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J'ai découvert ce film grâce au site Nanarland (les gars, au cas où vous me lisiez, merci pour tout), et je ne regrette pas d'y avoir jeté un coup d'oeil tant toutes les idées de Deadly Prey, sans aucune exception, sont totalements débiles. Rien qu'imaginer qu'un énorme camp de mercenaires situé à 100 bornes de Los Angeles passe inaperçu est idiot (j'ai pris un exemple au hasard sur une bonne centaine d'idées identiques). Le systèmatisme de la mise en scène est assez incroyable aussi puisque l'on assiste à la mise à mort d'une bonne centaine de mercenaires par un seul héros, le blondinet à la coupe de cheveux bien eighties et au torse huilé Mike Danton. Or celui-ci n'a pour tout équipement que sa bite et son couteau (vous me direz, dans un nanar, c'est toujours plus utile qu'un cerveau). Je peux aussi évoquer l'utilisation systématique des trois mêmes notes de musique dans les scènes d'action, ce qui se rapproche plus ou moins la réalisation de ce film des méthodes les plus raffinées de torture psychologique. Reste que tous ces détails mient bout à bout font de Deadly Prey (ou de Ultime combat si vous préferez) un des plus gros moments de rigolade que l'on puisse avoir devant un mauvais film.
Ce pur produit du cinéma indépendant américain ne propose aucune originalité ni sur le fond ni sur la forme pour nous présenter ce jeune père cherchant à renouer des liens avec sa fille. L’émotion et l’empathie envers ce personnage défaillant se font principalement grâce au jeu anodin de Paul Dano et aux quelques minutes de complicité avec la petite Ellen. Le reste n’a pas de réel intérêt narratif et manque de rythme mais est ponctué de quelques touches pleines d'une virtuosité visuelle bienvenue. On partage de bout en bout le mal qu'a eu le réalisateur à étendre ce scénario peu inspiré sur un format de 90 minutes.
Formidablement simple et drôle, "Hobson's Choice" se situe dans l'oeuvre très riche de Sir David Lean entre "The Sound Barrier" et "Summertime". Les films ne sont jamais autant rèussis que lorsqu'ils sont à l'image de son sujet, de ses acteurs et de son dècor! A part le cuir, il ne connait pas grand chose à la vie et pourtant John Mills est une perle! Au sens propre comme au figurè! En maître bottier grippe-sou et soûlard, Charles Laughton nous fait trèpigner de rire face à l'excellente Brenda De Banzie, qui, à forces de ruses, parvient à se marier malgrè l'opposition de ce dernier! Ici, les fous rires sont garantis (que ce soit dans un bistrot ou à l'intèrieur d'une cordonnerie) avec deux acteurs (Laughton et Mills) qui savent enlever le morceau! Regardez cette comèdie anglaise mèconnue de Lean (dècouvert pour la première fois à la cinèmathèque de Lille vers 1997-98), vous passerez un joli moment et vous pourrez même y laisser au passage vos chaussures au meilleur cordonnier du Lancashire! Marcher dans le « Peadle Park » (en se remèmorant la ballade de Willie et Maggie) n'est pas exclu...
Il faut déjà se farcir une interminable et soûlante scène d'introduction, ça devient enfin intéressant quand Duris trouve un couloir du temps et se retrouve dans un Paris ensablé et bizarroïde et fait la rencontre de Belmondo… Puis malgré quelques rares bonnes idées et un doigt d'humour, ça se met à tourner en rond et à s'étirer en longueur dans une ambiance de plus en foutraque qui n'arrive pas à retenir l'attention, d'autant que l'enjeu du film est révélé très tôt, ne passionne pas et qu'on se doute bien de la façon dont cela va se conclure (avec les violons). Y-a-t-il une morale, dans ce cas elle serait fort primaire (il faut faire des enfants) ou ne s'agit-il que d'un exercice de style ? On s'en tape après tout.
film simple, court (1h20), et émouvant. Un enfant découvre la vie aux côtés de son grand-père, joué par un Pacino parfait. Film drôle par moments, intrigant à d'autres, qui se laisse regarder avec plaisir.
C'est très simple, assez plat au niveau de la réalisation et peu crédible au niveau du scénario tant les ficelles sont grosses. Et pourtant ça fonctionne et il impossible de rester de marbre devant ce drame qui ne doit sa réussite qu'à la pertinence de son casting : Brook Fuller est adorable et semble entretenir une belle complicité avec William Holder. La relation entre père et fils est donc très bien dépeinte et ne rend que plus poignant l'inéluctable final.
Traiter d'un sujet aussi sensible sans sombrer dans le tire-larmes et éviter l'interprétation exagéré des comédiens est profondément casse-gueule : pourtant, c'est ce que David Schwimmer, membre du conseil de la fondation "Rape Foundation" venant en aide aux personnes victimes de viol, as réussi. Lentement, progressivement, le film montre comment un pervers attire sur la toile une jeune fille et les conséquences sur sa vie et celles de sa famille. Penser que la petite victime (impressionnante Liana Liberato (qui avait pour anecdote, déjà jouée une victime de viol dans la saison 1 de "Sons of Anarchy")) est crédule est profondément stupide : elle veut juste croire jusqu'au bout que cet homme si parfait n'est pas quelqu'un de méchant et limite si on va se faire piéger avec elle. Rappelant l'affaire Amanda Todd (adolescente canadienne de quinze ans suicidée en octobre 2012, trois ans après avoir été piégée sur le Net par un pervers qui la forçait à se déshabiller devant une webcam), le film montre d'une façon extrêmement réaliste et précise la descente aux enfers d'une famille ordinaire, par un type lui aussi ordinaire (en atteste le dernier plan du film). Schwimmer et ses scénaristes ont montré formidablement bien que la perversité est Partout : que chaque personne que vous croisez peut être un pervers et que chaque jeune fille que vou croisez peut être une victime. Parano ? Non, juste très réaliste. L'interprétation du reste de la distribution sonne juste. Un film à voir, un drame Totalement Bouleversant.
Un film long à démarré, un rythme péniblement lent du début a la fin, l'intrigue m'a empêché de m'endormir mais tout est long à se mettre en place et certaines des différentes histoires sont peu interessantes, c'est pas mal joué mais rien d'inoubliable, le scénario n'est pas mauvais mais le film est trop long
"Hannah" est un film dont on ressort avec l'impression d'avoir raté quelque chose. Pour comprendre cette frustration, il faut se poser la question de savoir ce que cherche à fuir Charlotte Rampling durant tout ce film. Son mari est incarcéré, pourquoi? Elle est rejetée par sa famille sans que l'on ne sache non plus la raison précise. Bref, un film tout en suggestion mais qui se résume au final à un grand vide. Dommage car Charlotte Rampling donne beaucoup de sa personne pour une oeuvre qui restera à coup sur dans l'anonymat malgré son prix et ses récompenses au Mostra de Venise.
Franchement : Bravo !!! N'étant pas adepte des "Commissaire Moulin" & autres téléfilms français, je n'aurais jamais dû voir ce film, un téléfilm en plus... Autant dire que ce n'était pas pour moi. Mais dans le programme TV, les critiques étaient vraiment bonnes. Je me suis laissé convaincre, je n'ai pas été déçu !!! Comme je l'ai lu, ça vaut largement un film de cinéma. C'est bien filmé, le rythme est très soutenu, et ça passe très vite : pas le temps de s'ennuyer, l'intrigue est solide. Enfin, l'un des pilier de ce film est la distribution. Torreton est d'un charisme que je n'imaginais pourtant pas dans ce registre, Seigner dont je ne suis pas fan, est plus que crédible, et tout les seconds rôles sont efficaces. Avec tous mes à priori négatifs, je n'ai eu que des bonnes surprises : Ah oui, quelle bonne soirée de CINÉMA !!! UN GRAND BRAVO !!!
Le plus grand film de mafia de tous les temps doublé du meilleur film de Martin Scorsese. Tout y est parfait : le rythme, la narration, la virtuosité de la mise en scène (offrant de superbes plans-séquences), la précision du montage, les dialogues ciselés, la musique géniale (qui fait du film un espèce de grand juke-box) et bien évidemment l'interprétation inoubliable des acteurs, Ray Liotta trouvant là son meilleur rôle, Joe Pesci étant parfait en petit nerveux et Robert De Niro excellent en gangster inquiétant. Chef-d'œuvre absolu, un de mes films de chevet.
Requin de droite prêt à jouer dans des nanars, des épisodes du commissaire Moulin et à pistonner toute sa famille pour s'enrichir, néanmoins populaire ; beauf fan de Johnny et de Max Pécas, incapable d'articuler une phrase sur un plateau télé sans gesticuler, faire des grimaces et des onomatopés, mais passant néanmoins pour un intellectuel aux yeux de la critique et des journalistes... Stévenin ne m'est franchement pas sympathique. J'ai essayé de regarder son film, encensé par des critiques dithyrambiques... Il m'a paru vide, creux, simpliste, sur-estimé. Et pourtant j'adore les road-movies.
Un chef-d’œuvre. Une excellente histoire de "survie", filmé avec beaucoup de virtuosité et admirablement joué. Le combat d’une femme qui a choisi de vivre ses passions jusqu’au bout et qui a redéfini les relations père – fille, mari – femme, amant – maîtresse, mère – fils... Les femmes y verront un exemple à suivre, les hommes succomberont facilement au charme de l’envoûtante Maria Bonnevie . A conseiller à tous ceux qui ont décidé de prendre leur vie en main et surtout aux filles qui cherchent désespérément leur Tony Montana féminin.
Enfant, je pense que c'est une des cassettes que j'ai le plus louée dans mon vidéo-club ! Depuis plusieurs années, je cherche à revoir ce dessin animé qui a fait partie de mon enfance. Heureuse de pouvoir enfin le regarder, je ne cache pas ma déception, et oui, depuis j'ai bien grandit ! L'histoire paraît dès le départ être invraisemblable, des objets du quotidien possède une âme et s'anime en l'absence d'humain alors que d'autres non... Certes on a bien cru en l'animation de jouet par "Toy Story" alors pourquoi d'un grille-pain et d'un climatiseur... Je n'ai pas particulièrement adhérer. Beaucoup d'invraisemblance comme pourquoi choisir de traverser les bois, plutôt que de prendre la route qu'ils ont s'y patiemment scruté pendant deux milles jours ?! Autant je peux comprendre un attachement aux jouets, je suis également une malade de "il faut tout garder sa peut servir" mais je ne suis pas sûr qu'on s'attache vraiment à des objets...Les graphismes sont peu originaux et semble déjà vu et revu. Le scénario n'a rien d'original et les dialogues sont assez pauvres (une scène d'une bonne dizaine de minutes où il cri tous en cœur "Couverture !"). Il y a parfois des choses que l'on devrait laisser à son enfance.
Un film avec Cary Grant et de Stanley Donen, ça ne se refuse pas. Et quand le film dans ses premières minutes donne l'impression qu'il va être une comédie grinçante sur l'armée américaine, on se dit qu'on va se régaler. Il faut ajouter à cela une pétillante Jayne Mansfield ainsi qu'un très élégante Suzy Parker, et là on se redit qu'on va se régaler... mais en fait non... Il va s'avérer en fait que l'intrigue est très décousue, et qu'au lieu d'assumer un côté grinçant qui aurait pu devenir très réjouissant l'ensemble s'essaye à des touches de drame qui tombent totalement à plat. La mise en scène de Stanley Donen quant à elle se montre peu inspirée, pour ne pas dire paresseuse en s'engluant souvent dans le théâtre filmé. Au final, malgré un début engageant et aussi malgré quelques petites scènes romantiques touchantes entre le personnage joué par Cary Grant et celui joué par Suzy Parker, *Embrasse-la pour moi* est certainement une des œuvres les plus faibles aussi bien dans la carrière de Cary Grant que dans celle de Stanley Donen.
Quand les scénaristes n’ont plus d’idées et touchent le fond que font-ils ? Ils creusent encore, mais pas leur tête, ni les fonds de tiroir (ce serait encore trop bon), non là ils vont direct dans les poubelles crasseuses, dans les décharges ou les restrooms. Du coup ils trouvent des idées de déjections dirons-nous, et ça fait ce truc. Ben oui, faire un film sur les émoji, sérieux ? Ok on s’adresse aux gamins et ils sont de plus en plus sur l’ordi, ils connaissent donc très bien ces petits dessins, mais on sent trop le manque d’inspiration, la trame banale et bâclée, l’obligation de sortir quelque chose pour que les producteurs touchent de l’oseille, l’idée qui vient en matant son bureau (sur l’ordi hein ?), le graphisme naze justifié par le style de persos, l’humour facile et naïf (mais ça marche pas, l’excuse pourrie du public visé pour un ratage complet… Bref merci mais la seule utilité de ça c’est de montrer qu’Hollywood n’a définitivement plus d’idée à exploiter pour le cinéma, qu’importe le genre, et c’est désastreux.
je lis les critiques spectateurs à moitié étonné, notamment gadgirl, "irregardablé, snobisme", alors c'est vrai c'est un vrai film indépendant, sans concessions. Frownland c'est un titre de Captain Beefheart, et par certains aspects, il est comme sa musique, brut, unique, déglingué, parfois halluciné, dérangeant et passionnant à la fois. On peut également rapprocher ce film de l'univers de Robert Crumb pour la bande dessinée. Le réalisateur, sans volonté de moraliser nous montre ses protagonistes comme tels et, là où les autres auraient tourné leurs caméras, lui s'attarde sur des périodes de malaise, de violence sournoise, d'aliénation, d'oppression. Fort et unique !
Une nullité affligeante au début on s'ennui mais bon on attend que la trame se lance, qu'il se passe quelque chose mais rien, les acteurs en plus n'articulent pas en gros 20 minutes de perdus avant de passer à autre chose...
Les histoires d'amour gay au cinéma deviennent souvent un moyen de voyeurisme ... ici c'est le cas. Film sans grand interet d'après moi, le meilleur film homosexuel restera Brock Mountain, çà c'est une véritable histoire d'amour.
Mise en scène et scénario minimalistes. La photographie est remarquable. Le film narre l’histoire d’un voyage, d’une rencontre et met magnifiquement en images le sourire d’une petite fille. Les acteurs sont formidables. Pablo Giorgelli signe un premier long-métrage captivant de bout en bout. Un film simple mais un très beau voyage et un grand coup au cœur. Très justement multi récompensé en passant par Cannes et autres festivals et tout dernièrement à Biarritz avec l’Abrazo du meilleur film.http://cinealain.over-blog.com/article-les-acacias-93021105.html
Voilà ce que la tv peut offrir de mieux: Historique avec justesse, drôle avec finesse, talentueux avec adresse. La vision de mai 68 par les plus concernés et menacés, les hommes au pouvoir, est remarquablement documenté et surtout mené. C'est passionnant autant qu'instructif. Cette galerie de personnages pour la plupart célèbres, pour certains historiques, est superbement mené par des acteurs triés sur le volet, qui jouent (dans les deux sens du terme) chacun leurs rôles à la perfection, voire de façon bluffante, sans se marcher sur les pieds; il faudrait tous les citer, mais outre un splendide De Gaulle (Pierre Vernier, avec métier) et un Pompidou jubilatoire (Didier Bezace en forme olympique), on pourra faire ressortir du lot Catherine Arditi (digne Mm de Gaulle), Serge Riaboukine (qui ne gâche pas le cadeau du rôle haut en couleur du Général Massu), Arnaud Ducret (en Chirac très étudié) ... Mais, vraiment, il faudrait une distribution générale de prix, car même ceux qui ne sont pas délicieux sont justement sobres (Pierrot en Flohic, l'aide de camp du général, Galienne... ) Très peu de lenteurs, quelques parti pris un peu gênants (Mitterrand, Peyrefitte...) ou arrangements historico-scénaristiques (De Gaulle et même son épouse n'étaient pas si fringants en 1968... ) ne valent qu'une demi-étoile devant le plaisir de ce film tv fort réussi.
A seulement 38 ans et deux longs métrages, Michael Noer s’attaque à un sujet complexe avec une maturité impressionnante. Sous la caméra du réalisateur Danois, la vieillesse et la maladie semblent faire peau neuve. On redécouvre les bêtises et les plaisirs adolescents avec un duo d’acteurs très convaincant dans leur complicité. Mais le film va plus loin en confrontant deux éthiques : une traditionnelle (celle de la fille de Lily) et celle de Lily qui se moque des traditions, qui fait primer le bonheur au-delà des codes moraux. Noer livre aussi une vision optimiste de la maladie et abolit cet éternel cliché de la maison de retraite où les personnes âgées ne sont pas heureuses. Au final, la chambre d’en face, s’il est structuré de manière classique, propose un dénouement, une histoire et des personnages à contre courant de l’image que l’on peut se faire d’un tel milieu et d’un tel âge. Avec La chambre d’en face, Michael Noer se détache complètement des thèmes de ses deux premiers films et signe un bel ascenseur émotionnel : un peu drôle, un peu triste mais toujours touchant.
Une mise en scène clinique au service d’un scénario implacable. Naissance d'un metteur en scène. LA SUITE :
Dès les 3 premières minutes, on est dans l'action et surtout dans le suspense. Ce film m'a vraiment fait penser à un thriller à la Alfred Hitchock en version moderne, avec des rebondissements tous les quarts d'heure, et du suspense à n'en plus finir. Hitchcock lui-même expliquait la différence entre la surprise et le suspense : la surprise par exemple, c'est lorsque 2 personnes discutent et soudain une bombe explose ; le public est surpris l'espace de 2 secondes, et toute la scène jusqu'à l'explosion est dénuée d'intérêt. Le suspense au contraire, si on reprend la même scène, les personnes discutent mais le public sait qu'une bombe est cachée sous la table, et va être mis sous tension tout le long de la conversation entre les 2 protagonistes. Hé bien dans ce film c'est exactement cette 2ème option tout le temps, et c'est super. Ajoutez à ça un humour noir bienvenu, et une photographie tellement magnifique qu'à elle seule elle pourrait justifier l'envie de voir le film. Bref, un excellent thriller qui démarre sur une idée simple et astucieuse, et qui se complexifie au fur et à mesure que l'intrigue avance.
C'est dingue la quantité de navets qui existent quand même! Voilà donc une comédie romantique qui n'est jamais drôle et qui accumule 5 clichés à la seconde, le tout interprété par des acteurs au rabais.
De son titre à sa structure même, L’Idiot ! se revendique de Dostoïevski et tire de cette filiation tout à fait pertinente une force d’incarnation, une capacité à concrétiser l’horreur humaine et la folie qui en découle par la construction de personnages passionnants et interprétés avec talent. Le point de vue adopté suit les mésaventures de Dima, jeune plombier en charge d’entretenir les canalisations de logements sociaux : sa fonction lui confère de prime abord une légitimité à s’emparer ainsi de la focalisation, dans la mesure où il répare du vivant – du moins ce qui les entoure et les protège – et garantit la survie de familles dans le désarroi le plus complet. Car le combat que mène Dima dépasse sa simple fonction de plombier pour s’ériger en sauvetage de l’humanité : il est celui qui, contre vents et marées, entend préserver ce droit à la vie que la Russie n’hésite pas à dénier. Et cette tour qui menace de s’effondrer n’est autre que le système russe tout entier. Alors les coutures de ce brûlot politique s’avèrent visibles, certes, et l’ensemble manque parfois un peu de finesse, mais l’essentiel est là, dans ce coup de poing porté au visage du juste, cet idiot qui, pourtant – comme l’indique le point d’exclamation du titre – se tient debout, et se rend coupable d’une seule idiotie : celle de croire en l’homme. Un cri de révolte puissant et mémorable.
Un sujet sensible traité avec un talent et un scénario formidable. J'avais manqué ce film et il me rassure sur le fait qu'il reste donc bien encore des pépites cinématographiques restant à découvrir. Je n'ai jamais vraiment accroché avec Joseph Gordon-Levitt et ce film me réconcilie avec lui.
Austin Powers est de retour dans une seconde aventure encore plus délirante et fantaisiste. Les comédiens s'amusent comme des petits fous, les dialogues vulgaires sont au rendez-vous et le scenario remplit de références cinéphiles. Cette parodie de James Bond est de haut vole. Le plaisir est instantané.
Un film atypique dans la filmographie de Spielberg qui s'essaye à un genre qui n'est pas sa spécialité. Mais la réussite est au rendez-vous avec cette comédie teintée d'émotion où Tom Hanks livre une nouvelle fois une copie parfaite. Une histoire qui se suit toute seule et qui se revoit avec le plaisir !
Hey, je vous parlais juste avant de Poker House, je tenais à exprimer mon ressenti sur Le complexe du castor qui est pour moi un de mes films préférés. C'est une histoire très touchante accentué par des personnages forts et profonds, des personnages auxquels on s'identifie facilement. En plus de l'histoire, le casting est impressionnant: Mel Gibson qui tient un rôle très dur, livre une performance bluffante!! Et Jodie Foster a fait un super travail en tant qu'actrice mais surtout en tant que réalisatrice, avec des personnages très développés. Un film a voir absolument! :)
C’est un film de guerre mal filmé comme les pires spaghettis westerns. Il est lourd, maladroit et si peu réaliste qu’il est impossible de croire aux combats tels qu’ils sont montrés. L’histoire d’amour a un coté touchant mais si irréelle qu’elle en devient gênante. Klaus Kinski fait son numéro habituel avec, comme trop souvent, un rôle impossible à tenir sans le caricaturer. Dommage, car le scénario est intéressant, on sent la bonne volonté du réalisateur pour nous pousser à fond dans l’antimilitarisme. Il y a même une phrase de morale après le mot fin. Pour les cinéphiles, c’est un pensum mais si ‘’Deux salopards en enfer’’ peut aider quelques jeunes hommes à prendre conscience de ce qu’est la guerre, c’est une bonne chose qu’il existe. Un débat aurait sa place après la séance pour discuter du comportement des trois hommes et de leur cheminement sentimental.
Depuis le succés d'Ong Bak, il était logique que certains s'engouffrent dans la brèche mais cette fois-ci l'histoire se voulait plus ambitieuse flirtant avec le film de gangster. Mais voila si l'influence de Scorcese ou de Tarantino se fait sentir, le réalisateur ne leurs arrive pas à la cheville. Incapable de filmer ses scènes d'actions correctement, la réalisations se perd en mauvais choix oscillant entre comique forcés,violence graphique et aspect poseur sans jamais trouver le bon compromis.Si après la trame scénaristique pouvait être riche à base de rédemption et de trahison, c'est tellement mal amené en compilant tous les clichés du genre que le résultat n'est forcement pas à la hauteur. On soulignera aussi la nullité du casting ou pas un acteur ne jouent correctement.Il ne faut pas oublier non plus la touche de nationalisme chère à toute production Thai ou pour une fois le méchant n'est pas Birman mais un méchant boxeur venu d'occident dopé à mort et détestant les asiatiques.
Après s'être fait très discret durant deux ans, Tim Burton est enfin de retour et livre un biopic ambitieux basé sur une scandaleuse mais vraie imposture qui bouleversa l'histoire de l'art entre les années 50 et 60 : celle du peintre Walter Keane et de sa femme, Margaret. "Big Eyes" surprend, étant donné que Burton adopte un ton différent de ses précédentes productions. La mise en scène et les décors sont parfaitement soignés, à l'image de l'époque, et le scénario audacieux séduit en adoptant le comique et l'émotion sans excès. Mais ce qui restera le plus admirable dans ce drame, ce sont les excellentes et inoubliables prestations de Christoph Waltz et Amy Adams. Waltz campe le rôle de Walter Keane avec une énergie tellement débordante et une crédibilité tellement convaincante qu'il en est insolent, égoïste, arrogant, détestable, mais absolument idyllique. Amy Adams est tout aussi épatante, un peu niaise mais obligée de l'être car soumise. Une histoire qui fit scandale en son temps et qui, par les habiles procédés de Burton, arrive à énerver et à rendre le spectateur stupéfait. Malgré quelques petites longueurs et un début un peu long, "Big Eyes" surprend, affole, éblouit, et il ne serait pas étonnant que Tim Burton doit faire face à un nouveau triomphe, car ce biopic est une bonne réussite.