lumineux », grâce à croissance de Disney et son succès financier ».<fnref n="200" />

Si la situation de Staggs fait écho à celle de Jeffrey Katzenberg en 1994 dans la forme, le fond de l'histoire est très différent. D'après plusieurs sources, Iger ne trouvait pas que Staggs

<footnote n="199">¹⁹⁹ GALLOWAY Stephen, « Why Bob Iger's Disney Success Comes With Some Awkwardness », https://www.hollywoodreporter.com/news/disney-ceo-bob-igers-successes-failures-assessed-1130235</footnote>

<footnote n="200">²⁰⁰ Ibid.</footnote>
Stephen Galloway, très admiratif du travail accompli par Bob Iger, admet qu'il était assez inhabituel de trouver autant de scandales et de controverses dans une entreprise aussi prolifique que Disney. Il reconnaît que certaines décisions étaient évidemment les bonnes à prendre, comme le renvoi de John Lasseter, qui étaient en plus l'une des plus grandes figures créatives de l'entreprise. Il approuve également les renvois de Roseanne Barr pour ses « tweets » racistes envers une conseillère de Barack Obama, Valerie Jarrett, et celui de John Skipper suite à une affaire de consommation de drogue et d'extorsion. Cependant, il lui semble très « bizarre », pour ne pas dire suspect, que la Walt Disney Company et Bob Iger ne soient pas au courant de tels agissements. Ces insinuations sont évidemment des critiques ouvertes sur la malhonnêteté que l'entreprise a eu au moment de faire affaire avec toutes ces personnes :

> « Peut-être que connaître ce genre de choses n'est pas la qualité la plus importante d'un PDG. Mais une conscience des risques l'est. [...] Personne n'a-il-prévenu Iger que Roseanne était une bombe à retardement et qu'elle n'était pas en adéquation avec les valeurs la marque Disney ? ».<fnref n="199" />

En plus du « fiasco » de la situation avec James Gunn, l'imbroglio autour de Tom Staggs est également un cas assez intéressant. Directeur Général de la Walt Disney Company à partir de 2015 et désigné comme le successeur attitré de Bob Iger à la présidence de l'entreprise, celui-ci quitte de l'entreprise un an plus tard, d'un commun accord apparemment. Pour Galloway, l'accumulation de ces situations a pu être minimisée grâce à la croissance économique de Disney :

> « Toutes [ces décisions] étaient des erreurs largement évitables, mais il s'agit aussi du style d'erreurs qui auraient pu inciter l'entreprise à opérer à de sérieux changement ou de revue d'effectif en interne. Aucune erreur ne s'est montrée rédhibitoire, et Iger a retrouvé son « halo lumineux », grâce à croissance de Disney et son succès financier ».<fnref n="200" />

Si la situation de Staggs fait écho à celle de Jeffrey Katzenberg en 1994 dans la forme, le fond de l'histoire est très différent. D'après plusieurs sources, Iger ne trouvait pas que Staggs

<footnote n="199">¹⁹⁹ GALLOWAY Stephen, « Why Bob Iger's Disney Success Comes With Some Awkwardness », https://www.hollywoodreporter.com/news/disney-ceo-bob-igers-successes-failures-assessed-1130235</footnote>

<footnote n="200">²⁰⁰ Ibid.</footnote>
avait une vision définitive de la direction à prendre pour l'entreprise.<fnref n="201" /> Hormis ces incidents en interne qui n'ont tout de même pas chamboulé le petit monde de la Walt Disney Company, il est possible de voir que l'institution s'en est sortie, parfois miraculeusement bien, mais que l'honnêteté de cette dernière peut être remise en cause à certains égards.

## II- Critiques sur les films Disney

Le second grand axe de critiques concerne les films de la Walt Disney Company. Si l'on s'accorde à dire qu'aucun film n'est parfait dans l'absolu ou qu'il y aura toujours des films plus appréciés d'autres, il apparaît clairement que l'idéologie Disney présente à travers les films et leur traitement par le studio ont suscité plusieurs critiques vives de la part d'analystes, critiques ou même de réalisateurs.

### a. Critiques sur les éléments représentés dans les films

#### Consensus général

Avant de voir en détail les réserves sur les éléments clés qui définissent les films étudiés, il apparaît important de voir le consensus général des films. Il existe trois facteurs majeurs qui permettent de savoir si un film a rencontré du succès ou non : la critique professionnelle, la critique des spectateurs et le montant d'argent total généré, essentiellement au box office, du film en question. L'idée de faire un consensus n'est pas de voir la pensée unique d'un ou d'une critique, professionnelle ou amateur, mais d'avoir une vue d'ensemble de la réception critique des films. Issus du marché américain, il paraît tout aussi important de voir le succès des films à l'échelle américaine en utilisant les « data » des Etats-Unis : le site Rotten Tomatoes pour le consensus des critiques professionnelles, l'indice CinemaScore pour l'avis des spectateurs, de loin le meilleur outil pour ce type de données puisque s'assurant du fait que les spectateurs ont vu le film à la sortie des cinémas américains, et enfin le site Box Office Mojo pour le détail des indices de box-office.

Concernant les critiques professionnelles, les films du catalogue possèdent des chiffres très éloquents : *Star Wars : The Force Awakens*, *Coco* et *Black Panther* récoltent des scores au

<footnote n="201">²⁰¹ STEWART James B., « Behind the Scenes ay Disney as It Purged a Favorite Son », https://www.nytimes.com/2016/04/08/business/media/behind-the-scenes-at-disney-as-it-purged-a-favorite-son.html</footnote>
avait une vision définitive de la direction à prendre pour l'entreprise.<fnref n="201" /> Hormis ces incidents en interne qui n'ont tout de même pas chamboulé le petit monde de la Walt Disney Company, il est possible de voir que l'institution s'en est sortie, parfois miraculeusement bien, mais que l'honnêteté de cette dernière peut être remise en cause à certains égards.

## II- Critiques sur les films Disney

Le second grand axe de critiques concerne les films de la Walt Disney Company. Si l'on s'accorde à dire qu'aucun film n'est parfait dans l'absolu ou qu'il y aura toujours des films plus appréciés d'autres, il apparaît clairement que l'idéologie Disney présente à travers les films et leur traitement par le studio ont suscité plusieurs critiques vives de la part d'analystes, critiques ou même de réalisateurs.

### a. Critiques sur les éléments représentés dans les films

#### Consensus général

Avant de voir en détail les réserves sur les éléments clés qui définissent les films étudiés, il apparaît important de voir le consensus général des films. Il existe trois facteurs majeurs qui permettent de savoir si un film a rencontré du succès ou non : la critique professionnelle, la critique des spectateurs et le montant d'argent total généré, essentiellement au box office, du film en question. L'idée de faire un consensus n'est pas de voir la pensée unique d'un ou d'une critique, professionnelle ou amateur, mais d'avoir une vue d'ensemble de la réception critique des films. Issus du marché américain, il paraît tout aussi important de voir le succès des films à l'échelle américaine en utilisant les « data » des Etats-Unis : le site Rotten Tomatoes pour le consensus des critiques professionnelles, l'indice CinemaScore pour l'avis des spectateurs, de loin le meilleur outil pour ce type de données puisque s'assurant du fait que les spectateurs ont vu le film à la sortie des cinémas américains, et enfin le site Box Office Mojo pour le détail des indices de box-office.

Concernant les critiques professionnelles, les films du catalogue possèdent des chiffres très éloquents : *Star Wars : The Force Awakens*, *Coco* et *Black Panther* récoltent des scores au

<footnote n="201">²⁰¹ STEWART James B., « Behind the Scenes ay Disney as It Purged a Favorite Son », https://www.nytimes.com/2016/04/08/business/media/behind-the-scenes-at-disney-as-it-purged-a-favorite-son.html</footnote>
dessus de 93% d'avis favorables des critiques pour des notes avoisinant 8,3/10 dans leur ensemble. *Mary Poppins Returns*, bien qu'en deçà de ces scores, possède tout de même un score favorable avec 79% d'avis favorables et une note globale de 7,27/10 de la part des critiques.<fnref n="202" /> Les indices CinemaScore des films sont également excellents : A+ pour Coco et *Black Panther*, A pour Star Wars : The Force Awakens et A- pour Mary Poppins Returns.<fnref n="203" /> Les chiffres au box-office, vus dans la partie précédente, montrent à nouveau que les statistiques vont du succès modéré au très grands succès économique.

En ce sens les films étudiés du corpus ont tous connu du succès a leur sortie. Ce qui est intéressant de voir est le rapport entre le succès de ces films par rapport à celui des autres films issus des sous-studios de la Walt Disney Company. Et c'est là que l'on se rend compte de la réelle valeur de Disney au niveau du public de masse.

*Star Wars : The Force Awakens* est dans la lignée des premiers films de la saga, combinant bonne presse générale, bonne réception du public et grand succès au box-office. Par rapport aux films de l'univers *Star Wars* qui ont suivi, la tendance a été cependant été à la baisse, avec des chiffres au box office plus faibles bien qu'encore de très bonne facture, des scores moindres au CinemaScore et plus de divisions au sein des critiques professionnels, notamment pour le dernier film de la « Postlogie », *Star Wars : The Rise of Skywalker*, qui n'a récolté qu'un B+ et 52% d'avis favorables pour une note globale de 6,15/10. Coco poursuit la tradition Pixar de films dont la critique est dithyrambique et qui ont été « bankable », ce qui veut donc dire que Coco est à l'image de la majorité des films Pixar. *Black Panther* est le film le mieux noté par les critiques de tout le « Marvel Cinematic Universe », dans une série de films où tous ont reçu des avis favorables. Il est dans la lignée de la réception des autres films de l'Univers étendu et il est l'un des éléments les plus importants concernant le succès au box-office sans précédent de la franchise au cinéma. Enfin, *Mary Poppins Returns* est un cas assez unique par rapport aux films en prises de vues réelles de Walt Disney Pictures sortis ces dernières années : si le film possède des chiffres au box-office en deçà des « classiques réinventés » ou d'opus d'autres sagas de Disney par exemple, le film possède

<footnote n="202">²⁰² Sources du consensus critiques sur : https://www.rottentomatoes.com/</footnote>

<footnote n="203">²⁰³ Sources CinemaScore sur : https://www.cinemascore.com/</footnote>
dessus de 93% d'avis favorables des critiques pour des notes avoisinant 8,3/10 dans leur ensemble. *Mary Poppins Returns*, bien qu'en deçà de ces scores, possède tout de même un score favorable avec 79% d'avis favorables et une note globale de 7,27/10 de la part des critiques.<fnref n="202" /> Les indices CinemaScore des films sont également excellents : A+ pour Coco et *Black Panther*, A pour Star Wars : The Force Awakens et A- pour Mary Poppins Returns.<fnref n="203" /> Les chiffres au box-office, vus dans la partie précédente, montrent à nouveau que les statistiques vont du succès modéré au très grands succès économique.

En ce sens les films étudiés du corpus ont tous connu du succès a leur sortie. Ce qui est intéressant de voir est le rapport entre le succès de ces films par rapport à celui des autres films issus des sous-studios de la Walt Disney Company. Et c'est là que l'on se rend compte de la réelle valeur de Disney au niveau du public de masse.

*Star Wars : The Force Awakens* est dans la lignée des premiers films de la saga, combinant bonne presse générale, bonne réception du public et grand succès au box-office. Par rapport aux films de l'univers *Star Wars* qui ont suivi, la tendance a été cependant été à la baisse, avec des chiffres au box office plus faibles bien qu'encore de très bonne facture, des scores moindres au CinemaScore et plus de divisions au sein des critiques professionnels, notamment pour le dernier film de la « Postlogie », *Star Wars : The Rise of Skywalker*, qui n'a récolté qu'un B+ et 52% d'avis favorables pour une note globale de 6,15/10. Coco poursuit la tradition Pixar de films dont la critique est dithyrambique et qui ont été « bankable », ce qui veut donc dire que Coco est à l'image de la majorité des films Pixar. *Black Panther* est le film le mieux noté par les critiques de tout le « Marvel Cinematic Universe », dans une série de films où tous ont reçu des avis favorables. Il est dans la lignée de la réception des autres films de l'Univers étendu et il est l'un des éléments les plus importants concernant le succès au box-office sans précédent de la franchise au cinéma. Enfin, *Mary Poppins Returns* est un cas assez unique par rapport aux films en prises de vues réelles de Walt Disney Pictures sortis ces dernières années : si le film possède des chiffres au box-office en deçà des « classiques réinventés » ou d'opus d'autres sagas de Disney par exemple, le film possède

<footnote n="202">²⁰² Sources du consensus critiques sur : https://www.rottentomatoes.com/</footnote>

<footnote n="203">²⁰³ Sources CinemaScore sur : https://www.cinemascore.com/</footnote>
une des notes les plus élevées auprès de la critique professionnelle comparée à un grand nombre de films « live » sortis sous Bob Iger.<fnref n="204" /> 205 206

En soi, le bilan général des films des différents studios de Disney est positif tant la critique professionnelle que dans l'appréciation du public de masse. Cependant, ce bilan, bien qu'important pour évaluer la réussite des films Disney, n'est pas l'indicateur des différents maux ou limites que peuvent présenter ces films.

## La nostalgie : pas forcément une valeur sûre

A travers la représentation des différents éléments vus à l'écran, les films de la Walt Disney Company ont suscité des réserves dans les thèmes abordés. En premier lieu, la nostalgie dans les films n'est pas forcément l'un des axes mettant le plus en valeur l'entreprise. En un sens, il a été démontré que ce facteur était une arme indéniable dans son pouvoir de persuasion du spectateur. Mais d'un point de vue créatif, il y a des limites concernant cet aspect, comme Chris Luciantonio l'explique :

> « [Notre] culture est en train de se définir davantage dans son aptitude à remixer et revitaliser des médias du passé, plutôt que de fournir sa propre voix, style ou esthétique. [...] Mais si nous, en tant que culture, regardons continuellement vers le passé pour notre divertissement, même à titre de modèle ou de référence, nous endommageons inévitablement la possibilité de voir notre génération être signifiante et unique culturellement. [...] Si nous voulons que le divertissement futur soit unique et original, nous devons arrêter de nous reposer sur la nostalgie pour notre sens de la culture ».<fnref n="207" />

Star Wars : The Force Awakens et *Mary Poppins Returns* sont les deux films du corpus où la nostalgie est la plus omniprésente. Le fait qu'elle soit un thème central des films les rend trop dépendants du passé et rend la vision de ces films presque indigeste pour certains critiques. Ceci est le cas pour Charles Bramesco à la vision de *Mary Poppins Returns* :

<footnote n="204">²⁰⁴ Sources du consensus des critiques sur : https://www.rottentomatoes.com/</footnote>

<footnote n="205">²⁰⁵ Sources CinemaScore sur : https://www.cinemascore.com/</footnote>

<footnote n="206">²⁰⁶ Sources box-office sur : boxofficemojo.com</footnote>

<footnote n="207">²⁰⁷ Traduit de l'anglais dans LUCIANTONIO Chris, « Nostalgia limits new film culture », https://thecord.ca/nostalgia-limits-new-film-culture/</footnote>
une des notes les plus élevées auprès de la critique professionnelle comparée à un grand nombre de films « live » sortis sous Bob Iger.<fnref n="204" /> 205 206

En soi, le bilan général des films des différents studios de Disney est positif tant la critique professionnelle que dans l'appréciation du public de masse. Cependant, ce bilan, bien qu'important pour évaluer la réussite des films Disney, n'est pas l'indicateur des différents maux ou limites que peuvent présenter ces films.

## La nostalgie : pas forcément une valeur sûre

A travers la représentation des différents éléments vus à l'écran, les films de la Walt Disney Company ont suscité des réserves dans les thèmes abordés. En premier lieu, la nostalgie dans les films n'est pas forcément l'un des axes mettant le plus en valeur l'entreprise. En un sens, il a été démontré que ce facteur était une arme indéniable dans son pouvoir de persuasion du spectateur. Mais d'un point de vue créatif, il y a des limites concernant cet aspect, comme Chris Luciantonio l'explique :

> « [Notre] culture est en train de se définir davantage dans son aptitude à remixer et revitaliser des médias du passé, plutôt que de fournir sa propre voix, style ou esthétique. [...] Mais si nous, en tant que culture, regardons continuellement vers le passé pour notre divertissement, même à titre de modèle ou de référence, nous endommageons inévitablement la possibilité de voir notre génération être signifiante et unique culturellement. [...] Si nous voulons que le divertissement futur soit unique et original, nous devons arrêter de nous reposer sur la nostalgie pour notre sens de la culture ».<fnref n="207" />

Star Wars : The Force Awakens et *Mary Poppins Returns* sont les deux films du corpus où la nostalgie est la plus omniprésente. Le fait qu'elle soit un thème central des films les rend trop dépendants du passé et rend la vision de ces films presque indigeste pour certains critiques. Ceci est le cas pour Charles Bramesco à la vision de *Mary Poppins Returns* :

<footnote n="204">²⁰⁴ Sources du consensus des critiques sur : https://www.rottentomatoes.com/</footnote>

<footnote n="205">²⁰⁵ Sources CinemaScore sur : https://www.cinemascore.com/</footnote>

<footnote n="206">²⁰⁶ Sources box-office sur : boxofficemojo.com</footnote>

<footnote n="207">²⁰⁷ Traduit de l'anglais dans LUCIANTONIO Chris, « Nostalgia limits new film culture », https://thecord.ca/nostalgia-limits-new-film-culture/</footnote>
« Marshall est plus enclin à se souvenir d'un grand film que d'en faire un. »<fnref n="208" />

Le problème lié à la nostalgie est donc plus grand que le simple fait d'utiliser des éléments qui rappellent quelque chose en particulier ou une époque particulière. Pour Mike Burdge, la nostalgie véhicule un sentiment de réticence auprès des spectateurs :

« Les effets de la nostalgie sont intrinsèquement doux-amers, ce pourquoi la capitalisation et la surproduction de films ou autres formes d'art sont confrontées à de vives réactions ».<fnref n="209" />

De plus, Burdge estime que la façon dont nos sociétés consomment des produits et mercantilisent toutes les formes possibles crée un sentiment de défiance vis-à-vis de la nostalgie :

« Dans un monde construit sur les réseaux sociaux, les algorithmes de Netflix et les références à la pop-culture, il faut s'attendre à ce que des œuvres populaires soient utilisées pour vendre des produits conçus spécifiquement dans le seul but d'être vendus le plus possible ».<fnref n="210" />

La nostalgie est donc mal vue de par sa valeur mercantile qui va à l'encontre de l'esprit créatif et artistique mis en place par les productions filmiques, et n'est vue par certains que comme une manœuvre menant vers un surplus de consumérisme de la part des studios.

## Critiques des représentations dans les films Disney

Les représentations des films Disney ont également été critiquées. On observe des réserves sur le dialogue progressiste que la Walt Disney Company cherche à promouvoir. L'une de ces réserves est que ce discours n'est pas forcément visible dans les films. Bien que Disney donne une part d'importance aux femmes dans ses films comme dans ses travaux passés, diverses études montrent encore une prédominance de la représentation des hommes par rapport aux femmes qui est toujours très significative. Par exemple, une étude d'Hanah Anderson et Matt Daniels de 2016 sur la représentation des différents sexes au cinéma

<footnote n="208">²⁰⁸ Traduit de l'anglais dans BRAMESCO Charles, « A Spoonful of nostalgia helps the calculated Mary Poppins Returns go down », https://www.avclub.com/a-spoonful-of-nostalgia-helps-the-calculated-mary-poppi-1831031216</footnote>

<footnote n="209">²⁰⁹ BURDGE Mike, « On Nostalgia and Its Use in Film », https://www.storyscreenbeacon.com/post/2018/05/07/on-nostalgia-and-its-use-in-film</footnote>

<footnote n="210">²¹⁰ Ibid.</footnote>
« Marshall est plus enclin à se souvenir d'un grand film que d'en faire un. »<fnref n="208" />

Le problème lié à la nostalgie est donc plus grand que le simple fait d'utiliser des éléments
qui rappellent quelque chose en particulier ou une époque particulière. Pour Mike Burdge, la
nostalgie véhicule un sentiment de réticence auprès des spectateurs :

« Les effets de la nostalgie sont intrinsèquement doux-amers, ce pourquoi la capitalisation et la surproduction de films ou autres formes d'art sont confrontées à de vives réactions ».<fnref n="209" />

De plus, Burdge estime que la façon dont nos sociétés consomment des produits et
mercantilisent toutes les formes possibles crée un sentiment de défiance vis-à-vis de la
nostalgie :

« Dans un monde construit sur les réseaux sociaux, les algorithmes de Netflix et les références à la pop-culture, il faut s'attendre à ce que des œuvres populaires soient utilisées pour vendre des produits conçus spécifiquement dans le seul but d'être vendus le plus possible ».<fnref n="210" />

La nostalgie est donc mal vue de par sa valeur mercantile qui va à l'encontre de l'esprit créatif et artistique mis en place par les productions filmiques, et n'est vue par certains que comme une manœuvre menant vers un surplus de consumérisme de la part des studios.

## Critiques des représentations dans les films Disney

Les représentations des films Disney ont également été critiquées. On observe des réserves
sur le dialogue progressiste que la Walt Disney Company cherche à promouvoir. L'une de ces
réserves est que ce discours n'est pas forcément visible dans les films. Bien que Disney
donne une part d'importance aux femmes dans ses films comme dans ses travaux passés,
diverses études montrent encore une prédominance de la représentation des hommes par
rapport aux femmes qui est toujours très significative. Par exemple, une étude d'Hanah
Anderson et Matt Daniels de 2016 sur la représentation des différents sexes au cinéma

<footnote n="208">²⁰⁸ Traduit de l'anglais dans BRAMESCO Charles, « A Spoonful of nostalgia helps the calculated Mary Poppins Returns go down », https://www.avclub.com/a-spoonful-of-nostalgia-helps-the-calculated-mary-poppi-1831031216</footnote>

<footnote n="209">²⁰⁹ BURDGE Mike, « On Nostalgia and Its Use in Film », https://www.storyscreenbeacon.com/post/2018/05/07/on-nostalgia-and-its-use-in-film</footnote>

<footnote n="210">²¹⁰ Ibid.</footnote>
montrait que l'importance laissée aux hommes dans les films Disney était encore très significative. Si nous prenons en exemple *Star Wars : The Force Awakens*, nous nous rendons compte que près de 75% des dialogues sont tenus par des hommes ou encore que parmi les douze personnages possédant le plus de dialogue, seulement trois d'entre eux sont des femmes. S'il est vrai qu'à sa sortie il s'agissait du film de la saga où les femmes avaient le plus d'importance, il existe trop de disparités pour dire que *The Force Awakens* est un film féministe, ne serait-ce que dans l'indice de dialogue donné par l'étude.<fnref n="211" />

Concernant la diversité ethnique, si *Black Panther* et *Coco* ont reçu des accueils chaleureux sur ce sujet, ce n'est pas le cas de plusieurs films produits par la Walt Disney Company. Si les deux films cités arrivent à réussir leur pari, ce n'est pas seulement pour la distribution qui représente la communauté mise en avant, mais également pour les personnes derrière la caméra, que ce soit Ryan Coogler en tant que réalisateur pour *Black Panther* ou bien Enrico Casarosa au scénario pour *Coco*. Ce problème hollywoodien, et notamment de Disney, vient du manque de diversité créative derrière la caméra dans son ensemble. Comme le dit Amany Yehia Elmogahzy dans son mémoire sur la représentation ethnique dans les classiques réinventés Disney, la part de diversité au sein des créatifs à Hollywood est presque inexistante :

> « [Ce problème chez Disney] n'est pas seulement une problématique orientée vers la représentation raciale au sein de l'industrie mais elle est indicative des problèmes d'embauche tournés vers l'identité politique en tant que telle et de la disparité dans la représentation des groupes marginalisés à Hollywood. Ce problème, bien sûr, est que l'industrie et ceux qui ont le pouvoir de raconter les histoires sont principalement des hommes blancs, hétérosexuels et cisgenres. Pour régler ce problème, Disney doit devenir un leader dans l'industrie pour combattre cette inégalité, et cela commence par engager des personnes de couleurs pour prendre le contrôle de leurs propres histoires ».<fnref n="212" />

Kristen Warner va également plus loin dans le fait que la simple distribution d'acteurs de diverses communautés ethniques ne peut être suffisant pour faire véhiculer leurs valeurs convenablement :

<footnote n="211">211 ANDERSON Hanah et DANIELS Matt, « Film Dialogue from 2,000 screenplays, Broken Down by Gender and Age », https://pudding.cool/2017/03/film-dialogue/index.html</footnote>

<footnote n="212">212 Traduit de l'anglais dans ELMOGAHZY Amany Yehia, A "Whole New World": Race and Representation in Disney's Live-Action Remakes of Aladdin, The Lion King, and Mulan, p. 126.</footnote>
montrait que l'importance laissée aux hommes dans les films Disney était encore très significative. Si nous prenons en exemple *Star Wars : The Force Awakens*, nous nous rendons compte que près de 75% des dialogues sont tenus par des hommes ou encore que parmi les douze personnages possédant le plus de dialogue, seulement trois d'entre eux sont des femmes. S'il est vrai qu'à sa sortie il s'agissait du film de la saga où les femmes avaient le plus d'importance, il existe trop de disparités pour dire que *The Force Awakens* est un film féministe, ne serait-ce que dans l'indice de dialogue donné par l'étude.<fnref n="211" />

Concernant la diversité ethnique, si *Black Panther* et *Coco* ont reçu des accueils chaleureux sur ce sujet, ce n'est pas le cas de plusieurs films produits par la Walt Disney Company. Si les deux films cités arrivent à réussir leur pari, ce n'est pas seulement pour la distribution qui représente la communauté mise en avant, mais également pour les personnes derrière la caméra, que ce soit Ryan Coogler en tant que réalisateur pour *Black Panther* ou bien Enrico Casarosa au scénario pour *Coco*. Ce problème hollywoodien, et notamment de Disney, vient du manque de diversité créative derrière la caméra dans son ensemble. Comme le dit Amany Yehia Elmogahzy dans son mémoire sur la représentation ethnique dans les classiques réinventés Disney, la part de diversité au sein des créatifs à Hollywood est presque inexistante :

> « [Ce problème chez Disney] n'est pas seulement une problématique orientée vers la représentation raciale au sein de l'industrie mais elle est indicative des problèmes d'embauche tournés vers l'identité politique en tant que telle et de la disparité dans la représentation des groupes marginalisés à Hollywood. Ce problème, bien sûr, est que l'industrie et ceux qui ont le pouvoir de raconter les histoires sont principalement des hommes blancs, hétérosexuels et cisgenres. Pour régler ce problème, Disney doit devenir un leader dans l'industrie pour combattre cette inégalité, et cela commence par engager des personnes de couleurs pour prendre le contrôle de leurs propres histoires ».<fnref n="212" />

Kristen Warner va également plus loin dans le fait que la simple distribution d'acteurs de diverses communautés ethniques ne peut être suffisant pour faire véhiculer leurs valeurs convenablement :

<footnote n="211">211 ANDERSON Hanah et DANIELS Matt, « Film Dialogue from 2,000 screenplays, Broken Down by Gender and Age », https://pudding.cool/2017/03/film-dialogue/index.html</footnote>

<footnote n="212">212 Traduit de l'anglais dans ELMOGAHZY Amany Yehia, A "Whole New World": Race and Representation in Disney's Live-Action Remakes of Aladdin, The Lion King, and Mulan, p. 126.</footnote>
« Engager des acteurs de couleurs peut fonctionner pour refléter la diversité littérale de la population américaine, mais cela ne se traduit pas dans les représentations des différences de cultures actuelles parce que ce concept n'est et ne sera pas à au premier plan de ces agendas professionnels ».<fnref n="213" />

Après, il y a toujours une part de critique qui appelle à contrer une institution qui a du succès, aussi saugrenue que cette critique puisse paraître. Par exemple, *Black Panther* a eu un appel au boycott de la part de la communauté de fan de DC Comics afin que le film ne puisse correctement performer en salle, préférant voir leur marque de comics avoir autant de résonnance dans le monde que les films du « Marvel Cinematic Universe ». De plus, des campagnes de « bashing » ont eu lieu de leur part, notamment sur le site Rotten Tomatoes, afin d'inciter les gens à ne pas aller voir le film.<fnref n="214" /> A ce jour, les raisons de ces actions sont très imprécises, et soulèvent des interrogations : comment ne pas voir DC d'un œil négatif suite à l'agissement de leurs fans qui, en voulant faire la promotion de leurs films, les rendent antipathiques par leurs bassesses ? S'ils veulent du succès pour leurs films et personnages préférés, pourquoi n'attaquent-t-ils pas les personnes responsables de ce manque de succès, plutôt que Marvel Studios et Disney qui n'ont rien à voir dans le développement de ces films ? En faisant cela, ils permettraient à la communauté de fans de films de super-héros, déjà massive, de continuer à s'étendre et à se démocratiser davantage...

## b. Les réalisateurs « contre » Disney

Le cinéma a toujours été un domaine d'expression pour un artiste ou un réalisateur. Ce dernier expose sa vision du monde et décide du type de narration que le film doit avoir. En ce sens, s'il est très réducteur d'appeler les réalisateurs de la Walt Disney Company comme des « faiseurs » sous prétexte qu'ils remplissent la charte de l'entreprise sur le contenu, la liberté artistique de plusieurs réalisateurs a souvent été l'une des barrières qui a empêché leur collaboration avec l'entreprise. Certains d'entre eux ne sont pas tendres avec elle...

<footnote n="213">²¹³ WARNER Kristen, *The Cultural Politics of Colorblind TV Casting*, Routledge, Londres, 2015, p. 58-59.</footnote>

<footnote n="214">²¹⁴ DRUM Nicole, « Group of Dc Fans Attempting to Sabotage 'Black Panther's Rotten Tomatoes Audience Score », https://comicbook.com/marvel/2018/02/01/black-panther-dc-fans-rotten-tomatoes-sabotage-campaign/</footnote>
« Engager des acteurs de couleurs peut fonctionner pour refléter la diversité littérale de la population américaine, mais cela ne se traduit pas dans les représentations des différences de cultures actuelles parce que ce concept n'est et ne sera pas à au premier plan de ces agendas professionnels ».<fnref n="213" />

Après, il y a toujours une part de critique qui appelle à contrer une institution qui a du succès, aussi saugrenue que cette critique puisse paraître. Par exemple, *Black Panther* a eu un appel au boycott de la part de la communauté de fan de DC Comics afin que le film ne puisse correctement performer en salle, préférant voir leur marque de comics avoir autant de résonnance dans le monde que les films du « Marvel Cinematic Universe ». De plus, des campagnes de « bashing » ont eu lieu de leur part, notamment sur le site Rotten Tomatoes, afin d'inciter les gens à ne pas aller voir le film.<fnref n="214" /> A ce jour, les raisons de ces actions sont très imprécises, et soulèvent des interrogations : comment ne pas voir DC d'un œil négatif suite à l'agissement de leurs fans qui, en voulant faire la promotion de leurs films, les rendent antipathiques par leurs bassesses ? S'ils veulent du succès pour leurs films et personnages préférés, pourquoi n'attaquent-t-ils pas les personnes responsables de ce manque de succès, plutôt que Marvel Studios et Disney qui n'ont rien à voir dans le développement de ces films ? En faisant cela, ils permettraient à la communauté de fans de films de super-héros, déjà massive, de continuer à s'étendre et à se démocratiser davantage...

## b. Les réalisateurs « contre » Disney

Le cinéma a toujours été un domaine d'expression pour un artiste ou un réalisateur. Ce dernier expose sa vision du monde et décide du type de narration que le film doit avoir. En ce sens, s'il est très réducteur d'appeler les réalisateurs de la Walt Disney Company comme des « faiseurs » sous prétexte qu'ils remplissent la charte de l'entreprise sur le contenu, la liberté artistique de plusieurs réalisateurs a souvent été l'une des barrières qui a empêché leur collaboration avec l'entreprise. Certains d'entre eux ne sont pas tendres avec elle...

<footnote n="213">²¹³ WARNER Kristen, *The Cultural Politics of Colorblind TV Casting*, Routledge, Londres, 2015, p. 58-59.</footnote>

<footnote n="214">²¹⁴ DRUM Nicole, « Group of Dc Fans Attempting to Sabotage 'Black Panther's Rotten Tomatoes Audience Score », https://comicbook.com/marvel/2018/02/01/black-panther-dc-fans-rotten-tomatoes-sabotage-campaign/</footnote>
## Martin Scorsese et la légitimité artistique

L'un des plus grands axes de critique fait par un réalisateur concerne les propos de Martin Scorsese concernant les films de Marvel Studios. Selon lui, l'équation est simple : ces films ne sont pas du cinéma.<fnref n="215" /> Alors en pleine promotion pour son film *The Irishman*, Scorsese précise que les films de super-héros lui font avant tout penser à autre chose :

> « Plus que ma peur, mon observation est que les « cinéastes de fond » ont besoin de soutien et le problème vient des films « parcs d'attraction ». Cela a été un problème depuis des années mais maintenant je pense qu'ils font fuir le vrai cinéma d'une certaine manière. C'est devenu très difficile pour les « films de fond », disons les films qui ont une vision personnelle. La question qu'il faut se poser est : où est-ce que ces films peuvent être montrés si les cinémas sont pris d'assaut par ces « films animés»? ».<fnref n="216" />

Le terme de « films animés » concernant les films Marvel montre avant tout un rejet de la part de Scorsese de la manière dont les effets spéciaux sont omniprésents dans ces films. Interrogé à ce sujet à maintes et maintes reprises, Scorsese a précisé que les films Marvel étaient juste devenus quelque chose de différent qui ici se séparait de son idée de ce qu'est le cinéma :

> « Quand je disais ça à New York, les gens disaient que je ne les aimais pas. C'est pas tant ça, je n'en ai pas vu beaucoup, j'ai essayé mais je n'étais pas intéressé. J'ai surtout l'impression que ces films sont en train de créer une autre forme. Les cinémas sont devenus leurs parcs d'attraction et les films sont devenus des manèges à thèmes. C'est une expérience qui est différente pour les spectateurs. Mais ces mêmes spectateurs pourraient apprécier différents types de films qui ne se reposent pas sur des effets spéciaux massifs ou sur des héros de bande dessinées ».<fnref n="217" />

Les allégations du réalisateur sont riches d'enseignements pour un nombre de points très importants concernant les films Marvel et Disney en général. L'élément le plus important à

<footnote n="215">²¹⁵ SHOARD Catherine, « Martin Scorsese says Marvel movies are 'not cinema' », https://www.theguardian.com/film/2019/oct/04/martin-scorese-says-marvel-movies-are-not-cinema.</footnote>

<footnote n="216">²¹⁶ Traduit de l'anglais dans PLUMB Ali, « Martin Scorsese on comic book heroes, "amusement park films" and The Irishman | *Strong Language* », https://www.youtube.com/watch?v=7OQ7HebQBIM.</footnote>

<footnote n="217">²¹⁷ Ibid.</footnote>
## Martin Scorsese et la légitimité artistique

L'un des plus grands axes de critique fait par un réalisateur concerne les propos de Martin Scorsese concernant les films de Marvel Studios. Selon lui, l'équation est simple : ces films ne sont pas du cinéma.<fnref n="215" /> Alors en pleine promotion pour son film *The Irishman*, Scorsese précise que les films de super-héros lui font avant tout penser à autre chose :

> « Plus que ma peur, mon observation est que les « cinéastes de fond » ont besoin de soutien et le problème vient des films « parcs d'attraction ». Cela a été un problème depuis des années mais maintenant je pense qu'ils font fuir le vrai cinéma d'une certaine manière. C'est devenu très difficile pour les « films de fond », disons les films qui ont une vision personnelle. La question qu'il faut se poser est : où est-ce que ces films peuvent être montrés si les cinémas sont pris d'assaut par ces "films animés"? ».<fnref n="216" />

Le terme de « films animés » concernant les films Marvel montre avant tout un rejet de la part de Scorsese de la manière dont les effets spéciaux sont omniprésents dans ces films. Interrogé à ce sujet à maintes et maintes reprises, Scorsese a précisé que les films Marvel étaient juste devenus quelque chose de différent qui ici se séparait de son idée de ce qu'est le cinéma :

> « Quand je disais ça à New York, les gens disaient que je ne les aimais pas. C'est pas tant ça, je n'en ai pas vu beaucoup, j'ai essayé mais je n'étais pas intéressé. J'ai surtout l'impression que ces films sont en train de créer une autre forme. Les cinémas sont devenus leurs parcs d'attraction et les films sont devenus des manèges à thèmes. C'est une expérience qui est différente pour les spectateurs. Mais ces mêmes spectateurs pourraient apprécier différents types de films qui ne se reposent pas sur des effets spéciaux massifs ou sur des héros de bande dessinées ».<fnref n="217" />

Les allégations du réalisateur sont riches d'enseignements pour un nombre de points très importants concernant les films Marvel et Disney en général. L'élément le plus important à

<footnote n="215">²¹⁵ SHOARD Catherine, « Martin Scorsese says Marvel movies are 'not cinema' », https://www.theguardian.com/film/2019/oct/04/martin-scorese-says-marvel-movies-are-not-cinema.</footnote>

<footnote n="216">²¹⁶ Traduit de l'anglais dans PLUMB Ali, « Martin Scorsese on comic book heroes, "amusement park films" and The Irishman | *Strong Language* », https://www.youtube.com/watch?v=7OQ7HebQBIM.</footnote>

<footnote n="217">²¹⁷ Ibid.</footnote>
prendre en compte est donc qu'en disant que les films Marvel n'étaient pas du cinéma, ils ne sont pas de l'art, au mieux une production audiovisuelle artisanale bien manufacturée. C'est une accusation forte : Disney ne fait pas de l'art. Si l'entreprise a toujours plus ou moins essuyé des critiques vis-à-vis de ce sujet, les équipes créatives en place sont aussi indirectement visées, ce qui a causé plusieurs réactions vives auprès de certains réalisateurs travaillant au studio, comme James Gunn ou Jon Favreau.

L'appellation « films animés » est aussi lourde de sens vis-à-vis de l'entreprise Disney avec les mentions de films « parcs d'attraction ». Elle sous-entend que ces films ne sont vus que comme des produits qui permettent à Disney d'élargir leur empire, au détriment de l'art. Francis Ford Coppola a par ailleurs épaulé son ami en allant encore plus loin que lui sur l'impact négatif que ces films ont sur le cinéma :

> « Martin Scorsese a raison quand il dit que les films Marvel ne sont pas du cinéma, dans la mesure où il veut que le cinéma lui apprenne des choses, le fasse grandir, fasse la lumière sur certains points, l'inspire... Je doute que quiconque gagne quoi que ce soit à regarder les mêmes films, encore et encore. Martin était gentil en se contentant de dire que ce n'est pas du cinéma. En revanche, il n'a pas dit que c'était méprisable, mais moi, je n'ai pas peur de l'affirmer ».<fnref n="218" />

A la suite de ses attaques de deux géants du cinéma américain, Bob Iger a usé de ses armes pour mettre les choses à plat. Il en profite également louer le travail effectué par les équipes de Marvel Studios :

> « Francis Ford Coppola et Martin Scorsese sont des personnes pour lesquelles j'ai une grande estime, grâce aux films qu'ils ont faits, que j'ai aimés, que tout le monde connaît. Mais quand Francis dit « ces films sont méprisables », je suis blessé, car « méprisable » est un mot que je réserve plutôt à quelqu'un qui a commis une tuerie de masse. Je ne vois pas ce qu'on nous reproche, dans la mesure où nous créons des œuvres que les gens adorent venir voir et qui rapportent des millions. [...] S'ils veulent dire du mal de certains films, c'est certainement leur droit. Mais je trouve ça particulièrement irrespectueux envers tous ceux qui travaillent dessus, avec autant d'ardeur que ceux qui sont sur les films de ces cinéastes et qui utilisent leur créativité comme nous le faisons. Osez me dire que Ryan Coogler, lorsqu'il écrit et réalise *Black*

<footnote n="218">²¹⁸ MUTTON Joanna, « Pour Francis Ford Coppola, les films Marvel sont "méprisables" », http://www.premiere.fr/Cinema/News-Cinema/Pour-Francis-Ford-Coppola-les-films-Marvel-sont-meprisables</footnote>
prendre en compte est donc qu'en disant que les films Marvel n'étaient pas du cinéma, ils ne sont pas de l'art, au mieux une production audiovisuelle artisanale bien manufacturée. C'est une accusation forte : Disney ne fait pas de l'art. Si l'entreprise a toujours plus ou moins essuyé des critiques vis-à-vis de ce sujet, les équipes créatives en place sont aussi indirectement visées, ce qui a causé plusieurs réactions vives auprès de certains réalisateurs travaillant au studio, comme James Gunn ou Jon Favreau.

L'appellation « films animés » est aussi lourde de sens vis-à-vis de l'entreprise Disney avec les mentions de films « parcs d'attraction ». Elle sous-entend que ces films ne sont vus que comme des produits qui permettent à Disney d'élargir leur empire, au détriment de l'art. Francis Ford Coppola a par ailleurs épaulé son ami en allant encore plus loin que lui sur l'impact négatif que ces films ont sur le cinéma :

> « Martin Scorsese a raison quand il dit que les films Marvel ne sont pas du cinéma, dans la mesure où il veut que le cinéma lui apprenne des choses, le fasse grandir, fasse la lumière sur certains points, l'inspire... Je doute que quiconque gagne quoi que ce soit à regarder les mêmes films, encore et encore. Martin était gentil en se contentant de dire que ce n'est pas du cinéma. En revanche, il n'a pas dit que c'était méprisable, mais moi, je n'ai pas peur de l'affirmer ».<fnref n="218" />

A la suite de ses attaques de deux géants du cinéma américain, Bob Iger a usé de ses armes pour mettre les choses à plat. Il en profite également louer le travail effectué par les équipes de Marvel Studios :

> « Francis Ford Coppola et Martin Scorsese sont des personnes pour lesquelles j'ai une grande estime, grâce aux films qu'ils ont faits, que j'ai aimés, que tout le monde connaît. Mais quand Francis dit « ces films sont méprisables », je suis blessé, car « méprisable » est un mot que je réserve plutôt à quelqu'un qui a commis une tuerie de masse. Je ne vois pas ce qu'on nous reproche, dans la mesure où nous créons des œuvres que les gens adorent venir voir et qui rapportent des millions. [...] S'ils veulent dire du mal de certains films, c'est certainement leur droit. Mais je trouve ça particulièrement irrespectueux envers tous ceux qui travaillent dessus, avec autant d'ardeur que ceux qui sont sur les films de ces cinéastes et qui utilisent leur créativité comme nous le faisons. Osez me dire que Ryan Coogler, lorsqu'il écrit et réalise *Black*

<footnote n="218">²¹⁸ MUTTON Joanna, « Pour Francis Ford Coppola, les films Marvel sont "méprisables" », http://www.premiere.fr/Cinema/News-Cinema/Pour-Francis-Ford-Coppola-les-films-Marvel-sont-meprisables</footnote>
*Panther*, fait moins d'efforts que Marty Scorsese ou Francis Ford Coppola avec leurs créations ».<sup>219</sup>

Si aucun des deux partis n'est revenu sur leur position, le débat autour de la légitimité artistique des films Disney aura en tout cas fait couler beaucoup d'encre.

## Tarantino et *The Hateful Eight* contre *Star Wars*

Un deuxième cas de réalisateur en colère contre Disney concerne Quentin Tarantino. Un incident troublant se serait déroulé à l'occasion de la sortie lors de la même période de *Star Wars : The Force Awakens* et *The Hateful Eight*. Selon des sources proches du réalisateur lui ayant révélé l'information, Tarantino a accusé la Walt Disney Company d'extorsion en rapport à des accords faits avec un grand cinéma de Los Angeles :

> « Hier, Disney est allé voir le propriétaire du Cinerama Dome pour leur dire 'Vous allez diffuser *Star Wars* pendant toute la période des fêtes, et si vous ne le faites pas, si vous honorez votre contrat avec *Les 8 Salopards*, on vous empêchera de diffuser *Star Wars*, le plus grand film de tous les temps. On vous empêchera de le passer dans toutes vos salles de cinéma'. [...] Ils font tout pour me baiser ».<sup>220</sup>

En plus d'être un cinéma mythique d'Hollywood, le Cinerama Dome est l'un des rares cinémas à pouvoir diffuser le film en 70 mm, élément majeur à prendre en compte pour Tarantino pour l'appréciation du film par un spectateur. Interviewé plusieurs mois plus tard pour savoir si les deux camps avaient trouvé un arrangement ou un terrain d'entente suite à l'incident, la réponse de Tarantino était claire :

> « Je ne voudrais plus jamais travailler avec Disney de n'importe quelle manière. Ils m'ont baisé alors que je leur ai procuré beaucoup d'argent avec *Pulp Fiction*, et c'est vraiment une très mauvaise manière de traiter un ancien employé qui a travaillé pour eux ».<sup>221</sup>

<footnote n="219"><sup>219</sup> MUTTON Joanna, « Marvel vs cinéastes : Bob Iger réagit aux propos de Francis Ford Coppola et Martin Scorsese », http://www.premiere.fr/Cinema/News-Cinema/Marvel-vs-cineastes--Bob-Iger-reagit-aux-propos-de-Francis-Ford-Coppola-et-Martin-Scorsese</footnote>

<footnote n="220"><sup>220</sup> Rédaction, « Quentin Tarantino s'excite contre Disney et Star Wars 7 », http://www.premiere.fr/Cinema/Quentin-Tarantino-s-excite-contre-Disney-et-Star-Wars-7</footnote>

<footnote n="221"><sup>221</sup> Traduit de l'anglais dans LIBBEY Dirk, « Quentin Tarantino's Still Pissed At Disney, Read His angry NSFW Tirade », https://www.cinemablend.com/new/Quentin-Tarantino-Still-Pissed-Disney-Read-His-Angry-NSFW-Tirade-114767.html</footnote>
*Panther*, fait moins d'efforts que Marty Scorsese ou Francis Ford Coppola avec leurs créations ».<sup>219</sup>

Si aucun des deux partis n'est revenu sur leur position, le débat autour de la légitimité artistique des films Disney aura en tout cas fait couler beaucoup d'encre.

## Tarantino et *The Hateful Eight* contre *Star Wars*

Un deuxième cas de réalisateur en colère contre Disney concerne Quentin Tarantino. Un incident troublant se serait déroulé à l'occasion de la sortie lors de la même période de *Star Wars : The Force Awakens* et *The Hateful Eight*. Selon des sources proches du réalisateur lui ayant révélé l'information, Tarantino a accusé la Walt Disney Company d'extorsion en rapport à des accords faits avec un grand cinéma de Los Angeles :

> « Hier, Disney est allé voir le propriétaire du Cinerama Dome pour leur dire 'Vous allez diffuser *Star Wars* pendant toute la période des fêtes, et si vous ne le faites pas, si vous honorez votre contrat avec *Les 8 Salopards*, on vous empêchera de diffuser *Star Wars*, le plus grand film de tous les temps. On vous empêchera de le passer dans toutes vos salles de cinéma'. [...] Ils font tout pour me baiser ».<sup>220</sup>

En plus d'être un cinéma mythique d'Hollywood, le Cinerama Dome est l'un des rares cinémas à pouvoir diffuser le film en 70 mm, élément majeur à prendre en compte pour Tarantino pour l'appréciation du film par un spectateur. Interviewé plusieurs mois plus tard pour savoir si les deux camps avaient trouvé un arrangement ou un terrain d'entente suite à l'incident, la réponse de Tarantino était claire :

> « Je ne voudrais plus jamais travailler avec Disney de n'importe quelle manière. Ils m'ont baisé alors que je leur ai procuré beaucoup d'argent avec *Pulp Fiction*, et c'est vraiment une très mauvaise manière de traiter un ancien employé qui a travaillé pour eux ».<sup>221</sup>

<footnote n="219"><sup>219</sup> MUTTON Joanna, « Marvel vs cinéastes : Bob Iger réagit aux propos de Francis Ford Coppola et Martin Scorsese », http://www.premiere.fr/Cinema/News-Cinema/Marvel-vs-cineastes--Bob-Iger-reagit-aux-propos-de-Francis-Ford-Coppola-et-Martin-Scorsese</footnote>

<footnote n="220"><sup>220</sup> Rédaction, « Quentin Tarantino s'excite contre Disney et Star Wars 7 », http://www.premiere.fr/Cinema/Quentin-Tarantino-s-excite-contre-Disney-et-Star-Wars-7</footnote>

<footnote n="221"><sup>221</sup> Traduit de l'anglais dans LIBBEY Dirk, « Quentin Tarantino's Still Pissed At Disney, Read His angry NSFW Tirade », https://www.cinemablend.com/new/Quentin-Tarantino-Still-Pissed-Disney-Read-His-Angry-NSFW-Tirade-114767.html</footnote>
Ayant commencé sa carrière en réalisant des films pour Miramax, société créée par les frères Weinstein et rachetée en 1993 par Disney avant d'être revendue en 2010, la trahison est donc double pour le réalisateur. A ce jour encore, aucune information de la part de la Walt Disney Company n'a confirmé ou démenti les accusations de Tarantino. Que cette situation se soit produite ou non, elle est problématique pour l'entreprise. Si les faits sont avérés, et bien qu'il s'agisse d'un cinéma en particulier, les méthodes mises en place par Disney seraient non seulement choquantes mais aussi injustes vis-à-vis de Tarantino, qui a œuvré avec succès pour l'entreprise qui plus est. Mais même si l'information est erronée et qu'il s'agisse d'un mensonge de la part du Cinerama Dome pour attirer un maximum de monde dans son cinéma, cela rejoint le débat précédent émis par Scorsese. Comment va-t-il être possible de montrer des films indépendants ou des films d'auteurs dans les cinémas si ces derniers sont toujours pris d'assaut par les grosses productions Disney ou d'autres majors ?

Au final, lorsque l'on regarde en détail les critiques émises envers les films de la Walt Disney Company, il est avant tout question de jugements de valeurs personnelles plutôt que de voir artistiquement quels éléments sont mis en avant par les différents sous-studios de Disney. En ce sens, cela permet de comprendre encore davantage le lien étroit entre les différents éléments qui constituent les films Disney et que tout est pensé méticuleusement en étroite collaboration avec les différents composants de l'entreprise. Si les films sont tout de même bien reçus dans leur ensemble, la plupart des critiques sur les films font écho à la politique représentée et leur légitimité artistique.

### III- Une critique personnelle de la Walt Disney Company sous Bob Iger

La Walt Disney Company a cette image polarisante qui à mon humble avis ne changera pas de sitôt. Il y a une vision très manichéenne autour de Disney. D'un côté, le fan inconditionnel veut visionner un maximum de productions des studios, que ce soit les classiques d'animation de Walt Disney Animation, les films de Pixar Animation ou tout autre type de blockbusters de Marvel Studios ou Lucasfilm par exemple. Le fan s'identifie aux valeurs fondamentales de Disney qu'il a assimilées dès le plus jeune âge car les films ont été adaptés et conçus pour lui. En cela, il aime Disney, que cet amour soit nostalgique ou non. De l'autre, l'anti-Disney voit le mécanisme manipulateur d'une entreprise. Pour lui, tout ce qui est créé de la part de l'entreprise a des fins lucratives. En cela, il pense que les fans sont manipulés.
Ayant commencé sa carrière en réalisant des films pour Miramax, société créée par les frères Weinstein et rachetée en 1993 par Disney avant d'être revendue en 2010, la trahison est donc double pour le réalisateur. A ce jour encore, aucune information de la part de la Walt Disney Company n'a confirmé ou démenti les accusations de Tarantino. Que cette situation se soit produite ou non, elle est problématique pour l'entreprise. Si les faits sont avérés, et bien qu'il s'agisse d'un cinéma en particulier, les méthodes mises en place par Disney seraient non seulement choquantes mais aussi injustes vis-à-vis de Tarantino, qui a œuvré avec succès pour l'entreprise qui plus est. Mais même si l'information est erronée et qu'il s'agisse d'un mensonge de la part du Cinerama Dome pour attirer un maximum de monde dans son cinéma, cela rejoint le débat précédent émis par Scorsese. Comment va-t-il être possible de montrer des films indépendants ou des films d'auteurs dans les cinémas si ces derniers sont toujours pris d'assaut par les grosses productions Disney ou d'autres majors ?

Au final, lorsque l'on regarde en détail les critiques émises envers les films de la Walt Disney Company, il est avant tout question de jugements de valeurs personnelles plutôt que de voir artistiquement quels éléments sont mis en avant par les différents sous-studios de Disney. En ce sens, cela permet de comprendre encore davantage le lien étroit entre les différents éléments qui constituent les films Disney et que tout est pensé méticuleusement en étroite collaboration avec les différents composants de l'entreprise. Si les films sont tout de même bien reçus dans leur ensemble, la plupart des critiques sur les films font écho à la politique représentée et leur légitimité artistique.

### III- Une critique personnelle de la Walt Disney Company sous Bob Iger

La Walt Disney Company a cette image polarisante qui à mon humble avis ne changera pas de sitôt. Il y a une vision très manichéenne autour de Disney. D'un côté, le fan inconditionnel veut visionner un maximum de productions des studios, que ce soit les classiques d'animation de Walt Disney Animation, les films de Pixar Animation ou tout autre type de blockbusters de Marvel Studios ou Lucasfilm par exemple. Le fan s'identifie aux valeurs fondamentales de Disney qu'il a assimilées dès le plus jeune âge car les films ont été adaptés et conçus pour lui. En cela, il aime Disney, que cet amour soit nostalgique ou non. De l'autre, l'anti-Disney voit le mécanisme manipulateur d'une entreprise. Pour lui, tout ce qui est créé de la part de l'entreprise a des fins lucratives. En cela, il pense que les fans sont manipulés.
L'anti voit en Disney le mal d'une industrie : un mélange de mercantilisme et de malhonnêteté artistique.

Au risque de ne surprendre personne : les deux ont raison. Disons tout au plus qu'il y a du vrai au sein de leurs idéologies respectives. Disney est une machine à générer du « rêve » et du divertissement. Plusieurs artistes, créatifs, narrateurs et bien d'autres au sein de l'entreprise s'en assurent. Et Disney est également une entreprise de services qui gagne de l'argent sur le dos de personnes qui aiment leurs produits. Ces deux faces d'une même pièce qui s'apparente en premier lieu à du manichéisme est la définition même de ce qu'est le cinéma hollywoodien : du divertissement combinés à une industrie.

Lorsque l'on parle de cinéma, la première vision que l'on en a est profondément utopique. On va tout de suite imaginer un élément du cinéma qui est lié à son aspect créatif : une caméra, une équipe de tournage, une affiche d'un film en particulier, le visage d'un réalisateur ou d'une réalisatrice... Cette réaction est totalement cohérente car elle permet d'illustrer ce que l'on aime avec le cinéma, que l'on soit cinéphile ou non. L'image de Disney, ou devrais-je dire la marque Disney, est à part dans le paysage cinématographique, à cause des différents éléments mercantiles qui la définissent et que nous avons observé tout au long du mémoire.

Mon objectif au sein de ce segment est de me montrer juste envers la Walt Disney Company au cours des années de présidence de Bob Iger qui a eu, qu'on l'adule ou le déteste, un impact certain sur l'entreprise. En disant juste, il paraît tout de même fondamental que mon intention n'est pas de me montrer comme un fan ou comme un anti. Il sera question de donner mes opinions sur la manière dont Bob Iger a dirigé la société, ainsi que sur les différents films et essayer de comprendre les raisons de la bonne santé de Disney.

## a. La politique de Bob Iger

Disney est une institution. Il est important de rappeler qu'avant 2005 et la prise de fonctions de Bob Iger, sa route a été marquée par des hauts et des bas qui auraient pu être rédhibitoires pour la survie de l'entreprise. Entre alternance de succès commerciaux et de crises financières sous Walt Disney, de florilèges de décisions calamiteuses de la direction avant l'arrivée de Michael Eisner, il y a quelque chose qui est de très important à dire : il n'y
L'anti voit en Disney le mal d'une industrie : un mélange de mercantilisme et de malhonnêteté artistique.

Au risque de ne surprendre personne : les deux ont raison. Disons tout au plus qu'il y a du vrai au sein de leurs idéologies respectives. Disney est une machine à générer du « rêve » et du divertissement. Plusieurs artistes, créatifs, narrateurs et bien d'autres au sein de l'entreprise s'en assurent. Et Disney est également une entreprise de services qui gagne de l'argent sur le dos de personnes qui aiment leurs produits. Ces deux faces d'une même pièce qui s'apparente en premier lieu à du manichéisme est la définition même de ce qu'est le cinéma hollywoodien : du divertissement combinés à une industrie.

Lorsque l'on parle de cinéma, la première vision que l'on en a est profondément utopique. On va tout de suite imaginer un élément du cinéma qui est lié à son aspect créatif : une caméra, une équipe de tournage, une affiche d'un film en particulier, le visage d'un réalisateur ou d'une réalisatrice... Cette réaction est totalement cohérente car elle permet d'illustrer ce que l'on aime avec le cinéma, que l'on soit cinéphile ou non. L'image de Disney, ou devrais-je dire la marque Disney, est à part dans le paysage cinématographique, à cause des différents éléments mercantiles qui la définissent et que nous avons observé tout au long du mémoire.

Mon objectif au sein de ce segment est de me montrer juste envers la Walt Disney Company au cours des années de présidence de Bob Iger qui a eu, qu'on l'adule ou le déteste, un impact certain sur l'entreprise. En disant juste, il paraît tout de même fondamental que mon intention n'est pas de me montrer comme un fan ou comme un anti. Il sera question de donner mes opinions sur la manière dont Bob Iger a dirigé la société, ainsi que sur les différents films et essayer de comprendre les raisons de la bonne santé de Disney.

## a. La politique de Bob Iger

Disney est une institution. Il est important de rappeler qu'avant 2005 et la prise de fonctions de Bob Iger, sa route a été marquée par des hauts et des bas qui auraient pu être rédhibitoires pour la survie de l'entreprise. Entre alternance de succès commerciaux et de crises financières sous Walt Disney, de florilèges de décisions calamiteuses de la direction avant l'arrivée de Michael Eisner, il y a quelque chose qui est de très important à dire : il n'y
a eu aucune crise majeure en interne chez la Walt Disney Company qui ait pu compromettre
le bon fonctionnement de l'entreprise depuis que Bob Iger l'a pris en charge. Chaque crise a
été gérée et réglée sans que cela ne nuise à l'image et aux valeurs de la Walt Disney
Company sur le long terme.

Philosophie et Stratégie

« Personne ne s'attendait à ce que Bob Iger soit Bob Iger ».<fnref n="222" />

Cette phrase au demeurant très anodine cache les vérités de l'importance significative qu'Iger a eu au sein d'Hollywood depuis 2005. Après tout, personne ne s'attendait à ce que l'ancien patron d'ABC transforme une major en entreprise générant 30% des parts d'une industrie entière.

Son travail en tant que gestionnaire de l'entreprise est très conséquent. Toutes les décisions
stratégiques majeures qu'il a prises se sont avérées bénéfiques économiquement.
L'investissement dans les « marques » fait partie des grands accomplissements de la société
et chaque acquisition a permis à Disney de grimper au sommet des plus « bankable »
d'Hollywood. La politique sur les mises à niveau de la technologie a été des plus judicieuses
car elle a permis de renouveler tout le secteur d'animation qui était un peu tombé en
lambeaux après le départ de Jeffrey Katzenberg en 1994. Le fait d'avoir en plus de
l'acquisition de Pixar réussi à créer une nouvelle dynamique positive au sein de Disney
Animation, tant critique que financière, est d'autant plus remarquable. Au final, si sa
politique d'expansion à l'international a soulevé quelques questions, elle s'est avérée
bénéfique pour l'entreprise qui grandit en popularité au sein d'un marché où elle n'avait pas
trop d'emprise.

Le plus marquant est la connaissance des besoins nécessaires à son entreprise. C'est de cette
connaissance et de la confiance mise envers des personnes compétentes ayant fait leurs
preuves qui permettent à la Walt Disney Company de mettre en avant des dynamiques
positives et de lui donner des perspectives d'expansion avec plus de sérénité. Du point de
vue de l'entreprise, il s'est révélé être l'un des PDG les plus influents avec Walt Disney et
Michael Eisner.

<footnote n="222">²²² Traduit de l'anglais dans DOWD Maureen, "The Slow Burning Success of Disney's Bob Iger", https://www.nytimes.com/2019/09/22/style/disney-bob-iger-book.html</footnote>
a eu aucune crise majeure en interne chez la Walt Disney Company qui ait pu compromettre
le bon fonctionnement de l'entreprise depuis que Bob Iger l'a pris en charge. Chaque crise a
été gérée et réglée sans que cela ne nuise à l'image et aux valeurs de la Walt Disney
Company sur le long terme.

Philosophie et Stratégie
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« Personne ne s'attendait à ce que Bob Iger soit Bob Iger ».<fnref n="222" />

Cette phrase au demeurant très anodine cache les vérités de l'importance significative qu'Iger a eu au sein d'Hollywood depuis 2005. Après tout, personne ne s'attendait à ce que l'ancien patron d'ABC transforme une major en entreprise générant 30% des parts d'une industrie entière.

Son travail en tant que gestionnaire de l'entreprise est très conséquent. Toutes les décisions
stratégiques majeures qu'il a prises se sont avérées bénéfiques économiquement.
L'investissement dans les « marques » fait partie des grands accomplissements de la société
et chaque acquisition a permis à Disney de grimper au sommet des plus « bankable »
d'Hollywood. La politique sur les mises à niveau de la technologie a été des plus judicieuses
car elle a permis de renouveler tout le secteur d'animation qui était un peu tombé en
lambeaux après le départ de Jeffrey Katzenberg en 1994. Le fait d'avoir en plus de
l'acquisition de Pixar réussi à créer une nouvelle dynamique positive au sein de Disney
Animation, tant critique que financière, est d'autant plus remarquable. Au final, si sa
politique d'expansion à l'international a soulevé quelques questions, elle s'est avérée
bénéfique pour l'entreprise qui grandit en popularité au sein d'un marché où elle n'avait pas
trop d'emprise.

Le plus marquant est la connaissance des besoins nécessaires à son entreprise. C'est de cette
connaissance et de la confiance mise envers des personnes compétentes ayant fait leurs
preuves qui permettent à la Walt Disney Company de mettre en avant des dynamiques
positives et de lui donner des perspectives d'expansion avec plus de sérénité. Du point de
vue de l'entreprise, il s'est révélé être l'un des PDG les plus influents avec Walt Disney et
Michael Eisner.

<footnote n="222">²²² Traduit de l'anglais dans DOWD Maureen, "The Slow Burning Success of Disney's Bob Iger", https://www.nytimes.com/2019/09/22/style/disney-bob-iger-book.html</footnote>
## Limites et craintes

J'éprouve cependant des réticences dans les perspectives d'avenir de l'entreprise, et nombre d'entre-elles sont soulevées par les différents spécialistes cités précédemment.

En premier lieu, le rachat de la Fox soulève plusieurs questionnements d'ordre éthique. Si on pense aux rachats majeurs de l'entreprise, il s'agit ici non pas d'une acquisition en vue d'une expansion de l'entreprise, mais il conduit véritablement à un déséquilibre au sein de l'industrie cinématographique toute entière. L'idée de voir une industrie formatée par Disney, et qu'il peut être possible pour elle de faire plier toute une l'industrie à sa volonté, me révolte au plus haut point. Imaginer qu'il soit possible pour une entreprise d'avoir autant de pouvoir n'est pas pensable. Il va falloir que les différents studios ou les instances qui s'occupent de la régulation des marchés se penchent véritablement sur le sujet afin de ne pas avoir de commerce déloyal ou d'abus de la part de la Walt Disney Company.

Mon attitude dubitative vis-à-vis d'un tel rachat est également de l'ordre créatif. Il a été dit maintes et maintes fois que Disney est resté fidèle à ses valeurs fondamentales. Or, l'acquisition de la Fox lui permet d'avoir les droits de plusieurs marques qui ne sont pas en adéquation avec ses valeurs. Prenons l'exemple majoritaire des films réalisés pour un public plus mature. Que va faire Disney avec des sagas telles qu'Alien, Predator ou encore Die Hard ? Le studio va-t-il lancer les développements de ces films en « PG-13 » et ainsi édulcorer, pour ne pas dire détériorer, l'essence des sagas pour leur représentation de la violence ? Pire encore, ce propriétés peuvent-elles disparaître des cinémas et de l'exploitation générale au nom de l'esthétique Disney « family friendly » ?...

Bob Iger a expliqué que plusieurs marques « Rated R », notamment les séries d'animation pour adultes, allaient être disponible sur Hulu<fnref n="223" />, plateforme dont Disney est actionnaire principal suite au rachat de la Fox. Cette stratégie est assez efficace afin de ne pas rattacher de trop près l'image de ces produits avec celle de la maison mère. Si l'accessibilité de ces marques sera donc possible de la part de l'entreprise, la question de la création apparaît comme la plus préoccupante. L'idéal, à mes yeux, serait de permettre aux films issus de la 20<sup>th</sup> Century Fox de continuer à être la rampe de lancement de tout type de contenus, y compris ceux « Rated R », sans pour autant que ce contenu soit directement rattaché avec la

<footnote n="223">²²³ GRAZER Brian, *vid cit.*, https://www.youtube.com/watch?v=DHCaEDE1nug&list=WL&index=15</footnote>
## Limites et craintes

J'éprouve cependant des réticences dans les perspectives d'avenir de l'entreprise, et nombre d'entre-elles sont soulevées par les différents spécialistes cités précédemment.

En premier lieu, le rachat de la Fox soulève plusieurs questionnements d'ordre éthique. Si on pense aux rachats majeurs de l'entreprise, il s'agit ici non pas d'une acquisition en vue d'une expansion de l'entreprise, mais il conduit véritablement à un déséquilibre au sein de l'industrie cinématographique toute entière. L'idée de voir une industrie formatée par Disney, et qu'il peut être possible pour elle de faire plier toute une l'industrie à sa volonté, me révolte au plus haut point. Imaginer qu'il soit possible pour une entreprise d'avoir autant de pouvoir n'est pas pensable. Il va falloir que les différents studios ou les instances qui s'occupent de la régulation des marchés se penchent véritablement sur le sujet afin de ne pas avoir de commerce déloyal ou d'abus de la part de la Walt Disney Company.

Mon attitude dubitative vis-à-vis d'un tel rachat est également de l'ordre créatif. Il a été dit maintes et maintes fois que Disney est resté fidèle à ses valeurs fondamentales. Or, l'acquisition de la Fox lui permet d'avoir les droits de plusieurs marques qui ne sont pas en adéquation avec ses valeurs. Prenons l'exemple majoritaire des films réalisés pour un public plus mature. Que va faire Disney avec des sagas telles qu'Alien, Predator ou encore Die Hard ? Le studio va-t-il lancer les développements de ces films en « PG-13 » et ainsi édulcorer, pour ne pas dire détériorer, l'essence des sagas pour leur représentation de la violence ? Pire encore, ce propriétés peuvent-elles disparaître des cinémas et de l'exploitation générale au nom de l'esthétique Disney « family friendly » ?...

Bob Iger a expliqué que plusieurs marques « Rated R », notamment les séries d'animation pour adultes, allaient être disponible sur Hulu<fnref n="223" />, plateforme dont Disney est actionnaire principal suite au rachat de la Fox. Cette stratégie est assez efficace afin de ne pas rattacher de trop près l'image de ces produits avec celle de la maison mère. Si l'accessibilité de ces marques sera donc possible de la part de l'entreprise, la question de la création apparaît comme la plus préoccupante. L'idéal, à mes yeux, serait de permettre aux films issus de la 20<sup>th</sup> Century Fox de continuer à être la rampe de lancement de tout type de contenus, y compris ceux « Rated R », sans pour autant que ce contenu soit directement rattaché avec la

<footnote n="223">²²³ GRAZER Brian, *vid cit.*, https://www.youtube.com/watch?v=DHCaEDE1nug&list=WL&index=15</footnote>