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Arythmie fait à coup sûr partie des deux meilleurs films russes de l'année 2017 et a d'ailleurs failli coiffer Faute d'amour au poteau pour représenter son pays à l'Oscar du meilleur film étranger 2018. Le personnage principal du film, Oleg, est ambulancier. C'est un homme dévoué à son métier, un peu trop peut-être, et désobéissant à sa hiérarchie quand il l'estime nécessaire pour sauver des vies, ce qui nuit à son avancement et à ses relations avec son infirmière de femme. A travers son quotidien, les cadences infernales de ses tâches et l'obligation de rentabilité voulue par ses patrons, c'est évidemment le portrait d'un système de santé lacunaire qui est fait, et plus largement d'une société russe qui semble avoir perdu tous ses repères. Arythmie est très éprouvant, avec ses situations d'urgence, le film privilégiant l'instantanéité et oubliant les patients et malades dès lors qu'ils sont parvenus à l'hôpital. Ces moments de crise alternent avec des scènes de couple souvent orageuses, avec un Oleg incapable de s'investir autant que dans son travail. Le film n'a quasiment aucun temps mort, toujours sur le qui vive. Pas reposant mais passionnant deux heures durant. Un cran en-dessous de Faute d'amour, quand même, à cause de l'incroyable densité de la mise en scène de Zviaguintsev.
J'aime beaucoup L'Homme qui en savait trop, ce n'est peut-être pas la réalisation la plus aboutie ni le meilleur des films de Hitchcock mais il est si agréable à voir grâce en partie au sympathique couple vedette du film Doris Day/James Stewart qui incarne à la perfection ses touristes américains pris dans un engrenage malgré eux. Il y a aussi la jolie chanson Que Sera Sera mais aussi et avant tout un suspense bien entretenu et un très beau final à l'opéra. Avec mes 4 étoiles je suis sans doute un peu trop généreux mais c'est un de mes Hitchcock préférés.
Excellent ! J'adore Louis de Funes et Bourvil ! Un moment de détente et de plaisir.
Sympa durant le 1er quart d'heure. Pénible par la suite...Ca bavarde trop, ça s'épanche sur les atermoiements du méchant de l'histoire qui finit par devenir pathétique. On perd le rythme du début du film et on s'endort rapidement ou l'on cesse le visionnage pour faire autre chose.
J'adore Milla Jovovich, alors j'étais ravie de la découvrir dans un autre type de rôle, celui de victime, ce qui n'est pas son genre d'habitude, vous en conviendrez.... Elle est toujours aussi belle, elle a vraiment une beauté exotique incomparable, elle est douée pour le Cinéma, elle est talentueuse et nous offre toujours une palette différente d'émotions dans plusieurs genres différents: La Comédie, Les films d'action, les films fantastiques et d'horreur, mais aussi pour les drames. J'ai bien aimé le scénario de ce film ainsi que l'ambiance angoissante, le suspense de découvrir le meurtrier, malgré le fait que l'héroine après son agression, ne se rappelle plus de son agresseur mais aussi, qu'elle n'arrive plus à identifier les visages des personnes qu'elle connaît, car avec sa lésion au cerveau dûe au choc de l'agression, elle voit les gens avec des visages différents, toutes les 5 min, ce qui est flippant et dérangeant dans sa vie privée comme dans sa vie professionnelle.... Julian MacMahon est génial aussi dans le rôle de "L'Inspecteur Kerest", et c'est un plaisir de le retrouver après ses séries cultes qui l'ont fait connaître, tout d'abord, "Charmed", où il a joué pendant 5ans et plus le rôle du procureur et démon, "Balthazar alias Cole Turner" avec brillance et malice, mais ensuite on l'a connu dans "Nip/Tuck", pour son rôle de "Christian Troy", qu'il jouait avec charme, sadisme et ingéniosité. Dans ce film "Faces in the crowd", il n'a rien perdu de son charme, de son charisme, de sa présence, de son talent d'acteur, malgré le fait qu'il ait dû grossir pour le rôle, de laisser pousser une barbe assez éparse, il reste toujours très sexy, il arrive bien à séduire "Anna" (Milla Jovovich), sans problèmes, ils forment d'ailleurs à eux deux, un beau couple de Cinéma, charismatique, glamour et sexy. Un bon film au scénario original, au rythme soutenu, au suspense haletant, au casting zéro défaut.
Sorti dans l’ombre du « Soldat Ryan », cette « Ligne rouge » est pour moi un pur chef d’œuvre à classer parmi les plus grands films de guerre. Le décalage opéré entre l’évènement militaire et le théâtre paradisiaque de cette lutte est remarquable de sens et de sensation. Seule ombre au tableau, que j’occulte volontiers tant j’adore le reste, ce sont les inégalités de rythme. Malick est un photographe avant d’être un cinéaste, or ça se ressent clairement dans son dernier tiers où les évènements s’enchaînent sans logique de climax ou de résolution. C’est dommage, mais encore une fois, cela ne retire rien à ce qui reste pour moi un film d’une incroyable richesse de sens et d’émotion. Une pièce maitresse du cinéma…
À l'origine un personnage historique mythomane et affabulateur, le baron de Münchausen fût méprisé et ridiculisé de toutes parts, notamment grâce à la mise en recueils de ses récits sous formes de contes et de romans. Terry Gilliam décide alors de revisiter ce qui fut une légende vivante dans un long-métrage absolument exaltant. Mélangeant comme à son habitude le réel et l'invraisemblable, le réalisateur n'hésite pas à concevoir les dires les plus fous du baron dans des séquences mémorables comme le passage chez le sultan, celui du Kraken ou encore la bataille finale. Les effets spéciaux et autres décors pharaoniques se prêtent merveilleusement bien à l'univers du Baron, le metteur en scène anglais usant de son imaginaire débordant pour nous entrainer dans des lieux fantastiques tels qu'un palais de l'Orient, un volcan et même la lune. Le casting est quant à lui étonnant, mêlant acteurs fidèles à Gilliam comme Jonathan Pryce, Eric Idle et le nain Jack Purvis, et nouveaux fraichement débarqués comme le trop rare John Neville, la jeune Sarah Polley, alors âgée de neuf ans, Uma Thurman ou encore l'excentrique Robin Williams, non crédité au générique dans le rôle du Roi de la Lune. Le film se délecte donc avec une âme enfantine, passionnant d'un bout à l'autre, mélangeant dires du Baron imaginés et présent, situé au beau milieu d'une guerre. Nous connaissons tous les déboires financiers qu'à coûté le film, à savoir un budget grossissant à vue d'œil, obligeant Gilliam à simplifier beaucoup de scènes à son grand dam (notamment la toute fin et le passage dans la lune). Ceci dit, à la vue du métrage, on ne sent soucie guère, totalement absorbé dans le génie créatif du réalisateur américain qui signe ici une des plus fantastiques et de ses plus cultes œuvres.
J'ai eu la chance d'en voir qu'une partie, et c'est un très bon documentaire qui décrit parfaitement la vie de Charles Chaplin avec de nombreux témoignages !!!
Et bien c'est nul voilà ! Pourtant je me rappel que quand je l'avais vu au cinéma à l'époque, je l'avais trouvé vraiment bien et j'avais eu peur. L'ayant revu maintenant, avec un œil un peu plus cinéphile, je me rend compte que c'est terriblement mauvais. L'histoire est juste aussi niaise que prévisible, sans réel suspense. Le jeu d'acteur est horriblement pauvre et pathétique, à tel point que j'ai passé mon temps à rire. Et enfin la réalisation ne vaut vraiment rien, aucune originalité, aucun rythme donc au final on s’ennuie alors que le film ne dure qu'1h20.
aussi catastrophiquement nul que le premier si ce n'est pas pire! franchement c'est même pas une comédie! meme une gamine de 10 ans trouverait ça naze! à éviter sérieusement!
Voila un film qui promettait beaucoup par ses premières minutes subtiles et élégantes, mais qui hélas finit presque par retomber dans la banalité par la suite. Dommage car ce "Une vie à t'attendre" dispose incontestablement de quelques belles qualités, notamment dans sa représentation de l'amour impossible, Thierry Klifa réussissant à construire des situations dans l'ensemble plutôt crédibles. L'indécision, la peur, la passion... Tout ces thèmes sont traités sont traitées de manière assez convaincantes du début jusqu'à la fin. Seulement, on a aussi l'impression que le jeune réalisateur n'a en définitive pas grand-chose de nouveau à apporter au sujet, se contentant de redire ce qui a été déjà été évoqué de nombreuses fois dans bien d'autres films auparavant. L'intérêt qu'on a pour le film se fait alors moins grand, et cela bien que certaines scènes arrivent à se faire des plus touchantes, notamment dans la relation entre Nathalie Baye et Patrick Bruel. Si ce dernier apparaît d'ailleurs des plus moyens (ce n'est pourtant pas l'un de ses plus mauvais rôles), il est peu dire que Nathalie Baye illumine ce film de bout en bout. Emouvante et d'une incroyable intensité, elle illumine de bout en bout ce film qui lui justement manque tellement d'éclat... Au final on a l'impression d'avoir certes vu un travail bien fait et qui plus est avec beaucoup d'honnêteté, mais on ne peut néanmoins s'empêcher d'être décu devant un film qui aurait pu offrir bien plus si son discours avait été plus novateur. Dommage.
Ou comment avec un pitch de départ assez intéressant (la création d'un club de rencontres pour femmes-cougar), on n'en arrive à produire un très mauvais film bourré de gags débiles. C'est d'autant plus dommage que le scénario prend un parti assez politiquement incorrect en matière de sexualité et de mariage mais qui est rendu vain par l'indigence de la réalisation. La présence au casting de Carrie Fisher dans un tout petit rôle fait hélas pitié. Quant à l'érotisme, il y a tromperie sur la marchandise, American Pie 1 et 2 nous en offrait au moins 5 bonnes minutes, là à part quelques nénés furtifs… mais qu'on nous ressuscite Russ Meyer, bon sang.
C'est sûr : si vous ne jurez que par le bon goût et le raffinement, « Bad Teacher » n'est pas fait pour vous. En revanche, si vous n'êtes pas contre une comédie plutôt décomplexée n'hésitant pas à être bien lourde parfois, alors tentez le coup. D'ailleurs, le problème du film est un peu là : on oscille souvent entre drôlerie et vulgarité, nous faisant passer d'un moment vraiment sympa à un autre nettement moins. Dommage, car le scénario, sans être génial (voire légèrement idiot), se tient plutôt bien, et l'univers du collège assez bien décrit, chez les élèves comme les profs. Il faut dire que chez ces derniers, le long-métrage dispose d'un sacré atout : Cameron Diaz, ultra-sexy et surtout irrésistible en enseignante indigne, attachante presque malgré elle. Seconds rôles moins convaincants, notamment Lucy Punch, qui m'a souvent paru insupportable (c'est fait exprès, mais bon !), même si la prestation de l'actrice n'est pas en cause. Reste un ton et un discours moins lisse que d'habitude (sans être trop subversif non plus!) nous permettant de regarder jusqu'au bout sans ennui, conclu sympathiquement par un plan final plutôt bien vu. Honnête.
Le ton est donné dès l'intro, "La bataille du rail" est un éloge, une glorification de la résistance des cheminots face à l'occupation allemande. En gros, tout ce que je n'aime pas dans un film "historique". Le parti étant pris, ce film est tout ce qu'il y a de plus partial: des cheminots pourvus de toutes les qualités contre les méchants allemands. Si la première partie sous forme de documentaire présente un minimum d'intérêt, la partie purement fictionnelle assomme complètement. A la vue du contexte et de l'année de sortie du film, je comprend qu'il ait pu recevoir un grand prix au festival de Cannes mais, aujourd'hui, il ne présente plus grand intérêt mis à part un simple regard sur la mentalité de l'époque.
Je m'attendais à un polar intense et profond mais au lieu de cela j'ai eu une désagréable impression de fainéantise qui s'est accentuée à la toute fin du film. Non pas que l'histoire soit mauvaise ou les acteurs peu inspirés (sauf peut être Jeff Bridges qui cabotine un peu par moment), mais on nous vend un thriller qui à la finale s'avère être un drame sociétal sans réelle trame policière ni dénouement.
c'est mon métier de garder ces sacs à merde, mais les prisons telle que celle du film n'existe pas chez nous, sinon une personne sans recul peut facilement plonger comme le personnage et auteur du livre.
Le grand Marcello Mastroianni qui n'a plus besoin de grappiller le sommet car il y est déjà. Divorce à l'Italienne est un film italien parmi les plus importants à voir. Ce qui devait être à la base un drame, le film devient une comédie. Il me fait penser à un croisement entre Patrick Dewaere et Charlie Charplin. L'histoire est folle, on s'ennuie pas une seule seconde, cynique à souhait. Rien que ce film suffit de ne jamais oublier Marcello.
Un film au scénario peu intéressant se limitant essentiellement à faire de l'érotisme dans le cadre du Brésil.
Un très beau film fort bien contèe ou l'on retrouve le style si personnel du rèalisateur Marcel Carnè! Adapter Emile Zola n'est pas chose aisèe, surtout quand on transpose l'action à l'èpoque actuelle, surtout quand le metteur en scène lui-même refuse le mot d'adaptation! Charles Spaak et Carnè ont pris de telles libertès avec le roman qu'on peut presque parler d'oeuvre nouvelle! Simone Signoret apporte de l'humanitè, de la sensibilitè dans ses rôles et pour "Thèrèse Raquin", personnage très noir, elle donne à elle seule toute sa justification à l'entreprise! Le film raconte l'histoire de deux amants poussès au suicide à cause d'un amour impossible! Raf Vallone, Jacques Duby, Sylvie et Roland Lessafre sont tous exceptionnels! A la sortie de "Thèrèse Raquin" en 1953, les critiques saluent unanimement la performance de Signoret dont la volontaire sobriètè n'a jamais ètè aussi convaincante! Une oeuvre admirablement pensèe et rigoureusement calculèe...
un mauvais film , des acteurs pathétiques ,filmé dans le noir, aucun intérêt , aucun suspens
Un grand cinéaste ce Walsh, mais aussi quel filou. Parti d'abord de "High Sierra", film "noir" avec H. Bogart & Ida Lupino, comme cela a été mentionné dans la plupart des commentaires, il nous sert le même plat cinématographique 9 ans plus tard sous forme de Western; c'est que Raoul Walsh reprend carrément dans "La fille du désert" une scène entière tournée 2 ans auparavant dans un autre western : "CHEYENNE" (ne pas confondre avec "CHEYENNES" de John Ford), avec Dennis Morgan, Arthur Kennedy, Bruce Bennet, Janis Payne et Barton Maclaine. Il s'agit de la splendide attaque de la diligence reprise intégralement, à l'exception des intérieurs de la diligence et de l'issue de la scène. Dans "Cheyenne" la diligence s'écrase, dans "La fille du désert", elle réussit à échapper aux assaillants parmi lesquels Arthur Kennedy qui figure dans le premier film et que l'on reconnait dans un plan du second... Autre chose: Le père Walsh a dû oublier que les bandits étaient 5 et il fait dire à ses personnages de "La fille du désert" qu'ils étaient 6... Cela dit, "Colorado Territory" est bel et bien proche d'un chef d'oeuvre du Western.
Unique, Confession défie tout jugement rationnel. Bien qu'étant découpée en cinq parties distinctes, l'oeuvre de Sokourov se doit d'être vu d'une traite, probablement pour mieux en considérer l'impact artistique. Alexeï Fiodorov, chef opérateur de génie, confère à cette longue nuit de neige et de vent une aura de bienveillance. Les images s'impriment plus qu'elles ne s'expriment : Confession est une oeuvre du dedans, de l'intrinsèque, du cocon : c'est un joyau d'une tristesse égale, presque détachée du monde qu'il représente. Certains plans, inoubliables, sont une invitation idéale à la contemplation. L'univers des marins, moins présents dans ces deux parties - à noter l'étonnant pouvoir de fascination que provoque le dialogue d'ouverture du troisième chapitre - évoque presque l'expérience du Bardamu célinien. Si la poésie n'est que la fabrication talentueuse d'harmonies en tous genres, alors on peut le dire sans honte : Confession est l'un des poèmes les plus sidérants de l'Histoire du Cinéma.
Ce film d'horreur réalisé par Tom Six et sorti en 2009 n'est quand même pas terrible. J'ai mis pas mal de temps à le voir car je ne suis pas un adepte du gore mais il faisait tellement parler de lui que j'ai finit par le voir et je n'ai finalement pas apprécié. C'est donc l'histoire d'un ancien chirurgien qui décide de faire un mille-patte humain à l'aide de trois personnes qu'il garde prisonnier chez lui. Étonnamment, ce n'est pas le côté gore ou malsain qui ne m'a pas plu car je m'y attendais forcément mais c'est au niveau de la trame que je le trouve très bancal. Effectivement, le scénario est très peu crédible et notamment à cause de ses nombreuses incohérences et clichés. Dès le début du film, on voit que les deux futures victimes ont crevées avec leur voiture juste à côté de la maison du chirurgien, ce qui n'est plus du tout crédible depuis les années 80, ça en est limite parodique tellement ça en est risible. Il y a aussi le fait que la fillequi s'apprête à s'évader et donc à se sortir du cauchemar qui l'attend retourne chercher sa meilleure amie endormie au lieu de partir chercher de l'aide, ce qui est aussi un gros cliché qui rend l'acte débile et pas du tout crédible. La fin est quant à elle très expéditive, et là aussi non crédible carles policiers ne sont vraiment pas finaud et se laissent abattre très facilement comme de vulgaires victimes. Pour ce qui est du gore et du côté malsain du film (en tout cas vendu comme tel), cela aurait pu être beaucoup plus travaillé car mis à part quelques scènes "trash", il n'y a pas grand chose à se mettre sous la dent. Du côté des acteurs, nous avons Dieter Laser qui joue très bien et Ashley C. Williams, Ashlynn Yennie et Akihiro Kitamura qui ne se débrouillent pas trop mal. "The Human Centipede" est donc un film assez bancal et surtout décevant qui ne vaut pas tout le tapage qu'on en a fait.
//CHILI CON CARNE // après sa cabane infectée de « CABIN FEVER », son torture-porn slovaque « HOSTEL », Elie Roth continue sa série de « vacances de débauche entre ado qui vire au cauchemar » avec cet « Aftershock, l'enfer sur terre » (le titre bien que très bisseux est cette fois sans ambiguïtés !). Une américaine accompagnée de sa sœur et d’une amie décide de passer ses vacances au chili (en clair pour visiter, profiter du soleil et faire la fête) ou elles vont faire la connaissance de 3 jeunes males américains en vacances eux aussi (en clair pour se bourrer la gueule, se défoncer et s’envoyer en l’air !). Toute la joyeuse bande va s’éclater (doux euphémisme !) le temps d’une nuit ou elle va se prendre un tremblement de terre ,le toit d’une boite de nuit sur la tête , un déraillement de funiculaire, une traque par une horde de tueur tatoué en cavale (le tueur en cavale est forcément tatoué ), un pompier qui cache en fait un tueur tatoué en cavale(le pompier/ tueur en cavale est forcément tatoué ), un viol , un brulé vif ( le pompier/ tueur en cavale est forcément tatoué …mais n’a pas de tuyaux) l’effondrement d’un tunnel(…ni de grande échelle) et une vague géante de tsunami !Nicolas LOPEZ ,le réalisateur( n’est ici « que » scénariste-producteur-acteur-chauffeur et dealer)nous livre une petite série B qui mélange les genres « very bad treap/catastrophe/gore » avec une finesse pachydermique, ce qui rend le spectacle regardable si on est un adepte de l’action bourrin décérébré . Effort qui reste somme toute louable pour un direct to dvd (louable, donc !). Au fait Elie, dit-nous la vérité, dans ton adolescence, t’en a vraiment bavé ?!
Force est de saluer le souci de réalisme et l'absence total de parti pris que l'équipe de ce film a tenu à appliquer. Retraçant les sévices infligés par l'occupation japonaise en Chine durant la Seconde Guerre Mondiale à des prisonniers chinois ou coréens leur servant de cobayes afin d'élaborer des armes bactériologiques, CAMP 731, production purement hongkongaise, demeure à ce jour réputé pour figurer parmi les bandes les plus voyeuristes, les plus trash jamais réalisées. Réservant forcément son lot de scènes absolument atroces (glaçage des bras et mains d'une femme, avant de les faire plonger dans de l'eau bouillonnante puis d'en arracher la peau comme l'on ôterait sa chaussette, mains congelées puis brisées en petits morceaux à coups de marteau, intestins d'un homme enfermé dans une chambre hyperbare surgissants par voie anale sous l'effet de la montée de pression, autopsie ultra-Gore et explicite au possible d'un petit gosse chloroformé, lente agonie d'un chat jeté aux rats, pour citer les plus marquantes d'entre elles), le film ne se résume pourtant pas à une succession lambda de tortures - celles-ci se déroulent au milieu de l'intrigue, puis disparaissent complètement avant les trente dernières minutes -, et dissèque plus particulièrement les douteuses méthodes d'enseignement pédagogique de la part des japonais, du moins dans le contexte de l'époque qu'il représente. Réalisation classique mais soignée, interprétation honnête et budget visiblement assez confortable à l'appui, CAMP 731 rebute pourtant de par son ton glacial et son tempo extrêmement léthargique. On se souviendra de cette oeuvre avant tout pour ses mises à mort et sévices d'une cruauté achevée, ainsi que pour l'impressionnante crédibilité de sa reconstitution, dont ce sont les deux uniques véritables intérêts.
Très bon film Koreen avec son lot d'action, de dramas ainsi que de love mélancolique. A noter la très belle actrice en guest principales.
Portrait de couple avec épouse frustrée et mari infidèle. Sujet récurrent chez Naruse, avec une attention particulière portée à la femme. On y retrouve des scènes familières : les conversations/promenades en travelling, la routine du travail, le silence du foyer, les soirées au bar ... Tout le talent du cinéaste qui refait souvent le même film, avec un dosage différent des ingrédients. La mélancolie du quotidien, le désir de changement, l'incapacité à la décision. Dans son style fluide et épuré, Naruse capte l'essence des êtres : le bruissement des coeurs, la blessure des âmes. Superbe, comme d'habitude.
Un beau film, noble et puriste, signé par le scénariste de Grandmaster de Wong Kar-wai, véritable maître des arts-martiaux au parcours atypique. On sent la passion derière les images pour l'art du sabre et des arts martiaux et ça fait plaisir !
Bien que réussi dans sa fidélité au film d'origine, celui-ci n'en demeure pas moins une copie, et tout a beau être reproduit parfaitement et probablement dans un but comparable, il ne peut pas rejoindre son ancêtre dans l'intérêt qu'il éveille. Et surtout pas avec une post-synchronisation aussi mauvaise qui ne fait pas honneur aux acteurs déjà médiocres.
Le "Plein sud" de Sèbastien Lifshitz n'a rien à voir avec le "Plein sud" de Luc Bèraud interprètè par le regrettè Patrick Dewaere! Ce road movie sensuel et troublant doit surtout être vu pour la malice et l'ènergie de Lèa Seydoux! Le reste est mollasson avec une mise en scène soignèe mais qui ne dècolle jamais de la simple illustration! Partis pour un long voyage, loin des autoroutes, en direction de l'Espagne, ces quatre ados vont apprendre à se connaître, s'affronter, s'aimer! Ici, le quatuor est traitè sur le même plan (exercice d'èquilibre un peu artificiel) et certains moments comme le final sont inaboutis! Et l'on regrette, tant elle y est à l'aise, que la camèra quitte cette Espagne en nous laissant sur notre faim! Une balade aux couleurs pop d'enfants gâtès qui tourne finalement court! Bonne B.O sinon...
Michael Caine a beau être un bon acteur, il ne réussit pas à sauver ce film de la noyade ! Surpassant légèrement l'épisode précèdent, "JAWS 4, The Revenge" est l'opus de trop ! Il ne sert à rien dans la saga ! Il peut nous redonner un petit sourire en voyant que Lorraine Gary est revenue après avoir disparue dans "JAWS 3-D", mais ce sourire s'efface rapidement en voyant la maigreur du scénario, et certaines scènes qui frisent le ridicule !
Une esthétique digne des pires téléfilms, un scénario très confus que le réalisateur n'a pas su rendre intéressant, une direction d'acteurs déficiente où ne surnagent que Rutger Hauer et Pam Grier, (cette dernière étant toujours aussi belle mais ne pouvant sauver ce navet à elle-seule)