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Est-ce encore du cinema lorsque chaque acteur joue un personnage qui pourrait être son alter-ego? La réalisation de Mathieu Amalric est pleine de finesse et de sensibilité et les personnages féminins sont touchants, mais je ne ressent aucune sympathie pour le personnage principal qui en est là à force de mensonges, fausses promesses et manipulations. Il ne reçoit en retour qu'une petite partie du mal qu'il a fait autour de lui. Sans empathie pour ce personnage, son sort n'émeut pas et le film ne fonctionne pas.
Je mets 3 étoiles pour la 1ère impression mais après être retombée dessus, j'ai été déçue!! Film à voir mais pas forcément à revoir. C'est une bonne approche de la relation homme-femme et notamment sexuelle. Les pensées et les commentaires des personnages sont le point fort de ce film mais l'histoire en elle-même est un peu fleur bleue. Un conseil, le voir entre filles et pour les mecs ça pourra peut-être toujours vous servir pour comprendre un peu mieux votre prochaine!! A bon entendeur.
Dans la filmographie de Christophe Honoré, qui se plait à zigzaguer du conte pour enfant à la fantaisie mythologique en passant par la comédie musicale, Plaire, aimer et courir vite marque une étape importante, celle de l'entrée dans la maturité. Ce beau film sage et apaisé sonne en effet comme un bilan très personnel. Difficile en effet de ne pas reconnaître dans le portrait d'Arthur, jeune étudiant breton, une figure de la jeunesse d'Honoré, et dans celle de Jacques, artiste parisien distancié, une représentation de ce qu'Honoré est devenu. La relation des deux hommes pourra donc se lire de plusieurs façons différentes : bien sûr comme une initiation (à double sens) mais aussi certainement comme le regard nostalgique d'un artiste ayant réussi sur l'impulsivité de sa jeunesse. Plaire, aimer et courir vite montre avec une acuité qui rappelle le déjà très ancien Les nuits fauves la sexualité des backdoors et parking glauques, en les différenciant nettement des belles histoires d'amour du film Arthur/Jacques mais aussi Jacques/Marco. Le film parvient, grâce à une mise en scène d'une élégance et d'une fluidité exceptionnelles, à évoquer toute une palette d'émotions intimes. En se consacrant à l'étude minutieuse des états d'âmes de ses deux protagonistes principaux (une sorte de fuite vers une fin annoncée pour Jacques, un pétillement permanent chez Arthur), sans tenter d'approche sociologique ou politique, Honoré réussit là où 120 battements par minutes s'égarait un peu. Le film offre à Vincent Lacoste son meilleur rôle, son naturel insolent et tête à claque entrant ici parfaitement en résonance avec le rôle, alors que Denis Podalydès et Pierre Deladonchamps sont tous deux très convaincants. Une belle réussite.
Ce n’est pas un film raté, il est voulu ainsi. Pour plaire à qui ? Quel public peut il atteindre en 2018 ? A mon avis, plus aucun. Ce film est dans la lignée des OSS 117 avec des cotés déjantés encore plus nets. Que peut-on en dire ? Strictement rien tellement le premier degré est stupide et les images inintéressantes au possible. Est-il démodé ? Non. L’idée était nulle au départ, elle le reste aujourd’hui. En 1968, le cinéma mondial était d’un excellent niveau, ce film n’y a pas sa place.
Pedro Almodóvar est aux commandes de ce film et ça se voit directement, décors aux couleurs criardes qui lui sont chers seront partout dans ce film au scénario hélas, qui était pas mal mais qui s'embourbe par des intrigues superficielles et peu importantes... Victoria Abril surjoue et énerve un peu, mais Marisa Paredes est excellente... De plus, malgré la scène de la chanson de cette dernière, le film ne m'a pas trop ému.. Dommage.
Une comédie romantique au sujet libidineu mais qui reste toujours trés soft. Le seul vrai intérêt de ce film est Josh Hartnett so crunch!!!
Ce film est aussi beau qu'utile car il humanise de manière très réaliste la situation souvent banalisée des réfugiés et de toutes ces gens qui tentent de rendre leur quotidien un peu moins dur. Isabelle Carré simplement merveilleuse comme toujours.
1966. Jean-Pierre Melville réalisait Le deuxième souffle; polar maîtrisé à la mise en scène réussie. Vous verrez dans ce film des plans comme on n'en fait plus -très peu de champ/contre-champ, la caméra suivant l'interlocuteur sans coupe- et des acteurs en grande forme. Malgré cela, on voit bien que l'oeuvre a vieillie et qu'il y a des moments de lassitude. Les anciens polars ont un rythme bien plus lent que ceux de maintenant. Il est donc difficile, parfois, de faire un bond en arrière.
Les suites sont souvent faites pour surfer sur le succès du premier métrage. Le gendarme à New York n'arrive pas à cacher ce manque d'opportunisme. Car il n'a pas vraiment de scénario et mise tout comme tout les autres volet de la saga d'ailleurs sur Louis De Funès. C'est amusant mais pas suffisant pour donner un vrai bon spectacle et une bonne comédie.
Réunir à nouveau l'équipe de l'excellent Chevalier (Brian Helgeland aux commandes, Heath Ledger, Mark Addy et Shannyn Sossamon devant la caméra) avait tout de la bonne idée. Malheureusement, Le Purificateur est un vrai naufrage. Ceux qui survivront à l'ennui provoqué par la première heure, qui est probablement une des plus pénibles et longues mises en place qu'il ait été donné de voir, seront quand même récompensés par une dernière partie plus rythmée qui relève (un peu) le niveau grâce à quelques rebondissements. Le pire, c'est que ce film est sans doute responsable de la fin prématurée du joli début de carrière de Shannyn Sossamon (Les lois de l'attraction). Impardonnable.
Profondément nulle , comme quasiment tous les films de cette réalisatrice par ailleurs. Breillat peut se résumer à cela : cul , perversité , voyeurisme . Quelle fasse carrément du porno !
Franchement cela fut une excellente surprise pour moi. Cet instinct de survie est un film très bien écrit, qui arrive à faire une chose primordiale pour un bon film de genre à savoir bien caractériser son personnage principale, le rendre crédible pour faire jouer l’empathie dans ce qui va lui arriver. Blake Lively tient très bien son rôle et n’est pas pour rien dans la réussite de l’ensemble. Jaume Collet Serra a le bon goût de bien joué la carte du suspens avec son requin en le montrant assez peu le seul plan d’ailleurs où il est vraiment raté est celui où on le voit en entier. Le suspens est bien dosé, il y a quelques effets gores réussis, dans le genre film de requins celui de classe dans les réussites.
film mou et super ennuyeux et surtout surévalué par les note allocine excellent film pour faire la sieste seul le sujet est bon mais pour ma par mal exploité j'ai vraiment était déçu par se film je m'attendais a beaucoup mieux s'est vraiment nul a évité d'urgence
Ici nous faisons face à un film bourré de bons sentiments, ça aurait pu fonctionné mais le sucre en trop grande quantité crée une overdose! Une histoire qui commence bien, un dauphin amputé et des enfants qui mettent tous leurs moyens pour le sauver. Mais les acteurs et le manque de rebondissements font un film à voir sous une mauvaise météo... Perte de temps, pas du tout convaincant!
Une bande crétins s'aventurent en haute montagne sans biscuits. On aura compris que c'est american guignol au sommet des rocheuses. Si encore la réalisation s'en tenait à sa médiocrité, mais il lui faut en plus prendre le spectateur pour un imbécile. Bon, côté scénario, pas la peine de chercher ni midi ni 14 heures, c'est la nuit complète. Côté acting, pas terrible. Côté effet spéciaux, risible. Au vrai, il s'agit d'une production sans intérêt, à éviter coûte que coûte.
Il n'y a même pas de mots pour décrire ce film nul à chier. 1h et demi de niaiseries et de discours fleur bleue avec des personnages tout mignons roses bonbon. Le genre d'histoire d'amour qui fait que des gens y croient et se font descendre dans la vrai vie. Elisha Cuthbert est trop belle et sulfureuse pour que son rôle de fille fofolle/romantique puisse être crédible. Un film inutile à mon sens : navet.
Plus dramatique que Marius ce qui donne sa force. Après c'est toujours la même qualité, tant au niveau des acteurs encore parfaits qu'au niveau des dialogues. A déguster.
Une farce qui ne fait que faire sourire à quelques moment malgré la présence de Claude Pieplu Jean Rochefort et JP Marielle...
Rares sont les films à parler d'infanticide. Celui-ci prend le taureau par les cornes dans le Japon de la fin des années 70. L'histoire est très simple, peut être un peu trop mais elle est traîtée avec une réelle intensité. Dommage que les personnages soient aussi caricaturaux (la mégère; la maîtresse; le mari poltron) et que l'on ne comprenne pas vraiment pourquoi le père agit de cette façon. La fin est quand à elle décevante. Malgré tout, voici un film singulier et rare que l'on ne peut manquer.
Véritable révélation en tout point, The Marriage Circle est une œuvre absolument magnifique. Tout l'amour est là, les rapports entre homme et femme sont si bien représentés qu'il est impossible de penser pouvoir trouver plus juste. Les acteurs nous font voir toutes les émotions sans jamais que nous ne nous détachions d'une tendresse sans limite pour des personnages au caractère extrèmement bien travaillé. D'une portée universelle bien sûr, il s'agit d'un véritable manifeste de l'amour, pouvant rivaliser avec le Sunrise de Murnau. Chef-d'oeuvre de la mise en scène de Lubitsch à travers un maniement des cadres et du montage magistral. La restauration de la copie ayant donné lieu à un accompagnement musical sublime est un moindre hommage à ce premier film américain de Lubitsch, dans lequel on sent déjà les harmonies jubilatoires de The Shop around de corner, Ninotchka, ou To be or not to be, mais qui garde encore les délicieux sourires simples des comédies muettes de sa carrière allemande. Une oeuvre humaniste grandiose à voir et à revoir.
Excellent film d'art martiaux a voir absolument pour les amateurs du genre.
Qu’un réalisateur français ose se frotter à l’univers de Quentin Tarantino, Spike Lee ou Martin Scorsese, cela est déjà assez couillu mais qu’en plus le résultat soit vraiment réussi est réellement une très bonne surprise. Le plus dur reste cependant à convaincre un public français généralement assez peu curieux de la drôlerie et de l’originalité du film de Luc Annest. Si vous voulez prouver aux producteurs français que le film de genre peut fonctionner en France, Nola Circus est le film à défendre en cette rentrée 2016. [lire la critique complète sur le site]
Une relecture mondaine de Dracula qui trahie complètement l'esprit et le contenu du livre. Le héro est un milliardaire qui tient plus de Iron man ou gatsby que de Dracula. Malgré de beaux décors et costumes; la réalisation est très mauvaise comme les acteurs. Une grosse déception pour cette farce.
Ce film veut aboutir à un suspense intense mais n'y parvient pas du tout. De temps en temps, il essaie de faire peur.
Un pur nanar ou les comédiens on l'air d’être venu dans cette galère pour payer leurs impôts et prendre le soleil dans un lieu de tournage paradisiaque ! A éviter...
Incroyable claque visuelle et esthétique. Mais où certains s’arrêtent à la création d’un univers sublimement beau, le réalisateur apporte un plus indéniable en réalisant un grand film fantastique, ambitieux dans son scénario, et terriblement prenant. La création de ce monde urbain gothique et baroque aux tons de couleurs incroyables, à la beauté poétique de l’image servie par des éclairages ingénieux, est au service d’une intrigue intelligence et originale, de visiteurs extra terrestres passionnants, d’une intrigue totalement maîtrisée. Le jeu des acteurs est à la hauteur, William Hurt, la sublime et mystérieuse Jennifer Connelly, la délicieuse apparition de Melissa Georges, tous sont au rendez vous de ce grand film fantastique, film d’auteur de Alex Proyas. Un film sublime.
c'est un film culte certes qui passe et repasse à la télé, mais malgré quelques scènes efficaces, ça relève plus de la douce comédie qu'on regarde pour se reposer le cerveau que du grand film. un bon point: c'est un des rares films où bruce willis meurt... même si c'est de vieillesse...
Du grand guignolesque japonais dans la droite lignée de Tokyo Gore Police (2008) & Vampire Girl vs Frankenstein Girl (2009), tous deux réalisés par Yoshihiro Nishimura. The Machine Girl (2008) reprend le même principe, à savoir : des hectolitres de sang, du gore et du trash toutes les secondes, du grand n'importe quoi sur plus de 90 minutes, autant vous dire qu'il faut être sacrément motivé pour se farcir le film jusqu'au bout. Les amateurs décérébrés de films aussi futiles et sanguinolents seront comblés, pour les autre passez votre chemin car sincèrement il n'y a rien à voir ici, à part une boucherie à ciel ouvert, entre les décapitations, les coups de tronçonneuses, perceuses, sulfateuses, les crânes éclatés, les types éventré de la tête aux pieds et le sang qui gicle comme des geysers. Ajoutez à cela de très mauvais SFX et autres makeup-effects (ainsi qu'un clin d'oeil évidant à Planète Terreur - 2007, où l'héroïne a une sulfateuse greffée à la place de la jambe), autant vous dire tout de suite que ce genre de production japonaise on peut s'en passer ! A noter qu'il existe aussi un spin-off, réalisé par Noboru Iguchi, sous la forme d'un court-métrage (de 22 minutes) à savoir Shyness Machine Girl (2009).
Réjouissons-nous: Nicolas Cage prouve qu'il est encore un excellent acteur. L'ennui, c'est qu'il joue dans un mauvais film. "Joe" convoque en effet tous les clichés du film misérabiliste américain, et la liste est longue, alors accrochez-vous bien. On a au-devant de la scène notre ami Joe qui fume et boit, cherche à se racheter mais ses vieux démons vont resurgir. Puis, le jeune Gary (catastrophique Tye Sheridan) volontaire et maltraité, qui ne peut que s'en sortir. Et maintenant on tape dans le très très lourd avec le vieil alcoolique barbu qui n'arrive pas à aligner trois mots et qui aime fracasser le crâne des inconnus, un condensé de la brutalité américaine en quelque sorte. N'oublions pas aussi le "méchant" de l'histoire, qui a forcément les cheveux gras, porte une cicatrice (évidemment ça va ensemble), et un beau costume noir pour qu'on le prenne un peu au sérieux. Enfin, il y a bien le rôle de la prostituée aimable, et la présence du chien très méchant qui n'obéit qu à son maître. Ce n'est pas inventif, c'est plombant parce que très sérieux, c'est jusqu'à présent le film le plus bourrin de l'année. Horrible.
nul sang bagarre violence gratuite sexe rien de bon
Produit type de série B années 80.
D'un niveau en-dessous du précédent malgré quelques très bons moments.
Tragédie familiale avec un souffle certain. Ici, le mélodrame touche quasi à la chronique de famille et est vraiment puissant par ses dialogues et les images qui sont très belles. Ainsi que par le jeu des acteurs, chaque personnage est intéressants. Pas du tout, pompeux comme d'autres films du genre ou de Sirk.
Seul la présence de Bruce Willis et de Ryan Phillippe rehausse le niveau de ce film moyen.
Ah ! Quel genre magnifique que celui des "teen movies"... avec sa musique de jeunes, sa morale à deux balles, ces jeunes corps légèrement habillés pour que le spectateur regrette son adolescence, son scénario ultra prévisible, ses blagues en dessous de la ceinture. Ce film respecte parfaitement ces conventions. Au début pourtant, l'humour est plaisant, on espère. Mais très vite, l'espoir laisse place à la déception, finir le film relève de l'exploit.
D'emblée, la sublime photographie noire et blanche, enchante et rehausse, si besoin était, des paysages d'une exceptionnelle beauté. Le réalisateur s'est inspiré pour ce premier point fort du film des peintures de Raffet. Aferim ! est un voyage magnifique et cruel dans cette campagne du 19ème siècle de ce coin reculé de l'actuelle Roumanie. Le long des chemins, dans tous les villages traversés, au beau milieu des forêts ou dans une fête de village champêtre, les rencontres sont truculentes. Parfois violentes, non dépourvues d'un humour féroce et grinçant, elles sont traitées sur un ton léger qui tente d'atténuer l'horreur du sujet. Le scénario s'appuie sur des récits et des écrits de l'époque. L'exploitation de l'homme par l'homme avec entre autres celle des tziganes maltraités et rendus au rang de simples esclaves. Les femmes en marge de la vie des hommes, ne sont pas mieux loties. Les étrangers rejetés. "Mon désir consistait à faire un film sur le passé qui ait quelque chose à dire sur la vie d’aujourd’hui en Roumanie (mais pas seulement)." a déclaré le jeune réalisateur roumain, récompensé par un Ours d'argent à la dernière Berlinale. La xénophobie et le racisme de l'époque, résonnent comme autant de rappels dans ce que nous vivons aujourd'hui. Les dialogues retentissent souvent violemment dans la bouche de l'excellent Teodor Corban. Acteur souvent présent dans les films de Cristian Mungiu, il retrouve à la fin du film Luminita Gheorghiu. Tour à tour proverbes ridicules, humiliations, insultes ou menaces diverses ils restent l'un des points essentiels du film dans l'écho qu'ils peuvent trouver dans tout ce que nous pouvons constater de nos jours, encore. Le tour de force du film est là. Dans une mise en scène sans faille aucune, Radu Jude n'impose pas son point de vue. Il laisse le spectateur libre et dans une position inconfortable. Celle de constater que certaines injustices, dénoncées dans le film, restent cruellement d'actualité.
« Abraham Lincoln : Chasseur de Vampires » : le titre en dit long sur les ambitions du film, ce qui n'est pas forcément un reproche. Timur Bekmambetov nous offre comme prévu de la grosse série B qui tâche, ce qui a ses avantages : on ne s'ennuie pas trop, et si l'on n'est pas allergique aux grands coups de ralentis et accélérés, les combats sont efficaces et bien faits. Pour le reste, on est évidemment un peu dans le grand n'importe quoi, à l'image d'une seconde partie n'ayant pas peur du ridicule. Lincoln est en effet devenu Président des Etats-Unis, mais continue de combattre les vampires presque comme si de rien n'était, le réalisateur ne se fatiguant pas trop pour donner une réelle épaisseur à son propos. Vous me direz que l'on était pas franchement venu pour cela et je suis bien d'accord ; néanmoins, aussi improbable soit le point de départ, je pense qu'il n'aurait pas été idiot d'ancrer dans un contexte plus « réaliste » et poussée le scénario, au lieu de se contenter d'un cours d'Histoire pour primaire (en gros, ce vieux Abbie a une barbe et a été un fervent opposant à l'esclavage), seulement relevé par quelques clins d'œil amusants. Paradoxalement, c'est pendant la première heure, au moment où le fait que ce « chasseur » soit Lincoln n'a pas grande importance, où l'on trouve les meilleures idées et inspirations, à l'image de cet intrigant personnage qu'est Henry Sturges, moins présent par la suite. Bref, presque sympathique ce faux nanar plutôt punchy et spectaculaire (l'affrontement final dans le train est un beau moment), mais trop crétin et simpliste (ouh les méchants ghoules forcément sudistes!) pour séduire vraiment.
Une mise en scène brillante, conceptuelle aux images magnifiques, cependant, le film se répète et tire sur la longueur. De bonnes choses et d'autres beaucoup moins réussies, entre grandes richesses et pauvretés extrêmes, croyances chéretiennes et naissance du monde, Terrence Malick nous noie, comme dans "Tree of Life", dans une proposition brouillon, excessive et soporifique. L'ensemble aurait pu faire un excellent film d'une heure ou une nouvelle pub pour "Eau Sauvage", ou sur les belles propriétés d'Hollywood. Un montage incroyable, un repérage immense et une photo sublime qui ne sauvent pourtant pas le bateau qui s'enfonce dans un chapitrage trop ambitieux sur la durée.
Au Maroc (de 2000 à 2004) les effets des travaux de l’instance Équité et Réconciliation sur les survivants et les familles de disparus des bagnes du roi Hassan II. Mise en place par son fils Mohamed VI, cette commission avait une quadruple mission : établir la vérité sur les violences commises par l’État, jusque là passées sous silence ; offrir réparation aux victimes et aux familles et assurer, le cas échéant, leur réintégration ; prévenir le retour d’événements analogues ; réconcilier la société marocaine. Les responsables de la répression n’ont pas été nommés ni jugés individuellement, telle fut la règle de cette commission extra-judiciaire. Le film est dédié à la mémoire de Driss Benzekri, président de la commission. Il ne nous présente pas le récit historique de la répression mais mène, de son côté, son enquête auprès de la famille d’un syndicaliste inexplicablement disparu, d’un fils qui n’a pas eu le temps de connaître son jeune père, ou d’un vieux militant révolutionnaire rescapé. La plupart sont d’abord muets, comme pétrifiés. La parole et la mémoire reviennent lentement. Les vieilles femmes évoquent leur analphabétisme et leur ignorance, le silence absolu de leurs maris sur leurs activités, l’inutilité de remuer les cendres du passé, l’impossibilité de ressusciter les morts. Reviennent la peur qui régnait alors et assurait le silence, avec la honte très forte d’appartenir à une famille de réprouvés et l’incompréhension totale de ce qui se passait. Celui qui a été torturé dit que la torture ne se raconte pas... Entre scepticisme, espoirs, déceptions et travail de deuil, ces portraits sans manichéisme donnent vie à un épisode essentiel de l’histoire récente du Maroc. Les images nous mènent d’un univers à l’autre : intérieurs modestes, immeubles faiblement éclairés dans la nuit angoissante, et univers clair et lumineux de la modernité où travaille la commission. Entre l’épaisseur de la mémoire et la nécessité de l’histoire,a justice avance à tâtons.
Même si tout a été dit dessus, on ne peut que frémir devant cette oeuvre fascinante et inclassable de Charles Laughton. Forcément, après l'avoir vu, comme tout un chacun on regrette qu'il s'agisse du seul long-métrage de son auteur. Celui-ci y a non seulement injecté sa maîtrise indiscutable mais aussi sa profonde culture cinématographique, lorgnant ici du côté du cinéma expressionniste allemand. Oui, "La Nuit du chasseur" c'est un peu le "M le Maudit" américain, dont les bases sont transcendées par un astucieux mélange des genres. Ici Petere Lorre est remplacé par l'immense Robert Mitchum, dont le charisme et la voix lorsqu'il entonne sa complainte invitent simplement au respect. Sur le plan thématique, Laughton signe le plus grand film de tous les temps sur la lutte entre le bien et le mal. Cette analyse ciselée de la psychologie humaine est véhiculée par des idées visuelles entrées dans la mémoire collective. Plastiquement, le film est enfin superbe et il faut souligner le travail exceptionnel du chef opérateur Stanley Cortez, dont on n'est pas prêts d'oublier les nuits étoilées.
J'ai vraiment essayé de rester impartiale mais il est difficile de ne pas le comparer à intouchables. Ici, les acteurs sont plutôt bons, hélas l'émotion et la subtilité manquent cruellement. À part deux ou trois répliques bien sympas, le reste est assez moyen, je préfère de très loin l'original.
(...) un film confidentiel qui comme les autres bénéficie toujours, quand les circonstances les font sortir de l’ombre, d’une aura particulière, d’un cachet en quelque sorte, qui influence plus ou moins la perception du public et des critiques à leur égard. Flop à sa sortie, le film est maintenant considéré comme un film-culte et même un chef d’œuvre. Contemporain de son époque il convoque, en filigrane ou de manière explicite la guerre du Vietnam. Maladif comme son personnage principal, le film interroge sur le retour après un tel conflit. Il ne faut pas oublier que pour les États-Unis se fût un échec cuisant; qu’ils ont du mal encore aujourd’hui à digérer. C’est en ça que le film d’ yvan Passer est fort. Ce sont les blessures (auxquels le titre français d’exploitation faisait référence) qui ont stigmatisé le peuple américain (... L'intégralité de notre critique, sur Le Blog du Cinéma
De très bons frissons en salles obscures. A réserver aux amateurs du genre qui ne cracheront pas sur les ficelles bien traditionnelles de ce genre de thriller-horreur.