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Une expérience personnelle pour un traitement impersonnel. "Du forsvinder" avait tout du film prometteur et intéressant puisque cela parle du degré de responsabilité en cas de maladie et pourtant le rendu est particulièrement décevant. Frederick est arrêté pour détournement de fonds seulement, au moment des faits, il souffrait d’une maladie neurologique qui affectait son jugement, son comportement et sa perception des choses. Est-ce que c'est suffisant pour le disculper totalement ? C'est une réponse à laquelle Peter Schønau Fog tente de répondre. Quand je parle de traitement impersonnel, c'est parce que si on pouvait s'attendre à un drame judiciaire et personnel autour de la maladie, le film n'est en fait qu'une étude de cas basée sur des faits. C'est comme voir une étude scientifique appuyée par certains faits. Le récit est souvent pointu avec pas mal de données en plus d'être fragmenté, car la narration n'est pas du tout linéaire puisqu'elle comprend beaucoup de flashbacks. Faire un film de cette nature en choisissant cet angle-là est osé, mais je n'ai pas du tout accroché. J'ai trouvé le film extrêmement froid et totalement excluant en plus de ne donner aucune émotion. Ce n'est pas un mauvais film, donc ma note est peut-être un peu sévère, mais j'ai trouvé ça ennuyeux.
Un film présentant une jeunesse décadente et des parents pommés, ce qui est très loin de la réalité. Le film se fonde sur de très nombreux clichés et contribue à donner (une nouvelle fois) une image négative et peu réaliste de la jeunesse.
Je ne vois pas comment je pourrais mettre 4 étoiles à une autre comédie familiale bien pensante américaine mais selon moi,"Marley et moi" sort du lot. Déjà parce que le tandem Jennifer Aniston / Owen Wilson est tout simplement parfait pour les rôles principaux, il forme à eux deux le coeur plein d'empathie et d'entrain du récit. On a envie d'avoir un couple d'ami comme eux, ou comme voisins (allé même les deux en même temps, jackpot!). Mais cette histoire est évidemment celle de Marley le labrador, et je pense que même les gens qui n'aiment pas les chiens aiment les labradors (peut on vraiment aller à l'encontre de ça?). Aussi attachant qu'il est espiègle et plein de ressources dans la (grosse) bêtise. Notre adorable Marley deviendra le fil conducteur du récit très prévisible des aventures de la petite famille. Bref, à prendre comme cela doit être pris : un divertissement canin au poil!
Le seul mot qui me vient a l'esprit est magnifique. Magnifiques decors, magnifique lumiere, magnifiques images, magnifiques acteurs et une super intrigue qui mele action, humour et beaute. Le summum c'est Salma Hayek, resplendissante de beaute, de sensualite et de talent et en parfaite complicite avec l'excellent Pierce Brosnan.
Disons-le d'office, Colombiana n'est pas la plus mauvaise production de Besson. Mais quand on sait que ce film aurait pu être une suite à Léon (et que Cataleya aurait été Mathilda), la déception est grande. Déjà parce que question action, on n'est pas excessivement servi (étonnant de la part de Besson), au point que l'on ressent parfois de l'ennui. Et puis, le film s'offre quelques moments de sentimentalisme. Je ne suis pas contre, tant que ces instants soient crédibles. Ici, ils sont barbants. En clair, Colombiana n'est pas le film d'action que j'attendais, plutôt mou du genou, excessivement invraisemblable question scénario (qui est déjà bien léger sur le papier) et qui, de toute évidence, n'arrive pas à la cheville de Léon...
Les films qui tentent de montrer ce qui fait le coeur, le corps et l'identité d'une ville me passionne. On s'intéresse ici à la déshérence qui touche une ville de Pennsylvanie, Braddok, et ses efforts pour continuer à vivre. Cela se passe en Amérique, cela pourrait se passer dans un village Français car cela montre les effets de la désindustrialisation qui a suivi la libérations toutes azimuts des échanges commerciaux et les difficultés qu'a pu connaitre une classe ouvrière moyenne pas préparé au bouleversement du monde et à; servir de variable d'ajustement. C'est plein de témoignages sur des personnes qui ont envie de faire continuer leur ville à exister. Un beau documentaire un peu angoissant sur un monde ouvrier qui avait autrefois, des perspectives d'avenir plus nombreuses, et un beau film.
Enfin j'ai eu l'occasion de voir un Jean Rollin, La Fiancée de Dracula n'est pas considéré comme faisant partie de ses meilleurs films et effectivement le film n'est pas formidable mais il dégage une certaine atmosphère qui peut séduire (ou que l'on peut trouver ridicule), les décors sont beaux mais tout cela manque de mystère. Quant à l'interprétation elle n'est pas fameuse , seule Brigitte Lahaie s'en tire.
Une excellente suite moins bonne que l'original mais très réussi tout de même ! Le suspens est très présent et il y a de bonne scènes ! On à apprend plus sur les relations de Laurie Strode et Mickael Myers, hélas pour moi j'ai commencer la saga avec le 7 ème et excellent volet, donc l'effet de surprise était abaissé ! Une excellente suite !
Très bon film de Luc Besson, le personnage de Nikita est mythique! Presque culte!
Fabuleux thriller. Avant seven, il y eut angel heart, référence absolue pour ce qui est des ambiances d'une noirceur phénomènale. Rourke alors au fait de sa gloire , y trouvait l"un de ses rôles majeurs , et donnait parfaîtement le change à un De niro angoissant et mystérieux à souhait . Glauque et doté d'un scénario canon , angel heart est l'une des dernières réussites d'alan parker, avant son long chemin de croix ponctué de navets monumentaux tel docteur kelloggs , evita et autres bienvenue au paradis...
C'est surtout Dominique Blanc qui m'a attiré vers ce film. Sacrée meilleure actrice au dernier festival de Venise, déjà couverte de prix et de Césars, elle est malgré tout discrète et peu connue du grand public, malgré un immense et singulier talent. Toutefois je trouve qu'elle était meilleure dans Stand by, pour lequel est reçu le César de l'actrice. Elle est quand même ici formidable. Le film en lui-même l'est aussi. Présenté comme drame fantastique, je n'y ai rien vu de vraiment fantastique. Juste le portrait d'une femme perturbée qui tombe lentement dans une jalousie dépressive, paranoïaque voir schizophrène. Les passages soient disant étranges ne sont pour moi que le reflet de sa folie et de son désespoir. D'entrée le film est assez envoûtant et arrive à le rester jusqu'au bout. Il peut paraitre long et lent avec très peu d'action, mais l'intérêt réside uniquement dans le cheminement psychologique de l'héroïne. De ce côté là c'est parfaitement réussi. On adhère à fond et on est pris dans les méandres de son esprit et de sa descente aux enfers. La mise en scène participe amplement à cela. Portée par des images et un son parfaits, un montage solide et un environnement glaçant à souhait qui colle implacablement au récit. Une banlieue sombre et froide, entremêlement d'autoroutes, de trains, de bus, d'avions, de décors de béton et de centres commerciaux, très impersonnels, en adéquation avec tout le reste, plongeant l'histoire dans une ambiance noire et glauque telle la dépression d'Anne-Marie. Une nouvelle belle composition de la part de Dominique Blanc dans un film pas vraiment gai, dur, lent, prenant, pas forcément facile mais au final assez jubilatoire pour peu qu'on s'y laisse prendre. Aussi réussi sur le fond que sur la forme, L'autre sort de l'ordinaire et c'est plutôt une bonne surprise...
Une succession de tribulations d'adolescentes sans grand intérêt.......................... Pas d'autre chose à dire sur ce film avec prétentions et sans aboutissement
"Easy Rider" est un film qui s'inscrit indubitablement bien dans son époque. Le problème vient du fait que le film ne décolle jamais et se résume à des scènes de dialogues pseudo-philosophiques autour d'un feu de camp et de longues promenades à moto. Ces escapades à deux roues sont d'ailleurs prétexte à montrer un paquet de plan panoramique qui sont certes trés beau mais ne font pas avancer l'histoire. Les quelques gros rebondissements et moments forts sont vraiment absurdes et témoigne de la faiblesse et du manque d'inspiration du scénario. Bref, sur le plan artistique, on repassera mais on pourra toujours apprécier le voyage.
Ce film m'a hanté pendant plusieurs jours après la première projection. Benjamin delajarte dresse un portrait éclaté de la vie de six personnages, avec un brio et une maitrise à en rester bouche bée. On pourrait disserter dessus pendant des heures entières et ne pouvoir en analyser qu'une partie. il suffit d’aller le voir une deuxième fois pour se rendre compte qu'on est passé à coté d’une foule de détails et on pénètre encore davantage ce film fascinant et l’émotion qui nous étreint s’avère encore plus forte, plus délicate. La mise en scène enrobe la vie de ces personnages avec un sens de la mise en scène éblouissant, qui semble se calmer petit à petit pour trouver une intensité inouïe dans des plans pourtant d’une simplicité sidérante. Les champs contre-champ ont rarement été aussi beaux et intenses que dans ce film. « les jeux des nuages et de la pluie » serre les cœurs, bouleverse plus ou moins, et suscite des réactions vives car le film va, il est vrai, à l’encontre des habitudes du cinéma français. Vieilles habitudes que ce film semble évacuer d’un revers de main pour laisser place à un parfum unique, irrésistible et persistant. Un petit chef d’œuvre !
Nordeste es vraiment un BEAU film. Carole Bouquet nous démontre ici son coté humain d'actrice. Le thème de fond du film est l'adoption périlleuse en Argentine. Le film reste régulier au cours de l'intrigue, vous n'aurez pas de sursauts de chaise en allant le voir. Néanmoins, le coté fort du film est sa photo. Il nous propose d'admirer les magnifiques paysages de la campagne argentine. Ainsi, amateur d'action s'abstenir. Vous passerez un moment très touchant en allant voir cette oeuvre du cinéma argentin, trop rare en France.
Très bonne comédie romantique et, c'est vrai, très américaine aussi. Les points forts sont le duo qui marche bien, l'humour et l'histoire; une Cendrillon des temps modernes prostituée.
Be Bad ! est un film qui démarre lentement, très lentement. On pénètre dans l'univers sentimental d'un adolescent américain qassez seul et rejeté, qui se cherche encore, à la famille éclatée et complètement dingue. Du teen-mobie vu, revu et rerevu en somme. Il ne démarrera véritablement qu'avec l'apparition du personnage de François, et seul le dernier tiers du film sera un tant soi peu plaisante et capable de nous décrocher quelques sourires (à défaut de rire, n'en demandons pas trop). Quelques phrases sont croustillantes, et on relèvera quelques situations fort cocasses, mais elles se compteront hélas sur les doigts de la main d'E.T. MAIS, une agréable surprise tout de même: cette french touch, qui nous fait plaisir et fait raisonner un bon "Cocorico' dans nos coeurs et dans le film, ce qui est rare dans une oeuvre américaine. Rien que ça on savoure! Belmondo, Gainsbourg, Dutronc, Camus... On est ravis ! Tout comme de voir Zach Galifianakis (Very Bad Trip). Mais au final, c'est un sentiment de superficialité, de déjà vu et de grosse inconstance qui prédomine. Etre captivé 25min après 1 heure à tourner en rond, c'est trop peu.
Le scénario est absurde, peu compréhensible (qu'on m'explique par exemple cette histoire de code !), ça n'avance pas trop vite, et le suspense ne dure pas bien longtemps. Une déception même si on regarde jusqu'au bout.
Où est le brillant prof de banlieue dont parlait l'affiche ? Je n'ai vu qu'un type paumé, perdu dans une classe, divaguant... Drôle d'image pour une pédagogie efficace. Qu'est-ce qu'un prof brillant ? Un type qui se contente de dire ce qui lui passe par la tête ? Qu'a donc voulu dire ce critique qui a affirmé que ce film était le meilleur qui avait été fait sur l'enseignement ? Ce critique s'était-il drogué lui aussi ?
Closet Monster est un teen-movie fantastique qui suit les pas d’un adolescent en pleine phase existentielle. Témoin d’un meurtre à caractère homophobe, il va continuer de vivre avec ce traumatisme. Lorsqu’il se lie d’amitié avec un autre garçon jusqu’à développer des sentiments ambigus pour lui, l’adolescent se souvient de nouveau de cet épisode. Entre réalismes et métaphores de la vie, le quotidien d’Oscar nous passionne. L’effort de mise en scène est maîtrisé avec sa superbe photographie, son mélange électro ou classique dans la musique, les décors ou costumes. Dans une ambiance alternant dramaturgie, comédie et psychédélisme avec le hamster, cette qualité vient s’apposer sur un scénario poétique et sensible et interprété par un comédien à suivre, Connor Jessup. D'autres critiques sur notre page Facebook : Cinéphiles 44 et notre site cinephiles44.com
Parmi la quantité de films se déroulant en milieu carcéral, "Les Poings contre les murs" sort assurément du lot. Certes, le long métrage reprend certains codes du genre mais évite une approche manichéenne trop exagérée et présente même quelques surprises scénaristiques (comme la relation du père et du fils dans la même prison). L'atmosphère quant à elle est sombre et violente mais sans s'enfoncer dans un pessimiste sans issue. Je le recommande.
N'ayant pas vu l'original mais un premier remake dans les années 90 (un appel dans la nuit), je trouve que le scénario n'est pas respecté. Un appel dans la nuit qui est un film introuvable à ce jour était un monument d'angoisse qui m'a marqué pour un long moment tellement le huit clos était oppressant!!!!! Or terreur sur la ligne ne nous offre qu'un énième film de teenagers qui nous fait plus sourire que frémir!!!!!! Passez votre chemin!
El Gusto est un documentaire musical qui raconte la folle aventure de musiciens juifs et arabes séparés par la guerre d'Algérie et qui se retrouvent, près de cinquante ans après, pour rejouer leur musique. Ce documentaire nous permet avant de découvrir une musique unique : la musique chaâbi, mélange de sons arabes et andalous, inventée par Cheikh El Anka dans les années 1920 et qui connut alors un grand succès. Il nous permet aussi de découvrir Alger et son berceau de la Casbah, ses souvenirs, ses anecdotes, ses habitants de l'époque et sa place pendant la guerre. Après, le film n'est pas exempt de quelques longueurs et d'une construction parfois déroutante, entremêlant les témoignages et les lieux. La voix off n'est pas toujours des plus convaincantes. Mais malgré ces petits désagréments, on se laisse complètement prendre au jeu et on se plaît à suivre ces musiciens dans leur reconstruction et leurs retrouvailles. Il y a surtout une vraie émotion qui ce dégage de ce documentaire et qui n'est ni feinte ni artificielle. Un joli moment à passer au cinéma.
Alain Resnais avec «Mélo» (France, 1986) offre, ainsi que le laisse présumer le titre, le parangon du mélodrame. Adapté par Resnais d’une pièce homonyme d’Henri Bernstein, le film adopte du théâtre certains symboles, comme pour en conserver la trace originelle. De ceux-ci, il y a, entre autres, les trois coups introductifs qui ouvrent le film ou des plans fixes de rideau qui divisent l’intrigue en acte. L’indice du théâtre se perçoit jusque dans les décors et les dialogues, conservés de ceux de Bernstein. A partir de ce choix esthétique de mêler le cinéma au théâtre, Resnais installe un jeu de mise en scène où le langage cinématographique s’encastre dans un monde plastiquement élaboré. Quand, dans un jardin à la facticité apparente, Marcel Blanc (André Dussollier) narre le récit douloureux d’une trahison amoureuse, Resnais fait le tour de la table jusqu’à saisir l’expression de l’acteur dans un gros-plan nimbé d’une aura sélective. Le langage de «Mélo» appose au théâtre un enjeu émotionnel qu’il ne peut contenir seul. Resnais enrichit Bernstein, le nourrit d’une mise en scène dont la simplicité n’a d’égale que sa charge émotionnelle. Le mélo est assurément efficace, usant des rouages du genre avec classicisme. Alors que peut-il y avoir de si riche dans «Mélo» ? La façon tendre et respectueuse dont Resnais insuffle à la fiction sa nature, sa facticité fragile, rend au film un charme absent de nombreuses œuvres. Resnais revendique la simulation, que contient tous films, et en vivifie tout son film. Car le véritable mélodrame de «Mélo», c’est le mensonge. Ce n’est pas tant la trahison amoureuse et amicale se déroulant devant nous qui forge la tristesse de l’œuvre mais davantage la sombre condition du mensonge dans les rapports des personnages. Le mensonge est la force atroce qui déchire l’intrigue. L’idée de ce mensonge dans le mélodrame appartient à Bernstein, mais c’est bien Resnais qui a su l’accorder au cinéma, relatant le mensonge par l’art suprême de l’artifice.
navet absolu: 60 minutes où il ne se passe rien et un final prétendument gore mais qui reste risible . on est tr&s loin d'umberto lenzi et surtout de rugerro déodato.
On pourra c'est vrai trouver un peu déconcertant ce thriller ne suivant pas franchement les codes du genre, notamment par son aspect peu spectaculaire. Pourtant, c'est au final cela qui fait tout l'intérêt de ce film parfois étrange, mais diablement séduisant. En effet, au-delà de l'aspect esthétique de l'oeuvre (somptueux), c'est bien la manière dont le scénario est construit et les personnages dessinés qui nous passionnent. Nous sommes il est vrai toujours plongés dans un aspect incertain, inconfortable, l'ambiguïté pointant le bout de son nez à chaque instant. A ce titre, la relation entre l'héroïne et son maître chanteur est une remarquable réussite, chacun apparaissant d'une grande nuance et d'une formidable subtilité afin de nous montrer toutes les facettes de ce "duel" qui se transforme au fur et à mesure en une très étonnante histoire d'amour. Qui plus est soutenu par une composition une nouvelle fois remarqauble de Tilda Swinton, "Bleu profond" s'avère être en définitive une oeuvre aussi passionnante que séduisante. Remarquable.
Whoopi Goldberg onne à ce film une éternité, c'est à dire qu'il ne vieillit pas! Les chansons sont sublimes quand à Whoopie et ses nonnes, elles sont hilarentes!
« Très décevant de voir ce film ne pas respecter du tout l’idée originelle de la Purge américaine, destinée à réguler la criminalité urbaine très élevée et ne pas saturer des prisons déjà surpeuplées, dans le premier opus ! Une fois par an, le gouvernement donne son accord pour que tout meurtre, tout délit soient légalisées pendant 12h. La police n’intervient pas du tout. Eh oui, c’est terrifiant ! On dirait presque du « Black Mirror » qui montre les facettes noires de la société. Au lieu d’expliquer la genèse de la Purge, le film « Américan nightmare 4, les origines » laisse place à un film d’action avec des coups de feu ! En plus, je le trouve très raciste, vraiment haineux ! Trop de clichés, trop de caricatures qui me mettent mal à l’aise ! Les blancs sont vus comme des êtres méprisants, l’armée comme des méchants nazis, les noirs comme des pauvres, des fêtards ... alors, on leur propose aux noirs de recevoir une prime si on participe à l’expérience de la Purge et d’en gagner plus en tuant ! C’est choquant de concilier les personnes noires à l’argent facile. Je n’ai pas aimé ce film trop violent, haineux ! Film à jeter direct à la corbeille ! »
dans la mesure ou tomb raider avec angelina jolie obtient des scores de 4 etoiles alors que j ai rarement vu film a gros budget plus ridicule, je ne vois pas pourquoi je ne mettrais pas deux etoiles a ce film russe, sans prétention pas si mal filmé que ca avec une fraicheur une naiveté qui rend le tout assez regardable . je suis d'accord c est un nanar, mais parfois certain nanar sont touché par la grace et méritent d etre soutenus. on parle beaucoup de l actrice principale et franchement rien que pour la voir faire de l alpinisme ca vaudrait le coup d acheter la version collector a 29 euros! Par contre les gens qui on fait la version francaise sont des assassins et ne meritent meme pas un ptit role dans plus belle la vie. sans blaguer ! ca m étonnerais qu ils bossent encore dans le doublage! mettez les memes voix francaises a tomb raider le berceau de la vie et on verra si vous mettrez quatre étoiles!
quelle merveilleuse histoire et si bien interprété par...des chiens. j'ai vraiment souffert avec eux tout le long du film et grâce à l'acharnement de leur maitre le dénouement est heureux. trés jolis décors naturels et surtout ne prenez pas froid.
Un des classique du style Péplum. Un acteur charismatique et une histoire prenante et sans oublier une mise en scène efficace rendent ce film d'un grande qualité.
Très bonne fiction sur l'histoire tant controversée d'Erzsébet Bathory, en tout cas le meilleur film sur son prétendu dessein folklorique. Julie Delpy livre une interprétation de très bonne qualité, coup double pour la française.
Quelques divergences avec les livres... et tant mieux, on est d'autant plus surpris par ces personnages haut en couleur. Merci pour ce bon moment.
Personne n'ignore les talents d'actrice de Sara Forestier, déjà deux fois césarisée, mais elle endosse ici la double casquette d'actrice/réalisatrice. Et le pari est réussi ! A l'image de ses interprétations, toujours habitées, elle livre avec ce film une partie de son histoire. Son travail sur le bégaiement est remarquable et Redouanne Harjane est époustouflant de justesse. Le film trouve son équilibre entre drôlerie, sensibilité et parfois brutalité. En un mot, il s'agit d"un film vrai, porté par des acteurs incroyables.
"If you look in the trouble..." Le meilleur film du King (ce n'est pas difficile quand on voit les autres). Les chansons sont au top et l'histoire est bonne. Ambiance rock et blues à volonté...
D'abord chapeau! pour le courage et la foi de Charles et Gabriel! Courage de ne pas avoir eu peur de la poussière, de l'inconnu, et de l'épreuve physique! Et merci! pour toutes ces belles personnes rencontrées sur la route! merci à eux de nous témoigner avec autant de force, de simplicité et de joie leur foi malgré les persécutions, malgré la pauvreté! C'est si beau de voir que Jésus est à l'heure encore aujourd'hui après plus de 2012 ans à travers ces personnes, et que nous sommes une grande famille! Si vous voulez vous échapper un peu de chez vous, et partir à la découverte du monde, allez-y! n'hésitez pas une minute à sortir de chez vous pour aller voir "Il était une foi"!
La Rage du Tigre est vraiment remarquable. De bout en bout on croit à cette histoire de vengeance radicale d'une barbarie inouïe. C'est très beau car Chang Cheh a réussi à rendre son personnage principal, Lei Li, très humain, et donc proche du spectateur (ce qui n'est pas toujours le cas avec la Shaw Brothers). Du coup on se sent proche de lui et sa vengeance devient la nôtre. C'est très très fort et c'est en cela que réside la puissance du film car on se reconnaît forcément dans ce personnage. Dommage que Chang Cheh n'est pas prêté plus d'attention à des petits détails qui m'ont empêché de jouir pleinement du spectacle, comme ces perruques qui se décollent ou encore le bras soi-disant coupé bien apparent sous les vêtements de Lei Li. J'arrête là, je ne voudrais pas décourager ceux qui ont envie de rentrer dans l'univers de la Shaw Brothers, univers qui vaut pleinement le détour. Voilà, j'ai adoré ce film. Pendant 1h40, la souffrance du héros était la mienne. C'estt rare de voir ça au cinéma et l'expérience vaut d'être vécue.
l'un des monuments inédits à propos des actes isolés de la resistance et l'armee des ombres; ainsi cette loi choquante passée dans le plus grand silence par le gouvernement de vichy fait débuter l'intrigue avant l'assassinat certes lâche de l'officier allemand. Un innocent est donc entraîné dans une parodie de procès dans lequel les traîtres enflent au maximum des particules de vérité ou adoptent un discours extrême avant de se retracter, comme si Lafarge était le seul resistant du tout Paris quand on oublie les règles mesquines de sa cellule. Une atmosphere délétere ou regne une ambiance admirablement recréé, telle de toute façon le sérieux débile de ces miliciens.