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Après avoir réalisé la suite d' "Alien, le Huitième passager", Jean-Pierre Jeunet revient en France pour signer une des plus belles comédies romantiques qu'il soit. Atypique sur plus d'un point, "La fabuleux destin d'Amélie Poulain" fait partie des ces films qui dégage une une intensité émotionnelle telle que celle-ci perdure encore après le générique de fin. Rien de dramatique ici, l'effet provoqué est un effet "feel-good". Que dire de négatif ? Rien. Des acteurs aux personnages qu'ils incarnent en passant par la réalisation, la photographie et la musique, il n'y a pas de fausses notes. Peut être qu'il manque à l'intrigue une once de folie supplémentaire la rendant plus imprévisible mais, dans les mains d'un autre cinéaste, l'intrigue aurait pu facilement sombrer dans la niaiserie ou dans une platitude soporifique. Jeunet a un don pour raconter des histoires enrobées d'un poésie que n'aurait pas renié un Michel Gondry. Une invititation au rêve, tout simplement.
Au départ il flotte comme un air de fraîcheur et de simplicité... et puis au bout de 20 minutes, j'avoue que les beaux paysages n'y ont plus suffi. Finalement on rentre vite dans un train-train vraiment répétitif dont le dénouement final est soit prévisible, soit anecdotique. Le paradoxe, c’est qu'il n’est pas entièrement antipathique ce "Touristes", d’où mes deux étoiles. L'air de rien, dans ce goût du douteux, Ben Weathley arrive toujours à dégager un petit je-ne-sais-quoi qui fait que je ne suis pas totalement indifférent à ses films. Mais bon, après ce charme du cinéma primitif a aussi ses limites : loin d'être un film corrosif ou pince-sans-rire, "Touristes" reste malgré tout à mes yeux un film qui est juste bien trop simpliste et sans grande inventivité. Au moins, lui, a eu le mérite de faire bref...
Immense classique du cinèma d'angoisse, "Possession" est un film infaisable et visionnaire! Impossible en effet de ne pas être èbranlè par ce mètrage de fou! Comme c'est un film difficile sur le plus haut degrè de l'horreur viscèral qui se passe sur beaucoup points de ruptures, Andrzej Zulawski a beaucoup manipulè ses comèdiens et n'hèsite pas à les observer afin de dèceler leurs points faibles pour savoir ou et quand il peut les faire craquer! Isabelle Adjani, hallucinante et hallucinèe, signe ici l'une des plus grandes performances d'actrice de tous les temps! Sa prestation lui vaudra le Cèsar de la meilleure actrice en 1982 et le prix d'interprètation fèminine au festival de Cannes! La scène dans le couloir du mètro berlinois où elle fait une crise de nerf s'achevant en accouchement symbolique de fluides malins est ahurissante! D'un seul èlan, en trois minutes, l'actrice boucle la plus estomaquante des scènes de folie! Sam Neill se montre ègalement extraordinaire dans une descente aux enfers qui nous transporte peu à peu dans un univers morbide au climat effroyable! Un pur cauchemar pour un pur chef d'oeuvre d'amour et d'horreur, symbolisè par le Mur de Berlin, avec la musique envoûtante, utilisèe avec une extrême justesse par Korzynski...
Ce n'est pas un film comme les autres. Pas d'hystérie, pas de verbiage, pas de grande scène d'explication. L'autre n'est pas un film français comme les autres. Les premières images, sorte de générique sans texte, donnent le la : L'autre sera un film graphique, urbain et sensitif. Anne-Marie a quitté Alex. Elle lui explique que c'est fini et qu'il vaudrait même mieux qu'ils ne se voient plus. Veut-elle exorciser sa propre peine ? Cherche-t-elle ainsi à maîtriser la destinée de l'homme qu'elle vient de lâcher ? Suivant ses conseils, et plein de confiance, il lui annonce bientôt qu'il vient d'en rencontrer une autre. Le film illustre le désarroi dans lequel Anne-Marie est plongée, la naissance de sa jalousie, son obsession à mettre un nom et un visage sur son mal, sa dérive mentale et solitaire. Les réalisateurs utilisent tous les outils à leur disposition, faisant du cinéma l'art suprême de la narration. Le cadre est fixe ou mouvant, quelquefois précis, quelquefois désaxé, frontal ou en retrait derrière une vitre, une barrière d'arbres, un élément de décor. De la même manière, Dominique Blanc adopte un jeu tour à tour primaire ou distancé, terrien ou lunaire, faussement joyeux ou terrifié. La musique, omniprésente, mais jamais pesante, exceptionnelle de beauté, n'accompagne pas mais participe à cette narration chirurgicale et bouleversante de la dérive d'Anne-Marie. Le film s'étend comme un long mouvement musical, nourrissant le thème principal de nuances supplémentaires au fur et à mesure qu'il avance. On attend l'explosion. Elle ne vient pas. Mais la tension demeure. Anne-Marie perd pied, elle qui, assistante sociale, est pourtant ancrée dans le réel. Patrick Mario Bernard et Pierre Trividic nous offrent un cinéma du corps et de l'esprit sans jamais dissocier l'un de l'autre, un cinéma moderne (au premier sens du terme), puissant, profond, maîtrisé et libre. Du grand Art.
Décevant, pour moi. Un débat sur le largage d'un missile qui une fois largué tue des terroristes avec des ceintures explosives mais aussi une petite fille (Estimation : 80 vies épargnées par les ceintures) ou sur le fait d'attendre que la petite fille quitte la zone de tir mais que les terroristes en fassent autant. 1h30 pour prendre une décision d'ordre politique plutôt que militaire. Je suis déçu de voir autant d'émotion chez des militaires de bureau au détriment des personnes risquant leurs vies sur le terrain. Beaucoup de blabla classique avec pour seule nouveauté le cafard volant. Dommage qu'il n'y ait pas d'estimation financière sur le coût du tir ni un petit visuel de l'entraînement des personnes qui tirent le missile.
I'm Not There bénéficie d'un casting d'enfer! En dehors de ça, ce film alterne entre de bonnes scènes et des longs moments assez ennuyants. Au final on retient surtout le côté négatif. Bien trop inégal.
"Mémoires du 304" de Pascal Luneau. Production Philippe Nessler, avec Antoine Martin Sauveur et Karine Valmer qui sortira le 31 janvier au cinéma St André des Arts. Sélection du festival de Cognac, ce polar haletant nous emmène sur les traces d' un réseau secret anti-corruption aux méthodes musclées. Un scénario puzzle éclaté à l'image d'une société déchirée et rongée par la corruption, des scènes d'action punch et bien rythmées, une histoire d'amour forte et pudique, contrariée par l'obligation du secret et la loi du silence, et un Antoine Martin Sauveur en commandant du réseau qui crève l'écran. Du plaisir au ciné comme on l'aime et qui ne fait pas l'économie d'une réflexion sur la légitimité des réseaux clandestins armés. Allez-y!!!!
Le côté positif avec ce film c'est que l'on ne passe pas un mauvais moments du tout, au contraire on rigole et on s'amuse tellement le ridicule et le cliché sont à leur paroxysme. Si on analyse un peu, on peut avouer que d'une part la réalisation est vraiment impersonnelle; le scénario relève plus d'une farce qu'autre chose; les acteurs se demandent ce qu'ils font dans cette affaire et l'humour ne fonctionne pas toujours... Le film est une sorte de nanard décomplexé qui sur le moment fait sourire, mais qui sera oublié le lendemain.
"Fatima" rejoint la liste des films à caractère social style documentaire sur une tranche de vie des gens ordinaires. En plus de dresser un portrait réaliste et sans fioriture le film fait découvrir un beau personnage fort et attachant confronté à divers tiraillements causés par une société oppressante. Une belle découverte, dense, parfaitement maîtrisée et réalisée avec justesse.
encore la bonne periode mocky, avant les affreux navets suivants. ( sauf certains) depuis, il ne fait que dire a la tv qu'il a eu dans son lit 9000 femmes, et 50 enfants. ce fut 1 bon cineaste, mais tres aigri et radin. quand a ce film, c'est un bon cru, typique des 80's.
Adaptant d'un roman du français Pierre Boulle, ce film est un monument du cinèma de science-fiction fort bien rèalisè par Franklin J.Schaffner dont l’ènorme succès obtenu a permis de mettre en chantier quatre suites!Au delà de son côtè spectaculaire, il vaut ègalement par sa dimension philosophique, qui prend tout son sens lors de la surprenante scène finale!Héros majeur et inoubliable le grand Charlton Heston y trouva l'un de ses meilleurs rôles, mais c'est le maquilleur John Chambers qui obtint un oscar d'honneur pour son exceptionnelle performance en maquillage pour ses masques de singes, rèalisès avec une technique rèvolutionnaire pour l'èpoque!Un grand classique du cinèma amèricain...
Deux ans après le monstrueux Pour elle, le réalisateur Fred Cavayé réinvente à nouveau le thriller nerveux et réaliste à travers un deuxième long-métrage tout aussi impressionnant que son prédécesseur. Avant toute chose, la réalisation est encore une fois bigrement efficace, Cavayé proposant une mise en scène énervée, véloce et terriblement soignée. Bien appuyée par l'excellente musique de Klaus Badelt, À bout portant ne possède aucun temps mort. Autre point fort du film et source de réussite pour son metteur en scène : le scénario en béton, original et bien mené. Nous avons ici affaire à l'enlèvement de la femme d'un simple infirmier qui, par un malencontreux hasard, se charge d'un dangereux criminel recherché par la police. Obligé d'escorter le gangster jusqu'à un point de rendez-vous pour revoir sa femme en vie, notre bonhomme lambda n'est hélas pas au bout de ses surprises lorsque tout dérape lors de l'échange et lorsque la police le soupçonne d'être un complice. Cavayé nous livre donc tout son savoir-faire pour maintenir le spectateur éveillé à grands coups de continuels rebondissements bien pensés et bienvenus. Dans le rôle principal, Gilles Lellouche, parfait, nous impressionne de son naturel et sa conviction à interpréter un homme ordinaire projeté dans une situation extraordinaire. Épaulé par des seconds rôles du tonnerre (Gérard Lanvin, Rochdy Zem, Mireille Perrier...), l'acteur brille indéniablement de son talent. Avec ce côté humain encore une fois poussé à l'extrême, son scénario rocambolesque bourré d'action, de courses-poursuites haletantes et de confrontations violentes, À bout portant est non seulement la preuve que Fred Cavayé est un grand réalisateur à suivre de très très près mais est également un nouveau thriller français n'ayant rien à envier aux productions américaines, le long-métrage étant une fiction collant au plus près de la réalité avec un rythme effréné et une saveur délectable. À voir d'urgence.
Je voulais voir un film d'actions. Je ne m'attendais pas à un chef d'œuvre, mais j'ai vu un navet ! Hollywood est il incapable de faire un film d'action avec un minimum de scénario et de vraisemblance ?? Heureusement pour channing tatum, il meurt très vite et donc ne devrait pas trop souffrir de la présence de ce film idiot dans sa filmographie
très deçu ! la bande annonce m'avait emballé ! ainsi que le pitch de depart ,et au final ce n est vraiment pas au niveau et mis a part chantal lauby .... bref mieux vaut attendre sa diffusion tv que de voir ce film sans surprise sur grand écran
Et si Sangoku n’avait pas reçu son coup sur la tête en atterrissant sur Terre ? Et bien il serait devenu comme son frère Thalès. Après l’apparition de Raditz, la famille s’agrandit de nouveau pour ce film qui n’a pas grand intérêt et qui, une fois n’est pas coutume, ne respecte pas la continuité de la série animée. Difficile de trouver des points positifs ; Dragon Ball Z : Le combat fratricide propose non seulement un scénario paresseux, des personnages transparents (c’est moi ou les jumeaux Rezun & Rakasei ont des têtes de c... ?) et des combats inintéressants à l’image de l’ultime confrontation entre les 2 frères. On va vite le zapper.
Une déception totale, une meilleure fin aurait pu se faire pour Denzel Washington, les fans seront deçu qu'il finit mal et surtout aussi lâchement.
Une composition de plusieurs courts métrages , bien faible et bien ennuyeuse, pourtant signés par de grands noms du cinéma, sur le thème de la vacuité du temps qui passe, et aussi des migrations des individus. Le 1er de Bertolucci est gentiment naïf , politiquement correct, mais assez classique , où l’on voit un immigré clandestin ( indien ) qui fait une escale involontaire en Italie, il arrivera à séduire la jeune et belle Valérie Tedeschi, très bien , ( qui tient un café de routiers ) , et ils se marieront, Tout irait bien si l’indien n’avait pas oublié ses racines au passage . Bien filmé, une belle image Noir et Blanc. Suivent ensuite des courts expérimentaux sans grand intérêt de Szabo, Jiri Menzel ou Claire Denis . Arrive le meilleur film de Michael Radford où l’on retrouve avec plaisir le jeune Daniel Craig , pas encore James Bond 007, mais déjà avec ses yeux bleus hypnotisant . C’est un court de science- fiction , style « 2001 » en raccourci, ou le pilote d’un vaisseau spatial revient sur terre après des dizaines d’années de voyage interstellaire . Il retrouve sa ville de Londres, bien changée, avec de nouveaux repères, et un final assez surprenant pour boucler le temps ( un peu dans l’esprit de « 2001 »). Bien ciselé, bien filmé, une belle image, C’est le seul qui mériterait 3 étoiles. Pour conclure un court de Jean -Luc Godard, qui pour illustrer le temps qui passe , nous fait un copié/collé de certains extraits de ses succès des années 60, un peu culotté et pas vraiment intéressant ( mieux vaut revoir les originaux) . Du coup un assemblage bien fade, illustrant bien mal le thème choisi.
Le premier film d'Alastair Orr ne restera certainement pas dans les anals du cinéma. "I want to die" est sorti direct to DVD et c'est peut -être mieux ainsi pour ce torture porn à la manière d'un "saw" sans l'intéressant. Malgré les 72 petites minutes de film, on a l'impression de passer trois heures devant notre écran tellement c'est long et poussif. On s'ennuie ferme, j'ai pu lire que le scénario était intéressant mais je me demande bien où quelqu'un a pu trouver un scénario. De plus, si Orr nous montre bien quelque chose dans le film, c'est ce qu'il ne faut pas faire dans sa façon de filmer, jeunes réalisateurs ce film devient alors très instructif. Tout d'abord, éviter de balancer votre caméra dans tous les sens sinon le diner remonte plus vite qu'on ne le pense. Deuxièmement, éviter également les coupures écran noir qui durent 10 secondes à chaque fois parce que c'est franchement pénible et enfin, ne pas abuser sans cesse des gros plans sur les yeux, la bouche, etc... C'est vraiment gonflant. C'est dommage car l'esthétique est plutôt bonne et sans ces défauts c'est très agréable visuellement parlant.
Le film illustre à merveille l'instinct de survie. Ce qui épate, c'est qu'il soit aussi développé chez un sujet aussi jeune. Ce sujet aussi jeune est interprété tour à tour par les formidables jumeaux Andy et Kamil Tkacz. Le contexte historique est très connu, mais le scénario est solide et la réalisation soignée. Le film est d'une noirceur sans pareille, jusqu'à la scène sous le pont assez déchirante qui déclenche une fin assez rassurante, qui soulage. La direction d'acteur est excellente et la musique de Stéphane Moucha fait mouche.
Premier long-métrage pour Steven C. Miller qui a réalisé ici une exécrable Série Z au budget infinitésimal d'environ 50 mille dollars. Il est avant tout important de féliciter le service marketing de Dimension Extreme qui a édité le film avec une superbe jaquette qui (il faut bien l'avouer) donne l'eau à la bouche alors que le film en lui-même est une véritable catastrophe. Une énième histoire de zombies, le tout porté par un scénario absent, des acteurs lamentables et des dialogues qui frisent l'indigence. Automaton Transfusion (2006) donne l'impression d'avoir été réalisé par des étudiants, la mise en scène est insupportable (la camera qui bouge dans tous les sens), quant à la qualité photo (parfois floue), elle est tout simplement bâclée. Et dire qu'un second opus est prévu !
"Stromboli, terra di Dio" marquait en 1949 la première collaboration entre Roberto Rossellini et sa muse Ingrid Bergman. Conservant la marque assumée du néo-réalisme, cette oeuvre puissante est pourtant moins un portrait politico-social qu'une formidable étude de caractère, tout particulièrement celui de la protagoniste principale. Le film entier repose sur l'analyse de son comportement, tant l'intrigue est minime comme laissée de côté et que les personnages secondaires ne sont que des pivots répondants à l'âme perdue et désespérée tant exposée. Ambitieux et risqué mais amplement réussi. Le cinéaste va au contact des êtres et les observe : il ne leur laisse que très peu souvent la parole et ne cherche pas à s'embarquer dans de vastes dialogues inutiles. Pour lui, tout passe par l'image, les démarches, visages meurtris et expressions interprétables à de multiples niveaux. Style complexe et passionnant, rempli comme d'habitude de fines et intelligentes métaphores provoquant par la suite le ressenti du spectateur, puissant et inhabituel. Le huis-clos se fait sentir, l'enfermement est aussi bien physique que moral et l'on ressort bouleversé de quelques magnifiques séquences très inspirées. L'aspect documentaire sert la fiction, argumente le propos, le renchérit et s'inscrit parfaitement dans une logique de continuité visuelle tant sur le plan des cadrages que du montage. Vive, sèche, précise, sans détours, frappante et saisissante, voici comment se définit par de simples mots la mise en scène très recherchée du cinéaste, prenant du recul sur son sujet, privilégiant une forme au service du fond que l'on est pas prêt d'oublier, nous gratifiant de prises de vues aussi surprenantes que stupéfiantes. Bergman est magnifique, transporte son personnage vers les plus hauts cieux du septième art comme les profondeurs abyssales de la dépression. Ce film sublime n'a contre lui qu'un rythme parfois pas aussi tendu qu'on l'aurait espéré.
Ce film fait vraiment rêver, et il est pour tout le monde ! J'ai adoré !
c'est le genre de films, qu'après la séance du cours au bar, pour picoler comme un porc pour oublier, pour efface le moindre souvenir de ce films !!! et quand tu payes la place plein pot bah ça fait mal !!! à classer dans les films du dimanche !!
Une comédie musicale qui fait autant d'effet qu'un playback mal calibré grésillant avec deux temps de décalage.
Les amateurs de nanars à la potacherie prépubère vont en avoir plein les yeux. La propension hollywoodienne à prendre les adolescents pour crétins atteint ici une sorte de paroxysme.
Fabien Onteniente et Franck Dubosc était visiblement fait pour s'entendre. Car tout deux sont en parfaite symbiose dans un monde de beauf,ou le comique au raz des pâquerettes est roi. Il n'y a rien a attendre des personnages vu qu'ils sont écrits et développés avec les pieds,et ce n'est pas la réalisation d'un tocard comme Onteniente qui viendra les sortirent de là.
God. Art. Ou du cochon. God. Is dog. Ah dieu. Caca. Pour une herméneutique du langage. Des sourds. Marx attaque. Qui veut un Mars ? Voilà, j'ai fait ma critique en mode Godard de ce film autre, qui me rappelle mes expérimentations éthyliques au caméscope quand j'étais ado. Sauf que moi j'aurais pas osé aller à Cannes et sortir ça en salles. Bon mais sinon le chien Roxy est bien mignon et il y a deux ou trois plans intéressants au niveau de la 3D, et des citations qui sont intéressantes également quand on arrive à les entendre dans la cacophonie ambiante et à faire le lien avec le reste. Sinon ça se rapproche assez d'une séance chez le dentiste...
Prenant exactement le même canevas que un de ses précédents films le très brillant "Aventures en Birmanie" et le transposant de la Seconde Guerre Mondiale aux guerres contre les Séminoles, Raoul Walsh réalise un film très largement moins réussi. Alors que paradoxalement "Aventures en Birmanie" durait près de quarante minutes de plus, "Les Aventures du Capitaine Wyatt" apparaît comme beaucoup plus long à cause d'un rythme un peu languissant. De plus, contrairement par exemple à "La Charge fantastique" le film est très manichéen envers les indiens. Ajoutons à cela un technicolor délavé, qui donne l'impression que la pellicule est passée dans une machine à laver, et un Gary Cooper bizarrement très effacé alors qu'il joue le rôle d'un meneur d'homme. On est loin d'Errol Flynn dans "Aventures en Birmanie" tellement charismatique qu'on le suivrait jusqu'au bout du Monde. Reste le tournage en extérieurs dans les Éverglades, bien que gâché par des plans de transparence hideux, et quelques belles scènes notamment l'attaque du fort. Mais il n'empêche ce film est une très grosse déception.
Elaguée, la trame du film diffère de son support, ou plutôt fait la synthèse de ses croquis ; les thèmes discrets que le scénario a-priori très complexe évoque seraient beaucoup plus étoffés et prépondérants dans la BD. Car si l'expérience est déroutante et le langage sophistiqué, le propos de fond d'Immortel est d'une simplicité toute baroque, l'essai reposant autant sur une ironie du réel que sur l'imaginaire débridé et l'imagerie exaltée de son auteur. D'une grande finesse dans les motifs qu'il soulève, souvent récurrents à la SF (eugénisme, société à la beauté cruelle et élégiaque), Immortel n'invente rien cependant, puisant dans les grandes et petites lignes du genre. Tout tient à la façon de réemployer ces idées pour leur réserver un traitement singulier et se fondre dans la palette mûrie par Bilal. Les initiatives de genre fourmillent, illustrées par exemple par ces messages subversifs flottant dans l'atmosphère [au premier comme au second degré] échappées des songes de dissidents écroués. Sans opter pour un basculement irréversible vers la dissertation ou parabole politique, Immortel garde du réel un contexte social fort marqué par une campagne électorale, mêle sciences, moeurs et religions dans un flou artistique. Il déploie moins un New York totalitaire pour mettre l'accent sur cet état de fait que sur le poids dont s'accommodent ou se déchargent ses âmes ondoyantes. Reflet fantasmé de notre monde, extrapolant ses facettes, lui découvrant de nouveaux attributs, c'est un spleen idéaliste sur l'amour. (…..) Rarement un film à l'univers aussi ambitieux et abondant aura autant su développer l'humanité de ses personnages, ambigus et passionnants, dont les métamorphoses sont le siège de leur vérité. La technique ici n'écrase pas ces êtres authentiques mais se conjugue parfaitement avec l'atmosphère intimiste. (…..)
J'aurais plutôt mis 3,5 étoiles si cela avait été un "blockbuster"... Film émouvant et juste dans ce qu'il évoque, le jeu des acteurs, sans pathos mais humanité (un ou deux excès de scénario, sur la fin, ne gâche pas la qualité globale d'écriture sur un sujet sensible et jamais vraiment abordé). S'il avait été un téléfilm, les critiques TV auraient été enthousiastes. Ne mégotons pas notre plaisir car c'est du vrai cinéma ! Et de la vraie vie dans une vraie province (Clermont-Ferrand en Auvergne ?)comme la plupart des gens vivent chez nous ...
A travers cet hommage sincère à Alfred Hitchcock (auquel le film est dédié), Mel Brooks nous offre une parodie particulièrement attachante et, même si certains gags ont du mal à faire rire, d’autres sont tellement bien vus qu’il provoque l’hilarité (la séquence des oiseaux est un superbe moment). Mais ce qui m’a le plus frappé dans Le Grand Frisson est la mise en scène très soignée de Mel Brooks (notamment d’un point de vue visuel) ainsi que le scénario qui, en plus d’être amusant, propose une intrigue policière moins bête qu’elle n’y paraît tout en intégrant beaucoup d’éléments chers au maître du suspense britannique. Vertigo + Les Oiseaux + Psychose + Mel Brooks = Le Grand Frisson, c’est-à-dire une comédie de qualité.
Je viens de découvrir cette comédie qui m'est passée sous le radar toutes ces années, et de un, j'ai eu le plaisir de constater qu'elle a extrêmement bien vieilli, et de deux, j'ai passé un super bon moment! Le do comique improbable formé par Michael Caine et Steve Martin fonctionne à merveille, et la ravissante Glenne Headly les pousse à se dépasser encore plus. Vraiment une bonne surprise.