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Woody Allen nous réserve une drôle de surprise, surtout quand on a pas pris connaissance du synopsis avant de voir le film ! Tel un « mockumentaire » comme on le dit dans le jargon (entendez par là, un documentaire parodique), Zelig (1983) nous fait découvrir l’histoire d’un homme hors du commun, un caméléon (comme le surnomme la presse). Cet homme, c’est Leonard Zelig et il a la capacité de prendre l'apparence de tous ceux qu'il cotoie (je vous laisse imaginer la scène, lorsqu’il rencontre un obèse, il le devient aussitôt, même chose dès qu’il rencontre un noir, il noircit, un chinois, ses yeux se brident, un indien, il le devient, etc. Zelig (1983) est un homme incroyable qui attise la curiosité de toute la presse et des badauds qui ne ratent pas une seule occasion de le rencontrer ou d’apprendre une de ses nouvelles frasques. Vous aurez bien entendu deviné qui interprète le fameux Zelig (1983) c’est Woody en personne, qui quitte son personnage fétiche de névrosé pour un homme caméléon et le résultat est tout bonnement génial ! Que ce soient les fausses interviews, les rencontres avec le médecin (Mia Farrow) ou bien alors, les commentaires en voice over, Allen nous régale avec cette comédie absurde et loufoque et marquante grâce à de nombreux SFX très réussies. A noter aussi que cette œuvre fut nommée à deux reprises aux Oscar !
« Le secret de Moonacre » est tiré d’un livre de la littérature enfantine, cela se ressent dans le film, et fait l’effet d’un croisement pas très réussi entre « L’histoire sans fin » et « Nanny Mc Phee ». L’histoire est simple deux familles sous le coup d’une malédiction sont en conflit depuis plusieurs siècles pour la possession de perles de lune magiques, la nièce d’une famille, ignorante de tout cela, va devoir tout faire pour réconcilier les deux familles et trouver les perles pour dissiper la malédiction avant que celle-ci ne les détruise. Les décors et les costumes sont vraiment beaux et rappellent un peu l’exubérance de Tim Burton, mais sans le côté sombre. Le scénario par contre laisse à désirer tant il oscille entre un souffle épique un peu court et un second degrés pas vraiment réussit à la « Nanny Mc Phee » ou aux « Désastreuses aventures des orphelins Baudelaire ». Le film hésite en permanence entre ces deux écueils et fini par s’échouer au beau milieu donnant des personnages et des situations qui parfois sombrent un peu dans le ridicule. Bon la fin est heureuse, mais ce n’est pas le plus embêtant, étant entendu qu’on a affaire à un conte. On sort de ce film en se disant que les enfants apprécieront sûrement, mais que les adultes eux en sortiront soulagé que cela soit fini.
Sans vouloir vexer personne, il ne s'agit en aucune manière d'une adaptation du roman de Mary Shelley mais de celui de Dean Koontz.
Trop de XXX tue le XXX. Le film est tellement fatiguant. Les cascades sont absurdes et menteurs c'est vraiment n'importe quoi. Le scénario est vide.
De la question du rôle de la parole dans la communication, Ingmar Bergman réalise «Tystnaden» (Suède, 1963). Deux sœurs, accompagnées du fils de l’une, regagnent leur foyer et font une halte dans un pays étranger dont elles ignorent l’idiome. De l’arrivée en train, Bergman expose la situation en plongeant ses protagonistes dans un noir et blanc charbonneux qui trace les lignes des visages et figurent les saillies de l’âme. A l’accoutumé du cinéma de Bergman, les figures sont les expressions des âmes, le regard en état la voix suprême. Ainsi le film s’articule non plus autour d’une communication parlée, la langue n’étant qu’un frein aux échanges universels, mais autour d’une communication "visagé", ressentis. C’est de ce décalage entre le portrait des actrices et leurs paroles que se nourrit le conflit. Suite à leur voyage en train, les trois protagonistes principaux domicilient dans un hôtel. Là se met en place l’ennui et l’angoisse de leur confidentialité, les crampes de leur rapport et les artifices de leurs paroles. Le peu de texte dont privilégie le film sert à souligner la contingence du discours oral, la parole étant réduite au fardage caduc du silence. Tout n’est que silence dans ce film de Bergman, créant, par surcroît à l’esthétique, un film muet où les gestes sont les mots du discours. «Tystnaden» illustre également les rudesses du couple. Ici couple fraternel, leur déchirement n’en est que plus passionnel, car simultanément que l’une blesse sa soeur, elle se blesse elle-même. Tandis qu’Ester, malade, ivrogne et intellectuelle souffre d’une frustration sexuelle, Anna, mère de l’enfant, use de ses charmes pour assouvir ses désirs. Bergman souligne ainsi l’opposition du désir accomplis au désir inassouvi. Et la morale divine n’est pas là pour sauver les personnages, les délaissant à une conclusion immorale. «Tystnaden» est l’explosion lancinante d’un conflit familial où l’enfant est le témoin innocent, constatant objectivement l’œuvre du Dieu mort.
Douzième film de Ingmar Bergman, « Monika » nous fait suivre le destin d’un couple qui part vivre sur une île pour fuir leurs vies malheureuses à Stockholm. Le film s’ouvre sur la magnifique vision en noir et blanc d’un port vide de mondes de Stockholm, puis Bergman prend son temps pour nous présenter ses personnages et ce couple qui se former si rapidement. D’abord lui, Harry, malheureux dans son travail de garçon livreur qui va très vite rencontrer et tomber amoureux d’elle Monika qui travaille dans un magasin d’alimentation et vit dans un taudis entre ses turbulents frères et un père alcoolique. Eprise de liberté, elle s’enfuira chez Harry puis le couple ne se fixera aucune limite et partirons sur une île. Bergman montre bien l’évolution du couple et des deux protagonistes, la découverte de la vie, de la femme, de la chair mais aussi des problèmes d’argents et surtout du couple avec une Monika de plus en en plus énervante ! Bergman est toujours dans le vrai et nous passionne de bout en bout malgré un scénario plutôt mince (mais c’est la vie !). Il nous raconte cette escapade avec tendresse, réalisme et intelligence et il rend les personnages intéressant et attachant malgré quelques cotés détestables. Sa mise en scène est superbe et à l’image de quelques plans, il fait preuve d’ingéniosités. Quelques scènes sont marquantes (à l’image de celle du cinéma en début de film où la réalité de l’écran n’est pas forcément celle de la vie) et la photographie en noir et blanc est superbe. Les interprétations sont excellentes, les acteurs sont très naturels et Harriet Andersson est sensuelle et à croquer dans le rôle de Monika. Un excellent film, l’un des tous meilleurs Bergman que j’ai vu (certes uniquement cinq à ce jour dont le très grand « Le Septième sceau ») mais c’est aussi l’un de ses plus accessibles. Surement pas le dernier que je verrais n’ayant jamais été déçu par le suédois à ce jour et notamment avec ce « Monika », beau et cruel à la fois…
Il serait toujours plus préférable d'encourager un nouveau réalisateur dans le monde du long métrage. Seulement il y a trop de raisons pour ne pas laisser un énième navet courir les salles : d'une part Palanski n'apporte rien de nouveau, pire, : il nous sert la sempiternelle et désormais universelle seule et même façon de filmer qui semble faire fureur à Hollywood -elle se veut original, inédite. Elle n'est que soporifiquement unilatéral, aussi linéaire qu'une équation premier degré, comme l'humour du film : sans le moindre recule un humour d'enfant de 8 ans. Et encore, un enfant de 8 ans type sale gosse gâté. Cela dit il faut le voir pour le croire, tant d'argent dépensé, tant de bons acteurs (je pense particulièrement à Christina Ricci, qui a du mal à sortir son épingle d'une tel bouse, d'un tel film mielleux, criard, grossier (dans le mauvais sens du terme), vulgaire et coincé. Cependant le film est intéressant tant les nanars peuvent l'être dans ce qu'ils nous rappellent qu'il n'est pas si facile d'écrire un scénario, aussi fatasque soit-il. N'est pas Buñuel qui veut. Et ce visage mal fait de la femme cochon n'apporte rien, on n'arrive toujours pas, ni à y croire, ni à l'aimer à la fin. Et Dieux sait que je suis d'accord avec l'idée qu'il faut s'aimer soit-même pour être aimer des autres, mais est-il besoin de démonstration aussi pitoyable. On ne croie pas deux secondes à aucune scène , fleurtant limite avec les Soap du style Buffy. Tous les gags sont téléphonés.. D'un ennui !! J'aurai gagné de l'argent et surtout du temps à rester chez moi à ne rien faire plutôt que de me taper le supplice de regarder germer les fruits d'un esprit aussi simplet, voir dépressif. C'est du très lourd (dans un sens que vous n'imaginez même pas) Le pire, pour moi, c'est que tout cela se finit sous des applaudissements (engendrés par un 3e degré de la part du public ou part quelques claque men qui se seraient dissimulés ?) stoppés net -dans le doute- par mes huers fiers
Au pays des grosses dondons un peu walkyries sur les bords et des gros garçons sûrs d'eux, un journaliste arrive à la gare afin de tenter d'enquêter sur un meurtre parmi des gens qui, hélas, ont déja coché toutes les cases d'une vie totalement envisagée en forme de contrat d'assurance-tous-risques; et donc à l'intrigue quelque peu assombrie par une hypocrisie diffuse sinon une très desuète atmosphère que vient heureusement éclairement une Anne Gwynne à la sensualité ambigue. Parfois un peu mince, mais passionnant.
Il y a beaucoup de tendresse dans ce film muet mené par Charlie Chaplin. Il mérite bien son succès !
Je voudrais pondérer l'enthousiasme des 3 amis qui m'ont précédé et m'ont envoyé voir le films qu'ils considèrent comme un chef d'oeuvre... Certes l'idée du film est géniale, le sujet intéressant et la jeune actrice excellente. Mais c'est mal filmé, monté de manière brouillonne, avec des longueurs insupportables (on me dira que c'est fait exprès, OK mais quand même j'ai du lutter plusieurs fois contre la somnolence). Il y avait beaucoup d'ingrédients pour que ce soit un chef d'oeuvre, mais désolé, je ne peux le considérer comme tel.
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Après la lampe Amityville (« Amityville : The Evil Escapes »/1989) c’est au tour de l’horloge Amityville de s’immiscer dans votre demeure pour vous pourrir la vie...! L’intrigue bien peu convaincante se fait vite oublier au profit d’un scénario non dénué de bonnes idées ; et au final, AMITYVILLE 1993 se révèle être une suite, à défaut d’être honorable, divertissante ('Pas la pire' on va dire !).
Bien sûr, il était courageux que de faire un film avec la guerre civile espagnole en toile de fond. Et ça l'était encore plus sachant qu'en 1966, année de sortie du film, le général Franco était malheureusement encore au pouvoir. Son courage, c'est tout ce que l'on retiendra de cette "Guerre est finie" qui ne propose rien d'autre qu'un ennui de tous les instants. Un ennui qui s'étale sur près de deux heures. De toute façon, dés le début, on sait que ça ne va pas coller. Que Resnais n'a rien à nous dire et rien à nous apprendre. Quant à cette quête dans laquelle se lance le personnage principal, cette quête cherchant à savoir si son utilité est encore d'actualité, n'en parlons même pas, c'est d'une vacuité et d'une mollesse repoussantes. Et Yves Montand, qui n'a finalement absolument rien à jouer ne peut pas faire grand chose. Aucun intérêt.
J'ai toujours apprécié le réalisateur A.Téchiné et ses films. On est toujours certains de voir un excellent film, on sent la qualité de la réalisation et du jeu des acteurs. Ce nouveau film ne déroge pas à la règle et en est encore un exemple. Voilà donc un film sobre, de qualité, très juste et très touchant. Ce fut pour moi une excellente séance de cinéma.
Superbe fresque à grand spectacle, divertissante, enjouée ce qui n'empêche pas une fin émouvante. Les courses de chevaux sont magistralement filmées. La reconstitution historique est également impressionnante. Et le couple de héros charmants et sexy en diable. Bref, une magnifique découverte comme on n'en voit pas souvent. Vivement recommandé !
Avec mon fils, nous avons adoré ce dessin animé vraiment très réussi tant au niveau scénaristique qu'au niveau esthétique. Et c'est une réalisation française en plus ! Un petit garçon de 10 ans est dans un vaisseau dans l'espace avec ses parents. Suite à un accident, Il va se retrouver séparé de ses parents, sur une planète inconnue pendant plusieurs mois. Il va être aidé par un robot (robot faisant partie du "kit de survie" en cas d'accident) et aussi par un animal extraterrestre habitant cette planète. C'est émouvant, drôle et captivant. C'est beaucoup mieux que "Le parc des merveilles" sorti également cette semaine.
Un changement de genre dans la filmographie du maître n'est pas pour nous déplaire. L'histoire de ces deux désoeuvrés est cependant un peu triste. La musique de Joe Hisaishi vient sublimer cette errance. Un film bouleversant.
Que dire ??? Ok au début ça peut encore être acceptable, la blonde gnangnan, la brune destroï, le gentil amoureux, et l'ex copain au regard ténébreux... Puis tout dérape en même temps que leur voiture !! Qui est mort, qui est vivant ?? Grande question philosophique... qui suis je ... ou est le bien, le mal... le tout se succédant dans un maelstrom incompréhensible de flash psychotiques ! Alors pourquoi une étoile, à ce mixe de pellicules abandonnées ? Pourquoi ai je regardé ce film ? Honte sur moi non pas par amour du cinéma, mais d'un joli minois... celui de Wes Bentley qui je le pensais, pouvait faire de grande chose après avoir joué Ricky Fitz (?) dans American Beauty (à quel charismatique socipathe)... loupé... En gros passez votre chemin ou "abandonnez tout espoir". Bien à vous...
L'érosion culturelle a fait pâtir l'art duquel ce film est forgé, faisant ressortir Brigitte Bardot comme un intemporel diamant au cœur d'un rocher brut. En-dehors des métaphores minérales, il mêle pudeur et explicité dans une alchimie étrange pour l'époque, ce qui va dans le sens du grouillement des rues d'une feria extrêmement bien reconstruite. Une oeuvre qui fit sûrement prendre des vacances très exotiques aux clients des salles de cinéma parisiennes en 1959, mais qui est pourtant très insipide, qui réduit B.B. au rang d'un faire-valoir inintéressant que les contradictions font passer plutôt pour une chipie qu'une femme cruelle. Dommage donc.
Un film sans intérêt qui comporte un scénario sans queue ni tête. Les acteurs principaux jouent efficacement, mais ce n'est pas suffisant pour rendre ce film un peu plus intéressant. À éviter.
un scenario un peu simpliste mais super sur la détresse humaine
A la base je n'aime pas Joseph Gordon-Levitt mais l'histoire du film est touchante, beaucoup d'émotions tournent autour de ce cancéreux. Film à voir.
Ce film d'espionnage est remarquable. Jennifer Lawrence y excelle de manière impressionnante. Si le scénario peut paraître parfois complexe (comme le monde du renseignement au final...), il ne subit pas d'incohérence. Un super moment de cinéma.
"2 frères" est un très bon film, plus touchant que jamais, et vraiment intéressant ! C'est le genre de film qui peut paraître lassant, mais au contraire j'ai trouvé ça très divertissant... Le sort d'un des 2 tigresqui se retrouve dans cet horrible cirqueest très triste, et nous fait aussi réfléchir. Et les paysages (les différents endroits de la "jungle") sont très jolis !!! Un documentaire très beau, bien fait et remplit d'émotions... Bref, un film à voir !
Depuis ‘’Pour une poignée de dollars ‘’ je vois de temps en temps un spaghetti western en espérant y trouver du cinéma et non ce spectacle et cette musique exclusivement fabriqués pour séduire en s’appuyant sur nos mauvais sentiments que nous avons tant de mal à chasser. Ma seule bonne surprise en 50 ans fut Keoma justement pour l’originalité et l’unité de sa mise en scène. El mercenario n’est pas le pire d’entre eux grâce à la présence de deux acteurs irréprochables et à fortes personnalités…Jack Palance étant lui au dessous de tout. Quelques belles séquences avec Franco Nero en solitaire accompagné par les sons qui rendirent célèbre Ennio Moriconne. Quelques moment d’humour comme la comparaison sur une femme nue, au lit de dos, entre la politique et ses fesses ou lorsque le ‘’polak’’ fredonne un air de Chopin. Giovanna Ralli demeure bien jolie mais souffre d’une mauvaise direction du réalisateur qui est loin d’être Rossellini ou de Sica.
Un film qui sort du commun et qui est pourtant très fort. Atroce à regarder, Dérive Mortelle nous fait vivre de la manière la plus réelle possible le désespoir des condamnés. A qui veut avoir des sensations fortes.
A voir pour son atmosphère faussement lugubre mais envoûtante, ses nombreux gags réussis et ses comédiens en grande forme, Gene Wilder en tête, qui se démène tant devant que derrière la caméra pour faire passer au spectateur un agréable moment, et pour magnifier son épouse et collègue de music hall.
oh mon dieu ! je viens de voir ce film et il n'y a pas de mot pour décrire une telle médiocrité ! Jeu d'acteur hyper nul, pas du tout crédible, vanne mal faite et pas drôle du tout, mimique du "fantome" insupportable, dialogue à chier, mise en scene pourrite, histoire completement ridicule, effets speciaux pire que merdique, bref, vraiment, ne regardez pas cette grosse daube, à virer du cinéma, pire qu'un film tv, une horreur absolue!
Très bon film ! Tous les acteurs principaux (Michael Keaton, Judith Godrèche, Michael Caine) jouent très bien leurs personnages respectifs et le scénario est en béton. L'intrigue concernant un réseau de pornographie camouflé derrière le tournage d'un film (idée très originale) est très bien cousue et le personnage incarné par Keaton est véritablement bouleversant. Un film sombre auquel Keaton et Caine apportent beaucoup de par leur prestance et leur charisme.
Voir Martin Lawrence s'épiler les poils du nez dans un film ? Non merci pas pour moi !
Avant de voir ce film, je ne connaissais absolument pas ces deux personnes ni leur chaîne Youtube donc c'était une découverte. L'idée de la vidéo qui porte préjudice à quelqu'un est dans l'air du temps et le concept de les faire littéralement rentrer dans Youtube est une bonne idée, mais ça l'aurait été encore plus s'ils rentraient en interaction avec de vraies vidéos quitte à les parodier, c'est peut-être déjà le cas seulement aucune ne m'a marqué. J'ai trouvé le film pas terrible et assez poussif, ce n'est pas mauvais, ça peut se laisser regarder, mais vraiment sans plus. Je n'ai pas rigolé une seule fois, c'est peut-être tout simplement pas mon délire, mais on dirait un teen-movie d'il y a 10 ans.
Quel beau film ! J'y ai emmené mes enfants, accompagnés de leurs camarades de classe. C'est simple : ils sont tous ressortis de la salle avec le plein d'étoiles dans les yeux ! Ca fait du bien de voir que le monde de l'animation n'est pas réservé qu'à Disney/Pixar, mais aussi à un cinéma à la française qui est riche de superbes joyaux comme Drôles de petites bêtes. Avec ce magnifique film de Noël, Mireille l'abeille, Loulou le pou & tous les autres ont encore de très beaux jours devant eux !
Vie & mort d'un "noble" anglais tout à fait digne d'intérêt ( Et sans Vincent Perez ) par le toujours très maquillé Johnny Depp, à l'époque ou les thérapies réservés aux vrais révolutionnaires n'existaient pas ; et de plus requalifiant le terme "libertin", - si souvent tellement galvaudée notamment par ces colporteurs de la T.V... - : Toutefois il est certain que nous possédons de semblables exemplaires (et du XVIIIème) en France, et qui pourrait également faire l'objet de fresques tellement valables !..
Un très beau film porté par des acteurs exceptionnels plein d’humanité, de sensibilité, de véracité .
Un road movie qui laisse assez indifférent. Le scénario, construit autour de la sempiternelle problématique père-fils, ne laisse la place à quasiment aucune surprise. Certains noms du casting auraient pu faire rêver, dans les années 1990 du moins. Revoir Sharon Stone n'est toutefois pas désagréable, même si les gros plans font un peu peur. La très courue et très caricaturale renaissance du héros laisse songeur sur la capacité des scénaristes à sortir du convenu."Five dollars a day" rejoint donc le (trop) long cortège des films à consommer sur place.
Brillant de simplicité et d'émotion, The Taste Of tea décrit la vie plus ou moins banale d'une famille japonaise. La mise en scène est brillante, les décors bien pensés et contemplatifs, Ishii Katsuhito nous offre là une oeuvre d'une rare sensibilité et d'un détachement profond. Chaque personnage à sa particularité qui le rend attachant. Hajime, un lycéen vit son premier amour. Sa soeur Sachiko cherche à se débarrasser de son double géant tandis que le grand-père brille par son excentricité. C'est ce mélange de tout les genre qui fait que ce film est tout bonnement unique. Un vrai bijou.
En sortant de la salle on pense forcément au génial Breakfast Club du père Hughes, où 5 adolescents aux personnalités bien trempées (le sportif, le rebelle, l’intello etc …) se liaient progressivement d’amitié durant leur journée de retenue du samedi. Des personnages aux premiers abords stéréotypés, mais qui n’avaient de cesse de d’évoluer, de surprendre et d’émouvoir tout au long du film, jusqu’à un final hallucinant de justesse sur le mal être juvénile. Et c’est dans cette même veine que 30 ans plus tard, déjà, Rudi Rosenberg nous offre son premier film. Rôdé à l’exercice du court-métrage (Aglaée, 13 ans), il aborde à nouveau de plein fouet les années collège à travers un récit centré sur Benoit, collégien qui fait sa rentrée en classe de 4e dans un nouveau collège. Bien que sobre mais bénéficiant d’une solide direction d’acteurs, la mise en scène réussit quelques coups d’éclats. On retiendra notamment cette splendide scène de «party ratée» qui concrétise instantanément toutes les problématiques de la première partie, permettant d’amener un second souffle au film pour une deuxième partie, certes moins enlevée, mais délivrant à son tour, avec justesse, un regard sur cette période insouciante bien qu’ingrate de la vie, mélange de rêves, d’espoirs et de désillusions. La suite de cette critique à l'adresse suivante :
Un film relativement ennuyeux, qui a la mauvaise idée de raconter les mêmes évènements deux fois (vu du coté du garçon, puis de la fille) sans véritablement changer le propos de la scène, et donc renouveler son intérêt. Difficile de plus de s'attacher aux personnages avec une esthétique "old school" aussi appuyé, Rob Reiner donnant l'impression de prêcher le "c'était mieux avant" sans pour autant parvenir à en extraire la dose de nostalgie qui pourrait le justifier. On se retrouve donc devant un téléfilm plat et sans saveur, qui laisse définitivement sur la rétine un gout de film bâclé avec son dernier plan en image de synthèse, simplement hideux.
Un superbe film, très éclairant sur le rôle respectif des différents protagonistes, tour à tour drôle et grave. Une superbe interprétation de Gary Oldman incarnant Winston Churchill dans ses imperfections qui font son charme. On ne voit pas passer les deux heures !
Que du mauvais, mauvais, mauvais. Le scénario tient en deux lignes, l'ambiance est tout sauf angoissante, les personnages sont tout sauf attachants. Il n'y a pas à polémiquer sur des lignes de critique, ce film est un vrai scandale. Créer uniquement pour se mettre à la mode 3D. Au final, le seul instant de sympa, c'est lors de la giclée de sang sur les lunettes. Un bien faible consolation qui ne vaut pas les 2 euros que l'on paye en sup' lors d'un film 3D. Resident Evil s'enfonce à chaque film dans la médiocrité. Il est temps de s'arrêter !
ce film et vrai nanar ; et je vois pas pourquoi il et interdit au moins de 16 ans . on ne voit rien
Réunir un casting de choix ne suffit pas à faire un bon film, pour preuve avec cette adaptation pour le moins ratée du livre de Joseph Conrad.Les décors sont ternes,la réalisation plate,et l'interprétation pas à la hauteur.Si Bob Hoskins parvient à tirer son épingle du jeu,Patricia Arquette est mal utilisée dans un rôle de femme aimante qui ne lui va guère, qu' en à Gérard Depardieu il paraît bien timide.Pour apprécier le roman reportez vous plutot à la version réalisé par Hitchkock, elle est nettement plus réussie que ce film filandreux et terne.