# L'humeur: mots et maux dans la littérature et les arts

Catherine Voison

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Catherine Voison. L'humeur: mots et maux dans la littérature et les arts: La mélancolie dans les pratiques artistiques contemporaines. L'humeur: Mots et maux dans la littérature et les arts, Faculté des Lettres et des Sciences humaines- Université Hassan II de Casablanca, Jun 2024, Casablanca, Maroc. hal-04617265

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recherche français ou étrangers, des laboratoires
publics ou privés.

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# L'humeur: mots et maux dans la littérature et les arts

Catherine Voison

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Catherine Voison. L'humeur: mots et maux dans la littérature et les arts. L'humeur: Mots et maux dans la littérature et les arts, Faculté des Lettres et des Sciences humaines- Université Hassan II de Casablanca, Jun 2024, Casablanca, Maroc. hal-04617265

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FLSHB

Ben M'sik

Faculté des Lettres et des Sciences Humaines
Ben M'sik Casablanca

Université Hassan II de Casablanca

<figure><img src="image_3.png" /></figure>

LABORATOIRE
LANGUES, LITTÉRATURES
ET COMMUNICATION

Laboratoire Langues, Littératures et Communication
Groupe de Recherche en Littératures et Cultures Francophones et Comparées

9ème colloque international

# L'Humeur :
mots et maux dans la littérature et les arts

Mercredi 12 juin 2024 à 8h30

Amphithéâtre Abdellah Laroui

La mélancolie dans les pratiques artistiques contemporaines

Catherine Voison

Illustration: Humeur par Hovik Ighiyan, 2019
<figure><img src="image_2.png" /></figure>

FLSHB

Ben M'sik

Faculté des Lettres et des Sciences Humaines
Ben M'sik Casablanca

Université Hassan II de Casablanca

<figure><img src="image_3.png" /></figure>

LABORATOIRE
LANGUES, LITTÉRATURES
ET COMMUNICATION

Laboratoire Langues, Littératures et Communication
Groupe de Recherche en Littératures et Cultures Francophones et Comparées

9ème colloque international

# L'Humeur :
mots et maux dans la littérature et les arts

Mercredi 12 juin 2024 à 8h30

Amphithéâtre Abdellah Laroui

La mélancolie dans les pratiques artistiques contemporaines

Catherine Voison

Illustration: Humeur par Hovik Ighiyan, 2019
Au V ème avant J. C., le médecin grec Hippocrate auteur du célèbre
serment, décrit la théorie des quatre humeurs<fnref n="1" /> que sont la bile jaune, la
lymphe, le sang et la bile noire ou atrabile. Cette dernière était perçue
comme un dysfonctionnement organique susceptible de provoquer
chez l'humain un état mélancolique plus ou moins prononcé.
« Hippocrate la définit comme une affection double du corps et de
l'esprit, caractérisée par la crainte et le retrait. <fnref n="2" />» Au XVIII ème siècle
Diderot en donne une définition plus précise et moins négative: « C'est
le sentiment habituel de notre imperfection [...] elle l'est aussi des idées
d'une certaine perfection, qu'on ne trouve ni dans les autres, ni dans
les objets de ses plaisirs, ni dans la nature. [...] La mélancolie n'est
point l'ennemie de la volupté et laisse savourer les plaisirs délicats de
l'âme et des sens. <fnref n="3" />» C'est au XIX ème siècle que cet affect est
surnommé *le mal du siècle*. Il s'exprime abondamment à travers les
œuvres des écrivains et des artistes romantiques<fnref n="4" />. A la fin du XIX ème
siècle, Baudelaire emploie le mot d'origine anglaise *Spleen*<fnref n="5" /> pour
exprimer son vague-à-l'âme et révéler dans *Le spleen de Paris* l'aspect
négatif des bas-fonds de la capitale (1869).

Ce *spleen* s'inscrit aujourd'hui encore dans l'imaginaire artistique

Notre propos vise à analyser la manière dont l'art contemporain donne
forme aux symptômes de ce déséquilibre mental et corporel observé ;
déséquilibre observé autrefois de manière empirique et traité
aujourd'hui au prisme de la médecine, de la psychiatrie, de la
psychanalyse et de la neurobiologie.

<footnote n="1">¹ Théorie que l'on retrouve dans le traité d'Aristote, *De la nature de l'homme*, 4ème siècle av. J. C.</footnote>

<footnote n="2">² Clair, Jean, entretien avec Richard Leydier, *Arpress* n° 316, octobre 2005</footnote>

<footnote n="3">³ Diderot, Denis, d'Alembert Le Rond, *L'encyclopédie ou Dictionnaire des sciences, des arts et des métiers*, 1772</footnote>

<footnote n="4">⁴ L'expression qui est apparue en France à l'époque romantique trouve son fondement dans la publication du roman d'Alfred de Musset : *Confession d'un enfant du siècle*, parue en 1836</footnote>

<footnote n="5">⁵ Le mot anglais *Spleen* est dérivé du mot *splén* qui signifie en latin « la rate » et qui était perçue dans l'Antiquité comme le lieu où la bile noire prenait sa source.</footnote>
Au V ème avant J. C., le médecin grec Hippocrate auteur du célèbre
serment, décrit la théorie des quatre humeurs<fnref n="1" /> que sont la bile jaune, la
lymphe, le sang et la bile noire ou atrabile. Cette dernière était perçue
comme un dysfonctionnement organique susceptible de provoquer
chez l'humain un état mélancolique plus ou moins prononcé.
« Hippocrate la définit comme une affection double du corps et de
l'esprit, caractérisée par la crainte et le retrait. <fnref n="2" />» Au XVIII ème siècle
Diderot en donne une définition plus précise et moins négative: « C'est
le sentiment habituel de notre imperfection [...] elle l'est aussi des idées
d'une certaine perfection, qu'on ne trouve ni dans les autres, ni dans
les objets de ses plaisirs, ni dans la nature. [...] La mélancolie n'est
point l'ennemie de la volupté et laisse savourer les plaisirs délicats de
l'âme et des sens. <fnref n="3" />» C'est au XIX ème siècle que cet affect est
surnommé *le mal du siècle*. Il s'exprime abondamment à travers les
œuvres des écrivains et des artistes romantiques<fnref n="4" />. A la fin du XIX ème
siècle, Baudelaire emploie le mot d'origine anglaise *Spleen*<fnref n="5" /> pour
exprimer son vague-à-l'âme et révéler dans *Le spleen de Paris* l'aspect
négatif des bas-fonds de la capitale (1869).

Ce *spleen* s'inscrit aujourd'hui encore dans l'imaginaire artistique

Notre propos vise à analyser la manière dont l'art contemporain donne
forme aux symptômes de ce déséquilibre mental et corporel observé ;
déséquilibre observé autrefois de manière empirique et traité
aujourd'hui au prisme de la médecine, de la psychiatrie, de la
psychanalyse et de la neurobiologie.

<footnote n="1">¹ Théorie que l'on retrouve dans le traité d'Aristote, *De la nature de l'homme*, 4ème siècle av. J. C.</footnote>

<footnote n="2">² Clair, Jean, entretien avec Richard Leydier, *Arpress* n° 316, octobre 2005</footnote>

<footnote n="3">³ Diderot, Denis, d'Alembert Le Rond, *L'encyclopédie ou Dictionnaire des sciences, des arts et des métiers*, 1772</footnote>

<footnote n="4">⁴ L'expression qui est apparue en France à l'époque romantique trouve son fondement dans la publication du roman d'Alfred de Musset : *Confession d'un enfant du siècle*, parue en 1836</footnote>

<footnote n="5">⁵ Le mot anglais *Spleen* est dérivé du mot *splén* qui signifie en latin « la rate » et qui était perçue dans l'Antiquité comme le lieu où la bile noire prenait sa source.</footnote>
Les œuvres que nous nous proposons d'analyser font le plus souvent appel aux postures archétypales du sujet mélancolique. Visage sombre, tête tombante sur des épaules affaissées, méditation, solitude, apathie, repli du corps, immobilisme, vacuité, indifférence au monde, sont autant de motifs qui illustrent l'état mélancolique à travers l'histoire des arts.

« Les âmes déçues », du peintre Ferdinand Hodler pourrait être interprétée comme une sorte de typologie de ces attitudes paradigmatiques de la mélancolie. (Fig. 1)

Aujourd'hui, médiums et matériaux nouveaux permettent aux artistes de produire une iconographie contextualisée de cet état d'abattement physique et moral.

<figure><img src="image_4.png" /><figcaption>Fig. 1 Ferdinand Hodler, *Les âmes déçues*, huile sur toile, 1892, Musée Guggenheim, New-York</figcaption></figure>

https://www.artsy.net/artwork/ferdinand-hodler-the-disappointed-souls-les-ames-decues

## 1. Sculptures contemporaines du corps mélancolique

Deux sculptures expriment de manière exemplaire l'impuissance et la lourdeur du corps en proie à la mélancolie : l'une de Ron Mueck et l'autre de Théo Mercier
Les œuvres que nous nous proposons d'analyser font le plus souvent appel aux postures archétypales du sujet mélancolique. Visage sombre, tête tombante sur des épaules affaissées, méditation, solitude, apathie, repli du corps, immobilisme, vacuité, indifférence au monde, sont autant de motifs qui illustrent l'état mélancolique à travers l'histoire des arts.

« *Les âmes déçues* », du peintre Ferdinand Hodler pourrait être interprétée comme une sorte de typologie de ces attitudes paradigmatiques de la mélancolie. (Fig. 1)

Aujourd'hui, médiums et matériaux nouveaux permettent aux artistes de produire une iconographie contextualisée de cet état d'abattement physique et moral.

<figure><img src="image_4.png" /><figcaption>**Fig. 1** Ferdinand Hodler, *Les âmes déçues*, huile sur toile, 1892, Musée Guggenheim, New-York</figcaption></figure>

https://www.artsy.net/artwork/ferdinand-hodler-the-disappointed-souls-les-ames-decues

# 1. Sculptures contemporaines du corps mélancolique

Deux sculptures expriment de manière exemplaire l'impuissance et la lourdeur du corps en proie à la mélancolie : l'une de Ron Mueck et l'autre de Théo Mercier
<figure><img src="image_5.png" /></figure>

Les corps sont installés dans une posture qui traduit « la lourdeur, l'accablement d'un esprit malade, le poids moral et physique d'une tête qui pèse et pense à la fois. » Leur attitude crée le trouble tant par leur surdimensionnement que par leur aspect monstrueux. Qui sont-ils ? Qu'attendent-ils ? Que nous disent-il de l'existence humaine dans la société actuelle ?

Chez Ron Mueck, le corps d'un personnage vieillissant, entièrement nu est reproduit dans les moindres détails. Il a été réalisé dans de la résine de polyester pigmentée sur une structure en fibre de verre.

A plusieurs égards, ce personnage de Ron Mueck génère un trouble de la part du visteur.

(Fig. 2).

<figure><img src="image_6.png" /><figcaption>**Fig. 2** Ron Mueck, installation, sans titre, Galerie nationale du musée de Berlin, Allemagne 2000 Résine de polyester pigmentée sur fibre de verre, 203,8 x 120, 7 x 204, 5 cm</figcaption></figure>
<figure><img src="image_5.png" /></figure>

Les corps sont installés dans une posture qui traduit « la lourdeur, l'accablement d'un esprit malade, le poids moral et physique d'une tête qui pèse et pense à la fois. » Leur attitude crée le trouble tant par leur surdimensionnement que par leur aspect monstrueux. Qui sont-ils ? Qu'attendent-ils ? Que nous disent-il de l'existence humaine dans la société actuelle ?

Chez Ron Mueck, le corps d'un personnage vieillissant, entièrement nu est reproduit dans les moindres détails. Il a été réalisé dans de la résine de polyester pigmentée sur une structure en fibre de verre.

A plusieurs égards, ce personnage de Ron Mueck génère un trouble de la part du visteur.

(Fig. 2).

<figure><img src="image_6.png" /><figcaption>**Fig. 2** Ron Mueck, installation, sans titre, Galerie nationale du musée de Berlin, Allemagne 2000 Résine de polyester pigmentée sur fibre de verre, 203,8 x 120, 7 x 204, 5 cm</figcaption></figure>
La tête appuyée sur sa main gauche, les jambes repliées, il est prostré
dans un coin de la galerie. Son attitude incarne la solitude et l'ennui.
Sa nudité le rend par ailleurs vulnérable. Son corps d'un réalisme sans
faille nécessite qu'on s'en approche pour y voir les moindres détails
mais son surdimensionnement par rapport à la taille du spectateur le
rend inaccessible. Ce gigantisme qui accentue la distance entre le
regardeur et le regardé renforce la solitude de ce dernier. Sa stature
imposante crée une tension qui attire et éloigne à la fois.

La fixité de son regard noir évoque tout à la fois la peur et l'angoisse
que représente sa gigantesque et opulente nudité exposée aux yeux de
tous. Le personnage est obscène au sens littéral du terme – c'est-à-dire
celui qui occupe littéralement le devant de la scène-

Enfermé dans ce corps massif, il impose la lourdeur de son mal-être et
sa solitude au spectateur qui ne peut que ressentir des émotions
paradoxales telle que l'effroi ou la pitié. Pitié que nous éprouvons
envers ce personnage déprimé qui stigmatise les souffrances
qu'engendre l'état physique et mental du mélancolique. La perception
de cette présence humaine peut fonctionner comme un effet de miroir
sur le spectateur. Le personnage à la fois pitoyable et effrayant fait écho
à une des fonctions de la tragédie grecque, à savoir la *catharsis*. Elle
peut être entendue comme une « purification » ou une « purgation »
des passions. En ce sens, elle peut être envisagée en termes de thérapie
permettant au spectateur de ne pas se laisser contaminer par cet affect
négatif.

Tout aussi pitoyable est la sculpture de Théo Mercier intitulée *Le solitaire*. (Fig. 3).
La tête appuyée sur sa main gauche, les jambes repliées, il est prostré
dans un coin de la galerie. Son attitude incarne la solitude et l'ennui.
Sa nudité le rend par ailleurs vulnérable. Son corps d'un réalisme sans
faille nécessite qu'on s'en approche pour y voir les moindres détails
mais son surdimensionnement par rapport à la taille du spectateur le
rend inaccessible. Ce gigantisme qui accentue la distance entre le
regardeur et le regardé renforce la solitude de ce dernier. Sa stature
imposante crée une tension qui attire et éloigne à la fois.

La fixité de son regard noir évoque tout à la fois la peur et l'angoisse
que représente sa gigantesque et opulente nudité exposée aux yeux de
tous. Le personnage est obscène au sens littéral du terme – c'est-à-dire
celui qui occupe littéralement le devant de la scène-

Enfermé dans ce corps massif, il impose la lourdeur de son mal-être et
sa solitude au spectateur qui ne peut que ressentir des émotions
paradoxales telle que l'effroi ou la pitié. Pitié que nous éprouvons
envers ce personnage déprimé qui stigmatise les souffrances
qu'engendre l'état physique et mental du mélancolique. La perception
de cette présence humaine peut fonctionner comme un effet de miroir
sur le spectateur. Le personnage à la fois pitoyable et effrayant fait écho
à une des fonctions de la tragédie grecque, à savoir la *catharsis*. Elle
peut être entendue comme une « purification » ou une « purgation »
des passions. En ce sens, elle peut être envisagée en termes de thérapie
permettant au spectateur de ne pas se laisser contaminer par cet affect
négatif.

Tout aussi pitoyable est la sculpture de Théo Mercier intitulée *Le solitaire*. (Fig. 3).
<figure><img src="image_7.png" /><figcaption>**Fig. 3** Théo Mercier, *Le solitaire*, Laine synthétique, résine, polystyrène, Musée d'art moderne de la ville de Paris, 2010 (2, 30 m de haut)</figcaption></figure>

Il s'agit d'un personnage entièrement recouvert d'une épaisse couche que l'on perçoit de prime abord comme étant des spaghettis : il s'agit en réalité de laine synthétique fixée par de la résine sur une structure en polystyrène. Ainsi prostré et entièrement recouvert, le corps *du Solitaire* n'est plus qu'un amas de matière dégoulinante et gluante. A la limite de l'informe, le personnage le dos courbé et la tête baissée tel un penseur, incarne la pesanteur d'une existence ensevelie sous le poids de ce matériau trivial. Les pseudo-spaghettis périssables se réfèrent à un produit alimentaire populaire et périssable et à un mode de consommation excessif. Cette sculpture anthropomorphe masquée par un trop-plein de matière laisse entrevoir deux petits yeux ronds, des yeux d'emprunt rappelant ceux des peluches et des poupées. Perdu dans la masse, le regard semble empreint de détresse et contraste avec l'aspect ridicule de la posture. Il invite tout autant à la pitié qu'au rire lorsqu'on s'aperçoit que ce corps massif est devenu trop lourd pour le petit siège d'enfant sur lequel il est assis. Son corps et ses pensées englués sous le poids du matériau le figent et le privent de tout lien avec le dehors. Sous l'épaisse couche qui le recouvre et déborde de toutes parts, le personnage perd sa particularité charnelle et devient « un *Je* sans nom et sans visage. »

La forte présence psychologique de ces deux sculptures qui exaltent la déchéance du corps emprunte les codes figuraux traditionnels de la
<figure><img src="image_7.png" /><figcaption>**Fig. 3** Théo Mercier, *Le solitaire*, Laine synthétique, résine, polystyrène, Musée d'art moderne de la ville de Paris, 2010 (2, 30 m de haut)</figcaption></figure>

Il s'agit d'un personnage entièrement recouvert d'une épaisse couche que l'on perçoit de prime abord comme étant des spaghettis : il s'agit en réalité de laine synthétique fixée par de la résine sur une structure en polystyrène. Ainsi prostré et entièrement recouvert, le corps *du Solitaire* n'est plus qu'un amas de matière dégoulinante et gluante. A la limite de l'informe, le personnage le dos courbé et la tête baissée tel un penseur, incarne la pesanteur d'une existence ensevelie sous le poids de ce matériau trivial. Les pseudo-spaghettis périssables se réfèrent à un produit alimentaire populaire et périssable et à un mode de consommation excessif. Cette sculpture anthropomorphe masquée par un trop-plein de matière laisse entrevoir deux petits yeux ronds, des yeux d'emprunt rappelant ceux des peluches et des poupées. Perdu dans la masse, le regard semble empreint de détresse et contraste avec l'aspect ridicule de la posture. Il invite tout autant à la pitié qu'au rire lorsqu'on s'aperçoit que ce corps massif est devenu trop lourd pour le petit siège d'enfant sur lequel il est assis. Son corps et ses pensées englués sous le poids du matériau le figent et le privent de tout lien avec le dehors. Sous l'épaisse couche qui le recouvre et déborde de toutes parts, le personnage perd sa particularité charnelle et devient « un *Je* sans nom et sans visage. »

La forte présence psychologique de ces deux sculptures qui exaltent la déchéance du corps emprunte les codes figuraux traditionnels de la
mélancolie tels que nous les avons décrits précédemment. Toutefois la
nature des matériaux utilisés par les artistes ainsi que l’aspect
grotesque qui en résulte déstabilisent notre perception de l’esthétique
classique d’un corps devenu pathétique. Qu’il s’agisse du rejet de
vieillir, dans l’œuvre de Ron Mueck ou du rejet d’appartenir à une
société de l’excès, ces allégories contemporaines de la mélancolie
incarnent avec force la déchéance du sujet humain qui opère un repli
sur lui-même et refuse tout ce qui pourrait le situer dans le monde.

Si ces œuvres n'ont pas vocation à plaire au public, elles permettent en
outre d'accentuer l'aspect négatif de l'humain en proie à son déclin.

Outre ces corps catatoniques enlaidis, physiquement déchus, en rupture
d'identité et sans défense, d'autres œuvres contemporaines liées à la
mélancolie se référent directement aux œuvres du passé et en
reprennent certains motifs plastiques.

2. La mélancolie de Munch : une figure archétypale récurrente

La mélancolie est à un élément central de l’œuvre d’Edvard Munch.
Décliné en plusieurs versions peintes et gravées, cet affect révèle
certains épisodes dépressifs de l’artiste.

*Mélancholia II* (Fig.5) est un tableau peint par Damien Deroubaix dont
**l'orthographe** du titre fait référence à la célèbre et énigmatique
gravure d'Albrecht Dürer, *Melancholia I* (1514)<fnref n="6" />.

Dans ce tableau de grande dimensions, Damien Deroubaix se réfère de
manière explicite à la composition et au personnage des versions de la
*Mélancolie* d'Edvard Munch. (Fig. 4)

<footnote n="6">⁶ https://fr.wikipedia.org/wiki/Melencolia_I</footnote>
mélancolie tels que nous les avons décrits précédemment. Toutefois la
nature des matériaux utilisés par les artistes ainsi que l’aspect
grotesque qui en résulte déstabilisent notre perception de l’esthétique
classique d’un corps devenu pathétique. Qu’il s’agisse du rejet de
vieillir, dans l’œuvre de Ron Mueck ou du rejet d’appartenir à une
société de l’excès, ces allégories contemporaines de la mélancolie
incarnent avec force la déchéance du sujet humain qui opère un repli
sur lui-même et refuse tout ce qui pourrait le situer dans le monde.

Si ces œuvres n'ont pas vocation à plaire au public, elles permettent en
outre d'accentuer l'aspect négatif de l'humain en proie à son déclin.

Outre ces corps catatoniques enlaidis, physiquement déchus, en rupture
d'identité et sans défense, d'autres œuvres contemporaines liées à la
mélancolie se référent directement aux œuvres du passé et en
reprennent certains motifs plastiques.

2. La mélancolie de Munch : une figure archétypale récurrente

La mélancolie est à un élément central de l’œuvre d’Edvard Munch.
Décliné en plusieurs versions peintes et gravées, cet affect révèle
certains épisodes dépressifs de l’artiste.

*Mélancholia II* (Fig.5) est un tableau peint par Damien Deroubaix dont
**l'orthographe** du titre fait référence à la célèbre et énigmatique
gravure d'Albrecht Dürer, *Melancholia I* (1514)<fnref n="6" />.

Dans ce tableau de grande dimensions, Damien Deroubaix se réfère de
manière explicite à la composition et au personnage des versions de la
*Mélancolie* d'Edvard Munch. (Fig. 4)

<footnote n="6">⁶ https://fr.wikipedia.org/wiki/Melencolia_I</footnote>
<figure><img src="image_8.png" /><figcaption>**Fig.4** Edvard Munch, *Mélancolie* 1892
*II*, 2019
Huile sur toile, 64 x 96 cm</figcaption></figure>

<figure><img src="image_9.png" /><figcaption>**Fig. 5** Damien Deroubaix, *Mélancholia*
Huile et collage sur toile, 250 x 180 cm</figcaption></figure>

Dans les deux tableaux ci-dessus, réalisés à plus d'un siècle d'écart, la figure archétypale de la posture mélancolique demeure. Placé au premier plan dans le coin droit du tableau un personnage est de trois quarts, cadré de façon à ne montrer que le visage et un début d'épaule, les yeux baissés ou le regard perdu dans ses pensées, la tête appuyée sur sa main gauche. Il semble se retirer de l'univers qui l'entoure. Les éléments figuraux, la composition, les couleurs sombres du tableau et les lignes sinueuses d'Edvard Munch sont des éléments plastiques qu'on retrouve sur l'œuvre de Damien Deroubaix (Fig. 5). Toutefois l'arrière-plan diffère radicalement de celui de la toile d'Edvard Munch qui illustrait le désespoir amoureux de son ami Jappe Nilssen.

Le tourment intérieur du personnage au premier plan du tableau de Damien Deroubaix relève d'une tout autre détresse : celle d'une humanité qui s'est tellement éloignée du monde animal qu'elle est dans l'incapacité de protéger ce monde à l'ère de l'anthropocène. Il est intéressant de noter que le titre de l'exposition où était présenté ce grand tableau faisait référence à Orphée, personnage mythique qui savait par sa musique charmer les animaux<fnref n="7" />. L'œuvre devient ainsi une sorte de lamentation sur la disparition de la biodiversité animale. L'éléphant, l'ours et le calamar qui figurent en arrière-plan se tiennent

<footnote n="7">⁷ La valise d'Orphée, exposition de Damien Deroubaix, musée de la Chasse et de la Nature, Paris, sept. 2021</footnote>
<figure><img src="image_8.png" /><figcaption>**Fig.4** Edvard Munch, *Mélancolie* 1892
*II*, 2019
Huile sur toile, 64 x 96 cm</figcaption></figure>

<figure><img src="image_9.png" /><figcaption>**Fig. 5** Damien Deroubaix, *Mélancholia*
Huile et collage sur toile, 250 x 180 cm</figcaption></figure>

Dans les deux tableaux ci-dessus, réalisés à plus d'un siècle d'écart, la figure archétypale de la posture mélancolique demeure. Placé au premier plan dans le coin droit du tableau un personnage est de trois quarts, cadré de façon à ne montrer que le visage et un début d'épaule, les yeux baissés ou le regard perdu dans ses pensées, la tête appuyée sur sa main gauche. Il semble se retirer de l'univers qui l'entoure. Les éléments figuraux, la composition, les couleurs sombres du tableau et les lignes sinueuses d'Edvard Munch sont des éléments plastiques qu'on retrouve sur l'œuvre de Damien Deroubaix (Fig. 5). Toutefois l'arrière-plan diffère radicalement de celui de la toile d'Edvard Munch qui illustrait le désespoir amoureux de son ami Jappe Nilssen.

Le tourment intérieur du personnage au premier plan du tableau de Damien Deroubaix relève d'une tout autre détresse : celle d'une humanité qui s'est tellement éloignée du monde animal qu'elle est dans l'incapacité de protéger ce monde à l'ère de l'anthropocène. Il est intéressant de noter que le titre de l'exposition où était présenté ce grand tableau faisait référence à Orphée, personnage mythique qui savait par sa musique charmer les animaux<fnref n="7" />. L'œuvre devient ainsi une sorte de lamentation sur la disparition de la biodiversité animale. L'éléphant, l'ours et le calamar qui figurent en arrière-plan se tiennent

<footnote n="7">⁷ La valise d'Orphée, exposition de Damien Deroubaix, musée de la Chasse et de la Nature, Paris, sept. 2021</footnote>
à l'écart du protagoniste ; hors de sa vue, les animaux sont représentés
dans un lieu informel composé de ce qui pourrait être un déluge d'eau.
Un maelström de couleurs à la fois sombres, irréelles et contrastées
accentue l'expressionnisme de la scène. Plus aucune interaction n'est
possible entre l'homme et les animaux cloisonnés dans une sorte de
bulle sombre limitée par de grands cernes noirs. Deux univers autrefois
confondus deviennent étanches l'un à l'autre. Les animaux
surdimensionnés par rapport au personnage du premier plan qui leur
tourne le dos, symbole de l'échec et du désespoir de l'humanité, créent
un renversement d'échelle. Cette inversion tend à minimiser la place
de l'homme, incapable d'anticiper son futur dans ce désordre
environnemental.

3. La noirceur de la mélancolie

C'est également en convoquant une œuvre d'Edvard Munch que
Patrick Neu évoque la noirceur du monde. Il reprend dans son travail
le célèbre motif d'une lithographie : *Le Cri* (Fig.7), qui illustre la phase
dépressive extrême du mélancolique.

<figure><img src="image_10.png" /><figcaption>Fig. 7 Edvard Munch, *Le Cri*,
Lithographie</figcaption></figure>

<figure><img src="image_11.png" /><figcaption>Fig. 8 Patrick Neu, cristal et noir de fumée</figcaption></figure>

<figure><img src="image_12.png" /></figure>

https://www.lavieb-aile.com/2023/12/la-danse-macabre-

de-patrick-neu-la-mort-de-cristal.html

https://www.artscape.fr/munch-musee-orsay/
à l'écart du protagoniste ; hors de sa vue, les animaux sont représentés
dans un lieu informel composé de ce qui pourrait être un déluge d'eau.
Un maelström de couleurs à la fois sombres, irréelles et contrastées
accentue l'expressionnisme de la scène. Plus aucune interaction n'est
possible entre l'homme et les animaux cloisonnés dans une sorte de
bulle sombre limitée par de grands cernes noirs. Deux univers autrefois
confondus deviennent étanches l'un à l'autre. Les animaux
surdimensionnés par rapport au personnage du premier plan qui leur
tourne le dos, symbole de l'échec et du désespoir de l'humanité, créent
un renversement d'échelle. Cette inversion tend à minimiser la place
de l'homme, incapable d'anticiper son futur dans ce désordre
environnemental.

3. La noirceur de la mélancolie

C'est également en convoquant une œuvre d'Edvard Munch que
Patrick Neu évoque la noirceur du monde. Il reprend dans son travail
le célèbre motif d'une lithographie : *Le Cri* (Fig.7), qui illustre la phase
dépressive extrême du mélancolique.

<figure><img src="image_10.png" /><figcaption>Fig. 7 Edvard Munch, *Le Cri*,
Lithographie</figcaption></figure>

<figure><img src="image_11.png" /><figcaption>Fig. 8 Patrick Neu, cristal et noir de fumée</figcaption></figure>

<figure><img src="image_12.png" /></figure>

https://www.lavieb-aile.com/2023/12/la-danse-macabre-

de-patrick-neu-la-mort-de-cristal.html

https://www.artscape.fr/munch-musee-orsay/
Le noir, synonyme du froid et des ténèbres, de l'humeur atrabilaire, couleur associée à Saturne<fnref n="8" />, prend une double valeur symbolique dans le travail de Patrick Neu.

Cet artiste contemporain traite le motif du cri selon une pratique artistique qui crée un dialogue entre deux matériaux que sont le cristal et le noir de fumée. Les figures sont tracées dans la suie à l'aide d'une aiguille (Fig. 8).

La fragilité et la transparence se conjuguent à l'évanescence du noir de fumée qui étouffe le cri dans la rondeur restreinte du verre. Ce verre métaphore du monde qui s'opacifie en se chargeant de suie souligne l'impuissance de l'individu à partager son désespoir. La fragilité du cristal accentue la vulnérabilité du désespéré en proie à la folie. Dans le cas présent, le verre est comparable à une cellule d'isolement qui condamne irréversiblement le personnage à une fuite intérieure. En effet cette nouvelle relation entre le noir de fumée de l'image reproduite dans un matériau fragile accentue la solitude du personnage. Enfermé dans une bulle opacifiée par la suie, le fragile corps squelettique paraît doublement emprisonné dans une inertie angoissante.

La noirceur de la bile dont parlaient les premiers physiologistes est comparable à « la lente glue, le goudron visqueux et froid qui, envahissant tous les réseaux de l'organisme, obstrue le cours des esprits vitaux » souligne Jean Staborinski [...] L'auteur ajoute, Il est « un parasitisme humoral : quelque chose, en nous, qui se tourne contre nous.<fnref n="9" /> »

<footnote n="8">⁸ « Errance incertaine ; emprisonnement ou claustration : c'est le sort que toute tradition astrologique réservait au mélancolique, à celui dont la naissance avait été marquée par l'influx de Saturne » Jean Starobinski, in *L'encre de la mélancolie, La Nouvelle Revue française* n° 123 mars 1963, p.417</footnote>

<footnote n="9">⁹ *Id.*, p.410 - 411</footnote>
Le noir, synonyme du froid et des ténèbres, de l'humeur atrabilaire, couleur associée à Saturne<fnref n="8" />, prend une double valeur symbolique dans le travail de Patrick Neu.

Cet artiste contemporain traite le motif du cri selon une pratique artistique qui crée un dialogue entre deux matériaux que sont le cristal et le noir de fumée. Les figures sont tracées dans la suie à l'aide d'une aiguille (Fig. 8).

La fragilité et la transparence se conjuguent à l'évanescence du noir de fumée qui étouffe le cri dans la rondeur restreinte du verre. Ce verre métaphore du monde qui s'opacifie en se chargeant de suie souligne l'impuissance de l'individu à partager son désespoir. La fragilité du cristal accentue la vulnérabilité du désespéré en proie à la folie. Dans le cas présent, le verre est comparable à une cellule d'isolement qui condamne irréversiblement le personnage à une fuite intérieure. En effet cette nouvelle relation entre le noir de fumée de l'image reproduite dans un matériau fragile accentue la solitude du personnage. Enfermé dans une bulle opacifiée par la suie, le fragile corps squelettique paraît doublement emprisonné dans une inertie angoissante.

La noirceur de la bile dont parlaient les premiers physiologistes est comparable à « la lente glue, le goudron visqueux et froid qui, envahissant tous les réseaux de l'organisme, obstrue le cours des esprits vitaux » souligne Jean Staborinski [...] L'auteur ajoute, Il est « un parasitisme humoral : quelque chose, en nous, qui se tourne contre nous.<fnref n="9" /> »

<footnote n="8">⁸ « Errance incertaine ; emprisonnement ou claustration : c'est le sort que toute tradition astrologique réservait au mélancolique, à celui dont la naissance avait été marquée par l'influx de Saturne » Jean Starobinski, in *L'encre de la mélancolie, La Nouvelle Revue française* n° 123 mars 1963, p.417</footnote>

<footnote n="9">⁹ *Id.*, p.410 - 411</footnote>
Cette lente glue qui parasite l'humeur est également présente dans une troublante vidéo de l'artiste serbe Kristina Tica. “*They will call on me, but I will not answer*”<fnref n="10" />(Fig 10).

Au moyen de l'outil numérique, l'artiste donne à l'humain une présence spectrale et éphémère. Cette courte vidéo d'un peu plus de deux minutes, réalisée numériquement évoque de manière métaphorique la réification de l'humain.

<figure><img src="image_13.png" /><figcaption>Fig. 10 Kristina Tica</figcaption></figure>

*They will call on me, but I will not answer*

Montage vidéo, 2 '45, 2019

https://ticakristina.com/They-will-call-on-me-but-I-will-not-answer

Cette courte vidéo d'un peu plus de deux minutes, évoque de manière métaphorique la réification de l'humain. Le flux croissant des pixels noirs qui envahissent l'écran et masquent le visage jusqu'à son effacement génère une atmosphère anxiogène. Cette projection de l'effacement de la propre identité du personnage qui finit dans l'obscurité totale révèle « l'effondrement du fondement même de la

<footnote n="10">¹⁰ « Ils m'appelleront mais je ne répondrai pas » https://vimeo.com/ticakristina</footnote>
Cette lente glue qui parasite l'humeur est également présente dans une troublante vidéo de l'artiste serbe Kristina Tica. “*They will call on me, but I will not answer*”<fnref n="10" />(Fig 10).

Au moyen de l'outil numérique, l'artiste donne à l'humain une présence spectrale et éphémère. Cette courte vidéo d'un peu plus de deux minutes, réalisée numériquement évoque de manière métaphorique la réification de l'humain.

<figure><img src="image_13.png" /><figcaption>**Fig. 10** Kristina Tica
*They will call on me, but I will not answer*</figcaption></figure>

Montage vidéo, 2 '45, 2019

https://ticakristina.com/They-will-call-on-me-but-I-will-not-answer

Cette courte vidéo d'un peu plus de deux minutes, évoque de manière métaphorique la réification de l'humain. Le flux croissant des pixels noirs qui envahissent l'écran et masquent le visage jusqu'à son effacement génère une atmosphère anxiogène. Cette projection de l'effacement de la propre identité du personnage qui finit dans l'obscurité totale révèle « l'effondrement du fondement même de la

<footnote n="10">¹⁰ « Ils m'appelleront mais je ne répondrai pas » https://vimeo.com/ticakristina</footnote>
présence de l'individu.<fnref n="11" /> » La vidéo qui propose un univers chargé de noirceur interroge les éléments esthétiques et éthiques liés à la mise en œuvre des outils numériques. L'immatérialité du médium et l'effacement progressif du sujet qui n'interagit qu'avec lui-même questionne les relations homme-machine et par là-même les limites et les dangers que font courir les technologies numériques qui se répandent dans le cyberespace.

Kristina Tica accompagne sa vidéo d'un texte qui n'est autre qu'une une interprétation « cybernétique » du mythe d'Orphée et d'Eurydice.
Le texte rend compte des aspects tragiques de la condition humaine dans le cyber-espace qu'elle nomme à bon escient cyber-cave.

En voici la teneur:

« Un fantôme visqueux et purificateur d'âme, issu des abysses de l'écran,

Se dissout lentement, se fondant dans le baptême numérique.

Une collision de la numérisation et du protocole, Une boue noire de pixels, un masque de deuil

imposé

« Né à la lueur du clair de lune, sur l'écran phosphorescent

Quiconque m'invoque ne reçoit pas de réponse

Conséquence de leur regard fixe,

Le fil spectral de ma complainte

Leur attention inébranlable à cette cyber-cave maintenant fermée et verrouillée :

N'oublie pas Echo d'une Eurydice numérique, la voix se répercute, sans réponse car il n'y a pas

de cyber-Orphée à saisir ou à tenir. <fnref n="12" />»

<footnote n="11">¹¹ Starobinski, Jean, » L'encre de la mélancolie, in La nouvelle Revue française, n°123, 1963, p. 421</footnote>

<footnote n="12">¹² https://vimeo.com/ticakristina</footnote>
présence de l'individu.<fnref n="11" /> » La vidéo qui propose un univers chargé de noirceur interroge les éléments esthétiques et éthiques liés à la mise en œuvre des outils numériques. L'immatérialité du médium et l'effacement progressif du sujet qui n'interagit qu'avec lui-même questionne les relations homme-machine et par là-même les limites et les dangers que font courir les technologies numériques qui se répandent dans le cyberespace.

Kristina Tica accompagne sa vidéo d'un texte qui n'est autre qu'une une interprétation « cybernétique » du mythe d'Orphée et d'Eurydice.
Le texte rend compte des aspects tragiques de la condition humaine dans le cyber-espace qu'elle nomme à bon escient cyber-cave.

En voici la teneur:

« Un fantôme visqueux et purificateur d'âme, issu des abysses de l'écran,

Se dissout lentement, se fondant dans le baptême numérique.

Une collision de la numérisation et du protocole, Une boue noire de pixels, un masque de deuil

imposé

« Né à la lueur du clair de lune, sur l'écran phosphorescent

Quiconque m'invoque ne reçoit pas de réponse

Conséquence de leur regard fixe,

Le fil spectral de ma complainte

Leur attention inébranlable à cette cyber-cave maintenant fermée et verrouillée :

N'oublie pas Echo d'une Eurydice numérique, la voix se répercute, sans réponse car il n'y a pas

de cyber-Orphée à saisir ou à tenir. <fnref n="12" />»

<footnote n="11">¹¹ Starobinski, Jean, » L'encre de la mélancolie, in La nouvelle Revue française, n°123, 1963, p. 421</footnote>

<footnote n="12">¹² https://vimeo.com/ticakristina</footnote>
Conclusion

A travers les œuvres analysées ci-dessus, nous constatons que l'idée de
mélancolie demeure un sujet d'intérêt pour les artistes contemporains.
Le traitement plastique de l'état mélancolique intègre parfois les
figures archétypales du passé. Cet affect est mis en évidence au moyen
d'outils et matériaux divers, sous forme de sculptures, de gravure, de
peinture ou de média numérique. La mélancolie, objet récurrent des
préoccupations passées et présentes dans le monde de l'art, révèle la
complexité affective de l'humain résigné au déclin de son existence.
Les perturbations psychiques liées à l'état mélancolique qui sont
interprétées selon diverses pratiques artistiques inclinent à l'empathie
de la part du spectateur. Les œuvres déstabilisent notre perception et
agissent comme un miroir de la négativité de la place de l'humain dans
la société actuelle. Leur noirceur se construit sous l'angle d'une
réflexion autour du rapport à l'Autre et au monde qui nous entoure.
Elle questionne, nos incertitudes face à un avenir qui semble
« s'avancer à reculons <fnref n="13" />» sans parvenir à se conjuguer à nos espoirs
d'une condition meilleure. Cette sorte de résignation de l'humain face
à son devenir se reflète à travers cette citation de Miguel Benasayag :
« Notre époque nous a installés dans l'incertitude face à l'avenir : nous
ignorons si nous vivons une phase de transition ou de déchéance. <fnref n="14" /> »

<footnote n="13">¹³ Valery, Paul, *Regards sur le monde actuel*, 1945</footnote>

<footnote n="14">¹⁴ Benasayag, Miguel, *Organismes et artefacts, vers la virtualisation du vivant ?* Paris : Éditions La Découverte et Éditions Jean-Paul Bayol, 2010 p.35</footnote>
Conclusion

A travers les œuvres analysées ci-dessus, nous constatons que l'idée de
mélancolie demeure un sujet d'intérêt pour les artistes contemporains.
Le traitement plastique de l'état mélancolique intègre parfois les
figures archétypales du passé. Cet affect est mis en évidence au moyen
d'outils et matériaux divers, sous forme de sculptures, de gravure, de
peinture ou de média numérique. La mélancolie, objet récurrent des
préoccupations passées et présentes dans le monde de l'art, révèle la
complexité affective de l'humain résigné au déclin de son existence.
Les perturbations psychiques liées à l'état mélancolique qui sont
interprétées selon diverses pratiques artistiques inclinent à l'empathie
de la part du spectateur. Les œuvres déstabilisent notre perception et
agissent comme un miroir de la négativité de la place de l'humain dans
la société actuelle. Leur noirceur se construit sous l'angle d'une
réflexion autour du rapport à l'Autre et au monde qui nous entoure.
Elle questionne, nos incertitudes face à un avenir qui semble
« s'avancer à reculons <fnref n="13" />» sans parvenir à se conjuguer à nos espoirs
d'une condition meilleure. Cette sorte de résignation de l'humain face
à son devenir se reflète à travers cette citation de Miguel Benasayag :

> « Notre époque nous a installés dans l'incertitude face à l'avenir : nous
ignorons si nous vivons une phase de transition ou de déchéance. <fnref n="14" /> »

<footnote n="13">¹³ Valery, Paul, *Regards sur le monde actuel*, 1945</footnote>

<footnote n="14">¹⁴ Benasayag, Miguel, *Organismes et artefacts, vers la virtualisation du vivant ?* Paris : Éditions La Découverte et Éditions Jean-Paul Bayol, 2010 p.35</footnote>