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# Montereina

Montereina est un genre de mollusques nudibranches de la famille des Discodorididae.
Ce genre n'est plus accepté et remplacé par le genre Peltodoris Bergh, 1880.

## Liste des espèces

Selon World Register of Marine Species (25 octobre 2015) :
* Montereina achroma (Valdés, 2001)
* Montereina aliciae Dayrat, 2010
* Montereina aurea (Eliot, 1903)
* Montereina aurila (Marcus & Marcus, 1967)
* Montereina coerulescens (Bergh, 1888)
* Montereina concinna (Alder & Hancock, 1864)
* Montereina crucis (Ørsted in Mörch, 1863)
* Montereina erubescens (Bergh, 1884)
* Montereina flindersi (Burn, 1962)
* Montereina golaia (Marcus & Marcus, 1966)
* Montereina igla (Marcus & Marcus, 1967)
* Montereina labifera (Abraham, 1877)
* Montereina lancei (Millen & Bertsch, 2000)
* Montereina lentiginosa (Millen, 1982)
* Montereina lippa (Valdés, 2001)
* Montereina modesta (Bergh, 1877)
* Montereina muta (Bergh, 1877)
* Montereina nobilis MacFarland, 1905
* Montereina notha (Bergh, 1877)
* Montereina opisthidia (Bergh, 1877)
* Montereina pallida (Baba, 1937)
* Montereina pardalis (Alder & Hancock, 1864)
* Montereina paroa (Burn, 1969)
* Montereina phoca (Ev. Marcus & Er. Marcus, 1967)
* Montereina punctifera (Abraham, 1877)
* Montereina rubra (Bergh, 1905)
* Montereina coerulescens.
* Montereina nobilis.

## Références taxinomiques

Sur les autres projets Wikimedia :
* Montereina, sur Wikimedia Commons
* Montereina, sur Wikispecies
* (en) Référence WoRMS : Montereina MacFarland, 1905 [non valide] (+ liste espèces) (consulté le 6 août 2024)
* (en) Référence WoRMS : Peltodoris Bergh, 1880 (+ liste espèces) (consulté le 6 août 2024)
* (en) Référence Catalogue of Life : Peltodoris Bergh, 1880 (consulté le 6 août 2024)
# Rapt (homonymie)

Sur les autres projets Wikimedia :
Le mot rapt désigne l'enlèvement d'une personne.

## Mythologie

* Rapt de Perséphone, le rapt de Perséphone par le Dieu Hadès dans la mythologie grecque.

## Bandes dessinées

* Rapt au cirque Spirou, première histoire de la série Le Cirque Spirou de Paul Dubar et Crill (1959) ;
* Rapt sur le France, sixième histoire de la série Ric Hochet d'André-Paul Duchâteau et Tibet (1966) ;
* Rapt, neuvième histoire de la série Jess Long d'Arthur Piroton et Maurice Tillieux (1973) ;
* Rapt, dix-septième histoire de la série Les Jungles perdues de Mazel et Raoul Cauvin (1982) ;
* Rapt en sous-sol est la quarante-cinquième histoire de la série Les Petits Hommes de Pierre Seron et Mittéï (1985) ;

## Musique

* Le Rapt, titre extrait de l'album de Jean-Jacques Goldman, intitulé Jean-Jacques Goldman, plus connu sous le nom de Démodé, sorti le 4 septembre 1981.

## Littérature

* Rapt, roman de Lionel White (1955).
* Le Rapt de Ganymède, essai de Dominique Fernandez (1989).

## Peinture

* Le Rapt d'Europe, peinture à l'huile réalisée par le Titien en 1562

## Cinéma

* Le Rapt, film français muet de Louis Feuillade sorti en 1908 ;
* Le Rapt, film muet français d'André Hugon sorti en 1914 ;
* Le Rapt d'Hélène, film muet belge d'André Jacquemin sorti en 1925 ;
* Rapt, film franco-suisse de Dimitri Kirsanoff sorti en 1934 ;
* Rapt (Hunted), film britannique de Charles Crichton sorti en 1952 ;
* Rapt à Venise (La mano dello straniero), film britanno-italien de Mario Soldati sorti en 1954 ;
* Rapt au Deuxième Bureau, film français de Jean Stelli sorti en 1958 ;
* Le Rapt des Sabines (El rapto de las Sabinas), film mexicain d'Alberto Gout sorti en 1962 ;
* Rapt (Presa dalla vita), un sketch du film à sketches italien Les Monstres sorti en 1963 ;
* Rapt à Damas (Delitto quasi perfetto), film italien de Mario Camerini sorti en 1966 ;
* Rapt à l'italienne (Mordi e fuggi), film italien de Dino Risi sorti en 1973 ;
* Rapt, film franco-belge de Lucas Belvaux sorti en 2009.

## Sigle

* Sigles de 2 caractères
* Sigles de 3 caractères
* ► Sigles de 4 caractères
* Sigles de 5 caractères
* Sigles de 6 caractères
* Sigles de 7 caractères
* Sigles de 8 caractères
Le sigle RAPT peut désigner :
* le 388e régiment d'artillerie de position de Tunisie (388e RAPT), une unité militaire française.
# Don Manuel Osorio Manrique de Zúñiga, enfant

Don Manuel Osorio Manrique de Zuniga, enfant est un tableau de Francisco de Goya conservé au Metropolitan Museum of Art à New York (États-Unis). Il s'agit d'un portrait à l'huile qui mesure 110 cm de haut par 80 cm de large.
C'est le portrait du plus jeune fils d'Isabel Vicente Osorio de Moscoso, comte d'Altamira et directeur de la Banque de Saint-Charles, institution précédant l'actuelle Banque d'Espagne. Il embaucha Goya, alors portraitiste à la cour de Charles III, pour faire des portraits de toute la famille. Le plus connu est celui de son fils.

## Analyse

Goya le représente comme une marionnette plutôt que comme un enfant. Il est rigide, immobile. Le geste est grave, l'expression impénétrable. Il porte des vêtements riches selon la mode du moment : un costume de couleur rouge vif avec une ceinture or. La partie supérieure du tableau est illuminée.
Dans la partie inférieure, se trouvent des animaux, chacun ayant une symbolique propre. Une pie tenue en laisse par l'enfant tient dans son bec un papier où est inscrit le nom de l'artiste (c'est sa carte de visite). Cet animal est le symbole de la curiosité. Toutefois, pour le christianisme les oiseaux symbolisent l'âme, c'est alors un symbole de l'innocence de l'oiseau et de l'enfant. On voit également trois chats qui observent la pie, et symboliseraient le monde des instincts. Goya considérait les chats comme des animaux de compagnie diaboliques, comme on le voit dans Los Caprichos. La malice contraste avec l'innocence de l'enfant. D'autres oiseaux sont gardés dans une cage sur le côté droit du tableau, symbolisant l'enfermement. En bas de l'image on peut lire le nom et la date de naissance du modèle.
# Gō Jibiki

Gō Jibiki (地曵豪, Jibiki Gō), né le 7 mai 1976 à Tokyo, est un acteur japonais.

## Biographie

Né à Tokyo le 7 mai 1976, il vécut 4 ans à Singapour, 3 ans aux États-Unis et termina ses études à l'université Gakushuin.
Ses loisirs sont de discuter en anglais, l'iaidō et l'équitation.
Il a été entraîné au laijitsu par le maître Tetsuzan Kuroda pendant environ 15 ans.

## Filmographie sélective

* 1998 : Histoire d'avril (四月物語, Shigatsu monogatari) de Shunji Iwai
* 2002 : Face à son destin (突入せよ! あさま山荘事件, Totsunyū seyo! Asama sansō jiken) de Masato Harada
* 2004 : Godzilla: Final Wars (ゴジラ ファイナルウォーズ, Gojira: Fainaru wōzu) de Ryūhei Kitamura
* 2007 : United Red Army (実録・連合赤軍 あさま山荘への道程, Jitsuroku rengō sekigun: Asama sansō e no michi) de Kōji Wakamatsu : Tsuneo Mori
* 2008 : Inju : la Bête dans l'ombre de Barbet Schroeder : journaliste
* 2010 : Le Soldat dieu (キャタピラー, Kyatapirā) de Kōji Wakamatsu : officier militaire #1
* 2012 : Kaien hoteru · burū (海燕ホテル・ブルー) de Kōji Wakamatsu
* 2012 : 25 novembre 1970 : le jour où Mishima choisit son destin (11・25自決の日 三島由紀夫と若者たち, 11.25 Jiketsu no hi: Mishima Yukio to wakamonotachi) de Kōji Wakamatsu :
* 2013 : Tobidase Shinsengumi! (とびだせ新選組！) de Shō Nobushi (ja)
* 2013 : Unforgiven (許されざる者, Yurusarezaru mono) de Lee Sang-il : Hirata
* 2015 : Five to Nine
* 2016 : A Bride for Rip Van Winkle (リップヴァンウィンクルの花嫁, Rippu Van Winkuru no hanayome) de Shunji Iwai : Tetsuya
* 2018 : Utopia (ユートピア, Yūtopia) de Shunta Itō
* 2018 : Tomerareruka, oretachi o (止められるか、俺たちを) de Kazuya Shiraishi
* 2018 : The Outsider de Martin Zandvliet
# Sir Endymion Porter et Antoine van Dyck

Sir Endymion Porter et Antoine van Dyck est un autoportrait du peintre flamand Antoine van Dyck, qui se représente lui-même avec son protecteur, sir Endymion Porter (en). Peinte en 1635, il s'agit d'une peinture à l'huile sur toile, de format ovale, de 119 × 127 cm. Le tableau est actuellement exposée au Museo del Prado de Madrid en Espagne.

## Analyse

C'est le seul autoportrait de van Dyck dans lequel l'artiste est représenté avec une autre personne. Cela montre à quel point est forte la relation avec Endymion Porter qu'il a rencontré en 1620 lors de son premier voyage à Londres. Porter est un collaborateur du roi et contribue au nom du souverain à l'acquisition de toiles de grands peintres : Il est chargé par Charles Ier de conclure l'acquisition de la vaste collection d'art du duc de Mantoue. Le même Porter est un riche et passionné collectionneur d’œuvres d'art. En plus d'être un ami de van Dyck, il connaît bien Rubens et Orazio Gentileschi. Lorsque van Dyck exécute ce tableau, il a environ 35 ans et Porter 47.
Ce double portrait appartenait à Endymion Porter. Après être passé dans d'autres collections, il arrive des collections royales au musée du Prado auquel il est incorporé par acquisition de la reine Élisabeth Farnèse, en la possession de laquelle il est documenté en 1745.
En plus de sa rareté dans la représentation d'un peintre en compagnie de son commanditaire, cette peinture est remarquable dans la façon unique par laquelle l'artiste et Sir Porter semblent traités comme des égaux. Seule la position centrale du noble dénote une certaine supériorité, comme le montre van Dyck avec beaucoup d'élégance dans leurs vêtements et leur attitude. En dehors de l'amitié et de la proximité qui lient les deux personnages, elle indique le statut social élevé atteint par de nombreux peintres de renom pendant la période du baroque.
# Affaire Thalamas

L’affaire Thalamas est une polémique dans l'enseignement français naissant en 1904 autour des cours du professeur Amédée Thalamas portant sur Jeanne d'Arc.
Lorsque les Camelots du roi, militants d'extrême droite de l’Action française, décident de s'opposer à ce cours à la Sorbonne en 1908, la polémique gagne considérablement en ampleur. Pendant trois mois, les cours en question sont interrompus, de nombreuses manifestations se tiennent dans le Quartier latin et les émeutes étudiantes aboutissent à une occupation du ministère de la Justice.

## Prémices au lycée Condorcet

L'affaire Thalamas démarre en novembre 1904. À la suite d'un cours du professeur sur Jeanne d’Arc à une classe de seconde au lycée Condorcet, dans lequel il affirmait que l'héroïne avait été en proie à des hallucinations auditives (et remettait en cause le caractère sacré de la figure), le député nationaliste de Paris Georges Berry dénonce un outrage à sa mémoire.
Ce cours faisait suite à la publication de son livre intitulé Jeanne d’Arc, l’histoire et la légende qui exposait d'une manière jugée « positiviste » la vie de la Pucelle d'Orléans.
L'intervention du député donne lieu à des polémiques dans la presse, à des manifestations, à un débat à la chambre des députés, puis au duel entre Paul Déroulède et Jean Jaurès en décembre 1904. Dans ce contexte, une enquête est ouverte par le ministre de l'Instruction publique, Joseph Chaumié. Celle-ci mène à un blâme du professeur, pour avoir manqué de tact et de mesure. Le professeur est alors déplacé du lycée Condorcet au lycée Charlemagne.

## Affaire Thalamas à la Sorbonne

Quatre ans plus tard, l'affaire se relance lorsque Thalamas est nommé à la Sorbonne. Thalamas ne possédant pas de titre de docteur ès lettres, le Conseil des professeurs de la Faculté de Lettres, présidé par le doyen, Alfred Croiset, l'avait autorisé en novembre 1908 à l'ouverture d'un cours libre, hebdomadaire, sur la Pédagogie de l’Histoire pour l'hiver 1908-1909. Ce cours était scindé en douze petits cours.
Les Camelots du roi dirigés par Maxime Real del Sarte décident dès lors d’interrompre chaque mercredi le cours, parfois avec violence, jusqu'à l'administration d'une fessée publique à Thalamas par Lucien Lacour et d'autres Camelots du Roi.
# Autoportrait nu (Dürer)

L' Autoportrait nu ou simplement Étude de nu est un dessin d'Albrecht Dürer, réalisé entre 1500 et 1512.

## Description

Le dessin montre Albrecht Dürer dévêtu. Il s'agit d'un portrait à mi-jambe ; le bras droit, à partir du coude ainsi que le bras gauche ne sont pas représentés. L'arrière plan est sombre. Le sujet regarde directement le spectateur. Dans le coin supérieur gauche, la signature de Dürer est indiquée mais elle est postérieure. Dans le coin inférieur gauche, un tampon identifie le dessin comme partie de la Collection Grünling.

## Création

La date de réalisation du dessin n'est pas connue et la datation est difficile. On peut juste certifier que le dessin a été réalisé entre 1500 et 1512, période pendant laquelle Dürer a utilisé assez souvent une telle technique. Selon l'historien de l'art Friedrich Winkler, Dürer a ici plus de 29 ans et moins de 41 et la plus forte probabilité est qu'il soit âgé d'environ 35 ans.
# Autoportrait à soixante-neuf ans

Autoportrait à soixante-neuf ans (en italien, Autoritratto a sessantanove anni) est une peinture à l'huile sur toile (105 × 97 cm) du peintre italien Giovanni Boldini. Datée de 1911, elle est conservée au musée Giovanni Boldini à Ferrare.

## Description

Boldini se représente dans son atelier parisien du boulevard Berthier. Sa silhouette corpulente se détache sur un arrière-plan indistinct, tracé à coups de pinceau énergiques et sommaires. Assis sur une chaise Louis XVI, composante de la décoration de sa maison-atelier où il a souvent fait poser ses modèles, il semble se retourner à l'arrivée inopinée d'un visiteur et adresser à celui-ci un regard scrutateur filtré par son pince-nez, dans une attitude fière et méprisante.

## Analyse

Le peintre se décrit sans indulgence excessive. La gamme chromatique, composée d'une symphonie de tonalités brunes, rehausse son visage replet et rosé, sa grosse tête chauve et ses mains nerveuses. Son attitude rappelle l'un des deux autoportraits au pastel que Jean Siméon Chardin avait exposé de manière provocatrice au Salon de 1771 : Boldini, comme lui, y offre l'image d'un peintre sûr de lui, conscient de sa fonction, qui domine encore la scène artistique parisienne et internationale.
L'œuvre appartient à la phase de maturité de la carrière de l'artiste. Sur un fond indéfini, Boldini se représente nonchalamment et avec son bras droit appuyé sur le dossier de la chaise, en train de se retourner comme s'il avait été rappelé par un invité de passage dans l'atelier. Simple mais extrêmement efficace, sans détails qui parlent de son métier de peintre, cette effigie restitue pleinement le caractère fier et perspicace des portraits de Boldini qui nous scrutent sagement à travers les verres de leurs lunettes. La palette sombre et presque austère de la composition, jouée sur une gamme raffinée de noirs et de bruns d'où émerge le visage du maître, intense, trahit l'admiration toujours vive pour la grande peinture espagnole et hollandaise du XVIIe siècle que Boldini admire et a étudié.
# Autoportrait au chevalet (Caillebotte)

Autoportrait au chevalet, appelé aussi Portrait de l'artiste au chevalet, est un tableau autoportrait de Gustave Caillebotte réalisé entre 1879 et 1880. Cette peinture à l'huile sur toile est conservée par un collectionneur anonyme.

## Histoire

Cet autoportrait fut réalisé dans l'atelier de l'appartement du 31 boulevard Haussmann de Gustave Caillebotte, où celui-ci venait d'emménager et où il entreposait de nombreux tableaux. Gustave Caillebotte, qui fut un véritable mécène et collectionneur d’œuvres impressionnistes, a tout au long de sa vie porté un véritable intérêt à ses amis impressionnistes. Il n'hésita pas à les soutenir en achetant leurs toiles. Il acheta ses premières toiles à la vente des impressionnistes du 24 mars 1875 à l'hôtel Drouot. Sa première toile connue achetée de Claude Monet est une œuvre de 1875 intitulée Un coin d'appartement. Elle fut achetée en février 1876.
On retrouve en arrière-plan de cet autoportrait le Bal du moulin de la Galette de Renoir entreposé par Caillebotte dans son atelier. Le peintre garda l’œuvre de Renoir tout au long de sa vie pour finalement la léguer à l'État français à sa mort en 1894. Le Bal du moulin de la Galette présent en arrière-plan de cette peinture fut donc une des soixante-sept œuvres léguées par Gustave Caillebotte à l'État. D'autres tableaux accrochés au mur rappellent que Caillebotte aidait ses amis impressionnistes à survivre en achetant leurs œuvres.
Ainsi, Gustave Caillebotte apparaît dans cette œuvre non seulement comme un peintre, mais aussi comme un amateur d'art. Cette toile est présentée à l'exposition des impressionnistes de 1879.

## L’œuvre

Dans cette peinture, Gustave Caillebotte se représente à travers un miroir qui réfléchit son image et celle du Bal du moulin de la Galette présent derrière lui. Son portrait, tout comme la peinture derrière lui, se trouve donc inversé du fait de l'utilisation du miroir. La jeune fille accoudée du Moulin de la Galette est tournée non plus vers la droite mais vers la gauche. Il a aussi représenté son meilleur ami d'enfance Richard Gallo (présent dans au moins sept tableaux de Caillebotte) en train de lire sur le sofa, les jambes repliées. D'après l'historienne d'art Marie Berhaut, ce dernier qui habitait non loin du domicile des frères Caillebotte du 31 boulevard Haussmann a été d'un grand réconfort après la mort de la mère des frères Caillebotte en 1878.
# Autoportrait camouflage

Autoportrait camouflage (en anglais : Camouflage Self-Portrait) est une œuvre réalisée en 1986 par l'artiste américain Andy Warhol. Le portrait de l'artiste au motif camouflage occupe le premier plan avec un fond noir. Il est conservé au Metropolitan Museum of Art de New York.

## Analyse

Andy Warhol a réalisé Autoportrait quelques mois avant sa mort, en février 1987.
Il utilise une photographie Polaroid de lui, avec le matériau de la peinture polymère acrylique et de la sérigraphie pour produire un motif de camouflage aux teintes vertes sur le visage entouré de noir.
Le Metropolitan Museum of Art décrit l'œuvre : « Warhol apparaît comme un masque obsédant et désincarné. Sa tête flotte dans un vide noir foncé et son visage et ses cheveux sont d'une pâleur fantomatique, couverts d'un motif de camouflage militariste de vert, de gris et de noir ».
Il y a un contraste entre l'impersonnalité du motif de camouflage, qui fait allusion au danger, et la personnalité de la tradition du portrait, où il y a un contact direct avec le spectateur, bien que dans ce cas avec une couverture illusoire protectrice. Les utilisations ambiguës du camouflage - attirer l'attention lorsqu'il s'agit d'un look à la mode et faire le contraire dans un usage militaire - ont fasciné Warhol.
Une version du Philadelphia Museum of Art utilise du rose et du magenta sur le même fond noir. Une autre version similaire à celle conservée au Philadelphia Museum of Art fait partie de la collection d'art moderne de la National Gallery of Victoria de Melbourne.

## Remarques

* (en) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en anglais intitulé « Camouflage Self-Portrait » (voir la liste des auteurs).
* 1 2 3 « Works of Art: Andy Warhol - Self Portrait », www.metmuseum.org
* 1 2 3 4 "Camouflage Self-portrait", Philadelphia Museum of Art. Retrieved 2 March 2009.
# Autoportrait avec squelette

L’Autoportrait avec squelette est une peinture à l'huile sur toile du peintre allemand Lovis Corinth, peint en 1896 à Munich. Il est exposé au musée Lenbachhaus de Munich.

## Description

Le tableau montre deux protagonistes : Corinth lui-même et le squelette, côte à côte. En arrière-plan apparaît un panorama de la ville de Munich, à travers la large fenêtre de l'atelier. Le corps du peintre est visible jusqu'à la poitrine. Selon le catalogue raisonné de Charlotte Berend-Corinth le tableau montre « Corinth vêtu d'une chemise à carreaux bleu pâle devant la grande fenêtre de l'atelier. Vue sur Munich en rose et violet. ».
Le peintre se présente lui-même peu ou pas du tout idéalisé. Il a une moustache, les cheveux courts sont foncés, le front est dégarni ; il porte une chemise légère à damiers avec une cravate sombre. Le squelette est suspendu à une tige avec un anneau dans le crâne, un peu plus bas que l'artiste. La fenêtre de l'atelier à l'arrière-plan illumine la scène et éclaire les deux protagonistes. Elle occupe toute la largeur du tableau et se compose de carreaux à encadrement métallique dont l'un est ouvert. Dans la moitié inférieure de la rangée inférieure de fenêtres sont représentés des bâtiments, des toits et des clochers dans un ton ocre. Des cheminées fumantes signalent la présence d'industries. La signature de Corinth est tracée en lettres fines dans le coin supérieur droit. Dans un cartouche, est écrit:
    Lovis Corinth.
    38 J. a. 1896. Le J pour Jarhe (38 ans) et le a pour anno (année 1896). Cette signature est une référence à un autoportrait d'Albrecht Dürer (vers 1500).
# Moi-même, portrait-paysage

Moi-même, portrait-paysage est un autoportrait du peintre Henri Rousseau, dit le Douanier Rousseau, réalisé en 1890 au début de sa carrière (il a alors 46 ans) et exposé lors du salon des Indépendants la même année.

## Description, interprétation

L'auteur parle de « portrait-paysage », titre prétendant à la neutralité entre deux genres généralement bien distincts dans l'histoire de la peinture : ici, entre portrait et paysage, aucun ne l'emporte.
Le peintre se représente en pied, le visage sévère, vêtu de noir, arborant des favoris et une barbe soigneusement taillée. À la boutonnière, il porte l'insigne des palmes académiques, décoration usurpée puisqu’elles ne lui ont en réalité jamais été attribuées (Rousseau ayant profité de la nomination d'un homonyme).
Le personnage porte les attributs classiques de l'artiste-peintre : béret, palette et pinceau. Sur la palette, on peut lire en lettre d'or les prénoms « Clémence » (prénom de sa première femme, Clémence Boitard) et « Joséphine » (prénom de sa seconde femme, Joséphine Noury), qui semble avoir été écrit à la place d'une autre inscription effacée au préalable (« Pour ne pas les oublier »). On trouve donc dans ces aspects de la toile des éléments de la vie privée du peintre.
Mais Rousseau s'y présente également comme un homme public, s'insérant dans la réalité de son époque. Dans ce paysage urbain imaginaire et idéalisé, apparaissent des éléments de la modernité contemporaine : un pont métallique (ressemblant au pont du Carrousel, aujourd'hui détruit), dans les airs la silhouette d'une montgolfière, et au fond la toute récente tour Eiffel (1889), à peine perceptible derrière le mât du bateau dont les fanions multicolores viennent animer la toile$^,$.
En haut à gauche du tableau on aperçoit un soleil rougissant derrière un nuage, élément directement inspiré du tableau de Jean-Léon Gérôme Les deux majestés (1884).

## Postérité

Le tableau fait partie des « 105 œuvres décisives de la peinture occidentale » constituant le musée imaginaire de Michel Butor.
# Le Centaure (César)

Le Centaure, hommage à Picasso est une œuvre en bronze contemporaine conçue entre 1983 et 1985 par l'artiste français César (1921-1998) et érigée en 1988 au carrefour de la Croix-Rouge (place Michel-Debré depuis 2005) dans le 6e arrondissement de Paris, en France.

## Description

L'œuvre est une sculpture monumentale en bronze, de près de 5 m de haut et 1,4 m de largeur. Elle représente un centaure, une créature mythique à corps de cheval et buste d'homme. La tête de la sculpture est un autoportrait du sculpteur.
Dans sa cuirasse, on retrouve une reproduction en miniature de la statue de la Liberté$^,$.

## Artiste

César (1921-1998) est un sculpteur français.
# Autoportrait en soldat

Autoportrait en soldat est un tableau réalisé en 1915 par le peintre allemand Ernst Ludwig Kirchner. Cette huile sur toile est un autoportrait en buste de l'artiste vêtu d'un uniforme militaire, alors qu'il se trouve dans son atelier. Il s'y représente cigarette aux lèvres et sa main droite tranchée, une figure dévêtue apparaissant derrière lui sans qu'il soit aisé de déterminer s'il s'agit d'un modèle vivant ou d'un nu qu'il a pu peindre. Expression des angoisses suscitées par la Première Guerre mondiale, l'œuvre est plus tard exposée par le régime nazi comme de l'art dégénéré. Elle est conservée depuis 1950 à l'Allen Memorial Art Museum d'Oberlin, dans l'Ohio, aux États-Unis.