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Attention, cet avis comporte des avis tels que :j'aurai bien voulu voir cette "Justine" en fait.De ce "Carnivores", la bande-annonce était appétissante, la mise en images alléchante, le jeu des actrices savoureux et les décors parfaitement sélectionnés : ingrédients de luxe pour une recette visuellement fardée et finalement peu inventive, fade. Personnages trop cuits, unidimensionnels, scénario sans nerf ni muscle ni rebondissement. A se concentrer sur le dressage du plat, les cuistots, pétris de bonnes manières nous servent un film linéaire aussi excitant qu'un steak sous vide. On grignote sans déplaisir mais sans explosion de papille ni goût du sang. Moralité : parfois la bande-annonce suffit.
Ce scénario n'a aucun foutu sens...vu l'organisation que c'est (celle menée par le personnage interprété par la belle Vera Farmiga), il n'y a aucun intérêt à refiler cette mission à un passager sexagénaire (ici interprété par Liam Neeson, acteur qui prend un peu trop goût aux films écervelés de cet acabit en incarnant encore et toujours les mêmes rôles ces dernières années, et pour cause, après trois piètres films, le voici de nouveau devant la caméra de Jaume Collet-Serra), et la suite du film nous confirmera rapidement ses lacunes en matière d'écriture, nullement crédible. Ce pseudo film à suspense est donc particulièrement facile, mais surtout parfaitement débile, en plus d'être long et inintéressant. Si l'on souhaite assister à une mission intéressante à bord d'un train, et avec un vrai concept, on retournera sans conteste du côté de "Source code" de Duncan Jones (là aussi avec Vera Farmiga).
Enorme déception de la part de George Pan Cosmatos, après avoir dirigé Sylvester Stallone dans Rambo II - La Mission (1985), on retrouve les deux compères dans un polar kitch et dénué d’originalité avec Cobra (1986). L’ensemble sonne creux, rien ne semble nous retenir en haleine, seules quelques poursuites valent le coup d’œil, tout comme le look de Stallone : les lunettes Ray Ban et son cure dent. On appréciera le méchant, en la personne de Brian Thompson (connu pour son exécrable rôle dans la série télévisée The X Files). A noter aussi que ce film fut un énorme bide aux Etats-Unis et qu’il fut nominé à 6 reprises lors des Razzie Awards (cérémonie récompensant "les plus mauvais films"), avec notamment comme Pire Acteur : Sylvester Stallone.
Un film percutant qui n'a malheureusement jamais été consideré pour ce qu'il etait:un cri de desespoir d'une situation sociale chaotique dont le publique visé n'a retenu que le contenant au detriment du contenu.
Jean-Paul Lillienfeld, réalisateur de bouffonneries potaches telles que "XY", "4 garçons plein d'avenirs", ou "H-S", a pris un virage dernièrement en direction du drame social avec l'inégale mais honorable "Journée de la jupe", qui avait permis à Isabelle Adjani de faire un retour remarqué. Il tente ici de surfer sur cette recette, en cassant l'image de Sophie Marceau cette fois, dans un long-métrage sombre et pesant, adapté d'un roman de Jean Teulé. Mais on ne peut décemment pas aborder des thématiques aussi graves avec autant d'amateurisme et de démagogie ; "Arrêtez-moi" (2012) est un film raté dans les grandes largeurs, qui exhale en sus une odeur nauséabonde de condescendance et de mépris de classes. Je veux bien croire à la sincérité du réalisateur et de son équipe, mais sa vision de la violence conjugale est d'une balourdise insensée, avec cette caméra subjective de 8 kg plantée sur la tête de Marceau pour "faire vrai" et le jeu sans aucune finesse du mari violent, qui s'appelle forcément Jimmy... Les actrices participent également au naufrage, entourée de seconds rôles sans talent, les dialogues sont confondants de banalité prétentieuse, et surtout les événements invraisemblables s'enchaînent avec une régularité de métronome. Du coup les rares séquences touchantes du film paraissent incongrues. Je n'avais pas vu un film aussi pathétique depuis des lustres, malgré l'intention louable de traiter un sujet délicat.
Hormis conan la carrière de Milius en tant que réalisateur est celle d'un cinéaste de série B. L'aube rouge en est le parfait exemple,le film s'adresse aux ados de l'époque qui se ruaient en masse voir les Rambo et autres. Les dialogues (peu inspirés) sont virils à souhait et qui dit virils dit blindé d'insultes,les actions sont ultra basiques et mal écrites. Tout ça est emballé avec une image à la photogénie d'un téléfilm avec des décors cheaps. L'aube rouge est souvent ridicule et même crétin,mais il se regarde tout de même sans déplaisir.
A voir absolument.Une aubaine pour l'hygiène intellectuelle, devrait être déclaré de salubrité publique. Merci
Le scénario comporte quelques idées, mais elles sont très mal exploitées. Les combats de jeux vidéo sont beaucoup trop longs et sans aucun intérêt, les images sont laides et les comédiens médiocres. Dommage car le thème de la plongée dans un univers à plusieurs étages est fascinant.
Fans ou non de Jackson, il faut voir ce film. La liste des sentiments que Leaving Neverland inspire est longue : horreur, dégout, révolte, etc. Un film qui donne la nausée mais qui se doit d'être vu. Au delà de la célébrité de l'accusé, il relance le débat sur les enfants abusés et notamment la loi du silence, la culpabilité que ressentent les victimes alors qu'elles étaient totalement sous emprise, les techniques de manipulation qu'utilisent les prédateurs sexuels, le grand nombre d'années qu'il faut parfois aux victimes pour réaliser qu'il s'agissait d'abus sexuel, etc. Un film qui engendre obligatoirement des réactions passionnelles puisqu'ici, l'accusé est la plus grande star de tous les temps... Un seul conseil : documentez-vous, et faîtes-le à travers des médias de renom et non les vidéos et articles complotistes. Oprah Winfrey a d'ailleurs pris parti en soutenant James Safechuck et Wade Robson. J'ai personnellement été fan de Jackson, mais comment défendre l'indéfendable ? On comprend même à travers Leaving Neverland comment la paroles d' autres victimes (Jordan Chandler et Gavin Arvizo) a pu être étouffée. Difficile de faire tomber un mythe, surtout lorsqu'il a bercé notre enfance, quelque soit notre âge, pourtant, il le faut, en hommage à ces si jeunes enfants qui ont vécu l'horreur. D'un point de vue cinématographique, dire que c'est un documentaire est franchement pompeux. Les mêmes plans de coupes et images tournent en boucle et le film souffre de quelques longueurs.
Le tout partait pourtant d'un bon postulat: faire un pur film d'espionnage, sans toutes les frasques romanesques qui pullulent dans les pseudos-films d'espionnage (qui sont en fait des films d'action). Mais les acteurs sont tellement apathiques ( Je trouve Yvan Attal répugnant comme acteur) qu'ils rendent le film froid et sans âme. A tel point qu'on lâche le cours du film au bout d'une heure.
Film décevant. Je comprends maintenant les raisons pour lesquelles les spectateurs étaient plutôt clairsemés et pas un rire dans la salle bien que film qualifié de comédie. J'ai déconnecté très vite car scénario brouillon et inconsistant. Je pense que Sophie Marceau doit se cantonner à son rôle d'actrice et laisser la réalisation et l'écriture aux professionnels.
Tim Roth réalise ici son premier et seul film jusqu'ici et quel film! Un film qui me restera longtemps en tête car ce qu'il nous fait observer met vraiment mal à l'ais. Peu de musique, peu de dialogue, l'ambiance froide et glauque de la région du Devon qu'on ne voit que sous le vent et la pluie etc... Bref, rien de bien réjouissant et l'histoire de cette famille l'est encore moins! Tim Roth aura pris le temps de nous installer dans cette ambiance afin de nous préparer à la tragédie que vit cette famille au premier abord tout ce qu'il y a de plus normale... A travers les yeux du jeune ado, on se rend compte que tout ne va pas si bien et lorsqu'on découvre ce qui se passe vraiment, on se redresse dans son fauteuil, abasourdi et écoeuré ! Jamais on ne pourrait soupçonner que ce père "modèle" (impeccablement interprété par Ray Winstone) puisse être aussi monstrueux mais justement: s'en rend-t'il vraiment compte ??? On se le demande lorsqu'il pète son plomb lors de la scène dans la cuisine... L'acteur est vraiment convaincant, on en viendrait presque à douter ! Cette impression perturbe et reste en durablement en tête grâce à l'interprétation plus que convaincante des acteurs Ray Winstone en tête. Le jeune Freddie Cunlife est aussi très bon mais son personnage est complexe (un ado quoi !), j'ai eu beaucoup de mal à le cerner malheureusement... notamment sur cette dernière image où il ferme la porte du Bunker.. celle-ci m'a laissé un peu perplexe (je ne sais pas vraiment su comment l'interpréter...)... Peu importe, le film est une réussite et doit absolument être vu !
Film très mauvais dont le jeu d'acteur laisse à désirer et est sans intérêt car très peu évolué et inintéressant
Présenté à la semaine de la Critique du Festival de Cannes 2003, " Reconstruction " a décroché une avalanche de prix prestigieux. À commencer par la fameuse et très convoitée Caméra d'Or. Viennent ensuite le Label Regards Jeunes, puis le Grand Prix FIPRESCI du Nouveau Réalisateur de l'Année au Festival International du Film de San Sebastian 2003. Enfin, en Norvège, le film a été désigné Meilleur Film Nordique de l'année 2003. A noter aussi que le film a été choisi pour représenter le Danemark aux Oscars 2004. Des débuts prometteurs pour le réalisateur Christoffer Boe. " Reconstruction " parle de sentiments, d'engagement, mais surtout d'amour. Cette illusion fatale, sans laquelle il serait impossible de continuer à vivre. Doté d'une mise en scène vive et déroutante à la fois, " Reconstruction " est une oeuvre saisissante par son ton, sa réalisation, sa trame. Une sorte de parcours initiatique mêlant fantastique et réalité. Un film troublant, Lars Von trier a un nouveau rival.
Un film très touchant et réaliste. On peut vite s'emporter lors du visionnage. Un paquet de mouchoir s'utilise très vite et il y'a un vrai silence durant les scènes intense. Pour conclure, c'était un film subjectif de très grande qualité pour des spectateurs venant de n'importe quel pays.
Les affres, les doutes et les espoirs d'un jeune prêtre face à sa foi. Otto Preminger peint le tableau passionnant de la carrière d'un jeune eccclesiaste brillant et remarqué au Vatican dans la première moitié du 20ème siècle. Seul bémol, l'angélisme d'Otto Preminger lorqu'il décrit la position du Vatican face au nazisme. Cependant, ce film reste captivant.
Bon film. L'histoire du personnage principal se déroule en bordure du Carnaval Martiniquais, ce qui évite une certaine monotonie. Le film est plus profond qu'il n'y paraît, et les blessures de chacun apparaissent petit à petit. Cependant, il faut éviter de le regarder au premier degré, et de s'en offusquer ! Le réalisateur a joué de certains préjugés vis-à-vis des antillais ( qui sont tenaces), et a usé de la caricature, sans en faire trop : juste ce qu'il faut, il faut savoir lire entre les lignes. C'est un film, qui ne force pas le spectateur à se prendre la tête. Pour ceux qui soit-disant ont été gênés par "l'accent" des acteurs, pitié ! Les répliques étaient parfaitement compréhensibles, et l'accent pas très marqué. Et non, tous les antillais non pas un accent "marqué" : je vous invite à voyager un peu ;) Il faut saluer la ténacité dont fait preuve le réalisateur, dans le panorama cinématographique : Le film noir français ( ont contraire du cinéma noir américain) est plus que boudé. Souhaitons-lui plutôt, bonne continuation et qu'il s'élève de plus en plus dans son art.
Excellent film ! Je me suis régalé avec cette histoire (vraie). Les personnages sont très bien joués, et leur portraits sont réussis. On est plongé dans l'atmosphère de ce village avec ces personnes rudes mais attachantes. On se demande comment va s'en sortir ce nouveau médecin. Ce film pose de manière tendre, émouvante ou drôle le problème de l'intégration, de la différence, et de la désertification médicale déjà présente en 1975 et encore plus d'actualités en 2016.A voir pour ceux qui se posent ces questions et cherchent une solution.Les rebondissements dans le film donne vie et rythme à cette histoire. La persévérance du docteur Zantoko a permis une nouvelle (meilleure) vie pour sa famille et ce village. Même si il y a du y avoir des renoncements et des rêves avortés, en finalité les choix faits ont été les bons.
Un film au scénario riche et plein de rebondissements, une romance à l'italienne moderne, abordant avec justesse le sujet délicat du couple dans une famille recomposée, la trahison, l'adultère, la crise de la quarantaine, au travers de personnages tous très forts en caractère. La réussite de ce film est surtout dû à l'interprétation des acteurs, tous sans exception d'une sincérité et d'une profondeur stupéfiante, ils savent passer du rire au larme, de la joie à la colère avec une aisance et un réalisme étonnant. La chronologie du scénario reprend un peu le modèle du genre des romance américaines, mais avec la passion en plus La photographie et la bande son sont elles aussi particulièrement réussites et adaptées aux situations, des chansons françaises, anglaises et italiennes se suivent avec harmonie. Sans temps mort, ce film est rythmé, il s'éternise un peu sur la fin il faut bien se l'avouer, mais les histoires racontées sont si complexes qu'il les faut au moins ces 2h20 pour ne presque rien oublier. Il y a aussi quelques scènes un peu exagérées, mais ça passe quand même, le rendu au final est très bon !
Un bon film d'horreur,sans prétention aucune et sans que l'envie de balancer une avoine aux personnages principaux ne vienne vous démanger. C'est possible dans un film d'horreur ? Il faut croire que oui puisque Victor Salva le fait ici. La partie road-movie est vraiment bonne et l'effort est louable dans un film d'horreur,quand on voit les navets que donnent certaines tentative ( par exemple "boulevard de la mort). Pas de confusion ceci n'est pas un slasher, c'est un survival et ça aussi c'est un effort louable de la part de Victor Salva. Pourquoi ? Par ce que ça aurait été plus simple de balancer son monstre sur l'autoroute et de le faire zigouiller des ados clichés plus débiles les uns que les autres et hop fin du film. Ici on évite la facilité : pas de "jump scare" à outrance,pas de personnage dont la présentation est plus courte que la scène de mort (à l'inverse des "détour mortel"). On joue la carte de l'oppression constante et ça sa fait du bien,on implante deux personnages principaux et on fait en sorte qu'ils ne connaissent jamais la paix. En somme un bon film d'horreur que je me suis permis de légèrement surnoté mais seulement pour palier à sa sous notion venant d'ados nourris aux saw,paranormal activity et autres fadaises.
Long, inutilement compliqué, mou, soporifique, décors industriels cheap, tarabiscoté, réalisation moyenne également... on s'ennuie donc quand même TRÈS ferme durant 1h20... avant le premier retournement (qui n'en n'est de loin pas un, tellement on le voit venir de loin!!) et la chute finale. Bref, passez votre chemin...
Troisième des six films que Renoir tourna en Amérique pendant l’Occupation, This Land is Mine exalte le patriotisme des français comme pour mieux les inciter à la Résistance. Charles Laughton s’offre un grand morceau de bravoure avec une tirade somptueuse à la barre du tribunal où son personnage (jusqu’ici lâche et craintif) a été conduit injustement avant de mourir en héros. Un film un peu trop manichéen de nos jours mais dans le contexte de l’époque, il état difficile de faire autrement. Terminons en disant que c’est quand même très curieux d’entendre des Français et des Allemands s’exprimer dans un anglais aux accents américains ! Un film qui n’ajoute rien à la gloire de Jean Renoir, réalisé sans génie, qui ressemble à un film de commande, ou plutôt d’auto-commande en quelque sorte….
Véritable satyre sociale pertinente et profonde masquée sous une comédie populaire joviale, fine, tendre et poétique, The Full Monty est une incontestable réussite. Un film qui redonne le sourire en prêchant de véritables thématiques de solidarité, permettant de transférer une habile notion d'espoir perpétuel
Dommage que ce film ne soit pas plus distribué. ! a voir pour son approche des personnes sans papier.
jai kifé ce film, gary etait trop drole c'etait super beau, surtout quand eva et pietrafont la danse chelou avec le feu
Pas étonnant que ce film ne passe pas à la télé, il est complètement nul, quoique ... justement ... Je l'ai regardé parce que Lindsay Wagner - Super Jaimie, un amour de jeunesse ... - est en 3ème position au générique. On ne la voit pratiquement pas dans le film ... En revanche, on voit beaucoup l'étalon, ni bon, ni mauvais, égal à lui-même ... Ce qui caractérise ce film, c'est le manque de logique des dialogues, du comportement des personnages et, bien sur, de l'action. Un exemple parmi une foultitude : quand Stallone croit repérer dans la boîte de nuit Rutger Hauer, le gros méchant qui s'est fait refaire le visage, il ne fait pas appeler l'employé qui l'a vu quelques jours auparavant et qui pourrait confirmer, non, non, il ne s'approche pas discrètement pour le maîtriser, non, non, il se plante à 10 mètres de lui et le regarde longuement et fixement ... évidemment l'autre le remarque et s'échappe en profitant de la foule et il y a des morts ... J'arrête là. Tout le reste est à l'avenant et, évidemment, on passe plus de temps à pouffer qu'à s'intéresser à ce qui se passe.
Tellement attachants ces p'tits vieux car si bien interprétés. Matthau y va un peu fort mais Lemmon tiendra sa revanche..
L'un des films de Kitano les plus personnels. Et également l'un des plus beaux. On pourrait y voir une "pré-synthèse" de son cinéma (du moins, de son cinéma des années 90) : son sens de la poésie, ses cadrages précis, la mer, l'amour ... la mort. Dans son apparente tranquilité, "A scene at the sea" renferme quelque chose de terriblement vibrant : la passion consumée jusqu'au bout, conduisant lentement vers l'inéluctable ... tout cela accompagné par des envolées lyriques, renforcées par la sublime musique d'Hisaishi ... même si cette oeuvre est loin de représenter l'aboutissement des idées du cinéaste (en effet, elle ne va pas forcément au bout, mais cela contribue peut être après tout à son charme ...), elle met en place les bases (autant thématiques qu'esthétiques) qui lui permettront de réaliser ses grands films à venir. "A scene at the sea" est peut être également le film le plus préfigurateur de son chef d'oeuvre, "Hana-Bi" ...
Road movie de 4 jeunes. Film particulierement ennuyeux, souvent filmé caméra à l’épaule ce qui donne souvent une image heurtée On y voit Léa Seydoux fraîche sensuelle comme toujours mais pour le reste l’intérêt est limité. Un parcours de paumés avec une pseudo histoire de blessure d’enfance pour l’un d’eux et des scènes qui se veulent libérées, branchées, anti tabous. Au final un film pompeux, sans grand intérêt et surtout avec beaucoup d’ennui.
On se demande si on se trouve devant un film de cinéma ou un sitcom cagueux. Il ne manque que les rires enregistrés, bien des séries nulles volent plus haut que cette crétinerie qui nous narre les états d'âmes sans intérêt d'une midinette grassouillette de 35 ans. Hugh Grant devait avoir besoin d'oseille pour jouer dans ce nanar, il a habitué le spectateur à beaucoup mieux ( "pour un garçon", "escrocs mais pas trop"...)
Film d’animation en stop motion. Fin du 19ème siècle, Lionel Frost est un explorateur, spécialisé dans la recherche des animaux extraordinaires. A peine rentré d’Ecosse où il a photographié le monstre du Loch Ness, un courrier l’informe de l’existence d’un primate vivant aux USA, certainement le chaînon manquant. Il cherche par ailleurs à tout prix à intégrer le prestigieux club des explorateurs de Londres. C’est le début d’une longue aventure, avec au bout du chemin, des découvertes inattendues. Ce voyage autour du monde qui peut faire penser à Jules Verne ou à Indiana Jones est d’abord une aventure au pays de l’animation image par image, avec un résultat qui à lui seul justifie le déplacement au cinéma. Très riche en détails, précis et coloré, le film est une vraie réussite. J’ai beaucoup aimé aussi les messages du film : notamment sur les bénéfices des voyages -pas ceux qu’on croirait- et sur la critique du communautarisme et la valorisation des richesses personnelles et de l’amitié. (Lionel Frost comme Monsieur Link, cherchent chacun à être reconnu par une communauté). Je conseille la version française avec les voix d’Eric Judor et de Thierry Lhermitte. Un film qui plaira aux petits et à leurs parents. Mon blog : larroseurarrose.com
"Mort prématurée" (2007) Chérie 25 le 6 mai 2016 Ce film est une petite merveille à côté des navets qu'essaye de nous faire ingurgiter le service public en ce début 2016 ! Il a tout de ce qu'il manque aux polars construits à la chaîne : des films travaillés ! Un scénario de Clément Delage qui nous tient en haleine pendant 115 mn en nous offrant du rythme, du suspense, de l'intensité dramatique : quel talent et quel sens psychologique ! Et puis un casting hors pair...Il est vrai qu'il est signé Gérard Moulevrier qui dirigeait déjà la distribution de la série des "Maigret par Kremer". Avec entre autres de très bons acteurs dont Marina Golovine comme héroïne principale. On ne comprend pas pourquoi on ne la voit pas plus souvent sur nos écrans tant son interprétation dans les rôles dramatiques est saisissante. On se demande pourquoi elle a une carrière "en accordéon" avec de longues absences. Je l'avais déjà remarquée bien que dans des petits rôles du même Maigret dont le casting était, lui aussi dirigé par le même Moulevrier ! Félicitations à José Pinheiro pour cette superbe réalisation ! Un seul regret : un pianiste qui a les ongles sales ? willycopresto
Film de 1923 filmé à Marseille et dans les studios des Vignerons à Vincennes, ce film démontre que la créativité du montage existe bien dans le cinéma français dès cette époque. Plusieurs éléments d’avant-garde : - la rapidité du montage - les gros plans sur les visage expressionnistes, les mains, les poings, les bouteilles - le travelling rotatif dans les scènes de manège - les superpositions d’image comme le visage de Marie sur les flots - les visages des mauvais garçons en contre-plongée avec utilisation expressionniste de la lumière et des ombres - la tension dramatique créée par le plan de l’escalier pris en plongée avec la main sur la rampe du mari jaloux montant alors que Jean et Marie sont dans la chambre - la déformation des visages dans la vision du voyou ivre
Haneke filme la violence avec une froideur qui fait froid dans le dos. Aucun artifice cinématographique n'est utilisé pour renforcer l'horreur. Pas de musique, pas d'effets gores, pas d'effets spéciaux spectaculaires. Et bizarrement, la sensation d'horreur est démultiplié. On a la désagréable impression d'assister aux divers humiliations subit par la famille à travers l’œil d'une caméra de surveillance. Le hors-champ, très présent ici, n'arrange rien, puisqu'il nous laisse imaginer les pires choses, à défaut de les montrer avec moult gros plans, comme le ferai n'importe quel torture porn. Bref, Funny Games, est un film à la violence psychologique rare, particulièrement dérangeant, mais incroyablement bien foutu. Un Chef-d'oeuvre réservé à un public averti.