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Jaffa de Keren Yedaya restera sans doute l'un des plus beau film que j'ai vu cette année. Un long métrage isréalien magnifique, d'une beauté indescriptible nottament par sa scène finale qui m'a beaucoup touché. Cette histoire d'amour est très belle, les relations entre les personnages très intéréssantes, les coutumes et traditions familiale bien filmé et mise en scène ... Un jeux d'acteurs très juste, une bande originale superbe. C'est pour moi un sans faute. Que demandé de mieux ? Un film subtile, tout en sobriété ... qui me restera longtemps en mémoire. Un grand coup de coeur.
Premier film pour Clay Straub qui avant cela a travaillé notamment pour Zack Snyder ou du moins dans sa "seconde équipe" sur entre autres "300". Pour son premier film également comme scénariste, il met en scène une enquête de police sur la disparition d'une femme et de son fils. Cette enquête est dirigée par Daria, un agent du FBI venu spécialement pour ça, et par Colt qui l'aide dans sa mission. Malgré le début qui laisse penser à un thriller horrifique, ce film est surtout un film de science-fiction brouillon qui va très loin. L'histoire est tout d'abord très intrigante avec Pritchard ce personnage mystérieux qui semble cacher quelque chose seulement au plus l'intrigue se dévoile au plus ça devient n'importe quoi. Les effets spéciaux sont plutôt bons donc on aurait pu avoir une sorte de home invasion divertissant, mais pour ça, il ne fallait pas partir dans certains délires. Je n'ai pas accroché à l'histoire, mais elle se laisse suivre jusqu'à certains rebondissements absurdes. Il faut saluer la performance des acteurs qui restent convaincants malgré les idioties qu'ils prononcent... Ma note reste correcte, car je ne me suis pas ennuyé en le regardant, mais ce n'est pas un bon film.
Vu comment "Black" s'est fait descendre par la presse, je me demande un peu si je n'ai pas tort de trouver ce film aussi bon! A moins que ce soit les préjugés des critiques à l'égard des productions indiennes qui rendent leur jugement sévère ou si subjectif... Toujours est-il que Black est un des rares films qui est fait naître en moi autant de pitié et de compassion pour un personnage ; en l'occurence ici Rani Mukherji, métamorphosée pour l'occasion, qui montre tout son talent dans un tout autre genre, s'éloignant franchement des comédies romantiques de coutume. Il s'agit même avec Michelle d'un vrai questionnement philosophique qui s'élabore : la vie vaut-t-elle la peine d'être vécu lorsque plusieurs sens manquent? Le bonheur peut-il être réellement trouvé dans une telle situation? L'amitié qui lie le professeur et la sourde n'est-elle pas rendu encore plus belle par le mur créé par son handicap? Sans oublier l'attachement que l'on éprouve pour Bacchan, personnage torturé lui aussi.
imaginez un film dans lequel, à chaque scène, il est inscrit en sous-titres ce qu'il va se passer dans cette scène et dans la suivante, que chaque action soit un spoil de la suite du film : c'est ce que j'ai ressenti tout au long de ce film ennuyant, déjà vu, sans aucune imagination, vidé de toute cohérence, et avec des personnages sans aucun charisme. En espérant qu'aucune suite ne soit prévue...
Ah, ma p'tite dame, c'était au bon vieux temps, quand nous autres étions ben jeunes alors...
Film assez décaler il change des production américaine, il manque un peu d’accroche .Je conseille de le voir en Vo, Il termine bien la série
Les cartons de «Bam gua nat» (Corée du Sud, 2005) de Hong Sang-soo remémorent les cartons de la Shôchiku. Voilà bien le seul indice asiatique auquel se réfère le film de Hong. Tout le reste n’est qu’hommage et emprunt à la culture occidental. De la 7ème symphonie de Beethoven qui ponctue le film et sert de pivot dans l’évolution du récit à Courbet et son scandale picturale en la présence de «L’Origine du monde», Hong se nourrit des plus grands artistes de l’Occident pour créer un film d’exilé. Sur les traces en rond d’un peintre perdu, le cinéaste pioche en même temps chez Rohmer l’ordinaire apparent, et chez Doillon la désinvolture amoureuse. Derrière tous ceux-là, reste-t-il un auteur ? Pas vraiment ou fort peu. Les déchirements tranquilles sur le littoral d’une plage du Nord évoquent ceux plus mouvementés du «Premier venu» de Doillon, de même que les promenades futiles du jeune peintre dans les rues de Paris, à la conquête d’un être pour combler son temps qui fuit, rappelle toute la Nouvelle Vague. Il y a une fraîcheur, une audace réaliste (et non pas naturaliste) que Hong duplique à partir du cinéma français. De là, il faudrait se réjouir de constater que le cinéma, à travers le monde, ne fait qu’un, unis par des ponts que dressent chacun des cinéastes les plus audacieux. Pourtant Hong, au cinéma français dont il témoigne son respect, n’apporte rien du cinéma sud-coréen, si ce n’est la physionomie de ses personnages. Rien même du jeu de ses acteurs. Kim Young-ho, interprétant le peintre, imite les micro-gestes attentifs de Léaud. Ce n’est qu’in fine, lorsque le peintre revient en Corée, que Hong retrouve le corps d’un cinéma coréen, régit par les structures harmoniques de la culture traditionnelle du pays. Mais le cinéma français a déjà fui, est resté dans les séquences d’avant. La légèreté plaisante de l’aventure de cet artiste exilé, image d’Hong à Paris, est en soi une œuvre réussie si elle ne s’alourdissait pas de trop d’héritage, aux dépens de la création.
Carrey révélé au grand jour dans ce rôle du Mask où il laisse éclater tout son talent. Répliques drôles à foison, mimiques élastiques et gesticulations excentriques, on est en 1993 et c'était la découverte d'un immense acteur nommé Jim Carrey. Celui-ci n'hésitera pas à reprendre tous ces fameux gimmicks dans d'autres comédies, je pense notamment à Ace Ventura. En tout cas The Mask est une petite pépite qui se regarde aisément, je recommande chaudement !
Robin des Bois : Un Disney qui reprend avec humour et tendresse le légende de Robin. Vraiment, cette reprise est cocasse et fort divertissante. Il y a une bonne dose d’humour et de créativité car l’univers est riche. Disney est un peu le Jean de La Fontaine pour les dessins animés. Car, les personnages sont tous des animaux est il y a un subtile mélange d’émotion entre eux, ils peuvent être fort attachants, drôles et touchants car ce film d’animation n’a pas peur de montré des scènes tristesse en relation avec le thème : la pauvrette et la tyrannie. Et au contraire, il peut avoir aussi des personnages rigolos mais assez méchants (le shérif…), vraiment, ils sont tous très bien travaillés. Et l’histoire est très bien raconté et envoutante, elle nous réserve de bons moments. Sinon, l’animation est de toute beauté, pour ce classique, c’est animé comme si c’était un dessin, une peinture et c’est ce qui fait tout le charme. Et pour finir, les musiques sont à la fois entrainantes, belles et plaisantes. Donc voila, un grand classique Disney qui plaira a tous, moi, il est toute mon enfance et je m’en lasse pas, une pure merveille.
Mon dieu que ce film est lent. On ne peut pas dire que c'est un navet, mais ce n'est pas bien passionnant. Jean-Paul Belmondo me fait un effet bizarre, pas qui'il joue mal, mais il a pas une gueule "faite" pour être un vieux, et j'ai eu du mal à y croire pendant tout le film. Les autres acteurs ne sont pas mauvais, notamment tous les second rôles, vu qu'il n'y a que des stars, mais si vous avez autre chose à faire, éviter de perdre votre temps avec ce film, il n'en vaut pas la peine.
Après "Haute tension", ce film nous prouve une fois de plus que le gore est bien présent chez nous. A voir par les amateurs du genre !!
Une histoire qui ne m'a pas exalté. Le scénario est peu étoffée, les dialogues passe-partout, les personnages parfois à la limite du ridicule, par exemple "le dromadaire", la musique oubliable. Il aurait presque fallu un mort ou deux histoire de donner plus de tonus à l'intrigue, là c'est bien mou.
Paul Blart 2... Reste dans la même veine que le premier mais non la c'est plus possible!^^ Mais pour pouvoir critiquer quelque chose il faut qu'il y est au minimum matière à critiquer. Et là c'est le vide intersidéral : les personnages sont détestables alors on les déteste, le réalisateur ne s'embarrasse d'aucun effet pas plus que d'un minimum d'effort, pas un brin d'humour -ou presque- ne vient égayer ce truc et le scénario est un vieil archétype télévisuel qui sent très mauvais, à base d'émotions chiquées et de bad guys de foire. Détestable en tout point : Kevin James vaut tellement mieux que de se débattre dans de tel navet... Nullement sortie au ciné (du moins en France, on comprends vite pourquoi). D'ailleurs tenir jusqu'à la fin m'a presque était un supplice. Pas de 3ème SVP c'est une demande générale! J'en reste encore sur le cul!
Robert Bresson est le réalisateur qui a su le mieux s'accorder avec le style si austère et dépouillé du grand écrivain Georges Bernanos. Déjà en 1951, en adaptant Journal d'un curé de campagne, Bresson déploie tout son talent pour mettre en scène une œuvre impressionnante sur le combat des forces du mal et du bien, de la grâce et de la haine. En 1967, il revient à Bernanos avec Nouvelle histoire de Mouchette. Reprenant des thèmes similaires à Au hasard Baltazar, dans un vague cadre rural, Mouchette décrit l'enfer quotidien d'une petite fille qui a le poids de sa lourde existence sur ses petites épaules : mère très malade, père alcoolique et violent, petit frère en très-bas âge... la condition de Mouchette est à elle seule une tragédie. Elle même ne comprend pas l'intérêt d'une vie si cruelle et injuste. S'enfermant dans le mensonge, l'insolence et la solitude, elle croise le chemin d'un braconnier épileptique, ivrogne et dangereux, mais qui éprouve pour elle une sorte d'attachement qu'elle ne connaissait de personne. Pourtant, il la violera dans un de ses moments de crise. Robert Bresson, avec son style unique, sans recherche d'esthétisme et dirigeant des acteurs non professionnels, est peut-être le seul cinéaste à avoir jamais su filmer la vie.
Excellent film, drôle, touchant et pleine de surprises. L'interprétation est au cordeau. Dommage que ce métrage soit un peu oublié. Un bon moment de cinéma assurément...
Hmmm par où commencer? Ce film (est-ce un film ?) est une vraie séance de torture mentale, même parfois physique tellement on s'ennuie. Les personnages, étrangement, semblent dénués de toute personnalité. Ou plutôt, elle disparaît au profit des scènes de danses et de chants pour le moins suggestives. L'histoire est absente, même une aventure des Teletubbies est plus intéressante au niveau de la psychologie des personnages. En effet l'acteur principal me fait penser à un animal en recherche de nourriture (je vous laisse deviner quoi). Pour résumer allez voir ce film seulement si... euh... bah... n'allez pas le voir tout simplement. Merci d'avoir lu ma critique :)
Ava duVernay nous fait prendre conscience des enjeux politiques et financiers du système d'incarcération de masse, ainsi que des injustices profondes à l'encontre des noirs aux États-Unis. 13th est un documentaire choquant, captivant et émouvant.
Après Elvira, Maîtresse des ténèbres (1988) de James Signorelli, Cassandra Peterson reprend son rôle titre 13 ans après avec Elvira et le château hanté (2001) de Sam Irvin. La recette reste la même, on la retrouve une fois de plus en tenue légère, très légère et gothique (avec un décolleté très plongeant des plus aguicheur), seul différence notable ici, c'est le poids des années (en 88 elle avait 37 ans et ici 50). Mais qu'a cela ne tienne, son rôle elle le connaît par coeur, puisqu'elle l'a interprété maintes fois à travers son show télévisé "Movie Macabre" de 1981 à 1993 (ainsi qu'en 2010/2011). Toujours aussi déluré et loufoque, le film peine cependant à maintenir un rythme stable, faute à un scénario faiblard et des acteurs peu convainquant (sans parler des décors en carton-pâte et d'un budget infinitésimal). Les plus nostalgiques préfèreront garder en mémoire le premier volet, qui était nettement plus drôle que celui-ci.
Je veux bien que les combats soient réussis, certes, mais ça ne fait pas tout non plus et là en l'occurence il n'y a pas grand chose d'autre à voir. Les acteurs font vraiment cliché et ne sont pas spécialement bons, le scénario ne suit vraiment pas et là aussi on est dans les clichés types, le héros qui se farcit tout le monde, les flics corrompus et super cons, un gérant de prison qui tue des prisonniers quand bon lui semble (ah bon!?), quelques femmes à moitié à poil par-ci par-là etc etc... bref il aurait fallu creuser un minimum le scénario et les personnages.
un documentaire glaçant sur un moine bouddhiste appelant à l’extermination de la minorité musulmane de Birmanie. Pédagogique et édifiant.
Si le regretté Jonathan Demme est principalement connu pour l'immense « Silence des agneaux » et « Philadelphia », il serait vraiment dommage de laisser de côté « Dangereuse sous tous rapports » qui, sous ses airs un peu anodins, dégage quelque chose d'assez puissant. Se plaçant longtemps sur le ton de la comédie déjantée et du « road trip » assez irrésistible car très bien réalisé, écrit et pensé, le film va brutalement basculer vers quelque chose de beaucoup plus grave et violent, sans que le cinéaste ne perde le fil un seul instant. Au contraire, j'ai été saisi à la fois par la simplicité et la rigueur dont fait preuve Demme pour rendre le scénario cohérent et souvent prenant, celui-ci n'ayant pas besoin de grands discours pour rendre très attachant ses deux héros, imaginant au passage avec bonheur ce qui est sans doute le fantasme « caché » de beaucoup d'hommes... Il y a quelque chose d'à la fois vraiment piquant et assez tragique que peu de réalisateurs sont capables de maîtriser, surtout en passant d'un genre à un autre en quasiment une seconde. L'œuvre d'un auteur libre (la singulière et réjouissante bande-originale en est la parfaite incarnation), à la fois fort divertissante tout en nous offrant une histoire d'amour pas franchement comme les autres, où les talents conjugués de Mélanie Griffith (irrésistible), Jeff Daniels (impeccable) et Ray Liotta (glaçant) font merveille. À (re)découvrir.
Le cinéma aux Etats-Unis a servi et sert encore beaucoup à promouvoir la culture américaine à travers le monde. Sans se contenter de cette seule mission, il ouvre dans le même temps l'espace d'une catharsis au travers de laquelle l l'Amérique déverse sa peine et ses mea culpa. Les exemples les plus éloquents sont ceux des guerres. La première fût la guerre du Vietnam de laquelle réagirent une poignée de cinéastes talentueux regroupés, par la postérité, sous le nom de Nouvel Hollywood. La guerre en Irak apporte elle aussi son flot de films. Suite à Redford, Haggis et de nombreux autres, de jeunes cinéastes s'approprient le sujet pour délivrer le sentiment d'un peuple trahis, meurtris par les calomnies d'un gouvernement délétère. "Grace is Gone" (USA, 2007) de James C. Strouse prend comme prétexte au drame de son film la guerre en Irak. Afin de rendre singulier son oeuvre, Strouse inverse les rôles usuels et présente un foyer de deux jeunes filles commandé par le père dont la mère, soldat en Irak, demeure absente. Le cinéma indépendant américain construit des situations semblablement inédite pour s'inscrire artificiellement en marge. Suite au décès de la mère en Irak, le père ne sait comment annoncer la nouvelle à ses filles et décide de fuir le terrible instant de l'annonce. Fuite en avant, plongée dans l'illusion du monde qui refuserait l'évidence de la mort, chacun de ces mouvements est présent. La petite famille du film reproduit le geste du gouvernement américain qui s'est complu dans le mensonge pour servir son "bien-être". Strouse reproduit, à l'échelle d'une petite famille, l'erreur d'un gouvernement. De plus, rien ne semble être dit. Le plus étrange réside dans la place que la guerre en Irak occupe. MacGuffin pour un sentimentalisme commun, la guerre en Irak est réduit à sa plus bête expression : un objet du spectacle pathétique.
Un casting impressionnant, pas toujours convaincant, pour une histoire rythmée mais malheureusement peu intéressante.
Déja vue 1000 fois, une histoire pas inintéressante mais traitée à la va-comme-je-te-pousse sur l'intolérance du début du XXème et son climat puritain et rétrogade pour les artistes, et même à propos des impressionnistes primitifs. Académique, la narration ne questionne donc donc aucun présupposé et, bien entendu, le synopsis n'en est que surtout remarquablement ennuyeux.
Le dessins est juste horrible ! C'est quoi cette mode de tout faire en exagéré ? Les personnages sont de base suffisement charismatiques pour ne pas avoir à les massacrer... Triste mode.. 😡 Puis encore des acteurs en doublage ? C'est un vrai métier je rappel juste le doublage... Et se servir de nom connu juste pour faire des entrées je trouve ça lamentable !
Un bon film d'auteur. Touchant par son personnage central, il nous entraîne dans la cavale de cet homme qui ne cherche qu'à échapper à sa malchance. Yann Trégouët est criant de vérité. dommage que la fin ne soit pas aussi abouti que l'ensemble. Mais, je ne regrette en aucun cas d'avoir regarder ce film méconnu qui gagne vraiment à être connu...
Un film sur la danse classique ? Ou un film sur le genre ? Sur la danse, le spectateur n'est pas venu et n'a pas été attiré par ça. C'est seulement un fil conducteur pour dérouler le scénario. Sur la question de genre et celle sous-tendue de transsexualité, oui bien sûr c'est ça (on a suivi la couverture média). Mais pourtant, l'affaire ne sera guère développée. Étrangement, la demoiselle qui n'en est pas une vit sa vie assez facilement. Aucun ostracisme, aucune hostilité dans son environnement quotidien (on devinera quand même au travers des dialogues que ce fut pas toujours le cas avant, d'où une réinstallation avec son père et son jeune frère). Sur ce droit à la différence, juste un peu de curiosité malsaine lors d'une soirée entre ados (authentiquement féminines). Certes, tout ça se passe en Europe du Nord, réputée beaucoup plus ouverte et tolérante sur ces questions là. Mais du coup, quoi en raconter ? Le spectateur sera donc réduit à devoir suivre l’héroïne et deviner quand même son mal vivre intérieur, difficile à cerner à tel point qu'on se demande s'il est relatif ou profond ? On fera la durée du film avec ça, sans trop savoir. Avec un rebond à la fin, assez stressant d'autant qu'on sent venir le truc. C'est l'avertissement à la sensibilité donné. Le spectateur lambda pourra toujours fermer les yeux et les rouvrir la scène d'après qui annoncera rapidement la fin sans qu'il ne soit rien passé de plus, le laissant à sa réflexion et peut-être dubitatif aussi, comme j'ai personnellement pu l'être.
J'ai adoré ce film, réaliste, bien joué, parfait, les acteurs sont d'une grande justesse, et relate bien la réalité
Sans être le meilleur de Lang, Les Trois Lumières est assez remarquable par sa construction mais aussi une réflexion sur la Mort. On y voit la représentation d'une femme (symbole de courage) qui va pactiser avec la Mort pour faire revivre son défunt mari. Elle échouera dans les différents pays où elle sera, celui qu'elle aime va mourir faute à la cruauté des hommes. Les reconstitutions des civilisations sont superbes. Elle est aussi la cause de ses morts, elle n'aura plus d'autre choix finalement que de donner sa vie pour en gagner une. Au final on peut regretter un scénario plus approfondie mais cela reste un très bon film de Lang et de l'expressionnisme allemand.
Assurement le pire film que j'ai pu voir depuis longtemps!! L'histoire pourrait durer 2 minutes, les images sont horribles, la mise en scène à la portée d'un enfant de 10 ans et les acteurs en tout point ridicule. Sans oublier les dialogues dignes des pires textes de série Z récité betement par les acteurs (au niveau de leur personnage : néant total). On ai baladé dans un mélange de base militaire et de pub pour créer les pires clichés de l'armée : de idiot bourrin alcoolique.... Pitoyable.
Oh la la! Qu'est-ce-que c'est que ce film. Me sujet avait l'air original et intéressant tandis que les acteurs sont tous les deux excellents et PAF, c'est une grosse daube en boîte! Vraiment une grosse désillusion! A éviter à tout prix car on s'ennuie du début à la fin!
Le petit frère de Burn After Reading, mais pas en mieux. C'est un peu lent et sans but, mais quelques bons moments ici et là...
For those in peril trace le portrait sensible d'un adolescent seul rescapé d'un naufrage, dans lequel a péri son frère et quatre autres jeunes hommes. Rejeté par le village, Aaron semble avoir des problèmes mentaux, qui datent d'avant l'accident. La première partie du... la suite ici :
Le réalisateur adopte la position du duo des rois. Il y a deux héros avec cette femme au milieu mais il ne nous intéresse que très peu au reste. C’est sacrément ennuyeux, bavard et tarabiscoté. Vraiment moyen en plus avec les décors assez laids.
Ce film peut à la rigueur être conseillé aux amateurs de Christopher Lee, mais pas aux spectateurs soucieux de la vérité historique. Christopher Lee voulait que celle-ci fût respectée mais l'on n'accéda pas à sa requête, par crainte d'un procès de la part du Prince Youssoupov. Le résultat est un personnage réduit à la caricature de lui-même, aux airs d'hypnotiseur manipulateur et arriviste, ce qui n'enlève rien au talent de Christopher Lee, dont les yeux sont particulièrement mis en valeur pour des raisons évidentes. Infiniment plus recommandables sont les films "Rasputin, The Dark Servant of Destiny" avec Alan Rickman dans le rôle-titre et "Raspoutine", film de Josée Dayan avec Gérard Depardieu dans le rôle du pèlerin de Sibérie.
Assurément un des tout meilleurs films de ces 5 dernières années... Le réalisateur (Kim Rossi Stuart, toujours aussi charismatique) signe un portrait familial vu par les yeux d'un enfant. Une sensibilité débordante, touchant et juste du début à la fin. Un vrai coup de coeur !
Une petite comédie pas si petite que ça. Fraiche et sans d'autre prétention que nous faire rire et passer un bon moment. Mission accomplie !!
Très bon film. Roland Giraud, l'acteur culte du Couffin et de Papy, est excellent, et Galabru magistral dans un de ses meilleurs rôles. L'opposition Paris-Province a encore plus de résonance aujourd'hui. Un très beau film sur les Pyrénées, la beauté de la nature et l'authenticité de la province, en contraste avec le parisianisme frelaté du monde de la publicité. C'est autre chose que le grotesque Voyage aux Pyrénées, ou le film où Mathieu Demy et Podalydès sont en duo également dans les Pyrénées, dont je ne me souviens même plus du titre.
Voilà un des pires blockbusters que j'ai vus ces dernières années. Il est à ranger avec RIP notamment. Le film s'adresse uniquement à des enfants très jeunes qui se contenteront de peu. Il vaut mieux le savoir avant d'y aller.
Ce film est tres intérressant je trouve que c'est un sujet peu traité les camps de l'armée!!!CE film ne vous laisse pas insensible!!!
Comme Samuele, le garçon de 12 ans qu'il met en scène, ce film nous propose avec subtilité et sensibilité de réveiller notre œil paresseux. (...) Voir n'est pas regarder, on n'est pas devant la télé qui distille toujours les mêmes images lors des grands naufrages. Voir, c'est sentir, percevoir le hors-champ, ce que l'on ne voit pas et qui est la réalité de ce drame, honte d'une Europe qui s'entoure de murs et scandale d'un monde à deux vitesses. - Lire la suite sur le site d'Africultures.
Le jour où E. Ionesco a pris la décision de réaliser ce film, elle aurait mieux fait de rester couchée. Ce sujet, à la base sensible psychologiquement et intéressant, traité avec intelligence aurait pu valoir le déplacement. Mais là, cris, hystérie exagérée en ont fait un film sans aucun intérêt...et long.
Franchement, ce docu est mauvais. Il est très long, on n'y apprend rien, et le voir en "odorama" n'a rien de palpitant. Au contraire, la salle empeste et ça gâche la séance plus qu'autre chose. Bref, à éviter.