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# María Moliner

María Moliner (Paniza, 30 marzo 1900 – Madrid, 22 gennaio 1981) è stata un'archivista e bibliotecaria spagnola nota per essere l'autrice del famoso "dizionario Maria Moliner" ("Diccionario de uso del Español", due volumi pubblicati dalla casa editrice Gredos tra il 1966 e il 1967).

## Storia

María Moliner (1900-1981) è stata una bibliotecaria e lessicografa spagnola. A causa dell'abbandono del padre, divenne insegnante privata per contribuire all'economia familiare. Per quindici anni ha scritto da sola il Dizionario dell'uso spagnolo. Negli ultimi anni della sua vita rimase vedova e divenne riservata e malinconica. Nonostante abbia dedicato la sua vita alla creazione di un dizionario, rimase senza parole a causa di una malattia degenerativa. Oggi è riconosciuta come un'ingiustizia storica il fatto che non sia diventata accademica presso la Royal Academy of Language. Le risorse di prima erano poco affidabili e queste sono più ricche.

## prodotti

* ↑ Diccionario De Uso Del Espanol - Moliner Maria | Libro Gredos 11/2007 - HOEPLI.it, su www.hoepli.it. URL consultato il 5 marzo 2023.
# Dies Irae (gruppo musicale)

I Dies Irae sono un gruppo musicale death metal polacco, formatosi ad Olsztyn nel 1992.

## Formazione
### Formazione attuale

* Marcin "Novy" Nowak - voce, basso (ex-Behemoth)
* Maurycy "Mauser" Stefanowicz - chitarra, voce
* Jacek Hiro - chitarra

### Ex componenti

* Krzysztof "Doc" Raczkowski - batteria
* Witold "Vitek" Kiełtyka - batteria
* Jarosław "Czarny" Mielczarek

## Discografia
### Album in studio

* 2000 - Immolated
* 2002 - The Sin War
* 2004 - Sculpture of Stone

### Raccolte

* 2004 - Immolated/The Sin War

### DVD

* 2008 - The Art of an Endless Creation

### Demo

* 1994 - Fear of God
* 1997 - Promo '97
# Cyrano (spettacolo teatrale)

Cyrano è una commedia teatrale scritta da Riccardo Pazzaglia e Domenico Modugno, ispirata al Cyrano de Bergerac di Edmond Rostand, andata in scena nelle stagioni 1978-1979 e 1979-1980.
Le musiche di Modugno sono arrangiate da Nello Ciangherotti, che dirige l'orchestra.
Il maestro d'armi è Enzo Musumeci Greco.

## La storia

La vicenda riprende quella dell'opera di Rostand: viene però introdotta dalla Canzone di Cyrano, interpretata dal solo Modugno, che al termine della canzone si mette il naso posticcio ed inizia a presentare il personaggio.
Cyrano è uno scontroso spadaccino dal lunghissimo naso, scrittore e poeta in bolletta, abile con la spada e con i giochi di parole, con i quali ama mettere in ridicolo i suoi nemici, sempre più numerosi grazie al suo carattere poco incline al compromesso e al suo disprezzo verso potenti e prepotenti.
Innamorato della bella Rossana, sua cugina, quando sta per rivelarsi scopre che lei è innamorata di Cristiano, un giovane cadetto, bello ma non molto intelligente; Cyrano decide allora di allearsi con lui per fargli conquistare proprio il cuore di Rossana, e si improvvisa così "suggeritore" per l'altrui passione, scrivendo lettere e poesie per conto del giovane, ma covando comunque dentro di sé l'amore per la cugina.
Cristiano riesce infine a conquistare la sua amata, ma l'unione tra i due giovani è osteggiata dal potente di turno, De Guiche, invaghitosi della bella. La guerra costituisce dunque una perfetta occasione per allontanare i due innamorati: Cristiano e Cyrano finiranno insieme al fronte, con la loro compagnia di cadetti, ma sfortunatamente Cristiano muore e Rossana decide di ritirarsi in convento.
Solo dopo molti anni, poco prima di morire, Cyrano, seppur involontariamente, confesserà all'amata il suo sentimento, ma quando lei ricambierà sarà ormai troppo tardi.
Lo spettacolo si conclude con Modugno che si rialza e si toglie il naso posticcio, cantando la canzone finale.

## Il cast

* Domenico Modugno: Cyrano
* Catherine Spaak: Rossana (stagione 1978-1979)
* Alida Chelli: Rossana (stagione 1979-1980)
* Paolo Malco: Cristiano
* Renato Mori: De Guiche
* Marcello Mandò: Ragueneau
* Marco Bonetti: Valvert
* Gianfranco Bocca: Montfleury
* Carla Todero: Lisa
* Giorgio Del Bene: Ligniere
* Pietro Valsecchi: Brisaille
* Berto Gavioli: Le Bret
* Graziella Polesinanti: la preziosa
* Elio Marconato: uno spettatore
* Giorgio Biagini, Pino Di Bella, Paolo Di Bella, Roberto Mustafà, Orlando Biglieri, Domenico Albergo, Bartolomeo Di Corato, Igino Massei, Domenico Titubante, Filippo Scuderi, Marcello Stramacci, Mario D'Addezio: i cadetti
* Celia Southern, Isabella Paolucci, Nicole Potier, Tezzy Jemma, Maria Cristina Tamborra, Donatella Galioni, Simonetta Stinco: ballerine

## L'album

Nell'autunno del 1978 la Carosello ha pubblicato il 33 giri Cyrano con le musiche dello spettacolo (numero di catalogo CLN 25081).
# Corrupted

I Corrupted sono una band giapponese doom/sludge metal. Sono noti per la loro idiosincrasia ad interviste e pubblicità. Hanno registrato cinque album, numerosi split album con altri artisti e si esibiscono regolarmente in Giappone e all'estero.

## Stile musicale

Sono stati descritti da JB Roe di Grooveshark come "uno tra i più pesanti e cupi gruppi doom/sludge in circolazione, distintamente cacofonici, che stratificano il feedback polverizzando le progressioni in un rombo distintamente cacofonico". Tuttavia, alcune canzoni presentano lunghe sezioni acustiche, interludi parlati e strumenti non convenzionali. Un esempio in tal senso può essere trovato nel loro album del 2005 El mundo frío, che è una canzone di 72 minuti con ampie sezioni di arpa. Iann Robinson ha scritto su Nonelouder.com: "Proprio quando pensi di poter classificare i Corrupted come una band doom, pubblicano un set acustico lussureggiante all'interno del loro squallido panorama musicale".
Cantano principalmente in spagnolo, con alcune canzoni che contengono sezioni in giapponese o inglese.

## Discografia
### Album in studio

* Paso Inferior (1997, Frigidity Discos)
* Llenandose de gusanos (1999, HG Fact)
* Se hace por los sueños asesinos (2004, HG Fact)
* El mundo frío (2005, HG Fact)
* Garten der Unbewusstheit (2011, Nostalgia Blackrain)

### EP

* Anciano (1995, Japan Overseas)
* El dios queja (1995, Tag Rag)
* Nadie (1995, Third Culture)
* Dios injusto (1999, Frigidity Discos)
* Felicific Algorithim (2018, Cold Spring Records)

### Singoli

* "La victima es tu mismo" (2001, View Beyond Records)
* "Vasana" (2007, HG Fact)
* "An Island Insane" (2007, HG Fact)
* "喪失: Loss" (2015, Crust War)

### Splits

* Con i Grief (1995), HG Fact)
* Con i Black Army Jacket (1997, Frigidity Discos)
* Con i Enemy Soil (1997, HG Fact)
* Con i Noothgrush (1997, Reservoir)
* Con i Scarver's Calling (1999, Gouge Records)
* Con i Phobia (1999, Rhetoric Records / Deaf American Recordings)
* Con i Meat Slave (2000, HG Fact)
* Con i Machetazo (2000, Frigidity Records)
* Con gli Sloth (2000, autoprodotto)
* Con i Discordance Axis and 324 (2001, HG Fact)
* Con i Cripple Bastards (2002, HG Fact)
* Con gli Infaust (2002, Blind Date)

### Apparizioni in raccolte

* Raggle Taggle (1996, Tag Rag)
* Una de gato cuerno de vaca (1996, Tee Pee Records)
* Painkiller vol. 1 (1996, Devastating Soundworks)
* Reality No. 3 (1999, Deep Six Records)
* Homeless Benefit EP (1999, Bad Card Records)
* Twin Threat to Your Sanity (2001, Bad People Records)

## Formazione

* Chew Hasegawa — batteria
* Mark Yokota — chitarra
* Ippei Suda — basso
* Mother Sii — voce

### Membri passati

* Yasushi Yoshida — voce (live)
* Takaho — voce (live)
* Kawabata — voce (live)
* Rie lambdoll — voce (live)
* Hevi — voce, basso
* Talbot — chitarra
* Anri — arpa su El mundo frio
* Takehito Miyagi — tastiera (studio)
* Shibata — basso
* Jose — basso
* Lowell Isles — basso
* Katsumi Hiryu — basso
* Monger — basso
# Going for the One

Going for the One è l'ottavo album in studio del gruppo progressive inglese Yes.

## Storia

Prodotto per la prima volta dal solo gruppo, fu pubblicato nel 1977, dopo la lunga pausa dovuta ai lavori solisti realizzati da ciascuno dei membri (vedi Olias of Sunhillow, Fish Out of Water, Ramshackled, The Story of I e Beginnings).
L'album vide il ritorno alla tastiere di Rick Wakeman, che nel 1974 aveva abbandonato lasciando il proprio posto a Patrick Moraz.
L'album fu realizzato in Svizzera, a Vevey. Rispetto alle opere precedenti, è caratterizzato da una relativa semplificazione della struttura dei brani, che in Going for the One rientrano quasi tutti nei canoni della "canzone" rock (con l'eccezione della suite Awaken). Anche il rientro di Wakeman nel gruppo coincide con un netto cambiamento nella scelta dello stile e dei suoni delle tastiere; ai minimoog e ai mellotron di un tempo si sostituiscono pianoforte e organo (Wakeman registrò la parte di organo presente nella sezione finale del brano Awaken e in Parallels, suonando lo strumento presente nella chiesa riformata di San Martino, a Vevey, Svizzera).

## Copertina

Dopo molti album illustrati da Roger Dean, gli Yes commissionarono la copertina alla Hipgnosis, lo studio grafico noto, tra l'altro, per aver concepito la celebre copertina di The Dark Side of the Moon dei Pink Floyd. Hipgnosis realizzò una cover decisamente fuori dalla tradizione degli Yes, incentrata sulle geometrie delle Century Plaza Towers, ma mantenne il logo classico progettato da Dean.
Fu inclusa nella lista delle "The 50 Worst Album Covers of All Time" della rivista Rolling Stone.

## Accoglienza

Il ritorno degli Yes, all'apice del movimento punk, ebbe un inatteso successo, e l'album One raggiunse la prima posizione nel Regno Unito e l'ottava negli Stati Uniti. Il singolo Wonderous Stories entrò nelle top ten. L'abbandono di alcuni dei canoni classici del sound del gruppo non diede fastidio neppure ai fan di lunga data: Going for the One viene tuttora considerato da molti come l'ultimo album dell'"era classica" degli Yes.
Il cantante Jon Anderson ha spesso dichiarato di considerare Awaken, primo pezzo Yes dai toni decisamente new Age (il titolo allude al "risveglio" in senso mistico/buddhista), il miglior brano di tutta la discografia degli Yes.

## Tracce
### Lato A

* Going for the One – 5:32 (Jon Anderson)
* Turn of the Century – 7:56 (Anderson, Steve Howe, Alan White)
* Parallels – 5:53 (Chris Squire)

### Lato B

* Wonderous Stories – 3:49 (Anderson)
* Awaken – 15:31 (Anderson, Howe)

## Formazione

* Jon Anderson: voce, percussioni
* Chris Squire: basso, seconde voci
* Steve Howe: chitarre elettriche e acustiche, vachalia, seconde voci
* Rick Wakeman: piano, organo, moog, sintetizzatori
* Alan White: batteria, percussioni
# Fontana luminosa di Italia '61 (Torino)

La fontana luminosa o più propriamente fontana a terrazze o fontana monumentale di Italia '61 è una fontana munita di illuminazione notturna delle vasche e dei getti d'acqua costruita in occasione dell'Expo 1961 di Torino. Si trova nel quartiere di Nizza-Millefonti a monte del corso Unità d'Italia e in asse col corso Caduti sul lavoro.

## Storia

La fontana fu progettata nel 1960 dagli architetti Giuseppe Varaldo, Maria Carla Lenti, Giovanna Maria Zuccotti e Gian Pio Zuccotti.
Il manufatto consiste in una serie di vasche terrazzate sovrapposte e rivestite a mosaico, con numerosi getti e cascate d'acqua, che digradano verso corso Unità d'Italia sfruttando la pendenza naturale del terreno.
Con le sue ragguardevoli dimensioni di 95 metri di lunghezza per 12 di larghezza fu tra gli elementi decorativi più ammirati di Italia '61. L'impianto d'illuminazione nascosto, che ne rendeva particolarmente suggestiva la visione nelle ore notturne, fece quasi subito dimenticare i nomi ufficiali di fontana a terrazze o monumentale a favore del nome popolare fontana luminosa con cui è meglio nota, nonostante ciò generasse ambiguità rispetto alla preesistente fontana luminosa del Valentino (peraltro facente parte a sua volta delle attrazioni di Italia '61).
I progetti dell'expo 1961 di Torino prevedevano almeno una sommaria programmazione di riutilizzo delle opere costruite, la quale fu però molto vaga sin dal principio, e in seguito largamente disattesa. Anche la fontana, rimasta priva di manutenzione, cadde presto in stato d'abbandono e venne disattivata. Negli anni '80 le condizioni di degrado erano divenute tali che il comune decise di interrarla e trasformarla in fioriera.
In vista delle Olimpiadi invernali di Torino del 2006 la fontana tornò agli antichi splendori con una complessa opera di svuotamento, di restauro radicale e di riattivazione.
Nel 2021 è stata nuovamente spenta a causa di un guasto elettrico, e versa attualmente in preoccupanti condizioni di degrado.
# Monumento funebre di Giovanni Battista Sommariva

Il monumento funebre di Giovanni Battista Sommariva è un'opera realizzata fra il 1827 e il 1829 dallo scultore Pompeo Marchesi per accogliervi le spoglie del conte Giovanni Battista Sommariva, morto a Milano nel 1826 e che aveva ricoperto la carica di presidente del governo provvisorio della Repubblica Cisalpina napoleonica. Si trova nell'oratorio Sommariva, antica pertinenza di Villa Sommariva (oggi Villa Carlotta), a Tremezzo.

## Ubicazione

Il monumento si trova all'interno dell'oratorio Sommariva, all'epoca cappella intitolata a San Francesco Saverio e annessa alla villa settecentesca, acquistata dal conte nel 1801 dalla famiglia dei Clerici. Alla morte del conte nel 1826 la villa passò al figlio Luigi; nel 1843, alla morte di Luigi, anch'egli qui sepolto, la moglie Emilia Selliére cedette l'intera proprietà a Marianna di Orange-Nassau con eccezione della cappella che da quella data ebbe vicende artistiche indipendenti da quelle del resto della proprietà. Nel 1850 l'oratorio fu benedetto dal sacerdote di Tremezzo e ne fu mutata dedicazione alla Madonna Addolorata.

## Descrizione

Il monumento fu commissionato dallo stesso Sommariva al Marchesi che lo concepì in stile neoclassico, in voga in quei tempi, e si trova addossato alla parete di destra dell'oratorio. È composto di una lastra rettangolare all'interno della quale si trova un altorilievo in marmo bianco rappresentante quattro figure in vesti romane classiche: a sinistra il dio del Sonno coronato di papaveri, simbolo del riposo tranquillo, conduce il defunto verso l'eterna quiete. Segue, a destra, la figura del Sommariva che, mano nella mano e braccio sotto braccio con il Sonno, si avvia verso i luoghi della morte con placida letizia voltandosi verso il figlio Luigi a cui ha consegnato un rotolo di fogli contenenti le sue ultime volontà; al figlio raccomanda di avere in cura le Arti, gioia della vita mortale del padre. A destra la figura del figlio Luigi che rassicura il padre che il suo desiderio verrà adempiuto e gli indica la Scultura, ultima figura a destra, che raccoglie lo scalpello fatto cadere alla notizia della morte del Sommariva, suo protettore.
Sotto alle quattro figure, nella cornice della composizione, il genio della Morte spegne con il soffio la lampada della vita del defunto e con una mano chiude un'urna, in segno di protezione verso la sua famiglia. Al di sotto, sul basamento, un grande festone allegorico è dello scultore Leone Buzzi di Viggiù. Sotto al festone è scolpita un'epigrafe elogiativa articolata in sei righe che descrive i meriti del defunto e ne esalta il ruolo di raffinato mecenate.
Prima di essere collocato nell'oratorio di Villa Carlotta il monumento rimase esposto presso l'Accademia di Brera, di cui Marchesi era professore di scultura, per l'annuale distribuzione dei premi che si tenne il 19 settembre 1829. Un bozzetto in gesso del monumento, visibilmente differente da quanto poi realizzato, è custodito presso la Galleria d'Arte Moderna di Milano che lo acquisì nel 1861 attraverso il legato Marchesi-Fogliani.
# Busto di Thomas Baker

Il busto di Thomas Baker è un'opera scultorea in marmo, realizzata da Gian Lorenzo Bernini, sebbene il lavoro sia stato svolto in gran parte da un aiuto di Bernini, Andrea Bolgi detto il Carrarino. Attualmente è conservato al Victoria and Albert Museum di Londra, che acquistò l'opera nel 1921 per 1480 ghinee.
Thomas Baker (1606-1658) fu alto sceriffo di Suffolk nel 1657, molto vicino alla corte di Carlo I. Potrebbe essere stato indirettamente responsabile della creazione di un altro busto del Bernini, portando con sé a Roma il triplo ritratto di Carlo I: quest'ultimo, infatti, fu utilizzato da Bernini come punto di riferimento per la creazione del suo busto di Carlo, in seguito distrutto.
# Madonna di Lucca

La Madonna di Lucca è un dipinto olio su tavola (49,5x65,5 cm) di Jan van Eyck, databile al 1433-1436 circa e conservato presso lo Städelsches Kunstinstitut di Francoforte sul Meno.

## Storia

L'opera è chiamata convenzionalmente Madonna di Lucca poiché fece parte della collezione di Carlo Ludovico di Borbone, duca di Parma e Lucca all'inizio del XIX secolo. Viene generalmente considerato uno degli ultimi lavori di van Eyck prima della prematura scomparsa.
Esistono varie opere simili, tra cui la più vicina è la Madonna col Bambino (Madonna di Ince Hall) conservata alla National Gallery of Victoria di Melbourne, ritenuta però replica d'originale perduto.

## Descrizione

L'opera, una Madonna col bambino, presenta un'iconografia inconsueta, fondendo una Madonna del Latte con la Maestà (cioè la Madonna in trono). Il trono è decorato da intagli leonini, resi con magistrali effetti di luce, (che entra filtrata da una vetrata a rulli), che richiamano ai trono di Salomone (Primo Libro dei Re 10:18-20 e Cronache 9:17-19). La stanza è piccola, soprattutto in rapporto al trono, e si tratta di un effetto voluto che accresce l'atmosfera di intimità familiare della rappresentazione.
Vari oggetti arricchiscono la composizione e hanno vari significati: dalla descrizione di un interno ricco (il tappeto turco, il parato del trono) alla specificazioni di simboli. In questo senso l'acqua e il vetro sono simbolo della purezza "senza macchia" di Maria, mentre le due arance sul davanzale sono un richiamo al frutto proibito del Peccato originale, spesso indicate al posto della mela nei paesi nordici.
Vero protagonista della composizione è l'ampio mantello rosso di Maria, che riempie tutta la parte inferiore del dipinto, disegnando delle pesanti increspature che nascondono il corpo della Vergine. Il virtuoso panneggio abbondante e frastagliato, senza schematismi, è una delle caratteristiche tipiche di molte opere di van Eyck, e la sua sovrabbondanza dà quasi la sensazione di avanzare verso lo spettatore, avvicinando così l'icona sacra.

## Stile

La Madonna col Bambino in un interno, della quale esistono altre versioni di van Eyck e di seguaci, dava l'opportunità di sperimentare acuti effetti di luce, che varia a seconda delle superfici che incontra: viene assorbita dai paramenti, è opaca sul legno, translucida sull'acqua e sul vetro, forte sugli incarnati dei protagonisti, che emergono con forza dalla penombra. Alcuni effetti sembrano anticipare la sofisticata pittura d'interni di Vermeer, come i frutti sul davanzale.
Il morbido tappeto ai piedi della Vergine dà a van Eyck la possibilità di dimostrare le sue capacità in termini di definizione spaziale tramite l'applicazione della prospettiva. Lo spazio dei fiamminghi non è però organizzato come negli italiani, poiché la linea dell'orizzonte è più alta e la definizione delle pareti è di solito incompleta, non mostra cioè tutti gli elementi: l'effetto che ne deriva è quello di uno spazio più avvolgente, che include lo spettatore nella raffigurazione.
# Storie della Vergine (Filippo Lippi)

Le Storie della Vergine sono un ciclo di affreschi di Filippo Lippi, datati dal 1466 al 1469 e conservati nella tribuna della cattedrale di Santa Maria Assunta a Spoleto.

## Storia

Gli affreschi vennero commissionati nel 1466, quando il Lippi aveva appena terminato le Storie di santo Stefano e san Giovanni Battista nel Duomo di Prato e vennero bruscamente interrotti dalla morte dell'artista nel 1469, per venire poi conclusi, in circa tre mesi, dalla bottega del maestro. Secondo il Vasari la morte dell'artista, a 63 anni, fu causata dalla somministrazione di veleno per la sua abitudine di infastidire le fanciulle, che già era stata motivo di grande scandalo a Prato.
Il Lippi venne sepolto nella cattedrale spoletina e lì rimase, nonostante le richieste di Lorenzo il Magnifico di riaverlo a Firenze, poiché i cittadini umbri si lamentarono di non avere, a differenza delle basiliche fiorentine, ancora uomini illustri sepolti nella loro grande, nuova cattedrale.

## Descrizione e stile

Il Lippi pensò, per il coro del Duomo di Spoleto, di includere l'architettura reale nella decorazione pittorica, creando sulla parete nella quale si apre l'abside un grande arco di trionfo concluso in alto da una grande trabeazione dipinta. Nella curva del tamburo absidale, simulò un'esedra marmorea costituita da un basamento a lastre alternate di porfido e serpentino su cui poggiano quattro pilastri che sostengono la trabeazione in cui è inglobata la cornice in pietra dell'edificio romanico, completata pittoricamente da un fregio a palmette e da un architrave a lacunari. Tutti questi accorgimenti consentirono al Lippi di esaltare la potenzialità dell'ampio volume dell'abside romanica producendo una visione unitaria delle scene.
Il ciclo rappresenta, da sinistra a destra, le vicende della Vergine, ovvero:
* l'Annunciazione,
* la Morte della Vergine (Dormitio Virginis), al centro
* la Natività,
* l'Incoronazione della Vergine, dipinta in alto sulla semicupola absidale.
La centralità della morte della Vergine, che rompe la progressione logica delle scene, è da attribuire a una specifica richiesta della committenza, proprio per enfatizzare il culto della Assunta nella sua Cattedrale.

## Altre immagini

* Annunciazione
* Dormitio Virginis
* Natività
# Il fantoccio

Il fantoccio (El pelele) è un dipinto a olio su tela (267x160 cm) del pittore spagnolo Francisco Goya, realizzato nel 1792 e conservato al museo del Prado di Madrid.

## Descrizione

L'opera, destinata al despacho (ufficio) del re Carlo IV, venne commissionata a Goya dal medesimo sovrano l'11 febbraio 1789, il quale avrebbe poi specificato il 20 aprile 1790 che i temi dei propri arazzi dovevano essere «campestres y alegres». Questa prepotente ed improvvisa committenza è ben esemplificativa di come il nuovo regnante era ben lungi dallo stabilire con Goya un affiatamento simile a quello che lo stesso pittore aveva raggiunto con Carlo III, il quale qualche anno prima gli aveva commissionato la preparazione di alcuni arazzi per la camera da letto degli infanti del Pardo. Goya, d'altronde, avrebbe procrastinato la nuova committenza sino al maggio 1791, mese in cui iniziò effettivamente a dedicarsi alla stesura del Fantoccio, per poi concluderla l'anno successivo.
Il fantoccio raffigura quattro ragazze che si stanno svagando in campagna, mantenendo un lenzuolo per i suoi lembi e facendo balzare ripetutamente un pupazzo di stoffa: si trattava, effettivamente, di un passatempo desunto dalla tradizione carnevalesca spagnola e assai diffuso nell'aristocrazia del tempo. L'opera, probabilmente tratta da un'incisione del romanzo seicentesco Vida y bechos del pícaro Guzmán de Alfarache, potrebbe alludere satiricamente alla Fortuna, o forse nascondere un'allegoria delle donne che si burlavano degli uomini trattandoli alla stregua di fantocci; quest'ultima lettura allegorica è avallata dalla presenza di numerosi Capricci che denunciano apertamente questo tema, raffigurando giovani fanciulle che, istigate da sedicenti mezzane, spennano dei polli con il volto da uomo.
Malgrado l'apparente aspetto di levità aggraziata, inoltre, Il fantoccio lascia apertamente affiorare quel cinismo che poi esploderà nelle agghiaccianti ed estreme soluzioni della maturità di Goya. Il volto inespressivo e disossato del pupazzo, infatti, assilla l'osservatore con un intenso senso di insicurezza, inquietudine, ben distante dalla briosa contentezza che invece trasmette alle quattro fanciulle ridenti («fresche streghe», osserva Jean Starobinski).