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Alexander Payne en rétrécissant son héros n’a pas l’intention de nous faire un remake de « L’homme qui rétrécit » et de livrer son petit héros face à la grandeur des éléments qui l’entourent. Non, le cinéaste américain nous livre ici une fable engagée lui permettant sous ses allures fantastiques d’évoquer des problèmes sociaux et environnementaux actuels et bien réels. C’est remarquablement mené, le scénario ne manque ni de rigueur, ni d’audace, ni de surprise, ni de rebondissements. Matt Damon en tête d’affiche est comme toujours impeccable, Christoph Waltz livre à nouveau un second rôle plein de cocasseries. « Downsizing », plutôt fraichement accueilli à sa sortie, mérite vraiment une seconde chance.
4 étoiles pour l'originalité du scénario et le coté "politiquement incorrect" qui fait du bien face à tous ces navets j'ai nommé: Les comédies romantique!
C'est vraiment un reportage authentique je pense que j'ai jamais eu autant de diversité émotionnelle en regardant un reportage de l'euphorie au larme à l'oeil sur tout le travail qu'elle assume c'est vraiment frustrant une vie d'une star planétaire comme Lady Gaga.
Quant on est fan d'une BD comme "les aventures d'Astérix", c'est toujours assez navrant d'en voir l'adaptation cinématographique. La chose que les réalisateurs (ou les producteurs) ne parviennent pas à comprendre, c'est que l'on ne fait pas un film comme on écrit une bande dessinée. Ce qui fait rire sur du papier n'aura pas forcément le même effet sur un écran de cinéma. Ainsi Laurent Tirard adapte consciencieusement chaque case des deux albums dont le film est tiré pour aboutir à l'épisode le plus fidèle à la BD d'origine parmi les 3 précédents volets. Et c'est une horreur. C'est kitsch, mal joué et jamais drôle. Il faut dire que la comparaison avec le film de Chabat est difficile. Sans doute car ce dernier avait réussi à trouver le parfait compromis entre l'humour à double lecture de Goscinny et un humour plus personnelle, influencé par les nuls et "l'esprit canal". Je vais plutôt me replonger dans les albums originaux, qui eux, me feront toujours rire (et puis il n'y a ni Vincent Lacoste, ni ces têtes à claque de BB brunes !)
Un film très attachant et plutôt poétique. L’histoire nous embarque dans une aventure sentimentale improbable, et très sympa
Pour un de ses premiers films parlants, Cecil B. DeMille réalise avec « The Sign of the cross » un drame historique absolument magnifique, car dotés d’une superbe histoire, d’impressionnants décors et d’une mise en scène comme seul ce réalisateur savait le faire durant cette période du cinéma. D’ailleurs, il y a quantités de séquences mémorables tout au long du métrage, comme celle du bain de lait de l’impératrice dans sa piscine ou encore toute la partie concernant les jeux du cirque qui sont d’une rare violence pour l’époque. Côté casting, on retiendras notamment les grandes performances de Fredric March ( Marcus Superbus ), de Elissa Landi ( Mercia ), de Charles Laughton ( Neron ) ou encore de la sublime Claudette Colbert ( Poppée ). Cette dernière interprète d’ailleurs avec beaucoup de talent une des femmes les plus vicieuses de l’histoire du cinéma. On est donc en présence d’un film à grand spectacle d’anthologie et qui mériterait de figure parmi les plus grandes réussites de son auteur.
Pas vraiment convaincu par ce long métrage. L'histoire (vraie) n'est pas super intéressante, du moins pour moi mais s'il n'y avait que ça, cela ne m'aurait pas dérangé. Les acteurs ne sont pas flamboyants alors que d'ordinaire j'apprécie assez Gilles Lellouche, le contenu est trop long, on revient souvent à redire/refaire les mêmes situations (même si on avance chronologiquement dans le film). L'époque est plutôt bien reproduite même si on peut s’apercevoir si on est observateur, que l'équipe technique a eu recours à quelques effets spéciaux. Un détail qui m'a troublé, c'est le fait qu'il y ait le titre "Digital Versicolor" du groupe Glass Candy, sachant que celui-ci est sorti en 2007 (figurant sur la bande originale du film "Bronson"). Après, en ce qui concerne le message, il est assez intense et révoltant mais à vrai dire je ne suis même plus surpris de ces multiples manipulations de l'état. Qu'il soit français ou non, ça a toujours existé. Donc, on peut dire que ce drame biopic n'est pas particulièrement original. Je voudrai conclure sur le fait que "Gibraltar" m'a paru un peu vide, je veux dire par là qu'il manque de détails, de situations et surtout j'aurai voulu en savoir un peu plus sur le "après" de l'histoire car ici, ça se limite à deux pauvres phrases. Bref, je m'attendais à mieux donc déçu. 9/20.
100% d'accord avec le commentaire d' Henrico, je ne rajouterai donc rien de plus. Je n'écris ces lignes que dans le but de relever la note de ce film qui vaut amplement ce petit effort.
Quand il y a visiblement peu de moyens, c'est bizarre mais ça cherche toujours à faire des films fantastiques. Et là où les effets spéciaux occupent une place centrale, c'est toujours ça qui est le plus mal fait. Déjà qu'ils ne sont que quatre pour tuer ce lézard géant alors qu'il faudrait toute une armée mais en plus c'est pas avec leurs arbalètes et leurs flèches qu'ils vont y arriver. Les voir taper dans le vide, faire de grands moulinets avec leurs épées m'a plus fait de la peine qu'autre chose. En plus, ça se traîne. Ils mettent des heures à définir leur plan d'action, des heures à mourir, l'histoire d'amour ne rime à rien. Comme s'ils n'étaient déjà pas tous occupés par le monstre. Quel besoin de rajouter des histoires de cœur ? Banal téléfilm rythmant nos après-midi des jours fériés, Jabberwocky, la légende du dragon n’est pas un film de monstre réussi. Juste une petite production médiévale fauchée.
L'intérêt de ce film est proche du néant. Tout ce qui a fait le charme du 1er épisode a disparut. Les dialogues sont chiants, les acteurs semblent peu impliqués et surtout le scénario est d'une nullité affligeante. Quel excité a bien pu pondre cela? Certains parlent d'une histoire à tiroir, ça c'est sur, il y en a des tiroirs, des dizaines mêmes, sauf que cela marche quand c'est cohérent. Or, là, on a rarement vu un boxon pareil, ça n'arrête pas pendant 2h. Quand les rebondissements arrêtent d'être improbables ils deviennent complètement convenus, comme la révélation sur le père du personnage joué par Catherine Zeta-Jones que l'on voit arriver à des kilomètres. On passera sur le fait que Julia Roberts joue son propre rôle dans le film, le génie qui a pondu cela doit être bien en mal d'inventivité. On passera aussi sur l'apparition inutile de Bruce Willis, qui est donc venu récupérer son petit chèque en passant. On s'attardera plus sur le final, le dénouement du film, et il faut bien parler de dénouement car il y en a des nœuds dans ce fil. Un final abracadabrant, un vrai tour de magie, un tour de force même car c'est tellement incohérent que c'est à se demander si le réalisateur y a compris quelque chose tellement il nous le balance à la figure en 2sec. On n'oubliera pas de signaler que ce final révèle que tout le plan de "l'équipe" était inutile et qu'ils se sont donc donnés du mal pour rien pendant 2h, comme le spectateur en fait.
Le film L’Homme aux Mille Visages d’Alberto Rodriguez, trop peu connu en France, est un polar politique parfaitement mené. C’est une sorte d’Ocean Eleven à la sauce espagnole. On ne peut vraiment pas passer à côté de ce film.
Un des films que j'attendais avec le plus d'impatience cette année, en grande partie grâce à son casting, je pense notamment à l'excellent Nick Offerman que je n'avais jamais vu dans un rôle sérieux, ou Aaron Paul, exceptionnel dans Breaking Bad. De plus, assez peu de films traitent sérieusement de l'alcoolisme chez les jeunes, c'est donc un aspect qui m'a convaincu de voir ce petit film indépendant. Octavia Spencer est insupportable mais, heureusement, peu présente. Mary Elizabeth Winstead est prometteuse, si elle continue de faire des choix de films aussi intelligents c'est le début d'une très belle carrière. Quant à Aaron Paul, c'est clairement lui le meilleur acteur du film, espérons que l'après Breaking Bad ne sera pas trop difficile pour lui, il est bourré de talent. C'est joliment filmé, le scénario est excellent, la fin est très surprenante... J'en attendais énormément de ce film, et je n'ai pas été déçu.
Vu lors d'une projection numérique la semaine dernière, dans des conditions optimales... Même sans prendre beaucoup de recul, une nouvelle évidence s'impose : Le Ruban Blanc se démarque largement des autres films de Michael Haneke en même temps qu'il s'inscrit logiquement dans la continuité de sa filmographie. Différent mais cohérent, donc. Car si l'on en juge par l'esthétique de la Palme 2009, le cinéma de Haneke n'a jamais été aussi chiadé : le Noir et Blanc somptueux confère presque une atmosphère glamour à l'ensemble. En revanche, les thématiques du cinéaste sont plus présentes que jamais. Tout au long de son Oeuvre Michael Haneke n'a cessé d'interroger la condition humaine, entre civilisation et barbarie : qu'il s'agisse de la famille bourgeoise mais suicidaire du Septième Continent, des héros gantés des deux Funny Games ou encore de l'érudit persécuté par les fantômes du conflit franco-algérien de Caché, l'humanité est toujours traitée dans l'acuité la plus implacable. Avec Le Ruban Blanc, c'est un petit village allemand du début du XXeme Siècle qui nous est présenté, fort de cette dualité. Comme toujours avec Haneke, la violence est filmée hors-champ et demeure plus psychologique que physique. Fondé sur une intrigue mystérieuse, le film est parfois ennuyant mais toujours admirable, jonglant entre longueurs scénaristiques et prouesses techniques ( en référence à la scène du bal ). Un grand film.
J'ai enfin vu Ceci est mon corps de Jérôme Soubeyrand : on m'en avait dit tant de bien que j'étais sûre d'être déçue. QUE NENNI ! Une comédie incroyablement drôle et touchante, qui parle de sexe et de religion avec une fraîcheur et une innocence vraiment rares. (Aucun débat sur le sexe explicite malgré le sujet et l'air du temps, donc - film tout public Les personnages sont TOUS mortels (et les acteurs...) et surtout le curé, une sorte de Pierre Richard sous extasy. On rit beaucoup (et quand je dis "on" je veux dire toute la salle, à gorge déployée, avec quelques fou-rires, pas juste moi et mon humour pourri) mais pas que. (J'ai aussi eu envie de gifler Onfray, qui ne dit pourtant ici que des choses très intelligentes. Mais il a un ton très énervant) La partie doc - interviews de philosophes et psychogénéalogie - s'intègre parfaitement alors que j'étais très sceptique. Bref : allez voir ce petit ovni avant qu'il disparaisse totalement des écrans - en dehors de tout circuit de distribution classique, il ne survit que grâce au bouches à oreilles... Depuis des mois ! Warning : On sort de la salle avec un sourire un peu idiot et de légères courbatures aux mâchoires et aux abdos. (Bon ça c'est peut être juste moi - je ne ris pas souvent, c'est pas Goth)
Une fois de plus je reste sans voix face à ces plans tellement humains, tellement vrais. Les longs plans séquences semblent parfois trop longs mais c'est pour mieux laissé la place au réel. La position du réalisateur trace ici, une fois encore, le quotidien des paysans sans jamais tomber dans l'artificiel. Une leçon d'humilité. A voir et revoir. A voir et à avoir !!
Une fois de plus Jack Arnold nous gratifie d’un fort beau western qui en plus est original par son nombre et la qualité de ses méchants, par l’ambiguïté du chef des éleveurs de moutons et par le charisme un peu trop play boy du héros. La mise en scène est vive, la caméra est toujours bien placée, on se sent bien dans ce film même s’il est un peu compliqué à comprendre au début. C’est aussi un plaisir que d’y retrouver Mara Corday bien plus connue aux usa que chez nous ou seules son amitié durable avec Clint Eastwood et sa présence dans ‘’l’épreuve de force’ avaient été remarquées. Elle se débrouille bien, le meilleur acteur reste cependant Stephen McNally qui prend de plus en plus d’importance au fur et à mesure que le film avance. Une séquence en dit long sur la mentalité américaine des années 50, c’est le combat aux poings entre les deux héros :’’C’est mon meilleur moment depuis longtemps’’ dira Alec une fois tout terminé. Il est dommage que Jack Arnold n’est pas eu à sa disposition plus d’argent et des acteurs de la trempe de James Stewart, Kirk Douglas ou Richard Widmark ; il serait entré dans la cour des grands faiseurs de westerns, car il en ressentait parfaitement leur ambiance caractéristique
Film plein de poncifs anticolonialistes politiquement correct, l'officier qui met le feu à la jonque est un malade mental qui n'aurait pu rester dans la marine. Catherine Deneuve est ridicule avec son chapeau de grande dame, et on se demande comment elle peut gérer une plantation sans se départir de ses belles tenues, les uniformes des marins sont fantaisistes, et il est stupide de leur faire porter des tenues d'apparat en opérations. Bref, film nul, en dépit bien sûr de la beauté de la nature et du jeu de Jean Yanne.
Très bon documentaire plein d images rare et magnifique voir poétique Ce documentaire vous porte du début à la fin sans voir le temps passer à voir absolument
Resident Evil au cinéma, c'est une collection de délirants nanars, mis en scène par l'un des plus mauvais artisans hollywoodiens de sa génération. Cinq ans après Resident Evil : Retribution, les blockbusters insipides se sont relayés dans les salles obscures jusqu'à ce qu'on ne sache plus qui est le plus mauvais réalisateur en la matière. En 2017, Paul W.S. Anderson remet les pendules à l'heure avec ce chapitre final : le maitre de l'horreur au sens propre, c'est lui et personne d'autre. Rarement un film d'action n'aura été doté d'un montage si frénétique, à tel point qu'on ne sait absolument pas ce qui se passe sur la toile, les plans s'enchainant par paquet de trois en l'espace d'une seconde. Doté encore une fois d'un scénario insipide, ce "Resident Evil : Chaptire Final" dépasse les frontières connues de la nullité - un terme qui ne devrait jamais être employé pour parler d'art, mais ce long métrage n'entre pas dans cette catégorie. Une immondice phénoménale.
voir le film ''un ange en tournée'' qui fait double emploi
Marrant ! Réel !
Indéniablement,"Pleasantville"(1998)dispose d'éclatantes qualités esthétiques.Quelle trouvaille que de transférer des ados des années 90,dans une petite ville de banlieue des années 50! Il paraît que le nombre de plans retouches par ordinateur était un record à l'epoque.Par étonnant puisque au fur et à mesure que le récit avance,on passe progressivement du noir et blanc à la couleur,à mesure que les habitants de Pleasantville s'échappent de leur routine plombante.Ce sont à la base les personnages d'une série télévisée familiale.Ils réagissent comme s'ils n'étaient pas humains,juste écrasés par leur substance incomplète.Les deux jeunes arrivant(Tobey Maguiret et Reese Witherspoon,tous deux déjà bien expérimentés,malgré leur visage poupin)vont se charger d'élargir le champ d'action des habitants.Gary Ross parle bien évidemment de la révolution sexuelle,et plus généralement d'ouverture d'esprit.Mais son propos est si démagogique et mielleux que le charme n'opère que très partiellement.Il y a de la redite,notamment dans l'émancipation de la mère de fiction(Joan Allen,plus qu'impeccable),ou dans la colère des gens déroutés dans leur quotidien ronron.La beauté plastique n'excuse pas tout.
Film datant de l'époque ou Stallone avait un énorme melon et n'hésitait pas à exprimer ses idées politiques dans ses films. Après avoir dit ce qu'il pensait des communistes dans "Rambo 2", et "Rocky IV", il s'attaque à la politique local américaine et à sa justice. Les dialogues surement écrit un lendemain de cuite tellement ils sont drôles et cash de ce point de vue: les fous on les butent. On en pense ce qu'on veut, juste, réac, fasciste, c'est pas tellement pour ça qu'on l'aime ce "Cobra", mais bien pour la performance de Stallone en bad cop motherfucker classe et bad ass avec ses grosses lunettes noires et son alumette dans la bouche, ses dialogues involontairement ( j'espère ) drôle, ses scènes d'actions old school qui ne faisait pas dans la finesse. Même le scénario pas franchement terrible n'arrive pas à nous faire penser que c'est nul. Un gang de tueurs s'en prend à une jeune femme témoin d'un de leur acte, mais heureusement pour elle, Stallone va faire le ménage. Ses collègues pensant qu'il s'agit d'un seul tueur, lui sait aller savoir comment qu'ils sont plusieurs et il n'a même pas besoin de mener l'enquête pour ça tellement il est fort. Il le sait et va tout faire péter. Beau moment de cinéma old chool burné et rigolo.
La contribution au western de King Vidor n'est certainement pas nègligeable! il tourna en particulier ce "Duel in the Sun", un western baroque avec de la sueur, du sang et des larmes qui a fait date! C'est l'une des oeuvres les plus ambitieuses du cinèma amèricain d'après-guerre! Ce film est difficilement classable, bien qu'il soit tout à fait juste de le rattacher directement au western auquel il apporte un souffle nouveau! Bènèficiant de l'interprètation de nombreuse vedettes comme Gregory Peck, Jennifer Jones, Joseph Cotten, Lionel Barrymore, Lilian Gish...il est à tout à fait normal qu'il ait connu un succès populaire ètendu! C'est à la fois un film d'action et de passion, d'aventure et d'amour! Les images sont souvent d'une sensualitè troublante; en outre, le rythme du rècit ne se dèment jamais! il constitue encore aujourd'hui un moment important de la « western story » avec le couple mythique Gregory Peck-Jennifer Jones, d'une violence et d'une sensualitè comme on en a très peu vues à l'ècran! Une œuvre puissante au Technicolor magnifique dont les images de fin sont figèes à tout jamais dans les mèmoires! Difficile de ne pas penser à la chanson formidable d’Etienne Daho pour le coup...
on pourrait dire à l'eau de rose mais ce film explore plutôt bien toutes les facettes du genre humain et aussi éternellement contemporain, avec une bonne leçon de vie, le scenario l’interprétation tiennent parfaitement le route, personnellement le résultat est très captivant et émouvant
j'ai adoré ce film , je ne me suis pas ennuyée une seconde ! très bien interprété par des comédiens que j'adore et pas du tout improbable ! Totalement politiquement incorrect et j'aime ça !
Laminé par la critique comme les spectateurs, j'avoue que je m'apprêtais à faire preuve d'indulgence concernant « Jonah Hex ». Certes, ce dernier est ultra-basique dans son scénario comme ses enjeux, ne s'empêtrant pas de finesses psychologiques ou de sous-intrigues qui viendraient enrichir les personnages, d'autant que les dialogues sont pour le moins minimalistes, voire franchement au rabais. Mais bon, il y avait cette volonté de ressusciter le bon vieux western que je trouvais sympa, d'autant que visuellement le boulot est loin d'être désastreux, notamment dans le piqué, joliment rendu. Les protagonistes ont beau être stéréotypés, au moins cela a le mérite d'être clair, le pouvoir du héros, sans être renversant, apportant un petit supplément d'intérêt au récit, d'autant que la tenue plus qu'affriolante de Megan Fox a de quoi réveiller le plus ennuyé des spectateurs. Et puis il y a cet « affrontement final » (formule bien pompeuse au vu de ce qui se passe réellement) : j'avais encore rarement vu une production DC Comics s'en foutre à ce point. Tout est bâclé, mal foutu, réduisant presque à néant les quelques points positifs observés jusqu'alors. Du grand n'importe quoi. Dommage, car si sa durée frôle le ridicule (78 minutes générique compris!!), « Jonah Hex » avait son petit truc à lui, un western aux accents fantastiques au casting séduisant, la présence de John Malkovich et Michael Fassbender pour des rôles aussi peu développés restant toutefois un mystère. Dispensable.
Quel film ! Je le conseille aux amateurs de drames familiaux. Emouvant au possible, sans tomber dans les mièvreries malhonnêtes qu'on peut rencontrer dans certains films français et même hollywoodiens. Des jeux d'acteurs excellents, un doublage en VF plutôt parfait, une histoire catastrophique... Je ne devrais pas l'encenser sous peine de vous décevoir au visionnage. Mais franchement, regardez le ! Ça change. Ce serait presque frais si pas posé sur un drame.
Il suffit de voir la scène d'ouverture de "Diamant Noir" pour mesurer son ambition formelle et une dimension tragique dont le film ne dérogera à aucun moment. L'ombre de James Gray plane sur ce drame étrange, film de vengeance se muant en film de casse, hanté par l'emprise d'une famille sur un homme, torturé par l'attirance qu'il a pour Luisa et protégé par une pluralité de pères de substitution (Joseph et Rick, les diamantaires; Rachid, son mentor). Tout en se tenant à une ligne scénaristique claire, à savoir si Pier trahira sa nouvelle famille qu'il veut piéger de l'intérieur, Arthur Harari déploie une multitude de signes qui viennent parasiter le classicisme apparent. Le cinéaste fait preuve d'un goût prononcé pour la symbolique (la main coupé, la fenêtre brisée, le disque) et pour des variations sur la saturation des couleurs, qui traduisent bien ce sentiment de nager en eaux troubles aux côtés de personnages ambigus, qui semblent toujours sur le point d'imploser mais qui gardent in extremis une forme de maîtrise, laquelle volera définitivement en éclat dans un final sublimement écrit. Peu de films parviennent à ce point à définir et à tenir aussi nettement un enjeu tout en le complexifiant progressivement, à obscurcir les motivations de ses personnages et à leur donner une pleine incarnation, à introduire dans une ligne classique une part mystique sans remettre en cause la cohérence de l'ensemble : "Diamant Noir" est un coup de force inattendu, un long-métrage puissant, porté par des interprètes impressionnants et notamment par un Niels Schneider habité.
Plongée dans un monde inconnu méprisant mais pas heureux malgré une richesses démsurée. PLV : hors du temps
Pas de sexe, pas de violence, pas de comedie débile,les français n'ont-ils pas "inventé " le cinéma? des cinéastes exemplaires comme LUC JACQUET nous en avons besoin !
Ce film est une pure merveille. Grâce à de continuels plans fixes, le film retranscrit à merveille l'austérité janséniste de Sainte-Colombe, la lenteur et la beauté faramineuse des décors permettent au spectateur de rentrer dans un tableau vivant, avec des couleurs, photographies grandioses. La musique, est-ce bien la peine d'en parler, reste l'élément fondateur de toute la réalisation -sans oublier qu'elle reste le thème principal de l'histoire-. De plus, l'histoire est fidèlement adaptée. Les acteurs, Anne Brochet, Jean-Pierre Marielle et Gérard Depardieu sont si parfaits qu'ils en deviennent inhumains ; le final du film est d’ailleurs un moment d'une rare intensité, montrant que les deux acteurs sont des monstres incontestés du septième art. La première partie est peut-être un peu longue, et Guillaume Depardieu a du mal à porter sur ses épaules le rôle de ce personnage qu'est Marin Marais. Mais sinon, l'ensemble reste excellent.
Un très très bon film au rythme soutenu, simple mais efficace et qui tient en haleine tout le long. Beaucoup de retournements de situation, qui ne semblent pas incohérents, une jolie surprise qui s’apprécie tel quel sans prise de tête. Ma critique complète sur mon blog --> Critique du dimanche
Quentin Tarantino signe en 2003 “Kill Bill: Volume 1” et offre aux spectateurs une œuvre complètement parfaite et originale s’appuyant sur une mise en scène absolument détonante. Un véritable chef d'œuvre en plus d'être le meilleur film de Tarantino qui sait multiplier les références savoureuses au travers de choix artistiques aussi grandioses que jouissifs en nous plongeant entre dessins-animés, tragédies au deuxième degré et combats au sabre stylisés. Avec des acteurs parfaits dans leurs rôles, un scénario original et une bande son toujours autant tarantinesque, on obtient un film captivant et époustouflant qui allie action, violence, humour et émotion.
Toujours indémodable! Un film qui a bercé toute mon enfance!