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Gender Performativity in Chaucer’s Troilus and Criseyde and Shakespeare’s Troilus and Cressida

Mon mémoire s’intéresse à la performance des genres dans l’histoire de Troïlus et Criseyde telle que présentée dans Troilus and Criseyde de Geoffrey Chaucer et Troilus and Cressida de William Shakespeare. En s’appuyant sur la théorie de Judith Butler, mon analyse explore d’abord l’influence de l’amour courtois sur les attentes sociales dépeintes dans les deux versions du récit. Les règles d’Andreas Capellanus servent de base pour comprendre les restrictions imposées par l’amour courtois et leur effet sur l’histoire d’amour de Troïlus et Criseyde. Ensuite, les thèmes de l’amour et de la guerre aident à définir la performance de la masculinité de Troïlus et Diomede, tout en permettant de comparer leur relation avec Criseyde. Finalement, la commodification du corps de la femme est présentée comme une conséquence inévitable de la performance de la fémininité telle qu’encouragée par la société. L’alternance entre les textes de Chaucer et de Shakespeare montre que la performance des genres a très peu évolué entre le Moyen-Âge et la Renaissance et suggère ultimement que certaines attentes sont toujours les mêmes dans la société occidentale contemporaine. My thesis explores gender performativity in the story of Troilus and Criseyde as presented in Geoffrey Chaucer’s Troilus and Criseyde and William Shakespeare’s Troilus and Cressida. Using Judith Butler’s theory, I analyze the influence of courtly love on the social expectations depicted in both versions. Andreas Capellanus’ rules are used to understand the restrictions imposed by courtly love and their effect on Troilus and Criseyde’s love story. Then, the themes of war and love help define how Troilus and Diomede perform masculinity, while allowing a comparison between their relationship with Criseyde. Finally, the commodification of the female body is presented as an inevitable consequence of the performance of femininity as society encourages it. Throughout my analysis, I will switch between Chaucer and Shakespeare’s texts in order to show that gender performance evolves very slightly between the Middle Ages and Renaissance, and to suggest ultimately that some expectations are still the same in contemporary western society.

Keyphrases: Chaucer, Shakespeare, performance des genres, amour courtois, commodification du corps, Chaucer, Shakespeare, gender performativity, courtly love, body commodification
Entre le jour et la nuit : la représentation du temps dans "Pedro Páramo", de Juan Rulfo, et "Relato de um certo Oriente", de Milton Hatoum

Cette recherche met en lumière la puissance du texte littéraire dans la représentation du temps. À partir d’Aristote et d’Henri Bergson, on s’interroge d’abord sur la participation de l’image comme médiatrice entre l’intellect et l’expérience, et comme la créatrice d’une réalité dans l’esprit. Bergson fournit également des modalités de temps qui servent d’appui pour l’analyse approfondie des figures présentes dans les romans "Pedro Páramo", de Juan Rulfo, et "Relato de um certo Oriente", de Miton Hatoum, deux œuvres qui réussissent à représenter la plasticité temporelle dans le texte littéraire. La réflexion puise également chez Saint Augustin et Jorge Luis Borges des éléments importants pour élargir le regard à propos de la force des figures utilisées. This research explains the power of literature in representing time. From the ideas of Aristotle and Henri Bergson, we think about the role of image as a mediator between the mind and the experience, and how it can create a reality in the mind. Bergson is also responsible for offering some categories of time, which help us to go deeper into the analysis of time figures in "Pedro Páramo", by Juan Rulfo, and "Relato de um certo Oriente", by Miton Hatoum. These two novels represent time plasticity in literature. This research also finds in Saint-Augustin and Jorge Luis Borges some crucial elements to think about the power of time figures in both novels.

Keyphrases: littérature comparée, figures du temps, littérature latino-américaine, image, Juan Rulfo, Jorge Luis Borges, Henri Bergson, comparative literature, figures of time, image, Milton Hatoum, Juan Rulfo, Jorge Luis Borges, Henri Bergson, latin american literature
Contes et transfert de valeurs : analyse d'un choix de contes vietnamiens selon la morphologie de Vladimir Propp

Les contes vietnamiens, comme tout autre conte, se transmettaient oralement, telle une performance. Leur but, en tant qu’outil d’éducation et de divertissement, était (et est toujours) de transférer un système de croyances et de valeurs, une tradition et une culture aux générations suivantes. Avec l’avènement de l’écrit, un mouvement vers la transcription s’effectua. Ceci facilita l’étude des contes, maintenant réunis sous forme de recueils et de collections.   En s’appuyant sur l’idée que la transposition de l’oral vers l’écrit serait une forme de traduction au sens métaphorique, ce mémoire, en examinant quels éléments de la morphologie proppienne seraient récurrents dans quatre contes vietnamiens, et surtout, arrive à la conclusion que les valeurs les plus importantes dans la culture vietnamienne se « transfèrent » dans toute diaspora par le biais de la traduction du merveilleux des contes. Similarly to other fairy tales, Vietnamese folktales were transmitted orally by way of a performance. As tools for education and entertainment, their main goal was (and still is) to transfer a system of beliefs and values, a tradition and a culture to following generations. When writing came to be, there was a movement from the oral performance towards the written text. Many researchers attempted to establish a typology, but to no avail.  Starting with the idea that the transcription of oral language to the written one is a metaphorical translation, the following work will examine which elements of Propp’s morphology are recurrent in four Vietnamese folktales and, more importantly, concludes that the most salient values are transferred throughout the diaspora through the translation of folktales’ magical elements.

Keyphrases: conte, morphologie, Vietnam, valeurs, transfert culturel, Vietnam, folktale, morphology, cultural transfer, values
Le temps des Éboulements, suivi de, Virtuosité de l’émerveillement chez Christian Bobin

Le Temps des Éboulements, première partie de ce mémoire, est un roman à caractère poétique racontant les histoires parallèles de Marie-Hélène Cardinal, une jeune femme qui, après de lourdes épreuves à l’étranger, décide de revenir dans son Charlevoix natal et d’Antoine Cardinal, son père gravement malade qui chérit l’espoir de revoir sa fille avant de mourir. Deux vies, donc, reliées par le sang mais éloignées par un océan, qui tentent de se rejoindre mais qui subissent les contrecoups d’une communication difficile. Derrière ce récit, la fresque référendaire qui a déchiré Québec, l’amour familial et la jeunesse en quête de liberté. L’essai intitulé Virtuosité de l’émerveillement chez Christian Bobin s’intéresse, quant à lui, aux récits poétiques de l’auteur dans leur dimension intermédiale. Il sera plus particulièrement question de L’Homme-joie, œuvre où se côtoient les médias visuels et sonores au service de l’écriture de l’émerveillement et du réeanchantement, afin de changer la perception du réel qu’entretient le lecteur. Le Temps des Éboulements is a poetic novel about the parallel stories of Marie-Hélène Cardinal, a young woman who, after difficult times abroad, decides to return to her native Charlevoix and of 'Antoine Cardinal, his gravely ill father who cherishes the hope of seeing his daughter again before dying. Two lives, therefore, linked by blood but separated by an ocean, who try to join but are subject to the disruptions of a difficult communication. Behind this story, the referendum fresco that tore Quebec during the last century, family love and youth looking for liberty. The essay entitled Virtuosité de l’émerveillement chez Christian Bobin is concerned with the poetic narratives of the author in their intermediate dimension. It will be more particularly about L'Homme-joie, a book in which the visual and sound medias coexist in the service of the writing of wonder and re-enchantment, in order to change the perception of reality of the reader.

Keyphrases: Christian Bobin, Émerveillement, Intermédialité, Récit poétique, Christian Bobin, Émerveillement, Intermediality, Wonder, Poetic
Sentimental et engagé : le roman Aïcha la rebelle d’Halima Ben Haddou

Halima Ben Haddou fait partie des pionnières de la littérature marocaine féminine d’expression française. Au moment de sa publication, en 1982, son premier roman, intitulé  Aïcha la rebelle, connaît un vif  succès et devient un best-seller. Bien qu’il soit un des premiers romans francophones écrit par une femme au Maroc, ce roman a vite été oublié par la critique. Notre étude part du constat que son hybridité générique le rend difficile à classer parmi les genres littéraires conventionnels.  Est-ce un roman sentimental ou un roman engagé? Ou appartient-il simplement à ce que l’on qualifie de littérature féminine? Ce mémoire vise à étudier  trois dimensions importantes  de  l’œuvre Aïcha la rebelle : la dimension sentimentale, la dimension engagée et la dimension féminine.  Ainsi, nous examinons tout d’abord comment  le roman Aïcha la rebelle se rapproche du roman sentimental traditionnel tout en s’écartant de certaines conventions génériques. Ensuite, nous analysons l’aspect engagé du roman en abordant des thèmes tels que le colonialisme et les questions identitaires. Finalement, nous nous intéressons à savoir de quelle manière le roman développe l’idée d’un certain féminisme spécifique et d’une écriture féminine touchant l’univers féminin oriental. Halima Ben Haddou is one of the first morocan women who have written novels in french. When her first novel, Aïcha la rebelle, was published in 1982, it got a great success. However, this novel has been forgotten later by critics. Aïcha la rebelle’s generic hybridity makes it difficult to be classified among conventional literary genres; it makes us wonder whether it is a sentimental novel or a committed one, or it is simply what is called women’s writing. This thesis aims to study three important dimensions of Aïcha la rebelle: the sentimental dimension, the committed dimension, and the feminine dimension. First of all, we examine how Aïcha la rebelle novel approaches the traditional sentimental novels while breaking certain generic conventions. Then, we analyze the engaged aspect of the novel by examining themes such as colonialism and identity issues. Finally, we see how Aïcha la rebelle develops the idea of certain specific feminism and feminine writing which touches the eastern feminine universe.

Keyphrases: Littérature maghrébine, Roman sentimental, Colonisation, Écriture des femmes, Colonialism, Engagement, North african literature, Romance novel, Colonialism, Women’s writing
L'action médiatrice du langage et ses effets dans Matroni et moi, Oreille, tigre et bruit et Révolutions d'Alexis Martin

Alexis Martin exploite dans son œuvre la langue telle une " langue prisme " au sens où l'entend Lise Gauvin : la langue se module afin de dévoiler plusieurs discours simultanés sur la forme qu'elle adopte, sur les propos qu'elle véhicule et sur les métamorphoses langagières qu'elle opère. Cette expression indépendante produite par la langue révèle ainsi une opinion nuancée sur l'exploitation de la langue par l'auteur, opinion qui équivaut à la surconscience linguistique de Gauvin. Celle-ci est permise grâce à un vaste éventail de procédés, tels que les technologies sonores, procédés qui découlent de ce qu'Hervé Guay définit comme le dialogisme hétéromorphe. Par ces divers procédés, l'auteur fait entendre de nouvelles voix qui s'ajoutent à la sienne. L'ouverture de la forme théâtrale, causée par la juxtaposition de plusieurs voix, langues et formes impropres au théâtre, caractérise la fonction médiatrice du langage chez Alexis Martin, tel qu'il en est question dans le présent mémoire. In his work, Alexis Martin has been using language as a "prism", as Lise Gauvin defines it. In this perspective, a language modulates itself to reveal several simultaneous speeches regarding its form, the words it conveys and the language metamorphosis that it creates. This independent expression produced by language thus reveals the author's nuanced opinion on language, intersecting with Gauvin's concept of linguistic superconsciousness, which is made possible through a variety of processes like sound technologies - processes that come from what Hervé Guay defines as heteromorphic dialogism. The author is able to use these various processes to add and combine voices to his own. This juxtaposition of not only voices, but also languages and non-theatrical forms of expression, creates an expansion of that very theatrical form and characterizes how Alexis Martin uses language as a mean of mediation - the very subject of this master's thesis.

Keyphrases: Alexis Martin, Surconscience linguistique, Dialogisme hétéromorphe, Théâtre québécois, Alexis Martin, Fin XXe siècle, Linguistic Superconsciousness, Heteromorphic Dialogism, Quebec Theatre, Late 20th Century
La femme antérieure, suivi de, Taxidermie littéraire

Œuvre : La femme antérieure Le récit suit l’évolution d’un deuil sur une année. Des moments précédents la mort de sa mère aux funérailles d’une autre femme de la famille, la narratrice dépouille sa mémoire pour tenter de départager les souvenirs réels de ceux qui auraient pu être manipulés par le discours maternel.   Essai : Taxidermie littéraire Par l’analyse d’Une femme d’Annie Ernaux et de La femme qui fuit d’Anaïs Barbeau-Lavalette, l’essai propose le concept de taxidermie littéraire. Cette définition formelle permettrait d’aborder une certaine catégorie d’écrits du deuil comme étant des portraits vivaces ayant pour but de fixer l’identité du défunt par le texte. Par l’analyse d’autres pratiques d’interprétation du deuil et du corps décédé, l’essai convoque le travail du philosophe français Jacques Derrida sur le don/pardon, pour mettre en lumière le processus d’écriture menant aux textes qui pourraient tombés sous la définition de taxidermie littéraire. Work : The previous Woman The story follows the evolution of a grief over one year. From moments before the death of the mother to the funeral of another woman of the family, the narrator dismembers her memory to separate real souvenirs of those who could have been manipulated by the mother narrative.  Essay: Literary taxidermy Based on the work of Jo Malin on auto/biography and the analysis of Annie Ernaux Une femme and Anaïs Barbeau-Lavalette La femme qui fuit, the essay suggests the concept of literary taxidermy. This conception would enable to analyse grief writings as vivid portraits fixing the identity of the deceased through the text. Analyzing other interpretations practices of grief and the dead body, the essay calls upon the work of French philosopher Jacques Derrida on the Economy of the Gift, to shed light on the writing process leading to those texts who could bear the title of literary taxidermy.

Keyphrases: Deuil, Mère, Création, Essai, Taxidermie, Écrits biographiques, Autobiographie, Annie Ernaux, Anaïs Barbeau-Lavalette, Jacques Derrida, Annie Ernaux, Anaïs Barbeau-Lavalette, Jacques Derrida, Mother, Grief, Auto/biography, Creative writing, Taxidermy, Jo Malin
La représentation de la guerre dans deux albums québécois pour la jeunesse : Nul poisson où aller et Tu me prends en photo par Marie-Francine Hébert

La littérature jeunesse québécoise a bien évolué au cours des dernières années, plus particulièrement à partir des années 1970. Une nouvelle thématique a fait son entrée en littérature jeunesse depuis 1990 : la guerre, malgré le débat qui entoure le traitement de sujets délicats auprès des jeunes. Les auteurs (et illustrateurs) se sont appliqués à évoquer et à représenter, la guerre dans leurs œuvres d’une manière adaptée à leur public. Cette étude vise à comprendre comment la guerre est présentée aux jeunes enfants dans deux albums de Marie-Francine Hébert mettant en scène une fillette victime d’un conflit dont elle ne saisit pas les enjeux : Nul poisson où aller (2003) et Tu me prends en photo (2011). Après un rapide survol des enjeux soulevés par les sujets difficiles, comme la guerre, en littérature destinée à un  jeune public, ce mémoire examine les mécanismes et les méthodes utilisés par Hébert et les illustrateurs afin de rendre la réalité de la guerre compréhensible et non traumatisante pour les jeunes lecteurs. Les deux ouvrages ont en commun l’usage de non-dits et d’implicites, ainsi qu’une narration très imagée, qui évite de parler directement de la violence. Mais ils se distinguent par une orientation différente donnée au témoignage et donnent lieu à des récits qui se complètent en parlant différemment d’un même objet. Québec's youth literature has evolved well over the past few years, especially from the 1970s onwards. A new theme has emerged in youth literature since 1990: war, despite the debate surrounding the treatment of sensitive subjects among young people. The authors (and illustrators) have endeavored to evoke and represent the war in their works in a way adapted to their public. This study aims to understand how warfare is presented to young children in two albums, by Marie-Francine Hébert, featuring a young girl who is the victim of a conflict of which she does not understand the stakes: Nul poisson où aller (2003) and Tu me prends en photo (2011). After a brief overview of the issues raised by difficult subjects, such as war, in literature for a young audience, this paper examines the mechanisms and methods used by Hébert and the illustrators in order to make the reality of war understandable and non-traumatic for young readers. The two works have in common the use of unspoken and implicit, as well as a very visual narrative, which avoids talking directly about violence. But they are distinguished by a different orientation given to the testimony and give rise to narratives that complement each other by speaking differently of the same object.

Keyphrases: Littérature jeunesse, Album, Guerre, Marie-Francine Hébert, Nul poisson où aller, Tu me prends en photo, Album, Marie-Francine Hébert, Nul poisson où aller, Tu me prends en photo, Youth literature, Children literature, War
L’Escalier dans les arts : un dispositif de (dé)montage

Rythmant notre quotidien, l’escalier qu’on monte et qu’on descend comme une gamme à répétition s’ouvre tel un éventail de possibles pour peu qu’on s’y arrête. Dispositif architectural dont la fonction est de faire passer d’un étage à l’autre, il est aussi un canal médiatique des corps et de l’information, susceptible d’entraîner un changement d’état. À voir comment Alfred Hitchcock le mobilise dans la plupart de ses films, on saisit que l’escalier est un levier dramatique à même de créer du suspense - en scandant, par exemple, l’angoisse d’un visiteur qui évolue, par degrés, vers un palier qu’il ne voit pas. Cette temporalité « en différé » qui, dans l’escalier, se développe en amont et en aval a comme répondant un vertige de l’espace, le dispositif en question étant un foyer d’où rayonnent toutes les perspectives (en arts visuels) et les lignes de fuite narratives (en littérature). Lieu de transit qui éveille les jeux d’ombres de l’anticipation aussi bien que de la mémoire, il anime les architectures de la fiction. Tandis qu’en guise de prologue on fera appel aux Instructions pour monter un escalier de Julio Cortazar, Marcel Duchamp nous montrera, quant à lui, la façon de le descendre dans sa série cubo-futuriste des Nu descendant un escalier n.1-2-3. Entre le montage et le démontage de l’escalier, on visitera l’immeuble de La Vie mode d’emploi de Georges Perec où l’escalier, véritable  machine intermédiale, articule la vie collective ainsi que sa mémoire vive. Giving rhythm to our daily routine, the staircase that we climb and descend, like a musical scale, can be opened up like a fan of possibilities, especially in art. An architectural feature meant to permit passage from one level to another, it channels bodies and the flow of information, giving way to a change of state. Seeing how the writer Georges Perec uses the staircase to gather the collective life of a building, in this case the dwelling in La Vie mode d’emploi, we understand that the stairs are a gateway to people’s stories, an access to perspectives from which narratives are born. Taken for granted most of the time, the staircase can be a powerful and dramatic tool, a structure suspended between two planes, designed to create suspense. Its delayed temporality animates the shadow plays of anticipation as well as memory, akin to vertigo in space, the stairs being the source from which all rays of imagination project.  In brief, we’ll study how the literary and visual poetics of Georges Perec, Julio Cortazar and Marcel Duchamp takes a common place and reinvests it as a means to articulate new forms of motion, of the collective and its representation.

Keyphrases: escalier(s), suspense, transit, Marcel Duchamp, Julio Cortazar, Georges Perec, mode d'emploi, analyse littéraire, design, suspense, art et architecture, Marcel Duchamp, Julio Cortazar, Georges Perec, stair(s), art and architecture, intermediality, user manual, literary analysis
Les esclaves dans les lamelles de Dodone

Longtemps attendue, la publication posthume de l’ouvrage de référence de Dakaris S., Votokopoulou, I. et Christidis A.-Ph., Τὰ χρηστηήρια ἐλάσματα τῆς Δωδώνης τῶν ἀνασκαφών Δ. Ευαγγελίδη, regroupant 4216 inscriptions presque toutes inédites, soit la majorité des lamelles oraculaires trouvées à ce jour à Dodone, a suscité un intérêt tel qu’une équipe de spécialistes travaille actuellement à en faire une édition plus critique, systématique, numérique et libre d’accès. Le présent mémoire s’inscrit en ligne directe avec les orientations de la nouvelle équipe de chercheurs et comprend, en premier chapitre, un catalogue des questions oraculaires interprétées, par les éditeurs antérieurs, comme étant potentiellement relatives aux esclaves. Ce catalogue contient une traduction française, et un commentaire pour chacune des inscriptions. En second chapitre du mémoire, une synthèse révèle que le tiers seulement des questions sont assurément relatives aux esclaves. Ces questions assurément relatives aux esclaves sont enfin rassemblées dans un tableau d’analyse, en troisième et dernier chapitre. The long-awaited posthumous publication of S. Dakaris, I. Votokopoulou, and A.-Ph. Christidis’ reference work, Τὰ χρηστηήρια ἐλάσματα τῆς Δωδώνης τῶν ἀνασκαφών Δ. Ευαγγελίδη, contains 4216 inscriptions, nearly all unpublished. These inscriptions, being the majority of the oracular tablets found in Dodona, have raised such interest that a team of specialists are now creating a rigorous, more systematic, and open-access digital edition. This thesis is in line with previous scholars’ progress and includes, in its first chapter, a catalog of the oracular questions that have been interpreted by the previous editors as potentially relating to slaves. Readers will find a French translation of the epigraphical texts, as well as comments for each individual inscription. The second chapter consists of a synthesis demonstrating that only a third of all available data actually pertains to slaves. Finally, all slave-related oracular questions are presented in a single table, in the third and last chapter.

Keyphrases: Esclave, Dodone, Lamelle, Affranchissement, Religion, Divination, Oracle, Slave, Lamella, Dodona, Manumission