Timing
Traduisible en français par le bon instant, le bon moment, le bon rythme . Bref on parle ici de la gestion du temps. Une bonne animation répond aux concept de crédibilité physique et de narration théâtrale. En clair, l'animateur doit penser à combien de temps dure ce mouvement en réalité (beaucoup d'animateur se chronomètrent en mimant leur mouvements). Mais "également" à la théâtralité de celui-ci, c'est à dire, quel rythme telle ou telle action crée dans cette scène, et par rapport aux autres scène du film, quelle émotion, quelle caractéristique ce rythme confère à mon personnage. Cette notion de timing théâtral est une question de sensibilité de l'artiste, qui peut être utilisée à but comique ou pour exprimer des émotion profonde. Quitte à exagérer ou modifier le temps réel chronométré en conservant, à chaque instant, lisibilité et attention du spectateur. 
Spacing
Traduisible par espacement. Comme nous l'avons vu dans le chapitre Accélération_et_Ralentissement; en animation on ne varie pas la vitesse de défilement des images, on varie l'espacement entre celles-ci. C'est pourquoi le concept de Timing est étroitement lié au concept de Spacing. Une fois que j'ai déterminé le nombre d'images nécessaire pour aller de la pose A à la pose B, il me reste plus qu'à les espacer de façon régulière ou non suivant le type de mouvement. 
Les questions relevant de cette interrelation timing/spacing, ont souvent à voir avec le Staging. Car si nous disposons que de quelques images pour aller de A à B, mais que pour des raisons de timing théâtral nous désirons effectuer un mouvement lent. Alors il faudra que A et B soit proches dans l'espace.

Les principes de l'animation traditionnelle (dessin animé)/Exagération

La définition courante de ce procédé , employée par Disney, est de rester assez proche de la réalité, mais de la représenter sous une forme plus poussée, plus extrême.
En animation nous devons exagérer. Si vous ne voulez pas exagérer tournez un film en prise de vue réelle, cela vous évitera des semaines de travail acharné. Le niveau d'exagération dépend de la volonté narrative, de l'univers présenté, du genre de film d'animation (cartoon, animé, adaptation d'un artiste particulier, réaliste). Mais croyez-moi, si vous vous dirigez vers le réalisme, demandez vous si l'animation est vraiment le médium approprié. 
Visuellement, on caricature les poses, les expressions de visages, les mouvements. Le dessin en général est une exagération de la réalité. 
Également, on peut exagérer la narration, le rythme, les phénomènes physiques. Après tout, les seules frontières de l'animation sont celle de votre imagination. Maintenant, si vous désirez conserver l'attention du public, il faut que ce que vous lui montrez soit clair et divertissant. Pour ce, en général il faut exagérer mais conserver une certaine logique relative au monde réel, le public doit pouvoir s'identifier à l'univers présenté. 
Parmi les exemples les plus représentatifs de la gestion de l'exagération en conservant une certaine logique relative au monde réel figurent les cartoons de Tex Avery, où malgré des exagération extrêmes, le monde de ces cartoons est régit par les mêmes règles physique que celle du monde réel. D'ailleurs dans bien des cas, c'est précisément la confrontation entre l'exagération et les lois physiques qui crée le gag. Comme dans ce grand classique du gag cartoon où un personnage court droit vers une falaise, une fois la falaise passée, le personnage continue à courir comme porté par l'air. Après une pause immobile dans l'air, le personnage finit par chuter. Ici, typiquement l'exagération sert l'identification au personnage, car l'air cesse de porter le personnage précisément lorsque celui-ci découvre qu'il n'est plus sur la terre ferme.

Les principes de l'animation traditionnelle (dessin animé)/Dessin Solide

Malgré le titre, ce principe s'applique aussi bien aux techniques de l'animation non-dessinées (Stop-motion, 3D, Papiers découpés ...)
Un dessin solide signifie que ce que vous proposez aux spectateurs est solidement conçu. Que vous savez comment s'articule votre personnage, quels sont ses amplitudes de mouvements, quelles sont ses déformations possibles quel degré de volume, en bref, avoir l'assurance que ce que vous présentez est bien consistant. 
Une citation résume assez bien cette notion : "J'ai été un animateur 3D depuis 50 ans sans le savoir" (Kaj Pindal, légende de l'animation danoise, en 2008). Ce que Kaj Pindal veut dire par là c'est que pendant des années il a dessiné des personnages en faisant attention à ce que leur volume soit crédible, constant, cohérent ...

Les principes de l'animation traditionnelle (dessin animé)/Charisme et Attraction

En anglais "appeal"
Ce principe s'applique spécialement aux personnages (qui sont le moteur de l'histoire pour 99% des films). Attention, un personnage charismatique n'est pas forcément dire qu'il est sympathique. Cela signifie que pour garder le spectateur en haleine vous devez donner aux personnages une personnalité particulière. Pour ce faire, au delà de travailler le design de ceux-ci, on peux leur attribuer une gestuelle distincte, des tics, une démarche, un rythme, plus ou moins de souplesse, d'exagération, d'expression. Le tout en comptant sur le contraste, un personnage très rigide face à un autre tout en souplesse par exemple. 
Le spectateur doit sentir les personnages vivant et intéressant.
Ceci dit, ce principe est applicable à d'autre éléments. Développer l'appeal d'un décor par son niveau de détail, d'un véhicule par ses mouvements saccadés, d'un effet spécial par son style original...

Photographie/Fabricants/Canon/Appareils argentiques Canon/Canon Canonet G-III QL 17

Les principes de l'animation traditionnelle (dessin animé)/Autres