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Glass est une méditation sur l’écran et, à travers lui, sur l’image que nous renvoie la société de cet idéal qu’est l’équilibre. Et Shyamalan rappelle toute l’ambivalence de cette notion d’équilibre sociétal, brimant les êtres de sorte à canaliser leur puissance intérieure pour assurer sa survie ; ainsi l’individu perd-il son équilibre intérieur au nom d’une norme communautaire fondée sur le contrôle et, en miroir, terrifiée à l’idée de le perdre. La force dissidente, la lutte pour l’émancipation porteuse de lumière se terrent entre les pages coloriées des comics, ce berceau contemporain de la mythologie humaine, d’une mythologie interdite et décrédibilisée autant que vivifiée au fil du temps. Glass raccorde le super-héros à ses fondements premiers pour mieux court-circuiter la frénésie actuelle autour de personnages artificiels et y opposer la profondeur ; comme le dit Samuel L. Jackson, c’est un récit des origines que nous suivons où les héros, revenus chez eux, sont pourtant au bout d’eux-mêmes, confrontés au vertige qui déclencha leurs pouvoirs. Car tout pouvoir naît d’un rapport violent au monde, et son expression retranscrit l’appropriation de ce monde, qu’il soit bon ou mauvais. Les héros sont des maudits, des damnés parce qu’ils ne perçoivent plus la réalité par le biais d’une lentille optique conventionnelle mais, au contraire, parce qu’ils osent la regarder à partir de leur essence. Le verre se brise, la distance entre acteur et spectateur s’annihile pour laisser entrer la lumière et ramener la foi en ce siècle désespéré. Le héros voit en lui, le spectateur aussi. Glass est un acte de foi en l’homme et en sa puissance créatrice, un appel à la libération du potentiel magique dont nous sommes chargés sans en être conscients. Retrouver l’enfant enfoui, le Kevin.
Coïncidence de date de sortie : La maison au toit rouge de Yôji Yamada aurait aussi pu s'appeler Journal d'une femme de chambre. C'est au travers de ses souvenirs que le cinéaste nous conte en flashback la vie d'une bonne dans le Tokyo des années 30 à 40. L'octogénaire Yôji Yamada a déjà une très longue filmographie derrière lui bizarrement ignorée en occident. La maison au toit rouge qui finit par se révéler pour ce qu'il est : un mélodrame semblera bien désuet à beaucoup de spectateurs tant son style, élégant et suranné; n'a pas la prétention d'être moderne. On y retrouve comme des échos des films de Sirk ou Naruse, une histoire simple qui cache pourtant un secret. Le cinéaste prend son temps pour capter l'air du temps tokyoïte du conflit sino-japonais jusqu'à la fin de la deuxième guerre mondiale. Anti-militariste, très ancré socialement, le film est aussi profondément féministe avec trois superbes portraits de dames emmurées par la tradition et le respect de la norme. C'est d'une beauté cristalline et poignante comme se doit de l'être un bon mélo.
Bien sûr on peut être tenté de voir en ce film ni plus ni moins qu'une fable destinée à dénoncer le rejet des différences, mais je pense que ce très joli film est bien plus que cela. Sa réalisation d'abord, intelligente et subtile, visuellement magnifique, des personnages uniques et complexes. C'est la quête d'une jeune fille "différente" qui doit d'abord surmonter les comportements de rejet des autres, qu'elle "gère" avec intelligence et patience. Jusqu'à ce que celles et ceux qu'elles aiment la guident vers elle-même, afin de se réaliser, d'atteindre son rêve. Elle ne passe pas à côté de sa vie, elle vit pleinement sa vie, en montrant que dès l'instant où l'on garde cette foi en soi tout devient possible. Un film qui ne tombe jamais dans le moralisme, ni dans la fable indigeste, un film qui reste élégant, raffiné dans l'analyse, et toujours émouvant.
J'ai pris beaucoup de plaisir à voir "Julie est amoureuse". C'est un film léger, avec un arrière plan plus grave, qui traite des relations entre l'amour et le travail. J'ai aimé l'intelligence et l'humour de la comédie, mais ce qui m'a le plus impressionné, c'est le sentiment d'être plongé pendant plus de deux heures au coeur d'un monde fonctionnant avec ses règles propres, c'est à dire un monde à la fois complètement familier et complètement nouveau.
Ce film restera toujours un OVNI parmi les westerns puisqu'ils chassent ici des dinosaures et des animaux du tertiaire comme l'Eohippus. Curieux choix que de les avoir colorés en violet, je pense qu'il s'agît d'un choix raisonné mais dont je ne connais pas la réflexion. Gwangi, le théropode est animé d'une main de maître en présence de Ray Harryhausen. On retrouve une fois de plus ici l'inspiration de King Kong et de Mighty Joe bien entendu, la créature qu'on retire de sa nature pour l'exhiber à des fins monétaires et une fin à la Frankenstein, dans les flammes de la rédemption au sein même d'un église, tout un symbole! Le combat contre l'éléphant est très original et jamais vu ailleurs. Un film à découvrir pour ceux qui ne le connaisse pas.
Quelle déception ! Je ne devais pas être d humeur ce soir là à regarder des jeunes courir dans les sous bois . Filmé en mode amateur sans stabilisateur d images (plan de pieds, de sols, parfois quelques visages !, images de nuit : on ne voit rien), l équipe technique a mis les gros moyens pour nous faire peur ! Rire
Une histoire qui se veut originale avec des grandes phrases philosophiques mais assez banale au total. Habituellement amatrice de ce genre de comédies légères, là c'est une déception. Dommage vu le casting...
Un film très très moyen assez loin de la série et surtout dédié aux plus jeunes. Sinon ce n'est lus moyen mais nul. Ne respecte même pas la série. Préférer série.
Un drame qui bouscule l'orthodoxie religieuse à souhait dans des situations nécessaires ou acceptées. Une bonne claque pour un pays très "puritain" et croyant. Seule la fin s'achève trop brutalement à mon goût et les tourments finaux, sans être évoqués nous laissent une légère frustration. Je ne connais pas la fin du roman. Une interprétation parfaite avec une magnifique Ana Claudia . Dommage que la photographie est un peu trop studio. 4/5 à découvrir car assez dérangeant sur la religion (comme pour "Black Death) !!!
Trop outrancier et plus agaçant que choquant mais surtout vite lassant. Asia Argento interpréte une réelle salope dans tous les sens du terme.
Enième petite série b pour Mark Dascascos, sous la peau d'un guerrier de l'espace pas du tout crédible. Rien de renversant, scénario plat ainsi que des dialogue pour les 12 ans au grand max. Pour les combats corps à corps pas de quoi mettre KO un Karatéka amateur. La méchante du film à un bon style, un physique correct et un Billy Zane qui sert à rien.
Projet ambitieux, porté par une troupe de comédiens amateurs qui dans un balai orchestré, incarnent des personnages touchants. Nous découvrons Paris en suivant les pas hésitants de Michael, jeune malentendant, qui tente de comprendre un monde qui lui fait violence. C'est un film frais, sans fioriture inutile. Du cinéma, cela fait du bien. Agrément supplémentaire, en avant programme, la projection d'un court métrage très chouette ! Merci à tous
Contrairement à la plus grande partie des films de zombies, celui-là, nous offrent trois surprises fabuleuses. L'épidémie est expliquée. Les survivants ne sont pas des limaces arthritiques qui se laissent bouffer sans réagir. Les plus affreux ne sont pas nécessairement les zombies. Malgré un budget réduit, le film n'est pas bas de gamme et tient plutôt bien la route. de plus, le gore, l'horreur, l'émotion et l'humour y prennent leur place intelligemment. Les massacres sont soigneusement orchestrés et le rythme effréné de l'histoire nous arrache à la torpeur de l'insipide "Walking Dead". Vraiment bon !!!
une histoire vraie trés émouvante qui nous raméne à la réalité de la vie.
Beau film alternant des scènes sans dialogues et avec. Belle performance. Bien filmé. Jolie histoire societale. Très jolie musique et silences.
Frédéric (interprété par le toujours très bon Pascal Greggory) a une quarantaine d'années et vit seul au Maroc, dans une propriété absolument magnifique. De quoi vit-il, nous ne le saurons jamais ? On peut l'imaginer écrivain ou rentier, peu importe. Il fait venir quelques ouvrières marocaines afin d'entretenir son jardin et va tomber immédiatement, presque trop vite, amoureux de l'une d'elles, prénommée Raja. Cette jeune fille orpheline ayant beaucoup souffert, vivant avec un homme qui l'utilise, est d'une timidité qui frôle la sauvagerie. Elle va d'abord refuser les assauts de Frédéric, mais celui-ci n'abandonnera pas. Insistant, persuasif, il va finir par la convaincre mais c'est lui qui changera d'avis, etc... Car ce qui importe finalement ici, ce n'est pas tant le scénario, pourtant très libre et très bien écrit, mais plutôt son thème, le marivaudage et la double manière de le traiter : l'indolence et la gravité, généralement contradictoire, mais ici, dans ce qui est l'un des plus beaux films de son cinéaste, si bien agencés. Il y a indolence car il fait chaud et beau au Maroc, les corps transpirent, se frôlent, la sexualité exhalée est omniprésente et la beauté des plans de Doillon, la chaleur de leur photographie, l'érotisation des couleurs marocaines, la liberté d'interprétation donnée aux acteurs, tous excellents, y contribuent fortement. Il y a gravité car c'est aussi un film sur la difficulté d'aimer, de se rencontrer, de vieillir, d'aimer quelqu'un de plus jeune, de plus âgé, d'une culture différente, d'une religion différente... Mais l'intelligence de la caméra de Doillon, qu'il utilise ici comme un stylo, nous rappelant parfois l'immense Eric Rohmer, fait que tous ces éléments se mêlent à merveille et génèrent un film d'une grande cohérence et d'un total ravissement esthétique.
On ne présente plus Rosemary's Baby, film culte et souvent considéré comme la meilleure oeuvre de l'excellent Roman Polanski. Et pour cause. Malgré les conseils de leur vieil ami Hutch, Guy Woodhouse et sa jeune femme, enceinte, s'installent dans un immeuble new-yorkais vétuste, considéré par leur ami comme une demeure maléfique. Aussitôt, leurs voisins, Minnie et Roman Castevet, vieux couple d'Europe centrale, imposent leur amitié et leurs services. Si Guy accepte facilement ce voisinage, Rosemary s'en inquiète. Nous sommes donc directement plongés dans l'intimité de ce jeune couple, au sein de cet étrange appartement. L'ambiance est dès lors très atypique, très marquée et très inquiétante. Même si la première partie du film se contente de poser calmement le décor et de nous présenter sereinement les personnages, il y a, au sein de Rosemary's Baby, quelque chose qui arrive à littéralement nous fasciner. En effet, les personnages en question ont tous, sans exception, quelque chose de bizarre, d'étrange, dans leurs actes, dans leurs comportements et même dans leurs paroles. On sent que quelque chose ne tourne pas rond au sein de cet immeuble, mais on ne saurait dire quoi. Peut-être l'indiscrétion, l'hypocrisie ou encore les déstabilisantes scènes oniriques, omniprésentes dans l'oeuvre. La seconde partie, quant à elle, monte progressivement en tension. Les explications fusent et se bousculent mais le spectateur reste toujours avec ces fameuses questions ; Qui croire ? Les doutes de Rosemary sont-ils justifiés ou ne s'agit-il là que de pure paranoïa ? Car, en effet, même si le film flirte souvent avec le fantastique, aucune explication ne reste totalement invraisemblable face au contexte très réaliste et aux thèmes du film. Au final, étrange, malsain, dramatique et psychologique sont quelques mots pouvant parfaitement convenir à Rosemary's Baby. Une oeuvre profonde et complexe qui restera marquée en nous au fer rouge.
Concentré de personnalité remplis de talents, inutile... Le scénario sort d'un enfant de 10ans. C'est un bon film américain ou les motos surf sur les vague ok mais parfois faut pas abuser. Les acteurs comme Tony Jaa et Donnie Yen font que courir dans le film ou utiliser des balles à blancs...
Une resucée du 1er volet, sans imagination et sans talent. Le charme et la drôlerie du premier ne se retrouvent pas ici. Steve Merchant remplacé par une gamine autoritaire, ça gâche déjà la moitié du film ! Pauvres acteurs qui ont dû accepter les rôles pour payer leurs factures… Sans hésitation, si vous avez envie de ce type de divertissement, revoyez à nouveau l’original.
On pourra là encore apprécier le type de personnage laconique et impénétrable qu''interprétait à merveille et si souvent (trop même) Michel Piccoli à l'époque; mais cette fois ci contrairement à "Vincent..., une étrange affaire, les choses de la vie etc..." il n'y a pas grand chose autour. Le personnage central (mal interprété) de Mado est complétement raté et sans relief, c'est lent, et en plus ça cabotine pas mal! Décevant!
Une caricature du monde de la mode lourdingue, qui à aucun moment ne déclenche le moindre rire, ni même sourire.
Hardball : Un film optimiste et généreux car c’est un film à la fois drôle et touchant, surtout la fin ou je me suis retenu pour avoir une petite larme. Enfin vraiment, ce film a tout pour nous faire passer un agréable moment. Bon, ce n’est pas la première fois que je vois un film sur le sport bien que ce n’est pas ce qui court au cinéma. Mais ce film a la force d’avoir une vraie histoire a coté du sport, le baseball étant le fil conducteur de tout ça. Car, on nous présente à homme dépouillé d’argent, de but et de chance mais au fond, c’est un bon garçon. Et il va être forcé d’entrainé une équipe de enfant a joué au baseball mais il va avoir du pain sur la planche car ils préfèrent s’amusé plutôt qu’autre chose au début et surtout, ils ne jouent pas en équipe. Et donc petit à petit, une vraie amitié va ce crée entre le coach et son équipe, peu être un début d’espoir… Donc voila, un scénario généreux, avec des personnages attachants des le début et que on aimée suivent tous du long. Et c’est grâce aussi à une grande partie aux acteurs : Kenue Reve qui est impeccable comme d’habitude, j’ai beaucoup aimée son rôle et les jeunes enfants qui sont pas des acteurs au début sont authentiques et naturelles, ils sont vraiment tip top. Très bon rôle aussi pour quoique elle est un peu effacé malgré tout. Et pour finir, très bonne réalisation en vue, c’est claire, bien coordonnée et le film est rythmé par un Bo qui met de suite dans l’ambiance. Donc voila, un film ou on prend plaisir à le regarder, avec le cœur léger.
Pas grand chose à sauver dans ce sous-western spaghetti. Le scénario est particulièrement basique, très prévisible. Les personnages sont manichéens, les dialogues dignes d'une cour de collège, la noirceur de l'ensemble maladroite et artificielle. La boucherie finale nous apprend qu'on peut tirer quinze coups avant de recharger son revolver qui ne devrait compter que six cartouches. On notera aussi au passage que les hommes de Scott sont tués presque tous avec six balles alors que la première est mortelle. Un gâchis de munitions alors que les deux frères ne tiraient pas une brouette pleine de cartouches derrière eux, me semble-t'il... Le sadisme de la scène où Franco Nero se fait fouetter par le fils de Scott est là aussi ridicule et n'apporte rien au film. La musique ne mérite guère plus d'attention. A oublier...
Beau film avec un casting attrayant et au plaisir évident d'être de cette aventure. Le scénario est bien écrit mais l'histoire manque d'une intrigue solide. Cependant la nostalgie d'un mode de vie champêtre et bucolique a de quoi charmer... Où d'agacer certain ! Moi je trouve que c'est un dépaysement total vis à vis de nos quotidiens d'aujourd'hui. C'est un film qui place l'amitié et les plaisirs simples devant le pognon et la paperasse d'une vie ordonné par le capitalisme matérialiste. Mais il est vrai que c'est un film un peu surréaliste mais il suffit aussi d'aimer un peu la poésie pour se laisser aller...
Bof .. A part une superbe reconstitution de prise d'otage et de la première intervention du GIGN le film est bourré de fautes : -Le premier gendarme à rentrer n'est pas Thierry Prungnaud mais en réalité Eric Arlecchini -Il n'y avait pas de blindés sur la piste -Il n'y avait pas non plus d'hélicoptère en soutien -L'assaut se déroule ici dans la matinée, alors qu'en réalité, il eut lieu le soir vers 17h. L'ambiance vife de ce film est un de ses seul atouts. Dommage y'avait moyen ..
C'est avec un arrière-goût de sang dans la bouche que l'on ressort de ce thriller frénétique et ultra-violent, nouvelle petite perle en provenance du pays du Matin Calme. Mais calme, J'ai rencontré le diable ne l'est pas vraiment, puisqu'il est exactement le type de film qui n'en finira pas de choquer, et par conséquent de diviser. Glauque, dérangeant, terriblement nihiliste, cet objet de fureur ne se contente pas de simplement aligner les scènes grinçantes où fusent l'hémoglobine à l'image des "torture-porn movies" très à la mode ces temps-ci, mais en profite pour soulever une vraie et belle réflexion sur une question d'ordre morale qui est aussi un phénomène de société : la vengeance. Est-elle une véritable solution ? Jusqu'où peut-elle conduire ? Ne fait-elle pas qu'engendrer toujours plus de violence ? Kim Jee-woon n'y va pas par quatre chemins pour tenter de nous apporter ses éléments de réponses, et filme avec un savoir-faire grandiose l'affrontement féroce que se livre un psychopathe dégénéré et un jeune homme ivre de justice qui finira par ressembler de plus en plus à celui qu'il combat. Le jeu des acteurs est d'une remarquable intensité, et la violence graphique du film nous éclabousse sans ménagement. On ne rencontre peut-être pas le diable au sein de ce conte macabre, mais quelque chose de brillant, à ne pas mettre entre toutes les mains. Retrouvez ma critique complète de "J'ai rencontré le diable", avec photos et anecdotes autour du film, ainsi que celles de films nombreux et variés, en ligne sur mon blog : http://soldatguignol.blogs.allocine.fr/ Merci !
La chute de l’empire romain revisitée par Ridley Scott a remis au goût du jour le péplum au cinéma. S’il est un film qui mériterait 6 étoiles sur ce site, Gladiator est l’un des rares prétendants. Mené par une interprétation exceptionnelle de Russell Crowe (Maximus), combattant tel un mort en sursis, et Joaquin Phoenix (Commode) nouvel empereur ambigu et retors à souhait, ce chef d’œuvre bénéficie également d’une musique envoûtante (mainte fois reprise ou copiée), d’une sublime poésie visuelle, de scènes intimes et de grandes batailles épiques très riches en émotions et enfin d’effets numériques parfaits, notamment la cité de Rome, recréée de manière stupéfiante. UN CLASSIQUE A VOIR ET A REVOIR !
Chris Marker nous dévoile ici sa vision de certains faits de l'actualité française entre 1999 et 2004, en particulier les mouvements sociaux, à travers les graffitis de M. Chat. On voyage. On revit. On rêve. Film expérimental. Film humoristique. Film documentaire.
Très gros succès à sa sortie en 1974, Le Mouton enragé peut être considéré comme l’un des meilleurs films de Michel Deville des années 70. Cynique à souhait, le long-métrage cultive l’humour à froid avec un savant mélange d’ambiguïté et de critique sociale. Il représente magnifiquement cette société française pompidolienne gagnée par l’affairisme et la soif de l’argent facile généré par un capitalisme dérégulé. Toutefois, le long-métrage ne se borne pas à critiquer un état de fait comme certains gauchistes de l’époque auraient pu le faire. Il sonde aussi la psyché de cet individu lambda qui possède en lui tous les attributs pour devenir un loup, lui qui n’était jusqu'alors qu’un mouton. C’est ainsi que l’on repère les ferments du fascisme chez celui que l’on appelle Monsieur Tout le monde. Le tout est filmé avec talent et surtout interprété de main de maître par un casting royal comme on n’en fait plus. La crème de la crème. Un grand bravo !
Attention, ce film est une arnaque !!! Vendu comme un thriller politique ou l'on s'attend à voir un complot visant à tuer le président de la république, d’où le titre, la présence de Willis, la tagline: "Mensonges,corruption,double jeu", la photo d'un sniper... !!! Mais, en fait, il n'en n'est rien !!! Dans cette bouze inférieur au pire épisode de "21 jump street" l'enjeu du film réside sur le vol des copies d'un examen...whaou, c'est du lourd !!! Et pourquoi le héros qui se prend pour le Redford des "Hommes du président" ne dévoilerais pas un complot sur le vol des croissants à la récré dans la suite ? Quant à Bruce Willis, le scénario de cette daube à sans doute du lui arriver dans sa boite aux lettres le même jour qu'une facture des impôts !!! A fuir de toute urgence...
Film tourné par un jeune metteur en scène de 22 ans qui disparaîtra après seulement deux réalisations en pleine période psychédélique. Les Beatles viennent de sortir Sgt Pepper et les premières minutes du film sont visiblement marquées par cet évènement qui révolutionna le monde des arts. Il est assez saisissant de voir le contraste provoqué par la présence de l’immense Boris Karloff - archétype du film d’épouvante en noir et blanc – évoluant dans un univers de couleurs kaléidoscopiques. Dépourvu de moyen,s l’auteur a reconstitué le laboratoire d’expérience propre à tout film d’épouvante dans le minuscule appartement kitch du couple démoniaque. Il s’agit au moyen d’une hypnose puissante et permanente de prendre le contrôle de la volonté d’un jeune homme et de ressentir le vécu de l’individu. Malheureusement le couple est déséquilibré; si le vieux savant souhaite utiliser le fruit de sa découverte à des fins thérapeutiques pour égayer la vie des personnes âgées vivant en maison de retraite, sa femme y voit le moyen d’assouvir ses pulsions les plus basses sans en subir les conséquences. Le combat s’engage entre les deux esprits et comme souvent c’est le mal qui est le plus fort. Karloff dans un dernier sursaut et au sacrifice de sa vie parviendra à couper court à cette manœuvre contre nature. Ainsi le grand Boris qui aura commencé sa carrière comme une créature de la science endossera pour un de ses derniers rôles le costume de l’apprenti sorcier. La boucle est ainsi bouclée. Michael Reeves montre ici un grand sens du récit et parvient grâce à la force de sa thématique à jongler avec des bouts de ficelle. Courte mais belle carrière quand on pense qu’il a réussi à s’offrir pour ses deux seuls travaux deux maîtres du film d’épouvante : Vincent Price et Boris Karloff.
Une bonne surprise que ce survival énergique qui nous change un peu des films américains sur le même thème trop orientés ados. Le film est intelligent ne se privant pas de critiquer le rôle des industries d'armements et aussi (mais de façon moins incisive) les dérives de l'esprit d'entreprise. Il y a aussi ce qu'il faut de cynisme et d'humour noir, de tension et d'horreur mais sans overdose, juste ce qu'il faut et c'est bien ce qui fait la force de ce film hors du commun. A compter parmi les meilleures réussites du genre.
un excellent film,qu'il faut vraiment réhabiliter.Un scénario trouble,interprétation hors pair du duo Taylor-Brando,fin tragique,un film assez audacieux pour l'époque. Du très grand cinéma,un excellent film de John Huston.
Ce film est un véritable Ovni ... Très original et vraiment très drôle de par son côté burlesque (la version canadienne est horrible !) Bref vraiment magique et agréable on se laisse transporter ... Simplement irresistible ...