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Le cinéma québécois rayonne de plus en plus à l’échelle internationale en présentant des œuvres de qualité.  Il est d’autant plus intéressant de remarquer que certains des films ayant récemment recueilli les commentaires les plus élogieux et de nombreux prix à travers le monde ont comme texte source l’œuvre théâtrale d’un dramaturge contemporain.  À l’ère du numérique, les contenus artistiques voyagent plus aisément d’une plateforme à l’autre, ce qui favorise les adaptations de tous genres.  Cependant, si les migrations d’œuvres théâtrales vers le cinéma ne sont pas récentes, la transposition de la dramaturgie contemporaine et de la scène actuelle, qualifiée d’intermédiale, à l’écran suppose de nouveaux enjeux dignes d’être étudiés.   Il s’agira, dans ce mémoire, de questionner le retour de l’illusion du naturel et de la transparence au cinéma par le biais de la disparition du dialogue théâtral.  J’émets l’hypothèse que les doubles niveaux de langue, souvent caractéristiques de la dramaturgie contemporaine, se heurtent à la résistance médiatique cinématographique et se transforment en un réalisme qui débouche sur une esthétisation du silence et construit ce que j’appellerai une « poétique du secret ».  Cette poétique découle directement d’une narration transmédia – ou transmedia storytelling – réalisée par le média cinématographique. L’étude porte sur une pièce de théâtre contemporaine et sur son adaptation cinématographique, soit Bashir Lazhar d’Evelyne de la Chenelière (pièce écrite en 2002 et mise en scène en 2007 par Daniel Brière au Théâtre d’Aujourd’hui) devenue Monsieur Lazhar (2011) sous la caméra du réalisateur Philippe Falardeau.   Ce mémoire vise, entre autres, à participer à la définition d’une nouvelle forme d’adaptation qui se détache des anciennes conceptions et qui vienne éclairer les relations intermédiales à l’époque du numérique.

Mots-clés : Théâtre , Cinéma , Adaptation , Contemporain , Intermédialité
Dans l’essai, il est question de la malédiction du génie chez l’artiste balzacien dans La Comédie humaine d’Honoré de Balzac, qui se manifeste notamment chez les personnages-artistes. Je m’intéresserai à quatre d’entre eux, soit Lucien de Rubempré, Frenhofer, Sarrasine et Gambara. Quatre romans suivants constituent mon corpus : Illusions perdues, Le chef-d’œuvre inconnu, Sarrasine, et Gambara. Ces artistes connaissent tous un destin tragique, imputable à quatre facteurs délétères auxquels je m’attarderai dans cet essai.  Le roman Comme les autres raconte l’histoire d’Antoine Lavoie, un adolescent de quinze ans qui vit dans la vallée de la Matapédia. Solitaire et introverti, il n’a jamais eu un seul ami et a passé sa vie à lire de vieux bouquins poussiéreux de la bibliothèque municipale tout en rêvant d’écrire un jour un roman. Mésadapté social, il évite complètement les jeunes de son âge. Chez lui, la situation n’est pas rose : son père est un invalide dont l’optimisme inébranlable frise le ridicule et sa mère est assommée en permanence par les pilules. La famille vit dans l’indigence et se nourrit grâce aux bennes à ordures des dépanneurs environnants. Mais Antoine ne s’en préoccupe pas outre mesure : il se contente d’être le spectateur de l’existence des autres. Or, un incident fortuit fait en sorte qu’il se met à traîner avec Francis Pigeon, adolescent délinquant qui, amusé par l’étrangeté d’Antoine, l’entraîne dans son existence de débauche. Pour la première fois de sa vie, Antoine a un ami, et s’imagine pouvoir devenir « comme les autres ». Il sera plutôt entraîné malgré lui dans des événements tragi-comiques dont l’issue sera assurément funeste. Bref, il s’agit d’un roman de contre-apprentissage de la vie à travers la cruauté humaine.

Mots-clés : Identité , Malédiction littéraire , Artiste , Honoré de Balzac , Artist
Ce mémoire se penche sur la réécriture des derniers chants de l’Odyssée que propose Jean Harambat dans Ulysse, les chants du retour, publié chez Actes Sud en 2014. Cette bande dessinée se distingue par son inclusion de métarécits au sein même de l’album dans le but d’éclairer mais aussi de questionner le texte source en explicitant, notamment par le truchement des figures d’historiens, tels Jean-Pierre Vernant et Jacqueline de Romilly, les difficultés liées à son interprétation et à sa réécriture.  Nous présentons, dans ce mémoire, une analyse de l’album de Harambat qui se centre sur les enjeux identitaires et relationnels de la figure d’Ulysse, tout en offrant une réflexion sur la place des récits antiques dans la modernité ainsi que sur les nouvelles formes que peuvent prendre ces récits afin de persister dans l’imaginaire collectif. Nous nous attachons en particulier aux métarécits qui représentent le trait le plus distinctif de cette adaptation du texte homérique. Nous nous penchons sur la spécificité du médium de la bande dessinée afin d’expliciter comment l’image et le texte peuvent se complémenter, de manière à rendre compte des complexités du texte homérique et de son rapport à l’identité.  Un corpus secondaire composé d’albums parus dans les mêmes années que Les chants du retour permet également de rendre compte de la diversité des réceptions de l’Odyssée au sein de la bande dessinée d’aujourd’hui. Ce mémoire se penche ainsi sur la pertinence des récits antiques dans notre contemporanéité en rendant compte des thèmes de la transmission et de la filiation, présents chez Homère et développés de manière à la fois respectueuse et imaginative par Harambat.

Mots-clés : Ulysse , Odyssée , Harambat , Bande dessinée , Réécriture , Odysseus , adaptation
Les romans Alexandre Chenevert de Gabrielle Roy, Rue Saint-Urbain de Mordecai Richler et L’Hiver de force de Réjean Ducharme ont pour référent spatial commun Montréal. Chacun à leur manière, ils mettent en œuvre des cartographies singulières de la ville. Chez Roy, la ville est labyrinthique. Le protagoniste y relève un foisonnement de langues, d’enseignes, de signes et de symboles qui participent d’un rituel de passage dans la pratique de l’espace. Chez Richler, la construction de Montréal passe par une anamnèse, par la mise en œuvre d’une mémoire collective d’un quartier disparu et dont le récit tente de faire revivre les traces désormais éparses. Quant aux protagonistes de Ducharme, leur topographie de la ville s’inscrit dans un rapport d’intériorisation qui introduit une topographie imaginaire à forte dimension introspective. Adoptant une perspective comparatiste, l’analyse de ce corpus de romans bilingues vise à étudier les façons par lesquelles les personnages construisent des rapports spécifiques à la ville, ce qui témoigne d’un mode de gestion particulier de l’espace et de l’altérité.  Au confluent de la sociocritique, de la littérature et de la géographie, mais s’appuyant d’abord et avant tout sur une étude fine des textes, ce mémoire de maîtrise participe aussi à l’appel lancé par Sheila Hones à développer un « dialogue and opening up new geographical ways of working with fiction » (2008 : 1314) en misant sur le travail interdisciplinaire qui permet de « recognize the ways in which [our] own work is conditioned by context, to accept the validity of other contextually conditioned approaches, and to write as well as read across borders » (Hones, 2008 :1311). L’étude des représentations de la ville dans ce mémoire ne vise pas à comparer la validité de ces dernières avec le réel, mais plutôt à comprendre la façon par laquelle l’espace et les lieux sont investis de significations. Plus qu’un simple effet de réel ou qu’une toile de fond, l’espace se lie de manière indissociable au récit et en dévoile le fonctionnement diégétique et symbolique.

Mots-clés : Littérature québécoise , cosmopolitisme , altérité , spatialité , géocritique , théories de la narratologie , Montréal
Ce mémoire s’intéresse aux deux premiers recueils de la poète Erika Soucy, Cochonner le plancher quand la terre est rouge (2010) et L’épiphanie dans le front (2012). Il étudie la manière dont la poésie de Soucy représente l’ordinaire dans tout ce qu’il comporte de carencé et d’indécis. Dans le premier chapitre, le mémoire s’appuie notamment sur les travaux de différents auteurs s’étant intéressés à l’ordinaire dans leurs domaines respectifs (Michel de Certeau, Bruce Bégout et Ben Highmore). Ce chapitre est également consacré à la façon dont la poésie de Soucy rend compte de l’ordinaire, porté par une langue oralisée à l’excès et par les sujets blessés qu’elle met en scène. Le deuxième chapitre porte de manière plus précise sur la poétique de l’auteure, que j’ai choisi de nommer « poétique du direct ». Ce chapitre examine par quels moyens Soucy donne forme à l’ordinaire dans ses poèmes. Enfin, le dernier chapitre du mémoire compare le projet poétique de Soucy à celui proposé par le cinéma direct québécois – en suivant en cela l’intuition de l’écrivain Mathieu Arsenault mise de l’avant dans son recueil-essai Le guide des bars et pubs du Saguenay (2016) – afin de donner à voir les principaux enjeux qu’implique le fantasme d’accès direct au réel par le texte sur lequel se construit la poésie de Soucy.

Mots-clés : Erika Soucy , Poésie québécoise contemporaine , Représentation de l’ordinaire
Ce mémoire se penche sur la poétique des récits de prison de Joseph-Guillaume Barthe (1818- 1893), Pierre Vallières (1938-1998) et Gérald Godin (1938-1994). Plus précisément, il propose une étude des filiations intellectuelles entre ces récits et une abondante production essayistique fondée sur l’idée d’enfermement. Depuis les années 1830, plusieurs écrivains ont tenté de cerner un sentiment de défaite qui plane sur la société québécoise et qui, en même temps, peut leur faire ombrage. En cela, les récits de prison se positionnent par rapport à cette tradition intellectuelle du grand récit défaitiste qui va de François-Xavier Garneau à Michel Biron, en passant par Pierre Vadeboncœur, Hubert Aquin et Fernand Dumont. La littérature québécoise comporte plusieurs œuvres qui rendent compte de cet abattement à la fois politique, social, intellectuel et psychique, tant et si bien que la fatigue de l’écrivain, comme symptôme inhérent à son statut en société, semble impossible à renverser. En nous appuyant sur l’histoire littéraire, nous montrons que cette fatigue, qui devrait se révéler à plus forte raison dans les récits de prison, tient avant tout à la construction d’un imaginaire littéraire. L’impression de permanence qui accompagne la répétition de ce thème de la fatigue apparaît dans les textes sous la forme d’un jeu sur le temps et l’espace de la prison, sur l’Histoire, sur la fictionnalisation de ce lieu et du prisonnier lui-même, ainsi que sur la littérature qui devient à l’intérieur du récit le miroir de la solitude écrivaine.

Mots-clés : prison , fatigue , nationalisme québécois , romantisme , Joseph-Guillaume Barthe , Pierre Vallières , Gérald Godin , défaite , analyse du discours , octobre 1970 , Prison , Fatigue , Joseph-Guillaume Barthe , Pierre Vallières , Gérald Godin
Lorsque la critique étudie l’œuvre d’Ernest Hello, c’est généralement pour le considérer comme un mystique obscur, isolé par et dans son siècle.  Adoptant  une  approche  épistémocritique,  cet  essai  se  propose  de  renverser  cette  perspective en accordant une attention particulière aux différents enjeux, débats et polémiques qui foisonnent dans une ambiance d’effervescence scientifique et technologique sans précédent caractérisant le Second Empire, afin d’expliquer certaines extravagances esthétiques de l’œuvre d’Hello. Basées principalement sur l’intuition qu’Hello était profondément convaincu que son apologétique pouvait trouver dans la science de son siècle une alliée de taille, les analyses de cet essai s’attardent sur l’adaptation dans nombre de ses écrits de plusieurs savoirs scientifiques.  Adaptation, dynamique qui plus est, ne pouvant être que surprenante, non seulement parce qu’à l’époque la science devient gage de nombreuses doctrines qui visent l’émancipation de toute métaphysique, mais aussi parce qu’Hello est considéré, a priori, comme un auteur spirituel. Or, ces savoirs confèrent à l’écriture d’Hello une richesse sémantique et procurent des arguments supplémentaires en faveur de son excentricité, son axiomatique laissant place à une deixis mystique  qui  emprunte  à  un  concert  de  savoirs  issus  de  sciences  dont  les  frontières épistémologiques sont éclatées par la crise du XIXe siècle, et qui participe souvent à la formation des éléments de cognition mystique et de représentation symbolique qui lui sont propres. L’analyse considère plusieurs articles, où il est possible de saisir à travers quels prismes Hello entend la portée symbolique des découvertes de son siècle, ainsi que plusieurs fragments, où il est possible de surprendre sur le vif les mouvements d’une cognition de l’anéantissement mystique qui unie aux assertions théoriques une deixis basée sur des savoirs hétéroclites et qui donnent  naissance  à  d’impressionnantes constructions poétiques servant  un discours sur l’ineffable.

Mots-clés : Ernest Hello , épistémocritique , symbolisme , anéantissement mystique , éther , mathématiques infinitésimales , science , catholicisme , philosophie , théologie , crise du XIX siècle
La littérature française des femmes nous offre de plus en plus de textes autobiographiques ou autofictionnels mettant en œuvre divers processus de mises à nu par lesquels les auteures dévoilent ouvertement leurs expériences honteuses, traumatiques et taboues. Violette Leduc et Annie Ernaux sont plus que représentatives de cette esthétique que plusieurs critiques ont qualifiée d’impudique et d’éhontée. Or, cette dernière l’est-elle tout à fait? Ce mémoire visera à étudier l’écriture de la honte dans L’Asphyxie, La Bâtarde, La Honte et Mémoire de fille, œuvres dans lesquelles les écrivaines font part de la double honte qui les gruge : celle de leur corps et de leur statut social. Si je m’attarderai, dans un premier temps, à l’analyse de la représentation de cet affect dans sa dimension à la fois corporelle et sociale, c’est à son aspect littéraire et esthétique que je m’intéresserai ensuite. En effet, si la honte trouve différentes représentations au sein des textes, ne trouve-t-elle pas aussi diverses formes stylistiques? De plus, l’écriture de la honte permet-elle une transcendance de cet affect ou, au contraire, entraîne-t-elle un enfermement au sein de ce dernier? C’est notamment à ces questions que je tâcherai de répondre en démontrant, au final, que les auteures se situent dans une stratégie performative : par le biais d’une esthétique qui joue entre la pudeur et l’impudeur, la retenue et l’exposition de soi, c’est dans cet entre-deux scripturaire que Leduc et Ernaux parviennent à performer leurs hontes et à retrouver leurs voies/x.

Mots-clés : Violette Leduc , Annie Ernaux , Honte , Écrits des femmes , Littérature française
Le présent mémoire porte sur deux traductions du roman Persuasion de Jane Austen. Parues aux extrémités du XIXe siècle, les traductions d’Isabelle de Montolieu et de Mme Letorsay offrent des différences de sens notables. La famille Elliot ou l’ancienne inclination et Persuasion ont été édités respectivement en 1821 et en 1882. Cette étude s’appuie sur la sociocritique des textes pour analyser les traductions l’une par rapport à l’autre, avec le texte original en anglais en référence. Les similitudes, les différences et les spécificités des traductions dépendent de la semiosis sociale qui entoure leur parution. Ainsi, le conservatisme qui suit le Premier et le Second Empire s’illustrent par l’adaptation du contenu romanesque original. Le lien de co-dépendance qui s’installe entre chaque traduction et sa semiosis sociale réactualise l’œuvre romanesque de Jane Austen. Par ailleurs, la comparaison des deux seules traductions de Persuasion du XIXe siècle permet d’observer l’évolution des normes de la traduction.

Mots-clés : Jane Austen , Isabelle de Montolieu , Mme Letorsay , Traduction , Sociocritique
En 1983, Nathalie Sarraute publie Enfance, un roman qui, par le récit de divers événements de l’enfance de sa narratrice, thématise de nombreuses formes et représentations de l’autorité, lesquelles constituent la matière de cette étude qui se situe sur le terrain de la sociocritique. Elle examine en effet la singularité de l’écriture sarrautienne et la manière dont elle procède pour questionner le devenir des relations interindividuelles et familiales en travaillant un « déjà-là » (Claude Duchet) composé de diktats sociétaux, de fragments doxiques (issus de l’opinion reçue) ainsi que de discours d’injonction diffusés par la tradition, la famille, la culture, l’école ou une certaine littérature. Usant de plusieurs méthodes de description des textes (narratologie, rhétorique, lecture interdiscursive), procédant par microlectures, l’analyse du roman prouve que ce dernier adopte un angle critique qui lui permet de montrer que l’autoritarisme s’infiltre si bien dans le langage commun et familier qu’il atteint la vie intime des gens. Elle permet également de souligner que l’écriture romanesque de Sarraute assume un héritage provenant de la crise de Mai 68 et qu’elle ouvre une discussion sur la possibilité de voir naître des projets d’émancipation individuelle, particulièrement pour la femme, capables de faire face aux pouvoirs de toutes sortes, des années 1960 jusqu’à nos jours.

Mots-clés : littérature , sociocritique , Nathalie Sarraute , Enfance , récit d'enfance , autorité , relations interindividuelles
Monique Proulx est une auteure québécoise qui est entre autres connue pour son appréciation de la diversité montréalaise. Le quatrième de couverture de son roman Ce qu’il reste de moi (2015) mentionne que les Montréalais de toutes origines ont en commun « la ferveur, l’appel au dépassement ». Considérant que ce roman propose un dénominateur commun aux habitants de Montréal, il soulève la problématique des conditions du vivre-ensemble politique en contexte multiculturel ou interculturel. Ce mémoire vise à analyser les modalités du vivre-ensemble tel qu’il est mis en récit dans le roman de Monique Proulx. Ce travail s’appuie notamment sur les ouvrages de Gérard Bouchard L’interculturalisme, un point de vue québécois (2012) et Raison et déraison du mythe (2014) ainsi que sur la théorie sur l’identité et la reconnaissance de Paul Ricœur telle qu’il la décrit dans Parcours de la reconnaissance : Trois études (2004). En comparant la théorie à la fiction de Monique Proulx, ce mémoire tente de déterminer la façon dont est mis en récit le lien social dans Ce qu’il reste de moi. Il semble en effet qu’il soit possible de lire le roman comme une proposition sur le plan collectif, dans la mesure où le texte présente un citoyen faisant preuve d’une ouverture marquée face aux différences identitaires en liant l’époque coloniale de Montréal à des personnages de notre époque (autour des années 2000). Ce travail cherche également à souligner les limites d’une telle proposition sur le plan politique.

Mots-clés : vivre-ensemble , multiculturalisme , interculturalisme , mythe , reconnaissance , identité , historisation , mémoire , langue , interculturalism , myth
Ce mémoire explore la notion d’intermédialité autochtone au sein de l’oeuvre de Natasha Kanapé Fontaine. Les imbrications entre les médias seront notre point d’appui pour penser les questions de l’esthétique dans l’art autochtone actuel. Par le biais de la représentation d’un média dans un autre, nous aborderons ainsi la réactualisation des traditions orales telles que le conte, le mythe, le chant et le tambour au sein des productions de cette artiste. Notre parcours observera les structures intermédiales qui mettent en exergue la mémoire ainsi que les connaissances ancestrales. Les croisements entre l’identité et le territoire seront également discutés dans l’optique des représentations intermédiales. Ainsi, les phénomènes d’affirmation et de réactualisation des savoirs se déploient par l’utilisation de divers médias. De ce fait, la résistance environnementale et culturelle ainsi que la néo-oralité sous-tendent l’oeuvre de l’artiste et s’expriment à travers les territoires imaginaires et médiatiques.

Mots-clés : Littératures autochtones au Québec , Intermédialité autochtone , Natasha Kanapé Fontaine , Oralité , Mémoire , Territoire
L'étude des pièces de théâtres Shakespeariennes se limite généralement aux performances et aux adaptations effectuées en Amérique et en Europe. Cet ouvrage se concentre sur le théâtre de Shakespeare en Asie, plus particulièrement, celui au Japon. La pièce étudiée dans cet ouvrage s'intitule « Noh Macbeth » et est une adaptation de Macbeth sur la scène japonaise nô. Le but de ce travail est de comparer le théâtre élisabéthain avec celui du nô, et d'établir par la suite si ces deux styles ont des ressemblances au niveau de l’adaptation Shakespearienne. Pour se faire, je propose d’évaluer le rôle de Shakespeare sur la scène internationale. Aussi, il est important d’étudier l’historique de Macbeth, à partir de sa création et à travers le temps, en passant par l’homme historique qui se trouve à la base du récit. Finalement, en regardant la place du théâtre nô au sein de la culture japonaise ainsi que l’adaptation de Macbeth dans ce théâtre, il sera possible de voir que, puisque le théâtre élisabéthain a disparu, le style théâtral nô se prête bien aux œuvres Shakespeariennes.

Mots-clés : Shakespeare , japon , nô , renaissance , traduction , théâtre élisabéthain , théâtre , globalisation , Macbeth
Les mauvais traitements psychologiques (MTP) sont l’une des formes de maltraitance les plus fréquentes et ses conséquences sur les enfants sont au moins aussi importantes que celles associées aux autres formes de maltraitance (Egeland, 2009). Depuis 2007, les MTP ont été ajoutés comme motif de compromission dans la Loi sur la protection de la jeunesse (LPJ). L’exposition de l’enfant aux conflits sévères de séparation de ses parents peut être considérée comme une forme de MTP et ainsi, justifier l’application de la LPJ. Depuis l’inclusion de ce motif de compromission, des défis ont été soulevés par les praticiens qui ont dû conséquemment ajuster leur pratique habituelle, notamment dans un contexte de conflit de séparation. La présente étude vise à répondre à la question suivante : quels sont les ajustements à la pratique habituelle des intervenants en protection de la jeunesse, alors qu’ils interviennent auprès d’un enfant exposé à un conflit sévère de séparation?    Les données utilisées sont tirées d’une étude antérieure, soit Malo, Moreau, Hélie et coll. (2015), Les mauvais traitements psychologiques envers les enfants québécois, 2007-2010. Plus spécifiquement, il s’agit d’une analyse qualitative des situations rapportées par 18 intervenants de trois centres jeunesse québécois, alors qu’ils interviennent dans un contexte de conflit sévère de séparation. Les résultats présentent les ajustements à la pratique habituelle que ces intervenants ont dû mettre en place lorsqu’ils sont intervenus dans ce contexte. La discussion souligne les particularités de ces interventions, notamment l’intensité accrue qui doit être déployée dans un tel contexte. Les implications de ces résultats pour la recherche et l’intervention en protection sont également discutées.

Mots-clés : Mauvais traitements psychologiques , Exposition aux conflits de séparation , Protection de la jeunesse , Intervention , Pratique habituelle