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Le fait que ce film ait reçu le lion d'argent du meilleur réalisateur à la Mostra de Venise, alors que la réalisation n'est ni brillante ni originale en dit long sur les coulisses de ces festivals. Pendant la moitié du film on se demande ce que veux nous montrer le réal, on passe du coq à l'âne, certaines scènes sont inutiles et le rythme est totalement absent. Le réal n'hésite pas à nous montrer des scènes très crues mais ce n'est pas pour cela qu'elles sont érotiques (on aurait préféré). Puis quand dans la seconde partie on comprend enfin un peu ce qu'il se passe ça vire en eau de boudin et tout ça pour nous sortir une morale à quatre balles du genre le sexe c'est comme la drogue, si on en veut trop on en meurt. Tartuffe n'est pas mort !
Sur le papier "Beyond clueless" s'annonçait jubilatoire. Un documentaire qui plonge dans le teen movies, qui monte des extraits de plus de 270 films du genre, qui en scande les principales étapes (la rentrée des classes, les soirées alcoolisées, le bal de fin d'année ...) et en décline les grandes thématiques : la difficile intégration, la transgression, la découverte de la sexualité, la maturité ... Ça donne envie ! Mais à vouloir jouer sur tous les tableaux, le jeune Charles Lyne nous perd. Il nous bombarde à un rythme effréné des extraits kaléidoscopiques qu'on n'a pas le temps de reconnaître avant d'être déjà passé au suivant. Pourtant Lindsay Lohan avant sa cure de detox ou Alicia Liverstone avant sa conversion au véganisme étaient fichtrement mignonnes (et je suis poli !) Ces images sont commentées par la voix de velours de Fairuza Balk, elle-même ancienne actrice de teen movie. Un commentaire très savant et d'autant plus pédant que les neurones consacrés à identifier les images nous font défaut pour comprendre le son. Bref, "Beyond clueless" est beaucoup trop intelligent pour moi !
Film nul et sans aucun intérêt. Encore qu'il est le témoin d'une époque particulière à Hollywood. D'abord, les scénaristes, pris de court par la chute du mur se retrouvent sans dangereux agents communistes qu'ils remplacent par des nostalgiques du KGB, en l'occurence Gary Oldman. Ensuite, cela fait presque dix ans que les films d'action pompent de toutes les manières possibles et sans aucune gène l'immense Piège de Cristal de John Mc Tiernan, à savoit un héros seul face à un groupe de terroristes dans un espace donné et clos (comme ça de mémoire Piège en haute mer, Piège à grande vitesse, Passager 57, un peu les deux Speed, ect). Enfin, période post-guerre froide et pré-11 Septembre oblige, le Président US devient quasiment un super-héros (je suppose que tout le monde a vu Independance Day).
Je viens de voir un film qui m'a excité comme une puce, qui a ravivé les plus bas instincts masculins, une flamme de petit garçon, avec des gros bras et des méga-flingues, et des explosions en veux-tu en voilà... L'humour omniprésent est médiocre mais c'est bien suffisant.
Je suis restée sur ma faim. Histoire sympa, mais qui ne va pas au fond des choses. Par contre je suis ravie de revoir Bernadette Lafont
« Muse » est un très bon film d’horreur disposant d’une histoire très originale, d’une intrigue très bien construite et d’un développement particulièrement bien soigné. Jaume Balagueró, le réalisateur parvient à trouver l’équilibre entre différentes approches de l’horreur, sans trop faire appel aux sempiternels clichés du genre. La photographie est très consciencieuse, jouant astucieusement avec l’éclairage, et offrant des plans originaux, comme la contre-plongée. La distribution offre de très bonnes prestations. L’ensemble est singulièrement plaisant et engageant. Une véritable et agréable surprise. Un métrage que l’on n’hésitera pas à recommander.
Enfin de l'émotion au cinéma….cela faisait quelques années que le cinéma français ne nous avait gratifié d'un tel monument...Merci donc à Nils Tavernier, le réalisateur, qui a compris ce qu'était un beau film….La palme d'or va à Jacques Gamblin, interprétation magistrale de taiseux et "physique de l'emploi". Mais aussi à la stupéfiante Zébie Rixhon, sa fille dans le film qui joue avec un charme inégalé et à Laetitia Casta qui rayonne parfaitement….Et puis cette .histoire grace à une mise en scène hors pair vous en mets plein les yeux, les insertions de paysages apportent une poésie cohérente que l'on sent, et Dieu qu'ils sont beaux et originaux….On les prend en pleine gueule, pardonnez l'expression….les silences , les musiques, les lumières, les reflets, nous mettent en suspend, nous font marcher aux côtés du facteur cheval dans ce pays fascinant qui va inspirer son art.…Les cadrages sur le palais, sont envoûtants, lumineux, ça c'est plutôt pour la première partie du film…énorme poésie, donc….Et le film la fait passer sur le grand écran, avec une douce virtuosité ..La deuxième partie est plus sombre, c'est l'histoire d'une famille harcelée par le malheur. Le film devient un drame intime sur le destin…..Si vous voulez un film qui vous "bouge" dans le genre du fameux "Manon des sources" de Claude Berri, vous allez être enchanté par toute l'émotion trouvée et la douce perfection de la mise en scène….N'hésitez pas….
En 1969, Frederico Fellini s'était depuis quelques années déjà attiré les louanges d'une certaine partie de la critique et du public et réalisait une oeuvre dont le titre portait son nom : "Fellini-Satyricon". Deux heures de démesure et d'excès plus qu'assumés par le cinéaste qui laisse au spectateur le choix de voir ce long-métrage en tant qu'historique, moderne ou futuriste. Effectivement, la décadence du monde est intemporelle et c'est ce qui fait la plus grande force de "Satyricon" clairement engagé dès les premières secondes dans une succession de séquences à la limite de l'abstraction mais ayant toutes en commun les thèmes de débauche et de destruction. Le metteur en scène filme avec une grande maîtrise les orgies et autres soirées illicites mélangeant beuveries, excès alimentaires, sexe et violence avec un goût de la complaisance (de la part des protagonistes concernés j'entends bien) consternant. La culture et les sciences appartiennent au passé de ce monde se délectant de l'oubli et du néant intellectuel, souhaitant seulement vivre de la manière la plus dépravée possible. Une "Grande Bouffe" avant l'heure finalement, toutefois nettement mieux réalisée dans les choix de cadres, de montage, l'utilisation des couleurs et des corps... Pourtant, dans le fond, "Satyricon" donne parfois lui aussi des impressions de néant : on en reste toujours aux remarques du départ et jamais vraiment l'analyse ne se voit vraiment entamée. Le film tourne en rond, peut-être à cause de son absence de fil rouge permettant à d'autres reprises un échappatoire mais renfermant ici au contraire dans ce qu'elle avait évoquée au début une oeuvre superficielle, certes soignée visuellement mais ne proposant pas grand-chose de plus que son synopsis. Le travail de Fellini devient très souvent plat et vain dans la mesure où l'on se désintéresse petit à petit de ces belles peintures qu'il a mis en place. L'ennui se présente alors devant une tentative audacieuse ne parvenant pas à se renouveller.
Médiocre comédie qui prend le western pour cadre de son histoire, je crois qu'il n'y a pas pire film qu'une comédie ratée c'est-à-dire dans l'humour nous ne fait rire à nul moment. Le seul intérêt de Le Plus grand des hold-up c'est le charme de Kim Novak. Il y a tout de même une scène amusante celle ou Zero Mostel et les enfants chantent en cassant tout le mobilier.
La Reine Kelly (connu également sous son titre original, Queen Kelly) est le film qui est souvent considéré comme celui qui a détruit la carrière de réalisateur d’Erich von Stroheim à Hollywood (son dernier film, Hello, Sister !, possède de nombreuses séquences non réalisées par lui). Choqué par certaines scènes amorales pour l’époque et par le caractère tyrannique et indépendant du réalisateur, le producteur du film (Joseph Kennedy, père du futur Président) renverra Stroheim qui ne put donc achever son œuvre. En l’état, le film possède des séquences assez surprenantes pour l’époque(la célèbre scène de la culotte, Regina fouettant Kelly…)surtout quand on découvre certaines scènes coupées à l’époque(la scène du mariage, jouant sur l’épouvante et où le manque de réel consentement de la mariée est encore plus visible que dans La Reine Margot de Patrice Chéreau). Mais c’est cette vision crue qui permet à Stroheim de donner de la force à une histoire au final assez simple et mélodramatique. La Reine Kelly est donc la dernière œuvre totalement signée (même si elle a été censurée par la production comme quasiment tous ses films) par un des fondateurs d’Hollywood qui est aussi peut-être le premier metteur en scène à scandales de cette industrie.
un pur régal que de retrouver encore et tjs ce duo comique dans ses œuvres, la musique est génial et les scènes de bagarres trop drôle !!!
En surfant sur le succès du film « Zombie » de G.A. Romero, Lucio Fulci apporte sa contribution au genre. Contrairement à son homologue américain, le réalisateur italien n’aborde pas le thème sous l’angle d'une critique de notre société. En situant l’action sur une île tropicale avec ses autochtones, leurs superstitions, le mystère autour des morts-vivants, il apporte sa touche personnelle au thème en revenant aux origines du terme « zombie », à savoir la mythologie Vaudou. Si l’interprétation et le scénario laissent à désirer ; Lucio Fulci prouve, une fois de plus, qu’il n’est jamais aussi bon que dans les scènes gore. Et là, on est servi. Ici, les cadavres en état de décomposition plus ou moins avancée se gavent de bidoche humaine. Comme souvent, le réalisateur transalpin prend son temps pour filmer l’innommable. Rien n’est suggéré, tout est montré ; cela sans le moindre humour pour détendre l’atmosphère. A défaut d’être totalement maîtrisé avec ses défauts d’écriture, sa réalisation parfois maladroite, il s'agit probablement du film de zombies le plus crade, dégueulasse et gerbant que j’ai vu à ce jour. Les estomacs fragiles sont prévenus. A noter un plan final effrayant sur le pont de New York.
Décidément, le cinéma coréen n'en finit pas de nous surprendre (et de nous séduire). Polars survitaminés ultra violents et drames plein de poésie sont ici mélangés avec bonheur par le cinéaste Jin Jang. Un super flic viril aux méthodes peu orthodoxes qui veut devenir femme, sur le papier, je doutais un peu. Mais ce mélange des genres fonctionne parfaitement. Le scénario ne perd pas de temps en mise en place, d'entrée c'est violent et ça gicle dans tous les sens. Malgré tout, entre ses arrestations musclées et ses nuits secrètes, on apprend très vite à connaître et à aimer ce personnage. C'est très bien écrit, parfaitement rythmé, de scènes d'actions en moments intimes, on ne s’ennuie pas une seconde (2h05 tout de même). La mise en scène est puissante, voir brillante, la direction d'acteurs impeccable. Man on high heels est un polar original et intriguant magnifiquement mis en images, qui sort de l'ordinaire en mélangeant les genres avec une belle réussite. C'est aussi violent que romanesque, aussi brutal que mélancolique, aussi élégant que poignant. Une nouvelle très belle surprise nous venant de Corée du sud...
Histoire d'une expérience qui tourne mal .Bête , ennuyeux, pathétique.On n'y croit pas une seconde.Mise en scène ultra pourrie.Trop de scènes inutiles.Ce film est un navet.
Bon petit film, très bien réalisé et joué, sans prétention, plutôt drôle, scénario léger mais sympa, et les amateurs de Dubosc vous allez vous régaler.
Un des chefs d'oeuvre de Francis Ford Coppola. On ne peut qu'apprécier ce film avec un scénario d'une telle force et des acteurs comme Martin Sheen et surtout Marlon Brando. J'avais lu que le tournage avait été chaotique, c'est à la fois dur à croire vu le super résultat et un tel Marlon Brando mais c'est aussi compréhensible tant le film est dérangeant et les conditions de tournage difficile. Un grand film à voir absolument
Merci d'avoir eu le courage de réaliser un tel film. Il nous a ouvert une fenêtre sur le monde et a éclairé d'une lueur de joie le regard des enfants.
Ce documentaire est très intéressant dans ce qu'il reflète de nos sociétés contemporaines. Un passé non digéré et non admis dans une Espagne autrefois écrasée sous le poids de la dictature a des répercussions multiples sur le présent des individus. Le récit et le combat du protagoniste de ce film est exemplaire de la lutte inlassable des exilés espagnols, hier contre le fascisme, aujourd'hui contre le silence imposé dans la péninsule ibérique. Souhaitons longue vie à ce documentaire qui, à travers son personnage principal, peut nous en apprendre aussi beaucoup sur nous-mêmes...
Les fans de nanar apprécieront, mais ceux qui recherchent un film d'aventures plus convenables préfèreront plutôt un film du genre Indiana Jones.
J'avais le souvenir d'un film étrange, avec des effets spéciaux qui m'avait paru bien fait à l'époque... Mais ce film a horriblement vieilli ! Je viens de visionner la version restaurée et je dois dire que c'est assez laid visuellement, à part Mathida May bien entendu ! le scénario est intéressant, mais se prend les pieds dans le tapis à plusieurs reprises. Le jeu des acteurs est assez approximatif et les effets spéciaux ont terriblement mal supportés les années... Dire que ce film date de 1985, ça fait peur ! Des films bien antérieurs s'en sortent beaucoup mieux !
que de longueurs pour une histoire incompréhensible, quelle déception ! et les noms de ces personnages : Marteau et Clou, ridicules, tout cela pour une pseudo crucifixion...
Comment rendre vie, artistiquement parlant, à quelqu'un dont son art ne constituait pas son gagne-pain? C'est à cette question que John Maloof répond de façon brillante en consacrant un "hommage" à l'œuvre d'une nounou comme, sans doute, beaucoup d'autres. La première partie du documentaire est consacré à l'œuvre artistique et les photos prises par ce petit génie sont toutes plus spectaculaires les unes que les autres, quoi qu'assez tristes, voire morbides. Et je me suis alors demandé quelle blessure profonde avait hanté sa vie? La réponse (ou du moins une partie) survient dans la seconde moitié du film qui laisse la parole aux familles l'ayant accueilli comme nounou. Et là, le côté humano-psychologique de l'artiste est mis en valeur avec une pudeur assez frappante. Au final, le passionné de photo que je suis en ressort enchanté d'avoir pu connaître une telle visionnaire et l'humain se dit : j'aurais eu du mal à la fréquenter car, il y avait un peu de Frankenstein en elle. A vous de vous faire votre avis, je vous le recommande...
Un film fantastique (beaux décors) un peu décevant. Pierre Blanchar surjoue trop et se croit encore à l'époque du muet. Brigitte Helm est plus convaincante en femme fatale (belle scène érotique où le héros se prosterne devant elle). Le mystère est assez bien restitué, mais le film manque de rythme (le scénario n'est pas très riche) et Sokoloff cabotine beaucoup. Malgré de belles images, le film souffre de longueurs et d'une interprétation très quelconque.
Très beau film d'Assayas, magnifique hommage à Paris, superbement joué par Jean-Pierre Léaud (pléonasme).
The loved ones est un film violent et sanglant qui fait frissonner plus de douleur que de peur. Le scenar vole pas haut et n'est pas forcement très réaliste. Mauvais film en somme.
Excellent film qui est très touchant et émouvant. J'ai adorée le filmparce que c'était sur les animaux errants et qu'il était bien produit
Un film ennuyeux, rempli de promesses non tenues. L'actrice principale est en effet invisible, et sans charisme. Le sujet pouvait faire penser à Black Swan qui était une merveille, mais ici la magie n'opère pas.
Un film d'autant plus surprenant qu'il a été tourné en 1944, à la veille de la débâcle de l'Allemagne nazie, alors que les bombes pleuvaient sur le pays. On n'y trouve pas la moindre référence à la guerre et cette oeuvre respire la joie de vivre. Goebbels avait compris que la population avait besoin de s'évader et que les films de propagande ne marchaient guère. La vision du port de Hambourg et des marins relève certes davantage de la mythologie que du réalisme, mais la photo est magnifique et contribue à crée une atmosphère qui n'est pas sans rappeler le cinéma expressionniste, en particulier le rêve (un peu long) du marin. On notera aussi que tout puritanisme est absent de ce film, qui ne délivre aucun message moral. Ce mélo dont le scénario repose sur une rivalité amoureuse fait donc un peu figure d'OVNI et mérite le détour.
La réalisation de Coline Serreau n’est pas terrible mais cela n’a pas beaucoup d’importance tant l’histoire est merveilleuse, irréaliste mais merveilleuse. C’est un véritable plaidoyer pour vivre ensemble quelles que soient les classes sociales, les origines et les couleurs de peau. On se sent bien en regardant ce film : le parfait exemple de « Feel Good Movie » ! Une scène du film est très révélatrice de certaines pratiques du monde du travail et devrait être montrée à tous les managers qui s’autorisent à penser, à tort, à la place de leur patron et ont des initiatives malheureuses qu’ils ne mentionnent pas à leur boss préjugeant qu’il les approuverait :il s’agit de la scène où la secrétaire filtre les messages reçus par son président et omet ainsi de lui donner la nouvelle qu’il aurait aimé recevoir.A noter que ce film correspond à la première apparition au Cinéma de deux acteurs que j’aime beaucoup : Isabelle Carré et José Garcia. Ils se sont retrouvés ensuite dans deux autres films (« La Mort du Chinois » (1998) et « Quatre étoiles » (2006)).
Bien joué, bien filmé, bon scenario. Et la cerise sur le gâteau: sobre et vraisemblable (ça change de beaucoup d'autres sur le même thème)
Ca aurait pu être bien... Mais pas vraiment. L'histoire est pas mal, mais ce film est très lent... Dommage
Ce film est un brassage de tout ce qui se passait à New York en 1977, Sam le tueur en série, la population italo américaine, le disco, le punk, les clubs, la grande panne d'électricité, les pillages, tout ce bouillon entre en fusion dans le film et c'est mené de main de maître. Mira Sorvino est divine, la folie de Sam est glaçante, le disco fait pitié et le punk fait envie et à tout cela s'ajoute les victoires incessantes des Yankee en Baseball et on ne parle pas des Cosmos en foot mais on aurait pu. Preuve en est que leurs audiences étaient bien faibles... La musique omniprésente joue un rôle à part entière, elle vous plonge dans l'époque. Ce film est la photographie sociale d'une époque et le psychopathe est presque une excuse pour s'immerger dans ce marasme suintant la colère. L'homme n'en sort pas grandit mais tel qu'il est !
dialogues potaches blague potache mais par moment on rigole bien des effort de la chroniqueuse pour se faire larguer quelques minutes de fou rires sur tout le film pas assez .
Cette comédie-épouvante est PARTICULIEREMENT REUSSIE. Au début, on se demande s'il s'agit réellement d'une parodie de films d'horreur ou si le script et le scénario sont simplement mauvais. Cependant, très vite, nous décelons des références aux plus grands standards du genre... allusions parfois plus ou moins fines d'ailleurs! Matt Flynn s'est véritablement amusé ici et c'est pour le plus grand plaisir des spectateurs. Il met en scène des acteurs formidables, qui, pour incarner les stéréotypes ultra connus, doivent forcément avoir du talent (en particulier Danica McKellar -Emily-, Juliet Landau -Mary Shelley- et son mari)! UN EXCELLENT MOMENT!
comédie sympathique entre une andie mc dowell en américaine rigide et un gérard depardieu saltimbanque obligés de se réunir un week-end. Le film est doux et charmant, et depardieu "qui entend à nouveau de la musique dans sa tête" est parfait.
Almodovar a ce côté dérangeant qui me plait bien. Or, quand il sait le solliciter, qu’il le raconte bien sans partir dans des schémas compliqués qu’il ne maitrise pas, et qu’en plus il va jusqu’au bout de son exploration, cela donne pour moi des films aussi fort que ce « Parle avec elle ». Parce que l’air de rien, bien plus que malsain, ce film est un véritable questionnement sur nos codes moraux et, rien que pour ça, il mérite plus d’un détour…
Le 1er Sherlock Holmes avait été une bonne surprise, la patte Ritchie se faisant sentir et apportant un vrai plus à l'univers du grand détective mais se voulait comme une mise en place des personnages. On attendant donc le 2ème avec impatience pour rentrer à fond dans l'histoire... Et bien c'est raté et joliment. Tout ce qui a fais le charme du premier à disparu. On assiste ici à un film d'action bien bourrin avec combats à mains nues, combats avec pistolets et même combats avec canons. Cela n'arrête jamais, la musique est omniprésente et fais vraiment mal à la tête. Le concept d'histoires tiroirs, si habillement maîtrisé par le réalisateur d'habitude, ne prend jamais ici, les personnages importants sont complètement sous-exploités (l'amour de Holmes, le frère de la gitane) et l'histoire se révèle être un boxon sans nom. L'ensemble est très brouillon, le suspens et la tension sont magnifiquement absents. On ne comprend finalement pas grand chose, le dénouement tombe comme un cheveux sur la soupe et n'explique finalement pas grand chose. Mention spécial au méchant de l'histoire, qui n'a rien d'un méchant de cinéma. La fin du film est d'une incohérence hors-norme. Bref, à force de vouloir trop en faire, Ritchie s'est perdu. On notera quand même la belle complicité entre Downey JR et Law, mais ça ce n'est pas une nouveauté. Ah oui, les scènes de ralenti, c'est élégant et stylisé quand c'est utilisé avec parcimonie, mais quand cela prend 20 min sur 2 de film c'est manifestement trop et franchement gonflant car le plus souvent bien inutile.
Un millésime bouchonné me semble plus exact pour qualifier cette petite comédie romantique.
"Autant en emporte le vent", "Gone With the Wind" date de 1938. Ce n'est pas seulement une histoire sentimentale, c'est la guerre de sécession vue depuis les états du sud, c'est l'aventure d'une civilisation emportée par la guerre et son incapacité à adapter son schéma social après l'abolition de l'esclavage, c'est les prémices du Klu Klux Klan ... 4 heures sans ennui car, c'est 4 h passées au milieu des plus beaux décors réalisés pour un film jusqu'au tournage des "Dix Commandements". Tout y est naturel, même l'incendie d'Atlanta nécessita 4 casernes de pompiers pour le provoquer et le surveiller afin qu'il éclate à l'écran. "Autant en emporte le vent" est aussi le premier film en technicolor, ce procédé magique qui garde fraîches et pétantes de rouge, de vert et de bleu, des images vieilles de 74 ans. C'est aussi les interprétations fabuleuses de Clark Gable, de Vivien Leigh, ainsi que l'inoubliable sœur de Joan Fontaine, Olivia de Haviland. Clark Gable renouvellera cet exploit dans un autre film du même genre en 1952 : "Je suis une esclave libre" cette fois avec Sydney Poitier et Yvonne de Carlo. "Autant en emporte le vent" est une superbe adaptation du roman de Margaret Mitchell qui reste pour moi, un des plus grands films du cinéma avec "Ben Hur" de 1959 et "Les Dix Commandements" de 1956.
Bon, c’est une évidence maintenant : j’adore Suzanne Bier. L’année précédente j’avais adoré son « After The Wedding », et là j’adore ses « Souvenirs brûlés ». J’ai l’impression qu’elle peut raconter ce qu’elle veut, elle a un tel rapport humain avec ses personnages, notamment grâce à cette pudeur du texte, mais aussi cette proximité de la caméra. Moi, je suis aux anges. Je m’enivre. J’adore...
J'ai adoré ce petit film plein d'humour qui décrit si bien un Mexique corrompu jusqu'à la moelle. Nous parlons tout de même d'un pays qui a été dirigé pendant 70 ans par le PRI : Parti Révolutionnaire Institutionnel. Ca veut tout dire.