La photographie traduit ainsi une volonté de se réapproprier des techniques anciennes tournée vers un usage actuel : il s'agit de « re-faire » soi-même pour fabriquer à son tour. D'autre part, la personne disparaît au profit de ce qu'elle fait. La culture maker se dessine ainsi comme une culture essentiellement matérielle, centrée sur le « faire » avant tout.

## La forge et le Fab Lab

La photographie a été prise par un étudiant de l'École supérieure de fonderie et de forge de Sèvres. Il s'agit de sa forge personnelle, donc d'une activité qui n'est pas présente au fablab, même si un atelier « forge » y a un moment été évoqué, sans aboutir. Mais des liens existent bel et bien : l'un des co-fondateurs du Fab Lab de Château-Thierry, Antoine Selosse, est aussi le directeur de l'usine NTN4 de Crézancy, qui fabrique des pièces forgées pour l'automobile. A l'occasion du centenaire de la firme, il a invité avec un collègue, Hervé Dandault, les élèves de l'ESFF à un week-end aux allures de fête autour de la forge et accueille régulièrement les

élèves du BTS Forge de Nogent sur Oise en sortie scolaire. Au programme : visite de l'usine... Et du fablab, puisque c'est là qu'Antoine Selosse, les « Geo Trouvetou » de l'usine et des makers du fablab développent des solutions MES (Manufacturing Execution System) pour l'usine de Crézancy. Les technologies utilisées sont Open Source et les plans et solutions mis à disposition d'autres industriels au sein de la Fédération Forge-Fonderie, l'objectif étant que d'autres forgerons s'approprient ces techniques pour affronter la concurrence.

Apprendre, faire, partager... Et changer le monde ? Certains acteurs du mouvement ne voient pas d'un bon œil cette appropriation par l'entreprise de l'univers maker. L'exemple de la forge et du fablab le dessine en tout cas comme un lieu où se concentrent plusieurs enjeux du monde du travail aujourd'hui : réappropriation des sciences et techniques et innovation, transformations des relations marchandes de travail et des processus de production.
La photographie traduit ainsi une volonté de se réapproprier des techniques anciennes tournée vers un usage actuel : il s'agit de « re-faire » soi-même pour fabriquer à son tour. D'autre part, la personne disparaît au profit de ce qu'elle fait. La culture maker se dessine ainsi comme une culture essentiellement matérielle, centrée sur le « faire » avant tout.

## La forge et le Fab Lab

La photographie a été prise par un étudiant de l'École supérieure de fonderie et de forge de Sèvres. Il s'agit de sa forge personnelle, donc d'une activité qui n'est pas présente au fablab, même si un atelier « forge » y a un moment été évoqué, sans aboutir. Mais des liens existent bel et bien : l'un des co-fondateurs du Fab Lab de Château-Thierry, Antoine Selosse, est aussi le directeur de l'usine NTN4 de Crézancy, qui fabrique des pièces forgées pour l'automobile. A l'occasion du centenaire de la firme, il a invité avec un collègue, Hervé Dandault, les élèves de l'ESFF à un week-end aux allures de fête autour de la forge et accueille régulièrement les

élèves du BTS Forge de Nogent sur Oise en sortie scolaire. Au programme : visite de l'usine... Et du fablab, puisque c'est là qu'Antoine Selosse, les « Geo Trouvetou » de l'usine et des makers du fablab développent des solutions MES (Manufacturing Execution System) pour l'usine de Crézancy. Les technologies utilisées sont Open Source et les plans et solutions mis à disposition d'autres industriels au sein de la Fédération Forge-Fonderie, l'objectif étant que d'autres forgerons s'approprient ces techniques pour affronter la concurrence.

Apprendre, faire, partager... Et changer le monde ? Certains acteurs du mouvement ne voient pas d'un bon œil cette appropriation par l'entreprise de l'univers maker. L'exemple de la forge et du fablab le dessine en tout cas comme un lieu où se concentrent plusieurs enjeux du monde du travail aujourd'hui : réappropriation des sciences et techniques et innovation, transformations des relations marchandes de travail et des processus de production.
Dévalisez moi, ...
oui mais en panique

<figure><img src="image_47.png" /></figure>

4 mars 2020 - Le Parisien : Covid-19 les rayons d'un supermarché d'Athis-Mons pris d'assaut - Le Carrefour d'Athis-Mons voit ses stocks de denrées alimentaires non périsables se vider à vitesse grand V. Conséquence directe de la peur d'un éventuel confinement

https://www.leparisien.fr/resizer/m8eLze5UUUdb3graPCymwmW6Ny8=/932x582/arc-angler-fish-eu-central-1-prod-leparisien.s3.amazonaws.com/public/3C3RQNEC3HWDGZX4ZOBFM-MQRB4.jpg
Dévalisez moi, ...
oui mais en panique

<figure><img src="image_46.png" /></figure>

4 mars 2020 - Le Parisien : Covid-19 les rayons d'un supermarché d'Athis-Mons pris d'assaut - Le Carrefour d'Athis-Mons voit ses stocks de denrées alimentaires non périsables se vider à vitesse grand V. Conséquence directe de la peur d'un éventuel confinement

https://www.leparisien.fr/resizer/m8eLze5UUUdb3graPCymwmW6Ny8=/932x582/arc-angler-fish-eu-central-1-prod-leparisien.s3.amazonaws.com/public/3C3RQNEC3HWDGZX4ZOBFM-MQRB4.jpg
<figure><img src="image_48.png" /></figure>

Affiche officielle du festival des Utopiales de Nantes du 31 octobre au 4 novembre 2019.
Dessinée par Mathieu Bablet. 18 x 12 cm. Éditeur : Actusf.
<figure><img src="image_47.png" /></figure>

Affiche officielle du festival des Utopiales de Nantes du 31 octobre au 4 novembre 2019.
Dessinée par Mathieu Bablet. 18 x 12 cm. Éditeur : Actusf.
2019

Imaginaire, ville
ouverte

par Émilie Vaudescal-Lecouvreur

Réalisée par Mathieu Bablet,uteur de bandes-dessinées, cette affiche marque la vingtième édition des Utopiales, festival international de science-fiction.

Comme chaque année, sa commande répond à une thématique particulière. En 2019, la contrainte - coder/décoder - aboutit, selon les dires de l'auteur lui-même, à «recoder la ville» et en proposer une version future.

Ici, Nantes, mouillage des Utopiales depuis l'an 2000. Cette ville repensée, déconstruite puis reconstruite, s'érige sur un fond bleu, de ciel et de nuages. L'îlot-quartier, cœur de la composition, est sans doute fixe, quoique qu'on puisse le prendre pour un lent vaisseau qui s'apprête, vers le spectateur, à entrer au port, borné de gauche et de droite par de hauts bâtiments.

Il est dominé par le château ducal, essentiellement du 15e siècle qui s'enracine sur un ensemble de constructions reprenant les poncifs des hôtels particuliers nantais du 18e, étrangement équipés, ça et là, de panneaux solaires.

Dans une autre association inattendue, l'une des tours du château supporte une éolienne, et quatre de plus l'encadrent et plantent ses abords. Au pied de l'îlot-quartier et s'y déployant de façon concentrique, des parcelles de rizières en écaille de tortue, couvrent un sol immergé et se substituent aux rues. Le goudron n'est plus. À sa place, le vert des rizières rencontre le bleu du ciel pour composer une symphonie écologique et sur l'eau se pose encore le reflet des nuages.

En contrepoint, au premier plan, d'anciens poteaux électriques figurent un seuil matérialisant la transition d'une énergie vers une autre. Pénétrer ici, se plonger dans l'image, c'est entrer dans un autre possible. Dans un premier temps, cet autre possible use, assemble et recombine des architectures qui ont émaillé et caractérisent encore la Nantes actuelle. Elles témoignent des techniques qui n'ont cessé d'y évoluer et de changer. Jusqu'au gratte-ciel moderne qui cantonne sur le pan droit de la représentation et rappelle la Tour Bretagne élevée en 1976.
2019

Imaginaire, ville
ouverte

par Émilie Vaudescal-Lecouvreur

Réalisée par Mathieu Bablet,uteur de bandes-dessinées, cette affiche marque la vingtième édition des Utopiales, festival international de science-fiction.

Comme chaque année, sa commande répond à une thématique particulière. En 2019, la contrainte - coder/décoder - aboutit, selon les dires de l'auteur lui-même, à «recoder la ville» et en proposer une version future.

Ici, Nantes, mouillage des Utopiales depuis l'an 2000. Cette ville repensée, déconstruite puis reconstruite, s'érige sur un fond bleu, de ciel et de nuages. L'îlot-quartier, cœur de la composition, est sans doute fixe, quoique qu'on puisse le prendre pour un lent vaisseau qui s'apprête, vers le specateur, à entrer au port, borné de gauche et de droite par de hauts bâtiments.

Il est dominé par le château ducal, essentiellement du 15e siècle qui s'enracine sur un ensemble de constructions reprenant les poncifs des hôtels particuliers nantais du 18e, étrangement équipés, ça et là, de panneaux solaires.

Dans une autre association inattendue, l'une des tours du château supporte une éolienne, et quatre de plus l'encadrent et plantent ses abords. Au pied de l'îlot-quartier et s'y déployant de façon concentrique, des parcelles de rizières en écaille de tortue, couvrent un sol immergé et se substituent aux rues. Le goudron n'est plus. À sa place, le vert des rizières rencontre le bleu du ciel pour composer une symphonie écologique et sur l'eau se pose encore le reflet des nuages.

En contrepoint, au premier plan, d'anciens poteaux électriques figurent un seuil matérialisant la transition d'une énergie vers une autre. Pénétrer ici, se plonger dans l'image, c'est entrer dans un autre possible. Dans un premier temps, cet autre possible use, assemble et recombine des architectures qui ont émaillé et caractérisent encore la Nantes actuelle. Elles témoignent des techniques qui n'ont cessé d'y évoluer et de changer. Jusqu'au gratte-ciel moderne qui cantonne sur le pan droit de la représentation et rappelle la Tour Bretagne élevée en 1976.
Quinzième siècle, dix-huitième siècle et vingtième siècle se mêlent en un patchwork représentatif et identifiable ainsi qu’en un empilement encore irréel. Tuffeau, granit, schiste, béton, verre, ardoise, balcons filants ou non, garde-corps souvent de fer forgé, consoles sculptées, murs défensifs, courtines, flèche renaissance d’Anne de Bretagne et fenêtres de toutes sortes sont figurés et convoqués.

La composante écologique, omniprésente dans notre société contemporaine, trouve une illustration de ce que pourraient être certaines de ses réponses. Le recours à des énergies plus propres - éoliennes, panneaux solaires ou pompes à eau -, et à des moyens de transports plus doux et silencieux - dirigeables, canoës - participent aussi à cette transition. Les habitants de cette ville marchent, les pieds dans l’eau mais ils marchent. Aucune voiture à l’horizon. Le rythme est paisible. Des jardins agricoles flottants parsèment l’espace. Certains toits se végétalisent, des pontons se projettent depuis de petites constructions de bois, souvent, sans doute, de nouveaux commerces de proximité, qui garnissent le bas des immeubles, comme autant de petites échoppes conviviales et à taille humaine.

Cette Nantes rêvée, est autonome et a dû s'adapter à la montée des eaux. Est-ce la Loire, l'Erdre, la Sèvre Nantaise ? Peut-être les trois... Les scientifiques avaient raison, le climat a changé et il a fallu se faire aux conséquences. Désormais, il faut tirer le meilleur de cet état imposé de Venise atlantique.

Si cette affiche n'est pas elle-même, à proprement parler un objet appartenant tout à fait à un large imaginaire populaire, elle en est

une manifestation claire et forte. Son rôle de publicisation, offre à la connaissance de tous, les solutions que la science-fiction propose aux difficultés et aux interrogations de notre temps. En une figuration, l'imaginaire ne dévient rien moins qu'un laboratoire, un lieu d'expérimentation sans limite, la croisée d'un monde, d'un récit, de savoirs et de sciences qui entrent en ébullition. Cette boîte de Pétri de l'esprit, produit du rêve plausible. Bien sûr, surélever le château ducal de Nantes peut en laisser certains sceptiques. Mais, après tout, le déplacement des temples d'Abou Simbel dans les années soixante, serait apparu, ne serait-ce que vingt ans plus tôt, comme une fantaisie...

Cette affiche des Utopiales ne prédit pas l'avenir, elle l'envisage par une prospection sérieuse, car toute entière nourrie de ce qui est et modéré par ce que l'on sait. Se projeter de manière authentique nécessite de solides assises. Cette ville, revisitée au prisme d'un demain astreint à une redéfinition de son environnement, apparaît aussi en exposition universelle, ou, en un condensé, pesé, réfléchi et apaisé, des sciences partagées qui imprègnent tout ce que nous connaissons.

L'affiche de Mathieu Bablet est une exploration qui en prolongent de plus anciennes. Ainsi évoque-t-elle à beaucoup *Le Château dans le Ciel* de Hayao Miyazaki, lui-même inspiré par l'île volante de Laputa présente dans *Les Voyages de Gulliver* de Jonathan Swift.

Les techniques et les savoirs infusent-ils donc, d'un médium culturel à un autre, s'y revivi-fiant et s'y muant en un substrat ordinaire et essentiel, dans lequel nous puisons.
Quinzième siècle, dix-huitième siècle et vingtième siècle se mêlent en un patchwork représentatif et identifiable ainsi qu’en un empilement encore irréel. Tuffeau, granit, schiste, béton, verre, ardoise, balcons filants ou non, garde-corps souvent de fer forgé, consoles sculptées, murs défensifs, courtines, flèche renaissance d’Anne de Bretagne et fenêtres de toutes sortes sont figurés et convoqués.

La composante écologique, omniprésente dans notre société contemporaine, trouve une illustration de ce que pourraient être certaines de ses réponses. Le recours à des énergies plus propres - éoliennes, panneaux solaires ou pompes à eau -, et à des moyens de transports plus doux et silencieux - dirigeables, canoës - participent aussi à cette transition. Les habitants de cette ville marchent, les pieds dans l’eau mais ils marchent. Aucune voiture à l’horizon. Le rythme est paisible. Des jardins agricoles flottants parsèment l’espace. Certains toits se végétalisent, des pontons se projettent depuis de petites constructions de bois, souvent, sans doute, de nouveaux commerces de proximité, qui garnissent le bas des immeubles, comme autant de petites échoppes conviviales et à taille humaine.

Cette Nantes rêvée, est autonome et a dû s’adapter à la montée des eaux. Est-ce la Loire, l’Erdre, la Sèvre Nantaise ? Peut-être les trois... Les scientifiques avaient raison, le climat a changé et il a fallu se faire aux conséquences. Désormais, il faut tirer le meilleur de cet état imposé de Venise atlantique.

Si cette affiche n’est pas elle-même, à proprement parler un objet appartenant tout à fait à un large imaginaire populaire, elle en est

une manifestation claire et forte. Son rôle de publicisation, offre à la connaissance de tous, les solutions que la science-fiction propose aux difficultés et aux interrogations de notre temps. En une figuration, l’imaginaire ne dévient rien moins qu’un laboratoire, un lieu d’expérimentation sans limite, la croisée d’un monde, d’un récit, de savoirs et de sciences qui entrent en ébullition. Cette boîte de Pétri de l’esprit, produit du rêve plausible. Bien sûr, surélever le château ducal de Nantes peut en laisser certains sceptiques. Mais, après tout, le déplacement des temples d’Abou Simbel dans les années soixante, serait apparu, ne serait-ce que vingt ans plus tôt, comme une fantaisie...

Cette affiche des Utopiales ne prédit pas l’avenir, elle l’envisage par une prospection sérieuse, car toute entière nourrie de ce qui est et modéré par ce que l’on sait. Se projeter de manière authentique nécessite de solides assises. Cette ville, revisitée au prisme d’un demain astreint à une redéfinition de son environnement, apparaît aussi en exposition universelle, ou, en un condensé, pesé, réfléchi et apaisé, des sciences partagées qui imprègnent tout ce que nous connaissons.

L’affiche de Mathieu Bablet est une exploration qui en prolongent de plus anciennes. Ainsi évoque-t-elle à beaucoup *Le Château dans le Ciel* de Hayao Miyazaki, lui-même inspiré par l’île volante de Laputa présente dans *Les Voyages de Gulliver* de Jonathan Swift.

Les techniques et les savoirs infusent-ils donc, d’un médium culturel à un autre, s’y revivi-fiant et s’y muant en un substrat ordinaire et essentiel, dans lequel nous puisons.
2019

# Catastrophe minière, controverse et enjeux politiques

par Damien Gourronc

<figure><img src="image_49.png" /></figure>

Arrêt sur image 20 min 32 : La Reine Élisabeth II prend son petit-déjeuner en lisant les nouvelles concernant la catastrophe d'Aberfan. Caméra de dos, cette image nous invite à entrer dans les coulisses d'une tragédie qui a marqué la couronne d'Angleterre et secoué une nation entière.
2019

# Catastrophe minière, controverse et enjeux politiques

par Damien Gourronc

<figure><img src="image_48.png" /></figure>

Arrêt sur image 20 min 32 : La Reine Élisabeth II prend son petit-déjeuner en lisant les nouvelles concernant la catastrophe d'Aberfan. Caméra de dos, cette image nous invite à entrer dans les coulisses d'une tragédie qui a marqué la couronne d'Angleterre et secoué une nation entière.
The Crown, une série phare signée Netflix, propose de revenir sur la vie de la Reine Élisabeth II, de ses débuts de princesse, à son couronnement, la série relate les évènements marquants qui ont touché la famille royale britannique.

Crée par Peter Morgan et produit par Stephen Daldry, ce biopic, aux tendances fictionnelles, retrace la relation monarchie, gouvernement, et société. Elle témoigne de l'envers du décor monarchique, et des dessous politiques du Royaume-Uni.

L'Épisode 3, intitulé *Aberfan*, relate un drame minier survenu dans le village d'Aberfan au sud du Pays de Galles.

Le 20 octobre 1966, vers 9h15, une avanche de déchets miniers dévale la montagne pour finir dans le village. L'école de Pantaglass est engloutie ainsi que les maisons voisines, 144 personnes meurent dans cette catastrophe dont 116 enfants. Une catastrophe minière qui a bousculé la famille royale et les politiques.

Cette image représentant la Reine de dos prenant son petit-déjeuner en lisant les nouvelles sur la tragédie d'Alberfan, nous invite à entrer dans les coulisses de la politique de cette crise et à nous interroger sur les circonstances de ce calme apparent face à la catastrophe. Comment ce Biopic nous livre-t-il les dessous de cette catastrophe ?

L'épisode se concentre sur les moments clés de cette gestion de crise, et met en lumière les interactions entre société et pouvoir dans un contexte de catastrophe.

Le premier ministre travailliste Harold Wilson se rend à Aberfan, et invite la Reine à faire de même. Celle-ci refuse une première fois. Pendant le trajet, la secrétaire d'État, Marcia Falkender débriefe le ministre de la situation : « Vers 8 heures ce matin, la section locale du National Coal Board a reçu un rapport indiquant qu'une dépression s'était formée dans le terril numéro sept » indique le rapport du Comité National du Charbon. L'entretien qui suit entre les deux interlocuteurs révèle l'incapacité des politiques à comprendre des propos techniques : « Comment peut-il couler comme ça ? Un terril n'est pas solide ? »,

La secrétaire répond en s'appuyant sur le rapport : « Pas avec les fortes pluies que la région a récemment essuyées », une explication basée sur le rapport scientifique dévoilant ainsi la première constatation : le terril se trouvait au-dessus d'une source d'eau, les fortes pluies dans la région qui ont précédé l'accident ont augmenté l'écoulement de l'eau et les infiltrations dans la montagne minière, l'eau a dégradié le terril. De plus ce dernier était deux fois plus haut que les normes l'autorisent et la concentration en déchet était importante.

La conférence de presse qui suit témoigne de la prise en charge du gouvernement mais le silence gêné du ministre alourdi l'inaction du parti travailliste et la méconnaissance des politiques sur des questions aussi techniques face à une telle catastrophe. L'enquête promet par le gouvernement est balayée par la contestation des habitants, plus au fait des détails que le ministre lui-même : « cela
The Crown, une série phare signée Netflix, propose de revenir sur la vie de la Reine Élisabeth II, de ses débuts de princesse, à son couronnement, la série relate les évènements marquants qui ont touché la famille royale britannique.

Crée par Peter Morgan et produit par Stephen Daldry, ce biopic, aux tendances fictionnelles, retrace la relation monarchie, gouvernement, et société. Elle témoigne de l'envers du décor monarchique, et des dessous politiques du Royaume-Uni.

L'Épisode 3, intitulé *Aberfan*, relate un drame minier survenu dans le village d'Aberfan au sud du Pays de Galles.

Le 20 octobre 1966, vers 9h15, une avanche de déchets miniers dévale la montagne pour finir dans le village. L'école de Pantaglass est engloutie ainsi que les maisons voisines, 144 personnes meurent dans cette catastrophe dont 116 enfants. Une catastrophe minière qui a bousculé la famille royale et les politiques.

Cette image représentant la Reine de dos prenant son petit-déjeuner en lisant les nouvelles sur la tragédie d'Alberfan, nous invite à entrer dans les coulisses de la politique de cette crise et à nous interroger sur les circonstances de ce calme apparent face à la catastrophe. Comment ce Biopic nous livre-t-il les dessous de cette catastrophe ?

L'épisode se concentre sur les moments clés de cette gestion de crise, et met en lumière les interactions entre société et pouvoir dans un contexte de catastrophe.

Le premier ministre travailliste Harold Wilson se rend à Aberfan, et invite la Reine à faire de même. Celle-ci refuse une première fois. Pendant le trajet, la secrétaire d'État, Marcia Falkender débriefe le ministre de la situation : « Vers 8 heures ce matin, la section locale du National Coal Board a reçu un rapport indiquant qu'une dépression s'était formée dans le terril numéro sept » indique le rapport du Comité National du Charbon. L'entretien qui suit entre les deux interlocuteurs révèle l'incapacité des politiques à comprendre des propos techniques : « Comment peut-il couler comme ça ? Un terril n'est pas solide ? »,

La secrétaire répond en s'appuyant sur le rapport : « Pas avec les fortes pluies que la région a récemment essuyées », une explication basée sur le rapport scientifique dévoilant ainsi la première constatation : le terril se trouvait au-dessus d'une source d'eau, les fortes pluies dans la région qui ont précédé l'accident ont augmenté l'écoulement de l'eau et les infiltrations dans la montagne minière, l'eau a dégradié le terril. De plus ce dernier était deux fois plus haut que les normes l'autorisent et la concentration en déchet était importante.

La conférence de presse qui suit témoigne de la prise en charge du gouvernement mais le silence gêné du ministre alourdi l'inaction du parti travailliste et la méconnaissance des politiques sur des questions aussi techniques face à une telle catastrophe. L'enquête promet par le gouvernement est balayée par la contestation des habitants, plus au fait des détails que le ministre lui-même : « cela
fait des années qu'on dit à tout le monde que ces terrils sont dangereux » proteste un habitant. Lors de cette conférence, les habitants expriment leurs défiances et leurs amertumes. Les faits, notamment la source d'eau sous le terril, étaient connus, et les instances alertées, mais rien n'a été fait. Les conférences révèlent une suite d'inactions et d'incompréhensions qui ont entraîné cette terrible catastrophe.

Les évènements prennent alors une tour-
nure politique. La conversation entre le
ministre et deux membres de son cabinet
est révélatrice de la tension entre indus-
triel, société et politique : « Nous devons
faire très attention, cette affaire risque
de très mal tourner. », « C'est un accident
causé par des pluies sans précédents, ce
n'est pas politique » répond sans équi-
voque le ministre, « absolument tout est
politique », montrant ainsi qu'une catas-
trophe minière est un exemple concret
de relation entre politique, industrie et
société. Lors du second entretien entre la
reine et le ministre, ce dernier l'incite une
nouvelle fois à se rendre sur les lieux pour
réconforter les habitants, mais la Reine
est catégorique « La couronne visite les
hôpitaux pas les zones sinistrées », elle ne
souhaite pas se donner en spectacle et être
une cause de paralysie pour les secours.

La seconde conférence, marque l'insis-
tance des habitants à désigner des res-
ponsables, or le Conseil national du
charbon se décharge de toute respon-
sabilité, accusant le mauvais temps.

Suite aux conférences chaotiques, l'affaire devient résolument politique. L'échange entre la secrétaire d'État et le premier ministre est révélateur de cette tournure : il faut rejeter la faute sur l'opposition politique. C'est finalement la Reine et son absence marquante qui sont prises pour cible afin de détourner l'attention de l'opinion publique. Pour pallier les attaques des médias, Élisabeth II se rend finalement à Aberfan, huit jours après la catastrophe, avec une visite du lieu sinistré, une gerbe de fleur déposée sur les tombes, une visite des familles de victimes. On lui conseille de réconforter les habitants.

Dans le dernier entretien de la Reine et du
ministre, elle confesse ses fausses larmes
lors de la visite. Elle admet qu'elle est in-
capable d'humanité. Le Ministre souligne
qu'un chef ne doit pas céder aux crises
pour gérer des catastrophes, il est néces-
saire à la fonction politique d'être dénuée
d'une certaine humanité. La série propose
ainsi un regard sur la manière dont les
politiques gèrent la crise d'Aberfan et
nous invite à comprendre pourquoi la
monarchie est dénuée d'humanité. Aber-
fan reste à ce jour une catastrophe qui fait
partie de l'histoire du Pays de Galles, et
demeure l'un des plus grands regrets de
la Reine Élisabeth II.
fait des années qu'on dit à tout le monde
que ces terrils sont dangereux » proteste
un habitant. Lors de cette conférence, les
habitants expriment leurs défiances et
leurs amertumes. Les faits, notamment la
source d'eau sous le terril, étaient connus,
et les instances alertées, mais rien n'a été
fait. Les conférences révèlent une suite
d'inactions et d'incompréhensions qui ont
entraîné cette terrible catastrophe.

Les évènements prennent alors une tour-
nure politique. La conversation entre le
ministre et deux membres de son cabinet
est révélatrice de la tension entre indus-
triel, société et politique : « Nous devons
faire très attention, cette affaire risque
de très mal tourner. », « C'est un accident
causé par des pluies sans précédents, ce
n'est pas politique » répond sans équi-
voque le ministre, « absolument tout est
politique », montrant ainsi qu'une catas-
trophe minière est un exemple concret
de relation entre politique, industrie et
société. Lors du second entretien entre la
reine et le ministre, ce dernier l'incite une
nouvelle fois à se rendre sur les lieux pour
réconforter les habitants, mais la Reine
est catégorique « La couronne visite les
hôpitaux pas les zones sinistrées », elle ne
souhaite pas se donner en spectacle et être
une cause de paralysie pour les secours.

La seconde conférence, marque l'insis-
tance des habitants à désigner des res-
ponsables, or le Conseil national du
charbon se décharge de toute respon-
sabilité, accusant le mauvais temps.

Suite aux conférences chaotiques, l'affaire
devident résolument politique. L'échange
entre la secrétaire d'État et le premier
ministre est révélateur de cette tournure :
il faut rejeter la faute sur l'opposition po-
litique. C'est finalement la Reine et son
absence marquante qui sont prises pour
cible afin de détourner l'attention de l'opi-
nion publique. Pour pallier les attaques
des médias, Élisabeth II se rend finale-
ment à Aberfan, huit jours après la catas-
trophe, avec une visite du lieu sinistré,
une gerbe de fleur déposée sur les tombes,
une visite des familles de victimes. On lui
conseille de réconforter les habitants.

Dans le dernier entretien de la Reine et du
ministre, elle confesse ses fausses larmes
lors de la visite. Elle admet qu'elle est in-
capable d'humanité. Le Ministre souligne
qu'un chef ne doit pas céder aux crises
pour gérer des catastrophes, il est néces-
saire à la fonction politique d'être dénuée
d'une certaine humanité. La série propose
ainsi un regard sur la manière dont les
politiques gèrent la crise d'Aberfan et
nous invite à comprendre pourquoi la
monarchie est dénuée d'humanité. Aber-
fan reste à ce jour une catastrophe qui fait
partie de l'histoire du Pays de Galles, et
demeure l'un des plus grands regrets de
la Reine Élisabeth II.
Le street art à l'assault du coronavirus

<figure><img src="image_50.png" /></figure>

Deux personnes marchent devant une fresque apocalyptique de Hijackhart, où des soldats portant des masques combattent la Covid-19 avec du désinfectant, des rouleaux de papier et du gel pour les mains pendant la pandémie de coronavirus à Los Angeles, en Californie. AFP

Extrait du blog N Art&Culture, Alexandra Chaves, le 07 avril 2020 :
https://thenational-the-national-prod.cdn.arcpublishing.com/resizer/tTjjLz8Y_cqnHzniIIN-qOyf9ecQ=/600x0/filters:format(jpg):quality(70)/cloudfront-eu-central-1/images.arcpublishing.com/thenational/GGP6YTS6CU6CUOZ6ZCBALVGUEY.jpg
Le street art à l'assault du coronavirus

<figure><img src="image_49.png" /></figure>

Deux personnes marchent devant une fresque apocalyptique de Hijackhart, où des soldats portant des masques combattent la Covid-19 avec du désinfectant, des rouleaux de papier et du gel pour les mains pendant la pandémie de coronavirus à Los Angeles, en Californie. AFP

Extrait du blog N Art&Culture, Alexandra Chaves, le 07 avril 2020 :
https://thenational-the-national-prod.cdn.arcpublishing.com/resizer/tTjjLz8Y_cqnHzniIIN-qOyf9ecQ=/600x0/filters:format(jpg):quality(70)/cloudfront-eu-central-1/images.arcpublishing.com/thenational/GGP6YTS6CU6CUOZ6ZCBALVGUEY.jpg
2019

# L'animal dématérialisé, une innovation éthique et poétique

par Victoria Jaegle

<figure><img src="image_51.png" /></figure>

Cliché extrait du magazine Sciences & Avenir numérique - © Circus Roncalli
https://www.sciencesetavenir.fr/assets/img/2019/04/25/cover-r4x3w1200-5cc1c0df7b81f-capture-d-e-cran-2019-04-25-a-16-05-41.jpg
2019

# L'animal dématérialisé, une innovation éthique et poétique

par Victoria Jaegle

<figure><img src="image_50.png" /></figure>

Cliché extrait du magazine Sciences & Avenir numérique - © Circus Roncalli
https://www.sciencesetavenir.fr/assets/img/2019/04/25/cover-r4x3w1200-5cc1c0df7b81f-capture-d-e-cran-2019-04-25-a-16-05-41.jpg
A la recherche d'une activité origi-
nale à faire en famille, j'ai décou-
vert le cirque Roncalli. Le cirque
fait partie de la culture populaire. Pour
la plupart d'etre nous, il est une troupe
d'artistes itinérants qui va de ville en ville
pour y installer son chapiteau, sous lequel
se déroulent des numéros d'acrobates,
de magie, de clown et de dressage d'ani-
maux. Le cirque Roncalli se démarque
dans le milieu circassien car il propose un
spectacle sans animaux, 100 % humain.
Fondé en 1976 à Vienne, il exerce parmi
les cirques traditionnels présentant les
numéros classiques de domptage d'ani-
maux sauvages. Mais depuis les années
1990 le cirque Roncalli opère un virage ar-
tistique en supprimant ces performances
d'animaux. Ce choix audacieux est motivé
par la préoccupation du bien-être animal,
confirmée par la demande croissante du
public. Cette volonté tranche avec les
autres cirques. Roncalli reste cependant
pionnier dans ce domaine.

Ce n'est qu'en en 2016 que l'idée de créer
des hologrammes d'animaux émerge. Le
directeur artistique raconte que l'idée de
créer ces images en 3D lui vient en assis-
tant au Superbowl aux États-Unis, pen-
dant lequel Prince, décédé, chantait avec
Justin Timberlake. Stupéfait par la tech-
nologie des hologrammes, il décide d'in-
vestir 500.000 euros pour présenter un
spectacle unique au monde. De nouveau,
le cirque Roncalli devient le pionnier dans
le milieu circassien. Il innove en présen-
tant des animaux virtuels. Cette tech-
nique singulière trouve un large écho
dans la sphère publique et auprès des
visiteurs car ces derniers sont de plus en
plus soucieux de la maltraitance animale.
La technique de l'hologramme permet de
préserver la santé des bêtes tout en assu-

rant le divertissement. Le cirque Roncalli est alors novateur car il réussit à toucher le public, qui découvre une nouvelle façon de faire spectacle. C'est lors du spectacle « Storyteller » en 2018, mettant en scène cette nouvelle technologie, que le cirque a connu un succès énorme. Il y a eu plus de 500.000 visiteurs et plus de 20.000 mails pour les féliciter de cette innovation technologique respectant les droits des animaux.

L'animal dématérialisé, comme hologramme, crée un lien entre la technique et la poésie. Le virtuel est omniprésent dans notre vie quotidienne, sous forme d'objets connectés qui accroissent nos capacités matérielles et physiques au dépens de notre imaginaire. Avec l'hologramme d'animaux sauvages grandeur nature, le spectateur vit une expérience poétique. Il est partie prenante du processus créatif, il intègre virtuellement la magie du spectacle de cirque. L'hologramme crée aussi un lien entre la technique et l'éthique. Les numéros traditionnels avec des animaux sauvages se heurtent à la question de la maltraitance animale et au bien-fondé de les exhiber sur une performance contre-nature. L'innovation du cirque Roncalli met en lumière la pression exercée sur le monde du cirque pour épargner les animaux. Alors que 28 pays en Europe ont interdits les cirques animaliers, la France reste encore l'un des rares à ne pas avoir légiféré clairement. Et pourtant, d'après le sondage IFOP en 2019, 67% de la population française souhaite une interdiction des animaux dans les cirques. Et plus d'une centaine de communes disposent des arrêtés municipaux pour refuser de recevoir des compagnies utilisant des animaux. L'action du Ministère de la culture démontre l'acmé du flou décisionnaire. En effet, en 2016, le Ministère ac-
A la recherche d'une activité origi-
nale à faire en famille, j'ai décou-
vert le cirque Roncalli. Le cirque
fait partie de la culture populaire. Pour
la plupart d'etre nous, il est une troupe
d'artistes itinérants qui va de ville en ville
pour y installer son chapiteau, sous lequel
se déroulent des numéros d'acrobates,
de magie, de clown et de dressage d'ani-
maux. Le cirque Roncalli se démarque
dans le milieu circassien car il propose un
spectacle sans animaux, 100 % humain.
Fondé en 1976 à Vienne, il exerce parmi
les cirques traditionnels présentant les
numéros classiques de domptage d'ani-
maux sauvages. Mais depuis les années
1990 le cirque Roncalli opère un virage ar-
tistique en supprimant ces performances
d'animaux. Ce choix audacieux est motivé
par la préoccupation du bien-être animal,
confirmée par la demande croissante du
public. Cette volonté tranche avec les
autres cirques. Roncalli reste cependant
pionnier dans ce domaine.

Ce n'est qu'en en 2016 que l'idée de créer
des hologrammes d'animaux émerge. Le
directeur artistique raconte que l'idée de
créer ces images en 3D lui vient en assis-
tant au Superbowl aux États-Unis, pen-
dant lequel Prince, décédé, chantait avec
Justin Timberlake. Stupéfait par la tech-
nologie des hologrammes, il décide d'in-
vestir 500.000 euros pour présenter un
spectacle unique au monde. De nouveau,
le cirque Roncalli devient le pionnier dans
le milieu circassien. Il innove en présen-
tant des animaux virtuels. Cette tech-
nique singulière trouve un large écho
dans la sphère publique et auprès des
visiteurs car ces derniers sont de plus en
plus soucieux de la maltraitance animale.
La technique de l'hologramme permet de
préserver la santé des bêtes tout en assu-

rant le divertissement. Le cirque Roncalli est alors novateur car il réussit à toucher le public, qui découvre une nouvelle façon de faire spectacle. C'est lors du spectacle « Storyteller » en 2018, mettant en scène cette nouvelle technologie, que le cirque a connu un succès énorme. Il y a eu plus de 500.000 visiteurs et plus de 20.000 mails pour les féliciter de cette innovation technologique respectant les droits des animaux.

L'animal dématérialisé, comme hologramme, crée un lien entre la technique et la poésie. Le virtuel est omniprésent dans notre vie quotidienne, sous forme d'objets connectés qui accroissent nos capacités matérielles et physiques au dépens de notre imaginaire. Avec l'hologramme d'animaux sauvages grandeur nature, le spectateur vit une expérience poétique. Il est partie prenante du processus créatif, il intègre virtuellement la magie du spectacle de cirque. L'hologramme crée aussi un lien entre la technique et l'éthique. Les numéros traditionnels avec des animaux sauvages se heurtent à la question de la maltraitance animale et au bien-fondé de les exhiber sur une performance contre-nature. L'innovation du cirque Roncalli met en lumière la pression exercée sur le monde du cirque pour épargner les animaux. Alors que 28 pays en Europe ont interdits les cirques animaliers, la France reste encore l'un des rares à ne pas avoir légiféré clairement. Et pourtant, d'après le sondage IFOP en 2019, 67% de la population française souhaite une interdiction des animaux dans les cirques. Et plus d'une centaine de communes disposent des arrêtés municipaux pour refuser de recevoir des compagnies utilisant des animaux. L'action du Ministère de la culture démontre l'acmé du flou décisionnaire. En effet, en 2016, le Ministère ac-
corde deux plans de soutien, l'un aux arts du cirque sans animaux et l'autre pour les cirques traditionnels. En 2017, une Commission nationale des professions foraines et circassiennes est formée pour « étudier les questions relatives à ces professions ». La technologie des hologrammes révolutionne les arts du cirque qui entrent dans une ère nouvelle. Les célèbres cirques traditionnels métamorphosent leur façon d'aborder la piste aux étoiles.

Ainsi, la famille circassienne Gruss présente un nouveau spectacle « Origines », qui fait la part belle à l'histoire de France, mêlé à des acrobaties et des jonglages éblouissants, avec pour seuls animaux des chevaux. La famille Bouglione quant à elle abandonne une année sur deux les fauves et les chevaux pour offrir des numéros de chiens jongleurs et de pi geons vedettes de leur spectacle « Extra ». Ces nouveaux spectacles témoignent de la prise de conscience générale. L'holo gramme d'animaux sauvages réinvente le spectacle vivant populaire. Le cirque ani malier décline en popularité pour laisser

place à un nouveau cirque proposant un spectacle qui fait sens. Le cirque Roncal- li comme le cirque du Soleil sont les re présentants du nouveau cirque, le cirque contemporain, qui utilise des aspects théâtraux pour raconter une histoire.

Avec l'hologramme, le cirque devient po étique et virtuel. Il allie l'art et la technologie. Le cirque populaire accède à une reconnaissance en tant qu'art. Il n'y a plus qu'un pas à faire pour considérer le cirque comme un influenceur social.

L'art populaire du cirque jouit toujours d'une large sympathie auprès du public. Les innovations qui s'y opèrent doivent être considérées comme un opportunité de comprendre notre société. Le directeur du cirque Roncalli ne s'arrête pas à l'holo- gramme animalier : « Cette année 2019, nous sommes également le premier cirque à avoir utilisé un vrai robot comme par tenaire acrobatique d'un être humain ». L'innovation technique laisse présager de belles décennies à l'art populaire du cirque.
corde deux plans de soutien, l'un aux arts du cirque sans animaux et l'autre pour les cirques traditionnels. En 2017, une Commission nationale des professions foraines et circassiennes est formée pour « étudier les questions relatives à ces professions ». La technologie des hologrammes révolutionne les arts du cirque qui entrent dans une ère nouvelle. Les célèbres cirques traditionnels métamorphosent leur façon d'aborder la piste aux étoiles.

Ainsi, la famille circassienne Gruss présente un nouveau spectacle « Origines », qui fait la part belle à l'histoire de France, mêlé à des acrobaties et des jonglages éblouissants, avec pour seuls animaux des chevaux. La famille Bouglione quant à elle abandonne une année sur deux les fauves et les chevaux pour offrir des numéros de chiens jongleurs et de pigeons vedettes de leur spectacle « Extra ». Ces nouveaux spectacles témoignent de la prise de conscience générale. L'hologramme d'animaux sauvages réinvente le spectacle vivant populaire. Le cirque animalier décline en popularité pour laisser

place à un nouveau cirque proposant un spectacle qui fait sens. Le cirque Roncalli comme le cirque du Soleil sont les représentants du nouveau cirque, le cirque contemporain, qui utilise des aspects théâtraux pour raconter une histoire.

Avec l'hologramme, le cirque devient poétique et virtuel. Il allie l'art et la technologie. Le cirque populaire accède à une reconnaissance en tant qu'art. Il n'y a plus qu'un pas à faire pour considérer le cirque comme un influenceur social.

L'art populaire du cirque jouit toujours d'une large sympathie auprès du public. Les innovations qui s'y opèrent doivent être considérées comme un opportunité de comprendre notre société. Le directeur du cirque Roncalli ne s'arrête pas à l'hologramme animalier : « Cette année 2019, nous sommes également le premier cirque à avoir utilisé un vrai robot comme partenaire acrobatique d'un être humain ». L'innovation technique laisse présager de belles décennies à l'art populaire du cirque.
Ré-ensauvagement urbain

<figure><img src="image_52.png" /></figure>

John McCullough

@JohnMcCullough_

<figure><img src="image_53.png" /></figure>

With no tourists to feed rice crackers to the huge deer population in Japan's Nara Park, herds have started entering the train station and moving into the city centre to eat flowers and shrubs in business areas no longer busy. #TheNewHumans
(Photo: Anna Ayvazyan)

<figure><img src="image_54.png" /></figure>

<figure><img src="image_55.png" /></figure>

6,830 7:47 AM - Mar 14, 2020

<figure><img src="image_56.png" /></figure>

Extrait de https://i.redd.it/hi3gvbljiqm41.png
# Ré-ensauvagement urbain

<figure><img src="image_51.png" /></figure>

John McCullough

@JohnMcCullough_

<figure><img src="image_52.png" /></figure>

With no tourists to feed rice crackers to the huge deer population in Japan's Nara Park, herds have started entering the train station and moving into the city centre to eat flowers and shrubs in business areas no longer busy. #TheNewHumans (Photo: Anna Ayvazyan)

<figure><img src="image_53.png" /></figure>

<figure><img src="image_54.png" /></figure>

6,830 7:47 AM - Mar 14, 2020

<figure><img src="image_55.png" /></figure>

Extrait de https://i.redd.it/hi3gvbljiqm41.png
2018

<figure><img src="image_57.png" /><figcaption>Canapé Apollo, premier modèle réalisé en 2018, signé Timothy Oulton, Tottenham Court Road, Londres</figcaption></figure>
2018

<figure><img src="image_56.png" /></figure>

Canapé Apollo, premier modèle réalisé en 2018, signé Timothy Oulton, Tottenham Court Road, Londres
# Conquérir l'espace depuis son canapé

par Enza Peissel

Cette pièce d'ameublement, créée par Timothy Oulton studios (marque anglaise de mobilier de luxe), reprend l'apparence et les dimensions exactes de la capsule de la mission de la NASA Apollo 11. Elle a été entièrement façonnée à la main par des artisans, ce qui a exigé 1400 heures de travail.

Si l'extérieur ressemble en tout point à l'original, l'intérieur, lui, est bien différent. En effet, sculpté dans les entrailles de la capsule, on y trouve un canapé en velours rouge pouvant accueillir jusqu'à 8 personnes, orné de coussins en fausse fourrure blanche. Et comme si ce n'était pas déjà assez, le plafond est orné d'un tissu matelassé avec une représentation de la Création de Michel-Ange (fresque centrale de la voûte de la chapelle Sixtine du Vatican à Rome). Kitsch, hein ?!

Mais ce canapé effroyablement extravagant est une belle métaphore de l'idéalisme dont témoigne le phénomène de la conquête de l'espace. En effet, l'espace est un des centres d'intérêt et de curiosité de l'homme depuis bien longtemps : « L'astronomie oblige l'âme à regarder vers le haut, et nous

conduit de ce monde à un autre » (comme le dit Platon). La volonté de le connaître, d'en résoudre le mystère et de s'en empêcher est plus forte que lui. Centre aussi de nombreux mythes, et même de religions, l'espace intrigue. Sa conquête devient allégorie de l'hubris. Nous sommes attirés vers lui comme nous le sommes par l'idée d'un paradis ou d'un nouveau monde.

En dissociant Apollo 11 de ses fonctions primaires tournées vers la découverte et les avancées technologique, ce canapé banalise le travail de nombreux scientifiques. S'il devient l'idée matérialisée du rejet d'une certaine vision des sciences et des technologies, il devient ici un dispositif de sensibilisation à une illusion légendaire.

Si nous en connaissons aujourd'hui beaucoup plus sur l'espace, et surtout sur nos limites le concernant, nous pouvons tout de même garder nos aspirations fantasques pour cet inconnu tout en étant confortablement assis au fond de notre canapé. L'espace à conquérir relève peut-être désormais moins du domaine du réel que de celui de notre imaginaire.
# Conquérir l'espace depuis son canapé

par Enza Peissel

Cette pièce d'ameublement, créée par Timothy Oulton studios (marque anglaise de mobilier de luxe), reprend l'apparence et les dimensions exactes de la capsule de la mission de la NASA Apollo 11. Elle a été entièrement façonnée à la main par des artisans, ce qui a exigé 1400 heures de travail.

Si l'extérieur ressemble en tout point à l'original, l'intérieur, lui, est bien différent. En effet, sculpté dans les entrailles de la capsule, on y trouve un canapé en velours rouge pouvant accueillir jusqu'à 8 personnes, orné de coussins en fausse fourrure blanche. Et comme si ce n'était pas déjà assez, le plafond est orné d'un tissu matelassé avec une représentation de la Création de Michel-Ange (fresque centrale de la voûte de la chapelle Sixtine du Vatican à Rome). Kitsch, hein ?!

Mais ce canapé effroyablement extravagant est une belle métaphore de l'idéalisme dont témoigne le phénomène de la conquête de l'espace. En effet, l'espace est un des centres d'intérêt et de curiosité de l'homme depuis bien longtemps : « L'astronomie oblige l'âme à regarder vers le haut, et nous

conduit de ce monde à un autre » (comme le dit Platon). La volonté de le connaître, d'en résoudre le mystère et de s'en empêcher est plus forte que lui. Centre aussi de nombreux mythes, et même de religions, l'espace intrigue. Sa conquête devient allégorie de l'hubris. Nous sommes attirés vers lui comme nous le sommes par l'idée d'un paradis ou d'un nouveau monde.

En dissociant Apollo 11 de ses fonctions primaires tournées vers la découverte et les avancées technologique, ce canapé banalise le travail de nombreux scientifiques. S'il devient l'idée matérialisée du rejet d'une certaine vision des sciences et des technologies, il devient ici un dispositif de sensibilisation à une illusion légendaire.

Si nous en connaissons aujourd'hui beaucoup plus sur l'espace, et surtout sur nos limites le concernant, nous pouvons tout de même garder nos aspirations fantasiques pour cet inconnu tout en étant confortablement assis au fond de notre canapé. L'espace à conquérir relève peut-être désormais moins du domaine du réel que de celui de notre imaginaire.
2018

# Science-fiction ou Prophétie ?

par Rachel Nezamivand

<figure><img src="image_58.png" /></figure>
2018

# Science-fiction ou Prophétie ?

par Rachel Nezamivand

<figure><img src="image_57.png" /></figure>
Alexa, Siri, ou encore le Google Home. Dans la course actuelle et planétaire à l'innovation, l'intelligence artificielle suscite beaucoup d'en-gouement. Nombreuses sont déjà les tech-nologies présentes dans notre quotidien, telles que les assistants vocaux.

En mai 2018, David Cage du studio français Quantic Dream sortait son nouveau jeu vidéo "Detroit, Become Human" basé sur un scénario de science-fiction-anticipation qui projette ce que pourrait de-venir notre quotidien d'ici une trentaine d'années dans un monde où les avancées technologiques sont exponentielles.

Alors, entre science-fiction et prophétie, où se situe Detroit ? « Le jeu pose beau-coup de questions par rapport à notre passé, notre présent et notre futur » L'ac-tion de Detroit se déroule dans un futur proche, en 2038, dans la ville américaine du même nom devenue la capitale des avancées technologiques en termes de robotique et d'intelligence artificielle. Toutefois, Detroit est au bord du déclin depuis que les "Androïdes" ont investi les rues et les foyers américains il y a dix ans. Cette avancée technologique a permis aux humains d'obtenir une forte croissance économique, et de nombreux avantages tels que la délégation de certains emplois harassants comme les assistants de vie, les baby-sitters, les jardiniers ou encore les garde du corps. Même gain pour les entreprises et les institutions, bienhe-reuses de bénéficier d'une main-d'œuvre rigoureuse qui ne demande aucune rému-nération ni congé maladie.

Toutefois, l'intégration des androïdes dans la société a également créé une forte hausse du taux de criminalité, de pau-vreté et du chômage à plus de 37%; ainsi qu'une nette ségrégation entre humains et machines. La tension est donc palpable à Detroit. David Cage nous propose alors d'incarner trois androïdes différents qui s'éveillent à la conscience. « Prendre le point de vue des androïdes était particu-lièrement intéressant. Ils seraient vic-times de persécution, ils seraient ceux qui voudraient se battre pour avoir une meil-leure vie.”

Les trois personnages vont vivre chacun à leur façon l'émergence des « Déviants » : des androïdes considérés comme défec-tueux parce qu'animés de sentiments humains, avec les troubles que cela peut engendrer.

On finit par s'attacher aux protagonistes, on comprend leurs points de vue, leurs frustrations, leur furieuse envie d'être traités comme des êtres vivants et intel-ligents. *Detroit, Become Human* aborde ainsi la question de la singularité techno-logique. Clairement, l'objectif principal du jeu est de mettre en garde les joueurs sur les implications sociales et philosophiques de l'arrivée future des androïdes, à travers des dilemmes moraux.

Choisir c'est renoncer.

Concernant le gameplay du jeu, *Detroit* est une aventure qui nous bouscule : entre les phases de dialogues, de recherche-exploration ou d'action (parfois minutées), on doit très souvent choisir ses réponses
Alexa, Siri, ou encore le Google Home. Dans la course actuelle et planétaire à l'innovation, l'intelligence artificielle suscite beaucoup d'en-gouement. Nombreuses sont déjà les tech-nologies présentes dans notre quotidien, telles que les assistants vocaux.

En mai 2018, David Cage du studio français Quantic Dream sortait son nouveau jeu vidéo "Detroit, Become Human" basé sur un scénario de science-fiction-anticipation qui projette ce que pourrait de-venir notre quotidien d'ici une trentaine d'années dans un monde où les avancées technologiques sont exponentielles.

Alors, entre science-fiction et prophétie, où se situe Detroit ? « Le jeu pose beau-coup de questions par rapport à notre passé, notre présent et notre futur » L'ac-tion de Detroit se déroule dans un futur proche, en 2038, dans la ville américaine du même nom devenue la capitale des avancées technologiques en termes de robotique et d'intelligence artificielle. Toutefois, Detroit est au bord du déclin depuis que les "Androïdes" ont investi les rues et les foyers américains il y a dix ans. Cette avancée technologique a permis aux humains d'obtenir une forte croissance économique, et de nombreux avantages tels que la délégation de certains emplois harassants comme les assistants de vie, les baby-sitters, les jardiniers ou encore les garde du corps. Même gain pour les entreprises et les institutions, bienhe-reuses de bénéficier d'une main-d'œuvre rigoureuse qui ne demande aucune rému-nération ni congé maladie.

Toutefois, l'intégration des androïdes dans la société a également créé une forte hausse du taux de criminalité, de pau-vreté et du chômage à plus de 37%; ainsi qu'une nette ségrégation entre humains et machines. La tension est donc palpable à Detroit. David Cage nous propose alors d'incarner trois androïdes différents qui s'éveillent à la conscience. « Prendre le point de vue des androïdes était particu-lièrement intéressant. Ils seraient vic-times de persécution, ils seraient ceux qui voudraient se battre pour avoir une meil-leure vie.”

Les trois personnages vont vivre chacun à leur façon l'émergence des « Déviants » : des androïdes considérés comme défec-tueux parce qu'animés de sentiments humains, avec les troubles que cela peut engendrer.

On finit par s'attacher aux protagonistes, on comprend leurs points de vue, leurs frustrations, leur furieuse envie d'être traités comme des êtres vivants et intel-ligents. *Detroit, Become Human* aborde ainsi la question de la singularité techno-logique. Clairement, l'objectif principal du jeu est de mettre en garde les joueurs sur les implications sociales et philosophiques de l'arrivée future des androïdes, à travers des dilemmes moraux.

Choisir c'est renoncer.

Concernant le gameplay du jeu, *Detroit* est une aventure qui nous bouscule : entre les phases de dialogues, de recherche-exploration ou d'action (parfois minutées), on doit très souvent choisir ses réponses
ou agir dans l'urgence, et, par la suite, devoir en assumer l'impact car il n'y a pas de retour en arrière possible. En effet, le fonctionnement du jeu repose sur une timeline qui passe essentiellement par le dialogue. Le choix de répondre, ou de ne pas répondre, pour le joueur implique des conséquences différentes sur le déroulement de l'aventure, que l'on peut distinguer grâce à l'accessibilité de l'arborescence du jeu. En effet, le jeu nous propose de visionner son architecture pour réaliser l'ampleur des choix possibles, semblables à ceux que l'on prend tous les jours dans la vie réelle. " Ce qui est intéressant, c'est lorsque les décisions s'inscrivent dans une palette de nuances où il n'est pas évident de savoir ce que l'on doit faire. J'adore proposer ces types de choix car je trouve que ce sont ceux qui sont les plus significatifs."

" Les androïdes rêvent-ils de moutons électriques ? " La question est posée par l'écrivain incontournable de la science-fiction Philip K. Dick. Le jeu vidéo Detroit ne répond pas à son interrogation mais aborde frontalement celle de l'identité de ces reproductions humaines robotiques faits de métal et de plastique.

L'Homme est sans arrêt à la recherche de moyens techniques afin de se faciliter la vie et trouver plus rapidement des solutions aux problèmes du quotidien. Si nous sommes encore loin d'avoir de tels androïdes autonomes prenant place dans nos maisons et anticipant tous nos besoins, nous pouvons aisément dire que nous sommes à mi-chemin de ce monde. Les avancées technologiques et le progrès sont inévitables, c'est pourquoi il serait judicieux d'anticiper la tournure de notre société à l'avenir si nous ne voulons pas qu'elle se transforme en dystopie comme *Detroit, Become Human*.

L'être humain progresse chaque jour dans le domaine de la Science. A travers son jeu-vidéo, David Cage nous invite à réfléchir sur la définition d'un seuil d'intelligence artificielle que la société devrait atteindre : devrait-il être défini et rester contenu pour ne pas perturber l'humanité ? Ou plutôt être illimité et développé au maximum au risque que nous devenions encore plus dépendants des technologies ?

Seul l'avenir le dira.
ou agir dans l'urgence, et, par la suite, devoir en assumer l'impact car il n'y a pas de retour en arrière possible. En effet, le fonctionnement du jeu repose sur une timeline qui passe essentiellement par le dialogue. Le choix de répondre, ou de ne pas répondre, pour le joueur implique des conséquences différentes sur le déroulement de l'aventure, que l'on peut distinguer grâce à l'accessibilité de l'arborescence du jeu. En effet, le jeu nous propose de visionner son architecture pour réaliser l'ampleur des choix possibles, semblables à ceux que l'on prend tous les jours dans la vie réelle. " Ce qui est intéressant, c'est lorsque les décisions s'inscrivent dans une palette de nuances où il n'est pas évident de savoir ce que l'on doit faire. J'adore proposer ces types de choix car je trouve que ce sont ceux qui sont les plus significatifs."

" Les androïdes rêvent-ils de moutons électriques ? " La question est posée par l'écrivain incontournable de la science-fiction Philip K. Dick. Le jeu vidéo Detroit ne répond pas à son interrogation mais aborde frontalement celle de l'identité de ces reproductions humaines robotiques faits de métal et de plastique.

L'Homme est sans arrêt à la recherche de moyens techniques afin de se faciliter la vie et trouver plus rapidement des solutions aux problèmes du quotidien. Si nous sommes encore loin d'avoir de tels androïdes autonomes prenant place dans nos maisons et anticipant tous nos besoins, nous pouvons aisément dire que nous sommes à mi-chemin de ce monde. Les avancées technologiques et le progrès sont inévitables, c'est pourquoi il serait judicieux d'anticiper la tournure de notre société à l'avenir si nous ne voulons pas qu'elle se transforme en dystopie comme *Detroit, Become Human*.

L'être humain progresse chaque jour dans le domaine de la Science. A travers son jeu-vidéo, David Cage nous invite à réfléchir sur la définition d'un seuil d'intelligence artificielle que la société devrait atteindre : devrait-il être défini et rester contenu pour ne pas perturber l'humanité ? Ou plutôt être illimité et développé au maximum au risque que nous devenions encore plus dépendants des technologies ?

Seul l'avenir le dira.
Enserre-moi très fort dans tes plats !

<figure><img src="image_59.png" /></figure>

Mediamatic ETEN restaurant in Amsterdam, Netherlands - mai 2020

https://d2w9rnfcy7mm78.cloudfront.net/9640519/original_9f6f2460729bc6fdd24c61d43b88f62e.jpg?1606263744?bc=0
Enserre-moi très fort dans tes plats !

<figure><img src="image_58.png" /></figure>

Mediamatic ETEN restaurant in Amsterdam, Netherlands - mai 2020

https://d2w9rnfcy7mm78.cloudfront.net/9640519/original_9f6f2460729bc6fdd24c-61d43b88f62e.jpg?1606263744?bc=0
2018

# Le QR code, du pass sanitaire au musée

par Marie Le Diraison

<figure><img src="image_60.png" /></figure>

Russian Pavilion at the Venice Architecture Biennale designed by SPEECH Techoban_Kuznetsov (Sergei Tchoban, Sergey Kuznetsov, Marina Kuznetskaya, Agniya Sterligova) [Photo de Nico Saieh - Images courtesy of The European Centre for Architecture Art Design and Urban Studies and The Chi-cago Athenaeum : Museum of Architecture and Design www.europeanarch.eu] extrait du site Floornature architecture & surfaces. https://www.floornature.eu/media/photos/1/14098/02_russian-pavilion_venice%20-architecture-bien-nale-by-speech-techoban_kuznetsov_home_sez.jpg
2018

# Le QR code, du pass sanitaire au musée

par Marie Le Diraison

<figure><img src="image_59.png" /></figure>

Russian Pavilion at the Venice Architecture Biennale designed by SPEECH Techoban_Kuznetsov (Sergei Tchoban, Sergey Kuznetsov, Marina Kuznetskaya, Agniya Sterligova) [Photo de Nico Saieh - Images courtesy of The European Centre for Architecture Art Design and Urban Studies and The Chi-cago Athenaeum : Museum of Architecture and Design www.europeanarch.eu] extrait du site Floornature architecture & surfaces. https://www.floornature.eu/media/photos/1/14098/02_russian-pavilion_venice%20-architecture-bien-nale-by-speech-techoban_kuznetsov_home_sez.jpg
Depuis plusieurs années s'est impo-
sé dans notre quotidien le QR code.
Du pass-sanitaire aux panneaux
publicitaires, en passant par les cartes
de restaurants et cartels d'exposition, la
banalité de son usage témoigne de l'ac-
cessibilité des technologies et de l'emprise
qu'elles exercent sur nos vies.

Ci-contre la photographie d'une exposi-
tion organisée à l'occasion de la 13e bien-
nale d'architecture de Venise. Le pavillon
russe y présente, au travers d'une scé-
nographie interactive imaginée par Ser-
guei Tchoban et baptisée I-CITY, le projet
Skolkovo. Les visiteurs sont invités à le
découvrir en utilisant les QR codes qui
tapissent le pavillon, faisant ainsi appa-
raître une ville future. Le QR code n'est
alors plus seulement un outil informa-
tique, c'est une œuvre d'art et un phéno-
mène culturel. Ce qui n'était qu'un simple
dispositif pratique devient ici la voie d'en-
trée vers une expérience sensible.

En observant de telles évolutions des
usages du QR code, des questions sur-
viennent. Pouvons-nous prédire l'impor-
tance que chaque innovation scientifique
et technique aura peut-être demain ? Pou-
vons-nous prévoir l'impact que les techno-
logies auront sur nos vies et les enjeux
qu'elles représentent ? Un peu d'histoire
permet d'entrevoir quelques réponses et
d'éclairer l'interprétation que l'on peut
faire de ce dispositif culturel.

Ce QR code, signe de notre modernité, agit
comme une médiation entre la matériali-
té d'un objet et son identité virtuelle. Il
est une porte entre deux mondes : numé-
rique et physique. Créé dans une logique
économique, il est le symbole des muta-
tions du capitalisme dans son ensemble.

C'est en 1994 que le QR code apparait au
Japon dans le secteur de l'automobile.
Acronyme de Quick Response Code, c'est
un type de code-barres au design de laby-
rinthe en noir et blanc, capable de stocker
une grande quantité d'informations. C'est
une motivation marchande qui pousse à
sa création. Taiichi Ohno, ingénieur de
la filiale automobile Toyota, est un grand
maître d'œuvre de l'organisation scienti-
fique du travail. Il souhaite améliorer la
logistique de son entreprise. C'est ainsi
qu'il créé le QR code, 200 fois plus puis-
sant qu'un code-barres standard. Il faut
toutefois attendre son usage au titre du
pass sanitaire pour percer chez nous. Et
très rapidement, il se révèle être plus
qu'un simple outil pratique.

L'histoire et l'évolution de ce dispositif
témoignent de la démocratisation et de
l'accessibilité des nouvelles technologies.
Symbole de notre société moderne où tout
semble pouvoir être simplifié et amélioré,
ce genre de technologie apporte des
avantages tels que nous faisons souvent
abstraction des inconvénients qu'elle ap-
porte. Quel que soit son contexte d'usage,
le QR code a su, par exemple, répondre à
nombre de besoins. Il est le symbole du
progrès technique dans ce qu'il offre de
plus beau : améliorer la vie de l'être hu-
main et du vivre ensemble. Cependant,
ce genre de dispositif pousse à interroger
certaines normes d'usage et la place que
nous accordons aux technologies dans
nos vies. Avons-nous réellement besoin
d'un QR code pour remplacer les menus
papiers au restaurant ? Est-ce nécessaire
à la médiation culturelle d'un musée de
disposer d'un QR code sous chaque œuvre,
donnant des explicatifs au lieu de faire
appel à un guide ? Comme de nombreuses
applications sur notre smartphone, leurs
Depuis plusieurs années s'est impo-
sé dans notre quotidien le QR code.
Du pass-sanitaire aux panneaux
publicitaires, en passant par les cartes
de restaurants et cartels d'exposition, la
banalité de son usage témoigne de l'ac-
cessibilité des technologies et de l'emprise
qu'elles exercent sur nos vies.

Ci-contre la photographie d'une exposi-
tion organisée à l'occasion de la 13e bien-
nale d'architecture de Venise. Le pavillon
russe y présente, au travers d'une scé-
nographie interactive imaginée par Ser-
guei Tchoban et baptisée I-CITY, le projet
Skolkovo. Les visiteurs sont invités à le
découvrir en utilisant les QR codes qui
tapissent le pavillon, faisant ainsi appa-
raître une ville future. Le QR code n'est
alors plus seulement un outil informa-
tique, c'est une œuvre d'art et un phéno-
mène culturel. Ce qui n'était qu'un simple
dispositif pratique devient ici la voie d'en-
trée vers une expérience sensible.

En observant de telles évolutions des
usages du QR code, des questions sur-
viennent. Pouvons-nous prédire l'impor-
tance que chaque innovation scientifique
et technique aura peut-être demain ? Pou-
vons-nous prévoir l'impact que les techno-
logies auront sur nos vies et les enjeux
qu'elles représentent ? Un peu d'histoire
permet d'entrevoir quelques réponses et
d'éclairer l'interprétation que l'on peut
faire de ce dispositif culturel.

Ce QR code, signe de notre modernité, agit
comme une médiation entre la matériali-
té d'un objet et son identité virtuelle. Il
est une porte entre deux mondes : numé-
rique et physique. Créé dans une logique
économique, il est le symbole des muta-
tions du capitalisme dans son ensemble.

C'est en 1994 que le QR code apparait au
Japon dans le secteur de l'automobile.
Acronyme de Quick Response Code, c'est
un type de code-barres au design de laby-
rinthe en noir et blanc, capable de stocker
une grande quantité d'informations. C'est
une motivation marchande qui pousse à
sa création. Taiichi Ohno, ingénieur de
la filiale automobile Toyota, est un grand
maître d'œuvre de l'organisation scienti-
fique du travail. Il souhaite améliorer la
logistique de son entreprise. C'est ainsi
qu'il créé le QR code, 200 fois plus puis-
sant qu'un code-barres standard. Il faut
toutefois attendre son usage au titre du
pass sanitaire pour percer chez nous. Et
très rapidement, il se révèle être plus
qu'un simple outil pratique.

L'histoire et l'évolution de ce dispositif
témoignent de la démocratisation et de
l'accessibilité des nouvelles technologies.
Symbole de notre société moderne où tout
semble pouvoir être simplifié et amélioré,
ce genre de technologie apporte des
avantages tels que nous faisons souvent
abstraction des inconvénients qu'elle ap-
porte. Quel que soit son contexte d'usage,
le QR code a su, par exemple, répondre à
nombre de besoins. Il est le symbole du
progrès technique dans ce qu'il offre de
plus beau : améliorer la vie de l'être hu-
main et du vivre ensemble. Cependant,
ce genre de dispositif pousse à interroger
certaines normes d'usage et la place que
nous accordons aux technologies dans
nos vies. Avons-nous réellement besoin
d'un QR code pour remplacer les menus
papiers au restaurant ? Est-ce nécessaire
à la médiation culturelle d'un musée de
disposer d'un QR code sous chaque œuvre,
donnant des explicatifs au lieu de faire
appel à un guide ? Comme de nombreuses
applications sur notre smartphone, leurs
usages ne sont pas indispensables. Ils le semblent pourtant. Les technologies, par leur accessibilité et leur pouvoir de simplifier nos actions quotidiennes, permettent de créer des besoins imaginaires et des désirs insatiables, car le consommateur en veut toujours plus.

Ainsi le QR code, langage du commerce et de la grande distribution, de la consommation de masse et du toujours plus, est aussi le symbole de notre société capitaliste dans laquelle la vitesse et l'efficacité sont devenues le nouvel orgasme de l'être humain contemporain. Des caisses automatiques aux bornes dans les gares, ou encore internet reliant sans les contraintes du face-à-face tout ce qui est dans ce monde, ces dispositifs marquent l'avènement d'un nouveau paradigme de notre société, où l'interaction humaine et notre relation au monde se sont transformées. L'avancée des sciences et techniques et leur insertion dans nos vies se font à une

vitesse telle que nous ne prenons pas toujours le recul nécessaire. Omniprésentes, il nous paraît difficile de vivre sans elles tant elles semblent nous faciliter la vie au quotidien. Créées pour nous servir, elles exercent un tel pouvoir sur nos vies qu'elles sont parfois susceptibles de nous asservir, et ce sans que nous nous en rendions forcément compte.

Le QR code est devenu l'un des symboles des technologies invasives. Ce dispositif incite à réfléchir à nos manières de vivre avec elles. Dispositif formel de médiation entre la matérialité d'un objet et son identité virtuelle, il est aussi informel dans le sens qu'il raconte beaucoup plus que ce qu'il en a l'air. Sous son apparence ano-dine, un simple outil informatique, utile et pratique, il amène aussi à des ques-tions plus profondes, en invitant à se pencher sur les implications sociales et philosophiques de notre rapport au monde au travers de ces technologies.
usages ne sont pas indispensables. Ils le semblent pourtant. Les technologies, par leur accessibilité et leur pouvoir de simplifier nos actions quotidiennes, permettent de créer des besoins imaginaires et des désirs insatiables, car le consommateur en veut toujours plus.

Ainsi le QR code, langage du commerce et de la grande distribution, de la consommation de masse et du toujours plus, est aussi le symbole de notre société capitale dans laquelle la vitesse et l'efficacité sont devenues le nouvel orgasme de l'être humain contemporain. Des caisses automatiques aux bornes dans les gares, ou encore internet reliant sans les contraintes du face-à-face tout ce qui est dans ce monde, ces dispositifs marquent l'avènement d'un nouveau paradigme de notre société, où l'interaction humaine et notre relation au monde se sont transformées. L'avancée des sciences et techniques et leur insertion dans nos vies se font à une

vitesse telle que nous ne prenons pas toujours le recul nécessaire. Omniprésentes, il nous paraît difficile de vivre sans elles tant elles semblent nous faciliter la vie au quotidien. Créées pour nous servir, elles exercent un tel pouvoir sur nos vies qu'elles sont parfois susceptibles de nous asservir, et ce sans que nous nous en rendions forcément compte.

Le QR code est devenu l'un des symboles des technologies invasives. Ce dispositif incite à réfléchir à nos manières de vivre avec elles. Dispositif formel de médiation entre la matérialité d'un objet et son identité virtuelle, il est aussi informel dans le sens qu'il raconte beaucoup plus que ce qu'il en a l'air. Sous son apparence ano-dine, un simple outil informatique, utile et pratique, il amène aussi à des ques-tions plus profondes, en invitant à se pencher sur les implications sociales et philosophiques de notre rapport au monde au travers de ces technologies.
<figure><img src="image_61.png" /></figure>

Extrait du blog «Humour, coronavirus et déconfinement vu par Michel Heffe» - 25 mai 2020

https://www.unidivers.fr/wp-content/uploads/2020/05/michel_h_10euros2-e1588505186373.jpg
<figure><img src="image_60.png" /></figure>

Extrait du blog «Humour, coronavirus et déconfinement vu par Michel Heffe» - 25 mai 2020

https://www.unidivers.fr/wp-content/uploads/2020/05/michel_h_10euros2-e1588505186373.jpg
2017

# Des neurosciences dans le paysage grenoblois

par Aude Grezy

<figure><img src="image_62.png" /><figcaption>Photo du Pôle hydraulique EDF de Saint-Martin-le-Vinoux. Source : Site internet de GA Smart Building.</figcaption></figure>
2017

# Des neurosciences dans le paysage grenoblois

par Aude Grezy

<figure><img src="image_61.png" /><figcaption>Photo du Pôle hydraulique EDF de Saint-Martin-le-Vinoux. Source : Site internet de GA Smart Building.</figcaption></figure>
Lovée au milieu des montagnes, la ville de Grenoble est bâtie sur un plan tant humain qu'économique grâce au développement des sciences et techniques. Dès le 18e siècle, ouvriers et ingénieurs Grenoblois entreprennent l'extraction des pierres de la région pour la fabrication des chaux et ciments. Dans le sillon tracé par l'industrie lourde, ils font également tourner des industries de papeterie innovantes, et s'échinent dans des usines de métallurgie. Mais Grenoble est surtout le berceau de l'hydroélectricité : l'utilisation de la puissance des chutes d'eau en provenance des glaciers pour la production d'une énergie propre. Aussi appelée la houille blanche par opposition à la houille noire qu'est le charbon, cette technologie est popularisée à l'Exposition universelle de 1889, et devient un symbole scientifique et industriel de la ville.

Depuis, l'histoire Grenobloise n'a de cesse de se construire en parallèle de l'essor de la technologie. Durant le premier conflit mondial, les industries grenobloises sont au cœur de l'effort de guerre : usines chimiques, fabriques industrielles de biscuits pour les soldats, et évidemment la fabrication d'armes.

En 1956, le CEA implante à Grenoble un site de recherche en nucléaire, devenant à la fois le symbole scientifique, l'objet de controverse et de polémiques au sein de l'agglomération. En 2020, alors que le CEA démantèle sa recherche en nucléaire et reconverti ses thèmes de prédilection, le site est toujours présent. Environ 6000 scientifiques y travaillent toujours aujourd'hui. Désormais, avec son hôpital universitaire et ses nombreuses entreprises, Grenoble est devenue un bassin

de recherche scientifique richement doté : électronique, énergies, intelligence artificielle, nanotechnologies, médecine... et évidemment géologie.

Si vous passez par l'office du tourisme, vous pourrez y trouver une carte postale ou un mug avec une inscription du type : « Je cherche donc je vis à Grenoble ». Berceau dédié aux sciences, même l'activité culturelle s'est tournée vers ces dernières avec la création, en 1979, du premier Centre de culture des sciences, des techniques et de l'industrie en France (CCSTI la Casemate) ou encore la première labellisation d'un théâtre « arts et sciences » en 2014 (le Théâtre de l'Hexagone Scène nationale des arts et des sciences).

La science s'affiche partout dans l'espace public Grenoblois sous une forme ou une autre. Sa présence la plus populaire est la célèbre tour de béton du parc Mistral. Mais l'allusion scientifique s' invite parfois plus subtilement. Lors de votre entrée à Grenoble, si vous sortez de l'auto-route par la RN481, votre voyage croisera d'abord le site de production de ciment de l'entreprise Vicat, avec sa petite navette qui s' envole vers la montagne. Mais un peu plus loin, si vous détachez votre attention des montagnes, un bâtiment attirera votre œil. Il s' agit du centre de formation aux métiers de l'hydraulique d'EDF. Construit en 2017, des étudiants y apprennent la manipulation des turbines et vannes. Mais votre attention sera captée par un détail architectural qui respire la science : une illusion d'optique.

Regardez la façade faite d'alternances de noir et de blanc. Elle vous donne l'impression lorsque vous passez devant que
Lovée au milieu des montagnes, la ville de Grenoble est bâtie sur un plan tant humain qu'économique grâce au développement des sciences et techniques. Dès le 18e siècle, ouvriers et ingénieurs Grenoblois entreprennent l'extraction des pierres de la région pour la fabrication des chaux et ciments. Dans le sillon tracé par l'industrie lourde, ils font également tourner des industries de papeterie innovantes, et s'échinent dans des usines de métallurgie. Mais Grenoble est surtout le berceau de l'hydroélectricité : l'utilisation de la puissance des chutes d'eau en provenance des glaciers pour la production d'une énergie propre. Aussi appelée la houille blanche par opposition à la houille noire qu'est le charbon, cette technologie est popularisée à l'Exposition universelle de 1889, et devient un symbole scientifique et industriel de la ville.

Depuis, l'histoire Grenobloise n'a de cesse de se construire en parallèle de l'essor de la technologie. Durant le premier conflit mondial, les industries grenobloises sont au cœur de l'effort de guerre : usines chimiques, fabriques industrielles de biscuits pour les soldats, et évidemment la fabrication d'armes.

En 1956, le CEA implante à Grenoble un site de recherche en nucléaire, devenant à la fois le symbole scientifique, l'objet de controverse et de polémiques au sein de l'agglomération. En 2020, alors que le CEA démantèle sa recherche en nucléaire et reconverti ses thèmes de prédilection, le site est toujours présent. Environ 6000 scientifiques y travaillent toujours aujourd'hui. Désormais, avec son hôpital universitaire et ses nombreuses entreprises, Grenoble est devenue un bassin

de recherche scientifique richement doté : électronique, énergies, intelligence artificielle, nanotechnologies, médecine... et évidemment géologie.

Si vous passez par l'office du tourisme, vous pourrez y trouver une carte postale ou un mug avec une inscription du type : « Je cherche donc je vis à Grenoble ». Berceau dédié aux sciences, même l'activité culturelle s'est tournée vers ces dernières avec la création, en 1979, du premier Centre de culture des sciences, des techniques et de l'industrie en France (CCSTI la Casemate) ou encore la première labellisation d'un théâtre « arts et sciences » en 2014 (le Théâtre de l'Hexagone Scène nationale des arts et des sciences).

La science s'affiche partout dans l'espace public Grenoblois sous une forme ou une autre. Sa présence la plus populaire est la célèbre tour de béton du parc Mistral. Mais l'allusion scientifique s' invite parfois plus subtilement. Lors de votre entrée à Grenoble, si vous sortez de l'auto-route par la RN481, votre voyage croisera d'abord le site de production de ciment de l'entreprise Vicat, avec sa petite navette qui s' envole vers la montagne. Mais un peu plus loin, si vous détachez votre attention des montagnes, un bâtiment attirera votre œil. Il s' agit du centre de formation aux métiers de l'hydraulique d'EDF. Construit en 2017, des étudiants y apprennent la manipulation des turbines et vannes. Mais votre attention sera captée par un détail architectural qui respire la science : une illusion d'optique.

Regardez la façade faite d'alternances de noir et de blanc. Elle vous donne l'impression lorsque vous passez devant que
les lignes horizontales ne sont pas parallèles entre elles. Pourtant elles le sont, et les étudiants marchent bien sur un sol plat à chaque étage ! Cette impression de distorsion est le résultat de l'effet dit de bordure, lui-même dû à l'alignement des carreaux noirs et blancs. Ce leurre est décrit pour la première fois en 1890 en Grande-Bretagne, suite à son observation sur le mur recouvert de carreaux de faïence noire et blanche d'un café de la ville de Bristol : on l'appelle pour cela l'illusion du mur de café.

Les illusions d'optiques servent souvent les architectes et les artistes plasticiens. Mais elles sont avant tout un outil précieux des scientifiques. En effet, elles constituent un moyen d'étude formidable du cerveau humain. Les neuroscientifiques les ont beaucoup étudié pour tenir de comprendre le fonctionnement de notre perception visuelle. Grenoble est-elle aussi une ville de neuroscientifiques ?

Évidemment ! Le GIN (Grenoble Institute des Neurosciences) ainsi que le LPNC (Laboratoire de Psychologie et de Neuro-Cognition) conduisent des recherches diverses sur la compréhension du cerveau et de la cognition humaine.

L'utilisation de cette illusion en architecture n'est pas nouvelle. Elle est d'ailleurs exploitée de façon beaucoup plus impressionnante sur un bâtiment bien connu de Melbourne en Australie. À Grenoble cependant l'illusion est subtile. Peut-être même n'est-elle pas voulue. Et pourtant, l'œil s'y cogne malgré lui.

Cette illusion d'optique attire inconsciemment l'œil sur un lieu de formation de futurs techniciens, ingénieurs et chercheurs en énergie hydrauliques Grenoblois. L'époque de la houille blanche se mêle alors aujourd'hui, consciemment ou non, sous les yeux des automobilistes, à celle des neurosciences.
les lignes horizontales ne sont pas parallèles entre elles. Pourtant elles le sont, et les étudiants marchent bien sur un sol plat à chaque étage ! Cette impression de distorsion est le résultat de l'effet dit de bordure, lui-même dû à l'alignement des carreaux noirs et blancs. Ce leurre est décrit pour la première fois en 1890 en Grande-Bretagne, suite à son observation sur le mur recouvert de carreaux de faïence noire et blanche d'un café de la ville de Bristol : on l'appelle pour cela l'illusion du mur de café.

Les illusions d'optiques servent souvent les architectes et les artistes plasticiens. Mais elles sont avant tout un outil précieux des scientifiques. En effet, elles constituent un moyen d'étude formidable du cerveau humain. Les neuroscientifiques les ont beaucoup étudié pour tenir de comprendre le fonctionnement de notre perception visuelle. Grenoble est-elle aussi une ville de neuroscientifiques ?

Évidemment ! Le GIN (Grenoble Institute des Neurosciences) ainsi que le LPNC (Laboratoire de Psychologie et de Neuro-Cognition) conduisent des recherches diverses sur la compréhension du cerveau et de la cognition humaine.

L'utilisation de cette illusion en architecture n'est pas nouvelle. Elle est d'ailleurs exploitée de façon beaucoup plus impressionnante sur un bâtiment bien connu de Melbourne en Australie. À Grenoble cependant l'illusion est subtile. Peut-être même n'est-elle pas voulue. Et pourtant, l'œil s'y cogne malgré lui.

Cette illusion d'optique attire inconsciemment l'œil sur un lieu de formation de futurs techniciens, ingénieurs et chercheurs en énergie hydrauliques Grenoblois. L'époque de la houille blanche se mêle alors aujourd'hui, consciemment ou non, sous les yeux des automobilistes, à celle des neurosciences.
Les animaux se révoltent contre les humains

<figure><img src="image_63.png" /></figure>

Dessin du Pixel Vengeur (Benoît Serrou) Extrait du blog Reporterre - 25 mars 2020

https://reporterre.net/local/cache-vignettes/L720xH480/arton20054-971ba.jpg?1698124400
Les animaux se révoltent contre les humains

<figure><img src="image_62.png" /></figure>

Dessin du Pixel Vengeur (Benoît Serrou) Extrait du blog Reporterre - 25 mars 2020

https://reporterre.net/local/cache-vignettes/L720xH480/arton20054-971ba.jpg?1698124400
2013

# Prends garde à toi

par Muriel Ben Soussan, Loïc Ducarme, Michel Letté et Floriane Malvolti

<figure><img src="image_64.png" /><figcaption>Stromae - carmen (Official Video) sur https://www.youtube.com/watch?v=UKftOH54iNU
Capture d'écran à 2 min 24 s</figcaption></figure>
2013

# Prends garde à toi

par Muriel Ben Soussan, Loïc Ducarme, Michel Letté et Floriane Malvolti

<figure><img src="image_63.png" /></figure>

Stromae - carmen (Official Video) sur https://www.youtube.com/watch?v=UKftOH54iNU
Capture d'écran à 2 min 24 s
Sur l'image ci-contre, il y a des oiseaux bleus de différentes tailles. Ils ont les sourcils froncés et font la moue. Il y des personnages sur ces oiseaux : le personnage principal du clip à droite, c'est Obama chevauchant un oiseau avec le drapeau des États-Unis et la reine d'Angleterre au centre.

Un seul personnage est sans oiseau : la jeune fille qui court.

Il y a également des flèches de différentes couleurs et différentes tailles, elles sont à différentes hauteurs, posées sur des poteaux. Elles indiquent toutes la même direction et se reflètent au sol, tout comme les oiseaux et les personnages.

La lumière de cette scène est une lumière blanche artificielle.

Une phrase : “One day you love.”

Les oiseaux représentent les comptes Twitter. Leur taille signifie celle du compte associé. Ils dirigent les personnes et vont dans le sens des flèches.

Ces flèches obligent à suivre la même direction, à rentrer dans la norme, on n'a pas le choix. Elles imposent plus de contrôle.

Cette scène se déroule dans un monde artificiel rappelé par la lumière et le sol lisse. Ce sol peut être le symbole de la superficialité, on n'est que le reflet de soi-même, on vit à travers. Il peut aussi rappeler le miroir dans le mythe de Narcisse, les gens deviennent de plus en plus égocentrés avec Twitter.

Ces oiseaux évoquent également le désin animé “Angry Birds”, peut-être pour interpeller les enfants.

La femme sans oiseau est sans doute la seule qui adhère encore à la réalité, qui maîtrise son instant. Elle va dans le même sens que les autres pour tenter de rattraper son amoureux.

Cette image renvoie à l'addiction aux réseaux sociaux et au narcissisme qui en découle.

C'est un plan large, vision globale comme la globalisation via Twitter.

Le fait que tous les oiseaux et les humains aillent dans le même sens interroge sur la fuite en avant de la société, sur l'absence de remise en question....

Quand la réalité des sentiments cherche à s'imposer, c'est un échec. C'est à cette réflexion qu' invite l'ensemble du clip.
Sur l'image ci-contre, il y a des oiseaux bleus de différentes tailles. Ils ont les sourcils froncés et font la moue. Il y des personnages sur ces oiseaux : le personnage principal du clip à droite, c'est Obama chevauchant un oiseau avec le drapeau des États-Unis et la reine d'Angleterre au centre.

Un seul personnage est sans oiseau : la jeune fille qui court.

Il y a également des flèches de différentes couleurs et différentes tailles, elles sont à différentes hauteurs, posées sur des poteaux. Elles indiquent toutes la même direction et se reflètent au sol, tout comme les oiseaux et les personnages.

La lumière de cette scène est une lumière blanche artificielle.

Une phrase : “One day you love.”

Les oiseaux représentent les comptes Twitter. Leur taille signifie celle du compte associé. Ils dirigent les personnes et vont dans le sens des flèches.

Ces flèches obligent à suivre la même direction, à rentrer dans la norme, on n'a pas le choix. Elles imposent plus de contrôle.

Cette scène se déroule dans un monde artificiel rappelé par la lumière et le sol lisse. Ce sol peut être le symbole de la superficialité, on n'est que le reflet de soi-même, on vit à travers. Il peut aussi rappeler le miroir dans le mythe de Narcisse, les gens deviennent de plus en plus égocentrés avec Twitter.

Ces oiseaux évoquent également le désin animé “Angry Birds”, peut-être pour interpeller les enfants.

La femme sans oiseau est sans doute la seule qui adhère encore à la réalité, qui maîtrise son instant. Elle va dans le même sens que les autres pour tenter de rattraper son amoureux.

Cette image renvoie à l'addiction aux réseaux sociaux et au narcissisme qui en découle.

C'est un plan large, vision globale comme la globalisation via Twitter.

Le fait que tous les oiseaux et les humains aillent dans le même sens interrogé sur la fuite en avant de la société, sur l'absence de remise en question....

Quand la réalité des sentiments cherche à s'imposer, c'est un échec. C'est à cette réflexion qu' invite l'ensemble du clip.
Sur l'air de Carmen de Bizet, Stromae pointe la servitude volontaire à laquelle nous semblons succomber si facilement face à l'attraction qu'exercent les réseaux sociaux en général – et ici singulièrement Tweeter. En 3 minutes d'images, un « prends garde à toi ! » entêtant et des jeux de mots incisifs, ce clip questionne les risques d'addiction et leurs conséquences psychosociales.

Le scénario met en scène le chanteur rythmant dès son plus jeune âge chaque instant de sa vie par des tweets compulsifs.

L'oiseau bleu icône de Twitter y occupe toute la place, au sens propre comme au figuré. D'abord piaf sympathique, il devient un effrayant monstre agressif, aux yeux hypnotiques et au bec affublé de crocs. La fin montre un monstre dont la croissance impose la digestion de nouveaux utilisateurs, tous finissants dans une poubelle.

Si dénoncer les faux-semblants de ces entreprises cotées à plusieurs milliards de dollars n'est en rien original, le lien avec les STS l'est en revanche un peu plus. Aucune vocation pour l'artiste de faire ici acte de médiation culturelle de ces questions. Il aborde pourtant – certes de façon informelle – le thème de l'aliénation par les réseaux sociaux. Audio-visuellement percutant, le propos ne peut que piquer au vif leurs adeptes.

Une communication au cordeau sur Facebook aura au demeurant généré 8 millions de vues en moins de 48h, ce qui en aura fait un redoutable vecteur de prolifération, tant du message que du succès commercial de l'opération.
Sur l'air de Carmen de Bizet, Stromae pointe la servitude volontaire à laquelle nous semblons succomber si facilement face à l'attraction qu'exercent les réseaux sociaux en général – et ici singulièrement Tweeter. En 3 minutes d'images, un « prends garde à toi ! » entêtant et des jeux de mots incisifs, ce clip questionne les risques d'addiction et leurs conséquences psychosociales.

Le scénario met en scène le chanteur rythmant dès son plus jeune âge chaque instant de sa vie par des tweets compulsifs.

L'oiseau bleu icône de Twitter y occupe toute la place, au sens propre comme au figuré. D'abord piaf sympathique, il devient un effrayant monstre agressif, aux yeux hypnotiques et au bec affublé de crocs. La fin montre un monstre dont la croissance impose la digestion de nouveaux utilisateurs, tous finissants dans une poubelle.

Si dénoncer les faux-semblants de ces entreprises cotées à plusieurs milliards de dollars n'est en rien original, le lien avec les STS l'est en revanche un peu plus. Aucune vocation pour l'artiste de faire ici acte de médiation culturelle de ces questions. Il aborde pourtant – certes de façon informelle – le thème de l'aliénation par les réseaux sociaux. Audio-visuellement percutant, le propos ne peut que piquer au vif leurs adeptes.

Une communication au cordeau sur Facebook aura au demeurant généré 8 millions de vues en moins de 48h, ce qui en aura fait un redoutable vecteur de prolifération, tant du message que du succès commercial de l'opération.
<figure><img src="image_65.png" /></figure>

Dessin de Ygreck - Extrait du compte Facebook de La Résidence Sainte Claire EHPAD
Noyant la Gravoyère - 2 avril 2020
<figure><img src="image_64.png" /></figure>

Dessin de Ygreck - Extrait du compte Facebook de La Résidence Sainte Claire EHPAD
Noyant la Gravoyère - 2 avril 2020
2010

<figure><img src="image_66.png" /></figure>

Date de réalisation : octobre 2010

Localisation : 175 rue Anatole France - BREST

crédit : @DanieleNguyenDucLong

Maître d'ouvrage : Brest Métropole Océane – Communauté urbaine

Maitre d'œuvre : CitéCréation

https://citecreation.fr/realisation/parcours-de-murs-peints-rive-gauche-brest-france/
2010

<figure><img src="image_65.png" /></figure>

Date de réalisation : octobre 2010

Localisation : 175 rue Anatole France - BREST

crédit : @DanieleNguyenDucLong

Maître d'ouvrage : Brest Métropole Océane – Communauté urbaine

Maitre d'œuvre : CitéCréation

https://citecreation.fr/realisation/parcours-de-murs-peints-rive-gauche-brest-france/
# Street art et patrimoine industriel à Brest

par Gwenaelle Frans

Cette fresque de Benjamin Flao s'inscrit dans le cadre d'un important programme de revitalisation du quartier des Quatre Moulins de Brest : « Les murs prennent la parole ». Cet embellissement est destiné à améliorer la qualité de vie urbaine de leurs habitants. L'opération comporte un parcours de neuf fresques de thématiques diverses : le voyage, la musique, l'océanographie, etc. Toutes sont liées au patrimoine et à l'identité de la ville de Brest.

Initié en 2000, le projet est issu de l'implication et de la collaboration des habitants, des acteurs du territoire, et du chanteur Miossec, parrain du projet. Le parcours a été réalisé par CitéCréation, une entreprise coopérative lyonnaise spécialiste mondiale en matière de décoration et de scénographie urbaine.

C'est Benjamin Flao, illustrateur et auteur de bande dessinée, qui a été retenu pour concevoir la présente fresque qui évoque, à travers la construction d'un bateau imaginaire, l'ambiance et l'atmosphère des chantiers de construction navale de l'ancien arsenal de Brest au 19e siècle.

## De l'imaginaire à l'histoire

En regardant l'œuvre, notre imaginaire s'envole. Nous pouvons entendre le bruit des machines, du chantier, des hommes et des mouettes volant au-dessus du site industriel. Nous pouvons sentir l'odeur de différentes émanations produites par le chantier, nous pouvons percevoir les éclats de voix des ouvriers tantôt entrain de pester, tantôt entrain de rire le temps d'une pause ou à la fin d'une dure journée. À travers cette fresque, nous retournons dans le passé de l'arsenal de Brest, dans son histoire.

C'est une histoire riche, avec un passé industriel unique. Car l'histoire de l'arsenal de Brest fait partie de l'histoire militaire-navale de la France. Il fût créé en 1631 par le cardinal Richelieu, le but étant de renouveler la flotte royale. Il a été conçu de manière à pouvoir accueillir les grands navires de guerre du 17e siècle. Niché au cœur de la ville, l'arsenal construit, arme et répare en partie les vaisseaux de guerre, devenant ainsi un gigantesque complexe militaro-industriel, à l'image des ports de Toulon et de Rochefort.
# Street art et patrimoine industriel à Brest

par Gwenaelle Frans

Cette fresque de Benjamin Flao s'inscrit dans le cadre d'un important programme de revitalisation du quartier des Quatre Moulins de Brest : « Les murs prennent la parole ». Cet embellissement est destiné à améliorer la qualité de vie urbaine de leurs habitants. L'opération comporte un parcours de neuf fresques de thématiques diverses : le voyage, la musique, l'océanographie, etc. Toutes sont liées au patrimoine et à l'identité de la ville de Brest.

Initié en 2000, le projet est issu de l'implication et de la collaboration des habitants, des acteurs du territoire, et du chanteur Miossec, parrain du projet. Le parcours a été réalisé par CitéCréation, une entreprise coopérative lyonnaise spécialiste mondiale en matière de décoration et de scénographie urbaine.

C'est Benjamin Flao, illustrateur et auteur de bande dessinée, qui a été retenu pour concevoir la présente fresque qui évoque, à travers la construction d'un bateau imaginaire, l'ambiance et l'atmosphère des chantiers de construction navale de l'ancien arsenal de Brest au 19e siècle.

## De l'imaginaire à l'histoire

En regardant l'œuvre, notre imaginaire s'envole. Nous pouvons entendre le bruit des machines, du chantier, des hommes et des mouettes volant au-dessus du site industriel. Nous pouvons sentir l'odeur de différentes émanations produites par le chantier, nous pouvons percevoir les éclats de voix des ouvriers tantôt entrain de pester, tantôt entrain de rire le temps d'une pause ou à la fin d'une dure journée. À travers cette fresque, nous retournons dans le passé de l'arsenal de Brest, dans son histoire.

C'est une histoire riche, avec un passé industriel unique. Car l'histoire de l'arsenal de Brest fait partie de l'histoire militaire-navale de la France. Il fût créé en 1631 par le cardinal Richelieu, le but étant de renouveler la flotte royale. Il a été conçu de manière à pouvoir accueillir les grands navires de guerre du 17e siècle. Niché au cœur de la ville, l'arsenal construit, arme et répare en partie les vaisseaux de guerre, devenant ainsi un gigantesque complexe militaro-industriel, à l'image des ports de Toulon et de Rochefort.
## Réservoir d'activités et d'innovations techno-industrielles

L'arsenal était donc le siège d'une véritable activité économique. La construction d'un navire mobilise tout un panel de savoir-faire complexes et de techniques. Des innovations voient le jour pour mécaniser, rationaliser et faciliter ces opérations qui demandent une logistique considérable, en raison des poids et des volumes à assembler et à déplacer.

Les principaux corps de métiers sont les maîtres de haches, qui deviennent les maîtres-constructeurs (architectes naults), les charpentiers, les calfats, les sculpteurs. Les corps de métiers dominants concernent directement la fabrication de la coque du navire. De nombreux ateliers spécialisés préparent les pièces nécessaires aux navires : corderie, voilerie, menuiserie, sculpture, forge.

Dans la seconde moitié du 19e siècle, l'arsenal se modernise considérablement pour répondre aux exigences nouvelles de la flotte. Car la Marine s'engage dans trois innovations technologiques majeures : la

propulsion à vapeur, l'obus explosif et la construction métallique. Ces mutations techniques imposent à l'arsenal d'entreprendre d'importantes transformations de son infrastructure : creusement de nouveaux bassins et agrandissement des anciens, création d'ateliers d'ajustage, de forges et de fonderies.

Véritable poumon de la ville, l'arsenal a rythmé la croissance et la prospérité de la cité au fil des siècles.

C'est donc au détour d'une rue que le street-art met en scène, par l'imaginaire, le souvenir de l'histoire d'une ville. Au-delà de la seule charge nostalgique d'une activité industrielle disparue, la fresque expose la relation entre l'art et l'industrie dans le nouveau paysage urbain brestois.
## Réservoir d'activités et d'innovations techno-industrielles

L'arsenal était donc le siège d'une véritable activité économique. La construction d'un navire mobilise tout un panel de savoir-faire complexes et de techniques. Des innovations voient le jour pour mécaniser, rationaliser et faciliter ces opérations qui demandent une logistique considérable, en raison des poids et des volumes à assembler et à déplacer.

Les principaux corps de métiers sont les maîtres de haches, qui deviennent les maîtres-constructeurs (architectes naults), les charpentiers, les calfats, les sculpteurs. Les corps de métiers dominants concernent directement la fabrication de la coque du navire. De nombreux ateliers spécialisés préparent les pièces nécessaires aux navires : corderie, voilerie, menuiserie, sculpture, forge.

Dans la seconde moitié du 19e siècle, l'arsenal se modernise considérablement pour répondre aux exigences nouvelles de la flotte. Car la Marine s'engage dans trois innovations technologiques majeures : la

propulsion à vapeur, l'obus explosif et la construction métallique. Ces mutations techniques imposent à l'arsenal d'entreprendre d'importantes transformations de son infrastructure : creusement de nouveaux bassins et agrandissement des anciens, création d'ateliers d'ajustage, de forges et de fonderies.

Véritable poumon de la ville, l'arsenal a rythmé la croissance et la prospérité de la cité au fil des siècles.

C'est donc au détour d'une rue que le street-art met en scène, par l'imaginaire, le souvenir de l'histoire d'une ville. Au-delà de la seule charge nostalgique d'une activité industrielle disparue, la fresque expose la relation entre l'art et l'industrie dans le nouveau paysage urbain brestois.
TRAVAILLEZ, LISEZ DES LIVRES, REGARDEZ DES FILMS, JOUEZ À DES JEUX
VIDEO, DESSINEZ, REFLECHISSEZ, ECRIVEZ, CUISINEZ, DORMEZ, JOUEZ DE LA
MUSIQUE, ECOUTEZ DE LA MUSIQUE, CHANTEZ, DANSEZ DANS LE SALON,
OCCUPEZ-VOUS DE VOS PLANTES VERTES, APPELEZ DE VIEUX AMIS, FAITES
DE LA GYM, JOUEZ AVEC VOS ENFANTS, OU NE FAITES RIEN DU TOUT MAIS...

RESTEZ À LA
MAISON

CA N'A JAMAIS ETE AUSSI FACILE DE SAUVER DES VIES

<figure><img src="image_67.png" /></figure>

kneippen
TRAVAILLEZ, LISEZ DES LIVRES, REGARDEZ DES FILMS, JOUEZ À DES JEUX
VIDEO, DESSINEZ, REFLECHISSEZ, ECRIVEZ, CUISINEZ, DORMEZ, JOUEZ DE LA
MUSIQUE, ECOUTEZ DE LA MUSIQUE, CHANTEZ, DANSEZ DANS LE SALON,
OCCUPEZ-VOUS DE VOS PLANTES VERTES, APPELEZ DE VIEUX AMIS, FAITES
DE LA GYM, JOUEZ AVEC VOS ENFANTS, OU NE FAITES RIEN DU TOUT MAIS...

RESTEZ À LA
MAISON

CA N'A JAMAIS ETE AUSSI FACILE DE SAUVER DES VIES

<figure><img src="image_66.png" /></figure>

kneippen
2000

# De la minette aux fleurs

par Thierry Hotton

<figure><img src="image_68.png" /><figcaption>Berline pot de fleurs sur la commune de Boulange (57), impasse des Lilas</figcaption></figure>
2000

# De la minette aux fleurs

par Thierry Hotton

<figure><img src="image_67.png" /><figcaption>Berline pot de fleurs sur la commune de Boulange (57), impasse des Lilas</figcaption></figure>
Hey-ho, Hey-ho, on rentre du boulot !
... oui mais quel boulot ? L'image
de Disney associée à cette ritour-
nelle, montrant les sept nains de Blanche
Neige poussant des berlines pleines à cra-
quer de gemmes et de diamants dans le
rire et la bonne humeur, n'est qu'une utopie
lointaine, particulièrement en Lorraine.

Des années durant, les mines de la région ont charrié des tonnes de charbon et de fer. Moins connues, pourtant plus nombreuses, ces mines ont fait naître la plus forte industrie du pays : la sidérurgie.

Cette époque bénie fît la richesse de
tout un pays, de toute une région, de
tout un peuple. Derrière le drame de la
fermeture des mines et des aciéries lor-
raines, s'est jouée la vie de nombreuses
familles, dont le seul revenu perlait au
front du paternel...mineur de son état.
Qu'il fût robineur (qui remplissait les
berlines) ou herscheurs (qui poussait
les berlines), la mine était toute sa
vie et elle réglait, pour ne pas dire ré-
gulait, le rythme de milliers de gens.
Ils passaient des années à descendre
dans le puits, à creuser, à charger et
manœuvrer ces berlines de « cailloux
de fer » qui, une fois fondus, servaient
à produire les rails sur lesquels roulent
encore de nos jours tant de trains, au
milieu de nos belles campagnes fleuries.
Le minerai lorrain, appelé minette à cause

de sa faible teneur en fer (30% environ),
fût exploité très tôt. Des fouilles ont mis
à jour un important site près de Nancy,
remontant au 8ᵉ-10ᵉ siècle. Mais sa haute
teneur en phosphore, qui rend l'acier cas-
sant, limite son utilisation à la fonderie
principalement. Sa pleine exploitation fût
donc retardée jusqu'à la mise au point du
procédé Thomas, qui permet une déphos-
phoration efficace de la fonte. Ainsi, avec
des réserves de minerai estimées à 6 mil-
liards de tonnes, le gisement Lorrain fût
classé parmi les plus vastes du monde.
La Lorraine devint même la deuxième
productrice mondiale de fer, derrière les
États-Unis, en 1913, avec une production
dépassant les 41 millions de tonnes.

Malheureusement, au début des années
1960 le prix des minerais importés de-
vient plus avantageux, notamment grâce
à la baisse des prix de transport par ba-
teau. La concurrence s'accroît, le marché
devident mondial et non plus régional. Les
usines sidérurgiques devant être au plus
près des sources de fer, on privilégie celles
dites « côtières » qui peuvent facilement
décharger les bateaux. Le choc pétrolier
de 1973, l'apparition de nouveaux procé-
dés (fours électriques à arc qui permettent
de produire des aciers et alliages en recy-
clant la ferraille usagée et à faible coût,
laminage à chaud en continu...) et de nou-
veaux matériaux (plastiques, béton pré-
contraint) affectent grandement l'indus-
Hey-ho, Hey-ho, on rentre du boulot !
... oui mais quel boulot ? L'image
de Disney associée à cette ritour-
nelle, montrant les sept nains de Blanche
Neige poussant des berlines pleines à cra-
quer de gemmes et de diamants dans le
rire et la bonne humeur, n'est qu'une utopie
lointaine, particulièrement en Lorraine.

Des années durant, les mines de la région ont charrié des tonnes de charbon et de fer. Moins connues, pourtant plus nombreuses, ces mines ont fait naître la plus forte industrie du pays : la sidérurgie.

Cette époque bénie fît la richesse de
tout un pays, de toute une région, de
tout un peuple. Derrière le drame de la
fermeture des mines et des aciéries lor-
raines, s'est jouée la vie de nombreuses
familles, dont le seul revenu perlait au
front du paternel...mineur de son état.
Qu'il fût robineur (qui remplissait les
berlines) ou herscheurs (qui poussait
les berlines), la mine était toute sa
vie et elle réglait, pour ne pas dire ré-
gulait, le rythme de milliers de gens.
Ils passaient des années à descendre
dans le puits, à creuser, à charger et
manœuvrer ces berlines de « cailloux
de fer » qui, une fois fondus, servaient
à produire les rails sur lesquels roulent
encore de nos jours tant de trains, au
milieu de nos belles campagnes fleuries.
Le minerai lorrain, appelé minette à cause

de sa faible teneur en fer (30% environ),
fût exploité très tôt. Des fouilles ont mis
à jour un important site près de Nancy,
remontant au 8ᵉ-10ᵉ siècle. Mais sa haute
teneur en phosphore, qui rend l'acier cas-
sant, limite son utilisation à la fonderie
principalement. Sa pleine exploitation fût
donc retardée jusqu'à la mise au point du
procédé Thomas, qui permet une déphos-
phoration efficace de la fonte. Ainsi, avec
des réserves de minerai estimées à 6 mil-
liards de tonnes, le gisement Lorrain fût
classé parmi les plus vastes du monde.
La Lorraine devint même la deuxième
productrice mondiale de fer, derrière les
États-Unis, en 1913, avec une production
dépassant les 41 millions de tonnes.

Malheureusement, au début des années
1960 le prix des minerais importés de-
vient plus avantageux, notamment grâce
à la baisse des prix de transport par ba-
teau. La concurrence s'accroît, le marché
devient mondial et non plus régional. Les
usines sidérurgiques devant être au plus
près des sources de fer, on privilégie celles
dites « côtières » qui peuvent facilement
décharger les bateaux. Le choc pétrolier
de 1973, l'apparition de nouveaux procé-
dés (fours électriques à arc qui permettent
de produire des aciers et alliages en recy-
clant la ferraille usagée et à faible coût,
laminage à chaud en continu...) et de nou-
veaux matériaux (plastiques, béton pré-
contraint) affectent grandement l'indus-
trie sidérurgique, entraînant les mines de Lorraine vers un inexorable déclin. La vallée de la Fensch, que chante si bien Bernard Lavilliers, organise alors la résistance autour de son laminoir à chaud. Destiné à produire des tôles, il est l'un des plus vieux et des plus performants d'Europe. La production s'oriente vers le marché de l'automobile, grâce aux aciers à haute valeur ajoutée qui sortent de l'usine de Florange, en Moselle, dès 1984.

Mais cela ne suffit pas à sauver les mines de fer de Lorraine. Les coûts de production trop élevés conduisent à l'impasse. Les mines ferment les unes après les autres. La dernière, en 1997, est celle des Terres Rouges à Audun-le-Tiche en Moselle, sonnant le glas des chevalements, porions et autres briquets (le casse-croûte des mineurs), remisant au placard tout un vocable local mais aussi nombre d'engins d'exploitation dont plus personne ne sait désormais que faire.

Aujourd'hui les campagnes en fleurs garnissent les berlines, réduites à une fonction de bac d'ornement. Comme celle sur ce cliché qui signale le point d'entrée d'une impasse dans un lotissement (tout un symbole !), elles marquent de leur passé les places publiques et autres rond-points lorrains. Ce wagonnet de mine rap-

pelle, à celles et ceux encore vivants et témoins de ce drame de la sidérurgie, un passé glorieux (et pas si lointain). Ce que ne peuvent comprendre, voire ignorent totalement, les plus jeunes générations...

Ce wagonnet me parle du passé. Né en Lorraine dans le département de la Moselle, j'en croise souvent au détour d'une rue. Je sais bien maintenant que ma région fût un haut lieu de l'exploitation minière, mais enfant, cela ne me parlait pas trop. Pour moi, ce n'était qu'un wagonnet de «petit train». Je n'imaginais pas qu'il témoignait d'une époque de travail dur, épuisant, et que pour d'autres personnes, il signifiait sueur et douleur. Ce n'est que plus tard que j'en ai pris conscience. Ainsi j'ai eu l'occasion de discuter avec d'anciens mineurs, réalisant vraiment ce que cela représentait... tout simplement l'histoire (ou une partie) de ma région.

Je trouve aujourd'hui dommage que cet objet, chargé d'histoire et de mémoire, soit réduit à l'état de bac à fleurs. Les habitants passent devant sans réaliser qu'il est un lien entre le passé de nos grands-parents, le présent et peut-être le futur de notre région. Ainsi cette berline, vouée à la rouille et à la destruction, demeure un formidable outil de médiation CSTI.
trie sidérurgique, entraînant les mines de Lorraine vers un inexorable déclin. La vallée de la Fensch, que chante si bien Bernard Lavilliers, organise alors la résistance autour de son laminoir à chaud. Destiné à produire des tôles, il est l'un des plus vieux et des plus performants d'Europe. La production s'oriente vers le marché de l'automobile, grâce aux aciers à haute valeur ajoutée qui sortent de l'usine de Florange, en Moselle, dès 1984.

Mais cela ne suffit pas à sauver les mines de fer de Lorraine. Les coûts de production trop élevés conduisent à l'impasse. Les mines ferment les unes après les autres. La dernière, en 1997, est celle des Terres Rouges à Audun-le-Tiche en Moselle, sonnant le glas des chevalements, porions et autres briquets (le casse-croûte des mineurs), remisant au placard tout un vocable local mais aussi nombre d'engins d'exploitation dont plus personne ne sait désormais que faire.

Aujourd'hui les campagnes en fleurs garnissent les berlines, réduites à une fonction de bac d'ornement. Comme celle sur ce cliché qui signale le point d'entrée d'une impasse dans un lotissement (tout un symbole !), elles marquent de leur passé les places publiques et autres rond-points lorrains. Ce wagonnet de mine rap-

pelle, à celles et ceux encore vivants et témoins de ce drame de la sidérurgie, un passé glorieux (et pas si lointain). Ce que ne peuvent comprendre, voire ignorent totalement, les plus jeunes générations...

Ce wagonnet me parle du passé. Né en Lorraine dans le département de la Moselle, j'en croise souvent au détour d'une rue. Je sais bien maintenant que ma région fût un haut lieu de l'exploitation minière, mais enfant, cela ne me parlait pas trop. Pour moi, ce n'était qu'un wagonnet de «petit train». Je n'imaginais pas qu'il témoignait d'une époque de travail dur, épuisant, et que pour d'autres personnes, il signifiait sueur et douleur. Ce n'est que plus tard que j'en ai pris conscience. Ainsi j'ai eu l'occasion de discuter avec d'autres mineurs, réalisant vraiment ce que cela représentait... tout simplement l'histoire (ou une partie) de ma région.

Je trouve aujourd'hui dommage que cet objet, chargé d'histoire et de mémoire, soit réduit à l'état de bac à fleurs. Les habitants passent devant sans réaliser qu'il est un lien entre le passé de nos grands-parents, le présent et peut-être le futur de notre région. Ainsi cette berline, vouée à la rouille et à la destruction, demeure un formidable outil de médiation CSTI.
<figure><img src="image_69.png" /></figure>

Dessin signé Alex Mayo, illustrateur - 20 mai 2020, extrait de https://pbsussimg.com/media/EY-
c176bWoAUvSti?format=jpg&name=medium
<figure><img src="image_68.png" /></figure>

Dessin signé Alex Mayo, illustrateur - 20 mai 2020, extrait de https://pbs.twimg.com/media/EY-c176bWoAUvSti?format=jpg&name=medium
1985

Pasteur, héros le
plus timbré

par Aurélie Blet

<figure><img src="image_70.png" /></figure>

Extrait de Wikitimbres : https://www.wikitimbres.fr/timbres/2070/1985-vaccin-contre-la-rage
Centenaire de la découverte du vaccin contre la rage en 1985 par Louis Pasteur, scientifique, né à Dole (Jura)
1985

# Pasteur, héros le plus timbré

par Aurélie Blet

<figure><img src="image_69.png" /></figure>

Extrait de Wikitimbres : https://www.wikitimbres.fr/timbres/2070/1985-vaccin-contre-la-rage
Centenaire de la découverte du vaccin contre la rage en 1985 par Louis Pasteur, scientifique, né à Dole (Jura)
C'est en 1840, à la suite d'une importante réforme postale, que naît le tout premier timbre-poste en Grande-Bretagne. Il apparaît dans la vie des Français à partir de 1849. De nos jours, les timbres-postes sont partout utilisés pour affranchir nos courriers, mais aussi conservés par des collectionneurs passionnés : les philatélistes.

Parmi ces timbres collectés, il en est un spécifique : le timbre commémoratif. Il célèbre ou illustre un fait, un personnage ou un événement. Bien qu'en usage courant pour l'acheminement du courrier ordinaire, il est surtout destiné à satisfaire pour l'entretenir la passion philatéliste.

En 1985, le monde célèbre les 100 ans de la découverte du premier vaccin par Louis Pasteur. Nous disposons ici un timbre français commémorant cet anniversaire. Il est mis en vente du 3 juin 1985 au 13 juin 1986. Il comporte ainsi des mentions réglementaires : une valeur faciale de « 1.50 F », la datation « Poste 1985 », son pays d'émission « République Française », un titre : « 1885, vaccin contre la rage ».

Le présent dessin est en réalité tiré d'une gravure de Le Riverand, publiée par l'hebdomadaire *L'Illustration* le 7 novembre 1885 avec le titre « la vaccine de la rage : inoculation du virus rabique au berger Jupille dans le laboratoire de M. Pasteur ». Le timbre, lui, a été imaginé par Pierre Becquet, taillé en taille-douce par Eugène Lacaque.

On y voit Jean-Baptiste Jupille vacciné le 20 octobre 1885, sous l'œil attentif de Louis Pasteur. Ce jeune berger, âgé de 15 ans, avait été mordu le 14 octobre par un chien. Alors qu'il garde des moutons

avec d'autres petits bergers, ce dernier, enragé, s'attaque à eux. Jean-Baptiste essaie de le maîtriser pour permettre aux enfants de s'enfuir. Le chien se jette sur sa main gauche, mais l'adolescent parvient à le terrasser et à se dégager.

Le maire de sa commune contacte alors Louis Pasteur pour lui demander d'appliquer son protocole de vaccination contre la rage. Ce protocole avait déjà été testé avec succès une première fois en juillet 1885. Bien que 9 jours se soient écoulés entre la morsure et la vaccination, Pasteur accepte de soigner le jeune Jupille. Du 20 octobre au 30 octobre, il subit des injections du virus de plus en plus virulent. Il ne manifeste aucun effet secondaire et ne contracte pas la rage. Il fût ainsi le deuxième « mordu », guéri grâce à Pasteur.

Le timbre célèbre donc une victoire dans la guerre contre les maladies infectieuses. L'idée de transmettre une infection bénigne de manière à prévenir une infection plus grave est très ancienne. Il faut cependant attendre Louis Pasteur pour que la vaccination devienne moins empirique et plus rigoureuse. Il propose méthode et réflexion aux observations. André Pichot, chercheur et historien des sciences, a dit de ses travaux qu' : « ils comportent assez peu d'éléments originaux ; mais, le plus souvent, ils partent d'une situation très confuse, et le génie de Pasteur a toujours été de trouver, dans cette confusion initiale, un fil conducteur qu'il a suivi avec constance, patience et application. » Pasteur compris que si les fragments de moelle rabique sont exposés à l'air libre, la maladie s'exprime de manière moins virulente : le principe de l'atténuation du virus est trouvé. Principe qui est par la suite repris par bon nombre de vaccins.
C'est en 1840, à la suite d'une importante réforme postale, que naît le tout premier timbre-poste en Grande-Bretagne. Il apparaît dans la vie des Français à partir de 1849. De nos jours, les timbres-postes sont partout utilisés pour affranchir nos courriers, mais aussi conservés par des collectionneurs passionnés : les philatélistes.

Parmi ces timbres collectés, il en est un spécifique : le timbre commémoratif. Il célèbre ou illustre un fait, un personnage ou un événement. Bien qu'en usage courant pour l'acheminement du courrier ordinaire, il est surtout destiné à satisfaire pour l'entretenir la passion philatéliste.

En 1985, le monde célèbre les 100 ans de la découverte du premier vaccin par Louis Pasteur. Nous disposons ici un timbre français commémorant cet anniversaire. Il est mis en vente du 3 juin 1985 au 13 juin 1986. Il comporte ainsi des mentions réglementaires : une valeur faciale de « 1.50 F », la datation « Poste 1985 », son pays d'émission « République Française », un titre : « 1885, vaccin contre la rage ».

Le présent dessin est en réalité tiré d'une gravure de Le Riverand, publiée par l'hebdomadaire *L'Illustration* le 7 novembre 1885 avec le titre « la vaccine de la rage : inoculation du virus rabique au berger Jupille dans le laboratoire de M. Pasteur ». Le timbre, lui, a été imaginé par Pierre Becquet, taillé en taille-douce par Eugène Lacaque.

On y voit Jean-Baptiste Jupille vacciné le 20 octobre 1885, sous l'œil attentif de Louis Pasteur. Ce jeune berger, âgé de 15 ans, avait été mordu le 14 octobre par un chien. Alors qu'il garde des moutons

avec d'autres petits bergers, ce dernier, enragé, s'attaque à eux. Jean-Baptiste essaie de le maîtriser pour permettre aux enfants de s'enfuir. Le chien se jette sur sa main gauche, mais l'adolescent parvient à le terrasser et à se dégager.

Le maire de sa commune contacte alors Louis Pasteur pour lui demander d'appliquer son protocole de vaccination contre la rage. Ce protocole avait déjà été testé avec succès une première fois en juillet 1885. Bien que 9 jours se soient écoulés entre la morsure et la vaccination, Pasteur accepte de soigner le jeune Jupille. Du 20 octobre au 30 octobre, il subit des injections du virus de plus en plus virulent. Il ne manifeste aucun effet secondaire et ne contracte pas la rage. Il fût ainsi le deuxième « mordu », guéri grâce à Pasteur.

Le timbre célèbre donc une victoire dans la guerre contre les maladies infectieuses. L'idée de transmettre une infection bénigne de manière à prévenir une infection plus grave est très ancienne. Il faut cependant attendre Louis Pasteur pour que la vaccination devienne moins empirique et plus rigoureuse. Il propose méthode et réflexion aux observations. André Pichot, chercheur et historien des sciences, a dit de ses travaux qu' : « ils comportent assez peu d'éléments originaux ; mais, le plus souvent, ils partent d'une situation très confuse, et le génie de Pasteur a toujours été de trouver, dans cette confusion initiale, un fil conducteur qu'il a suivi avec constance, patience et application. » Pasteur compris que si les fragments de moelle rabique sont exposés à l'air libre, la maladie s'exprime de manière moins virulente : le principe de l'atténuation du virus est trouvé. Principe qui est par la suite repris par bon nombre de vaccins.
Ce que la postérité retient de Louis Pasteur, c'est bien entendu sa contribution au développement de la vaccination. Pasteur est un savant-patriote autant qu'un entrepreneur, engagé dans le rayonnement scientifique et économique de la France. Par ses découvertes il devient une figure emblématique de la Nation et un objet de culte, l'incarnation du progrès triomphant au 19ᵉ siècle. Il a permis d'améliorer la qualité de vie des citoyens et fait reculer la mortalité. C'est un héros scientifique.

Dans une IIIe République friande de démonstrations de la puissance des sciences appliquées à l'industrie et à l'agriculture, Pasteur incarne auprès de nombre de ses contemporains le progrès de l'humanité par l'hygiène et la médecine préventive. Elle lui offre sa première récompense nationale en 1874, et en 1892, pour son 70ᵉ anniversaire, elle organise une cérémonie fastueuse à la Sorbonne.

Revenons à notre timbre-poste. Outre d'affranchir un courrier, le timbre-poste permet à l'État de promouvoir la culture et l'histoire de France, notamment des

savoirs produits par ses savants. Le timbre est considéré comme l'un des éléments majeurs de « l'imagerie nationale ». Ce timbre-commémoratif culture ainsi la popularité du personnage, souligne l'importance nationale de Louis Pasteur. Il ne fut pas le seul timbre à consacrer sa gloire. En 1924 est émis pour l'affranchissement courant un timbre à l'effigie du grand savant national. Il y en aura beaucoup d'autres dont le plus récent date de 2022. Ce qui fait sans doute de Pasteur français l'un des savants les plus timbrés.

Dans une lettre du 13 juillet 1985 à son beau-fils René Vallery-Radot, Louis Pasteur disait : « Je crois qu'il se prépare de grandes choses ». Il avait raison, sa découverte a changé fondamentalement la vie des citoyens de ce monde. Son vaccin contre la rage stimula la découverte de nombreux autres. Une grande partie de la science moderne repose sur ses travaux. Grâce à sa méthodologie, sa rigueur et sa patience, 2 millions de personnes sont sauvées chaque année grâce à la vaccination.
Ce que la postérité retient de Louis Pasteur, c'est bien entendu sa contribution au développement de la vaccination. Pasteur est un savant-patriote autant qu'un entrepreneur, engagé dans le rayonnement scientifique et économique de la France. Par ses découvertes il devient une figure emblématique de la Nation et un objet de culte, l'incarnation du progrès triomphant au 19ᵉ siècle. Il a permis d'améliorer la qualité de vie des citoyens et fait reculer la mortalité. C'est un héros scientifique.

Dans une IIIe République friande de démonstrations de la puissance des sciences appliquées à l'industrie et à l'agriculture, Pasteur incarne auprès de nombre de ses contemporains le progrès de l'humanité par l'hygiène et la médecine préventive. Elle lui offre sa première récompense nationale en 1874, et en 1892, pour son 70ᵉ anniversaire, elle organise une cérémonie fastueuse à la Sorbonne.

Revenons à notre timbre-poste. Outre d'affranchir un courrier, le timbre-poste permet à l'État de promouvoir la culture et l'histoire de France, notamment des

savoirs produits par ses savants. Le timbre est considéré comme l'un des éléments majeurs de « l'imagerie nationale ». Ce timbre-commémoratif culture ainsi la popularité du personnage, souligne l'importance nationale de Louis Pasteur. Il ne fut pas le seul timbre à consacrer sa gloire. En 1924 est émis pour l'affranchissement courant un timbre à l'effigie du grand savant national. Il y en aura beaucoup d'autres dont le plus récent date de 2022. Ce qui fait sans doute de Pasteur français l'un des savants les plus timbrés.

Dans une lettre du 13 juillet 1985 à son beau-fils René Vallery-Radot, Louis Pasteur disait : « Je crois qu'il se prépare de grandes choses ». Il avait raison, sa découverte a changé fondamentalement la vie des citoyens de ce monde. Son vaccin contre la rage stimula la découverte de nombreux autres. Une grande partie de la science moderne repose sur ses travaux. Grâce à sa méthodologie, sa rigueur et sa patience, 2 millions de personnes sont sauvées chaque année grâce à la vaccination.
Dépistez-moi, ... oui mais vite !

<figure><img src="image_71.png" /></figure>

Illustration de l'article « Covid-19 : le recul de l'épidémie se poursuit en France », paru dans le journal Le Parisien, 19 février 2022.

https://www.leparisien.fr/resizer/v6HRXLZMcNtXODeamS1qAQGF5Dc=/932x582/cloudfront-eu-cen-tral-1/images.arcpublishing.com/leparisien/MNXIJ27HC5CF3NXX44FZQBCEPE.jpg
Dépistez-moi, ... oui mais vite !

<figure><img src="image_70.png" /></figure>

Illustration de l'article « Covid-19 : le recul de l'épidémie se poursuit en France », paru dans le journal Le Parisien, 19 février 2022.

https://www.leparisien.fr/resizer/v6HRXLZMcNtXODeamS1qAQGF5Dc=/932x582/cloudfront-eu-cen-tral-1/images.arcpublishing.com/leparisien/MNXIJ27HC5CF3NXX44FZQBCEPE.jpg
SOVÉTSKÝ FILM VYZNÁMENÁNÝ ZVLÁŠTNÍ CENOU POROTY XXVI. MFF V CANNES.
FILMOVÉ ZPRACOVÁNÍ UTOPICKÉHO ROMÁNU STANISLAVA LEMA. REŽIE: ANDREJ TARKOVSKIJ

SOLARIS

<figure><img src="image_72.png" /><figcaption>Affiche originale du film de 1972</figcaption></figure>
SOVÉTSKÝ FILM VYZNÁMENÁNÝ ZVLÁŠTNÍ CENOU POROTY XXVI. MFF V CANNES.
FILMOVÉ ZPRACOVÁNÍ UTOPICKÉHO ROMÁNU STANISLAVA LEMA. REŽIE: ANDREJ TARKOVSKIJ

SOLARIS

<figure><img src="image_71.png" /><figcaption>Affiche originale du film de 1972</figcaption></figure>
1972

# Solaris, épistémologie stratosphérique

par Gloria Frenandez Garcia

- « Kris Kelvin : J'ai l'impression que la Solaristique est dans une impasse dû à une fantaisie irresponsable. Moi, je m'intéresse à la vérité et vous voulez que je devienne un partisan inconditionnel. Je ne peux pas me laisser porter par les impulsions de l'âme. Je ne suis pas un poète. J'ai un objectif concret. Soit nous cessons les recherches et sortons cette station de son orbite, en annonçant de cette façon la crise de la Solaristique, soit nous prenons des mesures extrêmes en envoyant des radiations de haute capacité de pénétration vers l'Océan.

- Berton : Non. Surtout pas cela !

- Kris Kelvin : Pourquoi ? Vous avez proposé de continuer les recherches à tout prix.

- Berton : Voulez-vous détruire ce que nous ne pouvons comprendre pour l'instant ? Je ne suis pas partisan d'obtenir des savoirs à tout prix. Le vrai savoir se trouve dans la morale.

- Kris Kelvin : C'est de l'homme que dépend que la science soit immorale. Pensez à Hiroshima.

- Berton : Alors, ne la rendez pas immorale. C'est étrange !

- Kris Kelvin : Il n'y a rien d'étrange, vous-même n'êtes pas sûr de si ce que vous avez vu là-bas était une hallucination.

- Berton : Merci beaucoup. Vous pouvez considérer notre discussion comme terminée. »
1972

# Solaris, épistémologie stratosphérique

par Gloria Frenandez Garcia

- « Kris Kelvin : J'ai l'impression que la Solaristique est dans une impasse dû à une fantaisie irresponsable. Moi, je m'intéresse à la vérité et vous voulez que je devienne un partisan inconditionnel. Je ne peux pas me laisser porter par les impulsions de l'âme. Je ne suis pas un poète. J'ai un objectif concret. Soit nous cessons les recherches et sortons cette station de son orbite, en annonçant de cette façon la crise de la Solaristique, soit nous prenons des mesures extrêmes en envoyant des radiations de haute capacité de pénétration vers l'Océan.

- Berton : Non. Surtout pas cela !

- Kris Kelvin : Pourquoi ? Vous avez proposé de continuer les recherches à tout prix.

- Berton : Voulez-vous détruire ce que nous ne pouvons comprendre pour l'instant ? Je ne suis pas partisan d'obtenir des savoirs à tout prix. Le vrai savoir se trouve dans la morale.

- Kris Kelvin : C'est de l'homme que dépend que la science soit immorale. Pensez à Hiroshima.

- Berton : Alors, ne la rendez pas immorale. C'est étrange !

- Kris Kelvin : Il n'y a rien d'étrange, vous-même n'êtes pas sûr de si ce que vous avez vu là-bas était une hallucination.

- Berton : Merci beaucoup. Vous pouvez considérer notre discussion comme terminée. »
C'est par cette discussion que commence le film « Solaris », réalisé par Andrei Tarkovski en 1972 et considéré comme l'un des films de référence dans l'histoire de la science-fiction. Ce genre tant exploré dans le cinéma est né dans la littérature à l'aube du 20e siècle, au rythme du développement et des avancées technoscientifiques.

Dans un monde en constant changement, les récits de science-fiction invitent le lecteur ou le spectateur à anticiper et se projeter dans des scénarios futuristes où le développement scientifique et technique n'est pas tant le résultat de « calculs » mais de l'imagination. Ces utopies ou dystopies permettent d'externaliser des débats ou questions de la société actuelle, souvent en lien avec le progrès technique, pour inciter à la réflexion.

Lorsque la science-fiction avait déjà parcouru son bout de chemin, avec des résultats très divers jusqu'aux années 1960 et 1970, une nouvelle vague artistique explora la logique de ce genre tout en proposant

une approche que nous pouvons qualifier comme plus profonde et sensible. C'est dans cet esprit que s'inscrivent « La jetée » de Chris Marker (1962), « Alphaville » de Jean Luc Godard (1965) ou encore « Je t'aime, je t'aime » d'Alain Resnais (1968).

Quelques années plus tard, le réalisateur russe propose également une incursion dans ce genre à partir d'une adaptation du roman « Solaris » de Stanisław Lem. Lauréat à Cannes, le film a même été présenté comme la réponse russe à « 2001... » de Kubrick.

Avec ce film, Tarkovski s'affranchit des règles formelles de la science-fiction – les effets spéciaux sont quasi-absents – et puise dans une forme de communication basée sur des images émerveillant le spectateur, afin d'introduire une réflexion autour des sciences, de leurs limites et d'autres formes de savoirs.

Dans la discussion entre le psychologue Kris Kelvin et l'ancien pilote spatial Berton reproduite ci-dessus, les éléments
C'est par cette discussion que commence le film « Solaris », réalisé par Andrei Tarkovski en 1972 et considéré comme l'un des films de référence dans l'histoire de la science-fiction. Ce genre tant exploré dans le cinéma est né dans la littérature à l'aube du 20e siècle, au rythme du développement et des avancées technoscientifiques.

Dans un monde en constant changement, les récits de science-fiction invitent le lecteur ou le spectateur à anticiper et se projeter dans des scénarios futuristes où le développement scientifique et technique n'est pas tant le résultat de « calculs » mais de l'imagination. Ces utopies ou dystopies permettent d'externaliser des débats ou questions de la société actuelle, souvent en lien avec le progrès technique, pour inciter à la réflexion.

Lorsque la science-fiction avait déjà parcouru son bout de chemin, avec des résultats très divers jusqu'aux années 1960 et 1970, une nouvelle vague artistique explora la logique de ce genre tout en proposant

une approche que nous pouvons qualifier comme plus profonde et sensible. C'est dans cet esprit que s'inscrivent « La jetée » de Chris Marker (1962), « Alphaville » de Jean Luc Godard (1965) ou encore « Je t'aime, je t'aime » d'Alain Resnais (1968).

Quelques années plus tard, le réalisateur russe propose également une incursion dans ce genre à partir d'une adaptation du roman « Solaris » de Stanisław Lem. Lauréat à Cannes, le film a même été présenté comme la réponse russe à « 2001... » de Kubrick.

Avec ce film, Tarkovski s'affranchit des règles formelles de la science-fiction – les effets spéciaux sont quasi-absents – et puise dans une forme de communication basée sur des images émerveillant le spectateur, afin d'introduire une réflexion autour des sciences, de leurs limites et d'autres formes de savoirs.

Dans la discussion entre le psychologue Kris Kelvin et l'ancien pilote spatial Berton reproduite ci-dessus, les éléments
d'articulation de ce débat sont exposés. Kris se prépare à partir dans la station spatiale qui étudie la « planète-océan » Solaris. Des événements étranges et inexplicables ont eu lieu et la mission de Kris est d'analyser s'il s'agit d'hallucinations relevant d'un état psychologique fragile et perturbé des scientifiques qui y vivent.

Kris expose sa conception de la science, opposée à d'autres formes de savoir plus sensibles, tels que la poésie ou la fantaisie. Il prône un type de sciences qui ne devrait pas se laisser imprégner par ce domaine de la subjectivité qu'il méprise. Nous pourrions penser qu'avec ce personnage, Tarkovsky construit une vision critique à son film de science-fiction, où il fait justement le parti pris d'un langage cinématographique plus poétique.

Par la suite, Kris se montre insouciant du fait d'employer des méthodes de recherche intrusives et destructives, afin d'arriver à en extraire des résultats. Il impose à nouveau une approche suprématiste des sciences, selon laquelle tout ce que nous ne pouvons pas appréhender par les méthodes scientifiques se retrouve déplacé hors du champ du savoir vérifié.

Cependant, l'intervention de Berton introduit un autre élément qui, d'une certaine façon, freine le postulat de Kris : la morale. Presque 30 ans se sont écoulés depuis le lancement de la bombe atomique sur Hiroshima quand ce film est sorti, mais elle demeure l'unique référence historique que le réalisateur a ingénieusement placé dans cette discussion.

L'usage délibéré contre la population de l'une des avancées scientifiques majeures du siècle dernier, l'énergie nucléaire, à la fin de la seconde guerre mondiale, remet en question la position de la science au centre des savoirs.

À la fin du film, Kris questionnera ses propres théories, étourdi par des faits échappant à toute logique scientifique, mais se présentant de manière si « réels ». Tant le langage de la science-fiction que la position de la science sont revisités dans cette œuvre. Ainsi, ce film de science-fiction pourrait tout aussi bien être classé comme une œuvre de « contre-science-fiction », pour paraphraser l'ouvrage de Dominque Pestre paru en 2013.
d'articulation de ce débat sont exposés. Kris se prépare à partir dans la station spatiale qui étudie la « planète-océan » Solaris. Des événements étranges et inexplicables ont eu lieu et la mission de Kris est d'analyser s'il s'agit d'hallucinations relevant d'un état psychologique fragile et perturbé des scientifiques qui y vivent.

Kris expose sa conception de la science, opposée à d'autres formes de savoir plus sensibles, tels que la poésie ou la fantaisie. Il prône un type de sciences qui ne devrait pas se laisser imprégner par ce domaine de la subjectivité qu'il méprise. Nous pourrions penser qu'avec ce personnage, Tarkovsky construit une vision critique à son film de science-fiction, où il fait justement le parti pris d'un langage cérématographique plus poétique.

Par la suite, Kris se montre insouciant du fait d'employer des méthodes de recherche intrusives et destructives, afin d'arriver à en extraire des résultats. Il impose à nouveau une approche suprématiste des sciences, selon laquelle tout ce que nous ne pouvons pas appréhender par les méthodes scientifiques se retrouve déplacé hors du champ du savoir vérifié.

Cependant, l'intervention de Berton introduit un autre élément qui, d'une certaine façon, freine le postulat de Kris : la morale. Presque 30 ans se sont écoulés depuis le lancement de la bombe atomique sur Hiroshima quand ce film est sorti, mais elle demeure l'unique référence historique que le réalisateur a ingénieusement placé dans cette discussion.

L'usage délibéré contre la population de l'une des avancées scientifiques majeures du siècle dernier, l'énergie nucléaire, à la fin de la seconde guerre mondiale, remet en question la position de la science au centre des savoirs.

À la fin du film, Kris questionnera ses propres théories, étourdi par des faits échappant à toute logique scientifique, mais se présentant de manière si « réels ». Tant le langage de la science-fiction que la position de la science sont revisités dans cette œuvre. Ainsi, ce film de science-fiction pourrait tout aussi bien être classé comme une œuvre de « contre-science-fiction », pour paraphraser l'ouvrage de Dominque Pestre paru en 2013.
1969

<figure><img src="image_73.png" /><figcaption>Le château d'eau sphérique métallique de Mondoubleau (41) cliché pris par l'auteur le 29 juin 2020</figcaption></figure>
1969

<figure><img src="image_72.png" /><figcaption>Le château d'eau sphérique métallique de Mondoubleau (41) cliché pris par l'auteur le 29 juin 2020</figcaption></figure>
# Patrimoine ou stigmate territorial ?

par Serge Boué

L'atomium de Mondoubleau ou « La boule métallique » sont les surnoms, mi-ironiques, mi affectueux, donnés par les habitants de Mondoubleau à leur château d'eau sphérique et métallique. Ce village du Loir-et-Cher possède un château d'eau dont l'originalité ne laisse pas indifférent. C'est une sphère métallique de 300 m³ posée sur un pylône, lui aussi métallique. Bâti en 1969, cette infrastructure technique est aujourd'hui inutilisée. Que faire de cet imposant bâtiment ?

En Europe, c'est seulement à partir du 19e siècle que la construction des châteaux d'eau se répand. La machine à vapeur, grande consommatrice d'eau, impose l'installation de réservoirs le long des lignes de chemin de fer et à proximité des usines. L'utilisation du château d'eau pour l'alimentation en eau potable est encore plus tardive. En 1930, seulement 23% des communes disposent d'un réseau de distribution d'eau à domicile.

Comme la cheminée d'usine qui fume prouvait le dynamisme industriel d'une cité, le château d'eau démontrait la modernité et l'opulence d'un village. Cependant,

les châteaux d'eau sont accusés d'enlaidir les paysages. Il faudra attendre 1939 et le concours d'architecture du comité Hygiène et Eau pour que de premiers projets de construction intègrent une dimension esthétique. Deux tendances se dégagent alors pour tenter d'intégrer ces édifices aux paysages : celle d'un parti-pris contemporain et celle d'un certain régionalisme qui s'il-lustre souvent par des camouflages (tour moyenâgeuse, pigeonnier, toiture pointue...).

Le réservoir sphérique métallique de Mondoubleau s'inscrit clairement dans la première catégorie. Sa présentation originale illustre une certaine vision de la modernité propre aux années 1960-1970. Les choix techniques sont aussi représentatifs de cette époque : acier et peinture à l'amiante.

Aujourd'hui, ce château d'eau n'est plus utilisé. Il a été remplacé par un autre, construit en 2018. La téléphonie mobile a souvent permis d'assurer une fonction nouvelle à ces ouvrages devenus obsołètes. Leur emplacement en hauteur en fait de très bons candidats pour supporter des antennes relais.
# Patrimoine ou stigmate territorial ?

par Serge Boué

L'atomium de Mondoubleau ou « La boule métallique » sont les surnoms, mi-ironiques, mi affectueux, donnés par les habitants de Mondoubleau à leur château d'eau sphérique et métallique. Ce village du Loir-et-Cher possède un château d'eau dont l'originalité ne laisse pas indifférent. C'est une sphère métallique de 300 m³ posée sur un pylône, lui aussi métallique. Bâti en 1969, cette infrastructure technique est aujourd'hui inutilisée. Que faire de cet imposant bâtiment ?

En Europe, c'est seulement à partir du 19e siècle que la construction des châteaux d'eau se répand. La machine à vapeur, grande consommatrice d'eau, impose l'installation de réservoirs le long des lignes de chemin de fer et à proximité des usines. L'utilisation du château d'eau pour l'alimentation en eau potable est encore plus tardive. En 1930, seulement 23% des communes disposent d'un réseau de distribution d'eau à domicile.

Comme la cheminée d'usine qui fume prouvait le dynamisme industriel d'une cité, le château d'eau démontrait la modernité et l'opulence d'un village. Cependant,

les châteaux d'eau sont accusés d'enlaidir les paysages. Il faudra attendre 1939 et le concours d'architecture du comité Hygiène et Eau pour que de premiers projets de construction intègrent une dimension esthétique. Deux tendances se dégagent alors pour tenter d'intégrer ces édifices aux paysages : celle d'un parti-pris contemporain et celle d'un certain régionalisme qui s'il-lustre souvent par des camouflages (tour moyenâgeuse, pigeonnier, toiture pointue...).

Le réservoir sphérique métallique de Mondoubleau s'inscrit clairement dans la première catégorie. Sa présentation originale illustre une certaine vision de la modernité propre aux années 1960-1970. Les choix techniques sont aussi représentatifs de cette époque : acier et peinture à l'amiante.

Aujourd'hui, ce château d'eau n'est plus utilisé. Il a été remplacé par un autre, construit en 2018. La téléphonie mobile a souvent permis d'assurer une fonction nouvelle à ces ouvrages devenus obsołètes. Leur emplacement en hauteur en fait de très bons candidats pour supporter des antennes relais.
La conception de ce réservoir sphérique du Loir-et-Cher le rend toutefois inapte à cette fonction. Un mât plus adapté a donc été construit à proximité afin de porter des antennes téléphoniques.

Ce château d'eau à l'abandon est une scorie de ces « macrosystèmes techniques » qui, comme les infrastructures du chemin de fer, ont souvent été accusées de détruire le paysage. Pourtant, au fil du temps, ils en sont devenus des caractéristiques. Ils sont parfois reconnus comme un marqueur fort du territoire ou de la culture populaire à sauvegarder.

Il y a en France encore une quarantaine de châteaux d'eau métalliques à cuve sphérique (Comptage réalisé par l'auteur sur le site http://chateau.deau.free.fr/). Ils ont souvent été construits au sein de complexes industriels pour les besoins de la production.

C'est le cas de la « boule Braud » des anciennes usines Braud, qui produisaient des machines agricoles. Un collectif d'anciens salariés s'est mobilisé pour sa sauvegarde et son entretien, symbole d'un passé et d'une culture ouvrière disparus.

Le village de Mondoubleau a un riche passé historique vers lequel les projecteurs touristiques sont orientés. La sauvegarde d'un patrimoine rural est généralement l'œuvre d'acteurs locaux. À Mondoubleau, la population et les édiles entretiennent un rapport ambigu avec leur château d'eau métallique.

L'originalité de ce château d'eau est ignorée, voire même masquée aux touristes. Aucun modèle de carte postale du village ne s'intéresse à ce bâtiment. Les panoramas ou les vues aériennes du village évitent soigneusement cette zone. Pour-

tant, on peut s'interroger si ce bâtiment ne ferait pas parti du « vrai » Mondoubleau, en marge des stéréotypes du village percheron. En effet, la population locale s'est appropriée cette architecture hors norme et s'en amuse. Elle lui donne des surnoms. Un artiste local en a fait le sujet d'un détournement digital en voyant dans ce bâtiment une montgolfière psychédéléque (G. Ardelame: https://fr.artquid.com/artwork/671934/89818/le-chateau-d-eau-de-mondoubleau.html)

En 1998, le géographe Yves Michelin a conduit une expérience dans la montagne thiernoise auprès de six élus locaux. Il leur a demandé de photographier des paysages à présenter à différents publics. Il constata un décalage entre le paysage « patrimoine » que l'on réserve à la famille et le paysage « public » que l'on propose au touriste. Si cette expérience était réitérée à Mondoubleau, le château métallique apparaîtrait-il sur les photographies « patrimoine » ?

Cet édifice illustre un paradoxe. Celui d'un équipement technique, accusé souvent d'enlaidir le paysage, mais dont l'originalité est devenue un marqueur ignoré de la culture populaire contribuant à l'identité profonde d'un village.

La prise de conscience de la valeur patrimoniale d'un bâtiment ou d'une infra structure est souvent tardive, et intervient parfois après sa destruction. Les gares de campagne, autrefois accusées d'enlaidir le paysage, sont aujourd'hui considérées comme du « petit patrimoine ». Celles qui ont gardé leur caractère authentique sont recherchées. Seul un coût élevé empêche le syndicat intercommunal de gestion de l'eau de démolir ce château d'eau. Ce sursis permettra peut-être une prise de conscience de l'intérêt patrimonial de la « Boule Métallique » de Mondoubleau.
La conception de ce réservoir sphérique du Loir-et-Cher le rend toutefois inapte à cette fonction. Un mât plus adapté a donc été construit à proximité afin de porter des antennes téléphoniques.

Ce château d'eau à l'abandon est une scorie de ces « macrosystèmes techniques » qui, comme les infrastructures du chemin de fer, ont souvent été accusées de détruire le paysage. Pourtant, au fil du temps, ils en sont devenus des caractéristiques. Ils sont parfois reconnus comme un marqueur fort du territoire ou de la culture populaire à sauvegarder.

Il y a en France encore une quarantaine de châteaux d'eau métalliques à cuve sphérique (Comptage réalisé par l'auteur sur le site http://chateau.deau.free.fr/). Ils ont souvent été construits au sein de complexes industriels pour les besoins de la production.

C'est le cas de la « boule Braud » des anciennes usines Braud, qui produisaient des machines agricoles. Un collectif d'anciens salariés s'est mobilisé pour sa sauvegarde et son entretien, symbole d'un passé et d'une culture ouvrière disparus.

Le village de Mondoubleau a un riche passé historique vers lequel les projecteurs touristiques sont orientés. La sauvegarde d'un patrimoine rural est généralement l'œuvre d'acteurs locaux. À Mondoubleau, la population et les édiles entretiennent un rapport ambigu avec leur château d'eau métallique.

L'originalité de ce château d'eau est ignorée, voire même masquée aux touristes. Aucun modèle de carte postale du village ne s'intéresse à ce bâtiment. Les panoramas ou les vues aériennes du village évitent soigneusement cette zone. Pour-

tant, on peut s'interroger si ce bâtiment ne ferait pas parti du « vrai » Mondoubleau, en marge des stéréotypes du village percheron. En effet, la population locale s'est appropriée cette architecture hors norme et s'en amuse. Elle lui donne des surnoms. Un artiste local en a fait le sujet d'un détournement digital en voyant dans ce bâtiment une montgolfière psychédéléque (G. Ardelame: https://fr.artquid.com/artwork/671934/89818/le-chateau-d-eau-de-mondoubleau.html)

En 1998, le géographe Yves Michelin a conduit une expérience dans la montagne thiernoise auprès de six élus locaux. Il leur a demandé de photographier des paysages à présenter à différents publics. Il constata un décalage entre le paysage « patrimoine » que l'on réserve à la famille et le paysage « public » que l'on propose au touriste. Si cette expérience était réitérée à Mondoubleau, le château métallique apparaîtrait-il sur les photographies « patrimoine » ?

Cet édifice illustre un paradoxe. Celui d'un équipement technique, accusé souvent d'enlaidir le paysage, mais dont l'originalité est devenue un marqueur ignoré de la culture populaire contribuant à l'identité profonde d'un village.

La prise de conscience de la valeur patrimoniale d'un bâtiment ou d'une infrastructure est souvent tardive, et intervient parfois après sa destruction. Les gares de campagne, autrefois accusées d'enlaidir le paysage, sont aujourd'hui considérées comme du « petit patrimoine ». Celles qui ont gardé leur caractère authentique sont recherchées. Seul un coût élevé empêche le syndicat intercommunal de gestion de l'eau de démolir ce château d'eau. Ce sursis permettra peut-être une prise de conscience de l'intérêt patrimonial de la « Boule Métallique » de Mondoubleau.
1967

# L'instamatic marque son époque...et la notre

par Alice d'Hubert

<figure><img src="image_74.png" /></figure>

Campagne publicitaire diffusée massivement au travers de plusieurs magazines populaires durant l'année 1967. Le présent cliché est extrait de *An Everyday Affair: Selling the Kodak Image to America, 1888-1989* Essays by Lisa McCarty for the exhibition & catalog at the Center for Documentary Studies, Duke University : http://lisamccarty.com/everyday-affair-kodak
1967

L'instamatic marque
son époque...et la
notre

par Alice d'Hubert

<figure><img src="image_73.png" /></figure>

Campagne publicitaire diffusée massivement au travers de plusieurs magazines populaires durant l'année 1967. Le présent cliché est extrait de *An Everyday Affair: Selling the Kodak Image to America, 1888-1989* Essays by Lisa McCarty for the exhibition & catalog at the Center for Documentary Studies, Duke University : http://lisamccarty.com/everyday-affair-kodak
1963, lancement par l'entreprise Kodak de l'appareil photographique Instamatic. Sous ses différentes versions, il aura été fabriqué en 50 millions d'exemplaires jusqu'en 1970. Un des plus gros succès de l'entreprise créée par George Eastman en 1881, lui permettant de dominer le marché de la photographie amateur.

Cette publicité de 1967 au slogan affirmé : « It's so good, you don't have to be », présente bien plus qu'un simple appareil photo. Sous nos yeux s'affiche ce qui révolutionne la photographie et modèle la pratique quotidienne d'aujourd'hui. Grâce à ce nouvel appareil photo, plus aucun obstacle ne peut gêner la prise de vue. La photographie, domaine principalement masculin, s'ouvre même aux femmes et aux enfants.

Sur cette publicité on démontre la simplicité de l'appareil, tout y est : un appareil Instamatic 104, un kodakpak, un flashcube et un exemple de photographie. Le Kodakpak en lui-même est déjà révolutionnaire. Plus besoin de se mettre dans le noir pour insérer une pellicule dans son appareil, celle-ci est déjà préchargée dans un petit caisson à glisser dans le boitier. Sans aucune manipulation du film, un flash à simplement accrocher sur la griffe de l'appareil et quelques réglages très rudimentaires à choisir : l'appareil est prêt à être utilisé. Comme le disait si bien leur premier slogan « You press the button, we do the rest »**.

L'image étudiée donne à voir l'aspect compact de ce nouvel outil prêt à nous accompagner partout. On y voit le peu de matériel nécessaire au photographe pour obtenir un résultat assurément réussi. La preuve en image, avec en bas de la page publicitaire un exemple de photo.

Les publicités Kodak, illustrant l'efficacité de leurs appareils photos et leur nécessité au quotidien, ont été diffusées à travers le monde. Après avoir vu cette publicité, le lecteur est censé ressentir l'envie et le besoin de prendre des photographies. Même s'il n'a jamais utilisé un appareil auparavant, le message doit lui faire comprendre que c'est à sa portée. La photographie, technique complexe et demandant une très grande précision pour aboutir à un résultat satisfaisant, invention réservée aux professionnels, prend un nouveau tournant grâce à Kodak et leur recherche de simplification à l'extrême. L'heure a sonné pour l'instantané et pour le tout automatique. La photo ne demande plus aucun effort, ni matériel encombrant.

L'entreprise, depuis sa création, a tout misé sur l'accessibilité par le plus grand nombre de ses produits, autant par la simplicité d'utilisation que par le coût. Ainsi, l'image illustrant la publicité, présente un groupe d'enfants. On peut imaginer une famille ou une sortie en camp de vacances, le photographe est implicitement une personne proche de ce groupe et non
1963, lancement par l'entreprise Kodak de l'appareil photographique Instamatic. Sous ses différentes versions, il aura été fabriqué en 50 millions d'exemplaires jusqu'en 1970. Un des plus gros succès de l'entreprise créée par George Eastman en 1881, lui permettant de dominer le marché de la photographie amateur.

Cette publicité de 1967 au slogan affirmé : « It's so good, you don't have to be », présente bien plus qu'un simple appareil photo. Sous nos yeux s'affiche ce qui révolutionne la photographie et modèle la pratique quotidienne d'aujourd'hui. Grâce à ce nouvel appareil photo, plus aucun obstacle ne peut gêner la prise de vue. La photographie, domaine principalement masculin, s'ouvre même aux femmes et aux enfants.

Sur cette publicité on démontre la simplicité de l'appareil, tout y est : un appareil Instamatic 104, un kodakpak, un flashcube et un exemple de photographie. Le Kodakpak en lui-même est déjà révolutionnaire. Plus besoin de se mettre dans le noir pour insérer une pellicule dans son appareil, celle-ci est déjà préchargée dans un petit caisson à glisser dans le boitier. Sans aucune manipulation du film, un flash à simplement accrocher sur la griffe de l'appareil et quelques réglages très rudimentaires à choisir : l'appareil est prêt à être utilisé. Comme le disait si bien leur premier slogan « You press the button, we do the rest »**.

L'image étudiée donne à voir l'aspect compact de ce nouvel outil prêt à nous accompagner partout. On y voit le peu de matériel nécessaire au photographe pour obtenir un résultat assurément réussi. La preuve en image, avec en bas de la page publicitaire un exemple de photo.

Les publicités Kodak, illustrant l'efficacité de leurs appareils photos et leur nécessité au quotidien, ont été diffusées à travers le monde. Après avoir vu cette publicité, le lecteur est censé ressentir l'envie et le besoin de prendre des photographies. Même s'il n'a jamais utilisé un appareil auparavant, le message doit lui faire comprendre que c'est à sa portée. La photographie, technique complexe et demandant une très grande précision pour aboutir à un résultat satisfaisant, invention réservée aux professionnels, prend un nouveau tournant grâce à Kodak et leur recherche de simplification à l'extrême. L'heure a sonné pour l'instantané et pour le tout automatique. La photo ne demande plus aucun effort, ni matériel encombrant.

L'entreprise, depuis sa création, a tout misé sur l'accessibilité par le plus grand nombre de ses produits, autant par la simplicité d'utilisation que par le coût. Ainsi, l'image illustrant la publicité, présente un groupe d'enfants. On peut imaginer une famille ou une sortie en camp de vacances, le photographe est implicitement une personne proche de ce groupe et non
un professionnel. La photographie sort des studios. Cet appareil est utilisable partout et par tous, à tout moment pour capter un instant de vie et être conservé.

La marque qui a capitalisé sur l'aspect innovant de son appareil, premier dans son genre, a fait de l'appareil photo un accessoire indispensable aux vacances, aux fêtes de famille, aux sorties entre amis. Il est rapidement devenu un ca-deau incontournable qui perdure ensuite dans le temps. Les publicités Kodak sont réalisées de façon à créer un nouveau be-soin : immortaliser son quotidien, créer des souvenirs. De la Kodak Girl apparue dès 1891, à toutes les publicités mettant en scène moments partagés et instants de vie, l'entreprise utilise la communication visuelle pour redéfinir les codes de la photographie et ouvrir un nouveau mar-ché. La photographie n'est plus réservée à un public aisé et averti, et comme le dit si bien le slogan, il n'y a même plus be-soin d'être bon photographe pour faire des bonnes photos.

Nouvelle invention, nouvelles habitudes ? La tournure qu'a fait prendre George Eastman à son entreprise n'aurait-elle pas un lien avec nos pratiques d'aujourd'hui ? Kodak, entreprise reine du marketing et de la publicité qui cherchait avant tout à s'enrichir, a tout mis en œuvre pour démocratiser la photographie auprès du grand public. Slogans inoubliables, publicités

faisant presque office de notice tellement leurs appareils étaient voués à être pratiques et manipulés en quelques étapes seulement, en une page tout est dit. Tout est fait pour que la prise de photos rentre dans nos habitudes. Depuis 1963 les photos souvenirs foisonnent, on ne manque plus de garder en souvenir nos réunions familiales, ou de revenir avec des cigarettes de photos de son dernier voyage. À travers cette publicité nous pouvons voir comment les nouveaux appareils Kodak ont permis de révolutionner le domaine de la photographie et ont fait rentrer une pratique technique, élitiste, dans le quotidien de chacun... pour ne plus jamais en sortir.

Cinquante sept ans plus tard, en 2020, l'Instamatic n'est plus d'actualité, mais la pratique qui lui était liée a perduré. Prendre des photos de ses proches, de ses activités, est devenu tout à fait ordinaire. Les entreprises créatrices de nouvelles technologies pour avoir toujours un appareil photo à disposition, suivent encore la même ligne directrice : prendre des photos le plus simplement possible tout en ayant un résultat toujours plus satisfaisant.

* « C'est si bon, que vous n'avez pas besoin de l'être »

** « Vous pressez le bouton, nous faisons le reste »
un professionnel. La photographie sort des studios. Cet appareil est utilisable partout et par tous, à tout moment pour capter un instant de vie et être conservé.

La marque qui a capitalisé sur l'aspect innovant de son appareil, premier dans son genre, a fait de l'appareil photo un accessoire indispensable aux vacances, aux fêtes de famille, aux sorties entre amis. Il est rapidement devenu un ca-deau incontournable qui perdure ensuite dans le temps. Les publicités Kodak sont réalisées de façon à créer un nouveau be-soin : immortaliser son quotidien, créer des souvenirs. De la Kodak Girl apparue dès 1891, à toutes les publicités mettant en scène moments partagés et instants de vie, l'entreprise utilise la communication visuelle pour redéfinir les codes de la photographie et ouvrir un nouveau mar-ché. La photographie n'est plus réservée à un public aisé et averti, et comme le dit si bien le slogan, il n'y a même plus be-soin d'être bon photographe pour faire des bonnes photos.

Nouvelle invention, nouvelles habitudes ? La tournure qu'a fait prendre George Eastman à son entreprise n'aurait-elle pas un lien avec nos pratiques d'aujourd'hui ? Kodak, entreprise reine du marketing et de la publicité qui cherchait avant tout à s'enrichir, a tout mis en œuvre pour dém-cratiser la photographie auprès du grand public. Slogans inoubliables, publicités

faisant presque office de notice tellement leurs appareils étaient voués à être pra-tiques et manipulés en quelques étapes seulement, en une page tout est dit. Tout est fait pour que la prise de photos rentre dans nos habitudes. Depuis 1963 les pho-tos souvenirs foisonnent, on ne manque plus de garder en souvenir nos réunions familiales, ou de revenir avec des cen-taines de photos de son dernier voyage. À travers cette publicité nous pouvons voir comment les nouveaux appareils Kodak ont permis de révolutionner le do-maine de la photographie et ont fait ren-trer une pratique technique, élitiste, dans le quotidien de chacun... pour ne plus ja-mais en sortir.

Cinquante sept ans plus tard, en 2020, l'Instamatic n'est plus d'actualité, mais la pratique qui lui était liée a perduré. Prendre des photos de ses proches, de ses activités, est devenu tout à fait ordinaire. Les entreprises créatrices de nouvelles technologies pour avoir toujours un ap-pareil photo à disposition, suivent en-core la même ligne directrice : prendre des photos le plus simplement possible tout en ayant un résultat toujours plus satisfaisant.

* « C'est si bon, que vous n'avez pas besoin de l'être »

** « Vous pressez le bouton, nous faisons le reste »
La Covid fait un cartoon à l'Elysée

<figure><img src="image_75.png" /></figure>

Plantu, 31 mars 2021 - ultime dessin en une du journal *Le Monde*

https://img.lemde.fr/2021/04/02/0/0/2000/1606/800/0/75/0/26ffb99_941510855-plantu.jpg
La Covid fait un cartoon à l'Elysée

<figure><img src="image_74.png" /></figure>

Plantu, 31 mars 2021 - ultime dessin en une du journal *Le Monde*

https://img.lemde.fr/2021/04/02/0/0/2000/1606/800/0/75/0/26ffb99_941510855-plantu.jpg
1953

# Et si l'accouchement était politique ?

par Pauline Landel

<figure><img src="image_76.png" /></figure>

La Revue des travailleuses, n°12 juin-juillet du mensuel féminin édité par la Confédération Générale des Travailleurs (CGT) en 1953 - source site Bnf Gallica https://gallica.bnf.fr/ark:/12148/bpt6k9618309s#
1953

# Et si l'accouchement était politique ?

par Pauline Landel

<figure><img src="image_75.png" /></figure>

La Revue des travailleuses, n°12 juin-juillet du mensuel féminin édité par la Confédération Générale des Travailleurs (CGT) en 1953 - source site Bnf Gallica https://gallica.bnf.fr/ark:/12148/bpt6k9618309s#
Oui, j'ai accouché sans douleur : voilà ce qu'affirme sur cette première de couverture Gina Alfaya, jeune travailleuse, jeune mère. Regard apaisé, reposée, elle tient dans ses bras son coupon tout propre dont elle vient d'accoucher en 1953. Par cette image, le 12° numéro de *La Revue des travailleuses*, mensuel féminin édité par la Confédération Générale des Travailleurs (CGT), cherche à rompre avec l'imaginaire collectif de l'accouchement fait de cris, de souffrance, de femmes échevelées et épui-sées. Mais quelles innovations peuvent promettre une telle rupture : la fin de la douleur de l'enfantement ?

Dans les années 1950, la CGT veut soutenir l'organisation d'un mouvement féministe ouvrier. À la Libération, de nombreuses résistantes ayant participé aux combats accèdent à des postes de cadres au sein du syndicat. Ces femmes, dont Olga Tournade, militante de la métallurgie parisienne et rédactrice en cheffe de *La Revue*, organisent leur action, définissent un programme, se dotent d'un organe de presse. La *Revue des Travailleuses* se revendique féministe par opposition à une presse féminine consumériste devenue massive en ce tournant du 20° siècle : *Mairie-France*, créée en 1944, et *Elle*, en 1945, tirent à plus d'un million d'exemplaires. En 1955, de bulletin confédéral *La Revue* devient magazine, renommé *Antoinette*, qui paraît jusqu'en 1989.

*La Revue* s'intéresse aux conditions de vie des femmes ouvrières et de leur émancipation en parallèle au développement, à la même époque, d'une pensée féministe aux origines bourgeoises, telle que la symbo-

lise Simone de Beauvoir. C'est cet intérêt concret qui conduit à l'élaboration d'une réflexion autour de la maternité et de son accompagnement, sur les moyens à mettre en place pour qu'elle ne soit pas un frein à l'émancipation des femmes, et en particulier des femmes qui travaillent. Les mitantes de *La Revue* portent des revendications allant dans ce sens : refus que les mères soient contraintes à rester au foyer, mise en place d'aides à la mère qui travaille, formation à la connaissance de leur corps et au droit à en disposer, y compris face au pouvoir médical patriarcal et lors de l'accouchement qui s'est beaucoup médicalisé depuis la fin du 19e siècle.

Ces luttes, un peu oubliées par l'historiographie féministe contemporaine, ont eu une grande importance car elles ont familiarisé les femmes avec leur sexualité et leurs droits reproductifs – et préparé ainsi les deux grands combats des décennies qui suivent, autour de la contraception et du droit à l'avortement. C'est dans ce contexte qu'il faut situer la photo de Gina et l'enquête sur “l'accouchement sans douleur”, qui promet aux femmes de « s'accoucher elles-mêmes » en souffrant moins.

Quelles sont ces méthodes ? Aussi appelées « méthodes Lamaze », du nom de cet obstétricien français qui en a mené en France les premières expérimentations au sein de la “clinique des métallos” à Paris, aujourd'hui plus connue comme la Maternité des Bluets. Selon Fernand Lamaze, la douleur de l'accouchement peut être annulée sous 3 conditions : obstétricale (bienveillance de l'équipe médicale, qui doit viser à un accouchement naturel) ; physique (la parturiente doit se prépa-
Oui, j'ai accouché sans douleur : voilà ce qu'affirme sur cette première de couverture Gina Alfaya, jeune travailleuse, jeune mère. Regard apaisé, reposée, elle tient dans ses bras son coupon tout propre dont elle vient d'accoucher en 1953. Par cette image, le 12° numéro de *La Revue des travailleuses*, mensuel féminin édité par la Confédération Générale des Travailleurs (CGT), cherche à rompre avec l'imaginaire collectif de l'accouchement fait de cris, de souffrance, de femmes échevelées et épui-sées. Mais quelles innovations peuvent promettre une telle rupture : la fin de la douleur de l'enfantement ?

Dans les années 1950, la CGT veut soutenir l'organisation d'un mouvement féministe ouvrier. À la Libération, de nombreuses résistantes ayant participé aux combats accèdent à des postes de cadres au sein du syndicat. Ces femmes, dont Olga Tournade, militante de la métallurgie parisienne et rédactrice en cheffe de *La Revue*, organisent leur action, définissent un programme, se dotent d'un organe de presse. La *Revue des Travailleuses* se revendique féministe par opposition à une presse féminine consumériste devenue massive en ce tournant du 20° siècle : *Mairie-France*, créée en 1944, et *Elle*, en 1945, tirent à plus d'un million d'exemplaires. En 1955, de bulletin confédéral *La Revue* devient magazine, renommé *Antoinette*, qui paraît jusqu'en 1989.

*La Revue* s'intéresse aux conditions de vie des femmes ouvrières et de leur émancipation en parallèle au développement, à la même époque, d'une pensée féministe aux origines bourgeoises, telle que la symbo-

lise Simone de Beauvoir. C'est cet intérêt concret qui conduit à l'élaboration d'une réflexion autour de la maternité et de son accompagnement, sur les moyens à mettre en place pour qu'elle ne soit pas un frein à l'émancipation des femmes, et en particulier des femmes qui travaillent. Les mitantes de *La Revue* portent des revendications allant dans ce sens : refus que les mères soient contraintes à rester au foyer, mise en place d'aides à la mère qui travaille, formation à la connaissance de leur corps et au droit à en disposer, y compris face au pouvoir médical patriarcal et lors de l'accouchement qui s'est beaucoup médicalisé depuis la fin du 19e siècle.

Ces luttes, un peu oubliées par l'historiographie féministe contemporaine, ont eu une grande importance car elles ont familiarisé les femmes avec leur sexualité et leurs droits reproductifs – et préparé ainsi les deux grands combats des décennies qui suivent, autour de la contraception et du droit à l'avortement. C'est dans ce contexte qu'il faut situer la photo de Gina et l'enquête sur “l'accouchement sans douleur”, qui promet aux femmes de « s'accoucher elles-mêmes » en souffrant moins.

Quelles sont ces méthodes ? Aussi appelées « méthodes Lamaze », du nom de cet obstétricien français qui en a mené en France les premières expérimentations au sein de la “clinique des métallos” à Paris, aujourd'hui plus connue comme la Maternité des Bluets. Selon Fernand Lamaze, la douleur de l'accouchement peut être annulée sous 3 conditions : obstétricale (bienveillance de l'équipe médicale, qui doit viser à un accouchement naturel) ; physique (la parturiente doit se prépa-
rer physiquement à l'accouchement) et psychique (la parturiente doit être formée à la physiologie de son corps, de l'accouchement, et être accompagnée psychiquement pendant le travail).

Les expérimentations de Fernand Lamaze et leur publicisation par les forces de gauche et certaines personnalités (Jean Gabin et Silvia Monfort joueront les rôles principaux d'un film sur l'accouchement sans douleur) vont conduire à une amélioration effective des conditions de mise au monde pour les femmes : les années 1950 voient la diminution du taux de césariennes et de phlébites.

En 1953 (soit l'année de la parution de ce numéro de *La Revue*), le PCF dépose une proposition de loi pour que la Sécurité Sociale prenne en charge neuf séances de préparation à l'accouchement : le dispositif existe toujours aujourd'hui.

Mais, en pleine Guerre froide, la diffusion de ces techniques recouvre bien sûr un enjeu hautement politique qui interfère avec le progrès médical. Car c'est ce qu'on appelle à l'époque la “science soviétique” qui a inspiré les travaux de Lamaze, d'ailleurs compagnon de route du PCF. Un psychiatre russe, disciple du physiologiste Pavlov, a mis au point une méthode dite psycho-prophylactique fondée sur la psychologie et des techniques de respiration – sans doute aussi parce que, dans un contexte de pénuries, les femmes ne pouvaient avoir recours à l'analgésie médicamenteuse. Et c'est suite à un voyage d'études en URSS et à l'observation d'un accouchement au sein de la clinique du

Dr Nikolaiev, obstétricien à Leningrad, que Lamaze, convaincu, décide d'importer ces techniques en France.

L'innovation médicale que constitue ces méthodes devient alors outil de propagande... et *La Revue des travailleuses* n'hésite pas à affirmer qu'« aujourd'hui, dans toute une partie du monde, dans les pays du socialisme, la naissance se fait dans la joie, la souffrance a été vaincue » ! Ainsi la science soviétique aurait tout bonnement aboli la malédiction divine qui pèse sur les femmes selon la tradition catholique !

Cette dérive propagandiste, alliée au scepticisme de l'Ordre des médecins français à l'égard de leurs confrères communistes, n'a pas permis aux expérimentations de se développer de manière rigoureuse et pérenne. L'anesthésie péridurale, en dépit de certaines controverses, s'est par la suite très largement diffusée et notre imaginaire collectif autour de l'accouchement en a été bouleversé. Faites l'expérience : si vous tapez le mot « accouchement » dans une barre de recherches Images sur internet, vous verrez des bébés certes, mais surtout des images d'univers hospitaliers, des femmes en blouse sur des lits médicalisés, des compagnon.ne.s portant charlotte, des perfusions, branchements et appareils de mesure. Mais récemment, les témoignages de violences obstétricales et les dérives d'une surmédicalisation de l'accouchement ont remis sur le devant de la scène certains apports de l'ASD et la nécessité pour les mères de se réapproprier leur corps dans ce moment de leur vie.
rer physiquement à l'accouchement) et psychique (la parturiente doit être formée à la physiologie de son corps, de l'accouchement, et être accompagnée psychiquement pendant le travail).

Les expérimentations de Fernand Lamaze et leur publicisation par les forces de gauche et certaines personnalités (Jean Gabin et Silvia Monfort joueront les rôles principaux d'un film sur l'accouchement sans douleur) vont conduire à une amélioration effective des conditions de mise au monde pour les femmes : les années 1950 voient la diminution du taux de césariennes et de phlébites.

En 1953 (soit l'année de la parution de ce numéro de *La Revue*), le PCF dépose une proposition de loi pour que la Sécurité Sociale prenne en charge neuf séances de préparation à l'accouchement : le dispositif existe toujours aujourd'hui.

Mais, en pleine Guerre froide, la diffusion de ces techniques recouvre bien sûr un enjeu hautement politique qui interfère avec le progrès médical. Car c'est ce qu'on appelle à l'époque la “science soviétique” qui a inspiré les travaux de Lamaze, d'ailleurs compagnon de route du PCF. Un psychiatre russe, disciple du physiologiste Pavlov, a mis au point une méthode dite psycho-prophylactique fondée sur la psychologie et des techniques de respiration – sans doute aussi parce que, dans un contexte de pénuries, les femmes ne pouvaient avoir recours à l'analgésie médicamenteuse. Et c'est suite à un voyage d'études en URSS et à l'observation d'un accouchement au sein de la clinique du

Dr Nikolaiev, obstétricien à Leningrad, que Lamaze, convaincu, décide d'importer ces techniques en France.

L'innovation médicale que constitue ces méthodes devient alors outil de propagande... et *La Revue des travailleuses* n'hésite pas à affirmer qu' « aujourd'hui, dans toute une partie du monde, dans les pays du socialisme, la naissance se fait dans la joie, la souffrance a été vaincue » ! Ainsi la science soviétique aurait tout bonnement aboli la malédiction divine qui pèse sur les femmes selon la tradition catholique !

Cette dérive propagandiste, alliée au scepticisme de l'Ordre des médecins français à l'égard de leurs confrères communistes, n'a pas permis aux expérimentations de se développer de manière rigoureuse et pérenne. L'anesthésie péridurale, en dépit de certaines controverses, s'est par la suite très largement diffusée et notre imaginaire collectif autour de l'accouchement en a été bouleversé. Faites l'expérience : si vous tapez le mot « accouchement » dans une barre de recherches Images sur internet, vous verrez des bébés certes, mais surtout des images d'univers hospitaliers, des femmes en blouse sur des lits médicalisés, des compagnon.ne.s portant charlotte, des perfusions, branchements et appareils de mesure. Mais récemment, les témoignages de violences obstétricales et les dérives d'une surmédicalisation de l'accouchement ont remis sur le devant de la scène certains apports de l'ASD et la nécessité pour les mères de se réapproprier leur corps dans ce moment de leur vie.
1943

# Art, culture scientifique et fausses croyances

par Michel Lecorre

<figure><img src="image_77.png" /></figure>

Tne niggers stink, Photographie de Weggee (1943) © International Center of Photography
https://s3.amazonaws.com/icptmsdata/w/e/e/g/weegee_643_1993_433214_displaysize.jpg
1943

# Art, culture scientifique et fausses croyances

par Michel Lecorre

<figure><img src="image_76.png" /></figure>

Tne niggers stink, Photographie de Weggee (1943) © International Center of Photography
https://s3.amazonaws.com/icptmsdata/w/e/e/g/weegee_643_1993_433214_displaysize.jpg
Sur cette photographie nous voyons des enfants, uniquement des garçons ou presque, un cliché en noir et blanc avec des tons gris, doux, équilibrés, pas de grain. Au premier plan, en dehors de la zone de profondeur de champs, c'est le grand visage flou d'un petit gars espiègle qui apparaît. Derrière lui, l'image est limpide à nos yeux, les autres garçons s'amusent debout, les jeunes jouent à la bagarre. Sur la droite, l'unique enfant en culotte courte attire l'attention, en décalé. Plus jeune il semble encore sucer son pouce. La scène se déroule dans une rue avec un large trottoir, numéro 463. Les deux fenêtres du rez-de-chaussée sont condamnées par de larges planches de bois, où sur l'une d'elle est inscrit un graffiti. Sourire aux lèvres, les garçons regardent vers l'objectif, mais un seul personnage n'est pas joyeux, le seul qui ne soit pas un garçon, se trouvant à l'arrière-plan, sur le pas de la porte de l'immeuble. Ce personnage est une femme noire. Tous les autres sont blancs.

L'enfant en culotte courte est en retrait des tumultes, des jeux brutaux. Fil rouge de ce cliché, ce petit bonhomme regarde ce que le photographe observe réellement : la femme debout sous le porche. Plus encore, l'enfant est le témoin d'un moment d'histoire des sciences sociales, le guide intemporel de cette photo. Le visage de la femme exprime l'émotion de la colère. Les garçons ont-ils des jeux trop bruyants ? Regardons de plus près la photo, précisément le graffiti qu'ils ont écrit. THE NIGGERS STINK. En français cette inscription signifie : « Les nègres puent ». Mais d'où viendrait cette idée ? Parfois, les arts et la littérature découvrent ce que les sciences et techniques ne permettent pas en premier lieu d'explorer. Le

roman historique *Le négrier. Roman d'une vie* de Lino Nolvas Calvo, ou encore *Noir Négoce* de Olivier Merle nous aide à trouver l'origine de cette fausse croyance. Selon les recherches de ces deux auteurs, le bois des bateaux négriers s'impregnait irrémédiablement d'une odeur pestilentielle engendrée par le manque d'hygiène, la promiscuité imposée aux captifs enchaînés au fond d'une cale, pour cette longue traversée de l'Atlantique. La description du port de Nantes dans le roman de Nolvas Calvo est édifiante : « Le fleuve était peuplé de navires négriers qui entraient et sortaient. Nantes ne voyait pas la traite, mais les bateaux revenaient imprégnés de cette puanteur spéciale. Sur le fleuve, on ne respirait pas d'autre air. C'était là le premier port négrier de France. » Le commerce des esclaves a duré du 16ᵉ au 19ᵉ siècle.

Revenons à notre photographie. Où a-t-elle été prise ? New York en 1943. Les bagarreurs ont leurs bas de pantalon retroussés. Ce n'est pas une mode, le même vêtement a été porté auparavant par le grand frère, voire le voisin. D'autre part, l'immeuble mériterait un bon ravalement, ce n'est pas un quartier riche, juste un quartier blanc populaire, où une famille noire vient d'emménager. 1943, où par milliers des jeunes Américains de toutes les couleurs de peau ou de cheveux donnent leur vie pour combattre le nazisme en Europe, au Japon dans le Pacifique.

Cette même année, à New York, des émeutes raciales ont lieu dans les quartiers de West et de Central Harlem, après le meurtre d'un soldat permissionnaire noir par un policier blanc. Suite à cette tragédie, sur les vitrines des magasins tenus par des familles noires, on peut voir côte à côte affichés : « Appartient à un
Sur cette photographie nous voyons des enfants, uniquement des garçons ou presque, un cliché en noir et blanc avec des tons gris, doux, équilibrés, pas de grain. Au premier plan, en dehors de la zone de profondeur de champs, c'est le grand visage flou d'un petit gars espiègle qui apparaît. Derrière lui, l'image est limpide à nos yeux, les autres garçons s'amusent debout, les jeunes jouent à la bagarre. Sur la droite, l'unique enfant en culotte courte attire l'attention, en décalé. Plus jeune il semble encore sucer son pouce. La scène se déroule dans une rue avec un large trottoir, numéro 463. Les deux fenêtres du rez-de-chaussée sont condamnées par de larges planches de bois, où sur l'une d'elle est inscrit un graffiti. Sourire aux lèvres, les garçons regardent vers l'objectif, mais un seul personnage n'est pas joyeux, le seul qui ne soit pas un garçon, se trouvant à l'arrière-plan, sur le pas de la porte de l'immeuble. Ce personnage est une femme noire. Tous les autres sont blancs.

L'enfant en culotte courte est en retrait des tumultes, des jeux brutaux. Fil rouge de ce cliché, ce petit bonhomme regarde ce que le photographe observe réellement : la femme debout sous le porche. Plus encore, l'enfant est le témoin d'un moment d'histoire des sciences sociales, le guide intemporel de cette photo. Le visage de la femme exprime l'émotion de la colère. Les garçons ont-ils des jeux trop bruyants ? Regardons de plus près la photo, précisément le graffiti qu'ils ont écrit. THE NIGGERS STINK. En français cette inscription signifie : « Les nègres puent ». Mais d'où viendrait cette idée ? Parfois, les arts et la littérature découvrent ce que les sciences et techniques ne permettent pas en premier lieu d'explorer. Le

roman historique *Le négrier. Roman d'une vie* de Lino Nolvas Calvo, ou encore *Noir Négoce* de Olivier Merle nous aide à trouver l'origine de cette fausse croyance. Selon les recherches de ces deux auteurs, le bois des bateaux négriers s'impregnait irrémédiablement d'une odeur pestilentielle engendrée par le manque d'hygiène, la promiscuité imposée aux captifs enchaînés au fond d'une cale, pour cette longue traversée de l'Atlantique. La description du port de Nantes dans le roman de Nolvas Calvo est édifiante : « Le fleuve était peuplé de navires négriers qui entraient et sortaient. Nantes ne voyait pas la traite, mais les bateaux revenaient imprégnés de cette puanteur spéciale. Sur le fleuve, on ne respirait pas d'autre air. C'était là le premier port négrier de France. » Le commerce des esclaves a duré du 16ᵉ au 19ᵉ siècle.

Revenons à notre photographie. Où a-t-elle été prise ? New York en 1943. Les bagarreurs ont leurs bas de pantalon retroussés. Ce n'est pas une mode, le même vêtement a été porté auparavant par le grand frère, voire le voisin. D'autre part, l'immeuble mériterait un bon ravalement, ce n'est pas un quartier riche, juste un quartier blanc populaire, où une famille noire vient d'emménager. 1943, où par milliers des jeunes Américains de toutes les couleurs de peau ou de cheveux donnent leur vie pour combattre le nazisme en Europe, au Japon dans le Pacifique.

Cette même année, à New York, des émeutes raciales ont lieu dans les quartiers de West et de Central Harlem, après le meurtre d'un soldat permissionnaire noir par un policier blanc. Suite à cette tragédie, sur les vitrines des magasins tenus par des familles noires, on peut voir côte à côte affichés : « Appartient à un
nègre » et « Produits dont ont besoin les forces armées afin de soutenir l'effort de guerre ». Contradictoire ? Plus tard, dans les années 1960, l'auteur afro-américain James Baldwin propose une piste fort pertinente : « les relations raciales aux États-Unis ne peuvent être comprises que si l'on admet d'une part que les deux communauteés ont un destin commun, et d'autre part que seuls les Noirs le savent ».

Au travers du regard de ce petit garçon en culottes courtes sur la photographie, nous sommes bien les témoins d'un événement remarquable pour les sciences sociales à travers l'art : l'installation dans les années 1940 d'une famille noire dans un quartier blanc de New York. Les yeux de cet enfant, nous montrent encore aujourd'hui que la pseudo-science relayée par les fake news est un outil de préjugés, de discriminations, le venin du mensonge distillé par l'insulte.

Weggee (1899-1968), photographe de presse, est l'auteur de ce cliché. Engagé dans les luttes contre les discriminations raciales, il s'est rendu à différents moments devant cet immeuble, pour voir, constater, rendre-compte à travers son œuvre. THE NIGGERS STINK est à la fois une photographie d'une grande qualité artistique et le résultat d'une démarche scientifique réelle.

Notons qu'aucune étude scientifique n'a jamais démontré qu'un être humain développe une odeur particulière, en lien avec la couleur de sa peau ou de ses cheveux.
nègre » et « Produits dont ont besoin les forces armées afin de soutenir l'effort de guerre ». Contradictoire ? Plus tard, dans les années 1960, l'auteur afro-américain James Baldwin propose une piste fort pertinente : « les relations raciales aux États-Unis ne peuvent être comprises que si l'on admet d'une part que les deux communauteés ont un destin commun, et d'autre part que seuls les Noirs le savent ».

Au travers du regard de ce petit garçon en culottes courtes sur la photographie, nous sommes bien les témoins d'un événement remarquable pour les sciences sociales à travers l'art : l'installation dans les années 1940 d'une famille noire dans un quartier blanc de New York. Les yeux de cet enfant, nous montrent encore aujourd'hui que la pseudo-science relayée par les fake news est un outil de préjugés, de discriminations, le venin du mensonge distillé par l'insulte.

Weggee (1899-1968), photographe de presse, est l'auteur de ce cliché. Engagé dans les luttes contre les discriminations raciales, il s'est rendu à différents moments devant cet immeuble, pour voir, constater, rendre-compte à travers son œuvre. THE NIGGERS STINK est à la fois une photographie d'une grande qualité artistique et le résultat d'une démarche scientifique réelle.

Notons qu'aucune étude scientifique n'a jamais démontré qu'un être humain développe une odeur particulière, en lien avec la couleur de sa peau ou de ses cheveux.
Distance émoi

<figure><img src="image_78.png" /></figure>

https://img.freepik.com/free-photo/man-woman-keeping-social-distance_23-2148626183.jpg?size=626&ext=jpg
Distance émoi

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https://img.freepik.com/free-photo/man-woman-keeping-social-distance_23-2148626183.jpg?size=626&ext=jpg
1938

# Technique pour une évasion sûre et bon marché

par Catherine Frichet

<figure><img src="image_79.png" /></figure>

Max-André Dazergues & Henri Armengol (dessinateur). *La fusée des glaces*. Collection Voyages et aventures. Ferenczi éditeur. Paris. 1938. 64 p.
C'est un petit livre, un fascicule souple, qui tient dans la main. La couverture illustrée aux tons sépia paraît terne et fatiguée. Des plis le long du dos agrafé indiquent qu'il a été manipulé, sans doute lu puis fourré dans une poche, malmené par de petits gestes quotidiens, accomplis sans y penser. L'illustration de couverture présente une évocation de fusée curieuse équipée de chenilles, couchée sur une banquise, à moitié plongée dans l'eau. On devine aisément qu'il s'agit d'un roman pour la jeunesse. Son titre : *La fusée des glaces*, numéro 265 de la collection Voyages et Aventures, publié chez Ferenczi en 1938. Écrit par Max-André Dazergues, auteur proli-fique de petits romans populaires, le ré-cit s'étale sur 64 pages, format standard de cette célèbre collection bon marché.

De conception fragile, sans illustration intérieure, ce petit livre aux lignes ser-rées n'était visiblement pas destiné à être conservé mais plutôt à être consom-mé rapidement : le rythme de publication hebdomadaire des numéros successifs de la collection - tous les jeudis - en atteste. Brochure banale, sans ambition littéraire ni documentaire, en marge de l'univers adulte, c'est un représentant d'une culture médiatique, populaire et ordinaire. Autre-ment dit, c'est un produit de la culture de masse à travers lequel on peut réfléchir aux représentations attachées aux pro-grès scientifiques et techniques.

Avant d'ouvrir le livre, intéressons-nous à la première de couverture, objet d'un soin tout particulier de la part des éditeurs de littérature populaire. En effet, pour convaincre le jeune acheteur de choisir

le bon fascicule parmi l'offre pléthorique et concurrentielle qui existe dans les an-nées 1930, la couverture joue le rôle d'une véritable vitrine : elle attire, elle annonce, elle promet. Ici, d'emblée, on sait qu'il va s'agir d'aventure, principal genre fictionnel à destination des gar-çons depuis le milieu du 19ᵉ siècle. Mais ce sera une aventure aux ingrédients issus de la modernité technique, la pré-sence de la fusée le promet.

L'argument de l'histoire peut être résumé ainsi : un raid est organisé par une équipe française pour atteindre le Pôle Nord grâce à une fusée aux capacités extraor-dinaires, étant tout à la fois amphibie, brise-glace et volante. A la tête de l'expé-dition, Georges Miraval, « l'as de l'aéro-nautique, le brillant ingénieur et célèbre pilote de ligne » est accompagné de Lucien Forgères « le petit mécano ». C'est donc le monde très médiatisé et très compétitif de l'aéronautique – et particulièrement le secteur en pointe des fusées – qui consti-tue le levier narratif de ce petit roman, auquel s'ajoute l'attrait mystérieux des pôles : dans les années 1930, ceux-ci re-présentent les derniers espaces géogra-phiques encore nimbés d'inconnu.

Le récit est pleinement inscrit dans l'actualité internationale de l'époque. Il débute ainsi par la référence à la célèbre expédition soviétique qui survola le Pôle Nord pour rejoindre les États-Unis et dont la presse se fait largement l'écho en 1936. De très nombreux indices tendent à montrer que l'histoire, les personnages et les lieux font partie du monde réel. Puis, la fiction s'impose et se saisit de la réalité pour construire le récit d'aventure. L'effet est puissant, projetant le lecteur
C'est un petit livre, un fascicule souple, qui tient dans la main. La couverture illustrée aux tons sépia paraît terne et fatiguée. Des plis le long du dos agrafé indiquent qu'il a été manipulé, sans doute lu puis fourré dans une poche, malmené par de petits gestes quotidiens, accomplis sans y penser. L'illustration de couverture présente une évocation de fusée curieuse équipée de chenilles, couchée sur une banquise, à moitié plongée dans l'eau. On devine aisément qu'il s'agit d'un roman pour la jeunesse. Son titre : *La fusée des glaces*, numéro 265 de la collection Voyages et Aventures, publié chez Ferenczi en 1938. Écrit par Max-André Dazergues, auteur proli-fique de petits romans populaires, le ré-cit s'étale sur 64 pages, format standard de cette célèbre collection bon marché.

De conception fragile, sans illustration intérieure, ce petit livre aux lignes ser-rées n'était visiblement pas destiné à être conservé mais plutôt à être consom-mé rapidement : le rythme de publication hebdomadaire des numéros successifs de la collection - tous les jeudis - en atteste. Brochure banale, sans ambition littéraire ni documentaire, en marge de l'univers adulte, c'est un représentant d'une culture médiatique, populaire et ordinaire. Autre-ment dit, c'est un produit de la culture de masse à travers lequel on peut réfléchir aux représentations attachées aux pro-grès scientifiques et techniques.

Avant d'ouvrir le livre, intéressons-nous à la première de couverture, objet d'un soin tout particulier de la part des éditeurs de littérature populaire. En effet, pour convaincre le jeune acheteur de choisir

le bon fascicule parmi l'offre pléthorique et concurrentielle qui existe dans les an-nées 1930, la couverture joue le rôle d'une véritable vitrine : elle attire, elle annonce, elle promet. Ici, d'emblée, on sait qu'il va s'agir d'aventure, principal genre fictionnel à destination des gar-çons depuis le milieu du 19ᵉ siècle. Mais ce sera une aventure aux ingrédients issus de la modernité technique, la pré-sence de la fusée le promet.

L'argument de l'histoire peut être résumé ainsi : un raid est organisé par une équipe française pour atteindre le Pôle Nord grâce à une fusée aux capacités extraor-dinaires, étant tout à la fois amphibie, brise-glace et volante. A la tête de l'expé-dition, Georges Miraval, « l'as de l'aéro-nautique, le brillant ingénieur et célèbre pilote de ligne » est accompagné de Lucien Forgères « le petit mécano ». C'est donc le monde très médiatisé et très compétitif de l'aéronautique – et particulièrement le secteur en pointe des fusées – qui consti-tue le levier narratif de ce petit roman, auquel s'ajoute l'attrait mystérieux des pôles : dans les années 1930, ceux-ci re-présentent les derniers espaces géogra-phiques encore nimbés d'inconnu.

Le récit est pleinement inscrit dans l'actualité internationale de l'époque. Il débute ainsi par la référence à la célèbre expédition soviétique qui survola le Pôle Nord pour rejoindre les États-Unis et dont la presse se fait largement l'écho en 1936. De très nombreux indices tendent à montrer que l'histoire, les personnages et les lieux font partie du monde réel. Puis, la fiction s'impose et se saisit de la réalité pour construire le récit d'aventure. L'effet est puissant, projetant le lecteur
dans un monde à la limite du fantastique, émaillé de péripéties multiples et invraisemblables. La fusée sert de décor – les personnages vivant à l'intérieur – elle est également source de performances remarquables et les inévitables pannes permettent de connaître de multiples rebondissements. C'est donc la technique qui rend l'aventure possible : la mise en avant des derniers progrès et de ce qu'ils pourraient permettre est utilisée ici pour alimenter l'imagination du lecteur.

C'est également l'occasion pour lui, dans l'évasion de l'instant, de penser et d'entrepvoir sa place dans le monde en s'y projettant, sans la contrainte de la réalité. En effet, de façon classique, les personnages principaux forment un duo : un homme expérimenté et un adolescent. Ce couple représente symboliquement l'écrivain et le lecteur, ce dernier étant guidé, au fil de l'histoire, par l'adulte. Dans La fusée des glaces, la figure la plus attachante correspond à celle du petit mécano, « vrai gamin

de Paris, il portait un intérêt prodigieux à la mécanique, particulièrement à l'aviation. » Cet archétype de l'astucieux mécano peut être vu comme un moyen pour les adultes de s'adresser à l'enfant à travers une figure attrayante et de lui présenter ainsi un chemin possible pour participer au monde en devenir.

Enfin, sans surprise, l'un des messages délivrés par cette petite histoire – contractéristique de nombreux romans bon marché de la période d'avant-guerre – consiste à dessiner tranquillement des expériences possibles, peut-être farfelues, mais qui soulignent efficacement la puissance de l'homme maîtrisant la technique. On perçoit le rôle d'anticipation de ce type de récits mettant en scène des objets ou des performances qui n'existent pas à l'époque de la publication mais qui sont déjà inventés pour les lecteurs, comme une manière de dépasser un horizon d'attente et de rendre ainsi l'invention possible.
dans un monde à la limite du fantastique, émaillé de péripéties multiples et invraisemblables. La fusée sert de décor – les personnages vivant à l'intérieur – elle est également source de performances remarquables et les inévitables pannes permettent de connaître de multiples rebondissements. C'est donc la technique qui rend l'aventure possible : la mise en avant des derniers progrès et de ce qu'ils pourraient permettre est utilisée ici pour alimenter l'imagination du lecteur.

C'est également l'occasion pour lui, dans l'évasion de l'instant, de penser et d'entrepvoir sa place dans le monde en s'y projettant, sans la contrainte de la réalité. En effet, de façon classique, les personnages principaux forment un duo : un homme expérimenté et un adolescent. Ce couple représente symboliquement l'écrivain et le lecteur, ce dernier étant guidé, au fil de l'histoire, par l'adulte. Dans La fusée des glaces, la figure la plus attachante correspond à celle du petit mécano, « vrai gamin

de Paris, il portait un intérêt prodigieux à la mécanique, particulièrement à l'aviation. » Cet archétype de l'astucieux mécano peut être vu comme un moyen pour les adultes de s'adresser à l'enfant à travers une figure attrayante et de lui présenter ainsi un chemin possible pour participer au monde en devenir.

Enfin, sans surprise, l'un des messages délivrés par cette petite histoire – contractéristique de nombreux romans bon marché de la période d'avant-guerre – consiste à dessiner tranquillement des expériences possibles, peut-être farfelues, mais qui soulignent efficacement la puissance de l'homme maîtrisant la technique. On perçoit le rôle d'anticipation de ce type de récits mettant en scène des objets ou des performances qui n'existent pas à l'époque de la publication mais qui sont déjà inventés pour les lecteurs, comme une manière de dépasser un horizon d'attente et de rendre ainsi l'invention possible.
Modélisez moi, ...

<figure><img src="image_80.png" /></figure>

Centre for economic policy research (CEPR), VOX EU - Joshua Gans, «Reproduction numbers tend to 1 and the reason could be behavioural», 30 août 2020 - illustration

https://cepr.org/sites/default/files/styles/16_9_small/public/voxeu-cover-image/AdobeStock_331036816.webp?itok=XbkDj8g7
Modélisez moi, ...

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Centre for economic policy research (CEPR), VOX EU - Joshua Gans, «Reproduction numbers tend to 1 and the reason could be behavioural», 30 août 2020 - illustration

https://cepr.org/sites/default/files/styles/16_9_small/public/voxeu-cover-image/AdobeStock_331036816.webp?itok=XbkDj8g7
1937

# Lumière sur la fée électricité

par Sandrine Decroocq

<figure><img src="image_81.png" /></figure>

La fée Électricité – Raoul Dufy – Huile sur panneaux de contreplaqué

Commande de la Compagnie parisienne de distribution d'électricité

Exposition universelle de 1937.

https://www.mam.paris.fr/sites/default/files/styles/visuel_805x325/public/parcours/images/bdmamvp_fee_electricite_0009_1.jpg?itok=WsHxMIx7
1937

# Lumière sur la fée électricité

par Sandrine Decroocq

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La fée Électricité – Raoul Dufy – Huile sur panneaux de contreplaqué
Commande de la Compagnie parisienne de distribution d'électricité
Exposition universelle de 1937.

https://www.mam.paris.fr/sites/default/files/styles/visuel_805x325/public/parcours/images/bdmamvp_fee_electricite_0009_1.jpg?itok=WsHxMIx7
Pour l'Exposition Universelle de 1937 à Paris, la Compagnie parisienne de distribution d'électricité confie à Raoul Dufy la réalisation du décor de son pavillon édifié par Robert Mallet Stevens sur le Champ de Mars. La commande est promotionnelle : « Mettre en valeur le rôle de l'électricité dans la vie nationale et dégager notamment le rôle social de premier plan joué par la lumière électrique ». Il s'agit toutefois d'une œuvre monumentale qui sera installée dans le pavillon de l'Électricité et de la lumière pour conter la grande épopée scientifique de l'électricité de l'antiquité aux applications du 20e siècle.

C'est le tout nouveau gouvernement du Front populaire, élu en mai 1936, qui organise, dans la précipitation et la discorde, cette Exposition Universelle. On déplore de nombreux incidents sur les chantiers : grèves, blocages... Et les tensions entre le patronat et le gouvernement retardent l'édification des pavillons. Mais les organisateurs, jugeant l'événement positif pour l'image du pays, veulent en faire une vitrine pour les domaines où la France excelle et aider à lutter contre le chômage par un programme de grands travaux. La crise économique des années 1930 reste dans tous les esprits. Aussi cette manifestation doit contrecarrer la morosité ambiante. Le thème général : « les arts et techniques » vise à montrer que le beau et l'utile doivent être intime-ment liés, mais aussi accessibles à tous. Les productions présentées doivent afficher un caractère artistique et nouveau, ce qui exclut les traditionnels pavillons sur l'artisanat et l'industrie des expositions précédentes.

C'est dans ce contexte tendu que Raoul Dufy accepte la commande de ce qui sera l'un des plus grands tableaux du monde. Il installe son atelier dans une ancienne centrale électrique à Saint-Ouen et s'entoure de toute une équipe.

Réalisée en 10 mois, depuis sa conception, cette œuvre est composée de 250 panneaux de contreplaqué de 2 m sur 1,20 m, soit une surface totale de 624 m², ce qui est en soi une prouesse dans un délai aussi court. Ce ne sera pas la seule, car ce travail est une suite de défis techniques qu'il a su relever. Pour le support, il choisit un contreplaqué indéformable, une matière alors nouvelle et moderne qui a l'avantage d'être pratique et légère. Les panneaux sont alors cintrés afin d'épouser la courbure de la charpente métallique du pavillon de l'Électricité. Pour la peinture qu'il voulait toute en transparence et luminosité, Raoul Dufy travaille avec un chimiste, Jacques Maroger, afin d'obtenir une peinture à l'huile très légère et à séchage rapide. Appliquée en fines couches successives, elle donne l'illusion de l'aquarelle. Son sujet a demandé de nombreuses recherches documentaires, menées en grandes parties par son frère, Jean. Pour présenter ses personnages, le peintre s'inspire de la technique de David en peignant d'abord ses personnages nus pour ensuite les habilier en utilisant des figurants de la Comédie Française comme modèles. Il réalise une représentation à l'échelle 1/10 de 250 dessins puis les photographie sur une plaque de verre avant de les projeter à l'aide d'une lanterne magique sur les panneaux et enfin les reporter à la bonne taille. L'artiste n'a plus qu'à les juxtaposer comme un puzzle.

Raoul Dufy aime peindre des motifs modernes et populaires, montrant des scènes de son temps, du quotidien, de la rue. Il affectionne les couleurs vives. La Fée Électricité est donc une œuvre très lumineuse qui donne une impression de gaieté, de bonheur et de fête. Cette gigantesque composition accueille le spectateur dans l'histoire de l'électricité et de ses applications, depuis les premières observations de l'antiquité jusqu'aux réalisations