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Plusieurs fois j'ai ri, à défaut de pleurer, à l'écoute de postulats aussi cocasses que décalés mais assénés avec un dogmatisme déconcertant. Mais j'ai aussi retenu du film une notion-clé fondamentale : la psychanalyse en tant que démarche intellectuelle de découverte de soi, peut convenir aux personnes qui vont bien. Aux personnes qui vont mal, qu'elles soient victimes de violences sexuelles, autistes, dépressives, en quête d'identité, on ne peut que leur souhaiter de ne pas tomber dans le piège et de se faire aider par d'autres d'approches validées par la science et encadrées, telles les TCC. Et quant aux étudiants de psycho pétris de psychanalyse, souhaitons-leur de faire preuve de curiosité intellectuelle et d'esprit critique, de dépasser les enseignements universitaires, de lire ce qui se publie ailleurs qu'en France, afin de ne pas alimenter à leur tour, par paresse ou par lâcheté, des pratiques psychanalytiques désastreuses dans les institutions qui les emploieront.
pitoyable est le mot qui definit le mieux cette affreuse daube!!!
Un western terrifiant et difficile dans lequel Anthony Mann a mis toute la haine qu’il puisse imaginer chez ses personnages. Un film complexe et étrange tant il détonne dans son oeuvre riche de 38 films. Tout le scénario tourne autour de Vance mais son père et T C sont aussi des personnalités retors dont il est difficile de prévoir les comportements. Le premier ne tient pas ses promesses et l’autre se garde bien d’en faire tout en laissant le croire. Il est difficile de juger Vance qui est placée dans une situation impossible alors que Rip et T C sont indiscutablement des personnages noirs. Une vision supplémentaire des ‘’Furies”” est indispensable tant la première est douloureuse et se prête mal à un regard apaisé sur la mise en scène. Rien ne nous est épargné, pas même une pendaison injuste. Je n’aurais pas cru Mann capable de faire un tel film. On retrouve pourtant facilement son talent, le sens de l’espace à travers les chevauchées nocturnes de Vance, la beauté des plans recherchés et soigneusement étudiés avec une camera prenant toujours le recul ou l’avancée nécessaire . Le noir et blanc convient parfaitement à ce western dramatique qui conserve les codes du genre tout en désacralisant l’image d'Épinal des colonisateurs venus s’emparer de terres communautaires. Barbara Stanwyck est coutumière de ces rôles de femme impitoyable, seul l’amour pour son père l'empêche de la considérer comme une ‘’maudite” . Un film que les cinéphiles passionnés d'insolite devraient admirer et adorer.
Scott Glenn et John Glover apportent un peu de prestige à une affaire qui peine à décoller. Les pointes de cruauté et la mise en scène paralytique nous rappellent que nous sommes dans un film de Mark Lester.
Alors, là, chapeau, faire un film autant nul, fallait oser. Le scénario qui veut nous faire pleurer, nous fait rire. Les acteurs sont tous nuls( à l'exception d'Aure Atika et Max Baisette de la Malglaive). A éviter, de toute urgence.
Une Juliette Binoche au sommet de son art qui donne le LA à des acteurs masculins au diapason. Le tout est délicieusement drôle et orchestré brillamment par le duo Angot-Denis.
Quand on prononce le nom de Joe D'Amato nous vient souvent à l'esprit réalisateur de films érotiques pourtant il s'est aussi distingué avec quelques films d'horreur tout à fait potable donc en se lançant dans ce post-nuke on peut espérer un truc sympa. Les 10 premières minutes sont pas trop mal et d'Amato y fait preuve de sadisme malheureusement le reste se constitue de minables scènes d'attaque et l'ensemble de 2020 Texas Gladiators souffre de son budget trop étriqué. 2020 Texas Gladiators n'est donc pas un nanar italien très marquant ni particulièrement amusant à voir.
Hugh Jackman est égal à lui-même en Wolverine, plutôt classe, autant que Liev Schreiber en un Dents-de-sabre qui ne laisse pas indifférent, il faut avouer. Mais pour le reste, pas grand chose à se mettre sous la dent. Les effets spéciaux de destruction sont appréciables et distraient les yeux pendant une heure, mais on finit vite par être blasé par cette histoire qui ne présente pas beaucoup de cohérence par rapport aux anciens volets X-men, et pas même de cohérence en elle-même, qui donne l'impression d'un film bâclé et réalisé à la va-vite. Un enchainement assez barbant de combats interminables avec des héros quasi-invincibles, le suspense n'existe presque plus, et même si on explore quelques tréfonds de la psychologie de Wolverine, pour les autres personnages c'est zéro pointé. Pour la fin, c'est beurk, avec un combat final abracadabrant au possible. Malgré quelques rares bonnes idées, X-men Origins : Wolverine n'a aucun charme et rien à offrir au spectateur, à part une sincère envie de revoir les opus précédents. A éviter !
Aucune surprise mais ça se laisse regarder sans problème.
Bon film, c'est d'abord une comédie originale qui peu à peu vire à la parodie du film policier. C'est plein d'humour, parfois trop lourd, mais souvent drôle. L'improbable duo composé de Torrente et Rafi est, malgré tous ces défauts, attachant, notamment grâce aux performances de Santiago Segura et Javier Camara.
Un film sans intérêt : rarement drôle, vulgaire et sans imagination. On pouvait s'attendre à beaucoup mieux avec un tel sujet et Ben Stiller. Seule la dernière demi heure et les extra-terrestre assez biens réalisés sauvent légèrement le film du naufrage. Mieux vaut revoir "Paul", bien plus réussi !
Todd Haynes dès les premières images ne cache pas la grande référence qui le guidera tout au long de son film. Mise en scène volontairement lisse, très grand soin apporté à la composition de couleurs automnales, excellente BO d'Elmer Bernstein qui va largement dans ce sens, une banlieue proprette, des personnages à la vie très proprette (du moins en apparence !!!), les années 50, la sensation que tout ce trop joli vernis ne va tarder pas à se craqueler... On a l'impression d'être chez le grand manitou du mélodrame américain des années 50, Douglas Sirk et on pense en particulier à un de ses plus grands films "Tout ce que le ciel permet"... Bref on a affaire au film qu'aurait certainement réalisé Douglas Sirk s'il avait vécu pendant les années 2000. Une autre chose qu'est sûre c'est que les thèmes d'un amour interraciale, quand bien même il reste platonique, et l'homosexualité d'un père de famille marié n'auraient pas pu être traité aussi frontalement dans les années 50, voir même il faut être réaliste traité tout court. Mais le frontal n'exclut pas, loin de là, la subtilité. Subtilité dans l'histoire, subtilité dans la composition des personnages, subtilité dans les sentiments, subtilité partout... L'interprétation sublime et émouvante de Julianne Moore complète admirablement le tout. Todd Haynes est parvenu à retrouver l'essence des grands mélodrames de Sirk pour ce beau film.
La deuxième moitié des années 40 est une des moins bonnes chez Disney donnant lieu à des films toujours plaisants mais loin de l'innovation constante des débuts, le studio semble se reposer sur ses acquis, très bons, certes mais qui ne vont pas plus loin que le film sympathique sans idées géniales et sans innovations. Évidemment, on ne boude pas notre plaisir mais l'ensemble est très inégal et pas très rythmé.
Dans cet épisode, le réalisateur nous montre le paradoxe de la nature humaine : "Peut-on voler quelque chose qui nous appartient ?". Très bon épisode où le "méchant" n'est pas forcément celui qu'on croit, pas de manichéisme et ça, ça fait du bien.
Sidney Lumet a souvent mis en images des pièces de théâtre : c'est la cas avec Equus d'après l'oeuvre du dramaturge Peter Shaeffer qui a également écrit le scénario. La mise en scène de Lumet qui se fait à la fois réaliste, expressionniste et fantastique, filme au plus près les deux protagonistes brillamment interprétés par Richard Burton (son dernier grand rôle) et Peter Firth (qui jouera deux ans plus tard dans le Tess de Polanski). Un film psychanalytique passionnant.
On dirait un Wachowski-like tourné par un réalisateur de clips ringards des années 90 qui se prend pour David Lynch et Terry Gilliam. C’est insupportable de la première à la dernière minute, je ne suis jamais rentré dedans, rien ne va, aucune ambiance, des plans de coupe à tire-larigot, une multiplication de personnages dont on se fout, l’univers est inerte, l’esthétisme est laid, la musique est naze, immersion zéro … Je ne mets pas 0,5 par respect pour les acteurs qui eux se débrouillent comme ils peuvent.
Un Fassbinder qui témoigne de l'évolution de son style, avec un rythme toujours lent mais de la couleur et un scénario un peu plus fourni. La combinaison des deux en fait un film très long mais qui a le bénéfice d'être un minimum distrayant. Il est néanmoins parfois difficile de savoir si le réalisateur se moque de certaines choses, ce qui expliquerait la façon très rébarbative de les mettre en scène.
un film très calme , réfléchi et abouti !!! de la vraie histoire
Pfffff ! Mais quel nullité ce film ! Un énorme gâchis ! Ruiné par un scénario confus et vide ! Le deuil de la Martha, les questions qui sont soulevées au moment de la disparition de Paul... tout est prometteur et on rentre aisément dans ce drame et soudain on bascule dans un grand n'importe quoi ! Tout devient flou, on est plus sur de rien, le transfert est mal exploité et la fin vous laisse complètement pantois ! Mon compagnon a été soulé et on en gardera un souvenir exécrable ! Beurk ! A fuir...
C'est tout le secret, toute l'efficacité d'un récit aussi usé que le rêve américain : que l'éveil d'un héros ne se donne qu'à condition de pouvoir reconnaître en lui les traits de l'anonyme sur qui le surhomme a germé ; que la charpente sur-dimensionnée du capitaine Amérique laisse intact le regard niais de l'enfant ingrat qui, autant qu'à l'Amérique, voudrait plaire à la fille d'à côté. Lorsqu'il s'agit de déterminer lequel de tous les longs-métrages qu'Hollywood déverse sur le monde ressemble le plus à un vrai film, distrayant et spectaculaire, mais aussi cohérent et respectueux de l'intelligence des spectateurs, "Captain America" remporte le trophée. Il y a de quoi satisfaire n'importe quel estivant en quête de distraction sans conséquence. e spectacle ne déçoit jamais, et l'épilogue en forme de porte ouverte remplit allègrement sa fonction : donner envie de découvrir toutes affaires cessantes l'aventure collégiale des Vengeurs !
Il faut croire que j'ai du mal avec Miguel Courtois. Je n'avais pas accroché avec G.A.L.,il en est de même avec El Lobo que j'ai quand même préféré à ce premier. Le film ne semble pas mauvais,mais je sait pas,j'arrive pas à accrocher. A noter un très bon Eduardo Noriega,une très jolie Mélanie Doutey,et surtout un très très grand Patrick Bruel ultra charismatique en Nelson.
C'est nul, nul, nul. L'histoire c'est n'importe quoi. Les dialogues je préfère ne pas en parler. La réalisation c'est sans surprise. On s'ennuit à mourir. Heureusement que le film est court.
Adapté au monde contemporain, le mythe d'Orphée vu par Cocteau est une merveille où l'écriture et la mise en scène s'unissent dans une beauté et une ambiguïté fascinantes. L'image du poète lié amoureusement à la mort, les messages surréalistes de l'auto-radio de l'au-delà (« l'oiseau chante avec ses doigts », Cocteau et l'inspiration, l'écrivain de 1950 et ses influences) qui obsèdent Orphée au point qu'il délaisse son amour et sa vie rangée (plaisirs terrestres. Moment crucial, celui de la future paternité...), les métaphores, personnifications et autres figures à double lectures, font de cette oeuvre un hommage magnifique au Poète immortel en quête de la-dite même immortalité. La Mort qui le regarde dormir, qui change d'un instant à l'autre de parure et qui dira finalement à Heurtebise « Il fallait les remettre dans leur eau sale ». Cette superbe Mort, cette tentation de l'artiste, « Si j'étais de notre ancien monde, je dirais 'buvons' » Cocteau en a fait du grand cinéma . Il ne se contente pas d'adapter un mythe, il le transperce avec son époque, son art propre et nous offre ainsi un spectacle singulier pour nos yeux et notre imaginaire...Dommage, les acteurs manquent parfois de piment et d'intensité dans l'expression de leurs déchirement intérieurs.
Génial. L'avantage de cette série, c'est qu'ils ont choisis des personnages qui sont normaux! Pas des sélections botoxées! Des gens normaux! L'actrice principale est géniale, tellement vrai dans ces protocoles qui sonnent faux. J'aime. Tout est mesuré.
Evidemment, le propos est très honorable, les conséquences que peuvent avoir un accident sur la vie de nombreuses personnes restant un sujet toujours passionnant. De plus, lorsque l'on connaît les incroyables difficultés qu'a connu « Margaret » pour voir le jour, privé ainsi de sortie en salles pendant des années, on ne peut être qu'indulgent. Reste que malgré des qualités réelles et de vrais beaux moments, on s'ennuie un peu. 143 minutes paraît une durée peu justifiée, et si cela permet à Kenneth Lonergan d'explorer pas mal de pistes et surtout le comportement des uns et des autres sur la longueur, on se dit qu'un peu de concision n'aurait vraiment pas fait de mal. Trop de détails, de sous-intrigues sans grand intérêt, de scènes n'ayant en définitive qu'un rapport très indirect... Si j'ai constamment compris où le réalisateur voulait en venir, et qu'une fois de plus ses malheurs après le tournage le rendent sympathique, ce n'est pas toujours convaincant pour autant. Reste une assez belle galerie de personnages et quelques vrais points forts, que ce soit la relation entre Lisa et sa mère ou pratiquement toutes les scènes au lycée. De plus, si les seconds rôles sont impeccables (J. Smith-Cameron en tête), Anna Paquin est exceptionnelle, apportant toute la complexité nécessaire à une héroïne loin d'être aussi sympathique qu'au premier abord... Frustrant donc, d'autant qu'il y avait la place pour un très grand film : nous en sommes hélas loin.
Que dire? Doté d'un scénario trés mince (bien sûr je plaisante, le gars qui a écrit ce film doit: A/ soit avoir 12 ans et jouer encore aux lego B/ être copain avec le producteur). Donc Un super agent se fait enlever en possession d'un appareil qui peut (presque) controler le monde. On décide en haut lieu d'envoyer UN agent pour récupérer l'appareil. Mais le fils du kidnappé, écarté de l'opération et accessoirement agent lui aussi mais pas de terrain mais super entrainé, décide de se meler à tout ça. Ouf, on se demande ce qui va se passer... Bref, ça sent le génie. On passe sur la réalisation, avec une mise en scène formidable, partout où le rejeton va c'est festival de la bagarre, mais bon quand on sait que Kellan Lutz peut étrangler un lion à mains nues (Hercule, un autre chef d'oeuvre), on se fait pas trop de souci. Il est épaulé par une autre "star" de la castagne, Gina Carano. Le couple infernal doit sauver papa et le monde en 14h (faut compter le temps de vol du fiston) et ne trouve rien de mieux que de flirter en essayant des tenues de soirée... Passons sur les raccourcis scénaristiques et autres incohérences plus grosses que le Nebraska, et vous aurez compris que vous pouvez passer les prochaines 1h22 de votre vie (en fait si on enleve les deux génériques on doit avoisiner les 1 h, déja trop) à faire autre chose que de regarder ce film. Ai je parlé aussi de la formidable BO omniprésente tout le long du film?
J'ai vu un film.. qui pose les fondamentaux de James Bond, avec une lecture assez misogyne du personnage, et des évolutions de sociétés assez amusantes, voire étonnantes... Sacré James, toujours prêt à rendre service... de la reine. Les scénario est vraiment intéressant, et ce 2nd opus, bien plus dense que le premier. On retrouve énormément de référence à des films d'espionnage classique sur la guerre froide, mais avec toujours la Bond's touch et le charme de Sean Connery... Les références à la Mort au Trousse est assez évidente, et semble être un hommage.La musique est également une réussite... Vivement le prochain...
Fort heureusement, il y a la présence de bien charmantes actrices (Griffin Drew et Michelle von Flotow sont vraiment très agréables à contempler) dans des séquences érotiques pour le moins appréciables. Car sinon, il n’y a pas de quoi s’enthousiasmer devant ce téléfilm américain qui possède une histoire très rapidement ennuyeuse, une interprétation très fade du casting et une réalisation que je qualifierai de bien sommaire.
pas bien du tout, un navet à regarder seulement si vous n'avez rien d'autre à faire!
Aucun intérêt. Mais alors aucun intérêt. Je ne vais pas dire que c’est ennuyeux parce que question ennui, j’ai quand même vu pire. Mais il y a rien de logique et rien de crédible dans ce film. Et puis c’est pas drôle, c’est pas vraiment de l’action, la morale familiale est mal mise en scène et les effets spéciaux sont plus que moyen. Bref le seul truc que j’ai bien aimé : les gadgets qui sont dignes des meilleurs James Bond.
Je l'attendais avec impatience. Enfin sorti sur Netflix, ce film m'a bouleversé. C'est une véritable pépite avec un message fort, une dénonciation de la maltraitance animale et de la consommation de masse au profit d'un business toujours plus haut, toujours plus fort... Une jeune fille s'occupant d'Okja depuis dix ans, va se la faire arracher par la multinationale et va tout faire pour la sauver du triste destin qui l'attend, aidé d'une association défendant la cause animale. Il y a ici une belle brochettes d'acteurs : Tilda Swinton en directrice égocentrique et hypocrite, Jake Gyllenhaal en « docteur » complètement barge, Paul Dano et Steven Yeun en tant que membres de l'assoc' et dévoués à leur cause, la jeune Seo-Hyun Ahn brillante et prête à tout pour sauver son amie... Les effets numériques pour créer Okja sont aussi bluffants. Okja est aussi associé à un tourbillon d'émotions. On passe du rire face à la caricature de certains personnages aux larmes, on est en colère, on est touché, on est ému. Certaines scènes sont assez choquantes mais au final tellement réalistes de ce qu'il se passe réellement dans ce monde sur l'abattage des animaux en masse, sans aucun respect. C'est une véritable prise de conscience que le réalisateur veut nous montrer là. Les animaux ont aussi des émotions, chose que beaucoup de gens ont tendance à oublier ! Il y a notamment une scène d'amour entre des parents « super cochons » et l'acte qu'ils vont effectuer pour sauver leur bébé, elle m'a touché en plein cœur. Okja est donc une histoire aussi choquante qu'elle est magnifique par la forte relation qui unit Mija et son animal, à voir absolument ! cinephile-critique.over-blog.com
The Pixar Story est un très beau documentaire. Intéressant et émouvant, il nous conte la création du studio Pixar et des animateurs qui ont su donner vie aux personnages que nous connaissons désormais tous. De Toy Story à Cars, le studio a toujours livré le meilleur de lui même, sachant se renouveler à chaque fois pour un résultat toujours magnifique. Une véritable réussite.
Le début de la la lutte des classes à la fin du 19ème siècle, lorsque les ouvriers réclamaient non pas la semaine de 40 heures mais la journée de 13h... au lieu de 14 ! Mamma mia ! mais ils vont ruiner les pauvres patrons, ces damnés prolétaires qui travaillent à l'usine comme... des damnés. Une belle distribution pour ce film social dont quelques acteurs français et une justesse de ton, un réalisme des plus convaincants. Seulement voilà, 2h10 de lutte syndicale (au temps où même les syndicats n'existaient pas) là vraiment, moi le patron, je leur donne tout ce qu'ils veulent, y compris un jour de repos par semaine, un mois de vacances tous les 10 ans et la pré-retraite à 75 ans. Oui, tout ce qu'ils veulent, du moment que je n'ai pas à me recoltiner ce blabla misérabiliste de 2h10 où comme au Scrabble, chaque minute compte triple. Quel dommage de se répandre ainsi, alors que tout pouvait être bouclé en 1h25 grand maximum ! Attachez un patron sur une chaise et laissez-le s'infuser "les Camarades" jusqu'à la fin (bouchez-vous les oreilles pour ne pas entendre ses cris d'ennui) : il ne servira plus à rien mais vous aurez gagné.
Pas d'originalité, juste une vision et des clichés de "bobos" sur les seniors incapables de prendre des décisions. On sort de la séance déprimé sur les vieux jours qui nous restent à vivre. Dommage le sujet aurait pu être plaisant.
Un peu lent a démarrer, un thriller sans en etre un, deux personnages centraux qui s'opposent et qui crèvent l'ecran graces a leurs interprètes hors paire, des dialogues délirants avec des questions existentielles tres intello hollywoodiennes, des longueurs des personnages et des scenes qui ne servent a rien comme quand il balance les balles dans le bush, le beau et riche qui a tout face au pauvre taré mais pas si bête, ou en fait si.... bref se film bien que bourré de clichés et d'invraisemblances sort du lot des films ricains creux a mourrir que Los Angeles nous envoie régulièrement.
J'étais assez fan des deux premiers longs métrages, j'ai donc laissé une chance à ce troisième malgré sa mauvaise réputation ! Ça pique ... La franchise est complètement massacrée par ces amateurs. Les histoires ne sont pas passionnantes, elles sont courtes mais paraissent interminables, les effets spéciaux sont très moyens (pardonnable et compréhensible), mise en scène peu inspirée, des acteurs qui « essayent », ils font ce qu'ils peuvent sans s'investir et le plus gros point négatif : la musique assourdissante ! La musique énerve le spectateur dès la première histoire. On ne peut même pas se consoler avec le casting féminin car aucune sensualité ne se dégagera. Une scène sortira légèrement du lot: le final de l'histoire de « Rachel, the call girl », à part ça, quelle déception...
Un film hautement grotesque , on passe assez rapidement .
S'il peut y avoir quelques bonnes surprises dans les productions Besson, autant dire que « Lock Out » n'en fait clairement pas partie. Après une scène d'introduction bien basique où nos mirettes explosent à force d'illisibilité totale et d'effets totalement excessifs, on se retrouve dans une sorte de vrai-faux remake de « New York 1997 », le talent et l'intelligence de John Carpenter en moins, cela va sans dire. Alors c'est vrai : les décors sont plutôt bien foutus et Maggie Grace apporte une petite touche glamour sympa, mais cela reste tellement lourdingue, schématique et caricatural qu'il n'y a pas grand-chose à sauver d'un spectacle mal écrit (Luc Besson oblige), se contentant de satisfaire les désirs de gros bourrins peu regardants sur le contenu d'un film. Pas grand-chose à ajouter, si ce n'est qu'on finit presque par s'ennuyer devant un divertissement aussi inepte sur le fond et à peine plus excitant sur la forme : un beau bide made in EuropaCorp.
Mélodrame qui cherche à dénoncer les méfaits de l’alcoolisme, Merrily We Go To Hell a la particularité d’être réalisé par une des rares femmes présente à Hollywood au début du parlant. Signalons d’ailleurs que si le script fait très théâtral, Dorothy Arzner parvient à le dynamiser grâce à quelques beaux mouvements d’appareil et quelques effets stylistiques vraiment audacieux. On s’implique d’ailleurs facilement dans cette histoire car les personnages sont bien caractérisés et que le duo d’acteurs possède une réelle alchimie. Sylvia Sidney était une actrice très impliquée et elle forme un beau couple avec l’excellent et sombre Fredric March. Au passage, la réalisatrice fait le deuil des années 20, ces années folles où le seul mot d’ordre était la fête permanente. Elle signe une œuvre bien plus sombre qui évoque de temps à autre la crise frappant alors les States. Finalement, on peut penser que la dépression dans laquelle sombrent les personnages est aussi celle d’un pays qui réalise que la fête est finie. En cela, il est urgent de redécouvrir cette œuvre plus intéressante qu’il y paraît de prime abord. Signalons une courte apparition du jeune Cary Grant.