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C’est l’histoire d’Hedi, trentenaire qui connait des crises d’angoisse (la réalisatrice ayant connu elle-même une dépression), bouleversant les projets de sa famille (elle devait partir avec son mari dans le cadre d’une O.N.G. en Gambie) et mettant en danger son couple. Rien de nouveau sous le soleil, d’autant que l’histoire manque de rythme et demeure anecdotique. 
C'est un sacré supplice de regarder ce film jusqu'à la fin. Ce teen-movie est certainement l'un des pires films que j'ai vu de ma vie. Rien n'est à garder pour la simple et bonne raison que cette chose est un déversement de clichés ambulant. De la première à la dernière minute, on a des clichés. Que ce soit dans les personnages, les situations, le scénario, les décors, tout est stéréotypé de A à Z, il n'y a aucune innovation, aucune intelligence. Mais c'est pas le pire ça, je crois que le pire c'est les dialogues plus bas que terre. J'ai rarement entendu une multitude de conneries sortir de la bouche d'acteurs en 1h30. Pour me faire bien mal, j'ai regardé ça en VF en plus. Grande idée, ça permet de nous faire marrer un bon coup devant les doublages foireux. Le seul truc qui pourrait être retenu à la rigueur, ce sont les chorégraphies qui sont plutôt pas mal foutues. Par contre, il faudrait dire au réalisateur d'arrêter d'utiliser le ralenti pour donner je ne sais quel effet pendant les pirouettes, c'est très moche à regarder. Il faudrait d'ailleurs lui dire de retourner carrément à l'université pour apprendre à réaliser un film, parce que là c'est à la limite du soutenable. Mais bon, j'ai tenu le choc et je m'en félicite, au moins j'ai pu apprécier la fin dégueulasse. Merci.
Des moments d'amitiés sincères qui nous parlent, les plaisirs simples d'un repas à la campagne, Nathalie Richard est radieuse. A voir, ça change et on s'en souvient.
Long, très peux de choses à raconter, la partie animé, bien que jolie donne vite mal à la tête... Le film ne m'a pas plu et je ne suis pas restée jusqu'à la fin...
Quand un film porte bien son titre et c'est pas du coté positif... Et je ne peux qu'être bref, il ne se passe rien, tout est long et pas un seul moment ne fait rire, tout est que discussion qui mène on ne sait pas trop ou. Résultat le spectateur se retrouve devant un coup fumant.
Quand Jean Cocteau adapte une pièce de théâtre de Victor Hugo, le cinéma français aspire à une grande portée littéraire du cinéma. «Ruy Blas» (France, 1948) de Pierre Billon est l’œuvre d’un des plus grands écrivains français, Hugo, vue par le prisme d’un des plus grands poètes français, Cocteau. L’adaptation donne naissance à une œuvre obscure, menacée à chaque instant par la mort et traduit par une lumière sombre qui drape les décors fastueux et les costumes amples de pénombre. Cette présence immédiate de la mort est le fruit d’Hugo qui, dans ses récits, retrouvent l’Hadès antique. Elle est soulignée par le scénario de Cocteau qui, lui-même, fonde son cinéma sur la présence latente de la mort. Pierre Billon, pris entre ces deux monstres de la littérature, se contente d’être un habile technicien. Membre, peu connu, de la «qualité française», Billon n’a le mérite que de diriger avec sensibilité le trio d’acteurs du film : Danièle Darrieux, Jean Marais et Marcel Herrand. La tâche n’est pas inutile puisqu’il faut des acteurs puissants pour pouvoir exprimer toute la fougue qui règne dans la pièce originelle d’Hugo. Pris dans les brumes de la photographie ténébreuse de Michel Kelber, les acteurs se démènent et sourdent l’émotion de leur personnage. La réussite du film provient de la relation qu’entretiennent les acteurs avec leur éclairage. Certains des plans, ostensiblement dirigés par Cocteau, rappellent les plus belles images d’«Orphée». Le récit se trouve être de peu d’importance. «Ruy Blas» n’est déjà pas une des meilleures pièces d’Hugo, elle se voit être en plus amenuisé pour ne plus conserver que la structure narrative. Reste les visages, les expressions des faces et la tension fébrile des corps qui, tapis dans les obscurités des châteaux ou des auberges, exaltent une certaine véhémence. La place du double qui agit le cœur de l’intrigue, où Marais est Ruy Blas et Don César de Bazan, permet d’élever la dynamique du récit au rang de celle de l’image.
Bon j'irai pas jusqu'à 5 étoiles parce que ça reste un peu cucul mais c'est trop bon.... je sais pas l"effet que ce film peu faire au génération actuelle, probablement pas grand chose, mais vaut mieux se taper ça que "Dirty Dancing" à choisir! Le film déborde de clichés mais c'est déjà à l'époque un film qui traite de l'homophobie, du racisme, de la difficulté de faire un boulot qu'on aime mais aléatoire quand on a une famille à nourrir.... bref sous ses airs gnangnans c'est une sacré photographie d'une époque qui finalement n'est pas si éloigné de la notre.... Je ne boude jamais mon plaisir à voir ce film à voir en vo bien sûr ... mais je comprends tout ceux qui détestent... et je trouve ça dommage pour eux!
Un bon moment de rigolade passé avec Sid, Manny et Diego, sans oublier le gaffeur Scrat et toutes ses catastrophes! Les délires de nos héros s’enchaînent à toute vitesse pendant la dérive des continents.
Aucune cohérence dans le scénario qui part dans tous les sens. Blagues lourdes encore et toujours les mêmes aucune recherche, je suis resté jusque la fin mais vraiment pour lui donner sa chance. Ce film est pour un très jeune public je pense...
Place au deutsch Cluedo. Gros succès en France mais passa inaperçu aux Etats-Unis. Le réalisateur Anatole Litvak met en scène de façon très habile trois généraux allemands pendant l'occupation de la Pologne puis sur le sol français. Sous le prétexte d'une enquête de police pour identifier l'assassin d'une prostitué, le film pose la question du droit criminel en temps de guerre et de l'honneur des puissants. Immense Peter O'Toole en général SS (la scène quand il regarde le tableau avec Van Gogh dessus), le nazi inspirant le personnage de O'Toole vivait encore à la sortie du film. Donald Pleasence un général opposant à Hitler. Pour les flics, coté allemand, excellent Omar Sharif, et du coté français, Philippe Noiret. Soulignons la petite apparition de la chanteuse Juliette Gréco.
Je m'attendais à un petit film sans prétention, et au final j'ai assisté à une oeuvre plutôt singulière et ambitieuse. 3 parties pour 3 personnages. Le scénario est solide même si on comprend vite les rapports unissant les personnages. La première partie sur le mafieux qui voulait à tout prix accéder à la gloire est très drôle quoique pas forcément crédible, mais divertissante et irrévérencieuse. Elle pose les bases de l'intrigue : cambriolage foiré et vengeance, sale boulot du boucher etc... La deuxième partie, violente, est moins bonne, les préoccupations du couple et le jeu d'acteurs hystérique sont un énervants, surtout les considérations eugéniques absolument ignobles et hors de propos. Quelques bons moments et l'intrigue avance bien. Mais surtout, la troisième partie, sur le bouleversant boucher sourd muet, est fabuleuse. Une merveille de violence et de calme imbriqués, sur fond de mélancolie et de générosité d'un homme qui a peu et qui donne tout quand il finit par gagner quelque chose, puisqu'il se rend compte qu'en fait il n'en avait pas l'usage. La twist ending particulièrement crue est étonnante : filmée d'une main de maître et montrant une violence aux effets plus comiques que tragiques, elle est parfaite. Puis la boucle de se boucler quand le vieillard croise sans le savoir le fils "mutant" de son ami mort. Cette dernière partie illustre à elle seule les ambitions du film : tout faire et tout montrer, ce qui as forcément quelques ratés (minimes). Le silence pesant est virtuose là où d'autres auraient fait bruits et fracas ou discussions interminables. Mention spéciale à la même scène revue plusieurs fois sous différents points de vue, un procédé difficile à manipuler mais ici réussi à la perfection. En bref, un très bon petit film dont le style mêle humour noir façon frères Coen et réalisation un brin tapageuse façon Tarantino, un film plutôt équilibré.
Tres bon film fantastique, ou le méchant est un homme qui fait ressortir les arrières pensée de ses victimes pour quel commette un crime. Yakusho est sublime et Kurosawa au sommet.
Un bon film, une nouvelle fois. Comme d'habitude, quoi.
Quelque peu poussif, ce film d'Ettore Scola. Seul Alberto Sordi arrive à tirer son épingle du jeu, le quatuor de comédiens francophones donnant l'impression de s'ennuyer profondément. Décevant !
Mauvais en tous points. Même la belle Victoria Pratt ne parvient pas à en relever l'intérêt.
Un film passable dans son ensemble avec une interprétation de Isabelle Adjani et Éric Cantona de bonne qualité. Un peu déçu par la fin de ce film comme même.
j'aimerais savoir si c'est possible de l'acheter en français aussi
On s'en doutait un peu depuis Yella et Jerichow. Barbara le confirme sans l'ombre d'un doute. Christian Petzold est bien le talent le plus pur de la nouvelle génération des cinéastes allemands. Sa vision de la RDA, en l'an 1980, n'est en rien spectaculaire, elle est l'expression de la vie quotidienne, dans une petite ville de province, plus précisément dans un hôpital. Petzold pose un regard froid, clinique, pour rester dans le sujet, au chevet d'un pays comateux. Les sentiments y sont comme étouffés, par peur des autres, dont il est impossible de dire s'ils sont des alliés en puissance ou des espions à la botte du régime. Epuré jusqu'à l'os, Barbara est un film sans une once de graisse, chaque regard et tout geste soulignent ce climat à la fois pesant et émollient. Barbara n'esquissera son premier sourire qu'au bout d'une heure. Superbe instant. Les scènes à vélo, l'héroïne seule, puis accompagnée, sont des métaphores d'une liberté à conquérir ou d'une confiance à restaurer. Elles sont filmées de façon magnifique. La beauté statuesque de Nina Hoss, splendide actrice, donne à Barbara un supplément d'âme et de souffrance non exprimée. Les mots sont rares dans le film, l'émotion n'est jamais suscitée et pourtant, ... Rarement a t-on filmé l'existence dans l'Allemagne de l'est, pays aujourd'hui défunt, avec autant de justesse et de lucidité. Au-delà du rideau de fer, voici un cinéma du plus beau métal qui a valu à Petzold un Ours d'argent du meilleur réalisateur à la Berlinale 2012.
J'attends toujours le frisson; A si j'oubliais, il à traversé les égouts pour trouver sa femme...C'est beau ! Non, c'est niais, une belle histoire bien policée sous toutes ses formes, avec des gentils vraiment trop gentils et des méchants vraiment trop gentillets, encore.
A voir absolument .en famille ou entre copine Nous avons adoré ce long métrage merci pour ce magnifique film . De très jolis paysages une magnifique musique et desi acteurs authentiques
Cette histoire de la vie quotidienne est réellement captivante. Et même si l’on a du mal à adhérer aux différentes réactions du couple formé par Roméo et Juliette, face à la terrible maladie de leur fils Adam, nous ne pouvons que nous laisser emporter par leur histoire d’amour. De plus, l’incontestable talent de l’actrice et réalisatrice Valérie Donzelli nous offre un cinéma libre, moderne et ébouriffant, qui nous fait passer du rire aux pleurs, de la chanson à la poésie en un claquement de doigts.
Qu'ont-ils essayé de faire avec ce navet sans queue ni tête ni scénario ? Même les acteurs présents ne peuvent sauver le film. Aucun gag non plus, même vu au second degré, et on s'ennuit ferme. Seule la musique des Ekseption est superbe.
L’intérêt de Tabou (2000) est qu’il s’agit d’un film de samouraï traitant de l’homosexualité (chose assez rare dans le paysage cinématographique Japonais). L’intrigue nous amène au milieu du XIXème siècle au Japon, lorsque la milice se retrouve désorientée suite à l’arrivée d’un éphèbe androgyne. Seulement, au bout de quelques minutes, on déchante rapidement, tant le film en lui-même peine à retenir notre attention. Certes, il y a Takeshi Kitano, mais hélas, il en faut plus pour que le film devienne réellement intéressant. La mise en scène fait peut être un sans faute, on ne peut pas en dire autant des acteurs, qui une fois sur deux, sont loin d’être crédibles face caméra. On n’y croit pas un instant, l’alchimie ne prend pas et on le regrette amèrement car le film avait du potentiel.
Vu quand j'avais 17 ans. J'ai détesté individuellement et intégralement chaque personnage de ce navet pathétique et prétentieux, que dire de plus... Mais il est peut-être à l'image de la société de consommation merdique dans laquelle on vit, où on découvre de plus en plus tôt ses droits et que l'on oublie ses obligations. La liberté individuelle semble aujourd'hui excuser n'importe quel acte imbécile, sous prétexte que les temps ont changé. (Personnellement cela me fait gerber, ça donne presque envie de se tirer très loin pour vivre façon amishes ^^) Une seule solution si ce DVD traîne chez vous et que vous aimez votre petite soeur : -DESTROY IT WITH FIRE !-. Sauvez son âme d'un monde de ténèbres, ne la laissez pas sombrer dans le mal absolu. (Egalement à appliquer dans le cas de Twilight, Justin Bieber, Tokio Hotel, Matt Pokora,...)
On continue de suivre avec plaisir le voyage d'Ogami Itto et de son fils dans le Japon de la période d'Edo.
Waking Life est un film d'animation de Richard Linklater (2001) qui utilise le procédé dit « rotoscopique », tourné avec une caméra numérique, les images sont ensuite retouchées en infographie. Les acteurs réels (Ethan Hawke, Trevor Jack Brookes) apparaissent à l'écran comme des personnage d'un dessin-animé réaliste. Un procédé qui offre une certaine liberté d'action au scénariste (le personnage s'envole dès les premières minutes du film, en tentant de rester accroché au sol, une main agrippée à la poignée de portière d'une voiture). On suit le personnage principal dans ce qui semble être « un rêve lucide » (mais peut-être autre chose ? Le film tente également d'élucider cette question) au cours duquel de multiples rencontres lui permettent de débattre de sujets philosophiques (assez pointus, il faut aimer le sujet pour ne pas se trouver larguer en cours de route. Et je ne dis pas ça pour faire l'intelligent, hein, mais plutôt pour souligner le fait que ce film ne plaira pas nécessairement à ceux qui ne s'intéressent pas à la philosophie pure !). Mais le film, succession de dialogues et de monologues en images, peut captiver par son originalité visuelle. Le film est donc unique dans son genre. Il a d'ailleurs été primé ou nominé dans plusieurs festivals (Venise, Berlin). Le thème est bien traité, à mon avis, et les questions posées ne sont pas anodines.
Rares sont les films qui vous captivent du début à la fin, ou l’on ressent un plaisir constant durant toute la durée du film. Assurance sur la mort en fait partie, je ne suis pas un fada de films noirs, mais celui-ci est juste énorme. Il n’y a pas de quoi s’étonner, après tout c’est le géant Billy Wilder à la réalisation, mais quand même. Tout est excellent, la mise en scène, le scénario, les acteurs, les dialogues ou encore la bande originale, qui sans être inoubliable, colle parfaitement à l‘ambiance. Une scène m’a particulièrement marqué, c’est celle ou la fille est cachée derrière la porte, la tension est optimale, c’est un moment exceptionnel de cinéma. Un petit mot sur le trio d’acteurs principaux, les trois sont vraiment très bons, mais pour moi c’est Barbara Stanwyck qui tire son épingle du jeu, c’est la première fois que je voyais cette actrice et elle m’a bluffé, c’est l’une des plus grandes interprétations féminines que j’ai vu. Je finis par une banalité, Assurance sur la mort est un chef-d’œuvre !
Déjà on hésite sur ce qu'on regarde, western spaghetti ou western parodique, puis western symbolique voire fantastique ? On n'en sait trop rien. On a droit au clichéde la femme violée mais super contente de l'être(ça peut se traiter mais n'est pas Peckinpah qui veut et là ce n'est pas bon). Passons aussi sur les invraisemblances en tous genres dont la pire est quand mêmel'épisode la baignoire (comment a-t-il osé imaginer et réaliser ça, et comment a-t-il pu le conserver au montage ? D'aucuns nous expliquent que c'est un fantôme et que les balles ne l'atteignent pas, mais dans ce cas pourquoi se cachet-il sous l'eau ?). Finalement on a l'impression d'un brouillon, de quelque chose d'inachevé, de lointain. Ça se regarde mais on a très envie de dire : "Non mais allo quoi ?"
Nous voici avec un énième film de sous-marin qui a pour originalité de mêler un brin de fantastique au récit et d'y amener une femme, dans cet univers fermé et stressant qu'est un sous-marin durant la Seconde Guerre Mondiale. Malheureusement, la mayonnaise ne prends pas. Les scènes d'actions sont vues et re-vues (grenadage, sonar, problèmes mécaniques, le navire qui commence à prendre l'eau), le tout filmé sans grande originalité. La personnalité des personnages est très limité : la gentille infirmière, le sous-officier honnête et chevalier blanc, le cuistot sympa, le commandant autoritaire et inébranlable... Le côté fantastique est mal amené : de "vagues" apparitions spectrales d'une demi-seconde tous les dix minutes, des lumières qui s'éteignent et des morts suspectes, ça ne fait pas peur, c'est même souvent à la limite du ridicule ... L'atmosphère oppressante et la tension sont aux abonnés absents, et les acteurs ne sont guère convaincants. Bref, une énième resucée d'U-571 et un manque d'audace et de talent font de ce film un piètre divertissement qui se laisse néanmoins regarder.
La parfaite interprétation du casting n'arrive pas à nous sortir de la torpeur qui nous saisie en visionnant ce film .
Avant de réaliser REC, Jaume Balagueró réalise ce petit film sans prétention. Et surprise, ça fonctionne ! En toute honnêteté, je n'étais pas convaincue en voyant le casting mais finalement, la mayonnaise prend et l'angoisse est distillée avec soin, les petits acteurs sont très convaincants et le thème du film est solide. Reste que l'horreur est peu présente, si ce n'est dans les 10 dernières minutes... A voir !
Aussi nul et vain que le premier était intelligent et réussi. Et bon, je suis pas bégueule ni porté sur le politiquement correct, mais la scène faisant passer les prisons thaïlandaises pour une colonie de vacances, j'ai trouvé ça très limite dans l'esprit.
L'histoire est classique au genre et ne va pas chercher très loin. Ce western choucroute a le ton naïf d'un enfant qui joue au cowboy. Puisqu'on dit les bandits qui nous ont attaqués,les dialogues sont clichés et le jeu des acteurs est égal à celui d'enfants jouant aux cowboy et aux indiens. Ça n'a pas une once de crédibilité,ça n'a aucun intérêt,mais ça se regarde.
Un bon film LOL On se marre des effets spéciaux datés, on apprécie de voir Scott de Code Quantum ( fan étant jeune) et Famke pour d'autres raisons ^^ C'est pas effrayant une seconde mais on rit bien et le scenar on s'en fout !
excellent film,superbe prestation de Jennifer Carpenter mais je trouve que le procés prend trop de place dans le film.
Certains aspects du film sont intéressants mais il y’a tout de même trop de longueurs pas forcément utiles.
Trop lent, trop superficiel, une fin bâclée. De plus les acteurs donnent l'impression de ne pas jouer ensemble. Dommage pour cette histoire qui méritait mieux.
Tandis que les critiques presses étaient pour la plupart toutes affligeantes, les spectateurs, eux, en prenaient pleins les mirettes et en redemandaient ! Plus de 9 millions de Français ont fait le déplacement au cinéma, tandis que l’accueil de la presse au 41ème Festival de Cannes était très décevante. Pourtant, une chose est sûr, les spectateurs ne ce sont pas trompés, Le Grand Bleu (1988) est bel et bien le premier chef d’œuvre du « Spielberg français ». Luc Besson nous hypnotise avec son film, inspiré de la vie de Jacques Mayol, célèbre champion de plongée en apnée. Incarné par Jean-Marc Barr, aux côtés de Rosanna Arquette et Jean Reno, que l’on a pu retrouver quelques années après dans l’excellent Léon (1994). Il nous raconte la fabuleuse histoire de deux amis d’enfance, tous deux passionnés par la plongée sous-marine. L’un est champion du monde et très narcissique, l’autre est plutôt introverti et mystérieux. Il nous plonge au cœur de leur histoire, de leur amitié, en plein cœur de la Grèce, où il nous livre des paysages grandioses, ses cadrages tout au long du film sont hypnotisant. Comme dans la plupart de ses films, la B.O prend une place très importante, et à chaque fois, on le doit au compositeur Eric Serra. Et cette fois-ci, comme à l’accoutumé, il nous séduit, nous submerge ! Ce n’est finalement pas pour rien si Le Grand Bleu a su rester au fil des années, une œuvre culte pour toute une génération, cinéphiles ou amateurs. Une magnifique plongée sous-marine au plein cœur des océans et des dauphins, bercée par des musiques envoûtantes. La cérémonie des Césars ne s’était pas trompée, lorsqu’elle là nominée à huit reprises, puisque au final, il remporta avec succès deux récompenses. Pour ceux qui ne se seraient pas suffit de la version longue (près de 3h !!), Luc Besson a part la suite réalisé Atlantis (1991), qui est un documentaire musical sur les profondeurs marines, alors avis aux amateurs !
Un très beau film d'aventure signé Disney. on s'attache très vite à l'héroïne.
Bienvenu dans le monde des courses automobiles. N'en déplaise aux amateurs de Fast & Furious, je m'adresse davantage aux adeptes de Colin McRae Rally ou plus encore Gran Turismo, en matière de gaming. C'est en effet à cela que me fait penser ce film, moi qui n'ai aucune connaissance de la BD originelle. Mon unique point de jugement s'arrête principalement sur la pertinence des cascades et la qualité de la réalisation. Que demander de plus si ce n'est l'action exacerbée d'un blockbuster. Cette adaptation de Louis-Pascal Couvelaire est parfaitement calibrée, très esthétique et haletante. Avec Michel Vaillant, on jubile à fond la caisse sur les plus grands circuits du monde. D'Indianapolis aux 24 Heures du Mans, l'éternelle rivalité entre les écuries Vaillante et Leader n'aura de cesse que lorsque qu'une certaine vengeance sera assouvie. Les coups bas sont autant de prétextes à détrôner l'indétrônable. Sabotages et kidnapping semblent l'ultime recours des Leader. Inutile de juger ce film sur la prestance des protagonistes et leur manque de conviction, ou encore l'accélérateur de vitesse qui donne le tournis. Attardons-nous sur la beauté des images, l’élégance mécanique et les prouesses de pilotage. Mention spéciale à la scène finale, celle opposant un moteur grillé à un pneu crevé. Le spectacle en vaut la peine. Une aventure dépaysante et explosive. 4/5
Bonjour, j'ai décidé de présenter ce film pour l'histoire des Arts pour plusieurs raisons: _C'est un film fort, que je trouve profond. Bien sur, les serbes ne sont pas montrés sous leur meilleur jour, mais je trouve qu'ils ont réalisés un film qui n'a pas pris parti (comme dans "La Rafle" par exemple, où on nous fait voir cela du point de vue juif), là, nous voyons aussi que les bosniaques se "défendent", pas de la meilleure façon qui soit, certes (l'attentat dans l'église). _J'ai trouvé que l'histoire était très bien écrite, les dialogues étaient suffisamment simple pour que beaucoup de public puisses le comprendre, tout en respectant l'histoire réelle. _Je ne connais pas grand chose aux termes cinématographiques exactes, mais je trouve que cela a été très bien filmé, les moments de tensions entre Ajla et Danijel ou entre les serbes et les bosniaques ont été très bien ressentis. J'ai trouvé que les scènes de viols avait été suffisamment bien filmé pour paraître immonde et les scènes d'amour, filmées de façon explicites mais pas vulgaires, au contraire. _Je ne connaissais pas l'histoire de cette guerre avant d'avoir vu ce film, il m'a tellement émue, dans son horreur de la guerre et sa beauté de l'histoire que je n'ai pas pu m'empêcher de faire de nombreuses recherches sur ce sujet là, j'ai trouvé qu'il maîtrisait tellement de sentiments à la fois, que ça ne pouvait être autre chose que de l'art. Je trouve ce film très émouvant, très bien écrit, très bien réalisé. Je trouve dommage qu'on lui a pas fait plus de publicité afin de toucher un plus large public, ce film n'ayant pas eu un très grand box office.