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Très bon concert de Metallica, la partie fiction autour est pas mal non plus. Néanmoins la fin est un peu brusque, Seek and Destroy n'est même pas joué alors qu'il s'agit d'un classique du groupe. Set list: The Ecstasy of Gold Creeping Death For Whom the Bell Tolls Fuel Ride the Lightning One The Memory Remains Wherever I May Roam Cyanide ...And Justice for All Master of Puppets Battery Nothing Else Matters Enter Sandman Hit the Lights Orion Bref: A voir
Film ridicule, à la limite du rire, ne présente aucun intérêt. A déconseiller.
Une femme peut tromper son monde, ici elle s'immisce dans un couple. Cette femme ne s'en sort pas d'un trauma, elle est posséssive sur un ton pathologique.
Nul, nul, nul ! La senario est quasi le même de transporteur 3, aucun lien ni rapport avec Fast & forius. Très lent et enyant. Ne perdez pas votre argent la dedans.
Il y a tout juste 10 ans, j’avais vu « The Score », un film qui comportait déjà au casting le duo Edward Norton – Robert De Niro. Toute comparaison avec « The Score » ne serait pas à l’avantage de « Stone » et surtout au niveau du scénario qui est très mince. D’ailleurs, l’idée de base du scénario, assez proche de celle de « Sang Chaud pour Meurtre de Sang Froid » (Final Analysis, 1992), est malheureusement ici mise au service d’un film qui se révèle long, lent et ennuyeux. Le film est en fait trop bavard avec des dialogues trop tournés autour de la religion et qui, mis dans la bouche des acteurs, les font s’écouter parler plus qu’ils ne font avancer l’histoire. A éviter sous peine de regretter d’avoir perdu son temps précieux.
Malgré un début très lent, j'ai beaucoup apprécié. Je ne m'attendais pas à une telle plongée dans la folie. C'est très réussi et les acteur sont tous génial un chef d'oeuvre a ne pas mettre en entre toute les mains.
J’ai dû voir ce film 4 ou 5 fois, et toujours avec le même plaisir. Avec le recul, je le revois sous un angle plus critique. Signé Anthony Mann, c’est l’un des grands classiques du genre, mais pas son meilleur western, à mon sens. Ce réalisateur nous a d’ailleurs laissé quelques westerns mémorables (La Porte du diable, La Charge des Tuniques Bleues ou le magnifique L'Homme de la Plaine) sans compter les policiers, films de guerre etc. Ce touche à tout de génie a réuni pour cette œuvre, quelques acteurs habitués du genre. Au premier chef, James Stewart, acteur fétiche du réalisateur, campe un aventurier et tireur émérite qui va tout faire pour récupérer la fameuse winchester qu’il a gagné à un concours de tir. Les autres acteurs sont cantonnés dans des seconds rôles tels Dan Duryea et son incorrigible rire en chasse d’eau, Shelley Winters, Stephen McNally et … curieusement Rock Hudson dans un rôle de chef indien peu crédible. Par contre, bien qu’ils ne soient que des acteurs secondaires, le marshal Wyat Earp paraît impotent, voire empoté, quant à son frère Virgil, préposé au gardiennage des armes, il a l’air bien malingre pour un shérif adjoint. On notera la présence de John McIntire dans le petit rôle du joueur professionnel au chapeau claque. On retrouve les éternels indiens et la cavalerie pour faire bonne mesure. L’attaque des indiens est rondement menée mais pas avec autant de brio qu’un John Ford ou un Raoul Walsh. L’intérêt est maintenu grâce aux diverses scènes d’action qui émaillent le film et l’originalité de la carabine qui passe de main en main tout au long de l’histoire. Ce scénario habile met en avant un James Stewart déterminé à poursuivre sa vengeance jusqu’au bout. Le duel final dans le désert rocheux reste l’un des meilleurs du genre. Voilà un western d’anthologie à inscrire au top 100 du genre.
Un film d'état d'esprit, celui de la fatigue existentielle, de la lassitude. Si l'on met de côté une réalisation joliment académique et des acteurs visiblement très à l'aise, le contenu du film n'entraîne pas, ce qui ressemble à un effet collatéral peut-être inévitable du sujet. Tout est simple, parfois même juvénile. De la psyché "déviante" sous le vernis, jusqu'aux désirs léthargiques de mort, on regarde une danse macabre, molle et sous anti-dépresseurs. Sans pour autant éveiller réellement l’intérêt ou l'amusement (même si le film n'est pas avare en humour noir). En bref, un film de personne âgée qui passe un peu trop de temps à penser à la mort et qui embête qui le veut avec ses idée noires et résignées pas franchement captivantes.
Le nouveau film de Jean-Luc Godard ne ressemble à rien de connu, il se visionne comme une expérience visuelle et sonore unique en son genre. Mais au risque de pousser l'originalité à un point aussi extrême, certains spectateurs hébétés resteront sur le bas-côté: je fais partie de cette catégorie. Que le film ne donne rien à penser, je peux l'accepter; mais qu'il ne donne rien à ressentir, c'est tout de même très problématique. La laideur des images combinée à un montage des plus chaotiques et la multitude d'associations (d'idées, d'images, de sons) poussives et barbantes rendent ce moment de cinéma assez pénible à suivre. "Adieu au langage" est donc une véritable purge, une caricature de film expérimental où tous ses clichés sont réunis et même parodiés sur la base du cinéma godardien (que je n'aime pas beaucoup). Un demi-point pour la présence du chien, incroyablement charismatique.
film à ne pas voir ... Lent , cliché à souhait , bref je ne sais pas comment je suis arrivé à le voir entièrement ..
Quand on connaît un peu l'œuvre de Hunter S. Thompson (Las Vegas Parano, Hell's Angels...), on peut avancer sans trop se tromper qu'il s'agit ici d'une version light (voire très light) de son univers. On picole beaucoup dans "Rhum Express" mais on ne ressent jamais le début d'une once d'euphorie liée à l'ivresse alors que "Las Vegas Parano" nous entraînait à fond dans tous les délires junky de l'auteur, parfois même jusqu'au manque et à la nausée. On se demande donc comment un type aussi ordinaire que Bruce Robinson a pu se retrouver à la tête d'un tel bateau, surtout quand dans la barque il y a un Johnny Depp qui est quasiment devenu l'exécuteur testamentaire de Hunter S. Thompson depuis que celui-ci a eu la bonne idée de mourir comme il avait vécu, en se faisant sauter le caisson un soir de 2005. Dans le shaker : un zeste de l'esprit de l'auteur original (quelques personnages, quelques situations mollement filmées...), un Porto Rico de carte postale (touristes obèses du Midwest, combats de coqs, carnaval...), une enquête journalistique pas commencée et pas finie, une bluette sentimentale qui nous en touche une sans bouger l'autre... On espérait s'arracher la gueule à coup de canons et on se retrouve avec une bonne soupe ! Et au lit !
Duo de légende. Du Michel Audiard plein la bouche. Un huis-clos inoubliable dicté par un art consommé de la gestion de l'espace et du rythme et de la montée progressive des révélations… Et ce final tragique au petit matin. Durant la nuit qui a précédé, on a senti le mégot âcre dans le cendrier, la tasse fumante sur le bureau du commissariat… Claude Miller extraordinaire directeur d'acteurs y compris pour les seconds rôles mémorables. Au sommet de son art. Mais il y reviendra souvent… Génie un jour, Génie toujours !
La gouaille de Bernadette Lafont, le jeu impressionnant de Denner, Brasseur, Léotard et Dussolier débutant en naïf aveuglé et berné malgré les mises en garde de l'entourage: un casting de très haut niveau au service d'une histoire rondement mené.
J'adore Nicolas Bedos, mais ce film... ce film ! On ne fait qu'avancer à demi-pas de cliché en cliché. Tout est cliché, rien que cliché. Le film n'est que navrant. Quelle tristesse de le voir tomber aussi bas ! L'humour rebondit sur moi sans jamais faire mouche....
Avec Mon père, francis le belge téléfilm tiré du livre du même nom on pouvait s'attendre à une belle histoire sur le banditisme mais avec comme particularité pour celui ci, que la narratrice et la caméra sont les yeux de l'enfant, qui décrit son père, le tout aurait pu être des plus intérèssant, mais pendant une heure et demi on ne fait malheureusement que survoler l'histoire, d'un des plus grands parrains marseillais. C'est un bon film pour ceux qui veulent connaitre ce personnage, sinon il n'a pas grand intérêt! La réalisation est assez lente aussi, bref pas un grand téléfilm en l'occurence!
Après les biens-aimés, je me confronte à nouveau au cinéma de Christophe Honoré. Vraiment, avec tout le recul nécessaire, le processus d'intégration de l'histoire et compagnie, rien y fait : je reste complètement stérile à cette ambiance. Des scènes qui me foutent plus le cafard qu'autre chose. Puis comme je n'intègre pas cette philosophie, je trouve çà niais à souhait, pardon...
Un drame bien interprété, mais un traitement trop banal. Le drame du début ne sert que de prétexte et n'est plus ou presque abordé par la suite hormis dans le final qui, c'est vrai, est émouvant, mais pas suffisamment pour hausser le niveau global. Pendant tout le film, on assiste à des moments de vie sans grand intérêt, on voit Luke Wilson dans son boulot de flic lors de scènes extrêmement banal et Olivia Wilde se prend d'affection pour un élève de son école, mais une fois de plus rien de bien palpitant. C'est le problème du film, la réalisatrice passe à côté de son sujet, c'est peut-être sa façon de traiter le thème du deuil qui n'en est pas vraiment un, mais je n'ai pas du tout accroché à l'ensemble qui est trop commun et superficiel donc je me suis rapidement ennuyé.
La différence entre un bel homme et un bellâtre est souvent ténue. Le bellâtre a une belle gueule, un regard intense, une stature rassurante et la séduction facile. Le bel homme, aussi. Mais il a aussi tout le reste : de la verve, de l’humour, de la profondeur. Hester est mariée à un homme vieillissant, mais aimant. Elle s’amourache d’un jeune aviateur. Freddy est séduisant, mais peu aimant. Et il a l’alcool mauvais. Pourquoi un tel trouble envers un tel homme ? A trop jouer avec la mort, Hester oublie l’essentiel. Elle oublie tout simplement ce qu’aimer veut dire. Tout comme ce film, noyant dans cette histoire d’amour contrariée et compliquée, des travellings et des clairs-obscurs pourtant pleins de tendresse. Souhaitons à Hester de quitter sans regret ce bellâtre pour se trouver un bel homme. Ou, mieux encore, de rejoindre son tendre époux.
navigant semble-t-il à contre courant de la majorité, je tiens à défendre ce film qui m'a occasionné de nombreux éclats de rire. entre jeux des acteurs, situations hautement drôles et scripts, je me suis régalé. un très bon moment à passer.
"Indépendance Day, resurgence" ou l'art de prendre les gens pour des cons... En 96, ID4 à fait un véritable carton...et ce n'est pourtant pas faute d'être démonté par l'ensemble des critiques. Le film est bourré de clichés, d'héroïsme à 2 balles. Mais la sauce prend. 20 ans plus tard les 2 geeks récidivent et se plantent en appuyant bien fort sur les points faibles de l'époque. ..et c'est la catastrophe! Apprendre de ses erreurs n'a pas de sens pour eux. Les dialogues sont cons...mais cons...! Le scénario est d'une pauvreté...Rien n'est plausible ici. Les personnages sont tellement nombreux, inutiles et sous exploités. Que vient fouttre Charlotte Gainsbourg dans cette galère ?!? Et alors la musique...qu'elle est insupportable! Fan du premier volet, je n'ai vraiment pas aimé cette purge! Sinon y a quelques points positifs à noter quand même...on en prend plein la tronche pendant 2h. Les images sont vraiment belles et les effets spéciaux sont à coupé le souffle...heureusement...sinon je sortais de la salle...
Niveau action The Bodyguard est plutôt potable mais il faut supporter un humour déplorable (notamment la scène avec le pistolet à eau qui est d'une débilité rare) et une interprétation médiocre, le bodyguard en question est plus inexpressif que Steven Seagal. Tout à fait indigeste.
La stricte éducation luthérienne marque profondément l'oeuvre du Danois Carl Theodor Dreyer. Dans "La Passion de Jean d'Arc", il métamorphose le procès, le martyre et l'exécution de Jeanne en une austère passion médiévale. Conçu pour être dans le silence complet, le film se tient au carrefour de trois mouvements contemporains : l'impressionnisme français, l'expressionnisme allemand et le montage soviétique. Dreyer utilise décors expressionnistes et théâtralise les angled de vues. Sans parler de la performance de Maria Falconetti qui marque le cinéma à la pierre blanche pour son dernier rôle. Elle exprime l'humanité d'une jeune fille par des plans rapprochés, s'imprègnant magistralement de la psychologie du personnage. Chef-d'œuvre.
Un documentaire très touchant et des témoignages poignants
L'histoire d'une pauvre petite fille mariée à un riche qui veut retrouver sa liberté de femme. Que l'histoire du féminisme soit remplie de râtés aussi visibles et orientés explique sans doute que c'est la fiche de paie et non la culture qui a libéré la femme en occident. Cette réalisatrice n'a fait qu'un seul film, et c'est tant mieux, photographie atroce d'artificialité, direction d'acteur et scénario limite bâclés, look et rythme à la Bilitis sans la musique ni l'érotisme ni le flou “artistique”... La musique, parlons-en, Serge ne s'est pas foulé, un seul thème pendant une heure et demi. L'exemple même de l'amateurisme à la française qui heureusement est en train de disparaître 30 ans plus tard, rentabilité oblige, à moins que ce ne soit le respect dû au cinéphile ? Évidemment tout n'est pas à jeter, Jane est encore belle, certaines scènes limite existentialistes font penser à du Visconti, et Bideau est étonnant. La tentative de décontraction sur les langues italiennes ou française ou anglaise donne un petit rictus. Mais la déception est forte sur Trintignant et l'acteur principal fait penser à un figurant de Derrick ou pire un faire valoir de film pornographique des seventies ! Bref, rien de spécial à sauver dans cette purge, la misanthropie et le vague à l'âme ne sont pas des excuses valables pour ennuyer les spectateurs.
Psiconautas est un long-métrage d’animation adapté de la bande-dessinée et du court-métrage multi-primé, Birdboy. Autour de dessins presque enfantins, Psiconautas est un film fantastique très sombre où les personnages sont des animaux différents et originaux. Vivant sur une île dévastée par la catastrophe écologique, les petites bêtes adolescentes décident de quitter leur environnement sur un canard gonflable parlant, pour un avenir meilleur. Voici un conte dépressif teinté d’humour noir sidérant à ne pas confier aux plus petits. Le monde décrit des orphelins oubliés qui vivent dans des décharges et qui ne survivent par le sang. Autant dire que l’histoire fait davantage trembler qu’attendrir. Mais c’est le coup de maître de ces animateurs à créer un univers fantastique tout en instaurant une vision violente et tragique de la vie. On peut néanmoins soulever une petite remarque déplaisante sur les voix mal choisies qui ne forcent pas à la sympathie des personnages. Psiconautas, the Forgotten Children est un film très étrange qui provoque en nous un malaise face à une génération paumée mais pleine d’espoir. D'autres critiques sur ma page Facebook : Cinéphiles 44
Voici venir sur nos écrans un OVNI. Inclassable, impossible à identifier, il est de ces films qui nous font aimer le cinéma. Il nous fait aimer le cinéma car il nous fait sortir de notre routine de ce que nous avons l'habitude de voir. Ce film s'appuie sur un scénario simplissime mais parfaitement écrit, sur des dialogues parfaits et sur des acteurs parfaits. Ce cocktail ne serait pas parfait s'il n'y avait pas quelques seconds rôles hors du commun comme ce petit passage avec Patrick Bosso par exemple. Simon Astier mérite une mention spéciale. Il est magnétique, crédible, et surtout il nous fait rire sans forcer, cela passe naturellement. Que dire de cet assureur si genial en homme d'une banalité affligeante, lourdingue amoureux de country qui r^ve d'autre chose. Ce qui peut dérouter c'est le découpage du film, avec les heures et des titres de chapitres, pour moi j'ai trouvé ça génial. FONCEZ le voir dès sa sortie vous ne le regretterez.
Le premier film sur Les Beatles c’est 1964 que Richard Lester le tourne ! Une réalisation peut être parfois maladroite mais dans ce film qu’importe la fougue de John, Paul, George et Ringo « les quatre garçons dans le vent » rattrape tout, sa caméra qui passe partout, qui joue avec les effets de style et qui surtout alterne des plans magnifiques puis s’en suit une camera qui bouge, une caméra qui vit, qui vit dans ce film, justement avec Les Beatles. On découvre leurs quotidiens au cœur des années soixante à l’apogée de leurs succès. On découvre sincèrement bien sur avec humour : leurs quotidiens, leurs conneries, leurs vies en communauté, leurs ordres qui leurs sont donné et leurs obligations en tant qu’artistes et stars. Le gros de l’histoire est humoristique mais on peut aussi y voir un réel appel à l’aide. Leurs privations de libertés et leurs responsabilités sont difficiles à avaler, le fait également de ne plus pouvoir sortir nulle part. On en vient à se poser des questions sur le statut de star, peut-on réellement être heureux ? Je pense notamment à la très belle scène ou Ringo Starr part déguisé (re) faire les 400 coups comme au temps de sa vraie jeunesse ou il avait encore une liberté, sa liberté. Un beau portrait de la folie des années 60 mais également une brillante déclaration d’amour à la joie de vivre, la musique et bien sur à leurs fans. Une intelligente prise de conscience sur la célébrité est également la, sans être moralisatrice elle fait réfléchir et comprendre. A Hard Day’s Night : simplement du pain béni, et du bon, pour les fans des quatre garçons dans le vent. Martin, Le Frisson de la Pellicule.
Un groupe de rock cubain cherche à se faire engager par des espagnols venus chercher des talents à Cuba. In fine, ils se trouvent face à un contrat dont tout le monde est convaincu qu'il est mauvais mais, soi disant, il n'y a pas d'autre issue (à noter que ce film a été projeté une semaine avant le référendum sur le traité constitutionnel européen !). C'est donc une histoire vue 1000 fois dont on pouvait seulement espérer qu'elle soit sauvée par la musique qu'on entendrait. Espérance vite déçue : ce groupe joue un rock très proche de ce que le genre a généré de plus médiocre dans son histoire, à la fin des années 70, début des années 80. A noter que ce film a rencontré un écho très favorable dans le public cannois.
abracadabra : un mauvais film au scénario incompréhensible , le film mélange tous les genres , le paranormal , le gore ( que de sang ! ) , le comique ( à petites doses ! ) . concernant l ' interprétation , les acteurs font ce qu ' ils peuvent mais on ne les sent pas à l ' aise !
J'accorde à ce navet une vertu : celle de m'avoir aidé à prendre la résolution de ne plus gâcher aussi inutilement 90 minutes d'existence. J'aurais mieux fait de les consacrer à regarder un film. Tant pis.
Nick Bianco se fait arrêter alors qu'il commet un casse. Amené devant l'assistant du procureur D'Angelo, Nick refuse de balancer ses complices. Trois ans de prison plus tard, il apprend le suicide de sa femme qui laisse donc ses deux filles à l'orphelinat. Nick décide alors de se mettre à parler, laissant D'Angelo faire croire qu'un autre truand est le mouchard. Un moyen pour que Nick sorte sans créer de soupçons, pouvant alors approcher le dangereux Tommy Udo afin de pouvoir le dénoncer dès que l'occasion se présente... Brillant par sa mise en scène décidant de mettre en avant les décors extérieurs et un sens du montage assez remarquable, "Le Carrefour de la mort" se fait vite remarquer par la fine intelligence de son scénario. Suite de la critique sur
Un film particulièrement touchant qui oppose deux mondes : celui de la modernité qui se revendique d'épouser la normalité et le peuple lapon, éleveur de rennes, stigmatisé par ses différences... C'est parfaitement matérialisé par l'austérité scandinave et grâce à cette jeune fille qui porte le film de bout en bout en s'astreignant au paradoxe du déni identitaire... 🎬🎬🎬🎬
Le Ruffian est assez décevant, d'apparence on s'attend à un film d'aventures très mouvementé et très rythmé dans les grands espaces Canadiens avec un casting alléchant. Au final, l'aventure promise est assez mollassonne, les changements de rythmes brutaux du début sont desservis par une narration très décousue ensuite, alourdie par des flash back qui n'apportent pas grand chose au déroulement de l'histoire. José Giovanni s'attarde beaucoup sur l'histoire d'amitié virile entre les personnages de Ventura et de Giraudeau. Or le seul intérêt de ces scènes est le talent d'interprétation et la complicité entre les deux acteurs. Pour le reste, même si j'adore Lino Ventura, je l'ai trouvé par son âge (la cinquantaine bien tapée) peu convaincant dans certaines scènes où la jeunesse et la fougue de Giraudeau l'emportent. Les 20 dernières minutes sont de meilleur facture, les paysages mieux mis en valeur et une once de tension fait son apparition. L'ensemble se termine sur un plan qui laisse le spectateur sur sa faim avec une question ... "Quel est l'intérêt de cette histoire si telle est la fin ?"
Un vrai navet, l'épisode de trop : Candyman 3 est la suite inutile parfaite, au scénario ridicule, aux acteurs pitoyables et aux effets gore bien pourris ! L'histoire n'est jamais crédible, les dialogues également, les frissons sont passés aux oubliettes et l'utilité du film reste un mystère. Rien à dire de plus. Un conseil : si vous êtes fans du Candyman de Clive Barker, évitez ce film.
Incroyablement mauvais, long, ennuyeux, aucun gags drôles, aucun scénario, des personnages qui parlent dans le vide sans comprendre ne fût ce que 2 min ce qu'ils disent. Des gens qui circulent dans le film sans intérêt, je ne vois pas ce que le réalisateur veut nous montrer et nous dire. 1h30 du pure perte de temps. Et en plus de cela, ça se veut drôle. Tout le monde n'est pas Chaplin, Louis de Funès, Laurel et Hardy qui veut.
1964. Goldfinger est le plus gros succès en salle de la série (avant la sortie de Casino Royale en 2006). L'arrivée de la légendaire Aston Martin DB5 et le déploiement de nombreux gadgets marqueront à jamais l'avenir de la saga Bond. Un excellent moment de cinéma, considéré par les fans comme l'un des meilleurs, avec une grande composition Sean Connery et Gert Froëbe ainsi que des décors stupéfiants de réalisme pour l'époque (Fort Knox parfaitement reconstitué).
A nouveau un très bon film de ce réalisateur (mais toutefois je trouve que c'est son moins bon film, les précédents étaient mieux). L'idée est très intéressante et originale et l'histoire est très prenante et inquiétante. Les deux adolescents, le frère et la soeur sont supers. J'ai passé un bon moment. En revanche attention à deux ou trois moments assez dégoûtants.
Adapté du roman de l'énigmatique Jean Redon publié dans la collection angoisse du Fleuve Noir (on chuchote qu'il s'agirait d'un pseudonyme de Fréderic Dard) ce film reste un modèle du genre. Tout se passe comme si le réalisateur n'avait jamais vu de film de ce genre et il réinvente tout… et miracle il le fait parfaitement, les cadrages, les éclairages, la direction d'acteur, un régal… et l'angoisse et bien là !