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Film-phare de la «nouvelle vague» japonaise, «La femme des sables» (1964) de Teshigahara constitue l'un des trois fruits merveilleux de la collaboration de trois créateurs, à l'avant-garde de leur art propre, Teshigahara bien sûr, le compositeur Takemitsu et le romancier Kôbô Abe. Un entomologiste accepte l'hospitalité d'une femme mystérieuse sans se douter qu'il tombe de la sorte dans un piège, se retrouvant emprisonné, à la manière d'un insecte observé par ses pairs, dans un trou perpétuellement menacé d'ensablement. Vaste parabole, située à la lisière entre le réalisme et le fantastique, le film, volontairement équivoque, alimente une méditation dense et plurithématique sur l'enfermement, sur la part animale de la nature humaine, sur l'instinct de survie, sur les conditions minimales d'une civilisation ... Mais c'est surtout la mise en forme de ce contenu qui est parfaite! La photographie de Segawa est en effet une splendeur; la musique de Takemitsu est digne des plus hautes collaborations entre un cinéaste et un compositeur (et elles sont hélas très rares!); et la mise en scène de Teshigahara enfin, qui assume de manière avouée l'héritage de Resnais, est d'une créativité qui suscite une nouvelle fois la nostalgie de ce paradis perdu de l'art cinématographique que furent les années 60. Bien des séquences mériteraient d'être évoquées! Celle, saisissante, où l'homme, fuyant son trou, se retrouve traqué comme une bête dans la nuit ou encore, cette autre, fantastique, où l'homme et la femme, réduits à l'état d'insectes, sont contraints de se donner publiquement l'un à l'autre sous le regard de masques grimaçants ... Un chef-d'oeuvre, ni plus ni moins!
T.O.T.A.L.E.M.E.N.T previsible du debut à la fin , si seulement ils avaient pu faire grandir les personnage vers la fin du film que tout ca prenne un minimum de sens
Alléchant sur le papier, décevant à l'écran. La petite sauterie du début est sympa sans être passionnante, la suite est soporifique. Michel Simon est délectable comme toujours, le jeu théâtralisé de Raimu beaucoup moins. Les rebondissements vaudevillesques sont plutôt ridicules, loin de relancer l'intérêt du film ils l'enfoncent un peu plus. "Noix de coco", c'est une sorte de production hybride, mi-théâtrale mi-cinématographique.
Un navet à petit budget , interminable huit clos avec des acteurs en fin de carrière , sans réelle émotion, chacun déballe sa vie dans cette ascenseur même la fin est bâclée , faute de budget , la bande annonce était naze , pour une fois le film aussi , perte de temps
Un film qui se situe entièrement dans le discours et qui tente de faire croire à une réalité historique. Le plus grave, c'est qu'il s'agit d'une attaque à peine voilée du monde néérlandophone contre le monde francophone. La méthode est assez vicieuse. Du cinéma politique nauséabond.
Hormis d’avoir offert (dans la première partie du film) son rôle le plus sensuel à Angelina Jolie, trois ans avant qu’elle ne devienne une star mondiale avec le navet Tomb Raider, Anatomie d’un top model a pour principal argument de nous faire découvrir, par le biais de la biographie d’un célèbre mannequin de la fin des années 70, le monde de la mode. Mais, de l’exploration de cet univers tout comme de la vie de cette icône, on a fait le tour au bout de quarante minutes, soit un tiers de la durée totale, alors que certains aspects, comme la pression exercée par le manager et le poids de la maladie, ne sont pas approfondis. Le scénario est tout à l’image de la mise en scène, c’est-à-dire poussif, répétitif et dénué de scènes marquantes. Très attaché aux histoires liées aux vices des élites policés, Michael Cristofer (qui avait jusque-là été le scénariste de notamment Le bucher des vanités et réalisera par la suite Sexe attitudes et Pêché originel) signe, en guise de première réalisation, un téléfilm qui, en tant que tel, est d’une qualité esthétique louable et jouit d’un bon casting (Le choix d’Angelina Jolie s’avère être un coup de génie et la présence de Faye Dunaway est plus qu’appréciable) mais dont la teneur est parfaitement dérisoire.
Film autrichien et pas danois !!! Plusieurs destinées qui se croisent dans cette histoire où le quotidien tourne autour du travail, du sexe et de la violence. Plutôt décevant dans l'ensemble et loin du niveau de Revanche, tourné 4 ans plus tard.
Film long à regarder sans vraiment de consistance , le film peine à décoller , l'histoire de jeune dans le Queens mais un peu trop raccourcie à deux ou trois clichés sur certaines péroides importante de leurs vies , bof bof
Une grande baffe dans la gueule. C'est beau visuellement, l'histoire racontée remue, le réalisme est saisissant. Ce film fait penser à "A bittersweet life" sorti quelques mois plus tôt. Christian Slater est bluffant, je suis resté scotché au fauteuil quand j'ai vu son nom à la fin du film. Je trouve que tout est parfait dans ce film, y compris la fin, y compris la dernière phrase qui révèle le sens du film. Petit bémol, car il en faut un, on remarque trop facilement quand le film "bascule" (seuls ceux qui ont vu le film peuvent comprendre cette phrase bien hermétique), un peu plus de subtilité aurait été souhaitable.
Très long beaucoup d'incohérences avec la réalité s'en est presque comique !! Dommage car l'histoire semblait intéressante !
Alerte est un film catastrophe mal noté mais pour moi passionnant à voir. Je ne me lasse jamais de ce film. On suit des scientifiques, militaires, qui vont traquer un animal porteur d'un virus ultra mortel pour l'homme mais possédant également le sérum pour créer un vaccin. Un village américain va forcément subir ce virus, faisant froid dans le dos, car finalement un virus est un fléau au taux de probabilité importante pour l'espèce humaine. La fin est un peu exagéré et on pourra critiquer les éternels visions des américains sur les militaires qui sacrifieraient toute une population pour la recherche militaire. Le casting est impeccable et la mise en scène très efficace. Le plus grand défaut du film est finalement ce vaccin qui arrive à une vitesse grand V alors qu'en réalité, il faut souvent des années de recherche pour pouvoir en avoir un. Bref : un film efficace mais restons calme, ce fléau peut arriver à tout moment !!
Que dire... On a du sexe, une très jolie jeune femme, deux acteurs connus... Mais n'a rien donné. Comme disait Monsieur A dans CinéLive, monsieur Mocky ferait bien de prendre sa retraite, ca donne rien de bon si on continue... la preuve : 13th French Street
Excellent thriller au suspense haletant. Le scénario est magistral du début à la fin. On s'attache au personnage d'Adrienne et on a envie de découvrir avec elle toute la vérité jusqu'au final qui est grandiose. Goldie Hawn est excellente dans ce rôle qui semble taillé sur mesure pour elle. La mise en scène est incroyable et rend le suspense palpitant. L'ambiance rappelle celle des films d'Hitchcock pour notre plus grand plaisir. Les thrillers des années 90 restent indéniablement les Meilleurs.
Décapant, politiquement très incorrecte, de l'humour noir et du rythme du début à la fin... C'est drôle, voire vraiment savoureux et jouissif par moment, ça faisait longtemps que je ne m'étais pas autant amusé... Laurent Lafitte et Marina Foïs forme un couple décapant : qui aura la garde des enfants ? Personne n'en veux !! C'est horrible et moderne à la fois... Vraiment très très bon, ce n'est pas si souvent pour une comédie. A découvrir pour se faire du bien aux zygomatiques.
Excellent film noir, le premier de Joseph L.Mankiewicz, qui préfigure notamment Un Américain bien tranquille, bien plus ambitieux et réalisé 12 ans plus tard. Ici, on est dans le classique de chez classique : amnésie du personnage central, ainsi le spectateur prend connaissance des éléments de l'histoire en même temps que son héros. Bien évidemment, s'il est un tantinet intelligent, il devinera très vite la clé de l'histoireà savoir que le héros et le bonhomme dont tout le monde parle ne font qu'un.Il s'agit d'une poursuite contre le vent, les deux millions que tout le monde recherche n'étant qu'un MacGuffin, et représentant l'argent du diable, provenant des nazis dans un contexte d'après-guerre. La photographie de Norbert Brodine sert à merveille dans le récit, comme dans tous les grands films noirs : lorsque le héros rentre dans des lieux inconnus pour glaner des renseignements et n'en tire que des problèmes, et lorsqu'il est troublé par le moindre retournement de situation. Typique du film noir, cette trame obscure qui fait intervenir des questionnements d'identité est magnifiée par la mise en scène d'un Mankiewicz déjà pleinement maître de son art.
Un film inachevé. Peut-être le début d'une série débile... Curieux tout de même ! Parce que l'image, les prises de vue y sont fort belles mais l'histoire, elle, grave de chez grave ! Je défie quiconque de m'expliquer l'utilité de cette torche articulée sur du métaphysique dont on ne sera rien sinon qu'elle sert de tache dans le synopsis. Un photographe habile a dû se compromettre avec un réalisateur glauque et peu inspiré. Il faudrait conseiller au premier de changer de boutique. La boutique des horreurs collait pas trop à son album de paysages et de flaques d'eau réfléchissantes. Bref, il faut passer son chemin, sinon le grotesque vous attend avec sa voix stupide d'outre-tombe.
Certes, c'est une légère comédie, mais qui n'en demande pas plus ! Elle assure avec brio la continuité du 1 pour nous faire sourire, rire. Whoopi est vraiment une actrice qui sait transmettre les bonnes émotions aux bons moments. A voir.
Dans une Bosnie ravagée par la guerre, où tente de survivre une femme et sa fille dans une capitale détruite par les armes, résonne comme un échos à la fin d'un monde en pleine reconstruction. Dans Sarajevo, mon amour, l'éclatement de la Yougoslavie se sent. Les personnages sont comme des ruines. Les actrices Mirjana Karanovic et Luna Mijovic sont remarquables. Étant tout à fait équivoques, elles se confrontent ou s'allient selon les circonstances. Dans l'analyse psychologique la plus évidente du récit, Esma est une mère dévouée au bonheur de sa fille, portant le nom de Sara. Elle n'hésite pas à lui acheter son poisson préféré pour se priver elle-même et manger quelques morceaux de pains. Le symbole nous semble à première vue simpliste, on en conviendra, mais il reflète avec sincérité un pays d'Europe de l'est qui n'a rien d'un paradis sauvé de la démocratie populaire. Enchaînant les petits boulots, que ce soit de jour ou de nuit, Esma travaille de temps en temps dans une discothèque peu recommandable. Des filles font des streaps teases, l'alcool coule à flot et les marchés illégaux se font en toute discrétion. Comme un certain Métropolis de Fritz Lang, le monde de la nuit est décrit comme monstrueux. La réalisatrice Jasmila Zbanic le peint de cette manière, mais de l'autre côté du rideau. C'est dans la vie intime du personnel de cette boîte de nuit que se créé cette ritournelle de personnages. Pourtant, il n'y a pas de recherche esthétique majeure dans la mise en scène et la caméra semble suivre ses protagonistes comme le ferait un documentaire. La notion de vraisemblance est évidente. Certes, le film n'est pas exempt de défauts, comme la liaison futile et superficielle entre Leon Lucev et la mère de Sara. Mais le secret final que nous dévoile la fin de l'histoire est renversant. On ne peut pas nier et repousser une oeuvre cinématographique qui narre en fiction une réalité encore dérangeante, tout un évitant en virtuose le larmoyant. Un bon film d'auteur.
Un inintérêt poli mais un inintérêt tout de même pour ce biopic lancinant et à la réalisation téléfilmesque qui provoque un certain engourdissement en particulier au niveau des paupières. Ce n'est nullement la faute de l'artiste en question, qui avait un talent et aussi un destin exceptionnel (et terrible !!!), mais celle des différents créateurs du film qui n'arrivent pas à retranscrire la passion frénétique de la création, caractéristique essentielle pour une oeuvre sur un peintre. On reste à la surface des choses, on y entre jamais. Et ce n'est pas la très très surestimée Yolande Moreau, qui au contraire de rendre attachant son personnage comme l'aurait fait une grande comédienne le rend agaçant, qui arrange les choses. Seul au niveau de l'interprétation, Ulrich Tukur arrive à donner quelques courts instants peut-être pas d'émotion mais de bon jeu d'acteur. Conclusion, il faudrait m'expliquer la moisson de Césars...
Première réalisation pour « Le plus mauvais réalisateur de tous les temps » qui traite ici un sujet difficile et terriblement tabou pour l'époque, qu'est-ce qu’un transsexuel ? Glen ou Glenda (1953) est une Série Z à la fois abstraite et aux allures surréalistes, une réalisation atypique du réalisateur, avec ses acteurs qui jouent tellement mal que cela en devient drôle, Ed Wood réalise comme un pied avec ses plans inutiles ou incompréhensibles (on fera notamment référence à la séquence des bisons qui chargent pendant que l’excellent & hilarant Bela Lugosi prend la parole). Des répliques complexes et bizarres, des situations loufoques, si la première partie fait sourire, la seconde laisse perplexe car le film s’enlise dans l’incompréhension la plus totale !
Plat, insipide, chiant. Quelle honte de massacrer Molière ainsi !
Pur chef d’œuvre signé M. Night Shyamalan, Sixième Sens est une merveille cinématographique. Tout d’abord de par son ambiance pesante, oppressante accentuée par une mise en scène soignée et une musique composé par un James Newton Howard au top de sa forme. Ensuite de par ses deux acteurs principaux extrêmement talentueux : d’une part Bruce Willis, qui prouve qu’il peut être bien plus qu’un vulgaire acteur de film d’action en livrant une prestation remarquable, l’une de ses meilleurs ; d’autre part Haley Joel Osment qui, à peine âgé d’une dizaine d’années, nous dévoile son talent d’acteur précoce. Les deux font preuve à l’écran d’une formidable alchimie. Mais ce qui fait avant tout la plus grande force de ce film c’est bien son scénario : en apparence simple, il dévoile toute sa complexité avec un twist final renversant. Et pour l’apprécié comme il se doit, le film mérite un second visionnage au cours duquel on se rend compte avec quelle subtilité Shyamalan nous a berné pendant un peu moins de 2h de film. C’est pour toute ces raisons que Sixième Sens est digne de figurer parmi les chef d’oeuvres du 7e art.
J'aimerais qu'il reste quelque chose propose un nouveau regard sur la Shoah, entre ceux qui transmettent et ceux qui reçoivent. Un film sobre et précieux sur la mémoire et sa conservation. Composé de témoignages forts, le film prend le temps de nous montrer le travail précieux des bénévoles du Mémorial. Je recommande.
Quand j'étais plus jeune je regardais un film américain des années 50 en pensant mater du cinéma de l'âge d'or hollywoodien puis j'ai découvert d'autres périodes (notamment la fabuleuses décennie des années 70) et ce depuis je trouve parfois les films des années 50 vieillots même si heureusement il y en a qui me plaisent énormément de cette période mais avec Au sixième jour c'est dans la catégorie vieillot que je le range. Un mélo qui a le charme de son époque mais qui m'a pas du tout passionné pour ne pas dire rapidement ennuyé, la scène de bataille vers la fin est pas mal.
Un vrai jeu de chamboule tout dans lequel Yanne n'épargne personne dans une critique sociale dans l'ensemble bien vue quoiqu'assez brouillonne. On remarquera que Jean Yanne semble particulièrement à l'aise dans les scènes de foules et on retiendra quelques morceaux de bravoure comme le ballet des C.R.S. ou le chemin de croix surréaliste de l'église ainsi qu'une bande sonore délirante mais parfaitement intégrée au film. On retrouve là toute la philosophie de Yanne : l'homme est avant tout un opportuniste et tout le reste n'est que littérature. Peut-on vraiment lui donner tort ? Sympathique et à peine démodé.
Les histoires d'amnésie représentent un thème que le cinéma aime bien traiter. La réalisatrice polonaise Agnieszka Smoczynska a choisi de venir ajouter son 2ème long métrage à une liste déjà longue. Le scénario, écrit par Gabriela Muskała, l'actrice principale du film, raconte l'histoire d'une femme souffrant d'une fugue dissociative suite à un accident survenu le jour où son mari lui avait fait envoyer les papiers pour un divorce. "Fugue" n'est pas le pire film sur ce sujet de l'amnésie mais c'est également loin d'être le meilleur !
Une page d'histoire douloureuse et abominable vue du coté de l'enfermement. Dommage que la mise en situation arrive trop vite et ne fait apparaitre (avant cela) aucune "peur" de la population. Cette dictature et milice aurait été présentée comme la "Faux" (la mort) sur laquelle il ne faut pas tomber, aurait largement amplifié le cœur du film. Basée sur des faits réels, l'histoire se veut passionnante et sans concession. A voir !
Sensation plus que mitigée à la fin du visionnage de ce film d'horreur australien. D'un côté, on a un aspect visuel particulièrement réussi, avec une très belle photographie, donnant lieu à des séquences d'excellente facture esthétiquement parlant. Mais d'un autre côté, il y a tout le reste du film. Le problème majeur du film réside dans le fait que l'on sache jamais dans quel registre on se situe. Comédie noire ou réel torture-porn ? Ce n'est jamais drôle et ce n'est pas non plus perturbant ou terrifiant. On ne sait jamais vraiment, et du coup, cela donne un résultat plutôt bancal et ennuyeux. Et en plus d'un scénario peu inspiré et inintéressant, une histoire parallèle, n'ayant quasiment aucun rapport avec l'intrigue principale, est développée, et franchement, on ne comprend absolument pas pourquoi cette partie du script existe. Je n'y vois honnêtement aucun intérêt dans la construction du récit, et cela ne fait que confirmer la superficialité et la platitude de ce faux teen-movie/survival. Le pitch de base offrait pourtant un bon potentiel, mais le réalisateur Sean Byrne l'a cruellement mal exploitée. Au final, The Loved Ones n'a que la forme pour sa rattraper, car l'ensemble du film est assez insipide et inabouti.
L'histoire est bonne, la comédie l'est moins. Les personnages sont peu attachants en dehors du vieux cow-boy. Pas de paysage sympathique, pas de scène forte, une aventure peu distrayante et un western moderne molasson. La bande-annonce est meilleure.
Guédiguian reste Guédiguian. A savoir : voilà un film qui commence joliment - quoiqu'un peu long - avec l'histoire de 3 frères et sœurs qui se retrouvent autour d'un père malade. Conflits de famille, blessures, rien de neuf sous le soleil de Marseille, mais bon.Et puis, au bout d'une heure, ne sachant plus quoi faire de son sujet, voilà le film qui part complètement ailleurs, sur des enfants réfugiés, avec de grandes tirades enfonçant des portes ouvertes sur le sort de ces pauvres enfants dont la vie est foutue, etc… Bref, on est sur un nouveau film qui n'a plus rien à voir avec la première heure du film. Et puis le discours final à la fin de Daroussin sur les ouvriers qui n'ont pas choisi d'être ouvriers… Au lieu de démontrer, Guédiguian fait des grands discours primaires et didactiques sur le monde qui fout le camp, les pauvres, les réfugiés et tout ça fait un film ennuyeux, chaotique et raté.
"L'âge d'or" est incontestablement l'oeuvre la plus importante que le mouvement surrèaliste orthodoxe ait donnèe au cinèma! Construit à la manière d'un rêve, ce film ètonnant, dont le scènario fut ègalement ècrit en collaboration par le peintre catalan Salvador Dali, suscita l'hostilitè de la droite rèactionnaire, qui en fit interdite la projection! Comme la plupart des membres du groupe surrèaliste, Luis Bunuel mit bientôt son art au service d'une conception rèvolutionnaire de l'histoire! "L'âge d'or" a produit quelques-unes des images les plus marquantes de l'histoire du cinèma: les èvêques momifiès, la vache sur le lit dans une èlègante villa bourgeoise, Lya Lys suçant l'orteil d'une statue, le Christ angèlique et ses libertins èpuisès de plaisir sur le pont-levis du château...Tout Bunuel est dèja dans "L'âge d'or", c'est une rèfèrence qui existe hors du temps et qui continue toujours autant à fasciner...
Strictement aucune peur sauf pour une scène qui est très surprenante et très bien filmée (scène du couloir de l'hospital). Ce film est dans l'ensemble soporifique car les personnages parlent de meurtres mais on ne les voient pas...
Une comédie gentillette mais vieillotte et trop peu innovante pour passionner.
L'un des meilleurs films de Steven Seagal et de loin ! Sa pratique des Arts Martiaux étonnera toujours autant : simple et radical, avec elle il se fraye un passage chirurgical à travers des hordes d'ennemis qui ne comprennent toujours pas ce qu'il leur arrive.
Kev Adams et Franck Dubosc! Deux humoristes français à l'affiche de "Fiston", ça annonce dèjà la couleur! Cette comèdie n'a èvidemment rien d'un chef d'oeuvre : la mise en scène est basique et l'ensemble exhale une bonne dose de clichès! Mais qui a demandè à un tel film de faire dans l'originalitè, en bref d'être bon ? Dans "Fiston", Kev Adams est un jeune homme solitaire et timide, un peu mal dans sa peau! Un personnage renfermè sur lui-même qui a peu de copains et qui se pose beaucoup de questions! Un personnage intèressant pour la nouvelle coqueluche des 13-19 ans car justement à l'opposè de ce qu'il a l'habitude de faire! Malheureusement tout ça n'a rien d'innovant et Franck Dubosc ne crèe jamais la surprise (si ce n'est de porter la barbe) en jouant les experts en sèduction! Sinon "Fiston" n'est pas le navet intègral dènoncè par la majoritè de la critique française! Bien peu crèdible, l'histoire se laisse progressivement accepter! Et la jolie Alice Isaaz justifie à elle seule le dèplacement car Nora Arnezeder et Helena Noguerra paraissent particulièrement sous-exploitèes! Sinon la technique de drague de Franck Dubosc : « Qu'est-ce que tu veux boire ? Qu'est-ce que tu prends ? Qu'est-ce que t'as pris ! »...Quant à la chanson de Mani, « Bang Bang » , elle colle parfaitement à l'histoire! Pour la regrettèe Valèrie Benguigui ("Fiston" lui est dèdiè) dont ce fut le dernier rôle au cinèma...
Cornouaille, d’Anne le Ny, se passe, comme son titre l’indique, sur la côte sud du Finistère. Paysages merveilleux de la mer, des plages, de l’arrière pays, des ports de pêche, ainsi que des ciels flamboyants. Vanessa Paradis (Odile) occupe pratiquement l’écran du début à la fin. L’histoire est assez simple : sa tante, qu’elle n’a plus revue depuis très longtemps (en fait depuis la mort de son père lorsqu’elle avait 12 ans), vient de trépasser. Elle hérite d’une magnifique maison en bordure de l’océan, qu’elle désire vendre au plus vite. Mais installée dans cette maison de son enfance, elle va visiter le royaume des morts un peu plus souvent qu’elle ne le souhaiterait : Charon a du pain sur la planche ! Elle y rencontrera successivement, ses parents, sa tante, et un certain Loïc, personnage énigmatique, se présentant comme son premier amour d’adolescents, et qui voudrait bien faire resurgir cette passion disparue. Scénario original, qui tient la route dans la mesure où parfois, on ne sait plus si nous sommes dans le royaume des vivants ou dans celui des morts. Vanessa Paradis, ici en adulte un peu paumée, (la vie d’Odile ne respecte pas « l’ordre naturel des choses », comme il est dit dans le film), sans véritable amour durable, est très convaincante. Manifestement, elle a beaucoup mûrie en tant qu’actrice. Mention spéciale pour Samuel Le Bihan dans le rôle de Loïc, ainsi que pour Martin Jobert dans celui d’Erwan, jeune ado avec lequel l’héroïne se lie d’amitié.
Dans mon top 5 des films les plus médiocres sans contestation:jeu d'acteur inexistant,fusillades à balles illimitées,effets spéciaux digne de Bob Le Bricoleur...... Je m'arrête là car il y a beaucoup trop d'éléments à critiquer sur ce film.