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Dois estudos de caso sobre a relação texto-música-imagem em performances com atmosferas diametralmente opostas de Elis Regina nas canções Ladeira da Preguiça, de Gilberto Gil e Atrás da porta, de Chico Buarque e Francis Hime. A partir de uma adaptação da correspondência música-movimento proposta por HAGA (2008), as análises de gravações de vídeo históricas (REGINA e GIL, 1973; REGINA, BUARQUE e HIME, 1973; REGINA, BUARQUE e HIME, 1973/2006) e lead sheets (GIL, 1992; BUARQUE e HIME, 1999) revelam as interações entre os elementos textuais, musicais e cênicos a partir dos quais a cantora planeja e consolida seu gestual no palco de maneira estruturada e planejada, contrapondo ou reforçando diversos universos emocionais.
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Este artigo discute a adequação do emprego de ferramentas analíticas associadas à teoria da Grundgestalt de Schoenberg para o exame de relações estruturais em peças de música popular. Após a apresentação dos conceitos básicos, são examinadas algumas conclusões presentes em um artigo pioneiro de GREEN (2008) sobre o tratamento motívico de Duke Ellington. Em seguida, as canções Chovendo na Roseira, de Tom Jobim e Something, de George Harrison são analisadas com o uso de metodologia específica desenvolvida pela pesquisa à qual está associado este estudo. Os resultados obtidos sugerem que, embora limitada a condições especiais e com as devidas adaptações, é perfeitamente possível a aplicação de análise derivativa em peças de música popular.
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Estudo sobre utilização de modalismo no período pós Bossa Nova na música popular brasileira da década de 1960. A partir da valorização da cultura popular via Canção de Protesto, aponta-se o uso comum de procedimentos modais em diversos compositores representativos da época (Luiz Gonzaga, Jackson do Pandeiro, Edu Lobo, Geraldo Vandré, Baden Powell, Vinicius de Moraes, Moacir Santos, Egberto Gismonti, Milton Nascimento e Caetano Veloso). A ocorrência desses procedimentos é fundamentada em comparações com as manifestações do modal jazz norte-americano, bem como em antecedentes de tradições étnico-musicais brasileiras, que serviram de guia para uma tendência estética desse período.
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Este artigo pretende realizar uma leitura interpretativa da canção Sobre todas as coisas, composta por Chico Buarque e Edu Lobo, gravada originalmente no LP O grande circo místico (1983). A partir da ideia de canção como espaço que conjuga os textos verbal (a letra) e musical (melodia, harmonia e ritmo), vistos em relação de mútua correspondência, interessa-nos tentar perceber de que modo aspectos daqueles dois textos estão correspondidos e contribuem para a construção discursiva do sentimento amoroso, cenário afetivo em que um erótico eu-lírico entoa o canto sensual de sua vontade. Devido às relações pressentidas entre um discurso de fundo religioso-cristão e certa carga de sensualidade em Sobre todas as coisas, guardaremos, também, nossa leitura do poema O grande circo místico, publicado por Jorge de Lima em A túnica inconsútil (1938), além de referências ao compêndio Bíblia Sagrada.
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Assumindo a Literatura e a Música Popular Brasileira enquanto práticas discursivas, nosso objetivo neste artigo é analisar os aspectos estilísticos de três enunciados dos gêneros poema e canção, produzidos respectivamente nas esferas discursivas literária e verbomusical, e que mantêm entre si um diálogo intertextual. Os textos analisados, sob a ótica dos estudos de Bakhtin e de seu Círculo, são o poema Até logo, até logo, companheiro, tradução de Augusto de Campos para texto de Sierguéi Iessiênin; a canção quase homônima, musicada por Toquinho a partir da tradução de Campos; e a canção Até mais ver, uma adaptação do poema de Iessiênin feita por Belchior, que dialoga também com o poema In extremis de Olavo Bilac. Em nosso estudo, verificamos como se dá a relação interdiscursiva, se de modo contratual ou polêmico, operada pelos autores-criadores Augusto de Campos, Toquinho e Belchior, a partir de Sierguéi Iessiênin.
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Neste artigo, pretendo examinar um determinado tipo de relação do cinema com a música popular, cuja trajetória histórica pode ser localizada entre os anos 1930 e os anos 1950, e que expressou a tentativa de construir um tipo de cinematografia popular que fosse a expressão da identidade nacional brasileira. Em vários filmes deste período, a música popular não desempenhou apenas um papel funcional ou ornamental na narrativa, mas também foi tematizada como "representação" dos dilemas sociais, estéticos e ideológicos da brasilidade, conforme vista pela esquerda, notadamente a esquerda ligada ao Partido Comunista Brasileiro. Esta perspectiva foi adensada no filme Rio, Zona Norte (Nelson Pereira dos Santos, 1957), no qual as trajetórias do compositor negro do morro e do músico erudito branco, em seus encontros e desencontros, podem ser vistas como expressão dos dilemas e contradições deste projeto de cinema popular e de cultura brasileira.
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O presente artigo apresenta a análise de um questionário aplicado aos professores de violão de universidades públicas brasileiras (estaduais e federais), em que são abordados os caminhos de técnica e repertório utilizados nestas instituições. A partir de uma participação ampla (com 95,4% de participação das universidades que possuem curso de violão), foi possível elaborar um mapa do ensino do violão no Brasil, que poderá suscitar reflexões a respeito da pedagogia e do perfil dos profissionais formados nestes cursos.
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O cenário musical de Belo Horizonte, capital do estado de Minas Gerais, apresenta uma produção caracterizada por grande riqueza, qualidade criativa, inovações e crescente dinamismo. Tais ingredientes seriam suficientes para se pensar na possibilidade da construção de um Sistema Produtivo e Inovativo Local (SPIL) da música dessa cidade? Tal indagação motivou a discussão sobre as condições existentes ou as que precisariam ser criadas para que este sistema pudesse ser organizado. Nesse sentido, foram analisados os fatores que poderiam facilitar ou impedir essa construção.
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Resumo: Desde o pré-romantismo alemão, a música mantém relações cada vez mais íntimas com a poesia e a literatura. Rastreamos aqui alguns dos modos de aproximação destas duas formas diversas de expressão artística, mostrando como a literatura explora a alteridade da música para intensificar as dimensões afetivas e reflexivas da poesia. Trata-se de uma tradição poderosa que se estende de românticos como Hölderlin e Tieck até Rilke e além, ocupando um lugar de destaque no pensamento de Schopenhauer, Nietzsche, Heidegger. As reflexões de Rilke recebem um lugar de destaque neste artigo, mediante a tradução de suas anotações de leitura do famoso ensaio de Nietzsche, O nascimento da tragédia a partir do espírito da música.
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Resumo: Reflexões analíticas sobre como as Variações Enigma de Edward Elgar inserem-se no epicentro de uma das técnicas mais instigantes da composição musical. A partir de uma abordagem plural, discutem-se aspectos importantes de harmonia, análise, história da música e história da arte. No âmbito do gênero das variações com caráter de desenvolvimento, o criptograma manifesto pelo próprio compositor recebe aqui uma sugestão inédita para sua solução.
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Resumo: Já se falou que a finalidade da musicologia compreenderia a descoberta do que a "linguagem musical" nos ensina do ser humano que seja diferente daquilo que a linguagem falada e outras manifestações e instituições primordiais dele nos ensinam. Nesses termos, parece óbvio que tal tarefa depende muito do que se entende por "linguagem". Não obstante o paradigma da linguagem ter sido um bordão na concepção musical ocidental, a comparação tendeu mais a enfatizar certas "carências" e "lacunas" da música, apresentando-a inequivocamente como inferior e mais limitada quanto, por exemplo, a uma eventual função cognitiva. O presente artigo pretende rediscutir essa questão à luz de contribuições contemporâneas do pensamento sobre a linguagem, notadamente na obra de alguns filósofos italianos, como Giorgio Agamben, Paolo Virno e Adriana Cavarero.
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Resumo: O Der Vollkommene Capellmeister ("O mestre-de-capela Perfeito") é o último escrito musical de Johann Mattheson (1671-1764) e, sem dúvida, sua obra mais ambiciosa. Ela representa o mais importante dos escritos pertencentes ao gênero de preceptivas musicais conhecidas como Musica Poetica - um conjunto de tratados surgidos entre os sécs. XVI e XVIII que faz uso sistemático de conceitos oriundos da instituição oratória para descrever os elementos da composição e da actio musical. Neste texto discorrer-se-á sobre a noção do músico-orador perfeito. Inicialmente, será examinada a maneira como Mattheson se representa em sua autobiografia, não como sujeito individual, mas como tipo cortesão humanista, cristão, luterano, propondo uma leitura da mesma a partir do universo poético-retórico. Nesta parte, será possível definir também o tipo constituído pelos destinatários da obra. Com isto, será possível evidenciar como o autor alemão emula lugares-comuns já apresentados em retóricas latinas, em especial o De Oratore ciceroniano e a Institutio Oratoria, de Quintiliano ao definir o mestre-de-capela perfeito. Finalmente, serão examinados lugares-comuns diretamente ligados à ideia do músico perfeito: a possibilidade de se atingir a perfeição, os requisitos para alcançá-la, assim como a contribuição da natureza e da arte para esta tarefa e a importância de conhecimentos extrínsecos à técnica musical para se atingir este ideal.
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Resumo: No Terceiro Reich, a música ocupou um papel de destaque entre as artes, pois foi maciçamente utilizada como instrumento ideológico. As diretivas estéticas propostas por Goebbels em 1938 tomavam por base um ideário já apontado em Quantz e Wagner, mas cuja reatualização distanciava-se do contexto original para cumprir outros fins. A partir de análises dos textos dos autores citados, o artigo visa demonstrar a apropriação das ideias centrais e suas transformações, bem como a criação de uma outra categoria de música, a saber, os monumentos musicais.
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Esta investigação lança-se sobre o samba da Pequena África do Rio de Janeiro nas primeiras décadas do século XX de modo a analisar a atuação das mulheres na região que ficou conhecida como o berço do samba. A partir disso, identifiquei que as Tias Baianas da Pequena África foram mulheres atuantes e influentes no meio musical de sua época, compositoras, instrumentistas, cantoras, agentes transformadoras em um território tido como essencialmente masculino, como é o caso de Ciata, Perciliana, Carmem do Ximbuca, Maria Adamastor, Amélia Aragão, Mariquita, entre outras. Trata-se de um mundo musical feminino desvalorizado, obscurecido por uma construção histórica criada pelas classes superiores, focada nos grandes personagens, nos grandes eventos supostamente mais importantes, no domínio da vida pública, na tradição escrita, com escassos ou mesmo nenhum interesse na face doméstica, na tradição oral, no conhecimento das mulheres.
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Resumo: No semestre de inverno de 1932/33, Theodor Adorno ministrou na Universidade de Frankfurt um curso sobre o ensaio Do Belo Musical. Num artigo publicado alguns anos mais tarde, Adorno enfatizava a importância desse livro, uma vez que ele fixava o elemento da lógica imanente da composição musical, contra os autores que defendiam a música programática. Com efeito, um dos principais objetivos do ensaio de Hanslick era o estabelecimento da autonomia da obra musical. De acordo com ele, o belo na música é algo especificamente musical consistindo apenas e tão somente nos próprios sons e em sua combinação artística. Embora as referências diretas a Hanslick sejam relativamente raras e esparsas nos textos de Adorno, não devemos subestimar suas ressonâncias no pensamento desse autor. O objetivo desse artigo é investigar em que medida as ideias de Hanslick acerca da autonomia estética da música poderiam ter influenciado o conceito adorniano de material musical, bem como a sua abordagem da análise musical.
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A Umbanda é uma religião afro-brasileira e, tal como é praticada no Reino de Luz, é essencialmente sonora. A religião umbandista é muito estigmatizada por ser relacionada, por alguns não adeptos a Umbanda, às práticas do "mal", magia negra e culto ao diabo. Muitas são as diferenças entre as concepções religiosas e de mundo entre adeptos da Umbanda e de outras religiões, estas diferenças provocam choques de crenças e, muitas vezes, geram preconceitos. Neste trabalho, proponho analisar a cosmo visão umbandista através dos Pontos cantados e práticas sonoras em geral, dos discursos dos participantes do Terreiro de Umbanda Reino de Luz e seus principais pontos de atrito com visões do senso comum. Acredito que através da análise dos sons presentes nesse ambiente, aliados aos discursos dos membros da terreira, possamos melhor entender os preconceitos existentes em relação a esta religião e suas tentativas de adaptação para melhor aceitação social.
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Destacam-se neste trabalho as decorrências enunciativas da inevitável presença da fala na linguagem da canção. Ao conceber uma letra, o compositor não apenas propõe um conteúdo, mas também as unidades entoativas (modos de dizer) que figurativizam a melodia e lhe atribuem um valor oral. São essas entoações que fazem do intérprete o foco de toda canção. Além das marcas enunciativas da letra, que muitas vezes já definem um "eu" lírico, as modulações da voz completam para o ouvinte a sensação de que os sentimentos descritos nos versos são vivenciados aqui e agora pelo cantor. Os exemplos aqui citados provêm do repertório brasileiro.
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Nos anos de 1960, Edu Lobo era reconhecido pela preocupação estética e social em sua música. Os elementos para elaboração destas composições eram oriundos da música nordestina, da bossa nova e posteriormente da música "erudita". A partir de alguns conceitos de hibridismo, buscou-se entender as fontes musicais reelaboradas por Edu Lobo, mais especificamente na canção Memórias de Marta Saré (1968 - Edu Lobo e Gianfrancesco Guarnieri). O resultado deste estudo revela que as hibridações elaboradas nesta canção evidenciam alguns aspectos que explicam a singularidade do compositor, além de mostrar como os próprios conceitos de hibridismo se misturam nesta obra, cuja partitura está publicada às p.159-166 nesse número 30 de Per Musi.
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Estudo sobre a relação entre o texto linguístico e o texto musical na canção Jóia de Caetano Veloso. São analisados os procedimentos composicionais não tonais presentes na obra em consonância com o sentido de sua letra. Este estudo faz parte de uma pesquisa mais ampla que analisou canções populares em que o plano harmônico se distanciava da tonalidade.
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O estudo sistemático de um instrumento musical não é uma tarefa simples e implica numa demanda física e emocional difícil de imaginar por quem não se dedica a essa atividade. Pesquisadores reconhecem que tal demanda afeta significativamente a carreira do músico instrumentista e pesquisas importantes têm sido conduzidas sobre este assunto. Diante deste contexto, este artigo apresenta um estudo dos fundamentos da biomecânica da postura e suas implicações na performance da flauta. A partir da conceituação da postura normal, considerando o centro de gravidade corporal, a musculatura da estática e a postura normal em pé e sentada, foram elencados os aspectos fundamentais da biomecânica da postura na performance da flauta e as alterações posturais inerentes à sua performance. A conclusão do artigo é que se essas alterações posturais, próprias da performance, não forem conscientizadas pelo flautista, a qualidade da execução e a longevidade de sua carreira poderão ficar seriamente comprometidas.
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Este trabalho apresenta uma interpretação da peça para violão solo Prelúdio nº 3, de Heitor Villa-Lobos. A análise fundamenta-se nos conceitos de performance historicamente informada (WALLS, 2002) e intuição informada (RINK, 2007). Portanto, apresenta-se aqui um estudo de caso onde a intuição e percepção musical do intérprete são reforçados por aspectos estéticos e estilísticos. Primeiramente, serão abordadas características harmônicas e de ornamentação (elementos estético-estilísticos); depois, adentra-se na análise da peça, baseada em parâmetros como plano formal, temporalidade e dinâmica (RINK, 2007), bem como de agrupamentos (JACKENDOFF; LERDAHL, 1983).
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As pesquisas sobre performance historicamente informada se concentraram inicialmente em obras do século XVII e XVIII, trazendo novas ideias aos processos analíticos tradicionais e impulsionando novas abordagens interpretativas desses estilos. Entretanto, ao invés de apontar resultados unívocos e precisos, tais estudos multiplicaram as possibilidades de releituras musicais e originaram as mais diversas vertentes interpretativas. As investigações aportaram, pouco à pouco, aos estilos musicais que se sucederam ao barroco e ao clássico, chegando ao século XIX. Neste artigo, trataremos de alguns dilemas interpretativos decorrentes da diversidade editorial na música para piano de Frédéric Chopin (1810-1849). A ampla divulgação das suas primeiras edições na internet, juntamente com as possibilidades de performance trazidas pelas pesquisas históricas, expandiram as referências estabelecidas para sua música e trouxeram mais flexibilidade interpretativa a alguns parâmetros musicais, como direções fraseológicas, escolhas das articulações, timbre instrumental, dedilhados, pedais, rubati e ornamentações.
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O presente trabalho busca demonstrar como Max Reger emprega modelos de J.S. Bach na construção de sua Suíte Nº 1, Op. 131c. Dessa forma, em sua escrita, Reger combina elementos da harmonia do final do século XIX com técnicas contrapontísticas de J.S. Bach. A influência do mestre barroco é visualizada desde a escolha das tonalidades até a utilização de motivos que são, de fato, transformações e expansões de motivos “bachianos”. Portanto, este trabalho discute as técnicas de composição empregadas por Reger na Suíte Op. 131c nº 1, como também traça um paralelo entre essa obra, em particular, com movimentos das suítes para violoncelo solo de J.S. Bach. Respaldado pela linguagem baseada no cromatismo, Reger resgata, ao mesmo tempo, o gênero Suíte na literatura solo do violoncelo, e sob a égide da estética do romantismo tardio, cria uma obra com características e estilo próprios. A partir dessas premissas, o trabalho propõe subsidiar o intérprete em suas decisões interpretativas.
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Um grupo de professores de Trompete foi convidado a avaliar a performance instrumental de dois alunos. Inicialmente, a avaliação da performance instrumental dos executantes foi realizada livremente (sem referenciais teóricos ou instrumentos específicos) e posteriormente baseada na Escala de Registo da Execução Musical, a qual foi construída com base na teoria de Espiral de Desenvolvimento Musical (SWANWICK, 1988). Pretendeu-se efetuar um contraste entre as avaliações efetuadas pelos professores de Trompete, baseadas na Escala de Registo da Execução Musical (COSTA e BARBOSA, 2010) e as avaliações livremente produzidas pelos mesmos (sem referenciais). Quando se coloca em confronto as duas formas de avaliação é possível constatar inconsistências nas avaliações dos professores a respeito da performance instrumental dos alunos. Adicionalmente, é possível concluir que os professores de Trompete recorrem maioritariamente apenas a duas das dimensões da crítica musical: Materiais e Expressão, considerados os estágios situados no nível mais básico da Teoria Espiral.
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Esse trabalho apresenta uma síntese parcial da pesquisa de mestrado concluída em 2010, e tem como propósito discutir o significado de aprendizagem musical e sua relação com a teoria e a prática, levando em conta a intenção e a habilidade musical de adultos maduros. Sob esse enfoque qualitativo com técnicas de etnografia escolar, o artigo traz os relatos de oito alunos com idade a partir de 50 anos, que participaram de entrevistas semiestruturadas no decorrer do curso de extensão Apreciação e Musicalização na Maturidade – UFMG. Os resultados procedem da análise interpretativa do conteúdo, com base nos argumentos de SWANWICK (2003; 1996) e GREEN (2005). As considerações finais refletem sobre a importância de se adequar métodos de aprendizagem musical para esta faixa etária, conjugando teoria básica e atividades práticas conforme as possibilidades e a experiência do aprendiz
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Originária da flauta transversal alemã do séc. XII, a flauta transversal renascentista, também chamada de traverso, atingiu o ápice de sua popularidade entre os séculos XVI e XVII. Como tantos outros instrumentos musicais acústicos, as técnicas para sua construção e para seleção dos materiais utilizados, em especial das madeiras, são ditadas muito mais pela tradição e por generalizações intuitivas do que por indicações resultantes de pesquisa científica empírica. Este trabalho descreve uma breve história das flautas renascentistas, sua utilização, suas formas de execução e, principalmente, sua construção, a fim de avaliar até que ponto a seleção de materiais é importante para determinar as características qualitativas do instrumento, sendo que para este último ponto, foram utilizadas madeiras nacionais não tradicionais (como imbuia e sucupira), para a confecção, gerando bons exemplares.
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A consciência corporal é um pré-requisito imprescindível na manutenção da postura e na elaboração da gestualidade vocal e corporal para os cantores líricos. O objetivo desse estudo foi discutir sobre as relações entre signos posturais e vocais com a autoimagem em cantores líricos. Para tanto, foi realizada uma discussão semiológica baseada na Fisioterapia, Fonoaudiologia, Medicina, Filosofia, Psicologia e Artes, principalmente canto. Essa discussão foi estruturada em três tópicos: A) Singularidade e percepção corporal; B) Imagem e expressão; C) Postura, voz e autoimagem. Considerações finais: a expressão e a imagem corporal são figuradas por meio da conscientização da postura e do movimento corporal, portanto todo movimento é expressivo. Toda expressão tem efeito na imagem corporal, logo, toda nova percepção da expressão produzirá alteração na autoimagem. Dessa forma, o cantor lírico altera a percepção de si mesmo, a cada nova interpretação e institui novos signos para os gestos e para as posturas corporais.
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Este ensaio destaca a pouco compreendida pluralidade de gêneros musicais na MPB e na Tropicália da década de 1960, relacionando-a aos abalos vividos no período. Tal pluralidade de gêneros é inédita em um conjunto unitário de práticas na história da música popular brasileira, e argumenta-se que seu surgimento em momento marcado pela busca de participação nas decisões nacionais e diálogo, por parte das populações mais amplas, é significativa. Nesta pesquisa etnomusicológica, gêneros musicais foram compreendidos como discursos e diferentes gêneros foram percebidos como os discursos de diferentes grupos sociais e culturais. Investigando este fenômeno através do conceito de intertextualidade, analisou-se como identidades culturais erigidas em torno de gêneros delimitados foram desconstruídas pela ruptura de fronteiras entre os gêneros. Um sujeito plural emergiu deste processo, desafiando pares binários mutuamente excludentes.