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Un drame shakespearien magnifiquement interprété, réalisé et mise en scène. Inspiré d'un fait historique réel, ce film narre les tourments spirituels et politiques de samurai ayant décidé de suivre la voie de l'honneur jusqu'à son terme, c'est-à-dire la mort. L'image est parfaite (comme souvent dans le vieux cinéma japonais), les acteurs sont excellents. Seul défaut : c'est vraiment très lent, et au niveau des mouvements de caméra, exceptés quelques lents travellings, ils sont quasi absents. On est proche du théâtre filmé. C'est du cinéma lourd, pour cinéphiles avertis. Amateurs de cinéma de complaisance ou de loisirs, passez votre chemin!
très beau film!! Je suis heureuse de voir du cinéma algérien de très grande qualité. une histoire contemporaine de l'algerie actuelle, plutôt réaliste qui dresse le tableau d'une histoire particulière, d'une partie de l'algerie qui cherche à survivre, ou ne pas s'éteindre. Je retrouve des comédiens que j'admire et j'en découvre de nouveaux avec grand plaisir. Ils nous font vibrer tout au long du film avec des émotions paradoxales et nous font rire par l'authenticité des personnages.
Mes amis, l'heure est grave ! Moi qui ne me donne la peine de réagir la plupart du temps que pour les bons films, là, je me vois forcé de parler... Et ce pour mettre mon 1er 0 étoile ! Le pire, c'est que j'adore Michel Muller, par exemple lorsqu'il joue dans Wasabi, il est excellent ! Mais là, je ne peux rien dire d'autre que : cette daube est véritablement insipide. Aucun intérêt. D'ailleurs, le principe est nul : ce n'est pas parce qu'on aime un acteur qu'on sera content de savoir comment il vit, que cela soit du cinéma ou une espèce de docu plus ou moins fiction. Je ne pensais pas que ce film se résumait à un pur semblant de reportage. J'en suis désolé, Michel, mais c'est vrai que comme les deux autres critiques 0 étoile, je n'aurais pas pu faire autre chose que de quitter la salle si je l'avais vu au ciné... Là, j'ai été forcé malgré moi de lacher au bout de 10 minutes. J'ai lutté en donnant une chance à cette pathétique cochonnerie audiovisuelle, en regardant des bribes du film, mais peine perdue, j'ai abandonné. Trop nul...
Après l'énorme échec de "Coup de coeur", Coppola se retrouvait acculé par les dettes (même si ce ne fût pas son dernier gros échec) et se tourna vers un cinéma plus modeste avec une nouvelle génération d'acteurs. On peut voir ce film comme un prolongement de "Outsiders" en tout cas, il en reprend les thèmes et l'acteur principal : M. Dillon. Ce dernier démontrait alors qu'il était la future star du cinéma US grâce à un jeu nerveux, une vraie présence et un physique avantageux. Dans son N&B somptueux, Coppola signe quelques plans d'une beauté à couper le souffle tandis que ses scènes du début confirment qu'il n'a rien perdu de son talent malgré un budget plus restreint. Toujours avide d'expérimentations (notamment sur le montage), il confirme son génie du cadre et de la direction d'acteurs. Après avoir tourner avec la crème des acteurs des 70's, il lance toute une nouvelle génération appelée à régner sur Hollywood : M. Rourke, son neveu N. Cage, la magnifique D. Lane, C. Penn ou encore L. Fishburne (plus D. Hopper pour encadrer le tout). Un film sur (une certaine) adolescence magnifique et hyper adulte, plus métaphysique parfois, formellement magnifique, bien interprété mais plus destiné à un public mature. D'autres critiques sur
Encore des animaux qui tuent... encore et toujours le même scénarios prévisible... Pas interessant. A noter la présence de Ryan Philippe... qui n'aurait peut etre pas du faire ce film...
un bon épisode Julie Lescaut...
Noir et bouleversant. Une interprétation réussie du roman autobiographique du même titre de Toshio Shimao. Le film nous plonge dans l'univers d'un couple dont l'épouse, mère de deux enfants, a découvert que son mari, petit écrivain gagnant peu, la trompait. Obsédée par son ancienne maîtresse dont le nom n'est jamais su, elle le torture sans relâche, sans comprendre elle-même pourquoi, délaisse leurs enfants et sa santé pour ne plus vivre que dans la spirale névrotique que sa pulsion de mort entraîne. On dénote une absence de sexualité et d'érotisme qui rend le film plus pesant (et qui sont pourtant un élément du roman).
New York,1988.La criminalité explose,le trafic de drogue n'a jamais été aussi vivace,la mafia russe s'organise pour envahir le marché.La police N.Y.P.D s'échine à éradiquer leurs agissements.Une guerre ouverte se met en place.Entre les 2 camps,Bobby est confronté à un dilemne moral et psychologique déchirant.Doit-il privilégier sa famille de flics intègres ou rester fidèle aux gangsters qui en ont fait un patron de night-club à succès? Sur base de ce scénario typique de la tragédie grecque,James Gray tisse un polar éprouvant,rude pour les nerfs,brassant des thèmes amples: culpabilité,vengeance,rédemption,filiation... Une richesse extraordinaire pour ce type de film,dont le classicisme est justement la plus grande force.Une mise en scène magistrale,qui passe de l'intimiste(tête à tête houleux)au spectaculaire(embuscade sous la pluie,du génie!)avec un égal bonheur.Joaquin Phoenix bouffe chaque scène.Ses choix cornéliens ne se feront pas sans drames.Une histoire de famille sur le fil du rasoir,avec un père dévasté par le chagrin (Robert Duvall,impeccable)et un fils ainé au mal-être persistant(Mark Wahlberg,en valeur).Une puissance dramatique que le néo-classique James Gray est le seul à posséder,étalant toute concurrence.
Ils sont peu nombreux les films qui vous émeuvent au point de trouver dérisoire tout ce qu'on pourrait en dire. Un coeur simple fait partie de ceux-là et pourrait se résumer en trois B : Beau, Bouleversant, Bonnaire. Marion Laine nous conte avec délicatesse une histoire sur l'amour et la manière dont son manque nous affecte et nous détruit. Elle est aidée en cela par la confrontation inspirée de deux grandes actrices. Marina Foïs, en châtelaine froide et revêche bridant ses sentiments, est remarquable. Mais c'est surtout Sandrine Bonnaire, en femme de la campagne aimante et dévouée, qui impressionne. Elle porte le récit sur ses épaules, magnifique et lumineuse jusque dans la douleur. Son jeu en état de grâce transfigure la silencieuse et discrète Félicité pour en faire un personnage de tragédie que vous ne serez pas prêt d'oublier, longtemps après que le film soit terminé.
Découvrir Federico Fellini avec "La Dolce Vita",son film le plus célèbre et commenté a été une véritable expérience.Oeuvre majeure du 7ème art,elle rend compte d'une époque libérale et des moeurs dissolues de la société aristocratique romaine de l'époque.L'Italie atteignait alors le miracle économique,et Rome devenait le centre du monde culturel.Ville de tous les excès,de toutes les chimères.Défilés de vedettes superficielles,starifiées par des paparazzi(mot inventé par le film)à l'affut.Effervescence de la Via Veneto,artère pulmonaire vrombissante de la capitale italienne.Un chroniqueur mondain fait le lien entre ces bourgeois inconséquents qui ne pensent qu'à faire la fête et le peuple modeste dont il est issu.Déchirante interprétation de Marcello Mastroianni,dont toute la tristesse face à la vacuité du monde dans lequel il évolue peut se lire dans les yeux.Il est entouré de splendides créatures,plantureuses selon l'idéal fellinien,dont ressort la présence charnelle et sensuelle de l'époustouflante Anita Ekberg(ah,la scène de la fontaine de Trevi...).Fellini explose toutes les barrières narratives(son film est une juxtaposition de séquences seulement reliées entre elles par le personnage de Marcello)et tout réalisme(on navigue allègrement entre surréalisme et vérité).Surtout,son style empreint d'exubérance et de liberté totale prend forme ici."La Dolce Vita" fut un scandale auprès des bourgeois et des ecclésiastiques à sa sortie,mais fit l'unanimité auprès de la profession(Palme d'Or en 1960).Il reste d'une troublante actualité,avec la décadence d'une certaine société oisive privilégiée,et par la valse comedia dell'arte que représente l'univers mondain.
Archétype parfaite de la série b pêchue et sympathique, TimeBomb est un petit film méconnue à découvrir avec en vedette l'efficace Michael Biehn ( qui gagne à être connu) et la très sexy Patsy Kensit avec Avi Nesher derrière la camera. Ce dernier sans être un génie est un ancien agent du Mossad (!!) et il orchestre des "fights" réaliste et brute héritage de son passée un peu dans le style "Jason Bourne". On peut même dire que le film est une sorte de grand frère méconnue de Bourne avec un budget moindre et un look 90's en plus cependant il est très divertissant et les 1h30 passent à une vitesse grand V.
Mais comment peut on juger ce film de chef d'oeuvre arrêter la marijane ami internaute ;) ce film fout les jtons pas pour la peur non pour son incroyable stupidité ;)
Un film génialissime que j'aurais même envie de revoir. J'adore les lapins et cette lapine-ci est juste sensationnelle. Ce film est rempli d'humour et d'intelligence entre autre. Je le conseille aux enfants bien sûr et également aux adultes qui je suis sûre pourront y trouver leur compte.
la vie trépidante d'une ado qui se cherche (place dans la famille, dans la société, dans le sexe....) PLV : on perd vite l'interet malgré des acteurs connus
Beau et émouvant. Pour retrouver son fils, un père sillonne des métropoles indiennes, entraînant le spectateur dans sa quête, à travers des abîmes de misère. C'est l'envers de l'Inde des cartes postales. Les rues sont défoncées, les chiens faméliques, les abris en tôle ondulée, les êtres sont rudes. Un garçon des rues que le père interroge lui répond que son fils a peut-être eu la chance de quitter ce monde. C'est le portrait d'un pays dur et d'une misère implacable. On ressort accablé. Et ému. Touché aussi par un peuple qui, même dans la misère la plus noire, reste beau et fier.
Une superbe histoire émouvante magnifiquement interprétée. Grace Kelly est sensationnelle. Cependant le film n'a pas été assez creusé sur certains points (L'histoire d'amour naissante entre l'épouse et l'ami) mais un film qui vaut le détour!
Éric Lavaine tente, avec Barbecue, le film choral avec un casting en or. Mais il mise sur Lambert Wilson en acteur numéro un, alors que ce dernier n'est vraiment pas particulièrement réputé pour ses talents comiques. Malheureusement l'esprit bande ne prend pas du tout. Quelques actrices passent d'ailleurs tout le film à tirer la gueule, c'est plutôt gênant. Avec un scénario qui ne raconte rien d'autre que les vacances dans les Cévennes d'un groupe d'ami, la prise de risque est énorme pour le réalisateur. Le film est donc malheureusement hyper décousu, sans rythme, avec juste quelques fulgurances comiques ici et là, souvent ratées mais parfois aussi très réussies. Chaque acteur, avec sa petite partition, essaie de sauver le film du naufrage complet, mais les acteurs n'arrivent pas à rendre crédible cette bande d'amis. Lambert Wilson est souvent hors sujet. Heureusement, Florence Foresti, Guillaume De Tonquédec et surtout Dubosc et Commandeur arrivent à livrer des prestations honorables. Ce casting en or c'est clairement la force d'un film qui se transforme trop vite en suite de sketchs.
Le premier film d'Alex Lutz réalisateur (Le talent de mes amis) n'étant pas une réussite, je me méfiais de ce nouvel opus. Mais les retours étaient excellents, j'ai donc cédé par curiosité (d'aucuns annoncent déjà un César de l'acteur pour Lutz). Et j'ai bien fait, j'ai beaucoup aimé. Au-delà de la performance de l'acteur/réalisateur lui-même (vraiment très bien, et pour une fois un maquillage très réussi), le film est aussi drôle que mélancolique. Une parodie tendre, parfois cruelle et surtout très touchante, autour de ces chanteurs qui ont bercé notre enfance (ou pas). Le reste du casting est tout aussi convaincant, de Pascale Arbillot à Dani en passant par Nicole Calfan ou Brigitte Rouän. Et des participations sympathiques et hilarantes de Marina Hands et Élodie Bouchez dans les flashbacks sous forme de clips digne des Carpentier. Au final, une jolie réussite pour ce faux-reportage, chronique douce amère, attachante et émouvante, sur la recherche du père et des racines. Un très bon moment.
Miami Connection fait partie des quelques rares nanars que j'ai vu qui possèdent une bande son qui éclipsent tout le reste du film. Mais vraiment... On avait White Fire, Kill for Love (deux chef d'oeuvres de Pallardy) avec des musiques au moins aussi cultes que les films eux-mêmes, et Dieu tout puissant créateur du ciel et de la Terre sait à quel point ils sont des incontournables pour ton bon amateur de nanars... Mais là, il faut bien le dire Miami Connection impose un nouveau standard en la matière. On a un groupe, que je ne connaissais pas, qui joue dans le film, mais qui en plus interprète des chansons sans jamais s'arrêter pendant tout le film. Et bordel ça déménage, ils n'ont peur de rien... On apprend alors que c'est l'histoire de gens qui sont motards le jour et ninja la nuit, rien que ça... tout un programme... Et le film est plutôt marrant, lorsqu'il n'est pas fondamentalement chiant. Parce qu'une fois la surprise de la bande son dantesque passée, qu'on a compris que c'était très mal joué, que le noir était toujours à poil (il se balade le pantalon ouvert en pleurant car il n'a pas connu son papounet) et qu'on a des combats totalement mous tournés et diffusés au ralentis... ben il ne reste pas grand chose... Alors ouais ça vaut le détour pour le ton général du truc qui est totalement à la ramasse... Pour les ninjas qui se déplacent accroupis sur des ponts en bois... et surtout pour la musique... Mais sinon... On peut en faire un jeu à boire, dès que ça chante, on boit !
Je donne un zéro pointé à ce film, car j'ai rarement vu un navet pareil. Le pire, c'est que je suis persuadée que Blier et Co sont persuadés de leur talent incompris par tous les beaufs de France et de Navarre (comme moi). C'est un film super prétentieux et je suis désolée de voir Bernanr Campan que j'aime beaucoup dans ce film la. Pas de surpise avec Monica Belluci qui a surement peur de prendre une ride si elle sourit un peu, et qui est juste belle, et italienne, com dab. Je prefere encore voir une comedie debile et 3eme degré et rester dans la caste des personnes "populos".
Pffff du vu revu et rerevu, encore une production où des gugusses filment tout ce qui bouge mais cette fois dans une vieille église pleine de mystères (whouuuuu ca fait peur!!!!! Même pas la peine de s'étendre là dessus! La fin est une fin ouverte et donne droit à chacun de croire ce qu'il veut (la seule touche originale)
Cette petite incursion de Pascal Bonitzer dans le fantastique ne laissera pas un souvenir indélébile. C'est d'ailleurs dommage, car le film de genre (ici, une sorte d'histoire de fantômes) est trop peu visité par le cinéma français. Malheureusement les tics inhérents à un certain cinéma d'auteur sont par trop présents. Il semblerait bien qu'hors le microcosme parisien de soi-disants artistes et du milieu littéraire ou journalistique, il n'y ait point de salut. Même si nos trois héros paraissent plutôt dans la dèche, ils sont quand même bien représentatifs. Le spectateur a du mal à s'intéresser aux émois amoureux de ce petit monde, qui paraît singulièrement creux. On n'adhère pas forcément au coup de foudre de Coline pour le peintre ténébreux; d'ailleurs cette Coline est parfaitement exaspérante ! Sara Gireaudeau s'empare bien du rôle, avec son physique atypique et sa voix d'enfant. On s'ennuie quand même fermement, et Bonitzer ne fait rien pour que l'on croit à cette histoire de fantômes. Le film s'inspire d'un récit de Henry James, qui avait déjà servi de trame à La chambre verte de Truffaut; de mémoire le film de Truffaut était autrement plus profond.
On imagine sans mal que cette petite comédie horrifique britannique a voulu surfer sur le succès de sa grande soeur et chef d'oeuvre qu'est Shaun of the Dead. Le pitch est d'ailleurs sensiblement le même : 2 loosers vont devenir des héros malgré eux en traquant ici des vampires lesbiens (des zombies, dans Shaun of the Dead). Mais la comparaison avec Shaun s'arrête là, puisque ce Lesbian Vampire Killers n'a ni le génie, ni l'humour de la parodie de Dawn of the Dead. Ici, pas d'humour absurde so british, non, plutôt un humour salace, type American Pie, aux allusions et connotations sexuelles aussi fines que la roue d'un tracteur. Humour balourd qui, de fait, empêche le film de vraiment décoller. L'action se déroule maladroitement, sans suspense ni éclat. On notera toutefois un réel et bel effort sur la mise en scène et sur le montage. Le reste n'est pas à la hauteur, malheureusement...
Wooow, la petite merveille que voilà !! Parfait revival des productions Amblin de la grande époque (en found-footage en plus) à l'instar de l'hommage "officiel" Super 8 et d'autres plus ou moins avoués gros clins d'œil comme Attack the Block ou Père Noël Origines. On ferme les yeux sur l'intrigue peu originale (des enfants aident un adorable (mais vraiment tout mignon) alien à repartir chez lui) et on se laisse porter par un film qui n'a de cesse d'étonner par sa capacité à émerveiller le gamin de 10 ans qui sommeille en nous. Bip.
Un ciel radieux compte une histoire à l'aspect onirique tragique. Est-ce réalité que de vivre une histoire parallèle àcelle connue auparavant à la suite d'un événement tragique? Quel sont les différence que cela peut généré, et quel influence cela à t-il sur le court d'une vie ? Quel compréhension doit il en être tiré, comment l'abordé ? Cette histoire met en lumière les questions d'un inconnue si peu reconnue, de plus en plus remis en question par la science aujourd'hui, l'ambiance nous invite dés les premiers instants à suivre cette palpitante vie, les thèmes musicaux finisse de parachevé la beauté de cette oeuvre, traitant de la fragilité de ce que l’être humains est au court de sa vie personnelle et professionnelle, avec beaucoup de sensibilité et de douceur, c'est définitivement tout un paon d'histoire qui ce retrouve malmené est complètement chamboulé. L'univers à ces questions tout comme ce que représente " la vie" ? A visionné, absolument.
Mes enfants de 4 et 6 ans sont revenus traumatisés par la violence de ce film. En effet, on a le droit à tout : décapitations terriblement gores, scènes sexuelles interdites au public, grossièretés : on se croirait dans une série rose entrecoupées de scènes gores à la Saw ou Hostel. L'affiche est monsongère. iL n'y a pas de chiens dans le film ni de sweetypastas (pates douces), mais des creepypastas (pates effrayantes), en plus il y a des images lives qui font horriblements peur. la seule image en animation c'est deux chiens flippants qui apparaits 0,50 secondes en image subliminane à la fight club. Le film le plus violent du monde du niveau de A serbian film ou Cannibal holocaust (5 x plus trash)
Terriblement ennuyeux. La longueur peut parfois servir une juste cause mais là c'est complètement loupé. On attend, on attend et puis ah super, l'action tant attendue arrive et et et... on est très déçu. C'est ainsi tout le long du film : une suite de petits évènements anodins sans aucun intérêt. C'est plat, c'est morne, c'est creux. Quant aux jolis poemes, ce n'est que de la poudre jetée aux yeux du spectateur. le fond reste le même : insipide.
Des acteurs non convaincants, un montage bâclé entrecoupé de pseudos-prières nous emmène dans une attente interminable malgré 68 minutes. Du moyen métrage en dessous de la moyenne. Très loin d'un Seul contre tous, ce film restera dans son ombre. Il peine a donner de la matière pour alimenter son discours anti-sociétale, se contentant de montrer de la pornographie et de la violence gentillette dans un environnement crasseux. Résolution de 2011 : ne plus suivre les critiques presse (qui à l'occassion travaillent dans le cinéma) qui me font vraiment l'impression de se tendre des perches entre eux.
Un Christian Bale plus mauvais que jamais qui est capturé et malmené par ses ennemis sans jamais se départir de son sourire éclatant, on se croirait dans une pub pour du dentifrice. Ajoutez à cela des scènes à la crédibilité zéro (le jet du mec est touché, il refuse de s'éjecter, l'avion s'écrase, est coupé en deux, explose et Christian se relève comme une fleur et commence à cavaler plus vite que Carl Lewis), des effets spéciaux dignes des années 80 (voir encore une fois cette fameuse scène de crash) et une propagande américaine omniprésente où le "héros" répète pendant 2h qu'il aime son pays et vous obtenez le film de guerre le plus pathétique que j'aie jamais vu.
Jacques Deray a pérennisé cette vieille tradition de la Qualité, tant décriée dans les années 50 par François Truffaut. Heureusement le cinéaste a su réalisé des films dissemblables, parfois mêmes jusqu’à tenter l’audace. «Rififi à Tokyo» (France, 1962) pourrait, en une formule lapidaire, être considéré comme un film de Lautner réussi ou alors un faible film de Melville. En plein déclin enclenché de la Nouvelle Vague, Deray réalise un film de gangster français assez soigné. Loin du Charles Aznavour de «Tirez sur le pianiste» ou du Jean-Paul Belmondo d’«A bout de souffle», le Karlheinz Böhm du «Rififi à Tokyo» arbore une figure moins désinvolte et beaucoup plus professionnelle. Dès lors, Deray déborde sur le génie du film noir français, Jean-Pierre Melville. Moins stylisé que ce-dernier et davantage menacé par un esprit qualitatif de routine, Deray tire l’émotion de son récit davantage de la musique de Delerue que du découpage technique de son film. Les personnages, des professionnels froids engagés dans une affaire de cambriolage, sont interprétés par des acteurs peu dynamiques, et par extension peu exaltant. Considéré par la critique de son époque comme engendré sur les sillons de Melville, «Rififi à Tokyo» manifeste l’absence d’envergure qui manque à Deray et qui pétrissait tout le cinéma de Melville. Troisième de ses longs-métrages, «Rififi à Tokyo» et son échappée Japon, applique une des donnes majeurs de la Nouvelle Vague qui consiste à concentrer le point de vue sur les personnages plutôt que sur les situations. Bien qu’ils paraissent froids et peu enclins à exprimer la nature de leur sentiment, les personnages de Deray ont au moins l’avantage de ne pas être des pantins guignols comme dans «Les Barbouzes» de Lautner. Riche d’une volonté d’instiller dans le cinéma français le savoir faire des américains, l’atmosphère studio étouffe parfois de trop le film, à l’époque où Rossellini avait ouvert la voie au cinéma dans la rue.
Récompensé par la Palme d’Or au dernier Festival de Cannes, Audiard ne raconte pas la difficulté de vivre dans une guerre civile comme au Sri Lanka. Audiard raconte surtout le sentiment d’incompréhension que ressentent ces réfugiés. Si la langue est une barrière, elle est moindre comparé à ces luttes de quartiers qui finissent toujours mal et qui n’ont surtout aucun autre objectif que de montrer qui est le plus fort. Dheepan, Yalini et Illayaal se voient confrontés à cette mascarade qui fait vivre un enfer à ceux qui n’ont rien demandé à personne. Certains pourront siffler au réalisateur la présence de clichés, d’avoir osé donner son opinion ou même de s’être engagé sur un terrain politique, le résultat est pourtant plus que réaliste. L’histoire pourra gêner car elle détruit les fondements de beaucoup de français sur l’immigration. Si le film vacille parfois dans un rythme plombant, il est à saluer le courage dont a fait preuve le réalisateur à bousculer nos convictions et à ne pas montrer ce que l’on attendait. D'autres critiques sur ma page Facebook : Cinéphiles 44
Excellent long métrage, dont la réalisation moderne n'a rien a envier aux super productions américaines L'actrice principale est une perle d'interpretation
Jack Lemmon et Walter Matthau sont très marrants et la comédie démarre bien mais après ça vire un peu vers le sentimentalisme et l'humour n'est plus aussi délirant. Les Grincheux devient lassant.
L'un des meilleurs films de Gérard PHILIPE, et je suis connaisseur, ma vidéothèque compte pas moins d'une vingtaine de ses films