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Longtemps attendue, la publication posthume de l’ouvrage de référence de Dakaris S., Votokopoulou, I. et Christidis A.-Ph., Τὰ χρηστηήρια ἐλάσματα τῆς Δωδώνης τῶν ἀνασκαφών Δ. Ευαγγελίδη, regroupant 4216 inscriptions presque toutes inédites, soit la majorité des lamelles oraculaires trouvées à ce jour à Dodone, a suscité un intérêt tel qu’une équipe de spécialistes travaille actuellement à en faire une édition plus critique, systématique, numérique et libre d’accès. Le présent mémoire s’inscrit en ligne directe avec les orientations de la nouvelle équipe de chercheurs et comprend, en premier chapitre, un catalogue des questions oraculaires interprétées, par les éditeurs antérieurs, comme étant potentiellement relatives aux esclaves. Ce catalogue contient une traduction française, et un commentaire pour chacune des inscriptions. En second chapitre du mémoire, une synthèse révèle que le tiers seulement des questions sont assurément relatives aux esclaves. Ces questions assurément relatives aux esclaves sont enfin rassemblées dans un tableau d’analyse, en troisième et dernier chapitre.

Mots-clés : Esclave , Dodone , Lamelle , Affranchissement
Dans le premier chapitre de ce mémoire consacré aux Deux orphelines d’Adolphe d’Ennery et Eugène Cormon [Paris, Théâtre de la Porte-Saint-Martin, 29 janvier 1874], nous cherchons à caractériser ce mélodrame. Partant des différentes épithètes que nous offre la littérature critique, – “classique” (Brooks), “diversifié” (Thomasseau), “populiste” (Ubersfeld) ou “retrouvé” (Sarcey) –, sans oublier “l’oculaire du clou” (Thomasseau), nous proposons finalement de caractériser Les deux orphelines comme “mélodrame de l’oculaire des larmes”. Cette formulation recouvre trois aspects : il intègre la pièce dans la chronologie fin de siècle de l’histoire d’un genre qui a accompagné les révolutions, à commencer par celle de 1789 (Przyboś, Le Hir) ; il met en avant une esthétique du tableau (Frantz) qui relève cependant, à notre sens, davantage du visuel que du spectaculaire ; enfin, il souligne une éthique résolument pathétique. “Oculaire”, “larmes” ? Dans ce « drame du signe » (Brooks) qu’est le mélodrame, ceci nous conduit inévitablement à interroger le lien qui peut exister entre la pièce, le genre mélodramatique et la cécité de Louise, l’une des deux orphelines. Dans le deuxième chapitre, nous étudions donc la cécité telle qu’elle est présente dans l’œuvre. L’étude du personnage de Louise s’impose, ce qui nous permet, par des exemples tirés de la pièce et à l’aune des disability studies, d’illustrer, en les confortant, les représentations traditionnelles de la jeune fille aveugle en vogue dans la fiction populaire au XIXe siècle (Weygand, Kudlick, Thompson). Mais, établissant le parallèle avec le mutisme (Brooks) et envisageant alors la cécité comme “infirmité de genre”, – telle est la formulation que nous proposons –, elle se révèle infirmité symptôme du mélodrame fin de siècle, le théâtre s’appropriant les représentations de la cécité pour dire le genre mélodramatique. Interprétée dans la logique de la surenchère propre au mélodrame (Angenot), nous montrons que la cécité en défie les conventions esthétiques et éthiques, jusqu’à les perdre – jusqu’à l’y perdre.  Bien plus, interprétée dans le cadre du dispositif propre au théâtre (Féral), nous convenons que la cécité des Deux orphelines, tout en s’inscrivant dans le questionnement sur le regard qui habite l’art théâtral de l’époque, acte, vingt ans avant la naissance du cinéma, la fin de la prééminence du théâtre sur les autres spectacles de divertissement (Yon). Enfin, interprétée à la lumière d’une historiographie du XIXe siècle revisitée (Fureix et Jarrige), la cécité, qui s’oppose au visuel et à l’image, signe, dans le domaine culturel, la résistance du public des mélodrames à la modernité. Ainsi, talentueusement servie par le savoir-faire de d’Ennery et Cormon, deux mélodramaturges aguerris, la cécité, par sa capacité dramatique (Stoddard Holmes) tout autant que par sa puissance sémiotique, fait des Deux orphelines un mélodrame (par)achevé.

Mots-clés : Aveugle , Cormon , Handicap , Tableau , Théâtre français du XIXe siècle , Mélodrame , Modernité , Théâtre de la Porte-Saint-Martin , Disability
Autoportrait en autant d'arrêts sur image que de faces revêtues par un « je » labile qui oscille entre un passé possible, un présent incertain et un avenir appréhendé, Stills explore cet espace où onirisme et lucidité se conjuguent pour que la voix qui s'y érige puisse parler autant de l'indiscrétion des fleurs de la peau que des masques qui la recouvrent. En filigrane : un monde où les enfants sont des adultes avant l'heure, un départ toujours en train de se faire, des solidarités choisies qui résistent au pire et surtout à la mort, un univers où la cruauté se retourne contre soi seulement pour reprendre des forces avant d'être recrachée plus impétueusement au dehors. Stills interroge ce qu'on devient en se quittant, en quittant ses origines, en se positionnant contre - mais aussi tout contre malgré soi - cette image liminaire qui est toujours là, qui est still there, et qui nous définit sans qu'on ne l'ait choisie. Dans Moins « ça-a-été » que « ça-pourrait-être », la pensée se dissémine autour d'un centre absent où une lectrice entre dans un rapport de contamination avec son corpus avec lequel elle partage parfois sa voix, écrivant en quelque sorte, en même temps qu'elle essaie moins de définir le genre que de le sonder, un autre autoportrait. À partir des séries photographiques de Cindy Sherman et des œuvres littéraires de Clarice Lispector, de Carole David, de Dorothée Volut et de Claude Cahun, les présupposés biographiques qu'implique la pratique de l'autoportrait et les préjugés d'authenticité associés à la photographie sont dans cet essai reconsidérés afin de mettre en lumière les mutations des sujets mis en scène ainsi que les indices d'un monde fictionnel qui se trouvent autant dans les interstices des images de Sherman qu'entre les lignes des textes. Examinant certaines caractéristiques de l'autoportrait comme sa construction en fragments, son autoréflexivité, ses convergences avec la pratique picturale du genre, la place importante du corps de l'écrivain dans son écriture, il s'agit ici de réfléchir aux implications de la sérialité sur le déploiement du récit dans un genre qui repose communément davantage sur la description que sur la narration et de réintroduire la dimension éthique du genre sexuel dans cette pratique qui porte en germe le reflet plus vaste d'une collectivité qui s'incarne dans le singulier.

Mots-clés : Autoportrait littéraire , Photographie , Représentation des femmes , Corpographies auctoriales , Cindy Sherman , Clarice Lispector , Claude Cahun , Dorothée Volut , Carole David
La pièce de théâtre Purgatoire retrace, dans le désordre et le caprice de la mémoire, l'histoire de Margaux, jeune artiste peintre, en couple avec Mikaël. Margaux et Mikaël s’accrochent au connu et s'embourbent dans des promesses d'avenir qui culminent en un mariage burlesque. L’apparition de Laxmi et Munni, personnages eunuques d'origine indienne chargés de mythologie et d’une histoire millénaire, et la fin de la relation avec Mikaël marqueront chez Margaux le début d’une spirale de désintégration identitaire. Alternant entre l’ici et maintenant de la représentation et le temps de la fiction, le fil des événements est interrompu par les souvenirs, la présence d’une narration projetée omnisciente et d’autres moments qu’on ne saurait dire s’ils sont passés, futurs ou fictifs. Explorant la fluidité de l'identité et du genre, le fragile équilibre de la psyché et les replis du temps, l’histoire de Margaux repousse les limites de la quête identitaire jusqu’aux confins du rapport au réel. Prenant appui sur la thèse de Paul Ricœur sur l’herméneutique de la chronologie des événements dans le récit, nous proposons dans l’essai de faire l’étude intermédiale du temps dans l’œuvre scénique Purgatorio de Romeo Castellucci.  D’une part, l’analyse du temps de la fiction, mis en parallèle avec le Purgatoire de Dante, fait ressortir la présence de trois temporalités qui traduisent une aliénation des personnages face à la violence de leur existence. D’autre part, l’analyse du temps de la représentation s’appuyant sur les notions de performance et de représentation telles que définies par Chris Salter et Josette Féral révèle le passage de la stagnation à la transformation conforme à la conversion dantesque des âmes au purgatoire. En somme, l’étude révèle que la superposition des temps de la fiction et de la représentation de même que la valeur métathéâtrale des langages scéniques contribuent à distancier le spectateur de la représentation et à le ramener dans le temps présent (Lehmann). De plus, l'œuvre scénique englobe une conscience totale du temps (saint Augustin, Dante) qui est, selon Masciandaro, un temps propre à l’œuvre d’art.

Mots-clés : temps , intermédialité , représentation , performance , Romeo Castellucci , Purgatorio , Dante , théâtre , Purgatoire
Rythmant notre quotidien, l’escalier qu’on monte et qu’on descend comme une gamme à répétition s’ouvre tel un éventail de possibles pour peu qu’on s’y arrête. Dispositif architectural dont la fonction est de faire passer d’un étage à l’autre, il est aussi un canal médiatique des corps et de l’information, susceptible d’entraîner un changement d’état. À voir comment Alfred Hitchcock le mobilise dans la plupart de ses films, on saisit que l’escalier est un levier dramatique à même de créer du suspense - en scandant, par exemple, l’angoisse d’un visiteur qui évolue, par degrés, vers un palier qu’il ne voit pas. Cette temporalité « en différé » qui, dans l’escalier, se développe en amont et en aval a comme répondant un vertige de l’espace, le dispositif en question étant un foyer d’où rayonnent toutes les perspectives (en arts visuels) et les lignes de fuite narratives (en littérature). Lieu de transit qui éveille les jeux d’ombres de l’anticipation aussi bien que de la mémoire, il anime les architectures de la fiction. Tandis qu’en guise de prologue on fera appel aux Instructions pour monter un escalier de Julio Cortazar, Marcel Duchamp nous montrera, quant à lui, la façon de le descendre dans sa série cubo-futuriste des Nu descendant un escalier n.1-2-3. Entre le montage et le démontage de l’escalier, on visitera l’immeuble de La Vie mode d’emploi de Georges Perec où l’escalier, véritable  machine intermédiale, articule la vie collective ainsi que sa mémoire vive.

Mots-clés : escalier(s) , suspense , transit , Marcel Duchamp , Julio Cortazar , Georges Perec , mode d'emploi , analyse littéraire
La littérature jeunesse québécoise a bien évolué au cours des dernières années, plus particulièrement à partir des années 1970. Une nouvelle thématique a fait son entrée en littérature jeunesse depuis 1990 : la guerre, malgré le débat qui entoure le traitement de sujets délicats auprès des jeunes. Les auteurs (et illustrateurs) se sont appliqués à évoquer et à représenter, la guerre dans leurs œuvres d’une manière adaptée à leur public. Cette étude vise à comprendre comment la guerre est présentée aux jeunes enfants dans deux albums de Marie-Francine Hébert mettant en scène une fillette victime d’un conflit dont elle ne saisit pas les enjeux : Nul poisson où aller (2003) et Tu me prends en photo (2011). Après un rapide survol des enjeux soulevés par les sujets difficiles, comme la guerre, en littérature destinée à un  jeune public, ce mémoire examine les mécanismes et les méthodes utilisés par Hébert et les illustrateurs afin de rendre la réalité de la guerre compréhensible et non traumatisante pour les jeunes lecteurs. Les deux ouvrages ont en commun l’usage de non-dits et d’implicites, ainsi qu’une narration très imagée, qui évite de parler directement de la violence. Mais ils se distinguent par une orientation différente donnée au témoignage et donnent lieu à des récits qui se complètent en parlant différemment d’un même objet.

Mots-clés : Littérature jeunesse , Album , Guerre , Marie-Francine Hébert , Nul poisson où aller , Tu me prends en photo
Œuvre : La femme antérieure Le récit suit l’évolution d’un deuil sur une année. Des moments précédents la mort de sa mère aux funérailles d’une autre femme de la famille, la narratrice dépouille sa mémoire pour tenter de départager les souvenirs réels de ceux qui auraient pu être manipulés par le discours maternel.   Essai : Taxidermie littéraire Par l’analyse d’Une femme d’Annie Ernaux et de La femme qui fuit d’Anaïs Barbeau-Lavalette, l’essai propose le concept de taxidermie littéraire. Cette définition formelle permettrait d’aborder une certaine catégorie d’écrits du deuil comme étant des portraits vivaces ayant pour but de fixer l’identité du défunt par le texte. Par l’analyse d’autres pratiques d’interprétation du deuil et du corps décédé, l’essai convoque le travail du philosophe français Jacques Derrida sur le don/pardon, pour mettre en lumière le processus d’écriture menant aux textes qui pourraient tombés sous la définition de taxidermie littéraire.

Mots-clés : Deuil , Mère , Création , Essai , Taxidermie , Écrits biographiques , Autobiographie , Annie Ernaux , Anaïs Barbeau-Lavalette , Jacques Derrida
Les personnages à l’identité trouble sont nombreux dans l’œuvre romanesque de Catulle Mendès. À la frontière du féminin et du masculin, ils se distinguent du reste du monde tant par leur apparence physique que par leur singularité psychique, occupant ainsi une place à part dans l’univers mendésien. Sont-ils des femmes, sont-elles des hommes ? À plusieurs reprises, le doute subsiste chez le lecteur, et l’auteur se réjouit de semer le trouble dans le genre. Si l’on connaît la fascination que vouait Catulle Mendès à l'androgynie masculine, son intérêt pour les cas d’androgynie féminine, qualifiée par Péladan de  « gynandrie », est largement passé inaperçu dans les études critiques jusqu’à présent.   Loin de l'image positive de l'androgyne masculin tel que le fictionnalisent les écrivains de la seconde moitié du XIXe siècle, « l’androgyne-femelle »  revêt plutôt des caractéristiques monstrueuses, voire diaboliques. La gynandre, cette femme virilisée qui entretient avec le dandy fin-de-siècle des liens étroits, se démarque par sa représentation comme figure marginale qui se trouve, toutefois, au centre de nombreuses intrigues où glorification et peur du féminin s’entremêlent. L'étude de ces « femmes-hommes » prend alors tout son sens et permet d'entrevoir une nouvelle facette de l'œuvre romanesque de Mendès où la question d’un féminin hybride, symbole de la reconfiguration des identités sexuées et sexuelles, constitue en effet une matière vivante et complexe.   Pour mener à bien notre étude, nous avons choisi de nous appuyer sur trois œuvres de Catulle Mendès qui mettent en scène chacune un personnage gynandre différent : Méphistophéla, Les Oiseaux bleus et Monstres parisiens. Grâce aux outils de l’histoire littéraire, des études sur le décadentisme, des gender studies et de la théorie queer, nous examinerons la place qu’occupe la gynandre dans l’imaginaire fin-de-siècle, ainsi que les thèmes et les motifs lui étant associés.

Mots-clés : Androgynie , Gynandrie , Monstres , Identités genrées , Catulle Mendès
Le développement de la sensibilité chez les parents de nouveau-nés prématurés hospitalisés dans une unité de néonatalogie peut être retardé dû au stress associé à la naissance avant terme (Amankwaa, Pickler et Boonmee, 2007), ainsi qu’aux comportements des nouveau-nés prématurés qui rend plus difficile la communication entre celui-ci et ses parents (Bozette, 2007). Dans les écrits scientifiques, plusieurs interventions rejoignent une ou plusieurs composantes de la sensibilité parentale telles que définies par Bell (2008) soit : «la découverte, le contact affectif, la proximité physique, la communication et l’engagement » (Bell, 2008, p. 40). Ces interventions comprennent l’enseignement des signes de stress et de stabilité (Browne et Talmi, 2005; Maguire, Bruil, Wit et Walther, 2007; Melnyk et al., 2006; Milgrom et al., 2013; Newnham, Milgrom et Skouteris, 2009; Ravn et al., 2011; Steindhardt et al., 2015), l’échange de vêtement, la technique d’englobement et le contact peau à peau incluent dans l’intervention Family Nurture Intervention (FNI) (Hane et al., 2015) ainsi que la stimulation des sens du nouveau-né (Holditch-Davis et al., 2014; White-Traut et al., 2013) qui sont des interventions qui favorisent l’établissement de la sensibilité parentale. Le but de ce projet de stage était de développer et de mettre à l’essai une intervention clinique s’appuyant sur le modèle de Bell (2008) et qui comprenait un enseignement lié aux signes de stress et de stabilité des nouveau-nés prématurés ainsi qu’une combinaison de quatre interventions d’implication parentale afin de favoriser la sensibilité parentale des parents de nouveau-nés prématurés d’une unité néonatale de soins intermédiaires. L’enseignement des signes de stress semble avoir permis aux parents d’avoir une meilleure compréhension des comportements de leur nouveau-né prématuré alors que les interventions d’implication parentale leur ont permis de mieux communiquer, d’avoir plus de contacts physiques, de participer davantage aux soins et de reconnaître les émotions de leur nouveau-né. L’intervention clinique semble aussi avoir permis de diminuer le stress des parents et d’augmenter leur confiance parentale.

Mots-clés : Néonatalogie , Implication parentale , Sensibilité parentale , Interventions , Enseignement , Nouveau-né prématuré
Alexis Martin exploite dans son œuvre la langue telle une " langue prisme " au sens où l'entend Lise Gauvin : la langue se module afin de dévoiler plusieurs discours simultanés sur la forme qu'elle adopte, sur les propos qu'elle véhicule et sur les métamorphoses langagières qu'elle opère. Cette expression indépendante produite par la langue révèle ainsi une opinion nuancée sur l'exploitation de la langue par l'auteur, opinion qui équivaut à la surconscience linguistique de Gauvin. Celle-ci est permise grâce à un vaste éventail de procédés, tels que les technologies sonores, procédés qui découlent de ce qu'Hervé Guay définit comme le dialogisme hétéromorphe. Par ces divers procédés, l'auteur fait entendre de nouvelles voix qui s'ajoutent à la sienne. L'ouverture de la forme théâtrale, causée par la juxtaposition de plusieurs voix, langues et formes impropres au théâtre, caractérise la fonction médiatrice du langage chez Alexis Martin, tel qu'il en est question dans le présent mémoire.

Mots-clés : Alexis Martin , Surconscience linguistique , Dialogisme hétéromorphe , Théâtre québécois
Polyphonique, l’écriture d’Hervé Guibert, dans sa célèbre « œuvre du sida » – notamment ses deux premiers volets À l’ami qui ne m’a pas sauvé la vie et Le protocole compassionnel – explore les effets de la maladie sur plusieurs relations du sujet souffrant.  En ce sens, elle entremêle les discours, module son travail stylistique pour mieux performer les ambivalences – parfois étranges, paradoxales et déstabilisantes – des rapports entre les sujets, combattant ensemble les ravages de la pandémie : pensons notamment aux rapports à Soi (à son corps – et son esprit – en décomposition) ; les rapports souvent ambigus aux Autres (qu’ils soient soignant, amant, maîtresse, ami-e ou parent) ; et le rapport aux enjeux socio-politiques, scientifiques et culturels auxquels font face ces sujets dans leurs luttes intimes et collectives à la souffrance, l’exclusion et la mort (pensons ici à l’éthique des corps médicaux, des Autorités, et des groupes de défense du droit des malades).   Est-il possible d’écrire à rebours, d’aujourd’hui, ces rapports interdiscursifs et interidentitaires qui étaient au cœur de l’écriture guibertienne ? Qui donnaient corps et voix aux contaminations à l’œuvre durant les « années sida » ? Comment écrire l’actualité de ces rapports à un Soi souffrant, ambigu et polymorphe ? Ces performances intersubjectives au cœur des relations à l’Autre : du soin au fantasme, en pensant par les pulsions sexuelles et-ou de mort ? Est-il possible d’investir de nouveau ces luttes intimes et collectives à la maladie – à la mort en soi, en l’autre, la mort de l’autre en soi – à travers l’entremêlement des langages et des discours ? Qu’ils soient scientifiques, amoureux, éthiques ou littéraires ?   Les amants funambules s’avanceront sur le fil entremêlé des langages, pour proposer une réponse à ces questions ; une performance interdiscursive et interidentitiare : un recueil de nouvelles tendu à la fois vers les années « guibertiennes » du sida, et vers une recherche styilistique rythmée et « contemporaine » dans son rapport au passé.   Sur le fil des langages continuera à avancer sur ce fil interdiscursif, pour offrir une performance essayistique de La désorientation sexuelle du patient Guibert : un jeune homme sidéen, homosexuel de 35 ans, qui voit ses identités sexuelles, personnelles et sociales se disséminer – aux contacts de son propre corps, de celui de ses soignants, de ses amants, de ses maîtresses et de sa parenté – à mesure que le sida le décompose, que l’avancée de la maladie l’étourdit, le désoriente, au risque de le faire tomber du fil de fer de ses langages. Dans ce contexte, où les corps-langages risquent de tomber dans le silence de la mort, est-ce qu’une voie de salut arrive à émerger de la littérature ?   Mots-clés : Hervé Guibert, sida, maladies, relation de soin, interdiscursivité, identités sexuelles

Mots-clés : Hervé Guibert , sida , maladie , relation de soin , interdiscursivité , identités sexuelles
Halima Ben Haddou fait partie des pionnières de la littérature marocaine féminine d’expression française. Au moment de sa publication, en 1982, son premier roman, intitulé  Aïcha la rebelle, connaît un vif  succès et devient un best-seller. Bien qu’il soit un des premiers romans francophones écrit par une femme au Maroc, ce roman a vite été oublié par la critique. Notre étude part du constat que son hybridité générique le rend difficile à classer parmi les genres littéraires conventionnels.  Est-ce un roman sentimental ou un roman engagé? Ou appartient-il simplement à ce que l’on qualifie de littérature féminine? Ce mémoire vise à étudier  trois dimensions importantes  de  l’œuvre Aïcha la rebelle : la dimension sentimentale, la dimension engagée et la dimension féminine.  Ainsi, nous examinons tout d’abord comment  le roman Aïcha la rebelle se rapproche du roman sentimental traditionnel tout en s’écartant de certaines conventions génériques. Ensuite, nous analysons l’aspect engagé du roman en abordant des thèmes tels que le colonialisme et les questions identitaires. Finalement, nous nous intéressons à savoir de quelle manière le roman développe l’idée d’un certain féminisme spécifique et d’une écriture féminine touchant l’univers féminin oriental.

Mots-clés : Littérature maghrébine , Roman sentimental , Colonisation , Écriture des femmes , Colonialism
Le Temps des Éboulements, première partie de ce mémoire, est un roman à caractère poétique racontant les histoires parallèles de Marie-Hélène Cardinal, une jeune femme qui, après de lourdes épreuves à l’étranger, décide de revenir dans son Charlevoix natal et d’Antoine Cardinal, son père gravement malade qui chérit l’espoir de revoir sa fille avant de mourir. Deux vies, donc, reliées par le sang mais éloignées par un océan, qui tentent de se rejoindre mais qui subissent les contrecoups d’une communication difficile. Derrière ce récit, la fresque référendaire qui a déchiré Québec, l’amour familial et la jeunesse en quête de liberté. L’essai intitulé Virtuosité de l’émerveillement chez Christian Bobin s’intéresse, quant à lui, aux récits poétiques de l’auteur dans leur dimension intermédiale. Il sera plus particulièrement question de L’Homme-joie, œuvre où se côtoient les médias visuels et sonores au service de l’écriture de l’émerveillement et du réeanchantement, afin de changer la perception du réel qu’entretient le lecteur.

Mots-clés : Christian Bobin , Émerveillement , Intermédialité , Récit poétique