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De la Révolution tranquille jusqu’aux événements de la Commission Bouchard-Taylor, la question des relations interculturelles et interreligieuses au Québec a occupé une large place dans les débats publics. Selon de nombreux auteurs, des rapports particuliers se seraient établis au cours de l’histoire entre des « représentations identitaires » et des « événements » spécifiques à une culture canadienne-française. Cette particularité relationnelle, qui se caractérise sous forme de « liens imaginaires » avec certains « événements historiques », aurait paradoxalement la propriété de provoquer une coupure avec le passé. Cette dynamique des rapports que nous nous représentons au Québec et que nous situons dans une perspective d’interconnexion entre ce qui représente le « nous » et ce qui représente l’Autre renferme une voie intéressante de réflexion sur une autre façon de penser le rapport à l’Autre au Québec.  Aborder cette question en s’inspirant de la pensée de Kitaro Nishida, philosophe japonais du début du XXe siècle dont les œuvres ont été traduites par une auteure, Jacynthe Tremblay, offre une perspective inédite sur la question de l’identité et de sa relation avec le monde qui l’entoure. Nishida a parlé du rapport entre le « je » et le « tu », à partir duquel il est parvenu à montrer en quoi le « je » de la subjectivité moderne (la conscience du « je » qu’il a de lui- même) pose problème pour cette altérité. Il propose de déconstruire cette conscience de soi pour pouvoir envisager une nouvelle conscience de « soi » et de l’« Autre », qui culminera avec la notion de « véritable soi » et ultimement avec un rapport à l’« Autre-absolu » ou le « monde historique». Ces notions intrinsèques sont considérées par Nishida comme fondamentales pour l’existence humaine et essentielles à une harmonie des différences.

Mots-clés : Interculturel , Interreligieux , L’Autre , Catholicisme , Philosophie , Altérité , Relation , Identité
La Vengeance Nostre Seigneur est une chanson de geste écrite vers 1200 qui raconte la destruction de Jérusalem en 70 de notre ère par Vespasien et Titus comme une vengeance pour la Crucifixion. Elle nous est parvenue dans dix manuscrits, tous des recueils, étant donné sa relative brièveté (1200 à 3400 vers, selon les rédactions). Or, ce texte adopte un comportement particulier dans certains des manuscrits qui le conservent : le récit de la vengeance du Christ bourgeonne dans d’autres textes où l’on n’attendrait pas sa manifestation. L’objectif de cette étude est double : comprendre comment est pensé, conçu et construit le recueil médiéval d’une part, à partir du recueil de Paris, BnF, fr. 1553 ; d’autre part, il s’agira d’évaluer le rôle que la Vengeance Nostre Seigneur peut jouer dans la composition des manuscrits qui l’hébergent. Après l’analyse du recueil du Moyen Âge central en général et du recueil de Paris, BnF, fr. 1553 en particulier, l’étude se concentrera sur la Vengeance Nostre Seigneur afin de la situer dans le paysage littéraire médiéval (étude des sources, analyse générique, contexte de circulation). Il s’agira de comprendre la place qu’elle occupe dans le manuscrit de Paris, BnF, fr. 1553 et de saisir le phénomène de rayonnement qui surgit dans ce recueil. Le rôle de la Vengeance dans deux autres manuscrits qui, bien que fort différents, occupent une place importante dans la tradition, le recueil de Paris, BnF, fr. 1374 et le recueil de Turin, BNU, L.II.14, sera ensuite étudié, notamment en ce qui a trait au rayonnement de la légende. Enfin, les trois copies du texte seront comparées afin de déterminer dans quelle mesure ces trois rédactions représentent précisément le même récit.

Mots-clés : vengeance du Christ , recueil médiéval , chanson de geste
Ce mémoire propose une analyse de la dystopie féministe et mémorielle Les Sorcières de la République de Chloé Delaume, en s'intéressant particulièrement à l’illusion du média en direct que l'autrice y met en scène. Notre but sera de déterminer quel effet cette illusion peut produire dans le format statique d’un récit littéraire imprimé, ainsi que fut notre intention scripturale avec La Sociétose, court roman d’anticipation présenté dans ce mémoire.  Seront entre autres convoqués dans la réalisation de ce projet, les philosophes Giorgio Agamben et Tzvetan Todorov, qui guideront notre réflexion, dans le premier cas, sur les intentions critiques de Chloé Delaume, puisque nous posons le postulat que le dispositif encadrant son récit mène à une dénonciation des institutions contemporaines, par la profanation, et que cette critique se veut forte grâce à un direct spectaculaire destiné à servir l'histoire. Dans un second volet réservé aux stratégies langagières, le critique Todorov nous fera voir comment l'enjeu de la parole magique pimente les tribulations croisées des personnages centraux. Notre projet créatif rejoint les Sorcières de Chloé Delaume à maints égards. La Sociétose raconte l'histoire d'une anthropolinguiste mondialement connue pour avoir créé un idiome inclusif, que le gouvernement nomme, sans raison apparente, en 2067, à la tête d'un organisme de haute instance destiné à éradiquer cette langue. Tout au long du récit, cette femme au cheminement contradictoire, fera l'objet d'une série d'émissions spéciales menées en direct dans le contexte de vifs débats linguistiques qui étouffent l'espace public alors que gronde la menace d'opérations subversives. Les deux récits  au cœur de notre travail en recherche/création ont cours dans le futur, et à leur manière de « direct littéraire » mettent en scène des voix qui luttent contre leur effacement.

Mots-clés : Chloé Delaume , Sorcières , Dystopie , Média , Langue
L’œuvre d’Hervé Guibert, écrivain, photographe et journaliste français, est surtout reconnue par la critique et le public pour le récit intime et complexe de l’expérience de la séropositivité lors de l’éclosion de la pandémie du sida dans les années 1980-1990. Érigée comme figure de proue de la littérature du sida en France suite à la publication d’À l’ami qui ne m’a pas sauvé la vie (1990), son œuvre, dont la production s’étend sur près de deux décennies, est cohérente et homogène dans les thèmes qu’elle aborde : une réflexion sur l’image et la mort s’élabore dès la première publication, La mort propagande (1977), alors que Guibert n’avait que vingt et un ans et se poursuivra jusqu’à la toute fin, transformée par la maladie.  Tout au long de son œuvre, Hervé Guibert se construit un imaginaire du soi malade et mou-rant qui se déploie sur le plan littéraire et visuel. Dans une perspective intermédiale, il sera question, dans ce mémoire, d’analyser les formes de construction de cet acte de faire-image de soi dans L’image fantôme (1981), Cytomégalovirus (1992), Le Protocole compassionnel (1993) et Le mau-solée des amants (2001). L’œuvre d’Hervé Guibert peut ainsi être considérée comme une véritable exploration des possibilités de médiation(s) de la mort. L’élaboration d’un imaginaire du soi malade et mourant s’observe sur le plan du récit, de l’image et d’une filiation transhistorique avec la tradi-tion judéo-chrétienne. Son œuvre tente, malgré tout, de faire sens de la condamnation.

Mots-clés : Hervé Guibert , Littérature française , Sida , Mort , Maladie , Intermédialité , Image de soi , Image
Résumé Véritable récit de filiation, Meursault, contre-enquête de Kamel Daoud, chroniqueur et écrivain algérien d’expression française, prolonge et transgresse l’univers fictionnel de L’Étranger de Camus selon le point de vue de l’Arabe. Publié aux éditions Barzakh en Algérie, le roman reçoit le prix Goncourt du premier roman en 2015. Dans le roman de Camus, Meursault abat un Arabe sur une plage d’Alger, la victime n’a pas d’identité, elle demeure anonyme, le texte de Camus ne lui attribuant aucune agentivité. Le roman de Daoud nait de ce qui est interprété comme une injustice par Haroun, frère de l’Arabe assassiné et narrateur du récit qui va, dès lors, revendiquer un devoir de mémoire et de réhabilitation tout en s’inscrivant dans une réflexion sur l’Algérie contemporaine. Dans ce mémoire, nous examinons dans le premier chapitre les différents procédés théoriques soit l’intertextualité, la transtextualité et la transfictionnalité qui permettent de comprendre comment Kamel Daoud met en scène le chemin que Haroun parcourt, sur le modèle du palimpseste, pour dire l’Histoire/l’histoire de sa famille, ses états d’âme et pour exposer la problématique de l’identité algérienne et sa relation tumultueuse avec le passé colonial. Dans le deuxième chapitre, nous voyons par quels moyens Daoud prolonge le roman de Camus par l’invention de personnage et la restructuration des lieux et des évènements. Enfin, le dernier chapitre s’intéresse à la portée idéologique et politique de l’œuvre de Daoud et ce qu’elle implique comme lecture et réécriture postcoloniale de l’œuvre camusienne.

Mots-clés : Intertextualité , Transtextualité , Transfictionnalité , Identité , Altérité , Kamel Daoud , Littérature postcoloniale
Dans ce mémoire, nous nous proposons d’étudier la présence de l’héritage juif de Claude Cahun dans ses œuvres littéraires et picturales ainsi que son influence sur sa construction identitaire. Dans un premier temps, nous évoquons les théories de l’identité, plus précisément de l’identité juive, pour pouvoir ensuite analyser les traces de la judéité, unique et particulière, dans l’œuvre de l’auteure-artiste. Nous procédons à l’analyse de fragments d’Aveux non avenus essentiellement, tout en complétant notre réflexion de textes périphériques. Ces extraits montrent l’influence de la tradition juive et du rapport conflictuel que l’auteure entretenait avec son héritage religieux et philosophique. Par une analyse précise et détaillée de l’expression de sa judéité, nous tâchons de mettre en évidence l’importance de cette tradition dans la construction des identités cahuniennes et dans l’élaboration de son œuvre. De par l’étude de ses textes, les linéaments d’une esthétique peuvent être décelés : celle du « devenir », de la perpétuelle métamorphose. Nous constatons que l’idée de « devenir » est fondatrice de la judéité de Claude Cahun, et nous tâchons dans ce mémoire de démontrer son importance. Dans un second temps, nous insistons sur le rapport critique entretenu par l’auteure avec la société dans laquelle elle écrit et dont les mœurs et la pensée sont extrêmement influencées par le dogme religieux. Nous mettons en évidence les virulentes dénonciations mises en place par l’analyse de stratégies scripturaires précises comme les réécritures parodiques et les détournements des textes bibliques.

Mots-clés : littérature française du XXe siècle , écriture des femmes , identité , judéité , études religieuses , philosophie , détournements
L’illumineuse est un texte dramatique construit autour de la figure de l’écrivaine québécoise Jovette Marchessault. La pièce, relevant à la fois de l’hommage et du récit initiatique, propose une réflexion sur l’expérience de lecture, sur l’écriture et sur le legs artistique féministe. Dynamisée par un important jeu intertextuel, L’illumineuse met en scène une exploration et une célébration ludique de l’oeuvre de Marchessault, en intégrant des personnages et des extraits issus de ses écrits. L’action de L’illumineuse se déroule en une nuit, dans le huis clos d’un appartement d’étudiante, au sein duquel une jeune écrivaine angoissée recevra la visite des « femmes légendaires » (Anne Hébert, Anaïs Nin, Violette Leduc, etc.) qui peuplent les pièces de théâtre de Marchessault. L’essai La « claque de feu monumentale » : mysticisme et féminisme dans La pérégrin chérubinique de Jovette Marchessault se penche sur le dernier texte publié de Jovette Marchessault et sur l’héritage mystique à la fois traditionnel et revendicateur qu’il contient. Nous y relevons, en un premier temps, les mécanismes textuels qui supportent le mysticisme de La pérégrin chérubinique. Par la suite, sont analysées les représentations théâtrales dont l’oeuvre fit l’objet, organisées par la metteure en scène et interprète Pol Pelletier, dans le but de réfléchir au mysticisme à l’épreuve de la scène. En réfléchissant à la fois aux média textuels et dramatiques, l’essai aborde la question de l’art comme vecteur du sacré, tout en mettant de l’avant les subversions féministes des créatrices de La pérégrin chérubinique.

Mots-clés : Jovette Marchessault , Pol Pelletier , mysticisme , féminisme , intertextualité , théâtre québécois , création littéraire , mysticism
Ce mémoire est composé d’un essai et d’un roman. L’essai s’intéresse à la post-mémoire, concept développé pour traiter des traumatismes historiques, en tant que matériau mémoriel intime. La recherche opère un glissement entre le traumatisme historique et le traumatisme privé en fondant leur similarité sur leur nature événementielle. Le roman La femme qui fuit d’Anaïs Barbeau-Lavalette permet de concevoir l’importance de la post- mémoire dans le cadre de traumatismes familiaux. Cette histoire, mise en fiction en s’appuyant sur les traces d’un passé disparu, illustre bien la mise en récit et la reconquête du sens perdu par la deuxième génération d’un événement traumatique. La partie création du mémoire se consacre au récit d’une narratrice hypocondriaque dont la mère est décédée du cancer du sein alors que la protagoniste était encore enfant. Le personnage tente de déplier ses souvenirs, mais ne réussit que par l’entremise de son imagination – seule la narratrice-enfant possède les véritables souvenirs maternels. Toutefois, comme la fillette n’existe plus au présent, la reconquête de l’ascendance achoppe. En tentant de recomposer sa mère, la narratrice découvre surtout ses propres fantômes et ceux de son père. La création propose l’expérience de la théorie post-mémorielle tout en questionnant ses limites.

Mots-clés : post-mémoire , traumatisme , Anaïs Barbeau-Lavalette , résilience , littérature québécoise , histoire , Parentage , Trauma
Ce mémoire postule que l’affirmation de soi, dans le théâtre de Fabien Cloutier, se fait au détriment de l’autre, voire contre l’autre. Je vérifierai cette hypothèse à travers l’analyse des pièces Scotstown, Billy (Les jours de hurlement) et Bonne retraite, Jocelyne. Ce mémoire part de l’idée selon laquelle l’affirmation identitaire, aujourd’hui, va de pair avec les principes d’« écart » et de « différence », élaborés par François Jullien dans son essai Il n’y a pas d’identité culturelle. Dans les diverses théories, identité et altérité sont intrinsèquement liées. On va même jusqu’à opposer identité et altérité. Dans l’imaginaire collectif et dans l’univers dramaturgique de Fabien Cloutier, la notion d’altérité comporte une connotation fortement négative. Toutefois, ce qui fait la force des pièces de Cloutier, c’est qu’elles dépassent le constat que le soi est confronté à l’autre. Il s’opère plutôt en elles le passage du régime de la « différence » à celui de l’« écart ». Le régime de la « différence » implique un rapport de verticalité, ou autrement dit, de supériorité. Celui d’« écart » implique un rapport d’horizontalité, où les deux entités qui la composent sont prises pour ce qu’elles sont, pour ce qui les rassemble et les dissocie, sans que l’une serve de modèle ou de point de comparaison à l’autre. Pour repérer et analyser les manifestations de l’affirmation de soi et ses effets sur l’autre, telles qu’elles sont perceptibles dans les trois œuvres du corpus, je me pencherai plus particulièrement sur les modalités de l’énonciation et la nature du dialogisme comme les définit Hervé Guay. Je tenterai finalement de montrer comment Scotstown, Billy (les jours de hurlement) et Bonne retraite, Jocelyne dénoncent la tendance à banaliser l’autre afin de mieux se valoriser et comment ces pièces tentent de changer la conception de l’altérité.

Mots-clés : théâtre québécois contemporain , Fabien Cloutier , identité , altérité
Consacré à l’étude de deux romans contemporains, soit La liberté des détours (2015) de Mathieu Blais et Dixie (2013) de William S. Messier, ce mémoire étudie la présence d’une régionalité transformée, voire déconstruite dans l’imaginaire littéraire québécois. Pour ce faire, il examine ces lieux fictifs à la lumière de la reprise de la figure du Survenant, imaginée par Germaine Guèvremont en 1945. Le premier chapitre présente la figure du nomade, des récits historiques au roman de la terre, pour réfléchir sur son évolution. Il explore ensuite la conception novatrice que lui accorde Guèvremont dans Le Survenant au moyen d’une analyse textuelle. Le deuxième chapitre s’attache à la définition de la régionalité, telle qu’elle est définie par Francis Langevin, en fonction des besoins relatifs au corpus primaire de cette étude. Cette approche nous permet d’analyser les filiations en relation avec le topos de l’étranger en milieu rural, et plus précisément la dichotomie entre « habitant » et « étranger » imposée par la littérature terroiriste. La méthode employée pour l’analyse des textes est inspirée des théories de l’intertextualité, de l’hypertextualité et de la narratologie. Finalement, le troisième chapitre examine les thématiques intertextuelles de la liberté et de l’héritage dans les romans contemporains, lesquelles adoptent une esthétique « rurale trash » caractérisée par un refus de l’idéalisation, comme la définit Mathieu Arsenault. De ce fait, le Survenant, idéalisé dans le roman de Guèvremont, se transforme en figure de fuyards hors-la-loi dans La liberté des détours et dans Dixie.

Mots-clés : Littérature québécoise contemporaine , Littérature du terroir , Régionalité , Ruralité trash , Intertextualité , Narratologie , Le Survenant , La liberté des détours , Dixie
Depuis 1984 (1949) de George Orwell, la télévision et les regards (panoptiques et synoptiques) qu’elle engendre constituent un leitmotiv du genre dystopique. Dans les dystopies Acide sulfurique (2005) d’Amélie Nothomb et Les Sorcières de la République (2016) de Chloé Delaume, ils occupent une place centrale. Imposant une façon de voir au moyen du cadrage de la caméra et transmettant le contenu filmé à un nombre illimité de téléspectateurs, ils sont responsables de l’horrible traitement des protagonistes. Les héroïnes, Pannonique et la Sybille, sont exposées sans leur accord sur les écrans des habitants de leur pays qui se divertissent de leurs malheurs. Les œuvres des autrices à l’étude critiquent toutes deux, chacune à leur manière, la « société du spectacle » (Guy Debord, 1967) qu’encourage la télévision. Suivant des perspectives intermédiales et féministes, ce mémoire s’intéresse aux conséquences de la contamination non seulement des personnages féminins mais également du genre romanesque lui-même par les regards télévisuels. Il semble avant tout qu’ils aient un effet non négligeable sur les protagonistes, puisqu’elles sont jugées selon leur apparence par les téléspectateurs et que leur sexe conditionne l’image qui leur est attribuée (la sorcière, la vierge, l’amoureuse, etc.). Or, l’impact des regards télévisuels ne se limite guère à l’intrigue des romans, puisqu’ils contaminent aussi la forme, la structure et la narration des œuvres. Acide sulfurique et Les Sorcières de la République apparaissent comme des « livres-écrans » qui font adopter la position de téléspectateur à leur lectorat et accueillent simultanément le virus télévisuel au sein du livre, tout en le combattant de l’intérieur.

Mots-clés : Chloé Delaume , Amélie Nothomb , Littérature de l’extrême contemporain , Dystopie , Intermédialité , Dispositifs médiatiques , Féminisme , Télévision , Regards
La Ceinture des Parques engage un dialogue à mort avec la montée des eaux. Centrée sur les épreuves discrètes et pragmatiques du phénomène, cette fiction post-apocalyptique plonge dans la souffrance psychologique ressassée jour après jour par ceux qui vivent derrière les digues dans l’attente et l’impuissance. Deux rescapés de l’engloutissement planétaire incarnent ici l’idée que, face aux invasions de l’océan, le pire n’est pas dans les tempêtes mais dans ce qui les sépare. Le récit vise dès lors à faire du lecteur un guetteur. Ainsi prend-il la page comme une paroi et le texte comme une faille : chaque lettre est une nouvelle entaille dans le barrage, fissure par laquelle une goutte menace de s’infiltrer. A travers ces brèches, la mer remodèle le langage, balaye toute fixité en imposant le rythme de ses vagues, absorbant les frontières de l’écriture pour les calquer sur l’instabilité permanente qui caractérise le trait de côte et les marées. Plus l’énonciation progresse, plus elle se condamne en ouvrant elle-même ses vannes à une liquéfaction totale où les fins du narrateur, de sa langue et de l’environnement s’unissent dans une dilution commune.  L’essai des Neuf gouttes explore le réseau textuel souterrain déployé par le ressassement et la répétition d’une instance narratrice. Roman énigmatique, La petite fille qui aimait trop les allumettes aligne de nombreuses formules récurrentes, variées et réparties sur l’ensemble de ses 200 pages. A travers ces termes fréquents à priori insignifiants, le texte de Gaétan Soucy propose une dynamique textuelle alternative qui diffère selon le degré de coopération pragmatique du lecteur. Le ressassement s’impose dès lors comme moteur du récit, fonctionnant comme un régulateur de vitesse utilisé par la narratrice pour équilibrer deux fins convergentes, l’une matérielle et l’autre psychologique. Entre ces deux menaces qui se resserrent à chaque ligne, Alice Soissons doit résoudre le mystère familial avant que l’écriture soit rendue impossible, tout en évitant de précipiter sa plume dans une surchauffe émotionnelle. Voir comment l’intrigue gère paradoxalement le retour en arrière comme meilleur moyen d’avancer dans sa résolution constitue toute la teneur de cet essai.

Mots-clés : Soucy , La petite fille qui aimait trop les allumettes , ressassement , répétition , environnement , océan , écologie , apocalyptique , langage
Fondé sur les bases de la sociocritique des textes, ce mémoire a pour objectif d'étudier le traitement du néolibéralisme dans la trilogie Vernon Subutex de Virginie Despentes. L'analyse dégage d'une part l'uniformisation de l'espace romanesque, lequel est réduit à l'opposition des villes et des périphéries, et d'autre part l'uniformisation du temps romanesque causé par l'imposition des lois du marché, qui donne lieu à l'abolition de la distinction entre le temps de travail - production - et le temps de loisir - consommation. Cette suppression est plus amplement explorée par l'étude de l'insistance permanente du texte sur l'enracinement et la stabilisation de l'économie de l'attention. Le mémoire fait ressortir les conséquences de ces modulations sur la société romanesque, lesquelles sont la disparition des filets de protection sociale, l'atomisation d'une société livrée aux intérêts privés des individus, la normalisation d'une violence sociale et institutionnelle systémique, ainsi que la labilisation de la frontière entre le privé et le public sous l'effet d'une instrumentalisation des processus cognitifs, de l'intimité, des affects, des identités individuelles et des identités collectives. Ainsi, la lecture des romans de Despentes met en évidence la dimension téléologique de la conjoncture historique actuelle. Elle se propose également de démontrer le caractère liminaire du personnage de Vernon Subutex, le personnage éponyme de la trilogie et le noyau de la genèse textuelle autour duquel gravitent une multitude de personnages marginaux. La "mise en texte" (Duchet) du personnel romanesque est telle qu'elle saisit un moment dans le devenir historique, social, économique et culturel et qu'elle confère au motif symbolique du seuil un rôle capital dans la poétique du roman.

Mots-clés : Virginie Despentes , Vernon Subutex , Littérature française , Sociocritique , Néolibéralisme , Économie de l'attention , Personnage liminaire , Motif du seuil , Threshold motif