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Grand film, très grand film, vu à 4 ou 5 reprises, la dernière fois à la cinémathèque en 2005. A l'issue de la projection, spontanément, la salle a applaudi, ce qui est quand même assez rare au cinéma. Pourquoi ces applaudissements ? Parce qu'au delà de l'intrigue (bien menée), au delà de la mise en scène (brillante), le message positif, plein d'enthousiasme, ici délivré, bien que datant des années 30, nous touche par son énergie et son actualité. Ce message est le suivant : "de l'audace, encore de l'audace !" ! "Ne vous résignez pas" ! "Prenez votre destin en main", "Ne comptez que sur vos propres forces" ... et tout devient possible. En un mot : "Just do it" !
Un film décevant malgré une belle distribution (Omar Sharif torturé et assez convaincant, Catherine Deneuve un peu absente, James Mason, immense acteur sous-utilisé ici). L'histoire est longuette et il ne se passe pas grand-chose. Un comble pour un réalisateur spécialiste de films d'action (James Bond notamment) qui pensait sans doute être reconnu auprès d'un public plus familial. Le scénario hésite entre la grande Histoire et la bluette sentimentale, c'est la faiblesse du film. Donc, on va de l'un à l'autre. Les passionnés de Clio seront frustrés, car on n'apprend pas grand-chose sur Rodolphe et les amateurs de romantisme préféreront Sissi (jouée ici par Ava Gardner dont le rôle n'est pas non plus intéressant). On souffle au générique de fin.
Certainement pas le meilleur film de Curtiz, visiblement mal à l'aise dans cette reconstitution de la cour élisabéthaine, mais sans aucun doute l'une des plus fortes prestations de la grande Bette Davis. Une fois encore, l'égérie de Curtiz crève l'écran et s'impose définitivement dans la légende du cinéma comme l'une des plus grandes actrices de tous les temps, voire peut-être, la plus grande. Qui n'a jamais vu Bette Davis incarner la reine Elisabeth ne peut vraiment juger de la grandeur d'une actrice. Elle est ici tout simplement inoubliable.
Je m'attendais à un film lourd, mais finalement c'est bien dosé. Je m'attendais à de l'humour gras, mais en fin de compte il n'y en a pas. Je m'attendais à ce qu'on se foute de la gueule des handicapés et j'ai été surpris par un scénario bien géré et des vannes très marrantes. Je m'attendais à un film pourri, mais The Ringer est une charmante comédie, surprenante, fraîche. Film sous-estimé très sympa en définitive. Je me suis bien marré, joli coup de cœur.
Je rejoins l'opinion de l'autre critique peu élogieuse de ce film. C'est cliché, surfait, sans originalité, avec un fin en queue de poisson, aucune surprise, et même s'il est court, c'est encore 1h15 de trop.
L'ambiance surranée est particulièrement réussie et les dialogues plutôt bien sentis. En revanche, côté scénario, on est loin des meilleurs Agatha Christie et certains acteurs m'ont semblé assez légers sur leur rôle (Mastroianni en tête). Sympathique sans plus.
Un film d'un esthétisme fou, servi par une musique grandiose. Au final, il ne c'est pas passé grand chose, mais on ressort bluffé de cette expérience visuelle hors norme.
Ce film est un collage de mini plagiats de séquences d'autres films, de Blade runner à Matrix. L'univers visuel est parfois réussi, parfois complètement raté, évoquant les décors de carton-pâte des années cinquante. Son problème principal, c'est tout de même un scénario incohérent, souvent incompréhensible, et des dialogues débiles. Certaines scènes sont d'une naïveté confondante, par exemple le héros qui débarque dans une civilisation inconnue, où tout le monde comme par hasard parle sa langue, s'installe dans un resto et drague la serveuse. Des coupes pratiquées semble-t-il dans la version diffusée par Ciné FX n'arrangent rien...
En mettant en avant les ravages de la bombe nucléaire sur la population civile, ce film tend à faire oublier que les atrocités des Japonais en guerre ont été bien plus terribles. Le Japon ne faisait-il pas bloc derrière son empereur? Je n'adhère donc pas à cette martyrologie, malgré sa réussite formelle.
Autant cracher le morceau d'entrée de jeu : "La grande vie", le premier long métrage du comédien Emmanuel Salinger est, très simplement, affligeant ! En effet, qu'y a-t-il de plus affligeant qu'un film qui se veut drôle et qui ne l'est pas, mais alors pas du tout ! Quand on pense qu'ils s'y sont mis à 5 pour écrire un scénario aussi inepte ! Cette histoire de prof de philo de province, qui vient débattre dans un talk-show avec un grand entrepreneur du béton et qui devient copain comme cochon avec le présentateur de l'émission, est totalement invraisemblable, très souvent grotesque et n'arrache jamais ne serait-ce qu'un sourire. En plus, un comédien metteur en scène qui n'arrive pas à mettre en valeur les comédiens, c'est déjà plutôt rare, mais là, on peut dire qu'il les envoie carrément au casse-pipe : Boujenah se demande ce qu'il fait là et en devient médiocre; Hélène Fillières n'est pas meilleure; mais le pompon, c'est le rôle principal, Laurent Capelluto, totalement à côté de la plaque. En fait, seuls Bernard Lecoq et, surtout, Maurice Bénichou, arrivent à surnager. Un film à oublier très rapidement. Ça y est, c'est déjà fait !
The Bunny Game est juste un film insoutenable que seul les psychopathes pourront regarder en entier. En ce qui me concerne j'ai arrêté le film au bout de 50 minutes. Pourtant au début on a à faire à un bon porno-horreur (sans exagérer non plus). Une réalisation délirante (mais intéressante), avec une bande son pas trop mauvaise non plus. Mais petit à petit on s’aperçoit que le film va vraiment trop loin, et que nous spectateur on a plus une place de pervers qui regarde une personne hurler de douleurs sans qu'on ne puisse rien faire. Le mieux c'est d'abréger les souffrance en arrêtant juste le film.
Un gâchis monstrueux, glauque et soporifique, pour amateurs de masturbation corporelle et psychique.
Difficile de juger objectivement ce film de mon enfance. Il est tellement culte que j'ai rencontré ma meilleure amie grâce à lui. Pour en revenir au film, disons qu'ils remontent les studios Disney alors qu'ils vivent une mauvaise passe depuis quelque temps. On retrouve donc la mouvance des longs métrages d'antan, avec une animation et des graphismes au top, des personnages attachants et des seconds rôles drôles et une musique et des chansons qu'on oublie pas. D'ailleurs "Sous l'océan" ou plutôt "Under the Sea" avait reçu un oscar, elle est d'ailleurs brillamment interprété par Henry Salvador. Le doublage français est parfait, Claire Guyot donne beaucoup de sensibilité à Ariel seulement pas le biais de sa voix. Pour moi le seul point noir résulte dans sa fin, que je trouve toujours trop grosse et incohérente avec les faits précédents... D'ailleurs grâce au bonus, je sais que les scénaristes et les animateurs avaient prévu une fin différente qui je trouve collait beaucoup mieux. Ce long métrage était donc presque parfait, en tout cas c'est un de mes Disney préférés et pour plusieurs années. Maintenant il faut que je me décide à lire le conte. Si vous ne l'avez pas encore vu, je ne peux que vous le recommandez, on se reconnaît tous dans l'intrépide et amoureuse Ariel.
Magnifique film d'animation ! Je le recommande vivement. Nous découvrons un joli mélange de burlesque et de poésie, dans un monde steampunk, avec un fibre écolo. Les créateurs se sont donnés à cœur joie pour ce spectacle à l'imagination remarquable. Cela faisait longtemps qu'un dessin animé de m'avait pas autant plu. (Pour information, je pense que le film ne peut pas être apprécié par les moins de 10 ans)
Un film noir torride et à l'atmosphère moite. Avec un scénario très bien écrit et une réalisation très élaborée, Laurence Kasdan a réussi avec son premier film à mettre en scène un chef d'oeuvre. «La Fièvre au corps» permet à son réalisateur et à son scénariste de rendre hommage au film noir américain des années 40, notamment «Assurance sur la mort», mais montre bien qu'il s'agit d'un film des années 80, et que le Code Hays n'existe donc plus, quand il filme des scènes de sexes très explicites (bien que ces scènes aient quand même fait scandale à l'époque !). Kathleen Turner incarne à la perfection la femme fatale machiavélique, sa première apparition avec la robe blanche est inoubliable, et William Hurt, qui n'est pas sans faire penser au Walter Neff d'«Assurance sur la mort» en plus veule, la victime de sa vénalité. On a beau voir venir le machiavélisme de cette mante religieuse, le scénario par des rebondissements totalement crédibles arrive quand même à nous surprendre. Une oeuvre troublante que je suis pas près d'oublier.
Un remake de la poison. Jean Becker n'est pas Guitry, et la satire sociale se révèle assez gentille, sans réel mordant. Toutefois, ce film n'est pas honteux et se laisse voir avec un certain plaisir, grace notament a une galerie d'acteurs impressionnante ou Josiane Balasko se taille la part du lion tire son épingle du jeu. Honorable.
Dernier film de Mizoguchi, et peut-être le meilleur (ce qui veut dire l'un des tous meilleurs films de l'histoire du cinéma). Mizoguchi change de structure scénaristique pour nous offrir un portrait à 5 facettes de la prostitution japonaise d'après guerre. Ce qui frappe, très fort, c'est de voir à quel point tout a été travaillé jusqu'à atteindre une perfection inimaginable. Chaque scène est culte, le travaille sur la lumière est hallucinant dans chacune d'entre elles, l'occupation de l'espace parle autant que les images, et que dire des dialogues... Mizoguchi a ce don, déjà impressionnant dans Les amants crucifiés, de donner un sens très fort aux dialogues, au-dela de ce qui se dit. Le dialogue de la prostituée effrontée avec son père est à ce niveau confondante. Aucune prostituée n'est prise en pitié, mais on ne nous épargne pas la cruauté (surtout verbale et symbolique) qu'elles subissent. Le réalisme des évènements et de leur succession fait froid dans le dos. Il s'agit d'une référence absolue en terme de mise en scène, pour toutes ces raisons mais aussi pour la façon dont Mizoguchi nous révèle la synthèse de son oeuvre. Au début, le maître de la maison close rassemble ses filles pour leur faire un speech sur son rôle social envers elle, alors que les politiques veulent abolir la prostitution. sur le coup, on a du mal à ne pas être convaincu. Vers la fin du film, il répète exactement le même speech après l'annonce de l'abandon de cette loi. Cette fois, on a partagé le quotidien des filles, et donc lors de la scène on a désormais droit à des gros plans sur leurs visages préoccupés par bien d'autres soucis. Et cette fois, le plus naturellement du monde, le discours est devenu absurde. Pour finir, l'interprétation est parfaite. Machiko Kyo est épatante et géniale, en donnant toutes les dimensions de son personnage finalement très riche, et Wakao Ayako également, comme tous les comédiens.
Bergman a 55 quand il s'attaque à la réalisation de l'adaptation cinématographique de l'opéra de Mozart. Après les films très durs et très noirs des années 60, il semble avoir réussi à exorciser certains de ses démons. Son cinéma en devient alors plus apaisé. "La flûte enchantée" représente, dans ce contexte, certainement le film le plus lumineux et le moins "grave" de sa carrière. Passionné par l'opéra de Mozart depuis tout petit, il réalise donc ici son rêve d'enfant et retranscrit merveilleusement, par sa mise en scène, l'émerveillement qui était alors le sien. Le film se déploit ainsi comme un conte, un rêve, bercé par la sublime musique de Mozart, dont on connaît certes de bien meilleures interprétations, mais qui reste tout de même de qualité. Mais il ne faudrait pas croire que cette légèreté de ton, inhabituelle chez Bergman, en fait une oeuvre mineure du cinéaste suédois. Dès la première scène, durant laquelle Bergman filme, sur la musique d'ouverture, les visages et les regards tendus du public scrutant la scène, on sait que l'on regarde l'oeuvre d'un maître. Cette symphonie de portraits en parfaite harmonie avec la musique est absolument superbe, nous donnant à visualiser la musique aussi bien dans sa forme (l'enchaînement des plans en accord avec le tempo musical) que dans ses effets (les expressions des visages). Lors de ce premier coup d'éclat, Bergman arrive presque à surpasser Mozart, rendant l'image plus forte que la musique. On retrouvera ce génie dans bien d'autres séquences comme lors du célèbre chant de la reine de la nuit avec un gros plan inquiétant sur son visage vieilli, ou encore dans toute la fin du film et notamment lors de la traversée des enfers avec des trouvailles de mise en scène absolument fabuleuses. Tout comme la flûte, on est enchanté à la vision de ce très beau film et de son éternel message d'amour. Indiscutablement, la meilleure adaptation cinématographique d'un opéra jamais réalisée.
The Gunfighter est un western sympathique sans plus, effet si Gregory Peck rempli bien l'écran on peut reprocher au film un certain classicisme que ce soit dans le scénario ou dans la mise en scène. Le film comporte peu d'action et aurait donc dû jouer la carte de la tension pour accrocher le spectateur comme son confrère High Noon sorti deux ans plus tard et placé depuis au panthéon des western. Autre défaut de The Gunfighter est l'absence de musique durant le film, pratique courante à l'époque où on utilisait la musique uniquement pour ouvrir et terminer le film, c'est dommage... Au final on passe un moment sympathique mais on regrette de passer à côté de l'excellent film que cela aurait pu être...
Disney nous offre une variante sur l'amitié impossible avec ce film, loin d'être le meilleur du studio. Ce qui finit par séparer Rox et Rouky, c'est la nature même de leurs espèces. L'un est fait pour être sauvage, l'autre est dressé pour être un chien de chasse et d'ailleurs la fin est plutôt pessimiste car même après avoir sauvé son ancien ami, Rouky revient au domicile de son maître et il semble que seule la nostalgie subsiste entre eux. A ce titre, le film est déprimant, avec des chansons pas terribles et un méchant pas charismatique ce qui n'aide pas le film. Finalement c'est la jeunesse des deux amis qui est la meilleure partie du film, vraiment touchante.
Que l'intrigue soit complètement invraisemblable ne m'a pas gênée outre mesure, j'ai l'habitude, et les polars ou thrillers sont un genre où il y a en général peu de réalisme. Mais il y a des longueurs, on s'ennuie, disons-le, et pour un thriller, la fin est décevante. Bref, un film qu j'ai l'impression d'avoir déjà vu mille fois, ( sous d'autres latitudes, mais peu importe, à Mexico ou ailleurs, il faut une histoire qui tienne en haleine, ce qui n'est pas le cas ici ). En plus, les histoires de famille, je commence à avoir ma dose.
Passable, si vous avez deja vu les précédents vous serez très déçus. Le méchant est 5 minutes au début 10 minutes à la fin. Les minions vus 15 minutes sur la totalité du film d'animation.
"Millenium : Les hommes qui n'aimaient pas les femmes" est l'adaptation de la trilogie de Stieg Larsson, comme le montre l'affiche du film qui s'en vante. Mais ce thriller de David Fincher est vraiment prenant, avec un suspens absolument impressionnant qui laisse le spectateur béat en l'attente d'une réponse au mystère. Ainsi, la longueur du film qui dépasse les deux heures et demie est largement justifiée, puisque la durée provoque un effet d'attente particulièrement maîtrisé grâce à la mise en scène stylisée de David Fincher qui retrouve presque le style de "Seven". Ainsi, le côté sombre et glauque du scénario est mis en valeur, avec des scènes de sexe souvent choquantes mais qui donnent un réel caractère au film. L'histoire d'enlèvement prend alors toute son ampleur et devient réellement passionnante. Le spectateur est pris entre le dégoût et la passion profonde pour cette enquête palpitante. De plus, les prestations irréprochables de Daniel Craig et Rooney Mara sont très appréciables. A ces deux personnages, on peut ajouter Stellan Skarsgård incarnant un personnage ambigu, véritable pilier du film. "Millenium : Les hommes qui n'aimaient pas les femmes" ne laisse pas de répit au spectateur, ce qui n'est malheureusement pas assez souvent le cas. Fincher réussit largement ce thriller sombre qui est sans doute l'une de ses meilleures réalisations.
Rien d'exceptionnel dans ce dessin animé. Scénario très pauvre ne réussissant pas à séduire une enfant de 3 ans et demi.
Attention, le titre est trompeur, pas le moindre poil de moustache d’un hypothétique homme chat dans cette fausse suite de « la féline » de Tourneur. Il s’agit plutôt d’un conte onirique vu du point de vue d’une enfant fantasque. L’ambiance est donc empreinte de poésie plutôt que de terreur gothique. La beauté visuelle des instants de féerie vient du très beau travail sur la photographie, le fantastique apparaissant et disparaissant au grès des clairs-obscurs. L’histoire n’en est pas pour autant mise de côté et l’on pénètre sans peine dans le petit monde de l’héroïne via un récit teinté de psychanalyse enfantine. Une œuvre étonnante donc, qui doit beaucoup de son charme et de son originalité au travail de production de Val Lewton, l’une des idoles de Scorsese.
La Corée du Sud nous prouve une fois de plus qu'ils excellent en matière de polar noir, le mot glauque est à peine assez fort pour définir "I saw the devil", on plonge tête bêche dans un affrontement sans merci entre un psychopathe sanguinaire et un agent spécial en quête de vengeance dans une ambiance ténébreuse au possible. Kim Jee-woon se joue des codes du polar en nous présentant immédiatement le tueur et en cassant complétement le rythme à des moments inattendus, on se demande à chaque fois comment il va réussir à relancer l'intérêt, ce qu'il fait haut la main bien évidemment. Le duo en tête d'affiche, Byung-Hun Lee et Choi Min-sik, est parfait, chacun vit son rôle à fond et leur guerre psychologique n'en est que plus puissante à l'image. Mais je dois bien avouer que je n'ai pas pris la claque tant attendue, celle qui m'avait renversé devant "Old Boy" et ce malgré des scènes très dures et une certaine tension. L'aspect étrange et machiavélique de la vengeance m'a bien plu mais ce sont surtout les nombreux dommages collatéraux qui m'ont gêné et j'avoue que le dernier twist, bien qu'assez original et inattendu, ne m'a pas transcendé outre mesure, pour autant le message final concernant le bien-fondé et les "bénéfices" de cette vengeance me semble tout à fait cohérent et intéressant. C'est franchement un très bon polar, percutant et noir, mais j'en attendais encore plus, sans doute trop d'ailleurs, ce qui n'enlève en rien ses qualités évidentes, il fait en outre et sans aucun doute parti des tous meilleurs du genre.
Deux mois jour pour jour après Melancholia (2011) de Lars von Trier où une planète bleue entrait en collision avec la Terre (l’éradiquant du système solaire par la même occasion), c’est au tour de Mike Cahill, dont c’est le premier long-métrage, de s’atteler à un drame sur fond de science-fiction où une seconde Terre apparaît dans le ciel, obnubilant la population et les scientifiques qui finissent par découvrir qu’il s’agirait d’une planète miroir où il se rejouent exactement la même chose avec les même protagonistes. Mais détrompez-vous, là n’est pas le sujet principal du film, Another Earth (2011) narre l’histoire d’une rédemption, celle d’une jeune femme qui a causé la mort d’une mère et de son fils dans un accident de voiture. Le mari (et père de famille) s’en étant sorti indemne, elle va alors tenter une approche (après qu’elle est purgée sa peine de prison). Pour un premier long-métrage, il faut reconnaître que Mike Cahill a du talent, mais son film n’en reste pas moins sans défaut, à commencer par une mise en scène bien trop léthargique et un scénario tiré par les cheveux. Ce qui parvient à nous tenir en haleine, c’est la prestation de la jeune Brit Marling (qui a co-écrit le scénario), ainsi que la très belle qualité photo (avec la planète jumelle en fond). Mike Cahill (qui fut également le producteur, le scénariste, le directeur de photographie & le monteur) prouve qu’il est un cinéaste à suivre, mais avec son premier film, il est véritablement passé à côté de son objectif en concluant son œuvre de la sorte. Ce qui n’a pas empêché le film d’être nominé à 4 reprises lors du 37ème Festival du Cinéma Américain de Deauville (dont le Grand Prix et le Prix du Jury), ainsi que de remporter le Prix Spécial du Jury lors du 27ème Festival de Sundance.
Il faut passer sur le moralisme et le gnangnan psychanalitique tellement prévisible du scénario (si une femme aime le sexe, c'est forcément qu'elle est "malade" et qu'elle a été violée par son père quand elle était enfant, le genre...), et prendre "Black Snake Moan" pour ce qu'il est : le premier film "blues" de l'histoire du cinéma, pas un film sur LE Blues, non, un film parfaitement musical, sensuel, douloureux, brûlant, désespéré : dans chacune de ses images - exsudant le sexe et la chaleur du Sud -, à chaque intonation de voix de ses trois personnages principaux (grande interprétation d'un casting pourtant totalement improbable : Jackson en plouc, Ricci en blonde, Timerlake en attardé, un défi !), à chaque caresse du superbe montage qui épouse parfaitement le rythme du blues, on jouit ! Impossible quand on aime le Blues, le Rock, de ne pas être bluffé, puis enchanté par ce tour de force, ce film passionné et passionnant, sorte d'OVNI, aussi, au milieu du formatage consensuel du cinéma actuel.
Un film d'espionnage à l'intrigue assez complexe et un peu lourde sauvé par la présence d'une pléiade de grands acteurs car la réalisation de Verneuil est très classique voire monotone, on décroche rapidement. Le Serpent n'est pas réellement passionnant à suivre même si on peut apprécier de découvrir les méthodes mise en oeuvre par les services secrets pour arriver à leur fin qui sont loin d'être gênés par la morale ou une quelconque délicatesse. Dans un certain sens on peu qualifier Le Serpent de film d'espionnage instructif mais en aucun cas de film divertissant et c'est dommage car ce type cinéma peut offrir un vrai suspense malheureusement absent dans Le Serpent.
"Une comédie agitée de Gérard Jugnot" pouvait-on lire sur l'affiche du film. L'accroche tient toutes ses promesses. Un road-movie enneigé et très rythmé dans lequel Gérard Jugnot s'entoure de savoureux comédiens. François Morel est naif à souhaits, Jean Yanne est complètement allumé en gourou de la secte du Grand Elan Cosmique ( "C'est pas encore le Vatican mais on s'débrouille" ), la tornade Michèle Laroque balaie tout sur son passage, Martin Lamotte est hilarant, Micheline Presle et Claude Piéplu s'en donnent à coeur joie dans le role de faux-américains, Jacques Jouanneau et Sophie Desmarets forment un couple détonnant...et Gérard Jugnot bien heureux de diriger tout ce beau monde. On peut dire que le scénario et la critique des sectes sont un peu faibles mais le réalisateur-acteur réussit un agréable divertissement, bien mis en scène, rythmé, des dialogues très droles et de savoureux numéros d'acteurs.
Un Wong Kar-Wai mineur qui n'a pas les atouts de ses autres réalisations. Les personnages sont simples et quelconques, la réalisation est en service minimum (au moins n'est-elle pas surexcitée !). Ici on s’ennuie mais sans cette sensation de mélancolie, sans cette beauté toute particulière au cinéaste, on perd l'aspect lancinant pour un truc franchement soporifique. Après il n'en reste pas moins de magnifiques moments comme les chûtes d’Iguaçu sur ce tango calme et posé, on ressent toute l'intensité de la nature, sa surpuissance et son austérité quasi apaisante, il y a quelque chose de très malickien là-dedans. Sinon encore une fois on a l'impression que le film manque sa fin, disons que la fin est excellente mais on sent que ça aurait pu se finir avant et qu'il y avait tellement d'intensité à un certain moment que ça aurait dû se finir là. Après l'intensité il la regagne dans les derniers plans mais je n'aime pas trop cette manière qu'il a de relancer l'intrigue pour pas grand chose. Bon voilà je pense continuer à voir des films de ce réal en espérant tomber sur une dérouillée de la trempe de Chungking Express mais pour l'instant c'est pas encore ça !