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Ah, la dite période créatrice de Jean-Luc Godard... Difficile de s'en lasser, n'est-ce-pas ? Mis en scène la même année que le sublime "Pierrot le Fou", "Alphaville" est un film de science-fiction pour le moins original, possédant le ton rêveur, absurde, surréaliste et délirant d'un autre essai en apparence déconnecté de notre époque, je pense bien entendu aux "Carabiniers"... Pourtant, si l'on s'y intéresse d'un peu plus près, on peut nettement percevoir l'éveil de la conscience politique (à part "Le Petit Soldat", c'est en effet la première fois que les prises de positions sont aussi nettes) d'un homme pas encore porteur d'idées Maoïstes, seulement dénonciateur des dictatures telles qu'il les conçoit, à savoir (bien évidemment) celles des pays du bloc de l'Est mais également celles des sociétés de consommation, qui par la finance outrancière et les autres excès d'une doctrine (en l'occurrence le libéralisme sous sa forme la plus sauvage) utilisée pour aliéner des peuples entiers est finalement d'après le cinéaste une sorte d'équivalent aux démocraties populaires, alors que cet équivalent justement se retrouve dans les pays du monde que l'on qualifie de libre. Brûlot anticonformiste, "Alphaville" est radical dans son propos mais propose des arguments qui se défendent très bien, dans la mesure où il s'agit d'anticipation, et non pas de description sociale précise. En terme de réalisation dans un sens plus technique, on a affaire à un jeune homme émerveillé par le cinéma, avec un esprit rempli de multiples idées essentiellement en ce qui concerne des trucages tellement simples qu'ils en possèdent un charme désuet tout à fait émouvant. Alors, c'est vrai que le film est de temps à autres un peu long et même démonstratif, mais qu'est-ce-qu'il est entraînant... et beau ! Quant à Anna Karina, elle est magnifiquement utilisée... A ne pas rater : une scène superbe vers la fin du film témoin du talent qu'avait Godard pour filmer les corps. J'accroche, et pas qu'un peu !
Comme le laissé présager la bande annonce, cet opus est bel et bien mieux filmé. Mais comme le scénario est toujours aussi bidon et que les séquences d'action peinent toujours a éviter la redite on n'a aucun plaisir a suivre ça. Car y'a toujours aucun suspense. Et c'est sans parler du finale qui laisse quand même assez perplexe...
Film très réaliste & très touchant sur l'usure de l'amour, le doute, la jalousie, le divorce... des thèmes certes un peu usés mais tellement bien traités dans ce film qu'on ne peut que être touchés par le destin de ses hommes et femmes qui tentent de faire survivre leurs histoires d'amour. Frédéric Pierrot est émouvant au possible et moi j'ai été transporté. Il ne se passe pourtant pas grand chose mais ça a fait mouche en moi. Un vrai beau moment de cinéma !
Un vrai bon moment de détente ! Le jeu des acteurs est excellent, en particulier les jeunes, on y retrouve Baptiste LORBER qui change de registre et ça lui va bien ! Chaque génération s'y retrouve, Allez-y, ça fait du Bien !
Un beau film historique mélangeant l'amour et l'honneur. De très belles scènes romantiques et un sens du devoir qui prévaut parfois sur l'amour de Lady Hamilton pour son héros...
Raconter un couple, et plus précisément sa fin, dans le pays le plus romantique du monde. Voilà le paradoxe que Rosselini tente, et échoue, à traduire. Si il est ridicule de nier que "Voyage en Italie" est une œuvre moderne, dans sa structure notamment, il est nécessaire de ne pas considérer cela comme des acquis suffisant. Si le montage alterné permet ainsi d'offrir une vision double de l'Italie - une terre de tragédies, de mythes et de croyances pour Katherine (Ingrid Bergman fabuleuse), là où Alexander n'y voit qu'un échappatoire intime - il reste que cette séparation, presque constante, n'offre au final aucun relief aux questionnements qui habitent ces personnages, ne faisant qu'expliciter des angoisses qui étaient tangibles dès les premières minutes. Le problème n'est alors pas que la narration du film se révèle déstructurée et propice à la divagation, mais bien que ces divagations ne mènent à aucune évolution thématique ou formelle. La mise en scène de Rosselini se construit autour du regard de ses protagonistes, allant même jusqu'à user de caméra subjective, découvrant un quotidien inconnue. Cela résulte en une certaine impression "carte postale", fonctionnelle dans sa volonté de retranscrire une perte de repère culturelle et sentimentale, mais à laquelle le cinéaste n'apporte aucune sensibilité. Cependant, dès lors que ces deux visions se confrontent - la passivité de Katherine, les envies d'Alexander - "Voyage en Italie" devient poignant, et en l'espace d'un instant, liant le mythologique à l'intime dans une scène d'exhumation déchirante, fait l'état d'un vertige amoureux que l'on pensait disparu. On ressort frustré de cette tentative audacieuse, par un manque de maitrise formelle qui handicape l'émotion, mais surtout par le traitement tardif d'un axe thématique pourtant saisissant.
Un ersatz de la trilogie avec Matt Damon. Tony Gilroy étire encore la même intrigue qui était déroulée durant les trois premiers films et qui était arrivée à son terme. Alors comment faire du Bourne sans Bourne ? Réponse : en construisant une histoire parallèle avec un autre agent qui se retrouve en galère et doit se débrouiller tout seul pour sauver sa peau. Sauf que ça ne prend plus : à force de machouiller le même chewing gum, il finit par manquer de goût : c'est exactement ce qui se passe avec "Jason Bourne Legacy". Plusieurs problèmes majeurs : le scénario tourne en rond et ronronne terriblement pendant la première heure / Tony Gilroy n'est pas Paul Greengrass en matière de mise en scène / Jeremy Renner est trop mécanique dans son jeu d'acteur et n'a pas le charisme de Matt Damon. Je suis vraiment content de ne pas avoir déboursé une place de ciné pour aller voir cette suite bien inutile.
L’odyssée de la vie est un excellent documentaire qui traite parfaitement bien le thème de la vie et qui explique de manière simple et efficace comment fonctionne notre corps. Nils Tavernier peut être fier de ce film qui est certainement celui qui est le plus réaliste en ce qui concerne les effets spéciaux pour montrer les principes de la reproduction. 14 / 20.
"Fast and Furious" c'est un peu le défouloir crétin par excellence, qui vise un public ado boutonneux,fantasmant sur des bolides bourré aux amphétamines qu'ils n'auront jamais,et des nanas ultra-sexys qu'ils auront encore moins! Et pourtant, même si les acteurs sont moyens et n'ont pas la tête a avoir inventé la poudre, même si le scénario est ultra basique et même si ce n'est pas un grand film, Fast and Furious reste néanmoins un très bon divertissement sans prise de tête. De plus, la réalisation reste efficace et la mise en scène maitrisé. Surtout pendant les scènes de voitures et d’action qui reste bien foutues, elles sont tout simplement jouissives. A j'oubliais qu'elles n'étaient pas réalistes: a tous ceux qui brandissent constamment cet argument pour démonter sans cesse ce film, moi je leur répond: on s'en fous. En effet, si tous les films d'action étaient à 100% réalistes, on s'emmerderait fermement devant ce genre cinématographique. Bref c'est très loin d'être un grand film mais en tout cas c'est un très bon divertissement qui instaure les bases de la saga.
Un western qui lorgne vers le film noir, avec de la tragédie à la grecque et une ambiance funèbre. Doc Holliday, fils de famille déchu, malade, suicidaire et sado-masochiste est un magnifique personnage tragique, formidablement interprété par Kirk Douglas. Il représente le coté noir et inavouable de la loi et l'ordre incarnés par les frères Earp. Les scènes d'action sont superbement mises en scène. Un classique grâce au talent et à l'intégrité irréprochables de la réalisation.
2 formats courts : "Oeil pour oeil (Big business)" : Comédie réalisée en 1929 par Leo McCarey ou nous retrouvons Stan Laurel et Oliver Hardy. Nos deux compères, apprentis Businessmen, vendent des sapins de Noel en Californie. Une comédie délirante a souhait au titre francais "Œil pour œil", ou l'on retrouve James Finlayson (l'habituel moustachu) dans le rôle de client plutôt revêche. "Laurel et Hardy constructeur" (The Finishing Touch) : Une comédie réalisée en 1928 par Leo McCarey, le père spirituel de notre duo Oliver Hardy et Stan Laurel. Un format court, en N&B et encore muet, dans lequel nous retrouvons nos compères en entrepreneurs. Ils doivent travailler dans le calme car la maison qu’ils construisent se situe en face d’un hôpital. Un scénario inouï et une bonne série de gags dans cette comédie ou Oliver peine à contenir en silence toutes les gaffes de son ami Stan.
"Personne n'est parfait(e)"... et encore moins cette comédie dramatique pour le moins caricaturale de Joel Schumacher. Le scénario et l'histoire autour des gangsters est vraiment mauvaise, et ces derniers jouent comme des manches. Quant à l'univers drag-queen, il m'a quand même l'air très caricatural. En fait, il n'y a que les deux acteurs principaux qui valent le coup d'oeil : Robert De Niro qui s'en sort à peu près bien, sans plus, mais surtout Phillip Seymour Hoffman qui sauve les meubles. A noter tout de même quelques répliques assez drôles, mais c'est vraiment pas terrible dans l'ensemble... Bof beauf.
une serie b sans pretention qui ne se prend pas la tete avec des bagarres hallucinantes
C’est joli, tendre, émouvant , sincère et drôle. Sans aucune prétention. A voir. Acteurs excellents et histoire banale et merveilleusement originale
Joli petit film d'horreur sans prétention.A voir dans une chambre bien noir,au milieu de la nuit.J'ai eu quelques frissons, je l'avoue.
Quelque part en Turquie, à fin du 19e siècle, dans cet état féodal qu'est l'empire ottoman, un derviche apprend l'arrestation, puis l'exécution de son frère. Quelles raisons à cela ? C'est ce qu'il ne parvient pas à découvrir. Lui, dont la vie jusque-là n'avait de valeur que spirituelle, se trouve brusquement confronté à une tout autre réalité. Interrogeant sa sagesse, interrogeant sa foi, il entre alors dans une crise profonde de son personnage... Ce film est une lutte contre tous les arbitraires et les obscurantismes. Il y a là-dedans quelque chose du 'Château' de Kafka dans son absurdité, ou du 'Désert des Tartares' de Buzzati - ce petit fortin, qui domine la plaine désertique et le film, étale tout le ridicule de sa puissance. Et pourtant par la magie des images, de ces lieux, des personnages, la fascination n'est pas loin.
Très bon film avec des musiques simple mais qui laissent passer différents message. Les dessins sont parfaits. Peut-être déconseillé aux tout petits.
Note sévère mais à la mesure de ma déception. Des films de Rossellini, j'attends désormais beaucoup (les chefs-d'oeuvre ne sont pas exempts de sa filmographie !). Ainsi, lorsque je découvre ce second volet de sa fameuse trilogie consacrée à la guerre (après "Roma, città aperta" et avant "Germania, anno zero") qu'est "Païsa" réalisé en 1946 et que je trouve beaucoup de reproches à lui faire, je ne me sens pas pleinement satisfait. La démarche surprenante (narration en six sketches) est un point de départ intéressant d'autant plus qu'elle suit une parfaite cohérence dans sa construction (avancées temporelles et géographiques parallèles). Cependant, je n'ai que très rarement reconnu la mise en scène de génie caractéristique de son auteur. En effet, sans perdre de sa brutalité (bien au contraire), ce récit dense donne l'impression de laisser de côté sa vitalité et par extension sa puissance émotionnelle soit un ressenti négatif sur le spectateur. La réalisation semble manquer d'inspiration, propre mais très peu inventive, sans relief et laborieuse quant à donner du rythme à une oeuvre en manquant cruellement. Les personnages s'avèrent très superficiels (impossible de les creuser en vingt minutes dès lors que le cinéaste a décidé de poser un minimum sa caméra) et finissent par nous laisser indifférents dans la mesure où la chronique a remplacé l'intrigue. Pas de performance d'acteur et une obsession documentaire irritante sur la durée : Rossellini vide son film de toute émotion, se posant comme témoin et non artiste. Ce n'est malheureusement pas ce qu'on lui demande d'autant plus que si l'on ose la comparaison du portrait social avec ses autres films, celui-ci fait pâle figure, reprenant quelques éléments déjà traités sans les renouveller. Que reste-t-il de "Païsa" ? Une suite de saynètes décousues d'où subsistent de temps à autres quelques coups de génie remarquables et des sentiments qui rarement s'exaltent avec toute leur beauté.
On démarre avec un témoin entouré de plusieurs dizaines de policiers. Il fait nuit et l'audience a lieu à 10 heures du matin. Le témoin est sous-pression car il doit faire tomber un gros bonnet de la mafia. Au bout de 10 - 15 minutes, on remonte le fil historique du pourquoi on est arrivé là. Un film de gangsters avec de bonnes trouvailles du début à la fin. On voit les rouages de la pègres, les astuces de protection et de liquidation des témoins et pas mal de vocabulaire spécifiques aux gangsters pour tromper la vigilance de la police et des tables d'écoute. Un "coup", un "contrat"... Mais aussi quelques bavures des policiers et des gangsters dans la protection et la liquidation où chaque détail compte. Admirablement joué, la version noire et blanc joue son rôle si l'on est attentif aux détails qui décrivent les couleurs...
"Ichi the killer" est sans conteste un des meilleur films de son réalisateur. Ultra violent, déjanté, vif, gore et dérangeant, ce film est a la hauteur de sa réputation.
Quel bon moment de télévision... mon vieux Houellebecq édenté, fumant clope sur clope, buvant verre sur verre dans un contexte très "Streap tease" jubilatoire aux contrastes forts, c'est le moins qu'on puisse dire, et où l'absurde côtoie le monde simple. Quel drôle de bonhomme... quel drôle de film... très drôle.
Paul Giamatti a beau se démener, il patoge seul et pour pas grand chose dans cette production qui manque incroyablement d'originalité. Seul un mensonge ou deux portera à sourire.
Une grande réussite pour le très talentueux Steven Spielberg dans cette épopée rythmée ! L’histoire est satisfaisante et Harrison Ford est impeccable dans son rôle, il nous montre bien son talent ! Karen Allen est agréable et le méchant Belloq interprété par Paul Freeman est satisfaisant. Tous les autres acteurs sont très corrects et les serpents nous font frissonner. Les images sont convenables et on sent que les effets spéciaux ont un peu vieillis mais ils sont pas mal quand même. Les décors sont très convaincants et les destinations sont acceptables. Le contexte de l’époque est plutôt bien retranscrit et les costumes sont super, la tenue d’Indy est très convaincante et chaque objet et équipement est bien conçu. L’Idole dorée, le Médaillon de Râ et l’Arche d’Alliance sont classe et le célèbre fouet et le pistolet d’Indy sont bien faits. Les anciens véhicules sont appréciables et l'ambiance est très plaisante. Les musiques sont bien composées pour la mythique bande originale et les scènes action et les cascades sont bonnes ! Certaines séquences sont vraiment devenues cultes comme pour le début qui est génial avec Indy qui se fait pourchasser par la boule géante et l'aventure est très entraînante ! Un film donc très bon qui n'est que le début d'une saga formidable qui fait désormais partie des classiques du cinéma avec un Harrison Ford absolument au top !
Je vu le film en VO, j'ai beaucoup adoré malgré le fait que parfois je ne comprenais pas toujours ce qu'ils disaient ! Je le reverrai ;)
Forces malèfiques, possession, pulsions violentes, scènes de transe, èrotisme typiquement rollinien, flagellation, nècrophilie, viol...Rien ne manque à cette indigne « Papesse » du père Mercier qui ne fait pas dans la dentelle et qui gâche complètement son matèriau de satanisme moderne sous une armada de scènes grotesques et mal jouèes! Protestation et indignation, souffrance et terreur sont au programme! Vous voilà donc prèvenus! Tournèe en plein milieu des seventies dans une règion dèsolèe et rocheuse de la France rurale, son sadisme et son penchant pour la provocation n'attirent pas vraiment la sympathie! Et puis, patatras, les acteurs sont franchement mèdiocres avec une mention particulière pour Geziale dite la Papesse et son bras droit, l'exècrable Mathias von Huppert! Très mauvais, difficilement accessible et dangereux avec ça (tel Charles Manson, l'ex-leader de la secte « la famille » auquel le film peut laisser penser). 1* pour Lisa Livane et la scène atroce des serpents en ouverture...
Sur le même modèle du grand classique hollywoodien "Grand Hotel" mais en très très largement moins réussi, "Hôtel international" réunit dans un lieu particulier une galerie de personnages qui ont peu de choses en commun sinon d'avoir tous de gros problèmes le tout interprété par un casting très alléchant. Le premier reproche que l'on pourrait reprocher au film c'est le fait de ne pas avoir fait plus s'entrecroiser les différents personnages, juste à la fin à la va-vite, ensuite d'avoir mal réparti les différentes histoires puis de négliger totalement certains personnages qui aurait pu être intéressant et puis surtout de ne pas avoir réussi à se détâcher d'un certain manque de profondeur qui donne un aspect toc à l'ensemble. Reste le plaisir de voir le très beau casting qui réunit Elizabeth Taylor, Richard Burton, Louis Jourdan, Dennis Price, Rod Taylor, Maggie Smith, Linda Christian, Margaret Rutherford, Orson Welles et Elsa Martinelli pour ce film agréable mais très vite oublié.
Et bah on peut dire que j'ai pas beaucoup sursauter sur ce film (une seule fois en fait)... Je m'attendais à mieux, et en fait c'était assez plat... La réalisation manquait de dynamite... La musique est basique... Beaucoup d'actions étaient prévisibles... Rien d'exceptionnel, et pourtant c'est dommage il y avait une intrigue pas mal duquel ils auraient pu sortir un très bon film, je pense...
En dépit de réunir un casting glorieux et reconnu ainsi qu'un scénario qui ma foi, tenait la route, le père Cronenberg nous sort un énième film "anti-cinématographique", comme il en sort quelques-uns chaque année au cinéma. Ce genre à part entière donne la part belle au ratage total de la mise en scène qui n'est justifié que part une volonté de ne pas faire un film commercial, un blockbuster, façon film indépendant mais avec un plus gros budget, tout en donnant l'impression de regarder un téléfilm fait il y a 25 ans. Le film déçoit, jamais prenant, jamais divertissant, n'apportant aucune réflexion sur la violence ou quoique se soit. Les acteurs sont fades, on sent qu'en voyant leur chèque diminué de deux zéro, les types se sont refroidis façon "super-frost" du congélo! Si Mortensen et les autres arrivent à nous faire aimer leurs personnages dans les films destinés à un large public, ici, on s'ennuie ferme. Mention spéciale à William Hurt, rarement vu aussi improbable mafieux de toute ma vie, on dirait presque un mauvais sosie de John Travolta dans Pulp Fiction... Même pas à la hauteur d'un épisode de Rick Hunter.
A éviter pour ne pas couler dans l'ennuie, Streets of blood se passe après l'ouragan Katrina et raconte l'histoire d'une délinquance en hausse. un récit de base qui traite le passage d'une catastrophe, la suite est bien plus désastreuse avec Val Kilmer dont son jeu est plat comme un cake essoufflé, réalisation caméra à l'épaule qui rehausse en rien le tout du dénouement.
Bergman encore une fois se passionne pour une histoire familiale lourde, engluée de haine, de contradictions, de peur, de tristesse, d'interrogations, de regrets et de solitude. Cette solitude est ici ressentie par Liv Ulmann qui malgré l'amour qu'elle a éprouvé jadis pour sa mère  magistrale Ingrid Bergman  ne peut aujourd'hui contenir la haine qui en ait née. L'absence et l'abandon sentimental de la mère ont provoqué d'irréparables dégâts, notamment la terrible maladie de la jeune sur de Liv Ulmann. La confrontation mère-fille donne ici lieu à de terribles scènes comme Bergman sait et aime si bien filmer. Pourtant, dans cette uvre, comme dans d'autres, le metteur en scène reste ici spectateur, évite le jugement et la critique en laissant s'échapper génialement de furtifs mais d'importants éléments permettant de tenter de saisir les pensées et les souffrances de tous les personnages. Personne n'est peut-être réellement mauvais et pervers chez Bergman puisque tout le monde n'est en fait pas grand-chose si ce n'est un être humain. Et comme la froideur et l'indifférence sont humaines, pourquoi, en fin de compte, les condamner ? Mais qu'il est compliqué, pour l'homme, d'aimer les siens même si on ne les comprend pas. Un problème qui restera insoluble malgré les générations qui passent. Une insolubilité toutefois logique car elles ne font, justement, que passer. Un film dur s'achevant dans la tourmente.
Bon film, il y a une ambiance assez rare dans les films de fantôme. Un peu lent mais le film passe assez vite. Les acteurs sont correctes ainsi que l'histoire. Le seul bémol du film: la fin.
Ben Hur est peut-être le plus grand film de tous les temps, en tout cas de très loin le plus grand péplum.Ce n'est pas un hasard si ce film est unanimement salué par tous les critiques et qu'il a reçu le plus grand nombre d'oscars, avec Titanic (mais il faut préciser qu'à l'époque de Ben Hur il n'y avait pas autant de catégories et la performance réalisée n'a vraiment aucun équivalent). Tout d'abord l'histoire est universelle: la lutte du bien contre le mal, de l'envahisseur face à l'occupant. Le film s'attaque aussi à une question importante: l'influence de la société sur les hommes qui la composent ( à cet égard les paroles de Judas Ben Hur concernant la "corruption" de son ami Messala par Rome souligne bien le fait que le monde ne peut être purement et simplement manichéen). Le combat est celui d'un homme mais aussi celui d'un peuple opprimé. C'est cette vision que j'apprécie le plus dans les péplums de l'époque (cf Spartacus) qui a totalement disparu dans les péplums beaucoup plus récents comme Gladiator. Ensuite le jeu d'acteurs est tout simplement fabuleux en ce qu'il est rigoureusement adapté à l'histoire. La présence d'un des derniers monstres sacrés de Hollywood contribue amplement à la grandeur de ce film. Les scènes d'action et les cascades sont tout à fait à la hauteur du budget de ce film, colossal, surtout pour l'époque. La course de chars et le combat naval sont tout simplement des moments d'anthologie du 7ème art.Les décors sont également monumentaux et restent crédibles plus de 40 ans après. En bref, ce film est un sommet du cinéma hollywoodien à son âge d'or, qui propose une vision du monde que certains gagneraient à découvrir. Un immanquable, à voir et à revoir absolument.
Le fait que le réalisateur ait fait son film en 9 jours dans la maison de sa grand-mère (qui ignorait qu’il se tournait un film !) peut le rendre sympathique. On déchante ensuite ! Cela ressemble beaucoup à un film Super 8 réalisé dans le cadre familial : Krisha revient dans sa famille pour Thanksgiving. Quatre générations sont rassemblées sans compter la multitude de chiens.On découvre qu’elle est alcoolique et qu’elle a abandonné son fils (joué par le réalisateur), élevé alors par sa sœur. La chute du plat contenant la dinde à la sortie du four met le feu aux poudres. Ça dure quand même 82 mn et le plus étonnant est que l’auteur avait fait un court métrage sur le même sujet. Pourquoi l’avoir sélectionné au festival de Deauville ? Une bonne vingtaine de personnes ont quitté la salle en cours de séance….
Ambitieux mais raté, le film de George Roy Hill n'est pas à la hauteur de ses enjeux. Les intentions sont bien trop appuyées, la construction maladroite et la direction artistique cruellement datée. Quant au personnage principal, il est particulièrement insipide (ce n'est pas un "innocent" mais juste un adolescent attardé). La mise en scène, enfin, est lourdement démonstrative et échoue à prendre en charge la dimension poétique du film. Conscient de cet échec, le réalisateur reprendra, quelques années plus tard, et en mieux, la même thématique, la même construction éclatée et le même personnage dans l'excellent "Monde selon Garp".