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Les moines prient, ils mangent, ils prient, ils mangent et travaillent. Merci au réalisateur de ce documentaire de nous avoir éclairés. On ne s'imagine même pas ce que peuvent faire des moines dans un monastère coupé du monde. Et un grand merci d'avoir été aussi bref. Il fallait bien 3 heures ...
Ne connaissant pas le roman de Stephen King, je m'attendais à l'un de ces huis clos comme on a déjà eu avec une personne coincée qui essaie de s'en sortir ce qui d'une façon est le cas seulement l'histoire est beaucoup plus complexe qu'il n'y parait et surtout tellement plus riche... Ce film est d'une grande richesse autant dans les thèmes abordés que dans la façon dont tout ça est montré. On a droit à l'horreur dans toutes ses formes et à tous les temps avec des blessures du passé qui refont surface dans le présent et mettent en péril le futur de Jessie. Cette dernière est coincée, mais n'est pas seule puisqu'elle reçoit la visite de personnes inattendues... Elle fait un profond travail sur elle-même, une sorte d'introspection qui lui font comprendre beaucoup de choses sur sa vie et ses choix ce qui lui donne la force d'essayer de s'en sortir. Ce film oscille entre le drame familial, le thriller psychologique, le survival et le film d'épouvante tout simple avec des apparitions. Le film peut être aussi intense et angoissant que touchant ou sanglant sans oublier les petites touches d'humour noir. Il y a de tout avec un mélange des genres très efficace qui permet l'ajout de nombreux éléments, mais rien n'est là par hasard. On finit par s'en rendre compte avec ce final pas indispensable pour moi qui aime les choses surnaturelles, mais qui a le mérite d'apporter de vraies réponses. Je ne sais pas si c'est une bonne adaptation et ce n'est pas un grand film d'horreur si on doit le considérer comme tel, mais c'est un excellent film porté notamment par une Carla Gugino très convaincante.
Rage ou Tokarev au choix est une ultime série B avec Nicolas Cage habitué dorénavant aux DVD, mauvaise réalisation ( la caméra bouge dans tous les sens et donne mal à la tête), scénario bidon ( enlèvement de sa fille, avec une fin ...tout ça pour ça ) et une première scène d'action qui commence à la moitié du film, on se dit alors whaou ça y est ça commence , et bien non , des discussions interminables qui "meublent" le téléfilm pour rien et on s'ennuie en regardant sa montre , en résumé un dtv ( espérons qu'il ne sortira pas au cinéma ) de fin de carrière de Cage , on en finit par regretter les 8 millimètres et autres Lord of War d'UNE AUTRE époque, Seule consolation vous pourrez admirer la ridicule perruque de l'acteur qui donne à sourire ,2/20
Grandement marquée par la jeunesse et l'innocence de ses deux interprètes, c'est une belle et tendre histoire, magnifiée par une mise en scène et des plans souvent superbes, mais malheureusement plombée par des séquences trop ridicules et surtout trop longues centrées sur les parents. Bien sûr, le réalisateur y a voulu faire transparaître la débilité des adultes mais cette exposition est beaucoup trop lourde (la fin en est un exemple flagrant). C'est vraiment dommage, mais, attention, si on enlève la dernière demi-heure (à partir du moment où les enfants se réfugient dans leur cachette), si on ne retient que les plans superbes, la musique magnifique, et si on se laisse porter par l'innocence de ses deux mini acteurs (aussi blonds que mignons), "A Swedish Love Story" est un petit chef-d'oeuvre.
Film très moyen. Scénario très banal, scènes de combats caricaturales et donc pas grand interêt au final.
Je fais remonter la note qui vaut bien un 4 étoiles, les critiques envers ce film sont pour moi une énigme, l'histoire est excellente le jeu d'acteur parfait, les plans super, ceux qui critiquent le film pensé quoi que parce qu'il y a Val Kilmer, il va y a voir des des effets spéciaux genre matrix ou un smoking qui danse tout seul, il aurait mieux fait d'aller voir un Rambo, avec des explosions toutes les minutes non on est dans un film action, qui est très réussi, l'histoire est bien ficelée
Très beau film, puissant. Puissent tous les gens qui rejettent les autres pour leur sexualité le voir. Il m'a bouleversé . Bons acteurs. Note pour Chriss qui demande comment faire pour le revoir : Il est en accès libre sur le site de la RTS (Télévision suisse) mais vite, ça n'est possible que quelque temps (rubrique: "les plus vus" ou alors "films")
Un bon coup de plumeau sur le style Western des années 60. Quelques petites lenteurs ci et là mais rien pour gâcher la qualité globale du film. On est tenu en haleine par la beauté des décors et paysages, par le jeu des acteurs avec l'excellent Russel Crowe et à égalité avec le non-moins prenant Christian Bale. Mention très bien également pour le fils courageux (Logan Lerman). Bref, non le film ne fait pas 3h10, mais bien 2 bonnes heures de grand spectacle.
C'est entendu, Kore-eda méritait tôt ou tard d'être récompensé par une Palme d'or pour l'ensemble de son oeuvre, traversée de thématiques récurrentes. Qu'il l'ait obtenu avec Une affaire de famille, loin d'être sa meilleure réalisation, est un peu surprenant mais cela n'a qu'une importance relative et lui permettra sans doute de toucher une audience encore plus large que d'habitude. Une affaire de famille est bâti sur le même principe que Notre petite soeur, notamment, à savoir que les liens familiaux que l'on se construit sont plus importants que ceux acquis par le sang. Une grande partie du film s'échafaude autour d'un noyau réunissant plusieurs pièces rapportées, une famille recomposée et décomposée dont la moralité n'est pas le fort. Au passage, on admire la direction d'acteurs du cinéaste et notamment celle des enfants mais dans un premier temps le scénario n'est pas des plus exaltants voire même un peu répétitif, comme s'il fallait à tout prix dépasser les 2 heures de projection. Au moment de Tel père, tel fils, certains avaient pointé du doigt, à juste titre, une certaine tendance du cinéaste à la mièvrerie et ceci peut expliquer qu'après la parenthèse de The Third Murder, Kore-eda ait décidé de "muscler" Une affaire de famille avec des scènes moins consensuelles et plus osées que d'habitude, quitte à ce qu'elles soient parfois embarrassantes comme celles du peep-show. Dans la dernière demi-heure, cependant, l'intérêt du film est relancé et l'émotion s'invite, sans excès toutefois, comme au temps des meilleures réussites du réalisateur. Cela méritait-il pour autant la récompense suprême sur la Croisette ? Face à la mise en scène bouillonnante de Leto de Serebrennikov, pour ne citer qu'un seul des autres compétiteurs, sans doute pas.
L'éternel problème de l'adaptation d'un dessin animé sur grand écran refait des siennes avec la mise en images live des aventures de Yogi l'Ours, ancien célèbre personnage créé par Hannah et Barbera. Le dessin animé mettait en scène notre héros balourd et son jeune acolyte Booboo dans un parc naturel où l'ursidé glouton tentait désespérément de voler les pique-niques des campeurs. Datant des années 60, le genre a bien évolué depuis et les gags lourdauds du dessin animé ne feront aujourd'hui rire que les nostalgiques... Chose que n'a pas compris le réalisateur Eric Brevig, déjà réalisateur du peu original Voyage au centre de la Terre 3D. Comme pour La Famille Pierrafeu ou Mr. Magoo, la puérilité est le mot d'ordre dans le long-métrage. Tout – et je dis bien TOUT – est prévisible pendant un peu plus d'heure, de la trame cousue de fil blanc aux pseudo-gags infantiles qui ne feront rire que les tous petits : Yogi se prend une tarte dans la figure, le Ranger Smith (Tom Cavanagh, pitoyable) s'agrafe les doigts, ce dernier fait une déclaration d'amour à la documentariste Rachel (Anna Faris, paumée) avec le micro bien évidemment branché et, olala, tout le monde l'entend, le méchant maire est très méchant mais perd à la fin... Un niveau bêtise rarement atteint depuis Garfield en 2004. Alors bien sûr, le look des personnages est identique au dessin animé, les effets visuels sont réussis, Yogi et Booboo étant bien recréés avec ce mélange d'apparence cartoon et de réalisme et la 3D est omniprésente et un tant soit peu réussie. Ainsi, les moins de six ans se régaleront devant un ours qui parle et qui fait des cascades, des couleurs multiples et de la 3D jaillissante à n'en plus finir. Les plus grands, eux, s'ennuieront ferme, pousseront des râles d'exaspération et/ou iront se remater le dessin animé de leur enfance. En espérant que les producteurs américains se rendront un jour compte qu'on n'adapte pas tout au cinéma.
C'est un breton qui note. Sympa de voir les paysages de Morlaix, Brest et Rennes... mais à part ça, un scénario inconsistant, des scènes lentes à mourir, des péripéties... inexistantes ! Des scènes de petit déjeuner où il ne se passe rien, sans dialogue, un local désafecté filmé pendant 3 minutes... Une histoire banale trouvée dans une page du Télégramme de Brest en "Fait Divers" racontée en 1h30. J'ai failli m'endormir au bout de 30 minutes de jeu.
En se prouvant à lui-même et en prouvant au public qu'il était capable de faire autre chose que des comédies, Patrice Leconte signe avec "Les Spécialistes" un film qui n'a rien à envier aux productions américaines. Que ce soit pour la scène d'évasion spectaculaire dans les gorges du Verdon ou pour celle du cambriolage dans le casino, le film vaut largement le détour, mené tambour battant par le duo formé par Bernard Giraudeau et Gérard Lanvin dont la complicité fait des étincelles. Les répliques fusent, le rythme ne faiblit jamais et avec ce qu'il faut d'humour et d'action, le film s'impose comme un grand divertissement qui ne démérite pas sa réputation, bien au contraire.
Quel navet. J'ai du mal à croire que Laurence Fishburn a accepter de figurer dans un tel navet. Scénario incertain. Évolution lente. Dialogue plus long que dans les Mangas japonais.
Un film policier avec des rebondissements complètement invraisemblables. Impossible d'y croire !
encore un film sans interet...seule petite etoile pour la prestation de P. Diddy (alias Sean Combs) dans le role de Niky...sinon vous ne ratez rien si vous ne le regardez pas!
Malgré de bons acteurs, le film est d'une lenteur incontestable et ne suscite malheureusement aucun intérêt, tant au niveau de la réalisation terne et peu inventive qu'au niveau du suspense, quasi inexistant... Un thriller à mettre directement aux oubliettes!
3 ans après "L'effrontée",Claude Miller retrouvait Charlotte Gainsbourg dans "La petite voleuse"(1988).Une histoire qui se voulait le prolongement,mais qui en réalité lorgne du côté de François Truffaut.Pompe allègrement pourrait-on dire.Les 400 coups d'une jeune kleptomane qui fait sa crise d'adolescence.Conséquence de l'abandon de ses parents?Envie de se distinguer?Révolte contre le monde qui l'entoure?On ne saura pas les motivations de Janine Castang,à l'air triste,mais goûtant la vie à pleines dents.La dernière phrase du film nous dit qu'il faut suivre son propre chemin,quel qu'il soit.On flirte avec la démagogie.Charlotte Gainsbourg,savant mélange de douceur et de fort caractère,retrouve son côté insaisissable.Claude Miller sait la filmer,c'est indéniable.Il laisse libre cours à la nostalgie de sa France provinciale des années 50.Néanmoins,il ne parvient jamais à décoller du fait divers,et on a bien du mal à s'intéresser à cette adolescente rebelle.Des petits riens qui auraient pu faire un grand tout.Un rendez-vous manqué avec sa jeunesse.N'est pas Truffaut qui veut.
Un film uniquement pour les enfants, et dans le genre c'est plutôt pas mal. Mais je ne pense pas le regarder un jour une deuxième fois. 7/20
C'est loin d'être un chef d'oeuvre mais de là à ne mettre qu'1/2 étoile, j'ai tellement vu pire que je me trouverais pour cette réalisation vraiment trop sévère. Le départ m'a paru même prometteur car il a été démontré que parfois génie (intellectuellement) rimait avec folie. L'intrigue aurait pu alors être plus "crédible", voire même plus aboutie, si le scénario ne s'était pas orienté vers ce qui s'apparente carrément à du grand guignol. Dommage.
Scénario est adapté par Albert Simonin de "Touchez pas au grisbi", "Le Cave se rebiffe" ou "Les Tontons flingueurs", eux-mêmes souvent dialogués par le maitre Es argot Michel Audiard. Le plus gros soucis vient sans doute de la musique, une BO trop calme, sans envolée qui ne met jamais en tension les moments clés du film. Mine de rien ce film se détache pourtant des polars comme "Touchez pas au grisbi" ou "Les tontons flingueurs" par une violence plus froide, un réel cynisme et une fin assez inattendue. Un très bon film.
Film intéressant car on découvre le quotidien de la vie du Sioux (vie à la dure). Traditions et société indienne, réalisation avec de beaux plans de paysages (et plusieurs scènes psychédéliques enfin inspirée). Tout sonne vrai et pour cause (les personnages sont de vrais Sioux). La fin avec l'attaque de la tribu ennemie est très réussies.
Un film poignant, criant de réalité et très bien tourné. Beaucoup d amour et d humanité à l image de ce peuple cubain.
Cara D. est épouvantable, aussi expressive qu'une sole, son rôle ne consiste qu'à commenter l'action. Film très lent, pas de scenario, vulgarité et naïveté s'entremêlent. Un ennui sidéral
C'est un film plein de subtilité, un film situé dans les années 80 et qui piste les préjugés homophobes. Avant de dire "homosexuel", on disait "pédéraste", terme à la consonance proche de "pédophile" et qui conduit parfois à des raccourcis absurdes et malveillants. Ici, la tendresse de ces deux hommes à l'égard d'un adolescent trisomique délaissé par une mère toxicomane, suscite la méfiance : puisqu'ils sont homosexuels, ils auraient forcément une sexualité débridée ou des idées perverses et tordues à l'endroit de cet adolescent, dont ils prétendent vouloir s'occuper. Comme souvent aux Etats-Unis, c'est sur la scène judiciaire que va être exposé le problème. Il y a quelque chose de décapant dans ce film, qui montre que bien souvent, on se trompe de débat. Ici, le mariage pour tous a déclenché l'ivresse de la colère, la profération d'anathèmes absurdes. "The two daddies" se déroule il y a une trentaine d'années, la société a sans doute évolué, mais il est probable que la scène fantasmatique prend encore souvent le pas sur la réalité. Voilà un film, qui donne à réfléchir...
"Désir" est né de la rencontre de deux des géants de la réalisation de l'époque: Ernst Lubitsch, qui l'inspira et le produisit et Frank Borzage qui le réalisa. On craint généralement le pire lorsque ce genre de rencontre se produit, car de duo il se transforme souvent en duel. Il n'en est rien ici, "Désir" reflete la symbiose entre la Borzage et la Lubitsch touch, alors que l'une aurait pu effacer l'autre, les deux hommes ont su travailler en parfait accord, Lubitsch apportant l'humour et Borzage les sentiments et le glamour; et ce sont les deux qui en sortent vainqueur signant un des chef-d'oeuvres de la comédie américaine parfois sous-estimé, interprété par un autre duo tous aussi talentueux: Gary Cooper-Marlene Dietrich qui se retrouve pour la deuxième fois après "Marocco" de Sternberg.
Enfin une adaptation de séries télé qui tient la route! Qu'on connaisse ou non la série "firefly", ce film se laisse regarder avec plaisir. C'est un pur divertissement et c'est tout ce qu'on lui demande! Personnage sympathique, effet spéciaux qui tienne la route ( bon ce n'est pas star wars...), scénario sympa...bref bon film a voir entre pote !
Exercice de nihilisme pour les nuls. Ce film est triste et sinistre. Le scénariste soit se prendre pour Shakespeare ou Pasolini, mais il est dans le simple exercice de style.
Je suis fan. Il n'y a plus Freddy et ses babioles. Mais ça ne fait rien. Car Momie le remplace au pied levé (que ne se privera pas de mordre Jeff). Sinon toute la bande est au complet pour retrouver un nouveau trésor. Le collier du roi Midas censé transformer tout ce que son possesseur touche en or. Et qui pose cette question fatidique : faut-il privilégier fortune et gloire (ce ne sera pas le seul clin d’œil à Indiana Jones) ou ceux qu'on aime par-dessus tout ? L'ensemble est toujours drôle, ultra-divertissant, avec plein de références à la trilogie Indiana Jones (l'Arche perdue, le Temple Maudit : la carte avec l'avion et le trajet en pointillé, certains pièges ou gags), bourré de séquences d'action cartoonesques où tout semble possible et réalisable malgré les lois de la physique et où les héros ne mourront jamais. C'est ça qui est rassurant et que j'aime dans les dessins-animés pour les enfants. Les méchants, par contre, ça peut être un poil violent par moment. Mais l'humour n'est jamais bien loin pour désamorcer l'éventuelle dureté de l'exécution. Ce que j'aime, c'est que le héros est stupide et s'en sort uniquement grâce à sa chance (et un peu de débrouillardise et d'astuce aussi admettons-le). Ce n'est pas Harrison Ford. Il en reprend le look mais sans le côté historien, macho, sûr de lui. Et la fille n'est pas une potiche, un faire-valoir comme Willie dans le Temple maudit. C'est elle la vraie scientifique. Excellent travail de la part des espagnols que je félicite chaudement. J'espère revoir Tad dans d'autres aventures, à la recherche d'autres artefacts, aux quatre coins du monde car sa copine et lui, son chien, son perroquet, sont bougrement attachants.
Le plus mauvais film de toute l'histoire du cinéma, je pense qu'il y a dans ce film un concours entres les acteurs pour savoir qui joue le plus mal.
Une nouveauté d'Asylum, le studio spécialisé en série B, mocbusters et autres films frôlant parfois le plagiat, avec pour thème ces chers Hobbits de Tolkien que j'affectionne? Cool me suis-je dis, ça sens le nanar, on va rigoler. Mais au final une série Z d'une nullité sans nom, qui frise plus le navet que le nanar épique. Alors des Hobbits, on se demande quand même où ils sont, d'autant plus quand on fait la comparaison avec ceux de la Comté. Ici, tout ce qu'on a, ce sont des nains indiens aux coutumes plutôt bizarres, qui vagabondent dans la jungle. On se demande également ce que vient faire ici Christopher Judge (Teal'c de Stargate SG1), à croire qu'il avait besoin d'argent pour payer ses impôts. On essaie bien de copier à fond les films de Peter Jackson sans tomber dans le plagiat, avec des Rock-mens qui essaient de copier les orques du Mordor, sans convaincre grandement. Je ne parle pas du scénario qui se révèle franchement indigeste en tout point, avec des aventures plutôt soporifiques et des CGI foireuses (comme toujours chez Asylum, on commence à connaitre). En bref, un navet de plus de la part d'Asylum.
Bon bon, je sais, je sais, qu’est-ce-qui m’a pris de regarder un tel film? Certes, Len Wiseman ne fera jamais partie des grands. Il est très doué pour les effets spéciaux, les scènes d’action et pour créer tout un univers et une ambiance mais ça s’arrête là. « Underworld 2 » n’est pas si mal et bien que je sois un grand fan de Paul Verhoeven et bien entendu de son « Total recall », j’ai eu la curiosité de voir ce remake. Le vide intersidéral, aucune saveur, aucune comparaison n’est possible. Bien que la trame de l’histoire soit précisément la même (le décor de Mars en moins), je crois ne jamais avoir vu une interprétation aussi inexpressive de la part de tout le casting, un scénario aussi vide de sens, des incohérences aussi évidentes, des situations aussi grotesques. C’est débile et affligeant. Il ne s’agit bel et bien que d’un enchainement de scènes d’action aussi ennuyeuses les unes que les autres avec une quantité affolante d’images de synthèse sans le moindre intérêt. Un remake inutile et je cours vite revoir l’original qui continue de me faire rêver bien qu’il ait déjà plus de 20 ans…
les trop rares spectateurs qui l'ont vu ne s'y sont pas trompés jusqu'à présent. ce film est absolument incroyable. De part une intrigue qui nous tient en haleine de bout en bout, ce film est d'une originalité folle car il sait mêler science fiction et comédie romantique pour traiter des relations amoureuses d'une manière assez subtile. après on peut ne pas être d'accord avec son analyse et sa façon de concevoir justement la relation amoureuse. en tout cas le scénario est fouillé, très bien écrit, les personnages profonds et magnifiquement interprétés!! je ne me lasse pas de le revoir. et je me dis qu'il est vraiment dommage que sa sortie le 12 septembre 2001 l'ait laissé complètement dans l'ombre pour cause d'evenement la veille que l'on connait bien. à quand une véritable sortie en salle?
Suite de «Yôjimbô», «Tsubaki Sanjuro» (Japon, 1962) d'Akira Kurosawa ne comporte pas la trace du génie qui fait le succès international du cinéaste. Cette trace se compose, de façon grossière, d'une symbiose toute shintoïste entre l'individu humain et son environnement naturel, par le biais des pratiques cinématographiques les plus élémentaires. Kurosawa met à lui seul en pratique ce tout vers quoi l'âge d'or Hollywood tendra : une puissance du récit par le biais d'une économie des moyens (techniques plus qu'économiques). Sanjuro est un ronin solitaire, «un sabre sorti de son fourreau» comme le dit une femme, prêt à aider une bande de jeunes samouraïs, pris entre deux clans en guerre. «Tsubaki Sanjuro» schématise le génie du cinéma de Kurosawa, non seulement qu'il en affaiblit l'animisme, mais surtout qu'il en caricature la composante pirandellienne. Le changement des versions qui donnait à «Rashômon» une allure de puzzle est résumé par une dichotomie, heureusement non manichéenne. Sanjuro, dans cette lutte duale des avis, ramène continuellement les jeunes samouraïs à la vigilance pour trouver au mieux la liberté. En apparence, le ronin est un rustre qui roule des épaules et qui grogne ses ordres (personnage fétiche incarné par Mifune chez Kurosawa). Dans le fond, il est un philosophe socratique qui pratique l'art de la maïeutique en laissant voir deux optiques différentes du monde pour mieux en sourdre la Vérité. Ken-geki (film de sabre), «Tsubaki Sanjuro» se positionne comme le concurrent cinématographique de «Zatôichi», ils se combattront d'ailleurs en 1970 dans «Zatôichi to Yôjimbô» de Kihachi Okamoto. Adversaire de Zatoichi dans la mythologie du cinéma japonais, Sanjuro se range comme un personnage du cinéma commercial. N'en faisant pas pour autant un film nul d'intérêt, le paradigme commercial trouve davantage l'ambiance d'un ton convenu (sinon dans le fabuleux duel final), notamment par la musique, pourtant habituellement si vibrante, de Masaru Satô.
Comment un réalisateur comme Ridley Scott peut il nous pondre et cautionner une histoire si déconcertante et à la fois intéressante. Oui il y avait matière à réaliser un bon film, un casting de luxe, des décors corrects, une mise en scène qui aurait pu s’avérer efficace, mais le résultat final n'est pas au rendez-vous. Nous assistons impuissants à un défilé de personnages qui apparaissent et disparaissent, sans aucune raison logique, une succession de scènes n'apportant rien à une intrigue inexistante. Immense déception, lassitude, frustration, agacement ... que dire de plus ? RIEN. La seule excuse valable qui pourrait justifier un tel plantage est le suicide du frère du réalisateur : Tony Scott. J'en conclu que Ridley à surement voulu lui rendre hommage et le résultat est bien présent, ce film est un : "SUICIDE ARTISTIQUE".