L'entrepreneuriat comme médium
de pratique artistique :

expérimentations au sein d'un opérateur culturel
et un tiers-lieu artistique

Laurent LE BOURHIS

Les deux expérimentations que nous allons décrire plus en détail font partie d'un ensemble de projets que nous menons en qualité d'artistes. Nous, Ronald Reyes Sevilla et Laurent Le Bourhis constituons ce duo que nous avons nommé Dos Mares et qui depuis 2013 est une entreprise culturelle basée à Marseille. Nous mettons en place des actions à l'échelle locale, régionale, nationale et internationale en faveur du développement de l'activité artistique par des dispositifs axés sur la recherche en art davantage que sur l'exposition, c'est-à-dire sur tout ce qui précède et dépasse le seul moment de présentation publique des œuvres.

Dos Mares n'est donc pas seulement un opérateur culturel ; ou plutôt son statut d'opérateur culturel est la réponse d'ordre administratif et juridique aux modalités d'existence d'un projet artistique singulier. Nous le considérons, avant tout, comme un terrain propice à l'émergence de dispositifs, c'est un champ d'expérimentations recouvert et alimenté par le champ de l'art contemporain. La mission que nous nous sommes fixée n'était pas de répondre à un marché ou de promouvoir telle activité, mais de générer à travers des expérimentations épistémologiques une réflexion sur l'état de l'art contemporain, comment ses acteurs le perçoivent et participent à son évolution. Certains de ces dispositifs se déploient dans de petits espaces sur une courte durée et d'autres engagent des bâtiments et des communautés sur plusieurs années, certains reçoivent des financements publics ou privés, tous s'inscrivent dans le commoning ou art en commun<fnref n="1" />.

La première expérimentation que nous allons développer tente de mettre en lumière un lien de subordination de l'artiste à son œuvre comme conséquence de la relation d'interdépendance économique qui lie l'un à l'autre. Dos Mares

<footnote n="1">1 – Estelle, ZHONG MENGUAL, *L'art en commun – Réinventer les formes du collectif en contexte démocratique*, Les Presses du réel: 2018.</footnote>
étant l'œuvre considérée et Ronald Reyes Sevilla l'artiste qui a contribué
à la créer. La seconde expérimentation prend place au sein d'un tiers-lieu
artistique dans lequel nous proposons aux artistes résident.e.s de remplacer
leur participation financière par un engagement dans le projet commun.

De l'interdépendance économique à la subordination artiste/œuvre

Au-delà de sa dimension entrepreneuriale non lucrative, Dos Mares est bien
un projet artistique co-construit par deux artistes dont les démarches sont
ancrées dans le champ de l'art contemporain et portent sur l'écosystème
de l'art lui-même. Les œuvres proposées par le duo prennent la forme de
dispositifs, c'est-à-dire d'objets qui engagent des protocoles, des individus,
des espaces, une temporalité et trouvent leur résolution dans ce qui est
produit en commun plutôt que des objets inertes. Dos Mares et les dispositifs
qu'il accueille n'ayant pas de matérialité tangible, il ne peut s'inscrire dans
l'économie de l'art que d'une manière singulière.

Habituellement l'artiste génère un bénéfice de son activité de création, de
fabrication puis de vente, en reproduisant ce cycle pour chaque œuvre, dans
une dynamique de croissance construite davantage sur la notoriété que sur
l'augmentation de production. Ce modèle bien connu ne repose que sur
la matérialité de l'œuvre qui permet son appropriation. Dans le cas d'un
projet artistique comme celui de Dos Mares qui ne peut être vendu faute
de matérialité, d'où pourrait provenir cette rémunération ? Cette question
nous a amené à envisager les relations qu'entretient l'artiste avec son œuvre
du point de vue de la dépendance financière, du dés intérêt, du retour sur
investissement ou de la subordination. Nous invitons donc dans le champ de
l'art et en qualité de matériaux de travail des termes et des modalités issus
de l'entreprise. Il s'agit bien de considérer ces mécanismes entrepreneuriaux
comme autant de matières premières propices à l'émergence de formes
économiques singulières, comme d'autres artistes s'attachent à produire des
formes plastiques singulières. Le but n'est pas d'innover et de proposer de
nouveaux modèles pour l'artiste entrepreneur ou de sortir les artistes de leur
précarité financière, mais bien d'interroger la relation œuvre/artiste à partir
d'un point de vue économique.

Le modèle économique de l'artiste nous apparaît comme une hybridation du
modèle du commerce et de celui de l'artisanat. Le chiffre d'affaires généré par
la vente de ses œuvres permet à l'artiste de régler les matières premières et les
moyens de production en dégageant une rémunération qui lui permet de vivre.
Ce modèle repose sur la matérialité des œuvres produites : une forte valeur
ajoutée de la matière transformée par une personne dotée de compétences particulières, un bénéfice, des stocks, des outils et moyens de production, une gestion de la clientèle, une communication, entre autres. Ce modèle est évidemment incompatible avec le projet artistique Dos Mares car son immatérialité l'écarte de toute vente. Il nous a fallu donc poser sur le projet un autre modèle économique et celui du salariat nous est apparu intéressant car il alimente une réflexion sur la relation qu'entretient l'artiste à son œuvre en introduisant la notion de subordination. Il faut rappeler qu'un artiste ne peut être subordonné dans son geste de création au risque d'être désigné comme simple exécutant.

Salarié de son œuvre, dans notre cas Dos Mares, l'artiste est lié par un contrat à durée indéterminée et participe à l'évolution de celle-ci, son activité artistique est inscrite sur sa fiche de poste et l'une de ses préoccupations consiste à la recherche de financement qui permettra à son œuvre de dégager sa rémunération. Cette expérimentation nous amène à reconsidérer la question de la subordination qui est évidente dans notre cas mais sans doute également présente dans le cas plus répandu de l'activité artistique classique. Dans quelle mesure l'artiste est-il réellement non subordonné à son œuvre ? N'existe-t-il pas dans la création artistique une forme de subordination plus ou moins affirmée qui oriente le geste de l'artiste en faveur de ce qui éventuellement pourra le nourrir ?

## L'engagement comme valeur économique alternative

Le second témoignage concerne un dispositif artistique émanant de Dos Mares : le tiers-lieu les ateliers Blancarde. Il abrite une bibliothèque, une bricothèque, une artothèque, un jardin, des ateliers d'artistes et des bureaux partagés. Nous y accueillons des initiatives locales, des événements culturels et des sessions d'apprentissage. Installé au premier étage de la gare SNCF Marseille-Blancarde, il bénéficie d'une grande visibilité et peut, par conséquent, nous permettre d'avoir un impact plus important sur la population générale que celui limité aux acteurs de l'art contemporain.

En qualité d'artistes et curateurs, nous avons imaginé un lieu ouvert à toutes et tous, alliant art contemporain et économie circulaire et construit sur une intention artistique qui défini le contour de l'œuvre afin de préserver son intégrité sans contraindre son potentiel (ce que nous appelons un *statement*). Ce projet s'inscrit dans le *commoning* – art en commun – il est installé sur un territoire de quelques quartiers, se déploie sur plusieurs années et engage
plusieurs catégories d’usagers. Ce tiers-lieu représente donc pour nous un
laboratoire d’expérimentations et participe de notre pratique artistique.

L’intention qui fonde le tiers-lieu et lui permet de se développer en autonomie
repose sur plusieurs dimensions : conceptuelle, politique, sociale, économique
et esthétique. Je vais tout d’abord m’attacher à la dimension économique, puis
aux dimensions esthétiques et sociales.

Le tiers-lieu est sous convention d'occupation de Gares & Connexions au prix du marché locatif local et, pour que le projet perdure sur plusieurs décennies, nous avons construit un modèle économique qui nous permet d'équilibrer le budget tout en développant la partie conceptuelle de la proposition artistique. Nous avons posé dans l'intention initiale certains points fondamentaux : la gratuité des ateliers des artistes résidents permanents, la pérennité de leur présence (pas de limitation dans le temps), de larges horaires d'ouverture correspondant à 5 jours pleins par semaine, un fonctionnement non subventionné par des organismes privés ou par des collectivités territoriales. L'expérimentation que nous menons porte sur l'introduction de l'intéressement non financier, de l'engagement et de la responsabilité des participants dans un projet qu'ils n'ont pas créé, qu'ils soient artistes, usagers du lieu ou riverains. Les artistes permanents étant accueillis à titre gratuit et sans limitation de durée, ils bénéficient d'un espace atelier sans contrepartie financière pour le temps qu'ils le souhaitent. Dans l'activité d'un artiste, il s'agit d'une aide considérable et d'un poids financier en moins – généralement l'artiste dispose davantage de temps que de moyens financiers – cette mesure ne fragilise pas non plus le projet car l'équilibre du budget repose sur les espaces de coworking.

En contrepartie du bénéfice de l'espace atelier qu'ils occupent, nous avons
demandé aux artistes résidents de s'impliquer dans le projet du tiers-lieu,
d'en être responsables, c'est-à-dire d'être en capacité de répondre de ce
projet. Ils s'organisent pour maintenir le lieu ouvert, programmer quelques
evénements par mois, assurer la médiation auprès du public, entretenir le
bâtiment, gérer les conflits éventuels, choisir d'affecter certaines dépenses,
etc. Il ne s'agit donc plus de s'acquitter d'une redevance mais de participer
au fonctionnement d'un certain type d'entreprise. Ces bases posées, nous
ajustons le projet régulièrement, car contrairement à une redevance mensuelle
qui fixe l'engagement et varie d'une semaine à l'autre, la réduction de
l'engagement de l'un doit être compensée par l'implication d'un autre ou
répartie entre tous, la négociation est au centre des discussions collectives que
ce soit sur les horaires d'ouverture, le nombre de propositions, leur teneur, les dépenses prioritaires, les interactions, etc. Là où il n'y avait pas lieu de discuter car la redevance payée, chacun ne doit plus rien à personne (le terme de quittance atteste bien que nous sommes quitte), aujourd'hui la négociation est omniprésente, rien n'est jamais définitif, il ne s'agit pas de préserver un acquis ou un privilège mais d'ajuster nos actions aux regard des intérêts de chacun, difficilement comparables, non chiffrables.

Une dimension esthétique et une dimension sociale viennent compléter ce que l'aspect économique engage. L'esthétique du tiers-lieu – un espace élégant, clair et ouvert – participe aussi au décalage qui nous permet de créer une dissonance avec une qualité esthétique présupposée d'un lieu gratuit, associatif, artistique, social et non subventionné. De même, nous avons défini une dimension sociale du tiers-lieu construite sur la responsabilité de chaque individu dans le développement de projets collectifs. Là où les usagers ont plutôt tendance à attendre une prise en charge par la structure ou une proposition émanant d'un groupe constitué, nous encourageons l'action individuelle à vision collective concertée, nous facilitons les échanges entre les usagers pour que de nouveaux modèles apparaissent, qu'ils soient expérimentés, corrigés et éventuellement transmis. Ce déplacement de valeurs, de registres et de points de vue intervient souvent dans les dispositifs que nous mettons en œuvre à travers Dos Mares tels que Chômeur.art ou La Clinique pour Artistes. Il est un levier efficace qui nous permet de créer un étonnement puis un questionnement et une remise en question des modèles établis.

Au-delà de ces deux expérimentations, la première éclairant la relation d'interdépendance entre l'artiste et son œuvre, la seconde concernant la valeur de l'engagement dans la profession artistique, nous poursuivons d'autres recherches sur ce qui nous semble constituer des caractéristiques propres à l'activité artistique professionnelle et qui nous apparaissent jouer un rôle majeur dans son développement. Qu'il s'agisse de la question de la légitimité, celle de la rentabilité, de la répartition du temps de travail, de la déconstruction du mythe de l'artiste ou de l'action collective, chaque projet que nous mettons en œuvre aborde une spécificité de l'écosystème de l'art et nous permet de comprendre un peu mieux l'apport de l'activité artistique à nos sociétés en mutation.
**Bibliographie**

ZHONG MENGUAL, Estelle, *L'art en commun – Réinventer les formes du collectif en contexte démocratique*, Les Presses du Réel: 2018.