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Un film noir qui se distingue essentiellement par ses spécificités formelles, à savoir une construction narrative originale, une musique (trop) prononcée et une forte utilisation de la voix-off. Cette dernière est atypique, puisque c'est la conscience du héros qui s'exprime, mais devient vite lassante à cause d'un contenu faible et surtout répétitif. De façon plus large, le film n'a pas grand chose à raconter. Il peine à transcender son intrigue minimaliste par des images évocatrices. Les vingt premières minutes sont d'ailleurs symptomatiques de ce problème. La suite, elle, est plus captivante sans jamais totalement convaincre. Pour preuve, le destin du héros finit par laisser indifférent. En bref, quelques belles idées perdues dans un ensemble qui manque d'incarnation et de souffle.
Le cinéma social anglais reste une référence. Avec tact et pudeur, Leigh aborde le thème de l'avortement d'après guerre avec beaucoup d'humanisme. L'actrice principale sort tout droit de la réalité, on pourrait la croiser dans la rue. Pour ceux qui aiment le cinéma réaliste.
Un film qui capte bien l'air du temps, assez plan-plan dans sa mise en scène mais c'est moins "faux-cul" que "Harry et Sally". Des personnages plus sensibles qu'ils ne veulent laisser paraitre avec une famke jansen bien mordante et un john favreau à la douce ironie, des dialogues soignées (la théorie du sandwiche jambon-fromage", un film rafraichissant.
Ciel d'Octobre est un OVNI dans la (courte) filmographie de Joe Johnston puisque c'est son seul film qui ne s'inscrit pas dans le fantastique, la science-fiction ou l'aventure. Bien qu'il y est quelques courts moments mollassons, le film est captivant grâce à l'humour, les astuces scénaristiques et l'aspect dramatique poussé avec des personnages travaillés. Cette histoire vraie n'est donc jamais ennuyeuse et est touchante et sincère. J'ai bien aimé la dernière image et les hommages à la fin. Du très bon Joe et peut-être son plus "beau" film !
Quel idée il a eu, Spillane d'aller jouer le rôle principal dans l'adaptation de son bouquin ? Passe encore quand il fait le gros dur, mais quand il joue les séducteurs, ça ne va plus du tout. Sinon que celui qui a compris quelque chose à ce salmigondis nous le dise, les films noirs sont souvent compliqués mais là le scénario n'est tout simplement pas maîtrisé et les liaisons entre les scènes sont loin d'être évidentes. La photographie n'est pas trop mal, la musique non plus. A regarder comme un film d'ambiance ou aussi pour Shirley Eaton en maillot de bain. Une curiosité qui n'a rien d'indispensable.
Adaptation élégante et raffinée d'une nouvelle de Flaubert, "Un coeur simple" est un véritable joyau cinématographique: il décrit les relations complexes entre une bonne à tout faire, naïve et engoncée dans sa modeste condition (Sandrine Bonnaire, immense comédienne) et sa maîtresse, toutes deux frustrées de sentiments et de tendresse. Il faut d'abord reconnaître à la réalisatrice son excellent travail d'adaptation, de mise en scène, ainsi que la qualité de la photographie et le regard sensible qu'elle porte sur la nature. Quant aux comédiens, depuis les seconds rôles (Frédéric et Liébard en particulier) jusqu'aux deux personnages féminins, on est épaté par leurs justes prestations. Ce "Coeur Simple" est à prendre.
Ce film est un cousin d'American Pie, mais en road movie, et ça fonctionne. On prend plaisir à suivre les péripéties de ces 4 étudiants. On aurait tellement aimé vivre toutes ces aventures quand on avait 18 ans, aller à l'école dans des campus. Ca fait rêver hein, c'est la toile de fond de films comme scream, cursus fatal, american pie ou encore college rock stars... Tiens, j'ai mis 3 ou 3.5 à tous ces films, ça n'y est sans doute pas étranger
Heureusement que l'action se passe au 13e siècle, parce que les décors, les costumes et les armes ne semblent pas du tout issus de cette période de l'histoire (moyen-âge). Le scénario et les dialogues sont insipides, robin est banal, marianne est hideuse, petit jean black (?), les scènes du bal sont complètement hors sujet... J'ai essayé de trouver une qualité à Robin Hood mais je n'en vois pas. Il aurait fallu se ré-approprier le thème comme l'a fait Buz Luhrmann avec Roméo et Juliette ou soit il aurait fallu rester totalement fidèle, ce qui a déjà été fait mainte fois... A éviter !
Cette parodie du célébre agent 007 est jubilatoire. Un casting de rêve (Peter Sellers, David Niven, Orson Wells, Ursulla Andrees, Jean Paul Belmondo, Woody Allen...) mis au service d'une comédie loufouque qui m'a fait mourir de rire.
Une grosse Merde !!! Le film aguiche avec Morgan Freeman en couverture, mais il ne joue que pendant 2 minutes....Sinon le film ne vaut absolument rien. Comment peut-on produire un truc pareil?C'est honteux.A ne SURTOUT pas voir.
Ce film au montage original dénonce les clichés qui sont monnaie courante qur le mannequinat, que ce soit ceux qui font de ce monde un ensemble de paillettes et de strass ou ceux qui en font un monde de drogue et de prostitution. Ce film, tournée sur la longueur, est un vrai ovni cinématographique. Si il y a qulques faiblesses, on les pardonne vite face à l'innovation et l'energie touchante mise au service de ce film. Diane Kruger est épatante. Loin d'être une chef d'oeuvre mais très interessant.
Belle claque pour ce drame âpre, violent (physiquement et psychologiquement) et émouvant. Le couple Peter Mullan et Olivia Colman est formidable (deux superbes performances d'acteurs). La réalisation en plus est tendue et la photographie grise accentue la mélancolie, en plus les musiques collent bien au sujet.
Un classique qui aura marqué les esprits lors de sa sortie. Un film éminemment politique, Une invasion trés particulière qui dépasse trés largement les codes habituels d'une invasion extérieure visible et explicite. Invasion Los Angeles ouvre la voie à une nouvelle approche, plus "complotiste" où l'envahisseur est intérieur. Allégorie de la dominance discrète est dissimulée d'une "classe" sur une autre. Occupation informelle où ceux qui voient clair devrons faire le tri entre les occupants, leurs complices, le refus de ne rien vouloir voir ni savoir des uns et le choix de résister des autres. La découverte d'une réalité parallèle cachée sera plus tard exploité par la série Matrix, Un film bien fait, qui sait garder l’intérêt du spectateur, un film au charme vintage dont les effets spéciaux ont un peu vieillis, mais cela d'entame en rien la qualité du film. Le propos reste puissant. L'action est bien menée. Du bon Carpenter à voir ou à revoir.
Après un gros passage à vide, Francis Veber ré-exploite son personnage fétiche François Pignon pour une nouvelle mésaventure. Sa trilogie avec Gérard Depardieu et Pierre Richard bouclée, Veber s'est exilé aux États-Unis pour pondre deux films méconnus (dont son propre remake des Fugitifs) avant de revenir en France en 1996 pour le buddy movie d'aventures tropicales Le jaguar, au succès relatif, la présence de Jean Reno étant bien évidemment contrebalancer par celle de Patrick Bruel. Désireux de renouer avec la comédie française, il adapte sa propre pièce, remplace Claude Brasseur par le truculent Thierry Lhermitte (Jacques Villeret garde son rôle de con) et retrouve son succès d'antan. Huit millions d'entrées, des critiques élogieuses, une réussite incontestable et une montée fulgurante du film parmi les meilleures comédies tricolores. Il faut dire que cette nouvelle péripétie s'avère hilarante du début à la fin, peuplée de gags tordants, de quiproquos sans fins et de dialogues désormais cultes. Retraçant avec autant de fidélité que de légère innovations, Le dîner de cons ne trouve aucun temps mort et nous livre un excellent moment rempli de rires et d'amusement. Un film entré depuis au panthéon des comédies françaises.
voici un téléfilm comme il en existe des dizaines chaque années. Là c'est en fait la Lune qui menace notre bonne vieille Terre après qu'elle ait eu une collision avec un asteroide. Les effets spéciaux sont assez réussi je trouve, et les acteurs assez bon. Mais c'est vrai que le scénario est franchement pas terrible, les Américains sauve le monde encore et toujours et ca devient énervant à la longue. Mais bon le téléfilm se suit sans ennui et c'est dejà pas si mal. A noter la présence de Stephen Baldwin et aussi et c'est plus rare de Dirt Benedict en méchant de service.
Ce film d'action est excellent est sa grâce à Dolph Lundgren qui joue les réalisateurs. Un film d'action avec un scénario assez simple, mais avec de tres bonnes scènes d'actions et des acteurs qui casse la baraque permetté moi l'expréssion. Ce film est tres bon et je le recommande pour tous les fans de film d'action.
une mission à haut risque dans un cadre hostile où le danger est présent à chaque instant. une guerre vue avec le regard de N. Hoult (nombreux plans caméra serrés sur lui) mais on a du mal à ressentir ses émotions et pensées. en plus d'une fin inachevée, l'ensemble laisse presque de glace, manque un peu de consistance.
Ce film est bouleversant !!! L'actrice principale est éblouissante !! L'histoire de cette vieille femme qui s'éprend de l'amant de sa fille est tout simplement captivante. C'est subtil, tendre, osé et cruel !! Un petit chef d'oeuvre !!
Ce film est vraiment très bien ! Je vous conseille d'aller le voir. En plus, les rôles sont très bien joués. (surtout Betty ! ♥ R.C.L.
Comédie dramatique débutant par un ton plutot moderne -ou pseudo et finissant honteusement façon Gendarme à St Trop' mais avec des très verts paysages de la campagne anglaise et une narration façon Dynastie le feuilleton. Décevant; déja vu malgré le casting fashion.
Fernandel avait beau être l’une des plus grandes stars de son époque, si ce n’est la plus grande, mais il n’empêche que lui aussi possède quelques navets à son tableau de chasse. A l’image de ce « Confident de ces dames », très mauvaise comédie dans laquelle il joue rôle d’un vétérinaire qui va devenir malgré lui la coqueluche du grand public. Franchement, il m’est arrivé souvent de m’ennuyer devant un film comique. Mais à ce point là, c’est l’une des rares fois. En effet, tout est raté de la première à la dernière minute. On nage dans les eaux du divertissement franchouillard bas de gamme. Le scénario (bien que très classique) aurait pu donner naissance à un truc plutôt sympathique. Mais il n’en n’est rien. De tous les films avec Fernandel que j’ai pu voir, c’est-à-dire à peu près une vingtaine, ce « Confident de ces dames » est sans aucun doute le plus mauvais. En ce qui concerne Fernandel lui-même, on ne peut même pas le considérer comme le seul atout de ce film. En effet, notre vieux pote marseillais n’est pas au meilleur de sa forme et son habituel numéro ne fonctionne pas cette fois ci. Il tient le film sur ses épaules mais à aucun moment n’est en mesure de le sauver de la déroute totale. J’ai beau avoir beaucoup d’affection pour Fernandel, là, je ne peux pas me résoudre à ne pas flanquer la note minimale. Nul.
Après ce troisième film que je découvre de l’ami Villeneuve, je commence à comprendre davantage comment il fonctionne et ce qui me dérange là-dedans… Parce que oui, « Enemy » n’a clairement pas été ma tasse de thé, et pourtant il avait beaucoup d’éléments pour me séduire. Bâti comme une sorte de piège de l’esprit à la façon d’un film de Richard Kelly, cet « Enemy » parvient très rapidement à se faire captivant dans sa capacité à vouloir entretenir un mystère flou autour de la réalité de la nature de l’intrigue. Formellement d’ailleurs, ce film est remarquable : il est très soigné ; il fourmille d’idées et parvient à avoir un rythme cohérent. Bref, autant de compliments pour seulement deux étoiles au final ? Bah oui, parce que malgré ses qualités indéniables, « Enemy » m’a profondément ennuyé. Même s’il garde sous le coude quelques intrigues visuelles, tout est dit sur le premier quart d’heure. Le film n’est qu’une sempiternelle loop de lui-même, évitant artificiellement tous les embranchements logiques afin que son intrigue ne s’évente pas dès le premier quart. Ce que je trouve très triste en fin de compte, c’est que cette belle mécanique tourne dans le vide, car en fin de compte rien n’est dit dans cet « Enemy ». C’est du formalisme pur, avec un propos finalement réduit à quelque-chose d’ultra-basique. A prendre du recul sur lui, je ne peux m’empêcher de le comparer à « Lost Highway » dans sa démarche, à la différence que Villeneuve ne prend que la base de la démarche lynchéenne et ne parvient pas à creuser son univers expérimental. Et, pour moi, en ce sens, il est là le syndrome Villeneuve. C’est un bon formaliste, qui maitrise ses codes, mais qui malheureusement n’a strictement rien à dire et à livrer. Malgré tout, je le reconnais, avec ce film je commence à respecter le bonhomme pour ce qu’il fait, même si, il y a de fortes chances pour ce qu’il fait ne me satisfasse jamais… That’s life…
Que ce soit par le biais de la fiction ou du documentaire, Schroeder est un cinéaste vraiment subversif, qui dérange, qui problématise. Le cas Koko, le gorille éduqué comme un humain californien de la fin des années 70, transgresse les évidences des limites entre l’espèce humaine et l’animalité, ouvre des interrogations vertigineuses et incidemment génère de la dérision grinçante. C’est unique en son genre et passionnant.
Curieux contraste donc, puisque cette Damnation dont l'Homme doit supporter le poids devient naturellement une façon de s'évader et de découvrir l'autre. Cette malédiction, c'est cette ville noire et grinçante comme jamais. Le premier plan est inoubliable, le film réside en une succession de séquences toutes aussi magnifiques et diverses, plongeant le spectateur dans une Hongrie sombre et illuminée de poésie. A l'image de cette histoire d'amour impossible, mise en sourdine, de ces transactions étranges, encore en sourdine, et enfin de ce personnage de femme, blonde, assez âgée, parcourant les villages en récitant des poèmes, accompagnée de son parapluie noire et des chiens errants. La mort en somme et cette solitude. Celle du héros plus tard, qui dans une ultime danse avec un chien finit par se perdre dans la grande plaine pluvieuse des alentours. Si ce n'est pas un film aussi positif que ces Harmonies, Bela Tarr crée ici un conte profondément lointain, onirique, habité d'images et de musique, de portraits charmants de personnages, d'un monde souterrain et bavard. Tout est en flottement, en glissement, une certaine maîtrise du travelling que Bela ne cessera de réutiliser. Ici, elle a la puissance et la candeur des premières œuvres maîtresses. Sans doute son film le plus sensuel également, le plus univoque, puisque c'est par la danse que tout glisse, vers la danse, dans une flaque ou une grande soirée festive. Bela Tarr confirme qu'il est l'un des plus rêveurs et des plus réalistes cinéastes : cette dernière scène de danse collective (tout en glisse encore une fois) est l'une des plus belles jamais filmée. On n'oubliera également cette fin d’apparence mineure, mais qui vous laisse profondément meurtris de cette disparition, la musique voulant encore régner en souveraine pour quelques instants, c'est elle qui clôturera ce monument discret.
Can't take my eyes off you ! On dit que le cinéma possède et permet d'offrir à l'Homme une mémoire du monde, une mémoire de son Histoire. Clint Eastwood le prouve aux spectateurs en nous livrant un véritable chef d'œuvre cinématographique, un hymne au septième art et à ses pouvoirs ! Pour en savoir plus, lisez notre critique complète NoPopCorn !
un documentaire qui rend Bourdieu sympathique et accessible
L'un de mes films préféré du duo spencer - hill : vraiment trop bon, je l'ai vu et revu en VHS à l'époque je vous dis pas. Né en 77 j'ai baigné en plein dedans, qu'est-ce qu'ils me manquent ces deux la, c'était bon enfant, tu regardes ça tu es de bon humeur, dommage qu'on ne les voit plus ! En tout cas, heureusement ils nous ont laissé plein de film ^^
Voilà une réalisatrice, Tonie Marshall, qui après un début de carrière sympathique (Pas très catholique, Enfants de salaud) et une consécration (Vénus Beauté) public et critique n'y arrive plus. Déjà France Boutique laissait à désirer mais était sauvé par un casting très en forme. Au plus près du paradis venait se faire naufrager les stars Deneuve et Hurt. Malheureusement la série continue. Son nouveau film Passe-passe l'enfonce un peu plus dans l'impasse. Très alléchant sur le papier, l'entreprise tourne court et c'est la déception à l'arrivée. Le scénario ne décolle jamais. Le mélange des genres et des thèmes plutôt que de nous emmener vers une comédie pétillante, drôle et enlevée comme elle aurait pu et du l'être, nous fait mourir d'ennui très vite. Ce n'est pas drôle, et c'est tout de même ce que l'on demande à une comédie ! Ca lorgne beaucoup du côté de Hors de prix ou de Quatre étoiles, qui, s'ils n'étaient pas mes favoris, étaient tout de même plus réussis tant sur le fond que sur la forme. La mise en scène est plate et sans saveur et n'arrive pas à nous intéresser à cette rencontre improbable et aux aventures de ses deux héros. Les acteurs font ce qu'ils peuvent mais pas assez, ils eux aussi l'air de s'ennuyer. Le couple Baye/Baer ne fonctionne pas vraiment, il ne fait pas spécialement rêver. Même les seconds rôles, souvent les meilleurs dans ce genre de film, ne sont pas à la hauteur. On a connu Guy Marchand, Maurice Benichou, Michel Vuillermoz ou Bulle Ogier (elle a quasiment le même rôle que dans Faut que ça danse !) biens plus performants par ailleurs. Seuls consolations : le charme de Mélanie Bernier et la grande gueule de Joey Starr. C'est peu ! Encore raté donc pour Tonie Marshall. On attend d'un metteur en scène de son envergure autre chose qu'une longue mise en image des produits de ses partenaires commerciaux. Finalement la voiture, l'hôtel et les accessoires de luxe sont les seuls stars et les vraiments gagnants de cette comédie. Dommage !
En s'offrant les services de Christian Bale, Zhang Yimou réalise, malgré un patriotisme exacerbé, l'un de ses films les plus adaptés pour le marché international. Maîtrisant tous les aspects d'un film ambitieux aux enjeux très forts, que ce soit le spectacle percutant des affrontements ou le huis-clos intimiste, il s'agit certainement de sa plus belle mise en scène.
Vous voulez construire une cabane sympa dans un arbre, ce film est pour vous. Pour le reste aucun intêret. Sa sent la commande de studio. Navrant
..... Ce film a l'avantage de poser questions que certains ne sauront jamais se poser. L'humain est-il suicidaire ? absolument parce qu'inconscient et égocentrique !!
Condensé raté d'une bonne série de 26 épisodes. Visuellement plus créatif et intéressant (les armures), le film baigne dans une confusion constante.
Une histoire d'amour et de meurtre sans amour ni meurtre. A l'image de la philosophie qu'il décrit, ce film est un long périple où chacune des actions des deux losers faisant office de protagonistes se révèlent inutile, et conduit à un retour à la case départ. Les deux interprètes Larry Fessenden et Lisa Bowman sont à la hauteur des deux personnages magnifiquement bien écrits par Kelly Reichardt, et les choix de réalisation de cette dernière s'accordent parfaitement avec l’ambiance du film (longs plans fixes, et motifs récurrents nous faisant ainsi comprendre que la vie est une boucle dont personne ne peut s'extraire).
très mauvais car sans rythme, le film met 100 ans à trouver son rythme qui est d'ailleurs assez lent, et l'histoire n'est pas intéressante. du déjà vu mais mal vu.
Lorsque l'américanisation de notre culture s'étend au domaine cinématographique, ça donne un excellent résultat au box-office et de véritables louanges critiques pour un film qui n'a finalement de français que son personnage principal. Pour bien appuyer les choses, constatons que l'emprise de la bannière étoilée s'est ici faite sentir à travers un biopic, l'un des genres fétiches de nos voisins outre-Atlantique. Mais attention, il ne s'agit pas de n'importe quel type de biographie : une comme on en produit qu'en Californie et où le protagoniste concerné est élevé au rang de mythe indiscutable, que dis-je de demi-dieu ceci dans un conformisme incroyablement grossier, qui n'incite bien évidemment pas à la réflexion, seulement à une bête approbation de la part des masses. Piaf est pour Dahan indétrônable : seulement, si certains ont habilement su jouer avec ces échelles qui dépassent le cadre humain (je pense aux "Doors" d'Oliver Stone) mettant leur fascination et leur admiration au service de leur style, le metteur en scène ici présent n'a songé qu'à alourdir chaque seconde d'un long-métrage bien pesant. Très rébarbatif et faussement "virtuose", "La Môme" s'enfonce très vite dans un amas de conventions aussi bien dans le fond que sur la forme. Pour palier le vide abyssal de son film, le cinéaste a alors recours aux flashs-backs qui nous rythment (faiblement) ce film très décevant. Point d'approche originale, juste une bête copie de ce qu'Hollywood produit régulièrement. Alors, on s'intéresse à la prestation de Marion Cotillard et l'on se dit mon dieu qu'elle possède un regard surnaturel. Manque de bol, à force de se tortiller et de hurler dans les sens, son jeu se voit très vite outré, malheureusement pas relevé par des costumes qui l'avaient pourtant rendue méconnaissable. C'est qu'ils aiment bien ces mutations physiques les ricains : alors ils applaudissent aveuglément une "oeuvre" convenue à l'extrême, sans imagination, sans rien de concret. Sauf les yeux de M.C.
Une très belle adapation, qui nous plonge dans l'angoisse de cet enfermement où le moindre bruit de pas risque de coûter la vie. Les clairs-obscures semblent être à l'image de la vie qui tente de se poursuivre. Les acteurs sont habités par leurs rôles. La grande réussite du film est de nous écoeurer face à l'absurdité du dénouement.
Pasolini est décidément un réalisateur intrigant et controversé. Je n'ai pourtant que son "Salò", mais je dois dire que le réalisateur exalte une sorte de mysticisme autour de sa personne et de son travail. "La Rage" ne déroge pas à la règle. C'est un subtil mélange entre un film, un documentaire, une utopie et, surtout, une fronde contre la société d'après-guerre. J'avoue avoir été profondément marqué par la réalisation de Pasolini. Pourtant, la totalité du film n'est qu'une somme d'images d'archives, mais je ne sais pas vraiment comment expliquer cet étrange sentiment qui m'a habité durant sa projection. J'ai été frappé par le texte lu par le narrateur, véritable réquisitoire contre un monde qui part en vrille et dont les buts recherchés semblent avoir radicalement changé. La colonisation puis la décolonisation, le rapport avec l'autre, l'émergence de l'idéal communiste sont parmi les thèmes abordés et ce, sans concession par Pasolini. Il m'est difficile de trouver des mots pour exprimer "La Rage". Je n'ai pas adoré au sens propre du terme mais j'en suis sorti plus chamboulé qu'autre chose. C'est l'un de ces rares films où l'on se sent différent avant et après l'avoir vu. Je ne crierai pas au chef d'œuvre, mais je le conseille absolument.
Mèconnu en Europe, Woody Guthrie est un hèros populaire aux Etats-Unis! Ses chansons reflètant la rèalitè sociale sont devenues des classiques, et il a influencè des artistes comme Bob Dylan ou Joan Baez! S'inspirant de son autobiographie, Hal Ashby retrace ses jeunes annèes! Chômeur touchè par la grande crise des annèes 30, Woody quitte sa petite ville de Pampas, au Texas, pour la Caliornie! On le suit sur les trains et les routes, s'arrêtant par-ci par-là pour remonter le moral de la population, au plus bas en ces temps de dèpression! Mais la « terre promise » est ingrate aux dèmunis! il va tèmoigner de ce qui l'entoure, avec sa guitare! Prodigieux chanteur, David Carradine campe ici un Woody Guthrie criant de vèritè et trouve en lui le plus beau rôle de sa carrière! Comme son frère Keith, il fut chanteur et guitariste folk! La vie errante du pape du folk-song amèricain, à l'èpoque de "The Grapes of Wrath", donne lieu à un autre grand film de Ashby, une ètude violemment rèaliste d'une musique populaire qui se nourrit de la vie! Magnifique balade...
Parfaitement nul, scénario, mise en scène. Prétendument drôle mais à côté Bézu est un grand comique.