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Dérivé de la maison Sergio Corbucci, ce nouveau western au cow-boy légendaire, nommé Django fait figure d'une remarquable maîtrise du cinéma de Quentin Tarantino ! Un abattoir explosant de magnificences s'offre à vous dans les salles du moment, et pour préserver cet honneur, le casting est là pour vous embellir de joie et de toutes émotions susceptibles de nous intéresser. Jamie Fox dans toute sa splendeur exerce son rôle des plus sérieux, dont le passé a rongé ses remords les plus forts, vire au chaos obscur… Quant à Christoph Waltz, un fidèle associé de Tatrantino il se trouve dans la peau d’un personnage des plus divertissants et des plus honorables du film. Il mérite sans nul doute le meilleur rôle pour sa prestation légendaire. Puis vint DiCaprio pour boucler les liens les plus forts de l’œuvre. Son talent tant recherché dans le passé, cache son effroi dans un rôle bien réfléchi, car unique pour le genre. Ce trio réuni n’est qu’apocalypse et message de déluge pour nous. Il ne faudrait pas oublier Kerry Washington, Jonah Hill, Don Johnson, Walton Goggins, et tant d’autres que je ne peux énumérer ici… Leur présence font de la flamme du film une explosion scintillante, entouré d’un monde perplexe, mais malgré tout connu du grand public et ses fidèles. Mais revenons à l’exploit d’un procédé sonore très réussi. Des traditions bien introduites dans le contexte, font bonne figure sous l’appel d’une bande son tout à fait inattendu. Ce qui rend Django Unchained plus spectaculaire ! On exploite ici un mélange à la sauce de Tarantino, de références et genres dont le support est le western, un nouveau titre complétant le tableau du jeune réalisateur. Il faut le voir pour y croire, étant un pur fan du 7ème Art depuis sa jeunesse, comme beaucoup d'entre nous, il a su capter notre attention avec brio. Mais lui, a su cerné son genre unique, faisant de sa passion un instrument rendant polyvalent tout ce qu'il touche. Celui qui a osé a tout à gagner !
Juliette 25 ans ne fait pas grand-chose de sa vie. Sans travail, elle sort beaucoup, enchaine les petits copains et traite tout le monde avec dédain et ironie. En même temps, elle aurait bien tort de s'en priver : Papa paie le joli appartement et assure le train de vie de sa fille qui continue à mener sa sœur, son ex et son actuel, sa copine par le bout du nez. En plus, Juliette se pique d'écrire : une histoire débile de 4 frères accompagnés de leur cadette qui sillonnent les États-Unis en semi-remorque. Penser qu'ils s'y sont mis à deux pour écrire un scénario aussi indigent ne laisse pas de surprendre. Tout ceci est absolument inconsistant et ridicule, les états d'âme d'une pauvre petite fille désœuvrée, d'ailleurs plus si petite que cela. Un comportement infantile et qui tape sur les nerfs (ceux du spectateur) méritant un bon coup de pied aux fesses plutôt qu'une quelconque compassion. La raison ne manquera pas de parvenir à la jeune écervelée bientôt promue écrivain. Bêtement on pensait que décrocher la parution d'un premier manuscrit (dont les quelques passages lus en voix off suffisent à révéler la platitude) était chose moins aisée. On voudra bien cependant nous pardonner de ne pas être au fait des mœurs d'un microcosme parisien et (très) privilégié qui, au final, dans leur déroulement terriblement conventionnel ne nous intéressent pas une seule seconde. Un ratage dans les grandes largeurs pour ce premier essai non transformé.
Un film magnifique dont l'atmosphère oppressante confine parfois au fantastique. Pain noir s'inscrit dans une tradition du cinéma espagnol post franquiste qui s'applique à peindre une société corrompue jusque dans ce qu'elle a de plus intime, les liens amoureux et familiaux. La cruauté des relations humaines, parmi les adultes comme parmi les enfants, apparait comme le produit d'une monstrueuse dictature qui s'appuie sur tout ce qu'il y a de plus vile, comme par exemple l'homophobie brutale. Bien que, d'une façon générale, je n'accroche guère aux films qui prennent des enfants pour héros, j'ai été scotché par l'interprétation du jeune Francesc Colomer. La fin n'est pas très optimiste, on craint que dans ce milieu délétère le jeune homme ne passe de la révolte à la résignation et l'individualisme forcené. Mais elle est réaliste. Tout est impeccable : mise en scène, direction d'acteurs, photo. Bravo ! J'attends avec impatience le prochain film de Villaronga.
La suite directe de la Communauté de l'Anneau. Autant dire que le niveau n'a pas baissé d'un poil. La réalisation est toujours aussi habile, les décors aussi somptueux que les personnages sont nombreux et variés. Une suite plus sombre qui ajoute au premier épisode. Savoureux.
Un vague souvenir de ce film, mais ce que je me souviens c'est qu'il ne m'a vraiment pas laissé un souvenir impérissable. Peut etre devrais je le revoir. Un faux air de Zombie en nettement moins bien.
Chuck Norris délaisse quelque peu son étiquette de film karatéka et s'installe dans un film familiale, un flic qui se traine comme coéquipier un chien, son frère s'occupe de la réalisation, le premier quart d'heure est sympathique mais l'ensemble reste platonique avec une fin assez ridicule. Dommage car l'humour est présent.
Cette histoire originale a malheureusement été mise en scène d'une telle manière trop lente pour que l'intrigue policière puisse devenir palpitante (à part dans la scène finale où David veut expliquer sa théorie des deux tueurs à son supérieur) mais surtout avec une narration si découse que le drame que traversent chacun des personnages n'est pas bien reproduit. On regrette donc que l’écriture faite de la psychologie de ces protagonistes et le jeu des acteurs soient ainsi très mal exploités.
Très bon petit film d'horreur avec des passages bien gores !!
Film assez tiré par les cheveux et qui par finalement dans tous les sens...
Joli "Road movie" mal desservi par un scénario assez décousu. Fin inattendue et très touchante cependant. Film injustement passé inaperçue surtout quand il contient la meilleur performance de Mariah Carey entant qu'actrice ( Elle surprend). A voir
Impossible de comprendre quelque chose à cet imbroglio de scénes entre réalité future et flashbacks. Impossible de voir où le réalisateur veut en venir. Impossible de subir le jeu caricatural de Jake Busey....donc impossible de regarder ce film jusqu'au bout et même si j'ai manqué une révélation, elle devait pas être trancendante.
Le cinéma de Greengrass se veut réaliste et celui ci ne déroge pas à la règle. Ce film a aussi le mérite d interpeller sans cesse le spectateur de lui faire se poser des questions sur ce qu il prend pour acquis et ce qu il regarde et cela comprend même le film en lui même. En dehors de cela The Green Zone est un film de guerre nerveux en plus d être intelligent ce qui en fait un spectacle à part qui m a réellement accroché.
Ce petit diamant brut est un délice à regarder. Film de boudoir, ça raconte un petit bout de l'histoire de Solange, une fille un peu étrange, solitaire et marginale. C'est doux, simple, ça touche le cœur. Une pointe de surréalisme, de dada dans un long métrage attachant. On y retrouve tout l'univers de la youtubeuse découpé en chapitres présentant à chaque fois une rencontre. Petit budget mais très bien réalisé, il m'a fait rire, pleurer, m'a transporté et touché au fond du cœur. Tout est dans la simplicité, il n'y a rien d'épique, aucun suspense haletant, juste un bout de vie de ce personnage décalé qui dans sa simplicité est émouvant au possible. Néanmoins je sais qu'elle n’émeus pas tout le monde et qu'elle peux en agacer certains, alors pour être sûr de vivre l'expérience à fond, je vous invite à (re)découvrir sa chaîne youtube avant de vous lancer dans l'aventure et si cela vous fait des papillons dans le ventre, courrez le voir, c'est vraiment à la hauteur !
Sandrine Kiberlain s'éclate dans cette comédie, ça tombe bien, nous aussi. L'histoire de cette juge d'instruction enceinte d'un criminel de bas étage est rythmée, drôle et pertinente. De plus, elle ne la porte pas seule : les seconds rôles sont aussi savoureux.
Énorme. Beaucoup de surprises, un duo d'actrices complémentaire et un scénario franchement solide. Un excellent film innatendu.
Ah, le grend S. Fuller. Dans un genre qui se prête parfaitement à son univers, il nous offre un film certes très court mais d'une densité et d'une richesse (aussi bien scénaristique que visuelle) bien plus importante que certaines filmographies. Car oui, le bonhomme nous sert un trésor de mise en scène, bourré d'inventivité (comme ce plan génial qui annonce le pré-générique de tous les James Bond ou la scène de la pendaison) ou encore un montage ahurissant de virtuosité. Si l'histoire est simple, ses personnages la densifient de manière incroyable, proposant une relecture des frères Earp le tout dans un N&B sublime. Joué avec conviction, fiévreux et réaliste, ce western s'affirme comme un monument du genre (et du cinéma) tant il captive et nous propose une orgie d'innovations et d'audaces. Ne pas se fier à une fin non voulue par le réalisateur à la base (en gros, arrêtez vous à 2 minutes du terme) et qui illustre parfaitement la philosophie de ce cinéaste oublié. D'autres critiques sur
Quand l'auteur de "La Peste" et le réalisateur du "Guépard" se rencontrent, ça donne un résultat raté tout simplement. Luchino Visconti non seulement peine sérieusement, malgré sa fidélité au texte, à transcrire l'univers du roman d'Albert Camus sur la pellicule mais pire encore n'arrive pas à imprimer un cachet viscontien à tout cela, à l'exception peut-être dans son côté reconstitution, le cinéaste étant exceptionnelle pour cela, surtout dans la séquence de la plage. La technique aussi est très loin d'être à la hauteur, les bruitages et les sons d'ambiance atteignant parfois le ridicule et la caméra abusant du zoom. De plus pour jouer une figure anonyme, fade, impersonnelle, le visage du plus célèbre acteur italien de tous les temps était très loin d'être le choix le plus pertinent ; il aurait fallu un comédien inconnu ou peu charismatique, un homme dans la foule comme l'avait fait King Vidor pour son film qui s'appelle "La Foule" justement. Reste quelques belles scènes malgré tout, comme le face-à-face avec le prêtre, et quelques bons seconds rôles, comme la sublime Anna Karina.
Scénario incohérent : une SDF avec un téléphone portable ! Audrey Tautou nous offre un personnage qu'elle voudrait aussi magique qu'Amélie Poulain. Elle n'en devient pourtant qu'une maigre doublure. Pas assez de musique, aucun enchaînement des scènes. Pâle copie d'un Pretty Woman. Vouloir nous montrer à tout prix que l'on est capable de tout jouer est quelquefois risqué...
J'adore ce film. Autant quand j'étais plus jeune, je le trouvais assez sérieux autant la dernière fois que je l'ai vu (en 2012), je l'ai trouvé un brin nanardesque mais toujours aussi sympa ? regarder. Après tout, c'est un pur film d'action dans l'esprit des années 90. C'est drôle volontairement ou non (beaucoup d'auto-parodie et de second degré), fun, divertissant, intelligent et bien évidemment il y a de l'action comme on aime en voir. La confrontation entre Sylvester Stallone et Wesley Snipes est jouissif. Le scénario est assez original et marrant concernant la représentation du "futur" et surtout nous apprend le principe des 3 coquillages. Bref, un excellent film.
Murnau atteint une nouvelle fois le sommet grace à ce film puissant, portrait d'une déchéance, mais que Murnau filme toujours avec une grande humanité et une saisissante maitrise technique. Comme à son habitude, le génie allemand nous offre un jeu de lumières des plus ahurissants, porté en plus par une performance poids lourd du grand comédien Emil Jannigns. Au final, un nouveau grand film du cinéaste, qui n'aura cessé de briller durant la période du meut. Très fort.
Une histoire qui tient en une phrase mais alors, quelle mise en scène! Magnifique! Les couleurs, les travellings sont à tomber par terre, chaque plan a été millimétré et orchestré pour nous éblouir et nous plonger dans le quotidien de cette servante Vietnamienne. On va jusqu'à ressentir les odeurs des plantes, les saveurs des plats cuisinés et les voix mélodieuses de cette langue somptueuse nous entraîne dans une ambiance zen, relaxante dont on ressort totalement reposé, apaisé. Il manque juste un soupçon d'émotion dans le scénario pour en faire un chef d'oeuvre mais ce simple portrait de la servitude employée peu de temps avant la guerre mérite toutes les éloges...
le pire film de ma vie....je pensais avoir touché le fond avec super condriaque, et bien le film français m'a une nouvelle fois surpris par le fond. une avant-première navrante que je n'ai pas voir en entier.... pourtant au de 5 minutes c'était prévisible, avec une pseudo voiture lowcost du soleil levant. Mais je n'ai pas tenu à la poche de pisse dans la gueule du flic.... Et après on se demande pk on fuit les films français
A éviter. Ce véritable navet n'a à peine sa place dans une vidéothèque au rayon série Z. Résultat attendu lorsque l'on voit le nom de ce médiocre réalisateur et de cet acteur tout simplement mauvais qu'est Dominic Purcell.
Pari intéressant que de faire un remake du classique de Robert Rossen, d'autant que 57 ans plus tard, le sujet reste tout autant d'actualité. Mais reconnaissons que l'ambitieuse entreprise est un peu décevante. Un peu longuette, à défaut d'être vraiment ennuyeuse, cette réécriture signée Steven Zaillian ne décolle jamais vraiment, plombée par une réalisation soignée mais poussive, et surtout un scénario beaucoup moins claire que le film de Rossen. Le rythme en souffre, et du coup c'est notre intérêt entier pour l'oeuvre qui s'en trouve diminuée, même si cette dernière a tout de même ses bons moments. L'interprétation est d'ailleurs bonne : Sean Penn a beau en faire un peu trop, il n'en est pas moins crédible. Mais aussi les seconds rôles, en particulier la belle Kate Winslet et un Anthony Hopkins qui a exceptionnellement décidé de laisser sa combinaison d'Hannibal Lecter au placard. En revanche, Mark Ruffalo est complètement à côté de la plaque, pas aidé il est vrai par un rôle peu passionnant. Quoi d'autre? Une jolie reconstitution, sans oublier un discours connu mais toujours aussi percutant : le pouvoir corrompt, et le pouvoir absolu corrompt absolument. Le résultat final est ainsi très loin du triomphe aux Oscars dont l'oeuvre rêvait sans doute, mais n'a rien non plus de déshonorant. Reste que Steven Zaillian, le brillant scénariste de « La Liste de Schindler », semble plus à l'aise à l'écriture que derrière une caméra. Dommage...
Pourquoi "Rocco e i suoi fratelli" est-il le meilleur film de Visconti ? Première réponse qui s'impose d'elle-même : C'est le film au carrefour entre l'approche néo-réaliste et l'approche dramatico-esthétique de Visconti. Imaginez les deux meilleurs Visconti ( "La Terra trema" et "Il Gattopardo" ) réunis en un film, celà donne "Rocco e i suoi fratelli". "Rocco..." est aussi un oeuvre titanesque parce qu'elle aborde avec humilité et générosité l'histoire d'une famille détruite par ce qui l'a dépasse : le conditionnement bestiale de la ville. Visconti reprendra le thème de la destruction familiale dans le moins bon "La Caduta degli dei". Ici l'esthétique du noir et blanc confère à l'oeuvre tout son drame. Le personnage de la mère, joué par Katina Praxinou, est l'exutoire de toute la peine de la famille. La famille des Prondi nous est présenté au début soudée. Elle finit bien plus dissoute. "Rocco e i suoi fratelli" est un excellent film car il arrive à nous surprendre. Visconti jauge l'optimisme ( incarné par Delon ) et le pessimisme ( incarné par Salvatori ) avec maestria. On s'éprend de haine et de pitié pour le personnage de Salvatori. Chacun des cinq frères donne à expérimenter. Face à chacun d'eux on ressent, sans les juger ( hormis peut-être les personnages de Delon et Salvatori ). En conclusion, "Rocco e i suoi fratelli" est le meilleur Visconti qui méle humour fin, tragèdie grâve, espoir et désespoir.
Vraiment pas à la hauteur du premier opus, ce deuxième film de la trilogie est vraiment pas bon, les acteurs ne sont pas très convaiquants, le scénario est bof bof et surtout on s'ennuie du début à la fin !
On se mange tous les clichés du genre avec une relation amoureuse cahier des charges et des situations prévisibles à n’en plus finir. Et quand on ne s’amuse pas à faire un bingo avec des scènes et des dialogues vus et entendus mille fois, on s’arrache les cheveux sur la débilité de certains twists (qui pompent beaucoup sur Star Wars).
Vous demandez un nanar italien ! En voici un qui tient toutes ses promesses. Voici en gros les détails, des décors SF en carton pâte, et le plus fou c'est la visibilité de l'ensemble ou même si vous collez votre pif devant votre écran vous y apercevrais que des éclairages ultra intense, c'est carrément des projecteurs pour combler le manque de moyen. Au début pendant quelques minutes j'avoue que je regarder avec enthousiasme mais par la suite j'ai pas pu tenir. Des gars sur des motos à faire les gladiateurs moderne sous une ambiance à faire fuir tous les fan Rollerballien. Une musique toujours identique et qui vous prend bien comme il faut pour griller votre boite cranienne. Je laisse un soulignage pour l'actrice Eleonora Brigliadori pour sa beauté.
Ce film de Tom Gries est inédit en France et date de 1969 . On parle de foot américain qui n'a rien avoir avec notre foot français et le football américain est un sport important aux yeux des américains qui est unique dans leur genre et d'ailleur le film est assez violent un peu comme au rugby mais on y parle d'un homme en fin de carrière qui a des problèmes avec l'alcool et les femmes . Ce film est à voir et Charlton Heston est très bon dans le rôle ainsi que Jessica Walter et Bruce Dern .
C'est un film bien trop doucereux par rapport au calvaire de ces gamines livrées en pâture aux ordures de clients/violeurs qui les exploitent autant que les proxénètes. Le sujet, extrêmement grave, a été mal traité et laisse une amertume particulièrement désagréable, pour la femme que je suis en tous cas.
Je n'ai rien de dire de plus que les critiques. Un chef d'oeuvre puissant,bouleversant,réaliste, avec une bande originale magnifique. La performance de Liam Neeson et de Ralph Fiennes atteignent la perfection. Un chef d'oeuvre, à voir au moins une fois dans sa vie.
On ressort de Terre Promise lessivé, fatigué tellement le film de Gitai est insupportable. Amos Gitai aborde le thème de la prostitution féminine en Israel. Le réalisateur filme ses actrices sans complaisance, comme des animaux, des marchandises examinées de près et mises aux enchères dans le désert à la lumière des torches. Ces femmes en transit entre les pays de l'Est où elles fuient la misère et la "Terre Promise", une terre fantasmée d'argent et de luxe. Le film dérange, enchaine les séquences sordides et le réalisateur a du mal à tenir son propos. L'utilisation de la caméra à l'épaule et du récit fragmenté (surtout dans sa dernière partie) n'aident en rien à s'impliquer dans cette démonstration des zones d'ombres du territoire israélien. La forme du documentaire a été choisie pour donner un aspect réaliste et concret. Gitai peine à définir ses personnages surtout celui de la belle Rosamund Pike qui reste incompréhensible. Anne Parillaud et Hanna Schygulla n'ont pas vraiment de role à sauver. Les femmes subissent toutes les humiliations possibles jusqu'à la deshumanisation et finissent par rester passives sous les brutalités et les viols. Gitai n'apporte aucune réponse et on se demande alors pourquoi il a voulu vraiment faire ce film. Terre Promise est un film qui dérange mais qui se perd totalement dans le chaos des dernières scènes. La colère de Gitai transparait certes dans Terre Promise mais le fait que la liberté se trouve dans un attentat (comme le montre la dernière scène) laisse un gout vraiment amer.
Ce film survole en 2h le côté américain de l'empire de Pablo Escobar. Contrairement à la très bonne série Narcos, les narcotiques y sont naïfslorsque l'indic balance les balances, ils le tuent mais ne les soupçonnent pas. Le film est bourré d'incohérencesDiane Kruger revient récupérer le smoking du précédent mariage celui ci doit être ni au standing d'un multimillionnaire Bob Musella, ni à la mode, ni à sa taille. L'économie réalisée est infime par rapport au montant dépensé par l'infiltration, la seule raison est d'avoir la scène Femme/CouverturePire :Pablo leur envoie à la maison la lettre remplie de sang. Ainsi Pablo sait que Robert Mazure habite avec sa vraie femme dans un quartier modeste, donc la couverture est fichueCette couverture était déjà bien déchirée quand :Robert Mazure fait son jogging dans les quartiers modestes alors qu'il dit posséder un immeuble sur central Park,jamais les narcos ne verront sa cicatrice du micro,alors qu'il joue Bob Musella, il revient sans se soucier tous les soirs chez lui et invite sa femme au restaurant, puis revient chez lui avec elle dans la voiture, les narcos ont-ils vraiement gobé l'anniversaire de la secrétaire ? Surtout que la secrétaire n'est jamais dans le bureau de Bob Musella
La lecture des critiques nous a laissé bleu. Dans Télécinéobs, on compare Carlos Sorin à Bergman et Borgès, pas moins, et dans Elle, à Borgès et Proust, pas plus ! C’est écraser un moustique avec un rouleau compresseur de trouver de pareilles parentés à un cinéaste sympathique mais paresseux, visiblement en proie, dans ce film étiré et languissant, aux affres de la création.
Clint Eastwood réalise ici un très bon thriller noir, une mise en scène très réaliste et sans concession. Le scénario, tiré d'une histoire vraie est impressionnant, ne laisse aucun répit au spectateur tenu en haleine durant plus de 2 heures. Film a gros budget, les décors et la mise en scène reconstituent bien l'action se déroulant à Los Angeles dans les années 20. Quant au jeu d'acteurs, il est tout simplement remarquable : Angelina Jolie est parfaite dans ce rôle de Christine Collins, la femme forte et combattive ne perdant jamais espoir ; John Malkovich est lui aussi, et comme toujours, sublime dans le personnage du révérend Briegleb. Jeffrey Donovan est aussi très juste dans le rôle ingrat de l'impitoyable capitaine Jones. L'histoire conte celle d'une femme dont le fils a disparu. Sur un fond politique, la police, qui veut afficher de bons résultats avant la réélection du Maire, lui retrouve un fils de remplacement : "Les femmes sont fragiles et la police a tous les droits"...Outre les scènes très dures des Hôpitaux psychiatriques, ce scénario décrit parfaitement le combat de Christine Collins pour retrouver son fils et dénoncer le laxisme de la police ; puis, aidée par les média, démontrer sa corruption.
Un film à voir car différent. Des faiblesses oui mais des surprises aussi ! Dans le traitement du film et grace à de vraies séquences de pure comédie !!
Films aux objectifs imprécis... Dommage. La comédienne est émouvante mais le scénario n'as pas vraiement de structure... On ère, on se perd, et le film perd de sa tension assez vite...
Le Prisonnier de Zenda est l'un des meilleurs films de cape et d'épée hollywoodiens, avec Scaramouche. Ah... le Technicolor, les décors somptueux, les costumes magnifiques... Les chorégraphies de combat sont exceptionnelles. En comparaison, les affrontements de Star Wars sont des querelles de bac à sable. Ça virevolte dans tous les coins. Pas une mèche de travers, pas un juron. La classe, quoi. On goûte aussi la qualité des dialogues, toujours raffinés, pleins d'esprit, même au coeur de l'action. Stewart Granger fait son boulot avec élégance. Deborah Kerr apparaît comme un bijou dans son écrin. Il faut guetter son premier sourire, tout en nuances : sourire cérémonieux de circonstance, surprise, séduction, amusement. C'est un beau petit moment de cinéma. Enfin, on retrouve James Mason, parfait en infâme personnage. Il y a des films, comme ça, qui ont du panache...