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# La visione del Colosseo

La visione del Colosseo, conosciuto anche come L'ultimo martire (in spagnolo: La visión del Coloseo. El último mártir), è un'opera del pittore spagnolo José Benlliure y Gil, realizzata nel 1885.

## Storia e descrizione

Questo dipinto ha di dimensioni fuori dell'ordinario: La visione del Colosseo misura oltre 35 metri quadrati. Protagonista è San Telemaco - conosciuto anche col nome di Sant'Almachio, o Sant'Almaquio - un monaco di origini anatoliche che, secondo la tradizione, fu martirizzato alla fine del IV secolo d.C. Chiese che si ponesse fine allo scempio dei combattimenti tra i gladiatori al Colosseo e fu martirizzato dalla folla inferocita che non voleva rinunciare a questi cruenti spettacoli. La Chiesa lo venera il primo giorno dell'anno.
Nel dipinto si vede il santo che parla alla moltitudine, alzando una croce che è fonte di luce vivissima. Il Colosseo appare simbolicamente in rovina, in una notte spettale e tragica, rischiarata dal disco tondo di una luna piena, contro il quale si staglia un volo di pipistrelli-demoni neri. Una scia di indistinte figure femminili, velate e vestite di bianco, cala da regioni del cielo sugli spalti del Colosseo, portando una fredda luce, e si addensa ai piedi del santo. A questa teoria di anime candide rispondono i religiosi nelle loro tuniche scure, mentre qua e là si accendono lumi. Simbolico è lo stacco tra il biancore azzurrino delle anime femminili limpide, che accorrono ad ascoltare e a sostenere il santo, e i pochi gladiatori, coperti di pelli di animali che fuggono in disordine, sui gradoni dell'Anfiteatro Flavio. Nella massa delle figure, centinaia, poco a poco si discernono i particolari.
La visione del Colosseo fu presentata a Madrid all'Esposizione nazionale di belle arti del 1887, suscitando un'ondata di critiche sdegnate. Ebbe tuttavia il riconoscimento della medaglia di prima classe e fu acquistato dallo Stato.
José Benlliure y Gil (1855-1937) aveva studiato alla Scuola di belle arti di Valencia e collaborato con suo padre, il pittore Juan Antonio Benlliure. Completò la sua formazione nello studio del pittore Francisco Domingo Marqués. Trasferitosi a Roma, divenne leader della nutrita colonia di artisti spagnoli ed è stato direttore dell'Accademia Spagnola romana, succedendo a suo fratello, lo scultore Mariano Benlliure. In molti suoi dipinti, come Il carnevale a Roma 1881, la scena è dominata da un horror vacui, cioè da una eccessiva decorazione che ne appesantisce l'impianto. Sposò Maria Ortiz nel 1880.
# Jacques-Louis de Beringhen

Jacques-Louis de Beringhen (Parigi, 20 ottobre 1651 – Parigi, 1º maggio 1723) è stato un nobile, militare, politico e collezionista di incisioni francese.

## Biografia

Jacques-Louis era l'unico figlio di Henri de Beringhen, primo scudiero del re, morto il 10 maggio 1674, all'assedio di Besançon, e di Anne du Blé de Laye, figlia di Jacques du Blé de Laye, marchese d'Uxelles. Il nonno paterno discendeva da una nobile famiglia originaria dei Paesi Bassi, ed era stato primo valletto da camera di Enrico IV e la nonna paterna era Madeleine Bruneau, sorella della famosa Marie Bruneau des Loges. I genitori di Jacques-Louis de Beringhen si erano sposati a gennaio 1646.
Jacques-Louis de Beringhen, marchese di Châteaunef in Bretagna (marchesato eretto nel 1702), conte di Plessis-Bertrand, signore d'Armainvilliers, sposò nel 1677 Marie-Madeleine-Élisabeth-Fare d'Aumont (1663-1718), nipote del cancelliere Michel Le Tellier. Divenne primo scudiero del re di Francia il 31 dicembre 1688; fu governatore della cittadella e del forte San Giovanni di Marsiglia nel 1679, membro del consiglio degli Affari Interni durante la Reggenza di Luigi XV, direttore dei Ponti e delle Carreggiate e cavaliere di Malta.
Ha militato nel Regimento Poly Cavalleria, di cui è stato maestro di campo dal 5 aprile 1700. Brigadiere il 26 ottobre 1704 e maresciallo di campo l'8 marzo 1718. Jacques-Louis de Beringhen è stato eletto membro dell'Académie des inscriptions et belles-lettres nel 1701.

### Il collezionista

Questo gentiluomo francese raccolse una ricchissima collezione di incisioni, in cui erano rappresentati, quasi al completo, gl'incisori francesi, dal 1610 al 1715 - Robert Nanteuil, Abraham Bosse, Claude Mellan, François de Poilly, Jean-Baptiste Oudry, Antoine Noël, Charles-Antoine Coypel - ma anche incisori di altre scuole, come Corneille Galle, Jan Wierix, Annibale Carracci e Agostino Carracci, Gil Sadeler. La collezione fu acquistata dallo Stato francese nel 1731 - attraverso il figlio ed erede François-Charles de Béringhen d'Armainvilliers (1691-1742), dal 1726 al 1742 vescovo di Puy - ed ora è conservata alla Biblioteca Nazionale di Parigi.
Non era un erudito, Jacques-Louis de Beringhen e collezionava per suo piacere, dando la preferenza ai ritratti. La sua collezione comprendeva tutto il periodo del regno di Luigi XIV e gli inizi del regno di Luigi XV.
Oggi, la collezione Beringhen è composta da 445 volumi, di formato diverso; ma in origine contava 579 volumi in-folio, 5 custodie e 99 pacchi. Le incisioni erano circa 90.000. Molte stampe sono state estratte dal proprio contenitore ed assegnate a raccolte di singoli autori, per cui queste incisioni oggi risultano in contenitori diversi da quelli originali.
# Francesca Re David

Francesca Re David (Roma, 6 agosto 1959) è una sindacalista e politica italiana, segretaria generale della FIOM dal 15 luglio 2017 al 6 aprile 2022.

## Biografia

Francesca Re David ha frequentato il liceo classico Tito Lucrezio Caro di Roma ed in seguito l'Università degli Studi di Roma "La Sapienza", dove ha conseguito la laurea in storia presentando una tesi sul Partito Comunista Italiano e sulla CED. Moglie del regista e scrittore Fabio Venditti, ha due figlie.

## Attività politica e sindacale

Sin da molto giovane ha partecipato alle attività del PCI frequentando la sezione di Ponte Milvio, dove ha conosciuto Enrico Berlinguer.
Dal 1987 è entrata nella CGIL e dal 1998 è stata chiamata a far parte della segreteria nazionale FIOM. Dal 2013 al 2017 è stata segretaria generale della FIOM di Roma e del Lazio. Dal 15 luglio di tale anno diventa segretaria generale nazionale della FIOM, prima donna nella storia a ricoprire tale incarico, fino al 6 aprile 2022, data nella quale entra in segreteria nazionale della CGIL.
# Philippe Rousseau

Philippe Rousseau (Parigi, 1816 – Acquigny, 1887) è stato un pittore francese.

## Biografia

Allievo di Gros e di Bertin, si dedicò inizialmente al paesaggio, dipingendo dal vero e insieme ispirandosi agli olandesi del XVII secolo. L’influsso di questi ultimi impronta altrettanto profondamente le sue rappresentazioni di animali; sue opere rappresentative si trovano nei musei di Chartres, Douai, Lione, Riom, Rouen.
Le nature morte, che costituiscono la parte migliore del suo lavoro, come ad esempio Marmellate di prugne, del 1871, ora al Musée di Dieppe e altri esempi al Museo del Louvre di Parigi, alla National Gallery di Londra, allo Stedelijk Museum di Amsterdam e nei musei di Le Mans, Reims e Valenciennes.
# Bartolomeo Cavarozzi

Bartolomeo Cavarozzi, detto Bartolomeo de' Crescenzi (Viterbo, 15 febbraio 1587 – Roma, 21 settembre 1625), è stato un pittore italiano.

## Biografia

Arrivato a Roma giovanissimo fu accolto nella bottega del pittore viterbese Tarquinio Ligustri. Fu poi allevato, quasi come un figlio, dai marchesi Crescenzi - dai quali prese il soprannome di Bartolomeo de' Crescenzi - e a stretto contatto con il pittore Cristoforo Roncalli, intimo della famiglia Crescenzi.
Dipinse nel 1608 una pala con San Carlo Borromeo in preghiera, per la chiesa di Sant'Andrea della Valle, poi perduta, e nel 1614 dipinse una Sant'Orsola con le sue compagne, per la chiesa di Sant'Orsola.
Il marchese Giovanni Battista Crescenzi, pittore e architetto, che era il suo protettore, nel palazzo di famiglia presso il Pantheon accoglieva giovani pittori che potevano lì esercitarsi a ritrarre soggetti al naturale - figure e nature morte - sotto la guida di maestri esperti. Nel 1617 Crescenzi si trasferì in Spagna, al seguito del cardinale Antonio Zapata y Cisneros (1550–1635) e portò con sé il giovane Cavarozzi, perché si perfezionasse a contatto con pittori di scuola spagnola. Tornato a Roma, a primavera del 1619, Cavarozzi dipinse la pala con Sant'Anna, la Vergine e il Bambino per la chiesa delle monache benedettine di Sant'Anna dei Falegnami. Realizzò, a maggio 1622, una Visitazione, per la cappella del municipio di Viterbo.
Col tempo aveva abbandonato i modi del manierismo, maturando l'adesione al naturalismo e al luminismo della pittura caravaggesca, espressi attraverso una dolce e intimistica vena poetica.

### Opere nei musei, opere attribuite

Il dipinto San Girolamo nello studio, 1617 circa, è ora a Firenze, alla Galleria Palatina; lo Sposalizio mistico di santa Caterina è a Madrid, al Museo del Prado; la Sacra Famiglia è a Torino, alla Pinacoteca dell'Accademia Albertina e la Vergine con il Bambino è a Roma, alla Galleria Spada.
Opere che gli sono state attribuite: Sant'Isidoro Agricola, a Viterbo, nella chiesa di Sant'Angelo in Spatha; Madonna con il Bambino, a Viterbo, nella chiesa di Sant'Ignazio; Gesù Bambino dormiente, a Madrid, al Prado; la Madonna con il Bambino, a Toledo, nel Real Colegio de Doncellas Nobles; la Madonna con Bambino, ispirata a Raffaello Sanzio, ora a Madrid in collezione privata; Santa Caterina a Murcia al Museo de Bellas Artes e Madonna con il Bambino e due angeli, venduta da Christie's nel 1964.
# Jean-Claude Chambellan Duplessis

Jean-Claude Chambellan Duplessis (Torino, 1699 – Parigi, 1774) è stato un orafo, scultore, modellatore di porcellane, fonditore di bronzi dorati, direttore di fabbrica di porcellane francese.

## Biografia

Jean-Claude Chambellan Duplessis, noto come Duplessis padre - per distingierlo dal figlio Jean-Claude-Thomas Chambellan Duplessis (c. 1730 — 1783) che è stato un bronzista alla Manifattura di Sèvres ed ha realizzato opere in stile neoclassico - era un artista versatile: orafo, scultore, modellatore di porcellane, fonditore di bronzi, decoratore d'interni del periodò rococò.
Nato a Torino - dove si chiamava Giovanni Claudio Ciamberlano - lavorò per il principe Vittorio Amedeo I di Savoia-Carignano. Nel 1730, nominato generale delle armate di Francia, il principe Vittorio Amedeo si trasferì a Parigi, condusse al suo seguito Jean-Claude Chambellan Duplessis e gli commissionò opere decorative per l'Hôtel de Soissons - sua residenza - dove raccolse una importante collezione di opere d'arte. Jean-Claude Chambellan Duplessis fu protetto anche da Marc-René de Voyer de Paulmy d'Argenson (1722–1787) che ottenne per lui un alloggio al Louvre.
Dopo la partenza del principe di Savoia-Carignano, Chambellan Duplessis lavorò alla Manifattura di porcellane di Vincennes, dal 1748, quindi alla Manifattura di Sèvres, dal 1756 fino alla morte, e a Sèvres ebbe anche la direzione di parte della produzione. Nel 1755 riuscì a realizzare vasi di forma ovale e più tardi i tipici, fantasiosi vasi a testa di elefante. Creava anche montature in bronzo dorato per vasi e nel 1758 ottenne il titolo prestigioso di orfèvre du Roi.
Eseguì le parti in bronzo dorato al mercurio per il bureau du Roi, ideato per Luigi XV di Francia dall'ebanista Jean-François Oeben (1720 c. — 1763) e portato a termine dall'ebanista Jean-Henri Riesener (1734—1806). Questo prezioso scrittoio è considerato il mobile più significativo dello stile Luigi XV.
Opere di Jean-Claude Chambellan Duplessis - coppe pot-pourri, bacini, calamai, vasi a forma di uovo, zuppiere, figurine di porcellana, montature in bronzo per orologi e per vasi di porcellana francese o cinese - si conservano in molti musei: negli Usa al Paul Getty Museum, al Metropolitan Museum of Art, alla Frick Collection; in Francia al Louvre, al Museo nazionale di Ceramica di Sèvres, al Castello di Versailles, al Petit Palais; a Londra al Victoria and Albert Museum e alla Wallace Collection e in Turchia al Topkapi, dove ci sono oggetti presentati nel 1742 all'ambasciatore delle Sublime Porta Mehmed Said Efendi.
# Palazzo Ducale (Tagliacozzo)

Palazzo Ducale è un edificio storico di Tagliacozzo (AQ) situato nel centro urbano della cittadina abruzzese.

## Storia

Il palazzo già esistente nella prima metà del XIV secolo, come risulta da un documento di Orso Orsini del 20 aprile del 1336, era in origine molto diverso dalla struttura contemporanea che nel corso dei secoli ha subito diversi interventi di ingrandimento e rimaneggiamento che ne hanno modificato l'aspetto originario. Nel corso del secolo successivo il conte Roberto Orsini fece ultimare i lavori costruendo il secondo piano del palazzo che, per garantire staticità all'intera struttura, costrinse le maestranze ad ingrandire il muro di sostegno del primo piano dell'edificio. Fu così che si dovette rinunciare al porticato in stile tardo gotico previsto precedentemente.
Fu a cominciare dal 1467 che i Colonna, divenuti nel frattempo conti di Tagliacozzo e di gran parte delle terre della Marsica, eliminarono molti degli elementi decorativi che richiamavano agli spodestati Orsini sostituendoli con altri che esaltavano stemmi e motti di famiglia.
Nel XVIII secolo furono realizzati dalla famiglia Colonna la rampa di scale tra il primo e il secondo piano ed ex novo il portale d'ingresso. In epoca fascista vennero realizzati la scala d'onore ed altri grandi lavori di restauro che modificarono ulteriormente l'aspetto della struttura e a causa dei quali furono eliminate alcune stanze e relative pitture murali di contenuto mitologico.
La famiglia Colonna rimase proprietaria del palazzo signorile fino alla prima metà del XX secolo. Ad essa seguì la proprietà dei Barberini-Corsini, sotto il fascismo quella del GIL, infine quella dell'ente Regione Abruzzo. In seguito al terremoto della Marsica del 1915 il palazzo fu sede provvisoria, fino al 1924, della curia della diocesi dei Marsi (diocesi di Avezzano) che aveva dovuto lasciare la propria sede di Pescina.
Tra gli anni Ottanta e Novanta e nel 2008 sono stati realizzati alcuni lavori di restauro e risanamento di ampi spazi del palazzo.

## Descrizione

La caratteristica del palazzo, 4 000 m² interni calpestabili, è quella di avere due piani architettonicamente molto diversi. Il primo piano presenta molti elementi decorativi del tardo gotico a cominciare dalle finestre; il secondo piano, costruito successivamente, presenta invece uno stile rinascimentale.
Dei primi stemmi del periodo orsino presenti all'interno e nelle parti esterne della residenza sono rimasti al proprio posto un grande stemma sistemato sulla cappa di un camino, alcuni altri stemmi che si trovano sul soffitto in legno di una stanza del primo piano ed altri due, di più piccole dimensioni, impressi nelle parti decorative di una finestrina che si affaccia sul loggiato. Gli altri numerosi elementi decorativi richiamano gli stemmi di famiglia, il motto e altri simboli propri dei Colonna. Tra le parti più pregevoli, oltre alle pareti affrescate di alcune stanze e di altri spazi, figurano le due scale, la piccola cappella riccamente affrescata e il loggiato.
# Figurino di moda

Il figurino di moda è il disegno di un abito. L'idea nacque a Venezia alla fine del Cinquecento e si propagò prima in Francia e poi in Inghilterra.

## Descrizione e storia

Il disegno di un abito era chiamato a Venezia figurino di costume. Era realizzato in bianco e nero o a colori e descriveva un solo abito, alla moda, che poteva essere tagliato e cucito. L'idea è rimasta immutata.
Nel Seicento furono realizzati da artisti francesi figurini all'acquaforte e a bulino e anche ad acquarello. Il figurino rappresentava un abito di gusto aristocratico, accompagnato da una descrizione breve illustrativa. Incisori francesi come Abraham Bosse e i fratelli Bonnart Robert, Nicolas ed Henri non disdegnarono di creare figurini. Due esperti di moda francese, Jacques Asnaut e Michel Eapily, pubblicarono alla fine del Settecento, a Parigi, un giornale di moda, il primo di una lunga serie: s'intitolava Galerie des modes et costumes français: Dessins d'aprés nature e conteneva ricche tavole colorate, con figurini alla moda e spiegazioni su come realizzare ogni modello.

### Primi giornali di moda

Il "Journal des Modes" uscì a Parigi nel 1870. Conteneva figurini in litografia ed ebbe grande diffusione in Europa. Il pittore Paul Gavarni nel 1830 disegnava figurini per la rivista francese "La Mode". La "Gallery of Fashion" - primo giornale di moda inglese - fu edita a Londra dal 1794: era accompagnata da figurini, con esaurienti spiegazioni. In Italia, a metà ottocento, il periodico femminile milanese "Corriere delle Dame", cui collaborò anche Ippolito Nievo, diffondeva deliziosi modellini, colorati, accompagnati da lunghi testi che orientavano il gusto delle lettrici. Nel Novecento i giornali di moda allegavano ai figurini il cartamodello, per rendere più semplice l'esatta esecuzione dell'abito. Un'ampia raccolta di figurini di moda settecenteschi e ottocenteschi è alla Civica raccolta delle stampe Achille Bertarelli, al castello Sforzesco. Un'altra raccolta di figurini, staccati da riviste ottocentesche, è al Museo del tessuto, a Prato e circa 13.000 figurini si conservano a Palazzo Mocenigo, a Venezia.

### Moda nel Novecento e nel Duemila

Il figurino di moda diventa una specializzazione, per un artista particolarmente creativo. Il disegnatore John Guida ha eseguito migliaia di figurini per la ditta Coen, di Roma, che commerciava in tessuti. I figurini accompagnavano, in vetrina, l'esposizione dei ricchi tessuti per abiti femminili. Grandi sarti italiani, come Pino Lancetti, hanno esordito nel mondo della moda come disegnatori di figurini. Hanno realizzato figurini per case di moda prestigiose l'illustratore René Gruau, l'artista futurista Thayaht, la pittrice Adriana Bisi Fabbri. Oggi si realizzano i figurini su supporto digitale.
# Mario Borello

Mario Borello (Sant'Ambrogio di Torino, 1893 – 1981) è stato un prete e militare italiano. Missionario della Consolata, fu un fervente sostenitore dell'aggressione militare italiana in Etiopia, riuscendo a sottomettere i capi della regione dei Uollega, consentendo così l'avanzata verso occidente. Dopo essere sfuggito all'eccidio di Lechemti nel giugno del 1936, venne insignito della medaglia d'oro al valor militare a vivente da Rodolfo Graziani.

## Biografia

Studiò teologia per alcuni a Torino anni presso l'Istituto delle Missioni della Consolata fino allo scoppio della prima guerra mondiale, dove fu arruolato come soldato di sanità della 1ª Compagnia e in seguito nel 150º ospedale da campo. Congedato nel 1919 con il grado di caporal maggiore, poté concludere gli studi in teologia.
Ordinato sacerdote il 20 marzo 1920, raggiunse l'Etiopia come missionario della Consolata presso Bonga nel Kaffa. In seguito fondò la missione di Konto vicino a Lechemti (regione dei Uollega). Dopo un breve periodo ad Addis Abeba, dopo 14 anni trascorsi in Etiopia tornò a Torino, dove nel marzo 1935 venne nominato tenente cappellano militare. Tornò in Etiopia con la divisione Gavinaia.
Il 26 maggio 1936 partì con la spedizione aerea guidata dal generale Vincenzo Magliocco e dalla già medaglia d'oro Antonio Locatelli diretta a Lechemti, per la sua buona conoscenza di quei luoghi e delle genti. L'eccidio di Lechemti portò alla morte tutti i componenti della missione militare, tranne padre Borello che riuscì a scampare e a nascondersi per tre mesi, fino all'arrivo delle truppe terrestri. Durante questo trimestre, riuscì ad inviare al Comando italiano quattordici rapporti segreti sulla situazione politica della zona e sui rifugi dei ribelli.
Il 21 luglio ricevette la sottoscrizione del degiac Hapte Mariam all'atto di sottomissione al Regno d'Italia, esponendo le gravi conseguenze in caso contrario. Il 4 novembre 1936 venne decorato con la medaglia d'oro al valor militare, consegnatagli dal generale Graziani.
Ritornò a Torino nel 1939 presso l'istituto della Consolata, trasferendosi poi dal 1949 al 1965 a Londra. Morì nel 1981 all'età di 88 anni.

## Pubblicazioni

* La schiavitù in Etiopia e l'opera dei missionari della Consolata, in Antischivismo, maggio-giugno 1932.
* Grammatica di lingua galla: Fonetica e morfologia, (due volumi), Inst. Missioni Consolata, 1939.
* Hans-Jürgen Sasse e Paolo Tablino (a cura di), Dizionario Oromo-Italiano, Amburgo, H. Buske, 1995, p. 432, ISBN 3875481186.
# Franz Ferdinand Richter

Franz Ferdinand Richter (Dzikowa, 1693 – Firenze, 1743) è stato un pittore polacco.

## Biografia

Nato in un borgo non lontano dalla città polacca di Breslavia - oggi la quarta di questo Paese per popolazione e capoluogo del Voivodato della Bassa Slesia - scarsi sono i riferimenti biografici che possano definire e illustrare la sua formazione e il suo percorso artistico. Segnalato a Roma, il 18 maggio 1727, per un passaporto che gli consentiva il ritorno in patria, certamente Franz Ferdinand Richter visse per un lungo periodo a Firenze, dove morì.
Di questo pittore è noto un ritratto del compositore e violinista barocco Francesco Maria Veracini - ritratto che fu in un secondo tempo inciso su rame - e una pala d'altare nella chiesa dell'Assunzione, ad Aschbach. Segnalato anche un ritratto di Giovan Battista Fagiuoli, del 1736, oggi di ignota ubicazione e forse perduto.
Il suo autoritratto (databile 1720-1725 circa) è agli Uffizi.
Alla Galleria Palatina di Palazzo Pitti si conserva un grande ritratto a tutta figura di Gian Gastone de' Medici con le insegne granducali, in tutta la pompa rococò del suo abito bordato di ermellino e delle sue insegne, eseguito da Franz Ferdinand Richter nel 1737.
# Giovanni Camillo Ciabilli

Giovanni Camillo Ciabilli (Castello di Signa, 6 luglio 1675 – Firenze, 28 agosto 1746) è stato un pittore e poeta italiano.

## Biografia

Giovanni Camillo Ciabilli si formò nella bottega del decoratore Simone Pignoni. Dal 1694 al 1696, per la famiglia fiorentina Guasconi, dipinse un ritratto, una tela con Assunzione di Maria, una miniatura con Incoronazione della Vergine. Nel coro della chiesa di San Bartolomeo in Pantano, a Pistoia, realizzò una tavola con Santi vallombrosani e con altri dipinti decorò l'abbazia dei Santi Salvatore e Lorenzo a Settimo.
L'abate Ascanio Baiocchi gli diede incarico di affrescare la prima cappella a sinistra della chiesa collegiata di San Frediano in Cestello, a Firenze: nella cupola egli dipinse la Gloria di San Anastasio, contornato da angeli musicanti seduti e da altri angeli in volo circolare, intorno all'occhio luminoso della cupola. Questo affresco, ispirato al Correggio, è prezioso per lo scorcio ardito del coro angelico volante, colorato nelle tonalità dei rosa e con tocchi di grigio e di pallido azzurro. Nei pennacchi Giovanni Camillo Ciabilli dipinse figure allegoriche, forse Virtù, e nelle lunette due miracoli del santo: a sinistra San Anastasio libera gli ossessi e a destra San Anastasio fra gli armati. Qui i colori sono più marcati, con accostamenti di punte di rosso e di verde. Le forme classicheggianti risentono della lunga tradizione manieristica. Per la tela sull'altare egli scelse come soggetto il Martirio per soffocamento del santo che appare stretto fra soldati, sullo sfondo di un tetro paesaggio.
Nel 1712, insieme ad altri pittori, ebbe l'incarico di preparare 24 dipinti a tempera, di grandi dimensioni, per la chiesa di San Lorenzo (Firenze), in vista della canonizzazione di papa Pio V. Nel 1716, per la qualità e il numero delle sue opere pittoriche, gli venne concessa la cittadinanza fiorentina.
Collaborò anche alla realizzazione dell'apparato funebre di Cosimo III de' Medici, nel 1724, che ebbe luogo in S. Lorenzo. Nel 1737 dipinse per la Confraternita di San Niccolò al Ceppo due ovali in tela con Santi ed espose sue tele all'Annunziata.
Agli Uffizi si conserva un suo Autoritratto, databile primo quarto del Settecento.
Il Museo Giuliano Ghelli, a San Casciano in Val di Pesa, possiede un olio su tela a lui attribuito: il Martirio di Santa Lucia, proveniente dalla locale chiesa di Santa Maria del Gesù.