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# Joël Stein

Joël Stein (* 25. Mai 1926 in Saint-Martin-Boulogne, Frankreich; † Juli 2012) war ein französischer Maler, Grafiker und Kinetischer Künstler und Vertreter der Op-Art. Er gehörte neben Julio Le Parc, François Morellet, Horacio Garcia Rossi, Francisco Sobrino und Yvaral im Jahr 1960 zu den Mitbegründern der Künstlergruppe Groupe de Recherche d’Art Visuel (GRAV). Stein lebte und arbeitete in Paris.

## Leben und Werk

Joël Stein begann 1946 das Studium an der École des Beaux-Arts in Paris und besuchte die Werkstatt von Fernand Léger. Bereits 1956 plante er die ersten künstlerischen Tabellen auf den geometrischen Grundlagen der Mathematik. Er entwickelte ab 1958 die Idee des Labyrinths, noch zweidimensional. Im Jahr 1959 gestaltet er die ersten Reliefs. Als Licht- und Objektkünstler beginnt er mit Gleichgesinnten in der Groupe de Recherche d’Art Visuel zu arbeiten. Er arbeitete stark mit an der visuellen Aktivierung des Zuschauers.
1962 untersuchte er die chromatische Polarisierung des Lichts, und gestaltet seine ersten Polascopes-Boxen. Joël Stein arbeitete mit drehenden Scheiben, Triaden, Kaleidoskopen, und ersten Labyrinth ab 1963. Er erzeugt Kompositionen mit Spiegeln, die kurzlebige und instabile Bewegungen und Strukturen erzeugen. Angeregt durch die Möglichkeiten neuer Technologien, arbeitet Joël Stein ab 1968 mit Lasern und der Wirkung von Farben.

## Wichtige Ausstellungen (Auswahl)

Joël Stein nahm als Teil der Groupe de Recherche d’Art Visuel und später auch als Einzelkünstler an zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen weltweit teil. Dazu gehörte unter anderem 1964 die Teilnahme an der documenta III in Kassel in der Abteilung Licht und Bewegung.
Einzelausstellungen in den letzten Jahren waren (unter anderem):
* 2000: „Le labyrinthe“, Musée de Cholet, „L'art cinétique“ Musée de Cambrai
* 2001: „Art cinétique“ Galeria Niccoli, Parma, Centre Atlantico de Arte Moderno, Las Palmas, „Denise René, l'intrépide“ Centre Pompidou, Paris ; „Confrontation Nouvelle Tendance“ Poreč, Kroatien
* 2002: „22 of the futur“, Musée d’Art Contemporain, Zagreb, Kroatien,
* 2003: „In materiale“ Galerie Arte Struktura, Mailand, „Le GRAV“ Galerie Lelia Mordoch , „Il GRAV – La complessità come sperimentazione“ Galerie Valmore, Vicenza, „6-1=6“ Hommage du GRAV à Yvaral, Tafani, Maison-Alfort, Frankreich
* 2005: MiArt, Mailand : Galerie Lelia Mordoch, Galerie Valmore, Vincenza, „L'œil moteur“, Straßburg, „22 of the future“, Museum Stuka , „22 of the Future“, Dobes Museum, Bratislava, Slowakei
* 2006: „Op Art“ Joyce, Paris , „Black & light“ Galerie Denise René espace Marais, Paris
* 2007: „L'Utopie cinétique – 1955/1975“ Centre culturel „Sa Mostra“, Palma, Neue Trends, konkret kunst museum, Ingolstadt

## Literatur und Quellen

* documenta III. Internationale Ausstellung; Katalog: Band 1: Malerei und Skulptur; Band 2: Handzeichnungen; Band 3: Industrial Design, Graphik; Kassel/Köln 1964
* Kimpel, Harald/Stengel, Karin: documenta III 1964 – Internationale Ausstellung – Eine fotografische Rekonstruktion (Schriftenreihe des documenta-Archives), Bremen 2005, ISBN 978-3-86108-528-7
# Jean Messagier

Jean Messagier (* 13. Juli 1920 in Paris, Frankreich; † 10. September 1999 in Montbéliard) war ein französischer Maler, Grafiker und Zeichner.

## Leben und Werk

Jean Messagier studierte an der École nationale supérieure des arts décoratifs de Paris. Er unternahm zahlreiche Studienreisen nach Italien und Algerien zur Vervollständigung seiner künstlerischen Ausbildung.
Seine erste Einzelausstellung fand im Jahr 1943 im Chateau von Montbéliard statt. Seine Kunst war vom Werk Paul Klees und durch seinen Kontakt mit dem Kunstkritiker Charles Estienne geprägt, was ihn davon überzeugte sich in seiner Kunst weg von der Geometrischen Abstraktion zu einer freieren und mehr lyrischen bildlichen Ausdrucksweise zu entwickeln. Messagier verwendete eher leichtere Farben in der Nähe von Transparenz und entschied sich für eine breite, spontane Malweise. Seine Landschaftsmalereien zeigen eine starke Sensibilität für die Natur und für den Rhythmus der Jahreszeiten. Nach 1948 befreite sich Messagier von seiner post-kubistischen Vergangenheit und entwickelte eine eigene neue Ausdruckskraft, die in den 1960er Jahren eine ganz neue gestische Definition von Raum erreichte, voll von bunter und dynamischer Bewegung. Er war bekannt für seine geschmeidige Pinselführung und nahm nach 1968 auch Aspekte der amerikanischen Pop-Art in seinem Werk auf.
Die Titel seiner Arbeiten ergänzen diese auf poetische Weise; zum Beispiel nannte er eine Radierung mit dichten grünen Schleifenlinien „Printemps à déplisser“ (deutsch: „sich entfältelnder Frühling“).
Nach 1960 bekam Messagiers Kunst internationale Aufmerksamkeit. Er nahm an einigen der wichtigsten internationalen Veranstaltungen teil als Vertreter der neuen Trends in der französischen Malerei. Im Jahr 1964 war er Teilnehmer der documenta III in Kassel. Messagiers Arbeiten sind Teil von wichtigen internationalen Museen, unter anderem in Rio de Janeiro, Paris, New York City, Brüssel, Genf, Jerusalem, Nagaoka, Cincinnati und Mexiko-Stadt.

## Literatur und Quellen

* documenta III. Internationale Ausstellung; Katalog: Band 1: Malerei und Skulptur; Band 2: Handzeichnungen; Band 3: Industrial Design, Graphik; Kassel/Köln 1964
# James Metcalf

James Metcalf (* 11. März 1925 in New York City, USA; † 27. Januar 2012 in Santa Clara del Cobre, Mexiko) war ein US-amerikanischer Bildhauer.

## Leben und Werk

James Metcalf studierte am Dayton Art Institute, Dayton (Ohio), an der Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Philadelphia, und in London. Er beschäftigte sich mit antiker Metallurgie im Mittelmeerraum in dem Künstlerdorf Deià, auf Mallorca, wo er auch die Holz-Blöcke für die Drucke im Buch Adam‘s Rib von Robert von Ranke-Graves schuf, das er illustrierte.
Von 1956 bis 1967 arbeitete er in Paris in einem Studio gegenüber dem Atelier von Constantin Brâncuși. Nach einer großen Retrospektive seiner Kunst im Palacio de Bellas Artes in Mexiko-Stadt, beschäftigte sich Metcalf mit historischen mexikanischen Techniken der Kupferbearbeitung in den Bergen von Michoacán. Im Jahr 1973 gründete er dort, zusammen mit der mexikanischen Bildhauerin Ana Pellicer, die Adolfo Best Maugard School of Arts and Crafts in Santa Clara del Cobre.
James Metcalfs Arbeiten beschäftigen sich oft mit der Verwendung innovativer Techniken und machen auch Gebrauch von althergebrachten Methoden. Seine Arbeiten werden teilweise dem Surrealismus, in der Mehrzahl der abstrakten Bildhauerei zugeordnet.
Er wurde, unter anderem, mit den Preisen des Clark Foundation Grant und der Copley Foundation ausgezeichnet.

## Wichtige Ausstellungen (Auswahl)

James Metcalf stellte (unter anderem) in Paris, London, New York und Mexiko-Stadt in den wichtigsten Galerien aus.
Er war Teilnehmer der Ausstellungen in der Goldsmith's Hall in London im Jahr 1952. Er stellte ebenfalls auf der Dritten Biennale der Spanisch-Amerikanischen Kunst in Barcelona im Jahr 1955 aus und war Teilnehmer der documenta III in Kassel im Jahr 1964 in der Abteilung Skulptur.
Seine Arbeiten sind Teil der ständigen Sammlung eine Reihe von Museen, darunter das Hirshhorn Museum and Sculpture Garden in Washington, D.C., das University of Arizona Museum; der Sammlung des New York Hilton Hotel und des Museums der Yale University.

## Literatur und Quellen

* documenta III. Internationale Ausstellung; Katalog: Band 1: Malerei und Skulptur; Band 2: Handzeichnungen; Industrial Design, Graphik; Kassel/Köln 1964
# Marcello Nizzoli

Marcello Nizzoli (* 2. Januar 1887 in Boretto, Reggio nell’Emilia, Italien; † 31. Juli 1969 in Camogli, Provinz Genua) war ein italienischer Architekt, Industriedesigner und Grafiker, spezialisiert auf Gebrauchsgrafik.

## Leben und Werk

Marcello Nizzoli studierte von 1910 bis 1913 an der Scuola di Belle Arti in Parma Architektur, Malerei und Grafik. Er begann als Maler zu arbeiten und schloss sich dem italienischen Futurismus an. Im Jahr 1918 gründete Nizzoli ein Grafikatelier in Mailand. Er begann als Gebrauchsgrafiker auf verschiedenen Gebieten zu arbeiten. Er gestaltete zum Beispiel Seidenschals mit Mustern im Stil des Art déco. Diese Seidenschals stellte er auf der Biennale in Monza im Jahr 1923 und in Paris 1925 aus.
Er gestaltete auch Plakate, unter anderem für die Firmen Campari und Maga in den 1920er Jahren. Seit den 1930er Jahren war Nizzoli als Grafikdesigner für Olivetti tätig. Er entwarf die Werbung, Plakate und die Corporate Identity für Olivetti und betätigte auch sich als Produktdesigner. Im Jahr 1936 wurde er zum Leiter des Produktdesigns von Olivetti ernannt. Er gestaltete das Design für zahlreiche Schreibmaschinen und Rechenmaschinen, aber auch für Papiermesser und Griffe für Olivetti-Geräte und Nähmaschinen von Olivetti. Seine bekanntesten Designs sind die der Rechenmaschinen „Summa“ , 1940; „Divisumma 14“, 1947; „Elettrosumma Duplex“, 1954 und „Quanta“. Bei den Schreibmaschinen gehören die „Lexicon 80“, 1948; die „Lettera 22“ und die „Lexikon 80 electric“, 1950 und die „Diaspron 82“, 1959 zu seinen bekannten Entwürfen. Nizzoli konstruierte seine Produkte stets so, dass sie zum einen für den industriellen Fertigungsprozess optimiert waren, gleichzeitig ein für ihn typisches organisches, fast skulpturales, aber gleichzeitig funktionales Produktdesign aufwiesen. Er gestaltete auch für die Firma Necchi Nähmaschinen, zum Beispiel darunter die „Mirella“, 1957 und die „Supernova Julia“ ,1961.
Marcello Nizzoli war auch als Architekt tätig. Er entwarf ab dem Jahr 1948 Wohnungen und Siedlungsbau für die Angestellten von Olivetti. In den 1960er Jahren baute er Bürogebäude für Olivetti.
Im Jahr 1964 wurden einige von Marcello Nizzolis Produkten auf der documenta III in Kassel in der Abteilung Industrial Design und auch Plakate von ihm für Campari und Olivetti in der Abteilung Graphik gezeigt. Nizzoli war auf zahlreichen Triennalen von Mailand als Ausstellungsleiter tätig. Für seinen Entwurf für die „Lettera 22“ erhielt er 1954 den Compasso d’Oro. Im Jahr 1959 wurde die „Lettera 22“ vom Illinois Institute of Technology als eines der „hundert bestgestalteten Produkte unserer Zeit“ ausgezeichnet.

## Literatur und Quellen

* documenta III. Internationale Ausstellung; Katalog: Band 1: Malerei und Skulptur; Band 2: Handzeichnungen; Band 3: Industrial Design, Graphik; Kassel/Köln 1964
# Eliot Noyes

Eliot Fette Noyes (* 12. August 1910 in Boston, Massachusetts, USA; † 18. Juli 1977 in New Canaan, Connecticut) war ein US-amerikanischer Architekt und Industriedesigner.

## Leben und Werk

Eliot Noyes verbrachte seine Kindheit nach der Geburt in Boston zuerst in Colorado bis seine Eltern nach Cambridge umzogen. Er studierte Architektur an der Harvard University. Auch schon als Kind beschäftigte er sich intensiv mit Zeichnen und der Malerei.
Eliot Noyes traf Le Corbusier in der Bibliothek von Harvard, was seine architektonische Perspektive stark beeinflussen sollte. Er beschäftigte sich daraufhin intensiv mit den Ideen des Bauhauses. Eliot reiste nach dem Studium in den Iran und nahm an einer zweijährigen archäologische Expedition teil.
1938 arbeitete Eliot Noyes im Architekturbüro von Walter Gropius und Marcel Breuer in Cambridge. Von 1939 bis 1946 war Eliot Direktor des Department of Industrial Design des Museum of Modern Art in New York City. Dieser Auftrag wurde vom Krieg unterbrochen, während des Zweiten Weltkriegs arbeitete er für ein Segelflugzeug Programm und als Industrie-Designer für Norman Bel Geddes und Co. Nach dem Krieg war er drei Jahre als Dozent an der Yale University tätig.
Als Architekt schuf er zahlreiche Bauten. Sein erstes Gebäude war das Tallman Haus in New Canaan, gebaut im Jahre 1950, gefolgt von zahlreichen Wohnhäusern in dieser Umgebung. Er entwarf auch die Wilton Library (1974), die sehr bekannt ist.
Eliot Noyes war einundzwanzig Jahre als Berater und Design Director für IBM tätig. Er war maßgeblich an der Entwicklung und Gestaltung der "IBM Selectric Schreibmaschine" 1961 beteiligt. Noyes arbeitete mit Thomas J. Watson jr., Paul Rand und Charles Eames zusammen. Er baute ebenfalls mehrere Gebäude für IBM. Seine bekanntesten Gebäude sind das IBM-Gebäude in Garden City, New York (1966), das Luft- und Raumfahrt IBM-Gebäude in Los Angeles, Kalifornien (1964), der IBM-Pavillon Hemisfair in San Antonio, Texas (1968) und das IBM Management Development Center in Armonk, New York (1980). Noyes arbeitete auch als Verantwortlicher von IBM mit anderen ausgewählten Architekten wie Mies van der Rohe, Eero Saarinen, Marco Zanuso und Marcel Breuer zusammen, um IBM-Gebäude in der ganzen Welt zu entwerfen.
Im Jahr 1964 wurden einige von Eliot Noyes' Produkten auf der documenta III in Kassel in der Abteilung Industrial Design gezeigt. Eliot Noyes gestaltete zahlreiche Produkte wie Schreibmaschinen, Diktiergeräte und anderes für IBM und für andere Firmen, zum Beispiel Motoren und andere technische Geräte. Er überarbeitete auch die Standard-Ausführung für alle Mobil-Tankstellen in den 1960er Jahren. Sein eigenes Wohnhaus in New Canaan, Connecticut gilt als ein wichtiges Beispiel der Architektur der Klassischen Moderne. 1967 wurde Eliot Noyes in New York zum assoziierten Mitglied (ANA) der National Academy of Design gewählt.
Noyes Sohn, Eliot Noyes Jr. (1942–2024), war unter dem Namen Eli Noyes als Animator und Grafikdesigner in San Francisco tätig.
# Trabrennbahn Dinslaken

Die Trabrennbahn Dinslaken war eine für das Trabrennen verwendete Pferdesportanlage in Dinslaken. Ausrichter war der Niederrheinische Trabrennverein Dinslaken e. V.

## Geschichte

1954 wurde die Trabrennbahn rund um das ehemalige Landgut Haus Bärenkamp angelegt.
Bereits 1948 hatte sich der gerade neu gegründete Trabrennverein mit dem Bau einer Trabrennbahn am Bärenkamp in Dinslaken befasst. Das Gelände war damals landwirtschaftliche Nutzfläche. Die allgemein schlechte Ernährungslage bewog den Stadtrat jedoch, diese Pläne vorerst zurückzustellen.
Die 800-m-Bahn umfasst eine Fläche von 17.000 m². 3600 Kubikmeter Erdmassen mussten beim Bau bewegt werden. 2850 m³ Kesselasche wurden angefahren und verbaut. Außerdem wurden eine Tribüne, eine Waage, Toiletten, der Totoschalter und über dreißig Pferdeboxen gebaut.
1969 wurde das neue Tribünenhaus eröffnet.
1972 wurde die Trabrennbahn als erste in Europa mit einer Kunststoffpiste ausgestattet.
Die Gebäude der Trabrennbahn wurde zu den verschiedensten Veranstaltungen genutzt.
Die Stallungen an der Alleestraße und der Bärenkampallee wurden 2011 zum Bau einer Wohnanlage und einer Altenpflegeeinrichtung abgebrochen.
Ab 2013 fanden im Tribünenhaus unter anderem Klausuren der Universität Duisburg statt und auch die Dinslakener Gymnasien nutzten die Räumlichkeiten der Trabrennbahn zur Durchführung ihrer Klausuren.
Am 31. Dezember 2022 fand der letzte Renntag auf der Trabrennbahn in Dinslaken statt.
2023–2024 Abbruch der Bestandsgebäude, die die hölzerne Tribünenhalle, den Zielturm und der Zieltribüne umfassen.

## Bahnlänge

Die Rennlänge der Bahn betrug 800 Meter.

## Veranstaltungen

Die Trabrennbahn hatte eine große Außenfläche. Ihre gastronomischen Betriebe ermöglichten die Bewirtung von bis zu 2000 Personen.
Erstmals 2012 fand die Martinikirmes auf dem Gelände des Trabrennvereins statt. Die Stellflächen für die Kirmesgeschäfte befanden sich auf dem großen Parkplatz zwischen den Straßenzügen Am Pollenkamp und der Alleestraße.

## Verkehrsanbindungen

Vom nördlichen Endpunkt der Duisburger Straßenbahnlinie 903 am Dinslakener Bahnhof war eine Erreichbarkeit zu den Haltestellen Trabrennbahn und Pollenkamp möglich, auch vom Duisburger Norden. Auch mit der Buslinie 19 der NIAG von Dinslaken-Lohberg – Dinslaken Bf – Averbruch über die Heinrich-Nottebaum-Straße war die Trabrennbahn erreichbar.
# Italo Valenti

Italo Valenti (* 29. April 1912 in Mailand, Italien; † 6. September 1995 in Ascona, Schweiz) war ein italienischer Maler des Informel.

## Leben und Werk

Italo Valenti begann 1927 bei einem Goldschmied in Vicenza zu lernen und zu arbeiten und abends die Malklassen der Kunstschule zu besuchen. Er machte in dieser Zeit die Bekanntschaft der Maler Maurizio Girotto und Libero Augenti und der Schriftsteller Neri Pozza und Antonio Barolini.
Nach der Lehre und dem Besuch von weiteren Kunstschulen in Vicenza und der Akademie in Venedig, studierte Valenti von 1934 bis 1937 an der Accademia di Belle Arti di Brera in Mailand bei Aldo Carpi, bei dem er dann auch als Assistent arbeitete. Seine erste Einzelausstellung hatte er in Valdagno im Jahr 1932. In seiner frühen Kunst setzte er sich mit dem dramatischen Realismus auseinander. Ein Aufenthalt in Paris und in Belgien im Jahre 1935 ermöglichte ihm die Auseinandersetzung mit dem Impressionismus und der Kunst von Paul Cezanne. Valenti wurde von Gründung an ein Mitglied der Künstlergruppe „Corrente“.
In den 1940er Jahren beschäftigte sich Valenti in seiner Malerei mit unbelebten Objekten und Stillleben. In den 1950er Jahren zog Valenti in die Schweiz, traf dort auf die Dichterin Anne de Montet, die er heiratete, und hatte intensiven Kontakt zu Hans Arp, Ben Nicholson und Julius Bissier.
In diesen Jahren, nach einer Zeit der Befreiung von der gegenständlichen Kunst wandte sich Valenti dem Informel zu und widmete sich der Collage. In seinen Collagen benutzte er farbige Karten, in verschiedenen Stärken und verschiedenen Formen unter Vermeidung von Linien und geometrischen Formen. Seine Kunst wandte sich deutlich der Abstraktion und Konkretheit zu, völlig frei von Illusionismus.
Im Jahr 1958 war er Teilnehmer der Biennale von Venedig. Im Jahr 1964 war Italo Valenti mit einigen Collagen auf der documenta III in Kassel in der Abteilung Malerei vertreten.
Er hatte Einzel- und Gruppenausstellungen in Italien, der Schweiz und international. Seine Werke sind in zahlreichen Sammlungen öffentlicher Galerien und Museen weltweit vertreten.

## Literatur und Quellen

* Carlo Carena, Stefano Pult: Italo Valenti. Skira, Mailand 1998, ISBN 88-8118-227-0.
* documenta III. Internationale Ausstellung; Katalog: Band 1: Malerei und Skulptur; Band 2: Handzeichnungen; Band 3: Industrial Design, Graphik; Kassel/Köln 1964
* Literatur von und über Italo Valenti im Katalog der Deutschen Nationalbibliothek
* Marcella Snider Salazar: Italo Valenti. In: Historisches Lexikon der Schweiz. 14. Oktober 2004.
# Doca (Fußballspieler)

Alfredo Almeida Rego, genannt Doca, (* 17. April 1903 in Santana do Livramento; † 30. Juli 1988 in Rio de Janeiro) war ein brasilianischer Fußballnationalspieler und Basketballspieler.

## Laufbahn

Doca spielte ausschließlich für Klubs aus Rio de Janeiro. Seine Laufbahn startete er 1923 beim SC Mackenzie. Nach zwei Jahren wechselte der Spieler zum São Cristóvão FR. Hier war er sechs Jahre tätig. Anschließend ging er drei Jahre zum CR Flamengo, wo er seine Karriere 1935 beendete.
Er war Mitglied der Nationalmannschaft bei der Fußball-Weltmeisterschaft 1930, kam aber zu keinem Einsatz. Diesen erhielt Doca am 17. August 1930 bei einem Freundschaftsspiel gegen die USA. Zu dem Ergebnis von 4:3 trug er ein Tor bei. Es blieb bei diesem einzigen Einsatz.
Bei São Cristóvão trat er auch als Basketballspieler neben seinem Bruder Gilberto de Almeida Rêgo an, welcher Kapitän der Mannschaft war. 1929 und 1929 gewann er mit seinem Bruder die Meisterschaft von Rio de Janeiro.

## Erfolge

São Cristóvão
* Als Fußballspieler
** Staatsmeisterschaft von Rio de Janeiro: 1926
* Als Basketballspieler
** Staatsmeisterschaft von Rio de Janeiro: 1929, 1930
# Gerhard von Graevenitz

Gerhard von Graevenitz (* 19. September 1934 in Schilde, Landkreis Prignitz, Mark Brandenburg; † 20. August 1983 bei Habkern im Traubachtal, Schweiz) war ein deutscher Kinetischer Künstler, Vertreter der Op-Art aus früher Computergrafik und Reliefkünstler.

## Leben und Werk

Gerhard von Graevenitz wuchs in einer Landratsfamilie als jüngstes Kind von vier Brüdern und einer Zwillingsschwester auf. Er studierte von 1955 bis 1956 Wirtschaftswissenschaften an der Universität Frankfurt am Main und von 1956 bis 1961 Kunst an der Akademie der Bildenden Künste München. Von 1959 bis 1960 war er Herausgeber der Zeitschrift nota. Im Jahr 1962 war von Graevenitz Mitbegründer der internationalen Bewegung nouvelle tendance (Neue Tendenzen). 1967 heiratete er seine Antje, geborene Ludwig. Seit dem Jahr 1970 lebte und arbeitete er in Amsterdam.
Seine ersten Arbeiten im Jahr 1959 waren monochrome Reliefs. Es folgte ab 1960 die Gestaltung kinetischer Objekte. Im Jahr 1962 begann von Graevenitz erstmals die neuen technischen Möglichkeiten der Computergrafik zu nutzen und Serien geometrisch geordneter Rasterstrukturen als Druckgrafiken herzustellen. 1968 war Gerhard von Graevenitz mit drei Objekten auf der 4. documenta in Kassel vertreten.
In seinem Werk beschäftigte sich von Graevenitz mit den Phänomenen der Wahrnehmung. Die meisten seiner Grafiken sind in Siebdrucktechnik entstanden. In seinen frühen Grafiken befasste er sich mit den Verhältnissen zwischen Form und Farbe und Linie und Fläche. In seinen kinetischen Objekten zeigte er die Zusammenhänge von Struktur und Bewegung und Zufall und Ordnung auf. Gerhard von Graevenitz starb am 20. August 1983 bei einem Flugzeugabsturz in der Schweiz.

## Literatur und Quellen

* Ausstellungskatalog zur IV. documenta: IV. documenta. Internationale Ausstellung; Katalog: Band 1: (Malerei und Plastik); Band 2: (Graphik/Objekte). Kassel 1968.
* Harald Kimpel, Karin Stengel: documenta IV 1968 Internationale Ausstellung – Eine fotografische Rekonstruktion (Schriftenreihe des documenta-Archives). Bremen 2007, ISBN 978-3-86108-524-9.
* Gerhard von Graevenitz – Ausstellungskatalog, Kunsthalle zu Kiel, Kiel 1975.
* Dieter Honisch (Vorw.): Kunst in der Bundesrepublik Deutschland 1945–1985, Nationalgalerie. Staatliche Museen Preußischer Kulturbesitz, Berlin 1985, ISBN 3-87584-158-1.
# Edward Higgins

George Edward Higgins (* 13. November 1930 in Gaffney, Kalifornien; † 4. März 2006) war ein US-amerikanischer Bildhauer. Er galt als ein bedeutender Vertreter der abstrakten Bildhauerei.

## Leben und Werk

Edward George Higgins machte im Jahr 1954 seinen Bachelor of Arts degree an der University of North Carolina. Er war spezialisiert auf abstrakte Skulpturen aus geschweißtem Stahl.
Seine erste Einzelausstellung hatte Higgins 1960 in der Leo Castelli-Gallery in New York City; 1963 und 1966 stellte Higgins dort erneut aus. Eine weitere wichtige Einzelausstellung seiner Arbeiten fand 1964 im Minneapolis Institute of Arts statt. Andere wichtige Ausstellungen seiner Skulpturen fanden 1963 im Museum of Modern Art und später im Guggenheim Museum, 1966 im Whitney Museum of American Art und im Dallas Museum of Art statt. Higgins nahm auch an den Ausstellungen zur New York World’s Fair 1964 bis 1965 teil. Im Jahr 1968 wurden fünf seiner geschweißten Stahlskulpturen auf der 4. documenta in Kassel gezeigt.
Higgins war Lehrer für Bildhauerei an der Parsons The New School for Design, er unterrichtete an der Philadelphia Music School, an der Cornell University, an der University of Wisconsin und der University of Kentucky.
Er lebte und arbeitete in Easton, Pennsylvania.

## Literatur und Quellen

* Ausstellungskatalog zur IV. documenta: IV. documenta. Internationale Ausstellung; Katalog: Band 1: (Malerei und Plastik); Band 2: (Graphik/Objekte); Kassel 1968
* Kimpel, Harald / Stengel, Karin: documenta IV 1968 Internationale Ausstellung – Eine fotografische Rekonstruktion (Schriftenreihe des documenta-Archives); Bremen 2007, ISBN 978-3-86108-524-9