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Wyler est au cinéma américain ce que Henri Verneuil est au cinéma français avec le coté chatoyant américain en plus. Wyler est, comme Verneuil, un excellent directeur d’acteurs, acteurs qui dans ''l'héritière'' sont étincelants, Wyler arrive même a atténuer le jeu inné décalé de Montgomery Clift. L'héritière baigne indiscutablement dans le classique mais quel plaisir de regarder toute la beauté des personnages, de leurs habits et de tout ce qui les entourent. Un seul reproche : quelque soit le talent de Olivia de Havilland, il est impossible à 33 ans de la trouver dénuée de charmes, surtout lorsqu'on l'a connu amoureuse au cinéma du jeune Errol Flynn. Le scénario de l’ Héritière' est d'une grande subtilité, au point même que quand le film se termine on aimerait que des réponses à nos légitimes questions soient données plutôt que de quitter la salle avec des frustrations. Certes, il manque à Wyler tout un coté ''artiste réalisateur'' comme l'ont Ford et Lang par exemple mais adorer les deux premiers n'implique pas de rabaisser Wyler qui apporte au septième art les fondamentaux nécessaires pour ressentir les subtilités de Cukor ou de Wilder ou l'intelligence de Mankiewitz. L' Héritière au même titre que La Rumeur, les deux avec Myriam Hopkins, sont des films douloureux mais extrêmement enrichissant, tant pour les connaissances des comportements humains que pour s'initier à l'art cinématographique, la mise en scène étant toute consacrée au service de l’histoire.
Et ben merde! Si je m'attendais à ça! Ce film est une pépite (pour ne pas reprendre les déjà trop utilisé : merveille, chef d'oeuvre...). A travers quatre chapitres, on suit différents protagonistes (mention spéciale pour ceux du 2ème chapitre qui sont tout simplement extra-ordinaires). A la fois drôles, maladroits, gauches, bêtes, tendres, perdus, grincheux et rêveurs, les acteurs se livrent à des face à face de dialogues calibrés qui frappent juste à chaque fois. Vu sous cet angle, tout le monde aurait aimé être un gangster surtout qu'ici, Samuel Benchetrit ne laisse rien au hasard. Ni la musique, oscillant entre rock'n'roll crasseux et jazz épuré, ni même l'ensemble de ces décors, liés aux personnages, qui semblent à chaque fois leurs renvoyer à la gueule leurs problèmes...Oulà, je commence à philosopher moi, il est tard. Non sérieusement, il faut voir ce film. Si vous n'avez pas vu ce film 14 fois dans les 3 prochains jours, quelque chose de triste vous arrivera. Envoyez cette critique à au moins 14752 de vos amis sinon il y aura un "La colline a des yeux 3".
Kumel est un réalisateur parfait, subtil racé et profondément humain. Tout ici exprime les plaisirs de la chaire dans leur palpitations morbides comme dans leur élan souverains, qui repoussent l'interdit comme la mort. L'homosexualité de la comtesse se confond à sa passion du sang, le suspens née d'un sentiment inqualifiable de volupté et de sophistication,et l'eficacité dans l'utilisation des décors ne trouve guère d'équivalent aujourd'hui (surcharge pondérale de rigueure). Si Malpertuis menait une danse supérieure, cette affaire Makropoulos à plus de venin que les frasques polanskiennes de l'époque. A noté la partition bluffante de François de Roubaix.
Thriller et film policier en noir et blanc sorti en 1965, Bunny Lake Is Missing est un film à voir. Réalisé par Otto Preminger, celui-ci prouve ici son talent une nouvelle fois avec ce film surprenant et intelligent. Emmené par la jolie Carol Linley et Keir Dullea, deux acteurs peu connu qui semblent peu confirmés en début de films, montrent au fil du film leur talent. Vient se joindre à ce duo l’inspecteur de police incarné par Sir Laurence Olivier qui, sans livrer une performance inoubliable, est très bon dans le rôle. La clef de voûte du film est clairement son scénario, en effet le film possède une première partie qui semble molle et l’histoire semble plutôt banale : un enlèvement d’enfants. Mais rapidement le spectateur comprends qu’il y a plus, que la folie est présente et que le film est en réalité un long crescendo aboutissant à un superbe final. Du côté de la bande originale on gardera des regrets, tout le monde n’est pas Bernard Herrmann, ainsi la musique n’excelle pas toujours dans sa tâche créatrice d’ambiance et extériorisation des sentiments des personnages, dommage. Pour couronner ce film pas loin du chef-d’œuvre Saul Bass nous gratifie d’un générique dont il a le secret.
Si le rythme est efficace, le scénario n est pas du tout original (c est du vu et revu). Le choix de la distribution laisse également a désirer : Elle manque vraiment de diversité.
Ce film est ennuyeux à mourir avec un humour très lourd et de grosses longueurs. La fin est exceptionnellement nulle, tout est là pour un bide. Bravo et merci pour m'avoir fait perdre du temps et de l'argent. À éviter donc.
Un écrivain mélange réalité et fiction de radio de manière grotesque.
Le film forme un parfait diptyque avec « La femme au portrait », puisqu’on retrouve l’excellent Edward G. Robinson pris au piège d’une nouvelle machination amoureuse et de nouveau rongé par les affres de la culpabilité. Mais le ton est beaucoup plus noir ici, voir cynique, par la cruauté de la fable comme par le scalpel avec lequel Lang décortique ses personnages. Personne n’est épargné : vanité du héros qui s’aveugle lui-même (sa rencontre avec la sublime Joan Bennett tient du fantasme et de la réinterprétation du réel) et vils manœuvres du couple d’escrocs. Les rapports humains sont mis à nu par Lang dans toutes leurs petitesses, et pourtant, chacun préserve en lui une part d’innocence, chacun rêve d’un ailleurs et s’illusionne encore d’un amour que l’on sait factice. Cette dimension tragique est la grande force du film, elle lui donne une ampleur métaphysique renforcée par un final expiatoire particulièrement poignant. La réussite tient aussi beaucoup sur la mise en scène de Lang qui retrouve avec bonheur la pouvoir d’évocation de l’expressionnisme, poussé jusqu’à ses limites dans la dernière partie qui vire au cauchemar. Implacable sur le fond et aiguisé dans la forme : un grand Fritz Lang.
Un enfant aux facultés extraordinaires est confié à un couple qui vient de perdre son enfant, on est là plus dans le conte que dans le film d'horreur, les intentions sont louables mais hélas le scénario peine à captiver
Un complet navet, vraiment: tant par le traitement du sujet que par le jeu des acteurs: pas d'autres mots...
Une vision extrèmement juste de Dieudonné, c'est à dire exactement l'opposé des médias de (dés)information
Larry Charles confirme une nouvelle daube. Sans saveur et surtout sans le moindre humour. Soulant au bout de 5 minutes.
C'est plat, sans intérêt, mal joué, on fait des films histoire de gaspiller de la pellicule...
pour moi le meilleur Mel Brooks,déjanté avec des scènes d'anthologie,hilarant et complétement loufoque.fabuleux
Ce film est un régal absolu, une vraie gourmandise. Les situations comiques s'enchaînent pendant 2h sans faiblir. La mise en scène est extremement précise (nécessaire dans tout cinéma burlesque), les acteurs parfaits et c'est bien plus drôle que le diner de cons. Vivement recommandé !
parodie assez réussi avec des gags pendant 1h15 non stop !!!
Film semblant venir d’une autre époque, qui plus est testament cinématographique d’Eric Rohmer où la grâce prend le temps de se diffuser par une prose littéraire qui se marie à merveille à l’épuration du cadre et des décors, narrant l’histoire d’amour tragique d’un berger et d’une bergère, Astrée & Céladon, à base de quiproquos, de langueurs, de moments volés et d’audace. Ce qui m’a principalement plu c’est ce côté théâtre vivant rendu tout à fait abordable avec son lot d’acteurs pour la plupart inconnus au bataillon où il ressort inévitablement une profonde sincérité, même si il est nécessaire de s’armer de patience quant à l’élaboration de cette mise en scène anti-naturaliste. Le ton poétique mêlé à la fable pastorale provoque douceur, malice et fascination, les rouages typiquement romanesques n’ont d’égal que sa pureté panoramique, le désir et l’érotisme ne sont abordés que d’une manière détachée, où la chair se dévoile sans précaution, comme lors de cette séquence finale absolument sublime où Astrée dévoile un sein, Rohmer sait appuyer ce genre de détail pour en créer un sentiment d’une élégance rare. Le film respire au delà de son lyrisme un degré féérique grâce aux costumes et divers accessoires, comme une représentation à la fois minimaliste et anachronique de la Gaule du Vème siècle, dans la tradition gréco-romaine d’un peuple reclus dans le bocage, le tout participe à la forme comme au fond de cette histoire, d’une grande liberté à chaque instant. On ne fait plus du cinéma comme ça.
Un film lent qui décrit un couple à la dérive après plus de sept années en commun. On a du mal à se laisser prendre par le scénario au fil des minutes et l'ennui nous gagne!!
Thriller mollasson, mise en scène plate, scénario cousu de fil blanc. Les actrices n'ont ni charme ni présence. Un produit médiocre sans doute très vite bâclé.
aucune surprise dans ce film dont on connait le scénario entier dès la bande annonce. à éviter.
Un film qui a mal vieillit et qui est connu par cœur. Bref, maintenant il est à peine souriant.
Une petite comédie qui fait passer le temps, un scénario simple et banal mais bon la beautée de Renée Zellweger fait qu'on oublie la simplicité du film et des autres acteurs.
Une excellente satire des religions et des croyances populaires portée par un Bill Maher succulent et incisif. Un régal.
La mise en scène est ridicule et les acteurs tellement mauvais que c'est la grande rigolade , et c'est culte ?.
On pouvait s'attendre à ce que Spike Lee s'apesantisse sur le côté racisme entre noirs et blancs américains au cours de la seconde guerre mondiale, mais c'est beaucoup plus que cela : tous les partizani italiens ne sont pas sans reproches, tous les nazis ne sont pas des criminels "par essence" ! Prenant de bout en bout dans des paysages magnifiques, même les bondieuseries passent comme une lettre à la poste. La fin du film a réussi à me tirer une larme, ce qui n'était arrivé que deux fois auparavant (deux fois par Franck Capra). Spike Lee est décidément un grand artiste ! Je conseille très vivement d'éviter la VF qui n'a aucun sens (américains et italiens parlent français mais ne se comprennent pas : aucun sens je vous dis !!!)
L'histoire est insipide et cet anime ne suis pas du tout le jeu vidéo.
L'avant-dernier film de Bresson, d'une modernité étonnante encore de nos jours. Nihilisme et amour-fou caractérisent des personnages très représentatifs des années 70, jeunes gens désabusés en rupture d'études. Tranchant comme la lame d'un rasoir et terriblement lucide sur des lendemains qui ne chanteront peut-être plus jamais...
film pamphletaire anar et insurrectionnel aux trouvailles techniques audacieuses, avec deux comédiennes espiégles au charme toujours frais!!! A voir pour se rappeler qu'à une époque le cinéma pouvait être ludique, politique et joyeux...
quelle déception je n'avais jamais entendu parler de ce film et pour cause traitant de la pédophilie et de ses désastres film très sobre mais très lent un peu décousu on s'y perd rôle de anglade quasi muet
Ce film que je croyais être une réflexion sur "l'après 11 janvier", n'est qu'une interminable succession de propos convenus, mal filmés, sans liens les uns avec les autres, tronqués, mal montés... C'est un film militant d'extrême-gauche, qui ne laisse aucune place à une quelconque contradiction, ce qui est déjà dommage quand on traite d'une période aussi complexe, où justement les certitudes de chacun étaient ébranlées. Mais si au moins il s'agissait d'un pamphlet, d'un manifeste défendant une thèse construite, argumentée et soutenue par un "dispositif filmique", comme on dit. Non, ici, on glisse de l'antiracisme à l'altermondialisme, de la laïcité à la question des lois sécuritaires, pour finir par patauger dans un poulailler où s'égaient des lapins et des chèvres, métaphore d'une autogestion idyllique. Même les intervenants de qualité (comme Odon Vallet ou Benjamin Coriat), font naufrage, embarqué sur ce rafiot naviguant très très lentement. On s'ennuie ferme. On espérait se sentir concerné, on est juste consterné.
Il y a des films intemporels, touchés par la grace à tout niveau. Les vestiges du jour est de ceux là. Il y a d’abord le livre d’Ishiguro. Puis le script, la réalisation d’Ivory, la magnifique photo, la douce et envoutante musique qui accompagne ce drame historico-sentimental. Et que dire des acteurs : Anthony Hopkins et Emma Thompson sont parfaits, au sommet de leur art. Ivory a ce don pour dépeindre à la perfection les sentiments et notamment dans cette atmosphère de l’Angleterre du début du 20ème siècle qui aurait voulu garder ses traditions des siècles passés. Et si le film a pour sujet principal une histoire d’amour, il aborde des sujets aussi passionnants que les relations internationales avant la seconde guerre mondiale, l’anti-sémitisme en Angleterre ou encore la hiérarchie et la loyauté. Chaque scène est un joyau et que dire de la scène du livre…. Un film à voir absolument. Le DVD permet, avec les commentaires audio, d’en savoir un peu plus sur le film et le ressenti des acteurs.
Un bonne comédie, les acteurs jouent bien et un bon scénario... A voir ;)
Variation sur le mythe du Vaisseau fantôme, récit baroque à tiroirs, conte surréaliste et métaphysique, « Les trois couronnes du matelot » est tout cela à la fois, dans un style rigoureusement irréaliste qui est peut-être une des approches les plus réussies de l’Au-delà au cinéma. Le matelot, le personnage central de l’histoire est peut-être un personnage déjà disparu, ou alors c’est un personnage anticipant sa mort. Le film est sans doute un peu long, mais ce qui prouve son génie, c’est que dans son registre le plus libre qui soit, le plus émancipé des contraintes du cinéma commercial censément indispensables à toute cohérence filmique, il ne s’égare jamais.
Un film découpé en trois sketchs inégaux. Le meilleur est indiscutablement le troisième (Les bons vivants) porté par une série d'acteurs, des dialogues et un scénario exceptionnel. A noter que c'est le dernier film "d'auteurs" tourné par De Funès. Le second sketch n'a pas beaucoup d'intérêt. Le premier est intéressant car il traite de la fermeture des maisons closes, mais il traîne en longueurs. Le final est malgré tout magnifique avec "La Valse brune" revisitée par Michel Magne. Un film à voir ou à revoir pour nous rappeler l'âge d'or du cinéma français...
On dira que c'est sympa le temps que ça dure mais faut être franc Deathgasm n'est pas terrible et c'est assez regrettable car il y avait de quoi faire un film d'horreur sympathique avec ses fans de Metal et cette hymne diabolique. Même si je ne m'attendais pas à grand chose le scénario reste très limite et ne se fatigue pas trop alors qu'il y avait quand même de quoi faire un film plus réussi mais l'humour tombe souvent à plat et il n'y pas vraiment d'alchimie entre les acteurs (on s'attache peu aux personnages notamment à Zakk) puis la partie gore est certes vraiment sanglante mais c'est souvent que du sang qui gicle pas vraiment de scènes marquantes (d'ailleurs c'est finalement le début du film qui est la partie la plus réussie). Donc le temps que ça dure ça passe mais une fois finie on ne retient rien de Deathgasm.
Très bon film. Même Bohringer est crédible (avec une petite moustache à la Dario Moreno). J'y vois la version Mocky de "Psycho", dans la mesure où l'on n'arrête pas l'adversaire dans sa course, avant que le mal soit fait, toujours irrémédiable.
"Rituals" (The Creeper) est un film sorti en 1977 qui mélange aventure et horreur et est classé dans le genre "Survival". Il nous conte l'histoire de cinq médecins qui décident de passer un weekend tranquille en pleine nature. Ils vont être traqués par des tueurs sanguinaires et vont tenter de survivre. Si "Rituals" commence tout doucement, l'horreur monte crescendo et la deuxième partie du film nous réserve de bonnes surprises avec des scènes violentes voire gores. Certains n'hésitent pas à comparer le film au grand classique "Délivrance" de John Boorman. Et, si ce dernier est mieux maîtrisé, "Rituals" est quand même une bonne curiosité à découvrir notamment pour sa noirceur. Dommage qu'il ne soit pas si facile à trouver.
Avec 12 Rounds Reloaded pas besoin d’aller chercher midi à quatorze heure, on prend la même recette et on recommence ! Un pseudo acteur issu de la WWE (le catch américain), un détraqué vicieux et les fameux douze rounds ou douze épreuves que ce héros bodybuildé devra exécuter sans rechigner sous peine de mourir ou de voir sa bien-aimée trépasser. Rien de bien nouveau donc à un détail près : 12 Rounds Reloaded bénéficie du pire vilain de l’histoire de la série b d’action. Et ça compte énormément !
Les principales forces de "Being John Malkovich" sont sans conteste son scénario très original et ses dialogues désopilants. Il serait donc possible de vivre quelques minutes dans la peau du célèbre acteur, via un portail secret. Le script, délirant dès le départ, est accompagné par de nombreuses bizarreries et absurdités, souvent délectables, et une tendance à lorgner franchement vers le fantastique. Doté également d'un casting très solide, le film se montre complètement imprévisible, plein de trouvailles visuelles, et forme ainsi un ensemble singulier et attachant.
trop marrant ce film, ya des pures réplique et je me suis bien marrer !!!
Autant il y a des slashers que j'aime voir et revoir, autant il y en a que je prefere vite oublier.Ce "monstre du train " en fait partie. L'intrigue est totalement depourvue de la moindre originalité, si ce n'est placer l'action dans un train, façon "crime de l'orient express". Le jeune innocent victime d'un gag qui tourne mal prend sa revanche quelques années plus tard sur les personnes qui l'ont humilié jadis. Alors dejà, je n'ai pas tres bien compris en quoi le gag tourne mal.Le heros s'attend a retrouver la playmate du lycée ( la lee curtis)au lieu de quoi il trouve une espece de cadavre avant de paniquer et s'enrouler lui meme dans une sorte de p.q! Ensuite, vient le temps de la vengeance.Le heros decime un a un ses copains dans le train en emprutant leurs costumes respectifs(car c'est une fete deguisée),mais franchement, ca traine en longueur, il n'y a pas vraiment de suspense, on nous barratine avec une pseudo histoire d'amour entre les deux heros( la lee curtis encore) histoire de remplir l'histoire, on nous colle un tour de magie grotesque avec un david copperfield qui ressemble a nana moukouri, deux trois meurtres et un final vite torché avec heroine qui hurle et heros qui foinalement vient a sa rescousse.Au final, le train continue sa route et point barre. Bref, quelle deception pour un film dont j'avais entendu dire beaucoup de bien, et qui finalement,est du meme standing que certains telefilms de M6(dont certains sont meme plus interessants). Un pseudo film d'horreur avec beaucoup de bla bla et de remplissage inutile.
Voici donc enfin cette fameuse « bataille des 5 armées », troisième et dernier épisode de la seconde trilogie consacrée par Peter Jackson à l'adaptation de l’œuvre de JRR Tolkien. Je l'attendais avec beaucoup d'impatience mais ça valait le coup, indiscutablement. Les deux premiers épisodes, bien que parfaits sur les plans techniques et esthétiques, ont pu paraître un peu longs et ont décontenancé une partie des fans. Je peux comprendre cette position, bien que je ne la partage pas, mais je pense que cette ultime aventure réconciliera tout le monde. En effet, dès les premières scènes le message est clair...Comme son nom l'indique, la fin de la saga est placée sous le signe de l'action guerrière. On est arrivé au bout du scénario et la bataille pour s'emparer du « trésor sous la montagne » peut commencer. Et là, pas de surprise ! On sait que Peter Jackson est très à l'aise avec les gigantesques affrontements. Il l'a prouvé à de multiples reprises, toujours avec le même talent et la même fluidité. Les effets spéciaux sont splendides comme les décors et les costumes. Comme d'habitude, rien n'est laissé au hasard et le spectacle est simplement somptueux. Un petit clin d’œil, à la fin du film, permet de faire un lien plutôt bien vu entre la fin de cette trilogie « du Hobbit » et celle du « Seigneur des anneaux » qui va commencer. L'ensemble forme une œuvre magistrale et magique qui se pose comme LE classique de « l'héroic fantasy » au cinéma. Il sera bien difficile de le faire tomber de son piédestal. Il reste encore à découvrir la version longue... J'ai hâte !
Plus faible que le premier, moins axé sur les combats et plus sur la comédie, puis l'absence de Sammo Hung et Yuen Baio pèse un peu. La réalisation de Jackie Chan est toujours aussi soignée et perfectionniste, les scènes d'action même si peu nombreuses sont très longues et rythmées, les cascades sont toujours impressionnantes et les chutes brutales, les chorégraphies ne manque pas d'idées et d'humour. Plusieurs scènes basées sur le timing comiques et la gestion de l'espace émaillent le film, donc on ne s'ennuie pas.
Old Boy est mon film fétiche, car il incarne à mes yeux la perfection absolue à tout point de vue. Park Chan-Wook a effectué un travail hallucinant, et s'est encadré des meilleurs pour réaliser une oeuvre sensationnelle et inoubliable. Au niveau de la forme, Old Boy se pare d'une mise en scène et d'une esthétique exceptionnelles qui font désormais office d'exemple pour les autres longs-métrages: c'est parfois délirant, exagéré (comme souvent dans le cinéma coréen), mais toujours effectué avec une inventivité et une exactitude hors du commun. Rien n'est laissé au hasard, chaque séquence est fantastique. A cela s'ajoute des thèmes musicaux d'une beauté inégalable que l'on se surprendra bien souvent à fredonner sous la douche ainsi que des acteurs magistraux qui sont pleinement ancrés dans leur personnage (mention spéciale à Choi Min-Sik, dont la merveilleuse prestation aurait clairement mérité un Oscar). Old Boy écrase tout sur son passage: le fond suit la forme en qualité. Les scénaristes ont taillé une histoire tragique et bouleversante qui marque les esprits au fer rouge: le dénouement final est à couper le souffle, les dialogues sont brillants (le film contient quelques répliques cultes) et toutes les émotions traversent le spectateur, allant du rire aux larmes, en passant par la colère. Mais on est surtout subjugués par tant de génie, on reste cois devant une telle maîtrise, admirant le spectacle qui défile sous nos yeux ébahis. Old Boy est un immense chef-d'oeuvre, un monument du 7ème art : tragique, original, brutal, inventif, et surtout magistral.
Petit bijou du cinéma danois. L’histoire de deux frères, l’un partant à la guerre en Afghanistan. C’est d’ailleurs cette guerre qui va changer son existence ainsi que celle des gens qui l’entourent. Un drame poignant pointant du doigt les conséquences psychologiques induites par la guerre, la captivité, la torture... sur les soldats. Les acteurs jouent très juste, on se sent au cœur des relations de chacun. Un film très émouvant à découvrir absolument !