# Joyeuse compagnie

Joyeuse compagnie est le terme utilisé dans l'histoire de l'art pour désigner une peinture, généralement du XVIIe siècle, montrant un petit groupe de personnes s'amusant, habituellement assises avec des boissons et souvent en train de jouer de la musique. Ces scènes sont un type très courant de peinture de genre de l' âge d'or hollandais et de la baroque flamand ; on estime que près des deux tiers des scènes de genre hollandaises montrent des personnes en train de boire.
Le terme est la traduction habituelle du néerlandais geselschapje, ou vrolijk gezelschap, et est écrit en majuscules lorsqu'il est utilisé comme titre d'une œuvre, et parfois comme terme pour le type. Les scènes peuvent se dérouler à la maison, dans un jardin ou dans une taverne ; les groupes vont de réunions convenables dans des intérieurs riches à des groupes d'hommes ivres avec des prostituées. Les groupes relativement convenables et habillés de façon coûteuse, avec un nombre similaire d'hommes et de femmes, souvent debout, peuvent être appelés Compagnie élégante ou Compagnie galante, tandis que ceux montrant des personnes qui sont clairement des paysans sont plus susceptibles d'utiliser ce mot dans leur titre. Ces sujets de peinture sont les plus courants dans l'art néerlandais entre 1620 et 1670 environ.

## Portée du terme

La définition d’une « joyeuse compagnie » est loin d’être rigide et recoupe plusieurs autres types de peinture. Les portraits de groupes familiaux ou d'organismes tels que les compagnies de milice peuvent emprunter un style de composition informel, mais les œuvres où les figures sont destinées à représenter des individus spécifiques sont exclues. Il y a normalement entre quatre et une douzaine de personnages représentés, qui comprennent généralement des hommes et des femmes, mais elles peuvent être uniquement constituées d'hommes, parfois avec des servantes, comme dans les peintures de Willem Pietersz. Buytewech. Les descriptions contemporaines néerlandaises de peintures tirées d'inventaires, de catalogues de vente aux enchères et autres, utilisent (sans doute de manière quelque peu arbitraire) d'autres termes pour des compositions similaires, notamment « a buitenpartij (une fête ou un pique-nique en plein air), a cortegaarddje (une scène de caserne ou de salle de garde), a borddeeltjen (une scène de bordel) et a beeldeken ou moderne beelden (un tableau avec de petites figures ou des figures modernes) ».
« Fête musicale » ou « Concert » sont les termes souvent utilisés lorsque certaines des figures principales jouent des instruments. Plus généralement, ces œuvres peuvent être appelées « peintures de compagnie » ou « sujets de compagnie » (mais cela ne doit pas être confondu avec les Company Paintings, un style patronné par la British East India Company). Peu de titres utilisés pour les peintures de genre du XVIIe siècle peuvent être attribués à l’artiste ; ceux utilisés aujourd’hui par les musées et les historiens de l’art peuvent provenir d’un enregistrement de la provenance ou avoir été attribués à l’époque moderne.
Les peintures représentant des célébrations spécifiques telles que les mariages ou les festivités de la Driekoningenavond, la principale célébration du milieu de l’hiver aux Pays-Bas, ou des jeux spécifiques, sont susceptibles d’avoir des noms relatifs à ceux-ci lorsque le sujet est encore compréhensible. Par exemple, un tableau de Godfried Schalcken (1665-1670, Collection royale) est connu dans sa biographie par son élève Arnold Houbraken pour représenter le jeu de Mevrouw, kom de tuin in (Madame, venez dans le jardin), et porte ce nom, bien que les règles en sont maintenant inconnues mais « impliquait clairement un déshabillage », du moins par certains participants masculins1. Dans La Main Chaude, les participants masculins viennent de se faire gifler2. Les peintures montrant la parabole du fils prodigue au moment du prodige sont conçues comme des scènes de compagnie joyeuses du type bordel, bien qu’elles soient souvent plus grandes, comme on pouvait attendre d’un tableau d’histoire.

## Interprétation

Comme pour d'autres types de peinture de genre néerlandaise, le corpus de peintures de joyeuse compagnie comprend certaines peintures avec une intention moraliste claire, véhiculant un message pour éviter les excès de boisson, les dépenses somptueuses, la mauvaise compagnie et la fornication. D’autres semblent simplement célébrer les plaisirs de la sociabilité, souvent avec un élément d’aspiration sociale. Beaucoup se situent quelque part entre les deux, sont difficiles à interpréter et « contiennent en elles une contradiction évidente entre leur objectif de condamner certains types de comportements excessifs et l'aspect amusant et attrayant de ce comportement même et de sa représentation ».
Souvent, l'historien de l'art qui souhaite les interpréter doit d'abord décider si la scène se déroule dans une maison, une taverne ou un bordel, et si dans une taverne, les femmes présentes sont respectables ou des prostituées, ou si l'artiste avait l'intention de transmettre un sens précis à ses spectateurs contemporains sur ces questions. Les titres donnés ultérieurement aux tableaux font souvent la distinction entre « tavernes » ou « auberges » et « bordels », mais en pratique il s'agit très souvent des mêmes établissements, car de nombreuses tavernes ont des pièces au-dessus ou à l'arrière réservées à des fins sexuelles : « Auberge devant ; bordel derrière » était un proverbe néerlandais.
Les scènes avec des prostituées ne reflètent pas à bien des égards les réalités de la prostitution du XVIIe siècle, mais offrent un code visuel conventionnel. La tenancière ou (comme les historiens de l'art aiment les appeler) « l'entremetteuse » est toujours une vieille femme, alors que les archives judiciaires d'Amsterdam (le centre national de la prostitution néerlandaise) montrent que la plupart étaient encore assez jeunes, et 40 % dans la vingtaine. La présence d'une figure d'entremetteuse suffit à elle seule à justifier l'interprétation d'un tableau comme une scène de bordel.
Les beaux vêtements (loués à la tenancière) et en particulier les plumes dans les coiffes sont considérés comme des symboles de prostituées, ainsi que les vêtements amples plus évidents, les décolletés bas et une position frontale provocante. Mais dans la dernière partie du siècle, les regards pudiques et baissés de la femme apparaissent dans de nombreuses scènes censées représenter la prostitution. Dans le célèbre trio ambigu La Conversation galante de Gerard ter Borch, la jeune femme n'est vue que de dos. À propos d'un tableau de Jacob Ochtervelt (vers 1670, aujourd'hui au Cleveland Museum of Art), Wayne Franits dit :
   À première vue, la Compagnie Musicale dans un Intérieur semble être un élégant rassemblement de jeunes gens aisés [et de femmes et d'un domestique]... Le tableau dégage une aura de calme et de finesse. Néanmoins, la série de portraits féminins sur le mur derrière les personnages révèle la véritable nature de son sujet. Il existe de fortes preuves que les maisons closes affichaient des portraits comme ceux-ci pour aider les clients à choisir leurs partenaires.
Selon Simon Schama ,
   ... Lorsque nous ne savons pas si nous regardons l'image d'une maison ou d'une taverne, ou si ce qui semble être une taverne est en fait un bordel, ce n'est peut-être pas parce que nous manquons d'indices précis sur l'intention sans ambiguïté de l'artiste, mais parce qu'il voulait que nous soyons incertains. ... Il serait vain de tenter de distinguer les scènes de divertissement familial de celles de dissipation dans les débits de boissons, car les territoires figuratifs et réels ont eux-mêmes été délibérément mélangés. Lorsque des événements se déroulent dans un foyer ou, à l'inverse, lorsque des enfants courent avec une joyeuse mondanité dans une taverne, il y a de fortes chances que le tableau un mélange d'innocence et de corruption.
Jan Steen a possédé une taverne pendant un certain temps, vivant sur place, et incluait souvent des portraits de lui-même et des membres de sa famille dans des œuvres de « genre ». Gerrit van Honthorst, qui a peint plusieurs scènes qui montrent clairement la prostitution, a épousé la fille de la tenancière d'une taverne et d'un marchand de vin, qui était une cousine éloignée et une sorte d'héritière. L'interprétation traditionnelle et le titre de son Fils prodigue à l'Alte Pinakothek de Munich ont été contestés, avec l'affirmation selon laquelle il ne s'agit que d'une scène de taverne « festive », malgré la présence d'une femme plus âgée et de plumes dans les cheveux des filles, souvent considérées comme les marques d'une scène de bordel.
Elmer Kolfin, dans « la première étude complète à ce jour sur la joyeuse compagnie dans l'art hollandais pendant la première moitié du XVIIe siècle » divise les tableaux « en trois catégories iconographiques : « idéalistes », qui présentent principalement des vues positives des activités festives représentées ; « moralistes », dans lesquelles de telles activités sont condamnées d'un point de vue moral ; et « satiriques », dans lesquelles elles sont présentées comme ridicules, mais principalement pour un effet comique plutôt que moralisateur », constatant un mouvement d'éloignement des traitements moralistes vers des traitements idéalistes du XVIe au XVIIe siècle .
D'autres chercheurs considèrent qu'un grand groupe de peintures est délibérément ambigu ou ouvert dans sa signification ; les preuves limitées disponibles suggèrent qu'elles étaient souvent exposées dans les pièces principales des demeures de leurs propriétaires.
La liberté exceptionnelle accordée aux femmes hollandaises étonnait et horrifiait généralement les visiteurs étrangers ; selon l'Anglais en visite, Fynes Moryson :
   ... Les mères de bonne réputation permettent à leurs filles de rester à la maison après qu'elles se soient couchées, pour rester assises avec des jeunes hommes toute la nuit ou presque, à festoyer et à discuter, et même, avec ou sans permission, à se promener avec des jeunes hommes dans les rues la nuit. Et elles le font par liberté coutumière sans préjudice de leur renommée, tandis que les femmes italiennes, strictement surveillées, pensent qu'il est insensé d'omettre toute occasion de faire le mal.
De nombreuses peintures présentent des thèmes allégoriques légèrement usés ; une assiette de nourriture, une pipe à tabac, un instrument de musique et une caresse, un baiser ou une gifle suffiront à transformer n'importe quel groupe en une allégorie des cinq sens. Nombreux sont ceux qui illustrent l’abondance de proverbes moralistes néerlandais.

## Développement du type

Les scènes de fête courtoise, généralement de couples de jeunes amoureux dans un « jardin d'amour », sont populaires à la fin du Moyen Âge, principalement dans des manuscrits enluminés et des gravures plutôt que dans des peintures sur panneau, et souvent dans le cadre de séries de calendriers montrant les mois ou d'illustrations de livres. À la Renaissance, de telles scènes ont tendance à être placées dans des contextes spécifiques tirés de la religion ou de la mythologie classique, comme le Fête des Dieux qui, contrairement aux scènes de joyeuse compagnie, est un prétexte à grandes quantités de nudité. Au XVIe siècle, les traditions picturales de la Renaissance flamande et hollandaise, celles de la peinture de genre représentant des festivités ou des fêtes, commencent à se développer, notamment dans les scènes paysannes de Pieter Bruegel l'Ancien, qui sont les premières grandes peintures à avoir la vie paysanne comme seul sujet.
Une tradition de scènes urbaines moralisatrices incluent des sujets tels que le « Couple mal assorti » et le « Fils prodigue », et une tradition de cour consiste à representer des divertissements réels ou typiques dans une cour particulière, avec des portraits des personnages principaux. Festin d'Hérode avec la décapitation de saint Jean-Baptiste de l'artiste germano-silésien Bartholomeus Strobel (vers 1630-1643, Prado) est un traitement exceptionnellement grand d'un sujet souvent utilisé depuis le XVe siècle pour représenter un banquet de cour. Le Festin dans la maison de Lévi de Paolo Véronèse (1573, Galerie de l'Académie) est un autre traitement célèbre et monumental d'un grand festin.
La « scène de compagnie courtoise » avec des personnages de genre anonymes se développe au début du XVIIe siècle dans les Pays-Bas du Nord et du Sud, alors séparés par la guerre de Quatre-Vingts Ans. Au fur et à mesure que ce type de sujet se développe, les différences entre les deux régions augmentent également : la peinture flamande couvre une gamme plus large de contextes en termes de classe, les scènes paysannes restant fortement représentées et de nombreuses scènes montrant les milieux de cour. La peinture hollandaise se concentre sur un spectre de classes que l'on pourrait qualifier de classe moyenne, bien qu'allant des élégantes compagnies patriciennes aux groupes négligés et tapageurs. Les scènes flamandes ont tendance à avoir beaucoup plus de personnages, et le groupe tranquille de la classe moyenne composé de quatre ou cinq personnes assises autour d'une table à la maison n'y est pas représenté. Alors que la plupart des peintures hollandaises, à l'exception de celles de l'Caravagesques d'Utrecht, présentent de petites figures, la « scène de compagnie monumentale » reste une partie intégrante de la peinture flamande, Jacob Jordaens produisant plusieurs exemples, notamment des festivités de la Nuit des Rois. Dans les années 1630, les artistes des deux régions, mais surtout du nord, ont tendance à se spécialiser dans des genres particuliers, et la joyeuse compagnie ne fait pas exception.

## Peintres

La première génération de peintres hollandais comprend Willem Pieterszoon Buytewech (1591/1592–1624), qui peut prétendre avoir inventé la joyeuse compagnie de petit intérieur. David Vinckboons (1576–1629) et Esaias van de Velde (1587–1630), qui est un pionnier encore plus important de la peinture de paysage réaliste, dans un style complètement différent de ses élégantes fêtes de jardin, en sont d'autres artistes de la première heure. On attribue au célèbre portraitiste Frans Hals une seule et très ancienne joyeuse compagnie, un pique-nique galant d'environ 1610, qui fut détruit à Berlin pendant la Seconde Guerre mondiale . Il a également peint une représentation de genre en « gros plan » de trois fêtards. Son frère cadet Dirck Hals (1591–1656) est un spécialiste prolifique des petits groupes de joyeuses compagnies.
Vers 1630, Hendrik Gerritsz. Pot (1587-1657), également portraitiste, Anthonie Palamedesz. (1601–1673), Pieter Codde (1599–1678) et Jacob Duck (1600–1667) figurent parmi les peintres actifs. Codde et Duck, avec Willem Duyster, sont également des peintres de « scènes de garde », qui montrent spécifiquement des soldats, et deviennent populaires dans les années 1630 ; comme le note Lucy van de Pol, les marins qui constituaient une grande partie de la clientèle des tavernes et des bordels, du moins à Amsterdam, sont très rarement représentés.
Après le milieu du siècle, de nombreuses « peintures de compagnie » montrent des groupes plus petits et plus calmes, bien installés dans des maisons, souvent avec davantage d'éléments narratifs et une plus grande concentration sur les effets d'éclairage et de texture. Il devient très courant d'utiliser uniquement des couples ou des individus. Les peintures de Vermeer, dont aucune ne rentre vraiment dans la catégorie des peintures de « joyeuse compagnie », illustrent cette tendance, que l'on retrouve également dans celles de Gerard ter Borch, Gabriel Metsu, Gerrit Dou et Pieter de Hooch. Les œuvres de Jan Steen (vers 1626-1679) perpétuent la tradition des groupes de buveurs tapageurs, mais généralement avec un décor représentant une occasion spécifique ou illustrant un proverbe. Beaucoup montrent des groupes familiaux et incluent souvent un autoportrait.
Parmi les artistes flamands, David Vinckboons, qui s'est installé dans le nord alors qu'il est jeune adulte, Frans Francken II, son oncle Jérôme Ier et son frère Jérôme II, Sebastian Vrancx, Louis de Caullery, peignent des scènes de cour, souvent avec de petites figures et une grande attention portée aux décors architecturaux à l'intérieur ou à l'extérieur de somptueux palais. Simon de Vos (1603–1676) peint des scènes plus petites, plus proches du style hollandais.
La tradition des scènes paysannes de Bruegel est perpétuée par ses fils Jan Brueghel I et Peter Brueghel le Jeune, qui peignent principalement des festivités de type kermesse avec un grand nombre de personnages, le plus souvent en plein air. Les petits groupes d'intérieurs sont créés par le naturaliste Adriaen Brouwer, qui est flamand mais qui travaille et vend également à Haarlem, dans le nord, où il influence grandement Adriaen van Ostade, le principal peintre hollandais de paysans. Les scènes sordides de Brouwer manquent de gaieté, mais van Ostade adoucit et sentimentalise son style.
David Teniers l'Ancien, son fils David Teniers le Jeune ainsi que d'autres membres de la famille réalisent de nombreuses scènes paysannes dans leur production vaste et variée. La plupart des œuvres de tous ces peintres se situent en dehors des limites typiques de la « joyeuse compagnie », en termes de nombre de personnages ou de leur classe, mais beaucoup s'y situent ; une génération ultérieure de peintres flamands de scènes paysannes existe également. Rubens, qui possède 17 tableaux d'Adriaen Brouwer, peint quelques kermesses et autres scènes paysannes qui connaissent un grand succès, malgré leur style très héroïque. Il peint également quelques grandes scènes de cour, dont son Jardin d'Amour (Prado, 1634-5) annonçant le genre des Fêtes galantes françaises du siècle suivant.
Outre Jordaens et Rubens, les peintres flamands de scènes de société monumentales incluent Theodoor Rombouts (1597–1637), qui réalise plusieurs grands tableaux de joueurs de cartes, Cornelis de Vos et Jan Cossiers.