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"Coup d'éclat" est assez limité au niveau de l'action et de l'originalité, mais l'enthousiasme des acteurs et les décors paradisiaques permettent au spectateur de ne pas passer un trop mauvais moment.
C’est la première fois que je viens pour donner mon avis sur un film. (Aucun spoil) J’ai parcouru étant plus jeune l’univers marvel et je dois dire que beaucoup de films sont sortis ces dernières années sans vraiment être au top .Ce marvel là surclasse sur de nombreux points les autres ,l’action est quasi non stop il n’y a que très peu de temps mort ensuite réussir à intégrer autant de super héros en un seul film est un exploit . La qualité des effets est un bonheur pour les yeux , Le film est passé très vite et les scènes d’action sont superbes je pense même les meilleures des films Marvel ... Thanos est de très loin le plus charismatique des supers vilains et la suite se fera désirer ! Le seul point négatif est peut être ce puzzle de personnage qui ne se regroupe jamais vraiment comparé aux anciens avengers qui étaient groupé pour tout faire à part ça une pépite ^^ Ps : restez jusqu’à la fin il y a bien une scène bonus .
Je suis la carrière d'Hirokazu Kore-Eda depuis tellement d'années que cette Palme d'Or 2018 me ravit. Elle récompense pour moi l'un des cinq meilleurs réalisateurs vivants, pour un de ses meilleurs films. Tout est parfait dans Une affaire de famille. La photographie est superbe, la mise en scène comme d'habitude à la fois discrète et élégante, l'interprétation incroyablement puissante et le scénario bien plus complexe que ce que le synopsis ou la bande-annonce peuvent laisser penser. Quelle qualité dans l'écriture de ce film, quelle subtilité et quelle délicatesse dans le montage ! Chaque nouvelle scène donne un éclairage nouveau sur l'un des personnages. Le film avance ainsi d'une manière millimétrique, suscitant à la fois l'émerveillement et la réflexion. On sait que la famille et les sentiments sont les deux grands sujets de Kore-Eda. Ce dernier opus mène les réflexions du réalisateur vers une intensité et une profondeur extrêmes sur ces deux sujets. Le scénario brasse tout au long du film les différentes images de la famille et de l'affection, remuant et bousculant nos certitudes. Normalité et moralité se renvoient la balle d'une façon tellement subtile que j'ai été subjugué par là où parvenait à m'amener au final Kore-Eda. La façon dont se clôt le film est réellement superbe. Tout ce qu'on a vu auparavant est alors nimbé d'une lumière à la fois froide, tendre et nostalgique. C'est très beau.
Benjamin Naishtat, né en 1986, est un jeune réalisateur argentin dont l'avenir apparait très prometteur. "Rojo" est son 3ème long métrage. Bien que né après la période durant laquelle l'Argentine a connu une dictature atroce, il est particulièrement intéressé par cette période et ce qui l'a précédée. Il a très précisément situé son film à un moment charnière : 1975 : antérieurement au coup d'état du 24 mars 1976, mais postérieurement à celui du 11 septembre 1973, au Chili, ce qui revêt une certaine importance dans la mesure où un détective chilien joue un rôle important dans le film. "Rojo" peut donner l'impression d'être un peu "foutraque", de partir dans tous les sens, mais en fait le réalisateur fait preuve d'une grande maîtrise dans la conduite de son récit. En fait, le réalisateur raconte, avec beaucoup de force et d'humour, l'histoire d'un homme qui, pour lui, est représentatif de la tranche de la population argentine sur laquelle la dictature va pouvoir s'appuyer. Au point de vue formel, Benjamin Naishtat a choisi de rattacher son film au cinéma des années 70, prenant particulièrement modèle chez Lumet, Boorman, Peckinpah et Coppola. Dario Grandinetti, l'interprète de Claudio, est en tous points excellent (C'est lui qui était l'interprète de Jorge Mario Bergoglio, le futur pape François, dans "Le pape François" de Beda Docampo Feijóo et Eduardo Giana) tout comme le grand comédien chilien Alfredo Castro, acteur fétiche de Pablo Larrain.
Un film qui ne tient pas ses promesses, au scénario paresseux, malgré le charismatique Guillaume Gouix. Si on enlève l'environnement des gens du voyage, il ne reste pas grand chose. Ce qui était censé aborder l'émancipation d'un individu pris dans une micro-société, la sœur qui n'aime pas l'homme à qui est elle promise, le passionné de boxe qui doit mettre de côté sa passion, ne fait que le survoler et laisse un goût d'inachevé quand apparaît le générique de fin. Dommage!
Tim Burton et Johnny Depp: deux légendes se retrouvant une fois encore pour notre plus grand plaisir. Après cinq film hors du commun (dont Edward aux Mains d'Argent, Sleepy Hollow et Charlie et la Chocolaterie), le réalisateur prodige et sa star fétiche collaborent à nouveau pour nous livrer un sixième film à couper le souffle, un thriller sanglant adapté du succès international de Stephen Sondheim. Ce comte noir nous dépeint le destin d'un barbier officiant dans le Londres victorien; obnubilé par la vengeance il l'obtiendra à coup de rasoirs. Tout est présent dans ce grand spectacle sans égal : sang, mystère, romance, ironie, musique entraînante et de très bon effets visuels. L'ambiance pesante est renforcé par la prestation fantastique des seconds rôle Helena Bonham Carter, Alan Rickman et Sacha Baron Cohen (que j'aurai aimé voir un plus !) interprétant victimes et complices du diabolique barbier. A ne manquer sous aucun prétextes !
C'est avec plaisir qu'on termine cet été Disney avec nos 3 compagnons d'infortune, Donald, Mickey et Dingo dans une histoire de Dumas (les 3 Mousquetaires). Bon, autant ne pas aller par les 4 chemins, c'est un film "sur commande" que nous visionnons : une histoire classique (qui se répète souvent d'ailleurs dans les Mickey animé) mais avec une époque différente (les rois de France à l'époque moderne), des gags épurés mais efficaces (Donald est colérique, Dingo bête, Mickey valeureux) avec les messages identiques de tolérance et d'amitié autour de chansons pas toujours inspirées. Voilà le cocktail agréable mais sans surprise que nous propose cette version made in Disney des 3 Mousquetaires. Reste le nombre important de personnages utilisés (Clarabelle, les Rapetou) et un Pat hilarant pour nous garder éveiller. Le fun en moins, un film médiocre.
En 2013, Arnold Schwarzenegger a choisi un film de Kim Jee-Woon pour revenir sur les devants de la scène cinématographique, Le Dernier Rempart. Jee-Woon avait déjà une jolie carrière en Corée du Sud. En effet, ce dernier avait réalisé en 2008 le western Le Bon, la Brute et le Cinglé, très inspiré du film de Sergio Leone comme on peut s’en douter. Interprété par 3 des plus grands acteurs coréens du moment, les excellents Song Kang-Ho, Lee Byung-Hun & Jung Woo-Sung, le film est une comédie délirante par moments ultra-violente et constamment cartoonesque. Si les tentatives d’humour sont quasiment toutes couronnées de succès, sans doute grâce à l’hilarant Song Kang-Ho, les scènes d’action sont tout autant réussies, grâce au talent de Kim Jee-Woon pour les fusillades dantesques et pour la mise en place de ces séquences-là, très élaborées. On a rarement vu des scènes aussi dynamiques que la fuite dans le désert où toutes les factions s’affrontent une dernière fois dans une course-poursuite haletante au son de Don’t Let me be Misanderstood de Santa Esmeralda. On en pardonne même le petit temps mort au milieu du film et la fin un peu petits bras et gentillette d’un film qui refusait totalement le consensuel. C’est un peu dommage. Quand tant de talents derrière et devant la caméra se retrouvent pour une comédie aussi déjantée que remuante, ce n’est pas surprenant de voir que Le Bon, la Brute et le Cinglé est un bon film. Un très bon, même.
Avec plus d'action que dans le premier opus cette suite repose son postulat sur les mêmes qualités et défauts que son prédécesseur. Le scénario demeure encore parfois brouillon et très complexe, l'esthétique est toujours renversante dans ce néo-Tokyo en perdition, les personnages sont froids, charismatiques et attachants, et la représentation du monde internet superbe. On retiendra le final, avec l'apparition qu'on attendait tant, et une dose d'action appréciable. https://m.facebook.com/la7emecritique/
Prenez deux trous du cul qui veulent se faire un peu de pognon, confiez leur la tâche de réaliser une suite au mauvais alien versus predator et attention... prout ! Une belle bouse bien baveuse, on patauge dedans sans rien voir tellement les frères Strause ont l'art de mal filmer, vous ne verrez rien lors des scènes d'action, quoi de mieux ? Les personnages sont absolument affligeant de nullité et représentent bien le vide intersidéral qui englobe le film. Une ambiance pourrie vous accompagnera tout le long du film dans la destruction lente et douloureuse de deux licences mythiques du cinéma, et le pire c'est que vous ne pourrez rien y faire. Avp 1 avait déjà mutilé sévèrement les deux bestioles, ce deuxième opus les a définitivement enterré. Il n'y a aucun intérêt à ce film, je ne sais plus quoi dire. Vivement Prometheus.
Les films des Marx Brothers distillent un parfum de cinéma et plus particulièrement de plaisir du cinéma désormais expiré. D’où le côté jubilatoire de chacune des comédies, où, on ne cessera jamais de le répéter, le génie de leur humour dépasse complètement les frontières temporelles. En fait, Groucho, Harpo et les autres inculquent l’élémentarité du rire : le don de soi, le meilleur, toujours. Et le résultat est là : du délire !
Je pense avoir trouvé le film le plus nul de l'histoire du cinema : scénario naze, acteurs minables, scènes violentes inutiles, dialogues à chier, etc. N'importe quel film apparaît comme un chef d'oeuvre à coté de cette fiotte, même un film avec Steven Seagal ou Schwarzy. J'ai mis 0,5 car on ne peut pas mettre plus bas, à ne regarder sous aucun prétexte, sauf pour apprécier encore plus les films que vous aimez, cela fait du bien de voir un navet une fois d ans sa vie.
J'ai rarement été autant déçu par un film après une première demi heure pourtant excellente à tout les niveaux. A partir de ce moment les acteurs ont commencé à jouer de manière très théâtrale annonant des dialogues ennuyeux et absurdes, et ce qui devait arriver arriva le scénario est parti à vau-l'eau.
Au vu de la foison de remake qui chamboule Hollywood depuis quelques temps (et dont la plupart sont de très mauvaise facture, il faut bien l’avouer), l’annonce que le grand classique des années 80 de William Lustig devait lui aussi y passer ne pouvait qu’effrayer un nombre incroyable de cinéphiles. Cepandant, lorsqu’on apprend que le producteur (mais aussi co-scénariste) de ce remake n’est autre que notre Alexandre Aja national, on est un peu rassuré tant son "Piranha" était trop fun et son "Colline à des Yeux" un formidable survival supérieur à son modèle. Et finalement on est plus que rassuré : voilà un remake rondement mené dont la nouveauté, la vue subjective, est une véritable trouvaille permettant au spectateur de se mettre dans la peau (ou plutôt la tête) de Franck Zito et de partager son périple (naufrage ?). Bien entendu, pour profiter pleinement de ce concept, il faut être capable se détacher du film original, sinon le subjectif vous laissera totalement de glace. Autre réussite là où on l’attendait au tournant : les meurtres. Ils sont emprunt d’une tension malsaine et atteigne une puissance jouissive grâce à leur gore cradingue. Côté acteurs, Franck Zito nous est campé par un surprenant Elijah Wood en remplaçant de Joe Spinell (ceux qui pense que "Maniac" c’est un hobbit qui tue des gens, bin stoppez vos préjugés et admirez l’artiste). Autre point positif du casting : Nora Arnezeder, petite française inattendu au vu de ces derniers films ("Faubourg 36" et "La Croisière"), nous campe une jeune femme pleine de vie qui semble être la seule parcelle de lumière dans les ténèbres de l’existence de Franck. Intense, captivant et gore, "Maniac" réussit une belle prouesse en ne trahissant jamais son modèle, arrivant même à corriger les défauts de ce dernier. Un complément idéal au film culte de William Lustig.
Du grand film d'action bourré de testostérone, aux personnages plus barrés les uns que les autres. Lâché seul dans ce nid de vipères, Nicolas Cage sort les muscles et démontre à cette occasion qu'il a les épaules pour la castagne. Entre un John Malkovich glaçant et un Steve Buscemi sardonique, c'est un cocktail d'explosions, fusillades et bagarres, typique des productions Bruckheimer, et en l'espèce diablement efficace.
Encore une fois l'immense Almodovar nous dépeint avec brio son sujet favoris : la femme. Avec une interpretation splendide de la nouvel grande Pénélope Cruz, et une belle révélation outre espagne pour Lluis Homar, deja vu dans la mauvaise éducation mais qui passait inaperçu face à Gael Garcia Bernal, ma petite chouchoute reste la talentueuse Blanca Portillo très captivante comme à chaque fois... La musique est spélendide. Un véritable cri d'amour pour le 7ème art... j'adore!!
Relation à la fois étrange mais également poignante entre une soeur dévoué et un meurtrier (repenti ?). Tim Robbins, aidé de 2 super acteurs, rend touchante cette fin de vie et crée une ambiance du couloir de la mort assez palpable.
Le pire, c'est que Fabien Onteniente n'écrit pas si mal lorsqu'il s'en donne la peine, comme c'est le cas de temps à autre dans « Turf ». De plus, avec le quatuor Edouard Baer - Alain Chabat - Philippe Duquesne - Lucien Jean-Baptiste (si l'on est indulgent avec le dernier), le réalisateur a a priori un potentiel comique intéressant. Et pourtant... Sans être un désastre, cette histoire de losers tentant de se refaire la cerise avec l'achat d'un cheval de course n'est ni vraiment drôle, ni vraiment excitante, la faute à un scénario trop faiblard et des situations poussives ne permettant jamais réellement aux comédiens d'exploiter leur talent. On sourit de temps à autre, on se dit parfois qu'avec (beaucoup) plus d'application cette histoire d'amitié aurait pu donner quelque chose de sympa et la beauté de Vahina Giocante et Helena Noguerra est toujours agréable à l'œil, m'enfin... Même pas mauvais, juste insignifiant.
Very Big Stress est un film-ovni dont l'histoire se déroule dans un monde où les gens tentent de cacher leurs émotions pour ne pas exploser (à la fois se laisser submerger par leurs émotions mais aussi imploser physiquement). Zack nous joue les dépressifs sans être convaincant pour deux sous et le film multiplie les absurdités (saluer à l'aide du doigt d'honneur, communiquer par la pensée, ses rêves...) C'est un très mauvais film sans le moindre message derrière, un navet qui n'arrive pas à trouver sa place dans le cinéma et qui comme toute autre comédie dramatique, se contente de faire les choses à moitié (bien oui, ce n'est ni vraiment drôle, ni vraiment triste). En plus d'être une tache dans la filmographie de Galifianakis, (meilleur dans la peau du simplet Alan de la saga Very Bad Trip, parce qu'on a beau dire du mal de Very Bad Trip, Phillips fait l'effort de nous offrir une intrigue et non pas juste des idées en vrac sans réelle continuité scénariste...), le long-métrage n'a juste aucun sens et ne va nulle part, ce qui laisse un goût d'amertume et la désagréable sensation d'avoir perdu 90 minutes de sa vie. Un étron !
Ce film est très authentique. Donc : soit on adore et on arrête pas de rigoler en face de tous ces personnages attachants, soit on meurt d'ennuis et on a pas envie d'aller vivre à Espigoule. Ce film, c'est un documentaire sur un esprit. On vit pas à Espigoule. On est d'Espigoule. Ce film est un raccordement de portraits contradictoires et pittoresque, qui nous rappellerait bien le beau parfum de la Provence campagnarde, avec ses vallons, ses cigales, et ses grillons.
Des acteurs sans aucun charisme pour un film mou qui n'arrive jamais à attraper le spectateur. Sans oublier que l'histoire, certes, vraie, de l'occidental qui veut vivre une vraie vie dans la jungle est remplie de clichés et s'avère sans surprises. Abyssale.
film débile avec un coppola pardon un cage qui lifté à mort joue une fois de plus très mal au milieu d'un scenario absent !
Excellent film également de Luc Besson. Nikita est très bien réalisé. Les acteurs sont excellents et on retiendra l'humour noir de la vitre électrique que j'ai particulièrement apprécié :D
Un film capable de provoquer des crises de rire pareille mé rite cette note ! Un chef d'oeuvre comique ! Gincheux, ronchons, passez votre chemin ! Will ferrel est un genie du comique !!!!
ce film ne casse rien, le scénario est trés simpliste, le prof en mal de vivre qui se drogue et l'élève qui s'interesse à lui, peut-être cherche-t-elle un père inéxsistant? mais l'originalité du film tient en la remarquable intérprétaion des deux personnages principaux
Nous sommes en droit de dire que le pire est sur notre écran. Rare sont les films aussi mauvais. Le film veut jouer sur le sexy, la machination et la traitrise mais tout devient lisse et inabouti dans cette histoire qui sent le réchauffé à plein nez.
ennuyeux. scénario qui tient en deux phrases, dialogues compris. même ma critique est plus longue. a éviter.
Au début des années 2000, Gad Elmaleh était l'un des humoristes les plus en vue. Ces one-man show avec toute une galerie de personnages rencontraient un véritable succès auprès des gens. Cependant, certains humoristes ont un véritable défaut : ils ont souvent la mauvaise idée soit de jouer au cinéma comme ils jouent sur la scène (Franck Dubosc est d'ailleurs un spécialiste pour ça), soit de porter sur grand écran un ou plusieurs personnages de leurs spectacles. Ici, Elmaleh a eu la seconde mauvaise idée, ce qui l'a conduit à faire de Chouchou le personnage principal d'un film. Chouchou, c'est un immigré qui la journée travaille comme femme de ménage dans le cabinet d'une psychiatre et qui le soir, devient travesti dans une espèce de boîte de nuit. La moindre des choses que l'on peut dire, c'est que le résultat obtenu est vraiment très loin d'être convaincant. Si les dix premières minutes peuvent faire sourire et faire espérer quelque chose de bien fendard, la suite nous ramène rapidement à la raison et « Chouchou » devient une farce lourdingue et ennuyeuse. Honnêtement, il est quand même très difficile de retirer quoi que ce soit de positif. Pas de situations cocasses, pas de répliques percutantes, aucune intelligence dans la manière de développer le sujet. Pas de causticité alors que le contexte s'y prête vraiment. Pas de scénario. Juste un mec derrière une caméra qui ne sait sans doute même pas pourquoi il est là et qui se demande ce qu'il faut faire. Pourtant avec la belle brochette de comédiens réunie pour l'occasion (Elmaleh donc, mais aussi Alain Chabat, Claude Brasseur, Catherine Frot, Micheline Presle ou encore Roschdy Zem), on aurait pu espérer beaucoup mieux que ça. C'est bien triste à dire, mais ce navet n'a qu'une seule place : la corbeille à papiers.
Bronson, c'est le biopic relatant la vie de Charlie Bronson, le détenu le plus violent d'Angleterre, et qui en plus a révélé le talent de Tom Hardy, future star du grand écran. C'est aussi un film largement inspiré d'Orange Mécanique, de part sa mise en scène et sa malsainité. Voici donc une oeuvre étrange, qui surprend par sa violence et part ce que l'on croit être de l'originalité. Ce Bronson est loin d'être le biopic classique, comme on en trouve à tous les coins de rue. Non, celui là, il a quelque chose de spécial, quelque chose en plus pour lui. Les dialogues sont fins tout en étant lourd, le scénario soigné et le jeu d'acteur excellent. Tous les ingrédients sont dans ce Bronson pour en faire un futur classique.
Découvrant non sans inquiétudes un film de Kim Ki-duk pour la première fois, « Locataires » fût une belle surprise. Si je peux comprendre que l'on soit hermétique à ce type de cinéma assez lent et contemplatif (auquel je suis moi-même peu enclin habituellement), j'ai été très rapidement séduit par la démarche du réalisateur, donnant à son œuvre un ton très particulier et personnel qui m'a immédiatement touché. Il y a en effet quelque chose de profondément sensible et émouvant à voir ce couple pour le moins atypique évoluer, se comprenant parfaitement sans jamais échanger le moindre mot durant 85 minutes. « Locataires » est un film extrêmement subtil et remarquablement réalisé, tout en angles et cadres magnifiquement trouvés, ajoutant au vertige de ce récit vraiment pas comme les autres, se caractérisant par sa façon constante de se renouveler, de nous surprendre, la deuxième partie s'avérant extrêmement différente de la première. Il était pourtant casse-gueule de s'aventurer dans le registre fantastique lors d'une dernière demi-heure particulièrement étrange, et pourtant ça passe, mieux : ça fonctionne à 200%. Bref, voilà l'exemple-type du film difficile à résumer avec des mots tant il passe par les sensations, les corps, l'imagination... Un songe hypnotisant et poétique : une magnifique révélation.
Birdman, sous-titré “ou la surprenante vertu de l’ignorance”, est un ego trip monté comme une géante séquence de deux heures qui transcende les arts et les réalités, où se mélangent des séquences extraordinaires et un casting fantastique. Couronné de quatre Oscars, dont celui du Meilleur film et du Meilleur réalisateur, le cinquième long-métrage d’Alejandro González Iñárritu est un oiseau (particulièrement) rare. Grâce à ce système de plan séquence, on est à 100% dans le théâtre avec les personnages s'entraînant pour la pièce mais on est aussi avec eux quand il y a des disputes et autres moments carrément drôles et insolites. Birdman parvient à mêler drame et comédie de manière très juste grâce à une écriture très très propre quant à la volonté de Riggan Thomson à être de nouveau numéro 1. Son ego (symbolisé par une deuxième voix dans sa tête qui est celle de Birdman, les scènes où il apparaît sont justes dingues d'originalité), sa famille, ses amours, tout sera remis en cause pour lui. Et niveau comédie on est servi grâce à des scènes insolites et des tentatives de carrément briser le 4e mur avec les spectateurs. Bref, autant niveau réalisation et que écriture, Birdman est une réussite en tout point. Comment oublier les acteurs tous plus géniaux les uns que les autres. Michael Keaton n'aura jamais été aussi excellent, Edward Norton est à mourir de rire, Emma Stone est transcendante, Galifiniakis est génial, bref, tous crèvent l'écran. Birdman a clairement mérité ses oscars, incluant celui du meilleur réalisateur et celui du meilleur film. Un grand long-métrage qui ne disparaîtra pas de si tôt.
On aime ou pas les romans de Dan Brown, pour ma part j'aime beaucoup, mais au-temps "Da Vinci Code" et "Anges et Démons" fut des adaptations assez fidèle des livres, que celui-ci ne respecte pratiquement pas le livre. Les personnages ne sont pas respectés, la plupart des interrogations qui tiennent en alaine le lecteur tout au long du livre sont soit révélés en début de film, soit inexistantes.Mais surtout le "méchant de l'histoire" est ramené à simple terroriste alors que Dan Brown s'éforce tout le long du livre à nous faire comprendre se qui l'a amené à de telles extrémité. Comble de débilité, la fin est complètement transformé, se qui vide l'histoire de son intérêt. Sans doute un des plus mauvais film de Ron Howard. Espérons que s'il adapte "Le Symbole Perdu", il respectera le livre comme il l'a fait dans ses deux premières adaptations.
Malgré un scénario qui tombe parfois dans la facilité, ce conte de noël est très réussi. C'est bien sûr grâce à ces adorables petits monstres, qui parviennent, ce qui est incroyable, à être à la fois effrayants, drôles et mignons.
Fog qui se change en "flop"... Voilà ce qui en ressort du remake, en deçà du Carpenter cette nouvelle version du brouillard tire la gueule, en effet se brouillard à pas du tout d'intensité car il est fait numériquement mais cela se voit et nous aussi on tire quelque peu la gueule. Musique teenage qui passe mal dans les oreilles, et comme dans celui du Carpenter le personnage de l'animatrice de radio cette fois jouer par Selma Blair, jolie mais ne change en rien ma précédente déception, là c'est pire, disons le carrément je vous pouvais plus me la blairer. Puis alors le pauvre Tom Welling qui s'embarque là dedans est semble aveugler par se piètre brouillard et se plante en beauté. A éviter.