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Mauvaise adaptation, très libre, d’un roman peu intéressant d’un Douglas Kennedy en veine d’inspiration… ça ne pouvait pas donner un chef-d’œuvre… et on en est loin ! C’est long, ennuyeux, pataud ; ce n’est ni un film fantastique, ni un thriller, ni un drame psychologique, seulement une sorte de bouillie pour chat insipide. Seule la qualité esthétique est respectée : cadrage, couleurs, décors travaillés. Kristin Scott Thomas fait quelques apparitions remarquées pour son charme et son aura mais ne se foule pas trop quand même ; Ethan Hawke, aussi expressif qu’une tondeuse à gazon, nous ferait plutôt sourire (jaune) dans ses galères ; quant à Samir Guesmi, il nous fait carrément gondoler dans son rôle de méchant en roulant des yeux de junkie. Bref on frise la catastrophe ! Un bon point : il est court !
Série culte, disco, fun. De la science fiction mais sans se prendre la tête. Une des séries les plus cool des années 80. Un humour omniprésent, un côté james bond. Le pilote est vrai petit bijou (sans compter la présence féline de Pamela Hensley : toute en frime dans son rôle de princesse de l'espace...). Les acteurs principaux : Gil Gerard, très charismatique et plein de charme et la merveilleuse Erin Gray. Des effets spéciaux qui pour l'époque tiennent la route.
C'est un très beau film dramatique très touchant, réaliste, juste. Bouli Lanners est formidable dans ce rôle.Et contrairement à ce que dit un ou une internaute faisant une très mauvaise critique, ce film a été bien noté oui mais par des gens ayant déjà émis des critiques avant et l'ayant vu en avant-première, comme moi, tout simplement.
Une femme piégée est un téléfilm très moyen de John Murlowski. La mise en scène reste très académique, le scénario est prévisible, les dialogues sont à revoir et le métrage est ennuyeux. De plus, les acteurs comme Meredith Monroe, Brian Dietzen ou encore Lochlyn Munro ne sont pas forcement juste dans leurs rôles.
Film captivant de par ses personnages et leur histoire. On rentre progressivement dans le monde de Ray Joshua qui pour vivre deale gentiment sans se rendre compte du mal qu'il répand. Un jour, il se fait arrêter en flagrant délit et la prison le pousse à chanter. Joshua est un poète qui s'ignore et la prison va lui faire découvrir ce don...
Et dire que j'ai dû me retenir pour ne pas pleurer comme une madeleine... Ca aurait été la première fois, alors vous comprenez, je me devais de garder ma fierté ! "Cria Cuervos" a été réalisé par Carlos Saura en 1975 dans une période de libéralisation du régime Espagnol puisque Franco, déjà vacillant depuis plusieurs années, n'allait plus tarder à rendre l'âme (pour peu qu'il en ait eu une). Chronique décalée et atypique d'une enfance meurtrie, le film narre en fait l'existence glauque d'une fillette se créant son petit monde afin d'échapper à la réalité. Habile, le générique laisse défiler plusieurs clichés de notre héroïne à des époques différentes, quelquefois entourée de ses proches : cela permet au spectateur de très vite cerner la situation avant même que le film n'ait démarré ; on évitera ainsi les présentations d'usage. Drôle et terrifiante, la première scène rentre très bien dans l'oeuvre, attaquant frontalement son sujet et se posant comme le premier bout du puzzle constituant un scénario alambiqué et troublant mais ô combien passionnant. Les rêves de la petite fille se mélangent avec ses souvenirs, des instants qu'elle croit avoir vécu et qu'elle incorpore dans une vie dont elle ne parvient à saisir les limites. Les morts reviennent lors de séquences surréalistes dans l'esprit d'une gamine à l'imagination débordante. Et puis, quelquefois, "Cria Cuervos" repose les pieds sur terre, analysant sereinement et magnifiquement l'enfance, son ennui, ses instants de grâce. La musique emporte le public dans un amas d'images splendides, renforcées par une photographie sobre ayant très bien traversé l'épreuve du temps. Les fillettes sont bouleversantes de justesse et les adultes illustrent très bien le contraste entre les mondes séparés de deux générations. Carlos Saura que je découvre m'avait fait bonne impression avec "Vivre Vite" : il m'a plus qu'ému par l'intermédiaire d'un film puissant et déroutant, à voir et revoir par plaisir comme par souci d'analyse.
Inspiré mais mal écrit et affreusement banal. Rien de nouveau donc.
Si des scenètes sont intéressantes et donnent un visage de l'Afrique loin des clichés guerriers ou folkloriques habituels, on peut regretter le manque de fil directeur. Ce pseudo-documentaire est donc très confus et paraît conséquemment fort long...
Une véritable perte de temps ce film, stupide, infondé et provoquant à la haine, aucun fond juste stupide
La vérité comme une éclaboussure... C'est peut-être par cette violence fondamentale que s'exprime la beauté du cinéma de Pier Paolo Pasolini. Sans doute au travers d'une caméra placant l'Homme au centre du Monde, laissant Dieu bavarder seul avec les cordes de Jean-Sébastien Bach ; ou peut-être au détour d'une banlieue aride, vétuste, décor de fortune d'un premier long métrage unique, tragique, irrécupérable : le bien-nommé Accatone. Rares sont les films ayant abordé le thème du proxénétisme avec autant de passion, autant de poésie, autant de dignité. Pasolini, avec les moyens du bord, burine le visage anguleux de Franco Citti d'un soleil écrasant, sculpte le cadre dans son plus simple appareil. Son oeuvre est modeste sans être chiche, précieuse sans être riche. Car si le luxe peut-être un leurre pour le cinéaste la pauvreté lui permet de dévoiler l'âme humaine, de la mettre à nu aux yeux du spectateur. Violent, lyrique, flamboyant même, Accatone est un petit chef d'oeuvre désarmé sur un Homme en quête d'absolu : recherche existentielle mêlée de fatigue, de brutalité mais aussi de douceur et de pureté, le chemin d'Accatone est un poème en prose, trace éventuelle de tous les laissés-pour-compte de notre petit Monde. Evident et déchirant.
Un petit film sans prétention qui s'avère être une bonne surprise mélangeant adroitement suspense horreur et humour noir. Cette histoire de fous évadés d'un hôpital psy s'en prenant a un médecin et a sa famille aurait pu être très fade.Cependant, le tout est filmé de maniere a tenir en haleine le spectateur jusqu'au bout en incluant dans l'histoire la presence d'un autre dégénéré au sein de l'intrigue.Et puis, comment ne pas rire lors de scenes telle que celle où un des cinglés joue le babysitter aupres d'une gamine autaine qui le remet presque a sa place, alors qu'il tente de l'attaquer! Bref, un bijou de serie b
Le voyage de Tanya nous embarque comme passager à l’arrière de la voiture conduite par Miron. Il s’en va, le bougre ,avec son ami Aïst, incinérer sa femme et propager ses cendres dans une rivière. Dialogues minimaliste, paysages tristes, plans ennuyeux et longs pour ne pas dire inutiles. Ce voyage ne dure qu’une heure quinze, mais je l’ai trouvé éprouvant et interminable ; et en plus, on flâne dans Auchan ! C’est bien fait pour moi, on ne voyage pas après une journée de huit heures de boulot ! L’avantage : on peut se dispenser d’un somnifère. Désolé, cette poésie ne m’a pas du tout sensibilisé. J’ai eu froid et sommeil tout au long de ce voyage.
Un bon film Réalisé par Jesse Peretz Avec Zach Braff, Amanda Peet, Jason Bateman, plus
Film très moyen, au scénario alambiqué, moyennement compréhensible et tout à fait invraisemblable; les acteurs sont à la hauteur; mais tout, scénario, jeux des acteurs, dialogues et mise en scène, ambiance, personnages, sont très convenus, très cliché et rappellent mille et une fois tous ces polars des années cinquante qui, finalement, se ressemblent peu ou prou. Pas de surprise donc, petit ennui, longues longueurs; Lizabeth Scott est ravissante et nul doute que Bogart doive faire encore rêver quelques femmes centenaires.....
Jodie Foster est une grande actrice,mais il est fort dommage qu'elle ne fasse pas plus souvent de films en tant que réalisatrice tellement elle est doué.Le scénario est classique mais les personages ainsi que les situations sont beaucoup plus profondes qu'elles n'y paraisses,Robert Downey JR est exeptionnel dans son role de marginale doté d'un humour vachard,le este de la distribution est tout aussi bon! Jodie Foster est une grande directrice d'acteurs car il faut voir comment ses acteur joue bien dans ses films(Le Petit Homme),les situations sont tantot droles ou émouvantes accompagné d'une musique tout en finese. On retrouvera enfin Jodie Foster comme réalisatrice dans Flora Plum!
La plupart des films de la Shaw Brothers ont mal vieilli. Bruitages poussifs, personnages caricaturaux, mouvements de caméra ridicules (avec ces fameux zoom que l'on ne présente plus), décors en carton pâte... Même si certains comme la 36e chambre de Shaolin ont marqué les esprits, ce n'est pas le cas de ce "Un seul bras les tua tous" (rien que le titre fait frémir). Le film regroupe tous les défauts habituels du genre, sauf qu'en plus, les chorégraphies sont molles et sans imagination. C'est dommage car l'histoire, même si elle n'est pas géniale, recèle tout de même quelques idées agréables. Les péripéties du sabreur manchot auraient pu être bien plus attractives... mais ça ne prend pas.
Le premier volet de la trilogie Jason Bourne est, pour le moins, très efficace. Un scénario bien écrit, une interprétation sans faille de Matt Damon, des scènes d'action et de courses-poursuites très bien rythmées et une réalisation convenable font de cette Mémoire dans la peau un très bon film d'action. Ce premier opus nous révéle certaines choses sur le passé de Jason Bourne mais laisse, bien évidemment, les questions les plus cruciales en suspens pour garder le suspense intact jusqu'au troisième opus.
Personnellement j'ai trouvé que s'était un très beau film, il sera sans doute pas au goût de tous le monde car l'histoire peut paraître du déjà vu pour certain. Cependant il y a des très belle scènes de danse, il y a un petit côté magique, c'est une histoire qui fait rêver. Je pense que ce film peut sensibiliser plutôt les jeunes ou alors des grand(e)s romantiques comme moi ;)
Je n'irai pas par quatre chemins, "Le petit locataire" est sans doute la comédie française la plus réussie depuis des mois ! Avec une situation par vraiment drôle au départ,"car être enceinte à 49 ans alors qu'on pensait être ménopausée, peut se voir comme une catastrophe et donner un film sociétal bien sérieux, le premier long métrage de Nadège Loiseau est un coup de maître. Il y a beau y avoir un scénario en béton, des dialogues pétillants, des acteurs tous plus épatants les uns que les autres, le film pourrait tomber dans le tout venant des films distrayants. Sauf qu'ici il y a des plus. Tout d'abord, il y a un vrai rythme de comédie qui ne faiblit jamais, comme au bon vieux temps des comédies américaines. ( Ah ! la scène dans la cuisine entre Karin Viard et Antoine Bertrand et la formidable utilisation des portes !) et surtout il y a un vrai regard sur les personnages. Nicole et sa famille sont des ouvriers vivant dans un pavillon tout ce qu'il y a de plus lambda. Jamais la caméra de Nadège Loiseau ne les prend de haut. Elle les aime ses personnages. Elle évite tous les clichés qui auraient pu les rendre Groseille comme chez Chatilliez ou tomber dans une description grisouille. Ils sont comme ils sont, avec leurs faiblesses, leurs coups de gueules, leur désordre, leur rire, leurs emmerdes. Ils sont vrais à l'écran car magnifiquement interprétés par des acteurs tête d'affiche, Karin Viard évidemment, absolument incroyable encore une fois, Hélène Vincent et Samy Rebbot d'une justesse extrême, drôles et touchants à la fois et une pléiade de seconds rôles tous parfaits, tous dirigés avec maestria. Même le générique de fin arrive à surprendre, créatif et rigolo, comme une cerise sur le gâteau. La fin sur le blog
Un grand merci à Arte d’avoir rediffusé « Ma vie en rose ». J’ai eu un coup de cœur pour ce film, réalisé il y a plus de dix ans par Alain Berliner, l’un des auteurs de la saison 2 de Clara Sheller. Son film de 1997 n’a pas pris une ride. L’émotion est toujours là, intacte, sans pathos inutile, sans effets appuyés. La réalisation laissant une large place à l’onirisme nous fait entrer dans cette famille déchirée par les penchants innocents de l’enfant pour ce que les adultes appellent se déguiser. Ludovic qui a 7 ans et devrait donc se conduire « raisonnablement », est en quête de son identité. Il est persuadé que Dieu par distraction a laissé tomber dans la cheminée le chromosome Y qui lui était destiné. La plupart des scènes se passent sans illustration musicale ce qui accentue leur côté en même temps coup de poing et décalé et laisse le spectateur libre de ses émotions, non téléguidées alors par la musique. Les couleurs sont acidulées, franches, faisant ressortir par contraste la détresse du petit garçon et de ses parents. Cette manière de filmer est magistrale. Les parents, passant de la perplexité au désespoir, ne sont pas présentés de manière manichéenne : l’influence délétère de l’entourage se fait aussi sentir sur eux, les grignote insensiblement. Saluons l’excellence du jeu sobre et retenu, profondément émouvant, de Michèle Laroque et J.P. Ecoffey. Ce n’est pas un film sur l’homosexualité, ce thème est seulement soulevé par les adultes qui stigmatisent l’attitude du petit garçon en projetant sur lui leurs problèmes de grands et en le culpabilisant, et l’hypocrisie de la société est alors dénoncée avec drôlerie et pertinence. Je vous laisse découvrir la pirouette dont se sert le réalisateur pour s’échapper du drame dans lequel le film s’enfonçait peu à peu. Cette option vient détendre l’atmosphère sans rien enlever à la gravité du sujet. Il est à noter que le touchant Georges du Fresne interprétait le rôle de Marcel Proust enfant dans « Le temps retrouvé".
Excellent film sur les coulisses de la boxe, la meilleur réalisation de Mark Robson qui a une carrière honnête et une belle sortie pour Bogart pourtant très atteint par la maladie.
Pierre Wesserlin, musicien Américain, mène une joyeuse vie de bohème à Paris et dépense sans compter, en attente d'un héritage d'une tante. Il accumule ainsi les dettes, jusqu'à ce qu'il apprenne qu'il n'est pas héritier. Ses créanciers lui coupent alors les vivres et ceux qui se prétendaient être ses amis le quittent. En plein mois d'août, sous un soleil brûlant, ou il traverse une partie de Paris par Neuilly-sur-Seine, par l'avenue de la Grande Armée, Champs-Elysées ayant soif et faim, se retrouve seul et démuni dans la capitale désertée ou il frappe à la porte de plusieurs personnes sans réponse et ne cherche plus qu'à survivre du côté des quais, mais refuse de travailler mais son signe zodiacal le protège. Devenu clochard, il touche le fond, et rencontre un comparse clochard ou avec lui, il fait des numéros de rues jusqu'au jour ou deux de ses amis qui le chercher, le reconnaisse puis finalement, touchera l'héritage de sa tante.
Un film particulièrement poignant, foûtrement beau. De cet original et drôlement absurde sujet de départ (la découverte par un homme du processus de canonisation de sa mère), Bellocchio réussit une oeuvre à part, émouvante et poétique. Le personnage d'Ernesto, sympathique comme tout, semble perdu dans un monde étrange auquel il a heureusement échappé et qu'il ne connaît pas, celui de l'Eglise et de la soumission. Désarmé mais résistant. Son athéisme fait figure de rebellion face à l'ordre établi, face à la convention familliale. Sergio Castellitto, héros tragique à la dégaine fatiguée de quarantenaire en crise, est fantastique. C'est avec lui que nous vibrons durant tout le film. L'amour paternel, la rage contre la famille, la remontée des souvenirs, le coup de foudre : tout est d'une intensité incroyable. Chaque scène, filmée dans un magnifique clair-obscur des plus mystérieux, semble subtilement nous parler à tous. Sorte de profession de foi athée, le film exalte la force de l'art et de l'amour face à l'obscurantisme et la superstition. En permanence, la frontière entre rêve et réalité est floue, lointaine. Cette atmosphère onirique fait du Sourire de ma mère, bien plus qu'un film de gauche anti-clérical, une réflexion sur le pouvoir du souvenir, la pression familliale, la culpabilité aussi. C'est un film mélancolique mais qui n'en oublie pas pour autant la pincée d'humour requise pour être réaliste. Une ambiance de presque-polar, puisque le questionnement est permanent : qui était vraiment la mère d'Ernesto ? Une sainte ou une femme stupide qui abreuvait ses enfants d'interdits religieux ? On ne tranchera pas, mais l'obstination de la famille d'Ernesto à se convaincre de la première solution est risible. Le Sourire de ma mère, de par l'alchimie parfaite des images, de la musique et du jeu des acteurs, est un grand film doux et envoûtant.
Quoique des têtes tombentJe ne suis pas du genre à dire que ce film est un film d'horreur ou encore d'épouvante : je trouve les termes un peu fort, moi qui est vraiment horreur du gore et autres films du style. Les mélodies de ce film sont superbes à mon humble avis, et je me relaisserais facilement tenter pour le revoir!
Très bon western spaghetti haut en couleur avec des personnages bien typiques de cette époque révolue.
Un magnifique conte de Yann Samuell qui se révèle avec ce petit bijou qu'est "Jeux d'enfants". L'histoire est magnifique et surtout très bien réalisée. Le duo Guillaume Canet / Marion Cotillard est terriblement charismatique et donne encore plus de force au film.
Le film qui restera le plus grand chef d'oeuvre de Walt Disney est aussi un des films les plus important de l'Histoire du Cinéma.S'adressant à l'enfant qui est en chacun de nous,on rit,on pleure,on est ému...Les chansons ponctuant le film sont devenues cultes,la psychologie des personnages est bien définie,c'est un des plus grands,un des plus beaux spectacle que j'ai vu de ma vie de cinéphile.
j'ai passé un très bon moment en regardant ce film. l'histoire est touchante, les acteurs jouent très bien et j'ai bien aimé le côté chinois/japonais. à voir en vo bien sûr !
Encore un film sous tension, il faut dire que la réalisation est inexistante et que le scénario vraiment léger, dommage, car les acteurs semblaient s'être vraiment impliqués.
C'est un très bon film. J'ai apprécié l'atmosphère et le scénario excellent! Les acteurs sont bons également.
Après l’émotion et les multiples références à l’œuvre de Terence Hill de Doc West, cette deuxième partie de ce double téléfilm laisse de côté la lutte entre ces deux familles pour le contrôle d'un morceau de terrain. On ne saura pas qui gagne en fin de compte. Ce qui prime, c'est la construction d'un hôpital que Doc West va mettre en œuvre pour les beaux yeux de l'institutrice du village. Et pour ce faire, autant organiser un tournoi de poker avec les principaux joueurs de la région. Donc, il faut plutôt voir dans L'Homme à la gâchette un ersatz du Mort ou vif. Là où le western de Sam Raimi n'était qu'une succession de duels, L'Homme à la gâchette est une succession de parties de poker entrecoupées par les intermèdes amoureux des deux frères Baker. On peut trouver ça gnan-gnan et la morale bon enfant loin de certains westerns assez sombres des années 60. Il faut plutôt voir Doc West/L'Homme à la gâchette comme une lettre d'adieu de Terence Hill à un genre, le western, qui lui a tout donné tout au long de sa vie. Qu'en 2009, à soixante-dix ans, il soit encore là à en tourner pour la télévision italienne, je trouve ça que ça mérite le respect. Trinita lui-même pourrait être fier de ce brave Doc West.
Juste un question d'amour est un tres bon film traitant l'homosexualité. Je trouve que l'homosexualité est tres tabou pourtant l'amour represente deux personnes qui s'aiment apres que se soit 2 hommes ou 2 femmes ou un hommes et une femme c'est leur probleme ,il ne fnt rien de mal au contraire ils veulent être heureux tous simplement ,Y a t il quelquechose de mal la dedan ? je ne pense pas mais apres je pense que les seule gens qui accepte l'homosexualité sont des gens tres intelligent , mature et tolent et cela est la plus grande richesse de l'Homme et c'est une richesse gratuite. En esperent qu'un jour les gens changent de regard sur les homosexuels car en regardant bien il y a pire que ca dans le monde ...
Super film riche en rebondissement ainsi qu'en humour .....
En faisant de la détresse sociale de ses contemporains, qu’il avait jusque-là traitée avec gravité au travers du courant néoréaliste, comme support à un humour plein d’entrain, Mario Monicelli a ouvert la voie à un style de comédies qui devint le cœur de la production italienne dans les années soixante. Le simple fait d’avoir réuni un casting aussi prestigieux, Vittorio Gassman et Marcello Mastroianni (qui devinrent tous deux des figures emblématiques du genre) mais aussi Toto déjà connu en Italie pour ses comédies, avait de quoi assurer à Le pigeon un accueil public favorable mais le fait de voir cette joyeuse de cambrioleurs maladroits se démener pour accomplir leur forfait s’avère un spectacle aussi hilarant qu’émouvant. L’autre bonne surprise du casting est cette actrice inconnue qui deviendra la star qu’on connait, la magnifique Claudia Cardinale. Le ton très burlesque des gags et du jeu des acteurs de cette pitrerie et la peinture amère de son contexte forment un cocktail vraiment particulier qui, un demi-siècle, garde tout son impact tragicomique.
A l'heure des grands débats sur la semaine idéale dans nos écoles françaises, voilà un film qui nous remet en place. Car pour beaucoup d'enfants, l'école est difficile d'accès. Mais la soif d'apprendre est si forte qu'ils sont prêts à livrer bien des combats, soutenus par une volonté de fer et des parents qui souhaitent voir leur enfant accéder au savoir. Ce joli film nous montre le quotidien de 4 enfants, de 4 pays différents. A pieds, à cheval, en fauteuil roulant, leur trajet jusqu'à l'école leur fait traverser la savane kényane, la pampa argentine, les montagnes de l'atlas marocain et les obstacles de la région du bengale. Plus de 10 km chaque jour, avec son lot de danger et de courage, à s'occuper de plus petit ou de plus faible que soi. Et enfin, la voilà, l'école ! La connaissance ! La fierté d'apprendre ! On souhaite bien du bonheur à ces enfants exemplaires. Et à tous les autres. Et que nos enfants comprennent leur chance... que la semaine dure 4 jours ou 4 jours 1/2 !!!
A mon humble avis ce film n'a pas bénéficié de la promotion qu'il aurait mérité. Le sujet est original, le casting prestigieux, la mise en scène impeccable, pas un instant de ce film où l'on s'ennuie, le moine interprété par Toni Servillo est plus vrai que nature. Nous sommes aux antipodes de la bluette sans intérêt de LA LA LAND qui a elle été porté par une critique dithyrambique. A ne pas rater
Tout juste post-oscar pour Marion Cotillard, j'étais intrigué par ce film français qui devait valoir le coup pour que l'actrice y soit à l'affiche. La première impression est souvent la bonne... et ici, c'est le cas parce que l'histoire est très longue et mal racontée. C'est comme un somnifère qui joue avec des artifices sans nuances... Les acteurs sont très mauvais et c'est surtout eux qui empirent le film par un surjeu évident: Guillaume Canet et Marion Cotillard en font les frais. Peut-être que si la mise en scène était plus dynamique, mieux travaillée et moins plate, le jeu de ces derniers aurait pu être plus cohérent. Seul Guillaume Marquet, acteur que je ne connaissais pas, paraissait intéressant dans son rôle. Le décor du désert est bien figuratif de l'état de notre cerveau; c'est le calme plat et l'histoire nous parait inabordable, distante et ennuyeuse. Seuls les paysages et la musique valent le coup d'oeil, et encore! A quoi çà sert? A rien, et je me demande toujours ce que Cotillard fou là-dedans...