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C'est l'histoire d'une petit malfrat poursuivi par Bud Spencer et la mafia, d'un « latin lover » qui retourne chez sa « mamma » . Le pitch, le vrai : Carlo Pendersoli, 1,92 m. 140 kg. Ne cherchez pas, vous le connaissez tous, mais sous le nom de Bud Spencer! A la veille de ses vacances, le sergent Alan Parker (Bud Spencer) est chargè par ses supèrieurs de retrouver Tony Roma alias Thomas Milian (tout pour plaire dans son accoutrement), mi-escroc, mi « latin lover » , qui dèvalise les dames grâce à son ineffable charme italo-amèricain! Mais, rusè, Parker va attendre le malfrat chez sa « mamma » , comptant sur l'indèfectible attachement des Italiens pour leur famille! Dèlaissant son comparse Terence Hill, Spencer (au mieux de ses formes) forme un duo efficace avec Milian qui lui vole pour ainsi dire la vedette! C'est une sorte de remake de "American Gigolo" de Schrader, mais version spaghetti! La voiture dans le film est ètonnante, et la musique des frères La Bionda, sympathique! Mais une comèdie de sèrie sur un sujet qui n'est pas plus invraisemblable que beaucoup d'autre avec finalement peu de bagarres! De plus la mise en scène de Bruno Corbucci fait parfois preuve de paresse...
Je ne suis pas un adepte anti-adaptation et j'ai aimé les deux précédents films, mais quand je vois la purge commise sur ce film ... Il y avait un vrai message dans l'histoire de Dan Brown, une vraie réflexion sur la surpopulation et les moyens de le régler. Là, ils ont pris l'intérêt du film pour le démonter de A à Z en faisant du "méchant" un vrai méchant psychopathe alors que c'est en réalité un visionnaire. Ils ont transformé le but et les moyens de ce personnage faisant du film une daube manichéenne lambda.
Une piètre production....................................!!!!!!!
Personnellement, l'enfant massacre est encore meilleur que le premier volet parce que Daigoro a un rôle beaucoup plus conséquent (limite à faire passer son père pour un second rôle) et l'émotion qu'il dégage prend le pas sur les combats, plus saignants que ceux de son prédécésseur. Autre grande qualité du film : la classe des frères Ben, Ten et Rai qui sont des ennemis marquants du Loup à l'enfant (et qui a sûrement influencé John Carpenter pour les Trois Tempêtes de Jack Burton).
Pas très drôle pour une soit-disante comédie. Nombreuses scènes et dialogues sensés faire rire, mais humour style voir pire que Carambar. Me suis ennuyé en grande partie. Quand la réalisatrice indique qu'elle s'est inspirée de l'excellent film Les Nouveaux Sauvages (à voir!), je ne me vois pas où est le lien. Pas d'originalité, de suspens, de trame passionnante. Au contraire, beaucoup de scènes et dialogues inutiles. Pas d'intérêt d'aller au ciné pour ça. Dommage, car j'avais envie de rire.
Un film absolument remarquable. On est impressionné par l'ensemble, parfaitement maitrisé, et a la complexité du personnage principal, particulièrement ambigu et passionnant. L'enquête est elle aussi narré de manière remarquable, avec beaucoup d'intelligence. L'ensemble est grave, fort, puissant. On en sort presque bouleversés après avoir vécu un tel moment de cinéma. Les acteurs sont excellents, mais celui qui crève l'écran est bien sur Philip Seymour Hoffman, absolument remarquable dans le rôle de sa vie. Un chef-d'oeuvre!!
Un vrai bijou que ce petit film.Mené tambour battant comme savent le faire Curtiz ou Walsh,c'est un régal que l'on peut revoir et montrer.Il est vrai que Ruth Chatterton est exceptionnelle.Le realisateur a parfaitement su la mettre en valeur et la voir traiter les hommes de cette façon en 1933 est édifiant pour nous qui croyons avoir inventé la révolution sexuelle.George Brent est excellent,ce qui ne gâche rien et son entente avec Ruth est évidente.Le noir et blanc convient tout à fait et c'est en voyant ce genre de film que l'on peut regretter qu'il ne soit pas plus souvent utilisé;les décors et les toilettes féminines étant ainsi bien mieux mis en évidence.La durée de ce film est aussi bien suffisante,elle prouve que l'on peut faire court un film inoubliable.
J'ai d'abord vu le remake qui m'avait plutôt plu. Je viens de voir l'original "La nuit des morts-vivants" de 1968. Pas mal, mais le son est affreux. Des moments qui sont assez effrayant, mais une musique, faisant malheureusement penser au vieux films d'horreurs pourris des années 50 ou comme le pitoyable "Dracula: Prince des ténèbres". Le long-métrage de Roméro se regarde tout de même et on passe un bon moment, avec Ben, Cooper, Barbara et Tom, pour ne citer qu'eux.
Il parait qu'aujourd'hui il suffit d'être comédien-ne pour devenir automatiquement auteur-réalisateur... Après la dérive d'une Mélanie Laurent, on a droit à l'égo d'une nouvelle "star" des écrans français qui a décidée (forte d'un entourage apparemment aveugle) de réaliser et impose au spectateur ce navet sans tête ni queue... dommage pour Juliette Binoche qui s'est laissée emporter sans doute par le charme de Testud sans arriver à faire la part des choses...
Oui c’est exceptionnel : Madonna ne chope pas un 0.5 avec moi. Faut dire que c’est son meilleur film, celui où elle ne se prend pas pour une diva, ça reste le centre du monde mais pour un biopic c’est plus normal. Puis malgré ses 16 razzie Awards (un record) elle ne joue pas encore si mal (me forcez pas à le réécrire j’ai les doigts qui fondent), et Antonio aide énormément. Après le thème est sympa, et l’Argentine étant trop méconnue ça apporte un peu de nouveauté pas malvenue. Bon on oublie vite l’ensemble, sauf la musique, là aussi chantée par la Material Girl mais pas sur son registre habituel, d’où une qualité hautement plus élevée. Comme quoi l’acharnement peut payer, davantage que l’accumulation de pépéttes qui ne donne pas de talent apparemment…
Assurément l'un des films les plus marquant et des plus fort de cet été, cette œuvre sensible et profonde est un véritable choc émotionnel, grâce à un scénario intelligent et réfléchis et aux acteurs tous parfait. Du beau cinéma, qu'il ne faut pas rater.
Quand on raconte une histoire, que ce soit au cinéma ou ailleurs, il faut être cohérent, sinon on n'est pas crédible. Dans cette histoire, on nous parle d'une famille de pauvres qui habite un studio, mais situé dans le XVIème arrondissement de Paris, le plus huppé de la capitale.Logique... Ensuite, on nous dit que l'appartement appartient à la mère de l'héroïne. Dans ce cas, pourquoi font-ils l'objet d'un avis d'expulsion ? Lequel doit être exécuté en plein hiver, au lendemain de Noël, ce qui n'est ni légalement, ni matériellement possible. Et j'en passe, mais le film regorge de ce genre de détails invraisemblables, comme le fait que personne ne se rende compte qu'il y a un cadavre dans la pièce à côté, comme si un cadavre ne dégageait pas certaines odeurs fortes, même en hiver. En fait, un film produit par Besson et dialogué par Nicolas Bedos, déjà j'aurais dû me méfier. Le film surfe sur la mode du mélange des genres, si bien qu'on ne sait pas si l'on a affaire à un film burlesque, à une comédie sentimentale, voire dramatique. Ce qu'on sait, en revanche, c 'est que c'est loupé. Si vous avez vu la bande annonce de ce film, vous en avez vu le meilleur. Sandrine Kiberlain, actrice bobo par excellence - dans le rôle d'une pauvre, il faut avoir de l'imagination ! - est égale à elle-même et ça veut tout dire. Pareil pour Baer qui nous fait du Baer comme s'il était encore à la télé. Même les enfants ne sont pas convaincants ! C'est long, ça ne décolle pas, on tourne en rond. C'est tellement gros par moments que c'en devient grotesque. Bref, allez voir autre chose !
Ce film est d'une médiocrité affligeante, Lelouch tourne en boucle sur ces thèmes favoris et mille fois vus : la déportation des juifs, la réincarnation, les coIncidences avec un scénario et des situations totalement improbables et qui frisent la plupart du temps le ridicule (la scène des déportés qui applaudissent la comédienne, interprétée par Judith Magre, alors qu'ils sont dans un wagon qui les emmènent vers un camp de déportation .... c'est d'un pathétique !) Lelouch a le culot de reprendre des images du son film "les uns et les autres"... on voit le manque d'inspiration... La "cerise sur le gâteau" : les dernières images sont un best of de ses films ... quelle prétention ! à la fin de la projection, on a envie de crier "remboursez" ou ... sauve qui peut !
Ah quel film...Un scénario incroyable qui est surement l'un des plus réussis du cinéma doublé d'une mise en scène implacable et d'une interprétation parfaite pour Kevin Spacey, Gabriel Byrn et dans un rôle moins important Benicio Del Toro. Les scènes d'actions sont vraiment réussis et des dialogues mythiques ponctuent ce chef d'oeuvre intemporel !!!
J'aime beaucoup Mike Newell, il a énormement de talent mais avec Le sourire de Mona Lisa il semble moins inspiré, il faut dire que la médiocrité du scenario ne l'aide pas beaucoup.
je me suis ais chier grave , les filles pourries gâtés avec une morale d'hypocrisie . je fais les choses mieux que cette filles , je sais pas pourquoi j'ai voulu voir se film sans doute que je cherché un bon somnifère et bien là franchement je l'ai trouver
Plus ça va, plus cette saga décline en qualité et surtout en imagination. Le premier segment sur le magicien n'a absolument rien à faire dedans étant donné que ce n'est pas du tout un found footage mais un documentaire/fiction. De plus l'histoire n'est pas super emballante et encore moins horrifique. Le deuxième démarre sur un thème bien plus intéressant, les univers parallèles, mais sombre dans le guignolesque là où il n'y avait pas lieu d'être. Le troisième et dernier segment est peut être le plus sympa même si lui aussi n'arrive pas à trouver son équilibre et préfère tomber par moment dans la comédie. Quant à l'intrigue principale, celle entrecoupée par les 3 segments, elle est bien trop confuse, surtout dans le final, même si on comprend l'idée du réalisateur.
Délirant, surprenant : ce film est un bijou tombé dans la mare d'un cinéma toujours plus conformiste. Y aller dans un état d'esprit poétique et fantastique.
Il est dit que Christophe Honoré s’est inspiré de la Nouvelle Vague pour réaliser son troisième long-métrage : Dans Paris (2006), on ne peut qu’affirmer les dires, car ici, les acteurs jouent leurs rôles admirablement bien et la mise en scène est vague (pour ne pas dire soporifique et lente), avec des dialogues creux et peut entrain à nous donner envie de suivre le film en entier. Après son dérangeant Ma mère (2004), le cinéaste retrouve Louis Garrel aux côtés de Romain Duris dans un drame familiale où il est question de mésaventures sentimentales de deux frères dans le Paris d’aujourd’hui. Encéphalogramme plat d’une heure trente, musique langoureuse, Christophe Honoré dérange car on ne sait pas vraiment où il veut aller. Sur son précédent film, le ton était donné, sur le suivant aussi (Les Chansons d'amour - 2007), mais là, on reste perplexe quant à cet exercice de style !
Un film soporifique, froid et presque sans dialogues...Énorme déception après avoir vu Old boy du même réalisateur
Quelque chose entre cru et creux; "crueux" peut être?
bof.... vraiment vieillot! , dans la lignée de vendredi 13 avec des acteurs et un doublage quelques peu approximatifs.... mais c'est vrai qu'une certaine liberté de ton et la scène finale m'empêche de classer ce film dans la catégorie nanar....
"La plage" n'est pas ce que Danny Boyle a réalisé de plus intense, mais sa réflexion sur la quête du plaisir, portée par un excellent casting et le style toujours percutant du cinéaste, s'insère de manière cohérente dans une filmographie passionnante.
Adapté de la pièce de théâtre à succès du même nom, Un Ete à Osage County peine à rendre grâce à l’oeuvre initial. Car cette adaptation cinématographique n’est qu’un long enchainement morose d’obscénité et de violence verbale, qui fait vivre à son spectateur un véritable calvaire. En effet, par sa mise en scène linéaire, Un Ete à Osage County est un film relativement éprouvant par ses longues séquences de disputes ennuyeuses. Le film n’est alors qu’une joute verbale incéssante entre des personnages pathétique. Mais, parfois Un Ete à Osage County surprend agréablement par ses petites pointes d’humour noir. Cependant, le reste du film se prend trop au sérieux et il devient terriblement lassant de voir ces disputes familliales qui n’arrivent pas à concerner le spectateur. Bien qu’adapté d’une oeuvre déja existante, le scénario fait preuve d’un fort sentiment de déja vu. En effet, les déchirements et réglements familiaux sont loin d’être novateurs au cinéma; un sujet déja traité des centaines de fois. Mais Tracy Letts tente le tout pour le tout en insérant des rebondissements extravagants à son histoire. Seulement, l’additionnement de ces secrets de familles plus rocambolesque les uns que les autres finissent par friser le ridicule. Cependant, Un Ete à Osage County tire véritablement toute sa force dans son casting. Car, en plus de réunir plusieurs grands noms d’Hollywood, les rôles titres sont interprétés magnifiquement. Encore une fois, Meryl Streep est au sommet de son art tout comme l’éblouissante Julia Roberts. D’ailleurs les deux prestations ont été respectivements nommées aux Oscars 2014 meilleure actrice premier et second rôle (la 18ème nominations pour Meryl Streep). Côté masculin c’est Chris Cooper mais surtout Benedict Cumberbatch qui offre une prestation fabuleuse. Pour conclure, Un Ete à Osage County est un film éprouvant et lent mais qui ravira les fans de ce genre de drames familiaux
A partir d’un scénario anémique, les réalisateurs ont élaboré une narration figée, interminable et dénuée de toute cohérence. Le héros, sponsorisé par les polos Lacoste (dont l’un d’eux, d’un plan à un autre, se transforme en chemisette, bravo la scripte !), a tout d’un cyborg : froid, inexpressif et dont les motivations émotives nous échappent. La jeune femme non-voyante nous offre dans un premier temps un exercice oculaire de haute voltige (un mélange de Jean-Paul Sartre et de Marty Feldman) et par la suite agit et se déplace dans des endroits hostiles et inconnus avec une aisance inouïe, comme si sa cécité avait été guérie en un claquement de doigt. Si c’est ça le renouvellement du cinéma sur la mafia …
A voir absolument. Belle fresque, drôle et tragique à la fois, à travers le temps.
Comme le dit l'adage, plus le méchant est bon, meilleur est le film. Sauf qu'ici le méchant n'est pas bon, il est excellent ! A force de machiavélisme, de gadgets à la James Bond et de méchanceté aussi pure que gratuite, le "héros" de Malveillance en fini par devenir attachant. Et c'est pour lui que le spectateur s'inquiète avec notamment cette incroyable scène où il se prête à une partie de cache-cache sous somnifère dans l'appartement de la victime. Dans ce huis-clos revendiqué par Balaguero (encore un !), le suspense est au rendez-vous. Sueurs froides garanties !
ce film sensible émouvant et aussi d'une grande violence m'a beaucoup touché on découvre le monde agricole d'un coin paumé de GB et l'histoire d'un jeune homme privé d'amour qui grâce à " l'étranger" va enfin découvrir l'amour. très belles images
Film très maîtrisé, dont je trouve la seconde partie supérieur à la première, malheureusement je pense que quelques seconds rôles comme celui de Max sont un peu sous exploité. Et Norma commence à devenir pénible à un moment, malgré tout le film possède une grande force, très sombre, trois noir, j'y ai vu quelque chose de très vrai, surtout dans le personnage de Max. C'est un film qui aborde de nombreux sujets, c'est intéréssant, mais il manque peut-être quelque chose pour avoir mon adhésion totale.
Steve Mc Queen a toujours rêvé de faire un film entièrement dédié à sa passion affolante pour le souhait automobile.Souhait exaucé en 1970 avec "Le Mans".L'acteur-symbole n'en fait qu'à sa tête.Il veut prendre le volant à 320 km/H malgré le refus des assurances.Le tournage est chaotique avec de nombreux pilotes blessés,un réalisateur démissionnaire et aucun scénario écrit.Mc Queen voulait montrer les coulisses et la piste des 24 heures du Mans,course mythique s'il en est.Les passionnés s'y retrouveront sans peine avec un duel Porsche 917/Ferrari 512,de superbes séquences de courses.A vrai dire,on ne voit presque que ça! Des accidents où l'on retient son souffle,des dépassements au ras des ailerons,des arrêts au stand fumants.Un régal pour l'amateur.Mc Queen prend son air ténébreux qui lui sied habituellement,et affronte son hargneux rival allemand.Un monde d'hommes,viril,qui questionne l'importance d'aller le plus vite possible,en passant à côté de la vraie vie.Le revers de la médaille,c'est qu'il n'y a aucun début de commençement d'histoire.Ainsi,la relation attirance/repoussance de Mc Queen avec la veuve de son coéquipier décédé semble comme greffée,et aurait mérité un autre développement.Plus généralement,les personnages ne sont pas exploités,et les dialogues se font plus que rares.En réalité,"Le Mans" a plus la précision d'un documentaire,que la force d'un drama.
Ce film à petit budget d’un cinéaste plus attiré par le mélodrame a tout explosé à sa sortie. Hideo Nakata révolutionnait alors le genre et faisait de son film le porte étendard d’une nouvelle vague horrifique, où la terreur graphique laisse la place à une peur plus psychologique nourrie notamment de suggestion et d'effets sonores. Une œuvre culte qui a profondément marqué le cinéma d'épouvante ! Notre critique complète sur le site terreuvision !
Sans surprise. Trés médiocre limite gamin.
"Mazes and monsters" est un jeu innocent en apparence!Un jeu où l'on peut crèer de toute pièce le personnage hèroïque que l'on souhaite incarner! Les joueurs sont ensuite plonger dans un monde dont les lois sont inventèes elles-aussi! Le but de ce jeu de rôle est d'amasser une fortune en èvitant de se faire tuer! C'est une sorte de psychothèrapie on peut dire où les gens peuvent se dèbarrasser de leurs problèmes en les mettant ainsi en scène! Mais ce qu'ils risquent, c'est de ne plus faire la distinction entre la rèalitè et l'imaginaire! De plus, ils risquent de perdre la vie!Le seul intèrêt de "Mazes and monsters" c'est son acteur principal! J'ai nommè Tom Hanks, qui n'ètait pas encore en 1982 la star hollywoodienne par excellence! A l'heure où le numèrique et la 3D nous èblouissent visuellement, le film de Steven Hilliard Stern vous paraîtra aujourd'hui bien kitch et dèpassè...surtout l'apparition du monstre! Avec tout de même la participation de Murray Hamilton, Vera Miles et Susan Strasberg! Et le plaisir de revoir le World Trade Center dans le final...
Un mot pour décrire ce film d'animation : énorme. Des personnages attachants et drôles, une animation exemplaire, un second degré prononcé et éclatant... Un très bon film à regarder en famille.
Un beau voyage à Venise Dubaï Hong-Kong Paris la Chine... (où les enchères n' apparaissent qu' une seule fois) centré sur l' art contemporain, avec des dialogues d' interlocuteurs différents, des collectionneurs, des artistes, des personnes issues de musées, des galeristes etc Ne voyageant pas, ce docu.m' a livré des images filmées que je ne regrette pas d' avoir pu admirées..
"Redirected" peut se voir comme un mélange entre "Snatch" et "Very bad trip". Souffrant de moyens limités et d'un scénario ne dépassant pas le stade de la bonne blague, le film reste qualitativement très loin de ses modèles et flirte avec le Z. Le jeu des acteurs et les dialogues très appuyés n'arrangent rien...
Magnifiquement mis en scène, ce film original et intelligent, inspiré par la personnalité de Frank Lloyd Wright, géant américain de l’architecture, brasse des thématiques aussi intéressantes que la liberté créatrice, le rôle de l’artiste, les rapports de domination psychologique ou financière ou encore le poids des normes et des conventions dont tout inventeur doit s’émanciper. D’une incroyable richesse, son scénario fourni et cérébral est magnifiquement servi par de grands acteurs, au premier rang desquels Gary Cooper, Patricia Neal et Raymond Massey. Volontairement schématique dans la description de ses personnages, Le rebelle se clôt par ailleurs sur un monologue discutable sur le fond, qui reprend les thèses de l’individualisme radical développées par Ayn Rand dans son livre La source vive, dont le film est une adaptation. Il n’empêche que cette fresque qui dénote la fascination de King Vidor pour les personnages hors-normes, est éblouissante d’ambition.
super film 1h30 de peur un thriller d'exeption mieux que le precedent un film culte
l'histoire est traité sur un plan superficiel tres américain. Une histoire assez belle mais tres mal conçue en film . A prt des suite d'averbe, extremement énormément etc.. J(ai rein vu de tres profond . A eviter !
Au seuil de la mort, Barny appelle un prêtre pour se confesser du lourd secret qu’elle a porté toute sa vie durant. Pendant la Seconde guerre mondiale, sous l’occupation allemande, la jeune et belle communiste, mariée et mère de famille, était tombée amoureuse du curé de son village, le séduisant Léon Morin. Pourquoi diable ce remake ? A l’origine de « La Confession », il y a un livre et un film d’un autre âge. « Léon Morin, prêtre », un roman largement autobiographique de Béatrix Beck publié en 1952 et couronné la même année par le prix Goncourt. Le film épnoyme de Jean-Pierre Melville sorti en 1961 avec Jean-Paul Belmondo dans le rôle de Léon Morin et Emmanuelle Riva dans celui de Barny. À l’époque, le roman comme le film avaient un retentissement que son remake n’a plus guère aujourd’hui. Dans la France de l’immédiat après-guerre, le souvenir de l’occupation allemande était encore vivace. Dans la France de Vincent Auriol ou du général de Gaulle, la conversion d’une communiste athée portait une charge émotive qui ne touchera plus nos sociétés déchristianisées et postcommuniste. Le remake est d’autant plus anachronique que les deux acteurs jouent un marivaudage hors de propos. Trop beaux, trop séduisants, Romain Duris et Marine Vacth se tournent autour comme deux amants sur le point de se sauter dessus. Faute d’avoir l’austérité janséniste d’Emmanuelle Riva (qui venait de tourner « Hiroshima mon amour » avec Alain Resnais), Marine Vacth ne convainc pas entièrement. Mais c’est Romain Duris qui est le plus navrant, plagiant Bébel alors que le jeune Belmondo n’était encore en 1961 qu’un jeune acteur de la Nouvelle vague bien loin de la caricature franchouillarde dans laquelle il allait sombrer dix ans plus tard. En réduisant « Léon Morin, prêtre » à l’histoire d’un flirt chaud-bouillant, Nicolas Boukhrieff trahit l’œuvre qu’il adapte et son élan métaphysique.
Un film avec des acteurs de talent, un réalisateur de talent mais un scénario aussi pauvre et raté que mon après shampoing. Sérieusement, rien n'est réussi ou presque dans ce film. On ne croit pas du tout en cette histoire d'un flic corrompu, alcoolique, qui va tout tenter pour sauver un témoin qui pourrait faire tomber de nombreux policiers dans une enquête. Bref : à voir pour le plaisir de regarder Bruce Willis... et encore.
Franchement, rien que le titre me faisait peur : j'imaginais une histoire de gens malheureux dans un sale pays à qui il n'arrive que des crasses, bref le genre de truc ennuyeux dont on n'a même pas le droit de dire du mal. Eh bien non. C'est VRAIMENT un beau film, avec une vraie histoire, de vrais acteurs et surtout une vraie émotion qui passe et qui est là tout du long. Bon c'est vrai, le scénario est un peu tiré par les cheveux par moments mais dans l'ensemble ça va, on a vu pire !
J' étais vraiment content quand j' ai vu qu' un film était tiré du génial livre de Tucker Max.. Le résultat est sans intérêt, limite ennuyeux.. Plus de 16ans passez votre chemin... et allez lire le livre