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L’ensemble de l’œuvre d’Hervé Bouchard adopte à la fois une esthétique autoréflexive et un rapport apparemment mimétique avec le réel. Ce travail de l’illusion et de l’artificialité est constant et produit plusieurs effets de distanciation qui participent à la prise de conscience de la situation d’énonciation et plus amplement à une réflexion sur l’écriture. Dans ce mémoire, nous montrons les différents rapports entre les procédés métatextuels, les effets de distanciation et l’empêchement de dire des personnages, thématisé dans l’œuvre. Non seulement les procédés métatextuels, par leur fonction de révélation, renvoient aux thèmes explorés par Bouchard, tels que la honte, le deuil et les tabous de l’enfance, mais ils témoignent également des choix formels de l’écrivain, qui interroge les limites de toute forme de représentation, dont le théâtre et le langage. Notre premier chapitre est consacré à la théâtralité, utilisée comme procédé métatextuel, manifestée par une mise en forme dramaturgique, une mise en abyme du théâtre comme lieu et comme métaphore d’un cadre prescriptif. À partir de ces ruptures génériques et référentielles, notre deuxième chapitre porte sur les répercussions de l’empêchement de dire des personnages sur la syntaxe et la structure de l’œuvre. L’analyse des formes répétitives, des ellipses et des digressions nous permet d’établir un échantillon des différents procédés auxquels l’écrivain a recours. Dans une perspective plus poétique, notre troisième chapitre montre les liens entre les interruptions et les digressions qui sont autant d’amorces de petites histoires dont la somme constitue, à la manière de fragments, l’œuvre dans son ensemble. L’analyse des effets de continuité produits, entre autres, par les références intratextuelles, la langue, le lieu et les figures de l’auteur, en appelle ainsi à un horizon légendaire, un récit plus vaste auquel se rattacheraient toutes ces histoires. Dans le même mouvement, la cohérence de l’œuvre est fortement et intentionnellement soulignée.

Mots-clés : Métatextualité , Distanciation , Théâtralité , Intratextualité , Hervé Bouchard , Littérature québécoise
Ce mémoire brosse le portrait de l’artiste moderne, tel qu’il ressort de l’analyse de six personnages empruntés aux romans Manette Salomon (1867) des frères Goncourt et Les Enfants Tanner (1907) de Robert Walser : Anatole, Garnotelle, Coriolis et Crescent – appartenant au premier –, Simon et Kaspar – appartenant au deuxième. À travers l’étude de leur volonté et de leur degré de conscience, leurs différents tempéraments seront mis en lumière, constituant un éventail de postures artistiques modernes : le bouffon (Anatole), le conformiste (Garnotelle), l’innovateur (Coriolis), le marginal (Crescent), le solitaire (Simon) et l’artiste professionnel incarné par Kaspar. Les personnages seront étudiés en ordre croissant de la volonté qu’ils manifestent, ainsi que de leur conscience d’eux-mêmes, afin de rendre perceptible l’individualisation progressive de l’art caractéristique de la modernité, dont l’œuvre la plus accomplie s’avérera le résultat de la synthèse des sens et de l’esprit dans une célébration de soi et de la vie.   La première partie du mémoire sera consacrée à l’analyse de la volition des personnages, et révélera que son intensité est indépendante de son caractère constructif ou destructif, ainsi que de l’originalité ou de la subjectivité de la quête artistique. Le projet artistique étant intégré au projet existentiel des personnages, l’intentionnalité servira tantôt à assurer leur présence sociale (Garnotelle, Kaspar), tantôt leur effacement (Crescent, Simon). La volonté peut par ailleurs être mobilisée tant dans la poursuite d’un but novateur (Coriolis, Kaspar) que dans une démarche conservatrice (Garnotelle) et être à la fois l’apanage d’un individu iconoclaste à la forte personnalité (Kaspar) ou celui d’un personnage parfaitement conventionnel (Garnotelle). La deuxième partie du mémoire montrera que l’idéal esthétique est intimement lié au tempérament de l’artiste, se présentant comme l’extériorisation de sa nature intime. Il n’est donc pas dû à une élaboration artificielle de valeurs, étant déjà présent au fond de l’âme de l’artiste et n’ayant besoin que d’être reconnu. Il s’ensuit que plus un personnage sera conscient de lui-même, plus sa relation avec son propre idéal sera transparente, facilitant sa concrétisation en œuvre d’art.   La conjonction de la plus grande volonté et du plus haut degré de conscience de soi signera l’émergence du tempérament moderne, qui se caractérise par l’élévation de l’esthétique à la morale.

Mots-clés : Goncourt , Walser , Manette Salomon , Les Enfants Tanner , Artiste , Moderne , Romantique , Volonté , Idéal , Tempérament , Subjectivité , Conscience , Esthétique , Artist , Modern
L’ouvrage Feu la cendre de Jacques Derrida s’articule tout entier autour de l’analyse d’une courte phrase énigmatique : « Il y a là cendre ». Il s’agit d’une phrase écrite par Derrida lui-même, une dizaine d’années plus tôt, à la toute fin de La Dissémination. Feu la cendre peut donc être considéré comme un autocommentaire ou une autoanalyse. Toutefois, Jacques Derrida n’y dévoile pas une signification précise de sa propre sentence. Au contraire, Feu la cendre révèle l’illisibilité de la phrase, son caractère fuyant, sa puissance de signification impossible à maîtriser. Cette manière de relire « Il y a là cendre » correspond à la conception derridienne de la « dissémination » du sens. L’enjeu de ce mémoire consiste à rendre compte du texte Feu la cendre en tant que réitération de la pensée derridienne de la « dissémination » qui s’oppose à une conception herméneutique de l’interprétation prétendant pouvoir se saisir du « sens » univoque et stable d’un texte. Plus précisément, il s’agira de relever les stratégies d’écriture déployées par Derrida en vue de performer – donc de faire expérimenter – cette déroute du sens. Il y sera ainsi question de trois « mises en cendre » de la signification : d’abord, dans la forme « polylogale » du texte qui divise l’identité de l’énonciateur et son autorité sur son propre texte ; ensuite, dans le jeu d’échos entre les trois versions de Feu la cendre qui rend instable le « corps du texte » ; enfin, dans la structure « ouverte » de l’œuvre, hospitalière à de nombreux autres textes, qui en efface les limites.

Mots-clés : Jacques Derrida , philosophie française du XXe siècle , interprétation , herméneutique , poétique , Déconstruction , Dissémination , Cendre
Ce mémoire en recherche création est divisé en deux principales sections : un récit fragmenté et un essai. La première partie, Bonne fille, explore une interprétation personnelle de la compétition entre femmes qui passe par la concurrence d’une figure fantomatique. Ce récit intime propose une réflexion sur le corps, sur la performance de la féminité et sur les relations amoureuses. Il accorde une importance certaine aux territoires et aux espaces à conquérir pour prendre la place de la femme précédente qui n’a pas manqué de laisser sa marque dans la vie de l’homme désiré. Le « je » du roman se voit aspiré par le souvenir de l’autre femme et par le désir de la remplacer. La deuxième partie du mémoire est un essai intitulé Figures de la compétition entre femmes dans l’œuvre de Nelly Arcan et se concentre sur Folle et À ciel ouvert de l’autrice québécoise. Divisé en trois chapitres, l’essai étudie la compétition entre les femmes dans l’œuvre d’Arcan en alliant une approche critique féministe et l’analyse littéraire. Dans le premier chapitre, la figure de la girl next door permet d’interpréter la peur d’être remplacée. Le deuxième chapitre se penche sur la figure du double, qui prévient toute individualité des personnages. Le dernier chapitre prend en considération la figure de la mère et explique comment celle-ci participe à la naissance même du besoin de plaire et du sentiment de jalousie chez les jeunes filles. Nous verrons que ces figures prennent toutes racine dans une aliénation qui s’inscrit à même leur corps sexué.

Mots-clés : roman québécois contemporain , compétition entre femmes  , Nelly Arcan , Folle , À ciel ouvert
Les livres de cuisine constituent un immense corpus de textes encore très peu étudiés malgré la place importante qu’ils occupent dans l’imaginaire collectif. Ce mémoire propose d’éclairer une part de leur valeur culturelle par une analyse littéraire de trois ouvrages classiques de la littérature culinaire : L’Encyclopédie de la cuisine canadienne de Jehane Benoit (1963), Les Recettes faciles de Françoise Bernard (1965) et The I Hate to Cook Book de Peg Bracken (1960). Envisagé d’abord comme genre textuel, puis comme ouvrage unitaire et ultimement comme ouvrage littéraire, le livre de cuisine révèle une esthétisation de la relation entre auteure et lectrice. L’étude des manifestations de cette esthétisation à travers le déploiement d’une voix auctoriale, de la création d’un espace diégétique et de la personnification de la lectrice apporte une meilleure compréhension de la façon dont ces ouvrages participent à la construction d’un récit de société.

Mots-clés : récit , analyse du discours , livre de cuisine , 1960 , L’Encyclopédie de la cuisine canadienne , Les Recettes faciles de Françoise Bernard , The I Hate to Cook Book , Jehane Benoit , Peg Bracken , cuisine ménagère , Françoise Bernard
Reconnue essentiellement pour son rôle d’égérie au sein du groupe surréaliste, l’auteure Lise Deharme est à l’origine d’une œuvre littéraire volumineuse qui compte trois projets collaboratifs réalisés avec des artistes visuelles : Le Cœur de Pic (1937) avec Claude Cahun et Le Poids d’un oiseau (1955) ainsi qu’Oh ! Violette ou La Politesse des végétaux (1969) avec Leonor Fini. Ces œuvres ont été largement négligées par la critique littéraire alors qu’elles s’inscrivent pleinement dans l’esthétique du livre dit surréaliste prôné par le groupe réuni autour d’André Breton où il s’agissait de décloisonner les frontières entre les arts et les médias, de s’affranchir des genres littéraires (poésie, récit, théâtre, essai).  Plusieurs questionnements émanent de la lecture conjointe des trois ouvrages : de quelle nature est la répartition du travail collaboratif ? Comment s’effectue concrètement le partage des pages au sein du livre ? Y a-t-il un partage de l’expérience esthétique qui se fait avec le lecteur-spectateur d’une œuvre hybride ? Ces questions d’ordre méthodologique me permettront de procéder à une lecture intermédiale (plus précisément relative aux rapports texte/image) de mon corpus là où un cadre d’analyse purement littéraire n’aurait pu rendre justice à des œuvres créées à la croisée des arts. Je démontrerai que les ouvrages de Lise Deharme réalisés avec le concours de Cahun et de Fini renouvellent les stratégies et les grands thèmes chers aux surréalistes, mais qu’ils exposent en même temps un discours marginal et aux multiples facettes en regard d’un vecteur créatif de prédilection chez les surréalistes : le féminin.

Mots-clés : Imaginaire du féminin , Avant-garde historique , Surréalisme au féminin , intermédialité , Collaboration artistique , Lise Deharme , Claude Cahun , Leonor Fini
Au début des années 1910, les œuvres de Balzac commencent à être traduites en Chine, Mao Dun devient aussitôt un lecteur fidèle de Balzac et se nourrit abondamment de la prose de ce dernier pour construire son propre univers littéraire. Nous pouvons constater une similarité surprenante entre les deux écrivains : ils explorent tous les deux, au cœur de leurs œuvres, l’urbanité. Plus précisément, Shanghai est pour Mao Dun ce que Paris est pour Balzac : une source inépuisable d’inspiration et un champ d’investigation privilégié. Le mémoire vise à analyser la représentation littéraire de Paris et de Shanghai en mettant en parallèle deux romans de Balzac, Le père Goriot (1835) et Illusions perdues (1837-1843), et deux romans de Mao Dun, Désillusion (1927) et Minuit (1933). Cette étude comparée s’amorce par un traitement de l’identité des écrivains dans le contexte urbain et se développe ensuite autour de l’économie capitaliste et de la mode féminine de la ville. Le but de l’étude est de montrer les liens entre l’écrivain, la narration et la ville, ainsi que la dépendance discrète de Mao Dun vis-à-vis des perspectives développées par Balzac.

Mots-clés : Balzac , Mao Dun , Paris , Shanghai , ville , capitalisme , modernité , féminisme , mode
D’après certaines approches en études de génocides, le déni du génocide n’est pas un phénomène qui se manifeste après le génocide en soi, mais fait au contraire partie intégrante de son appareil. Ainsi, le génocide ne prendrait réellement fin que lorsque l’auteur du crime aurait admis son intention, lorsque celui-ci aurait été jugé et condamné sur la scène internationale par des instances juridiques légitimes. Selon cette définition du génocide et compte tenu du fait que le génocide arménien n’a pas été reconnu par le gouvernement ottoman et qu’il n’est toujours pas reconnu par le gouvernement turc actuel, l’arménien contemporain peut se sentir aujourd’hui victime d’un génocide qui est toujours en cours, en plus d’être l’héritier et le descendant d’un rescapé du génocide qui a eu lieu il y a un siècle. Celui-ci est ainsi héritier de trois ou quatre générations de victimes qui ont toutes hérité à différentes mesures d’un traumatisme, d’un deuil inachevé et d’une crise identitaire. Le survivant de troisième génération qui tente, dans la diaspora, de témoigner en littérature du génocide de ses ancêtres se trouve souvent borné par un manque d’information, ou par une incompréhension des faits desquels il est éloigné dans le temps et dans l’espace. Lorsque celui-ci tente de témoigner de sa situation présente, de ce génocide qui s’étend jusque dans son quotidien, il peut aussi être confronté à une incapacité à nommer le conflit identitaire qui l’habite et à cerner les effets des efforts de délégitimation qui ont agi sur lui et sur ses ancêtres depuis plus de cent ans. Ce travail de recherche examinera les modalités de ce témoignage en fiction, dans le roman L’étrangère (2015) de Valérie Toranian et le recueil de nouvelles Embâcle (2008) de Martine Batanian, et adressera les questions du traumatisme hérité, du deuil et de la légitimité de la victime et du témoin.

Mots-clés : génocide , témoignage , témoin , littérature , diaspora , déportation , Batanian , Toranian , trauma
Il est question dans ce mémoire d’examiner ce qu’il en est du problème du génie, tel que ce dernier s’est constitué au cours de la modernité et du romantisme pour devenir la qualité la plus profonde, intime et unique de chaque être humain. Comme l’historien Darrin McMahon proclamait, en 2013, la mort du génie, en tant que croyance élitiste, puisque démocratisée, nous émettons, pour notre part, l’hypothèse que le génie, en tant que mythe, malgré les nombreuses et judicieuses critiques à son endroit, continue pourtant de structurer la compréhension artistique, philosophique et sociale que le moderne a de soi et de son monde. Le mythe du génie artistique et politique est une forme perpétuellement renouvelable et réutilisable qui peut revêtir autant une forme individuelle que collective, démocratique qu’élitiste, matérialiste que spirituelle et ainsi de suite. L’une des originalités de notre méthode ici envisagée, est de prendre en compte cette réticence de la pensée du génie à se laisser cerner par telle forme ou telle autre, et de faire de ce mode d’être protéiforme du génie l’objet même de nos préoccupations, la source même de l’ambiguïté de tout discours sur le génie, ainsi que la raison principale pour laquelle le génie, malgré toutes les attaques, semble toujours survivre et ne jamais vouloir vraiment mourir. C’est à l’aide de l’œuvre de l’écrivain autrichien Robert Musil (1880-1942) que nous entendons étudier cette question. D’une part, parce que Musil, faute d’avoir approché la question en philosophe, en a vivement ressenti l’obsession dans son œuvre littéraire, d’autre part, parce que le concept apparaît chez cet auteur comme un résidu historique riche d’une longue évolution et dont chaque phase, loin d’avoir été supplantée par la suivante, est l’objet d’une réverbération, c’est-à-dire se multiplie fantomatiquement en de multiples voix et échos. L’homme sans qualités, la critique l’a plus souvent qu’autrement omis ou négligé, comporte de nombreuses occurrences du terme à des passages cruciaux, dont trois chapitres consacrés à la discussion du concept ainsi qu’un chapitre au début de l’œuvre où l’apparition d’un cheval « génial » met en branle la « quête » du protagoniste. Nous montrerons ici comment Musil, en tant que romancier, entend traverser la « crise de la génialité », qui n’est au fond qu’un éternel balancement entre les deux thèses selon lesquelles il n’y a plus de génie et il n’y a que des génies, comment il entend, à défaut de rejeter son héritage romantique du génie, le suspendre et l’embrasser totalement dans l’exigence de la vraie génialité afin d’espérer, paradoxalement, à un monde où le mot même de « génie » n’existerait pas – lui qui écrivait, vers 1935, que ce serait un grand service pour l’humanité si jamais quelqu’un pouvait trouver un substitut pour le mot « génie ».

Mots-clés : Génie , Exceptionnalité , Histoire des idées , Épistémologie de la littérature , Robert Musil , Littérature autrichienne
Shapeshifting est un dispositif narratif de la science-fiction postcoloniale qui fonctionne comme un mode de résistance contre le colonialisme, l'oppression et l'impérialisme dans différents contextes historiques des deux romans. Cette étude montre comment shapeshifting facilite symboliquement un processus de décolonisation en résistant et en modifiant les constructions reçues de genre et de race. En outre, il explore des sites de décolonisation efficaces visant à démontrer des identités «résistantes» représentées comme une protagoniste immortel dans Wild Seed et un extraterrestre dans Lagoon. Wild Seed et Lagoon déploient la juxtaposition d’éléments magiques traditionnels avec des matériaux de science-fiction, ainsi que la manière dont les protagonistes établissent la justice dans la société.

Mots-clés : Shapeshifting , Wild Seed , Lagoon , Science-fiction , Résistance
Ce travail a pour but d'analyser les bases philosophiques de l'écriture de Felisberto Hernández, et plus particulièrement, l'influence de la pensée du philosophe Henri Bergson dans les nouvelles de sa période mémorialiste, "Por los tiempos de Clemente Colling" y "El caballo perdido". Dans ces récits, centrés sur le rôle fondamental de la subjectivité comme seule voie de connaissance possible, l'espace qui prennent le dialogue intérieur, l'analyse des souvenirs, la description d'impressions et de perceptions ainsi que les considérations à propos des limitations de la connaissance, dévoile une dimension profondément philosophique, jusqu'à présent peu abordée dans les analyses littéraires. Ce travail met en relation plusieurs traits stylistiques caractéristiques de la littérature de Hernández, comme l'automatisme ou l'animisme, avec les théories de la perception et de la mémoire bergsoniennes. En deuxième lieu, le travail pose cette essence philosophique comme une des raisons autant du caractère unique de son style littéraire que de son modeste succès auprès du grand publique.

Mots-clés : Philosophie et littérature , Henri Bergson , Littérature uruguayenne du vingtième siècle , Mémoire et perception , Subjectivité , Henri Bergson
Ce mémoire de maîtrise est une exploration comparative entre deux représentations littéraires de dystopies théocratiques américaines : The Scarlet Letter (1850), un récit revisitant l’intolérance américaine, et The Handmaid’s Tale (1985), une projection spéculative. Ce travail explore les modalités selon lesquelles un parti totalitaire parvient à exercer son pouvoir sur le corps des femmes dans le contexte historique, futuriste et hypothétique du littéralisme puritain. En commençant par un bref résumé du mouvement utopique, ce mémoire constate l’interlinéarité inhérente à l’utopie et son contraire exact, la dystopie. En effet, l’histoire littéraire suggère qu’il n’y a pas d’opposition binaire entre les deux ; que la dystopie naît de l’impossibilité d’atteindre, au niveau social, la perfection ; ce que, pourtant, l’utopie promettait.  En contraste avec la temporalité linéaire propre à la pensée progressiste américaine, les récits étudiés montrent – à titre de jérémiades – la circularité entre l’histoire et le futur du fondamentalisme chrétien. Les romans représentent de manière similaire l’instrumentalisation du corps des femmes. Essentiellement, ce mémoire explore trois dimensions de la représentation des dissidentes d’un système dystopique religieux. Premièrement, l’essai de Michel Foucault, Surveiller et punir, offre un cadre théorique intéressant quant aux modalités selon lesquelles les dissidentes sont punies. Deuxièmement, la théorie d’Erich Auerbach sur la figura – la conjonction entre la prophétie et son accomplissement – offre un contexte conceptuel pour les temporalités de la résistance féminine face au patriarcat. Finalement, la théorie de Jacques Derrida (L’écriture et la différence ; Mal d’Archive – une impression freudienne) se concentre sur l’idée de l’assujettissement auquel est voué le texte littéraire, pris entre le récit, l’histoire et le manifeste.  Ce projet est écrit en réponse à la menace démocratique planant sur les États-Unis : un contexte marqué par l’accès au pouvoir du fondamentalisme chrétien conservateur, par la précarité de la gauche et la droite et par le débat sur l’accessibilité, pour les femmes, aux moyens de contraception. En ce sens – et de manière ironique –, les fictions dystopiques portent en elles à la fois la fibre émancipatrice et défaitiste.

Mots-clés : utopie , dystopie , figura , totalitarisme , prophétie , féminisme , perfectibilité