Alfred Stieglitz était un photographe états-unien né le 1er janvier 1864 à Hoboken (New-Jersey) et décédé le 13 juillet 1946 à New York. Il fut aussi un promoteur de l’art moderne qui a contribué pendant cinquante ans à faire de la photographie une forme d’art reconnue. Stieglitz était connu par ses photographies mais aussi grâce aux galeries d'art new-yorkaises qu'il dirigeait au début du XXe siècle et où il a présenté de nombreux artistes européens d'avant-garde aux États-Unis. Il était marié à Georgia O'Keeffe, une peintre bien connue.
Biographie.
La jeunesse.
Stieglitz était le fils aîné d'immigrants juifs allemands, Edward Stieglitz (1833 - 1909) et Hedwig Ann Werner (1845 - 1922). Son père était lieutenant dans l'armée de l'Union. Il avait cinq frères et sœurs, Flora (1865 - 1890), les jumeaux Julius (1867 - 1937) et Léopold (1867 - 1956), Agnes (1869 - 1952) et Selma (1871 - 1957). Alfred Stieglitz, voyant la relation étroite entre les jumeaux, aurait souhaité avoir une « âme sœur » durant son enfance.
Stieglitz a fréquenté l'Institut Charlier, une école chrétienne considérée comme la meilleure école privée de New York, en 1871. L'année suivante, sa famille a passé les étés au lac George, dans les Adirondacks, une tradition que Stieglitz a poursuivie à l'âge adulte.
Afin de se qualifier pour l'admission au City College de New York, Stieglitz était inscrit dans une école publique pour sa dernière année de lycée, mais trouvait l'éducation inadéquate. En 1881, Edward Stieglitz a vendu son entreprise pour 400 000 dollars et a déménagé sa famille en Europe pendant plusieurs années pour que ses enfants reçoivent une meilleure éducation. Alfred Stieglitz fut inscrit au Lycée Real à Karlsruhe. L'année suivante, Stieglitz a étudié l'ingénierie mécanique à la "Technische Hochschule" de Berlin. Il s'est inscrit à un cours de chimie enseigné par Hermann Wilhelm Vogel, un scientifique et chercheur, qui a travaillé sur les processus chimiques du développement des photographies. Avec Vogel, Stieglitz a trouvé à la fois le défi académique dont il avait besoin et un débouché pour ses intérêts artistiques et culturels grandissants. Il a reçu une allocation de 1 200 dollars (équivalente à 30 430 dollars en 2017) par mois.
L'intérêt pour la photographie.
Les artistes allemands Adolf von Menzel (peintre, graveur et illustrateur allemand) et Wilhelm Hasemann (peintre de genre et de paysages et illustrateur allemand) étaient ses amis. Stieglitz acheta son premier appareil photo et parcourut la campagne européenne, photographiant des paysages et des paysans en Allemagne, en Italie et aux Pays-Bas. La photographie, écrivit-il plus tard, « m'a fasciné, d'abord comme loisir, ensuite comme passion, enfin comme obsession ».
En 1884, ses parents sont retournés en Amérique mais Stieglitz, à 20 ans, est resté en Allemagne et a collectionné des livres sur la photographie et les photographes en Europe et aux États-Unis . À travers son auto-apprentissage, il a considéré la photographie comme une forme d'art. En 1887, il écrit son tout premier article, "Un mot ou deux sur la photographie d'amateur en Allemagne", pour le nouveau magazine "The Amateur Photographer". Il a ensuite écrit des articles sur les aspects techniques et esthétiques de la photographie pour des magazines en Angleterre et en Allemagne.
En 1887, il a remporté la première place du concours organisé par "The Amateur Photographer" pour sa photographie "The Last Joke, Bellagio". L'année suivante, il remporta le premier et le deuxième prix dans le même concours et sa réputation commença à se répandre à mesure que plusieurs magazines photographiques allemands et britanniques publiaient son travail.
En 1890, sa sœur Flora mourut en accouchant et Stieglitz retourna à New York.
Vie professionnelle.
New York et le Camera Club (1891 - 1901).
Stieglitz se considérait comme un artiste mais il refusait de vendre ses photographies. Son père a acheté pour lui une petite entreprise de photographie afin qu'il puisse gagner sa vie dans le métier qu’il a choisi. Il exigeait des images de haute qualité et versait des salaires élevés à ses employés, de sorte que la société de gravure Photochrome réalisait rarement des bénéfices. Il écrivait régulièrement pour le magazine "The American Amateur Photographer". Il a remporté des prix avec ses photographies lors d'expositions, notamment l'exposition conjointe du "Boston Camera Club", de la "Photographic Society of Philadelphia" et de la "Society of Amateur Photographers" de New York.
À la fin de 1892, Stieglitz acheta son premier appareil photo portatif à 4 × 5 " Folmer et Schwing ; il l'utilisa pour prendre deux de ses images les plus connues, "Winter, Fifth Avenue" et "The Terminal". Auparavant, il utilisait un appareil photo 8 × 10 à plaques qui nécessitait un trépied.
Stieglitz était très réputé pour ses photographies et ses articles de magazine montrant que la photographie est une forme d'art. Au printemps de 1893, il devint co-rédacteur en chef de "The American Amateur Photographer". Afin d’éviter toute partialité dans ses opinions et parce que Photochrome imprimait maintenant les héliogravures pour le magazine, Stieglitz a refusé de toucher un salaire. C'est lui qui écrivait la plupart des articles et des critiques dans le magazine et il était connu pour son contenu technique et artistique.
Le 16 novembre 1893, Stieglitz, âgé de 29 ans, a épousé à New York Emmeline Obermeyer, 20 ans, sœur de son ami et associé en affaires Joe Obermeyer et petite-fille du brasseur Samuel Liebmann. Stieglitz a écrit plus tard qu'il n'aimait pas Emmy ; quand ils étaient mariés, leur mariage n'a pas été consommé pendant au moins un an. Fille d'un riche propriétaire de brasserie, elle avait hérité de l'argent de son père, lequel avait perdu de fortes sommes en bourse. Stieglitz a fini par regretter sa décision d'épouser Emmy car elle ne partageait pas ses intérêts artistiques et culturels. Son biographe, Richard Whelan, a résumé leur relation en disant que Stieglitz « lui en voulait amèrement de ne pas devenir sa jumelle ». Tout au long de sa vie, Stieglitz a conservé une attraction fétichiste pour les jeunes femmes.
Au début de 1894, Stieglitz et sa femme effectuèrent un voyage de noces en France, en Italie et en Suisse. Stieglitz a pris beaucoup de photos pendant le voyage, dont certaines de ses premières images célèbres telles que "Un canal vénitien", "The Net Mender" et "Un jour humide sur le boulevard, Paris". Pendant son séjour à Paris, Stieglitz a rencontré le photographe français Robert Demachy, devenu correspondant et collègue à vie. À Londres, Stieglitz a rencontré George Davison et Alfred Horsley Hinton, les fondateurs de The Linked Ring, tous deux devinrent ses amis et ses collègues pendant la plus grande partie de sa vie.
Plus tard dans l'année, après son retour, Stieglitz a été élu à l'unanimité parmi les deux premiers membres états-uniens de The "Linked Ring". Il a considéré cette reconnaissance comme une impulsion dont il avait besoin pour promouvoir la cause de la photographie artistique aux États-Unis. À cette époque, il y avait deux clubs de photographie à New York, la "Society of Amateur Photographers" et le "New York Camera Club". Stieglitz a démissionné de son poste à la Photochrome Company et de rédacteur en chef de "The American Amateur Photographer" et il a passé la majeure partie de l'année 1895 à négocier une fusion des deux clubs.
En mai 1896, les deux organisations se sont associées pour former "The Camera Club of New York". Bien que pressenti pour la présidence, Stieglitz est devenu vice-président. Il a développé des programmes pour le club et s'est engagé dans tous les aspects de l'organisation. Il a déclaré au journaliste Theodore Dreiser qu'il voulait "rendre le club si grand, ses travaux si distingués et son autorité si définitive qu'il puisse utiliser de manière satisfaisante son grand prestige pour faire reconnaître les artistes individuels sans ou hors ses murs."
Stieglitz a transformé le bulletin d'informations du "Camera Club" en un magazine, "Camera Notes", et il a pris le contrôle total de la nouvelle publication, dont le premier numéro est sorti en juillet 1897. Il fut bientôt considéré comme le meilleur magazine photographique du monde. Au cours des quatre années suivantes, Stieglitz a utilisé "Camera Notes" pour défendre sa conception de la photographie en tant que forme d'art, incluant des articles sur l'art et l'esthétique à côté des gravures de certains des plus grands photographes américains et européens. Le critique Sadakichi Hartmann a écrit « il me semblait que la photographie artistique, le Camera Club et Alfred Stieglitz n'étaient que trois noms pour une seule et même chose ».
Stieglitz a également continué à prendre ses propres photographies. À la fin de 1897, il a tiré lui-même les photogravures pour un premier portfolio de son propre travail, "Picturesque Bits of New York et autres études". Il a continué à exposer ses photos en Europe et aux États-Unis et, en 1898, il a acquis une solide réputation en tant que photographe. Il a été payé 75 dollars (équivalent à 2 206 dollars en 2017) pour son tirage préféré, "Winter - Fifth Avenue". Dix des estampes de Stieglitz ont été sélectionnées cette année-là pour le premier Salon de photographie de Philadelphie, où il a rencontré puis est devenu l'ami de Gertrude Käsebier et Clarence Hudson White.
Le 27 septembre 1898, la fille de Stieglitz, Katherine « Kitty », est née. En utilisant l'héritage d'Emmy, le couple a embauché une gouvernante, une cuisinière et une femme de chambre. Stieglitz travaillait au même rythme qu'avant la naissance de sa fille et, par conséquent, le couple vivait principalement sous le même toit.
En novembre 1898, un groupe de photographes de Munich, en Allemagne, monta une exposition de leurs œuvres parallèlement à une exposition de gravures d’artistes, dont Edvard Munch et Henri de Toulouse-Lautrec. Ils se sont appelés les « Sécessionnistes », un terme que Stieglitz a utilisé pour ses significations à la fois artistiques et sociales. Quatre ans plus tard, il utilisa le même nom pour un groupe de photographes pictorialistes nouvellement formé qu’il organisa à New York.
En mai 1899, Stieglitz reçut une exposition individuelle de quatre-vingt-sept tirages au "Camera Club". La tension liée à la préparation de cette manifestation, associée aux efforts continus pour produire les "Camera Notes", eut un effet négatif sur la santé de Stieglitz. Pour alléger son fardeau, il a fait appel à ses amis Joseph Keiley et Dallet Fugeut, qui n’étaient ni membres du "Camera Club", ni éditeurs associés de "Camera Notes". Déconcertés par l'intrusion de ces étrangers, sans parler de leur présence réduite dans la publication du Club, de nombreux membres plus anciens du Club ont commencé à faire campagne activement contre l'autorité éditoriale de Stieglitz. Celui-ci passa la plus grande partie de l'année 1900 à trouver des moyens de déjouer ces efforts, ce qui le plongea dans de longues batailles administratives.
Un des rares faits saillants de cette année-là a été l’introduction par Stieglitz d’un nouveau photographe, Edward Steichen, au "First Chicago Photographic Salon". Steichen, à l'origine peintre, a apporté beaucoup de ses dons artistiques à la photographie. Les deux sont devenus bons amis et collègues.
En raison de la tension persistante liée à la gestion du "Camera Club", l'année suivante, Stieglitz s'est effondré lors de la première de plusieurs crises mentales. Il passa une grande partie de l'été à la maison familiale du lac George, à Oaklawn, en convalescence. À son retour à New York, il annonça sa démission comme éditeur de "Camera Notes".
"Photo-Secession" et "Camera Work" (1902 - 1907).
La photographe Eva Watson-Schütze a invité Stieglitz à monter une exposition qui serait jugée uniquement par des photographes, lesquels, contrairement aux peintres et aux autres artistes, connaissaient la photographie et ses caractéristiques techniques. En décembre 1901, il fut invité par Charles DeKay du "National Arts Club" à organiser une exposition dans laquelle Stieglitz aurait « tout son pouvoir pour suivre ses propres inclinations ». En deux mois, Stieglitz a réuni une collection à partir du cercle rapproché de ses amis et, en hommage aux photographes munichois, il l'a appelé Photo-Secession.
« Nous cherchons la vérité ultime... Nous croyons que si l'on apprend aux gens à apprécier le beau côté de leur quotidien, à prendre conscience de toute la beauté qui les entoure constamment, ils doivent progressivement approcher cet idéal. Car la beauté est la vérité ultime et la vérité, la liberté. »
Stieglitz déclarait qu'il s'affranchissait non seulement des restrictions artistiques générales de l'époque, mais aussi tout spécialement de la surveillance officielle du "Camera Club". Le spectacle a débuté au "Arts Club" au début du mois de mars 1902 et a ilconnu un succès immédiat.
Il a commencé à élaborer un plan pour publier un magazine entièrement indépendant sur la photographie picturale afin de conforter les conceptions artistiques du photo-sécessionniste. En juillet, il démissionna de son poste de rédacteur en chef de "Camera Notes" et, un mois plus tard, il publia un prospectus pour un nouveau magazine intitulé "Camera Work". Il affirmait qu'elle serait « la meilleure et la plus somptueuse des publications photographiques ». Le premier numéro a été imprimé quatre mois plus tard, en décembre 1902 ; il contenait, comme tous les numéros suivants, de belles images gravées à la main, des écrits critiques sur la photographie, l’esthétique et l’art, des critiques et des commentaires de photographes et d’expositions. "Camera Work" était « le premier journal photographique à avoir un objectif visuel ».
Stieglitz était un perfectionniste, et cela se voyait dans tous les aspects de "Camera Work". Il a fait progresser l'art de l'impression en héliogravure en exigeant des standards sans précédent pour les impressions dans la revue. La qualité visuelle des gravures était si élevée que, lorsqu'une série de tirages ne parvint pas à arriver à une exposition "Photo-Secession" à Bruxelles, une sélection de gravures du magazine fut suspendue à la place. La plupart des spectateurs ont supposé qu'ils regardaient les photographies originales.
Tout au long de 1903, Stieglitz publia "Camera Work" et travailla à exposer son propre travail et celui des photo-sécessionnistes, tout en faisant face au stress de sa vie familiale. Le photographe américain d'origine luxembourgeoise Edward Steichen, qui devait plus tard organiser l'exposition "The Family of Man", était le photographe le plus fréquemment présenté dans le magazine. Fuguet, Keiley et Strauss étaient des rédacteurs en chef associés, déjà chez "Camera Notes". Plus tard, Stieglitz a déclaré qu'il avait lui-même emballé et envoyé seul quelque 35 000 copies de "Camera Work" au cours de sa publication.
En 1904, Stieglitz, à nouveau épuisé mentalement et physiquement, a décidé d'emmener sa famille en Europe en mai. Il a planifié un programme exténuant d’expositions, de réunions et d’excursions et s’est effondré presque à son arrivée à Berlin, où il lui fallut plus d’un mois pour récupérer. Il passa une grande partie du reste de l'année 1904 à photographier l'Allemagne pendant que sa famille visitait leurs relations. En revenant aux États-Unis, Stieglitz s’est arrêté à Londres et a rencontré les dirigeants du "Linked Ring" mais n’a pas réussi à les convaincre de créer une « succursale » de leur organisation en Amérique (avec Stieglitz en tant que directeur).
Le 25 novembre 1905, les "Little Galleries of the Photo-Secession" s'ouvrirent sur la cinquième avenue avec cent tirages de trente-neuf photographes. Edward Steichen avait recommandé et encouragé Stieglitz, à son retour d'Europe, à louer trois chambres. L'appartement de Steichen, que le duo estimait être parfait pour exposer des photographies, a connu un succès instantané avec près de quinze mille visiteurs durant sa première saison et, plus important encore, des ventes de tirages totalisant près de 2 800 dollars [17]. Le travail de son ami Steichen, qui possédait un appartement dans le même immeuble, représenta plus de la moitié de ces ventes.
Stieglitz a continué de concentrer ses efforts sur la photographie, au détriment de sa famille. Emmy, qui espérait gagner un jour l'amour de Stieglitz, continua à lui donner une allocation prise sur son héritage.
Dans son numéro d'octobre 1906 de "Camera Work", son ami Joseph Keiley a déclaré: "Aujourd'hui, en Amérique, la véritable bataille pour laquelle la Photo-sécession a été établie a été la reconnaissance sérieuse de la photographie comme moyen d'expression picturale."
Deux mois plus tard, Stieglitz, âgé de 42 ans, a rencontré l’artiste Pamela Colman Smith, âgée de 28 ans, qui souhaitait voir ses dessins et ses aquarelles exposés dans sa galerie. Il a décidé de montrer son travail car il pensait que ce serait « très instructif de comparer des dessins et des photographies afin de juger des possibilités et des limites de la photographie ». Son spectacle a ouvert en janvier 1907, avec beaucoup plus de visiteurs à la galerie que tous les spectacles de photographie précédents, et bientôt toutes ses œuvres exposées ont été vendues. Stieglitz, dans l'espoir de capitaliser sur la popularité de la série, a pris des photographies de son travail artistique et a publié un portfolio séparé des tirages au platine de son œuvre.
"The Steerage", le "291" et l'art moderne (1907 - 1917).
À la fin du printemps 1907, Stieglitz a collaboré à une série d'expériences photographiques avec son ami Clarence Hudson White. Ils ont pris plusieurs dizaines de photographies de deux modèles vêtus et nus et en ont tiré une sélection en utilisant des techniques inhabituelles, y compris les virages, le papier ciré et le dessin sur des tirages au platine. Selon Stieglitz, ils ont ainsi surmonté « l'impossibilité de la caméra à faire certaines choses ».
Stieglitz a gagné moins de 400 dollars pour l'année en raison du déclin des abonnements à "Camera Work" et de la faible marge bénéficiaire de la galerie. Pendant des années, Emmy a maintenu un style de vie extravagant qui comprenait une gouvernante à plein temps pour Kitty et de coûteuses vacances européennes. Malgré les inquiétudes de son père concernant ses problèmes financiers croissants, la famille Stieglitz et leur gouvernante ont de nouveau traversé l'Atlantique.
Alors qu'il se rendait en Europe, Stieglitz a pris ce qui est reconnu non seulement comme son image de marque, mais aussi comme l'une des photographies les plus importantes du XXe siècle [19]. Dirigeant son appareil vers les passagers de la classe inférieure à la proue du navire, il a photographié une scène intitulée "The Steerage". Il n'avait pas publié ou exposé depuis quatre ans.
Pendant son séjour en Europe, Stieglitz a assisté à la première démonstration commerciale du procédé de photographie couleur Autochrome des Frères Lumière, qu'il a rapidement expérimenté à Paris avec Steichen, Frank Eugene et Alvin Langdon Coburn. Il a emporté trois des Autochromes de Steichen avec lui à Munich afin que des reproductions en quadrichromie soient insérées dans un futur numéro de "Camera Work".
On lui a demandé de démissionner du "Camera Club", mais en raison des protestations des autres membres, il a été réintégré comme membre à vie. Juste après avoir présenté une exposition novatrice des dessins d'Auguste Rodin, ses problèmes financiers l'ont obligé à fermer les "Little Galleries" pour une courte période, jusqu'en février 1908, date à laquelle le local a rouvert ses portes sous le nouveau nom "291".
Stieglitz a délibérément intercalé des expositions de ce qu'il savait être un art controversé, comme les dessins sexuellement explicites de Rodin, avec ce que Steichen appelait « l'art compréhensible » et avec des photographies. L'intention était de « mettre en place un dialogue permettant à 291 visiteurs de voir, discuter et réfléchir sur les différences et les similitudes entre artistes de tous rangs : peintres, dessinateurs, sculpteurs et photographes ; entre artistes européens et américains ; entre des personnalités confirmées et des pratiquants plus jeunes et nouveaux dans le domaine ». 
Au cours de cette même période, le "National Arts Club" organisa une « exposition spéciale d'art contemporain » qui comprenait des photographies de Stieglitz, Steichen, Käsebier et White ainsi que des peintures de Mary Cassatt, William Glackens, Robert Henri, James McNeill Whistler et d'autres. On pense que cela a été le premier grand spectacle aux États-Unis où les photographes se sont vu attribuer le même rang que les peintres.
Pendant la majeure partie de l'année 1908 et 1909, Stieglitz consacra son temps à créer des spectacles au 291 et à publier "Camera Work". Aucune photographie prise durant cette période ne figure dans le catalogue définitif de son œuvre, "Alfred Stieglitz : The Key Set".
En mai 1909, le père de Stieglitz, Edward, mourut et, dans son testament, il laissa à son fils une somme importante de 10 000 dollars (équivalant à environ 272 000 dollars en 2017). Stieglitz a utilisé cette nouvelle injection de liquidités pour maintenir sa galerie et "Camera Work" en activité pendant plusieurs années.
Au cours de cette période, Stieglitz a rencontré Marius de Zayas, un artiste mexicain énergique et charismatique, qui est devenu l'un de ses plus proches collègues, assistant à la fois à des spectacles à la galerie et à la présentation de Stieglitz à de nouveaux artistes en Europe. Alors que la réputation de Stieglitz en tant que promoteur de l'art moderne européen augmentait, il fut bientôt approché par plusieurs nouveaux artistes états-uniens dans l'espoir de voir leurs œuvres présentées. Stieglitz était intrigué par leur vision moderne. Quelques mois plus tard, Alfred Maurer, John Marin et Marsden Hartley avaient tous leurs œuvres accrochées aux murs du "291".
En 1910, Stieglitz a été invité par le directeur de la "Albright Art Gallery" à organiser une grande exposition du meilleur de la photographie contemporaine. Bien qu'une annonce d'un concours ouvert pour l'exposition ait été publiée dans "Camera Work", le fait que Stieglitz en soit responsable a engendré une nouvelle série d'attaques contre lui. Un éditorial du magazine "American Photography" affirme que Stieglitz ne peut plus « percevoir la valeur du travail photographique de valeur artistique qui ne se conforme pas au style particulier qui caractérise toutes les expositions organisées sous ses auspices. Il y a une demi-génération, cette école (la "Photo-Secession") était progressiste et très en avance sur son époque. Aujourd'hui, elle ne progresse pas, mais est une force réactionnaire du type le plus dangereux. »
Stieglitz a écrit à son collègue photographe George Seeley « La réputation, non seulement de la "Photo-Secession", mais de la photographie est en jeu, et j'ai l'intention de rassembler toutes les forces disponibles pour nous séduire »" avec plus de 600 photographies. Les critiques ont généralement loué les belles qualités esthétiques et techniques des œuvres. Cependant, ses critiques ont constaté que la grande majorité des gravures de la série provenaient des mêmes photographes que Stieglitz connaissait depuis des années et dont il avait exposé les œuvres au "291". Plus de cinq cents des tirages provenaient de trente-sept photographes seulement, dont Steichen, Coburn, Seeley, White, F. Holland Day et Stieglitz lui-même.
Dans l'édition de janvier 1911 de "Camera Work", Stieglitz a réimprimé une critique du spectacle de Buffalo avec des mots dénigrant les photos de White et Käsebier. White n'a jamais pardonné à Stieglitz. Il a créé sa propre école de photographie et a co-fondé, avec Käsebier, les "Pictorial Photographers of America".
Tout au long de 1911 et au début de 1912, Stieglitz a organisé des expositions d'art moderne au "291" et fait la promotion de nouveaux arts et de photographies dans les pages de "Camera Work". À l'été 1912, il était tellement fasciné par l'art non photographique qu'il publia un numéro de "Camera Work" (août 1912) consacré exclusivement à Matisse et à Picasso.
À la fin de 1912, les peintres Walter Pach, Arthur B. Davies et Walt Kuhn organisèrent une exposition d'art moderne et Stieglitz prêta quelques pièces du 291. Il a également accepté d'être inscrit à titre de vice-président honoraire de l'exposition avec Claude Monet, Odilon Redon, Mabel Dodge et Isabella Stewart Gardner. En février 1913, l' "Armory Show" ouvre ses portes à New York et l’art moderne devient rapidement un sujet de discussion prédominant dans toute la ville. Sieglitz a considéré la popularité de l'exposition comme une justification du travail qu'il avait parrainé au "291" au cours des cinq dernières années. Il a monté une exposition de ses propres photographies au "291" pour qu'elle se déroule en même temps que l' "Armory Show". Plus tard, il a écrit que permettre aux gens de voir à la fois des photographies et des peintures modernes offrait « la meilleure occasion aux étudiants et au public de comprendre plus clairement la place et le but des deux médias ».
En janvier 1914, son ami et collègue le plus proche, Joseph Keiley, est décédé, ce qui l'a laissé désemparé pendant plusieurs semaines. Il a également été troublé par le déclenchement de la Première Guerre mondiale pour plusieurs raisons. Il était préoccupé par la sécurité de la famille et de ses amis en Allemagne. Il avait besoin de trouver une nouvelle imprimerie pour les photogravures pour Camera Work, imprimées en Allemagne depuis de nombreuses années. La guerre a provoqué un ralentissement important de l'économie américaine et l'art est devenu un luxe pour beaucoup. À la fin de l'année, Stieglitz avait du mal à maintenir le "291" et "Camera Work" en vie. Il a publié le numéro d'avril de "Camera Work" en octobre, mais il lui aurait fallu plus d'un an pour publier le numéro suivant.
Pendant ce temps, les amis de Stieglitz, Zayas, Paul de Haviland et Agnes Meyer l'ont convaincu que la solution à ses problèmes consistait à entreprendre un projet totalement nouveau, qui le relancerait dans sa passion. Il a publié un nouveau journal, appelé "291" comme sa galerie, et qui se voulait la quintessence de la culture d'avant-garde. Même s'il s'agissait d'un triomphe esthétique, ce fut un désastre financier et la publication a cessé après douze numéros.
Au cours de cette période, Stieglitz est devenu de plus en plus intrigué par une esthétique visuelle plus moderne pour la photographie. Il a pris conscience de ce qui se passait dans la peinture et la sculpture d'avant-garde et a découvert que le pictorialisme ne représentait plus l'avenir mais le passé. Il a été influencé en partie par le peintre Charles Sheeler et par le photographe Paul Strand. En 1915, Strand, qui venait voir des spectacles au "291" pendant de nombreuses années, engagea Stieglitz dans une nouvelle vision photographique incarnée par les lignes audacieuses des formes quotidiennes. Stieglitz a été l'un des premiers à voir la beauté et la grâce du style de Strand, et il lui a offert une exposition importante au "291". Il a également consacré presque tout le dernier numéro de "Camera Work" à ses photographies.
En janvier 1916, Stieglitz se voit présenter un portfolio de dessins au fusain réalisés par une jeune artiste nommée Georgia O'Keeffe. Stieglitz a été tellement captivé par son art que sans rencontrer O'Keeffe ou même obtenir sa permission pour montrer ses œuvres, il a exposé son travail au "291". O'Keeffe a entendu parler pour la première fois de cette exposition par un autre ami qui avait vu ses dessins dans la galerie fin mai 1916. Elle a finalement rencontré Stieglitz après être allée au "291" et l'a réprimandé pour avoir montré son travail sans sa permission.
Peu de temps après, O'Keeffe rencontra Paul Strand et pendant plusieurs mois, ils échangèrent des lettres de plus en plus romantiques. Lorsque Strand a parlé de son nouveau désir à son ami Stieglitz, Stieglitz a répondu en disant à Strand son propre engouement pour O'Keeffe. Peu à peu, l'intérêt de Strand s'estompa et Stieglitz se déchaîna. À l'été de 1917, lui et O'Keeffe écrivaient « leurs pensées les plus intimes et les plus compliquées » et il était clair que quelque chose de très intense était en train de se produire.
L'année 1917 a marqué la fin d'une époque dans la vie de Stieglitz et le début d'une autre. En partie à cause des évolutions de l'esthétique, des temps incertains provoqués par la guerre et de ses relations grandissantes avec O'Keeffe, il n’eut plus l’intérêt ni les ressources pour continuer ce qu’il faisait depuis une décennie. En l'espace de quelques mois, il a dissout ce qui restait de la "Photo-Secession", a cessé de publier "Camera Work" et a fermé les portes du "291". Il était clair pour lui que son mariage avec Emmy était terminé. Il avait finalement trouvé « sa jumelle », et rien ne pouvait plus l'empêcher de vivre la relation qu'il avait toujours souhaitée.
Georgia O'Keeffe et l'art moderne (1918 - 1924).
Au début de juin 1918, O'Keeffe déménagea du Texas à New York après que Stieglitz lui eut promis de lui fournir un studio tranquille où elle pourrait peindre. En l'espace d'un mois, il a pris la première des nombreuses photos d'elle nue dans l'appartement familial alors que sa femme Emmy était absente, mais celle-ci est revenue pendant que leur session était toujours en cours. Elle soupçonnait que quelque chose se passait entre eux deux depuis un moment et lui dit d'arrêter de la voir ou de sortir. Stieglitz est parti et a immédiatement trouvé une place dans la ville où lui et O'Keeffe pouvaient vivre ensemble. Ils ont dormi séparément pendant plus de deux semaines. À la fin du mois de juillet, ils étaient ensemble dans le même lit et, à la mi-août, lors de leur visite à Oaklawn, « ils étaient comme deux adolescents amoureux. Plusieurs fois par jour, ils montaient les escaliers jusqu'à leur chambre qu'ils commenceraient à se déshabiller en courant », dixit Richard Whelan.
Une fois sortie de leur appartement, Emmy changea d'avis. En raison des délais légaux, il fallut six ans de plus avant que le divorce soit prononcé. Pendant cette période, Stieglitz et O'Keeffe ont continué à vivre ensemble, même si de temps en temps elle partait seule pour se livrer à son art. Stieglitz a profité de ces séparations pour se concentrer sur la photographie et la promotion de l'art moderne.
O'Keeffe était la muse que Stieglitz avait toujours voulu. Il l'a photographiée de façon obsessionnelle entre 1918 et 1925, ce fut la période la plus féconde de toute sa vie. Au cours de cette période, il a tiré et monté plus de 350 photos d'O'Keeffe, qui dépeignent un large éventail de son caractère, ses humeurs et sa beauté. Il a réalisé de nombreuses études de près sur des parties de son corps, en particulier de ses mains seules ou près de son visage ou de ses cheveux. La biographe d’O'Keeffe, Roxanna Robinson, affirme que « sa personnalité était essentielle à ces photographies ; c’était ce que Stieglitz enregistrait, autant que son corps ».
En 1920, Stieglitz a été invité par Mitchell Kennerly des "Anderson Galleries" à New York pour organiser une grande exposition de ses photographies. Au début de 1921, il a accroché sa première exposition individuelle depuis 1913. Sur les 146 tirages qu'il avait produits, seuls 17 avaient été vus auparavant. Quarante-six étaient de O'Keeffe, y compris de nombreux nus, mais elle n'a été identifiée comme modèle sur aucune des photos. C'est dans le catalogue de ce spectacle que Stieglitz a fait sa célèbre déclaration: « Je suis né à Hoboken. Je suis américain. La photographie est ma passion. La recherche de la vérité est mon obsession ». Ce qui est moins connu, c'est qu'il a modulé cette affirmation en la suivant avec ces mots :
VEUILLEZ NOTER : dans l'énoncé ci-dessus, les termes suivants deviennent rapidement « obsolètes » : ART, SCIENCE, BEAUTÉ, RELIGION, tout ISME, ABSTRACTION, FORME, PLASTICITÉ, OBJECTIVITÉ, SUBJECTIVITÉ, VIEUX MAÎTRES, ART MODERNE, PSYCHANALYSE, ESTHÉTIQUE, PHOTOGRAPHIE PICTORIALE, DÉMOCRATIE, CÉZANNE, "291", INTERDICTION. Le mot VÉRITÉ s'y est glissé mais il peut être rejeté par quiconque.
En 1922, Stieglitz organisa une grande exposition de peintures et de gravures de John Marin aux Anderson Galleries, suivie d'une immense vente aux enchères de près de deux cents tableaux de plus de quarante artistes américains, dont O'Keeffe. Dynamisé par cette activité, il s'est lancé dans l'une de ses entreprises les plus créatives et les plus inhabituelles - photographier une série d'études de nuages simplement pour leur forme et leur beauté. Il a dit : « Je voulais photographier les nuages pour découvrir ce que j'avais appris en quarante ans sur la photographie. Utiliser les nuages pour exposer ma philosophie de la vie - pour montrer que le succès de mes photographies n'était pas dû au sujet - pas à des arbres ou des visages spéciaux, ou des intérieurs, ou à des avantages particuliers - les nuages étaient là pour tous... »
À la fin de l'été, il avait créé une série intitulée "Music - A Sequence of Ten Cloud Photographs". Au cours des douze années suivantes, il a pris des centaines de photographies de nuages sans aucun point de référence d'emplacement ou de direction. Ces photographies sont généralement reconnues comme étant les premières photographies abstraites intentionnellement, et elles demeurent parmi ses œuvres les plus puissantes.
La mère de Stieglitz, Hedwig, est décédée en novembre 1922, et comme il l'avait fait avec son père, il a surmonté sa douleur par le travail. Il a passé du temps avec Paul Strand et sa nouvelle épouse Rebecca (Beck) ; il a examiné le travail d'un autre nouveau venu nommé Edward Weston et commencé à organiser une nouvelle exposition des œuvres d'O'Keeffe. Son exposition a ouvert ses portes au début de 1923 et Stieglitz a consacré une grande partie du printemps à la commercialisation de ses œuvres. Finalement, vingt de ses tableaux se sont vendus pour plus de 3 000 $. En été, O'Keeffe rechercha de nouveau la solitude dans le Sud-Ouest, et pour un long moment Stieglitz fut seul avec Beck Strand au lac George. Il a pris une série de photos d'elle nue et s'est vite entiché d'elle. Ils ont eu une brève liaison physique avant le retour d'O'Keeffe à l'automne. O'Keeffe savait ce qui s'était passé mais comme elle ne voyait pas la nouvelle amante de Stieglitz comme une menace sérieuse pour leur relation, elle a laissé passer les choses. Six ans plus tard, elle aura sa propre liaison avec Beck Strand au Nouveau-Mexique.
En 1924, le divorce de Stieglitz a finalement été approuvé par un juge et en moins de quatre mois, lui et O'Keeffe se sont mariés lors d'une petite cérémonie privée. Ils sont rentrés chez eux sans réception ni lune de miel. O'Keeffe a dit plus tard qu'ils se sont mariés pour aider à soulager les problèmes de Kitty, la fille de Stieglitz, qui à l'époque était traitée dans un sanatorium pour dépression et hallucinations. Pour le reste de leur vie ensemble, leur relation était, comme la biographe Benita Eisler le décrit, « une collusion... un système de transactions et de compromis, accepté tacitement et réalisé la plupart du temps sans échange de mots. Préférant l'évitement à la confrontation sur la plupart des questions, O'Keeffe était le principal agent de collusion au sein de leur couple ».
Au cours des années suivantes, O'Keeffe passa une grande partie de son temps à peindre au Nouveau-Mexique, tandis que Stieglitz quitta rarement New York, sauf l'été pour aller au lac George. O'Keeffe a dit plus tard : « Stieglitz était hypocondriaque et incapable de rester à plus de 80 km d'un médecin ».
Fin 1924, Stieglitz a fait don de 27 photographies au "Boston Museum of Fine Arts". C'était la première fois qu'un grand musée incluait des photographies dans ses collections permanentes. La même année, il a reçu la médaille de progrès de la Royal Photographic Society pour avoir fait progresser la photographie et le titre de membre honoraire ("Fellowship") de la Société.
"The Intimate Gallery" et "An American Place" (1925 – 1937).
En 1925, Stieglitz fut invité par les "Anderson Galleries" à monter l'une des plus grandes expositions d'art américain, intitulée "Alfred Stieglitz Presents Seven Americans : 159 Paintings, Photographs, and Things, Recent and Never Before Publicly Shown by Arthur G. Dove, Marsden Hartley, John Marin, Charles Demuth, Paul Strand, Georgia O'Keeffe et Alfred Stieglitz". Une seule petite toile de O'Keeffe a été vendue pendant les trois semaines de l'exposition.
Peu après, Stieglitz s'est vu proposer de continuer à utiliser l'une des salles des "Anderson Galleries", qu'il avait utilisées pour une série d'expositions de certains des mêmes artistes de l'exposition Seven Americans. En décembre 1925, il ouvrit sa nouvelle galerie, baptisée publiquement "The Intimate Gallery" mais qui fut surnommée par Stieglitz "The Room" en raison de sa petite taille. Au cours des quatre années suivantes, il monta seize expositions d'œuvres de Marin, Dove, Hartley, O'Keeffe et Strand, ainsi que des expositions individuelles de Gaston Lachaise, Oscar Bluemner et Francis Picabia. Pendant ce temps, Stieglitz a cultivé une relation avec le nouveau collectionneur d'art Duncan Phillips, qui avait acheté plusieurs œuvres par l'intermédiaire de "The Intimate Gallery".
En 1927, Stieglitz s'éprit de Dorothy Norman, 22 ans, qui faisait alors du bénévolat à la galerie et ils tombèrent amoureux. Norman était mariée et avait un enfant, mais elle venait à la galerie presque tous les jours.
O'Keeffe a accepté l'offre de Mabel Dodge de venir au Nouveau Mexique pour l'été. Stieglitz profita de son absence pour commencer à photographier Norman et à lui enseigner les aspects techniques de l'impression. En peu de temps, ils sont devenus amants, mais même après que leur relation physique eut diminué quelques années plus tard, ils ont continué à travailler ensemble, à chaque absence d'O'Keeffe, jusqu'à la mort de Stieglitz en 1946.
Au début de 1929, Stieglitz a appris que le bâtiment qui abritait la salle serait démoli plus tard dans l'année. Après une dernière exposition du travail de Demuth en mai, il s'est retiré au lac George pour l'été, épuisé et déprimé. Les Strand ont amassé près de seize mille dollars pour procurer une nouvelle galerie à Stieglitz, qui a réagi durement en disant qu'il était temps pour les "jeunes" de faire une partie du travail qu'il avait fait pendant tant d'années. Bien que Stieglitz se soit finalement excusé et ait accepté leur générosité, cet incident a marqué le début de la fin de leur longue et étroite relation. 
À la fin de l'automne, Stieglitz retourna à New York. Le 15 décembre, deux semaines après son soixante-cinquième anniversaire, il inaugura "An American Place", la plus grande galerie qu'il ait jamais dirigée. C'était la première chambre noire qu'il a eu dans la ville. Auparavant, il avait emprunté d'autres chambres noires ou travaillé seulement lorsqu'il était au lac George. Il a continué à monter des expositions collectives ou individuelles de ses amis Marin, Demuth, Hartley, Dove et Strand pendant les seize années suivantes. O'Keeffe a bénéficié d'au moins une exposition importante chaque année. Il contrôlait avec acharnement l'accès à ses œuvres et la promouvait sans cesse, même lorsque les critiques lui donnaient des commentaires peu favorables. Souvent, pendant cette période, ils ne se voyaient que pendant l'été, quand il faisait trop chaud dans sa maison du Nouveau-Mexique, mais ils s'écrivaient presque chaque semaine avec la « ferveur des âmes-sœurs ».
En 1932, Stieglitz a monté une rétrospective de quarante ans de travail avec 127 de ses œuvres à The Place. Il a inclus toutes ses photographies les plus célèbres, mais il a aussi volontairement choisi d'inclure des photos récentes d'O'Keeffe, qui, en raison de ses années sous le soleil du sud-ouest, avait l'air plus âgée que ses quarante-cinq ans, à côté des portraits de sa jeune amante Norman. Ce fut l'une des rares fois où il a agi avec rancœur envers O'Keeffe en public, et c'était peut-être à cause de leurs disputes de plus en plus intenses en privé au sujet du contrôle qu'il exerçait sur son art.
Plus tard dans l'année, il a monté une exposition des œuvres d'O'Keeffe à côté de quelques tableaux d'amateurs sur verre de Becky Strand. Il n'a pas publié de catalogue de l'exposition, ce que les Strand ont pris comme une insulte. Paul Strand n'a jamais pardonné à Stieglitz. Il a dit : « Le jour où je suis entré dans la Photo-Secession 291[sic] en 1907 a été un grand moment dans ma vie... mais le jour où je suis sorti de "An American Place" en 1932 n'était pas moins bon. C'était de l'air frais et une libération personnelle de quelque chose qui était devenu, pour moi du moins, de second ordre, corrompu et dénué de sens ».
En 1936, Stieglitz revint brièvement à ses racines photographiques en organisant l'une des premières expositions de photos d'Ansel Adams à New York. L'exposition a été couronnée de succès et David McAlpin a acheté huit photos d'Adams. Il a également monté l'une des premières expositions de l'œuvre d'Eliot Porter deux ans plus tard. Stieglitz, considéré comme le « parrain de la photographie moderne », encouragea Todd Webb à développer son propre style et à s'immerger dans ce médium.
L'année suivante, le "Cleveland Museum of Art" organisa la première grande exposition des œuvres de Stieglitz en dehors de ses propres galeries, mais celui-ci s'épuisa en recherchant la perfection pour chaque tirage. O'Keeffe a passé la majeure partie de l'année au Nouveau-Mexique.
Les dernières années (1938 - 1946).
Au début de 1938, Stieglitz a subi une grave crise cardiaque, l'une des six crises coronariennes ou d'angine de poitrine qui allaient le frapper au cours des huit années suivantes et dont il sortit à chaque fois plus affaibli. Pendant ses absences, Dorothy Norman dirigeait la galerie. O'Keeffe est demeurée dans sa maison du Sud-Ouest du printemps à l'automne de cette période.
Au cours de l'été 1946, Stieglitz a subi une attaque mortelle et est tombé dans le coma. O'Keeffe retourna à New York et trouva Dorothy Norman dans sa chambre d'hôpital. Elle est partie et O'Keeffe était avec lui lorsqu'il est décédé. Selon ses souhaits, vingt de ses amis les plus proches et des membres de sa famille ont assisté à un simple enterrement. Stieglitz fut incinéré et, avec sa nièce Elizabeth Davidson, O'Keeffe emporte ses cendres au lac George et " le mit « là où il pourrait entendre l'eau ». Le lendemain des funérailles, O'Keeffe prit le contrôle de "An American Place".
Collections.
Stieglitz a produit plus de 2 500 photographies montées au cours de sa carrière. Après sa mort, O'Keeffe a réuni un ensemble de ce qu'elle considérait comme le meilleur des photographies qu'il avait personnellement montées. Dans certains cas, elle a inclus des versions légèrement différentes de la même image, et ces séries sont inestimables pour permettre la compréhension de la composition esthétique de Stieglitz. En 1949, elle a fait don de la première partie de ce qu'elle a appelé le « jeu de clés » de 1 317 photographies de Stieglitz à la "National Gallery of Art" à Washington, DC. En 1980, elle ajouta à la série 325 autres photographies prises par Stieglitz d'elle-même, dont de nombreux nus. Aujourd'hui ces 1 642 photographies constituent la collection la plus importante et la plus complète de l'œuvre de Stieglitz dans le monde. En 2002, le Musée des beaux-arts du Canada a publié un catalogue de 1 012 pages en deux volumes reproduisait l'ensemble des « clés » et des annotations détaillées sur chaque photographie. 
Bibliographie.
Cet article est directement inspiré de celui, très complet, de la Wikipédia anglophone.