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촉한의 멸망

종회는 한성은 호군 순개에게, 악성은 전장군 이보에게 각각 1만 명을 주어 포위하게 했고 또 양안관구(陽安關口)에도 별장을 보내 공격했다. 이때 양안구에는 옛 무흥독(武興督) 장서가 있었는데 공이 없어 무흥독에서 면직된 채 한중을 지키고 있었으므로 불만을 품고 있었다. 그러던 차에 위군의 침입을 받자, 항복하려 하고 부첨을 속여 성 밖으로 나가서 싸우자고 했다. 부첨은 승산이 없다며 말렸으나 장서가 굳이 출전하니, 부첨은 장서가 싸우러 간 줄 알았으나 장서는 음평에 이르러서 종회의 선봉 중 호열에게 투항했다. 호열은 성의 허점을 틈타 함락시켰고 많은 곡식을 얻었으며 부첨은 전사했다. 종회는 낙성을 공격했으나 이기지 못했는데, 마침 양안구가 함락됐다는 소식을 듣자 그쪽으로 전진했다. 때는 9월이었다. 답중으로 출정한 등애도 9월에 강유과 교전했다. 등애는 천수태수 왕기·농서태수 견홍·금성태수 양흔 등에게 강유의 진영을 세 방향에서 공격하게 했다. 강유는 한중에 위군이 들어왔다는 소식을 듣고 퇴각했는데, 양흔이 이를 쫓으니 강천구(彊川口)에서 양측이 크게 싸워 강유가 패주했다. 그러나 교두에 제갈서가 주둔하고 있으므로 강유의 퇴로는 끊긴 상태였다. 강유는 공함곡(孔函谷)으로 나아가 옹주를 치는 움직임을 보였고, 제갈서는 이를 듣고 30리를 돌아갔다.
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강유 역시 30여리를 진격했었는데, 제갈서의 움직임을 듣고 곧장 돌아나와 교두를 빠져나왔으니, 뒤늦게 눈치챈 제갈서의 추격을 겨우 하루 차이로 따돌렸다. 강유는 음평에 도착하자 양안관구를 구원하려 했으나, 이미 양안관구가 함락됐다는 소식을 듣고 음평에 있던 요화와 함께 음평을 버리고 퇴각했다. 한편 장익은 동궐과 함께 한수에 이르렀는데, 강유와 요화가 이들을 만나니 함께 백수로 가서 검각을 지키며 종회에게 저항했다. 한편 종회는 장빈에게 편지를 보내 죽은 아버지 장완에게 경의를 표하고 산소를 정비하겠다고 했는데, 장빈은 선친의 묘가 부현(涪縣)에 있으니 서쪽으로 진군하거든 찾아가서 해달라고 했다. 부현은 종회가 검각을 뚫지 못하는 한 갈 수 없는 게 실상이었고, 장빈도 나중에 유선이 등애에게 투항할 때까지 항복하지 않았다. 한편 많은 위(圍)가 굴복하는 와중 황금위(黃金圍)의 독 유은(柳隱)은 견고한 수비로 종회의 별장을 이겼다. 산을 넘어 면죽으로. 한편 등애는 강유를 추격해 음평에 도착했다. 그러나 검각으로 강유가 옮겨갔는데 거기까지 쫓아가지는 않았고, 제갈서와 군대를 합치고 정예 병사를 가려서 한덕양(漢德陽)을 따라 강유(江油)·좌담도(左儋道)로 들어가 면죽에 이르러 성도까지 이르고자 했다. 제갈서는 강유를 공격하라는 명령을 계속 따르고자 해 검각을 공격하려 하는 종회에게 합류했다.
촉한의 멸망

종회는 검각으로 진격하기 전 한나라의 관료들을 포로로 잡고 한나라 사람들에게 긴 연설로 투항을 권유했고, 자신 역시 강유로 우회하는 작전을 택해 장군 전장(田章) 등에게 강유의 서쪽으로 가게 했는데, 전장은 백 리를 미처 가기 전에 복병 3부대를 격파했다. 등애는 전장을 선봉에 세워 멀리까지 나아가게 했다. 종회는 자신이 군대를 홀로 지휘하고자 제갈서가 진격하지 않는다는 상소를 비밀리에 올려 제갈서의 지휘권을 뺏었고 제갈서는 낙양으로 압송됐다. 제갈서의 군대까지 아우른 종회는 드디어 검각을 공격했으나 이기지 못해 퇴각했고, 강유에게 편지를 보내 개인적으로 투항을 권유했으나 강유는 응답하지 않고 강유 등 한군은 요충지를 지키고 군영을 세워 저항했다. 종회는 검각을 무찌르지도 못하고 군량 수송에도 장애를 겪고 있었으므로, 비록 한중을 뚫었음에도 강유의 작전계획처럼 후퇴를 논의하는 궁지에 몰리게 되었다. 유선은 검각을 지키는 한편 대사면을 실시하고, 연호를 경요에서 염흥으로 바꿨다. 한편 10월이 되자 사마소는 조서를 받아 태원·상당 등 10군을 봉토로 받고 진공(晉公)으로 봉해졌다. 이렇게 종회가 검각을 뚫지 못하자 등애는 상소를 올려 한덕양으로 나아가겠다고 했는데, 여기에서는 자신이 면죽으로 들어가 강유가 검각을 포기하고 부를 지키든지 부를 위험에 처하게 방치하든지 둘 중 하나를 택할 수밖에 없는 상황으로 몰고 가겠다고 했다. 겨울 10월, 등애는 음평에서 사람이 살지 않는 곳을 700여 리 지나며 진군했다.
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산을 뚫고 길을 열며 잔도를 까는데, 험준한 지형 때문에 공사는 매우 어려웠고 식량도 떨어지고 위험했다. 등애 본인은 모전에 둘둘 말려서 산을 굴러내려다니며 장수들과 병사들은 나무를 잡고 벼랑을 따라 일렬로 근근히 행군했다. 이런 곤경을 겪으며 선봉이 강유에 이르니, 강유성의 수장 마막이 항복해 드디어 면죽으로 가는 길이 열렸다. 한편, 10월이 되어서야 한나라는 자신들이 위나라의 공격을 받고 있음을 오나라에 전했다. 22일, 오나라 황제 손휴는 촉을 구원하고자 군대를 세 방향으로 보내니, 이 중 둘은 위나라를 공격하는 것으로 대장군 정봉은 수춘을 공격하게 하고 정봉과 손이(孫異)는 면중(沔中)을 공격하게 했다. 다른 하나는 유평을 남군에 주둔한 시적에게 보내 진군 방향을 논의하게 했다. 시적은 얼마 전 독자적으로 촉의 염우와 연계해 만일의 사태에 대비해 공조할 것을 꾀한 적이 있었다. 면죽 전투. 등애가 경곡도(景谷道)를 지나 들어왔다는 소식이 들어오자 한나라의 위장군 제갈첨이 등애를 막으러 군대를 지휘해 부(涪)에 머물렀다. 상서랑 황숭이 제갈첨에게 빨리 나아가 험지에 의지하여 적을 평지에 들여보내지 말라고 했으나 제갈첨은 우물쭈물할 뿐 황숭의 말을 따르지 않았다. 그러던 중 제갈첨의 선봉이 격파당해, 제갈첨은 면죽으로 퇴각했다. 등애는 제갈첨을 회유해 낭야왕(琅邪王)으로 삼겠다고 했고 제갈첨은 노해 사자를 베고 진영을 갖추어 등애가 싸우러 오기를 기다렸다.
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등애는 아들 혜당정후 등충을 오른쪽으로, 사마 사찬을 왼쪽으로 보내 제갈첨을 쳤는데, 제갈첨이 이들을 이기니 이들은 후퇴해 등애에게 싸울 수 없다고 했다. 등애는 노해 이 둘을 베어버리려고 하니, 둘이 다시 돌아나가 싸웠다. 이번에는 제갈첨이 대패해 전사했고 제갈첨의 아들 제갈상도 위군에 돌입해 전사했다. 황숭도 군대를 격려하며 분투하다 전사했고, 상서 장준, 우림우부독 이구도 제갈첨을 수행해 이 전투에 참전했다가 죽었다. 등애는 제갈첨과 장준 등의 머리를 얻었다. 유선의 항복과 촉한의 멸망. 제갈첨을 죽인 등애는 낙(雒)에 주둔해 한나라의 수도 성도를 압박했다. 뜻밖의 길로 적의 군대가 들어오자 한나라 백성들은 뿔뿔이 흩어지고, 황제 유선이 여러 관원들과 상의하나 이렇다 할 의견이 없었다. 혹은 오나라가 한나라의 동맹이니 오나라로 달아나자고도 했고, 혹은 남중 칠군으로 파천해 그곳의 험한 지형을 바탕으로 수비하자고도 했다. 광록대부 초주는 이 두 의견을 모두 반박했고 위나라에 투항할 것을 권했다. 등애가 너무 가까이 왔기에 혹 투항을 안 받아주면 어떨까 하는 걱정을 하는 사람도 있었는데, 초주는 오나라를 평정하려는 위나라가 우리를 잘 대해주지 않을 리가 없다고 독려했다. 아무도 초주의 의견을 논박할 사람이 없었고, 다만 유선만은 남쪽으로 달아나면 어떨까 하고 있었기에 초주는 네 가지 근거를 들어서 남으로 달아날 것을 반박하고, 다시 항복할 것을 권했다.
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첫째는 남만은 예전에 반란이 빈발했던 곳이며, 둘째는 위군이 남중까지 추격할 것이며, 셋째는 그곳에서 조정의 경비를 수탈해야 하므로 정정을 불안하게 할 것이며, 넷째는 조정이 달아나면 백성들이 배반할 것이다. 유선이 초주의 대책을 받아들이려 하자 북지왕 유심은 정 망했다면 마땅히 황실과 신료들은 마지막으로 싸우고 죽어 저승의 선제(유비)를 보아야 한다고 했으나 유선은 받아들이지 않았고 항복 절차를 그대로 진행했다. 비서령 극정에게 항복 문서를 쓰게 하고, 초주와 시중 장소, 부마도위 등량을 보내 항복 문서와 옥새와 그 끈을 바치게 하고, 자신은 당시 중국의 항복 절차를 따라 수레에 관을 싣고 입에 구슬을 물고 몸을 묶어 등애에게 나아갔다. 등애는 유선의 결박을 풀고 구슬을 거두고 관을 불태웠다. 또 등우의 고사에 따라 승제(承制)하여 유선을 행표기장군으로 삼고 유선이 원래 지내던 궁궐에 머물게 했으며, 태자 유선은 봉거도위로, 다른 여러 왕들은 부마도위로 삼았다. 옛 한나라의 관리들은 예전에 황제의 관리이던 것을 원래 지위고하에 따라 왕의 관리로 삼아 임용하고 일부는 등애 자신의 관속을 겸하게 했다. 사찬은 익주자사를 겸하게 했고, 견홍 등은 촉의 각 군 태수를 겸하게 했다. 면죽에 대를 쌓고 경관을 만들어 전공을 뽐냈는데, 위나라의 전사자도 한나라와 같이 묻었다. 유선이 옥새를 보낸 날, 유심은 소열제의 종묘에 들어가 곡하고 처자를 먼저 죽이고 자결했다.
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또 유선은 상서랑 이호(李虎)에게 사민부(士民簿)를 보내니, 촉 지역 28만호, 남녀구 94만 명, 또 장수와 군사 10만 2000명, 관리 4만 명, 창고의 식량 40만 섬, 금은 4000근, 무늬비단과 채색비단 40만 필과 그 외의 물건들이었다. 그리고 태복 장현을 보내 강유에게 항복하도록 칙서를 보냈다. 한편 강유는 제갈첨이 지자 파로 갔고, 종회는 부로 가서 장빈과의 약속을 지키는 한편 호열·방회·전속 등을 보내 강유를 추격했다. 강유는 유선이 오나라로 간다, 혹은 성도를 지킨다, 혹은 건녕으로 간다는 말을 들어 일단 광한군 처현(郪縣)으로 가는 길을 거치며 유선의 행방을 알아보았다. 결국 강유는 광한군 처현에서 유선이 보낸 칙서를 받았다. 강유는 종회에게 나아가 투항했고, 강유의 병사들은 칼을 뽑아 바위를 베었다. 종회는 강유를 후대하여 옛 한나라 장수들이 항복하며 바친 장수의 표식들을 모두 돌려주었다. 한성을 지키던 장빈도 유선이 항복했다는 소식을 듣고 종회에게 투항했다. 12월, 위나라에서는 조서를 내려 등애를 태위로 삼고 식읍 2만 호를 더 주었으며 등애의 두 아들에게도 1천 호씩 주어 정후로 삼았다. 종회에게도 조서를 내려 사도로 삼고 현후로 삼아 식읍 1만 호를 주었으며 종회의 두 아들에게도 1천 호씩 주어 정후로 삼았다. 안남장군·내강도독 곽익은 위나라가 쳐들어온다는 소식을 듣자 성도로 가려 했으나 유선이 방비가 튼튼하다며 불허했었다.
촉한의 멸망

유선이 항복했다는 소식을 듣자 곽익은 3일간 곡을 하고 유선의 안위를 살펴 거취를 정하려 했으며, 이듬해 종회의 난이 진압되고 유선이 위나라의 서울로 모셔졌다는 소식을 듣고서야 투항했다. 결과 및 영향. 촉한의 멸망 후 오나라에서 온 구원병들도 모두 물러갔으며 강유는 264년 장익, 요화, 동궐 등과 함께 위의 장수 종회에게 항복하여 촉나라를 부활시키기 위해 자신이 항복한 종회를 꼬드겨서 같이 반 사마소 봉기를 일으켰으나 실패하여 자결했으며 종회는 잡혀서 처형되었다. 이로써 위의 사마씨 정권은 촉을 멸하고 천하통일의 기초와 정권 이양으로 가는 길을 닦았다.
상모

상모(象毛)는 풍물놀이에서 잽이들이 머리에 쓰는 것으로 전립이라고 불리기도 한다. 옛날 군사들이 썼던 전립에서 유래된 것으로 꼭지에 진자와 채를 달아 돌리면서 놀음을 한다. 유래. 상모의 기원은 고구려의 고분벽화 중 안악 3호분(AD 357), 안악 2호부(5세기말~6세기초), 덕흥리 고분(AD 408), 김신총(4세기초~4세기중엽) 등에서 군인들의 머리에 새의 깃털을 장식하고 있는 것에서 찾아볼 수 있다. 상모의 모양은 직급과 같은 전쟁 중의 지휘수단에서 유래했다는 설이 있다. 전쟁 중에 군사 지휘의 수단에서 비롯된 상모는, 상모(象毛)의 깃털을 왼쪽으로 끄덕거리면 ‘―’의 대형으로 줄을 서고,오른쪽으로 끄덕거리면 ‘□’의 대형으로 에워싸며,앞쪽으로 끄덕거리면 ‘육화(六花)’의 대형으로 늘어선다. 그리고 뒤쪽으로 끄덕거리면 ‘曲’자 대형으로 진을 치며, 사방으로 끄덕거리면 ‘○’의 대형을 이루는 등 대장의 상모 움직임에 따라 각 진 (陣)의 형태가 달라진다. (권희덕,1995:15~16).이러한 움직임은 상모의 기 능으로 자연스럽게 흡수되었고, 진법훈련을 통한 반복과 숙련 정도에 따 라 다양하게 표출되었을 것으로 보인다. 구조. 전립(모자) 부분은 전통적으로는 소털에 아교를 먹여 모약을 만들었으나, 근래에는 플라스틱으로 만드는 것이 일반적이다. 진자라고 하는 꼭지에 연결하여 돌아가는 부분에 적자라고 하는 구슬과 납을 달아 무게를 유지하여 관성의 법칙을 이용하여 돌아가게 된다.
상모

끝에 부포를 달면 부포상모, 채를 달면 채상모라고 한다. 부포는 일반적으로 거위털을 이용하여 하얀 꽃처럼 만드는데, 근래에는 칠면조 털을 이용하기도 한다. 부포 상모는 다시 모양에 따라 뻣상모와 개꼬리상모로 구분한다. 뻣상모는 진자를 단단히 묶어 뻣뻣하게 서도록 만든 것으로, 부포의 지름이 약 30~40cm 정도로 상당히 크다. 커다란 부포가 오므라졌다 펴졌다 하는 모습이 매우 화려하다. 개꼬리상모는 진자를 느슨하게 묵어 처지도록 만든 것으로, 부포의 지름이 15cm 내외로 작다. 기본적인 상모 돌리기의 기술과 더불어 전조시-진자가 전립의 모서리를 쪼듯이 돌리는 기술, 퍼넘기기 - 부포를 앞에서 뒤로 넘기는 기술은 물론 상모를 세워 진자를 고정시키고 부포만 돌리는 기술 등의 어려운 기술을 구사할 수 있다. 채상은 일반적으로 장구, 북, 소고 잡이들이 쓰는 것으로 진자 끝에 물채라고 하는 실로 꼬아 만든 줄에 얇고 기다란 종이 또는 천을 달아 돌려 모양을 만든다. 치배 머리 뒤쪽에서 커다란 모양이 만들어져 화려한 것이 특징이다. 사의 형태. 외사 : 외사는 진자를 한 방향으로 계속 돌리는 동작이다. 보통 시계 반대방향으로 돌리며, 자진모리 장단에서는 오금질 한 번에 한 바퀴를 돌린다. 휘모리 장단에서는 한 박에 한 바퀴씩 빠르게 진자를 돌리거나 박이 빠를 경우 두 박에 한 바퀴씩 돌린다.
상모

사사(양사) : 사사(양사)는 자진모리 장단 한 박에 물채를 한 바퀴씩, 한쪽 방향에서 연속 두 바퀴(한 바퀴 반)를 돌린 뒤 반대 방향에서도 연속 두 바퀴(한 바퀴 반)을 돌리는 동작이다.
바로크 음악

바로크 음악()은 17, 18세기의 유럽 음악을 말한다. 원래 바로크란 17, 18세기의 미술양식을 말하는 것이었으나, 일반적으로 1600년경부터 1750년경의 음악에 대해서도 이 명칭으로 부르고 있다. 르네상스 음악의 다음 시대이며, 갈랑 양식이라는 잠깐의 과도기를 거친 뒤 고전주의 음악이 이어진다. 바로크 시대를 좀더 세분한다면 초기, 중기, 후기로 나눌 수 있는데, 초기 바로크는 1580~1630년, 중기 바로크는 1630~1680년, 후기 바로크는 1680~1750년이다. 바로크는 원래 포르투갈어로 "찌그러진 진주"라는 의미인데, 철학 용어를 거쳐 현재의 용법에 이르렀다. 바로크 음악의 역사적 배경을 보면 정치적으로는 절대주의 왕정으로부터 계몽주의로 이행을 볼 수 있으며, 경제적으로는 중상주의, 철학사적으로는 합리주의적·계몽주의적인 사조의 흐름 속에서 볼 수 있는데, 이러한 여러 사회적 상황이 몇 겹으로 겹쳐서 궁정, 도시, 교회 등 세 활동범위를 기초로 하여 바로크 음악을 형성했던 것이다. 그런데 이 시대의 음악은 통주저음의 기법을 사용했기 때문에 바로크 음악의 시대를 '통주저음의 시대'라고 부르는 사람도 있다. 그리고 바로크 음악은 '정서론' 즉 '음악의 궁극목적은 음과 음의 리듬, 멜로디, 하모니, 음정 등으로 모든 정서를 자아내는 데 있다'고 하는 독특한 타율적 미학관으로 뒷받침되고 있다. 어원. 바로크 음악이라는 용어는 역사가들마다 그 용법이 조금씩 다르지만, 대략 1600년부터 1750년까지의 150년동안의 음악 양식을 가리키는 용어로 사용된다.
바로크 음악

바로크라는 단어가 건축에서 처음 사용된 것으로 아는 사람들도 많지만, 실제로는 1733년 10월에 초연된 장필리프 라모의 오페라 《이폴리트와 아라시"Hippolyte et Aricie"》에 대한 익명의 비평에서 처음 사용되었다. 1734년 "프랑스의 머큐리"Mercure de France""라는 잡지에 기재된 이 비평에서 바로크라는 단어는 이 오페라의 일관성 없고 불협화음으로 가득찬 멜로디, 계속 바뀌는 박자와 조성, 매우 빠른 곡의 진행속도를 비판하는데 사용되었다. 음악가이자 철학가인 장자크 루소는 1768년에 쓴 자신의 책 《백과전서"Encyclopédie"》에서 다음과 같이 말한다. 루소가 사용한 바로코라는 단어는 원래 철학가들이 삼단논법의 종류들을 외우기 위해 사용하던 단어인데, 13세기부터 불필요하게 복잡한 학문적 논쟁을 가리키는 용어로 사용되던 단어이다. 음악사학가들이 이 단어를 음악적 시대구분을 위해 사용하기 시작했지. 커트 작스는 하인리히 뵐플린의 바로크 미학 이론에 나타난 다섯가지 특징을 처음으로 음악적 시대분류에 적용한다. 학자들은 곧 작스가 뵐플린의 이론을 적절하게 사용한 것인지 검토하기 시작했고, 독일의 만프레드 부코프저와 벨기에의 수잔느 클럭스-르준 등이 작스와는 별개의 엄밀한 분석을 통해 바로크 음악이라는 시대구분을 제시한다. 이처럼 바로크 음악이라는 용어가 동시다발적으로 제안되면서 시대구분에 대한 합의가 필요해졌다. 영국에서는 1940년 들어서야 바로크 음악이라는 시대구분이 인정받았다. 1960년이 되기까지 시기에 대한 합의는 이루어지지 못했다.
바로크 음악

특히 영국과 프랑스에서 자코모 페리, 도메니코 스카를라티, 요한 제바스티안 바흐의 음악이 이처럼 다른데 한 시대로 분류하는 것이 과연 적절한가에 대한 의문은 계속 이어졌다. 그러나 르네상스 음악, 고전주의 음악과 명백한 차이를 분류하기 위해 바로크 음악이라는 용어가 결국에는 도입되어 지금까지도 널리 사용되고 있다. 역사. 바로크 시대의 음악은 이탈리아가 그 외 지역의 음악보다 대략 20년 정도 빠르게 발전했다. 대표적인 예시로, 이탈리아에서는 1730년대에 갈랑 양식이 발흥한데 비해 독일에서는 1750년까지 바로크 음악의 전성기가 계속되었다. 초기 바로크 음악. 르네상스 말기, 지오반니 드 바르디의 후원 아래에 인문학자, 시인, 음악가들은 카메라타라는 모임을 결성해 음악과 연극 등에 대한 여러 가지 논의를 이어간다. 이들은 고대 그리스의 음악극을 가장 뛰어난 종류의 예술로 보았고, 폴리포니와 기악음악을 거부하며 키타라 반주에 독주가가 노래하는 종류의 음악인 모노디에 대한 아이디어를 발전시켜나갔다. 자코모 페리가 이러한 아이디어를 《다프네"Dafne"》, 《에우리디체"L'Euridice"》에서 선보임으로써 오페라와 바로크 음악의 효시를 알렸다. 피렌체에서 이처럼 모노디가 발달할 때, 조반니 가브리엘리를 위시한 베네치아 악파에서는 기악곡이 발달한다. 리체르카레, 환상곡, 칸초네 등이 여기서 발달하였으며, 이후 독일에서 온 하인리히 쉬츠가 이러한 베네치아 악파의 음악을 배워 독일에 새로운 음악을 전파한다.
바로크 음악

또한 이 시대에는 폴리포니의 근음을 이루어주며 화성의 중요성을 강조하는 역할인 통주저음이 유럽 전역으로 퍼져나가고 있었다. 이 통주저음을 보고 하프시코드, 파이프 오르간, 류트 연주자들이 즉흥적으로 보이싱을 하여 베이스라인을 만들어주는 것이다. 카를로 제수알도 등의 작곡가들은 자연스레 화성 진행에 관심을 기울이게 되었는데, 셋온음을 악마의 음정으로 분류하는 등 가시적인 연구 성과도 나타나고 있었다. 이에 따라 자연스레 음악은 선법보다 조를 기준으로 하는 조성을 따르게 되었고, 이로써 시대의 격변이 발생한다. 조성감을 위해 작곡가들은 멜로디의 진행을 넘어 화성 진행을 신경쓰게 되었고, 조성을 더욱 분명하게 하기 위해 종지 등의 작곡기술도 나타나게 된다. 이와 같은 음악적 변화는 클라우디오 몬테베르디에서 절정을 맞이한다. 몬테베르디는 르네상스 시대의 폴리포니와 통주저음을 변용하여 프리마 프락티카와 세콘다 프락티카라는 장르를 각각 개척하기에 이른다. 이처럼 새로운 시도는 《오르페오""》와 《포페아의 대관식"L'incoronazione di Poppea"》에서 여실히 드러나 평단의 주목을 이끌어내는데 성공한다. 몬테베르디가 바로크 시대를 열었다고 평가받는다. 화성 진행에 음악가들이 관심을 기울지면서 관용적인 주법, 관용적인 화성의 사용이 점점 늘어나기 시작한다. 류트에서는 불규칙적인 방식으로 불협화음을 끼워넣는 방식의 주법이 등장하고, 이어 루이 쿠프랭과 장 르 롱 달랑베르는 쳄발로에 이러한 연주법을 도입시킨다. 이러한 영향은 이후 요한 제바스티안 바흐와 심지어는 프레데리크 쇼팽의 음악에서도 발견된다.
바로크 음악

중기 바로크 음악. 루이 14세로 대표되는 절대 왕정의 시대가 됨에 따라 부와 권력이 궁중으로 집중되기 시작한다. 이에 따라 자연스레 음악의 중심도 교회에서 궁중으로 이동하게 되면서, 큰 교회 회랑이 아닌 궁중의 방에서 연주되기에 적합한 실내악이 탄생한다. 장바티스트 륄리가 이 시기의 대표적인 작곡가다. 륄리는 당시 프랑스 궁정에 고용된 유일한 작곡가로, 최초의 지휘자 중 한 명이다. 당시 기다란 지팡이로 박자를 지도하며 지휘하였다고 전해진다. 륄리는 현악을 중심으로 오케스트라를 구성했는데, 이 조합은 이후 이탈리아 오페라를 거쳐 현대에도 이어진다. 이탈리아에서는 1630년대에 칸타타, 오라토리오, 오페라라는 새로운 성악 형식이 등장하고, 가사와 일치하도록 멜로디와 화성을 배치하는 기법인 음화(Tone painting)가 발명됨으로써 크게 호평을 받는다. 더욱 단순하고 짧은 멜로디들이 나타나고, 사라방드나 쿠랑트 등의 춤과 어우러지는 리듬을 띄기 시작한다. 화성도 단순하고 가벼워지는데, 통주저음이 사용되던 베이스라인은 하나의 독립적인 성부로 기능하기 시작한다. 이처럼 화성의 사용이 단순해짐에 따라 레치타티보와 아리아가 독립적인 음악 형식으로 나타난다. 쟈코모 카리시미의 오라토리오, 프란체스코 카발리의 오페라가 유명하다. 또한 이 시기에 아르칸젤로 코렐리가 새로운 바이올린 연주기법과 교수법을 개발하고, 합주 협주곡 등 오롯이 악기로만 구성된 음악들을 작곡하기 시작한다.
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륄리의 활약이 궁정 내부에서만 이루어진 것에 비해, 코렐리는 작곡한 음악의 악보를 유럽 전역에 출판하고 연주회를 여는 등 활발한 활동을 한다. 코렐리는 협주곡과 트리오 소나타에서 음량을 급격하게 전환하고 빠른 악장과 느린 악장을 번갈아 배치하는 모습을 보여줬는데, 이는 그의 제자 안토니오 비발디에서 이어지며 이후 소나타 양식의 규범이 된다. 알레산드로 스카를라티는 반면 독일에서는 디트리히 북스테후데가 교회 음악의 전통을 이어간다. 북스테후데는 교회에 부임하여 각종 전례에 따른 음악을 작곡하는 등 전통을 이어간다. 교회 외에서는 라는 이름의 연주회를 기획했는데, 여기서 발표된 종교극들을 오페라와 동류로 보는 시각도 존재한다. 국가별 바로크 음악. 1세기 반에 걸친 바로크 시대에서는 국가나 지역에 따라 상당히 시기와 양식의 차를 볼 수 있으므로,이를 각국별로 개관하면 다음과 같다. 이탈리아. 조반니 가브리엘리를 중심으로 하는 베네치아 악파의 협주양식이나 페리, 카치니의 모노디 양식 오페라가 바로크 양식의 선구를 이루었고, 로마 및 베네치아 악파를 거쳐 알렉산드로 스카를라티 등의 나폴리파에 와서는 벨 칸토 창법으로 독특한 기교를 과시하는 명가수 중심의 오페라로 변화해 갔다. 1730년대에는 서정적인 비극을 테마로 하는 오페라 세리아와 코믹한 요소를 중심으로 하는 오페라 부파 등 2개의 스타일이 뚜렷이 분리하게 되었다. 또한 모노디 양식에서 종교적인 제재를 다루는 칸타타나 오라토리오가 카리시미에 의하여 확립되었다.
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기악 면에서는 트리오 소나타, 교회 소나타, 실내 소나타, 그리고 주로 바이올린 주법의 눈부신 발전과 함께 합주 협주곡, 독주 협주곡의 형식이 생겨났다. 프랑스. 루이 13세로부터 15세에 이르는 절대주의 시대를 중심으로 하여 번영하였는데, 1720년-1730년에 걸친 경쾌하고 우아한 로코코의 갤런트 양식이 두드러졌으며 장중한 표현을 지닌 륄리나 라모 등의 오페라, 쿠플랭 등 클라브생 악파 등이 현저한 발전을 보였다. 영국. 17세기 초인 엘리자베스 시대의 버지널 음악 등의 번영을 기반으로 하여 왕정복고 후에는 퍼셀 등이 앤섬, 오페라, 마스크 등의 국민적인 양식을 낳았다. 그리하여 18세기에는 헨델이 오라토리오의 전통을 이룩하였다. 독일. 초기 바로크는 네덜란드의 폴리포니 전통을 기반으로 하여 베네치아의 복합창 양식, 모노디 양식을 융합시켜 독일 프로테스탄트 음악의 전통을 세웠으며, 모테토, 오라토리오, 수난곡, 코랄 등에 우수한 작품을 남겼다. 이러한 전통을 이어받아 텔레만, 헨델, 바흐 등 3인의 거장이 잇달아 등장하였고, 바로크 음악을 절대적인 위치로 이끄는 데 공헌했다. 악기. 바로크 시대에는 악기에 많은 개량이 있었으나 원칙적으로는 르네상스 시대에 사용되었던 것의 대부분이 바로크 시대에도 계속되었다고 할 수 있다.
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건반악기로는 하프시코드 및 클라비코드, 지르바만(1683-1753)이 개량하여 절정에 이르렀다고 할 수 있는 바로크 오르간이 있으며, 한편 아직 미숙하기는 하나 피아노에 대한 시도가 이탈리아의 하프시코드 제작자인 크리스토포리에 의하여 시작되었다 현악기로는 르네상스 시대에서 이어받은 비올 종류에 새로 바이올린이 추가된다. 특히 이탈리아에서는 바이올린사상 고전적인 도시 크레모나(Cremona)의 아마티가(家)와 현재의 표준적 바이올린을 처음으로 만든 스트라디바리, 또는 아마티 문화이며 역시 명장인 구아리네리가(家) 등이 계속 등장하였다. 성악. 모노디. 모노디(monody)란 화음반주를 가진 단일 멜로디의 음악양식을 가리키나, 엄밀히 말하면 1600년경, 피렌체의 카메라타 그룹에 의하여 이루어진 통주저음의 반주가 있는 레치타티보 양식의 독창 성악곡을 뜻한다. 이에 앞서서 이미 16세기의 류트 반주가 있는 독창가곡으로 편곡한 것에서 그 싹을 엿볼 수 있다. 피렌체의 카메라타 그룹은 고대 그리스에서 본딴 '신음악'의 이론을 세웠다. 즉, 언어와 멜로디가 완전 일치하고, 언어가 지배하고 음악이기에 따를 것을 지향하며, 텍스트를 명확하게 이해시켜 주기 위하여 대위법의 텍스처를 금하고 간단한 반주가 따르는 솔로의 형태를 취하여야 하며, 언어는 바르고 자연스러운 억양으로 불러야 한다는 등의 근본원리가 확립되었다. 오늘날에 남아 있는 피렌체 모노디의 가장 오래된 예는 카치니의 가곡에서 볼 수 있다.
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통주저음. 리만이 바로크 시대를 '통주저음의 시대'라 불렀듯이 낮은음표 밑에 숫자를 달아 화성을 나타내는 통주저음은 바로크 시대의 최대 특징이다. 기원에 관해서는 비아다나(1564-1627)를 발명자로 생각했던 시대도 있었으나, 반주자가 처음 멜로디에 바탕을 두고 즉흥적으로 화성을 채웠음은 이미 16세기 후반의 종교 합창곡의 피아노 반주에서 볼 수 있다. 이 경우 즉흥 연주용의 스코어로서 성악의 최저성부를 쓰고 그 아래에 다른 성부에 생기는 화음을 명시하는 기호를 나타냈다. 이 방법은 17세기에 이르러 모노디스트들이 사용하면서부터 널리 세상에 알려졌다. 통주저음을 쓴 현존하는 가장 오랜 예는 1600년에 출판된 페리의 오페라 《에우리디체(Euridice)》이다. 이와 같은 초기시대에는 반주부가 전적으로 타성부를 화성적으로 강화하는 역할을 했으나 17세기 후반에 이르자 점차로 독립성이 부여되어 장식적인 비화성음이 들어가게 되었다. 한편 독일에서는 18세기 전반에 반주부분에 모방과 그 밖의 대위법적 기법을 채택하여 더욱 독립성을 유지시켜, 마침내는 통주저음의 전성기를 가져왔다. 오페라. 중세의 종교적 의식에서 전례극(11-13세기)과 신비극(14-16세기)이라 불리는 두 가지 종교극이 생겼다. 종교극은 원래 예배식의 일부로 그리스도 탄생의 이야기나 부활의 이야기를 드라마로 상연함으로써 시작되었으며, 차차 거리의 광장 등에서 전문적인 배우들에 의하여 상연하게 되었다. 그러나 당시만 해도 음악은 아직 부수적인 구실밖에 하지 못했다.
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16세기에 이르러 신화의 테마를 중심으로 하여 합창과 댄스, 팬터마임 등이 궁정축연에서 상연되었으며, 세속적 연극의 막간에 기악반주로 독창, 합창, 발레 등을 상연한 데서 '인테르메디오'가 생겼다. 또한 신화나 우화를 제재로 하여 시, 기악, 성악, 댄스, 연기를 결합한 형태로 왕후나 귀족을 위하여 상연된 것을 가면극 '마스크'라 불렀다. 16세기 말에서 17세기 초에 걸쳐 마드리갈의 스타일로 작곡되어 즉흥희극 코메디아 델라르테 풍의 제재를 다룬 극음악을 '마드리갈 코미디'라 하며 O.벳키의 《양피파르나소》가 대표적인 작품이다. 현재 남아 있는 작품 중에서 가장 오래된 오페라는 리누치니가 대본을 쓰고, 페리와 카치니가 각각 작곡하여 1600년에서 1602년 즈음에 피렌체에서 상연된 《에우리디체》를 들 수 있다. 페리와 카치니의 두 작품은 어느 것이나 텍스트의 자연스런 리듬, 악센트 및 억양을 충실하게 지키는 피렌체파의 스틸레 레프레젠타티보 양식으로 작곡되어 있어 멜로디 자체에는 독립된 구조가 없다는 점과 끊임없이 반복되는 형식대로의 카덴차, 단조로운 멜로디 선 등의 결점도 볼 수 있다. 칸타타. 칸타타는 극적 요소를 포함한 독창 혹은 중창에 악기의 반주가 따르는 형식이다. 반복하는 통주저음 위에 소리의 멜로디를 두고, 이야기 부분에는 레치타티보풍으로, 서정적인 표현에는 아리아풍의 텍스처로 작곡되었다. 17세기 전후에 이탈리아에서 시작되었는데 세속적인 제재를 다루었다.
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초기에 해당하는 17세기 전반의 작곡가에는 루이지 로시, M. 체스티, 카리시미 등이 있으나, 이 세기의 후반엔 레치타티보와 아리아를 번갈아 두고 가성부는 화려하고 유려한 멜로디를 갖는 스타일이 되며, 나폴리파 오페라의 거장들인 A.스트라데라나, A.스카를라티가 활약했다. 수난곡. 복음서에 의거하여 그리스도의 수난을 다루는 수난곡의 역사는 멀리 초기 크리스트교 시대에까지 거슬러 올라갈 수 있다. 우선 성주간에 성직자가 복음서를 낭독하는 것으로 시작되며, 12세기에는 각 등장인물을 다른 성직자가 독송양식의 단선성가로 부르는 코랄 패션이 이루어진다. 르네상스 시대에는 전체를 모테토풍의 다성합창곡으로 작곡하는 이른바 모테토 패션이 되며, 바로크 시대에 이르러 새로운 양식이 나타나자 복음서의 인물이나 복음저술가(마태, 누가, 요한, 마가)에는 레치타티보가 사용되고 자유롭게 작사를 한 부분이 코랄이나 아리아의 형태로 삽입되어 오라토리오의 형태에 접근한다. 이 패션을 오라토리오 패션이라고 하며, 18세기 초기의 함부르크 악파에 의하여 절정에 달했다. 이 악파를 위해 중심이 되어 작사한 사람은 브로케스(1680-1747), 작곡가로는 헨델, 텔레만, 카이저 등이 있다. 한편 바흐는 부분적으로는 브로케스의 시를 쓰고 있으나 전면적으로는 복음 저술가들의 기술을 중심으로 하였고, 또 프로테스탄트의 코랄을 더하여 서사적인 동시에 서정적이며 극적인 긴장감을 더한 독자적 경지를 개척하였다.
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오라토리오. 오라토리오는 주로 종교적인 제재로 독창, 합창, 관현악을 사용하여 무대장치, 의상, 연기 등을 수반하지 않고 음악만으로 연주되는 악곡형식을 말한다. 오라토리오는 중세 전례극의 아류(亞流)라고 하겠으나 무대묘사를 배제했다는 점과 대사(臺辭)를 읊는 사람이 있다는 점에서 전례극과는 다르다고 하겠다. 16세기 중엽에 로마의 성(聖) 지로라모 데라 카리타 성당의 기도소에서 수도사 필립포 네리가 오라토리오 집회를 시작하였다. 이 집회에서는 성서의 낭독 외에 문답체의 라우다 영창도 하였는데, 여기서 오라토리오의 형식이 발전하였다. 초기 오라토리오의 작품으로는 1600년에 오라토리오 집회에서 상연된 카발리에리의 《영혼과 육신의 극》으로, 이 작품은 피렌체파의 모노디 원리를 종교음악에 적용시킨 가장 오래된 예이나, 역시 종교극적인 요소가 많다고 하겠다. 이 밖에 마드리갈 스타일의 합창과 솔로를 포함하는 아네리오의 《아름다운 영혼의 극》 등이 있다. 각 나라별 성악. 이탈리아의 오페라. 1607년에 만토바에서 상연된 몬테베르디의 《오르페오(Orfeo)》는 종래의 모든 형식과 독자적인 수법을 교묘하게 결합시켜 초기 오페라 중에서 가장 우수한 작품으로 손꼽힌다. 로마에는 란디, 로시 등의 이른바 로마 악파가 있었고, 우화풍의 이야기를 테마로 하여 폴리포닉한 코러스, 아리아, 칸초네풍의 서곡을 채택한 것 등을 특징으로 들 수 있다.
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베네치아는 1637년에 세계 최초의 오페라 극장인 산캇시아노가 열린 뒤부터 일약 유럽의 오페라 중심지가 되었다. 몬테베르디의 《폽페아의 대관식》, 카발리에리의 《지아소네》, 체스티의 《황금의 사과》 등을 대표작으로 들 수 있으며 역사나 신화, 우화적인 제재를 테마로 하여 그것에 코믹한 에피소드를 가미한 것이 많았다. 유절형식, 론도 형식, 다 카포 아리아 등 아리아의 형식이 많아졌다는 점과 레치타티보와 아리아가 형식적으로 분화하기 시작했다는 점, 그리고 대규모의 기계장치를 한 화려한 무대장치 등의 특징을 볼 수 있다. 1624년 베네치아에서 상연된 몬테베르디의 오페라 《탄크레디와 클로린다의 싸움》은 그가 스틸레 콘치타토라는 새로운 기악의 기법을 사용했다는 점에서 주목된다. 여기서 그는 분노나 흥분의 기분을 표현하기 위하여 급속히 반복되는 현의 트레몰로를 써서 새로운 양식의 음악적인 표현법을 개척하였다. 17세기의 말엽부터 18세기의 전반에 걸쳐 로마·베네치아파의 뒤를 이은 나폴리파 오페라는 우수한 작곡가들에 의하여 18세기의 전형적인 오페라 악파가 되었다. 이 악파에 속하는 작곡가로는 창시자로 불리는 A. 스카를라티 외에 욤멜리, 피치니, 페르골레시, 트라에타, 파이지엘로, 치마로자, 하세, 그라운 등을 들 수 있다.
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그들의 공적은 A-B-A의 전형적인 다 카포 아리아 형식의 확립, 오케스트라를 수반하는 레치타티보, 즉 레치타티보 아콘파니아토 또는 레치타티보 스토르멘타토, '빠르게-느리게-빠르게'의 이탈리아식 서곡의 채용, 아름다운 목소리를 들려주기 위한 벨 칸토 창법, 카스트라토나 뛰어난 기법을 들려주는 명가수들의 배출 등으로 말미암아 극적인 통일성이 결여될 만큼 음악이 우위에 서게 되었다. 이탈리아풍 서곡은 17세기 말경 스카를라티의 《다르 마로 일 베네》에 처음으로 사용된 뒤부터 바로크시대에 애용되었다. 이 서곡은 '빠르게－느리게－빠르게'의 세 구조를 지니며 제1부는 알레그로, 제2부는 그라베, 제3부는 프레스토가 되는 경우가 많다. 이 이탈리아풍 서곡은 신포니아라고도 하며, 고전파 교향곡의 싹이 되었다. 프랑스의 오페라와 서곡. 중세의 목가극이나 궁정의 발레를 토대로 하여, 또는 이탈리아 오페라의 영향을 받아 프랑스 오페라가 처음으로 공적(公的)인 성립을 보게 된 것은 1669년 피에르 페랑과 로베르 캉베르가 왕립음악 아카데미를 설립한 뒤부터였다. 1670년 이후에는 루이 14세의 보호를 받아 륄리가 등장하여, 그 후의 프랑스 오페라의 기초를 확립시켰다. 륄리의 대본을 쓴 키노는 신화나 전설에서 제재를 얻어 전통적인 5막 구성의 양식을 만들었다. 또한 코러스나 발레에 중요한 의의를 부여했으며 화려한 무대장치나 묘사적인 기악곡 등이 그들의 협력으로 탄생하였다.
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18세기 중엽에는 그들의 서정비극의 전통을 이어받은 장필리프 라모가 대위법적인 스타일을 구사하여 코러스를 극적으로 처리하고 오케스트라의 표현력을 확대시켰다. 프랑스풍 서곡은 프랑스풍 칸초네를 말하며, 종래의 칸초네, 교회 소나타 등의 전통을 이어받아 륄리에 의하여 처음으로 확립되었다. 그 예는 그의 발레 《아르시디아느》에서 처음 선을 보였다. 느림－빠름－느림의 구조로 점 리듬의 장중한 도입부 뒤에 칸초네풍인 알레그로의 모방적인 스타일의 부분이 계속되고 끝에 가서 처음과 같이 완만한 부분이 가해진다. 이 형식은 모음곡(組曲)의 서곡으로서 남아 있으며 바로크 시대에 널리 애호되었다. 영국의 오페라. 16세기 말에 '마스크'에서 발전하였다. 마스크는 원래 신화나 우화적인 제재를 지녔으며 정교한 무대장치와 대사(臺辭)의 대화, 노래, 기악 등을 포함하고 있었으나 17세기에 들어와서는 대화의 부분을 모노디풍의 스타일로 작곡하거나 간소한 민요풍의 가곡을 삽입하기도 했다. 그리하여 공화제의 시대가 되자 디브난트는 이탈리아나 프랑스 오페라의 영향을 받아 최초의 영국 오페라 《로도스의 포위》를 발표하였다 17세기 후반이 되자 M.로크, J.브로, 퍼셀 등 3인의 작곡가가 영국음악의 황금시대를 이룩하였다. 당시 셰익스피어 극은 기계장치나 노래, 발레, 기악곡 등과 함께 상연되고 있었는데 그들은 그 부수음악을 작곡하였으며 그것이 영국 오페라의 전통적인 형식이 되었다.
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퍼셀(1658-1695)은 여러 국민양식을 융합한 영국 최대의 작곡가이며 《디도와 에네아스》는 우수한 독창성과 유기적인 통일을 지닌 구성법, 그리고 그 생생한 극적 표현 등으로 그의 대표작이 되어 있다. 독일 오페라와 가곡. 독일 오페라의 전신은 도덕적이며 종교적인 내용을 지니는 학교극 또는 교훈극인데 최초의 독일 오페라는 1627년에 슈츠가 작곡한 《다프네(Daphne)》이다. 함부르크에서는 독일 최초의 오페라 극장이 1678년에 창설되어 타일레의 《인간의 창조, 타락, 구원》이 상연되었다. 초기에는 슈트룬크, 프랑크 등의 작곡가가 있었으나 이탈리아나 프랑스 오페라가 원어 그대로 또는 번역되어 상연되는 경우가 많았다. 이윽고 J.푹스나 R.카이제르 등이 등장하여 참된 국민적인 오페라 활동에 지도적인 역할을 하였다. 함부르크 오페라의 중심적 인물이라고 하는 카이제르는 아름다운 멜로디를 지닌 많은 아리아를 남겼으며 프랑스와 이탈리아 오페라의 영향을 독일적인 개성으로 교묘하게 통일하였다. 그의 뒤로는 J.마테존을 비롯하여 헨델, 텔레만이 함부르크를 위하여 오페라를 썼으나 1737년에 오페라 극장이 폐쇄되자 오페라는 점차 쇠퇴하고 말았다. 브랑슈바이크에서는 프랑스나 이탈리아의 영향을 받은 쿠서, 그리고 하노버에서는 스테파니가 헨델에게 영향을 미쳤으며 바이센페르스에서는 클리거가, 또 빈에서는 J.푹스가 활약하였다. 뿐만 아니라 드레스덴은 로티나 하세 등에 의하여 독일에서의 나폴리파 오페라의 중심지가 되었다.
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17세기의 초기에 일상적인 것을 노래한 서정시나 민요풍의 독일 리트(가곡)가 새로이 발전되었다. 알베르트는 프로테스탄트의 코랄이나 이탈리아의 모노디풍 솔로, 샤인의 영향을 받아 통주저음이 있는 다성적인 서정가곡을 탄생시켜 독일가곡의 선구자가 되었다. 그리고 클리거는 소박하고 단순한 민요풍의 유절형식을 써서 예술적 향기가 높은 가곡을 썼다. 기악. 1600년 이전은 성악의 시대라고도 할 정도로 성악의 전성기로서, 기악을 위한 것으로는 간단한 춤곡이나 성악곡의 편곡 정도밖에는 없었다. 그러나 바로크 시대에 와서부터는 처음으로 기악이 성악과 자리를 같이하여, 기악형식이나 기악을 위한 새로운 형식이 확립되고 많은 기악곡이 나타났다. 기악형식의 대부분은 프랑스의 성악곡인 샹송이 이탈리아 사람에 의하여 기악으로 옮겨졌다. 이른바 '칸초네 프랑 체제'(프랑스풍 칸초네)를 기초로 하여 그것이 모노디의 발명과 결부되어 여러 가지 방법으로 독립된 기악형식으로 발전하였던 것이다. 우선 칸초나 가운데 대비적인 부분이 각각 독립하여 개개의 대조적인 악장을 취함으로써 카프리치오가 생겨났다. 이것은 다른 여러 형식에 비하여 대위법적이며 푸가의 전신으로 생각할 수 있다. 이 밖에도 모테토가 기악으로 옮겨진 리체르카레, 자유로운 대위법에 의한 즉흥적인 판타지 등도 푸가의 전신이다.
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그리고 지로라모 프레스코발디(1583-1643)는 이러한 악곡에서 몇 개로 나뉜 대조적인 부분 사이의 주제를 통일하여 전체를 엄밀하고 유기적인 조직으로 하고 또한 그 주제에 기악적인 음형을 사용함으로써 모방적인 대위법의 기악곡을 만들어냈다. 그 뒤로 각 부분은 그 내부구조를 충실케 함으로써 그 수효를 줄이고 주제와 그 응답 사이에도 으뜸조와 딸림조라고 하는 기능적인 관계를 확립시켰다. 또 파헤르베르(1653-1706)에 의하여 주제가 들어가는 배분이 개량되고 에피소드가 조직적으로 편성되게 된다. 북독일의 북스테후데(1637-1707)도 토카타와 푸가에서 극적인 요소를 도입하였다. 이리하여 17세기 전반을 통하여 점차 푸가의 개개 요소가 성립하고, 바로크 시대의 후기에 오자 다른 대위법적 악곡을 누르고 중요한 자리를 차지하게 됐다. 한편 칸초네에 의거하지 않는 악곡형식도 새로 생겼으며 특히 건반악기를 위한 여러 변주곡이 유행하고 저음이 주기적으로 반복되는 음형, 즉 오스티나토 바스에 기초를 둔 변주곡인 파사칼리아, 샤콘, 그라운도 등이 왕성하게 작곡되었다. 소나타. 교회 소나타의 성립. 건반악기를 위한 칸초네는 주제를 통일함으로써 푸가로 발전하였으나 기악 앙상블 편성에 의한 칸초네부터는 대조적인 각 부분이 각각 독립성을 갖게 되었고 또한 그 수효가 줄어들자 이에 따라 교회 소나타가 성립한다. 이것은 흔히 느림－빠름－느림－빠름의 4악장으로 이루어지며 전체적으로는 장중하고 성실하며 또한 추상적인 형식이다.
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이 형식은 1650년부터 1750년의 약 백년 동안에 매우 애용되어 지오반니 바티스타 비타리, 주제페 트레를리, 그리고 17세기 최대의 걸물인 아프칸제로 코레리가 많은 작품을 남기고 있다. 트리오 소나타. 트리오 소나타는 일련의 춤곡으로 되어 있으며 보통은 알르망드－쿠랑트－사라반드－지그, 거기에 임의의 춤곡이나 자유로운 구성의 서곡이 부가되거나 또는 되지 않기도 한다. 이러한 두 형식은 여러 악기편성을 위하여 작곡되었는데, 가장 애용된 것은 2개의 바이올린과 콘티누오의 편성이었다. 이것을 악보로 보면 3개의 멜로디선으로 표기되므로 트리오 소나타라 하였으며 바로크 시대를 통하여 매우 애용된 실내악 형태이다. 이 밖에도 통주저음과 독주악기의 편성으로 된 솔로 소나타를 위한 작품도 남아 있다. 우수한 독주악기인 바이올린을 위한 곡은 말할 나위도 없거니와 비올이나 비올라 다 감바, 오보에나 플루트 등을 위한 작품도 남아 있다. 모음곡. 몇 개의 춤곡을 결합시켜 구성하려는 시도는 이미 16세기부터 있었다. 즉 짝수박자의 것과 3박자의 것, 속도가 빠른 것과 느린 것이 결합되어 있었던 것이다. 이와 같은 모음곡의 초기 발전에 관해서는 이탈리아의 영향을 받은 바가 많으며 영국은 지그를, 스페인은 사라반드를, 프랑스는 그 밖의 많은 춤곡과 전체적인 세련성을, 그리고 독일은 알르망드와 모음곡을 통일된 형식으로 만든다는 생각을 상호간에 제공하여 마침내는 단순히 춤을 추기 위한 곡에서 벗어나 양식화된 예술형식으로 나아갔다.
바로크 음악

모음곡이 음악형식으로 확립되기 위하여 큰 공헌을 한 사람은 프로베르거(1616-1667)인데, 그는 처음에 알르망드―쿠랑트－사라반드의 3악장 형식을 택했었다. 그 뒤로 지그가 추가되어 17세기 말엽에는 4악장형식이 널리 쓰였다. 연주형태로는 건반악기용의 것이 많았으나 관현악 모음곡, 실내악 편성으로 된 소나타 다 카메라도 이러한 장르에 들어간다. 협주곡. 합주협주곡. 바로크 시대의 가장 중요한 관현악 형식으로서 합주 협주곡(콘체르토 그로소, Concerto grosso)을 들 수 있다. 합주 협주곡이란 악곡의 형식의 하나로, 몇 개의 독주악기로 이루어진 소악기군인 콘체르티노와 보다 큰 합주단인 리피에노가 함께 하는 형식이다. 예로는 헨델의 《콘체르토 그로소집》이 있으며, 또한 바흐의 《브란덴부르크 협주곡》이 있다. 독주협주곡. 독주협주곡은 하나의 독주악기와 관현악으로 구성되는 것이 가장 일반적 형태인데, 독주악기에 따라 피아노 협주곡·바이올린 협주곡 등으로 불린다. 합주협주곡과 다른 점은 독주악기가 보다 두드러진 움직임을 보이고 보다 오랜 시간 연주된다는 점이며, 교향곡에 맞먹을 정도의 깊은 세계를 표현할 수 있는 형식이다. 최초의 독주협주곡은 토렐리(1658-1709), 알비노니(1671-1750) 등에 의한 것인데 1700년경에 공개되었고 또한 비발디(1678경-1741)에 의해 확립되고 대규모의 형식으로 발전하였다.
바로크 음악

그의 협주곡은 빠름－느림－빠름의 3악장으로 되어 있으며 각각 그 내부는 일련의 투티와 솔로로 이루어져 있다. 비발디의 형식을 이어받은 사람으로는 제미니아니(1687-1763), 타르티니(1692-1770), 로카텔리, 헨델, 바흐, 텔레만 등을 들 수 있다. 기악에 의한 교회음악. 바로크 시대 이전에는 교회에서 연주되는 것이라면 거의가 예외없이 성악이었다. 기악양식과 새로운 기악형식의 성립, 그리고 각 악기 사이의 양식이 구별되기 시작한 이 시대부터 교회를 위한 새로운 기악형식이 생겨났다. 그리하여 신도들이 부르는 코랄을 위한 오르간 전주부에 중요한 의미가 주어져서 코랄 전주곡이라는 독립된 기악곡이 탄생하였다. 이 형식에 큰 공헌을 한 사람은 샤이트(1587-1654)로서 그에 의하여 오르간 음악의 기교적인 면은 완성의 경지에 이르렀다. 이 때문에 그 이후 바흐에 이르는 일련의 독일 오르간 음악의 거장들은 전적으로 코랄 전주곡의 새로운 형식을 만들어내는 데 전념하였다. 파헬벨은 이 새로운 형식에 푸가를 곁들였으며, 뵘(1661-1735)은 코랄의 멜로디를 번뜩이는 듯한 섬세한 음표로 장식하였고, 또한 디트리히 북스테후데(1637-1707)는 코랄의 멜로디에서 나오는 소재를 자유롭게 환상적으로 다루는 코랄 판타지를 만들었다. 바흐와 헨델. 바로크 시대는 요한 제바스티안 바흐(1685-1750)와 게오르크 프리드리히 헨델(1685-1759)이 등장함으로써 절정을 이루어 일단 정리되었다고 하겠다.
바로크 음악

이들 두 사람은 다른 17세기 초기의 대가들과는 달리 새로운 형식이나 양식을 만든 것이 아니라 기존의 요소를 각각 독자적인 방법으로 자기 것으로 소화시켜 완성시켰다. 이들은 모두가 독일 사람이었음에도 불구하고 주변의 여러 나라 양식을 받아들여 혼합 또는 융합시켰다는 점에서도 일치하고 있다. 그러나 그들의 생애나 인격이 매우 다르듯이 음악도 여러 점에서 다르다는 점은 흥미있는 일이라 하겠다. 우선 바흐는 일생을 통하여 국외에 나간 일이 없고 여행이라 해도 기껏해야 함부르크 정도였지만, 헨델은 독일, 이탈리아, 영국에서 그의 일생을 보냈으며 특히 마지막에는 영국에 귀화한 국제인이었다. 바흐는 두 번의 결혼에서 20명이나 되는 자녀를 두었고 끊임없이 신변의 자질구레한 잔근심으로 고민하였음에 반하여 헨델은 결혼도 하지 않고 항상 모험을 즐겼다. 뿐만 아니라 바흐가 독일에서도 이름높은 전통적 음악가의 집안에서 성장하였음에 반하여 헨델에겐 전혀 음악가 조상이 없었으며 또한 그가 음악가가 되려는 뜻을 부친은 완강하게 반대하였다. 인격 면에서도 바흐는 겸손하고 경건하며 때로는 완고했음에 비하여 헨델은 보다 세속적이며 겉보기에 화려하고 귀족적이었다고 한다. 이와 같은 두 사람의 차이는 그대로 음악에도 나타나 우리의 흥미를 끈다. 작곡에 쓰는 악곡형식으로서 바흐는 오페라를 제외하고는 당시 있었던 대부분의 형식을 다루었으나 역시 주력은 교회 칸타타나 오르간 작품 같은 교회 음악이라고 하겠다. 한편, 헨델의 대부분의 작품은 오페라와 오라토리오였는데, 그의 오라토리오는 매우 인간적이고 현실적인 것으로 말하자면 종교적 제재에 의한 오페라 같은 것이었다.
바로크 음악

또 바흐의 작품 대부분이 교회나 궁정에 근무할 때 요청에 따라 쓴 실리적인 것이었음에 비하여 헨델은 틈이 나는 대로 아무런 목적이나 필요성도 없이 작곡하였다는 점도 흥미롭다고 하겠다. 안타까운 점은 두 사람은 같은 독일 태생이며 태어난 해도 같은 그들이었지만 단 한번도 만나지 못 했다는 점이다 어쩌면 그들의 가문과 음악적 특성, 성격의 차이 때문에 만날 기회를 갖지 못했을지도 모른다. 바흐와 헨델은 독일에서 성장하고 그 전통을 익힌 뒤에 주위 여러 나라의 갖가지 양식을 받아들인 점에서는 모두가 공통되나 그것을 어떻게 혼합시키고 융합하여 자기 것으로 했느냐의 점에서 두 사람은 매우 다른 경지의 높이를 이룩하고 있는데, 그들이 취한 태도에서의 근본적인 차이는 다음과 같은 두 가지 점에 집약된다고 하겠다.
거대과학

거대과학(巨大科學, )은 과학자 및 공학자 같은 인원, 연구기관, 예산을 대규모로 동원하는 과학 연구를 말한다. 빅 테크놀로지(巨大技術)와 구분하지 않고 사용하는 경우가 많다. 이는 국가적 규모의 재정 뒷받침을 전제로 해서 수행 가능한 연구이다. 그 대표적인 예로 미국과 소련이 경쟁적으로 벌였던 우주개발이 있다. 거대과학은 군사우위를 차지함과 아울러 국가 기간산업을 활성하고 경제 발전을 가져오며, 국위선양 면에서도 큰 의미가 있다. 그런 의미에서 군관산학(軍官産學)이라는 구조를 가지는 것이 거대과학의 특징이다. 거대 과학의 사례. 맨해튼 프로젝트. 맨해튼 프로젝트는 제2차 세계 대전 기간 동안 미국이 영국과 캐나다의 협조아래 수행한 인류 최초의 핵무기 개발 계획의 암호명이다. 이 프로젝트는 과거의 모든 과학연구들을 압도하는 프로젝트였다. 총 투자액은 20억 달러 이상이었고, 총 참여 연구인력들은 만 단위였고, 그외 기능인력과 행정인력 등은 10만명 이상이 동원되었다. 맨해튼 프로젝트는 총책임자인 육군공병대의 그로브스 준장과 참모장교들에 의해 전반적으로 결정되었고, 극소수의 과학자들만이 이 계획의 전말을 알고 있었다. 맨해튼 프로젝트는 현대의 거대과학이 가지고 있는 특징(투자규모의 거대화, 관료와 행정가에 의한 연구의 통제, 과학자의 전문노동자화 등)을 뚜렷히 보여준다. 아폴로 계획. 아폴로 계획은 1961년부터 1972년까지 미국항공우주국에 의해 이루어진 일련의 유인 우주 비행 탐사 계획으로, 1969년 아폴로 11호에 이어 1970년대 초반까지 여섯 차례 성공적으로 달에 착륙한 후 귀환하였다.
거대과학

장점. 거대과학은 고도로 발전된 과학기술에서 기초과학의 획기적 발전을 위한 효율적 수단이다. 대규모 자본과 인력을 집중적으로 투자함으로써 단기간에 기초과학의 한단계 큰 도약을 이뤄낼 수 있다. 그리고 거대과학은 많은 연구원,행정원들이 필요한 만큼 많은 신산업 창출 등 산업에 많은 혜택을 줄 수 있다. 단점. 거대과학은 과거에 창의성을 바탕으로 한 자발적 연구에서 자본과 결합한 대규모 이익집단의 연구로 바꾸었다. 이것은 과학자들을 학자에서 지식노동자로 바꾼 것으로, 자유로운 연구가 아닌 정해진 목표를 정해진 시간에 해결해 낼 것을 요구받는 산업활동의 성격을 띄게 되었다. 또한 거대과학은 필연적으로 거대한 인적-물적 자원을 동원할 수 있는 조직-집단에 의존하게 되고, 결국 이들 조직-정부-기업의 요구를 수용할 수 밖에 없는 수동적인 연구를 하게 된다. 그리고 거대과학은 그 크기 만큼이나 그 속에 연관되어 있는 사람들이 많아서, 그 복잡한 이해관계 속에서 잘못된 연구, 시스템결함이 가져올 사회적 위협에 대해서는 둔감해지는 결과를 낳게 된다.
국립과천과학관

국립과천과학관(國立果川科學館, )은 기초과학·응용과학·자연사 및 과학기술사 등에 관한 자료의 수집·보존·연구·전시 및 교육에 관한 사무를 관장하는 대한민국 과학기술정보통신부의 소속기관이다. 2008년 8월 7일 발족하였으며, 경기도 과천시 상하벌로 110에 위치하고 있다. 관장은 고위공무원단 나등급에 속하는 임기제공무원으로 보한다. 역사. 2001년 4월, 제34회 과학의 날 대통령 치사에서 새로운 국립서울과학관 건립이 발표되었다. 2006년에는 건축 부지를 과천 서울대공원 인근, 2008년 9월을 완공 시기로 결정하였다. 과학관 본관은 비행체 모양의 미래 지향적 외관으로, 천체관은 '수면 위의 구'의 형태로 설계하였다. 국립과천과학관은 시범운영을 거쳐 2008년 11월 14일 개관하였다. 전시면적이 19,127m2로 대전 국립중앙과학관의 3배 규모라 보도되었다. 기초과학관, 자연사관, 전통과학관, 첨단기술관, 어린이탐구체험관, 명예의 전당 등의 상설전시관과 특별전시관, 실험실습실 등으로 구성되었으며, 전시물은 체험 중심으로 전시·운영되고 있다. 천체관은 내부 지름 25m의 돔 내부에 천체투영관이 설치되었다. 2008년 12월 23일 국무회의에서 국립과천과학관을 책임운영기관으로 지정하기로 의결하였다. 사건·사고 및 논란.
국립과천과학관

법인화 논란. 2008년 11월 7일 전국민주공무원노동조합 교육과학기술부지부는 국립과천과학관 법인화 논의를 중단하라는 성명서를 발표하였다. 전국민주공무원노동조합 교육과학기술부지부는 성명서에서 "과학관은 국민에게 과학기술에 대한 기초소양과 도전에 대한 가능성을 제공하는 공공성 높은 서비스기관"이라며 "선진화, 민영화라는 허울 아래 과학관을 영리 추구 기관으로 내모는 것은 정부의 의무와 책임을 포기하는 것"이라고 비판했다. 이어 국립과천과학관이 법인화될 경우 관람료가 무리하게 인상되고 과학서비스를 위해 일해야할 연구원들이 돈벌이를 위한 영업사원으로 전락하게 될 것이라고 지적했다. 2008년 11월 12일 한겨레가 교육과학기술부와 행정안전부 관계자들의 얘기를 종합한 바에 따르면, 정부는 2008년 7월 차관회의에서 국립과천과학관의 직제와 인력을 확정하면서 국립과천과학관을 2010년부터 법인화하는 방안을 부처간 협의를 거쳐 추진하기로 했다. 이에 대해 주무 부처인 교육과학기술부는 "법인화 추진 일정은 아직 없다"고 밝히고 있으며, 행정안전부 쪽은 "당장은 어렵고 2009년 중에 법인화 방안이 마련될 것"이라고 말하고 있다. 행정안전부 관계자는 "2010년 과학관 법인화는 차관회의 '합의' 사항"이라며 "과천에 이어 광주·대구 등에서도 과학관들이 세워질 텐데 모두 국립으로 운영하는 게 과연 맞는지 검토할 때"라고 말했다.
국립과천과학관

반면에 교육과학기술부 관계자는 "차관회의에선 '협의 추진'을 논의한 만큼 법인화의 손익을 신중하게 따져 봐야 한다"며 "이제 개관한 국립과천과학관의 법인화를 논의하는 건 시기상조이며 최소 2~3년 운영한 뒤 법인화를 검토해도 늦지 않을 것"이라고 말했다. 2009년 1월 20일 행정안전부는 국무회의에서 '2009년 정부조직 및 인력운영 계획'을 보고하며 정부기관의 민간이양을 위해 국립의료원, 경찰병원, 국립과천과학관, 농촌진흥청 등 우선 대상기관의 법인화 작업을 마무리짓기로 했다. 2010년 12월 29일 전국공무원노동조합 중앙행정기관본부 교육과학기술부 국립과천과학관지회(지회장 송영섭)는 농촌진흥청 홈페이지 등을 통해 교육과학기술부의 국립과천과학관 법인화 추진을 반대했다. 지회 측은 국립과천과학관 자체 설문 결과 참여자 60명 중 88%인 53명이 법인화 반대 입장을 밝혔고 대부분의 직원이 법인화가 되면 타 기관 이동을 희망했다고 밝혔다. 2011년 4월 14일 박영아 한나라당 의원 등 국회의원 11명이 '국립과학창의관의 설립 및 운영에 관한 법률안'이라는 의원 입법안을 통해 특수법인화를 추진하였다. 법안에 따르면 우선 국립과천과학관의 명칭에서 소재 지역 명칭인 '과천'이 빠지는 대신 '창의'라는 표현이 포함됐다. 과학 전시를 통해서 '창의 인재 양성'으로 폭이 넓어지는 것이다. 사업 범위도 기존의 전시업무에서 '과학 문화 전반'으로 확장된다.
국립과천과학관

△미래과학기술 트랜드 분석 및 확산 기반 조성 △창의적 아이디어의 사회적 기여를 위한 지원 △과학교육, 과학문화 촉진을 위한 조사 연구 △과학문화 확산 등을 다루게 된다. 2011년 11월 9일 최은철 국립과천과학관장은 동아사이언스와의 인터뷰에서 법인화에 대한 질문에 긍정적인 반응을 보이며 "과학관 법인화가 시대의 흐름이라면 가장 지혜롭게 대비하겠습니다."라고 밝혔다. 전문 인력을 확보하고 경쟁력 있는 사업에 예산을 집중하는 등 과학관 선진화를 꾀할 수 있다고 생각한다며 "공공성 측면에서는 현 상태를 유지하는 것이 좋지만 국립과천과학관이 한 단계 도약하기 위해서는 법인화가 오히려 기회가 될 수 있다"고 주장했다. 2013년 4월 30일 유정복 안전행정부 장관은 중앙일보와의 인터뷰에서 이명박 정부에서 추진한 국립과천과학관과 국립현대미술관의 법인화 방향에 대한 질문에 대해 "두 곳은 전문성과 독립성이 필요한 만큼 법인화가 바람직하다고 본다. 다만 관계부처와 좀 더 협의를 할 생각이다. 올해 상반기 중에 문화시설과 전시기관을 중심으로 법인화를 추진할 정부기관을 정할 것이다."라고 답변하였다.
가와카미 데쓰하루

가와카미 데쓰하루(, 1920년 3월 23일 ~ 2013년 10월 28일)는 일본의 전 프로 야구 선수이자 야구 지도자, 야구 해설가·평론가이다. 현역 시절에는 ‘타격의 신’()이라는 애칭이 유명할 뿐만 아니라 감독으로서는 요미우리 자이언츠의 황금 시대를 구축해 ‘V9’(9년 연속 센트럴 리그 우승, 일본 시리즈 우승)을 달성했다. ‘타격의 신’(), ‘데쓰’(), ‘돈 가와카미’() 등 다수의 애칭이 있었고 현역으로서는 최고령 프로 야구 해설자(NHK)였다. 부인은 전 다카라즈카 가극단 낭역 요요기 유카리(재단 1936년 ~ 1944년)이며, 아들은 논픽션 작가인 가와카미 요시테루이다. 인물. 프로에 입문하기까지. 원래는 오른손잡이였지만, 5세 때 자갈길에서 넘어져 오른 팔을 다쳤다. 수술 경과가 나쁘게 나올 정도로 완치하는 데에 반년 정도 걸렸고 몸이 나을 무렵에는 왼손잡이가 되어 있었다. 구마모토 현립 공업학교(현재의 구마모토 공업고등학교) 2학년 시절인 4월부터는 좌타자로 전향했다. 구마모토 공업학교의 투수로서 요시하라 마사키(포수)와 함께 배터리를 짰고, 1934년과 1937년 여름에 열린 전국 중등 학교 야구 선수권 대회에 두 차례나 출전해 모두 준우승을 했다. 또 선발 중등 학교 야구 대회에도 1936년 봄에 한 차례 출전했다.
가와카미 데쓰하루

이와 관련하여 1937년 전국 중등 학교 우승 야구 대회(현재의 전국 고등학교 야구 선수권 대회)에 출전(당시에는 준우승을 했고, 이 대회의 우승 학교는 노구치 지로가 소속된 주쿄 상업학교였다)했을 때 결승전 종료 후 고시엔 구장의 흙을 유니폼의 호주머니에 넣어 모교의 그라운드에 뿌렸다. ‘고시엔의 흙’의 포장 판매 제1호로 여겨지고 있으며 또 이 때 주쿄 상업학교한테 패했지만 대회의 최우수 투수로 선정되었다. 현역 시절. 1930년대 ~ 1940년대. 구마모토 현립 공업학교를 졸업한 후 철도원의 길을 권하는 아버지를 설득하고, 1938년에 도쿄 교진군에 투수로서 입단, 도쿄 교진군 외에도 한신, 한큐, 그 해에 창단한 신생 구단인 난카이와의 쟁탈전을 벌인 끝에 영입되었다. 계약금은 300엔, 월급 110엔이었는데 300엔이라고 하는 금액은 “도쿄에서는 모르지만, 구마모토의 시골이라면 어떻게든 집 한 채 지어진다” 라고 말했다. 입단 동기이자 구마모토 공업학교의 동급생인 요시하라 마사키를 시작으로 치바 시게루, 우쓰미 이소오, 노무라 다카요시, 이와모토 아키라, 산타 마사오 등 이들을 통틀어 ‘꽃의 쇼와 13년조’()의 일원으로서 주목을 받았다. 도쿄 교진군의 목적은 간판 타자이자 포수인 요시하라이며, 투수인 가와카미가 그 다음이었다고 한다. 가와카미는 도쿄 교진군과 계약한 1주일 후에 난카이와의 계약금 500엔, 월급 150엔이라고 하는 좋은 조건을 들어 도쿄 교진군과 계약을 한 것에 대해 후회했다고 한다.
가와카미 데쓰하루

또, 이설로서는 야마토 규시의 《프로 야구 삼국지 제4권》(베이스볼 매거진사)에 의하면 난카이의 입단이 정해지고 있었지만 도쿄 교진군은 난카이의 가입에 기존 구단의 반대가 강했던 상황을 이용했다. 도쿄 교진군의 스즈키 소타로는 난카이의 다카스 가즈오 감독을 불러 난카이의 가입에 반대하지 않는 대신에 가와카미와 요시하라의 영입으로부터 손을 떼게 하는 거래를 했다고 한다. 입단 당시에는 투수로서 등록되어 있었지만, 구위력이 부족하게 자타가 모두 인정하는 ‘연투파’(軟投派)타입이었다. 감독인 후지모토 사다요시는 가와카미의 타격 플레이에 주목하면서 간판 타자로 키울려고 생각하고 있었지만 팀으로서는 투수가 부족했기 때문에 투수도 같이 겸임시켰다. 구마모토 공업학교 시절의 배터리를 짜고 있던 요시하라가 개막 경기에서는 신인으로서 선발 멤버로 출전하였고 역시 입단 동기인 지바가 2루수로서 활약하고 있는 것을 보며 “빨리 타격에 전념하면 좋겠지만….” 이라고 말했다. 춘계 시즌(당시 일본 프로 야구에서는 춘계 시즌과 추계 시즌으로 나눠 양대 시즌 제도가 시행되고 있었다)에서 가와카미는 투수와 타자 양쪽 모두에서 기용되었지만 모두 성적은 좋지 않았다. 가와카미가 야수로 전향한 것은 춘계 시즌이 끝나면서 추계 시즌이 들어가기 전에 여름에 있은 시범경기였다.
가와카미 데쓰하루

당시 1루수였던 나가사와 후지오가 갑작스런 부상으로 선발 명단에서 제외돼 급거 1루수로서 출전한 경기에서는 3안타를 때려내는 등의 맹활약으로 후지모토 사다요시 감독으로부터 “1루수용 미트를 준비하라”라고 말한 뒤 이를 건네받고 가와카미는 매우 기뻐했다. 그 해의 추계 시즌부터 주전 1루수로서 뛰게 되었다. 이듬해 1939년부터는 내야수로 등록되지만 1941년까지는 투수도 겸임하고 있었다. 1939년부터 단일 시즌제로 돌아오면서 가와카미는 그 해에 수위타자를 석권했다. 이후 1941년에도 수위타자를 차지했고 ‘투수로서 4번’의 선발 출전을 세 차례나 기록하고 있어 1939년 4월 10일의 난카이전에서는 투수로서 출전하는 등 5안타를 기록했다. 1944년에 징병되어 다치카와 항공정비대의 교관(육군 소위)으로 있을 때에 내지에서 종전을 맞이하게 된다. 가와카미는 고향인 히토요시시로 돌아가 가족을 부양하기 위해 농업에 전념하고 있었다. 프로 야구는 곧 1946년 4월부터 페넌트레이스가 재개되어 도쿄 교진군은 가와카미에 대해 선수 복귀를 주장했다. 그러나 가와카미는 히토요시 시에 있는 가족을 부양하는 것을 생각하면서 “만약 3만엔 받을 수 있다면 도쿄 교진군에 복귀할 뜻이 있다”라고 전했다. 이것은 프로 야구에서는 처음으로 선수가 구단에 대해 계약금을 요구하게 되어 ‘3만엔 홀드 아웃 사건’ 이라고 일컬어진다. 1946년 6월부터 도쿄 교진군에 복귀하여 그 해에 연 3할 대의 타율을 기록했다.
가와카미 데쓰하루

1946년 8월 26일의 주부니혼군과의 경기에서 긴자의 운동도구 전문점으로부터 선물 받은 빨간 배트를 사용하여 플레이를 했는데 이 ‘빨간 배트’는 가와카미의 트레이드 마크가 되면서 ‘파란 배트’를 사용한 오시타 히로시와 함께 강렬한 인상을 주었다. 이 운동도구 전문점과의 계약은 프로 야구 선수의 CM출연 제1호라고도 한다. 빨간 배트와 파란 배트는 그 해까지 사용은 금지되었지만 팬들에게는 강한 인상을 남겼다. 1947년에는 팀 이름을 요미우리 자이언츠로 바뀌었고 시즌 도중부터 요미우리의 감독은 미하라 오사무가 부임했다. 미하라는 스타를 중용해 가와카미도 미하라를 그리워하고 있었지만 한편으로 젊은 선수들이나 타 구단으로부터 이적한 선수들로서는 스스로 취급한 것에 대한 불만을 느끼면서 1949년 시즌 종료 후 일부 ‘반(反) 미하라’성향을 가진 선수들이 궐기해서 감독인 미하라를 배척해 미즈하라 시게루를 옹립하려고 한 ‘미하라 감독 배척 소동’이 일어났다. 가와카미는 이러한 움직임에 대해 반대하고 있었지만 구단 측은 선수들의 압력에 굴복해 미하라 감독을 경질하고 미즈하라를 차기 감독으로 임명했다. 가와카미는 미즈하라에 대해서 좋은 감정을 갖고 있지 않았고 미즈하라는 팀의 주력 선수가 되어 있던 가와카미를 질책 하는 등의 마찰이 생기기도 했다. 1950년대. 당시 가와카미는 경기 종료 후 기숙사에서 밤 늦게까지 머물면서 팀내에서는 열심히 타격 연습에 전념한 것으로 알려져 있다.
가와카미 데쓰하루

그리고 1950년 시즌 도중 다마가와의 그라운드에서 타격 투수를 개인적으로 고용해 타격 연습을 하고 있었는데 공이 멈춰 보인다고 하는 감각에 덮친것이다. 이것이 “볼이 멈춰 보였다”라고 하는 에피소드가 있었다. 낮고 날카로운 타구를 날리는 타격 스타일로부터 야마토 규시는 가와카미의 날카로운 타구를 ‘탄환 라이너’()라고 표현했다. 이것이 ‘탄환 라이너’라는 말의 시초이다. 1950년 시즌 두 차례 1경기 3홈런을 기록(3월 14일, 4월 16일), 이것은 1989년에 랄프 브라이언트가 시즌 네 차례나 기록할 때까지 최다 기록이었다. ‘중전차’라는 별명이 붙여진 만큼 주루가 늦었지만 1947년부터는 투수의 버릇을 피하거나 배터리의 틈을 찌르거나 하는 노력으로 주루의 늦음을 보충하여 예전과는 딴 사람과 같이 빈틈을 노린 도루를 하게 되었다. 통산 220도루는 지금도 요미우리에서는 역대 3위의 기록이다. 1950년에는 개인 최다인 34개의 도루를 기록하면서 홈런 1개 차이로 놓쳤지만 트리플 쓰리 눈앞의 성적도 남기고 있다. 또 주루에 대해서는 어디까지나 “가속이 늦었다”라고 하는 것인지 주력이 필요로 되는 3루타는 현역 초부터는 많아지면서 통산 99개의 3루타는 프로 야구 역대 4위의 기록이다. 1951년, 샌프란시스코 실스의 프랭크 오둘 감독으로부터 자신의 소속팀 스프링 캠프에 일본 야구계에서 몇 사람을 초대하고 싶다는 신청이 있었다. 미즈하라 감독은 가와카미를 추천했지만 자신이 선택될 것은 없다고 생각했기 때문에 이 결정에 대해 놀란 반응을 보였다.
가와카미 데쓰하루

게다가 미국으로 건너가 스프링 캠프에 참가했는데 감독은 연습 메뉴를 코치에게 맡기면서 나머지는 현지 명사들과의 교분을 쌓고 있는 광경을 보며 매우 놀란 듯한 반응을 보였다. 여기서 가와카미는 미국 야구계에서의 팀은 감독이 절대적인 권력자이며 선수가 감독에게 따르는 것이라고 배웠다. 당시 일본 야구계에서는 ‘미하라 감독 배척 소동’으로 선수가 감독을 밀어낸 것처럼 “선수는 감독과 대등하다”라는 풍조가 일반적이었지만 가와카미는 “이것이 잘못되었다”라고 실감했다. 캠프를 마친 뒤 일본으로 귀국한 가와카미는 미즈하라 감독에 대한 태도를 바꾸고 미즈하라에 대해서는 지극히 협력하게 되었다. 1951년에 시즌 타율 3할 7푼 7리를 기록했는데 이것은 1986년에 랜디 바스(한신)가 3할 8푼 9리를 기록하면서 기록 경신할 때까지 센트럴 리그의 기록으로 유지되었고 1989년에 워렌 크로마티가 경신(.378)할 때까지의 구단 기록이었다. 같은 해 시즌에서는 규정 타석 도달자에 의한 연간 삼진은 6개(424타석)를 기록하면서 최소 삼진 타이 기록도 달성했다. 1956년 5월 31일의 주니치전에서는 상대 투수 나카야마 도시타케로부터 일본 프로 야구 최초의 통산 2000안타를 달성했는데 이 도달한 경기 수는 일본 프로 야구에서의 최고 속도 기록(1646경기)이자 1500안타의 도달한 경기 수는 1241경기이다. 알렉스 라미레스의 1236경기, 레론 리의 1237경기에 뒤를 이은 빠른 기록이며, 일본인으로서는 최고 속도 기록이다(미일 통산 기록에서는 모두 이치로가 기록을 깼다).
가와카미 데쓰하루

1957년에는 1949년 이후 타율이 3할 대의 미만으로 끝나(8년 연속 타율 3할은 오 사다하루와 대등한 역대 2위 타이 기록), 다음해인 1958년은 “그 해에 타율 3할을 기록할 수 없으면 은퇴하겠다”라고 결심했지만 극심한 타격 부진에 시달리면서 4번 타자의 자리도 신인 선수인 나가시마 시게오에게 빼앗겨 시즌 후반부터는 6번으로 강등되었다. 일본 시리즈에서는 니시테쓰 라이온스에게 3승 4패로 패하면서 7차전 종료 직후에 현역 은퇴를 공식 표명했다. 현역 시절 말기에는 허리가 돌지 않게 되어 ‘텍사스의 데쓰’()라고도 불리고 있었다. 은퇴 후 1959년부터 친정팀의 코치로 부임했고, 1960년의 10월에는 미즈하라 시게루 감독이 방송국 카메라맨을 폭행하는 사건을 일으키면서 구단으로부터 근신 처분을 받았고 가와카미는 대리 감독을 맡았다. 감독 시절. 1960년대. 1961년, 미즈하라 감독이 요미우리 감독직에서 사임하면서 가와카미는 감독으로 승격되었다. 당시 요미우리는 1955년 이후 일본 시리즈 우승을 놓치고 있어 1960년에도 리그 우승마저 놓치고 있었다. 전력적으로 타격에서는 나가시마 시게오 단 1명만이 의존하는 상태였고 투수진에서는 후지타 모토시가 어깨 통증을 호소하는 등 절대적인 기둥이 부재였다. 취임 직후 전력이 부족한 로스앤젤레스 다저스가 매년 우승 쟁탈을 하고 있다는 점에 주목하여 다저스의 코치가 저술한 《다저스의 전법》을 교과서로 사용하면서 춘계 캠프에서 그 실천에 들어갔다.
가와카미 데쓰하루

코치 겸임이 된 벳쇼 다케히코가 그 역할을 담당하면서 선수들에게 맹연습을 지도했다. 또, 코치로 초빙한 마키노 시게루가 중심이 되어 사인 플레이나 수비의 커버링 등을 내세워 일본 프로 야구계에서는 처음으로 도입해 갔다. 이러한 야구가 큰 공을 세워 1961년에는 팀 타율이 리그 최저 성적을 기록했고 당시로서는 가장 드문 ‘20승 투수 없음’이라는 기록을 갖고 있으면서도 리그 우승을 제패했고 그 후 일본 시리즈에서는 난카이 호크스를 누르고 일본 시리즈 우승을 석권했다. 가와카미는 감독 취임 후인 1961년의 춘계 캠프에서 그라운드로부터 취재진들을 내쫓아 취재 규제를 내놓았다. 애초에는 기자들로부터 이 규제에 대해서 거센 반발을 했지만 1962년부터 더욱 철저해 갔다. 이 보도관제를 언론에서는 “철의 장막”과 비교해 “데쓰의 커텐”()이라고 불렀다. 가와카미는 일본 야구계에서는 처음으로 전속 홍보를 두면서 사카모토 유키오가 처음으로 그 역할을 담당했다. 또 가와카미는 그라운드의 권한 뿐만 아니라 스카우트 부장을 겸임하는 등 팀 편성면에서도 권한을 장악하고 있어 영양학, 런닝 코치제의 도입 등 신기축을 차례로 내세웠다. 선수 시절 샌프란시스코 실즈의 스프링 캠프에 참가한 경험으로부터 선수에게는 감독, 코치에 대해서 절대 복종을 요구했지만 코치로 겸임하고 있던 히로오카 다쓰로는 이빨에 옷을 입히지 않는 성격을 갖고 있으며 가와카미의 “몸으로 기억해라”라는 연습 방침에 대해 거세게 반발하기도 했다.
가와카미 데쓰하루

1964년에 히로오카는 야구 전문 주간지인 주간 베이스볼에서 자신의 수기를 연재했지만, 가와카미는 이에 대해 ‘감독 비판’을 감지하여 연재를 중지시켰다. 같은 해 8월 6일의 고쿠테쓰 스왈로스전에서 0대 2로 지고 있던 7회초에 주자 3루의 상황에서 3루 주자인 나가시마가 홈스틸을 강행, 이것은 나가시마의 판단에 의한 플레이였지만 히로오카는 이것을 벤치의 사인이라고 느껴 “나의 배팅을 그렇게 신용할 수 없습니까!” 라고 격노했고, 다음 공에서는 삼진을 당해 배트를 땅바닥에 내팽개치며 그대로 구장을 떠났다. 가와카미는 히로오카의 행동을 비판하면서 히로오카를 타 구단에 트레이드를 하려고 생각했다. 시즌 종료 후 히로오카는 자신이 트레이드가 되는 것을 알면 구단주인 쇼리키 도루에게 호소하면서 “트레이드될 정도라면 요미우리의 히로오카로서 끝내주었으면 좋겠다”라고 말했다. 그러나 쇼리키 도루는 아버지인 쇼리키 마쓰타로에게 이 사실을 보고하면서 마쓰타로는 “타격면을 좀 더 강화해서 팀에 남아 달라”라고 격려하는 등 트레이드는 파기되었다. 그러나 일련의 움직임에 대해 언론들은 히로오카를 지지하는 기사를 실었고 스포츠지에서는 가와카미가 히로오카의 잔류를 불쾌하게 생각하는 것을 토로한 기사가 보도되는 등 가와카미는 언론의 공격에 노출되었다. 가와카미에 있어서도 자신의 자녀가 학교에서 집단 괴롭힘에 시달렸고 부인은 스트레스로 큰 병을 앓았다는 고통을 맛보게 되었다.
가와카미 데쓰하루

하지만 가와카미는 쇼리키 마쓰타로를 만나 그간의 사정을 설명하면서 히로오카와의 신뢰를 유지하는 데에 성공했다. 전력이 갖추어진 1965년 이후 요미우리는 1973년까지 9년 연속 리그 우승과 일본 시리즈 우승을 석권한 이른바 ‘V9’을 달성했다. 요전에 호리우치 쓰네오, 도이 쇼조, 다카다 시게루, 다카하시 가즈미 등 젊은 선수들이 주력 선수로서 팀을 이끌었고 그리고는 트레이드로 세키네 준조, 모리나가 가쓰야, 도미타 마사루 등 타 구단의 유력 선수들을 잇달아 영입해 주전 선수들을 계속 자극했다. 특히 포수인 모리 마사히코에 대해서는 아마추어 야구계의 유력 선수들을 잇달아 획득했는데 안주를 허락하지 않았다. 1970년대. 요미우리가 연패를 계속하면서 특히 중심 타자인 오 사다하루와 나가시마 시게오의 활약으로 인해 타이틀을 모두 요미우리가 독점하는 상황이 계속되자 팬이나 언론에서는 이 광경을 싫증날 정도로 반응했고, 요미우리가 계속 승리하는 것에 대한 불만이 높아지고 있었다. 가와카미는 이러한 비판들을 점차 신경쓰기 시작하고 있어서 V6를 달성한 1970년에는 감독 퇴임도 결의하고 있었다. 팬이나 언론에서는 나가시마 시게오가 차기 감독으로 되는 것에 대한 기대가 높아지고 있었다. 가와카미도 나가시마에 대해서는 감독으로서의 교육을 시행하려고 마음 먹고 있어 1972년부터는 나가시마를 코치 겸임으로 발탁시켰고 고라쿠엔 구장의 라커룸을 구단 수뇌진이 사용하는 방으로 옮겨 감독 회의에도 참석시켰다.
가와카미 데쓰하루

그리고 1973년 시즌 종료 후에 가와카미는 나가시마에게 현역을 은퇴해서 감독으로 취임하도록 권유해 자신도 감독직에서 물러나려고 생각하였지만, 나가시마는 현역 생활을 계속 하겠다는 의지를 갖고 있어 1974년에도 선수 생활을 계속하게 되었다. 그러나 1974년에 나가시마는 시즌을 통해서 극심한 타격 부진에 시달렸고 결국에는 현역에서 은퇴하기로 결심했다. 그리고 팀도 10년 연속 리그 우승 달성에 실패하면서 가와카미는 감독직에서 물러났다. 같은해 7월 9일의 다이요 웨일스전에서 히라마쓰 마사지가 던진 슈트에 대한 판정에 항의하다가 지도자 생활에 있어서는 처음이자 마지막인 퇴장 처분을 받았다. 유구치 사건. 1973년 3월 22일, 1970년도 드래프트 1위로 지명된 유구치 도시히코 투수가 정신병원에서 사망했다. 유구치는 우울증으로 병원에 입원하고 있었지만 증상이 일어나게 된 원인은 가와카미 감독의 욕설과 나카오 히로시 투수 코치의 철권제재였다. 또, 유구치의 죽음과 관련한 발언에서도 조의를 전혀 나타내는 것이 아니었고 그 반대로 “차 안에서 여성을 옆에 태워서인지 교통사고사가 아니어서 좋았다”라고 말하는 등 언론에서는 요미우리의 이 같은 행동에 대해 비판을 했고 1973년 드래프트 회의에서는 드래프트 1순위 선수를 포함한 4명의 선수들이 요미우리의 입단을 거부했다. 그 후. 감독에서 물러난 이후에는 요미우리 구단의 전무로 취임했지만 현장으로부터 멀리하는 것을 바라보고 있던 구단주 쇼리키 도루의 의향으로 소년 야구 담당이라는 직책이 바뀌었지만 1년 만에 그만두었다.
가와카미 데쓰하루

1976년부터 NHK의 야구 해설위원, 닛칸 스포츠의 야구 평론가로 발탁되었다. 가와카미의 뒤를 이은 나가시마 감독은 1975년 시즌에 구단 역사상 최초로 최하위권에 머물렀고(6위, 47승 7무 76패) 같은 해 오프에는 트레이드로 입단한 하리모토 이사오, 가토 하지메를 영입하는 등 전력을 보강하면서 1976년, 1977년에 2년 연속 리그 우승을 달성했다. 그러나 일본 시리즈에서는 한큐 브레이브스한테 잇달아 패해 일본 시리즈 우승 달성은 실패했다. 팀도 여전히 V9을 이끌었던 베테랑 선수들이 주축이었지만 V9과 비교하면 팀 전력에서의 저하가 분명해졌다. 전 감독 가와카미도 “이기는 것에 너무 집착하면서 차세대의 전력을 정비해 오지 않았다”라고 비판했다. 1980년의 요미우리는 페넌트레이스 초반부터 우승권에서 멀어져 구단 역사상 최초인 ‘3년 연속 우승 달성 실패’라는 불명예를 안게 되었다. 8월에는 주간 문춘의 아오타 노보루, 마키노 시게루, 구니마쓰 아키라, 후지타 모토시 등과 함께 요미우리 현재의 모습을 OB의 입장으로부터 질책한다고 하는 취지의 좌담회에서 “차기 감독은 후지타가 될 수 있다” 라는 등의 발언으로 큰 반향을 불러 일으켰다.
가와카미 데쓰하루

같은 해 시즌 성적은 3위가 되면서 1980년 10월 21일 요미우리는 나가시마의 감독직 사임을 주장하면서 차기 감독은 후지타 모토시가 취임을 한다고 발표했지만, 당일 스포츠 닛폰이 ‘나가시마 해임’이라는 제하의 내용을 보도해 요미우리 팬들은 구단에 의한 해임이라고 받아 들여 주간 문춘의 발언으로부터 ‘가와카미가 나가시마 해임의 흑막이다’라고 간주되었다. 그러나 가와카미 본인은 1980년 말에 ‘선데이 마이니치’와의 인터뷰에서 일각에서 제기되고 있는 ‘흑막설’을 강하게 부인했다. 고령이라는 이유만으로 현재는 NHK 야구 해설위원직에서 물러났지만 최근에는 J SPORTS STADIUM에 특별 게스트로 출연하는 일이 있다. 1965년에는 일본 야구 명예의 전당에 헌액자로 선정되었고 1999년 3월 17일 그의 출생지인 구마모토 현 히토요시 시에 ‘가와카미 데쓰하루 기념 구장’ 이 완공되었다. 그 후 쓰루오카 가즈토와 함께 야구계에서의 강한 영향력을 가진 것으로부터 ‘돈 가와카미’()라는 애칭이 불리게 되었다. 1992년에는 야구계에서는 처음으로 일본 정부로부터 문화 공로자로 선정되었다. 전쟁 전의 프로 야구에서 활약하고 있던 선수들 가운데 가와카미 외에 히로타 슈조, 마쓰오 고로, 오다노 가시와, 미조베 다케오, 미야자키 다케시 등 극히 소수가 되었다.
가와카미 데쓰하루

가와카미는 ‘야구계의 모리시게 히사야’라고 칭해지고 있지만 그 이유는 장수인 것 외에도 모리시게와 같이 공식 석상에서 모습을 나타낼 기회가 오로지 저명인(가와카미의 경우는 야구계 관계자)의 장례식에게 한정되어 있는 것이 배경으로 있다(모리시게는 2009년에 사망).
생명공학기술

생명공학기술(生命工學技術, , BT) 또는 바이오테크놀로지는 사람의 유전자 DNA를 인위적으로 재조합, 형질을 전환하거나 생체기능을 모방하여 다양한 분야에 응용하는 기술 즉, 생명 현상, 생물 기능 그 자체를 인위적으로 조작하는 기술이다. 생물체가 가지는 유전·번식·성장·자기제어 및 물질대사 등의 기능과 정보를 이용해 인류에게 필요한 물질과 서비스를 가공·생산하는 기술을 말한다. UN은 다음과 같이 바이오 테크놀로지를 정의하고 있다. “바이오기술이란 생물학 시스템, 생명 유기체, 또는 파생물을 이용하여 특정 사용을 위해 제품이나 프로세스를 만들거나 변형하는 기술적 응용을 의미한다.” 유전자 치환이나 세포융합으로 대량 배양한 효소를 사용하여 물질을 합성하는 바이오리액터(bioreactor) 등 생체기능 자체를 응용한 기술에 의하여 자연에는 극히 미량밖에 존재하지 않는 물질을 대량으로 생산하려는 것으로 이미 당뇨병의 특효약 인슐린, 항암제 인터페론 등이 상업화되었다. 의약품뿐만 아니라 화학식품·화학섬유 등의 업종에서도 연구개발이 활발히 진행 중이다. 앞으로는 품질개량, 식량생산(GMO 식품) 등 농업 분야에도 응용될 것으로 기대된다. 20세기 후반에는 유전자에 관한 연구가 급증하였고, 1996년에는 스코틀랜드의 로슬린 연구소에서 이언 윌머트와 키스 캠벨이 핵 이식 기술을 이용하여 복제 양 돌리를 탄생시켰고 그 이후 다른 과학자들이 쥐 소 등으로 많은 복제를 해왔다 미국에서는 이 분야의 벤처 비즈니스가 성행하고 있다.
생명공학기술

한국 정부는 2000년 10월 ‘바이오산업 발전 방안’을 수립함으로써 생물산업 발전의 기본틀을 마련했고, 기술 개발과 산업화를 양대 축으로 과학기술부·산업자원부·보건복지가족부 등 관계 부처가 추진해 왔다. 2001년 8월에는 IT·NT 등과 함께 5대 차세대 성장산업으로 지정해 2010년까지 G7 수준으로 집중 육성키로 한 바 있다. 생명공학 육성 정책. 바이오 기술은 경제성장과 함께 질병 극복(레드바이오), 풍요로운 먹거리 제공(그린바이오), 쾌적한 환경 조성(화이트바이오)를 통해 국민 삶의 질 향상까지 달성 가능한 미래유망분야이다. 2017년 12월 ‘13대 혁신성장동력’에 맞춤형 헬스케어, 혁신신약을 선정하고, 2018년 8월 ‘혁신성장 8대 선도 사업’ 중 하나로 ‘바이오헬스’를 포함하였으며, 2019년 3월 3대 신산업’에 시스템반도체, 미래 자동차와 함께 바이오헬스를 선정하여 ‘바이오헬스 국가비전(2019.5.)’을 선포하는 등 정부 주요 정책방향에 바이오 분야를 지속적으로 포함하고 중점적으로 지원･육성하고 있다. 생명공학육성법 개정. 2020년 생명공학 분야 정책 수립을 뒷받침할 수 있는 통계 조사와 기술영향평가 등을 시행할 수 있도록 생명공학법이 개정됐다. 생명공학육성법은 바이오 분양의 최상의 법률로, 1983년 제정된 이후 생명공학 분야 육성을 위한 법률적 바탕을 제공해 왔다. 생명공학분야 기술분류. 과학기술정보통신부 기준에 의한 과학기술 생명공학분야 기술은 아래와 같다.
생명공학기술

산업현황. 국내 바이오기업 984개사를 대상으로 조사한 ‘2017년 기준 국내 바이오산업 실태조사’ 결과(2018.12), 국내 바이오 산업 생산규모가 사상 최초로 10조 원대를 돌파한 것으로 나타났다.
평년

평년(平年)은 윤년이 아닌 해를 말한다. 태양력에서는 2월이 28일까지 있는 해이고, 한 해의 총 일수는 365일이다. 태음태양력에서는 윤달이 없는 해이며, 보통 한 해의 총 날수가 365일 내지 366일이다. 예를 들어 일요일로 시작되는 평년이면 2월 28일도 그 해 같은 요일로 끝난다. 또한, 윤년에만 열리는 하계 올림픽과는 달리, 2의 배수에 해당하는 평년(예: 2018년, 2022년 등)에 동계 올림픽과 FIFA 월드컵이 개최된다. 대한민국에는 지방선거를 하게 되고 미국에는 중간선거를 하게 된다.
척사윤음

《척사윤음》(斥邪綸音)은 1839년(헌종 5년) 서교를 배척하기 위하여 국민에게 내린 말을 모은 책이다. 태조 이후 역대의 교훈·격언을 모아 사(邪)의 폐독을 지적하고 귀정(歸正)의 길을 가르친 것이다. 검교제학 조인영이 건의한 것으로 한글로 번역하여 대중이 알기 쉽게 하였다.
박영진 (1981년)

박영진(1981년 3월 27일 ~ )은 대한민국의 희극인이다. 생애 및 경력. 박영진은 1981년 3월 27일, 경북 김천 모암동에서 태어나 동아방송예술대학교 방송기술과를 졸업했으며, 2007년 KBS 22기 공채 개그맨으로 정식 데뷔하였다. 현재는 무소속이지만, 2018년부터 2024부터 JDB 엔터테인먼트 소속이었다. 박성광과 함께 토론하는 개그로 주목을 받았다. 2016년 1월 23일 서울특별시 영등포구 여의도동 63빌딩 컨벤션센터에서 4살 연하인 김가현과 결혼식을 올렸다.
조위총의 난

조위총의 난은 명종 4년(1174년)에서 6년(1176년)까지 서경유수(西京留守) 조위총이 무신정권에 반발하여 정중부·이의방을 치고자 일으킨 난이다. 개요. 병부상서 겸 서경유수 조위총은 왕을 폐립하고 문신을 학살하여 전횡을 일삼던 무신들을 타도하고 서경 세력을 펴려 하였다. 그는 동북 양계의 여러 성을 선동하여 중앙에 반기를 들었다. 연주성을 제외한 이북 40여 성이 모두 반란에 참여하여 처음에는 정부 토벌군을 격파하고 개경에 이르렀으나, 이의방에게 패하여 서경으로 후퇴하였다. 조위총은 그 후 서경에서 항전을 계속하여 한때 이의방을 퇴각케 하기도 했다. 그러나 제2차 공격을 받고 조위총은 금나라에 응원군을 요청했으나 뜻을 이루지 못하고, 드디어 명종 6년(1176) 서경이 함락되고 그의 거사도 실패로 돌아갔다. 평가. 조위총의 난으로 고려의 군사력은 대부분 소멸되었다.
메탈슬러그 (비디오 게임)

《메탈슬러그》(, )는 주식회사 나스카가 제작하고 SNK가 배급한 런 앤 건 아케이드 게임이다. 메탈슬러그 시리즈의 첫 작품으로, 1996년 4월 18일 네오지오로 처음 출시됐다. 긴밀하고 2인 협동 액션과 유려한 그래픽 및 특유의 유머 감각으로 주목을 받았고, 이후 플레이스테이션, 세가 새턴을 비롯한 각종 플랫폼에 이식되었다. 줄거리. 2028년, 아들의 죽음에 충격을 입은 모덴은 정규군에서 나와 반란을 일으킨다. 반란군(모덴군)의 쿠데타로 세계 주요 도시들은 참혹하게 파괴당했고, 대비를 하지 못한 세계 정규군은 파괴된 평화를 되찾기 위해 비밀 병기인 SV-001인 메탈슬러그를 개발하였지만 모덴군의 손에 넘어가버린다. 정규군은 마르코와 타마에게 메탈슬러그 탈취 및 폭파명령을 내리고 메탈슬러그를 탈취 하기 위해서 전투를 벌인다.
엘튼 존

엘튼 허큘리스 존(, 1947년 3월 25일~)은 영국의 록 · 팝 가수 겸 작곡가, 사회운동가이다. 영화 · 뮤지컬 음악 작곡가로도 명성을 얻었다. 1975년 10월 21일 할리우드 명예의 거리에 이름을 올렸으며, 1979년 5월에는 서방국가 록 스타로서는 처음으로 이스라엘과 소련에서 순회공연을 진행하기도 했다. 1992년 작사가 버니 토핀과 함께 작곡가 명예의 전당에 입성한 데 이어 1994년에는 로큰롤 명예의 전당에 단독으로 입성 했으며, 1995년 폴라음악상을 받았다. 1996년 대영제국 훈장 3등급(CBE)을 받았으며, 1998년에는 음악과 자선활동에의 공헌이 인정되어 2월 24일 서훈식에서 기사작위(Knight Bachelor)를 받았다. 또한 1999년에 그래미 레전드상(Grammy Legend Award)을, 2004년에는 미국 존 F. 케네디 센터 주관 공연예술 평생공로상(Kennedy Center Honors)을 받았다. 2002년에는 모교 왕립음악원(RAM)에서 명예 음악박사학위를 받았다. 왕립음악원 역사상 명예 박사학위는 이 해 엘튼 존과 지휘자 콜린 데이비스에게 주어진 것이 처음이다. 2006년에는 영화 · 뮤지컬 음악에 대한 공로를 인정받아 월트 디즈니 컴퍼니로부터 디즈니 레전즈에 선정되기도 했다.
엘튼 존

엘튼 존은 그외에 아카데미상 2회(1995, 2020년), 그래미 어워드 5회(1987, 1992, 1995, 1997, 2001년), 골든 글로브상 2회(1995, 2020년), 토니상(2000년), 브릿 어워드 5회(1986, 1991, 1995, 1998, 2013년), 아이버 노벨로 어워드 14회(1974, 1977, 1979, 1986, 1991, 1995, 1998, 2000, 2005, 2007년) 등의 수상 경력을 갖고 있다. 국가별 판매량 인증 합산에 따르면 엘튼 존은 세계적으로 통산 약 1억6900만 장의 음반을 판매한 것으로 집계되었으며(역대 5위), 비공식 기록까지 합산한 추정 판매량은 2억5천만~3억 장에 이른다. 2008년 《빌보드》는 빌보드 핫 100 50주년을 기념하여 50년간 성공적인 차트 기록을 올린 아티스트들의 기록을 분석해 순위를 발표했고, 엘튼 존은 3위에 올랐다. 엘튼 존은 2020년 () 서훈자로 지명되었다. 컴패니언 오브 아너는 예술, 과학, 의학, 정부 등 분야에서 긴 시간 지속적으로 주요한 공헌을 한 인물이 대상으로, 영연방 전체에서 65명만이 이 서훈을 받을 수 있다. 대중음악계에서는 베라 린, 폴 매카트니에 이은 세 번째 서훈자이다. 생애. 어린 시절과 음악에의 관심. 엘튼 존은 1947년 3월 25일 잉글랜드 런던 근교의 피너(Pinner) 마을에 위치한 외조부모의 집에서 '레지널드 케네스 드와이트()'라는 이름으로 태어났다.
엘튼 존

1967년 12월부터 '엘튼 존()'이라는 이름을 쓰기 시작했고, 4년간 예명으로 사용하다가 1972년 1월 7일에 '엘튼 허큘리스 존()'으로 법적 개명 절차를 마쳤다. 엘튼 존은 3살에 피아노 연주를 시작했으며, 어머니는 그가 에밀 발퇴펠의 〈스케이트 왈츠(Les Patineurs)〉를 외워서 연주하는 것을 듣게 되었다고 한다. 5살 때부터는 정식적으로 피아노 교습을 받기 시작했다. 그는 학교에서 비범한 음악적 재능을 보였으며, 행사에서 제리 리 루이스의 곡을 연주하여 호평을 받기도 했다. 1958년, 엘튼 존은 영국 왕립음악원(RAM) 주니어 코스에 장학금을 받으며 입학했고, 입학한 지 4년이 되어 졸업시험만을 앞두었을 때 중퇴했다. 후에 그를 지도했던 한 교사는 헨델 음악의 악보 네 장 분량(Four-page Piece)을 들려주자 그가 즉시 축음기 녹음을 재생하듯이 그대로 따라 연주했다고 회상하기도 했다. 아버지 스탠리 드와이트()와 어머니 실라 아일린 해리스()는 둘 모두 음악적인 소양이 있었다. 영국 공군 대대장이던 아버지는 트럼펫 연주자였고 어머니는 열광적인 음반 수집가였다. 그 영향을 받아 엘튼 존은 음악가가 되고 싶어했지만, 아버지 스탠리는 아들을 은행원 등 안정적인 직업에 종사하도록 다그쳤다. 아버지 스탠리는 잦은 파견 임무로 집을 비웠고 엘튼 존은 주로 어머니와 외할머니에 의해 길러졌다. 그가 15살이 되었을 때 부모는 결국 이혼을 했고, 어머니는 피너의 건축업자이자 도배업자 프레드 페어브라더()와 재혼했다.
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엘튼 존은 의붓아버지의 이름 'Fred'의 철자를 거꾸로 바꾸어서 그를 '더프(Derf)'라는 애칭으로 불렀다. 곧 엘튼 존 가족은 런던 노스우드 힐스 프롬 코트의 8가구 아파트 건물로 이사했다. 후에 아메리칸 탑 40(American Top 40) 차트에 4개 음반을 동시에 올릴 때까지, 엘튼 존은 그곳에서 살았다. 경력. 1960-1968. 1960~61년 경, 엘튼 존은 친구들과 함께 '콜벳스()'를 결성했다. 콜벳스는 피너의 교회나 각종 클럽에서 공연을 열어 주로 로큰롤과 블루스를 연주했지만 몇 차례의 공연을 끝으로 1962년 해산했다. 1962년에는 의붓아버지 더프의 도움으로 노스우드 힐스 선술집의 주말 피아니스트가 되면서 금요일, 토요일, 일요일 밤에 연주를 했다. 엘튼 존은 짐 리브스의 컨트리 음악 〈He'll Have to Go〉부터 〈When Irish Eyes Are Smiling〉, 〈Roll Out the Barrel〉같은 오래된 선술집 선호곡부터 그 당시 히트곡인 〈King of the Road〉, 그리고 자신이 직접 쓴 곡들까지 다양하게 연주했다. 1962년에는 리듬 앤 블루스 밴드 블루솔로지(Bluesology)를 결성했다. 낮에는 음반사의 잔심부름을 하고, 밤에는 런던의 여러 호텔 바에서 독주를 하거나 블루솔로지와 함께 연주를 하며 생계를 이어 나갔다. 1965년 3월 5일, 피너 카운티 중등학교를 중퇴하기로 결심했다. 1965년 7월 23일, 블루솔로지는 첫 싱글 〈Come Back Baby〉를 발매했으며 1967년까지 2장의 싱글 〈Mr.
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Frantic〉과 〈Since I Found You Baby〉를 발매했다. 블루솔로지는 아이슬리 브라더스, 메이저 랜스, 도리스 트로이, 패티 라벨, 블루벨르와 같은 미국의 소울, 리듬 앤 블루스 음악가들의 공연 뒷무대에 섰다. 1966년에, 블루솔로지는 당대를 풍미했던 블루스 음악가 롱 존 볼드리(Long John Baldry)를 돕는 보조 밴드 일을 하면서 영국에서 카바레 투어를 시작했다. 엘튼 존은 1967년 6월 17일 리버티 레코드(Liberty Records)의 A&R 매니저 레이 윌리엄스(Ray Williams)가 잡지 《뉴 뮤지컬 익스프레스(NME)》에 낸 구인 광고에 응했다. 첫 만남에서 윌리엄스는 같은 광고에 응했었던 버니 토핀(Bernie Taupin)이 쓴 가사를 그에게 주었다. 그는 곧 그 가사로 음악을 만들었고, 버니 토핀에게 그것을 우편으로 부쳤다. 이렇게 '엘튼 존/버니 토핀' 이름의 첫 곡이 되는 〈Scarecrow〉가 작곡되었고, 두 사람의 작사 · 작곡 협업이 시작되었다. 1967년 12월, 엘튼 존은 블루솔로지를 탈퇴하면서 자신의 원래 이름 '레지널드 케네스 드와이트(Reginald Kenneth Dwight)' 보다 발음하기 쉬운 예명을 쓰고자 했고, 블루솔로지의 색소폰 연주자였던 엘튼 딘과 롱 존 볼드리의 이름에서 각각 한 단어씩 따 와서 엘튼 존(Elton John)이라는 이름을 본격적으로 쓰기 시작했다. 이후 이 이름은 1972년에 엘튼 허큘리스 존(Elton Hercules John)으로 개명하며 법적 이름으로 사용하게 되었다. 1967년 11월, 버니 토핀과 함께 딕 제임스 레코드(Dick James Records)에 계약하면서 수많은 곡을 만들기 시작했다.
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계약 초기에는 다른 가수들에게 줄 대중적인 곡들을 작업하라는 회장 딕 제임스의 임무를 수행했다. 1968년 3월 1일에 솔로 데뷔 싱글 〈I've Been Loving You〉, 이어서 1969년 1월 17일에 두 번째 싱글 〈Lady Samantha〉, 1969년 5월 16일에 세 번째 싱글 〈It's Me That You Need〉를 발매했다. 두 번째 솔로 싱글 〈Lady Samantha〉는 상업적으로 실패했으나, 실제 판매에 비해 라디오에서 많이 방영되며 평단으로부터는 호응이 있었다. 〈It's Me That You Need〉는 이후 1971년 5월에 일본에서 발매되어 일본 오리콘 싱글 차트 13위, 오리콘 인터내셔널 차트 2위에 올랐다. 1968년에 엘튼 존이 작사 작곡한 〈I Can't Go on Living Without You〉를 유로비전 송 콘테스트 1969에 출품했다. 해당 곡은 룰루가 불렀으며, 영국 예선을 통과한 6곡 중에서 6위를 기록했다. 또한 룰루가 부른 〈Boom-Bang-A-Bang〉이 당시 대회에서 영국 대표로 참가해 공동 우승을 차지했다. 1969-1976. 엘튼 존은 딕 제임스 레코드의 동료들 케일럽 퀘이, 로저 포프 등과 함께 기악 밴드 '브레드 앤 비어 밴드(Bread and Beer Band)'에서 활동했다. 밴드가 녹음한 정규 음반은 1969년 2월에 발매한 싱글 〈The Dick Barton Theme (The Devil's Gallop)〉의 부진한 판매로 인해 음반 판매를 취소했다.
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엘튼 존은 1968년부터 1970년까지 버니 토핀과 함께 수많은 곡들을 작곡하고 녹음하는 동안에, 각종 음악가의 히트곡들을 커버하거나, 세션 연주자로 참여해 피아노와 백 보컬을 맡으며 활동하기도 했다. 1969년 6월 6일에 첫 정규 음반 《Empty Sky》를 발매했다. 그러나 음반은 상업적으로 실패하였다. 정규 1집은 1975년 1월에 미국과 캐나다에서 발매했고 미국 빌보드 200 차트 6위, 캐나다 RPM 음반 차트 30위에 올랐다. 엘튼 존은 버니 토핀과 같이 부모가 거주하던 런던 노스우드 힐스의 8가구 아파트에 지내면서 수많은 곡들을 만들었다. 1969년 11월에는 다음 작품을 작업하기 위해 프로듀서 거스 더전과 현악 편곡자 폴 벅마스터를 섭외했으며, 1970년 1월에 2집 《Elton John》을 작업하여 그해 4월에 발매했다. 네덜란드 음반 차트 2위, 빌보드 200 4위, 영국 음반 차트 5위 등 기록하며 상업적으로 성공을 거두었다. 1970년 10월, 〈Your Song〉을 싱글로 발매하여 빌보드 핫 100 8위, 영국 싱글 차트 7위를 기록했다. 2집은 상업적으로 성공했을 뿐 아니라 작품성도 인정받았다. 그래미 어워드 올해의 음반 부문과 최우수 남성 팝 보컬 부문 후보에 올랐으며 리언 러셀, 조지 해리슨 등 유명 음악가들이 엘튼 존에게 전보를 보내기도 했다.
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엘튼 존을 미국에 진출시키려고 하던 딕 제임스는 18개월 동안 미국에서 엘튼 존에 관심을 가진 레코드 회사를 찾고 있었고, 마침내 유니 레코드와 라이센스 협정을 맺었고, 2집으로 미국에서 음반 계약을 얻었다. 그렇게 미국 진출을 앞두고 있던 엘튼 존은 같은 해 3월에 결성한 백 밴드 "엘튼 존 밴드"의 1기 멤버 나이절 올슨, 디 머리를 포함한 각종 동료들과 함께 미국으로 떠났고 1970년 8월 25일부터 8월 30일까지 캘리포니아주 웨스트할리우드에 위치한 트루버도어() 클럽에서 첫 미국 공연을 진행했다. 이 공연들로 뜨거운 반응을 얻는 데 성공했다. 1970년 10월 발매한 《Tumbleweed Connection》은 영국 음반 차트 2위, 빌보드 200 5위 등을 기록했고, 엘튼 존은 이 해 3월부터 유럽과 북미 지역에서 순회공연을 다니기 시작했다. 1970년 11월 17일 뉴욕의 A&R 스튜디오에서 진행한 공연이 1971년 4월에 라이브 앨범 《17-11-70》으로 발매되었고, 빌보드 200 11위, 영국 20위, 캐나다 10위 등 기록했다. 1971년 11월 발매한 4집 《Madman Across the Water》는 빌보드 200 8위, 캐나다 RPM 음반 차트 9위, 영국 음반 차트에선 41위 등 기록했고, 싱글 〈Levon〉, 〈Tiny Dancer〉를 발매했다.
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《Madman Across the Water》에 참여한 기타리스트 데이비 존스톤이 1972년부터 순회공연에 참여해 백 밴드의 정식 멤버가 되었으며, 1972년 5월 발매한 5집 《Honky Château》는 빌보드 200 1위, 영국 음반 차트 2위 등 기록했다. 미국에서 1위를 기록한 첫 번째 음반이 되었으며, 5주간 1위를 기록했다. 싱글 〈Rocket Man〉, 〈Honky Cat〉이 싱글 차트 10위 진입에 성공했고, 〈Rocket Man〉은 영국에서 2위를 기록했다. 1973년 1월 발매한 6집 《Don't Shoot Me I'm Only the Piano Player》는 빌보드 200 1위, 영국 음반 차트 1위, 캐나다 음반 차트 1위 등 기록했다. 영국에서 1위를 기록한 첫 번째 음반이 되었으며, 1973년 영국에서 가장 많은 판매를 거둔 음반이 되었다. 싱글 〈Crocodile Rock〉, 〈Daniel〉은 싱글 차트 10위 진입에 성공했고, 〈Crocodile Rock〉은 미국에서 1위를 기록한 첫 싱글이 되었다. 6집부터 한동안 MCA 레코드를 통해 음반을 발매했다. 1973년 10월 발매한 7집 《Goodbye Yellow Brick Road》는 빌보드 200 1위, 영국 음반 차트 1위 등을 기록했고, 전 세계적으로 3천만 장 이상의 판매를 거두었다. 싱글 〈Saturday Night's Alright for Fighting〉, 〈Goodbye Yellow Brick Road〉, 〈Candle in the Wind〉, 〈Bennie and the Jets〉는 모두 큰 성공을 거두었고, 〈Bennie and the Jets〉는 미국에서 1위를 기록한 두 번째 싱글이 되었다. 7집은 롤링 스톤 역사상 가장 위대한 음반 500장 목록 91위에 오르기도 했다.
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1973년 11월, 〈Step Into Christmas〉를 싱글로 발매하여 영국 싱글 차트 24위, 빌보드 크리스마스 차트 1위를 기록했다. 이 곡은 1974년 8집 《Caribou》의 1995년 리마스터반에서 보너스 트랙으로 수록되었고, 2009년 영국에서 가장 많이 재생된 크리스마스 팝송 리스트에서 9위를 기록한 바 있다. 《Madman Across the Water》부터 참여한 타악기 연주자 레이 쿠퍼는 1973년 12월부터 순회공연에서 참여하여 백 밴드의 정식 멤버가 되었다. 1973년, 엘튼 존은 버니 토핀, 거스 더전, 전직 매니저 존 리드 등과 함께 〈Rocket Man〉의 이름을 따와 로켓 레코드 컴퍼니를 설립했다. 이 레이블을 통해 닐 세다카가 재기작들을 발표했으며, 키키 디를 포함한 다양한 가수들이 인기를 끌기 시작했다. 1974년 6월 발매한 8집 《Caribou》는 미국 빌보드 200 1위, 영국 음반 차트 1위, 캐나다 RPM 음반 차트 1위 등 기록했다. 싱글 〈Don't Let the Sun Go Down on Me〉, 〈The Bitch is Back〉은 싱글 차트 10위권 진입했으며, 〈Don't Let the Sun Go Down on Me〉는 빌보드 핫 100에서 2위를 기록, 1975년 그래미 어워드 최우수 레코드 부문에 후보로 올랐다. 1974년 11월 발매한 컴필레이션 음반 《Greatest Hits》는 빌보드 200 1위, 영국 음반 차트 1위, 캐나다 RPM 음반 차트 1위 등 기록했다. 미국에선 11주 동안 1위를 기록했고, 전 세계적으로 2천 4백만 장 이상의 판매를 거두어 가장 많이 팔린 엘튼 존의 음반이 되었다.