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# Estela da Carniceira

A Estela da Carniceira é um monumento funerário da Idade do Bronze, encontrado no concelho de Aljustrel, na região do Alentejo, em Portugal.

## Descrição e história

Consiste numa estela funerária monolítica em grauvaque, de forma sensivelmente triangular, estando danificada na parte do espigão. Apresenta cinco elementos ornamentais em relevo, representando, da esquerda para a direita, um arco, um machado, três escopros ou goivas, e um elemento ancoriforme. Todos estão ligados às artes da guerra e eram conhecidos como símbolos de prestígio, podendo indicar que marcava a sepultura de um guerreiro. Este tipo de peças eram normalmente colocadas junto da sepultura de algum elemento importante da comunidade, não sendo utilizadas como tampa da sepultura. Podiam também ter algum significado como marco territorial.
Foi provavelmente elaborada durante a época da Idade do Bronze Médio, igualmente conhecido como Bronze Pleno do Sudoeste, correspondendo um período entre 1600 a.C. a 1200 a.C Foi encontrada em 2003, durante trabalhos agrícolas nas imediações do Monte da Carniceira, uma elevação perto da Ribeira do Roxo e do Barranco de Vale de Fornos, na freguesia de São João de Negrilhos. Foi depois entregue a um arqueólogo, que a conservou na sua posse durante muitos anos, alegadamente para o seu estudo, tendo o governo imposto um processo judicial para a sua devolução. Após o tribunal ter sentenciado a sua entrega ao governo, foi recuperada por agentes da Guarda Nacional Republicana, acompanhados por uma funcionária da Direcção Regional de Cultura do Alentejo.
A estela é considerada uma peça de grande interesse do ponto de vista arqueológico, não só devido à variedade de motivos decorativos que ostenta, mas também devido à grande raridade de peças deste tipo que se conhecem da Idade do Bronze Médio. Com efeito, até 2022 tinham sido identificadas apenas cerca de trinta estelas daquele período nas regiões meridionais da Península Ibérica, tendo a grande maioria sido no Baixo Alentejo. Três destas foram encontradas no concelho de Aljustrel, um das quais na freguesia de Ervidel e duas em São João de Negrilhos, incluindo a da Carniceira.
Em Janeiro de 2019 foi apresentada publicamente como parte do acervo do Museu Municipal de Aljustrel, na sequência da assinatura de um contrato de depósito com a Direcção Regional de Cultura do Alentejo. De forma a fazer o estudo científico da estela, a autarquia convidou os técnicos responsáveis pela investigação do sítio arqueológico do Outeiro do Circo, Miguel Serra e Eduardo Porfírio, em conjunto com Artur Martins, director pelo Museu Municipal de Aljustrel.
# George Quaintance

George Quaintance (Condado de Page 3 de junho de 1902 — Los Angeles, 8 de novembro de 1957) foi um artista americano, famoso pelas suas representações "idealizadas, fortemente homoeróticas" de homens em revistas de culturismo de meados do século XX. Usando cenários históricos para justificar a nudez ou distanciar os sujeitos da sociedade moderna, a sua arte apresentava figuras masculinas idealizadas, muito musculadas, seminuas ou nuas. Um dos temas comuns eram cenas do Oeste Selvagem eram um dos temas comum. A sua arte ajudou a estabelecer o estereótipo do "garanhão macho" homossexual, o que lhe valeu o epíteto de "pioneiro de uma estética gay". Quaintance influenciou muitos artistas do homoerotismo posteriores, nomeadamente Tom of Finland.

## Biografia

Quaintance nasceu em Page County, Virginia, e cresceu numa quinta, demonstrando desde cedo uma grande aptidão para as artes. Já como adolescente, Quaintance era descrito como "obviamente e ativamente homossexual", apesar de estar no armário. Aos 18 anos, estudou na Art Students League, em Nova Iorque, onde, além de pintura e desenho, estudou dança. Foi então que conheceu e casou com Miriam Chester, embora o casamento não tivesse durado muito. Na década de 1930, trabalhou como cabeleireiro.
As suas primeiras encomendas de arte foram de trabalho de publicidade anónimo, mas, em 1934, começou a vender ilustrações para capas de uma grande variedade de revistas de cordel "picantes", como a Gay French Life, Ginger, Movie Humor, Movie Merry Go-Round, Snappy Detective Mysteries, Snappy Stories, Stolen Sweets e Tempting Tales. Estas eram vendidas em espetáculos de burlesco, bem como ao balcão, em bancas discretas. Estas ilustrações eram frequentemente assinadas com o pseudónimo "Geo. Quintana".
Em 1938, Quaintance regressou a casa com o seu companheiro Victor Garcia, descrito como o seu "modelo, parceiro de vida e comercial", que foi objeto de muitas das fotografias de Quaintance nos anos 1940. Durante essa época, foi editor de arte de Joe Bonomo, que publicou revistas femininas como Glorify Your Figure, Beautify Your Figure e Your Figure Beautiful. Em 1951, a arte de Quaintance foi utilizada na primeira capa de Physique Pictorial, editada por Bob Mizer do Athletic Model Guild.
No início dos anos 1950, Quaintance e Garcia mudaram-se para o Rancho Siesta, em Phoenix, Arizona, onde passou a funcionar o Studio Quaintance, uma empresa comercial que transacionava as obras de arte de Quaintance. Em 1953, Quaintance completou uma série de três pinturas sobre um matador, modelado por Angel Avila, outro dos seus amantes. Em 1956, o negócio tinha tanto êxito que Quaintance não conseguiu satisfazer a procura das suas obras.
Quaintance morreu de ataque cardíaco em 8 de novembro de 1957.
# David Ligare

David Ligare (Oak Park, Illinois, 1945) é um pintor realista contemporâneo americano. O realismo contemporâneo é uma abordagem que utiliza representação simples, mas que é diferente do fotorealismo na medida em que não exagera e não é irónico por natureza.

## Biografia

Desde 1978, Ligare concentrou-se na pintura de naturezas-mortas, paisagens e figuras influenciadas pela antiguidade greco-romana. Entre as suas influências declaradas mais importantes estão as teorias estéticas e filosóficas do escultor grego Policleto e o matemático e filósofo grego Pitágoras, bem como obras do século XVIII do pintor clássico Nicolas Poussin. Residente em Salinas, Califórnia, as pinturas de David Ligare usam como fundo, frequentemente, paisagens da costa da Califórnia central. "Eu acho que sou muito californiano pelo caráter da luz que uso, mas tomei uma decisão logo no início do meu projeto, de me tornar invisível na minha obra. Expressão pessoal e ter um estilo pessoal são muito importantes para muitos artistas, mas eu estou muito mais interessado na forma como vemos - que eu chamo de análise perceptiva - e nos possíveis significados dos objetos que eu represento." (David Ligare)
Ligare nasceu em 1945 em Oak Park, Illinois. Fez formação artística no Art Center College of Design de Los Angeles. As suas obras estão nas coleções do Museu de Arte Moderna de Nova York, Museu de Belas Artes de São Francisco, Museu de Arte de San Jose, Gabinetto Disegni e Stampe degli Uffizi, Florença e Museu de Arte Thyssen-Bornemisza,de Madrid.

## Exposições Individuais

* 2012 - Hirschl & Adler Gallery, New York, NY
* 2010 - "REDUX" Plus One Gallery, London, UK
* 2009 - "Primary Structures "Hartnell College Gallery, Salinas, CA
* 2008 - "A Sense of Place: An Homage to Robinson Jeffers" WInfield Gallery, Carmel-by-the-Sea, CA
* 2007 - Hackett Freedman Gallery, San Francisco, CA
* 2006 - "Ritual Offerings" Koplin Del Rio Gallery, Los Angeles, CA
* 2005 - "Offerings: A New History" PLus One Gallery, London, UK (Catalog)
* 2003 - "Sea Paintings" Koplin Del Rio Gallery, Los Angeles, CA (also 2000, 1998, 1994, 1992, 1988, 1986, 1985, 1983)
* 2002 - "Object of Intention: Still Life Paintings" Hackett-Freedman Gallery, San Francisco, CA (also 1999, 1997)

## Colecções Públicas

* The M.H. De Young Memorial Museum, San Francisco, CA
* Gabinetto Disegni e Stampe degli Uffizi (The Dept. of Drawings & Prints of The Uffizi) Florence, Italy
* The ARCO Corporation
* Monterey Museum of Art, Monterey, CA
* The Museum of Modern Art, New York
* The Security Pacific Collection
* The Wadsworth Athenaeum Collection, Hartford, CT
* The Hughes Corporation
* Pacific Telesis
* Syracuse University Museum of Art, Syracuse, NY
* The Santa Barbara Museum of Art, Santa Barbara, CA
* The Spencer Museum of Art, University of Kansas, Lawrence. KS
* Knight-Ridder, San Jose, CA
* The Frye Art Museum, Seattle, WA
* Museum of Art & Archaeology, University of Missouri, Columbia, MO
* San Jose Museum of Art, San Jose, CA
* Exxon-Mobil Corporation, Fairfax, VA
# A Bola de Cristal (pintura)

A Bola de Cristal, (em inglês: The Crystal Ball) é uma pintura de John William Waterhouse concluído em 1902. Waterhouse a exibiu junto com O Missal, na Academia Real em 1902. A pintura mostra a influência do Renascimento italiano com linhas verticais e horizontais, juntamente com círculos ", em vez de os arcos pontiagudos da Arte Gótica".
Parte de uma coleção particular, a pintura foi restaurada para mostrar o crânio que havia sido coberto por um proprietário anterior.

## Veja também

* Pinturas de John William Waterhouse
# A Cantiga É Uma Arma (canção)

A Cantiga É Uma Arma é uma canção de José Mário Branco, publicada pela primeira vez em 1975 no LP A Cantiga é uma arma do GAC (Grupo de Acção Cultural - Vozes na Luta).

## História

A canção tem letra e música de José Mário Branco, que a compôs no ano de 1973 durante o seu exílio na cidade de Paris, por ocasião do festival "Jogos Florais da Imigração Portuguesa", organizado pelo jornal "O Salto" e pelo Movimento dos Trabalhadores Portugueses Emigrados.
A canção foi um enorme sucesso no festival, muito devido ao facto de a letra ter sido distribuída ao público do festival por José Mário Branco e, como resultado, a meio da sua atuação já a sala inteira cantava a canção em uníssono. A canção ficou em primeiro lugar no concurso musical do festival, porém o júri recusou atribuir o prémio a José Mário Branco, alegando que «um verdadeiro revolucionário não pode utilizar a expressão "eu não sabia"».
A canção foi publicada pela primeira vez em 1975 no LP homónimo editado pelo grupo musical GAC, fundado em 1974 depois da Revolução dos Cravos por José Mário Branco, Fausto, Afonso Dias e Tino Flores. O álbum foi depois reeditado em CD no ano de 2010. Ambas as edições contam com arranjos musicais de Luís Pedro Faro nesta canção, entre outras.
A canção tornou-se num dos temas mais conhecidos do GAC, apresentando uma mensagem política de cariz revolucionário ("canto mole em letra dura nunca fez revoluções").

## Reconhecimento

Em 1976 José Luís Simões fez uma versão da canção "A Cantiga É Uma Arma" no LP Rockin' The Revolution, editado pela Orfeu.
Em 2007 a canção foi incluída na compilação O Melhor Da Música Portuguesa - Vol. 08 - Os Anos 70, publicada pela EMI - Valentim de Carvalho.
Em 2010 o grupo musical Homens da Luta lançou o álbum de estreia intitulado A Cantiga É Uma Arma.
Em 2014, o nome da canção serviu como título para o quarto álbum da banda de rock brasileira El Efecto. O refrão da canção é apresentado na última faixa do álbum, "Trova do vento que passa", que consiste numa versão da conhecida canção de resistência do guitarrista António Portugal, letra Manuel Alegre e interpretação de Adriano Correia de Oliveira.
Ainda em 2014 a banda portuguesa de punk-rock A Batalha fez uma versão da canção "A Cantiga É Uma Arma", que foi incluída no EP A batalha.
# Colosso de Nero

O Colosso de Nero (em latim: Collossus Neronis) era uma gigantesca estátua de bronze que o imperador romano Nero mandou construir de si mesmo. Foi colocada na entrada da Casa Dourada, um palácio onde Nero esbanjou a riqueza do Império Romano. Apos a morte de Nero, O nome da estrutura foi transferida para Colosso do Sol (em latim: Collossus Solis).

## Descrição

Segundo Plínio, a estátua de bronze dourado construída pelo escultor grego Zenodoro teria 35 metros de altura e estaria em cima de um pedestal de 11 metros, tendo 46 metros de altura no total. A estatua representava o imperador romano Nero, retratado como um deus, fazendo o imperador ser confundido com um ser divino. Na mão direita, uma bola de prata que historiadores supõem ser a lua, e na mão esquerda, uma espada, em sinal de dominação, na cabeça uma coroa.
Muitos profissionais acreditam que o nome do Coliseu é derivado desse monumento.

## Destruição

Não se sabe que fim levou a estátua. Muitos dizem que foi destruída no Saque de Roma em 410 pelo rei visigótico Alarico (r. 395–410). Outros afirmam que ela quebrou em mil pedaços durante um terremoto no século V. Apesar do destino incerto da estátua, nos jardins do lado externo do Coliseu, existe uma placa que indica onde encontrava-se a antiga estátua do Colosso. Só se sabe que a estátua estava localizada próxima ao coliseu. Hoje é possível ver onde estava localizada a estátua no Coliseu.

## Diagrama da Casa Dourada

* Jardins de Mecenas
* Pavilhão no Ópio
* Colosso
* Vestíbulo
* Lago e cenáculo
* CASA DOURADA
* PALATINO
* Fórum Romano
* Templo do Divino Cláudio
* Casa de Augusto
* Palácio Tiberiano
* Palácio de Nero?
* Ninfeu
* ARGILETO
* SUBURRA
* CÉLIO
* FAGUTAL
* CARINAS
* Via Tuscolana
* Vico da Cabeça da África
* Via Sacra
# Invasão do Gueto de Roma

A invasão ao Gueto Romano ocorreu em 16 de outubro de 1943. Um total de 1 259 pessoas, principalmente membros da comunidade judaica - totalizando 363 homens, 689 mulheres e 207 crianças - foram detidos pela Gestapo. Desses detidos, 1 023 foram identificados como judeus e deportados para o campo de concentração de Auschwitz. Desses deportados, apenas quinze homens e uma mulher sobreviveram.
# Vênus de Cucuteni

A Vênus de Cucuteni é uma Vênus neolítica que estabelece um elo figurativo entre as Vênus paleolíticas, realistas e os ídolos cicládicos, estilizados.
# Associação Desportiva Aracaju

A Associação Desportiva Aracaju, Desportiva Aracaju ou popularmente conhecido como Aracaju é um clube de futebol brasileiro da cidade de Aracaju. Foi fundado no dia 5 de dezembro de 2023 e suas cores são o amarelo, azul e o verde. Manda seus jogos no Estádio Adolfo Rollemberg. Sua sede se localiza na Rua Santa Luzia 67, Sala 05, Andar 1 no Bairro Centro em Aracaju SE.

## História
### Primeiro jogo da história do clube

A Desportiva Aracaju estreou no futebol profissional no dia 22 de agosto de 2024, em amistoso preparatório para a Série A2 do mesmo ano. O jogo foi realizado em Aracaju, no Estádio João Hora de Oliveira contra Boquinhense da cidade de Boquim, a partida terminou em dois a zero para a Arara Atômica, com gols de Neto camisa 9 e do capitão Pedro Paraguai camisa 5. O primeiro técnico a comandar o clube foi Fernando Dourado com passagens pelas principais equipes do estado de Sergipe e da Região Nordeste.

### Estreia e primeira participação na Série A2

A sua primeira participação contou com uma das melhores estreias de um participante nas divisões de acesso do futebol sergipano, o clube ficou no grupo B com as equipes do Barra-SE, o tradicional Cotinguiba, Santa Cruz de Riachuelo e um dos favoritos o Socorrense, o clube concluiu a Primeira Fase de forma invicta com sete vitórias e um empate, o segundo melhor ataque com 16 gols marcados e a melhor defesa junto com o Barra com 4 gols sofridos. Nos duelos contra o Cotinguiba, outro clube da mesma cidade, a Arara venceu as duas partidas por 3 – 1 e 1 – 0. Sua estreia na Segunda Fase, ocorreu no Estádio Etelvino Mendonça, na cidade de Itabaiana contra o Barra, a partida terminou com o placar de 3 a 2 para a equipe da Barra dos Coqueiros, colocando um fim na série invicta de 8 jogos sem perder da Arara Atômica. Na Segunda Fase a Arara terminou em terceiro colocado no grupo, atrás de Guarany-SE e América de Pedrinhas e a frente de Freipaulistano e Flamengo. Na classificação Geral o clube terminou em 5º lugar.

## Presidentes

| Nome | Período |
| Danillo Farias | 2023-Atual |

## Participações

* Participações em 2025
| Competição | Competição | Temporadas | Melhor campanha | Estreia | Última | P | R |
| | Série A2 | 2 | 5º colocado (2024) | 2024 | 2025 | – | – |

## Elenco da Desportiva Aracaju em 2024

Última atualização: 4 de setembro de 2024

### Legenda

* : Atual Capitão
* : Jogador suspenso.
* : Jogador contundido.
* + : Jogador não regularizado junto à CBF
# Cristo Carregando a cruz (Ticiano)

Cristo Carregando a Cruz é uma pintura a óleo sobre tela (71 × 91 cm) de Ticiano, datada por volta de 1508-1509 e preservada na Scuola Grande di San Rocco em Veneza.

## Temática

Jesus carregando a cruz a caminho da sua crucificação é um episódio da vida de Jesus relatado nos quatro evangelhos canônicos e um tema muito comum na arte cristã, especialmente nas catorze estações da cruz, conjuntos que atualmente se encontram em praticamente todas as igrejas católicas. Porém, o tema aparece também em outros contextos, incluindo obras singulares e ciclos da Vida de Cristo ou da Paixão de Cristo. Outros nomes são Procissão ao Calvário e Caminho do Calvário, sendo que Calvário ou Gólgota se referem ao local da crucificação, fora de Jerusalém. A verdadeira rota seguida é comumente chamada de Via Dolorosa em Jerusalém, embora o caminho específico tenha variado ao longo dos séculos e continue sendo tema de debates.

## História

A pintura é mencionada em vários documentos históricos, uma vez que tem sido objeto de veneração e devoção, devido às suas alegadas propriedades milagrosas Foi originalmente localizado na igreja de San Rocco, anexado ao homônimo Scuola onde está agora, embora não se saiba se estava em um pilar perto do altar-mor ou em uma capela lateral..
A atribuição da obra é contestada desde o século 16: Giorgio Vasari tanto na primeira (1550) quanto na segunda (1568) edição de seu Vidas atribui-o a Giorgione e Ticiano ao mesmo tempo. Além disso, tanto Ticiano quanto Giorgione tinham uma conexão com a guilda que mantinha a igreja e a Scuola; Giorgione era amigo do pintor Vincenzo Catena, membro da guilda.
# Beijo de Judas

O Beijo de Judas foi, de acordo como os evangelhos sinóticos, a forma que Judas Iscariotes identificou Jesus aos soldados que vieram prendê-lo. O evento, principalmente na arte cristã, passou a significar a traição a Jesus, que ocorreu no Getsêmani após a Última Ceia e que levará diretamente à prisão de Jesus pela força policial do Sinédrio. Na teologia cristã, os eventos iniciados na Última Ceia até a ressurreição de Jesus são conhecidos como Paixão.
De forma mais ampla, um "beijo de Judas" pode se referir a "um ato que aparentemente é de amizade, mas que na realidade é prejudicial a que o recebe".
O beijo está relatado em Mateus 26:47–50, Marcos 14:43–45 e Lucas 22:47–48. Em João 18:2–9 aparece o evento da traição, mas sem menção a um beijo de Judas.

## Narrativa bíblica

Tanto o Evangelho de Mateus quanto o de Marcos se utilizam do verbo grego kataphilein, que significa "beijar firmemente, intensamente, com paixão, ternamente ou calorosamente". É o mesmo verbo que Plutarco usa para descrever um beijo famoso que Alexandre, o Grande, deu em Bagoas. De acordo com o Evangelho de Mateus, Jesus respondeu dizendo "Amigo, a que vieste?". Esta frase provocou muita especulação sobre se Jesus e Judas estariam em acordo entre si e que não houve de fato uma traição, pois Judas estaria fazendo algo que lhe fora pedido. O Evangelho de Lucas apresenta uma história bem diferente: Jesus vê Judas vindo e o interpela perguntando: "Judas, com um beijo entregas o Filho do homem?" E, aparentemente, nenhum beijo foi dado. Geza Vermes, porém, em seu livro Jesus the Jew ("Jesus, o judeu"), apresenta outra hipótese: a palavra aramaica barnasha - literalmente "filho do homem", mas que significa "esta pessoa" - é utilizada na literatura rabínica como uma forma humilde de alguém se referir a si mesmo para um interlocutor. Ela corresponde exatamente, em português, ao tratamento "este que vos fala". Segundo Geza, que não deseja que se identifique Jesus com o "filho do homem" presente no livro de Daniel (devido ao que isso poderia implicar a necessidade de se aceitar que Jesus atribui a si um estatuto divino), Jesus estaria dizendo: "Judas, com um beijo me trais?".
No Evangelho de João, absolutamente nada se diz sobre um "beijo de Judas".

## Na arte

A cena da "traição a Jesus" é quase sempre representada com o beijo propriamente ou o momento seguinte, a prisão de Jesus, ou ainda uma combinação dos dois nos ciclos da vida de Jesus ou da Paixão de Jesus.
* Provavelmente, a representação mais conhecida é o ciclo de Giotto na Capela Scrovegni, em Pádua.
* Há ainda uma versão chamada A Captura de Cristo, por Caravaggio ou um de seus discípulos.
* Um mosaico bizantino do século VI em Ravena.
* Um afresco por Barna da Siena.
* Uma escultura representando o Beijo de Judas aparece na fachada da Paixão na Catedral da Sagrada Família, Barcelona.
# Born Again

* Esta é uma página de desambiguação que lista os artigos que podem ser associados a um ou vários títulos. Se uma ligação interna o conduziu até aqui, sugerimos que a corrija para apontá-la diretamente ao artigo adequado.
Born Again pode referir-se a:
* Born Again (álbum de Black Sabbath)
* Born Again (álbum de Hironobu Kageyama)
* Born Again (canção de Lisa)
* Born Again (álbum de Newsboys)
* Born Again (álbum de The Notorious B.I.G.)
* Born Again (canção de Tiffany Young)
# Autorretrato dedicado a Paul Gauguin (Van Gogh)

O Autorretrato dedicado a Paul Gauguin é uma pintura criada pelo pintor holandês Vincent van Gogh, em 1888, em Arles, em Bouches-du-Rhône, França. Este óleo sobre tela é um autorretrato em que o artista se representa em busto sobre fundo verde (composto principalmente por uma mistura de branco zinco e verde Paris). Dedicada ao colega Paul Gauguin por uma inscrição próxima à borda superior da composição, a obra está guardada desde 1951 no Fogg Art Museum, em Cambridge, Massachusetts, Estados Unidos.

## História

No início de 1888, Van Gogh mudou-se para Arles, no sul da França, onde esperava estabelecer uma colônia de arte. Acreditando que a pintura poderia ser reinventada através do gênero do retrato, ele incentivou seus colegas artistas a se pintarem e depois a trocarem as telas. Depois de receber autorretratos de Emile Bernard e Gauguin, que na época trabalhavam juntos na Bretanha, Van Gogh inscreveu esta pintura “Para meu amigo Paul Gauguin” e a enviou para ele. Ele descreveu o processo de criação de sua imagem impressionante em diversas cartas a seu irmão Theo, um negociante de arte em Paris, explicando como ele manipulou suas feições em resposta às estampas japonesas, mudou os contornos de sua jaqueta para obter um efeito colorido e pintou o fundo “verde veronese pálido” sem sombras. Pouco depois de ter enviado a obra a Gauguin, no entanto, a amizade entre eles deteriorou-se e Gauguin vendeu-a por trezentos francos.
# O Apedrejamento de Santo Estêvão (Rembrandt)

O Apedrejamento de Santo Estêvão é a primeira pintura assinada pelo artista holandês Rembrandt, feita em 1625, aos 19 anos de idade Um de seus trabalhos anteriores, é uma pintura a óleo sobre um painel de madeira e atualmente exposto no Musée des Beaux-Arts de Lyon.
Esta obra é inspirada no martírio de Santo Estêvão, que é relatado em Atos dos Apóstolos. Este jovem diácono da comunidade cristã de Jerusalém foi condenado à morte por apedrejamento. A pintura foi influenciada pela arte de Caravaggio e Adam Elsheimer. Representa o momento em que Estêvão foi apedrejado fora da cidade por seus muitos algozes (cerca de vinte personagens), e ele pronuncia suas últimas palavras a Cristo enquanto a luz ao seu redor mostra que os céus estão abertos.

## Veja também

* Autorretratística
* Autorretratos de Rembrandt