# Atlas des Souffles, un spectacle qui relie le corps au monde

Anan Atoyama

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OpenEdition
Journals

## Édition électronique

URL: https://journals.openedition.org/mondesmigrations/4400

DOI: 10.4000/15haa

ISSN: 3076-6338

## Éditeur

Établissement public du Palais de la Porte Dorée – Musée national de l'histoire de l'immigration

## Édition imprimée

Date de publication : 1 janvier 2026

Pagination : 135-141

ISBN : 978-2-919040-81-0

ISSN : 3075-6812

## Référence électronique

Anan Atoyama, « Atlas des Souffles , un spectacle qui relie le corps au monde », Mondes & Migrations [En ligne], 1352 | 2026, mis en ligne le 01 janvier 2026, consulté le 16 janvier 2026. URL : http:// journals.openedition.org/mondesmigrations/4400 ; DOI : https://doi.org/10.4000/15haa

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SPECTACLE

# Atlas des Souffles, un spectacle
quí relie le corps au monde

Anan Atoyama, chorégraphe

Anan Atoyama est chorégraphe et artiste interdisciplinaire d'origine japonaise. Depuis vingt ans, elle développe sa pratique à l'intersection de l'expression singulière, de la pensée critique et des dynamiques collectives, dans des contextes variés tels que des régions multiculturelles, des prisons, des camps de réfugiés, des biennales et des projets participatifs, avec les personnes qu'elle rencontre sur les quatre continents. La danse constitue pour elle un espace réflexif et relationnel qui permet de reconsidérer les structures du langage, du pouvoir et de la représentation, et de reconstruire la relation entre l'humain et le monde.

Au début de sa carrière, Anan Atoyama s'est profondément interrogée sur l'acte de faire bouger le corps d'autrui pour réaliser sa propre vision. La relation entre chorégraphe et danseur reflète souvent en miniature les hiérarchies présentes dans la société. Face aux structures de domination et d'exploitation, au traitement utilitariste de la nature et aux conflits engendrés par les différences culturelles, elle a cherché à transformer la danse en un espace à même de déconstruire ces hiérarchies et de permettre à des sujets divers de créer ensemble.

Les espaces qu'elle crée accueillent des participants de tous âges, cultures, genres et corporalités, et constituent un écosystème sensible. L'écoute, le respect mutuel, l'imaginaire partagé et les relations écologiques y sont cultivés. La collaboration artistique et la participation active deviennent des dispositifs de transformation où la singularité de chaque individu est valorisée et suscite de nouvelles possibilités.

La philosophie de la cérémonie du thé, et en particulier l'esprit du ici et maintenant, guide sa pratique avec sérénité. Dans le silence et la simplicité, la richesse de l'instant, la beauté de l'imperfection et l'éclat de la diversité émergent. Les différences culturelles, corporelles et générationnelles ne sont pas des sources de division mais des forces créatives qui enrichissent l'expérience collective.

Ces réflexions se reflètent également dans des projets tels que TransForme de 2013 à 2017 et la grande parade de la Biennale de Lyon en 2012 et 2016. Dans ces projets, auxquels entre 70 et 450 participants prenaient part à tous les
niveaux, de la chorégraphie à la musique, des costumes à l'espace, la simplicité ainsi que la diversité mutuelle sont devenues le noyau d'une créativité foisonnante.

## Quand le corps et la science dialoguent sur les enjeux écologiques

La pratique d'Anan Atoyama s'enrichit également de collaborations avec le monde scientifique. Avec Pierre-Henri Gouyon, biologiste spécialisé en sciences de l'évolution, et le laboratoire d'embryologie de l'université d'Oxford (Srinivas Lab), elle explore la combinaison des perspectives scientifiques et des expériences émotionnelles à travers le corps, transformant la connaissance en un processus génératif.

Plus récemment, elle a sollicité Mikiko Kainuma, pionnière de la modélisation intégrée et membre clé du Giec, en tant que conseillère scientifique, pour explorer comment les modèles climatiques et les analyses de scénarios peuvent être convertis en savoir expérientiel à travers le corps. Elle mène également des entretiens avec des scientifiques spécialisés sur le climat tels que Kazuhiko Takemoto, Hans Joachim Schellnhuber, Zakirdeen Soumeiya Ahmed, Jacob Schewe et Christophe Cassen, intégrant dans ses processus artistiques des perspectives scientifiques sur la migration climatique, les scénarios de société bas carbone et les prévisions futures.

Les recherches de Saleemul Huq, fondateur de l'ICCCAD, sur les savoirs locaux, la justice climatique et les pertes et les dommages subis apportent une profondeur critique à sa pratique, reliant science, corporalité, éthique et créativité, et ancrant son art dans les enjeux écologiques à l'échelle mondiale.

Depuis 2020, ces explorations se cristallisent dans « Création Directe », une méthode chorégraphique unique. Fondée sur l'imagination, la spontanéité et l'universalité du geste, sa démarche s'appuie sur l'histoire de la danse, les happenings d'Allan Kaprow, la musique improvisée de John Cage, Pauline Oliveros et John Zorn ainsi que sur leur vision artistique, et s'inscrit dans la conception japonaise de l'impermanence, de l'esthétique wabi-sabi à la philosophie de la cérémonie du thé japonaise. Il ne s'agit pas de créer des formes figées mais de considérer le processus créatif lui-même comme un lieu vivant de transformation où l'existence et les choix de chaque participant façonnent la structure organique de l'œuvre.

Dans cette pratique en constante évolution, corps, espace, objets, sons et mots se croisent librement et chaque rencontre fait émerger de nouvelles relations et de nouvelles pensées. L'art devient un processus vivant, personnel et collectif, centré sur la relation et la cohabitation. L'œuvre naît de la co-présence et évolue continuellement à travers l'expérience partagée.

L'art d'Atoyama présente les différences individuelles comme une source d'inspiration commune et propose l'espace, fruit de la synergie créée par la libération d'une imagination libre de toute catégorisation, comme une porte ouverte vers un avenir inclusif et durable. Il y déploie un espace à la fois poétique et critique où se redécouvrent les relations avec autrui et avec l'environnement.
## Atlas des Souffles

Atlas des Souffles explore la migration et la crise climatique à travers la danse et le mouvement. La chorégraphe japonaise et artiste interdisciplinaire développe le concept de « création directe » dans lequel l'œuvre émerge en temps réel grâce à la participation du public. Les spectateurs peuvent choisir de simplement observer ou de s'engager activement, témoignant de sculptures humaines et de compositions vivantes qui prennent progressivement forme.

La chorégraphie se développe selon un cycle en trois temps. Premièrement, l'écoute des voix des personnes directement affectées par les inondations et les submersions, notamment au Bangladesh et dans les îles basses du Pacifique. Deuxièmement, l'intégration des connaissances scientifiques et des conseils d'experts comme fondement. Troisièmement, l'expérimentation et l'affinement de la chorégraphie en studio avec des citoyens et des artistes. À travers ce processus, les données et les concepts abstraits se transforment en expérience incarnée, et le savoir devient compréhension vécue.

Chaque participant apporte son propre rythme et son expérience, réactivant les liens subtils entre mouvement, mémoire, action et résonance. L'œuvre
interroge ce que signifie « participer » ou « observer » dans un monde frag-
menté, tandis que le corps porte récit, mémoire et avenir, affirmant sa présence.

En intégrant les connaissances scientifiques et juridiques à l'expérience corporelle, *Atlas des Souffles* prend la forme d'une partition chorégraphique ouverte, incarnant la relation circulaire entre corps, environnement, science et droit. La danse invite à l'introspection et ouvre des perspectives qui relient l'expérience individuelle au monde. Ici, l'art ne se contente pas de représenter la crise climatique : il nous permet de la ressentir, de questionner et de relier nos relations.

« L'ART EST PARFOIS UN MIROIR QUI ÉCLAIRE CE QUE LES GENS RELÈGUENT HORS DE LEUR CONSCIENCE »

Mondes & Migrations : Comment l'exposition Migrations et climat, actuellement au Palais de la Porte Dorée, vous inspire-t-elle dans la préparation de ce spectacle Atlas des Souffles prévu en février 2026 ?

**Anan Atoyama:** Cette exposition aborde la question des migrations liées au changement climatique sous de multiples angles. Étant moi-même impliquée dans ce domaine, j'observe avec attention, en tant que spectatrice, la manière dont ce thème agit sur moi. Est-ce l'impact visuel, l'agencement des œuvres dans l'espace ou le parcours proposé, les explications accompagnant les œuvres, ou bien le récit implicite contenu dans les œuvres elles-mêmes ? Dans l'espace de l'exposition, j'analyse avec soin tous les éléments qui résonnent en moi.

Certaines œuvres m'attirent particulièrement par leur beauté visuelle. Face à des situations difficiles et des thèmes lourds, on peut percevoir à la fois la capacité humaine à découvrir la beauté et l'espoir qu'elle suscite pour l'avenir. Dans mon propre travail sur ce thème, je ressens parfois du désespoir, mais je trouve également une inspiration dans la force de transformation que ces œuvres permettent d'entrevoir.

M&M : En quoi l'expérience participative renforce-t-elle le sentiment d'appartenance à une seule et même communauté ? Comment la pratique artistique peut-elle contribuer à faire « société » en respectant les identités de chacun ? Comment passer de l'individu à l'esprit de groupe ?

A. A. : Je crois que le sentiment d'appartenance ne peut naître que de l'expérience vécue, et de la reconnaissance de cette expérience par soi-même, qu'elle soit verbale ou non verbale. Le point de départ de cette perception relève de la sensibilité propre à chacun. Il m'est donc impossible de prédire si l'expérience de participation à mon œuvre suscitera un sentiment d'appartenance. Ce que je peux affirmer, en revanche, c'est que
ce n'est nullement mon objectif. Pour offrir une expérience véritablement riche, je considère qu'il est superflu, voire contre-productif, de fixer une finalité prédéterminée. Par ailleurs, l'existence d'une communauté persiste, même au sein d'une société fragmentée ; elle demeure, sous des formes parfois subtiles, toujours à l'œuvre. Qu'est-ce que la société ? Les réponses sont multiples et ouvertes, et c'est précisément cette beauté que je souhaite montrer. Toutes nos différences, évidentes en elles-mêmes, composent de manière continue et très organique cet espace commun.

Je souhaite simplement être présente avec les participants pour concentrer notre attention sur l'ici et maintenant. L'esprit du groupe surgira alors de manière indéfinie, les directions resteront ouvertes, et le public, en tant qu'observateur, témoignera de quelque chose – certainement une manière renouvelée, ou entièrement nouvelle, de percevoir et d'expérimenter cette dynamique.

**M&M :** Votre expérience artistique et chorégraphique à l'international (Japon, Tunisie, France...) vous permet-elle d'identifier des spécificités propres à chaque territoire ou partie du monde ? Y a-t-il des distinctions ou des préalables à prendre en compte dans votre démarche en fonction des pays ?
**A. A.** : Oui, chaque pays possède ses spécificités, et il me faut du temps pour les saisir pleinement. J'essaie toujours d'expérimenter par l'expérience elle-même, sans craindre les frictions ou les inconforts. Parfois, je n'ai pas suffisamment de temps pour rester assez longtemps, mais dans ces cas-là, j'essaie de maintenir une posture ouverte, curieuse et incertaine. Cela peut certes devenir une fragilité, mais cette lucidité se transforme en confiance et devient parfois même une véritable force. Je souhaite que ces spécificités me touchent profondément, qu'elles me transforment et m'apprennent à m'adapter à leurs manières de vivre et d'habiter leur environnement.

Le fait de poser le pied sur une nouvelle terre implique en miroir que des personnes venues d'ailleurs m'y accueillent, chacune selon ses propres façons d'être. J'ai connu des situations où l'on m'a reçue avec une remarquable générosité et un sens profond de l'hospitalité ; ces gestes, empreints d'efforts sincères, demeurent aujourd'hui encore une véritable source de force intérieure.

Il m'est également arrivé d'essuyer des refus. Mais je comprends alors que, entre l'autre et moi, se superposent des strates bien plus vastes que nos deux individualités, des histoires, des contextes, des représentations qui créent inévitablement des tensions. Dans ces moments-là, j'aspire à cultiver une forme de souplesse intérieure, une capacité à mobiliser l'humour ou des modalités d'apaisement, afin de dénouer ce qui se crispe et de rétablir, autant que possible, un espace commun respirable.

C'est sur cette fondation que je peux commencer à travailler avec les individus. Et puis mon travail est la danse : grâce à elle, nos rencontres deviennent simples, et les obstacles ou les malentendus liés à la langue se transforment en poésie et en ouverture.

**M&M : L'art est politique ! En quoi cette expérience artistique basée sur le corps et la science permet-elle la transformation sociale et/ou de se libérer des hiérarchies dominantes qui structurent nos sociétés ? Comment appréhendez-vous ce travail de déconstruction par la danse ?**

**A. A.** : Lorsque j'entends dire que « l'art est politique », je pense à Sen no Rikyū. La vision du monde qu'il a façonnée dans l'art de la cérémonie du thé japonaise n'était pas une simple proposition esthétique : elle portait une force silencieuse à même d'agir sur la « polis » de cette époque guerrière et instable, c'est-à-dire sur l'ordre et les valeurs de la communauté. Cette influence, à la fois subtile et profonde, finit par inquiéter le pouvoir, et il poussa au seppuku. J'y vois un événement symbolique de la façon dont l'art introduit une forme de vacillement au sein des structures sociales invisibles.

L'art est parfois un miroir qui éclaire ce que les gens relèguent hors de leur conscience. Si mon activité est perçue comme politique, c'est peut-être parce qu'à travers mes œuvres, la polis de ce domaine, les dynamiques et les orientations qui imprègnent la communauté s'y trouvent reflétées.

La danse, à l'origine, précède de loin la communication verbale. Nous vivons toujours dans des flux non verbaux : des sensations diffuses, des silences mouvants, le poids ou la température du corps. S'engager dans le monde par le corps, avant tout système ou toute pensée, relève d'un geste qui touche au territoire primordial de la question : « Qu'est-ce qu'une communauté ? »

Si je commence mes créations par un regard scientifique, c'est parce que la science me semble chercher un langage commun tapi derrière les phénomènes et les faits.
Je souhaite traduire ce langage en corps, en mouvement, et partager de nouvelles
expériences avec autrui. Tant que le point de départ reste un phénomène universel, il
me semble qu'aucune hiérarchie dominante ne peut vraiment s'imposer.

Je me souviens souvent de l'époque où, dans un laboratoire d'embryologie, j'observais
au microscope des organismes unicellulaires, formes premières de la vie. Cette vision
d'un commencement qui surgit d'un lieu où le moi (ego) n'existe pas encore m'a donné
le sentiment que le monde se levait avant toute identité. Ce frémissement originel
révèle un « début commun » que nous pouvons partager au-delà de ou avec toutes les
frontières sociales.

Dans ma pratique, j'essaie de laisser vivre autant que possible les matériaux et les
evénements que j'ai collectés, sans les transformer outre mesure. C'est au public ou aux
participants de jeter les ponts entre eux. Je ne cherche pas à imposer du sens, mais à
dégager un espace ouvert. Ce qui anime mon travail, ce sont les synergies inattendues
qui émergent quand des personnes venues d'horizons divers se rencontrent dans
un même espace. Projeter ce qu'il y a de plus intime, c'est-à-dire le corps, dans un
espace public peut être perçu comme une provocation en un lieu, ou comme une
question ouverte en un autre. Pourtant, même sans brandir de message explicite, le
fait qu'un corps « soit ici et maintenant » dans cet espace fait légèrement trembler la
structure du collectif et ouvre silencieusement de nouvelles possibilités. Cette pratique
constitue, pour moi, une réponse à la polis, c'est-à-dire à la question à l'origine du mot
« politique » : « comment vivre ensemble ? »

L'art n'a pas toujours le pouvoir de transformer directement la société, mais en
touchant à notre manière d'exister, il peut offrir à la communauté une nouvelle texture,
un nouveau souffle. ■