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J'avais aimé « Les Frères McMullen », j'ai beaucoup, beaucoup moins aimé « Shes' the One » du même Edward Burns... Bon, on sourit de temps à autre, le casting est sympa (la gent masculine devrait notamment être ravie), quelques saillies de Jennifer Aniston font leur petit effet... Mais c'est globalement assez mou, pas totalement ennuyeux mais franchement fade, à l'image de dialogues insipides que l'acteur-réalisateur bombarde du coup de réflexions sexuelles en espérant que cela fasse « fun » (peine perdue) et de personnages en définitive beaucoup moins savoureux et intéressants qu'on aurait pu l'espérer. Rien de honteux non plus, mais voilà un film qui ne m'a rien apporté, si ce n'est la maigre satisfaction d'avoir fait passer le temps 90 minutes durant. Dispensable.
4 étoiles pour remonter la note. Tout d'abord ce film n'est certes pas celui avec le plus d'action (ni un chef-d'oeuvre) mais on y trouve une certaine morale et réflexion derrière les dialogues (ce qui amène une certaine fraîcheur dans des passages plutôt plats durant le film). Cela change des films américains pour ado classique. Ensuite l'alchimie entre les deux personnages principaux se ressent et nous fait détendre les traits du visages malgré, parfois, des moments fades ... Cette alchimie nous extirpe de cette société ou l'argent est au centre des pensés mais aussi sur des sujets légèrement plus profonds comme la place du physique dans une relation. Donc pour résumer c'est un film qui est relativement bien et intéressant si l'on est prêt à réfléchir un minimum et que l'on sait apprécier un film avec peu d'action et d'humour (mais qui n'est pas ennuyeux pour autant bien sur) .
J'ai vu ce film alors que je n'avais pas encore 18 ans, et il m'a réellement frappé par sa puissance émotionnelle ! On est littéralement soudé au destin de cette jeune femme, et on vit avec elle sa déchéance, jusqu'au gouffre final. Une oeuvre scotchante, que je conseille à tous les spectateurs sensibles qui aiment les films sensés.
Ce film est un véritable coup de coeur. Si vous aimez l'ambiance des films des années 80, vous ne serez pas déçu. Ce film n'est pas un petit film, c'est une merveille, un bijou du début à la fin et ceci grâce à la performance de ces 2 acteurs principaux Craig Sheffer et Virginia Madsen. C'est un conte de fée moderne, une retranscription subtile de la Belle au Bois Dormant, sauf que le prince est un repris de justice injustement placé dans un camp de "redressement" par son beau-père et que sa belle est aussi enfermée dans un beau château, une institution catholique très stricte tenus par des nonnes. C'est au cours d'une course d'entraînement obligatoire et humiliante que Joe va rencontrer la belle Lisa. Elle apparait à lui toute de blanche vêtue allongée au bord d'un lac. Il suffit d'un seul regard pour que ces 2 êtres en quête d'amour tombent amoureux. Dans les contes de fées, c'est en général le prince qui cherche sa princesse souvent par le pretexte d'un bal. Ici les rôles sont inversés, c'est Lisa qui lancera cette invitation pour ces pauvres prisonniers de l'autre côté de la forêt. Et puis l'un et l'autre savent secrètement qu'ils vont se revoir, car Joe tombe par hasard sur le fameux portrait d'Ophélia dans les couloirs du "château" Lorsqu'ils se voient leur coup de foudre s'intensifie violemment car ils se reconnaissent. Le temps d'une danse leur a suffit à créer leur monde à eux deux. La séparation en sera donc beaucoup plus douloureuse. Ils se battront ensemble pour vivre cet amour interdit, prendront des risques insensés pour se retrouver juste que quelques minutes, puis prendrons le large car ses 2 êtres ne font plus qu'une seule personne. Un beau conte de fée moderne avec 2 acteurs en état de grâce....
Comme souvent avec Raymond Depardon, la logique documentaire fonctionne grâce à une véritable rigueur dans le cheminement du propos mais aussi grâce à un vrai sens de l’humain. Parce que oui, un documentaire, ça n’a rien d’évident. Capter la vérité ne se fait pas tout seul. C’est un travail, et je trouve que ce travail, cette « 10e chambre » le fait très bien, dans la pédagogie, la clarté et le respect de l’humain…
Cette fois Bill s'attaque à Surprise-surprise, en gardant son humour violent et gore pas vraiment drôle, mais il aime bien. Et puis cette fois il a mis plein de faux rires en fond sonore pour nous duper.
Rèalisè la même annèe que "Laura" de Preminger, "Summer Storm" est en fait le second film amèricain tournè par Douglas Sirk après "Hitler's Madman" qui avait pour sujet l'assassinat du Reichsprotektor Reinhard Heydrich! Depuis plusieurs annèes, le cinèaste souhaitait porter à l'ècran l'oeuvre de Anton Chekhov! Connaissez-vous le proverbe « Le coupable est celui à qui le crime profite » ? George Sanders en sait quelque chose et sait au fond de lui-même que sa liaison avec Linda Darnell est honteuse et dangereuse! Mais le danger dans ce film ne fait qu'augmenter l'emprise que cette paysanne a sur lui! Elle est passèe d'une porcherie à la maison d'un contremaître et maintenant elle est avec le comte Fedor Mikhailovich Petroff! Quelle est la prochaine ètape avant son sommet ? Darnell s'impose une fois de plus en crèant le vertige à tous les hommes qui tournent autour d'elle mais c'est Sanders qui se taille la part du lion en entraînant le spectateur vers une spirale qu'il fait grandir à chaque scène! Elle parait trop intellectuelle pour le comte dèsargentè Edward Everett Horton mais Anna Lee a un charme fou en èditrice du Times, une actrice un peu oublièe qui a le regard des grandes prèsences, un peu dans le style de Simone Renant et Loretta Young, et qui n'est sans doute pas ètrangère aux qualitès de l'histoire même si on ne la voit finalement qu'en filigrane! Avec des images surannèes et des mots magiques sans trop en avoir l'air « La divine èlectricitè » , Sirk signe un fort beau film sur le sentiment de perte que le metteur en scène, par la suite, n'aura de cesse de magnifier dans certaines oeuvres de l'Universal...
Un film sur la campagne d'Egypte menée par le général Bonaparte avant qu'il ne devienne Empereur et réalisé par le cinéaste égyptien le plus célèbre, avec de grands noms des acteurs français (Piccoli, Chéreau), cela est excitant sur le papier. Le film laisse une impression de fouillis sans structure, avec une prise de son faiblarde rendant les dialogues peu intelligibles. Manque d'émotion, manque d'épopée (quoique une option intimiste d'une campagne napoléonienne aurait pu être un choix artistique original), manque de définition des personnages (pour ma part, j'ai eu du mal à définir les enjeux de chaque personnage, parfois même à les distinguer). Piccoli fait du Piccoli mais son personnage de savant éclairé ne débouche pas sur un discours critique très porteur. Petit plaisir néanmoins de retrouver Patrice Chéreau en tant qu'acteur, avec un Bonaparte pas trop vitupérant mais malheureusement trop désincarné. Adieu Bonaparte, adieu mon intérêt, dommage M. Chahine.
Un film long,très long, trop long ... Faut-il nécessairement aller au cinéma pour subir au final une narration. A force de voir beaucoup de flou et d'ombres, on finit par décrocher, un exemple: Antelme est un personnage central de l'histoire, Finkiel le montre mais on ne le voit quasiment jamais. Par contre, Marguerite Duras ( tres bien jouée ici par Mélanie Thierry), en parle beaucoup en voix off. Autre aspect, le film subit une grosse rupture de rythme quand Benoit Magimel disparait de l'écran. Accumulation de scènes d'appartement et de restaurant. Au final, l'oeuvre de MD est mal rendue par un film qui ne fonctionne pas.
Une jolie petite comédie de moeurs sur le thème de l'amour impossible. Le trio d'acteurs est très bon avec P. Bruel ,charmeur et mélancolique, Nathalie Baye impeccable et Palhias, toute en fragilité et sincérité.On est dans l'esprit des films des années 80 de Claude Sautet. Cela parait parfois un peu mou, mais il y a une sorte de climat de nostalgie, bien agréable.
Un film dont un des producteur est Fernando Meirelles.....Pas mal pour commencer..... Ensuite le film est littéralement passionnant et un peu à la façon de Central do Brasil (Walter Salles) nous fait voyager au travers du Brésil, un brésil pittoresque et attachant..... Sur un pitch efficace: le fils de Walter Moura ( acteur brésilien (?) de 39 ans) disparait......Le père essaie de le retrouver...... S'en suit un road movie filmé dans de superbes décors, et où les rencontres sont inattendues et étonnantes (la scène du fleuve, celle de l'accouchement improvisé)..... Des détails jalonnent ce parcours, comme le cheval noir qui sert de véhicule, les dessins étonnants du fils, et le père voit son désarroi fluctuer au fil de son voyage...... c'est admirablement mis en scène, le scénario est à la fois nerveux et contemplatif, les dialogues toujours électriques, et le style épuré de la caméra rend hyper réaliste ce conte moderne au cœur d'un des pays les plus fascinants de la planète...... Ceux qui ont adoré "les toilettes du pape" ou "central do brasil", ne pourront passer à côté de cette excursion sud américaine absolument palpitante et émouvante......Précipitez vous, il y a fort à parier que le film disparaisse des écrans aussi vite qu'il est venu.....
Ce qui est le plus surprenant c'est de savoir qu'Alad'2 a pu voir le jour, après les notes et critiques catastrophiques du premier. Mais ce qui est d'autant plus surprenant, c'est d'imaginer quelqu'un là-haut dans les tours dire : "J'ai une super idée, on va faire la suite d'Aladin" et tous les autres répondre : "Mais oui, c'est une idée géniale, pourquoi nous n'y avions pas pensé avant ?" ! Pour faire simple, cette réalisation est aussi mauvaise que le premier, pas forcément réaliser de la même manière mais nous sommes plus dans les gags qui ne font rire personne, sauf eux. On enchaine les scènes et nous on s'enfonce dans notre siège, jusqu'à être ailleurs, loin, très loin. Puis quand ça se termine, on le vit comme une libération. Donc pour faire simple, un vide sidéral, aucun travail scénaristique, le jeu d'acteur y'en a pas, ne parlons pas des costumes, bref plus jamais ça !
Réalisé tout de suite après "Citizen Kane", "La Splendeur des Amberson" marque le début des difficultés pour Orson Welles : le film fut coupé au montage par les producteurs et l'échec fut tel que Welles dut attendre un moment avant de réaliser un autre film. Pourtant, cette tragédie familiale est une pure réussite. Grandeur et surtout décadence d'une famille qui n'a plus que les regrets et un peu d'amour, le film reflète parfaitement les conflits entre la modernité et les traditions. En effet, Eugene Morgan, amoureux depuis toujours d'Isabel Amberson, fabrique des voitures et George, le fils d'Isabel est formellement opposé à leur amour et à la modernité, tenant aux valeurs de noblesse de sa famille qui ne sont plus qu'illusions. L'histoire est relativement classique mais brillamment mise en image par un Welles qui laisse tomber la flamboyance de "Citizen Kane" pour quelque chose qui colle au plus près d'une famille se refermant sur elle-même. Le noir et blanc est magnifique et Stanley Cortez a effectué un travail remarquable sur la photographie, dosant les nuances d'ombres et de lumière avec grand talent, illustrant ainsi parfaitement les émotions et états d'esprits des personnages.
Avec "RockNRolla", on retrouve tout ce qu'on aime dans le cinéma de Guy Ritchie. Tout d'abord, cette touche britannique qui instille toute son oeuvre. Une touche faite de classe, d'humour pince sans rire, de cockneys et de flegme. Ensuite, ce sens du montage dynamique qui cherche à vous mettre des claques et qui veut essayer des trucs. Je suis généralement dubitatif sur les expérimentations au cinéma (qui atterrissent souvent à la case "art et essais") mais chez ce réalisateur, je sais que je vais y trouver mon compte : de l'originalité mais de l'efficacité. Par exemple, Ritchie n'hésite pas à faire apparaître des bulles à l'écran, comme dans un jeu vidéo ou un comics. Je trouve que la démarche est intéressante et participe à donner un ton très moderne à l'oeuvre, même si on a pu le voir ailleurs. Un ton qui rappelle le dynamisme du montage, très saccadé par instant et que l'on a pu voir sur Sherlock Holmes ou Snatch. Alors rajoutez à cela une galerie de personnages hauts-en-couleurs, attachants, et campés par une bande d'acteurs talentueux (Mark Strong, Gerard Butler, Idris Elba, Tom Hardy, Toby Kebbel, et j'en passe ...) et vous obtiendrez un très bon film, frais et drôle. Parmi les meilleurs de Guy Ritchie !
Une descente aux enfers d'un Gabin au top, très bon scénario et belle réalisation, un film qui a très bien vieilli.
Le sous-texte qui anime Chasse à l’homme surprend par son cynisme certes manichéen mais politiquement fort : quand de riches individus s’ennuient à tel point qu’ils recourent à du gibier humain comme ultime distraction dans une société rongée par les armes et la violence. Cette fable laisse en bouche un goût amer, celui d’une humanité à l’agonie qui sera par ailleurs développé par le cinéma horrifique postérieur – on pense à Hostel par exemple – et qui heurte profondément : en pleine rue, un homme appelle à l’aide et n’obtient en retour que du mépris et les balles qui l’achèveront. Choisir des sans-abris comme cibles privilégiées permet au long-métrage de s’ancrer dans une réalité contemporaine qu’il ne dénature jamais ; la caméra de John Woo restitue à ces personnes leur dignité par des cadres chaleureux, pose des dialogues justes sur une situation délicate tout en mettant en lumière leur isolement. Jean-Claude Van Damme s’avère très convaincant dans son rôle de SDF aux gros bras ; il déploie une palette de jeu assez riche, passant de larmes bouleversantes aux regards défiant l’humanité toute entière. La réalisation immortalise ses cascades impressionnantes bien qu’un peu trop facilement empilées en fin de film, parfois incohérentes également... Woo livre une mise en scène flamboyante aux scènes d’action mémorables et d’une inventivité visuelle folle. Chasse à l’homme, œuvre plus intelligente et féroce qu’il n’y paraît. Un excellent divertissement, mais pas que.
L'intrigue est un peu tirée par les cheveux et le film souffre d'un manque de crédibilité ou tout simplement d'un manque de charisme du personnage principal pour lequel on peine à éprouver de l'empathie. Les quelques détours scénaristiques n'y font rien : le dénouement est finalement assez prévisible même si l'on ne peut pas dire qu'on s'ennuie...
Le charme et l’intelligence des actrices de la série d’origine (Jaclyn Smith, Farrah Fawcett et Kate Jackson) ont laissé place à un trio de nunuches agaçant au possible. Les drôles de dames ont ici le charisme d’un bulot. Vulgaires, moqueuses, idiotes, Cameron Diaz et Drew Barrymore me sortent par les yeux. Le scénario se limite à une succession de scènes d’action aussitôt vues, aussitôt oubliées. Le suspense est inexistant car les donzelles sont invincibles.
2 days in New York a beau être un divertissement plus que convenable, l'ensemble fait seulement sourire.
Le jeu d'acteur annonce la couleur, les dialogues sont pitoyable mais le pire reste le scénario d'une idioti e abyssale. Je ne parle pas des effets spéciaux, ni des décors. A ne jamais approcher à moins d'un mètre.
Qu'on se le dise, Adam Sandler est un acteur ayant un talent incroyable qui n'est plus à démontrer ni même à contester. A travers de nombreuses productions, ce dernier a su se montrer indissociable au monde de la comédie avec le panache et le caractère spécifique que chacun connait de cet individu hors norme. Mais bien entendu, et chose commune à bon nombre de comédiens, il a aussi connu son lot de "ratés" et de déconvenue. C'est en quelque sorte le cas de Wedding Singer qui, sans pour autant être considéré comme un film mauvais, montre de nombreuses limites d'élaboration scénaristique. Quelques passages savent faire sourire, mais ne suffisent malheureusement pas à transcender le rendu, qu'on aurait pu imaginer bien meilleur. La faute peut être au cinéaste Frank Coraci, encore peu expérimenté à l'époque.
Girault est capable du meilleur comme du pire, en fait tout dépend du scénario -. Ici on serait plutôt dans le meilleur. Alors d'accord, c'est du théâtre, c'est même du vaudeville ! Et alors ? La seconde partie tourne au burlesque et au délire ! Tant mieux. De Funès est bon, il a tendance à en faire de trop mais moins que dans certains autres films. Blier est excellent, Claude Gensac aussi On aura une pensée particulière pour Christiane Muller qui joue la bonne, mais dans l'ensemble il n'y a aucun faux pas dans la distribution. La réalisation n'a rien de géniale mais s'avère nerveuse et très correcte.
Une date dans l'histoire du cinéma. Premier dessin animés de long métrage, inspiré d'un conte des frères Grimm. Sa douce héroine, sa sorcière effrayante, ses nains burlesques font partie de l'inconscient collectif de plusieurs générations. Perfection des déssins, classicisme des déssins, somptuosité des couleurs. Le film fut salué comme un chef-d'oeuvre. Le 23 février 1939, lors de la cérémonie des Oscars, Disney reçut des mains de Shirley Temple une statuette accompagnée de sept autres. L'inscription disait : "A Walt Disney, pour Blanche-Neige et les Sept Nains qui a charmé des millions de spectateurs, marqué par une étape capitale dans le domaine du cinéma et ouvert une nouvelle voie au déssin animé." Que dire de plus ?
Mouais... C'est souvent le même problème avec ces documentaires animaliers : les images sont belles, les « personnages » sympathiques et quelques remarques générales pas inintéressantes... Reste que je ne me suis vraiment pas captivé pour ce spectacle grandeur nature aseptisé au possible, où l'on a manifestement plus pensé aux enfants qu'aux parents. Certains me diront que c'est normal, je leur répondrai que ça ne l'est pas du tout ! Car si on doit se faire chier pendant une heure et demie juste pour que notre môme passe un bon moment, c'est qu'il y a un problème. Alors effectivement on a droit à un générique de fin sympatoche et plusieurs scènes font leur petit effet, mais nous sommes tellement dans le premier degré que cela en est vite lassant. De plus, l'oeuvre manque souvent de souffle, de passion... C'est drôle : on pense au « Roi Lion » version « live », mais sans la moindre magie ni émotion. Et que dire de la voix-off aussi inutile que pénible de Pascal Elbé en français... Pas un désastre donc, mais un résultat décevant pour une entreprise qui avait les moyens de beaucoup mieux faire.
Ooooh cest chiant ça fait sourire de temps a autre mais pas hilare en sommes on s'ennuie énormément juste le casting assez sympa et cest bien tout. ...
Ce film est pour moi une des meilleures comédies américaines qu'il existe. Les acteurs sont parfaits, Jim Carrey y fait une performance épatante et les scènes sont barrées et géniales (le combat moyen-âgeux!), la fin est originale. Ben Stiller à la réalisation est génial.
Mal joué, mal écrit, mal filmé. Une caricature dégoulinante au service du masochisme historique. Et la pauvre Chazal n’y est pour rien.
Je fondais encore un espoir (naïveté de ma part ?) que ce film puisse être une bonne comédie. Je voulais y croire au regard du casting : Will Ferrell et John C. Reilly avaient fait des miracles dans "Frangins malgré eux" (Stepbrothers). Leur duo fonctionnait à merveille et, si on accrochait à cet humour, on était écroulé de rire. Malheureusement, ce ne fut pas le cas. Si le Razzie Award 2019 du Pire Film me semble exagéré (d'autres films le méritaient plus), il est vrai que "Holmes & Watson" n'est pas bon. Il n'est pas bon parce qu'il massacre complètement l'oeuvre de Conan Doyle. Le Dr Watson y devient un personnage un peu bête, complètement fasciné par Holmes et qui fait office de carpette. Sherlock Holmes, lui, voit sa vanité poussée à l'extrême et il revêt une bêtise sans nom. Heureusement qu'il y a le titre pour rappeler que c'est une adaptation humoristique des romans de Conan Doyle sinon on aurait eu du mal à reconnaître les personnages. Il n'est pas bon également parce que l'humour ne vole pas très haut. Il tourne d'ailleurs toujours autour des mêmes gimmicks qui reviennent inlassablement dans les derniers films de Will Ferrell. L'humoriste génial aurait-il perdu son inspiration ? Certes, j'ai ri quelque fois de bon coeur mais ça laisse un goût amer de rire à des vannes que l'on a déjà vu dans les derniers films de ces acteurs. Vous avez du talent, reprenez-vous bon sang !
Tres sympa, bon moment, un mec qui sait parler aux femmes... loin des teen movies neuneu, celui ci est interessant je trouve tout come le mec du film. ben ouai...!
Woody Allen a le blues. On reconnaît bien tous les ingrédients de son cinéma (ruptures et réconciliations, destins entremêlés, dialogues irrésistibles, bande originale vintage, etc.), mais le goût n'est pas le même. Il y a d'abord la façon dont le flot de paroles habituel est ici remplacé par une parole post-traumatique, sans destinataire et qui tourne en boucle. Jasmine parle toute seule et toujours pour dire la même chose. Il y a aussi le léger glissement du jazz habituel vers les voix blues de Louis Armstrong et Lizzie Miles. Enfin, il y a l'éclipse des personnages secondaires, toujours essentiels dans le reste de la filmographie d'Allen, par le personnage de Jasmine et sa présence dévorante. Partout une gravité et une noirceur absolues sont sur le point de renverser complètement la logique de la réinvention de soi qui structurait les meilleurs films du réalisateur. Ici, pas de rémission. Blue Jasmine, sous ses airs sages, est un film sans concession, à l'image de son interprète principale. On ne sait pas si c'est Woody Allen qui a offert à Cate Blanchett l'un de ses plus grands rôles, ou si c'est Cate Blanchett qui a réussi à hisser Blue Jasmine bien au-dessus du film mineur qu'il aurait pu se contenter d'être. Peu importe, le résultat est à la fois jouissif et glaçant, et donne le sentiment d'avoir trouvé dans ce crû 2013 quelque chose de plus ambitieux que dans les précédents. Critique détaillée: https://www.espace-critique.fr/critique-blue-jasmine/
Notre pain quotidien va faire date dans l'histoire du documentaire au cinema : on n'avait jamais vu une telle recherche esthétique pour un des genres les plus sous-évalués. Car loin de toute dénonciation de "malbouffe" primaire, le réalisateur autrichien Nikolaus Geyrhalter pose sa camera dans un monde dont nous saurons peu de choses tout au long du film. Ce documentaire est un vrai film d'ambiance, sans parole, où les actes des êtres humains, eux-mêmes traités comme des animaux par une camera curieuse de tout mais jamais ostentatoire, ont une portée profondément symbolique, celui de la faiblesse de notre condition. Des thèmes comme celui du voyeurisme ou de la barbarie sont très présents et soulignés par une mise en scène époustouflante, digne des meilleurs films de science-fiction, avec notamment un travail sur la photographie faisant ressortir la profondeur insoupconnée d'un monde qui est pourtant le nôtre. Jamais un documentariste n'était allé aussi loin et celà est salutaire, car ce film regorge de références cinématographiques, de 1984 à la Ferme des animaux, en passant par 2001 ou La mort aux trousses. Au lieu de passer le week-end dans votre maison de campagne, courez voir Notre Pain Quotidien !
mon dieu que dire sur ce film pauvre et long tres long , sans vie, quelle decpetion a la sortie de la salle on a meme failli partir en cour de route tellement c est plat, j ai rarement vu un tel film ou je me m ennui. j avais ecouter isabelle mautro sur france 2 qui avait bien aimer elle,elle devrait avoir un champs plus large envers le public . elle le classait numero 1 de ses preferences.nous n aurions jamais du l ecouter! charles berling y est sans saveur sans vie quand aux autres c est du foutages de gueule .moi qui aimait binoche dans paris , la mon dieu quel calvair. n y aller surtout pas . un ennui terrible va vous gagner.