2. Gammes et intervalles
Les notes « naturelles » et la gamme de "do" majeur.
Nous considérons dans un premier temps les notes « naturelles » c'est-à-dire sans altération (ni dièse, ni bémol) : "do", "ré", "mi", "fa", "sol", "la" et "si" ou, en notation anglo-saxonne, C, D, E, F, G, A et B. Cette succession de sept notes forme la « gamme de "do" majeur ».
On a donc choisi un nombre réduit de sons, les « notes », pour écrire la musique. Ces notes forment une « gamme ».
Le terme « gamme » provient de la lettre grecque gamma « Γ », qui était utilisée auparavant pour désigner le "sol" le plus grave.
En partant du nom d'une note, jusqu'à la suivante de même nom :
Cette gamme est agréable à l'oreille mais n'a pas d'intervalles réguliers entre les notes ; en effet, les notes « naturelles » successives sont séparées d'un ton ou d'un demi-ton :
Un demi-ton fait évidemment la moitié d'un ton. 
On a donc, si l'on monte la gamme constituée par les sept notes en commençant par le "do", la succession suivante :
Dans l'image ci-dessous, un ton est représenté par une « parenthèse » en dessous, alors qu'un demi-ton est représenté par un « accent circonflexe » au-dessus :
On peut aussi jouer ces notes en commençant par le "la" :
Les demi-tons sont placés à des endroits différents, cette gamme forme un « mode » différent (voir plus loin). Ce mode est appelé « mode mineur » et l'on a donc la « gamme de "la" mineur ».
On élève souvent le sol d'un demi-ton avec un dièse « ♯ » (voir ci-après), ainsi, la dernière note de la gamme est plus proche de la première note de l'octave supérieure, elle est « aspirée vers le haut ». Cette note « aspirée vers le haut » est appelée « note sensible ». La gamme de "la" mineur s'écrit donc en général :
avec un « grand écart » entre le "fa" et le "sol"♯.
Altération des notes naturelles.
Pour enrichir la musique, on introduit des notes intermédiaires afin de pouvoir placer des demi-tons ailleurs qu'entre "mi" et "fa" ou entre "si" et "do". On a donc créé des altérations qui permettent de monter ou de baisser une note d'un demi-ton :
On a donc au total douze sons différents, ou hauteurs différentes, séparés par des demi-tons :
Une gamme formée par ces douze sons s'appelle une « gamme chromatique » ; c'est une gamme par demi-tons.
On remarque qu'un son peut avoir plusieurs noms : le son du « "do" dièse » est le même que celui du « "ré" bémol » ; de même, le « "ré" dièse » s'entend à la même hauteur que le « "mi" bémol »… 
Il y a donc une différence entre la hauteur du son et le nom qu'on lui donne, le nom de la note, qui dépend des circonstances. 
Ces notes sont dites « enharmoniques ». Il y a quatre autres enharmonies que, pour simplifier, nous n'avons pas mises dans la liste ci-dessus : "si" et "do"♭, "do" et "si"♯, "mi" et "fa"♭ et "fa" et "mi"♯. 
On peut monter une note de deux demi-tons (donc d'un ton complet) avec un double-dièse noté « ♯♯ » ou bien « 𝄪 ». On peut descendre une note de deux demi-tons (donc d'un ton complet) avec un double-bémol noté « 𝄫 ».
Si une même hauteur de note peut avoir deux noms, pourquoi utilise-t-on l'un plutôt que l'autre ? Dans quel cas utilise-t-on "la"# et dans quel cas utilise-ton "si"♭ si l'on entend la même chose ? 
On peut comparer une gamme à une équipe sportive de sept joueurs, "do", "ré", "mi", "fa", "sol", "la" et "si" ; 7 joueurs qui doivent occuper 7 postes appelés degrés : I, II, III, IV, V, VI, VII. (Nous y reviendrons un peu plus loin dans « Les autres gammes de la musique classique ».) 
Les intervalles.
Un intervalle est un écart séparant deux notes, qu'elles soient jouées en même temps ou successivement. On nomme l'intervalle en fonction du nombre de degrés qu'il contient (y compris les notes de départ et d'arrivée), dans la succession « "do", "ré", "mi", "fa", "sol", "la", "si" », c'est-à-dire par écart croissant. Si l'on monte dans la gamme, on parle d'intervalle ascendant :
Nous pouvons aussi considérer des accords descendants : "do"-"si" est une seconde descendante, "do"-"fa" est une quinte descendante…
Chanter et reconnaître les intervalles.
Le travail de l'oreille est important en musique. Les petits intervalles sont les plus simples à reconnaître et à chanter. L'exercice fondamental consiste à savoir chanter la gamme de "do" majeur : on la chante en s'accompagnant d'un instrument pour guider notre voix. Puis on joue le premier "do" et on la chante "a capella" et on vérifie à la fin que le "do" aigu que l'on chante est juste ; s'il est faux, on essaie de voir à partir de quelle note on s'écarte (on chante "a capella" et on vérifie au "mi", au "sol").
Ensuite, on s'entraîne à chanter l'accord parfait de "do" majeur : "do"-"mi"-"sol" ; et l'accord parfait de "la" mineur : "la"-"do"-"mi".
Puis on peut s'exercer de deux manières. Par des exercices élémentaires :
La deuxième manière consiste à chanter mes morceaux « réels », par exemple les morceaux que l'on joue à l'instrument.
Enfin, on fait de « dictées de notes » ou « dictées mélodiques » : une personne joue une succession de notes et l'on doit trouver les notes (en connaissant la première). On peut aussi faire un relevé de notes : on prend un morceau enregistré et l'on essaie de trouver les notes qui sont jouées, par exemple pour pouvoir le rejouer. Cela peut se faire avec des « dictées à trous » : on utilise une partition à laquelle il manque des notes, notes qu'il faut retrouver à l'écoute.
Les autres gammes de la musique classique.
Les différentes gammes majeures et mineures.
On peut vouloir jouer un même air plus aigu ou plus grave :
Il faut donc avoir des successions de notes ayant les mêmes écarts :
Si l'on a un morceau en "do" majeur et qu'on veut le jouer un ton au dessus, en commençant par un "ré", il faut donc les notes :
C'est la gamme de "ré" majeur.
Et si l'on a un morceau en "la" mineur mais qu'on veut le jouer en "ré", on a alors :
c'est la gamme de "ré" mineur.
La note de départ est appelée « tonique », elle donne son nom à la gamme.
On peut commencer une gamme majeure par chacune des douze notes : un "do", un "ré"♭, un "ré", un "mi"♭, un "fa", un "sol"♭, un "sol", un "la"♭, un "la", un "si"♭ ou un "si". On a quelques gammes enharmoniques : il existe une gamme de "do"♭ majeur, enharmonique de "si" majeur, une gamme de "do"♯ majeur, enharmonique de "ré"♭ majeur et une gamme de "fa"♯, enharmonique de "sol"♭ majeur.
De la même manière, on a douze gammes mineures commençant chacune par une des douze notes : "la", "si"♭, "si"…
Degrés de la gamme.
Habituellement, on numérote les notes du grave vers l'aigu en commençant par la note donnant le ton. Le numéro de la note s'appelle le « degré ». Les degrés portent également des noms :
Altérations à l'armure.
Si l'on ne considère que les gammes majeures, on remarque qu'elles contiennent soit des dièses, soit des bémols, mais jamais les deux. Ces altérations étant « permanentes » (on les retrouve quasiment dans tout le morceau), on les place « à la clef », « en armure » (cf. "infra") c'est-à-dire en début de ligne.
Si l'on classe les gammes par nombre de dièses croissants, on a :
Si l'on classe les gammes par nombre de bémols croissants, on a :
On remarque que l'on a un ordre déterminé :
l'ordre des dièses et des bémols sont inversés, la progressions se fait par quinte pour les dièses, par quarte pour les bémols.
L'ordre des dièses et l'ordre des bémols sont à connaître par cœur.
Il y a deux gammes à connaître par cœur :
Pour trouver le nom des autres gammes majeures à partir de l'armure :
Gammes relatives.
On peut refaire le travail ci-dessus pour les gammes mineures. En effet, si l'on parle des gammes mineures naturelles (sans la sensible) :
Elles utilisent les mêmes notes, avec les mêmes altérations (donc la même armure). Les gammes majeures et mineures qui utilisent les mêmes notes sont dites « relatives » :
Le fait d'altérer le e degré de la gamme mineure pour former une sensible ne change rien à ce caractère relatif ; cette modification n'est pas intégrée à l'armure (bien qu'étant quasiment permanente), mais écrite à chaque fois au cours du morceau, en tant qu'« accident » (événement « exceptionnel »).
Il est fréquent qu'un morceau commence dans une gamme, puis passe momentanément dans la gamme relative. Par exemple, un morceau en do majeur peut avoir un passage en la mineur, et "vice versa". On appelle ceci la modulation.
Le tableau suivant récapitule les gammes relatives, classées par nombre d'altérations à l'armure.
"Sol" mineur est donc la relative de "si"♭ majeur.
La règle générale est simple :
Ainsi, le nom de la gamme mineure est une tierce mineure en dessous de la gamme majeure ; et la gamme majeure est une tierce mineure au dessus de la gamme mineure.
Pour aller plus loin.
Intervalles.
Qualification des intervalles.
Si l'on part d'un "do" et que l'on arrive sur une note non-altérée, l'intervalle est dit « majeur », sauf pour la quarte, la quinte et l'octave qui sont dites « justes ».
Si l'on diminue d'un demi-ton chromatique un intervalle majeur, on obtient un intervalle « mineur ». Si on diminue de deux demi-tons chromatiques un intervalle majeur, on obtient un intervalle « diminué ». Si l'on diminue d'un demi-ton chromatique un intervalle juste, on obtient un intervalle « diminué ».
Si l'on augmente d'un demi-ton chromatique un intervalle majeur ou juste, on obtient un intervalle « augmenté ».
Par exemple pour des intervalles ascendants :
et
Un accord est caractérisé par le nombre de tons et demi-tons qu'il contient.
On transpose ensuite ces valeurs à n'importe quelle note. Par exemple :
On remarque que quasiment tous les intervalles ont des enharmoniques : la seconde majeure est enharmonique de la tierce diminuée, la seconde augmentée est enharmonique de la tierce mineure…
Lorsque les notes sont jouées l'une après l'autre, on parle d'intervalle « mélodique » ; lorsqu'elles sont jouées simultanément, on parle d'intervalle « harmonique ».
Renversement d'un intervalle.
Renverser un intervalle, c'est permuter les notes. Par exemple, le renversement de l'intervalle "fa"-"la" ascendant (tierce majeure ascendante) est l'intervalle "la"-"fa" ascendant (sixte mineure ascendante), donc le renversement de la tierce majeure est la sixte mineure, et vice-versa. On remarque que c'est aussi ce qui se passe lorsque l'on passe d'un intervalle ascendant à descendant : la tierce majeure ascendante "fa"-"la" devient la sixte mineure descendante "fa"-"la".
On remarque également que l'empilement d'un intervalle et de son renversement est une octave juste : "fa"-"la" et "la"-"fa" forme l'octave juste "fa"-"fa". Un intervalle et son renversement sont donc les complémentaires de l'octave juste.
Ainsi :
On peut voir ça de la manière suivante : l'octave juste fait six tons. Un intervalle et son renversement coupent l'octave en deux parties, il se « partagent la gâteau » ; si l'on augmente une partie, on diminue l'autre, si un intervalle a une « grosse part », l'autre a une « petite part ».
Quelques intervalles importants.
Les intervalles sont utilisés pour les accords. Les accords de base utilisent trois intervalles ascendants : la tierce (3ce), la quinte (5te) et la septième (7e), il est donc intéressant de savoir qualifier rapidement ces intervalles.
La tierce majeure fait deux tons, la tierce mineur fait un ton et demi, ce que nous abrégeons de la manière suivante :
Les notes de la quinte juste ont la même altération "sauf" si l'on a un "si" : la quinte juste ascendante de "si" est "fa" ♯ :
Ainsi, "ré"-"la", "ré" ♯-"la" ♯ et "ré" ♭-"la" ♭ sont des quintes justes ; "si"-"fa" ♯, "si" ♭-"fa" ♮ et "si" ♯-"fa" 𝄪 sont des quintes justes. Cela se voit bien sur un clavier de piano : les demi tons naturels se voient parce qu'il y a deux touches blanches côte à côte (sans touche noire entre les deux) et pour toutes les quintes, il n'y a qu'une seule paire de touches blanches adjacentes "sauf" si l'on part d'un "si", dans ce cas-là on a deux paires de touches blanches adjacentes, ce qui « oblige » à ajouter un demi-ton.
Pour la septième ascendante, il est plus simple de considérer son renversement, la seconde descendante. Pour une septième majeure, on prend l'octave et on descend d'un demi ton, pour une septième mineure, on descend d'un ton :
Le cercle des quintes justes.
Le cercle des quintes justes est un moyen de comprendre la construction des gammes, et un moyen mnémotechnique qui nous sera utile ci-après.
L'intervalle de quinte juste est un intervalle agréable à l'oreille. Il a servi à construire la musique sur plusieurs continents (Europe, Asie, Afrique).
Partons de la note "do". Si l'on descend d'une quinte juste, nous obtenons la note "fa". Si nous partons du "do" et que nous montons en quintes justes successives, nous obtenons les notes : "sol", "ré", "la", "mi", "si". Nous avons ainsi sept notes, les sept notes de la gamme de "do" majeur mais « dans le désordre ».
Si maintenant nous prenons les cinq premières notes en partant du "do", nous obtenons, en les remettant dans l'ordre : "do", "ré", "mi", "sol" et "la". Cela forme la gamme dite « pentatonique de "do" majeur ». Cette gamme se retrouve en Chine et en Afrique ; les esclave vendus aux États-Unis l'amenèrent avec eux et cette gamme est importante dans le blues et le jazz.
Continuons à monter les quintes justes après le "si". Il faut alors avoir recours à des altérations : "fa" ♯, "do" ♯, "sol" ♯, "ré" ♯, "la" ♯, "mi" ♯ et "si" ♯. Les dernières notes, "mi" ♯ et "si" ♯, sont enharmoniques de "fa" et "do", nous retombons donc sur el début de la liste. Nous pouvons donc mettre toutes ces notes sur un cercle.
La succession des notes diésées sera utilisée ci-après pour les différentes gammes (notion d'armure ou armature). C'est « l'ordre des dièse » qu'il convient de connaître par cœur.
Si nous considérons les enharmoniques bémolées ("mi" → "fa" ♭, "si" → "do" ♭, "fa" ♯ → "sol" ♭, "do" ♯ → "ré" ♭…) et que nous inversons l'ordre, nous obtenons la succession : "si" ♭, "mi" ♭, "la" ♭, "ré" ♭, "sol" ♭, "do" ♭, "fa" ♭. C'est « l'ordre des bémols » qu'il faut également connaître.
Gammes, modes et tonalités.
Les gammes et les modes.
Reprenons donc notre gamme de "do" majeur, avec ses demi-tons situés entre les notes "mi"-"fa" et "si"-"do".
Cette gamme est une gamme dite « diatonique ». Elle a pour origine la Grèce antique. Elle est construite sur l'assemblage de deux tétracordes c'est-à-dire de deux groupes de quatre notes
le deuxième tétracorde étant à la quinte du premier.
Lorsque l'on joue les sept notes, on peut commencer par celle que l'on veut :
on a donc sept manières de jouer cette gamme, sept « modes ». On peut numéroter les notes de la gamme de à (un à sept en chiffres romains), du plus grave au plus aigu ; on parle alors de degré. Changer de mode consiste donc à choisir arbitrairement le er degré parmi les sept notes.
Changer de mode revient à changer l'emplacement des demi-tons. Par exemple, dans le mode de "ré", on a :
Considérons l'air de "Au clair de la Lune" :
Si l'on exprime les notes par leur degré dans le mode de do, on obtient la succession suivante :
Si maintenant on part de la note "ré" par exemple, et que l'on suit la même succession, on a :
On voit que ce nouvel air sonne différemment : alors que l'air interprété en "do" ne contient que des tons, l'air en "ré" contient des demi-tons.
On peut ainsi créer sept morceaux différents, en partant de chacune des sept notes, et chaque morceau aura une sonorité différente tout en ressemblant aux autres.
On dispose ainsi de sept « modes » : le mode de "do", le mode de "ré", le mode de "mi"… le mode de "si". On utilise parfois des noms grecs pour qualifier ces modes (mode dorien, mode myxolydien…) mais à tort : la notion de mode était fort différente dans la Grèce antique (elle correspondait aux accordages de la lyre), et cette correspondance entre les modes diatoniques et les noms grecs s'est faite tardivement à partir de sources incertaines (voir l'article "Mode (musique)" de Wikipédia et sa page de discussion).
Transposition d'un mode.
Le mode, caractérisé par la succession des tons et demi-tons, donne la « couleur », l'ambiance d'un morceau. Si on décide de jouer le morceau de manière plus aiguë ou plus grave mais que l'on garde le même mode, on obtiendra exactement le même morceau avec la même ambiance. Cette opération s'appelle la transposition.
Pour transposer, il faut disposer de notes supplémentaires afin de pouvoir placer les tons et demi-tons où l'on veut : les notes « naturelles » ne suffisent pas. Cela nécessite l'utilisation des dièses (♯) et des bémols (♭) vus plus haut.
Ainsi, on peut transposer le mode de "do" en commençant à la note "ré" :
et à l'inverse, on peut jouer le mode de ré en commençant par un do :
Si l'on considère les sept modes de base transposés en "ré", on a :
Les autres gammes de la musique classique.
La musique européenne dite « tonale » a majoritairement retenu deux modes :
Le mode mineur a été modifié afin d'introduire un demi-ton entre la septième et la huitième note (la septième note est alors appelée la « sensible ») : cela « sonnait mieux ». Le « mode mineur harmonique » est donc la succession :
c'est le mode mineur le plus utilisé, celui que l'on considèrera par défaut. L'intervalle fa-sol♯ était considéré comme difficile à chanter ; on a donc créé un « mode mineur mélodique » dans lequel le "fa" est diésé à la montée, mais est naturel à la descente…
Notes tonales, notes modales.
Dans une gamme, on a des notes dites tonales et modales :
Si l'on considère les quatre modes habituels pour la tonalité de "ré" (cf. ci-dessus), on a :
On voit que les notes tonales sont les mêmes pour les gammes du même ton, et que les notes modales sont caractéristiques du mode.
Si l'on considère maintenant les sept modes de base pour la gamme de "ré", on a :
On voit que le concept est moins pertinent dans ce cas-là, en particulier pour les modes de "fa" et de "si" qui n'ont pas les mêmes notes tonales, et pour les modes de "mi" et de "la" qui ont les mêmes notes modales. Au final, le concept n'est pertinent que pour les modes de "do", de "ré" et de "sol".
Transposition.
Un morceau est écrit dans une tonalité donnée, c'est-à-dire que la quasi totalité de ses notes sont celle d'une gamme donnée. Il peut parfois être nécessaire de jouer le morceau plus aigu ou plus grave ; par exemple, il y a une partie de chant mais le chanteur n'arrive pas à chanter les notes les plus aiguës ou les plus graves.
Cette opération s'appelle la transposition. Il faut donc décaler toutes les notes vers le haut ou vers le bas de la même quantité. Un musicien aguerri peut faire cela à vue simplement en remplaçant la clef de la portée par une autre clef (voir ci-après). Mais il faut aussi déterminer la nouvelle tonalité, la nouvelle armure.
Par exemple, un hautboïste veut jouer la partie de cor anglais du "Largo" de la "symphonie du Nouveau Monde" de Dvořák. C'est une partie avec quatre bémols à la clef ; le cor anglais est un instrument transpositeur en "fa", le hautbois est en "do".
Donc lorsque le cor anglais joue un "do", le hautbois doit jouer un "fa", soit une quinte juste en dessous, ou, si la tessiture ne le permet pas, une quarte juste au dessus. Le hautboïste doit donc lire en clef d’"ut" 2e ligne. Par ailleurs, alors que la partition est écrite en "la"♭ majeur, le hautbois, lui, doit jouer en "ré"♭ majeur (une quinte juste en dessous) soit avec cinq bémols.
Ci dessous, nous représentons le début du thème écrit pour le cor anglais, transposé au hautbois en clef d’"ut" 2 et en clef de "sol".
Musique populaire moderne.
Par « musique populaire moderne », on entend ici la musique de groupe, comme le blues, le jazz, la pop, le folk, le rock (rock n' roll, hard rock…), le reggae, le funk…
Les styles n'ont pas nécessairement de liens directs entre eux ; toutefois, ils utilisent un formalisme un peu différent de celui de la musique classique.
Gammes pentatoniques.
Les "negro spirituals", ou "gospels", sont issus du mariage de la musique africaine et de la musique religieuse européenne, qui s'est opéré chez les esclaves africains déportés en Amérique du Nord. De la tradition africaine, elle a notamment hérité des gammes de cinq notes, les gammes pentatoniques.
Cette musique a donné le jazz et le blues, qui lui-même a enfanté du rock n' roll. Ces gammes pentatoniques sont de fait largement utilisées dans la musique moderne.
La gamme pentatonique majeure est constituée des degrés , , , et de la gamme majeure. Par exemple, la gamme pentatonique de do majeur est :
De même, la gamme pentatonique mineure constituée des degrés , , , et de la gamme mineure naturelle. Par exemple, la gamme pentatonique de la mineur est :
On remarque que les gammes majeures et mineures sont constituées des mêmes notes, puisqu'en particulier il n'y a pas la sensible.
La gamme blues est une gamme pentatonique mineure à laquelle on ajoute une quinte diminuée, dite « note bleue » "(blue note)". Par exemple, la gamme blues en la est :
Dans le tableau suivant, a note bleue est indiquée entre parenthèses.
Accords.
En musique moderne, et en particulier en jazz et dans le rock, on construit les accords non pas comme empilement de tierces, mais comme des modifications des accords parfaits.
On utilise fréquemment la notation anglosaxonne : on donne la fondamentale de l'accord selon la française habituelle ("do", "ré", …) ou bien avec la notation anglosaxonne :
En allemand, le "si" est noté H, et le B désigne un "si" ♭.
La nature de l'accord est donnée en ajoutant des lettres, chiffres ou signes derrière.
Les principaux accords sont :
L'exemple suivant présente dans l'ordre les accords de do majeur, mineur, diminué, augmenté, septième, septième majeure, suspendu seconde et suspendu quarte (C, Cm, Cdim, Caug, C7, Cmaj7, Csus2 et Csus4). Il manque ici l'accord de septième mineure ("do"-"mi"♭-"sol"-"si"♭) noté Cm7.
Le rock, et notamment le hard rock et le heavy metal, utilisent souvent des accords incomplets, composés seulement de la fondamentale et de la quinte ; il s'agit donc d'une quinte juste. On parle d'« accord de puissance » ou "power chord". Par exemple, l'accord de puissance de do est composé des notes do et sol.
Musiques modales, tonales et atonales.
Un style musical utilise certaines gammes, c'est-à-dire un ensemble de notes dont certaines ont plus d'importance que d'autres. Une gamme est un ensemble de notes et est donc une succession d'intervalles. Les gammes ayant la même succession d'intervalles forment un mode : elles ont toutes la même « couleur », mais sont plus ou moins aiguës ou graves.
Une musique modale est donc une musique qui utilise un mode.
La musique tonale est une musique qui n'utilise que deux modes : le mode majeur et le mode mineur. La musique classique est une musique tonale. C'est en fait une musique modale particulière. Les notes importantes sont les degrés (tonique), (sous-dominante) et (dominante).
La musique atonale est la musique qui n'est pas fondée sur des gammes avec des notes importantes. Il s'agit essentiellement de la musique dite « contemporaine », qui fait partie de la musique savante occidentale du e siècle. Un des premiers exemples de musique atonale se trouve sans doute dans le "" de Carlo Farina (1627), œuvre dans laquelle il veut évoquer des bruits de la nature (à 13 min. 30 sec. puis à 14 min. 28 sec. dans la vidéo ci-dessous) au sein d'une œuvre plutôt baroque par ailleurs.
Voir aussi.
"Caractéristiques et notation des sons musicaux" < ↑ > "Mélodie"