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Peut-être l'oeuvre cinématographique la plus honnie de tous les temps, "Le Juif Süss" est un film nauséusement antisémite. Joseph Goebbels et le cinéma allemand n'ont pas voulu faire les choses à moitié pour faire passer leur message : moyen considérable comme le montrent les costumes et les décors, technique très soignée, un contexte historique qui paraît crédible (mais là ils ont beaucoup chourré à l'oeuvre littéraire qui n'était pas du tout antisémite !!!) et une distribution convaincante en particulier Ferdinand Marian dans le rôle-titre. Bon alors le juif est cupide, lâche, pervers, obsédé sexuel, rusé mais attention pas intelligent et bien sûr cruel, voilà pour le message et il est inutile de préciser que cela ne fait pas dans la subtilité. Les antisémites y verront leur abécédaire, les autres qui ont un minimum d'intelligence n'ont aucun risque de le devenir. Pour l'anecdote qui déchire sa race et qui ne s'invente vraiment pas, le réalisateur du film Veit Harlan était l'oncle d'une certaine Christiane Harlan qui épousera un cinéaste juif américain du nom de Stanley Kubrick.
Une terrible déception ... Scnéario bancal, interprétation très médiocre (surtout les seconds rôles), montage apocalyptique... De rares plans sont réussis et quelques bonnes idées surnagent cependant. Budget ridicule et résultat à la hauteur, en quelque sorte. Making of rigolo qui révèle les trucages, et comble de l'horreur, les incohérences assumées ... 1 étoile pour Rodriguez et les bonnes idées.
Changement de réalisateur incapable de mettre en valeur l’incomparable regard de Meiko Kaji, une musique qui ne colle pas du tout au genre, une histoire qui ne tient pas la route, bref, une énorme déception que ce quatrième opus de la saga la femme scorpion, qu’on suit uniquement pour l’actrice principale, qui quittera d’ailleurs ce rôle après ce film.
Un Lumet mineur, vraiment mineur. On s'ennuie tout au long du film, le spectateur étant en avance sur les personnages. Aucune originalité, pas de suspens et le scénario tisse des histoires parallèles sans intérêts. La mise en scène assure le minimum syndical et les acteurs ne sont pas des plus convaincants. Même Mason. Un Lumet a oublié.
"Le Poison" est l'histoire de Don Birnam, un alcoolique tiraillé entre son amour pour une femme et son amour pour la bouteille. Au cours d'un weekend mouvementé, Birnam va se laisser absorber par l'alcool à petit feu et toucher le fond. De bars en bars, d'hôpital, de prêteur sur gages, de delirium tremens et d'humiliation, Birnam va vivre le pire. Billy Wilder et Charles Brackett ont écrit un véritable réquisitoire contre l'alcool et tout ce qu'il entraîne, à tel point que Frank Costello, qui régnait sur le marché de l'alcool à l'époque voulut racheter les copies du film pour les détruire. Mais le scénario n'en fait jamais trop et se contente de montrer, au fur et à mesure, tous les mauvais aspects que l'alcool peut avoir. Aucune séquence n'est de trop et la mise en scène reste toujours sobre pour être plus efficace. Ray Milland, dans le rôle de Birnam qui lui obtiendra un Oscar et un Prix d'Interprétation à Cannes, est tout simplement parfait, tour à tour odieux, cynique, lyrique, charmeur et désespéré. Le tout souligné par l'excellente partition de Miklos Rosza.
Un superbe documentaire qui retrace parfaitement le destin de LeBron James, au travers de sa jeunesse, de son parcours, et surtout des "Fab 4" devenus "Fab 5", une bande de copains unique qui ont su exploiter cette complicité jusque sur les terrains de basket. A l'aide d'images d'archives des différentes années, et d'un beau travail de reconstitution, nous plongeons dans le destin de la star, mais aussi dans tout le tissu humain qui a permis d'exploiter le talent. Les témoignages des uns et des autres apportent un peu plus de crédit à l'histoire et aux images. Au final, un parcours qui gagne a être connu, un destin tout tracé, mais mis en avant au travers des hommes et du collectif qui ont permis l'accomplissement du joueur. Un film des plus intéressants !
Comme son titre le laisse deviner ce film fait de nombreuses références au roman de J.R.R. Tolkien et à la trilogie cinématographique de Peter Jackson. En fait, le film fonctionne comme une espèce de parodie de films de fantasy, mais qui se déroulerait dans la réalité et avec dans les rôles des héros des gamers. Du coup chaque péripétie et l’occasion de faire une espèce de copier-coller des péripéties que traversent les héros d’heroic-fantasy dans les romans ou les films. C’est plutôt amusant au début, malheureusement cela a du mal à tenir sur la longueur et cette volonté de coller au plus près de la saga “Lord of the ring” amène parfois des scènes un peu ridicules une fois transposées dans la réalité. De plus, l’histoire ne casse pas non plus trois pattes à un canard et les aventures un peu molles de cette bande de gamers (en plus forcément losers [alerte cliché !]) partis pour un tournoi de jeux vidéo sur le thème du Seigneur des Anneaux n’amène pas une intrigue suffisamment excitante pour pallier le ridicule de certaines péripéties. L’interprétation n’est pas non plus très bonne (spécialement l'interprète de Nate qui est assez exaspérant), peu aidée il faut le dire par des personnages vraiment clichés. Bref une petite comédie familiale qui fait le pari du pastiche du film d’heroic-fantasy, mais qui le fait sur une histoire trop faible et un peu trop risible pour que le film soit intéressant. À oublier si vous voulez vous éviter une heure trente-huit d’ennuis.
Je n'ai pas du tout adhéré à ce film qui se résume pour moi à deux adjectifs : lent et vide!
Un drame poignant interprété impeccablement (mention spéciale à Elisabeth Shue), un véritable coup de poing émotionnel et tragique. 15/20
Artiste écossais, Andy Goldsworthy est bien plus qu'un digne représentant du "Land art" et de l'art éphémère : c'est un shaman. Ce film documentaire retrace les processus qui lui font créer et c'est un voyage aux frontières du reve, de la transcendance et de l'éveil qu'il nous convie à partager.
Quelle horreur !!! Les 2 premiers étaient moyens , mais là ... Des révolutionnaires ridicules , ridiculisés, pauvre hugo et pauvres étudiants ... Et Valgean qui pleurniche du début à la fin comme une fillette... Pauvre hugo !! Trahi , en plus , côté adaptation : pas de thenardier dans les égouts et ce qui s'en suit ( l'acteur n'était plus dispo ? ) bref, quand on pense à Gabin et ventura .. Heureusement qu'ils ont été là !
Vous avez bien aimé "Pee-Wee Big Adventure" ? C'est normal. C'est un film très drôle bien servi par la réalisation décalée de Tim Burton. Mais vous n'aimerez pas du tout cette suite. Et pour cause, déjà il n'y a pas Tim Burton derrière la caméra donc adieu pour le côté décalé. Ensuite le scénario est digne d'être écrit par un gamin âgé de 5 ans ayant une angine et les gags sont tous franchement minables et encore en disant cela j'insulte le terme de "minable". A part un gros cacheton à la clé, Kris Kristofferson et Valeria Golino n'ont aucune excuse valable d'être ici. J'ai pas envie de m'étendre plus sur ce navet car ce serait une véritable perte de temps. Pour palier à mon manque d'argumentation, je ne peux que vous conseiller de regarder par vous-même pour voir que le résultat est consternant. Un navet.
Pas toujours régulier dans la qualité de ses réalisations, Ron Howard nous livre ici du beau cinéma sur la condition des immigrés arrivant aux Etats-Unis au XIXème siècle ; certes c’est plus un film d’espoir, de romantisme, d’aventure comme sait le faire Hollywood qu’un film polémique et réaliste mais l'histoire est belle et on s'attache aux rêves du personnage qu'interprète Tom Cruise.
Pour les fans. Un film a petit budget en image de synthèse d'une gorsse heure racontant l'expédition d'une escouade d'Ultramarines à la rescousse d'une relique gardé par deux imperial fists dont la compagnie a été décimée par des légions du chaos. Le scénario est plat tout comme les dialogues ou la bande son. Mais la réalisation tire le meilleur du (faible) potentiel visuel des images de synthèse et l'ambiance warhammer 40 000 est respectée. En attendant un long métrage à plus gros budget celui-ci se laisse regarder sans trop de déplaisir. Une scène : "And we shall know no fear".
Quatuor magique à la barre ou plutôt à la poignée de cette "Valise". Michel Constantin et Jean-Pierre Marielle font merveille en espions ringards amoureux de la pétillante Mireille Darc qui sera la seule capable tout au long du film de les sortir d'un pétrin dans lequel leurs aventures d'espions à la gomme les ont menés. Francis Veber fait mouche aux dialogues. Le film faiblit certes un peu sur la fin mais on ne boude pas notre plaisir à voir des acteurs si convaincants. Michel Constantin en particulier qui était au final un acteur plus subtil que ce qu’on a bien voulu en dire. Les bonus qui accompagnent le DVD sont courts mais intéressants notamment l’interview croisée de Philippe Sarde (compositeur du film) et de Georges Lautner L'imitation par Philippe Sarde de la voix de fausset de Lautner toujours angoissé à l’approche d’un film est un régal.
Adaptée d'une pièce de théâtre et par conséquent très statique dans ses décors, "Arsenic and Old Lace" s'avère pourtant être une comédie fortement rythmée et très plaisante à suivre. Entre la mise en scène explosive de Frank Capra, le jeu survolté de Cary Grant, ou le scénario jamais à cours d'idée, on ne s'ennuie pas une seconde. Le réalisateur parvient également à jouer avec le ton du film, qui oscille entre l'humour bon enfant, l'humour noir, et l'angoisse dans certains passages inquiétants. A voir !
Une belle surprise que ce Close-up ! J’avais beaucoup aimé Le goût de la Cerise et là il en va de même pour cette œuvre atypique qui révèle un réel talent de cinéaste. Kiarostami nous emmène et nous abandonne là, quelque part entre fiction et documentaire, entre l’illusion et la réalité, où sommes-nous exactement ? Chose d’autant plus troublante que le film se base sur des faits réels et a pour interprètes les véritables protagonistes. J’ai trouvé ça juste brillant. C’est un choix de mise en scène très intéressant, comme si on assistait à une reconstitution de crime tout en traitant au passage certains thèmes passionnants comme le problème identitaire dans une société pas si différente de la nôtre au fond où la notoriété, même si basée sur un mensonge, prime en fin de compte sur l’authenticité. On a de plus le droit à une réflexion sur la considération de l’Art comme moyen d’expression mais aussi de salut culturel et socio-intellectuel et sur la justice sociale, d’ailleurs assez étrange en Iran. Les acteurs sont troublants de vérité, la mise en abîme contribue à faire de ce film un docu-fiction atypique. De plus Kiarostami n’oublie jamais de contenter l’œil de son spectateur avec des plans de grande beauté. Un film juste, sincère, terriblement sobre et rempli de pistes de réflexion. Une œuvre intelligente qui place son spectateur au rang de témoin face à cet affrontement entre deux vérités : celle intérieure au personnage principale et celle visible de tous. Un film en fin de compte vraiment très riche et qui m’a vivement intéressé du début à la fin.
Je ne vais pas faire dans l'original. Je ne vais faire que confirmer les critiques dithyrambiques qui sortent sur ce film : oui, Coco est un excellent film, oui, Coco est un des meilleurs Pixar à ce jour et oui, Coco est chef-d'oeuvre de l'animation. Loin d'être un simple film réservé aux enfants (comme d'habitude avec Pixar), le film nous questionne sur la vie, la mort, la famille, les rêves et les êtres que l'on a perdus. Des messages forts qui font échos en chacun de nous. Sur le plan visuel c'est juste sublime (l'Oscar du meilleur film d'animation a déjà son gagnant), la réalisation est au top, les personnages sont ultra attachants et le tout est accompagné par une superbe musique qui ferait danser un mort (sans mauvais jeu de mot). Bref, je ne saurais que trop vous conseiller d'aller voir Coco car vous y verrez le meilleur film d'animation de l'année et un des meilleurs de l'année tout court d'ailleurs. Une réussite totale et un succès critique et public amplement mérité.
hasard de l'oisiveté des vacances de Pâques : scrutant les programmations à la recherche d'un film à se mettre derrière les mirettes, je tombe sur ce film de 1979 avec Iva Bittová, violoniste et chanteuse qui ne se produit que bien trop rarement en France. De sa filmographie, je ne connaissais que Balada pro Banditu, comédie musicale seventies dont elle a co-écrit les chansons avec Miroslav Donutil, et dont j'avais fièrement trouvé le CD il y a quelques années lors d'un périple en Bohème et au delà (je vous parle d'une époque où internet n'existait pas LOL par là suite, j'ai pu voir le film grâce à un site de téléchargement illégal qui a été fermé depuis belle lurette, mais c'était la seule source, alors Saint Hadopi, j'implore votre miséricorde). Contrairement à ce que laisse penser l'affiche et les photos présentées ici, il s'agit d'un joli petit film en couleurs, d'une fraîcheur renversante de charme et de séduction, de fantaisie et de liberté : dans un petit village tchécoslovaque, l'amour contrarié par leur communauté respective (galerie de portraits fantasque et savoureuse des villageois et du campement gitan, d'une drôlerie enchanteresse et piquante) d'un tout jeune facteur, facétieux, avec plus d'un tour dans sa sacoche et d'une jolie tzigane, qui s'aiment dès le premier regard, d'un amour simple et tellement mignon... à noter également la présence au casting de Vera Bílá, chanteuse et musicienne Romani que les amateurs connaissent aussi peut-être. Très beau film, à voir
Une merveille ce film... Le monde ne doit pas manquer à Jacques Demy, mais il manque cruellement au monde...
ce film m'a foutu des frissons, "en été, a 30 degré a l'ombre". foncez.
Un film qui ne m’a pas du tout enchanté tellement le scénario était grotesque. Le jeu des acteurs était affligeant
Ce film, à petit budget, traîte de la terreur qu'administre le FIS à la population Algérienne aussi bien à Alger qu'au bled. Certes c'est vrai mais loin d'évoquer toutes les responsabilités du marasme que vit le peuple Algérien. Un peu déçu.....
Difficile vraiment de dire du mal d'un tel film....Il y avait Montesquieu et les lettres persanes....Ce film en est l'exact miroir....Comment parler de l'Iran en se mettant dans la peau de trois étudiants iraniens vivant en France et décidant de se rendre dan le Sud.....le film est un petit bijou de diplomatie.Et que de sujets abordés, religion, politique, service national, il y a même un cours sur la drague et ses différences entre la France et L’Iran....IL y a aussi une petite allusion sur le physique des gens, par le biais de contrechamps ambigus et qui veulent titiller la pensée.....On a ici un point de vue à la marjane Satrapi, avant qu'elle le se fasse rattraper par le show bizz hexagonal...On est en permanence en équilibre entre humour et émotion, des choses importantes sont dites...L'image et les dialogues sont brillants...Bref encore un joli moment de cinéma....
Curieux comme l'opinion sur un film peut évoluer au fur et à mesure de son déroulé. Au début ça semble pas trop mal, à la moitié du film c'est ni bien ni mal, c'est donc moyen et la dernière demi-heure carrément mauvaise et ennuyeuse emporte le film sous la moyenne. Il faut dire que si la mise en image est assez jolie et la musique de Van Parys agréable, le scénario n'a rien de palpitant. Les dialogues et les attitudes souffrent d'un style ampoulé, Boyer et Morgan ne sont pas trop convaincants, Marten et Arletty font ce qu'ils peuvent, le rôle le mieux joué restant sans doute, celui, pourtant mineur interprété par la jolie Micheline Luccioni. A oublier.
ourg. La lecture seule du casting donne envie de foncer voir ce remake français d'une comédie indépendante américaine. Avec un sujet aussi provocateur(la question de la sexualité masculine entre deux amis heteros),on pouvait s'attendre à quelques dialogues et questionnements corsés. Las,rien ne fonctionne,car Yvan Attal n'ose pas traiter son sujet frontalement,qu'il cherche à imposer une mise en scène branchée et hors-sujet,qu'il ne comprend pas grand chose à la psychologie feminine(une Laetitia Casta à lunettes attendant sagement à la maison,hum...). On ne croit pas un instant au pari fou des deux potes de longue date. Seul les vingt dernières minutes dans la chambre d'hôtel apportent leur petit lot de suspense et de gène. La virilité,elle n'aura pas été éprouvée comme il se doit. Finalement très conventionnel,"Do not disturb" ne vaut son visionnage que pour la cohésion bon enfant entre le couard Attal et le trublion François Cluzet.
Rarement l’imaginaire exacerbé des enfants n’aura été aussi bien dépeint que dans « Baby boss ». Sous couvert d’une intrigue simple (l’arrivé d’un petit frère) le dernier Dreamworks est beaucoup plus intelligent qu’il ne laisse paraître. Si la mise en place est pataude et parfois lourdingue, elle fait beaucoup rire les enfants. Par la suite, le film d’animation devient franchement surprenant, ose même quelques scènes et un humour irrévérencieux et fini de façon très maline (alors qu’il paraissait impossible de retomber sur son landau !). Il n’est pas toujours facile d’accepter l’arrivée un petit frère, l’enfant sent d’instinct la venue de la rivalité fraternelle, il sait qu’il va devoir partager l’amour des parents alors qu’il voudrait rester l’unique. Et une fois arrivé, le petit dernier prend énormément de place, il régit la vie des parents, en somme : il devient le boss ! Ce constat très bien montré dans le film, apporte son lot de jalousie qui pousse le grand frère à fuir cette réalité intolérable. Quoi de mieux que de se réfugier dans son imaginaire ? Et quel imaginaire ! Tim aime l’aventure façon Indiana Jones et Mission Impossible et va nous mener dans un monde touffu, truffé de références, en parfait décalage avec la perception des parents. Nous voilà embarqué dans une aventure rythmée, colorée et variée aux multiples rebondissements. C’est une ode à l’imaginaire d’enfant qui s’offre en prime une satire très critique du monde du travail, de la culture d’entreprise et de l’ascension sociale. Si l’humour est à plusieurs niveaux, au final, ce sont les parents qui se régalent le plus. Le tout est mise en forme par un graphisme rétro, simple en apparence, mais très efficace. Une belle surprise, qui, même si elle n’est pas parfaite, reste tout de même à voir pour l’audace et la mise en image de l’imaginaire !
Une histoire policière on ne peut plus classique, une fin que l'on comprend assez vite, et un jeu d'acteur moyen, bref loin d'être un chef d'oeuvre.
Je ne connais pas la série TV et je suis tombé sur ce film par hasard. Le pitch me semblait sympa. Le premier constat est qu'il s'adresse à ceux qui ont suivit la série. Il y a pas mal de références à des personnages, des événements et des lieux que seules les personnes averties pourront comprendre. Le deuxième est que le scénario est très mal fichu. Alors après une bonne intro prometteuse c'est l'ennui total.
Un film bizarre et brouillon je ne sais pas trop ou le réalisateur veut en venir mais c'est pas clair, il y a un boucher pervers, une femme qui se tape tout ce qui bouge et une autre femme un peu plus jeune qui semble plus calme du moins en apparence. L'ambiance est étrange et on assiste à des scènes tout aussi bizarres. Je sais pas si le réalisateur a voulu faire un parallèle entre la viande et les femmes du genre qu'elles sont traitées sans respect et utilisées juste pour la "consommation" mais on ne peut pas dire que ça soit une grande réussite le rythme est lent il ne se passe pas grand chose c'est dans l'ensemble assez ennuyeux.
1979 fut une année charnière pour le festival de Cannes. Deux Palmes d'Or pour deux films de guerre : l'une parfaitement contemporaine, onirique et surestimée pour Apocalypse Now ; l'autre ancrée dans l'Allemagne des années 30-40, complètement originale bien qu'assez méconnue pour Le Tambour. Film purement visuel, extrêmement bizarre et audacieux Le Tambour de Volker Schlöndorff est une oeuvre inénarrable d'une grande générosité sensuelle. Vision de la montée du nazisme par un enfant précoce, sorte de galerie d'images hallucinantes mettant au défi l'analyse filmique, Le Tambour se ressent comme un spectacle grotesque, guignol, totalement différent de ce que l'on pourrait attendre d'un tel sujet. Le potentiel du roman de Grass est indiscutable, confirmé et soutenu par l'inventivité permanente de Schlöndorff au gré des plans. Dérangeant, peuplé de fulgurances sexuelles et déviantes, Le Tambour est un peu l'étrange rencontre entre la démesure des films de Werner Herzog et les visions merveilleuses d'un Fellini. L'oeuvre est puissante et perturbante, elle est à redécouvrir absolument.
Pour les gens de mon âge, éduqués à la sauce George Lucas, la saga « Star Wars » est une merveilleuse icône qui se situe au niveau « intouchable » du cinéma. Il est donc parfaitement inimaginable de formuler la moindre critique négative, même accidentelle à son encontre. Ceci dit, la substantifique moelle de la série se trouve dans la première trilogie, qui date de notre enfance, entre 1977 et 1983... L'idée de découvrir trois nouveaux films plus de 15 ans après était forcément excitante mais s'accompagnait d'une bonne dose de méfiance. Pourtant, dès les premières images, force est de constater que George Lucas n'a pas perdu la main. Certes, le soufflé épique s'est peut-être légèrement dissipé mais la qualité générale de la production reste bien présente, soutenue par une technique de plus en plus efficace. Les personnages et planètes exotiques, véritable marque de fabrique de la saga, sont toujours présents et le dépaysement est total. On est replongé avec délice dans l'univers des « Jedi » pour découvrir l'histoire d'Anakin Skywalker, personnage central de la série. Les images sont sublimes, les décors somptueux, les effets spéciaux énormes (la course de « pods » est juste indescriptible) et tous mes doutes effacés. La seconde trilogie est indéniablement au niveau de sa grande sœur et cet épisode la débute de fort belle manière. L'histoire continue....
Concevoir le western comme une quête initiatique vers la mort, c’est concevoir l’Amérique moderne comme le fantôme de ses propres espoirs. C’est ce pari fou qu’a relevé Jim Jarmusch en signant, avec Dead man, une œuvre étrange mais véritablement somptueuse qui s’éloigne des décors urbains de ses précédents films. Bercé par une musique lancinante signée par Neil Young, le parcours de William Blake dans ce monde arriéré et hostile est une métaphore poétique sur le passage de la vie à la mort, écrite avec une subtilité mystico-philosophique et mise en scène avec autant de grâce onirique. L’extraordinaire casting réuni par Jarmusch participe à percevoir l’entrée en scène de chaque personnage comme un bonne surprise, d’autant que leurs rôles haut en couleurs et parfois décalés accentuent la perpétuelle rupture de ton qui est faite entre l’esprit fantasmatique de la description qui est faite de l’ouest sauvage et la thématique morbide accentuée par les magnifiques nuances de l’imagerie en noir et blanc.
Ce documentaire reflète parfaitement l'esprit du surf, la liberté, la soif de vagues. Magnifique, au longboard au shortboard, commentaires sympas, belle images, des vagues à pertes de vues, on aimerait y etre ... A voir d'urgence pour tout surfer qui se rescpecte !!
trop hâte de voir son nouveaux spectacle , pas plus tard q' hier j ai re regarder ( mother fucker ), franchement j ai arrêté de compte toute les fois ou je les vue , mais c est toujours une partie de plaisir donc vivement le 23 septembre
Le concept est audacieux mais le résultat n'est pas au rendez-vous. À part quelques minutes qui interpellent sans pour cela nous apprendre, on attend que ça se passe. La poursuite de la caravane sur les routes n'apporte pas grand chose non plus.