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핸드볼

핸드볼(, )은 두 팀이 드리블 또는 패스로 상대편의 골대에 손으로 공을 던져 넣어 겨루는 구기 종목으로 축구하고 경기 방식만 다르다. 한때 일본어식 조어인 송구()라는 용어가 쓰이기도 했지만, 지금은 거의 쓰이지 않는 단어가 되었다. 중국이나 대만에서는 수구()라 불리기도 한다. 처음에는 11인제하고 7인제, 두 방식으로 시작되었으나 현재는 골키퍼를 포함하여 팀당 7명의 선수가 참여하는 7인제 경기만 이루어지고 있다. 덴마크하고 노르웨이 등 북유럽 국가에서 인기가 높은 종목이다. 기원. 핸드볼의 기원은 고대 그리스, 로마 시대에까지 소급할 수 있으나, 현재와 유사한 형태의 경기는 1898년경부터 덴마크, 체코 등 유럽 각지에서 널리 행하여지던 것을 제1차 세계대전 이후인 1915년에 독일에서 도어볼(door ball)이란 여자 경기를 시초로 장려·발전시킨 것이다. 올림픽에서는 시범종목 지정을 거쳐 1972년에 정식 종목으로 채택되었다. 핸드볼 경기는 처음에 한 팀당 11명씩 뛰다가 1934년 국제핸드볼연맹 총회에서 7인제 경기를 정식 승인하였고, 이후 1936년 제11회 베를린 올림픽 때부터 정식 종목이 되었다. 한국에는 1922년 '송구(送球)'라는 이름으로 처음 소개되어 1936년경부터 차츰 보급되기 시작하였다. 1941년 처음으로 공식 경기가 개최되고, 1952년 제33회 전국체육대회에 정식 종목으로 채택되면서 발전을 거듭하였다. 경기 시설과 용구. 표준 경기장은 길이 40m, 너비 20m이며, 양끝 골라인의 중간에는 가로 3m, 세로 2m인 골대가 설치되어 있다.
핸드볼

원칙적으로 골키퍼 이외의 선수는 골 에어리어 안에 들어갈 수 없다. 남자의 경우 둘레가 58 ~ 60cm, 여자의 경우 54 ~ 56cm이다. 경기 규칙. 경기는 전반 · 후반 30분으로 운영되며, 중간에 10분의 휴식 시간이 있다. 각 팀당 총 세번(전반 1회, 후반 2회 또는 전반 2회, 후반 1회)의 타임 아웃을 요청할 수 있으며, 심판은 선수의 부상 등 경기 운영상의 여러 이유로 타임 아웃을 요청하게 된다. 득점은 1골당 1점으로, 골 에어리어 밖에서 던진 공이 골 안으로 들어가는 경우 인정된다. 전·후반의 경기로 득점이 많은 팀이 승리한다. 공을 갖고 있는 선수는 3초 동안만 같은 자리에 머무를 수 있으며, 세 걸음만 허용된다. 공은 무릎 위의 모든 신체 부위를 이용하여 슈팅, 패스, 드리블이 가능하며, 바닥에 튄 공은 손으로 잡아야 한다. 반칙. 규칙을 어긴 정도에 따라 프리 드로우, 페널티 드로우, 경고, 2분 퇴장(한 선수가 2분 퇴장을 세 번 받으면 실격), 다이렉트 레드카드, 블루카드(경기 종료 후 출전 정지, 벌금 등의 징계)등이 행사된다. 다음과 같은 행위를 하였을 때 상대편에게 주어진다. 다음과 같은 경우 상대편에게 주어진다. 공이 사이드 라인 밖으로 나갔을 때, 상대편이 3초 이내에 공을 코트 안에 넣는다. 공이 수비측의 골키퍼 이외의 경기자에 맞아 골 라인 밖으로 나갔을 때 공격측에 주어진다. 공격측의 팀 또는 골키퍼가 골 라인 밖으로 공을 내보냈을 때 수비측에 주어진다.
핸드볼

기본 기술. 핸드볼의 기본 기술로는 캐치 · 패스 · 드리블 · 슛 · 풋워크 · 골키핑 등이 있다. 캐치의 실수는 공격을 늦어지게 하거나, 상대에게 공격의 기회를 주게 되므로 정확해야 한다. 공을 향해 손가락을 벌리고 두 손을 내밀어 어깨와 손목의 힘을 빼고 끌어당기듯이 공을 잡는다. 상대편과 패스 리시버의 위치를 생각하여 여러 가지 패스 방법을 사용하여야 한다. 손목의 스냅을 잘 이용하여 정확한 위치로 해야 한다. 한 손 또는 두 손을 교대로 사용하여 행할 수 있으며, 낮은 드리블과 높은 드리블이 있다. 그러나 실제 게임에서는 혼자 오랫동안 드리블하는 것은 바람직하지 못하다. 경기의 승부는 슛에 의한 득점으로 결정된다. 슛은 골키퍼의 허점을 이용하여 성공시켜야 하며, 정확하고 신속하여야 한다. 발을 놀리는 재간. 공격이나 수비 태세를 갖추기 위해서는 항상 빠른 동작으로 이동해야 하므로, 민첩하게 움직일 수 있는 풋워크가 요구된다. 한국 핸드볼. 한국의 핸드볼은 1939년 일본 유학생을 중심으로 시작되었으며, 1945년 조선송구협회 조직, 1946년 송구 대회 등으로 활성화되었다. 1960년에는 국제 핸드볼연맹에 가입하였으며, 1980년 이후로는 올림픽에 출전하여 여러 차례 메달을 획득하였다.
재즈

재즈(jazz)는 19세기 말 ~ 20세기 초 미국 뉴올리언스 아프리카계 미국인 사회에서 유래된 음악 장르로 블루스와 래그타임에 뿌리를 둔다. 1920년대 재즈 시대부터 아프리카계 미국인과 유럽계 미국인의 음악적 토대 위에서 결합하고 연결한, 전통음악과 대중음악 사이에서 발전한 음악의 한 형태이다. 재즈는 스윙-블루 노트, 콜-응답 보컬, 폴리리듬, 즉흥 연주 등이 특징이다. 재즈는 서아프리카의 문화와 음악적 표현, 그리고 아프리카계 미국인 음악 전통을 잇는다. 재즈가 전 세계로 퍼지며 국가와 지역, 지역 음악 문화를 끌어들였고, 이로 다양한 음악 유형이 생겼다. 뉴올리언스 재즈는 1910년대 초반에 시작했고, 이전의 브라스 밴드 행진곡, 프랑스식 사중주, 이중주, 래그타임, 블루스와 함께 집단적인 즉흥 연주를 결합하였다. 1930년대에는 춤 중심의 대형 밴드 음악을 편곡하였다. 하드스윙, 블루스, 즉흥적인 스타일인 캔자스 시티 재즈와 집시 재즈(musette waltzes를 강조한 스타일)가 두드러진 스타일이었다. 비밥은 1940년대에 등장하여 재즈를 춤추기 쉬운 대중음악에서 더욱 도전적인 "뮤지션의 음악"으로 변화하였다. 이 음악은 더 빠른 템포로 연주하고, 화음 기반의 즉흥연주를 사용하였다. 쿨 재즈는 1940년대 말에 발달하여 보다 차분하고 부드러운 음향과 길고 선형적인 멜로디를 선보였다. 1950년대 중반에는 특히 색소폰과 피아노 연주에서 리듬과 블루스, 가스펠, 블루스의 영향을 도입한 하드밥이 등장하였다.
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모달 재즈는 1950년대 후반 모드, 비트, 형식 구조 없이 연주하는 것을 탐구한 프리 재즈처럼 이러한 것을 기본으로 삼아 발전했다. 재즈 록 퓨전(Jazz-rock Fusion)은 1960년대 후반과 1970년대 초에 재즈 즉흥 연주와 록 음악의 리듬, 전자 악기, 고도로 증폭된 무대 사운드를 결합하여 등장했다. 1980년대 초, 스무스 재즈라고 불리는 재즈 퓨전이라는 상업적 형태가 성공하며 라디오 방송의 중요한 부분을 담당하였다. 2000년대에는 라틴 재즈와 아프로 쿠반 재즈 등 다른 스타일과 장르가 결합하여 풍부해졌다. 어원과 정의. 재즈라는 말의 기원을 다양하게 연구하였으며, 그 흐름을 기록한 문헌들이 많다. 이 용어는 1860년까지 거슬러 올라가는 속어인 "에너지"와 관련하여 추정한다. 이 단어의 최초 기록은 1912년 로스앤젤레스 타임즈 기사에서 한 마이너리그 야구 투수가 "흔들려서 아무것도 할 수 없기 때문"이라고 말한 "재즈볼"이라고 한다. 음악적 맥락에서 사용한 곳은 1915년 시카고 데일리 트리뷴(Chicago Daily Tribune)이다. 뉴올리언스에서 음악적 맥락에서 처음으로 문서화된 사용은 1916년 11월 14일 피카윤 타임즈(Times-Picayune)의 "jas bands"에 관한 기사다. 음악가 유비 블레이크는 NPR 인터뷰에서 "브로드웨이가 그것을 알아차리자 그들은 그것을 'J-A-Z-Z'라고 불렀다. 그러나 원래 그렇게 불리지 않았다. 그것은 'J-A-S-S'라는 철자였다. 그 단어는 더러웠고, 그게 뭔지 알았다면 여자들 앞에서 말하지 않았을 것이다."라고 말했다. 미국 방언 협회는 재즈를 20세기 형성 단어로 구분했다.
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재즈는 래그타임에서 록이 들어간 퓨전까지 100년이 넘는 기간에 걸친 광범위한 음악을 포괄하므로 단순히 정의하기가 어렵다. 유럽 음악사나 아프리카 음악 같은 다른 음악적 전통의 관점에서 재즈를 정의하려는 시도가 있었다. 그러나 평론가 요아힘-에른스트 베렌트는 재즈를 "유럽 음악과 흑인의 대립을 통해 미국에서 유래된 예술 음악의 형식"으로 정의하고, 재즈가 "특수한 시간과의 관계"를 가지고 있다는 점에서 유럽 음악과는 다르다고 주장하면서, 그것의 기준 조건과 정의가 더 넓어져야 한다고 주장한다. 재즈는 "즉흥적인 즉흥성과 즉흥적인 음악적 연출의 활력"을 표현하고, "연주하는 재즈 음악가의 개성을 반영하는 소수와 표현 방식"이라고 정의한다. 로버트 크리스토퍼의 의견에 따르면, "우리 대부분은 자유롭게 하면서 의미를 발명한 것이 재즈의 본질이자 약속이라고 하겠다." 다양한 재즈 시대를 아우르는 더 넓은 정의는 트라비스 잭슨의 연구이다. "스윙, 즉흥 연주, 그룹 상호 작용, 그리고 다른 음악적 가능성에 열려 있는 것과 같은 특징을 포함하는 음악이다."이라 말했고 크린 기바드는 "재즈는 하나의 구조"라고 주장했는데, 이 구조는 "일관된 전통의 일부로 이해될 만큼 공통점이 있는 많은 음악"을 지정한다고 한다. 재즈의 가장 유명한 인물 중 한 명인 듀크 엘링턴은 "모든 것은 음악이다"라고 말했다. 요소 및 특징. 즉흥연주. 재즈는 정의하기 어렵지만, 부분적으로는 많은 하위 장르를 포함하므로 즉흥성은 그 정의 요소 중 하나이다. 즉흥연주의 중심은 아프리카계 미국인 노예들의 노동요와 밭농사에서 행한 음악에서 생겨난 민속 음악 형태인 블루스와 같은 초기 아프리카 영향의 음악에서 발전했다.
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이 노동요는 보통 반복적인 콜 앤 리액션 패턴을 중심으로 했고, 초기 블루스 또한 즉흥적이었다. 클래식 음악 연주는 재즈와 달리 장식, 반주에 대한 관심이 적으며, 화음과 박자 같은 음악 구조를 높이 평가한다. 고전음악 연주자 목표는 악보를 충실하게 연주하는 것이다. 이와는 대조적으로, 재즈는 즉흥적인 상호작용과 협동이 특징이다. 초창기 뉴올리언스 재즈에서는 연주자들이 돌아가면서 멜로디를 연주하고 즉흥적으로 연주를 했다. 1920-40년대 스윙 시대에, 큰 밴드들은 귀로 듣거나 외우는 편곡에 더 의존했다. 독주자들은 이 배치 안에서 즉흥적으로 움직였다. 1940년대 비밥 시대에, 큰 밴드들은 편곡에 여유를 내주었는데, 이 편곡은 처음에 멜로디가 짧게 명기되고 대부분의 곡이 즉흥적으로 연주되었다. 모달 재즈는 음악가들이 훨씬 더 즉흥적으로 연주할 수 있도록 하기 위해 코드 진행을 포기했다. 여러 형태의 재즈에서 솔리스트는 하나 이상의 현악기(피아노, 기타), 더블베이스, 드럼의 리듬 섹션에 의해 지지된다. 리듬 섹션은 구성 구조를 개략적으로 설명하고 독주자를 보완하는 화음과 리듬을 연주한다. 아방가르드 재즈와 프리 재즈에서는 독주가와 밴드의 분리가 줄어들었다. 전통과 민족. 비밥이 등장한 이후 상업적 지향적이거나 대중음악의 영향을 받는 재즈 형태가 비판을 받아왔다. 브루스 존슨에 따르면, 항상 "상업적인 음악으로서의 재즈와 예술의 형태 사이의 긴장감"이 존재해 왔다. 전통적인 재즈 애호가들은 비밥, 자유 재즈, 재즈 퓨전 등을 타락과 배신의 한 형태로 치부했다.
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다른 관점은 재즈가 다양한 음악 스타일을 흡수하고 변형시킬 수 있다는 것이다. 표준의 창조를 피함으로써 재즈는 아방가르드 스타일을 등장시킬 수 있게 한다. 재즈는 문화와 역사에 대한 아프리카계 미국인의 기여에 관심을 끌었다. 다른 사람들에게, 재즈는 "압박적이고 인종차별적인 사회와 그들의 예술적 비전에 대한 제한"을 상기시킨다. 아미리 바라카는 화이트 재즈 장르가 있다고 주장한다. 1910년대 뉴올리언스에서 릴라이언스 밴드를 운영했던 파파 잭 레인은 "화이트 재즈의 아버지"라고 불렸다. 멤버가 백인인 오리지널 딕시랜드 재즈 밴드는 최초로 레코딩한 재즈 그룹이었고, 빅스 비더벡은 1920년대 대표적인 재즈 솔로 연주자 중 한 명이었다. 시카고 스타일은 에디 콘돈, 버드 프리먼, 지미 맥파트랜드, 데이브 터프 등 백인 뮤지션들이 개발했다. 베니 굿맨과 진 크루파와 같은 시카고 출신의 다른 사람들은 1930년대에 스윙의 선두 멤버가 되었다. 이 시기에 많은 밴드들이 흑인 음악가와 백인 음악가들을 포함했다. 이 음악가들은 미국에서 인종에 대한 태도를 바꾸는 것을 도왔다. 여성의 역할. 여성 재즈 연주자들과 작곡가들은 그 역사를 통해 재즈의 공헌을 해왔다. 베티 카터, 엘라 피츠제럴드, 애들레이드 홀리데이, 빌리 홀리데이, 애비 링컨, 아니타 오데이, 디나 워싱턴, 에델 워터스는 보컬 재능을 인정받았지만, 피아니스트 릴 하딘 암스트롱, 트럼펫 주자 발라이다 스노우, 송라이터 아이린 같은 밴드 리더, 작곡가, 기악가 등은 덜 익숙했다.
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여성들은 1920년대 초에 재즈를 통해 악기를 연주하기 시작했고, 피아노에서 특별한 인정을 받았다. 제2차 세계대전 당시 남성 재즈 뮤지션들이 징집되자 여성 밴드가 대거 이들을 대체했다. 1937년 창단한 'The International Sweethearts of Rhythm'은 1945년 유럽을 순회하며 미국 최초의 여성 밴드가 되었고, USO와 함께 여행한 최초의 인기 밴드였다. 1950년대부터, 많은 여성 재즈 악기 연주자들이 눈에 띄었고, 일부는 오랜 경력을 유지했다. 재즈에서 가장 두드러진 즉흥 연주자, 작곡가, 밴드 리더 중 일부는 여성이었다. 기원 및 초기 역사. 재즈는 19세기 후반에서 20세기 초반에 아프리카와 노예 민요와 서아프리카 문화의 영향을 결합한 미국과 유럽의 클래식 음악의 해석으로 시작되었다. 각 연주자의 개인적인 해석과 즉흥연주 등으로 수년간 구성과 스타일이 여러 번 바뀌었는데, 이 역시 장르의 가장 큰 매력 중 하나이다. 아프리카와 유럽의 혼합 음악. 18세기에 이르러 뉴올리언스 지역의 노예들은 거래로 인하여 시장에 모여들었는데, 이 시장은 후에 아프리카 춤으로 유명한 콩고 광장으로 알려지게 되었다. 1866년까지, 대서양 노예 무역은 거의 40만 명의 아프리카인들을 북아메리카로 데려왔다. 노예들은 주로 서아프리카와 더 큰 콩고 강 유역에서 왔고 강한 음악적 전통을 가지고 왔다. 아프리카의 전통은 주로 단선 멜로디와 콜 앤드 리액션 패턴을 사용하며, 리듬은 독특한 구조를 가지고 있으며 아프리카 언어 패턴을 반영한다.
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1885년 한 기사에 따르면 그들은 똑같이 여러 종류의 '도구'에서 이상한 음악을 만들고 있었다고 한다. 즉, 세탁기, 욕조, 막대기나 뼈로 두들겨 맞은 상자, 그리고 밀가루 막대기에 피부를 올려서 만든 드럼 등을 만들어 냈다. 일요일에는 뉴올리언스의 콩고 광장에서 1843년까지 아프리카를 기반으로 한 북에 댄스를 곁들인 호화로운 축제가 열렸다. 미국 남부 다른 곳에는 다른 음악과 춤 모임에 대한 역사적인 이야기가 있다. 로버트 팔머는 노예음악에 대해 다음과 같이 말했다. 보통 그러한 음악은 매년 열리는 축제와 연관되었는데, 그 때는 한 해의 농작물을 수확하고 몇 날을 기념하기 위해 따로 두었다. 1861년에 노스캐롤라이나의 한 여행자는 뿔 달린 머리장식과 소꼬리가 포함된 의상을 입은 댄서들을 보았고 음악을 들었다. 이러한 음악은 삼각형과 턱뼈를 사용하여 보조 타악기를 제공했다. 남동부 주와 루이지애나 주로부터 1820–1850년 사이의 기록이 꽤 있다. 초기의 미시시피 델타 정착민들 중 몇 명은 뉴올리언스 근처에서 왔는데, 그곳에서는 남북전쟁이 발발할 때까지 북소리는 집에서 만든 드럼통이 대중무용에 동행하는 데 사용되었다. 흑인 노예들이 배워 자신들의 음악에 영적으로 접목시킨 교회의 찬송가 또한 재즈 양식에서 또 다른 영향을 주었다. 게르하르트 쿠빅이 지적하듯이, 영적인 사람들은 블루스, 초기 재즈는 "사랑"의 개념에 주로 기반을 두고 있었다.
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19세기 초 동안 점점 더 많은 수의 흑인 음악가들이 유럽 악기, 특히 바이올린을 배우는데, 그들은 자신들의 댄스에서 유럽의 댄스 음악을 패러디하곤 했다. 이어서, 유럽계 미국인 음악가들이 싱코페이션과 유럽계 반주를 결합하여 국제적으로 대중화되었다. 1800년대 중반에 백인 뉴올리언스 작곡가 루이 모로 고트샬크는 쿠바와 다른 카리브해 섬에서 나오는 흑인 리듬과 멜로디를 피아노 음악으로 각색했다. 뉴올리언스는 아프로-캐리비안과 아프리카계 미국 문화 사이의 주요 연결고리였다. 아프리카 리듬의 유지. 노예들에 의한 드럼을 금지시켰는데, 이는 쿠바, 아이티, 카리브해의 다른 곳과 달리 북아메리카에서는 아프리카 드럼의 전통이 지켜지지 않는다는 것을 의미한다. 아프리카에 기반을 둔 리듬 패턴은 쿵쾅거리고, 박수를 치고, 주바춤을 두들기는 등의 '신체 리듬'을 통해 미국에 상당 부분 유지되었다. 남북전쟁 이후(1865년 이후) 흑인은 군용 베이스 드럼, 스네어 드럼 등을 얻을 수 있었고 리듬을 특징으로 하는 흑인 최초의 드럼과 음악이 등장했다. 이것은 카리브해와는 구별되는 드럼 연주 전통으로, 아프리카계 미국인 특유의 감성을 표현했다. 작가 로버트 팔머는 " 스네어와 베이스 드러머들이 싱코페이션된 리듬을 연주했다"고 추측했다. 쿠바의 영향. 아프리카계 미국 음악은 19세기 하바네라(habanera)가 국제적인 인기를 얻으면서 아프로-쿠반 리듬 모티브를 접목하기 시작했다.
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하바나와 뉴올리언스의 음악가들은 두 도시 사이를 매일 두 번 왕복하는 나룻배를 타고 공연을 하였고, 하바네라는 음악적으로 비옥한 이 도시에 재빨리 뿌리를 내렸다. 존 스톰 로버츠는 음악 장르인 하바네라가 "첫 래그타임이 나오기 20년 전에 미국을 리메이크했다"고 말한다. 래그타임, 재즈가 형성되고 발전하고 있던 25년 이상 동안, 하바네라는 아프리카계 미국 대중음악의 일관된 부분이었다. 래그타임. 1865년 노예제 폐지는 해방된 아프리카계 미국인들의 교육에 새로운 기회를 가져다 주었다. 비록 엄격한 분리가 대부분의 흑인들의 취업 기회를 제한했지만, 많은 흑인들은 연예계에서 일자리를 찾을 수 있었다. 흑인 음악가들은 춤, 음악쇼, 그리고 술집에서 여흥을 제공할 수 있었고, 그 기간 동안 많은 밴드가 형성되었다. 흑인 피아니스트들은 래그타임이 발달하면서 술집, 클럽, 사창가에서 연주를 했다. 래그타임은 1895년에 어니스트 호건과 같은 흑인 음악가들에 의해 대중화된 악보로 등장했다. 2년 후, 베스 오스만은 이 노래들의 메들리를 "Rag Time Medley"로 알려진 밴조 솔로곡으로 녹음했다. 또한 1897년 백인 작곡가 윌리엄 크렐이 "Mississippi Rag"를 첫 번째 작곡 피아노 래그타임 곡으로 발표했고, 톰 터핀은 흑인 미국인이 최초로 발표한 래그인 "Harlem Rag"를 발표했다. 블루스. 블루스는 1860년대 미국 딥사우스에서 아프리카 음악 전통, 아프리카계 미국인의 작업 노래, 영적인 것에 뿌리를 둔 흑인들에 의해 유래된 음악 장르와 음악 형식이다.
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블루스는 영적인 노래, 작업용 노래, 운율의 단순한 서사 발라드를 통합했다. 재즈, 리듬과 블루스, 로큰롤 등에서 어디서나 볼 수 있는 블루스 형태는 call-and-response 패턴, 블루스 스케일, 특정 화음 진행 등이 특징이며, 이 중 12바 블루스가 가장 흔하다. 3도, 5도, 7도의 코드를 사용하는 것도 필수적인 부분이다. 블루스 셔플이나 워킹 베이스는 무아지경 같은 리듬을 강화시키고 그루브라고 알려진 반복적인 효과를 형성한다. 아프리카 기원. 블루스는 음악적 형식과 음악 장르에 모두 붙여진 이름이다. 19세기 말 주로 미국 딥 사우스(Deep South)의 아프리카계 미국 사회에서 그들의 영적, 작업용 노래, 그리고 단순한 서사 발라드의 리듬에서 유래되었다. 아프리카에서 펜타토닉 음계를 사용한 것은 블루스와 재즈의 블루 노트 개발에 기여했다. W. C. Handy: 초기의 블루스. W. C. 핸디는 미시시피 삼각주를 여행하는 동안 깊은 남부의 포크 블루스에 관심을 갖게 되었다. 이 포크 블루스 형태에서 가수는 한정된 멜로디 범위 내에서 자유자재로 즉흥연주를 하곤 했는데, 기타 반주는 마치 반응하는 작은 드럼처럼 쿵쿵 울리기보다는 뺨을 맞고, 또 하나의 "음성"으로 기능했다. 핸디와 그의 밴드 멤버들은 블루스와 함께 자라지 않은 아프리카계 미국인 음악가들을 정식으로 훈련시켰지만, 그는 블루스를 더 큰 밴드 악기 형식에 적응시켜 대중음악 형식으로 배열할 수 있었다. 1912년 그의 "Memphis Blues" 악보가 출판되면서 12바 블루스를 세계에 소개하였다.
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그의 후기 "St. Louis Blues" 등 이 작곡은 하바네라 리듬을 포함하고 재즈의 표준이 되었다. 핸디의 음악 경력은 재즈 전 시대에 시작되어 최초의 재즈 시트 음악의 일부 출판을 통해 재즈의 코드화에 기여하였다. 뉴올리언스. 뉴올리언스의 음악은 초기 재즈의 창조에 심오한 영향을 미쳤다. 뉴올리언스에서 노예들은 부두와 드럼 연주와 같은 그들 문화의 요소들을 연주할 수 있었다. 많은 초기 재즈 뮤지션들이 스토리빌(Storyville)이라고 불리는 길거리 주변의 붉은 빛 구역의 술집과 사창가에서 연주를 했다. 댄스 밴드 외에도 화려한 장례식에서 연주하는 행진 밴드가 있었다. 행진 밴드와 댄스 밴드가 사용하는 악기는 재즈의 악기가 되었다. 유럽 12음계의 음계로 조율된 작은 악단에는 독학한 음악가들과 정식으로 교육을 받은 음악가들이 섞여 있었는데, 장례 행렬에서 온 음악가들이 많았다. 이 악단들은 남쪽 깊은 곳의 흑인 공동체를 여행했다. 1914년부터, 크리올과 아프리카계 미국인 음악가들은 미국 북부와 서부의 도시들에서 재즈 연주를 했다. 뉴올리언스에서는 파파 잭 레인이라는 백인 밴드 리더가 흑인들과 백인들을 그의 밴드에 통합시켰다. 조지 브루니스, 샤키 보나노 등의 그가 고용한 탑 음악가들이 많아 '화이트 재즈의 아버지'로 통했다. 1900년대 초에는 인종 차별 법으로 인해 재즈가 아프리카계 미국인과 뮬라토 공동체에서 주로 공연되었다. 스토리빌은 항구도시 뉴올리언스를 찾은 관광객들을 통해 재즈를 더 많은 관객들에게 선사했다.
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아프리카계 미국인 사회의 많은 재즈 음악가들이 술집과 사창가에서 공연하기 위해 고용되었다. 여기에는 로렌초 티오, 알시데 누네즈 등 다른 커뮤니티 출신 외에도 버디 볼든, 젤리 롤 모턴 등이 포함됐다. 루이 암스트롱은 스토리빌에서 경력을 시작하여 시카고에서 성공을 거두었다. 스토리빌은 1917년 미국 정부에 의해 폐쇄되었다. 싱코페이션. 코네티스트 버디 볼든은 1895년부터 1906년까지 뉴올리언스에서 뛰었지만 현재 그의 녹음된 음원은 존재하지 않는다. 그의 밴드는 표준 박자 행진에서 벗어난 최초의 싱코페이션 베이스 드럼 패턴을 만든 공로를 인정받고 있다. 모튼은 래그타임으로 알려진 초기 재즈 형태에서 재즈 피아노로 진화하는 데 결정적인 혁신가였고, 두 가지 스타일로 곡을 연주할 수 있었다. 1938년, 모튼은 Library of Congress을 위해 일련의 레코딩을 만들었고, 그는 두 스타일의 차이를 보여주었다. 그러나 모튼의 솔로들은 여전히 래그타임에 가까웠고, 후기 재즈에서처럼 화음 변화에 대한 즉흥적인 연주일 뿐 아니라 블루스를 사용하는 것에서도 중요성이 있었다. 20세기 초의 스윙. 모튼은 래그타임의 경직된 리듬감을 풀어, 그 장식을 줄이고 스윙감을 채용했다. 스윙은 재즈에 사용되는 아프리카 기반의 리듬 기법 중 가장 중요하고 오래 지속되는 것이다. 루이 암스트롱의 스윙에 대한 정의를 인용하면 다음과 같다: "느낌이 느껴지지 않으면, 당신은 그것을 결코 알 수 없을 것이다." 새 하버드 음악사전은 스윙은 다음과 같이 말한다: "재즈의 무형의 리듬 모멘텀...스윙은 분석을 거부한다.
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스윙의 존재에 대한 주장은 논쟁을 불러일으킬 수 있다." 이러한 스윙의 양상은 아프로 캐리비안 음악보다 아프리카계 미국인 음악에서 훨씬 더 널리 퍼져 있다. 좀 더 리듬감 있게 복잡한 흑인 음악에서 들리는 것은 스윙의 한 측면이다. 뉴올리언스 밴드는 흑인 아이들이 가난에서 벗어날 수 있도록 도와주면서 도시의 뚜렷한 사운드와 함께 플레이어를 프로 재즈의 세계에 기부한다. 뉴올리언스의 카멜리아 브라스 밴드의 리더인 D'잘마 가니에는 루이 암스트롱에게 트럼펫 연주법을 가르쳤다. 암스트롱은 뉴올리언스 스타일의 트럼펫 연주법을 대중화한 다음 그것을 확장시켰다. 젤리 롤 모튼과 마찬가지로 암스트롱도 휘둘러진 음을 유리하게 래그타임의 뻣뻣함을 버렸다는 공로를 인정받고 있다. 암스트롱은 아마도 다른 어떤 음악가보다도 재즈에서 스윙의 리듬 기법을 성대하게 구사하고 재즈 솔로의 의미를 넓혔다. 기타 지역. 미국 북동부 지역에서는 래그타임 연주에 대한 '핫'한 스타일이 발달했는데, 특히 1912년 카네기 홀에서 자선 콘서트를 열었던 뉴욕시의 제임스 리스 유럽 교향곡 클레프 클럽 오케스트라가 눈에 띄었다. 볼티모어의 유비 블레이크 래그타임 스타일은 제임스에 영향을 미쳤다. 오하이오와 그 외 중서부의 다른 곳에서는 1919년까지 주요 영향이 래그타임이었다. 4현 밴조와 색소폰이 들어온 1912년 무렵, 음악가들은 멜로디 라인을 즉흥적으로 연주하기 시작했지만, 하모니와 리듬은 변하지 않았다.
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현대의 한 평론가는 블루스란 일반적으로 흑인 중산층들에 의해 경시되었던 gut-bucket cabarets의 재즈에서만 들을 수 있었다고 말한다. 재즈 시대. 1920년부터 1933년까지 미국의 금주법은 주류 판매를 금지했고, 그 결과 불법 장소가 생겨나 "재즈 시대"의 활기찬 장소가 되었고, 대중음악, 댄스곡, 참신한 노래, 쇼곡 등을 주최하였다. 이로 인해 재즈는 부도덕하다는 평판을 얻기 시작했고, 기성세대의 많은 구성원들은 이를 명랑한 20년대의 퇴폐적인 가치를 선전함으로써 구문화적 가치에 대한 위협으로 보았다. 프린스턴 대학의 헨리 반 다이크는 이렇게 썼다. "...이건 전혀 음악이 아니다. 그것은 단지 청각 신경의 짜증이요, 육체적 정열의 끈을 관능적으로 놀리는 것일 뿐이오."라 말했으며, 또한 뉴욕타임스는 시베리아 마을 사람들이 곰을 겁탈하기 위해 재즈를 사용했지만 마을 사람들은 냄비와 팬을 사용했다고 보도했다. 또 다른 이야기는 유명한 지휘자의 치명적인 심장마비가 재즈에 의해 발생했다고 주장했다. 1919년 키드 오리의 뉴올리언스 출신의 음악가들로 구성된 재즈 밴드가 샌프란시스코와 로스앤젤레스에서 연주하기 시작했고, 1922년 그들은 뉴올리언스의 최초의 흑인 재즈 밴드가 되어 음반을 만들었다. 시카고는 "핫 재즈"를 개발하고 있었고, 올리버 킹은 빌 존슨과 합류했다. 빅스 비더벡은 1924년에 Wolverines을 결성했다. 남부의 흑인 출신 장르임에도 불구하고, 백인을 위한 오케스트라가 연주하는 재즈 댄스 음악의 큰 시장이 있었다.
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1918년, 폴 화이트맨과 그의 오케스트라는 샌프란시스코에서 히트를 쳤다. 빅터와 계약을 맺고 1920년대의 최고 밴드 리더가 되어 핫재즈를 했으며 빅스 비데베케, 지미 도시, 토미 도시, 프랭키 트럼바워, 조 베누티 등의 백인 뮤지션들을 고용하였다. 1924년 화이트맨은 조지 거슈윈의 Rhapsody in Blue를 의뢰했는데, 이 작품은 그의 오케스트라에 의해 초연되며 재즈는 주목할 만한 음악적 형태로 인식되기 시작했다. 올린 다우네스는 뉴욕타임스(NYT)에서 "이번 작곡은 자신의 목표를 훨씬 뛰어넘는 목표를 가진 젊은 작곡가가 마스터와는 거리가 먼 형식에 고군분투하는 모습을 보여주고 있어 비범한 재능을 보여주고 있다"고 썼다. 이 모든 것에도 불구하고, 그는 의미심장하고 전체적으로 매우 독창적인 형태로 자신을 표현해 왔다. 그의 첫 번째 주제는 단순한 댄스 선율이 아니다. 그것은 즉, 듣는 이의 흥미를 즉각적으로 자극하는 다양하고 대조적인 리듬에 상관되고 결합되는 하나의 아이디어 또는 여러 개의 아이디어다. 화이트맨의 밴드가 유럽 순회공연을 성공적으로 마친 후 프레드 와링, 장 골드케트, 나타니엘 실크렛 등 다른 백인들과 함께 극장 안의 거대한 핫재즈 오케스트라가 인기를 끌었다. Mario Dunkel에 따르면, 화이트맨의 성공은 그가 이전에 유행했던 흑인 음악을 상승시키고 가치 있게 백인화함에 바탕을 두고 있었다.
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화이트맨의 성공은 하인스(1928년 시카고의 그랜드 테라스 카페에서 시작), 듀크 엘링턴(1927년 할렘의 코튼 클럽에서 시작), 리오넬 햄튼, 플레처 헨더슨, 클로드 홉킨스, 돈 레드먼 등 흑인들의 재즈를 발전시키는 계기가 됐다. 1924년 루이 암스트롱은 플레처 헨더슨 댄스 밴드에 1년 동안 참여했는데, 이 밴드는 솔로 연주가 특징적이었다. 뉴올리언스의 스타일은 테마 변주곡과 동시에 집단 즉흥적인 것이 특징이다. 암스트롱은 전통적인 스타일의 달인이었지만 헨더슨의 밴드에 합류할 무렵에는 이미 편곡과 독주에 중점을 두면서 재즈라는 새로운 국면에서의 시작하였다. 암스트롱의 솔로곡들은 주제를 훨씬 뛰어넘어 멜로디보다는 화음적으로 연주했다. 슐러에 따르면, 그에 비해 암스트롱의 밴드 동료들(젊은 콜먼 호킨스 포함)의 솔로곡은 조용한 리듬과 불분명한 음이 들렸다고 한다. 마이어와 아서 존스턴은 암스트롱의 단독 즉흥연주(1924년 녹음)와 비교되었다..암스트롱의 솔로는 재즈를 진정한 20세기 언어로 만드는 데 중요한 요소였다. 헨더슨의 그룹을 떠난 후, 암스트롱은 그의 Hot Five 밴드를 결성했고, 그곳에서 그는 스캣송을 대중화했다. 1920년대와 1930년대 스윙. 1930년대는 인기 있는 스윙 빅 밴드에 속했고, 이 밴드의 리더만큼 유명해진 몇몇 거장들이 있었다.
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"빅" 재즈 밴드를 개발하는 주요 인물들은 베이시, 캡 캘러웨이, 지미와 토미 도시, 듀크 엘링턴, 베니 굿맨, 플레처 헨더슨, 얼 하인즈, 해리 제임스, 짐미 룬스포드, 글렌 밀러, 아티 쇼 등이 있다. 스윙은 개인 음악가들에게 때때로 복잡한 "중요한" 음악이 될 수 있는 멜로디, 즉흥적인 멜로디를 "솔로"하고 즉흥적으로 연주할 수 있는 기회를 제공했다. 시간이 흐르면서 인종 차별에 관한 사회적 규제가 미국에서 완화되기 시작했다. 백인 밴드 리더들은 흑인 음악가들과 흑인 밴드 리더들을 영입하기 시작했다. 1930년대 중반 베니 굿맨은 피아니스트 테디 윌슨, 비브라폰 연주자 라이오넬 햄튼, 기타리스트 찰리 크리스찬을 고용해 소그룹에 합류시켰다. 1930년대에 테너 색소폰 연주자 레스터 영에 의해 대표되는 캔자스 시티 재즈는 1940년대의 큰 밴드로부터 비밥의 영향력으로의 전환을 알렸다. 1940년대 초 "블루스 점핑" 또는 "점프 블루스"로 알려진 스타일은 1930년대부터 부기우기에 끌리는 작은 콤보, 업템포 음악, 블루스 코드 진행 방식을 사용했다. 듀크 엘링턴의 영향. 스윙이 인기의 정점에 도달하고 있는 동안, 듀크 엘링턴은 1920년대 말과 1930년대를 그의 오케스트라를 위한 혁신적인 음악을 개발하는데 보냈다. 스윙의 관습을 버리고, 그는 관현악 소리, 하모니, 음악적 형식을 실험하여 대중적인 청중들에게 여전히 복잡한 작곡을 했다.
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그의 곡들 중 일부는 히트가 되었고, 그의 인기는 미국에서 유럽까지 퍼져나갔다. 엘링턴은 자신의 음악을 재즈보다는 아메리칸 뮤직(American Music)이라고 불렀고, 그를 감동시킨 사람들을 "범주를 초월한다"고 묘사하는 것을 좋아했다. 여기에는 그의 오케스트라 출신의 많은 음악가들이 포함되었는데, 그들 중 일부는 재즈에서 가장 뛰어난 음악가들 중 한 명으로 간주되지만, 그들을 재즈 역사상 가장 인기 있는 재즈 오케스트라 중 하나로 융합시킨 것은 엘링턴이었다. 그는 조니 호지스를 위한 "Jeep's Blue", 쿠티 윌리엄스를 위한 "Concerto for Cootie" 등 이러한 개인들의 스타일과 기술을 위해 작곡을 자주 했다. 빅밴드 재즈에 'Spanish Tinge'를 불러온 후안 티졸의 'Caravan' 'Perdido' 등의 재즈곡도 녹음했다. 오케스트라의 몇 명의 단원들은 수십 년 동안 그와 함께 있었다. 이 밴드는 1940년대 초, 엘링턴과 그의 작곡가와 편곡가들로 구성된 소규모 그룹이 엄청난 창의력을 발휘하는 독특한 목소리를 가진 오케스트라를 위해 작곡을 했을 때, 창작의 정점에 도달했다. 유럽 재즈의 시작. 유럽에서는 미국 재즈 레코드가 제한적으로만 발매되면서 유럽 재즈는 제1차 세계대전 중이나 이후 유럽을 방문한 제임스 리스 유럽, 폴 화이트먼, 로니 존슨 등 미국 아티스트들에게 그 뿌리를 두고 있다. 재즈에 대한 유럽 관객들의 관심뿐만 아니라, 이 시기에 유럽의 경제적, 정치적 어려움에 수반되는 미국적인 것에 대한 관심을 불러일으킨 것은 그들의 라이브 공연이었다. 이 전쟁 사이에 뚜렷한 유럽 스타일의 재즈의 시작이 나타나기 시작했다.
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영국 재즈는 1919년 오리지널 딕시랜드 재즈 밴드의 투어로 시작되었다. 1926년에 프레드 엘리잘드와 그의 캠브리지 학부생들이 BBC에서 방송하기 시작했다. 그 후 재즈는 많은 주요 댄스 오케스트라에서 중요한 요소가 되었고, 재즈 악기 연주자들이 많아졌다. 이 스타일은 1934년에 시작된 Quintette du Hot Club de France와 함께 프랑스에서 본격적으로 시작되었다. 이 프랑스 재즈의 대부분은 아프리카계 미국인 재즈와 프랑스 음악가들이 잘 훈련된 재즈 스타일의 조합이었다. 이 속에서 폴 화이트맨은 그의 스타일 또한 두 사람의 융합이었기 때문에 그 영감을 쉽게 볼 수 있다. 벨기에 기타리스트 장고 라인하르트는 1930년대 아메리칸 스윙, 집시 재즈를 대중화시켰으며, 주요 악기는 스틸 현악기타, 바이올린, 더블 베이스였다. 솔로는 기타와 베이스가 리듬 구간을 형성하면서 한 연주자에서 다른 연주자로 통한다. 일부 평론가들은 에디 랭과 조 베누티가 이 장르의 기타 비올린 파트너십 특성을 개척했다고 믿는다. 전후 재즈. 제2차 세계대전의 발발은 재즈의 전환점이 되었다. 이전 10년 동안의 스윙 시대의 재즈는 다른 대중음악이 국가의 문화를 대표하는 것으로서 도전해 왔으며, 1940년대 초까지 빅 밴드가 스타일에 성공하는 최정점에 도달했고, 스윙 연기와 빅 밴드가 미군과 함께 유럽으로 투어를 갔으며, 그곳에서도 인기를 얻게 되었다. 그러나, 미국 정부는 빅밴드 형식에 어려움을 겪었다.
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징병제도는 음악가 수를 줄이고, 군대는 쉘락(보통 축음기 레코드를 누르는 데 사용됨)을 필요로 하고, 음반 제작을 제한했으며, 자원의 부족은(전쟁으로) 밴드들이 여행을 통해 순회 공연을 하는 것을 방해했다. 전쟁 때문에 경험이 풍부한 음악가를 빼앗긴 많은 대형 밴드들은 색소폰 연주자 스탠 게츠가 10대 시절 밴드에 입성한 사례처럼 징병 연령 아래의 젊은 연주가들을 영입하기 시작했다. 이것은 딕시랜드식 프리윙 재즈의 전국적인 부활과 동시에 클라리넷 연주자 조지 루이스, 코네티스트 빌 데이비슨, 트롬본 연주자 투르크 머피와 같은 연주자들은 보수적인 재즈 비평가들로부터 빅 밴드보다 더 진정성 있는 것으로 환영받았다. 이러한 것의 주요 인물들은 주로 뉴욕에 기반을 두고 있었으며 피아니스트 테로니우스 몽크와 버드 파월, 드러머 막스 로치와 케니 클라크, 색소폰 연주자 찰리 파커, 트럼펫 주자 디지 길레스피 등이 포함되어 있었다. 이러한 음악적 발전은 비밥으로 알려지게 되었다. 비밥과 그 이후의 재즈 개발은 이전 재즈보다 더 복잡한 패턴과 더 빠른 템포에서 연주되는 더 넓은 음을 특징으로 했다. 클라이브 제임스에 따르면, 비밥은 "재즈가 더 이상 자발적인 기쁨의 소리가 되지 않도록 하기 위해 노력한 전후의 음악적 발전이었다... 미국의 학생들은 일반적으로 전후 재즈의 주창자들이 자신들을 길들인 연예인들보다는 도전적인 예술가로서 내세우기로 결정했다는 데 동의한다." 전쟁의 종말은 "미국에서 재즈 음악의 인기가 하락하기 시작한 시작"과 함께 "그것의 부활"을 의미한다고 미국 학자인 마이클 H.
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버쳇은 밝혔다. 비밥의 부상과 전후의 스윙 시대가 끝나면서 재즈는 대중음악으로서의 방향을 잃었다. 유명한 빅 밴드의 보컬리스트들은 팝 가수로서 마케팅을 하고 공연을 하기 시작했다. 이들은 프랭크 시나트라, 페기 리, 딕 헤임스, 그리고 도리스 데이를 포함했다. 암스트롱이나 엘링턴과 같이 여전히 전쟁 전의 재즈를 연주하고 있는 나이든 뮤지션들은 점차 주변으로 간주되었다. 비밥의 복잡성 증가에 기가 죽었던 가수 빅 조 터너와 색소폰 연주자 루이스 조던과 같은 다른 젊은 연주자들은 리듬과 블루스, 점프 블루스, 그리고 결국 로큰롤의 수익성 있는 노력을 추구했다. 길레스피를 포함한 몇몇 사람들은 비밥 뮤지션들이 좀 더 접근하기 쉽게 하기 위해 복잡하지만 춤출 수 있는 곡들을 작곡했지만 부족했다.. 버쳇은 "전후 재즈의 새로운 방향은 풍부한 비평가들의 호평을 이끌어냈지만 주류 관객들이 대부분 접할 수 없는 학문적 장르로 명성을 발전시키면서 꾸준한 인기 하락세를 보였다"고 말했다. "재즈를 대중적인 관객과 더욱 관련되게 만들려는 탐구는 예술적 온전성을 유지하면서, 전후 재즈 역사에서 지속적이고 널리 퍼져 있는 주제다." 폴 트린카에 따르면, 전후 몇 년 동안 이 장면이 바뀌었다. 비밥. 1940년대 초, 비밥 스타일의 연주자들은 재즈를 춤출 수 있는 대중음악에서 보다 도전적인 "뮤지션의 음악"으로 바꾸기 시작했다.
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가장 영향력 있는 비밥 뮤지션으로는 색소폰 연주자 찰리 파커, 피아니스트 버드 파월과 테로니우스 몽크, 트럼펫 연주자 디지 길레스피와 클리포드 브라운, 드러머 맥스 로치가 있었다. 댄스 음악에서 분리되면서 비밥은 예술적인 형태로 자리 잡았고, 이로 인해 더욱 대중적이고 상업적인 매력이 줄어들었다. 작곡가 군터 슐러는 이렇게 썼다: "1943년에 나는 버드와 다른 위대한 음악가들이 있는 위대한 얼 하인즈 밴드를 들었다. 2년 후 나는 그것이 '밥'이고 모던 재즈의 시작이라고 알게 되었지만, 밴드는 결코 음반을 내지 않았다." 디지 길레스피는 "사람들은 하인스 밴드가 '밥의 시초'라고 말하고 그 음악의 주요 음악가들은 결국 하인스 밴드에 포함된다"고 썼다. 비밥은 춤을 추는 것이 아니라 듣는 것이었기 때문에, 더 빠른 템포를 사용할 수 있었다. 북소리는 좀 더 알기 어렵고 폭발적인 스타일로 바뀌었는데, 그 스타일에서는 스네어와 베이스 드럼이 그루브를 지키는데 이용되었다. 비밥 뮤지션들은 이전에 재즈에서 전형적이지 않았던 여러 개의 장치를 사용했는데, 이는 보다 추상화된 형태의 화음 기반 즉흥 연주에 관여했다. 새로운 형태의 불협화음이 재즈에 도입되었고, 비밥의 화음 진행은 흔히 인기 있는 스윙 시대의 곡조에서 직접 취하여 새롭고 더 복잡한 멜로디와/또는 더 복잡한 조화를 이루며 재사용되었다. 후기 밥은 또한 팝과 쇼곡으로부터의 일탈을 나타내는 확장된 형태를 향해 나아갔다.
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비밥에서의 발전은 종종 찰리 파커가 1942년 초 뉴욕 클라크 먼로의 업타운 하우스에서 "Cherokee"를 공연한 순간으로 거슬러 올라간다. 게르하르트 쿠빅은 비밥에서의 발전이 20세기 서양 고전음악이 아닌 블루스와 아프리카와 관련된 톤의 감성에서 비롯되었다고 가정한다. 파커의 생애에서 재즈는 아프리카의 유산이었으며, 서양의 이음계 화음 범주와 대립하는 건전한 세계인 블루스 시스템의 경험으로 재확인되었다. 비밥 뮤지션들은 다양한 아프리카 음악을 그리기 위한 기초로서 블루스의 강한 중심 톤을 유지하면서 그들의 음악에서 서구식 조화를 제거했다. 새뮤얼 플로이드는 블루스가 비밥의 기반이자 추진력 둘 다였다고 말하는데, 이는 전례 없는 조화로운 다양성과 멜로디적 다양성을 이끌어낸 확장된 화음 구조를 이용한 새로운 조화 개념을 가져왔고, 발전되고 더욱 고도로 동기화된 선형 리듬의 복잡성, 그리고 5도 블루 음이 나오는 멜로디적인 각도를 가져왔다. 이는 중요한 멜로디-음향적 장치로 확립되었고 블루스의 주요 구성과 기능 원리로서 블루스의 재확립을 이뤄냈다. 아프로-쿠바 재즈. 아프로 쿠반 재즈는 라틴 재즈의 초기 형태다. 아프로-쿠반 클래브 기반 리듬과 재즈 하모니와 즉흥 연주 기법을 혼합했다. 아프로 쿠반 재즈는 1940년대 초 마치토 밴드와 그의 아프로 쿠반 음악가 마리오 바우자, 프랭크 그릴로 '마치토'와 함께 뉴욕에서 등장했다.
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1947년 비밥 트럼펫 연주자 디지 길레스피와 타악기 연주자 차노 포조의 협연으로 텀블라도라, 봉고 같은 아프로-쿠반 리듬과 악기를 동해안 재즈계에 들여왔다. '만테카'나 '망고 만귀에'와 같은 쿠바 음악과의 초기 재즈 조합은 쿠바 비밥의 경우 흔히 '쿠밥'이라고 불렸다. 딕시랜드. 1940년대 후반, 딕시랜드의 부활이 있었고, 대척점적인 뉴올리언스 양식을 되뇌었다. 이것은 1930년대의 올리버, 모튼, 암스트롱 밴드에 의한 재즈 클래식 음반회사의 재발행에 의해 상당 부분 추진되었다. 부흥에는 두 가지 종류의 음악가가 관여되어 있었는데, 첫 번째 그룹은 전통 스타일로 연주하기 시작한 사람들이었고, 밥 크로스비의 밥캣츠, 맥스 카민스키, 에디 콘돈, 와일드 빌 데이비슨과 같이 그 음악가로 계속하고 있는 사람들로 구성되어 있었다. 뉴올리언스 음악가들이 소수 참여했음에도 불구하고 이들 연주자의 대부분은 원래 중서부 출신이었다. 두 번째 부흥파 그룹은 루 워터스 밴드, 콘래드 재니스, 워드 킴볼과 그의 파이어하우스 파이브 플러스 투 재즈 밴드 등 젊은 음악가들로 구성되었다. 1940년대 후반에 이르러 루이 암스트롱의 올스타즈 밴드가 선두적인 앙상블이 되었다. 1950년대와 1960년대를 거치면서 딕시랜드(Dixieland)는 비록 비평가들은 거의 신경을 쓰지 않았지만 미국, 유럽, 일본에서 상업적으로 가장 인기 있는 재즈 스타일 중 하나였다.
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하드밥. 하드밥(Hard bop)은 특히 색소폰과 피아노 연주에서 블루스, 리듬, 블루스, 가스펠의 영향을 통합한 비밥(또는 "bop") 음악의 연장선이다. 하드밥은 1953년과 1954년에 결합하여 1950년대 중반에 집중적으로 개발되었다. 그것은 부분적으로 1950년대 초의 쿨 재즈의 유행에 대응하여 발전했고 리듬과 블루스의 상승과 병행했다. 마일즈 데이비스가 1954년 제1회 뉴포트 재즈 페스티벌에서 공연한 "Walkin"은 재즈계에 이러한 스타일을 알렸다. 블레이키가 이끌며 피아니스트 호레이스 실버와 트럼펫 주자 클리퍼드 브라운을 주인공으로 한 5인조 아트 블레이키와 재즈 메신저는 데이비스와 함께 하드밥 운동의 리더였다. 모달재즈. 모달 재즈는 1950년대 후반에 시작된 발전으로 음악적 구조와 즉흥 연주에 기초하여 이러한 음악적 모드 스케일을 취한다. 이전에는 솔로라는 것이 주어진 화음 진행에 맞도록 되어 있었지만, 모달 재즈로 솔로 연주자는 하나의 (또는 소수의) 모드를 이용하여 멜로디를 만들어 낸다. 이에 대해 피아니스트 마크 레빈(Mark Levine)은 "역사적으로 이것은 재즈 뮤지션들 사이에서 수직적 사고에서 벗어나 보다 수평적 접근으로 지축을 이동시켰다"고 설명했다. 모달 재즈는 조지 러셀의 작품에서 유래한다. 마일즈 데이비스는 역사상 가장 잘 팔린 재즈 앨범 Kind of Blue(1959년)로 이 개념을 더 위대한 재즈 세계에 소개했다.
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하드밥과 복잡한 화음 진행과 즉흥연주를 한 데이비스의 초기 작품과는 대조적으로, Kind of Blue는 음악가들에게 그들의 즉흥연주와 스타일이 주어진 일련의 스케치들로 구성되었다. 데이비스는 "나는 Kind of Blue의 음악을 작곡한 것이 아니라 자발성을 많이 원했기 때문에 모든 사람들이 연주해야 할 것에 대한 스케치를 가져왔다"고 회상했다. 이 트랙 "So What"은 D-7과 E♭-7의 두 개의 코드만 가지고 있다. 이 스타일의 다른 혁신가들로는 재키 맥클린과 Kind of Blue에서도 연주했던 두 명의 음악가: 존 콜트레인과 빌 에반스가 있다. 프리재즈. 프리 재즈, 그리고 아방가르드 재즈의 관련 형태는 인도, 아프리카, 아라비아의 다양한 세계 음악이 강렬하고 종교적으로 황홀한 오르가즘적인 연주 스타일로 융합되었다. 비밥에서 느슨하게 영감을 받은 반면, 자유로운 재즈 선율은 플레이어들에게 훨씬 더 많은 의도를 주었다. 초기 느슨한 조화와 템포는 이 접근법이 처음 개발되었을 때 논쟁의 여지가 있는 것으로 여겨졌다. 베이시스트 찰스 밍구스는 그의 작곡은 무수한 스타일과 장르를 사용하지만 재즈에서 아방가르드와도 자주 연관되어 있다. 첫 번째 주요 곡들은 1950년대에 오넷 콜먼의 초기 작업과 함께 왔다. 집단 즉흥연주라는 용어를 만들었고 1960년대에는 앨버트 아일러, 가토 바비에리, 칼라 블리, 돈 체리, 래리 코릴, 존 콜트레인, 빌 딕슨, 지미 지머프레, 스티브 레이시, 마이클 맨틀러, 선 라, 로즈웰 러드, 파로아 샌더스, 존 틱차이가 있다.
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1965년 상반기 클래식 4중주단과 함께한 일련의 녹음에서는 콜트레인의 연주 내용이 점점 추상적으로 되어가는 것을 보여주며 스튜디오에서 그는 테너 색소폰에 집중하기 위해 소프라노를 거의 포기했다. 게다가 4중주단은 지도자에게 점점 더 많은 자유를 추구했다. 이 그룹의 진화는 The John Coltrane Quarty Plays, Living Space and Transition (양쪽 1965년 6월), Newport의 New Thing (1965년 7월), Sun Ship (1965년 8월), First Medcempt (1965년 9월)의 기록을 통해 추적할 수 있다. 콜트레인을 비롯한 10명의 뮤지션들은 1965년 6월 콜트레인은 물론 젊은 아방가르드 음악가들의 모험적인 솔로를 담은 40분 길이의 휴식 없는 곡인 어센션(Ascension)을 녹음했으며, 주로 솔로들을 분리시킨 집단 즉흥연주 코너로 유명하다. 데이브 리브만은 나중에 그것을 "자유로운 재즈 사물을 비추는 것"이라고 불렀다. 이후 몇 달 동안 이 4중주단과 함께 녹음한 콜트레인은 1965년 9월 파로아 샌더스를 초청해 밴드에 합류시켰다. 라틴재즈. 재즈에는 라틴 아메리카의 리듬을 차용하는 재즈가 있다. 더 정확한 용어는 아프리카에서 직접적인 것을 가지고 있거나 다른 재즈에서 흔히 듣는 것 이상의 아프리카 리듬의 영향을 보여주는 재즈 하위 장르인 아프리카-라틴 재즈일 수 있다. 라틴 재즈의 두 가지 주요 카테고리는 아프로 쿠반 재즈와 브라질 재즈다.
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1960년대와 1970년대에는 많은 재즈 뮤지션들이 쿠바와 브라질 음악에 대한 기본적인 이해만 있었을 뿐, 쿠바나 브라질의 요소를 사용한 재즈 작곡은 종종 "라틴 튜닝"이라고 불리며 쿠바의 손 몬투노와 브라질의 보사노바를 구분하지 않았다. 2000년 늦은 시간에도 마크 그리들리의 재즈 스타일에서는: 보사노바 베이스 라인은 "라틴 베이스 특징"이라고도 불린다. 드럼 세트와 베이스가 브라질 보사노바 패턴을 연주하는 동안, 텀바오를 연주하는 것을 들은 것은 1960년대와 1970년대에 드문 일이 아니었다. "Manteca", "On Green Dolphin Street" "Song for My Father" 등 재즈 곡에서 이러한 것을 볼 수 있다. 종교음악에서의 재즈. 재즈는 찬송가를 포함한 아프리카계 미국 종교적인 음악의 시작부터 통합되어 왔다. 세속적인 재즈 뮤지션들은 종종 그들의 레퍼토리의 일부로 찬송가를 연주하거나 듀크 엘링턴의 "블랙 앤 베이지 스위트"의 일부인 "Come Sunday"와 같은 곡을 공연했고 후에 많은 다른 재즈 아티스트들이 블랙 가스펠 음악에서 빌렸다. 그러나 소수의 재즈 음악가들이 종교적인 배경이나 종교적 표현으로 의도된 작품을 작곡하고 공연하기 시작한 것은 제2차 세계대전 이후부터였다. 1950년대 이후 많은 저명한 재즈 작곡가와 음악가들에 공연되고 녹음되었다. 퓨전재즈. 1960년대 후반과 1970년대 초에는 재즈의 즉흥 연주와 록 리듬, 전자 악기를 결합하여 재즈 록 퓨전이라는 하이브리드 형태가 개발되었고, 지미 헨드릭스, 프랭크 자파 등 록 뮤지션들의 무대 사운드를 결합하였다.
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재즈 퓨전에서는 종종 싱코페이션, 복잡한 화음, 하모니를 사용한다. 마일즈 데이비스의 새로운 시도. 1969년 데이비스는 자신의 첫 퓨전 앨범으로 여겨질 수 있는 In a Silent Way로 재즈에 대한 전자 악기 접근법을 완전히 수용했다. 프로듀서 테오 마케로가 크게 프로듀싱한 이 조용하고 정적인 앨범은 주변 음악의 발전에 똑같이 영향을 줬던 것이다. 웨더 리포트. 사이키델릭한 웨더리포트의 데뷔 앨범은 1971년 이 그룹의 멤버들(타악기 연주자 에어토 모레라 포함)의 시작과 음악에 대한 비정통적인 접근 덕분에 재즈계에 큰 반향을 일으켰다. 이 앨범은 후년의 경우보다 부드러운 사운드를 선보였지만 여전히 초기 퓨전의 고전으로 꼽힌다. 그것은 지속적인 리듬과 움직임을 위해 기존의 구성을 피하는 것을 포함하여 음악을 더욱 발전시켰다. 그룹의 표준에 대한 거부감을 강조하며 그해 올해의 앨범상을 수여했다. 재즈락. 비록 몇몇 재즈 애호가들이 재즈와 록의 혼합에 대해 항의했지만, 많은 재즈 혁신자들은 현대 하드 밥 장면에서 퓨전 장면으로 넘어왔다. 록(일렉트릭 기타, 일렉트릭 베이스, 일렉트릭 피아노, 신디사이저 키보드 등)의 전기 악기뿐만 아니라, 퓨전 또한 1970년대 록 밴드들이 사용했던 강력한 오버드라이브, 퍼즈, 와우 이펙터기 효과들을 사용하였다.
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재즈 융합의 주목할 만한 연주자로는 마일즈 데이비스, 에디 해리스, 키보드 연주자 조 자위눌, 칙 코레아, 허비 핸콕, 게리 버튼, 토니 윌리엄스, 장 루크 폰티, 래리 코릴, 알 디 메올라, 존 맥러플린 등이 있다. 재즈 퓨전은 일본에서도 인기가 있었는데, 그 곳에서 밴드 카시오페아는 30장이 넘는 퓨전 앨범을 발매했다. 재즈펑크. 1970년대 중반까지 재즈 펑크라고 알려진 사운드가 발달하여 강한 백비트, 진보된 사운드와 종종 신디사이저가 등장하였다. 재즈 펑크는 또한 전통적인 아프리카 음악, 아프로-쿠바 리듬, 자메이카 레게의 영향을 받고, 특히 킹스턴 밴드의 리더 소니 브래드쇼의 영향을 받는다. 또 다른 특징은 즉흥적인 것에서 구성으로 강조의 전환이다. 편곡, 멜로디, 전반적인 워딩이 중요해졌다. 펑크, 소울, R&B 음악이 재즈에 접목되면서 스펙트럼이 넓고 강한 재즈 즉흥극부터 소울, 재즈 편곡, 재즈 리프와 재즈 솔로, 때로는 소울 보컬까지 다양한 펑크나 디스코 장르가 탄생했다. 초기 예로는 허비 핸콕의 헤드헌터 밴드와 마일즈 데이비스의 On the Corner 앨범이 있는데, 1972년 데이비스는 재즈 펑크에 뛰어들기 시작했고, 록과 펑크를 위한 재즈를 대부분 포기했던 젊은 흑인 관객들과 다시 연결하려는 시도였다고 주장했다. 사용되는 악기들의 시간대에 눈에 띄는 락이나 펑크의 영향이 있었다.
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이 앨범은 데이비스와 프로듀서 테오 마케로가 1960년대 후반부터 탐구하기 시작한 일종의 음악 접근법의 정점이었다. 1980년대 전통주의. 1980년대는 1970년대를 지배했던 퓨전 재즈와 프리 재즈에 대한 반작용을 보았다. 트럼펫터 윈튼 마르살리스는 10년 초 등장했고, 퓨전 재즈와 프리 재즈를 모두 거부하고 루이 암스트롱과 듀크 엘링턴 같은 예술가들이 처음 개척한 작고 큰 형태의 확장을 창조하면서 전통이라고 믿는 범위 내에서 음악을 창조하기 위해 노력했다. 마르살리스의 상업적인 성공이 퓨전 및 프리 재즈에 대한 반응과 1960년대에 개척된 재즈(특히 모달 재즈와 포스트 밥)에 대한 관심의 부활의 원인인지 아닌지는 논란의 여지가 있다. 그럼에도 불구하고, 비록 퓨전이라 할지라도 전통주의의 부활의 다른 많은 징후들이 있었다. 그리고 프리 재즈는 결코 버려지지 않았고 계속해서 발전하고 진화했다. 예를 들어 1970년대 퓨전 장르에서 두각을 나타냈던 몇몇 뮤지션들이 칙 코레아, 허비 핸콕 등 어쿠스틱 재즈를 한 번 더 하기 시작했다. 지난 10년 동안 전자 악기를 실험했던 다른 음악가들, 예를 들어 빌 에반스, 조 헨더슨, 스탠 게츠 등이 1980년대까지 전자 악기를 버렸다. 1980년대 마일즈 데이비스의 음악조차도 확실히 융합을 이루기는 했지만, 1970년대 중반의 그의 추상적인 작품보다 훨씬 더 접근하기 쉽고 인식적인 접근법을 채택했다. 나이든 기성 음악가 그룹들에서 공연하기 시작한 젊은 재즈 인재의 등장은 재즈계에서 전통주의가 부활하는 데 더 큰 영향을 미쳤다.
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1970년대에 베티 카터, 아트 블레이키, 재즈 메신저 등의 그룹은 퓨전이나 재즈 록의 한복판에서 보수적인 재즈 접근방식을 유지했고, 그들의 행동을 예측하는 데 어려움을 겪으면서, 하드밥이나 비밥과 같은 전통 스타일을 진정성 있게 연주할 젊은 세대들을 찾으려고 애썼다. 그러다 1970년대 후반에 블레이키의 밴드에서 젊은 재즈 연주자들의 부활이 일어나기 시작했다. 이 운동에는 발레리 포노마레프와 바비 왓슨, 데니스 어윈, 제임스 윌리엄스 등의 음악가들이 참여했다. 렌스 블랜차드는 재능 있는 재즈 뮤지션으로 떠올랐고, 이들은 모두 1990년대와 2000년대에 상당한 공헌을 했다. 스무스재즈. 1980년대 초, "팝 퓨전" 또는 "스무스 재즈"라는 상업적인 형태의 재즈 퓨전이 성공하여 미국 전역의 도시 시장에 있는 라디오 방송국의 황금 시간대에 라디오를 통해 상당한 홍보를 할 수 있게 되었다. 이는 알 자루, 아니타 베이커, 차카 칸, 사데를 포함한 성악가들의 경력을 확립하거나 강화하는데 도움이 되었다. 그로버 워싱턴 주니어, 케니 G, 커크 웰럼, 보니 제임스, 데이비드 산본 등 색소폰 연주자로 활동하고 있으며 일반적으로 스무스 재즈는 다운템포(분당 90~105박자가 가장 많이 연주되는 곡)이며 리드 멜로디 연주 악기(특히 일렉트릭 기타가 인기)가 있다. 애시드재즈, 누재즈, 재즈랩. 애시드 재즈는 1980년대와 1990년대에 영국에서 재즈 펑크와 일렉트로닉 댄스 음악의 영향을 받아 발전했다.
재즈

애시드 재즈는 종종 다양한 종류의 구성(때로는 샘플링이나 DJ의 커팅과 스크래치를 포함한다)을 포함하고 있다. 리처드 S. 올뮤직의 지넬은 로이 에이어스를 "애시드 재즈의 예언자 중 한 명"이라고 생각한다. 누 재즈는 재즈 조화와 멜로디의 영향을 받으며, 대개 즉흥적인 측면이 없다. 그것은 본질적으로 매우 실험적일 수 있고 소리와 개념에 따라 크게 다를 수 있다. 라이브 계측기와 재즈 하우스의 비트를 결합한 것부터 전자적 요소가 가미된 밴드 기반의 즉흥 재즈(예: Bugge Weseltoft, Jaga Jazzist, Nils Petter) 스타일까지 다양하다. 재즈 랩은 1980년대 후반과 1990년대 초반에 발달하여 재즈적 영향력을 힙합에 접목시켰다. 재즈 랩은 거의 주류를 이루지는 못했지만, 마일즈 데이비스의 마지막 앨범 Doo-Bop(1992년 사후에 발매)은 힙합 비트와 프로듀서 이지 모비와의 협업을 바탕으로 만들어졌다. 데이비스의 전 밴드 동료 허비 핸콕도 1990년대 중반 힙합 영향을 흡수해 1994년 음반 Dis Is Da Drum을 발매했다. 펑크재즈, 재즈코어. 런던과 뉴욕시의 포스트 펑크와 동시에 일어난 정통성의 이완은 재즈에 대한 새로운 감상으로 이어졌다. 런던에서 팝 그룹은 그들의 펑크 록에 프리 재즈와 더블 레게를 섞기 시작했다. 존 조른은 펑크 록에서 유행하고 있는 속도와 불협화음에 중점을 두고, Spy vs. Spy의 발매와 함께 이것을 프리 재즈에 접목시켰다.
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1986년, 소니 샤르록, 피터 브뢰츠만, 빌 라스웰, 로널드 섀넌 잭슨은 래스트 엑스포트라는 이름으로 첫 앨범을 녹음했는데, 이는 thrash와 프리 재즈의 유사하게 공격적인 혼합이다. 이러한 발전은 재즈코어의 기원이며, 프리 재즈를 하드코어 펑크와 융합한 것이다. M-Base. M 베이스 운동은 1980년대에 스티브 콜먼, 그렉 오스비, 게리 토마스 등 뉴욕의 젊은 흑인 음악가들의 복잡하지만 느슨한 그루브를 개발하면서 시작되었다. 1990년대에는 대부분의 M-Base 참여자들이 더 전통적인 음악으로 눈을 돌렸지만, 가장 활발한 참여자인 콜먼은 M-Base 개념에 따라 자신의 음악을 계속 발전시켰다. 뉴욕타임스(NYT)의 비제이 아이버(Vijay Iver)와 비평가 벤 라틀리프(Ben Ratliff)에 따르면 콜먼의 관객은 줄었지만 그의 음악과 콘셉트는 많은 음악가들에게 영향을 주었다. M-Base 개념은 찰리 파커, 존 콜트레인, 오넷 콜맨에 이어 "다음 재즈의 단계"로 인정받았다. 1990년대 ~ 현재. 1990년대 이후 재즈는 다원주의로 특징지어졌고, 다양한 스타일과 장르로 인기가 있다. 개인 연주자들은 종종 다양한 스타일로, 때로는 같은 공연으로 연주한다. 피아니스트 브래드 멜다우와 더 배드 플러스는 록 뮤지션들의 기악 재즈 버전을 녹음하면서 전통적인 재즈 어쿠스틱 피아노 트리오의 맥락 안에서 현대 록 음악을 탐구해왔다. 배드 플러스는 또한 자유 재즈의 요소들을 그들의 음악에 포함시켰다.
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색소폰 연주자 그레그 오스비, 찰스 게일 등 일부 연주자에 의해 확고한 아방가르드 또는 프리 재즈가 유지되고 있는 반면 제임스 카터 등 다른 연주자는 프리 재즈 요소를 보다 전통적인 틀에 편입시켰다. 해리 코닉 주니어는 10살 때 처음으로 녹음한 것을 시작으로 스트레이드 피아노와 그의 고향인 뉴올리언스의 딕시랜드 재즈를 연주하기 시작했다. 그의 초기 수업 중 일부는 피아니스트 엘리스 마르살리스의 집에서였다. 코너릭은 200만 부 이상이 팔린 영화 'When Harry Met Sally'에 사운드 트랙을 녹음한 후 팝 차트에서 성공을 거두었다. 다이애나 크롤, 노라 존스, 카산드라 윌슨, 커트 엘링, 제이미 컬럼에 의해서도 크로스오버 성공이 이루어졌다. 피아니스트 제이슨 모란과 비제이 아이어, 기타리스트 커트 로젠윈켈, 비브라포니스트 해리스, 트럼펫 연주자 로이 하그로브와 테렌스 블랜차드, 색소폰 연주자 크리스 포터와 조슈아 레드만, 클라리넷 연주자 켄 페플로우스키, 클라리넷 연주자 켄 페플로스키 등이 1990년대부터 다수 등장했다. 재즈 록 퓨전은 1970년대에 인기 절정에 달했지만 1990년대와 2000년대에는 전자 악기와 록에서 파생된 음악적 요소를 재즈에 사용하는 것이 계속되었다. 이 접근법을 사용하는 음악가들은 팻 메테니, 존 아베크롬비, 존 스코필드 등을 포함한다. 90년대 초반부터 전자음악은 대중화되고 장르에 대한 새로운 가능성을 창출하는 중요한 기술적 향상을 가지게 되었다.
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즉흥 연주, 복잡한 리듬, 조화로운 질감과 같은 재즈 요소들이 장르에 도입되어 결과적으로 새로운 청취자들에게 큰 영향을 미쳤으며 어떤 면에서는 전통주의자들이 리얼 재즈라고 부르는 것(bebop, cool, modal jazz)과 반드시 관련이 없는 새로운 세대에 대한 재즈의 다재다능성을 유지시켰다. 스퀘어퍼, 아펙스 트윈, 플라잉 로터스 같은 아티스트와 EDM, 드럼 앤 베이스, 정글, 테크노 같은 하위 장르들은 결국 이러한 요소들을 많이 통합하게 되었다. 스퀘어퍼는 재즈 연주자 드러머 마크 길리아나와 피아니스트 브래드 멜다우에게 하나의 큰 영향력으로 지목되어 재즈와 전자음악의 상관관계를 보여준다. 2010년대 중반에는 R&B, 힙합, 대중음악이 재즈에 미치는 영향력이 점점 더 커졌다. 2015년 켄드릭 라마는 그의 세 번째 스튜디오 앨범인 "To Pimp a Butterfly"를 발매했다. 이 앨범에는 썬더캣과 같은 쟁쟁한 컨템포러리 재즈 아티스트들이 대거 참여했으며 단순한 샘플링보다는 즉흥성과 라이브 솔로곡에 더 큰 중점을 두고 재즈 랩을 재정립했다. 같은 해에 색소폰 연주자 카마시 워싱턴은 거의 3시간 가까이 분량의 긴 데뷔작 '더 에픽'을 발표했다. 그것의 힙합에 영감을 받은 비트와 R&B 보컬은 재즈를 연관시키는 데 있어 혁신적이라는 평론가들로부터 찬사를 받았을 뿐만 아니라 인터넷에서 재즈의 작은 부활을 촉발시켰다.
UCI 프로투어

UCI 프로투어 (UCI ProTour)는 국제 사이클 연맹(UCI) 감독 하에서 벌어지는 경기이다. UCI이 전임 회장인 하인 베르브루겐(Hein Verbruggen)이 만들었다. 프로투어는 일련의 도로 자전거 경기와 많은 'ProTour' 사이클 팀으로 구성된다. 각 팀은 모든 경기에 참가해야 한다. 이런 체계는 2005년에 새로 만들어졌으며, 대체로 2004년을 끝으로 없어진 UCI 월드컵을 대신한다. 프로투어는 세 개의 그랜드 투어(투르 드 프랑스, 지로 디탈리아, 벨타 아 에스파냐)를 포함한다. 또한 이전 UCI 월드컵 경기들을 대부분 포함한다. 예를 들면 파리-루베, Tour of Flanders, Liege Bastogne-Liege 등이다. 프로투어 라이선스는 20개 팀에 주어진다. 각 팀의 스폰서는 4년간의 후원 계약을 체결해야만 한다. Phonak 팀은 예외인데, 과거 도핑 사건으로 인해서 2년의 라이선스만 주어졌다. 2005년 이후에는 Fassa Bortolo 팀이 없어지고, AG2R Prévoyance이 대신 그 자리를 차지했다. 역사. 프로 도로 경기에서 시즌 경쟁은 1948년에 처음 만들어졌으며, UCI가 UCI 월드컵(2004년까지 존재)을 만들었던 1980년대 후반까지 계속됐다. 프로투어는 포뮬러 원 자동차 경주의 형식을 본따왔으며, 월드컵을 대체하고, 다음과 같은 몇 가지 문제를 해결하려고 하였다. UCI는 그랜드 투어의 조직위에 ProTour에 참여하도록 로비하였고, 이전에 동의하지 않고 ProTour에서 완전히 빠지겠다는 위협에도 불구하고 동의를 얻어내는데 성공하였다. 프로투어는 아래 등급인 UCI Continental Circuits와의 적절한 승강제가 이루어지지 않은 데 대한 비판이 존재한다. 2006년 프로투어 일정.
UCI 프로투어

원래, UCI와 그랜드 투어의 조직위는 2006년 UCI 프로투어의 계약에 합의하지 못하였다. 그 결과 그랜드 투어 조직위가 주최하는 그랜드 투어와 다른 경기들이 불명확한 상태가 되었다. 최종적인 합의는 4월 7일에 이루어졌다. 경기의 목록에 대해서는 2006년 UCI 프로투어를 참조해라.
YAML

YAML은 XML, C, 파이썬, 펄, RFC2822에서 정의된 e-mail 양식에서 개념을 얻어 만들어진 '사람이 쉽게 읽을 수 있는' 데이터 직렬화 양식이다. 2001년에 클라크 에반스가 고안했고, Ingy dot Net 및 Oren Ben-Kiki와 함께 디자인했다. YAML이라는 이름은 "YAML은 마크업 언어가 아니다 (YAML Ain't Markup Language)” 라는 재귀적인 이름에서 유래되었다. 원래 YAML의 뜻은 “또 다른 마크업 언어 (Yet Another Markup Language)”였으나, YAML의 핵심은 문서 마크업이 아닌 데이터 중심에 있다는 것을 보여주기 위해 이름을 바꾸었다. 오늘날 XML과 JSON이 데이터 직렬화에 주로 쓰이기 시작하면서, 많은 사람들이 YAML을 '가벼운 마크업 언어'로 사용하려 하고 있다. 요소. YAML은 모든 데이터를 리스트, 해쉬, 스칼라 데이터의 조합으로 적절히 표현할 수 있다는 믿음을 가지고 만들어졌다. 문법은 상대적으로 이해하기 쉽고, 가독성이 좋도록 디자인되었으며, 고급 컴퓨터 언어에 적합하다. 또한 들여쓰기 및 XML의 특수기호를 사용하기 때문에, XML과 거의 비슷하다. YAML은 공백과 스칼라 값을 가지고 있는 리스트 구분자를 위해 쉼표와 콜론이 필요하다. 미래의 표준화를 위해 YAML에서는 @, 엑센트 기호 ‘ 2개의 기호 문자를 예약해두고 있다. 예제. 리스트. --- # Favorite movies, block format - Casablanca - Spellbound - Notorious --- # Shopping list, inline format [Casablanca, Spellbound, Notorious] 해시. --- # Block name: John Smith age: 33 --- # Inline Block Literals. Newlines preserved. There was a young fellow of Warwick Who had reason for feeling euphoric For he could, by election Have triune erection Ionic, Corinthian, and Doric 11 Newlines folded. Wrapped text will be folded into a single paragraph Blank lines denote paragraph breaks 해시의 리스트. - name: Mary Smith age: 27 리스트의 해시.
YAML

men: [John Smith, Bill Jones] women: - Mary Smith - Susan Williams 구현. 다음 언어에서 YAML을 이용할 수 있다: 따로 볼 것들. 다른 단순화된 마크업 언어들이 있다:
비스툴라 석호

비스툴라 석호(, , )는 비스툴라곶에 의해 그단스크만에서 분리되어 있는 발트해의 만이다. 비스와강(비스툴라강)의 지류가 이곳이 발원지이고 특히 노가트강과 프레골랴강이 그단스크만과 발티스크 해협을 연결한다. 비스툴라 석호는 정치적으로는 1945년 이후 폴란드와 소련(1991년 이후부터는 러시아 연방)사이에 위치해 있다. 1919년까지는 프로이센과 독일 제국이 영유하였다가, 1919년부터 1939년 사이에는 독일과 단치히 자유시가 분할 영유하였다. 주변의 도시로는 칼리닌그라드주 발티스크와 프리모르스크, 폴란드의 프롬보르크가 있다. 폴란드의 엘블롱크(Elbląg)는 이 호수를 교통로로 이용하지만, 국경 상황에 따라서 이곳을 이용하는 경우가 줄어들었다. 칼리닌그라드와 발티스크에게 이 석호에 위치한 중요한 항구이다.
도시통근형 디젤 액압 동차

도시통근형 디젤 액압 동차(都市通勤形 Diesel液壓動車), )는 비둘기호, 통일호 퇴역을 대비하여 1996년부터 도입된 디젤 동력분산식 열차이다. 도입 당시 ‘통일호’로 운행했으나, 2023년 12월 18일까지 통근열차로 운행했었다. 도입 당시 도색은 한국철도 CI, 한국철도 100주년을 기념한 백제왕관, 돌고래, 꽃동산 등 다양하였으나 퇴역 전에는 경북나드리열차, 바다열차, 평화열차를 제외한 전 차량이 한국철도공사 CI 도색으로 변경되었다. 도입. 1996년 4월 17일부터 주중 출퇴근시간대 동서통근열차로 운행을 시작하여 군산선, 진해선, 경의선, 경원선 운행을 시작으로 통일호로 승격된 과정에서 도입되었다. 초기형 가운데 1997년 4월 도입 당시 MC차량은 1량당 8억 900만원에 75량, M차량은 1량당 8억 3900만원에 100량을 대우중공업에서 제작해 도입하였고, 1998년 12월에는 MC차량을 1량당 9억 3404만원에 4량, M차량을 1량당 1억 6892만원에 2량을 도입하였다. 성능 및 설비. 엔진은 미국 커민스 사의 NTA855R1 디젤엔진을 동력차에 2기, 동력제어차에는 1기를 장착하고 있으며, 호이트(Voith)의 액체식 자동변속기를 사용하고 있다. 동력제어차에는 추가로 객실 전원(APU)용 NTA855R5엔진(251마력)을 탑재하고 있다.
도시통근형 디젤 액압 동차

기본적으로 엔진 부문에서는 높은 평가를 받고 있으나 기존 NDC와 니가타 디젤 동차에서 비롯되는 프레스형 대차와 구형 자동공기제동을 그대로 적용했기 때문에 전체적인 차량 중량 증가와 낮은 제동응답성, 그리고 급구배 구간의 경우 상구배 진행시(엔진 모두 살아있는 경우)큰 무리없이 운용은 가능하나 만약 전체 동력의 절반이상이 꺼진 경우 상당한 공전이 발생하며, 하구배 진행시 엔진 브레이크나 기타 보조 브레이크 없이 순수 공기제동만 사용하기엔 큰 무리가 따르기 때문에 중앙, 태백선 같은 급구배가 연속적으로 많은 구간에는 운용이 어렵다. 1996년에 도입된 1차 분량에서는 고정식 크로스시트 및 롱시트를 채용하였으나 이후 등받이를 앞뒤로 넘겨 전환이 가능한 전환식 크로스시트로 변경되었으며 처음 적용된 장애인 승하차 시설이 설치되어 있었고 이후 철거되었으나 무궁화호로 개조되는 열차에 한정하여 다시 장애인 승하차 시설을 설치하였다. Mcl차 65량과 M차 66량을 합쳐 모두 131량이 제작 되었다. 화장실 및 간이 세면대 설비는 전두부 동력제어차(Mcl)에만 1개소가 있으며 중간 동력차(M)에는 없다. 관광전용열차. 바다열차 (운행 종료). 2007년 7월 25일부터 3량 1편성을 바다열차로 개조해 삼척해변역 - 강릉역 구간에 투입해 왕복 6회로 운행하고 있다. 기존 차체에서 측면 두개 출입문 중 양쪽 한개를 폐쇄하고 객실 창문을 대형화하였으며 진동, 소음이 보강되었다.
도시통근형 디젤 액압 동차

2013년 8월 25일까지 운행한 바다열차는 1호차 특실/프로포즈룸, 2호차 특실/휴게실, 3호차 일반실/스넥카로 편성되었고 좌석이 모두 바다 방향으로 향해 있다. 승차권은 코레일관광개발에서 승차권 발매가 가능하며 새마을호등급으로 운행되고 있다. 차량 보수를 위해 2013년 8월 26일부터 2014년 1월 3일까지 운행이 중단되었고 2014년 1월 4일부터 1/2호차 특실/프로포즈룸, 3호차 가족/이벤트실, 4호차는 일반/포토존으로 편성되어 4량 편성으로 운행하고 있다. 하지만 2023년 9월 11일부터 2023년 12월 25일까지 운행하였다. 경북나드리열차 (운행 종료). 2009년 12월 1일부터 2021년 12월 31일까지 무궁화호 개조 디젤 동차 1편성을 경북나드리열차로 활용하여 동대구역을 기점으로 운행한다. 오전에는 경부선 ~ 경북선 ~ 중앙선 ~ 대구선 순으로, 오후에는 역순으로 운행하며 매주 수요일은 영덕/포항편 상품을 운영함에 따라 동해선 포항역으로 운행된다. 내부는 2호차 일부를 와인카페로 운영하고 3호차에 경상북도 지역 특산품 전시코너 및 노래반주시설, 이벤트석, 4호차 세미나실 등 약간의 개조가 이루어졌다. 이 열차는 바다열차와 달리 통상적인 여객승차권 발매가 가능하며, 운행 초기에는 동대구역 → 영주역 → 동대구역 이렇게 2장의 승차권을 구입해야 하는 불편함이 있었으나 현재는 열차 시각 조정과 '관광열차' 예약 방식으로 해결되었다. DMZ Train (운행 종료).
도시통근형 디젤 액압 동차

2014년 5월부터 2021년 12월 31일까지 기존 열차의 3량 1편성 2세트를 DMZ Train으로 개조해 용산역 ~ 도라산역구간에 운행한다. 새마을호 특실 등급을 적용하며 통상적인 여객승차권 발권도 가능하다. 북쪽의 선두차에는 '철마는 달리고 싶다'로 상징한 장단역의 녹슨 증기기관차, 중간차와 남쪽의 선두차는 평화를 상징하는 빨강과 파랑 옷을 입은 동서양 남녀노소가 손을 맞잡은 모습을 디자인하였다. 도라산역으로 발매 시 편도 발매가 불가능하며 민간인출입통제구역을 거치기 때문에 신분증을 지참해야 한다. 무궁화호 개조형 디젤 액압 동차. 무궁화호 동차급 성능에 완행 운임의 일반 통근열차. 2004년 4월 1일 KTX 개통 이후 통일호 객차가 퇴역함에 따라 운행구간은 단축되었다. CDC는 NDC와 거의 동일한 성능을 지니고 있었음에도 통근·완행급 열차 운행 계통을 편성되어 NDC에 비해 낮은 운임을 받아, 비효율성을 야기시켰다. 차량 시범 제작. 이러한 현상을 해소하고자, 한국철도공사에서는 통근형 디젤 동차 일부를 무궁화호로 개조하는 방안을 모색하여, 결국 일부차량의 좌석개조와 여러 편의시설 추가 설치 등을 통하여 무궁화호 차량을 시범 제작, 창원 ~ 진해간 진해 군항제 임시열차로 첫 선을 보였다. 본격적인 정기열차로 투입된 때는 이틀 뒤인 2008년 4월 15일, 대구-마산구간에 첫 개조 차량인 9562-9665-9563 편성이 제1903열차로 첫 운행을 개시하였다.
도시통근형 디젤 액압 동차

이후 성공적인 수익을 거두게 되면서 양산형 차량을 생산하는 데 중요한 밑거름이 되었다. 이 열차의 정식명칭은 '개량형 무궁화호 디젤동차'로, 승차권 예약 화면 등에서는 '무궁화 RDC'(Mugunghwa Refurbished Diesel Car)라고 표기된다. 초기 시제차량 제작에는 세근실업에서 개조 작업을 진행하였고 이 과정에서 한쪽면 두개의 출입문중 한개를 폐쇄하고 창문을 대형화했으며, 엔진에 의한 진동, 방음에 대한 보강이 되어있다. 양산형 차량 출고. 시제 차량 운행을 통해 성공적인 실적을 기록하자, 2008년 말부터 개조 사업자 재선정을 거쳐 선정된 우진산전을 통해 시범형 제작 차량의 문제점을 보완한 양산형 차량을 제작하기 시작하여 첫 편성으로 9011-9111-9112-9012편성이 용산차량사업소에서 출고되어 기존의 시제차량를 대차하여 운행에 들어갔다. 2009년 2월까지 MC차량 20량, M차량 20량을 각각 개조하여 1차적으로 총 40량의 개조 동차가 출고되었으며, 한편 기존의 시제차 3량은 차번 개정으로 신규 1량을 편성에 추가하여 양산형 차량과 동일한 구성의 재개조를 거친 뒤 9029-9129-9130-9030편성으로 변경되었다. 이어 수도권 전철 경의선의 개통으로 기존의 도시통근형 디젤 액압 동차 차량이 대거 운행에서 제외된 이후부터는 개조 사업자를 다시 선정하여 2차 개조사업을 진행하였다. 내부 구성. 좌석 칸. 2003년 대구 도시철도 1호선 중앙로역 화재 사건 이후 내부 마감재를 난연재에서 불연재로 교체하는 사업이 맞물리면서, 무궁화호 개조 대상 차량도 내부 마감재를 모두 불연재로 교체하였다.
도시통근형 디젤 액압 동차

또한 차량 좌석칸에는 새로 제작한 시트나 과거 KTX, 새마을호, 무궁화호(2003년 이전)에서 사용하던 좌석이 다양하게 재활용되어 배치되어 있고, 객차 양 끝쪽 좌석에는 노트북 테이블과 콘센트가 각각 설치되어 있으며 양산형 2차분 차량에는 객차 양 끝쪽 상단에 LED 전광판이 설치되었다. 시제형과 양산형 2차분 차량의 조명 방식은 직접 조명방식이고, 양산형 1차분 차량의 조명 방식은 간접 조명방식이다. 1호차에는 휠체어 보관 공간을 갖춘 장애인석 4석이 설치되어 있다. 양산형 차량부터는 일부 운행열차에 한정하여 3호차에 자유석이 추가로 설치되어 있다. 자유석의 시설은 개조 이전의 일반 통근열차 차량과 흡사하게 롱시트 구조를 이루고 있다. 또한 3호차에는 무궁화호 차량으로는 처음으로 4인 동반석이 설치되었으며, 4인 동반석의 운임은 1세트(4인) 당 일반석의 2.5배이다. 자유석의 경우 KTX나 새마을호와는 달리 별도의 승차권을 발매하지 않고, 입석 승차권·정기승차권 등의 소지자가 자유롭게 이용할 수 있었다. 편의 시설. 개조 당시 무궁화호 열차에 카페객차를 설치하는 작업을 진행 중인 상황이었기 때문에 이 열차에도 객차형 무궁화호만큼의 규모는 아니지만 간단한 오락시설, 식음료 자판기를 갖춘 '미니카페'를 각 차량의 2호차에 운영하고 있었다. 다만 무궁화호 승격 개조가 이루어지지 않은 통근열차에는 미니카페가 없고 바다열차에는 스낵바가, 경북관광순환테마열차에는 와인카페가 있었다. 편성. 일반 통근열차.
도시통근형 디젤 액압 동차

2023년 12월 18일에 광주선을 끝으로 운행을 종료했다. 무궁화호 개조열차. 2009년 2월, 수도권 전철 경의선 개통 전까지 양산형 1차분 개조 편성작업이 모두 마무리되었다. 이후 2009년 12월부터 일부 차량을 추가로 개조하였다. 총 96량이 개조되어 있으며, 각 편성마다 Mc1 - M1 - Mc2 또는 Mc1 - M1 - M2 - Mc2 순으로 사실상 이원화 편성하여 운행되고 있었다. 2016년 5월 1일부로 1996년 제작분의 일부 차량의 내구 연한이 만료되었다. 2023년 12월 17일 전 차량이 퇴역하였다. 현황. 현재 모든 차량이 퇴역하였다. 도색. CDC는 도입 당시 다양한 차체 도색을 선보여 많은 사람들의 관심을 불러일으켰다. 도입 당시에는 총 4종류의 도색이 존재하였으며, 한국철도공사 출범 이후 모두 CI 도색을 변경 및 통일하였다. 한편 2007년에는 바다관광열차, 2008년에는 무궁화호 개조 동차, 2009년에는 경북나드리열차, 2014년에는 평화열차가 각각 다른 도색으로 변경되었다.
광업

광업(鑛業, )은 지하 또는 지표 상의 원석, 광맥, 광맥층으로부터 가치있는 광물을 캐고, 고르고 만드는 모든 산업 활동을 말한다. 대한민국 광업법 제4조에는 '광물의 탐광(探鑛) 및 채굴(採掘)과 이에 부속되는 선광(選鑛), 제련(製鍊), 기타의 사업을 말한다.'라고 정의하고 있다. 채굴을 통해 얻어지는 광물에는 보크사이트, 석탄, 철, 귀금속, 납, 석회석, 니켈, 인산염, 암염, 주석, 우라늄, 몰리브덴 등등이 있다. 넓은 의미에서의 광업에는 원유나 천연 가스는 물론이고, 심지어 물의 채취까지도 포함된다. 역사. 고고학상 가장 오래된 광산은 아프리카 에스와티니에 있는 라이언 케이브(Lion Cave)로 알려져 있다. 이 곳은 방사성탄소연대측정법 분석을 통해 약 43,000년 전의 것으로 밝혀졌다. 구석기인들은 이 곳에서 주철이 함유된 적철광을 채굴해 붉은색 황토원료를 만들어 냈다. 비슷한 시기에 네안데르탈인은 헝가리 지역에서 무기와 도구를 생산하기 위한 부싯돌을 채굴하는 광산이 있었다. 또 다른 고대 채굴장으로 시나이반도를 들 수 있다. 이 곳의 고대 이집트인들은 Wady maghareh에서 터키옥을 채굴하기도 했고, 지금의 미국 뉴멕시코주의 세릴로스 광산 지역(Cerillos Mining District)에서도 아메리카 토착민들이 터키옥을 채굴한 역사가 있다. 1627년 슬로바키아 중부의 광업도시인 반스카슈티아브니차()에서는 흑색 화약을 채굴하기 위해 최초로 갱도(坑道)를 이용했다. 독일에서는 세계 최초의 광산학교가 프라이베르크에 세워졌다.
광업

독일의 베르크 아카데미(Bergakademie:광산학교)는 18세기 독일 지역 여러 곳(클라우슈탈-첼러펠트, 베를린 등)에 세워졌다. 이중 프라이베르크와 클라우슈탈-첼러펠트에 있는 것만 현재 계속 남아 있다. 이곳 출신의 많은 엔지니어들이 특히 러시아에 많이 초빙되어 가서 일했다. 프랑스에서도 독일의 베르크 아카데미를 모범으로 하여 1783년에 국립광산학교(École des Mines) 가 문을 열었다.
하칸 야킨

하칸 야킨(, 1977년 2월 22일, 스위스 바젤슈타트주 바젤 ~ )은 스위스의 전 축구 선수로 과더 포지션은 공격수와 미드필더였다. 또한 무라트 야킨 현 스위스 대표팀의 동생으로 알려져 있으며 바젤의 터키 이민자 가정에서 태어나 어릴 때부터 축구에 두각을 나타내었다. 선수 경력. 야킨은 1995년 그의 고향인 FC 바젤에서 축구 경력을 시작하였으며, 그라스호퍼 클럽 취리히, FC 장크트갈렌을 거친 뒤 2001년 자신의 친정팀인 FC 바젤로 복귀하여 친형인 무라트 야킨과 함께 뛰어난 활약을 하였다. 특히 2002-03 시즌 UEFA 챔피언스리그에서 리버풀 FC와 FC 스파르타크 모스크바를 제치고 소속팀을 2라운드로 이끌어, 사상 최초로 스위스 슈퍼리그 팀이 UEFA 챔피언스리그 2라운드에 진출하는 데 크게 기여하였다. 그러나 파리 생제르맹 FC, VfB 슈트트가르트, 갈라타사라이 SK 등 해외 축구팀으로 이적한 뒤에는 스위스에서의 활약상을 전혀 보여주지 못한 채 서서히 빛을 잃어 갔다. 그는 2005년 스위스 슈퍼리그의 BSC 영 보이즈로 이적하여 좋은 활약을 펼쳤다. 2008년 7월 전북 현대 모터스에서 하칸 야킨의 영입을 시도하였으나, UEFA 유로 2008에서의 활약으로 몸값이 많이 올라 결국 연봉 250만 유로에 카타르 리그의 알가라파 SC로 이적하였다.
하칸 야킨

2009년 3월 그의 형인 무라트 야킨이 지휘봉을 잡고 있는 그라스호퍼 클럽 취리히 U-21 팀에서 개인 훈련을 하고 있다는 보도가 나오기도 하였으며, 그 해 6월 FC 루체른으로 이적하여 스위스로 복귀하였다. 국가대표팀 경력. 야킨은 2000년부터 2011년까지 스위스 국가대표팀에서 87경기 출장에 20골을 기록하였다.. 그는 터키 축구 국가대표팀의 제의를 받기도 하였으나, 이를 거절하고 스위스 축구 국가대표팀을 선택하였다. 그는 두 번의 UEFA 유럽 축구 선수권 대회 (2004년과 2008년)에 참가하였고, 2006년 FIFA 월드컵에서는 최종 엔트리에 포함되지 못하였으나, 대회 직전에 부상을 당한 요한 볼란텐의 대체 선수로 합류하였다. UEFA 유로 2008에서는 3골을 득점하여 4골을 기록한 다비드 비야에 이어 루카스 포돌스키, 로만 파블류첸코, 세미흐 셴튀르크와 함께 득점 공동 2위에 올랐으며, 이러한 활약으로 인하여 팀의 새 감독으로 부임한 오트마어 히츠펠트의 신임을 얻어 2010년 FIFA 월드컵 유럽 지역 예선에도 참가하였다.
라마즈 분만

라마즈분만은 1940년대 프랑스 산부인과 의사 라마즈(Fernand Lamaze)가 소련 산모들의 출산방법(산파의 보살핌을 받으며 호흡과 이완을 반복)에 영향을 받아 출산 중 의료기술의 대안으로 창안한 자연분만 기술이다. 미국에서는 1959년 마조리 카멜이 자신의 경험을 토대로 쓴 책 Thank You, Dr. Lamaze로 라마즈 분만이 널리 알려졌다. 현재의 라마즈분만은 임부의 호흡법, 임신출산과정 중의 고통을 덜어주는 방법(온찜질, 냉찜질, 운동기구 공(birthing ball)을 이용한 체위변화 등)을 포함하고 있다.
고대 대불가리아

고대 대불가리아(Old Great Bulgaria) 혹은 대불가리아(Great Bulgaria, 비잔티움의 연대기에서는 Παλαιά Μεγάλη Βουλγαρία)는 비잔티움 제국의 역사서에 등장하는 용어로써 7세기 볼가강(Volga) 하류에서 드네스트르강(Dniester)까지 범위의 캅카스산맥 북부, 스텝 지대를 지배했던 불가르(Bulgar)의 군주 쿠브라트(Kubrat)의 치세를 가리켜 나타낸다. 오노구리아(Onoguria)라고도 부른다. 쿠브라트. 쿠브라트{쿠르트(Kurt) 혹은 후부라트(Houvrat)라고도 한다.}는 유력씨족이었던 두로 가문(Dulo clan)의 출신으로 불가르인의 지도자로써 정당한 계승권을 갖고 있었다. 쿠브라트의 부모 올가나(Organa)가 불가르족의 섭정을 맡고 있던 동안 쿠브라트는 비잔티움 제국에서 젊은 시절을 보내고, 교육과 세례를 받았다. 618년쯤 쿠브라트는 고향에 돌아와 얼마안가 아바르(Alan)인의 칸(Khagan)의 승인을 얻어 불가르인의 지도자가 되었다. 이후 쿠브라트는 아바르인에 의한 지배에서 벗어나길 기도했고, 서돌궐에게도 벗어났다(이것은 왕조 전쟁에 얽혀서였다.). 성립. 610년부터 613년까지의 기간 동안 쿠브라트 칸은 2개의 주요 불가르인의 씨족인 쿠트릴글(Kutrigur)와 우티글(Utigur)의 통일을 노렸고, 강대한 연합국가를 만들어내 중세의 저자들로부터 "고대 대불가리아" 혹은 오노군두르(Onogundur)-불가르 제국(서유럽에서는 "오노그 후리아"(Onoghuria))로써 기록되었다.
고대 대불가리아

쿠브라트의 영향하에 있던 아바르인도 여기에 포함되었고, 따라서 판노니아 평원(Pannonian Plain)까지 영향력이 미쳤을 것이라고 생각하는 사람도 있다. 대불가리아의 중심지는 크라스노달 지방의 타만반도에 있던 파나고리아(Phanagoria)였다. 쿠브라트의 묘는 1912년 우크라이나의 폴타바 근처의 페레시체리나(Pereshchepina)에서 발견되었다. 붕괴와 후대 국가. 쿠브라트의 죽음에 이어서 벌어진 사건에 대해서는 비잔티움 총주교의 니케포루스 1세(Nicephorus 1). 가 기술하였다. 기술에 의하면 비잔티움 황제 콘스탄티누스 4세(Constantine IV)의 시대에 쿠브라트는 죽었고, 그의 5명의 아들들 중 최연장자였던 바트바얀(Batbayan)은 그대로 나라에 머물렀다. 하자르(Khazar)에 의한 강력한 압력 때문에 쿠브라트의 다른 아들들은 '적에게 맞써기 위해서 결속하거라'라는 아버지의 가르침에 반하여 각자 이반해 자신의 씨족을 이끌게 되었다. 볼가 불가르. 코트레그(Kotrag)는 쿠트리글(Kutrigurs) 혹은 코트라그(Kotrags)의 지도자가 되어 볼가강 중류로 돌아가 후에 볼가 강과 카마 강(Kama)의 합류지점에 볼가-불가리아(Volga Bulgaria)를 세웠다. 볼가 불가리아는 이윽고 강대한 나라가 되었다. 볼가-불가르{혹은 은의 불가르(Silver Bulgars)라고도 부른다.}는 9세기에는 자발적으로 이슬람교로 개종해 13세기까지 자신의 민족의식을 유지해 1233년 칭기스 칸의 몽골의 침입을 물리쳤다.
고대 대불가리아

그렇지만 그들은 그 후 얼마안가 제압되어 중심도시였던 볼가르(Bolghar)는 황금 유목민의 수도가 되었다. 그 후 불가르인은 타타르족(Tatars)과 혼혈이 진행되었다. 러시아 연방의 타타르스탄(Tatarstan)과 추바시아(Chuvashia) 시민은 이들 불가르인의 자손이라고 볼 수 있었다. 마케도니아의 불가르. 쿠베르(Kuber)는 시르미움(Sirmium)을 지배했다. 그 땅에는 불가르인, 로마인, 그리스인, 슬라브인, 게르만인 등이 혼재했고, 아바르 칸국의 속령이었다. 반란이 있은 후, 쿠베르는 사람들을 마케도니아로 이주시켰다. 여기서 쿠베르가 이끌었던 사람들은 케르미시아(Keremisia)에 정착해 테살로니키(Thessaloniki) 정복을 시도했으나 실패로 끝났다. 그 후 쿠베르는 역사상에서 모습을 감추게 되었고, 그를 따랐던 사람들은 마케도니아 지방의 슬라브인들과 동화되었다. 남이탈리아의 불가르. 그 밖의 불가르의 씨족으로는 662년쯤 "아르체크 공"(Duke Alzeco)(Altsek)이 이끄는 일파는 롬바르드족(Lombards)과 더불어 아바르에서 도망쳐 롬바르드의 왕 베네벤토의 그리모아르드 1세(Grimoald I of Benevento)에게 군사임무를 맡는 대신 영토를 요구했다. 처음 일파는 라벤나(Ravenna)에 정착했으나, 후에는 더 남쪽으로 이동했다. 그리모아르드는 베네벤토에 있던 아르체크의 일파에 대해 자신의 아들인 로무아르드 1세(Romuald)를 보냈다.
고대 대불가리아

로무아르드에 의해 아르체크 일파는 광대하지만 당시에는 불모의 땅이던 나폴리(Naples)의 북동쪽의 영지 세피노(Sepino), 보비아눔(보이아노(Boiano), 이세르니아(Isernia) (아펜니노산맥(Apennines) 속, 지금도 현재는 몰리세주(Molise)에 속한다)를 하사했다. 이때까지 공의 칭호였던 아르체크는 이것을 대신해 롬바르드의 칭호 "가스타르드"(Gastald)를 받았다. 파우르스 디아코누스(Paul the Deacon)는 787년 저서 "롬바르드 사람들의 역사"(History of the Lombard People)에서 불가르인이 당시에도 같은 영지에 살고 있었고, 라틴어를 말할 수 있어 "자신의 독자의 언어를 아직 버리지 않았다."라고 기록했다. 보이아노 근교의 있던 7세기의 비첸네(Vicenne)-캄포키아로(Campochiaro)의 네크로폴리스(necropolis)에서 이루어진 발굴조사에서 약 130개의 유체가 발견되어 그중 13개는 인간의 유체였고 나머진 말의 유체 및 게르만, 아바르에 기원을 둔 기물과 함께 발견되었다. 말의 유체는 중앙 아시아의 야생말의 특징을 갖고 있어 이 지방에 불가르인이 거주했던 것이 확실하다는 것을 설명하고 있다. 코카서스의 불가르 발가르. 쿠브라트의 장남 바트바얀이 이끄는 일파는 흑불가르(Black Bulgars)라고 불렸고, 그 후에도 고향에 계속 머물러 이윽고 하자르의 지배하에 들어갔다. 현재 발가르족(Balkars)이 흑불가르의 자손이 아닐까 하는 견해도 있다.
고대 대불가리아

발가르인은 자신을 마르카 강(Malka)의 이름에서 유래된 말카르(Malkars)라고 칭하고, 킵차크인(Kipchak)계의 투르크어로 말했다. 투르크어에서 "b"가 "m"으로 변화한 것은 이러한 이유에서였다. 제1차 불가리아 제국. 쿠브라트의 3남 아스파르흐(Asparuh)는 훗날 비잔티움 제국이 지배하던 모이시아(Moesia)와 도브루자(Dobrudja)를 정복하고 680년 제1차 불가리아 제국을 건국했다. 오노그리아의 어원. 오노그리아에서는 다음과 같은 변형된 이름이 있다. 이 어원에는 다음과 같은 설이 있다. 그 외 용법. 마자르인(Magyars)을 포함해 7개의 핀우고르계(Finno-Ugric)의 씨족과 3개의 하자르계의 씨족이 합류해 "10개의 화살" 혹은 "오노그르"라고 알려지게 되었다. "헝가리"의 명칭은 이 오노그르에서 유래되었다고 생각된다. 루마니아어에서 "헝가리"의 호칭은 "운구르"(Ungur), 불가리아어에서 호칭은 "운가르"(Ungar)는 "오노그르"와 매우 유사하다. 각주. 15) Tufarulo,G,M.- Al'cek! L'ultimo knjaz di Onughuria in Sud langbardland. Una risposta a Paolo Diacono, Pietro Giannone, Ludovico A. Muratori, A. Di Meo, Cesare Balbo, Carlo Troya. Ed. G. Laterza, Bari, 2013( Versioni in italiano e inglese).
위키매피아

위키매피아(Wikimapia)는 전 세계 누리꾼들이 만드는 세계지도이다. 러시아인 알렉산드르(Alexandre Koriakine)와 에비제니(Evgeniy Saveliev)가 위키백과와 구글 지도에서 영감을 얻어 2006년 만든 것이다. 구글 지도(Google Map) API를 이용해서 구현했다. 위키미디어 재단과는 관련이 없다. 기능. 누리꾼은 둘레가 노란색인 사각형을 지도 상의 어느 위치에든 그려 넣을 수 있다. 사각형이 아닌 장소에는 둘레가 녹색인 다각형을 그려 넣을 수 있다. 한 장소에는 "태그", "종류", "설명"이 붙어, 그 장소를 설명한다. 태그, 종류, 설명은 64여 개의 언어로 기술될 수 있다. 검색 결과는 현위치와의 거리 순으로 정렬되기도 한다. 또한, 거리를 재거나 면적을 재는 도구 여러 가지가 제공된다. 최근, 등록된 사용자들을 위한 포럼이 개설되었다. 등록된 사용자들은 다양한 활동을 하면, 그가 갖고 있는 포인트가 올라가며, 자동적으로 관리자로 승격되기도 한다.
이오안 슬라비치

이오안 슬라비치(Ioan Slavici)는 트란실바니아 태생의 루마니아 언론인으로, 1871년 Convorbiri literare를 통하여 데뷔하였고, 1903년에는 루마니아 아카데미상을 받았다.
카롤 1세

카롤 1세(Carol I, 1839년 4월 20일 ~ 1914년 10월 10일)는 루마니아의 공작이자 루마니아 왕국의 초대 국왕(재위: 1881년 3월 26일 ~ 1914년 10월 10일)이다. 독일계 귀족이었던 비트의 엘리사베타와 혼인하였으며 사이에서 딸인 마리아 공주가 있었지만 어려서 죽었기 때문에, 조카인 페르디난드가 왕위를 이어받았다.
프란세스코 바라카

프란세스코 바라카(, 1888년 5월 9일 ~ 1918년 6월 19일) 백작은 이탈리아의 공군 전투기 조종사이다. 1907년 모데나 육군사관학교에 입학했고, 1912년에 기병 장교로 임관했다. 바라카는 1912년 프랑스에서 처음 비행을 배우게 되었고, 제1차 세계 대전 초기에는 비행교관으로 근무했다. 바라카는 1914년 한 해 동안 다양한 비행 임무를 수행했다. 다음 해인 1915년, 이탈리아는 연합국에 가담했다. 이 때, 바라카는 복좌형 뉴포트기로 전환했지만, 1916년에 뉴포트 11로 전환했다. 그가 첫 번째 격추를 기록한 것은 4월 7일이었다. 이탈리아가 처음으로 거둔 군사적 성공이었다. 오스트리아-헝가리 제국과 싸우며 격추 수를 늘려나간 그는 그해 말에 에이스(격추왕)가 되었다. 특히 그는 그의 격추 수를 말 모양 문양에 새겨넣었고, 전쟁이 끝난 후 그 말 모양은 페라리 스포츠카의 상징이 되었다. 바라카는 1917년에 91전투기대의 지휘를 맡았다. 바라카는 뉴포트와 SPAD를 조종하면서 1917년 말까지 격추 대수를 30대까지 늘려나갔다. 1918년 6월 19일, 신형 전투기 의 조종사가 되어 공격 임무 수행 중 격추되어 전사했다. 그는 전사할 때까지 총 34대의 적기를 격추했다. 그의 시체는 며칠 뒤에 발견되었는데 머리에 총알 구멍이 있었다.
재귀 약자

재귀 약자(再歸略字, recursive acronym)는 원래 문장 안에 약자가 그대로 들어 있도록 이름을 지은 것이다. 전산학에서 흔히 사용하는 재귀의 관점에서 보면, 재귀 약자에는 재귀를 끝내는 조건이 없기 때문에 '재귀 약자'라고 부르는 것보다 '순환 약자'(循環略字, circular acronym)라고 부르는 것이 엄밀한 의미에서는 더 정확하다. 반면에 일반적인 순환의 의미에 비추어 생각하면, 주기적이지 않다는 점에서 순환 약자보다는 재귀 약자라는 표현이 더 정확하다. 컴퓨터 관련 예. 전산학에 종사하는 많은 사람들은 재귀적 약자를 이용하는 것을 해커다운 전통으로 여겨왔다. 재귀적 약자가 사용된 가장 오래된 예는 1977년 ~ 1978년에 만들어진 MagicSix용 편집기 TINT("TINT Is Not TECO")이다. 이후 MIT 리스프 머신용 편집기 EINE ("EINE Is Not Emacs") 및 ZWEI ("ZWEI Was EINE Initially")도 이런 방식으로 이름을 지으면서 이런 유행이 널리 퍼졌다. (eine과 zwei는 독일어로 '1'과 '2'를 뜻한다.) 대표적인 예는 다음과 같다.
에르난 크레스포

에르난 호르헤 크레스포(, 1975년 7월 5일 ~ )는 아르헨티나의 전 축구 선수로, 포지션은 스트라이커였다. 뛰어난 위치 선정과 공중 장악 능력으로 유명하다. 또한 축구선수로서 신체조건과 축구스타일 등이 호르헤 발다노와 98% 이상 일치하기 때문에 Valdantino라는 별명이 붙었다. 클럽 경력. 1993-94 시즌 리버 플레이트에서 데뷔하며 25경기 출전에 13골을 터뜨렸다. 2002년 호나우두를 떠나보낸 인테르나치오날레가 4천만 유로에 그를 스카우트했다. 2003년에는 1680만 파운드에 첼시로 이적하였지만, 디디에 드로그바와 주전경쟁을 벌이며 기대에 미치지 못하는 성적을 냈다. 그러나 이는 어디까지나 크레스포의 개인 커리어로서 기대에 못미친 것일 뿐 그가 첼시에서 보여준 활약상을 첼시 역사상 최소기간 동안 최다득점을 한 것으로 평가받고 있다. 실제로 크레스포는 첼시에서 5경기당 2골 수준의 뛰어난 득점력을 선보였다. 2004-2005 시즌 AC 밀란 그리고 2006-2007시즌, 2007-2008시즌 인테르나치오날레로 임대되어 꾸준한 활약을 펼쳤으며, 그 뒤 2008년 제노아로 이적하였고, 2009년 파르마로 다시 이적하였다. 그는 이탈리아 영주권을 취득하였고, 이탈리아 여자와 결혼하였다. 그는 2012년 11월 21일, 현역에서 공식적으로 은퇴했다. 국가대표팀 경력. 2002년 FIFA 월드컵에는 가브리엘 바티스투타에 밀려 교체에 머물렀고, 팀도 조별 예선에서 탈락하였다.
에르난 크레스포

이후 2006년 FIFA 월드컵에서는 은퇴한 가브리엘 바티스투타를 대신하여 팀의 주전 공격수로 활약했다. 그리고 코트디부아르와의 첫 경기에서 선제골을, 세르비아 몬테네그로와의 2차전에서 팀의 네번째 골을, 그리고 멕시코와의 16강전에서 동점골을 넣으면서 총 3골을 기록했고 이 대회의 실버슈를 수상했다. 그는 세 번의 FIFA 월드컵 (1998년, 2002년, 2006년)에 아르헨티나 국가대표로 출전해 총 네 골을 기록하였다. 그는 2002년 FIFA 월드컵 남미 지역예선에서 총 9점을 득점하였는데, 이 기록은 2014년 FIFA 월드컵 남아메리카 지역 예선에서 우루과이의 루이스 알베르토 수아레스가 총 11점을 달성함으로써 갱신되었다. 플레이 스타일. 큰 키와 종합격투기 선수를 연상케 하는 단단한 체격에서 나오는 뛰어난 몸싸움 능력에서 비롯되는 돌파를 주로 시도하지만 드리블, 패스, 프리킥 등 이타적인 플레이에도 능하며 기본적으로 양발잡이에 헤딩도 능수능란한 올라운드형 공격수이다.
몬테네그로 왕국

몬테네그로 왕국()이라는 국명은 1910년 8월 27일에 니콜라 1세의 즉위 50주년을 기념하기 위해 1852년부터 사용되어 온 몬테네그로 공국()이라는 국명을 새로 바꾼 것이다. 이 나라는 1918년 11월 28일에 세르비아에 합병되었다. 몬테네그로 역사에서 유일한 왕인 니콜라 1세는 페트로비치네고시 가()에 속하였다. 니콜라 1세는 제1차 발칸 전쟁과 제2차 발칸 전쟁에 참전하였다. 1914년 제1차 세계 대전 때에는 세르비아와 같이 싸웠다. 그러나, 세르비아가 1915년 동맹국에게 국토를 빼앗기자, 몬테네그로도 이듬해 동맹국에 항복했다. 그러나, 이들은 1918년 후반에 국토를 수복하게 된다. 몬테네그로군은 전쟁기간 동안 3천 명이 전사, 1만 명의 부상자를 냈다. 종전 후, 세르비아에 합병되어 '세르비아인 크로아티아인 슬로베니아인 왕국'이 되었다. 이후, 유고슬라비아 왕국으로 국호가 바뀌었다. 오늘날 몬테네그로는 이 시절의 몬테네그로 왕국을 계승하고 있다는 입장이다.
필리프 람

필리프 람(, 1983년 11월 11일 ~ )은 독일의 전 축구 선수이다. 보통 필립 람으로도 불리며, 주 포지션은 풀백이고, 바이에른 뮌헨에서 주장을 맡았었다. 중앙 미드필더와 수비형 미드필더로도 뛸 수 있다. 2006년 FIFA 월드컵과 2010년 FIFA 월드컵의 최종 엔트리에 포함되었으며, 2008년에는 UEFA 올해의 팀과 FIFA 올해의 팀의 일원으로 선정되었다. 그는 주파속도, 드리블, 정확한 태클 능력과 작은 신장으로 알려져 있다. 비록 람은 오른발잡이이지만, 양쪽 풀백을 모두 소화할 수 있다. 그는 주로 측면에서 중앙으로 슈팅하거나 패스하며 잘라 들어간다. 최고의 풀백 중 한명이며, 그는 중앙 미드필더와 수비형 미드필더 포지션에서도 월드 클래스의 수준을 보여주고 있다. 2011년 8월, 그는 27세의 나이에 은밀한 차이: 최고의 축구 선수가 되기 위한 방법 (Der feine Unterschied: Wie man heute Spitzenfußballer wird)이라는 그의 축구인으로써의 삶과 개인 경험, 축구 환경, 사회의 축구, 코칭 방식과 훈련 방식의 효과에 따른 내용을 담은 자서전을 출판하였다. 현재 이 자서전은 독일에서 1순위 베스트셀러가 되었을 정도로, 독일 언론의 관심을 받았으며, 전 감독들을 비난한 일부 내용에 대해서 비난을 받았다. 이 자서전을 비난한 사람들 중에는 루디 푈러 (그는 이 자서전에서 비난을 받았다.) 와 오트마어 히츠펠트도 있었다. 클럽 경력. 초기 경력. 람은 FC 바이에른 뮌헨의 유소년팀을 거치며 프로 축구 선수로 성장하였다.
필리프 람

그는 그의 뮌헨의 게언을 연고로 하는 지역 유소년 팀에서 활동하던 도중, 얀 핀타 유소년팀 감독의 도움으로 11세의 나이에 바이에른 유소년팀에 합류하였다. 그는 벌써부터 매우 재능이 뛰난 선수로 묘사되었으며, 그의 코칭스태프들 중 하나인 헤어만 후멜스는 "필리프 람이 훗날 분데스리가로 올라가지 못한다면, 다른이들도 승격하지 못할 것이다."라고 말하였을 정도다. 그는 유소년팀 소속으로 두 차례의 리그 우승을 거두었고, 이들 중 두 번째 우승 당시 팀의 주장이었으며, 17세의 나이가 되었을 땐 리저브팀으로 승격되었다. 헤어만 게얼란트 전 바이에른 리저브팀 감독에 따르면 그의 휘하에 있던 가장 빼어난 선수로 람의 리저브팀 두 번째 시즌에 주장을 맡겼다. 이 시기까지 람은 수비형 미드필더, 오른쪽 윙어, 혹은 오른쪽 풀백이었다. 당시 시니어팀에는 윌리 사뇰이 주 오른쪽 풀백이고, 빅상트 리자라쥐가 왼쪽 풀백이고, 미드필더 자리가 꽉차는 바람에, 람은 VfB 슈투트가르트로 2003-04 시즌과 2004-05 시즌 동안 임대되었다. VfB 슈투트가르트 임대. 람은 본래 슈투트가르트의 주전 오른쪽 풀백인 안드레아스 힌켈의 백업으로 사용되기 위해 임대되었으나, 펠릭스 마가트 감독은 그를 왼쪽 풀백으로 이동시켰고, 결국 람은 독일 국가대표 하이코 게어버를 밀어냈다.