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# Cornelis Bisschop

Cornelis Bisschop (Dordrecht, 12 febbraio 1630 – Dordrecht, 21 gennaio 1674) è stato un pittore olandese.

## Biografia

Era figlio del sarto Jacob Dionys Bisschop e di Anneke van Beveren, nata ad Utrecht. Pittore del secolo d'oro olandese, intorno al 1650 si trasferì ad Amsterdam, per seguire gli insegnamenti di Ferdinand Bol (1616-1680) che era stato allievo di Rembrandt van Rijn. Nel 1653 tornò a Dordrecht e sposò Geertruyt Botland. Ebbe frequenti contatti con altri due pittori, originari della sua stessa città: Samuel van Hoogstraten (1627–1678) e Nicolaes Maes (1634–1693).

### Stile

Dipinse soggetti religiosi e mitologici, ritratti, scene di vita comune all'interno di case borghesi, nature morte e anche immagini in trompe l'oeil, forse ispirandosi a dipinti di van Hoogstraten. È stato uno dei primi pittori ad esercitarsi in questa nuova tecnica. La sua opera pittorica risente della scuola di Rembrandt, ne conserva la vasta gamma di tinte calde, le atmosfere in penombra e il gusto per la ricchezza dei particolari. Il diplomatico francese Bathasar de Monconys (1611–1665), nel 1663 acquistò un suo dipinto e lo inviò a Parigi, per la collezione del re Luigi XIV di Francia.
Cornelis Bisschop divenne nel 1673 pittore di corte, su invito del re Cristiano V di Danimarca, da poco salito al trono; ma non poté usufruire a lungo di questa vantaggiosa posizione, perché morì improvvisamente, lasciando la vedova con undici figli dei quali, due maschi - Abraham Bisschop (1660–1700) e Jacobus Bisschop (1658–1698) - e tre figlie femmine, istruiti all'arte sotto la sua attenta guida, scelsero di diventare pittori e pittrici. Margaretha van Godewijk è stata una sua allieva.
Sue opere si conservano anche al Metropolitan Museum of Art di New York. Il suo primo biografo è stato il pittore e scrittore olandese settecentesco Arnold Houbraken.
# Adam de Coster

Adam de Coster (Malines, 1586 – Anversa, 4 maggio 1643) è stato un pittore fiammingo.

## Biografia

Detto, con soprannome latino, Pictor Noctium (il pittore delle notti), Adam de Coster si trova a volte menzionato col cognome de Ceustere, Koster, de Keuster o de Ceuster. Noto in particolare per le scene di genere, in interno e notturne, con molti personaggi a grandezza naturale - cantanti, giocatori e musicisti - stretti intorno al lume di una candela, affrontò anche soggetti religiosi e dipinse ritratti. Il suo primo biografo è stato il pittore e storico dell'arte Arnold Houbraken, la cui opera è fondamentale per ricostruire la biografia dei pittori olandesi e fiamminghi del secolo d'oro.
Il suo aspetto lo conosciamo grazie a Pieter de Jode che ne ha inciso il ritratto, traendolo da un dipinto (perduto) di Antoon van Dyck. Questa incisione porta sotto la didascalia le parole: Pictor Noctium Mecheliensis (Pittore delle notti, di Malines).
Non possediamo sue opere pittoriche firmate e neppure documentate, tranne una incisione di Lucas Vorsterman, tratta da un dipinto perduto di Adam de Coster che rappresentava una "Compagnia di giocatori di tric-trac e una suonatrice di liuto, al lume di candela". (Biblioteca nazionale di Francia, Parigi).
L'attribuzione del dipinto Giuditta con la testa di Oloferne si basa su una incisione di Lucas Vorsterman; ma questa opera di Adam de Coster è riprodotta anche nel quadro del pittore olandese Willem van Haecht, intitolato La bottega di Apelle (Museo Mauritshuis, L'Aia) che mostra l'arciduca Albert in visita alla bottega del ricco mercante di spezie e collezionista di dipinti Cornelius van der Geest, il 15 agosto 1615. La Giuditta con la testa di Oloferne conferma l'appartenenza di Adam de Coster alla cerchia dei seguaci di Caravaggio. Suggestivo è il rapporto di questo dipinto con la Giuditta di Carlo Saraceni.
# Canal Grande (Canaletto)

Questo dipinto che rappresenta il Canal Grande di Venezia è opera di Giovanni Antonio Canal, detto il Canaletto (1697-1768) ed è inserito in una cornice, dorata e bella.

## Descrizione

In questa opera di Canaletto è visibile il Canal Grande di Venezia, nel tratto compreso fra il Palazzo Balbi e il Ponte di Rialto. Un dipinto dello stesso autore, con analogo soggetto e appartenente alla stessa epoca, ma con piccole varianti (in particolare la forma e posizione delle imbarcazioni), è conservato all'Accademia Carrara di Bergamo.
Gli storici dell'arte Constable e Puppi lo hanno datato 1726-1728, mentre nel catalogo della mostra parigina del 1960 questo dipinto è riferito al 1730 circa.

### Esposizioni

* Venise au XVIII-XIX siècles, Parigi, 1919
* Venezia vive, Salisburgo, 1955
* La peinture italienne au XVIIIe siècle, Parigi, 1960-1961
* Canaletto: prima maniera, Venezia, 2001
* Canaletto: il trionfo della veduta, Roma, 2005
* Canaletto. Venezia e i suoi splendori, Treviso, 2008-2009
* Canaletto. Il "Quaderno veneziano", Venezia, 2012
* Canaletto à Venise, Parigi, 2012-2013
# Vanitas (Mattia Preti)

Il dipinto ad olio dal titolo Vanitas, è opera di Mattia Preti (Taverna (Catanzaro), 1613-La Valletta (Malta), 1699), pittore caravaggesco noto anche come il Cavalier Calabrese.

## Descrizione

Il dipinto era in una collezione privata ed arrivò agli Uffizi nel 1951, per acquisto. Presentato in una semplice cornice dorata moderna, per lo stile ricorda il dipinto di Mattia Preti La Giuditta, conservato al Museo nazionale di Capodimonte. I critici non sono d'accordo se si tratti di un frammento di un'opera di maggiori dimensioni, oppure se questo dipinto sia stato così realizzato.
Mattia Preti forse intendeva raffigurare la Maria Maddalena, colta nel momento in cui si specchia - adorna di gioielli e in abiti di lusso - con i capelli intrecciati e avvolti in un morbido turbante di seta dorata, ricadente sulle spalle in uno scialle bianco, intessuto da minuscoli fiori colorati. Il suo sguardo - accentuato dal riflesso della luce che le batte su una guancia e su parte della fronte - esprime un senso di rifiuto e di disgusto, nel vedersi circondata da tali ornamenti e da tante ricchezze. La vanitas - meditazione sulla precarietà della vita - nell'arte pittorica barocca veniva anche espressa in dipinti raffiguranti eremiti, oppure in nature morte accompagnate da teschi e da candele spente - oggetti che alludono alla fugacità dell'esistenza - o da clessidre e da orologi che segnano il trascorrere impietoso del tempo.

### Esposizioni

* Caravaggio e i Caravaggeschi nelle Gallerie di Firenze, Firenze, 1970.
# Friedrich Loos

Friedrich Loos (Graz, 29 ottobre 1797 – Kiel, 9 maggio 1890) è stato un pittore, incisore e litografo austriaco.

## Biografia

Nacque a Graz il 29 ottobre 1797. Studiò a Vienna presso l'Accademia con Joseph Mössmer e intraprese viaggi di studio nelle regioni alpine dell'Austria. Dal 1835 al 1836 visse a Vienna, e dal 1846 visse a Roma. Si trasferì poi a Kiel, dove lavorò come insegnante di disegno all'università nel 1863, dove morì anche il 9 maggio 1890. Nei suoi dipinti, enfatizzò la luce e il colore per ammorbidire la sua pittura, così come per armonizzare e unire i dettagli.
# Allegoria della Pittura e Architettura

Il dipinto dal titolo Allegoria della Pittura e Architettura è un'opera del pittore senese Francesco Rustici (Siena, 1592 – 1625), detto il Rustichino, per distinguerlo dal padre, soprannominato il Rusticone.

## Descrizione

Questo dipinto proviene dalla famosa collezione del cardinale Leopoldo de' Medici che arricchì notevolmente il patrimonio artistico della famiglia Medici: i dipinti che erano in suo possesso sono oggi nelle sale della Galleria degli Uffizi e nel Corridoio vasariano. Nel 1795 dal dipinto di Rustici Allegoria della Pittura e Architettura fu tratta una incisione.
Il quadro rappresenta due giovani donne (la Pittura e l'Architettura, appunto), con le vesti ampiamente scollate sul seno, mentre conversano, rivolte l'una verso l'altra. La Pittura stringe in mano i pennelli e poggia il gomito sopra una pila di libri. Altri libri, aperti, sono sul tavolo.
Francesco Rustici, pittore manierista senese, durante il suo soggiorno a Roma, fra il 1618 e il 1619, rimase influenzato dal naturalismo caravaggesco. In particolare, entrò in contatto con il pittore olandese Gerrit van Hontorst, che si era fatto conoscere per dipinti, a soggetto sacro e profano, carichi di effetti notturni, tanto che lo avevano soprannominato Gherardo delle Notti.

### Esposizioni

* Dipinti salvati dalla piena dell'Arno, Firenze, 1966
* Caravaggio e i Caravaggeschi nelle Gallerie di Firenze, Firenze, 1970
# Ritratto di Cosimo I de' Medici in armatura

Il ritratto di Cosimo I de' Medici in armatura è un olio su tavola di Agnolo di Cosimo, detto il Bronzino. Di questo dipinto esistono alcune repliche.

## Descrizione

Il dipinto è presentato entro una cinquecentesca cornice di legno, con ornati d'oro zecchino su fondo nero. Quest'opera si trovava nella Villa di Castello e fu portata agli Uffizi nel 1925, poiché quell'anno fu assegnata al Bronzino da Carlo Gamba, storico dell'arte e funzionario della Soprintendenza, che confrontò questo dipinto con varie repliche, esistenti in altri musei.
Giorgio Vasari nel 1568 scrisse che Bronzino aveva ritratto il Granduca Cosimo I che allora era giovane, armato tutto d'armi bianche e con una mano sopra l'elmo. La datazione 1545 è dovuta al fatto che Cosimo I non mostra l'onorificenza del Toson d'Oro che gli fu conferita nel 1546. La data è confermata da una lettera del 1545, indirizzata al maggiordomo Riccio, in cui il Bronzino chiede il prezioso materiale di lapislazzulo polverizzato, per ottenerne il colore blu da utilizzare per un ritratto, specificando che il campo è grande ed ha da essere securo [scuro]. Sullo sfondo di questo dipinto si vede infatti un tendaggio blu molto scuro.
Severa è l'espressione di Cosimo I che indossa la sua armatura completa, illuminata da sprazzi di luce. Al movimento del braccio verso destra si contrappongono la testa nuda e lo sguardo, volti verso sinistra. Con la mano poggiata sull'elmo, messa in primo piano e notata dal Vasari, Cosimo de' Medici esprime potenza e forza.
Cosimo I de' Medici fece costruire la fabbrica per gli uffici amministrativi dello Stato - che oggi è chiamata Galleria degli Uffizi - e collegare la sua nuova residenza di Palazzo Pitti con il Palazzo Vecchio, attraverso il Corridoio vasariano.

## Esposizioni

* Mostra del Cinquecento toscano, Firenze, 1940.
* Bronzino: pittore e poeta alla corte dei Medici, Firenze, 2010.
# Ritratto di Francesco I de' Medici giovinetto

Il ritratto di Francesco I de' Medici giovinetto che tiene tra le mani un foglio bianco è un olio su tavola di Agnolo di Cosimo, detto il Bronzino. Il dipinto è citato dal Vasari.

## Descrizione

Il granduca di Toscana Francesco I de' Medici (Firenze, 25 marzo 1541– Poggio a Caiano, 19 ottobre 1587), era figlio di Cosimo I de' Medici e della sua prima moglie Eleonora di Toledo.
Di questo piccolo dipinto, presentato dentro una cornice, forse ottocentesca, di legno intagliato e dorato, parla Giorgio Vasari nelle sue Vite, attribuendolo al Bronzino. Entrato nelle collezioni degli Uffizi nel 1863, come ritratto di Ferdinando I de' Medici, fu identificato dalla Becherrucci, nel 1944, come ritratto di Francesco I, che fu il secondo granduca di Toscana. Nella stessa occasione la Becherucci identificò anche il piccolo ritratto di Maria di Cosimo de' Medici, dipinto coevo del Bronzino. Con lettera, scritta da Pisa il 27 gennaio 1551 al maggiordomo del granduca P. F. Riccio, Bronzino dichiarava di aver terminato tre piccoli ritratti dei figli bambini del granduca Cosimo I e di attendere il ritorno della famiglia de' Medici a Livorno, perché allora farà il S.or Don Francesco. Il 31 luglio dello stesso anno Luca Martini, da Pisa, scrisse al Riccio di aver spedito a Firenze due ritratti di Francesco de' Medici, uno dei quali probabilmente è questo. Tre piccoli ritratti dei bambini de' Medici sono ricordati in un elenco del 1553 della Guardaroba granducale.
Il giovanissimo de' Medici è vestito di un severo abito nero di velluto, con ricami in filo d'oro. Il colletto tondo, stretto al collo, lascia appena fuoriuscire i due pizzi della camicia bianca ricamata. Dalle maniche attillate sfugge appena l'orlo della camicia. Il bimbo stringe tra le mani un foglio di carta, piegato in due, forse una lettera, di cui non si leggono le parole. Nessuna concessione alla vitalità dell'infanzia: lo sguardo del bambino, senza traccia di sorriso, si perde in lontananza.

## Esposizioni

* Mostra del Cinquecento toscano, Firenze, 1940.
* Bronzino: pittore e poeta alla corte dei Medici, Firenze, 2010.
# Ritratto di giovane con liuto

Il ritratto di giovane con liuto, olio su tavola, è un'opera giovanile di Agnolo di Cosimo, detto il Bronzino.

## Descrizione

Nell'inventario manoscritto degli Uffizi, redatto nel 1704, questo dipinto è già attribuito al Bronzino e tale attribuzione è stata sempre considerata valida. Non si conosce il nome del personaggio raffigurato. Probabilmente si tratta di uno dei ritratti ai quali Giorgio Vasari ha accennato, scrivendo che sono riferibili alla fase giovanile del Bronzino.
Un disegno preparatorio di questo dipinto si trova nella Collezione Devonshire a Chatsworth House, nel Derbyshire: una volta era attribuito al Pontormo, poi è stato accostato al Ritratto di giovane con liuto del Bronzino che è agli Uffizi.
Una piccola scultura, raffigurante una donna nuda (forse Venere) in atto di immergere il piede sinistro una vasca tonda, è posta sopra un tavolo coperto da un panno verde, accanto al musicista. Sullo sfondo è accennato uno spazio d'interno, con due porte. Il giovane ha in testa un berretto ed è chiuso in un severo ed ampio abito scuro, su cui spicca il piccolo collo bianco della camicia. Non suona lo strumento e il suo sguardo è rivolto fissamente di lato. Una luce intensa cade sulle sue mani, in primo piano. Mani espressive, dalle dita forti e allungateː tipica cifra del Bronzino.
# Cristo risorto (Tiziano)

Il Cristo risorto è un dipinto del pittore Tiziano Vecellio realizzato circa 1511-1512 e conservato nella Galleria degli Uffizi a Firenze.

## Storia e descrizione

Questo dipinto appartiene alle collezioni degli Uffizi dal 18 ottobre 2001.
La Resurrezione di Cristo è un soggetto su cui Tiziano ha lavorato più volte: uno stendardo processionale, da lui realizzato fra il 1542 e il 1544 e conservato a Urbino nella Galleria Nazionale delle Marche - ma disunito nelle sue due parti - portava su un verso la Resurrezione di Cristo.
Il Risorto appare alla Madre è una pala di Tiziano del 1554 che si conserva nella chiesa parrocchiale dell'Assunzione della Vergine, a Medole, unica pala d'altare di Tiziano esistente in Mantova e provincia.
La figura imponente del Cristo è qui costruita con l'apparenza di una scultura classica, contro lo sfondo di un cielo intensamente luminoso. Il largo sudario bianco, annodato sul ventre, copre le spalle del Cristo e termina con una frangia d'oro.
Cristo risorto tiene tra le mani un vessillo con una croce rossa, simbolo della sua Passione. Il paesaggio rimpiccolito segna la distanza fra la presenza maestosa e vittoriosa del Dio e la pochezza, insignificante misura del mondo.
Da questo dipinto fu tratta una incisione, ad opera di Remoldus Eynhoudt, che fu pubblicata nel Theatrum Pictorium, edito nel 1660 dal pittore David Teniers il Giovane. Si trattava di una raccolta di 243 incisioni, di vari autori, tratte da dipinti della collezione dell'arciduca Leopoldo Guglielmo d'Austria - governatore dei Paesi Bassi - che in gran parte oggi si trova al Kunsthistorisches Museum di Vienna.
Il Cristo risorto in quella pubblicazione è tuttavia attribuito a Palma il Vecchio e l'immagine appare rovesciata, rispetto al dipinto originale.

### Esposizioni

* 2001, Acquisizioni e donazioni 1999 - 2000. Archeologia, Arte Orientale, Arte dal Medioevo al Novecento, Architettura, Roma.
# AVE (azienda)

AVE S.p.A. è un'azienda italiana con sede a Rezzato, produttrice di materiale elettrico ed elettronico, attiva nei settori delle serie civili, placche, interruttori di design, scatole da incasso, ventilazione civile ed industriale, antifurto, antincendio e domotica residenziale e alberghiera.

## Storia

Fondata nel 1904 da Lorenzo Bonomi a Vestone, in provincia di Brescia, col nome di Società anonima Vestonese Elettrica. Nel 1930 subentra alla guida dell'azienda il figlio Casimiro che cambia la designazione in Anonima Vestonese Elettrica (A.V.E.).
Gli anni trenta segnano l'arrivo delle materie plastiche: con l'utilizzo della bachelite, resina fenolica termoindurente con caratteristiche isolanti termoelettriche, successivamente, negli anni quaranta, si aggiunge lo stampaggio di resine sintetiche.
Nel 1952 AVE si specializza nel campo degli interruttori, collaborando con il designer Gio Ponti.
Nel 1979 viene aperta la sede commerciale e amministrativa a Rezzato e nel 1984 viene fondata la AVE S.p.A.

## Premi e riconoscimenti

* Nel 1979, l'azienda riceve il premio Compasso d'oro, alla sua undicesima edizione, per l'interruttore modulare a 45 mm della serie Habitat (designer Andries Van Onck con Hiroko Takeda).
* Premio 100 eccellenze italiane come azienda simbolo del Made in Italy (2016)
* Winner of Qualitec design award
* Top selection innovation "Innovation design award"
* Design index
# Giuditta (Palma il Vecchio)

Giuditta è un dipinto di Jacopo Palma, detto Palma il Vecchio che si trova agli Uffizi.

## Storia e descrizione

Il dipinto su tavola dal titolo Giuditta è inserito dentro una cornice barocca di legno intagliato e dorato a foglia, con ricche volute e fogliame. In origine si trovava nel Palazzo ducale di Urbino, nelle collezioni della famiglia Della Rovere (era attribuito a Tiziano e a Palma il Vecchio), dove rimase dal 1526 al 1631, quando entrò nelle collezioni medicee, a seguito del matrimonio di Vittoria della Rovere col granduca di Toscana Ferdinando II de' Medici. Fu depositato a Palazzo Pitti, nella Guardaroba, e nel 1798 fu assegnato agli Uffizi, dove si ipotizzò una attribuzione al Pordenone.
Dal 1940 al 1944 il dipinto subì la sorte di centinaia di opere d'arte degli Uffizi e rimase nascosto nel rifugio della villa medicea di Poggio a Caiano; ma i tedeschi se ne impadronirono e, insieme ad altri dipinti e sculture, lo portarono a Castel Giovo (San Leonardo in Passiria) (Bolzano), con il proposito di trasferirlo in Germania, insieme alle altre opere d'arte sottratte agli Uffizi. Tornò invece a Firenze nel 1945, sostò a Palazzo Pitti (nel Museo degli Argenti) e nel 1951 fu restituito agli Uffizi.
Gli storici dell'arte Giovanni Battista Cavalcaselle e Joseph Archer Crowe hanno suggerito l'attribuzione a Palma il Vecchio, identificando inoltre danni per eccessive ripuliture in alcuni punti del dipinto, soprattutto nella testa decollata di Oloferne.
Gli storici dell'arte György Gombosi e Giovanni Mariacher hanno confermato l'attribuzione del dipinto a Palma il Vecchio, identificando nello stile un'opera della maturità.

### Esposizioni

* 2011 - Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones e il mito dell'Italia nell'Inghilterra vittoriana, Roma.
* 2015 - Palma il Vecchio. Lo sguardo della bellezza, Bergamo.
# Ragazza col volano

Ragazza col volano è un dipinto del pittore francese Jean-Baptiste-Siméon Chardin, conservato a Firenze, presso gli Uffizi.

## Storia e descrizione

Questo dipinto di Chardin arrivò agli Uffizi nel 1951, per acquisto, insieme al suo pendent, il Fanciullo col castello di carte. In origine i due dipinti erano nella collezione Pallavicino, a Rivalta Scrivia. Firmato in basso, al centro, Chardin, questo dipinto è una replica di quello, firmato e datato 1741 e presente nella collezione dei Rotschild di Parigi.
Dal 1737, Chardin cominciò ad esporre pitture di genere al Salon del Louvre. Era solito affermare: «Ci si serve dei colori, ma si dipinge con il sentimento». Nelle sue opere pittoriche - sospese nel silenzio e nell'attesa - era sempre attento al rapporto tra tonalità e colore e alle piccole variazioni degli effetti di luce. Pierre Rosenberg è considerato il maggior suo studioso.
Ai dipinti a soggetto storico, celebrativo e mitologico, egli preferiva scene d'interno, oppure oggetti di uso quotidiano, o gesti di persone comuni, elevati a materia di rappresentazione artistica, in particolare quelli di fanciulli della borghesia francese, che raffigurava in semplici attività di tutti i giorni o nel gioco, come in Bolle di sapone, in Ragazza col volano e in Bambino con la trottola. Nelle sue opere, sempre attento al rapporto tra tono e colore e alla minima variazione degli effetti di luce, l'artista riusciva sempre a trasmettere all'osservatore un'emozione, grazie alla straordinaria penetrazione psicologica e all'armoniosa perfezione tra forma pittorica e sentimento espresso.

## Esposizioni

* Europäische Rokoko, Monaco di Baviera, 1958
* Il ritratto francese da Clouet a Degas, Roma, 1962
* Pittura francese nelle collezioni pubbliche fiorentine, Firenze, 1977
* Chardin: 1699-1779, Parigi, 1979
* Chardin. Il pittore del silenzio, Ferrara-Madrid, 2010-1911
# Jacob More

Jacob More (Edimburgo, 1740 – Roma, 1º ottobre 1793) è stato un pittore scozzese.

## Biografia

Negli anni giovanili Jacob More dipingeva scenari per il New Theatre di Edimburgo. Trasse ispirazione da Alexander Nasmyth, chiamato il padre del paesaggio scozzese, da James Norie, noto per i capricci di paesaggi italiani e olandesi e studiò la pittura paesaggistica di Gaspard Dughet e di Claude Lorrain.
Nel 1771, a Londra, attrasse l'attenzione di Joshua Reynolds, che allora era presidente della Royal Academy. Nel 1773 More si trasferì in Italia, dove passò il resto della vita. Mandava suoi dipinti a Londra e furono esposti alla Royal Academy, nel 1780. Nel 1787 incontrò Goethe, in viaggio in Italia. Nel 1791 risiedeva a Roma e fu incaricato di disegnare a Villa Borghese un giardino in stile inglese. È considerato un precursore della pittura paesaggistica romantica.
Assistette ad una eruzione del Vesuvio e ne trasse l'idea per una serie di dipinti che dovevano esprimere la forza dei quattro elementi: il Vesuvio rappresentava il fuoco. Questa serie di dipinti gli era stata commissionata da Frederick Hervey, IV conte di Bristol e vescovo anglicano di Derry, che riempiva la sua dimora di oggetti d'arte provenienti dall'Italia.
Un Autoritratto di Jacob More, datato 1783 e con un fondale paesaggistico ardito, in cui si distinguono le rocce vulcaniche che sostengono Tivoli, si conserva nella collezione di autoritratti agli Uffizi.

## Dipinti

* Eruzione del Vesuvio: Ultimo giorno di Pompei (1780), National Gallery of Scotland, Edimburgo
* Cascate del Clyde, National Gallery of Scotland, Edimburgo
* Cascate del Clyde, Tate Gallery, London