Bases de solfège/Mélodie et harmonie
Formation musicale/Mélodie
3. Mélodie
La mélodie désigne les notes jouées successivement.
Quelques « règles ».
Dans une mélodie, les notes sont organisées par des règles. C'est le fait de suivre telles ou telles règles qui fait que l'on reconnaît un style de musique : baroque, romantique, sérielle, klezmer, rock 'n roll…
Il n'y a par ailleurs pas de règle assurant le succès d'une mélodie ; certains compositeurs ont un grand succès mais celui-ci ne peut pas s'expliquer par l'application d'une méthode rigoureuse. Et une mélodie n'est pas forcément écrite pour être plaisante, en particulier si le morceau est écrit pour évoquer quelque chose de désagréable ou douloureux.
Nous pouvons quand même tenter de comprendre pourquoi l'on aime ou l'on n'aime pas une œuvre, au delà de nos goûts particuliers.
En général, on aime une musique quand elle peut se chanter. Parce que l'art, c'est d'abord un partage, quelque chose que l'on peut s'approprier (mais pas que).
Donc qu'est-ce qui fait que quelque chose est chantable ?
Premier élément : des intervalles par trop grands. Les grand sauts aigus-graves ou graves-aigus sont difficiles à maîtriser quand on n'est pas un musicien aguerri. Donc « on » aime bien les petits intervalles mélodiques (disons de la seconde à la quinte).
Deuxième élément : on aime bien quand la mélodie est faite d'un motif qui se répète. C'est aussi la répétition qui rend la poésie agréable : la répétition rythmique (même nombre de pieds dans un vers, scansion) et les rimes (répétition de sonorités).
Troisième élément : on aime bien quand les notes font partie d'une gamme familière, typiquement de 5 à 7 notes. Le choix de la gamme, et en particulier de l'organisation des notes (le mode), est ce qui colore la mélodie : joyeuse ou triste, sinisante ou arabisante etc.
Quatrième élément : on aime bien quand le rythme est régulier, cadencé. La musique, ça se chante mais ça se danse aussi.
Ces règles forment un carcan assez rigide. Si on les respecte, on fera quelque chose d'écoutable par le grand public, pas forcément « génial » mais écoutable. Mais bien sûr, l'art c'est la liberté de création non ? Donc il faut aussi savoir sortir de ce carcan. Cela rend la musique vivante, originale.
Certains compositeurs s'attachent à utiliser de nouvelles règles voire à introduire le hasard ; c'est le cas de la musique savante contemporaine dite « atonale ».
Exemple de la « Marche turque »
Prenons par exemple le début de « la Marche turque » (ou « rondo à la turque ») de Mozart ("Allegretto" de la sonate pour piano no11). Pour le thème à la main droite, nous avons un motif, une « cellule » (encadrée ci-dessus) composée de quatre double-croches en mouvement conjoint suivies d'une croche une tierce au dessus (les intervalles sont faibles, premier élément). Cette cellule est répétée de manière régulière (deuxième élément), parfois partiellement (encadré pointillé). Le rythme est cadencé (quatrième élément) : la mesure est régulière () et organisée autour d'un groupe de quatre double-croches.
Le motif est répété à différentes hauteurs : le premier motif commence par un "si", le deuxième par un "ré" puis on monte au "fa" et au "si" aigu. On parle de « marche harmonique ».
Pour le troisième élément, la règle « font partie d'une gamme familière » ne semble pas respecté au premier abord : en musique tonale (dans laquelle s'inscrit Mozart), il n'y a pas de gamme avec un "sol" et un "ré" dièses mais avec un "fa" et un "do" bécarres. Cependant, si l'on excepte le "ré" dièse, les notes appartiennent à la tonalité de "la" mineur, ce qui est cohérent avec l'absence d'altération à la clef. Le motif est la succession d'intervalles « seconde majeure descendante — seconde mineure descendante — seconde mineure ascendante » (que l'on peut noter –2M, –2m, +2m), ce motif étant transposé en commençant aux notes "si", "ré". La dernière tierce du motif est parfois mineure (lorsque le motif part du "si"), parfois majeure (lorsqu'il part du "ré"). En revanche, lorsque le motif commence par un "fa", il ne comporte que des secondes mineures (–2m, –2m, +2m), il s'agit alors de la gamme chromatique.
On peut donc considérer que cette partie utilise la gamme de "la" mineur harmonique à l'exception d'un passage en gamme chromatique.
Les notes de départ des motifs sont "si"-"ré"-"fa"-"si", ce sont les notes d'un accord de "si" diminué ; on peut le voir comme l'accord sur le deuxième degré de la tonalité (ii5) ou bien comme l'accord de septième de dominante sans fondamentale de la tonalité de "do" majeur (“V”7+), la tonalité relative de "la" mineur (voir le chapitre suivant "Harmonie > Les accords en général"). Nous voyons que les règles de la mélodie et les règles de l'harmonie répondent à des principes similaires. Cet accord est un accord très utilisé, la mélodie s'appuie donc sur des notes « importantes » de la tonalité.
De manière plus générale
Barbara Tillmann a recherché les « invariants », les éléments que l'on retrouve dans toutes les cultures musicales, et étudié les réactions d'adultes et de bébés à diverses musiques, ce qui permet de séparer l'inné de l'acquis, du culturel. Elle en déduit les invariants suivants :
Le compositeur Jérôme Ducros relevait par ailleurs que le plaisir de l'écoute musicale provient à la fois
Mouvement mélodique.
Le terme « mouvement » désigne la manière dont deux notes se suivent. Le mouvement peut être :
Le mouvement mélodique peut être représenté par le « code Parsons » : on indique uniquement si l'on a un mouvement ascendant (U pour '), descendant (D pour ') ou si la note est répétée (R), sans indication de rythme ni de hauteur exacte : la première note peut être indiquée par un astérisque. On obtient ainsi une « signature » de la mélodie, une représentation simplifiée, qui permet de classer et de reconnaître la mélodie ; cependant, plusieurs mélodies différentes peuvent avoir le même code Parsons.
Par exemple, le code Parsons d’"Au Clair de la lune" est : codice_1. Le moteur de recherche ' du site Musipedia permet de chercher les mélodies ayant cette signature et elles sont nombreuses. Si l’on coche l’option ' (chansons populaires), "Au Clair de la lune" apparaît comme premier résultat.
Parties d'une œuvre.
Une œuvre peut être décomposée en parties, une partie étant un fragment portant une « idée musicale ». Une œuvre courte n'a qu'une seule partie ; c'est le cas par exemple d'une comptine. Parfois, la partie est répétée, comme dans une comptine à accumulation "(Alouette", "Un Kilomètre à pied)" ou à décompte "(Dix Sous dans ma poche)" mais aussi de certaines chansons traditionnelles "()".
Une chanson de musique populaire de deux à cinq minutes a en général une alternance de deux parties : couplet et refrain, avec parfois une troisième partie appelée pont "()". Par exemple, on a une structure : introduction — couplet — refrain — couplet — refrain — pont — refrain.
Dans les chansons des comédies musicales des années 1930-1960 aux États-Unis, on a souvent une structure dite AABA : chaque partie A ou B comporte huit mesures, ce qui fait 32 mesures au total. Nous pouvons par exemple citer la chanson de "" (Harold Arlen et
Herbert Stothart) chantée par Judy Garland dans le film "Le Magicien d'Oz" (Victor Fleming, 1939). Par rapport aux paroles de la chanson, on a
En musique classique, le rondeau, ou rondo, est articulé autour d'un refrain noté A alternant avec d'autres parties, sous la forme A / B / A / C / A / D / A / coda. Le terme ' (« queue » en italien) désigne la fin du morceau ; sur une partition, il est indiqué par une croix dans un cercle 𝄌 (« ballon » de '). On pourra par exemple écouter l’"Introduction et rondo capriccioso" de Camille Saint-Saëns (1863).
Lorsqu'une œuvre est longue, elle est découpée en mouvements. Chaque mouvement est en soi un morceau, les mouvements sont séparés par un silence. C'est le cas des sonates, concertos et symphonies par exemple. On a en général une alternance rapide/lent/rapide. Chaque mouvement est lui-même composé de parties comme exposé ci-dessus.
On désigne souvent les mouvements par leur numéro d'ordre (premier mouvement, second mouvement…) et par l'indication de leur tempo "(Allegro", "Andante", "Largo"…). Ils portent parfois des noms de danse.
Thème et variations.
En musique classique, on a souvent une structure « thème et variations » : dans une première partie, un thème (une mélodie, une succession de notes) est exposé puis ce thème est modifié, mais on peut toujours reconnaître le thème malgré ses modifications. On peut en modifier la mélodie (changer les intervalles entre les notes), le rythme ou l'harmonie (l'accompagnement). Par exemple, Simon et Garfunkel font des variations sur ' en ajoutant un contrechant légèrement différent à chaque répétition. Citons également le quatrième mouvement "Andante" « La Truite » du "Quintette en "la" majeur" de Franz Schubert (D. 667, 1819) qui présente des variations sur le ' (poème germanique chanté) " (la truite) du même Schubert (1817).
Ce procédé « thème et variations » est apparu dans la musique occidentale au Moyen Âge avec le ", le « chant fixe » autour duquel s'articule l'œuvre (la polyphonie). Dans une chaconne (danse originaire des colonies espagnoles aux Amériques au e siècle), on a un thème de 4 à 8 mesures suivi de variations. La passacaille est une danse venue d'Inde à la même époque et qui finit par se confondre avec la chaconne. 
Par exemple, la "Chaconne en "fa" mineur" de Johann Pachelbel (1653-1706) est formé d'un thème de huit mesure et vingt-deux variations. La "Passacaille et fugue en "ut" mineur" de Jean-Sébastien Bach (BWV 582, 1706-1713) est formé d'un thème de huit mesure, partiellement emprunté à une messe d'André Raison (1640-1719), et vingt-et-une variations.
Exercice
Écouter "La Marche des rois" de Georges Bizet (1872), tiré de "L'Arlésienne, suite no 1", du début à 3 min 25 sur le lien suivant :
Combien de fois le thème est-il joué ? Quelles sont les différences entre les interprétations ? Instruments, vitesse, nuance…
Le thème est joué cinq fois :
Règles du contrepoint rigoureux.
Le contrepoint est une manière de composer qui consiste à superposer plusieurs lignes mélodiques ; c'est une polyphonie (la superposition de plusieurs voix). Le contrepoint dit « rigoureux » est né en Europe au Moyen-Âge et a été très utilisée jusqu'à l'époque baroque ; il se caractérise par un ensemble de règles rigoureuses dont certaines concernent la mélodie, c'est-à-dire chaque voix individuelle.
Principe du plus court chemin
Le mouvement conjoint doit être préféré au mouvement disjoint.
Intervalles mélodiques permis
Intervalles mélodiques tolérés
Les autres intervalles mélodiques sont proscrits.
Liens et références.
"Gammes et intervalles" < ↑ > "Harmonie"