MTEB-BR/scielo-clustering huggingface dataset:
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Este artigo, Parte 2 do mesmo estudo, apresenta os resultados do experimento “Sensação de continuidade de um trecho musical” (CHAIB et. al. 2013) analisados através da técnica estatística Análise Fatorial de Correspondências (AFC). O objetivo principal dessa análise é o de observar, através de índices, a influência do gesto na transmissão de sensações de continuidade, suspensão e conclusão sobre a performance em percussão. Uma vez alcançado o objetivo será possível generalizar os resultados em performances realizadas sobre os mesmos moldes das apresentadas no experimento.
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Este artigo, Parte 1 do mesmo estudo, mostra como foi realizado um tratamento descritivo, através de uma análise percentual, dos dados experimentais obtidos ao observar a influência do gesto corporal sobre as sensações de continuidade, suspensão e conclusão de um trecho musical em percussão. Dentro da complexa relação estabelecida entre o percussionista e o texto musical apresentado em grande parte das produções para percussão, procuramos compreender até que ponto o corpo poderá ser um agente auxiliador no processo de transmissão de sensações específicas sobre a música executada em uma performance percussiva. A complexidade deste processo experimental nos obrigou a dividir os resultados obtidos em dois artigos. Este trabalho trata-se da 1ª parte de publicação dos dados adquiridos e analisados a partir dos pesos percentuais.
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Este trabalho tem como principal objetivo verificar os elementos de indeterminação empregados por Eunice Katunda na sua peça para piano Expressão Anímica, composta em 1979, assim como estudar os procedimentos composicionais adotados pela compositora e contribuir com os estudos sobre a música brasileira do século XX. A partir de parâmetros musicais – tempo, duração, altura e efeitos - é observado o emprego da indeterminação, assim como levantados os tipos de notação empregados - notação exata, aproximada, indicativa e gráficos musicais. A metodologia parte do estudo e análise da peça ao piano e do estudo da bibliografia específica sobre análise e notação. Serão feitas propostas para uma possível performance.
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Resenha sobre o capítulo Paul grinds pepper do livro The Lives of John Lennon (1988) de Albert Goldman, que traz dados relevantes, pouco conhecidos e polêmicos sobre os bastidores do disco LP Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, lançado pelos Beatles em 1967 e o disco compacto com as faixas Penny Lane e Strawberry Fields forever, também lançado em 1967. Traz também o contexto histórico que precedeu a mudança estética mais radical da carreira dos Beatles, especialmente as gravações dos discos Rubber soul (1965) e Revolver (1966).
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Este artigo apresenta uma revisão sobre aspectos históricos das circunstâncias em que foi gravada a música Flèche d'Or de Django Reinhardt, e como o músico francês era visto pelos críticos da época, nos Estados Unidos e na Europa. A partir da caracterização desta música como um claro exemplo anterior do que fora considerado como estopim do jazz modal em Miles Davis, levanta-se a questão: porquê ela não foi ouvida?
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Registro do mapeamento de um conjunto considerável de instituições que utilizam a música como elemento estético-pedagógico relevante na transformação social de cidadãos em Salvador (Bahia), uma cidade que, distante dos discursos turísticos, apresenta consideráveis índices de pobreza, concentração de renda e desigualdade socioeconômica. O referencial teórico está alicerçado na geografia crítica e no conceito de ecologia dos saberes. A metodologia escolhida contempla a coleta e análise de estatísticas socioeconômicas oficiais sobre Salvador, e uma a pesquisa de campo com aplicação de entrevistas semiestruturadas.
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Este artigo apresenta algumas atividades realizadas em aulas de teclado em grupo na Universidade Federal de Pernambuco (UFPE) de acordo com uma abordagem que integra práticas deliberadas (SANTIAGO, 2006) e práticas informais de aprendizagem musical (GREEN, 2001; 2008). As práticas informais de aprendizagem musical são típicas do processo de aquisição de habilidades e conhecimentos por músicos populares, enquanto que a prática deliberada originalmente advém do contexto da aprendizagem do repertório da chamada música de concerto. Nesse estudo, a prática deliberada é utilizada como parte integral da aprendizagem do repertório instrumental popular. São apresentadas quatro músicas de níveis específicos dentro da disciplina ministrada, seguido da descrição de como o trabalho se desenvolve.
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Desde o início de sua carreira como compositor e líder de orquestra de jazz nos anos de 1920, Duke Ellington tem sido comparado a compositores eruditos europeus como Delius e Debussy. Declarações como a de Constant LAMBERT (1934), de que Duke Ellington estabeleceu "um padrão pelo qual podemos julgar. . .compositores eruditos" se concentraram em procedimentos composicionais complexos de sua obra. Seguindo outra direção, o presente estudo examina a interseção entre os estilos erudito e jazzístico, por meio da análise de seções tipicamente improvisadas de Ellington. O desenvolvimento do solo improvisado de saxofone barítono, materiais improvisatórios no Interlúdio e o papel do piano de Duke Ellington em três gravações - de 1937, 1953 e 1956 (ELLINGTON, 1937, 1953, 1956), - de Diminuendo and crescendo in blue (1937) indicam o estabelecimento de solos fixos no repertório de sua orquestra. O grau de elaboração composicional aí implícito sugere outras implicações. A análise minuciosa das gravações e a verificação de críticas contemporâneas de Ellington e de fontes acadêmicas posteriores (especialmente a de Bruno NETTL, 1974) permitem avaliar as implicações da predeterminação sugerida pelo tratamento que Duke Ellington deu à improvisação neste período.
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O presente texto parte dos pressupostos de que: 1) a música é componente de relevo da paisagem sonora (SCHAFER, 2001); da mesma maneira, a paisagem sonora interfere nos processos perceptivos e na formação do gosto estético; 2) a música veiculada pela mídia é construto da vida cotidiana, pois a própria música engendra modelos e formas de comportamento. Tendo como referência essas premissas, este texto analisa peças de repertório musical que, de certa maneira, representam o Brasil, ao longo de seus governos e governantes. Tomo, para este ensaio, a paisagem sonora do período relativo ao final do século XX, em que governaram os presidentes Fernando Henrique Cardoso e Luiz Inácio Lula da Silva. Acredito que traços particulares presentes na canção midiática formam uma rede de signos (às vezes discretos) que acabam por imprimir, indelevelmente, à cultura de origem, uma feição muito particular. Ocorre que, até o momento presente, estes signos não demonstram terem sido objeto de análises mais detalhadas. Um estudo desses elementos poderá contribuir para compreender melhor a dinâmica social das culturas, pela figura de seus governantes e governos, para além do que nos vem sendo oferecido, de forma estereotipada e simplista.
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Análise do álbum México 70 de Wilson Simonal, lançado pela gravadora Odeon mexicana em 1970. Buscamos compreender como as dimensões internas do disco, especialmente no que tange às orientações estético-musicais, condensaram alguns conflitos simbólicos presentes no processo de internacionalização da cultura e da consolidação da indústria fonográfica no Brasil. Após articular as relações entre futebol, imprensa, música popular e Estado com uma apreciação musical de cada faixa do álbum, confrontamos nossas conclusões com alguns conceitos recorrentes na literatura que trata da cultura e da música popular brasileira na década de 1970, a fim de sugerir um possível enfoque analítico para pensar a relação entre música popular brasileira e o contexto político-cultural desse período.
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Após uma trajetória inicial como compositor ligado às escolas de samba, Martinho da Vila fez sua estreia na indústria fonográfica com o lançamento de seu primeiro LP Martinho da Vila , no ano de 1969. O presente texto trata da primeira faixa desse disco, que reúne três sambas de sua autoria: Boa noite, Carnaval de ilusões (em parceria com Gemeu) e Caramba. Através de apontamentos analíticos sobre seu arranjo, sua letra, sua melodia e sua harmonia, articulado a um panorama do contexto histórico em que foi produzido, busca-se desvendar alguns significados presentes nesse fonograma, percebendo-o como uma expressão de ideias e valores que se apresentavam para os artistas da música popular na passagem da década de 1960 para a de 1970.
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Resumo: O trabalho tem como objetivo apresentar a interdependente relação entre música e fisiologia no Nietzsche tardio. A produtividade de tal pretensão reside em investigar o estatuto da fisiologia enquanto categoria filosófica fundante da experiência da arte e, em nosso caso específico, da música. Nos deteremos na reconstrução interpretativa de alguns problemas apresentados em Nietzsche contra Wagner e, a partir de um esforço hermenêutico, apontaremos para os desdobramentos filosóficos daí resultantes, capazes de contribuir com a tese central que perpassa este ensaio: a de que música é fisiologia aplicada no Nietzsche tardio, e que tal primado se estabelece como categoria para a crítica à música de Wagner, e integra a lógica mais ampla da crítica à modernidade e metafísica tradicional.
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Resumo:Os cantos yãmĩy, constantemente atualizados por grupos indígenas de língua maxakali, correspondem a miríades de seres extraordinários caros a uma esfera mítica. Fixos, perenes, apresentando pouco espaço para a improvisação, os yãmĩy são ao mesmo tempo marcados por uma disposição à dissolução ou a uma revisão permanente da forma, à medida em que se amplia o recorte analítico. O fluxo decorrente de uma trama citacional cerrada, com polarizações localizadas e constantemente ressignificadas, transforma as sequências de objetos diacrônicos em verdadeiras pulsações de zonas desenhadas diante de um fundo contínuo, à imagem de "diferenças internas" ou "superposições intensivas de estados heterogêneos" (VIVEIROS DE CASTRO, 2006).
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Resumo:O artigo tem como objetivo avaliar o mercado de trabalho relativo à Música, através da observância de vetores tais como: idade de iniciação musical, média salarial e grau de instrução formal dos mesmos. Trata-se de uma pesquisa quantitativa usando-se a técnica de coleta de dados, os quais foram obtidos por meio de um questionário estruturado respondido por 291 músicos brasileiros. A análise dos aspectos aqui tratados pode contribuir para o estabelecimento de uma projeção custo-benefício baseada na maior ou menor formação acadêmica, e atuação efetiva na área da música.
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Resumo:Preocupações sociais e ideologias são refletidas (1) em nossa escolha de assunto ou repertório, (2) em nossas tentativas conscientes de colocar indivíduos e repertórios em contextos históricos e culturais concretos, e (3) em paradigmas e pressupostos sobre os quais elaboramos nossos vários argumentos e narrativas (progresso, o 'grande homem,' a nação, marxismo, feminismo). Como podem acadêmicos de musicologia agir de maneira responsável com alunos, corpo docente auxiliar e colegas pesquisadores (incluindo aqueles que estão buscando novas abordagens)? Em quais situações não-musicológicas poderiam estes acadêmicos ajudar a construir políticas sociais e culturais? Este texto foi originalmente publicado como o capítulo 22 de: COOK, Nicholas; EVERIST, Mark (eds.). Rethinking Music. Oxford, New York: Oxford University Press, 2001. p.499-530. ISBN10: 0-19-879003-1 (hbk); ISBN10: 0-19-879004-X (pbk); ISBN13: 978-0-19-879004-4. A tradução respeitou a estrutura original do texto e das notas de rodapé.
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Este texto busca se aproximar do discurso de especialistas ameríndios sobre a origem não autoral de suas músicas, onde a escuta ocupa a função de produção. Busca também compreender as limitações dos artistas ocidentais quando tentam colaborar com as formas de trabalho acústico operantes entre estes coletivos. À luz de reflexões de Bruno Latour e Jacques Rancière em torno de temas relacionados às políticas da estética, às noções de "produção" e às fissuras construídas pelas sociedades modernas entre noções de natureza e cultura, é revisitado o percurso singular do compositor francês Pierre Boulez, como forma de problematizar um encontro da produção artística musical dos círculos de compositores de salas de concerto com as cosmossonologias ameríndias.
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o presente artigo busca discorrer sobre a prática músico-teatral na Espanha do início do século XVIII, com foco no estudo da zarzuela Acis y Galatea. Este ensaio pretende demonstrar como o teatro foi utilizado pela dinastia Bourbon para fazer sua propaganda política, incorporando elementos da tradição espanhola, bem como da ópera italiana.
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ResumoOs atributos necessários para o desenvolvimento de produtos podem ser avaliados e verificados por meio da usabilidade. No caso dos músicos de violino e viola, acessórios como a espaleira são necessários para melhorar o posicionamento, minimizar a tensão muscular na região do pescoço e liberar a mão esquerda para a digitação das notas. Mesmo assim, problemas como queixas musculoesqueléticas são indicados na literatura. Este estudo avaliou as espaleiras utilizadas por 10 músicos de uma orquestra, por meio dos princípios de usabilidade, e investigar a percepção dos músicos relacionada à satisfação, eficácia e eficiência das espaleiras, por meio de questionários com perguntas abertas. As problemáticas estão relacionadas à usabilidade, sendo as espaleiras consideradas eficazes para as práticas instrumentais, precisando ser mais eficientes, fazendo com que a correta postura seja mantida e que menores ocorrências musculoesqueléticas sejam geradas em função dos ajustes inadequados dos acessórios.
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Resumo:O artigo aborda a experiência de ensino na disciplina Sociologia da Música no Curso de Licenciatura Plena em Música da UFPA, a partir de uma experiência ocorrida em 2013. O tema geral utilizado nas aulas foi a capoeira, a partir do olhar da sociologia da música, da Educação Musical e da etnomusicologia. A principal intenção da utilização dessa manifestação Afro-brasileira foi provocar a reflexão dos discentes sobre as demais culturas musicais presentes na sociedade a qual os mesmos pertencem e convivem, enfatizando os diferentes modos de ensino, aprendizado e performance musical - não menos importantes ou complexos do que os acadêmicos.
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Resumo No final do século XIX e início do século XX, transformações políticas e sociais marcaram o Brasil: abolição, imigração, República, reformas urbanas. Um dos motes destas reformas era a educação. A educação elevaria o Brasil à nação civilizada. Na educação, a música se apresentava como importante e até essencial. O ensino musical tornou-se preocupação de músicos e educadores. No estado de São Paulo, vários métodos foram criados. A cada método inúmeras críticas e discussões se seguiam. O objetivo deste artigo é trazer a tona alguns destes métodos pioneiros bem como as críticas, lutas e rivalidades em torno deles, que denunciam não somente uma questão educacional, mas uma luta por espaços sociais, notadamente na cultura escolar, erudita e popular.
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Resumo: Dois textos principais orientam o presente estudo: A música nova, a música demodée, o estilo e a ideia, escrito por Arnold SCHOENBERG (1977b) em 1946, e O sistema e a ideia, escrito por Pierre BOULEZ (1986) em 1986. Inicialmente é trabalhado o conceito de 'ideia musical' em diversos textos de Schoenberg. O conceito é então confrontado com uma análise de seu Prelúdio do Op. 25, elaborada por Jack BOSS (2014). Essa análise levanta a problemática da percepção, conduzindo à discussão do texto de Boulez. Esse último é trabalhado na relação da 'ideia musical' com o 'sistema', inicialmente em conexão com a segunda Escola de Viena e em seguida com sua própria estética. Procura-se compreender como se articulam esses dois conceitos nas reflexões dos dois compositores, que muito influenciaram a transformação da linguagem musical no século XX, e que se situam em uma linha evidente de conexão e continuidade.
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Resumo: Existem diversas concepções a respeito de como desenvolver a projeção da voz no canto lírico, embora o recurso seja corriqueiramente enfatizado na prática desse estilo. O objetivo da presente pesquisa foi o de identificar e analisar as principais formas de abordagem de ensino da projeção vocal no canto lírico, por professores atuantes nessa área. Segundo os participantes da amostra, cinco pontos de abordagem para uma efetiva projeção vocal no canto lírico são os aspectos que envolvem o corpo, a percepção/propriocepção do som, a utilização de imagens na didática e, principalmente, a respiração e a emissão da voz.
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Resumo: O presente artigo apresenta algumas reflexões sobre o repertório desenvolvido no componente curricular Teclado e suas possíveis contribuições para a formação inicial de professores de música. Desenvolvido em aulas coletivas, parte do repertório é analisado e aplicado por meio de atividades realizadas no componente pertencente a matriz curricular do curso de Licenciatura em Música da Universidade Estadual de Feira de Santana. São objetos da análise três métodos: 1) Diorama de Cacilda Borges Barbosa (caderno preparatório); 2) 13 Pequenas Peças Brasileiras de Moema Craveiro Campos; 3) Miniaturas (peças para piano) de Maria da Graça Santos. Como resultado, verifica-se que o domínio de conhecimentos e práticas musicais é fundamental para o exercício docente na área, visto que o fazer musical é uma ferramenta essencial para o ensino de música. Todavia, o fazer musical deve ser ampliado a partir da articulação com saberes teóricos e pedagógicos musicais.
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Resumo: Parte fundamental do exercício profissional do tecladista no Renascimento, a improvisação musical é o relevante tema do livro II da segunda parte do tratado Il Transilvano (1610). Única obra publicada pelo organista Girolamo Diruta (1554?-1610?), o Transilvano expõe em 'Diálogo' as preceptivas da arte da música de seu tempo e é Monumentum da memória dos principais mestres atuantes na Sereníssima República de Veneza no século XVI - Adriano Willaert, Gioseffo Zarlino e Claudio Merulo. Padre da ordem franciscana e reconhecido organista das igrejas catedrais de Chioggia e Gobbio, Diruta registra por extenso a fortuna do ensino da Fantasia ao teclado como ápice e fim de um profundo estudo do Contraponto e seus artifícios. A partir da exposição desses preceitos, o presente artigo pretende contextualizar a livre - mas "correta" - manipulação dos sons segundo aquela técnica histórica e oferecer ao seu leitor um panorama da didática da música renascentista.
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ResumoTrata-se do relato de um processo criativo musical no qual utilizou-se estratégias composicionais vinculadas a análises de conteúdo espectral com descritores de áudio. Tal procedimento foi o suporte para a elaboração da obra "Lana Tai - no dia em que nasceu uma aquarela", para orquestra de cordas. A partir de um banco de dados sonoros, realizaram-se diversas experimentações com o objetivo de testar configurações orquestrais elaboradas com técnicas estendidas de execução instrumental. Tais experimentos foram realizados com suporte do ambiente computacional Pure Data (PD) com o qual utilizou-se a biblioteca de descritores de áudio PDescriptors. Os resultados, as reflexões e as questões levantadas durante toda a elaboração, criação e execução de "Lana Tai" suscitam um novo aporte no desenvolvimento tanto da pesquisa em processos criativos quanto na criação de novas obras inéditas.
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Resumo:Este artigo discute as ações do Canto Coral IFAC Sena, um projeto de Extensão do Instituto Federal de Educação Ciência e Tecnologia do Acre, idealizado e desenvolvido na cidade de Sena Madureira, Acre, entre dezembro de 2011 e dezembro de 2012. Impactos sociais do trabalho reforçam e validam a ideia de construção da saúde e da cidadania por meio da prática de canto em conjunto.
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Resumo:Este trabalho apresenta uma digitação violonística para transcrições do prelúdio da Suíte BWV 997, original para alaúde, de Johann Sebastian Bach (1685-1750). Os aspectos musicais abordados para fundamentar a digitação foram divididos e classificados em motivo, melodia polifônica, contraponto, arpejo e homogeneidade tímbrica. O cotejamento foi aplicado como modelo de análise, em algumas transcrições para violão dessa obra, nas quais foram verificadas digitações diversificadas e notações distintas quanto à representação de alguns valores rítmicos e de determinadas alturas.
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Resumo:A escrita musical do compositor Carlo Gesualdo transforma-se ao longo de seus seis livros de madrigais. Enquanto nos aspectos que integram os dois primeiros livros encontramos principalmente características da tradição polifônica do Renascimento, nos madrigais dos terceiro e quarto livros predomina o experimentalismo harmônico, ao passo que nos dois últimos há maior ocorrência dos procedimentos tipicamente associados ao compositor maduro - a escrita cromática e dissonante. O principal elemento que faz a ligação desta escrita ao longo das três fases é a relação entre a música e o texto. Observando o tratamento que o compositor fez em relação a dois termos recorrentes nos madrigais - as palavras amor e morte -, em obras de diferentes fases, foi possível constatar o estreitamento desta relação textual da música, bem como suas implicações no resultado sonoro final. Na primeira fase, Gesualdo utilizava os procedimentos mais comuns na escrita musical para ressaltar estes termos, como a escrita contrapontística, contrastando com a escrita homofônica. Nas fases seguintes, ele passou a procurar elementos musicais mais sofisticados que permitissem explorar diferentes sonoridades. Por meio deste processo, o compositor destacou, de forma mais contundente, palavras e narrações dos poemas, recorrendo principalmente a resultantes harmônicas incomuns e a falsas relações melódicas. A análise do uso destes termos ao longo da obra demonstrou o aprofundamento da expressividade e o amadurecimento dos procedimentos musicais utilizados pelo compositor.
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Resumo:Nos últimos anos, muitos estudos em neurociências têm buscado compreender como o sistema nervoso está estruturado, como funciona em pessoas com desenvolvimento global típico e atípico, e como este sistema nervoso processa a música enquanto estímulo percebido e ação no mundo. A integração destes conhecimentos na prática clínica musicoterapêutica pode fornecer novas explicações sobre o modo pelo qual o uso terapêutico da música promove melhoras da saúde, bem como subsidiar o desenvolvimento de novas abordagens clínicas de tratamento, avaliação diagnóstica e avaliação do processo terapêutico. Este artigo apresenta uma fundamentação nas neurociências para uma prática clínica musicoterapêutica com foco na melhora da comunicação não-verbal e da interação social de crianças e adolescentes com Transtorno do Espectro do Autismo.