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O Melos e Harmonia Acústica de César GUERRA-PEIXE (1988) apresenta um compêndio da atividade didática deste compositor expresso em forma de apostila. O presente trabalho busca traçar as possíveis influências comparando-o ao Caderno de Estudos com Koellreutter do próprio GUERRA-PEIXE (1944) e ao The Craft of Musical Composition de Paul HINDEMITH (1937), visando compreender melhor os pressupostos técnicos e teóricos.
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Em nossa pesquisa sobre o ciclo de peças para piano Miserere, de Willy Corrêa de Oliveira (DE BONIS, 2010) discutimos uma série de procedimentos composicionais pertinentes a essa obra e à produção do compositor em geral, a saber: a metalinguagem, a relação com as artes plásticas, a condensação de ideias, a superposição de citações à maneira de um ideograma, o teatro musical, e a possibilidade de uma análise estrutural de cada peça ao lado de uma leitura semântica (incentivada pela própria partitura). Obra aberta, o Miserere tem recebido adições do compositor após a publicação da pesquisa. As mesmas ferramentas de análise aplicadas para o ciclo todo são aqui utilizadas para o estudo de uma das últimas peças a serem acrescentadas, em 2009.
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Segunda parte do artigo resultante de minha dissertação de mestrado, que trata da representação musical do índio brasileiro na composição de Heitor Villa-Lobos. Nessa segunda parte, continuo defendendo a existência de um "estilo indígena" coerente e autoreferente na música de Heitor Villa-Lobos. Analiso aspectos rítmicos e texturais desse estilo e, numa abordagem hermenêutica, seu potencial significante. Ao fim, apresento alguns modelos de tópicas indígenas em Villa-Lobos.
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Os debates acerca da pesquisa em música na atualidade contemplam uma diversidade de questões que se inter-relacionam à complexidade e à amplitude do universo de abordagens da área. Entre as importantes discussões que permeiam a pesquisa em música, a ética na produção do conhecimento científico musical tem ocupado lugar de destaque. Com foco nessa realidade, este artigo tem como objetivo refletir sobre de aspectos éticos na prática investigativa e suas implicações para a pesquisa em música, apontando perspectivas e diretrizes gerais que podem embasar a atuação dos estudiosos da área em seus diferentes campos de investigação. O trabalho tem como base pesquisa bibliográfica e experiências consolidadas do autor como pesquisador e orientador de trabalhos de pesquisa em diferentes subáreas da música. A partir das discussões realizadas, o texto aponta aspectos conceituais que fundamentam as definições de ética no campo da música, bem como destaca questões que devem ser consideradas na produção e divulgação do conhecimento científico musical.
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Estudo sobre fundamentos para que a abordagem interdisciplinar do Piano Complementar possa promover a integração entre domínios diversos da formação acadêmica, no bacharelado e na licenciatura. São discutidas as vantagens da articulação pedagógica entre a apreciação, a performance e a criação, com a contextualização de aspectos inerentes ao ensino e ao desenvolvimento musical. As particularidades dos diversos perfis dos alunos da graduação, bem como suas necessidades e semelhanças, são subsídios para observaçÃµes sobre a interface entre as disciplinas, a compreensão musical e conexÃµes entre a prática no instrumento e a percepção da música. As concepçÃµes de alguns pianistas e professores são também tratadas e diretamente correlacionadas com a prática e a reflexão sobre a música e o ensino musical.
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Este artigo discute o uso das estruturas rítmicas complexas, tais como quiálteras dentro de quiálteras na obra Estudo Percussivo II, de 1993, do compositor brasileiro Arthur Kampela. Em alguns casos, serão demonstrados procedimentos de notação da escrita complexa do compositor britânico Brian Ferneyhoug. Isso se dá pelo fato de ao transformar uma semínima em uma quiáltera de cinco, Ferneyhough utiliza uma simbologia acima da quiáltera, indicando que são cinco semicolcheias no lugar de quatro semicolcheias, desta forma, o compositor britânico faz a indicação da mesma figura rítmica ao utilizar a semicolcheia. Diferentemente, Arthur Kampela no Estudo Percussivo II, utiliza uma escrita peculiar na qual ele não faz a mesma indicação das figuras rítmicas como Brian Ferneyhough. Este artigo propõe uma discussão a respeito desta escrita peculiar no Estudo Percussivo II. Para finalizar será abordada a escrita complexa sobre a ótica de outros compositores como Pierre Boulez para que a partir desta visão sejam propostas outras possibilidades de escrita rítmica no Estudo Percussivo II.
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Este trabalho analisa e discute a construção da performance de Sonetos de Amor, obra de Felipe Kirst Adami para flauta doce e piano composta em 1999. A composição foi inspirada na obra poética Cien Sonetos de Amor de Pablo Neruda, tendo sido registrada no CD Sonetos de Amor e Morte, de Luciane Cuervo. Neste texto, a pesquisadora e intérprete reflete sobre o contexto da composição e de seu criador, bem como analisa a escrita idiomática para os instrumentos e a sua interpretação, buscando fornecer subsídios para futuros intérpretes e compositores interessados nesta formação instrumental. O artigo está organizado em quatro partes, analogamente aos quatro movimentos da obra: Manhã, Meio-Dia, Tarde, Noite.
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O presente artigo apresenta traços biográficos da cantora, professora e folclorista Maria Sylvia Pinto. A pesquisa sobre Maria Sylvia Pinto integra dissertação de mestrado defendida pelo autor onde são analisadas canções da compositora Helza Camêu reunidas sobre o nome O Livro de Maria Sylvia. Apesar de ser uma "imortal", pois era membro da Academia Brasileira de Música, seu nome e seus feitos em prol da canção brasileira vêm sendo esquecidos com o passar do tempo, uma vez que não há nada sobre ela na Academia, a não ser duas fotografias, um recorte de seu obituário e um pequeno esboço de biografia no site www.abmusica.org.br, na internet. As notas biográficas aqui apresentadas baseiam-se nos relatos das personalidades que estiveram em contato com a cantora, em seu currículo, publicado no seu livro A canção de brasileira - da modinha à canção de câmara (PINTO, 1985), e em uma entrevista concedida por Maria Sylvia ao programa Música e Músicos do Brasil, da Rádio MEC, exibida em 28 de março de 1988 - gentilmente cedida pelos diretores desta rádio.
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Este trabalho propõese a revelar elementos contextuais e musicais, especialmente aqueles ligados à expressividade, que aproximem a obra para teclado de Wilhelm Friedemann Bach ao movimento Sturm und Drang, ocorrido na Alemanha no início da segunda metade do século XVIII, através do reconhecimento dos procedimentos literários e musicais envolvidos e da análise da Polonaise nº 4, em Ré menor, como obra representativa do que se pretende demonstrar.
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Este artigo centrase no processo da construção instrumental e na teoria aplicada à prática de execução, advinda do processo de difusão dos conhecimentos históricos por meio dos tratados de época em tempos recentes, aliando ainda elementos específicos significativos: partitura (Les Bergeries F. Couperin) e instrumentos musicais (cravos: francês e alemão do século XVIII), para a recuperação do estilo nacional.
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Este artigo busca identificar figuras de retórica musical na obra Responsórios para Quarta Feira Santa de Antônio dos Santos Cunha (1775?-1822?). Apresenta um breve estudo sobre o compositor e sobre a aplicação litúrgica da composição e conclui sobre a importância deste tipo de análise para a interpretação.
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A teoria da retórica na música barroca revela-se, de modo geral, interpretativa e heterogênea, não havendo uma linha de pensamento fixa. Essa heterogeneidade torna-se evidente quando se analisa a utilização dos silêncios como figuras retóricas. Para definir as intencionalidades dos silêncios é necessário considerar os afetos que os cercam. Assim, por haver diversos afetos inerentes, há ainda mais deliberações subjetivas na análise dos silêncios. Sugerindo uma visão retórica plural, propõe-se diversos tipos de categorização bem como a coexistência de interpretações. Para apresentar os desdobramentos dos objetivos estéticos da meraviglia, que focam o escopo pragmático de deslumbrar inesperadamente criando percepções chocantes de admiração, busca-se um equilíbrio entre a teoria e a prática através de exemplificações musicais. A retórica é vista como a energia inerente na emoção e no pensamento, transmitida por meio de um sistema de signos, entre os quais a música, com o objetivo de influenciar terceiros em suas decisões e ações.
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Discussão sobre a importância do LP Canção do Amor Demais dentro do panorama da cultura brasileira, mais do que do âmbito da música popular em si, a partir do texto de Vinícius de Moraes na contracapa do disco e da crítica de José da Veiga Oliveira. A fronteira existente entre o popular e erudito fica menos evidente neste disco, por conta do alto grau composicional das canções e pelos arranjos assinados por Jobim, tendo em vista que ali se deu a apresentação de João Gilberto em disco e da batida do violão que iria simbolizar a Bossa Nova.
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O texto é a base da palestra itinerante que encerrou a II Semana de Música Antiga da UFMG (entre 27/10 e 02/11/2009). A palestra se realizou em visita comentada aos povoados, largos e igrejas de Santa Bárbara e Catas Altas, onde foram analisados aspectos como a implantação no sítio, planta, frontispícios e ornamentação, que conformaram sua formosura, seu engenho e sua maravilha.
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A tensão entre nostalgia e inovação se manifesta de maneira única em Gagaku, o quarto movimento de Sept Haikai, de Olivier Messiaen. A religiosidade de Messiaen representa uma forma de nostalgia para a vanguarda intelectual francesa. Messiaen considera o senso de ritual e de estase como expressões musicais do sagrado. Através da comparação da estrutura do Gagaku de Messiaen (analisado à luz de seus próprios escritos sobre os seus métodos composicionais) e da estrutura da música tradicional japonesa gagaku, este artigo mostra de que modo o senso de ritual e de estase constitui o elemento estético comum existente independentemente em ambas as formas musicais. A existência de um elemento comum entre a "fonte" não-ocidental e a composição ocidental inspirada por esta fonte provê a condição necessária para a transformação de nostalgia em inovação. O conceito de écriture tem um papel importante na dialética de passado/futuro desta transformação, causando estrutura e estilo a se diferenciarem baseados no princípio da não-imitação, e afirmando-se como o elemento formativo que faz de Gagaku uma peça distintamente francesa.
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O presente trabalho teve por objetivo construir um inventário para avaliar os determinantes do comportamento saudável presente nos ambientes social e físico, relacionado à prevenção de lesões ocupacionais em músicos. O processo de construção do inventário baseou-se nas diretrizes para construção de instrumentos psicológicos preconizadas por PASQUALI (1999) e na conceituação formulada pela perspectiva ecológica. A partir desse referencial propõe-se um modelo para analisar o comportamento preventivo fundamentado em três componentes: a) as crenças de profissionais da música sobre o comportamento preventivo; b) uma avaliação das condições de trabalho disponibilizadas nos espaços para a prática musical; c) e a influência social no meio musical.
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Este texto tem como objetivo discutir a estrutura do poema sinfônico Francesca da Rimini op. 32, composto por Piotr IlyichTchaikovsky (1840-1893) em 1876, inspirado no Canto V do Inferno (1307) da Divina Comédia de Dante Alighieri (1265-1321). Interessa-nos observar como Tchaikovsky parte do texto poético de Dante - usando-o como fonte - e desenvolve uma narrativa musical que abre ao ouvinte outros planos do sensível. Em Francesca, Tchaikovsky não se limita ao relato, mas cria, a partir dele, o seu próprio. Procuramos encontrar a operação-chave da estrutura compositiva da obra que parece ser a mímesis: se Dante descreve o que "vê" no real de sua ficção, Tchaikovsky descreve o que sente no "real" do espaço-tempo musical.
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Notam-se nas ciências humanas enormes dificuldades na definição e no emprego dos conceitos que designam fenômenos culturais. Isso vale também para a área da música, onde costuma se notar certa confusão quando se passa para o entendimento do que designam os termos interpretação e performance. O presente ensaio quer responder a essa tarefa, urgente tanto do ponto de vista teórico quanto científico. Como a análise envolve a tradução e a transliteração de conceitos fundamentais de um idioma para outro, abordam-se primeiramente os critérios que norteiam a sua aplicação no contexto histórico da tradição musical clássico-romântica vienense. O objetivo central é demonstrar como esses conceitos diferem em sentido e fim. O próximo passo consiste numa análise criteriosa do conceito de reprodução musical. Por fim, propõe-se o trinômio reprodução musical, interpretação e performance como arcabouço conceitual para o ensino e a pesquisa da(s) prática(s) interpretativa(s). Ao mesmo tempo, o campo teórico da disciplina aumenta em sua abrangência migrando de uma noção embasada quase que unicamente na interpretação para a de um processo artístico multiforme de grande potencial produtivo e transformador que inclui também os elementos extramusicais da reprodução.
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Estudo sobre a repercussão do livro de DENORA (1995), e discussão sobre os conceitos que vêm à tona, a partir de uma abordagem sociológica do fenômeno do "gênio criador"; do surgimento do conceito de "música séria"¹ em oposição ao entretenimento; das estratégias de ocupação de um determinado campo cultural e suas aplicações em novos contextos. Todos os fatores que elegeram Beethoven são inoperantes num mundo em que novas regras se impõem na produção artística, tanto quanto na produção de mercadorias em geral: essa a principal contribuição do livro, que passou despercebida pela maioria das resenhas publicadas à época de sua publicação. Os esquissos do projeto da música dita "séria" são facilmente detectáveis na obra de Beethoven, em que sua busca de profundidade, em oposição à música leve, atinge novos patamares pari passu com sua posição social como compositor.
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Neste artigo empreende-se a análise da obra Portais e a Abside, de Celso Loureiro Chaves, para violão solo, de 1997. A análise segue os princípios da nova musicologia, como têm sido postos em prática por autores como Lawrence Kramer e Rose Subotnik. O ponto de partida e permanente referência da análise são as evidências deixadas pelo próprio compositor: o caráter inteiramente serial da obra; a relação do esquema formal da obra com "o plano arquitetônico de um templo imaginário, mas que poderia estar localizado na ilha de Próspero tal como desenhada por Peter Greenaway para o seu filme A Última Tempestade"; a referência da seção central da peça à memória de "alguma leitura longínqua da obra Grande Sertão: Veredas, de Guimarães Rosa". A partir destas evidências busca-se intuir um contexto que ilumine a obra e desvele a profundidade do seu significado.
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Nos últimos anos a improvisação passou a figurar como um tema cada vez mais presente nos ambientes acadêmicos e hoje é considerada uma importante linha de pesquisa. A nossa reflexão sobre a livre improvisação, além de se apoiar em nossas experiências práticas, tem como uma das suas principais referências a obra do filósofo francês Gilles Deleuze de quem são emprestados conceitos fundamentais tais como, estratificação, território, plano de consistência, molaridade e molecularidade, corpo sem órgãos, ritmo, meios e ritornelo. Neste artigo, originalmente publicado no número 49, vol. 1 da revista Perspectives of New Music, trataremos de mostrar de que forma estes conceitos nos auxiliam a pensar e fundamentar a livre improvisação musical conforme a concebemos em nossos trabalhos práticos e teóricos.
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O presente trabalho analisa a estruturação melódica das peças Syrinx, de Claude Debussy, e a primeira das Três peças para clarinete solo, de Igor Stravinsky, em busca dos procedimentos geradores de direcionalidade no discurso. Para tal, foram considerados aspectos como dinâmica, estrutura rítmica, composição intervalar e movimento no registro. Ao final do trabalho, chegou-se à conclusão que ambos os compositores lançam mão de procedimentos tradicionais para conferir direcionalidade às linhas melódicas, ao mesmo tempo em que contribuem com recursos novos e particulares.
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Toma-se o conceito de cadência, tópico do campo da harmonia, com um duplo objetivo: refletir sobre o uso da terminologia musical, expondo certa falta de consenso observada entre autores brasileiros, e exemplificar a permanência do conceito de "cadência" no repertório pós-tonal. Inicia-se com uma revisão histórico/conceitual do tema, investigando como esse assunto é tratado em livros selecionados, seus pontos de contato e divergência, sugerindo, ao final, uma abordagem para a classificação das progressões acórdicas. A seguir, partindo desses entendimentos, intenta-se estender a ideia de função cadencial para o repertório não-tonal, exemplificada com progressões conclusivas e de artifícios de tonicização em obras do século XX.
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O objetivo deste estudo foi verificar respostas emocionais a trechos musicais do repertório erudito ocidental. Músicos e não músicos ouviam cada trecho musical e associavam-no a categorias emocionais (Alegria, Tristeza, Serenidade ou Medo/Raiva). Os resultados indicaram que, para ambos os grupos, cada trecho musical, na maioria, não foi associado a mais de uma categoria emocional. De um modo geral, as associações foram semelhantes entre os grupos, embora as respostas dos músicos tenham sido mais consistentes. Estes resultados sugerem um processamento cognitivo de respostas emocionais à música ocidental relacionado à estrutura cognitiva do evento, a diferenças entre indivíduos e à expertise musical.
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Pesquisa exploratória com 40 músicos sobre do risco de surgimento de distúrbios ósteo-musculares relacionados ao trabalho, o mobiliário utilizado pelos musicistas e as posturas adotadas durante os ensaios da Orquestra Filarmônica do Espírito Santo (OFES). A avaliação postural visual utilizou o REBA (Rapid Entire Body Assessment) e as cadeiras e estantes de partitura foram avaliadas seguindo critérios ergonômicos. Os resultados indicam o desajuste postural dos músicos durante os ensaios, assim como a irregularidade do mobiliário utilizado, apontando para a necessidade de ações fisioterápicas imediatas tanto para reabilitação quanto para prevenção de lesões.
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Em seu livro basilar, A Theory of Musical Semiotics, Eero Tarasti empreende a análise semiótica da obra para piano Vallée d'Obermann, do compositor Franz Liszt. Num processo de arguta arqueologia musical, o autor desvenda as várias camadas que colorem a escrita do compositor húngaro. O presente artigo pretende fazer observações à margem deste texto, procurando detalhar e comentar a análise de um dos mais importantes teóricos da semiologia.
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Este artigo analisa a interconexão entre compositor e intérprete no processo de criação colaborativa. Neste processo, exemplificado através da obra Recycling Collaging Sampling de Edson Zampronha, a interação de ambos papeis resulta em um trabalho cuja pertencência e autoria são igualmente compartilhados.
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A motivação pode interferir na profissão musical, principalmente, pela necessidade constante da prática instrumental. No entanto, a literatura especializada não apresenta com clareza os principais fatores motivacionais para esta atividade profissional. Assim, buscou-se identificar os fatores relacionados à motivação para o desenvolvimento do trabalho de 22 instrumentistas de uma orquestra semi-profissional da região Sul do Brasil. A motivação foi avaliada por meio do questionário de FERREIRA et al. (2006) que apresenta 28 questões que buscam avaliar a motivação para o desenvolvimento das atividades profissionais relacionadas com a organização do trabalho, com realização e poder, com o desempenho e motivação associada ao envolvimento. Para a análise dos dados foi realizada a estatística descritiva por meio de média e desvio padrão e análise fatorial. Os resultados demonstraram que os fatores com a maior pontuação estão associados à motivação para a realização profissional e ao poder dentro da orquestra e com a motivação para o desenvolvimento das atividades profissionais relacionadas com a organização do trabalho. Essas informações se refletem nos resultados da análise fatorial que também indicou ambos os domínios como maior poder de explicação para se ter motivação para o desenvolvimento da prática junto ao instrumento. De forma geral, pode-se dizer que os instrumentistas encontram-se motivados para a realização do trabalho.
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A viola pomposa, instrumento pentacorde de origem barroca semelhante à viola de orquestra com uma corda Mi aguda acrescentada, recebeu denominações divergentes desde o final do século XVIII causando confusão com os termos "violino pomposo", "violino tenor", "violoncello da spalla" e "violoncello piccolo". Entrou em desuso provavelmente pela dispendiosa manutenção das cordas e maior esforço de manuseio, motivos que não mais justificam sua ausência das salas de concerto. Descreve-se detalhadamente uma viola pomposa de construção brasileira feita pelo luthier Carlos Martins del Picchia em Belo Horizonte em 2006 seguindo as informações sobre "La Parmigiana" de Guadagnini feita em 1765. Apresenta uma lista de repertório para o instrumento, na qual a produção brasileira desponta na publicação de partituras e gravações de áudio e vídeo.
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Pesquisas em prática instrumental evidenciam tendências que expressam certos aspectos de racionalidade calculada da ação e apontam para uma perspectiva pragmática de engajamento pessoal frente às situações de prática. Sistematizações sobre modos intencionais de proceder na prática instrumental em conexão com níveis de especialização músico-instrumental encontram-se não somente nos resultados dessas pesquisas, mas também implícitos nos conceitos de prática. Assim, o presente artigo discute a natureza e a finalidade das condições procedimentais implícitas nos conceitos e resultados de pesquisas em prática instrumental. Implicações procedimentais apresentam-se também nas discussões referentes à quantidade e a qualidade na prática, e justificam a existência de níveis diferenciados de especialização músico-instrumental na prática. O presente artigo aborda ainda a relação entre procedimentos e estratégias de prática.
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Para Siglind Bruhn, o conceito de ekphrasis, usado nas artes plásticas e na literatura, pode ser aplicado também para certas obras musicais. Partindo dessa concepção, desenvolvida pela autora na obra Musical Ekphrasis: composeres responding to poetry and painting este artigo investiga a apropriação que o compositor cubano Leo Brouwer (1939 - ) faz, no primeiro movimento de sua Sonata para violão solo, de certos procedimentos composicionais utilizados pelo pintor suíço Paul Klee (1879-1940) em sua série de pinturas intitulada Quadrados Mágicos, caracterizando, assim, uma ekphrasis.