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Pour son premier film, Joe Cornish met en scène l’improbable rencontre entre des racailles de la banlieue et d’extraterrestres belliqueux et nous offre par la même occasion une petite perle anglaise. Ce casting très jeune et méconnu est le principal point fort du film. Les acteurs apportent énormément de fraicheur au genre par leur nature et leur talent à se faire aussi bien détester qu’adorer. La présence de Nick Frost en second rôle vaut à elle seul le détour. On le retrouve dans un personnage fidèle à lui-même dont l’humour est également toujours aussi décalé. La mise en scène est principalement axé vers la comédie bien qu’elle offre de nombreuses scènes bien gores et violentes. La photographie est quant à elle magnifique et joue énormément sur l’ambiance en offrant de nombreux plans contrastés et uniquement nocturnes. La conception des montres joue également sur ces contrastes et offre par la même occasion des visuels inédits. L’intégration des musiques au sein même de la mise en scène permet d’améliorer de nouveau cette ambiance si particulière qui nous procure bien évidemment un plaisir totalement jouissif. Nous sommes donc face à un nouveau bijou d’humour anglais sur fond d’invasion extraterrestre où le style déjanté d’Edgar Wright à la production se fait ressentir pour le plus grand plaisir de tous.
Très beau film sur la folie et les peurs prégnantes qui nous taraudent depuis l'enfance. Les limites entre fantasmes et réalité vacillent constamment tout au long du film, passant du réalisme social au fantastique voir à l'horreur. On voit ainsi se dessiner par cette mise en scène les angoisses profondes de Nicolas, superbement interprété. Les enfants se révèlent d'ailleurs bien plus étonnant que les adultes, dont le jeu laisse parfois à désirer dû au manque ou à la mauvaise direction d'acteur. Je trouve donc que Claude Miller passe à côté d'un film qui aurait pu être sublime si le jeu était plus véritable et si certaines musiques étaient plus en corrélation avec les tensions et le malaise que génère le film.
Un film et des acteurs très attachants. On passe un très bon moment.
Profitant de la ressortie de ce film oublié du grand R. Aldrich (sortit uniquement dans une version de 1h30 avec uniquement les scènes d'action), j'ai pu découvrir le film maudit par excellence : tête d'affiche luxueuse, propos engagés et visionnaires mais échec total à sa sortie. Et pourtant, c'est une véritable claque, presque un chef d'oeuvre mais en aucun cas un film mineur. Anti-conformiste, sombre, dense, ironique, patriotique et à la philosophie intéressante, ce film est un pamphlet philosophique troublant et d'une puissance évocatrice intacte. Car si le film est un peu cheap et lent, il n'en reste pas moins d'une vitalité incroyable dans ses propos, les débats entre politiciens ou avec les mercenaires se révélant bien plus passionnant, même si on retrouve cette violence froide et graphique propre au cinéma de son auteur. Visuellement, ce n'est pas le meilleur Aldrich mais jamais son propos ne s'était exprimé avec un tel impact, une telle puissance émotionnelle et un mordant intact malgré l'âge. Et comme les acteurs sont tous formidables, c'est un incontournable pour tout cinéphile digne de ce nom. D'autres critiques sur
Belle daube de Catherine Hardwicke qui reprend un conte célèbre, pour le massacrer au cinéma. Ce film est un mélange du petit chaperon rouge, et du jeu les "loups garous de thiercelieux" ou il faut découvrir qui sont les méchants. La c'est exactement la même chose, même si le coté thriller est réussi car on a le doute durant tout le film en se demandant qui est loup. Mais c'est du grand n'importe quoi sur le conte de Perrault, il y avait plus intéressant a faire pour le scénario. Et puis que fou Gary Oldman dans ce film ? Et DiCaprio en producteur ? Je comprends pas. Amanda Seyfreid aussi m'a deçu, bon c'est pas la première fois mais j'attendais quand même mieux d'elle. Le reste ça vole pas haut, l'histoire non plus seul les décors sont plutot beaux. Mais pas suffisant pour remonter la note de ce film, que je ne conseille pas.
«Au travers des oliviers» peut être vu comme le 3ème volet d’une trilogie entamée avec «Où est la maison de mon ami» et «Et la vie continue». Ces 3 films s’imbriquent les uns dans les autres comme des poupées gigognes, et comprendre le rapport qu’entretiennent les films entre eux n’est pas anecdotique mais permet d’appréhender toute l’intelligence de ce cinéma au travers du travail sur la réalité cinématographique et la recherche de vérité que mène Kiarostami. Ainsi, dans «Et la vie continue», Kiarostami revenait sur les lieux du tournage de «Où est la maison» dévastés par un terrible tremblement de terre. Il mettait en scène un réalisateur à la recherche des acteurs du film et interrogeant les survivants. Dans «Au travers des oliviers», Kiarostami démonte la réalité cinématographique mise en place dans «Et la vie continue» en filmant les coulisses du tournage d’une des scènes. L’ancien réalisateur devient simple acteur, un nouveau réalisateur apparaît, et Kiarostami supervise ce nouveau temps cinématographique, s’offrant même une apparition à l’écran (le film dans le film dans le film). Nous devenons donc conscients que Hossein, dans «Et la vie continue», jouait un rôle puisque nous le voyons ici sur le tournage, engagé dans une nouvelle réalité (il cherche à conquérir l’actrice qui lui donne la réplique), qui elle-même nous apparaît instantanément comme fictionnelle puisque que Kiarostami a démonté l’illusion de vérité cinématographique. Et pourtant, ça marche. Nous sommes pleinement et «véritablement» émus et passionnés par cette histoire d’amour. Kiarostami vient de nous démontrer la capacité du cinéma, même s’il n’est que mensonge, à capter la vie, la vraie. Mais «Au travers des oliviers» n’est pas qu’un film intelligent. C’est aussi un très beau film sur lequel affleure une douce poésie qui a le don de conquérir nos émotions. Le dernier plan est purement cinématographique et nous rappelle, au-delà du propos et de la réflexion, à l’évidence poétique de l’art
Avec Jean de Florette et Manon des Sources, Claude Berri réalisait enfin la grande oeuvre populaire qui manquait encore à sa filmographie. S'attaquant cette fois à Pagnol, le réalisateur de "Tchao Pantin" parvenait enfin à rassembler le plus grand nombre autour de son œuvre et à signer, ce qui restera encore, comme un monument du cinéma français. Il est vrai que Claude Berri, en prenant le parti pris de respecter l'oeuvre de Pagnol et de scinder son film en deux, réussit pleinement son entreprise. Le scénario est un bijou de perfection porté par des acteurs littéralement transporté par le souffle épique du livre de Pagnol. Depardieu, Auteuil et Montand donnent la pleine mesure de leur talent et permettent au film d'atteindre les sommets. La jeune Emmanuelle Béart, alors à l'aube de sa carrière, complète le tableau d'une distribution qui rassemble les meilleurs acteurs français du moment. Ajoutez à cela des dialogues étincelants, une mise en scène éblouissante, des plans d'anthologie (Depardieu demandant à Dieu le pourquoi de sa bosse), une musique envoûtante et vous obtiendrez l'un des plus grands films français de la fin du XXe siècle.
Attirée par l'affiche qui promettait une Little Miss Sunshine scandinave, la déception fut assez évidente, tant on est loin du compte. Le lien doit venir du fait que l'on suive une petite fille boulotte et que le message tend à désacraliser la sexualisation féminine au plus jeune âge. Ici, on est avec Stella qui idolâtre sa grande sœur Katja, patineuse de haut niveau qui est son parfait opposé ; Élancée, peu gracieuse et sportive. Seulement voilà, tout n'est pas si rose dans le royaume de super Katja et Stella va vite le découvrir. S'en suit un véritable cas de conscience pour la fillette confrontée à la détresse de celle qu'elle aime et idéalise tant. Le rapport fraternel est touchant mais parfois agaçant, il réserve les meilleures scènes et les dialogues les plus détonants. Mais vous l'aurez compris, pour ma part je n'ai pas trouvé l'expérience très folichonne voire plutôt vaine. C'est le genre de film qui avait très peu à m'apporter donc j'ai bien pris le soin de récupérer le peu qu'il y avait. J'imagine qu'il y a déjà un problème avec les parents que l'on sent complétement détachés du sort de leur filles pendant un moment, comme s'ils étaient busy à ce point pour ne pas relever un problème si évident. On est d'accord que l'idée du film est aussi de critiquer le modèle familial bourgeois qui est si proche de la perfection sur le papier qu'il ne parvient même pas à découvrir ses failles de l'intérieur, mais j'ai trouvé ça un peu gros. Pour du réel, du suédois en plus, j'ai eu du mal. Pas marquant mais une référence qui peut être cité pour la thématique du film.
Comment dire... Peut-on appeler ça un film au sens cinématographique ? Le scénario est inexistant. Ce genre de coups commerciaux où l'on prend les gens pour des gogos m'horripile. Reste, pour les nostalgiques, le plaisir de voir les chanteurs des années 80, mais ça ne vaut pas le prix d'une place ou d'un DVD.
Ce film a remporté 11 Oscars à l'époque où les meilleurs films étaient effectivement reconnus pour leurs mérites par rapport aux rebuts qu'ils saluent aujourd'hui. Ben-Hur est à la hauteur de sa réputation et doit être classé comme l'un des films les plus fameux de tous les temps. Personne ne peut oublier la célèbre course de chars connue pour être la plus grande scène jamais tournée sans effets spéciaux. Même dans Gladiator, ils n'ont pu s'en passer. De plus, les scènes avec la mère et la sœur du héros souffrant de la lèpre sont encore parmi les plus émouvantes du cinéma. L'alchimie entre le drame, l'action et la romance transfigure ce long métrage en œuvre sublime. Si l'on y ajoute la fantastique bande son, le spectacle atteint quasiment la perfection. Entre un Charlton Heston éblouissant et des décors magnifiques, ce film culte est vraisemblablement l'un des plus grands chefs-d'œuvre du cinéma mondial.
Uzak nous oriente vers le lointain pour mieux nous rapprocher de lui. Une oeuvre splendide servie par deux acteurs magnifiques. Ceylan porte un regard profondément juste sur ses deux personnages : deux hommes en quête de quelque chose... Mais de quoi ? L'un cherche et l'autre attend. Le premier balaye du regard le monde qui l'entoure ; le second reste chez lui, rumine et regarde la télévision. Deux manières d'appréhender le monde... Chaque scène respire une sensibilité discrètement dissimulée derrière l'austérité de la mise en scène. En ce sens, la séquence dans laquelle Ceylan rend hommage à Tarkovski est significative : à travers ce long plan fixe dans lequel Mamhut n'attend qu'une chose ( celle de pouvoir visionner tranquillement un film porno ), le cinéaste met à nu la nature humaine. A l'instar des héros de Stalker, Mamhut attend... Et nous avec. Beaucoup de choses se passent dans les silences : chaque geste, chaque regard est travaillé avec rigueur, sans pathos. La mise en scène est superbe, digne des plus grands. Uzak est sombre mais lumineux. Un film sublime.
ceux film est super .j'était contente de l'avoir vu. la salle était pleine. je ne verrais pas pourquoi Justin aurait encore des critique il aide beaucoup de personnes par rapport aux haters . le moments ou c'était avalanna j'ai beaucoup pleure car Justin était très proche de elle ,quand elle est décédé le ciel est tombé sur Justin et ses beliebers sa a fait un gros choque pour tout le monde . Pour moi il reste plus que a le voir en concert et je serais heureuse .
Une histoire d'amour sur le ton du conte de fée avec de très beau décors et images. Le scénario a beau être facilement deviné, on se perd dans la magie du film. Une vrai bonne surprise
Vittorio De Sica démontre le drame de la montée du fascisme d'une manière lente et efficace. Tour à tour plus on avance et plus il nous emmène à la vérité quasi inéluctable et non échappatoire. Celle aussi d'un homme qui aime une femme pour y vivre une idylle qui restera une impasse.
un western assez meconnu avec un specialiste du genre delmer daves,magnifiquement photographie, avec en prime les debuts de charles bronson en chef indien volant litteralement la vedette a allan ladd.
A voir les images du film de Debra Ranik on se dit que la crise a durement frappé cette région rurale ( la forêt des Ozarks) du centre des Etats-Unis. Mais prises il y a une quarantaine d'années les mêmes images n'auraient sans doute pas été grandement différentes. On se dit alors que l'immensité du pays n'est pas un vain mot, comme si la civilisation n'avait pas complètement irrigué toutes les strates de la population. Quand on voit John Hawkes jouer du banjo on ne peut s'empêcher de penser à la scène culte du "Delivrance" de John Boorman qui remonte à 1972. Dans ce contexte où les familles vivent repliées sur elles-mêmes, la jeune Ree Dolly aura bien du mal à retrouver la trace de son père pour éviter de perdre la maison et les bois qu'il a mis en caution contre sa liberté à la seule condition de se rendre à son procès. C'est le portrait d'une petite mère courage que nous offre Debra Granik. Car il en faut pour affronter cette bande de red necks regroupés sous l'autorité d'un chef mutique et leur donner l'assurance que leur secret qui est le meurtre de son père éliminé pour avoir trahi le restera. Mais pas de place ici pour un désir de vengeance quelconque ,la jeune fille devantt veiller à l'avenir de ses deux jeunes frère et soeur avec en sus la charge de sa mère en état de prostration permanent. De par son rôle central , c’est la jeune Jennifer Lawrence qui occupe l'espace, faisant preuve d'une maîtrise incroyable pour son premier grand rôle. Un film âpre dans la lignée des "Chiens de paille" de Peckinpah.
Je n'ai pas beaucoup aimé ce film, qui est beaucoup trop violent, avec un penchant pour le sadisme: ça parle de têtes écrasées, d'yeux crevés et même deviol par le BigFoot. Alors que j'avais du BigFoot plutôt l'image d'une bête intelligente et dangereuse (ce qui aurait pu faire un très bon film d'horreur animalier), j'ai trouvé ici qu'elle avait plutôt un très gros problème psychiatrique, les sévices qu'elle inflige étant totalement gratuits ...Dommage car le décor est plutôt pas mal (la foret dense) et les costumes des bêtes crédibles...
Un Prophète est tout simplement pour moi la preuve que le cinéma français peut encore sortir de très bons film. Je l'attendais avec impatience, ce film, couronné de prix et encensé par la critique, eh bien aucune déception ! Les acteurs sont parfaits, Tahar Rahim et Niels Arestrup mémorables... C'est prenant, moi qui adore les films de prison ou dans les hôpitaux psychiatriques, j'ai été conquis, je pense que l'univers carcéral est très bien retranscrit, avec ses rivalités, ses habitudes, ses magouilles,... Le film est doté d'une réalisation très osée ( beaucoup de styles différents, une scène un peu Lynchéene, quelques scènes à la bordure du fantastique,... ), bref, on ne voit pas le temps passer ! Merci Mr Audiard.
Les japonais savent faire rimer Éros et Thanatos, lier la séduction et le sexe à la lutte à mort où le mâle se laisse aller à devenir une victime consentante. Oshima a, par exemple, mainte fois filmé des histoire de ce type. « Tatouage » est un conte cruel, une sorte de version maléfique du mythe de Pygmalion. Toute son ambiguïté vénéneuse réside dans la fait qu’il semble qu’à leur insu les personnages ayant réduit la jeune femme à l’état de prostituée ne semblent l’avoir fait que pour s’en faire tromper et dévorer à leur tour (et le marquent matériellement par la figure d‘araignée tatouée dans son dos). Le récit est fascinant, filmé par Masumura d’une manière très elliptique dans l’érotisme, plus explicitement dans la violence.
"Eat local" est un petit film de vampires britannique qui propose une approche "comédie" du thème. Malheureusement les ressorts comiques ne sont pas présents, ce qui fait que, sans être catastrophique, ce film rendu regardable par l'action déployée n'a rien pour être mémorable.
En tant que Colombien (habitant la France depuis cinq ans), j'ai été particulièrement bouleversé par cette chronique douce amère d'un pays qui souffre mais dans lequel il reste tout de même des véritables Gente de Bien (des gens de bien). Si vous voulez voir autre chose d'un pays que l'on ne connaît (malheureusement) que par Pablo Escobar, Shakira et Garcia Marquez, n'hésitez pas à y aller... Et puis, si vous aimez le bon jeu d'acteurs et l'émotion au cinéma, vous serez servis. Car on rie, on a peur et on pleure. Et ça, je ne l'avais pas senti dans un film de mon pays depuis plusieurs années (depuis La Vendedora de Rosas, au moins).
Au secours !!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!
vraiment très bien. des acteurs parfaits, tous aussi bons les uns que les autres. le genre de film qui met la patate. un mélange d'humour, de nostalgie, de reflexion aussi. sur l'engagement, ou plutôt la peur d'engagement. sur des gens qui se cherchent, se trouvent, se ratent, se perdent, se retrouvent pour certains... pour moi, c'est "le péril jeune" version adulte. vraiment super !!!
J'ai beaucoup aimé ce film... On ne s'ennuie pas et on passe un bon moment à le regarder.
Vous avez aimé la leçon de piano, de Jane Campion ? Vous avez apprecié la violence des sentiments, la passion qui dévore... Alors n'allez surtout pas voir « Bright Star », le dernier film de la réalisatrice. Les romantiques sont pourtant réputés pour leurs affaires de coeur tumultueuses, nous avons tous présente à l'esprit la liaison entre George Sand et Frédéric Chopin... les deux tourtereaux n'iront pas plus loin que quelques baisers. Vous aimez la poésie ? Alors n'allez surtout pas voir « Bright Star », le dernier film de la réalisatrice. Trois poèmes qui se courent après sont un bien mince argument pour aller s'enfermer deux heures dans une salle obscure. Si vous aviez envie de connaître le poète John Keats, vous resterez sur votre faim et vous vous précipiterez dans la plus proche librairie afin d'acheter son oeuvre. Les critiques ont adoré le film ? Ils n'ont pas payé leur place de cinéma pour lutter deux heures durant contre le sommeil, eux ! Vous avez aimé « Pride and Prejudice » de Joe Wright ? Alors n'allez surtout pas voir « Bright Star », le dernier film de Jane Campion. Les deux films sont situés à la même époque, dans le même pays, on ne voit rien de plus osé à l'écran qu'un chaste baiser.. mais la comparaison s'arrête là. L'intensité supposée de la relation est très mal rendue, faute peut-être au jeu somme toute assez plat des acteurs. Le scénario porte aussi sa part de responsabilité dans l'échec car il est lui aussi peu passionnant, Jane Campion ayant voulu rester fidèle à l'histoire . Restent de belles images, mais je vous avoue que je préfère nettement visiter un musée, je peux accélérer le pas lorsque je sens que mon attention retombe. Mon conseil , si vous ne l'aviez pas encore compris… n'allez surtout pas voir « Bright Star »!
Voici un film qui était cencé être comique... Mais en réalité, on se retrouve vite devant une réalisation plutot soporiphique ; que drôle. Les acteurs jouent modestemment. On va dire, correctement ; même si ils font un peu trop cliché et parfois un peu trop dans l'excès. Et le pitch de base, qui aurait pu avoir un semblant de palpitant et emprunter un chemin marrant. S'avère en fin de compte, assez ennyeux ; et sans grand retournement de situation. Du coup, l'on a vite compris le fonctionnement du film ; et l'on s'aperçoit qu'il n'y aura pas de grande évolution...^^. Le thème des banlieues et l'évolution de certaines personnes issu de ce milieu ; aurait pu etre sympa suivant sa mise en scène. Et bien, ici ; rien n'est vraiment convainquant. Pire, le film part un peu dans une multitudes de directions ; sans jamais annoncer clairement sa destination... Bref, on ne comprend pas trop ; le pourquoi du comment. Et les personnages (surement pour tenter de remonter la mise en scène plutot médiocre) en fon des tonnes... Du coup, bye bye ; en ce qui concerne l'humour qui aurait pu faire mouche. tombe en réalité, complètement à plat. Dommage, mais on ne retiendra absolument rien pour ce long métrage. Si ce n'est une brochette d'acteurs qui auraient pu décoller un peu^^ Mais qui reste à un niveau assez bas... Et une mise en scène, assez raté ; qui ne fera pas vraiment rire ; alors qu'il s'agissait d'un des objectifs de base (a vouloir en faire trop, et partir un peu partout ; on tombe dans le grand n'importe quoi). Une grande déception, même si je m'en doutais un peu (le visionnage, a mis fin à mes doutes^^).
Excellent film très bien interprété très émouvant qui m'a rappelé Philadelphia dont le scénariste est le même . Ce que je regrette un peu c'est l'histoire d'amour entre les 2 femmes en 1ere partie un peu bâclée car scènes trop rapides entre la rencontre et l'achat d'une maison mais 2 ème partie très riche en émotion avec Steve Carell excellent Film applaudi par spectateurs à la fin de la projection une première et il sera sûrement récompense aux oscars
J'ai trouvé ce film long et ennuyant, les décors sont moches et très bâclés, et les batailles ne ressemblent pas à grand chose. Il y a quand même quelques scènes que j'ai apprécié comme la charge des chars Perse qui est impressionnante.
L'Archipel est un centre d'hébergement en plein Paris qui accueille, dans les anciens locaux de l'Institut national de la protection intellectuelle, avant leur réfection, des familles étrangères. Les frères Zambeaux y ont posé leur caméra, s'attachant notamment à deux pré-ados d'une douzaine d'années, Djibi et à Ange. Djibi vit seul avec sa mère immigrée du Sénégal ; elle est seule avec son père. Grâce aux ateliers d'écriture et de chant qui leur sont proposés, Djibi et Ange créent un peu de beauté et d'espoir. Pendant douze ans Edouard Zambeaux a présenté "Périphéries" sur France Inter. Il s'y intéressait aux marginaux, aux petits, aux sans-grades. C'est avec la même empathie qu'il filme les familles du 115, le numéro d'urgence des mal-logés, ballottés d'hôtels en meublés. Djibi les appelle les "serial déménageurs". "Un jour ça ira" décrit la vie des occupants, l'ennui de leurs journées sans but, l'inquiétude que suscite la fermeture imminente de l'Archipel et le relogement hypothétique de ses résidents. Il décrit aussi le travail remarquable de dévouement des travailleurs sociaux qui en assurent la gestion et qui animent les activités proposés aux jeunes. On ne peut, en particulier, s'empêcher de saluer le talent de la chanteuse-parolière-pianiste Peggy Rolland dont la voix et la rythmique permettent, le temps d'une chanson, de faire oublier les couacs de ses élèves pas toujours doués. "Un jour ça ira" a le défaut de ses qualités. L'émotion qu'il nous fait partager est parfois un peu trop racoleuse. La larme qu'il nous fait verser est souvent de trop. Autrement plus critiques et autrement plus convaincants étaient les documentaires sur l'accueil en Cada ("Les Arrivants", 2008) et sur l'apprentissage du français à des jeunes étrangers ("La Cour de Babel", 2013).
Après Démineurs en 2009 et sa flopée d'Oscar surprise, Kathryn Bigelow reste sur la ligne de front du Moyen-Orient pour nous conter la traque de Ben Laden du 11 septembre à sa mort en 2011. Le film, très controversé aux USA, a déjà fait couler beaucoup d'encre. Le seul problème est qu'il est beaucoup trop long. Et on a souvent l'impression d'être devant un documentaire ou des reportages de CNN, c'est peut être finalement l'intérêt de l'entreprise : le tout est très crédible. Mais force est de contraster que la mise en scène de Bigelow n'a jamais été aussi puissante... La suite sur : http://lecinedefred2.over-blog.fr/article-zero-dark-thirty-114700840.html
Bouleversant, Pénélope Cruz est extrême y convaincante dans ce rôle elle nous montre qu'une femme est prête à tout pour avoir un enfant !