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Une assez bonne adaptation du célèbre roman de Charlotte Brontë, malgrès certains oublies comme par exemple le fait que l'oncle de Jane veuille lui céder sa fortune, où que, quand elle s'enfuit de Thornfild, elle va chez St John et ses soeur et que plus tard il lui demande de ce marier avec lui ! Néanmoins, les acteurs sont très bons et le film très beau.
Les deux premiers était sympa mais celui la un ratage total dont le seul intérêt est de se faire de l'argent. Des nouveaux personnages ennuyeux et une histoire inintéressante. Le film est vraiment moins drôle. Bref un film pour au maximum les enfants de 10 ans.
pas grand chose à en dire, on n'y reviendra pas par hasard ou pas du tout. PLV : on ne parle plus d'ouverture d'esprit juste de perte de temps.
Luchino Visconti est un maestro! Ce dernier nous offre en 1969 "The Damned", film capital pour la comprèhension de cette pèriode! Le metteur en scène de "Il Gattopardo" nous montre les interrelations unissant le grand capital et le fascisme, à travers l'analyse d'une famille fortunèe! Les rivalitès et les destructions à l'intèrieur d'une même famille nous sont montrèes dans toute leur cruautè implacable, en parallèle avec les diverses actions et grands moments du règime fasciste! Visconti nous donne là l'un de ses meilleurs films car c'est encore la dècomposition d'un monde que le cinèaste italien dèpeint dans "The Damned", mais sous une forme beaucoup plus violente, plus atroce et plus tragique! Le rècit retrace l'anèantissement d'une famille entièrement possèdèe par la volontè de puissance et de jouissance! Le chef de cette famille, Joachim von Essenbeck, qui est le dèpositoire des traditions et des privilèges de sa classe, va mourir de mort violente! En fait, la mort est prèsente tout au long du film! On assiste une fois encore au "crèpuscule des dieux" s'achevant sur la violence, la faiblesse et la lâchetè. "The Damned" a le mèrite de montrer très clairement le rôle et le destin de la grande bourgeoisie allemande, allièe privilègièe de Hitler et du nazisme, facilitant la venue au pouvoir du fascisme pour tenter de se survivre à elle-même, ce que l'histoire est appelèe à juger impitoyablement! Tous les acteurs sont exceptionnels (Dirk Bogarde, Helmut Berger, Ingrid Thulin...) et la fameuse nuit des Longs Couteaux est un fracassant moment de cinèma...
Un superbe film dramatique, visuellement beau, raffiné, porté par un très bon duo d'acteurs. La réalisation est réaliste et d'une justesse incroyable. Une oeuvre magnifique, très touchante, et réalisée avec une grande maîtrise !
Je ne comprends absolument pas les avis negatifs sur ce film , ce film est parfait , je reste sur le c** pardonnez-moi de l'expression ... La tension est a son comble , on ne s'ennuie pas une seconde .. Les 1h30 je ne les ai pas vues passees . L'idee , les effets , le scenario , la nouveaute car oui il y en a ( kinect ) LA PERLE de 2012 ... Moi qui n'etait vraiment vraiment fan de cette saga .. Je dois dire que je reste bouche-bé devant cette perfection cinematographique ! 5/5 rien a redire , ah oui , la fin est suprenante, totalement incroyable , et surprenante . Beaucoup de sursauts , enfin bref je pourrai continuer pendant des heures !! Aller le voir ne perdez pas une seconde !!
super bon films a voir 6/10 jeeva bien joue dans le role bravo a mykin
Le film est sobre, les acteurs sont impeccables mais le sujet est tellement révoltant qu'on le regarde avec un certain malaise, c'est éprouvant mais nécessaire.
Poésie, bonjour. Ce film divise : certains sont tout de suite séduits par sa poésie tandis que d'autres restent bloqués par l'absence d'artifices, un esthétisme modeste. Ce film n'est pas beau, il est poétique. On ne flatte pas ce film avec son regard mais on le ressent. Ceux qui ont la chance d'être invités dans le voyage de Camille oublient que cette femme a 40 ans et que le ciel est constamment gris. On ne peut se retenir de poser un regard bienveillant sur cette histoire et "Camille redouble" nous offre la légèreté en guise de remerciement. Un film qu'on regarde et qu'on offre sans raisons, si ce n'est l'envie de partager un joli moment.
Imaginez un Obélix, un Michel Blanc iranien et un beau gosse en voyage en France, imaginez ce trio improbable mais ne vous attendez à rien, parceque la beauté du film réside là justement. Pas de "dramaturgie" balourde mais un voyage d'une heure et demi loin des scénarios classiques et trop attendus. On est bien avec ces trois drôles d'"étrangers" et on aimerait presque que le film dure plus longtemps.
Le début semble original et intrigant, mélange de démon, de possession et de futurisme Puis vient la vraie histoire du petit garçon, plutôt déjà remâchée et une fin qui nous laisse en suspens
Ok, on prend une femme indienne magnifique, on la rend celebre puis on affiche sa decadence et on en fait un film pour voir jusqu'où l'on peut aller pour connaitre le succès. Si ca se veut moralisateur, c'est raté. si ca veut bien tourné, c'est potable, si ca se veut un minimum intéressant, c'est ULTRA raté
Quand on dit que Christopher Lambert n'a joué que dans des navets(hormis "Greystoke" et "Highlander"),c'est absolument vrai!En témoigne cette insupportable série Z futuriste,dont les quelques bonnes idées sont ensevelies sous une interprétation risible,des effets spéciaux déja cheap à l'époque et une mise en scène de télénovela."Fortress"(1992)est sorti au moment où la mode était aux films de prison apocalyptique.La surpopulation régnant sur Terre,un organisme contrôle les naissances et jette les dissidents de toutes sortes dans une prison d'où il est impossible de s'échapper.Lasers remplaçant des barreaux,bombe placée dans les intestins des prisonniers,plates-formes amovibles...On se dit qu'un remake ne serait pas inutile en employant à bon escient ces éléments.Mais ici,le navet semble érigé en art.La seule consigne donnée aux acteurs semble être de surjouer avec les yeux exorbités.La femme enceinte joue comme une patate,et accouche les doigts dans le nez!Christophe Lambert,très très mauvais et inexpressif,sort de 4 jours sur une roue infernale à peine décoiffé!On se surprend à guetter toutes les inepties d'un film étonnamment violent.Horrible!
Sur le papier, ce film est carrément génial. Et le début continue d'aller en ce sens. Malheureusement, juste le début car cette « Agression » a un véritable problème : on l'a mise entre les mains d'un tâcheron de premier ordre, à savoir Gérard Pirès. Ce qui, n'ayons pas peur des mots, en dehors du tout début, flingue le film en long, en large, et en travers. Pirès ne sait pas quoi faire de l'histoire en béton qu'il a entre les pognes, ne sait rien faire avec sa caméra et pour finir de noircir le tableau, il fait complètement déjouer ses acteurs. Brasseur n'étant pas crédible une minute, Deneuve est franchement mauvaise et insupportable et Trintignant est perdu dans cette bouillie. Mais pourquoi avoir confié un tel projet à un aussi mauvais cinéaste... ?
Une daube monumentale ! Tout est dit! Les personnages sont grotesques. L'histoire inintéressante. Aucun suspense. Les dialogues sont lourd, la mise en scène inexistante quant à la photographie c'est la catastrophe. Bref inutile de perdre 1h30 de votre vie pour ce navet.
En voyant le grand nombre d'étoiles attribuées à ce film je m'attendais vraiment à un film bien en allant au cinéma. Mais j'ai été très déçue. Je me suis plutôt ennuyée même si l'histoire était assez mignonne et les animations très réussies.
Pour une suite, c'est plus que décevant, certes ce sont les mêmes personnages et les mêmes acteurs.....mais ça ne fait pas tout.
Après le meurtre de sa famille par deux crapules, le père, dégouté par le système inefficace, décide de faire justice lui-même. "Law Abiding Citizen" débute comme un revenge movie classique, pour s'orienter vers le thriller. En effet, l'anti-héros ne limite pas sa vengeance aux criminels, mais s'attaque également au système, et utilise des stratagèmes qui tiennent plus d'un méchant de James Bond ou d'un serial-killer, que de la folie meurtrière d'une modeste homme. Et au final, on se retrouve avec un avis partagé sur le film. D'un côté, la réalisation est efficace (on est loin du navet fasciste de base), et les interprètes très corrects. Mais de l'autre, l'escalade de péripéties, réussie au départ, finit par devenir grotesque. Idem sur le fond très discutable. On peut voir dans le film une critique de l'auto-justice, montrée comme aberrante (notamment par le fait que le bourreau ne sait plus où s'arrêter). Mais la majeure partie du long-métrage est plutôt orientée vers le réactionnaire, dépeignant des criminels presque intouchables, un système laxiste, un procureur incompétent, une juge arrogante, etc. A regarder avec précaution.
Un film pas terrible qui n'est pas vraiment structuré et avec des acteurs peu convaincants. Je n'ai pas réussi à accrocher à ce film vraiment lourd et sans saveur où seuls quelques dialogues restent intéressants.
Un film d'horreur ça ? D'habitude ces films la sont des navets car l'histoire est creuse mais celui la fait parti des plus mauvais. Ne payez pas pour voir ça c'est du gâchis..
Bon film ! Particulièrement les 20 dernières minutes remplies de suspens, de tension et d'action !
Très mauvaise mise en scène. Michael Moore décidément plus fort pour de bons documentaires, que pour des comédies satiriques approximatives. Je le déconseille aux moins de 7 ans. 2/5
Prends l'oseille et tires toi
Mamoru Oshii a sans conteste réalisé l’une des plus belles japanimations jamais réalisées en transposant GHOST IN THE SHELL, le manga culte de Masamune Shirow, en long-métrage. En plus de son design visuel de qualité supérieure, c’est cette manière de mêler un excellent polar à l’un des pamphlets philosophiques plus intelligents de l'histoire du cinéma, le tout dans un univers cyberpunk et en ajoutant une musique splendide, qui donnent à ce film une place tout simplement éminente dans le domaine de la science fiction.
Un dessin animé assez sympathique et original. J'ai trouvé ça parfois un peu long, surtout pour des enfants, mais c'est une belle histoire et j'ai beaucoup aimé la fin. Jean Reno donne vraiment du corps à son personnage avec son doublage, c'est une réussite.
petit film sympathique, sans grande prétention....
Une bonne comédie dramatique à la fois drôle et touchante. Cmaeron Diaz est sublime.
Si la présence d'Eli Wallach à l’écran est toujours un régal,à la vue du film il est clair qu'il à été approché pour son personnage de Tuco dans le film de Leone. Le comédien est bien le seul atout de ce film à l'humour passable. Quelques moments restent tout de même agréables mais sur l’ensemble du film ils sont bien trop peu.
On ne peut jamais douter de l'engagement et de l'humanisme qui ont guidé le réalisateur Fred Zinnemann dans le choix des sujets de ses films, mais par contre on ne peut pas toujours aimer la manière dont il les traite, croulant souvent sous un didactisme lourdaud qui empêche l'émotion et l'attachement que l'on pourrait éprouver pour les personnages. "C'étaient des hommes", qui aborde le sujet des paraplégiques de guerre, en est malheureusement un bon exemple. Reste la sincérité, mais ça ne suffit pas à faire une réussite, et surtout un beau trio d'acteurs principaux. Everett Sloane est excellent en médecin humain mais qui veut garder une apparence distante et froide, Teresa Wright impose son agréable fraîcheur habituelle, mais ce film marque surtout la première apparition d'un véritable bulldozer de charisme et d'un objet de fascination et d'attirance incroyable pour les femmes et les hommes, un certain Marlon Brando. Si on retient ce film, ce n'est pas pour son sujet, pourtant (du moins à ma connaissance !!!) jamais abordé auparavant dans le cinéma hollywoodien, mais pour la naissance d'une véritable star qui va marquer à jamais le cinéma et les spectateurs.
Amateurisme et piètre jeu deviennent très vite insupportables quand même le traitement artificiel de l'image ne retient jamais l'attention. Il n'y a rien.
Dilili est présenté comme un film pour les enfants à partir de 6 ans. De fait, le début du film montre une jeune fille kanake haute comme trois pommes qui évolue dans sa famille au village. Le plan s'élargit et l'on découvre que cette famille est au milieu d'un zoo : le jardin d'acclimatation de Paris. Ainsi, Dilili est dans un zoo humain. Elle s'en échappe sans difficulté et n'y fera plus référence que comme un travail pour lequel ses parents sont venus en France. Voilà donc la tragique réalité des zoos humains évacuée d'un revers de dialogue. Mesure-t-on la gravité d'ancrer cette légèreté dans les jeunes têtes à l'heure où la reconnaissance des faits passés peut faire espérer une évolution des préjugés ? Michel Ocelot construit une histoire de tolérance, assénée plus que suggérée. Dilili, qui parle un français châtié voire ampoulé, enquête sur la disparition de jeunes filles dans le Paris de la Belle Epoque et découvre un sombre trafic où elles sont recouvertes d'un habit noir, style tchador ou niqab, exploitées et humiliées. Les images d'Ocelot ne manquent pas de beauté comme tous ses films. Mais les jeunes têtes ne manqueront pas d'associer au mal cette caricature.
Optant pour une forme de huis-clos psychologique, J.P Schaefer réussit à captiver son public au moyen d’une réalisation minimaliste tout à fait adaptée à ses ambitions, et d’un esthétisme sans artifice mais à la photographie terne et triste, peut être justement à l’image de son (anti)-héros, un homme inintéressant, effacé et sans histoire, si ce n’est celle qui l’obsède et à laquelle il s’identifie : celle de Holden Caulfield, ‘L’attrape-cœurs’ de l’écrivain Salinger. Jared Leto, dans une performance étonnante, dont certains reprochent bien évidemment ce côté très ‘Actor’s Studio’, donne vie à un personnage pourtant quasi-inexistant tellement il n’exprime, ni n’inspire rien. Mais revers de la médailler, peut être est-ce justement cela qui donne une sensation d’inachevé arrivé au terme du film ? Malgré cela, au final, c’est un biopic et un drame psychologique bien atypiques qui nous sont offerts dans ce CHAPITRE 27, dont le seul effet de style de la part du réalisateur serait celui que produit ces rues quasi-désertes pour le héros qui s’y livre à l’errance, à savoir instaurer une atmosphère aussi troublante qu’envoûtante.
Après une première demie-heure soporifique, on se reveille pour découvrir ou vision tiers-mondiste de l'Union indienne. Désolé mais en 1992 il s'agit d'un pays d'agriculteurs entré dans un processus de modernisation depuis les années 1960 (révolution verte). Mouvement qui s'est accéléré au début des années 1990 avec la libéralisation et l'ouverture aux capitaux étrangers (fin des permis par exemple). Du coup il aurait été intéressant de montrer au début la vie de la famille dans leur village. Par ailleurs la question des castes, si importante, est complètement occultée. Je préfère donc "Salaam Bombay !", un film aussi noir, mais qui évoque cette réalité. De même, l'évolution psychologique du personnage principal me semble baclée, notamment les raisons qui le poussent à partir. Le gnangnan est omniprésent, je dirais même puant. Dernière critique, et pas la moindre, on s'ennuie devant ce film, il faut vraiment avoir la foi pour tenir jusqu'au bout, c'est le cas de le dire.
Quel plaisir de voir Jack Nicholson faire son numéro dans ce film à l'histoire en plus originale et au casting de qualité qui l'entoure!
Plus qu'un film, mais plus qu'un documentaire aussi, Sababou inaugure un nouveau genre de production, entre oeuvre d'art graphique et témoignage incandescent d'une réalité 'No Comment'. Ici le spectateur est mis en décalage: décalage dans la forme, où l'on se retrouve observateur d'un monde que l'on croyait connaître et décalage sur le fond, sur des préjugés littéralement balayés, où du moins bousculés, sur des africains que l'on croyait simplement pauvres voir miséreux, mais surtout mendiant de l'aide internationale et non pas dynamiques, preneurs d'initiatives et porteurs de projets. Ce film porte en lui un message extrêmement fort, qui touchera chacun d'entre nous: avec peu, on peut faire beaucoup. Avec de la bonne énergie, de l'organisation et surtout avec la foi, laïque ou religieuse, on peut faire d'énormes choses. D'autant plus importantes que sa situation personnelle, familiale, est modeste et que ces engagements représentent autant de choix, et pas des sacrifices. En tout cas pas pour ces quatre héros des temps modernes qui, comme l'a souligné la réalisateur, trouvent tout à fait normal de mettre leur temps et leurs talents au service de projets culturels et citoyens, porteurs de sens et d'espoir. Enfin, ce regard porté sur l'autre, dans ses difficultés, ses contrastes, ses attentes, ses espoirs, invite à la tolérance. Chacun agit en public d'une certaine manière mais il ne faut jamais préjuger des difficultés personnelles qu'il ou elle rencontre. Après avoir vu ce film, on n'a plus qu'une envie: se rapprocher de telles personnes engagées et dévouées à leur cause pour se réchauffer à lueur de leur espoir et, pourquoi pas, capter l'étincelle qui enflammera notre apathie, nos hésitations et (re)faire de nous des porteurs de feu sacré.
Un excellent film de Sydney Pollack, un thriller un peu à l'ancienne, une enquête passionnante au sein même de l'ONU, l'histoire d'un complot à l'encontre d'un dirigeant Africain. Sean Penn est encore une fois très bon et Nicole Kidman est splendide. Une très bonne surprise que ce film.
En 1984, Wes Craven marque le cinéma d'épouvante à jamais en y insérant un personnage mythique du genre : Freddy, le cauchemar de vos nuits ! En effet, Freddy a terrifié plusieurs enfants à travers plusieurs films aux fils des années ! Certains films de la série sont bon, d'autres sont plutôt mauvais, mais ça c'est réciproque pour d'autres personnages emblématiques de l'horreur tels que Jason Voorhees (Vendredi 13), Michael Myers (Halloween) et LeatherFace (Massacre à la tronçonneuse) ! Mais comme d'habitude dans ce genre de série, l'original est le meilleur, et c'est bien vrai, Craven signe un film de qualité ! Et il faut admettre que le film fait peur, bien que les effets spéciaux ont vieilli ! Mais à part ça, le film marque aussi l'arrivé de Johnny Depp au cinéma car il y joue ici sont tout premier rôle ! Les amateurs de films d'horreurs rétro ou culte seront content des "Griffes de la nuit" ! Et maintenant une petite anecdote, Wes Craven donna le nom de Freddy à son personnage, car c’était également le nom d'un sale gamin qui lui faisait des misères quand il était petit ! Une façon de se venger, certainement !
L’aventure est au rendez-vous pour notre plus grand bonheur de cinéphiles et nous rappelle une époque où les cinéastes savaient prendre leur temps pour laisser la tension monter et à multiplier les obstacles sur le parcours des personnages principaux.
Jouant sur le succès des Sexy Dance. Le film est un scénario banal (bizarrement il ressemble un peu au 1er Sexy Dance) et des scènes de danse moins impressionnantes que la trilogie Sexy Dance. Si vous voulez vous tourner vers un film de danse je vous conseille un des Sexy Dance, mais après si vous êtes fan des films de danse alors plongez vous mais vous attendez pas à voir un grand film.
Une des perles du cinéma hong-kongais des années 90. Ici, pas de prise de tête scénaristique: un inspecteur blasé aux méthodes radicales veut venger la mort d'un collègue, et sera contraint de travailler avec un agent double. Bon, je suis mauvaise langue, les personnages sont plutôt bien développés et s'ils ne sont pas forcément très originaux, ils ont le mérite d'être attachants. Mais c'est la précision chirurgicale de la réalisation qui donne au film toute son importance. Les "gunfight", surréalistes et appuyés par d'excellentes musiques, sont tous mémorables et incroyablement chorégraphiés, en plus d'être parfaitement lisibles. Hard Boiled est un classique du cinéma d'action, et l'un de ses plus fiers représentants.
Quel plaisir de découvrir un Spielberg lorsque l’on connaît son cinéma, sa façon de raconter une histoire et de faire naître l’émotion là ou on ne l’attend plus. Il a beau parsemer ses scénarios de détails improbables ou même carrément impossible, ça fonctionne. Deux acteurs toujours bien dirigés participent ici grandement à sa réussite. On connaît le talent de Tom Hanks, on découvre celui de Mark Rylance tout en retenu et en dignité. Le suspense est constamment présent et les dialogues de bonne tenue, l’intelligence y est de rigueur. Les réserves apportées ne portent pas sur les décors, excellents, mais sur l’utilisation trop fréquente de focales grands angles qui déforment la réalité. Spielberg à du mal à se passer des techniques modernes et pour gagner en profondeur de champ il perd énormément en beauté des images. Par contre, l’idée de placer l’action juste au moment de la fermeture du mur de Berlin est très cinématographique, c’est tout à fait Spielberg. Ce sont ces sortes d’images qui demeurent bien longtemps après la vision de ses films.
Une comédie vraiment sympathique mais attention aux amateurs d'action, ce film est uniquement porté sur les relations entre les personnages. Un vrai bon moment.
La scénariste/productrice/actrice/réalisatrice Carmen Castillo avait eu une autre vie avant d'arriver en France, en provenance de son Chili natal : une grande implication dans la résistance chilienne contre la dictature de Pinochet. Et un compagnon, Miguel Enriquez, un des chefs de cette résistance, mort en combattant dans la rue Santa Fe à Santiago du Chili. Ce documentaire passionnant de 2 h 40 raconte la visite de Carmen à son pays, son retour dans sa maison de la rue Santa Fe, ses rencontres avec sa famille, d'anciens amis, les voisins. Un film rempli d'émotion, mais qui pose également un grand nombre de questions sur l'engagement politique et sur ses conséquences.
Un film classique riche avec des acteurs virtuoses sur un sujet principal passionnant : la liberté et le pouvoir de la presse. "La presse doit servir les gouvernés, pas les gouvernants". L’histoire vraie se déroule en 1971 et on a parfois l’impression qu’il pourrait avoir été filmé à cette époque tant la reconstitution est crédible. C’est un bon éclairage aussi sur l’évolution du rôle de la femme dans la société américaine des classes dirigeantes de cette époque. Elles étaient bien éduquées, intelligentes, elles côtoyaient toutes les sphères de décision, mais on les cantonnait au petit salon pour des discussions entre femmes. L’évolution du personnage de Katharine Graham, de l’effacement à l’affirmation, est aussi la partie la plus marquante du film. Un destin individuel dans un contexte historique en évolution.
Pas seulement un hommage illustratif à un grand groupe de rock et des témoignages sur le destin tragique du chanteur vedette, il y a aussi le volonté de comprendre la nature de cette musique et de son spectacle, son apparentement avec l’art de la performance, le chamanisme, la transe... de montrer ses racines urbaines et industrielles. La gestuelle hallucinante de I. Curtis en concert est terriblement impressionnante. La façon visuelle qu'a le réalisateur d'assimiler la musique du groupe à l'âme même de la ville de Manchester est assez étonnante.
Bon je vais vous la faire courte, on frise le ridicule, on peut limite caresser le roi des monstres, il donne presque la patte... et puis ce patriotisme americano sentimentalo. Au secours
Le niveau est bas, très bas. Reste quelques répliques de Pierre Doris et Romain Bouteille, mais si peu pour faire un film. Le choix de l'improvisation était sans doute une erreur, mais visiblement, les acteurs se sont fait plaisir. A réserver aux cinéphiles et passionnés.