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Michael Mann nous dresse avec "Public Enemies" un Biopic passionnant sur le gangster John Dillinger doté d'une distribution prestigieuse. L'histoire est vraiment passionnante et s'avère pleine d'intensité. La confrontation entre l'agent du FBI, Melvin Purvis et l'ennemi public n°1, John Dillinger est magnifiquement mis en scène et parfaitement bien réalisé. Ce duo chat-souris qui échange leurs rôles par moments Certaines scènes sont absolument sublimes. Par exemple, la scène de pourchasse entre M. Purvis et Pretty Boy Floyd est super bien rythmé et je prend toujours un bien fou à la revoir. Michael Mann place toujours sa caméra au bon endroit pour rendre les scènes plus efficaces et plus rythmées lors des séquences de tension. Les comédiens qui interprètent les protagonistes de cette aventure sont tous très convaincant et charismatiques. Même si Johnny Depp se démarque vraiment du casting. Les personnages sont tous attachants et bien écrits. De toute façon, le scénario en général est très bien écrit. Les scènes d'actions, de course poursuites, de braquages sont hallucinantes grâce à la mise en scène du réalisateur. Un rythme effréné est continuellement présent lors de celles-ci. Les décors sont parfaits, de même pour les costumes. Bref, l'époque est très bien retranscrite. Bien que le film soit violent, il n'en reste pas moins drôle. En effet, certaines blagues ont réussi à me décrocher des petits sourires. Le tout bercé par la très bonne bande sonore orchestrée par Elliot Goldenthal. La musique s'acclimate parfaitement avec l'ambiance de ce long-métrage. Surtout grâce au magnifique thème d'Otis Taylor : "Ten Million Slaves" qui est génial lors des poursuites et des scènes de braquage. Bref, un excellent film de gangsters des années 30.
Mon opinions sur ce film en sept lettres : P-O-U-R-R-I-T
Un film débile de A à Z. Il n'y a pas matière à réfléchir ni esthétisme. On attend un sens qui ne vient pas. On été complètement dupé par les étoiles attribuées par les critiques, la palme et la bande annonce qui n'est absolument pas représentative de ce film qui est glauque et violent jusqu'au bout.
Un film verbeux sans grand intérêt, à part la belle photo présente. C'est trop psychologique pour moi, à la limite du film intellectuel qui n'est fait que pour les connaisseurs, comme une grande oeuvre d'art. Si vous n'en faites pas parti, passez votre chemin et laissez les autres parler du film pour vous. Moi je préfère les films plus sympas, moins flippants et intello
Ca va quand on a 11 ans mais après... le scénario est vraiment léger mais je mets deux points quand même pour les scènes de danse.
Cottage Country ne pouvait pas passer à côté de la comparaison avec Tucker et Dale fightent le mal. Le film mets du temps à se lancer et même une fois lancer, on ne décolle pas vraiment. Le film se prend beaucoup trop au sérieux et manque donc d’un peu de folie permettant plus de situations comiques. Le film se regarde mais sans plus...
Après avoir ètè scènariste et adaptateur, Samuel Fuller fut le rèalisateur que l'on connait avec de nombreux films de style expressionniste, voire même baroque, films souvent marquès par une idèologie plus ou moins fascisantes, exaltation de la violence ou du racisme comme c'est le cas avec "The Crimson Kimono" qu'on pourrait qualifier de rèussi et d'audacieux! Film noir qui traite des tensions interraciales avec un degrè inhabituel de sensibilitè, "The Crimson Kimono" commence par une sèquence d'ouverture nocturne percutante où Fuller nous invite dans les « street » de L.A, au coeur du « Little Tokyo » . Du numèro sur scène à la mort de la « Sugar Torch » , il n'y a qu'un pas et on devine de suite la fulgurante beautè dans sa mise en scène! L'histoire est donc installèe pour ne plus lâcher le spectateur avec pas mal de retournements de situations et de rebondissements! De plus, c'est un film passionnant, par les univers explorès tels les boîtes de strip ou l'Evergreen Cemetery (cimetière americano / japonais). Quoi d'autre, les acteurs sont convaincants (les aficionados de « Die Hard » reconnaîtront James Shigeta) et Fuller mise sur l'atmosphère sans rechercher le lyrisme ou le mèlodrame! C’est donc une enquête policière qui, au final, s'est rèvèlèe payante et enrichissante! Many Thanks Sam...
Si chez New Lines on a parfois le nez creux tout en sachant prendre des risques ( le SdA qui fût un triomphe)il arrive aussi qu'on se plante misérablement et ce fût le cas pour "Perdus dans l'espace", un bide parfaitement mérité tant le projet est nul et sent le marketing à la ramasse. Imaginons une ancienne série qui a eut son heure de gloire rajoutons à cela un casting et des personnages opportuniste pour attirer le plus de monde possible allant de Matt leBlanc pour attirer le public féminin et les fans de Friend à Heather grahams pour le public masculin en passant par Gary Oldman et William Hurt pour la catègorie acteurs de renoms pour cinéphiles et terminons sur l'habituel gamin tête à claque suivi de sa soeur sensé plaire aux petits garçons et petites filles afin qu'ils puissent s'identifier mais New Line a même poussé le vice en rajoutant une sorte de petit singe débile pour vendre des peluches. Sans doute trop occuper par ses obligations marketing ils ont oubliés d'embaucher un scénariste ce que Akiva Goldsman ne sera jamais tandis que Stephens Hopkins signait là son plus mauvais film à égalité avec Les Châtiments. Le film entier est composé de scènes archi-pompé à droite et à gauche tournant souvent au n'importe quoi il faut vraiment voir les scènes avec le robot. Alors hormis les fx il n'y a rien à sauver.
Magnifique, un film d'une gr&ce et d'un enchantement rare. L'histoire d'un jeune garçon qui aspire à être aimé pour ce qu'il est et non pour ce qu'il fait.
Les retrouvailles de Julia & Richard sont vraiment mauvaise. Après Pretty woaman je m'attendais à un bon film, et bien non, ce film est vraiment nul, qui traine en longueur, c'est aussi le plus mauvais film de Julia Roberts, quand au sénario, en tombe dans une banalité, et l'idiotie
Film très très moyen voire mauvais car les incohérences sont consternantes d'idiotie. L'un des moins bon de la série. Dommage car l'idée d'offrir un séjour à ce cher Jason à New-York était originale. Mais bon ca reste un Jason !
Vraiment étrange ! Quel mélange de genres ! On passe du coq à l'âne sans arrêt... De quelques bons moments graves et émouvants on arrive soudain à une farce lourde et malvenue... Comme si tous les publics possibles étaient recherchés... Et pourtant, tout était réuni autour d'une bonne idée qui aurait mérité un peu de sobriété et... pourquoi pas un autre type d'humour ! Ici, les clichés et les rôles caricaturaux abondent sans qu'on s'y attende: Juifs, Russes, Tziganes sont dépeints avec une lourdeur déconcertante ! On commence à être habitué à ce genre de film où des personnages improbables et différents s'unissent pour une cause commune. C'est dans l'ère du temps et apparemment ça plaît beaucoup, mais ne tirons pas trop sur cette ficelle !
Cet admirable film de Nanni Moretti navigue entre l'émotion la plus souvent difficilement contenue et intelligence de l'art. Mia madre est le parfait résultat d'une habile combinaison qui entraîne le cinéphile tantôt vers les rires tantôt vers les larmes. Ce qui frappe dans ce film, c'est la très grande fluidité de la mise en scène qui permet à différents éléments du récits de s'entrecroiser avec une douce efficacité. La grâce de la mise en scène permet aux spectateurs d'éprouver conjointement tous les sentiments à l'égard de cette belle histoire. Les plans sont magnifiques (voir la scène de la file d'attente au cinéma, culte). Hilarant, Mia madre l'est souvent lors des scènes avec John Turturro, parfois à la limite (non atteinte de peu) du cabotinage. Qu'il ne sache pas son texte ou qu'il mente effrontément (les scènes du début sont époustouflantes), l'acteur américain effectue une de ses plus grandes performances gestuelle et orale.. Tous les éloges sont à donner à la magnifique Margherita Buy, sans fard, en femme tour à tour dépassée, intransigeante, égoïste ou hyper active jusqu'à l'épuisement, souvent en vain. L'adolescente qui joue sa fille (un sourire captivant) et la mère (très juste et émouvante) sont remarquables. Le scénario est très personnel et d'une grande subtilité. La mise en abyme, le jeu sur les différentes strates de temps, l'affrontement du réel et du rêve lui donnent toute sa force. Mia Madre questionne aussi sur le cinéma (l'acteur américain voulant revenir à la réalité, les difficultés de tournage - la scène en voiture montrant bien la fatigue physique du filmage-, la problématique du "jeu"). Moretti glisse aussi, un de ses thèmes favoris, une drôle et belle scène de comédie musicale. La fin est à pleurer. Nanni Moretti choisissant dans ces instants cruciaux avec une grande acuité, le hors champ. Une merveille.(peut être le meilleur film du cinéaste) qui aurait dû rafler bien des prix au festival de Cannes.
Remake de Rio Bravo, El Dorado se montre hélas décevant par rapport à son prédécesseur. Le duo formé par Robert Mitchum et John Wayne est peut-être intéressant, mais le film avance trop lentement et comporte trop de scènes de bavardages. On s'ennuie ferme.
Certains films touchent plus que d'autres, c'est la magie du cinéma. Vincent, François, Paul et les autres, c'est pour moi le chef d'oeuvre de Sautet. Un jeu d'acteurs incroyablement juste, un casting de rêve, une comédie dramatique sur fond de chronique sociale, une bonne analyse de la société. Chaque personnage est attachant, touchant, vrai. Je suis un grand admirateur de Sautet et, je vous l'avoue, si je tombe sur ce film à la télé, même si c'est 5 fois en une semaine (par les multidiffusions), je ne peux zapper ! Et pourtant, je l'ai en dvd et je le fais voir à tout ceux qui ne connaissent pas Sautet. A voir absolument.
Genialissime
Une fois encore, Don Siegel joue sur la trame du héros solitaire seul contre tous, et ça lui va plutôt bien. Et cette fois-ci, il revient à l'excellent Richard Widmark d'enfiler le beau rôle. Toutefois, l'intrigue plutôt mollassonne ne parvient pas véritablement au film de décoller. Reste le dernier quart d'heure qui rappelle aux spectateurs combien Don Siegel demeurait l'un des maîtres du genre dans les années 60 et 70.
même constat que pour le premier volet, on s'ennuie et c'est lourd !!!
C'est plutôt médiocre dans l'ensemble. Les personnages sont caricaturaux, un bon nombre de passages font penser à ce qui se passe dans Le Jour d'après, et la météorite n'est qu'un prétexte à faire un film catastrophe, car personne ici ne fait mine de montrer un véritable intérêt scientifique à ce qui se passe. Les effets spéciaux ne sont pas mauvais, il y a un peu de suspens, voilà voilà.
Jenifer est sans doute Le Jennifer's body que j'aurai aimé voir. Vrai film d'horreur, basé sur la mécanique de répétition, Jenifer joue avec malice sur l'attachement pour le freak qu'on éprouve de nos jours (et que tous les amateurs d'horreur doivent ressentir). C'est donc avec une certaine logique qu'on suit l'attachement de Steven Weber à cet être incomplet (au corps de rêve et au visage défiguré), à l'image de son prénom (il manque le "n" habituel). Un film qui ne cherche pas à s'esthétiser, mais qui se contente d'une horreur poisseuse tout à fait adaptée au sujet. Un très bon début en ce qui me concerne pour les master of horror, et il va falloir que je m'attèle aux 12 autres.
Du Cronenberg dans le texte. Un film glauque et violent porté par des acteurs de talent. Viggo Mortensen en tête.
Ce film m'a confirmé que les animaux n'ont rien à faire enfermé pour le plaisir des hommes. J'ai souffert de voir Nénette autant souffrir. C'est en cela que je trouve le film réussi car il arrive très bien à nous communiquer le désarroi de ce singe qui devrait pouvoir gambader dans les arbres libre de ses gestes mais qui doit rester en prison pour le bonheur des petits et des grands. L'être humain n'a vraiment pas de coeur.
Comment peut on encore tourner des films comme celui là?! D'un ennui incroyable! C'est vide! Une vraie calamité! Fuyez ce navet et gardez votre argent!
Il n’y a malheureusement pas grand-chose de positif à retirer de cette comédie romantique dont le scénario, la mise en scène et les dialogues semblent avoir été conçus et dirigés par un logiciel absent de tout humanisme, d’inventivité et de naturel. Je dis malheureusement car le sujet du film est original, pertinent et aurait certainement gagné en intérêt avec un traitement plus rigoureux, davantage subversif et moins superficiel. Au lieu de cela, on doit se satisfaire d’une bouffonnerie insignifiante aux nombreuses scènes inabouties, où les gags tombent à plat et dont les seconds rôles reposent essentiellement sur un mode caricatural déplaisant et lassant – Berling et Japy, grâce à leur métier, sauvent un peu les meubles mais les autres acteurs, quelle plaie ! Dommage pour le couple dynamique formé par Efira et Niney qui méritait mieux.
Encore une adaptation de Jane AUSTEN, elles se multiplient et leur qualité varie du tout au tout. Dire que celle-ci est franchement ratée serait excessif car la réalisation est soignée, les dialogues de bon ton, les costumes et les décors irréprochables. Mais tout cela ne compte guère à côté du choix malencontreux de Sally HAWKINS pour le rôle de Anne ELLIOT, personnage central du roman - et du film. Difficile en effet de voir en elle la jeune fille romantique restée inconsolable d’avoir dû renoncer à épouser le beau capitaine que sa famille jugeait socialement inacceptable. Elle a beau s’appliquer à la réserve et au mutisme, cela ne convainc guère. Sa vraie nature est bien davantage celle de Poppy, la fofolle du Be happy de Mike LEIGH, presque contemporain. Dès lors, le pari d’une restitution fidèle à l’esprit de Jane AUSTEN est définitivement perdu, et le film perd tout intérêt.
Excellent film du génial Richard Fleischer. Une histoire vraie à couper le souffle et au déroulement hallucinant. Une ambiance à la fois glaciale et angoissante et des interprètes totalement habités par leur personnage (Richard Attenborough en tête). Film malheureusement peu connu mais , une fois qu'on l'a vu, impossible à oublier.
Un très grand film historique à voir et revoir. Superbe photographie en 70MM super technirama. Des acteurs inspirés, tous excellents. Bref un très grand moment de vrai cinéma. Superbe partition musicale de Miklos Rozsa.
Je comprend pourquoi c'est marquer comédie, c'est parce qu'ils ont bien rigolé quand ils ont fait le scenario, en mettant tous ces clichés. Il n'en manque pas un. A en devenir pathetique. En plus penelope cruz joue mal son role. En fait faut mieux pas le regarder a moins d'avoir envie de s'enmerder.
superbe, touchant, frais, et pourtant simple, un film très réussi
Biopic aussi brillamment dirigé que mis en scène (éclairage, photographie, reconstitution d'époque... tout est parfait), Auto Focus cerne son message sur la sexualité envahissante avec une justesse rare, qu'il appose parfaitement sur la vie de Bob Crane, animateur radio apprécié qui se lança dans la populaire série Papa Schultz. Campé par des acteurs magnifiques, c'est un chef d'oeuvre inattendu qui avec le Shame de Steve McQueen se révèle être l'un des meilleurs films traitant de ce tabou. On n'en attendait pas moins de Paul Schrader !
parce qu'un film dont on garde une trace en nous est déjà un bon. parce que si au bout d'une heure après le visionnage on y pense encore, il devient très bon. parce que si le soir, au moment de s'endormir, nos pensées sont interpelées, et la réflexion se crée, c'est forcément un film excellent.
Film méconnu de Marc Allégret avec pourtant un casting de choix. Fernandel en loyal ami mais dans un rôle moins "ingrat" et moins "niais" que ses rôles habituels. Simone Simon toujours aussi glamour dans un rôle de pauvre fille qui ne sait pas vraiment ce qu'elle veut. Pierre Brasseur en petit caïd. Mais le film repose sur un scénario précis où l'intrigue se déroule sans baisse de régime et sans oublier un habile triangle d'intérêt amoureux. Sans être transcendant notamment dans la mise en scène ça reste un très bon film. Il mérite d'être connu.
Très beau film! Tout en gardant un ton comique et des scènes drôles, ce film aborde des problèmes humains et sociaux de façon franche et sans tabou. Il dépeint très bien la bêtise du racisme et des racistes, mais aussi il traite cela en profondeur en ne s'arrêtant pas forcement au racisme primaire d'abrutis mais en évoquant aussi plus généralement les différentes richesses culturelles ou religieuses synonymes parfois de rejet. D'ailleurs cette franchise est peut être la raison de tant de critiques moyennes alors que ce film est à ne pas manquer. On a droit aussi à une quête identitaire puis spirituelle (ou vis et versa) d'un être perdu qui n'est pas mal. Sur le plan purement cinématographique, très bonne interprétation de Kad Merad et Roland Giraud, belle mise en scène, très beaux décors et paysages, bon scénario. Le seul hic que j'ai trouvé est que contrairement à ce qui est mise en scène, en islam les invocations et les actes de dévotion sont voués uniquement à Dieu et non pas à un prophète ou pour un être humain.
sur un sujet délicat pour ne pas tomber dans les stéréotypes et différents clichés Lucien Jean-Baptiste pour son troisième film nous offre une comédie drôle et pleine de charme. tous les acteurs sont très bons et on rit volontiers avec la belle maman extraordinaire de naturel et Vincent Elbaz en baba cool. Zabou Breitman elle nous hérisse le poil. en résumé une bonne idée de sortie pour votre week-end froid d'hiver.
Ce film trimbale une réputation partiellement imméritée du plus mauvais film de tous les temps. Certes c'est mauvais, mais au moins c'est sans prétention et je préfère 100 fois regarder ça que certains blockbusters de S.F. des années 2010. Sinon c'est vrai que c'est du n'importe quoi, avec des décors minables (beaucoup de rideaux !) mais au second degré on passe un bon moment, (on a quand même droit àun enterrement en pleine nuit, une nana surprise par un inconnu chez elle et qui ne trouve rien de mieux que de se réfugier dans un cimetière où il y a déjà eu une mort mystérieuse) et puis il y a la belle Vampira (Maila Nurmi) qui vaut quand même le coup d'œil. La dernière scène,celle de la rencontre entre les terriens et les envahisseursest en revanche si mauvaise que là, même le second degré ne fonctionne plus. Cela dit ce film est très bien dans ma collection et je n'ai nulle envie de m'en séparer.
La Nuit Américaine, de François Truffaut est pour moi le plus beau film qu'on ai jamais pu faire sur l'évocation des tournages de cinéma. C'est un film de passioné, fait pour des passionés et pour faire comprendre au public le déroulement du tournage d'un film et le monde des gens du cinéma dans son ensemble. Ce film n'a pas besoin de making of sur son dvd, il est un making of en lui même ! François Truffaut nous raconte du début à la fin le déroulement du tournage d'un film dans ses moindres détails, une tbelle leçon de cinéma!, un puit de renseignements pour les passionnés! Ce film est un hommage au cinéma, le plus beau qu'on puisse lui faire : montrer au public comment on tourne un film... C'est presque un documentaire, tout en étant une fiction. Seul François Truffaut pouvait nous offrir cela. L'ambiance du plateau de cinéma est reconstituée et on tient compte des contraintes de la réalité et de la vie privée qui entoure l'équipe du film. Bernard Menez y trouve un de ses rôles les plus intéressants : accessoiriste de plateau, et Jean François Stévevin, est à la fois assistant réalisateur du film " Je vous Présente Paméla" (l'histoire qui se tourne dans le film) et véritable 2e assistant réalisateur de François Truffaut pour le film " La Nuit Américaine" Il va sans dire qu'il excelle dans les deux exercices, mais cette particularité est suffisament rare pour être signalée... Ce n'est pas non plus un hasard si François Truffaut joue dans le film le rôle du réalisateur. A travers Ferrand, c'est Truffaut lui même qui nous montre comment il fait son film Beauté de Jacqueline Bisset, caprices de Valentina Cortèse, débuts à l'écran de Nathalie Baye, ou humilité de David Markham, La Nuit Américaine, expression,qui, au passage, signifie tourner de jour, grâce à des effets, une scène sensée se dérouler de nuit, obtint l'Oscar du meilleur film étranger en 1973. Toute personne se prétendant cinéphile se doit de voir une fois dans sa vie ce film incontourn
Faire aborder la problématique de la séparation par deux enfants était une bonne idée. Mais le scénario est pauvre, les dialogues sont insipides, le film sonne faux malgré le désir du réalisateur de le traiter comme un film-vérité, bref le tout génère un ennui profond et ... aucune émotion.
Une mise en scène sans grand intérêt, un scénario bancal, rempli de clichés et de facilités. Le mélange de science fiction et de western ? Un simple moyen de retourner la situation du colonialisme de l’époque...le niveau 0 de la pertinence argumentative. Enfin, y’a t’il besoin de le faire ? La seule chose empêchant ce film de tomber dans le nanar est le jeu des acteurs...trop bons pour être ici Dommage, ça lui aurait au moins donné un intérêt
Ennuyeux a mort , j'ai faiili quitter la salle, vraiment nul................
Mon dieu que c'est creux, un scénario et des personnages bidons, sans compter une mutitude de petites scènes ou rien ne se passe et des dialogues minimalistes avec de longs silences sensés en dire beaucoup.
"Switch" cache bien son jeu... Rien ne laissait prévoir un film aussi réussi ! L'intrigue progresse à un bon rythme et se met bien en place, l'actrice principale s'en sort très bien et l'histoire est au final bien moins anodine et superficielle que dans bon nombre de films d'action ! Les seconds rôles ne déméritent pas non plus. Donc sans être complètement sans défauts, on est très agréablement surpris et tenu en haleine par cette réalisation de qualité... Une bonne réflexion !
Remake d'un film d'horreur sorti dans les années 70, qui avait alors fait parler de lui pour son sujet trash, ce film a décidé de refaire parler de lui avec une vision plus moderne. Cette nouvelle mouture n'en demeure pas moins aussi malsaine. Car l'objectif premier de cette réalisation est de choquer le spectateur par son histoire des plus inconfortables pour le spectateur : une femme violée et humiliée décide de se venger de ses agresseurs, en les torturant à son tour de la pire des façons. Agrémentez cela d'un soupçon de violence pour accompagner ce long métrage et vous obtenez là un film d'horreur impertinent à la limite du gore. Oui, mais voilà, à force de trop en faire, le film se rapproche parfois de ces "torture porn", sortis lors de la dernière décennie, à l'image des sagas désormais connus que sont Saw et Hostel. Du coup, l'effet de surprise est nul, la peur aussi, seul le dégoût est omniprésent. Alors oui, c'est vrai que le film veut écœurer, mais il s'écarte maladroitement et s'enfonce trop rapidement dans la facilité. C'est d'autant plus dommage que la première heure du film est bien structurée, mais malheureusement entérinée par une dernière demi-heure trop classique, qui sombre dans la violence gratuite. Du même coup, le film tombe dans une totale banalité en exploitant les ficelles propres au film du genre. Néanmoins, on ne peut pas dire que le film soit mauvais dans l'ensemble. La mise en scène est pourtant efficace et les acteurs donnent une prestation honorable, loin d’être ridicule. Mais voilà, en tirant trop sur la corde, entre le personnage qui sursaute à chaque bruit ou encore une violence qui va trop loin à certains moments, ce remake arrive certes à choquer mais pas à surprendre. Un film qui se démonte en voulant remplir son quota de violence au lieu d'approfondir davantage le côté psychologique du propos.
Tiré d'une pièce de théatre, ce film en retrouve les qualités et les défauts. C'est brillamment écrit et de plus interprété par un génial Richard Dreyfuss, facétieux patient auquel on goute les saillies verbales mais hélas le film, en plus de ne pas faire ressentir la douleur physique, finit par prendre le tour d'un grand débat autour du choix de fin de vie. Et le discours de prendre le pas sur le ressenti, d'ou un film mi-figue mi-raisin.