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지미 트라오레

지미 트라오레 (Djimi Traoré, 1980년 3월 1일, 생토앙 ~) 은 프랑스 태생의 말리의 전 축구 선수로, 과거 레프트 백이나 센터백으로 활약했다. 클럽 경력. 스타드 라발과 리버풀 FC. 트라오레는 고향의 스타드 라발 소속으로 프로데뷔하였고, 1999년 2월에 제라르 울리에가 지도하는 리버풀 FC로 £0.5M의 가격에 이적하였다. 2001-02 시즌에 프랑스 클럽 RC 랑스로 임대되었었던 그는, 부상당한 스테판 앙쇼를 대신하여 2002-03 시즌의 대부분 경기에 출전하였다. 2003-04 시즌은 울리에의 리버풀 마지막 시즌으로, 트라오레는 대부분의 시즌 기간동안 리저브 팀의 주장으로 지냈고, 2004년 이적시장 마지막날 머시사이드 라이벌인 에버튼 FC로 이적할 뻔 하였으나 잔류하였다. 그는 FC 스테아우아 부쿠레슈티와의 UEFA 컵 경기에서 리버풀 소속으로는 유일한 골을 득점하였다. 트라오레는 라파엘 베니테스 감독을 만난 뒤 다시 출장횟수가 증가하였다. 이 수비수는 포지션으로써의 몫을 다 하지는 못하였으나, 공격적인 성향을 2004-05 시즌동안 돋보였다. 그는 레프트 백으로 기용되기를 원하였고, 본 포지션인 센터백으로써의 기량 향상도 원하였다. 트라오레는 2004-05 시즌 FA 컵 3라운드 경기에서 풋볼 리그 챔피언십에 속한 번리 FC를 상대로 5.5m 앞에서 공을 걷어내려다 자책골을 기록하였다. 이 경기는 결국 결승골이 되었고, 번리는 리버풀을 상대로 1-0 승리를 하게 되었다.
지미 트라오레

트라오레는 리버풀 FC의 주전자리를 사수하였고, 리버풀은 UEFA 챔피언스리그 2004-05의 결승에 올라 AC 밀란을 상대하였다. 그는 경기 시작 52초후, 파올로 말디니의 골로 이어진 프리킥에서 실책을 하여 실점의 빌미를 제공하였다. 이 경기의 후반전에서 "안드리 셰우첸코의 "거의 결승골이 될뻔한 슈팅"을 골라인 앞에서 걷어내며, 전반전에 비해 더 나은 모습을 보였다. 리버풀은 이 결승전에서 전반전에만 0-3으로 밀렸으나, 3-3으로 정규시간을 종료시키고, 승부차기 끝에 승리를 거두었다. 경기 종료 후, 트라오레는 UEFA 챔피언스리그를 우승한 첫 번째 말리인이 되었다. 2005-06 시즌, 트라오레는 욘 아르네 리세와 스티븐 워녹이라는 동일 포지션 선수로 인해 출장시간이 줄었다. 이 시즌은 결국 트라오레의 리버풀 마지막 시즌이 되었다. 그는 2006년 프리시즌 경기에 참여하였으나, 2006년 8월 8일에 £2M의 가격으로 찰턴 애슬레틱 FC에 이적하였다. 찰턴 애슬레틱 FC. 8월 19일, 그는 웨스트햄 유나이티드 FC와의 찰턴 데뷔전에서 경고누적으로 퇴장당하였다. 그는 말론 헤어우드를 넘어뜨려 두 번째 옐로우 카드를 받았다. 이로써 2006-07 시즌은 찰턴 선수가 8시즌 중 5번째로 리그 개막전에서 퇴장 선수를 기록한 시즌이 되었다. 12월 16일, 그는 리버풀 FC와의 경기에서 저메인 페넌트를 넘어뜨려 페널티킥의 빌미를 제공하였다. 그는 나중에 찰턴의 잉여자원이 되었다.
지미 트라오레

그는 찰턴 소속으로의 반시즌 후, 앨런 파듀 감독에 의해 포츠머스 FC로 이적하였다. 포츠머스 FC. 2007년 1월 13일, 트라오레는 셰필드 유나이티드 FC를 상대로 포츠머스 FC 소속 첫 프리미어리그 경기를 치루었다. 그는 이 시즌에 9경기를 더 출장하였으나, 이듬해에는 3회 출장에 그쳤다. 2008년 1월 18일, 그는 스타드 렌 FC로 임대되었다. 그는 렌 소속으로 12번을 받았다. 그는 렌에 임대되어 인상적인 모습을 보였으나, UEFA 컵 진출권을 획득한 포츠머스 FC를 돕기 위해 렌과 계약하지 못하였다. 포츠머스 복귀 이후, 그는 부상과 임대에서 복귀한 뤼시앙 오브이 등의 다른 수비수 동료들로 인해 출장 기회가 적었다. 그는 새 시즌을 앞두고 32번의 등번호를 받아 맨체스터 유나이티드 FC와의 FA 커뮤니티 실드 경기 교체 명단에 이름을 올렸다. 그는 결장하였다. 이에도 불구하고, 트라오레는 인상적인 모습을 보이는데 실패하였고, 나디르 벨하지의 계약으로 사실상 포츠머스와 결별하였다. 버밍엄 시티 FC. 2009년 2월 10일, 트라오레는 풋볼 리그 챔피언십의 버밍엄 시티 FC로 3개월간 임대되었다. 그는 햄스트링 부상으로 같은달 말에 출장하지 못하였고, 왓포드 FC와의 경기에서야 막판 교체출장하며 데뷔할 수 있었다. AS 모나코 FC. 2008-09 시즌 종료 후, 트라오레는 버밍엄 시티 FC는 프리미어리그 승격을 이루어내고 임대생활을 마감하여 포츠머스로 복귀하였다.
지미 트라오레

그 이후인 2009년 6월 18일, 트라오레는 AS 모나코 FC와 2년 계약을 체결하였다. 그는 2011년 6월에 계약이 만료된 후 자유계약 신분이 되었다. 올랭피크 드 마르세유. 2011년 8월 18일, 트라오레는 리그 1의 거함인 올랭피크 드 마르세유와 계약을 체결하였다. 수상. 리버풀 FC AS 모나코 FC
시리아 지역합작위원회

시리아 지역합작위원회(─ 地域合作委員會, , Local Coordination Committees of Syria, LCC)는 2011~2012년 시리아 봉기와 관련된 시위를 정리하여 보도하는 지역 단체망으로 구성된 단체이다.
The 2nd Round

The 2nd Round(더 세컨드 라운드)는 대한민국의 가수 은지원의 4번째 정규앨범이다. 2005년 2월 23일에 발매되었다. 은지원의 앨범 중에서는 가장 많은 호평을 받은 앨범이다. 논란. 수록곡 중 은지원이 작곡한 `Reload`에 대한 표절 논란이 있었다. 이에 대해 은지원 측은 샘플링한 것이라고 하였으나 논란은 쉽게 가라앉지 않았다.
와양 쿨릿

와양 쿨릿(wayang kulit)은 인도네시아의 자와섬 및 발리에서 열리는 인형을 이용한 전통적인 그림자 극, 또한 그것에 사용되는 꼭두각시 인형을 말한다. 인형을 조종하는 사람을 다란이라고 부른다. 연극은 힌두교 사원에서 축제 등으로 진행되며 인도의 고대 서사시 “마하바라타”와" “라마야나” 등이 주요 공연이다. 10세기에는 이미 연기해 있었던 것이 기록되어있다. 와양(Wayang)은 그림자, 쿨릿(Kulit)은 가죽을 의미한다. 2003년에는 유네스코의 '인류 구전 및 무형 유산 걸작 선언"에서 걸작 선언을 받고 있으며, 세계무형유산에 2009년 9월 제1회에 공식적으로 등록됐다. 어원. 와양(Wayang)은 자와어에서 그림자를 뜻하는 말이다. 이 단어는 말레이와 인도네시아어의 ‘아양안' "ayangan")에서 왔다. 그러나 오늘날의 자와어와 인도네시아어 단어에서 ‘와양’(wayang)은 보통 꼭두각시 인형 그 자체나 인형극을 의미한다. 구조. 하얀 스크린을 붙여 그 뒷면에 램프를 비춘다. 그 사이에 와양 쿨릿 인형을 두고 연기를 한다. 관객은 램프와 인형의 반대편에서 감상한다. 스크린 뒤에서는 다란이라고 하는 인형사가 이야기를 하고 효과음을 내기도하면서 수많은 인형을 스크린 가까이서 조종한다. 인형을 스크린에서 멀게 하면 그림자가 커지고 희미해 진다. 인형. 인형은 물소나 염소 가죽으로 만들어지고, 부분적으로 미세한 구멍이 뚫려 있다. 사람이나 동물의 형태에 그늘만 존재하는 것이 아니라, 몸의 각 부분의 윤곽도 표시하며, 색상도 입힌다. 이 색깔은 당연히 관객은 보이지 않는다.
와양 쿨릿

스크린 뒷면은 세상을 상징하며, 세상에서는 색이 아름다운 세계가 현세에서 흑백으로 밖에 보이지 않는다는 것을 상징하는 것으로 알려져 있다. 인형에는 중심에 1개의 굵은 막대기가 붙어 있고, 아래가 뾰족하다. 이것은 인형사가 화면 바로 앞에 있는 자리에서 찌르면서 인형이 출연한 상태로 유지할 수 있는 것이다. 음악. 인형사의 뒤에 두 명 이상의 가믈란 연주자가 있어 반주를 한다. 이 가믈란에서 보통 군데루는 철금이다. 군데루 앞에 앉아 양손에 끝이 둥근 천벌을 가지고 동시에 두 소리를 낸다.
조준호 (정치인)

조준호(1958년 10월 23일~)는 대한민국의 정치인이다. 전국민주노동조합총연맹(민주노총) 위원장을 지낸 후 민주노동당에 입당해, 자신이 있던 기아자동차 공장이 위치한 경기도 화성시 갑에 18대 총선 출마 했지만 4위로 낙선. 그 후 통합진보당의 공동대표를 지냈고, 통합진보당 탈당파가 결성한 새진보정당추진회의와 그의 후신인 진보정의당의 공동대표를 맡았다. 통합진보당 공동대표. 그는 전국민주노동조합총연맹 몫의 통합진보당 공동대표를 맡았다. 상대적으로 성향이 중립적인 그에게, 통합진보당 사건 당시 진상조사위원장의 자리를 맡겼으나, 그가 지휘한 진상조사 결과에 반발한 구당권파 측 당원이 폭행을 하기도 하였다.
리 반스

리 스트랫퍼드 반스(Lee Stratford Barnes, 1906년 7월 16일 ~ 1970년 12월 28일)는 미국의 육상 선수로 장대높이뛰기를 주로 활약하였다. 유타주 솔트레이크 시티에서 태어나 캘리포니아주 옥스나드에서 사망하였다. 서던캘리포니아 대학교에서 수학하면서 1924년 파리 올림픽에 참가하여 동료 선수 글렌 그레이엄을 꺾고 금메달을 획득하였다. 로버트 오즈번에 의하면, 반스는 영화에서 버스터 키튼을 위해 스턴트로 활약한 단 하나의 인물이었다고 한다. 침묵적 영화 《칼리지》에서 키튼을 위하여 장대높이뛰기를 하였다.
종기

종기(腫氣, boil, furuncle)는 피부의 털구멍 따위로 화농성 균이 들어가서 생기는 염증이다.
캥페르

캥페르()는 프랑스의 코뮌이자 브르타뉴의 피니스테르 주의 주도이다. 프랑스의 북서부에 위치해 있다.
허공 (가수)

허공(1984년 11월 15일~)은 대한민국의 가수로, 인천 출생인데, 2008년에 언더그라운드 라이브 클럽에서 록 발라드 음악 가수로 처음 활약하였다.
김준평

김준평(金準枰, 金光準枰, 1904년 4월 3일 ~ ?)은 일제강점기와 대한민국의 법조인으로, 본적은 전라남도 여수군 여수면이다. 생애. 1913년 4월 여수공립보통학교에 입학했고 1917년 3월 졸업했다. 1917년 4월 경성부로 이주한 뒤 경성고등보통학교에 입학했지만 불과 4개월 만에 자퇴했다. 일본 교토 제3고등학교(1922년 4월 ~ 1925년 3월)와 교토 제국대학 법학부(1925년 4월 ~ 1928년 3월)를 졸업했고 1927년 12월 고등문관시험 사법과에 합격했다. 1928년 4월 14일 조선총독부 사법관 시보와 경성지방법원 및 검사국 사무수습으로 임명되었고 같은 해 4월 24일 경성지방법원 검사대리로 임명되었다. 1928년 11월 16일 일본 정부로부터 쇼와 대례 기념장을 받았으며 전주지방법원(1929년 12월 28일 임명)과 대구복심법원(1931년 10월 14일 임명), 경성복심법원 판사(1935년 7월 22일 임명)를 역임했다. 조선총독부 판사와 부장판사 재직 시절 독립 운동가 국진순에게 징역형을 선고하는 한편 통의부(統義府, 만주에서 활동하던 항일 무장 독립 운동 단체)가 일제 기관 폭파 및 군자금 모금을 목적으로 파견했던 조인현, 김종철, 오석완 등에게 징역형을 선고하는 등 항일 독립 운동 관련 재판 10건에 참여하였다. 1941년 3월 29일 평양지방법원 부장판사로 임명되었고, 같은 해 3월 31일 고등관 3등에 서위되었다.
김준평

1941년 5월 9일 일본 정부로부터 훈6등 서보장을 받았으며 1943년 3월 11일 평양지방법원 부장판사를 끝으로 퇴직했다. 1943년 4월 5일 일본 정부로부터 정5위에 서위되었고 같은 해 4월 8일 경성지방법원 검사국 변호사로 등록했다. 1944년 12월 6일 경성변호사연맹 주최로 열린 전의앙양대강연(戰意昻揚大講演)에서 동대문 용두실업취체소 연사로 참여했다. 광복 이후에는 한때 서울특별시 종로구 삼청동에 변호사 사무실을 개업하기도 했지만, 한국 전쟁 중인 1950년 8월 6일 납북되었다. 친일파 708인 명단의 조선총독부 판사 부문, 민족문제연구소의 친일인명사전 수록자 명단의 사법 부문, 친일반민족행위진상규명위원회가 발표한 친일반민족행위 705인 명단에 포함되었다.
하비에르 콜론

하비에르 콜론(Javier Colon, 1978년 4월 29일 ~ )은 미국의 가수이자 작사가이다. 《더 보이스》의 우승자이다.
심호흡의 필요

《심호흡의 필요》()는 오키나와현의 사탕수수 밭을 무대로 한 일본의 청춘 영화이다. 2004년 5월 29일에 개봉되었다. 개요. 할아버지와 할머니가 경작하는 오키나와현의 사탕수수 밭에, 기일까지 사탕수수 수확을 끝내기 위한 수수베기 아르바이트를 위해 모인 젊은이들이 매일 힘든 아르바이트를 해나가며 서로 알게되는 각자의 과거, 고민, 희망. 젊은이들 사이에 일어나는 만남과 갈등, 마음의 교류가 오키나와의 아름다운 자연 속에 상쾌하려 그려진다. 일본항공이 특별 협찬되어 해당 영화와 공동으로 오키나와 캠페인이 전개됐다. 또한 일본항공이 제공하는 라디오 프로그램 "JET STREAM"에서 이 작품을 바탕으로 한 라디오 드라마가 방송되었다. 제목은 시인, 평론가의 오사다 히로시의 동명의 시집에 기인.
퐁타벤

퐁타벤(Pont-Aven)은 브르타뉴 피니스테르주의 코뮌이다. 프랑스의 서북부에 위치해 있다. 지리. 아방 강은 퐁타방을 지난다. 이 강의 수질은 상대적으로 양호한데, 약 8.5의 약칼리성에 센티미터 당 19 마이크로 지멘스의 전도율을 보인다.
카를로스 안드레스 페레스

카를로스 안드레스 페레스()는 베네수엘라의 전 정치인이었다. 본명은 카를로스 안드레스 페레스 로드리게스()이고, 1974년부터 1979년까지 대통령으로서 일했다. 1989년 재임에 성공했으나, 부패 혐의로 인해 1993년 파면당했다. 재임 후 전 내무장관, 차관과 함께 공모하여 내무부 예산에서 250,000,000 볼리바르를 불법으로 빼내 우대금리를 적용하였고, 급기야 달러화로 바꿔 부당사취했다는 것이 밝혀졌다. 이로 인해 국민들의 반감을 사게 되었고, 1993년 돌연 사임했다. 그는 이를 대수롭지 않게 넘겼으나, 후에 우고 차베스 정권을 출현하게 하는 요인이 되고 말았다. 이후 옥타비오 레파헤(Octavio Lepage)가 임시 대통령이 되었고, 동년 6월 라몬 J. 벨라스케스(Ramón J. Velásquez)가 대통령으로 취임하였다. 2010년 심장마비로 타계했다. 향년 89세.
모건 테일러

프레드릭 모건 테일러(Frederick Morgan Taylor, 1903년 4월 17일 ~ 1975년 2월 26일)는 미국의 허들 선수이다. 아이오와주 수시티에서 태어나 그리넬 단과 대학교에서 육상과 미식축구 선수로서 활약하였다. 1924년 하계 올림픽 선발 시합에서 400m 허들의 세계 기록을 깨면서 우승 후보로 올라갔다. 올림픽에서는 금메달을 획득하는 데 1.4초 차이로 자신의 세계 기록을 다시 깼다. 그러나 허들을 무너뜨린 이유로 세계 기록 보유자가 될 수 없었다. 2위로 들어온 선수는 실격당하고 은메달을 딴 3위로 들어온 선수가 세계 기록 보유자가 되었다. 1928년과 1932년 올림픽에도 나왔지만, 양 경기에서 동메달에 그쳤다. 그의 세 번째 올림픽에서는 개막식에서 기수로서 명예를 얻었다. 1951년에는 아이오와 스포츠 명예의 전당, 2000년에는 국립 육상 명예의 전당에 헌액되었다.
제리 가르시아

제리 가르시아(Jerry Garcia, 1942년 8월 1일~1995년 8월 9일)는 미국의 기타리스트이자 가수, 작곡가이다. 그레이트풀 데드)(Grateful dead)의 창립 멤버로 가장 잘 알려져 있는데, 제리 가르시아는 그레이트풀 데드가 존재했던 1965년부터 1995년까지 30년간 실질적인 리더였다. 동시에 그레이트풀 데드로 활동하던 시기에, 그는 그의 이름을 딴 제리 가르시아 밴드(JGB)도 이끌었다. 그는 특히 컨트리 뮤직과 포크 뮤직을 다양한 방법과 실험을 통해 바꾸어 녹음, 공연을 했으며 그렇게 하기 위해 밴조나 페달 스틸 기타를 이용하기도 했다. 그레이트풀 데드는 그의 첫 번째 음악적 수단이 되었으며 그들과 수천 번의 공연을 했고 그들의 녹음에 대부분 참여했다. (대다수가 라이브 공연이었다.) 게다가 그의 인생동안 28번의 빌보드 차트에 진입했으며 Workingman's Dead, American Beauty, Europe '72, Skeletons from the Closet: The Best of Grateful Dead, What a Long Strange Trip It's Been: The Best of the Grateful Dead, and In the Dark 음반은 수백만 장의 판매를 기록했고 다른 8개의 음반도 100만장 이상의 판매를 기록했다. 그레이트풀 데드는 싱글 활동을 활발히 하진 않았지만 가르시아는 빌보드 핫 100차트에 진입한 밴드의 6곡 중 4곡을 공동 작곡 및 작곡했는데 "Uncle John's Band," "Truckin'," "Alabama Getaway," 이 그것이다. 10위 권 안에 든 "Touch of Grey,"와 그의 솔로 싱글이었던 "Sugaree."도 있었다.
제리 가르시아

그의 음악적 공로와 그레이트풀 데드가 그들의 열성팬인 데드 헤드와 대중들을 위해 담았던 로큰롤, 환각적인 마약 등은 그레이트풀 데드를 60년대 히피 사조의 상징으로 만들어버렸다. 탄생. 연극 작곡자였던 제롬 컨(Jerome kern)의 이름을 딴 제롬 존 가르시아(Jerome John Garcia, 제리 가르시아)는 1942년 8월 1일 미국 캘리포니아 샌프란시스코에서 아버지 호세 라몬 가르시아와 룻기 마리 클리포드 가르시아 사이에서 태어났다. 그의 아버지는 음악인 협회와의 분쟁(이 사건은 그의 아버지가 전문 음악가로서 일하는 것을 포기하고 식당을 열게 된 계기가 되었다.)을 겪기 전까지 클라리넷 연주자이자 색소폰 연주자였으며 밴드 리더였던 스페인 이민자 출신이었고 그의 어머니는 결혼하기 전까지 간호사였다. 유년 시절, 학창 시절. 제리는 어렸을 때 음악에 많은 흥미를 보였고 피아노 레슨을 받았다. 그는 어린 시절 두 가지의 트라우마로 고통을 받았다. 4살 때 나무를 베던 도중 사고가 발생하여 오른손 중지 손가락의 절반을 잃게 되었다. 그리고 다음 해 아버지가 물고기를 잡다 익사하였다. 그의 어머니는 식당의 경영권을 넘겨받게 되었고 제리는 그 후 5년 동안 할아버지 댁에 보내져 살았고 1953년 어머니가 재혼하게 되었을 때 엄마 곁으로 돌아왔다. 그의 가족은 샌프란시스코 전역을 돌아다니게 되었다. 그래서 여러 학교로 전학을 다녔으며 8학년을 꿇게 되었다.
제리 가르시아

그는 학교에서 매우 평범한 학생이었지만 예술에 많은 흥미를 보였고 1957년 여름 the California School of Fine Arts에 다니게 되었다. 그 해 15번째 생일에 그의 엄마는 그에게 기타를 선물했다. (후에 그는 엄마가 처음에 사주었던 아코디언을 돌려달라고 설득했다.) 곧 그는 고등학교 밴드에서 활동하게 되었다. 그는 여전히 공부에 흥미가 없었고 1960년 1월 17살의 나이에 학교를 자퇴했다. 1960년 4월 그는 군대에 자원했으나 군인으로서의 삶이 만족스럽지 않다는 것을 깨닫고 그 해 12월 불명예 전역을 하였다. 18살이 되었을 때 캘리포니아 팔로 알토(palo alto)로 이사했다. 그곳에서 그는 비공식적으로 몇 년간을 살았고 스탠포드 대학교 캠퍼스 주변 서점과 밴드에서 일을 했다. 그곳에서 그는 일생동안 함께 일하게 될 여러 사람들을 만나게 되었다. 그들 중 장차 시인이 되고 다른 그룹에서 그와 함께 작곡을 하게 될 로버트 헌터(Robert Hunter)를 만났는데 당시에는 Bob & Jerry라는 듀오에서 그와 함께 베이스를 연주하였다. 그레이트풀 데드에서의 시작. 1960년대 초반은 포크 리바이벌 시대였고 가르시아는 포크송과 옛 컨트리 음악, 블루그래스 음악의 열렬한 팬이 되었으며 Sleepy Hollow Hog Stompers, the Wildwood Boys, 그리고 the Hart Valley Drifters와 비슷한 이름을 가진 즉석 그룹에서 2년간 어쿠스틱 기타와 밴조를 연주했다. 1963년 겨울 그는 스탠포드 대학교 학부생 사라 리 루펜달(Sara Lee Ruppenthal)을 만났고 그들은 Jerry & Sara라는 듀오를 결성했다.
제리 가르시아

그는 1963년 4월 25일 결혼했고 1963년 12월 8일 그들의 딸 헤더 가르시아(Heather Garcia)를 낳았다. (그녀는 나중에 클래식 바이올린 연주자가 된다.) 결혼 후 가르시아는 얼마간 정착을 했고 음악 가게에서 음악을 가르치는 일을 했다. 1964년 그는 Mother McCree's Uptown Jug Champions이라는 저그 밴드에서 일을 했다. 그 밴드에는 기타리스트이자 가수인 밥 위어(Bob Weir), 가수이자 하모니카 연주자, 키보드 연주자 그리고 픽팬이란 이름으로 더 유명한 론 맥커낸(Ron McKernan)이 있었다. 1965년의 전환기에서 밴드는 드러머 빌 크루츠먼(Bill Kreutzmann)을 투입하고 전자 악기를 받아들여 로큰롤 밴드가 되었으며 그들의 이름을 워록스(the Warlocks)로 바꾸게 되었다. 가르시아의 또 다른 친구인 필 레쉬(Phil Lesh)는 1965년 6월까지 베이시스트로 활동했다. 12월 그 5인조는 그들은 새 이름인 그레이트풀 데드로 첫 공연을 가졌다. Stealin‘와 Don't Ease Me In라는 민요로 이루어진 그들의 첫 싱글은 1966년 6월 스콜피오 레코드에서 발매되었고 가르시아는 두 곡의 보컬을 맡았다. 그 해 가을 (신용도 없이)밴드는 샌프란시스코의 동료 그룹인 제퍼슨 에어플레인(Jefferson Airplane)의 두 번째 음반 Surrealistic Pillow에서 프로듀싱을 한 사람을 모셔옴으로서 더 나은 평가를 받기 위해 나아갔다. 그는 준비하는데 도움을 줬고 LP에 기타 연주를 추가하였으며 음반 이름을 제안하기도 했지만 음악적, 정신적 스승 대신 앨범의 프로듀서라는 이름으로 계약상 해고되었다. 그 동안 그레이트풀 데드는 워너 브라더스로 이적을 했다.
제리 가르시아

그들의 첫 음반인 동명 타이틀 앨범 그레이트풀 데드(Grateful Dead)의 발매를 위한 녹음은 1967년 3월이었다. 가르시아가 지은 Cream Puff War로 유명한 그 음반은 100위권 안에 진입했다. 이 때까지 가르시아는 부인과 떨어져 지냈으며 (후에 이혼을 하게 된다.) 마운틴 걸로 알려진 그리고 가르시아의 복잡한 연인 관계 중 가장 오랫동안 지내게 될 캐롤라인 애덤스(Carolyn Adams)와 동거했다. 그 커플은 1970년에 애나벨(Annabelle)과 1974년 9월 테레사(Theresa)를 낳았다. 그레이트풀 데드는 1968년 7월 두 번째 음반인 Anthem of the sun을 발매했다. 그 음반은 라이브와 스튜디오 버전이 섞여있었고 이 음반에 수록된 모든 곡은 작곡가로서 그들의 그룹이 유명해지게 된 계기가 되었다.. 하지만 가르시아는 이에 만족하지 않고 그의 친구 로버트 헌터를 작사가로 투입했고 로버트와 가르시아 콤비는 1969년 6월에 발매된 밴드의 세 번째 음반인 Aoxomoxoa에서 빛을 발했다. (사실상 음반의 모든 곡들은 헌터와 가르시아, 필 레쉬에 의해 쓰인 것이다.) 그레이트풀 데드가 가장 좋아하는, 가르시아와 헌터의 합작품인 Dark Star는 4번 째 음반인 Live/Dead 음반(1969년 11월에 발매)에서 가장 확실한 라이브로 칭찬을 받았다. 제리는 그레이트풀 데드와 있는 동안 다른 가수들과 일하기 시작했다.
제리 가르시아

그는 페달 스틸 기타를 계속 사용하였고 그는 팔로 알토에서 만난 마지막의 친구들인 싱어송라이터 존 더슨(John Dawson)과 기타리스트 데이비드 넬슨(David Nelson)와 the New Riders of the Purple Sage(그레이트풀 데드의 멤버인 필 레쉬와 미키 하트(Mickey Hart)가 가입한 밴드, 미키 하트는 67년에 그레이트풀 데드에 가입한다.)를 결성하는데 도움을 준다. 이 컨트리 록 밴드는 그레이트풀 데드 공연의 오프닝을 담당하기 시작했다. 동시에 가르시아는 제퍼슨 에어플레인, 크로스비 스틸스 내쉬 앤 영 (이들의 데자 뷰 앨범에서 히트곡인 Teach Your Children에서 가르시아는 페달 스틸 기타를 사용했다.), It's a Beautiful Day(Marrying Maiden) 등 여러 사람들과 세션 활동을 한다. 솔로 활동 중 첫 곡은 영화 Zabriskie Point의 사운드 트랙으로 알려진 Love Scene이었다. 비록 눈앞의 결과는 그의 ‘솔로’ 앨범이었지만 그는 하워드 웨일스(Howard Wales)라는 키보디스트와 함께 샌프란시스코에서 즉석 밴드를 하기도 했으며 후에 JGB를 결성하는데 중요한 역할을 하는 여러 공연을 하기도 했다. 그레이트풀 데드의 전성기. 가르시아와 그레이트풀 데드의 컨트리에 대한 관심은 밴드의 5번째 음반인 1970년 3월에 발매된 Workingman's Dead에서 여실히 드러난다. 가르시아는 후에 그들의 첫 차트 싱글이 되는 Uncle John's Band를 포함한 8곡 중 7곡을 혼자서 작곡하거나 공동으로 작곡했다. 그들의 70년 12월에 발매된 6번째 음반인 American Beauty도 계속 그 스타일을 유지했고 가르시아는 10곡 중 7곡을 지었다.
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Counting Crows, Ramblin' Jack Elliott, and Chris Smither 등이 커버한 Friends of the Devil과 Rick Danko, Perry Farrell, Jimmie Dale Gilmore, Chris Hillman 등이 커버한 Ripple도 있었다. 그레이트풀 데드는 이 유명한 두 음반을 발매한 후 다시 전자 음악 스타일로 돌아갔다. 하지만 1971년 여름에 컬럼비아 레코드에서 발매된 the New Riders of the Purple Sage의 동명 타이틀 앨범은 여전히 컨트리 록 사운드를 지향했다. 가르시아는 그 해 가을 의좋게 the New Riders of the Purple Sage를 탈퇴했지만 그들의 다음 음반인 Powerglide와 1974년 그들의 라이브 음반인 Home, Home on the Road에서 같이 연주했다. Workingman's Dead와 American Beauty의 후속편의 일부 또한 1972년 1월 워너 브라더스에서 발매된 그의 첫 솔로 데뷔 음반인 Garcia의 반을 차지했다. (나머지 반은 더욱 실험적인 사운드를 지향한다.) 차트 싱글인 Sugaree로 유명한 LP는 40위권에 진입했다. 그 후 판타지 레코드에서는 키보디스트인 메를 선더스(Merl Saunders)가 참여한 Heavy Turbulence를 발매했는데 웨일스를 대신해 선더스가 함께 이끈 가르시아의 클럽 밴드를 피처링했다. 밴드는 또한 Saunders의 음반 Fire Up (1973)와 1973년 7월에 녹음되어 1974년 봄에 발매된 키스톤(Keystone)에서의 라이브 LP에서 피처링을 했다. 그 동안 그레이트풀 데드의 7번째 음반인 그레이트풀 데드(그것의 커버 일러스트레이션 때문에, 그리고 그들의 데뷔 음반과 구별하기 위해서 Skull & Roses라는 이름으로 불리기도 한다.)라는 이름을 가진 라이브 2CD가 1971년 9월에 발매된다. 그 음반은 가르시아와 헌터가 합작한 두 개의 노래 Bertha와 Wharf Rat가 유명하다.
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1972년 11월 발매된 그들의 8번째 음반인 Europe '72는 3개의 CD로 구성되었고 가르시아와 헌터의 합작품으로 He's Gone, Brown-Eyed Woman, Tennessee Jed으로 소개된다. 그레이트풀 데드, 메를 선더스와 함께 그의 클럽 밴드를 계속하면서 가르시아는 1973년 겨울 3번째 밴드를 결성한다. 그리고 그가 사랑했던 블루그레스 음악으로 회귀하게 되고 1973년 5월 1일 처음 대중 공연을 나선 Old & in the Way라는 이름의 그룹에서 밴조를 연주하게 된다. 가르시아와 만돌린 연주자 데이비드 그리스먼(David Grisman), 기타리스트 피터 로우(Peter Row), 베이시스트 존 컨(John Kahn) (선더스와 같은 밴드에서 있었던), 이 그룹은 1년을 지속했고 1975년 라운드 레코드에 의해 발매된 라이브 앨범을 냈으며 100위권 안에 진입했다. 라운드 레코드는 워너 브라더스와의 계약 만료 후 1973년 그룹이 세운 레코드사였다. 그 레이블에서의 첫 발매는 Wake of the Flood 였는데 그것은 거의 3년 만에 발매한 그들의 스튜디오 음반이었다. 그 음반은 1973년에 발매되었고 7곡 중 가르시아가 지은 5곡이 유명했다. 1974년 6월 라운드 레코드는 가르시아의 두 번째 솔로 음반을 발매했는데 그의 첫 음반처럼 가르시아란 이름을 가졌다. 혼란을 막기 위해 팬들은 그것을 Compliments of Garcia라는 이름을 붙였는데 전설적인 Compliments Of 때문이었다. 그 Compliments Of는 홍보용 판을 위해 라디오 방송국에 보내진 스티커에 적혀져있었다. 그리고 그 후 공식적으로 Compliments 란 이름으로 재발매되었다.
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앨범은 가르시아에 의해 지어진 곡들이 아닌 다수의 커버 곡을 녹음하는 그 클럽 밴드의 방식으로 유명해졌다. 그럼에도 50위권에 진입했다. 몇 주 안에 그레이트풀 데드 레코드는 새로운 그레이트풀 데드의 스튜디오 음반을 냈는데 마스 호텔로부터의 그레이트풀 데드였다. 8곡 중 5곡의 가르시아/헌터의 합작품이 유명했다. 1974년 10월 그레이트풀 데드는 샌프란시스코의 윈터랜드 영화관에서 쇼 시리즈를 연주했는데 그것은 영화화되고 녹음되었다. 콘서트 작업 중단을 위한 준비였다.. 그것은 가르시아의 다른 라이브 작업에 영향을 주진 않았다. Saunders와 함께하는 그의 밴드는 새로운 이름을 얻었는데 그것은 Legion of Mary였다. 그리고 밴드는 해체하는 1975년 여름까지 지속적으로 공연하기 시작했다. 1975년에는 또한 가르시아는 그의 법적 아내인 캐롤라인 애덤스와 이혼을 하고 나중에 영화 감독이 되는 데보라 쿤과 관계를 맺기 시작했다. 그러나 그 관계는 1977년에 끝이 나고 가르시아는 애덤스에게 돌아간다. 투어 중단을 하지 않고 그레이트풀 데드는 새로운 음반인 Blues for Allah를 1975년 8월에 발매했다. 그것은 가르시아에 의해 대부분 지어졌다. Legion of Mary와 헤어진 후 가르시아는 그의 오랜 친구 존 칸과 피아니스트 니키 홉슨(후에 1971년 이후 그레이트풀 데드의 멤버였던 키스 가초에 의해 대체된다.)과 드러머 론 투트와 그 해 가을 제리 가르시아 밴드로 불리는 그룹을 공식적으로 결성한다. 밴드는 1976년 2월 발매된 가르시아의 다음 솔로 음반인 (비록 반은 그레이트풀 데드의 곡이지만) Reflections로 유명해진다.
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그 음반은 또한 반의 커버, 반의 가르시아와 헌터의 노래들로 구성된 것에 대해 갈린다. 이 두 전임자처럼, 이 음반은 차트에 14주 동안 42위까지 오르며 적당히 성공했다. 가르시아의 솔로 음반들은 메인 밴드의 발매 사이에서의 시간을 표시하는 그레이트풀 데드 부분을 팔았다는 것을 보여준다. 그레이트풀 데드는 1976년 여름 투어로 돌아왔고 일시적으로 그레이트풀 데드 레코드를 닫았다. 그리고 1974년 9월 윈터랜드 쇼, Steal Your Face.에서의 공연을 모아 라이브 음반을 발매한 뒤 아리스타 레코드와 계약을 하였다. 그 동안 가르시아는 1977년 6월 1일에 열렸던 그레이트풀 데드 무비가 되는 쇼를 위해 장면을 편집하는데 심혈을 기울였다. 최초의 그레이트풀 데드의 아리스타에서 낸 앨범인 Terrapin Station는 1977년 7월 27일에 개봉되었다. 가르시아는 영화 사운드 트랙인 Terrapin Part One을 공동 작곡했다. 가르시아는 솔로 활동으로도 아리스타와 기록했고 그의 4번째 솔로 앨범인 Cats Under the Stars를 1978년 4월에 발매했다. 제리 가르시아 밴드의 명성이 높아졌고, 앨범이 로버트 헌터가 지은 가사에다 그룹의 멤버에 의해 원래 관계를 전체적으로 구성했다. 가르시아는 8개의 트랙 중 5개의 트랙을 공동 작곡하였거나 혼자 작곡하였다. 그와 같은 충분히 발달한 노력에도 앨범은 100위권 진입에 실패했다. 그레이트풀 데드는 1978년 그들의 다음 스튜디오 음반인 Shakedown Street을 1978년 11월에 발매했는데 그것은 가르시아/헌터 콤비가 오직 3곡 밖에 짓지 않은 것이 특이하다.
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그 해 말 가르시아와 칸은 Reconstruction라는 이름의 재즈 그룹을 만들었다. Reconstruction는 Merl Saunders을 포함했고 주로 다음 아홉 달 동안 주로 샌프란시스코 Bay Area에서 공연을 했다. 1979년 10월 가르시아는 그룹을 재결성했는데 다시 JGB라는 이름아래, 칸과 키보드 연주자 Ozzie Ahlers와 드러머 Johnny d'Fonseca를 영입했다. 3년 후 밴드는 칸만 계속 밴드에 남아있는 채 7번의 라인업을 재구성했다. 1980년 4월 그레이트풀 데드는 Go to Heaven을 발매했는데 이후 7년간 밴드는 스튜디오 음반을 내지 않았다. 음반에서 오직 두 곡만이 가르시아/헌터의 곡이었지만 그들 중 하나는 차트 싱글이었던 Alabama Getaway였다. 그 해 가을, 비디오가 폐회로 동시 방영, TV스페셜, 홈비디오로 만들어지는 동안 밴드는 샌프란시스코의 워필드 극장과 뉴욕의 라디오 시티 뮤직 홀에서 일련의 공연을 했는데 그것은 녹음되고 영화로 만들어졌는데 Reckoning and Dead Set란 이름의 라이브 앨범을 만들어낸 레코딩이었다. 이건 그레이트풀 데드의 1987년까지의 마지막 녹음이었다. 1987년 12월 31일 콘서트 무대 뒤에서 가르시아는 캐롤라인 애덤스와 듣자하니 세금 문제로 재결합을 했다. 그 둘은 이전에 이혼을 했다. 가르시아는 그의 5번째 솔로 음반인 Run for the Roses를 1982년 10월 발매했다. 그것은 비틀즈와 밥 딜런 그리고 100여명의 가수들에 의해 커버된 곡들을 덧붙여 그가 지은 노래 3곡을 유지했다.
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1980년대 초, 중반 가르시아나 그레이트풀 데드의 노래 발매가 끊긴 이유는 그 시기 가르시아의 마약 복용의 결과라고들 한다. 항상 그의 환각적인 마약에 취했다고 알려진 가르시아는 듣자하니 이때까지 더 강력한 마약을 하였다고 한다. 가르시아는 마약 소지 혐의로 1970년 체포되었고 1973년에도 체포, 불구속 입건되었다. 1985년 1월 18일 그는 코카인과 헤로인 소지 혐의로 다시 체포되었다. 그는 다시 치료를 받는다는 명분아래 감옥행을 막을 수 있었다. Narcotics Anonymous 회의에도 참석하고 자선 콘서트도 벌였다. 그의 마약 사용에 따라 흡연과 다른 건강하지 못한 행동들은 그의 인생 마지막 길에 안 좋은 영향을 끼쳤다. 1986년 7월 10일 몹시 힘든 그레이트풀 데드 투어에 그는 당뇨로 혼절하여 3일간 거의 죽음에 다다를 뻔했다. 그의 요양 기간 동안 애덤스와 그의 딸은 가르시아에게 돌아갔다. 그는 10월에 JGB로 돌아갔고 12월에는 그레이트풀 데드에도 돌아갔으며 인생의 전환점이 되는 시기였다. 그의 재기의 결과는 개인적인 것이었다. 애덤스와의 화해에도 그는 그레이트풀 데드의 팬 Manasha Matheson과 연인 관계를 맺게 되었다. 커플은 4번째 딸 Keelin Noel Garcia을 1987년 12월 20일에 낳았다. 1989년 가르시아는 애덤스와 다시 이혼하고 혼자 살거나 Matheson과 살게 되었다. 정상적인 수준으로 돌아온 그의 건강은 7년 만의 그레이트풀 데드의 새 앨범 In the Dark(1987년 7월 6일 발매)으로 돌아오게 되었다.
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더블 플래티넘의 10위 권 앨범은 4곡의 가르시아/헌터 합작품을 만들어냈다. 그들 중 Touch of Grey는 그레이트풀 데드의 유일한 10위 권 싱글이 되었다.그 앨범을 홍보하기 위한 투어 중 가르시아는 뉴욕 브로드웨이의 Lunt-Fontanne 극장에서 1987년 10월 특별한 시리즈의 공연을 했다. 최초로 어쿠스틱 스트링 밴드를, 두 번째로 JGB를 이끌었다. 그 공연은 라이브 앨범으로 녹음되었고 1988년 그레이트풀 데드 머천다이징에서 발매되었다. 그것은 거의 어쿠스틱이었으며 제리 가르시아 어쿠스틱 밴드의 명성을 쌓게 되었다. 그레이트풀 데드는 널리 공연을 계속했으며 가르시아는 JGB의 지리학적인 접근을 높이기 시작했다. 예를 들면 그레이트풀 데드가 보통 연주했던 같은 경기장에서 많은 히트를 친 1989년 9월의 2주간의 투어가 그것이었다. 그레이트풀 데드는 1989년 핼러윈에 Built to Last를 발매했는데 그것은 그들의 마지막 스튜디오 음반이었다. 9개 트랙 중 3개의 가르시아/헌터 콤비의 곡이 특징인 그것은 In the Dark의 성공에는 미치지 못했지만 백만장 이상의 판매를 기록했다. 1991년 2월 가르시아는 그의 스케줄에 3개의 그룹을 넣었고 Warfield에서 그의 오랜 친구 David Grisman과 만든 어쿠스틱 듀오에 나타났다. 그리고 얼마 지나지 않아 Grisman's Acoustic Disc label를 통해 Jerry Garcia/David Grisman이라는 음반을 발매했다. 1990년부터의 JGB와 함께한 워필드 쇼는 1991년 3월 발매된 ‘아리스타의 2CD 세트 ; 제리 가르시아 밴드‘ 의 소스가 되었다.
제리 가르시아

비록 이 시기에 병원을 가지는 않았지만 1992년 8월 4일 그의 50번째 생일을 4일 앞두고 그는 다시 병마에 시달리게 되었다고 한다. 1992년 10월 31일 그는 JGB의 공연에 돌아갔다. 12월에 그는 Manasha Matheson와 이혼을 했고 1993년 그는 Deborah Koons과 재결합했다. 1993년 캐롤라인 애덤스와의 이혼 후 그는 94년 발렌타인에 쿤과 결혼을 했다. 가르시아의 그리스먼과 함께한 음악적 관계는 그를 녹음 시리즈에 만돌린 연주자와 협력하도록 하였다. 그리고 93년 9월 Not for Kids Only 이름의 다른 두 장을 발매하였다. 그 해 그레이트풀 데드는 4560만 달러를 벌어들임으로써 미국 투어를 성황리에 마쳤다. 1994년 그들은 5240만 달러를 벌어들였지만 더 강력한 경쟁에 맞딱트려 5번의 장소에서 실패했다. 그 동안 그들은 데드헤드의 요구를 만족시키기 위해 옛 라이브 녹음의 기록 보관을 캐기 시작했다. 그리고 1975년에 녹음된 One from the Vault를 1991년에 발매, 1968년에 녹음된 Two from the Vault를 1992년에 발매하였다. 1995년 여름 그레이트풀 데드는 공연장 야외에서 보통 공연을 했다. 그리고 7월 9일 시카고 Soldier Field에서 투어를 마쳤다. 그것은 밴드의 마지막 공연이었다. 1주일 후 가르시아는 Betty Ford 병원에 내원을 했는데 그것은 그의 헤로인 중독을 없애기 위한 최초의 시도였다. 그는 2주를 지냈지만 병원의 1달간 프로그램을 마치지 못했다. 8월 8일 그는 캘리포니아 포레스트 놀에 있는 다른 중독 치료 병원을 방문했다.
제리 가르시아

1995년 8월 9일 이른 새벽 그곳에서 그는 53세의 나이로 수면 중 심장 마비로 사망했다. 가르시아는 그레이트풀 데드의 리더를 맡고 싶어하지 않았지만 그가 밴드에 기여한 공로는 매우 놀라웠고 남은 멤버들은 1995년 12월 그룹은 그가 없이는 도저히 존재할 이유가 없으니 해체하겠다는 발표를 했다. 1998년 몇몇 멤버들은 Other Ones란 이름의 밴드에서 투어를 계속했다. 그 후 위어, 레쉬, 크루츠먼과 하트는 다른 뮤지션을 놓고 데드란 이름으로 계속 공연을 했다. 그의 중요성을 증명하는 듯, 길고 긴 사후의 음반 발매는 계속되었다. 그레이트풀 데드의 기록 콘서트 시리즈 발매는 조례 라인이 되었으며 조직에 투어 수익의 손실을 메꾸는데 도움이 되었다. 그리스먼은 가르시아가 그의 스튜디오에서 연주했던 세션들로부터 다수의 앨범을 냈는데 각각 1996년의 Shady Grove, 1998년의, 2000년의 So What, 2004년의 Been All Around This World였다. 그리고 Pure Jerry라고 불리었던 JGB 기록 콘서트 발매 시리즈는 가르시아의 재산으로써 제리 가르시아 레이블에서 발매되었다. 또한 음악적인 것을 벗어난 상품들도 있었다. 가르시아의 인생동안 그의 예술 작업은 관심을 받았고 넥 타이 회사에 의해 허가를 받았다. 그리고 아이스크림 제조 회사에 의해 그의 이름을 따 체리 가르시아란 아이스크림도 나왔다. 그와 같은 마케팅은 또한 가르시아의 죽음 이후 계속되었고 좀 이상하긴 해도 그의 이름이 계속 기억될 것임을 보여주는 것이었다. 대개는 그러나 그는 그레이트풀 데드와 계속될 것임을 그리고 그가 연주했던 모든 것들은 그의 팬들에 의해 계속 연주될 것임을 보여주는 것이었다.
돌체앤가바나

돌체앤가바나(Dolce & Gabbana)는 이탈리아의 고급 산업 의류 회사이다. 이 회사는 이탈리아 디자이너 도메니코 돌체와 스테파노 가바나가 이탈리아의 밀라노에서 시작했다. 2005년까지 그들의 매출액은 5.97억 유로였다. 회사 역사. 초기 역사. 도메니코 돌체는 1958년 8월 13일 시실리의Polizzi Generosa에서 태어났다. 스테파노 가바나는 1962년 11월 14일 밀란에서 태어났다. Dolce는 여섯 살의 나이에 처음으로 자신의 옷을 디자인과 재단하기 시작했다. 이 두 사람은 돌체가 가바나가 일하던 의류 회사에 전화해서 취업에 대한 문의를 했을 때 전화상으로 처음 만났다. 회사에 취직이 된 후, 가바나는 돌체를 돌보기 시작했고 새로운 디자인을 스케치하는 법 뿐 아니라 의류 회사에서 디자인 과정이 어떻게 진행되는 지를 가르쳐 주었다. 돌체가 취업이 된 직후, 가바나는 18개월의 의무 군 복무에 징집되었지만, 그가 돌아온 후1982년에 둘은 디자이너 컨설팅 회사를 창립했다. 그들은 함께 일하는 동안, 항상 따로 대금 청구서를 발부하곤 했는데 결국 경리가 일을 더 쉽고 비용 효율적으로 하기 위해 대금 청구서를 함께 발부할 것을 권하게 되었다. 그 이후 둘은 Dolce and Gabbana라는 이름으로 고객들에게 청구서를 발부하기 시작했는데, 이것이 이후 그들이 개발한 디자인 사업의 이름의 되었다. 이 디자인 듀오의 첫 번째 컬렉션은 1985년 10월에 밀란 패션 주간의 일부로 다섯 개의 다른 새 이탈리안 상표와 함께 선보였다.
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둘은 모델에게 지불할 돈이 없었기 때문에, 친구들에게 도움을 청했다; 그들을 모델을 치장할 돈도 없었고 그래서 그들의 모델들은 옷을 돋보이게 하기 위해 단순히 그들의 개인적인 아이템을 걸쳤다. 그들은 또한 돌체가 집에서 가져온 침대 시트를 무대 커튼으로 사용했다. 이 디자인 듀오는 그들의 첫 번째 컬렉션에 "실제 여성"이라는 라벨을 붙였는데, 부분적으로는 무대 위에 세운 모델이 아마추어 현지 여인이었기 때문이다. 그들의 첫 번째 켈렉션에서의 판매량은 너무나 실망스러워서 가바나는 두 번째 컬렉션을 위해 주문한 직물을 취소했다. 하지만 이 둘이 크리스마스 동안 시실리를 방문했을 때 돌체의 가족이 그들의 비용을 지불하는 데 도움을 제안했고, 직물 회사는 취소 공지를 시간 내에 받지 못했기 때문에 밀란으로 돌아온 그들을 위해 직물이 준비되어 있었다. 그들은 1986년에 그 다음 컬렉션을 보여주었고 같은 해에 그들의 첫 상점을 열었다. 마이클 그로스는 1992년 인터뷰에서 그들의 세 번째 컬렉션에 대해 썼는데, "이들은 소수의 이탈리아 패션 편집자들에게만 알려진 비밀이었습니다. 그들의 몇 안되는 모델들은 곧 무너져 내릴 것 같은 스크린 뒤에서 옷을 갈아입었습니다. 그들은 자신들의 컬렉션을T-셔츠-면 및 신축성 있는-실크 조각 변신이라고 불렀습니다”라고 말하고 있다. 이 컬렉션에서의 그들의 옷은 한 작품이 옷으로 입을 수 있는 일곱 가지 방법에 대한 설명이 딸려 있었는데, 이는 착용자가 벨크로와 똑딱 단추를 사용해서 옷의 형태를 바꿀 수 있었기 때문이다. 그들의 네 번째 컬렉션이 이탈리아 패션 시장에 중요한 영향을 미친 첫 번째 것이었다. 이 컬렉션에서 돌체는 자신의 시실리안 기원에 의지했다.
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컬렉션의 광고 선전은 시실리에 있는 사진작가 페르난도 시아나가 1940년대 이탈리아 영화에 영감을 받아 흑백사진으로 찍었다. 그들은 다섯 번째 컬렉션에서도 계속해서 이탈리아 영화에서 영감을 얻었는데, 영화감독 루치노 비스콘티의 작업과 그의 작품 "표범"을 이용했다. 그들의 네 번째 컬렉션 중 한 작품은 패션 언론이 "시실리안 드레스"라고 이름 붙였는데, 작가 핼 루벤스타인에 의해 당시까지 디자인된 가장 중요한 100개의 옷 중 하나로 명명되었다. 이것이 그 브랜드에 대한 이 시대의 가장 대표적인 작품으로 여겨진다. 루벤스타인은 2012년 이 작품에 대해 "시실리안 드레스는Dolce & Gabbana의 정수, 이 브랜드의 의류에 대한 시금석이다. 이 옷은 슬립에서 힌트를 얻었지만, 이것은 안나 마냐니를 장식했던 슬립이고, 아니타 에크버그, 소피아 로렌 등등을 아름답게 꾸며 주었던 실루엣이다. 끈은 마치 브라 끈처럼 몸에 딱 맞고, 목라인은 가로질러 똑바로 달려가지만 적어도 두번 멈추어 서는데, 한번은 양쪽에서 가슴을 감싸기 위해 그리고 중간에서 부드럽게 푸쉬업 해주는 위로 올려주는 주름과 마주쳤을 때이다. 이 슬립은 그냥 아래로 미끄러져 내리지 않고, 허리에서 사람을 꽉 하지만 너무 타이트하지는 않게 잡아주기 위해 안으로 들어온 후, 힙을 강조하기 위해 넓어지고, 착용자가 걸을 때 힙이 움직이는 것을 확실히 하기 위해 무릎에서 조금 좁아지며 떨어진다."라고 묘사했다. 새 라인 및 새 시장. 1987년에 듀오는 별도의 니트웨어 라인을 시작했고, 1989년에는 란제리 라인과 비치웨어 라인을 디자인하기 시작했다.
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그 이후 1990년에 그들은 그들의 첫 번째 남성 컬렉션을 출시했다. 그 해 그들은 또한 디자인 회사를 그들의 첫 번째 공식 사무실 안으로 옮겼고 그들 본래의 옷 외에 가운 및 다른 고급 작품들을 디자인하기 시작했다. 그들의 1990 봄/여름 여성 컬렉션은 라파엘의 신화 그림을 참조했고, 이 듀오는 크리스탈 장식 옷으로 명성을 쌓기 시작했다. 또한 1991년 가을/겨울 여성 컬렉션도 금 줄 세공을 한 메달과 장식된 코르셋을 포함한 장신구들로 장식되었다. 이후 1992년 가을/겨울 여성 컬렉션은 비록 여전히 크리스탈 장식이 된 바디 슈트를 포함하고 있긴 했지만, 1950년대 영화 산업에서 영감을 받았다. 1991년에 그들의 남성 컬렉션은 그 해의 가장 혁신적인 남성 컬렉션을 위한 울마크 어워드를 수상했다. 국제적 명성으로 가는 그들의 첫 번째 시도로 여겨지는 것은 1990년에 마돈나가 Dolce & Gabbana의 보석으로 만들어진 코르셋과 그것에 동반되는 재킷을 입고 1990 칸 영화제에서 《진실 또는 대담: 마돈나와 함께 침대》에서를 초연했을 때이다. 이후 이 듀오는 1993년에 마돈나와 파트너가 되어 그녀의 1992 앨범 "Erotica"를 지원하는 걸리 쇼 세계 투어를 위한 의상을 1500벌 이상 디자인했다. 이 의상에 대한 인터뷰에서, 마돈나는 “그들의 옷은 유머감각이 있으면서 섹시해요. 나처럼 말이죠.”라고 말했다. 1994년, 이 회사의 트레이드마크 겹여밈 재킷은 모델 크리스티 털링턴의 이름을 따 “라 털링턴”이라고 명명되었다. 같은 해 이 회사는 젊은이들을 겨냥한 두 번째 메인 라인—D&C를 출시했다.
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1996년 D&C 런웨이 쇼는 새로운 매체를 향한 실험적인 움직임으로 패션쇼 무대가 아니라 인터넷에서만 보여졌다. 또한 그 해 Dolce & Gabbana는 영화 “로미오와 줄리엣”을 위한 의상을 디자인했다'. 영화 산업의 관점에서, 돌체와 가바나는 1995년 쥬세페 토르나토레 감독의 영화 “스타메이커”에 엑스트라로 출연했다. 그들은 롭 먀살의 각색 영화 “나인”에 좀 더 중요한 카메오 역할로 출연했다. 그들은 또한 듀란 듀란의 뮤직 비디오 “걸 패닉!”에 스타일리스트로 작업했다. 1990년 대 시장 확장의 관점에서, 1989년 Dolce & Gabbana는 일본에 그들의 첫 번째 부티크를 개업하기로 카시야마 그룹과 계약을 체결했다. 그들은 1992년 "Dolce & Gabbana Parfum”라고 부르는 최초의 여성용 향수를 발매했는데, 향수 아카데미의 올해 최고의 여성 향수 1993 어워드를 수상했다. 그들의 최초의 남성 향수 "Dolce & Gabbana pour Homme"는 동일한 아카데미에서 1995년에 올해의 최고 남성 향수 어워드를 수상했다. 그 해 Dolce & Gabbana의 컬렉션은 영국 및 이탈리아 언론과 논쟁을 야기했는데, 이 때 그들은 작품을 위한 영감으로 미국 갱스터 모티브를 선택했다. Dolce & Gabbana은 이 가을/겨울 1995 영감을 여성 의류에 맞춰 바꾸었는데, 비평가들은 에로틱한 강렬함을 불러일으킨다고 평했다. 이 듀오는 그 모티브를 예전에도 사용했었다. 1992년 사진작가 스티븐 메이셀이 그 회사를 위한 광고 캠페인을 찍었는데 거기에서 모델들이 “갱스터 스타일”로 포즈를 취했다. 이것은 1930년대 스타일의 폭이 넓은 코트와 검은색 가죽 모자를 포함한다.
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작가인 니루파마 푼디어는 “Dolce & Gabbana는, 자신들의 초여성적이고 환상적인 스타일로 90년대의 대부분을 지배했던 심각하고 침착한 패션에서 벗어났다”라고 썼다. 세계적인 브랜드가 되다. Dolce & Gabbana는 계속해서 마돈나와 작업을 하면서 그녀의 2000 앨범 “뮤직”을 지원하는 “익사한 세계 투어”를 위한 의상을 디자인했다. 그들은 또한 미씨 엘리엇, 비욘세, 그리고 메리 J. 블리제의 세계 투어를 위한 의상도 디자인했다. 1999년 이 듀오는 가수 휘트니 휴스턴을 지원하여 “오프라 윈프리 쇼”에 출연했다. 휘트니 휴스턴은 이 쇼를Dolce & Gabbana 가 자신의 “내 사랑이 당신의 사랑이예요”투어를 위해 디자인한, 패션 및 음악 비평가들이 일반적으로 “음란”하다고 여겼던 의상을 선보이기 위해 사용했다. 이 듀오는 2000년 대에 들어서도 계속 카일리 미노그의 쇼걸 홈커밍 투어를 위한 의상을 포함한 뮤직 아티스트들을 위한 의상을 디자인하고 있었다. 마돈나는 또한 Dolce & Gabbana의 2010 광고 캠페인에도 참가했다. 2000년 대에 Dolce & Gabbana은 축구에서 또한 많은 영감을 얻었다. 2003년 남성 라인은 세계에서 가장 위대한 축구 스타들에게서 주된 영감을 취했다. Dolce & Gabbana는 다른 형태의 예술에 영감을 주기도 했다. 2003년 댄스 뮤직 아티스트 프랭키 넉클스는 그 패션 회사가 패션과 음악 양쪽의 동향을 위한 “훌륭한 지표”라고 말했다. 디자인계에 그들이 미친 영향으로, Dolce & Gabbana의 초기 디자인의 주요 부분이었던 코르셋이 2002년 많은 유럽의 주요 디자이너들에 의해 다가오는 유행으로 재발견되었다.
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최근에 들어서 Dolce & Gabbana는, 자신들의 컬렉션이 공개되기 전에 판매하고 패스트 패션 회사들이 자신의 디자인을 카피하는 것을 사전에 방지하기 위해 구매자들을 대상으로 신상품의 개인적인 전시를 열기 시작했다. 2012년 메인 라인을 강화하기 위해 D&G는 Dolce & Gabbana와 합병했다. 마지막의 독립적인 D&G 컬렉션은 2011년 9월에 선보인 봄/여름 2012 컬렉션이었다. "뉴요커"는 2005년에 “1990년대에 프라다가 1980년대에 아르마니가 했던 역할을 2000년대에는Dolce & Gabbana가 하기 시작한다 —그들의 감성이 그 세대를 정의하는 "gli stilisti"”라는 기사를 게재했다. 개인적인 수상으로, 1996년과1997년대에 Dolce & Gabbana는 올해의 디자이너로 "FHM"이라고 명명되었다. 2003년에는 "GQ 매거진"이 “올해의 인물들” 중에 Dolce & Gabbana를 지명했다. 이듬해 “엘리”의 독자들은 2004 엘리 스타일 어워드에서Dolce & Gabbana를 최고의 국제 디자이너로 뽑았다. Dolce & Gabbana는 2010년 6월 19일 밀란의 피아조 델라 라 스칼라와 팔라조 마리노에서 브랜드의 20 주년을 기념했다. 또한 다음날 공개 전시회가 열렸는데 여기에는 수십 개의 텔레비전이 되는대로 쌓여서20년의 역사를 되짚어 보며 그 디자인 회사의 지난 컬렉션 중 각각 서로 다른 것을 보여주는 방도 있었다. 브랜드 라인. Dolce&Gabbana. Dolce&Gabbana는 디자이너의 영향을 더 많이 받는 고급 제품을 전문으로 하고, 시즌의 변화 뿐 아니라 장기간 동향에 반응하여, 격식을 가지며 유행을 타지 않는다.
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D & G. D & G는 도시적인 영감을 따르며, 유행을 따르기 보다는 유행을 창출하는 캐주얼 라인이다. Dolce&Gabbana 보다 더 젊고 화려한 보급형 라인이면서 Dolce&Gabbana와 달리, D&G는 의류 이외에 시계도 판매한다. 최초의 남성 D&G 컬렉션은 1994년 1월에, 최초의 여성D&G 컬렉션은 같은 해 4월에 출시했다. 2012년 이후 이 라인은 Dolce&Gabbana와 통합되었다. 기타 라인. Dolce & Gabbana는 신부용 컬렉션도 만들었지만, 이것은1992년과 1998년 사이에만 존재했다. Dolce & Gabbana 홈 컬렉션도 1994년 시작했지만, D&G 매장을 위해서 만든 고유한 작품들을 제외하고는 1999년에 중단되었다. Home Collection--started in 1994--was also discontinued in 1999, with the exception of unique pieces being created for D&G premises. 최초의 여성 비치웨어 컬렉션은 1989년에, 최초의 남성 비치웨어 컬렉션은 연이어 1992년에 개발되었다. D&G는 1998년에는 아이웨어 라인을, 2000년에는 시계 라인을 출시했다. 같은 해 D&G는Dolce & Gabbana의 란제리 컬렉션과는 별도로 남성용과 여성용 속옷 라인을 출시했다. 2001에는 어린이들을 위한 D&G 쥬니어 라인을 출시했다. 2006년에 이 듀오는 여성을 위한 표범 무늬 악세서리의 아나말리에 라인을, 2007년에는 남성들을 위한 악어 여행 가방 라인을 출시했다. 이 회사가 만드는 다른 가방에는 미스 시실시 손가방,과 짚과 가죽으로 제공되는 “돌체”가방이 있다. 2009년에 이들은 스칼렛 존슨을. 그 광포 캠페인의 얼굴로 하는 최초의 색조 화장품 라인을 출시했다.
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Dolce & Gabbana는 2011년 후반에 보석으로 장식한 묵주, 장식이 달린 팔찌, 목걸이를 포함한 80 개의 작품으로 최고의 고급 보석 라인을 출시했다. Dolce & Gabbana 은 위의 섹션에서 설명한 것처럼 그들의 향수로 여러 상을 수상했다. 현재 나오는 향수에는 "더 원", "스포트", "밝은 파랑", "클래식", "시실리", "장미 한 송이", 그들의 원래 향수인 "Pour Homme"과 "Parfum"이 있다. 인터넷. Dolce & Gabbana는 "DG" 로고를 그들의 상징물로 만들었지만, 그것과 어울리는 인터넷 주소인 DG.com을 갖지는 못했다. 사실상, DG.com은 가장 오래된 인터넷 도메인의 하나로 지금은 존재하지 않는 컴퓨터 회사 Digital General이 이미 1986년에 등록했다. DG.com은 2010년 6월, 자신들의 제품을 판매하기 위해 다른 DG로고를 사용하는 미국의 잡화점 체인 Dollar General 이 사들였다. 동업자. 스포츠. Dolce & Gabbana는 2004년 이후부터 AC 밀란을 위한 운동복을 디자인해 오고 있다. Dolce & Gabbana가 디자인한 운동복을 가지는 것 외에, AC 밀란의 선수들은 또한 운동장 밖의 공식 석상에서 팀이배포하는 Dolce & Gabbana복장을 입는다. 이 듀오는 이태리 국가대표 풋볼 팀을 위한 운동장 밖의 복장도 디자인했다. 2010년 Dolce & Gabbana는 첼시 풋볼 클럽과 클럽의 운동 유니폼 운동장 밖 복장을 디자인 및 제공하기로 3년 계약의 맺었다. 계약은 남성 스태프들과 선수들 외에 여성 스태프들을 위한 의류를 만드는 것도 포함되어 있었다. 클럽을 위한 운동장 밖 복장은 가슴 주머니에 사자 문양이 있는 남색 슈트를 포함했다. 디자이너들은 또한 클럽 감독의 라운지와 메인 사무실 리셉션 공간을 다시 설계했다.
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Dolce & Gabbana are also the named sponsors of the Milano Thunder Italian Boxing Team. 제품. 2006년 Dolce & Gabbana는 모토롤라와 제휴해서Motorola V3i Dolce & Gabbana 휴대폰을 생산했다. 그 이후 200년에는, 소니 휴대 통신과 제휴해서 기술과 공동 디자인한 작품 위에 24캐럿 금 세공과 디자인 회사의 로고가 새겨진 버전의 Jalou 휴대폰 라인을 만들었다. Dolce & Gabbana는 또한 시트로엥과 제휴해서 C3 Pluriel 자동차를 공동 디자인했다. 2010년에는 마티니와 제휴해서 베르무트의 “황금 판”을 생산했다. 이후 2010년에는 이 디자인 회사는 가수 마돈나와 함께 MDG라고 불리는 공동 디자인한 선글라스 라인을 발매했다. 광고 캠페인. Dolce & Gabbana 최초의 여성 향수에 대한 광고는 영화제작자 쥬세페 토르나토레가 제작을, 엔니오 모르꼬네가 음악을 담당하고 여배우 모티카 벨루치가 주연으로 출연하여 만들었는데, 이탈리아에서 수년 동안 방송되었다. 이 30 초짜리 초현실주의 광고는 한 남자가 조수 웅덩이의 돌 마루에 문어를 미끄러지게 하는 것으로 시작한다. 이 남자는 서서 일상적인 일을 하고 있는 다른 여성들을 둘러본다. 한 여성(벨루치)가 다른 두 여성이 들고 있는 하얀 천 뒤에서 50년대 스타일의 수영복으로 갈아입는 것이 보인다. 옷을 갈아 입은 후, 그녀는 자신의 브라를 부채선인장 위로 던지고 바다로 걸어간다. 나중에 그녀가 잘 만들어진 침대 위에 누워있는 것이 보이는데, 그녀를 쳐다 보았던 그 남자가 그녀의 브라를 코에 걸고 창문 밖에 서 있다. 이 광고는 검은색 배경으로Dolce & Gabbana 향수병 이미지로 끝난다.
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2003년, Dolce & Gabbana의 향수 시실리는 또한 쥬세페 토르나토레가 제작한 시실리인들의 장례식에 관한 초현실주의 광고로 선전되었다. 향수 “더 원”을 위한 2006년 광고에는 지젤 번천이 주연을 맡았는데, 사이사이에 배치한 카메라맨 무리들의 플래쉬를 받으며 화장 거울 앞에서 화장을 하고 있는 번천을 그 특징으로 한다; 그 다음 그녀는 황금색 드레스, 신발을 걸치고 D&G 선글라스를 얼굴에 쓴다. Dolce & Gabbana와 함께 광고 캠페인에 작업했던 사진 작가와 영화 제작자에는 지암파올로 바비에리, 미쉘 콤트, 파브리지오 페리, 스티븐 클레인, 스티븐 마이젤, 머트 + 마르커스, 장 밥티스트 몬디노, 페르디난도 시아나, 지암파올라 스구라, 마리오 소렌티, 솔브 선즈보, 마리오 테스티노, 쥬세페 토르나토레 및 마리아노 비반코 가 있다. Dolce & Gabbana는 그들의 캠페인으로 독일의 선두적인 광고상인 리드어워드를 두 번 수상했다. 2004년에는 가을/겨울 2003/04 캠페인으로 그리고 2006년에는 가을/겨울 2005/06 캠페인으로 수상했다. 영감과 스타일. 원래 다방면의 중고품 가게 보헤미아의 영감을 받은 Dolce & Gabbana의 깊은 색의 동물 프린트는 특별히 유명한 이탈리아의 영화 역사에서 영감을 얻은 “고급 히피 관념”이라고 묘사되었다. "우리가 디자인을 할 때 그건 마치 영화같아요"라고 도메니코 돌체는 말한다.
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"우리는 이야기를 생각해 내고 그 이야기와 어울리는 의상들을 디자인합니다." 그들은 패션 역사에 자신의 유일한 공헌이 검은 색 브라뿐 이라도 신경 쓰지 않을 것이라고 인정하면서, 유행을 촉발시키는 것보다 최고의, 사람을 가장 돋보이게 하는 옷을 만드는 데 더 관심이 있다고 주장한다. (돌체와 가바나2007). D & G 등록상표에는 (코르셋과 브라 잠금 방식 같은) 겉옷 같은 속옷, 갱스터 보스 가는 세로줄 무늬 정장 및 사치스럽게 무늬 염색한 코트가 있다. 한편 그들의 여성 컬렉션은1987년 페르디난도 시아나가 찍은 모델 마르페사가 나오는 흑백 광고처럼, 항상 강력한 광고 캠페인으로 백업된다(Dolce & Gabbana). "그들은 모든 검은 드레스, 모든 단추를 다 채운 블라우스에서 빠져 나갈 방법을 찾습니다”라고 로젤리니는 말한다. "내가 착용한 그들의 첫 작품은 흰색 셔츠로 아주 소박한 것이었지만, 내 가슴이 터져 나오는 것처럼 보이도록 잘려져 있었죠." 일단 “이탈리아 패션 계의 길버트와 조지”라는 별명이 붙자, 1996년 돌체와 가바나는 "D&G는 사랑"이라는 말을 테크노 비트에 맞춰 읊조리는 자신들의 싱글을 녹음함으로, 자신들의 패션에 대한 흥미를 음악적인 재능에 부여하기도 했다 (Dolce & Gabbana 2011). 베르사체와 아르마니 같은 다른 이탈리아의 헤비급 패션 회사에 비해 디자인 계의 후발 주자인 이들은 자신들의 경이적인 성공에 운이 많이 작용했다는 것을 인정한다. 1997년까지, 이들의 회사는 4억의 매출을 보고했고, 두 디자이너가 40세의 나이에 은퇴할 계획이라는 발표를 하게 했다. 이 약속은 둘 다 지키지 않았다.
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(도메니코). Dolce & Gabbana의 책. Dolce & Gabbana는 옷을 디자인하는 작업 외에도 자신들의 작품 모음 및 사진 설명을 특징으로 하는 책을 거의 스물 네 권이나 공동 저작했다. 이 중 많은 책의 수익금은 어린이 액션 네크웍과 버터플라이 온러스“école sans frontières” 재단을 포함한 자선 단체에 기부된다. 다음은 그들의 문학 작품 목록이다: 공간과 전시회. Dolce & Gabbana는 1995년 9월에 아틀리에 "La sede di via San Damiano"를 개장했다. 이들은 또 2002년 부띠끄와 기업 공간이 결합된 7층 건물 "Lo showroom di via Goldoni"를 개장하고, 인도주의 광장에 있던 예전의 메인 전시실을 옮겼다. 그 이후 2006년 7월에 Dolce & Gabbana는 5,000 스퀘어 피트의 전시 공간 "Lo showroom di via Broggi"를 밀라노에 개장했다. 이 디자인 회사는 또한 1940년대에 지어진 역사적인 극장인 밀라노에 있는 "Il Metropol" 극장을 샀다. 이곳은 개조되어서 2005년 9월에 다시 문을 열었다. Dolce & Gabbana는 2003년 밀라노의 남성용품 전시실에 마티니 바라고 불리는 공동 후원의 음료 시설을 열고 뒤를 이어2006년에 카페, 바, 비스트로와 식당 을 갖춘 시설인 IL GOLD를 개장했다. 이들은 또 다른 마티니 바를 이후 2006년에 상하이 전시실에 열었다. 2009년에 Dolce & Gabbana는 93 개의 부띠끄와 11개의 공장 아울렛을 소유하고, 80여개 이상의 나라에서 판매되었다. In all they have 251 mono-brand stores. 자신들의 컬렉션을 위한 패션쇼와 광고 캠페인을 개발하는 것 외에, Dolce & Gabbana는 자신들의 공간을 사진 및 다른 예술 전시회를 개최하는 데 사용했다.
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Il Metropol 개장 직후, 이들은 로비 공간에서 2006년 4월과 2007년 4월 사이에는 론 아라드(산업 디자이너)의 전시회 "Blo-Glo"를 두 번, and "Bodyguards" in late April 2007. 2007년에는 엔조 셀레리오의 그리고 2008년에는 헤르베르트 리스트의 작품을 담은 사진 전시회를 개최했다. 2011년 Dolce & Gabbana는 스튜디오 Piuarch와 함께 오픈 하우스와 1996 이후의 스튜디오의 다양한 건축 디자인 및 프로젝트를 소개하는 건축 전시회를 개최했다. 스튜디오 Piuarch는 2006년에 Dolce & Gabbana 본사를 지었는데, 이곳이 전시회와 오픈 하우스가 개최된 곳이다. Dolce & Gabbana는 또한 2011년 그들의 책 “데이빗 간디”의 출간 행사와 같은 도서 출간행사와 자신들 옷의 사진 전시를 위해 그 공간을 사용했다. 그들은 또한 2009년 5월 US보그의 90년 역사에서 선별한 100장 이상의 영상을 위한 사진 전시회를 무대에 올렸던 밀란의 팔라조 델라 레지오네와 같은 다른 공간들도 사용한다. 이 전시회는 “보그의 미의 극치”라고 불렸다. 또한 이 회사는 레냐노와 인치사 인 발다르노에 생산 공장을 갖고 있다. 논란. 광고. Dolce & Gabbana는 칼을 휘두르는 모델을 보여주는 광고 캠페인 때문에 2007년 1월 영국의 광고 감시 광고 표준 위원회 (ASA)에 의해 공개적으로 비난받았다. 2007년 2월 소비자 집단에서의 불만 이후, Dolce & Gabbana는 스페인에서 한 남성이 바닥에 있는 여성의 손목을 잡고 있고 그 모습을 일단의 남성들이 쳐다보는 모습을 담은 광고를 냈다.
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스페인의 노동사회부는 그 여성의 몸의 위치가Dolce & Gabbana가 판매하려고 하는 상품과 아무 관련이 없다고 하면서, 그 광고를 불법적이고 여성 비하적이라는 낙인을 찍었다. 이탈리아 간행물들은 전례를 따라 이 광고를 금지했다. 이 광고는 “갱 강간의 찬양”이라고 불렸고 미국의 잡지Debonair는 “패션의 역사 상 가장 논란이 되는 광고 중 하나”라고 공표했다. 탈세 혐의. 2009년 5월, 이탈리아 정부는 2004년에서 2006년까지의 기간동안 세금 천국인 룩셈부르크에 만 249에 대한 유로의 자산을 이동했다는 이유로Dolce & Gabbana를 탈세 혐의로 기소했다. 홍콩 사진 논란. 2012년 1월 5일, "애플 데일리"는 홍콩 시민들이 홍콩에 있는 두 개의 상점에서Dolce & Gabbana 쇼윈도우 상품의 사진을 찍는 것을 금지당했다고 보도함으로, 반본토 정서를 자극했다. 특히캔톤로드에 있는 주력 상점의 직원과 보안 요원은 상점 외부 인도 구역은 사진찍기가 금지된 사유 지역이라고 주장했다. 이러한 행동은 며칠에 걸친 시위를 촉발했고 1월 8일에 국제 뉴스에 보도되었다. 현지 뉴스 보도는 Dolce & Gabbanna 사진 금지는 그곳에서 쇼핑을 하고 가게에 있는 그들의 사진이 돌아 부패 혐의와 자신들의 부의 근원에 대한 조사를 부채질할 것을 두려워한 몇몇 부유한 중국 정부 관료들의 요청에 의해 시행된 것으로 보인다고 추정했다. Dolce & Gabbana는 마침내 2012년 1월 18일 밀라노의 본사에서 홍콩 시민들에게 공식적인 사과를 발표했다.
투구새우

투구새우()는 투구새우과()에 속하는 갑각류의 총칭이다. 철모새우 또는 배갑류라고도 한다. 투구새우과는 배갑목(Notostraca)의 유일한 과이다. 새우류에 속하지는 않으며 풍년새우·조개벌레·물벼룩 등과 함께 갑각류 가운데 가장 원시적인 형태를 띤다. 투구새우라는 이름은 등쪽에 투구 모양을 한 커다란 갑각이 있는 데서 유래했다. 몸길이는 1-6cm이고 몸 색깔은 푸른빛이 도는 초록색이나 갈색 등으로 다양하다. 몸은 머리가슴과 배로 구분되는데, 머리가슴 부위의 대부분을 갑각이 덮여 있다. 갑각의 중앙 앞쪽에는 자루가 없는 겹눈 한 쌍이 있다. 작은더듬이는 퇴화하여 작아졌거나 없다. 몸통 부속지가 35-78쌍 있는데, 나뭇잎 모양으로 납작하며 주요한 호흡기관으로 이것을 이용하여 먹이를 걸러 먹는다. 몸의 뒤쪽에는 긴 꼬리다리 한 쌍이 뒤를 향해 뻗어 있다. 봄과 여름 사이에 일시적으로 생긴 웅덩이에 나타나며 전 세계에 20여 종이 알려져 있다. 한국에는 긴꼬리투구새우 1종이 알려져 있다.
피로스의 승리

피로스의 승리()는 승자에게 너무나 막대한 희생을 초래하여 사실상 패배나 다름없는 승리를 말한다. 이러한 승리는 진정한 성취감을 무효화하거나 장기적인 발전에 해를 끼친다. 이 표현은 에페이로스의 피로스가 기원전 279년 아스쿨룸 전투에서 로마인들을 상대로 거둔 승리에서 유래하였다. 당시 그는 자신의 군대 대부분을 잃어 결국 전쟁을 중단할 수밖에 없었다. 어원. "피로스의 승리"는 에페이로스의 피로스 왕의 이름에서 유래하였다. 그는 피로스 전쟁 중 기원전 280년 헤라클레아 전투와 기원전 279년 아스쿨룸 전투에서 로마인들을 상대로 승리했으나, 그 과정에서 돌이킬 수 없는 막대한 병력 손실을 입었다. 후자의 전투 이후, 플루타르코스는 디오니시우스의 기록을 다음과 같이 전한다.두 차례의 에페이로스 승리에서 로마인들은 더 많은 사상자를 냈지만, 그들은 훨씬 더 많은 대체 병력을 갖고 있었기 때문에 이러한 사상자는 로마의 전쟁 수행에 미친 영향이 피로스 왕의 전역에 미친 손실보다 훨씬 적었다. 이 보고는 종종 다음과 같이 인용된다.또는
물이

물이(fish louse)는 물고기빈대과에 속하며 학명은 "Argulus japo­nicus"이다. 물고기진드기 또는 잉어빈대라고도 한다. 몸이 편평한 원반 모양이고 투명하다. 머리와 제1가슴마디가 유합하여 동그란 모양의 배갑을 형성한다. 배에는 빨판이 있는데, 이것을 숙주의 몸에 밀착시켜 주둥이로 숙주의 체액이나 혈액을 빨아먹는다. 이것이 다수 기생하면 숙주는 쇠약해져서 죽는다. 숙주를 떠날 때는 네 쌍의 유영 다리를 움직여 헤엄친다. 번식기는 여름에서 가을까지인데, 수온이 15°C가 넘으면 산란한다. 한배의 산란수는 100-500개 정도이고 수초 등에 붙여 둔다. 알은 약 4주 후면 부화하고 노플리우스·메타노플리우스기를 거쳐 기생생활을 한다. 물이가 물고기에 기생하면 그 부위에 출혈반점이 생기고 심하면 비늘이 떨어진다. 물이는 원래 일본 고유종이었는데, 지금은 세계 각지에 퍼져서 분포한다.
폴 세뤼지에

폴 세뤼지에(Paul Sérusier, 1864년 11월 9일 ~ 1927년 10월 7일)는 추상미술의 선구자이자 전위 예술 나비파 운동, 생테티슴, 클루아조니즘의 영감을 준 프랑스의 화가이다. 교육. 세뤼지에는 파리에서 태어났다. 그는 1880년대 중반에 아카데미 쥘리앙에서 공부하면서 반장으로 지냈다. 1888년 여름에 퐁타방으로 여행을 가서 폴 고갱 주변의 소규모 미술가 그룹에 참가하였다. 퐁타방 미술가 부락에 있는 동안 그는 고갱의 면밀한 관리 아래에 《부적》("The Talisman")으로 알려진 그림을 그렸다. 이 그림은 순수 추상미술에 가까운 클루아조니즘의 극심한 훈련이었다. 그는 나비파라는 화가 그룹의 일원으로서 탈인상주의 화가가 되었다. 세뤼지에는 폴 고갱과 함께 이 그룹의 이름을 지었다. 피에르 보나르, 에두아르 뷔야르, 모리스 드니는 이 그룹에서 잘 알려진 인물들이 되었으나 당시 그다지 중심이 되는 인물들은 아니었다. 나중에 그는 아카데미 랑송에서 교육을 하였고 1921년에 ABC 《회화 첫걸음》("de la peinture")을 출판하였다. 그 뒤 모흘레에서 사망하였다.
피아노 협주곡 24번 (모차르트)

피아노 협주곡 24번 다단조, K.491은 볼프강 아마데우스 모차르트가 1785년과 1786년의 겨울에 작곡한 협주곡이다. 첫 연주는 1786년 4월, 빈의 부르크 극장에서 이루어졌다. 모차르트가 작곡한 27개의 피아노 협주곡 중 20번째로 작곡되었으며, 피아노 협주곡 20번과 함께 단조인 두 곡 중 하나이다. 해당 작품에서는 현악기, 목관악기, 호른, 트럼펫과 팀파니 등, 모차르트의 협주곡 중 가장 많은 종류의 악기가 동원된다. 세 개의 악장 중 첫 번째 악장은 알레그로로 연주되며, 소나타 형태이고 모차르트의 이전 협주곡들과 비교했을 때 연주 시간이 길다. 두 번째 악장은 라르게토로 연주된다. 2악장은 다단조의 나란한조인 내림마장조로 연주되며, 아주 단순한 주요 주제가 반복적으로 연주된다. 마지막 악장은 알레그레토로 연주되고, 다단조로 조성이 복귀한다. 또한, 1악장과 달리 8개의 변주곡 형태로 이루어져 있다. 해당 작품은 모차르트의 협주곡 중 가장 발전된 작품이라고 평가받는다. 베토벤과 브람스는 작품을 극찬했으며, 음악학자인 아서 허칭스는 전체적으로 고려했을 때 모차르트가 작곡한 최고의 협주곡이라고 평가했다. 배경. 모차르트는 해당 협주곡을 빈에서 맞는 네 번째 해인 1785년의 겨울에 작곡하기 시작했다. 그는 세 개의 협주곡을 연이어 작곡했는데, 피아노 협주곡 24번은 피아노 협주곡 22번, 23번에 이어 세 번째로 완성되었다. 모차르트는 24번의 작곡을 오페라 피가로의 결혼의 시연회 직전에 마쳤다.
피아노 협주곡 24번 (모차르트)

쾨헬 번호에서, 피아노 협주곡 24번은 K.491에, 피가로의 결혼은 바로 뒤의 번호인 K.492에 등록되어 있다. 두 작품은 같은 시기에 쓰여졌으나, 대조적인 특징을 가지고 있다. 오페라 ‘피가로의 결혼’은 대부분 장조로 구성되어 있는 반면, 협주곡 24번은 모차르트가 작곡한 곡 중 많지 않은 단조곡이다. 피아니스트이자 음악학자 로버트 레빈은, 앞서 작곡된 두 개의 협주곡과 함께 24번 협주곡이 모차르트가 희극 오페라를 작곡하는 동안, 모차르트의 창의성의 어두운 면을 표출하는 배출구의 역할을 했을 수도 있다고 보았다. 협주곡은 빈의 부르크 극장에서 1786년 4월 3일 혹은 7일에 시연되었다. 모차르트는 솔로이스트로서 건반을 연주하고, 동시에 건반석에서 관현악단을 지휘했다. 1800년에, 모차르트의 부인이었던 콘스탄체는 모차르트의 사후, 출판업자인 오펜바흐의 요한 안톤 안드레에게 원본 악보를 팔았다. 이후 해당 악보는 19세기를 지나며 많은 사람들의 손을 거친 후 마지막으로 스코틀랜드의 자선 사업가인 조지 도널드슨 경이 해당 악보를 구매하였고, 1894년에 영국왕립음악대학에 기증하였다. 영국왕립음악대학은 해당 악보를 여전히 보관하고 있다. 악보의 원본에는 빠르기에 대한 표시가 없다. 대신, 모차르트가 그의 카탈로그에 올린 글에 곡의 빠르기말이 기록되어 있다. 원본 악보를 보면, 관현악 파트는 완전히 작곡되어 있는 반면 솔로 파트는 음계의 구절만 기록되거나 화음의 바깥 부분만 작성되는 등 미완성된 부분이 존재한다.
피아노 협주곡 24번 (모차르트)

이는 모차르트가 솔로 파트의 대부분을 즉흥적으로 연주했다는 것을 나타낸다. 24번 협주곡에는 1악장의 관현악 두 번째 주제 등, 악보 완성 후 나중에 추가된 부분도 있다. 또한, 악보에는 가끔씩 표기 상의 오류가 발견되는데, 음악학자 프리드리히 블룸은 이를 보고 ‘(작품이) 분명히 내적인 부담감 아래에서 매우 급하게 작곡되었을 것’이라고 결론지었다. 음악. 개관. 24번 협주곡은 세 개의 악장으로 구성된다. 협주곡은 현악기와 팀파니, 하나의 플루트, 두 개의 오보에, 클라리넷, 바순, 호른, 트럼펫을 포함한다. 모차르트가 작곡한 협주곡 중 가장 많은 종류의 악기가 연주된다. 모차르트가 작곡한 피아노 협주곡 중 오보에와 클라리넷을 모두 포함하고 있는 곡은 두 개뿐인데, 그 중 하나가 24번 피아노 협주곡이고, 나머지 한 곡은 두 개의 피아노를 위한 협주곡이다. 두 개의 피아노를 위한 협주곡의 경우 개정된 악보에서만 클라리넷이 등장한다. 당시, 클라리넷은 관현악단에 관습적으로 포함되는 악기가 아니었다. 로버트 D. 레빈은 “낭랑한 오보에와 클라리넷의 풍부한 소리는 이 협주곡의 중추적 특성이다. 세 개의 모든 악장에서, 목관악기는 현악기를 완전히 가장자리로 밀어내고 있다.”라고 평했다. 협주곡의 솔로 악기는 ‘쳄발로’로 기록되어 있다. ‘쳄발로’는 하프시코드를 의미하기도 하지만, 이 협주곡에서는 건반을 나타내는 일반적인 용어로 사용되었다.
피아노 협주곡 24번 (모차르트)

당시의 건반 중에서는 현대 피아노의 18세기 모습인 포르테피아노도 포함되어 있는데, 포르테피아노는 하프시코드보다 더욱 역동적으로 연주할 수 있었다. 1악장. 해당 협주곡의 첫 악장은 모차르트가 작곡한 협주곡 중에서 가장 복잡하고, 그 길이도 길다. 4분의 3박자로 작곡되었는데, 모차르트가 작곡한 27개의 협주곡 중 4번, 11번, 14번, 그리고 24번만이 세도막 리듬으로 시작된다. 첫 번째 악장은 고전주의 시기의 소나타 형식 협주곡의 기본적인 양식을 따른다. 1악장은 관현악 제시부와 함께 시작되고, 건반 제시부가 뒤를 잇는다. 이후 전개부, 재현부, 카덴차가 이어지며, 코다와 함께 종료된다. 이러한 관습적인 양식속에서, 모차르트는 구조에 있어서 광범위하게 혁신을 펼친다. 제시부. 99마디 동안 지속되는 관현악 전개부는 두 개의 주제를 포함하는데, 하나는 제1주제, 두 번째는 제2주제이다. 두 주제는 모두 다단조로 작곡되었다. 관현악부는 주요 주제를 함께 시작하나, 아주 강렬하게 시작하지는 않는다. 피아노가 등장하면 협주곡이 극으로 치닫게 된다. 주제의 조성은 모호한데, 13번 마디에서의 마지막 카덴스까지 원래의 조성인 다단조를 고수하지 않는다. 또한, 이의 13개의 마디에서는 반음계의 12개의 음을 모두 사용하고 있는 것이 특징이다. \relative c' { \set Score.tempoHideNote = ##t \tempo 4 = 140 \key c \minor \time 3/4 c2.(\p^\markup { \column { es2.) aes2( g4) fis4-. es'-. r8. fis,16 aes4( g f!) e-.
피아노 협주곡 24번 (모차르트)

des'-. r8. e,16 ges4( f es!) d-. b'-. r8. d,16 es4-. c'-. r8. es,16 aes4 aes,( a bes b c) f g g, c 건반 제시부는 관현악 제시부 이후에 연주된다. 특이한 점은 피아노 파트가 주요 주제로 시작하지 않으며, 주제 앞에 18마디 가량의 독주 악절이 제시된다는 점이다. 이후 관현악부에 의해 연주되는 주요 주제가 나타나며, 일곱 번째 마디부터 피아노가 연주된다. 당시의 관습과 또 다른 점은 독주 전개부가 관현악 전개부의 2차 주제부를 차용하고 있지 않다는 점이다. 그 대신, 새로운 2차 주제부가 연속적으로 제시된다. 음악학자인 도날드 토비는 이 새로운 형식의 도입이 "관현악 제시부가 독주 부분의 선율을 미리 예고하는 기능을 해야만 한다는 당시의 신조를 완전히 전복시키는 것"이었다고 말했다. One hundred measures into the solo exposition, which is now in the relative major of E♭, the piano plays a cadential trill, leading the orchestra from the dominant seventh to the tonic. This suggests to the listener that the solo exposition has reached an end, but Mozart instead gives the woodwinds a new theme. The exposition continues for another 60 or so measures, before another cadential trill brings about the real conclusion, prompting a ritornello that connects the exposition with the development. The pianist and musicologist Charles Rosen argues that Mozart thus created a "double exposition". Rosen also suggests that this explains why Mozart made substantial elongations to the orchestral exposition during the composition process; he needed a longer orchestral exposition to balance its "double" solo counterpart. 발달부. The development begins with the piano repeating its entry to the solo exposition, this time in the relative major of E. The Concerto No. 20 is the only other of Mozart's concertos in which the solo exposition and the development commence with the same material. In the Concerto No.
피아노 협주곡 24번 (모차르트)

24, the material unfolds in the development in a manner different from the solo exposition: the opening solo motif, with its half cadence, is repeated four times, with one intervention from the woodwinds, as if asking question after question. The final question is asked in C minor and is answered by a descending scale from the piano that leads to an orchestral statement, in F minor, of the movement's principal theme. The orchestral theme is then developed: the motif of the theme's fourth and fifth measures descends through the circle of fifths, accompanied by an elaborate piano figuration. After this, the development proceeds to a stormy exchange between the piano and the orchestra, which the twentieth-century Mozart scholar Cuthbert Girdlestone describes as "one of the few [occasions] in Mozart where passion seems really unchained", and which Tovey describes as a passage of "fine, severe massiveness". The exchange resolves to a passage in which the piano plays a treble line of sixteenth notes, over which the winds add echoes of the main theme. This transitional passage ultimately modulates to the home key of C minor, bringing about the start of the recapitulation with the conventional re-statement, by the orchestra, of the movement's principal theme. 재현부, 카덴차와 코다. The wide range of thematic material presented in the orchestral and solo expositions poses a challenge for the recapitulation. Mozart manages to recapitulate all of the themes in the home key of C minor. The themes are necessarily compressed, are presented in a different order, and in their restated form, contain few virtuosic moments for the soloist. The last theme to be recapitulated is the secondary theme of the orchestral exposition, which has not been heard for some 400 measures and is now adorned by a passage of triplets from the piano. The recapitulation concludes with the piano playing arpeggiated sixteenths before a cadential trill leads into a ritornello. The ritornello in turn leads into a fermata that prompts the soloist's cadenza. Mozart did not write down a cadenza for the movement, or at least there is no evidence of him having done so.
피아노 협주곡 24번 (모차르트)

Many later composers and performers, including Johannes Brahms, Ferruccio Busoni, Alfred Schnittke and Gabriel Fauré, have composed their own. Uniquely among Mozart's concertos, the score does not direct the soloist to end the cadenza with a cadential trill. The omission of the customary trill is likely to have been deliberate, with Mozart choosing to have the cadenza connect directly to the coda without one. The conventional Mozartian coda concludes with an orchestral tutti and no written-out part for the soloist. In this movement, Mozart breaks with convention: the soloist interrupts the tutti with a virtuosic passage of sixteenth notes and accompanies the orchestra through to the final "pianissimo" C-minor chords. 2악장. Alfred Einstein said of the concerto's second movement that it "moves in regions of the purest and most moving tranquility, and has a transcendent simplicity of expression". Marked "Larghetto", the movement is in E major and cut common time. The trumpets and timpani play no part; they return for the third movement. The movement opens with the soloist playing the four-measure principal theme alone; it is then repeated by the orchestra. \relative c" { \set Score.tempoHideNote = ##t \tempo 8 = 100 \key es \major \time 2/2 bes4^\markup { \column { bes8. bes16 bes8( es) es4 g8( d es f) bes,2 g'4 g8. g16 bes8.( g16) es4 d,8 d d d es4 r4 This theme is, in the words of Michael Steinberg, one of "extreme simplicity". Donald Tovey refers to the fourth bar, extremely bare and lacking any ornamentation, as "naive", but considers that Mozart intended for it to be so. Mozart's first sketch of the movement was much more complex. He likely simplified the theme to provide a greater contrast with the dark intensity of the first movement. After the orchestra repeats the principal theme, there is a very simple bridge or transitional passage that Girdlestone calls "but a sketch" to be ornamented by the soloist, arguing that "to play it as printed is to betray the memory of Mozart".
피아노 협주곡 24번 (모차르트)

Following the bridge passage, the soloist plays the initial four-measure theme for a second time, before the orchestra commences a new section of the movement, in C minor. A brief return of the principal theme, its rhythm altered, separates the C minor section from a section in A major. After this new section, the principal theme returns to mark the end of the movement, its rhythm altered yet again. Now, the theme is played twice by the soloist, the two appearances being connected by the same simple bridge passage from the beginning of the movement. Girdlestone argues that here "the soloist will have to draw on his imagination to adorn [the simple bridge passage] a second time". The overall structure of the movement is thus ABACA, making the movement in rondo form. In the middle statement of the principal theme (between the C minor and A major sections), there is a notational error which, in a literal performance of the score, causes a harmonic clash between the piano and the winds. Mozart probably wrote the piano and wind parts at different times, resulting in an oversight by the composer. Alfred Brendel, who has recorded the concerto on multiple occasions, argues that performers should not follow the score literally but correct Mozart's error. Brendel further argues that the time signature for the whole movement is another notational error: played in cut common time, which calls for two beats per bar rather than four, the movement is, in his view, too fast. The form of the movement is nearly identical to that of the second movement of Mozart's Piano Sonata in B major, K. 570. 3악장. The third movement features a theme in C minor followed by eight variations upon it. Hutchings considered it "both Mozart's finest essay in variation form and also his best concerto finale." \relative c" { \set Score.tempoHideNote = ##t \tempo 4 = 112 \key c \minor \time 2/2 \partial 4 g4\p(^\markup { \column { es) es( d) d( c) r r g'( c) c( es fis,) g r r g( aes) aes-.( aes-.
피아노 협주곡 24번 (모차르트)

aes-.) \grace { aes32( bes32} c4) bes8 aes g4 g \break \grace { g32( a32} bes4) a!8 g g4( fis) \partial 2. g r r \bar ":..:" \partial 4 g( f) g( es) g( d) r r aes"~ aes( g fis f) es r r c( \break des) des-.( des-. des-.) \grace { des32( es32} f4) es8 des! c4 c \grace { c32( d!32} es4) d8 c c4( b) \partial 2. c r r \bar ":|." The tempo marking for the movement is "Allegretto". Rosen opines that this calls for a march-like speed and argues that the movement is "generally taken too fast under the delusion that a quick tempo will give it a power commensurate with that of the opening movement." Pianist Angela Hewitt sees in the movement not a march but a "sinister dance". The movement opens with the first violins stating the theme over a string and wind accompaniment. This theme consists of two eight-measure phrases, each repeated: the first phrase modulates from C minor to the dominant, G minor; the second phrase modulates back to C minor. The soloist does not play any part in the statement of the theme, entering only in Variation I. Here, the piano ornaments the theme over an austere string accompaniment. Variations II to VI are what Girdlestone and Hutchings independently describe as "double" variations. Within each variation, each of the eight-measure phrases from the theme is further varied upon its repeat (AXAYBXBY). Variations IV and VI are in major keys. Tovey refers to the former (in A) as "cheerful" and the latter (in C) as "graceful". Between the two major-key variations, Variation V returns to C minor; Girdlestone describes this variation as "one of the most moving". Variation VII is half the length of the preceding variations, as it omits the repeat of each eight-measure phrase.
피아노 협주곡 24번 (모차르트)

This variation concludes with an extra three-measure passage that culminates in a dominant chord, announcing the arrival of a cadenza. After the cadenza, the soloist opens the eighth and final variation alone, with the orchestra joining after 19 measures. The arrival of the final variation also brings a change in metre: from cut common time to compound duple time. Both the final variation and the coda which follows contain numerous neapolitan-sixth chords. Girdlestone referred to the "haunting" effect of these chords and stated that the coda ultimately "proclaims with desperation the triumph of the minor mode". 평가. 루트비히 판 베토벤은 협주곡을 극찬했다. 소문에 의하면, 베토벤은 이 작품을 리허설에서 들은 후 그의 동료에게 “우리는 저런 작품을 작곡할 수 없을 것이다.”라고 언급했다고 전해진다. 음악학자 알프레트 아인슈타인은, 베토벤의 피아노 협주곡 3번이 다단조로 작곡된 것으로 볼 때, 해당 협주곡으로부터 영향을 받았을 수도 있다고 보았다. 요하네스 브람스 역시 협주곡을 높이 평가했다. 그는 클라라 슈만에게 연주를 추천했으며, 1악장의 카덴차를 직접 작곡하기도 했다. 브람스는 작품을 ‘기발한 아이디어로 가득 차 있는 명작’이라고 평가했다. 20세기와 현대의 학자들에게도 좋은 평가를 받았다. 커트버트 거들스톤은 해당 협주곡이 모든 면에서 모차르트의 가장 위대한 작품 중 하나라고 언급했다. 그는 “그의 위대한 작품 네 개에서 다섯 개 중 하나만 선택하는 것이 불가능하는 것이 아니라면, (해당 협주곡이) 가장 위대한 작품이라고 말할 수 있다.”라고 언급했다.
피아노 협주곡 24번 (모차르트)

알프레트 아인슈타인은 협주곡의 ‘어둡고, 비극적이면서 열정적인’ 성격을 언급하며, “모차르트가 작품을 처음으로 시연했을 때, 빈의 대중들의 얼굴 표정이 어땠을지를 상상하기 힘들다.”라고 말했다. 음악학자 사이먼 P. 키프는, 모차르트의 모든 피아노 협주곡을 주석으로 하면서, 해당 협주곡이 그의 모든 피아노 협주곡이 축적된 절정의 작품이며, 그의 전작과 견고하게 연결되어 있지만 동시에 이를 확실하게 초월하는 작품이라고 언급했다. 모차르트 학자인 알렉산더 하이야트 킹은 그의 평전에서, 해당 협주곡은 ‘그의 협주곡 중에서 가장 탁월할 뿐만 아니라 이제까지 작곡된 피아노포르테 협주곡 중 가장 훌륭한 작품’이라고 평했다. 아서 허칭스는, “우리가 모차르트 협주곡의 단일한 악장에 어떠한 가치를 부여하든 간에, 이 K. 491보다 더 위대한 작품을 찾을 수 없을 것이다. 왜냐하면 이 협주곡만큼 각각의 부분이 확실하게 '하나의 거대한 전체'를 이루고 있는 협주곡은 없기 때문이다.”라고 말하며, 작품에 좋은 평가를 내렸다.