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Je dois avouer une déception en sortant de ce dernier opus de la série. Là où les 3 précédents opus avec Matt Damon dévoilaient pas à pas une personnalité de plus en plus complexe du héros tout au long d'un vrai scénario, le dernier film se contente d'une suite sans âmes de poursuites dont le maintien de l'action semble la seule raison d'être. Jason Bourne est fatigué et les personnages ont l'air de s'ennuyer (aucun acteur n'offre une véritable présence). La jeunette de service est totalement transparente (on est loin de la prestation Joan Allen) et même Tommy Lee Jones est atone (un comble). La traditionnelle course poursuite oublie malheureusement le réalisme pour le grand spectacle (même à vive allure, un camion blindé ne fait pas voler des voitures quand il les percute). L'opus le moins convaincant de la série avec Matt Damon
En véritable orfèvre d'un cinéma humaniste,réaliste et complexe,André Téchiné a tissé,avec "Ma saison préférée"(1992),un subtil drame familial,aussi pudique qu'enflammé,aussi poignant que distant.Les retrouvailles entre une soeur et son frère,après 3 ans de distance,font ressurgir les souvenirs,réminiscences douloureuses et heureuses du passé,d'autant plus vivement que leur mère,femme caractérielle et traditionnelle,a la santé déclinante(Marthe Villalonga,toute en intériorité).Sur ce canevas classique,Téchiné brosse un portrait des relations familiales adultes,qui va droit au coeur et à l'esprit.Dans les paysages ensoleillés du Midi toulousain,cette femme notaire,qui possède la sécurité matérielle,mais peu d'amour à offrir à son mari et à ses enfants;et cet homme médecin,dont l'esprit d'indépendance et de liberté vanté ressemble plus à de la solitude étouffante,ont de nouveau des relations fraternelles compliquées.Fusionnel,exclusif,leur amour ressemble à de l'inceste mais n'en est pas tout à fait.Ils ont plutôt besoin d'une épaule sur laquelle pleurer,quelqu'un a qui se confier intimement.Les situations et les discussions sonnent très justes,et Téchiné s'autorise même quelques raccourcis oniriques.Catherine Deneuve et Daniel Auteuil sont tous les 2 fabuleux,dans ce qui se rapproche de leur rôle le plus dense.Elle,vulnérable et volontaire.Lui,malheureux et déraisonnable.Une écriture solide et harmonieuse pour un très beau film.
A travers Casanova je découvre enfin mon premier Fellini et s'il m'a fallu une bonne demi-heure pour pénétrer ce film j'ai eu le sentiment d'avoir vu un film d'une immense beauté bien que traversé de moments grotesques (la 1ère scène d'amour assez ridicule ne donne presque pas envie de regarder le reste du film) mais finalement on s'imprègne de cette démesure. Casanova interprété par un excellent Donald Sutherland traverse une Europe remplie de personnages décadents et finalement Casanova est le plus attachant de tous, visuellement Fellini a fait un travail d'orfèvre car ce film comporte des scènes d'une beauté hallucinante comme celle de Rome où Casanova tente de se suicider, ce sont parfois de véritables tableaux comme ces plans balayés de neige. Un film qui change de ce que l'on peut voir ordinairement. Il y a tellement de choses à dire sur le Casanova de Fellini. La musique de Nino Rota est très belle accompagnant à merveille le ton mélancolique de ce film baroque.
Une des plus mauvaise réalisation de Jugnot! Les intèrprétations sont très moyenne, presque mauvaise, un rôle ne convenant pas du tout à Victoria Abril, et Gérard Jugnot est très moyen. L'idée est pourtant très originale!
N'est pas Alfred Hitchcock qui le veut et ce n'est pas Jan de Bont, pourtant réliqateur du sympa "Speed" qui dérogera la règle. S'attaquant au remake d'un classique de l'horreur ("la Maison du Diable" de Robert Wise), il le détourne surtout à la sauce blockbuster avec son lot d'effets spéciaux. D'où le problème. Comme chacun le sait, la peur naît de l'inconnu et ne trouve sa plus juste évocation au cinéma que lorsqu'elle est suggérée. Cela, le metteur en scène semble l'avoir oublié, polluant un décor qui aurait pu être inquiétant par d'innombrables esbrouffes visuelles, aussi nombreuses que ratées. Aucune tentative d'instauration de climat, seulement des fantômes qui vont et viennent, sans réel intérêt. C'est d'autant plus regrettable que le casting était conçu autour de grands noms (Liam Neeson et Catherine Zeta-Jones entre autres. Cette dernière est carrément ridiculisée, réduite au rang de poupée allumeuse incapable de dévoiler sa plastique. Conclusion : parvenir à ne dégager aucune sensualité avec cette dernière est à ma connaissance une prouesse inégalée !). Alors, on songe malgré nous, aux "Autres" d'Alejandro Amenabar, peut-être le seul film récent traitant du surnaturel sans bercer dans le grotesque. Ici, point d'humour ou de nostalgie. Juste un ennui profond, et de vagues assoupissements, entre deux interminables longueurs.
Dans le genre, il paraît que c’est le top. La cavalerie US glamour avec son bon gros sergent picoleur et bagarreur, ses sous-officiers amoureux et courageux, sa religiosité, sa sensibilité (la mort de Blancs les met dans un émoi terrible), ses ennemis peaux-rouges sauvages au possible (qui torturent un marchand d’armes en le jetant à plusieurs reprises dans un feu)… et surtout son capitaine (Wayne) bourlingueur, gentiment autoritaire, fidèle (parle à sa femme enterrée), philosophe même (répète à l’envi que s’excuser est un signe de faiblesse)… Dans le genre donc, ça vaudrait 4/4. Mais quel est ce genre ? Le cinéma dans toute son horreur : scénario indigent, musique omniprésente (3 secondes de galop : sonnez trompettes !) et criarde, psychologie à deux balles, sans parler du « discours » sur les Indiens… Du niaiseux en bobine. Quant à la charge héroïque : il n’y en a pas. Il aurait fallu conserver le titre original : « Elle portait un ruban jaune ». C’est bien plus parlant…
Vu en avant première le 31/08. une belle comédie sentimentale apportant légèreté sur fond d'imbroglio familial. Bon moment avec de beaux acteurs
Ford réalise comme d'habitude une oeuvre grande, forte, qui fait froid dans le dos surtout lorsqu'on sait que l'histoire du docteur Mudd est authentique.Warner baxter est formidable du début à la fin.
Approfondissant son regard sur une societé virant à la masquarade consummeriste,romero signe là le second volet de sa saga zombiesque,avec la meme pugnacité,le meme jusqu'au boutisme qui caracterisait dejà la nuit des morts vivants.Chronique d'une societé qui tombe (comme ce plan magnifique où l'on voit les lumieres d'un gratte ciel s'eteindre,avec toute la symbolique que cela sous tend par rapport à la situation du film) et la difficile separation (voir quasi impossible) d'avec un systeme aussi castrateur qu'alienant.Traitant de themes divers comme le racisme,la cupidité et la betise humaine en generale,romero rehausse d'un cran l'abomination ambiante,venant d'avantage d'une espece humaine victime de sa propre felonie,que de ces zombies lobotomisés,deambulant sans but dans les galeries du centre commerciale,temple de la consommation,paradis des ames perdues.
Jake Gyllenhaal crève littéralement l'écran et confirme qu'il est certainement l'acteur le plus doué de sa génération dans ce drame magnifique qui verse, certes, un peu dans le mélo. Mais le film est si intense, tant dans les combats que dans le combat de l'homme pour revenir à la vie et récupérer sa fille, et l'acteur si habité par son rôle qu'on se laisse emporter.
De belles chorégraphies pour un film au scénario plat et sans saveur. Dommage.
Une succession de courts-métrages musicaux dont le principal défaut est que la magie n'opère pas soit à cause des chansons soit à cause de l'histoire qui nous est montrée. C'est vers la fin que le film va à son meilleur sans pour autant décoller, l'idée était bonne mais se retrouve mal exploitée. Disney est beaucoup plus doué quand il a une histoire linéaire à nous raconter.
Pour son come-back après la mort tragique de sa femme Carole Lombard et avoir combattu dans l'armée de l'air américaine pendant la Guerre, Clark Gable a tourné dans ce film. Il y a pratiquement tout : deux partenaires féminines de choix (Greer Garson, Joan Blondell), un second rôle excellent (Thomas Mitchell), la griffe MGM qui garantie l'élégance du style et un réalisateur solide qui a déjà fait grandement ses preuves (Victor Fleming). Il manque juste un petit détail tout con : un bon script. Histoire totalement décousue et évolution psychologique des personnages minable sont ce que l'on retient de ce film jugé à juste titre médiocre. Difficile de ne pas s'ennuyer et de n'avoir envie que d'une chose : l'oublier.
Un navet sans nom, sur fonds de propagande bien pensante.L'histoire est niaise, les méchants français sont odieux avec les gentils sans-papiers, heureusement, Charlotte Gainsbourg est la... De plus la réalisation fait très téléfilm.
Un des rares films sur le thème des destins croisés réussi !
un film vraiment nul que m'a fais decouvrir un cinephile un peu douteux ( Gauthier Gaillot assez mauvais goût niveau cinema) je vous le deconseille serieusement !!
La mise en scène mollassonne de Paul Schrader vient littérallement plombé ce thriller qui possède vraiment très peu de suspense et de séquences intéressante et qui fait qu'il s'avère bien vite lassant. Ce qui est dommage, car d'une part, l'interprétation de Woody Harrelson dans le rôle d'un homosexuel est loin d'être ridicule, et d'autre part, nous avons le droit de retrouver dans des seconds rôles sympathique Lauren Bacall ou encore Willem Dafoe. Un film donc bien décevant et qui ne marquera pas mes mémoires.
L' idée était bonne Decoin devance peut être même les américains sur le sujet des lavages de cerveaux. Un crime dans la tête est sorti en 62. Malheureusement son scénario n'a vraiment aucun ressort au final il ne se passe pratiquement rien et les acteurs ont du mal à se donner une consistance.
Cela fait désormais un bon petit moment que Frank Oz n'est plus l'ombre que lui-même. En effet, comment reconnaitre une seule seconde le génie créatif de l'auteur dans cette pseudo-comédie au pseudo humour noir? En effet, alors que cette dernière se veut dans la verve de l'humour noir anglais (chose que ces derniers réussissaient, eux) ce film n'est en réalité qu'une grossière farce, ou Oz tombe à plusieurs reprises dans la vulgarité, pour ne pas dire dans la scatologie. On en arrive même à être gêné pour ce dernier, tant son image de marque en prend un coup après ce film. Alors il faut tout de même reconnaitre que l'on sourit reprises, et qu'il y a quelques scènes amusantes, mais il est vrai que c'est tout de même bien peu pour le spectateur, surtout depuis que Dark Crystal est devenu l'une de ses références absolues. Les Gelfings risquent d'ailleurs de ne pas pardonner de sitot à leur papa...
c'est ultra lent sans réel scénario. avec un bill murray pas tout à fait au mieux de sa forme! et des apparitions brèves comme celle de sharon stone qui n'arrive pas àç sauver le film du médiocre et plus si affinité! déplorable!!!
Même si Eric Judor n’a pas écrit l’histoire de Problemos, il arrive tout de même totalement à imprimer sa patte au long métrage. L’humour est en effet toujours aussi décalé mais il se fait aussi parfois plus grinçant que d’habitude avec le style de Blanche Gardin. C’est peut être aussi le premier film du réalisateur à contenir un message derrière la grosse déconne. Pas totalement abouti, Problemos reste cependant destiné avant tout aux fans d’Eric Judor qui seront content de le retrouver fidèle à lui même tandis que les allergiques à son humour bête et méchant devraient plutôt passer leur chemin.
Une soi-disante comédie qui, hormis une ou deux scènes efficaces, se trouve être beaucoup trop conventionnel pour nous emmener hors des sentiers battus. Décevant.
Très très bon polar, Burt Reynolds s'avère être un excellent réalisateur qui maîtrise les scènes d'action comme les scènes d'humour (même s'il y en a peu) ou bien les scènes sentimentales. Le film est rythmé et accrocheur. Bien sûr l'acteur Burt Reynolds est tout à son avantage mais il est formidablement bien entouré par des acteurs de très grand talent. Le scénario du film est tiré de l'adaptation du roman éponyme de William Diehl. On peut regretter que l'acteur n'ait pas poussé outre mesure ses talents de réalisateurs au service du cinéma.
Très beau film ! Certaines scènes m'ont particulièrement marquées : le baiser dans le cou du prêtre qui est pleine de grâce et de retenue , la balade de la jeune fille avec le prêtre... Lio est remarquable ! Moi qui ne l'aimait pas beaucoup avant j'ai été surprise et je dois même dire que c'est le personnage qui m'a le plus touché avec le prêtre ! Clara Augarde joue incroyablement bien et ne tombe jamais dans le faux ou le cliché, bref ce film est une pépite d'or à aller voir pour toutes ces raisons !
Difficile de classer ce film qui est à la fois bien vu dans son scénario et caricatural dans ses personnages et certaines situations (mais le comique naît aussi de la caricature évidemment). Par contre, Eric Elmosnino est fabuleux dans son rôle. Il porte vraiment le film. En résumé, un film agréable, drôle, émouvant parfois.
Certains réalisateurs devraient éviter de parler de ce qu'ils n'ont jamais vu, ainsi Kubrick n'a jamais vu de partouze, Chabrol n'a jamais vu de carabine de chasse, Resnais n'a jamais vu de chanteurs d’opérettes... et Guillermin n'a jamais vu de panique.
Cela fait longtemps que je n'avais pas vu un film français aussi remarquable. J'ai littéralement adoré. C'est captivant, passionnant, en particulier toute la dernière heure. Je ne vois vraiment aucun reproche à faire à ce film. Il mérite pour moi la note maximale. Que ce soit la réalisation ou l'interprétation, tout est parfait. Il y a une tension qui est à son maximum pendant la dernière demi-heure, c'est carrément implacable et sensationnel. Et les prises de vues en mer sont particulièrement belles. J'ai tellement aimé que je vais aller le revoir.
On peut scinder le film en trois groupes qualitatifs, le premier reste la beauté icônique de Rita Hayworth, le second sont les nombreuses scènes d'anthologie, le troisième est que le film est plus un film qui dénonce les "requins" de Hollywood plutôt que d'être un film de vengeance conjugal. Elsa bannister en bikini noir étendue sur les rochers ou en robe immaculée courant dans la nuit reste en mémoire. On comprend que Welles est d'une intelligence remarquable quand il fait croire à une simple vengeance envers son épouse à la ville alors qu'elle sera jamais aussi uniquement belle, et que on comprend que l'entourage crapuleux de l'avocat Bannister renvoie en fait aux "requins" que sont les producteurs alors tout puissant de Hollywood (qui ne lui pardonneront pas !)... Site : Selenie
Sans intérêt, long et ennuyeux! Ce film ne soulève rien de nplus que ce que l'on ne sache déjà de l'inimitable Karl Lagarfeld. Pour ne rien arranger, le docu est filmé de façon désastreuse et le réalisateur ne parvient même pas à formuler clairement ses questions, semblant intimidé comme un écolier devant le chantre de la mode.
Même si elle ne semble pas totalement aboutie, la satire sociale est aussi bien présente dans ce face à face entre haute et basse société. Mais l’ensemble reste (ou semble rester) dans une tonalité légère et libre, voire libertine : cet équilibre subtil est la grande réussite de Chercheuses d’Or qui est un film très facile et plaisant. Encore plus nettement que dans 42e Rue, Busby Berkeley montre son inventivité dans la chorégraphie des ballets, franchement époustouflants, s’inscrivant parmi les meilleurs du genre. En 1934, le film reçut une nomination pour l'Oscar du meilleur son, pour Nathan Levinson, chef ingénieur du son sur le film. En 2003, Gold Diggers of 1933 (titre original de Chercheuses d'or de 1933) fut sélectionné pour figurer dans le National Film Registry (qui reprend à l'heure actuelle moins de 500 titres de films dans toute l'histoire du cinéma américain) par la Library of Congress comme étant « significatif culturellement, historiquement ou esthétiquement ».
Alors commençons par le positif... car il y en a bien peu... Bien que son film dure près de deux heures, le réalisateur de "Festen" réussit à le rendre assez captivant de la première à la dernière minute, sans la moindre trace d'ennui à l'horizon. Les interprètes, tous excellents, méritent également des lauriers. On en viendrait même à pardonner l'excès de violence psychologique et physique, incessante, omniprésente et oppressante. Reconnaissons-lui au moins cela... Seulement voilà! La crédibilité de cette histoire, aisément gagnée durant la première heure, disparaît très rapidement par la suite. Comment ce père de famille peut-il laisser enfler la rumeur de la sorte et se montrer aussi passif? Comment le mensonge d'une (sale) gamine peut-il véhiculer une telle rumeur et faire de ce père de famille un paria? Comment accorder la moindre crédibilité à tous ces villageois qui refusent de parler à l'accusé et le mettent au ban de leur société? Depuis quand une enfant qui invente des histoires graves peut-elle s'en sortir aussi facilement à la fin sans la moindre punition? Comment croire au fait que le père de famille retrouve, comme si de rien n'était, les gens du village... et qu'il recommence à s'occuper de la gamine qui l'a accusé injustement, comme si rien ne s'était passé?! Dommage que le réalisateur multiplie les incohérences et les facilités pour mieux se dédouaner de toute condamnation. Il préfère invoquer un pardon surréaliste et moralisateur. Ridicule et grotesque, "La chasse" n'est rien d'autre qu'un gros navet!
Aucune originalité, le film reprend tous les clichés du film de "zombis" type. Le film est mou et le manque de moyen se fait sentir ... Aussitot vu, aussitot oublié.
Une histoire originale et totalement revisitée. Cela mérite d'être souligné et, même si l'intrigue basique a été modifiée, l'histoire est totalement nouvelle et donne un aspect moderne au conte.
Le plaidoyer social l'emporte sur la fiction. C'est dommage. Le message est lourdement asséné (déterminisme du milieu de vie, société coupable de la dérive des jeunes, critique de la peine de mort), au cours d'un procès classiquement entrecoupé de flash-back. L'histoire est très mélodramatique et misérabiliste, à l'image du titre en français. C'est le troisième film de Nicholas Ray. La figure du jeune rebelle sera récurrente dans son oeuvre : déjà dans Les Amants de la nuit (son premier film, dont on ne retrouve malheureusement pas ici la pureté tragique), mais aussi, bien sûr, dans La Fureur de vivre.
Un spécialiste aux fraudes à l'assurance enquête sur un auteur à succès et se retrouve plongé dans l'univers de celui-ci. Carpenter parvient à nous entraîner dans cette prenante descente aux enfer sans tomber dans un délire cauchemardesque sans queue ni tête, et nous livre un film plus complexe qu'il n'y parait. Entre Sam Neill, assez génial dans le rôle principal, et une mise en scène soignée offrant quelques excellents passages, "In the Mouth of Madness" propose une réflexion sur la création, la fiction, et la folie. Avec en prime, une mise en abyme vertigineuse. S'il ne s'agit pas de l'un des Carpenter les plus connus, il mérite amplement le coup d’œil !
Difficile aujourd’hui, avec la profusion de films d’animation en images de synthèses que l’on connaît, de se contenter de simples prouesses techniques pour nous émerveiller. Or, ce n’est pas là-dessus que ce "Numéro 9" se repose comme beaucoup le font de nos jours et c’est tant mieux ! Nul doute, la vraie force de ce film repose incontestablement sur deux qualités incontestables qui rendent à elles seules ce spectacle des plus envoûtants. D’une part il y a cette remarquable créativité visuelle avec laquelle est dressée cet univers onirico-apocalyptique assez original. D’autre part, il y a cette lucidité à savoir se faire silencieux, à mesurer ses mots et à éviter les pitreries agaçantes qui font parfois usage… Bref, un spectacle plus qu’honnête qui mérite clairement le détour…
Même toute jeune, la fraicheur de Liv Tyler permet a ce jolie film de rester attachant. Une belle histoire et quelques seconds rôles plein de tendresse, à regarder.
Un bon divertissement avec une divine Helena Bonham Carter et un excellent Aaron Eckhart . L'effet ecran séparé n'est pas si dérangeant .
Très bon film, tout simple, avec de bons passages drôles et tristes également... Les acteurs sont excellents! Dommage qu'il soit passé comme ça inaperçu! (A voir en VO sous-titré par contre parce que les voix françaises sont pas top!)
Un très joli film sans avoir besoin de croire aux vies antérieures pour apprécier le sujet et l'histoire. Un casting admirable pour une ambiance suspicieuse.
Grotesque et mal interprété, malgré un casting haut de gamme.
C'est beau, l'amour... 38 ans après la version réalisée par son père, Thomas Langmann en produit un remake avec cette fois Jean-François Richet à la réalisation et le duo Vincent Cassel - François Cluzet en lieu et place de celui formé par Jean-Pierre Marielle et Victor Lanoux. Pas déplaisant, le résultat a la bonne idée de moderniser le propos (notamment à travers les nouvelles technologies) tout en exploitant joliment ce cadre de rêve qu'est la Corse. Malheureusement, si niveau drame le film se tient plutôt bien, il s'avère moins réussi dans sa partie comique, certaines scènes apparaissant assez lourdes voire complètement inutiles(le jardin saccagé par les sangliers, franchement!). On croit ainsi sincèrement à certaines situations plutôt touchantes, beaucoup moins à d'autres, l'écriture s'avérant d'ailleurs très inégale, à l'image d'un couple vedette fonctionnant par intermittence, tandis que Lola Le Lann n'a pas forcément le pouvoir de séduction escompté pour le rôle, au contraire d'Alice Isaaz, excellente et qui eût probablement été un bien meilleur choix. Au final, « Un moment d'égarement » n'apporte pas grand-chose à son prédécesseur, mais sa mise en scène, plus tranchante, et son dénouement, plus ouvert, peuvent toutefois le rendre fréquentable, surtout si vous n'avez pas vu l'original. A vous de voir...
Mars à table aurait pu être une bonne comédie bien délirante mais il n'en est rien et c'est bien regrettable, l'humour est absent et c'est plutôt embêtant pour un film sensé nous faire rire, c'est essentiellement de l'ennui que j'ai ressenti en regardant Mars à table. Il n'y a que Campbell Scott qui s'en tire avec son personnage de professeur un peu collet-monté.
Sicile, début du 19ème. La Révolution Française fait parler d'elle. Des combattants libertaires italiens prennent la tête des mouvements de la paysannerie en colère. Un de ces combattants, arrêtés puis libérés, tentent de rendre ses illusions auprès de sa famille aristocratique. Mais les temps de l'engagement le ra trappe...Si allonsanfan est un très grand film, c'est d'abord parce qu'il est d'une liberté bien importante, se detournant de l'heroïsme exemplaire, le film avance en decà des espérances de chacun. Il ne suppose aucun rêve, aucune fierté, mais une beauté formelle remarquable, à l'esthétique baroque se supperpose la lassitude de la rigueur, et on sent les cinéastes prompte à l'immédiateté plus qu'au spectacle. Les moments ou s'intercalent les données d'un cinéma populaire sont plus là pour rappeler l'humanité de la tragédie, son encrage constant et boueux dans le coeur des personnages, et n'offrent aucun réconfort à la douleur qui sous tend le film. Rare la dimension nihiliste d'un personnage comme celui incarné par mastroianni aura atteint un tel éclat d'amertume. Le remarquable du film tient autant en la parabole enchantée, à l'attrait livresque et épique, qu'à la démesure de l'interprétation, tout est merveille des sens, et le mot beaux arts (pervertis par l'extrait charnel) retrouve son sens le plus juste. La fête du corps et de l'esprit, la jouissance des deux. Rare sont les films qui offrent un éventail aussi plaisant, les frères taviani ont construit un grand film anti conformiste et ils ne monnayent pas leur originalité.
Si le film ne brille pas par l'originalité de son scénario, il dégage en revanche une énergie sympathique soutenue par une musique du tonnerre
super film avec un jolie duo.Meme si il reprend les ingredients deja connu pour se genre de films celui la est remanier et apporte de l'originalité