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Comme pour beaucoup, l'attraction de film va être la première apparition sur un grand écran de George Clooney qui, rien que pour ça, mérite le détour. Pour le reste, ce "retour des tomates tueuses" est un film loufdingue à l'humour léger mais pas lourd, qui saura faire sourire pour peu qu'on soit ouvert au deuxième degré.
Un président de la République, fraîchement élu, voit sa cote de popularité dégringoler. Il convoque une réunion de crise pour préparer le discours qui redorera son blason. Ainsi pitché, « Gaz de France » avait de quoi faire saliver. J’imaginais un « House of Cards » à la française, « Un temps de président » (l’excellent docu de Yves Jeuland sur les coulisses de l’Élysée) fictionnalisé. Je me trompais lourdement. Car « Gaz de France » n’est pas réaliste. Et n’a aucune ambition de l’être. Le premier film de Benoît Forgeard est une pochade surréaliste qui louche du côté de Groland et de Buñuel. Cette analyse fait beaucoup d’honneur à un film raté qui au bout de trente minutes a déjà épuisé son sujet : critique de la politique-spectacle, des entourages présidentiels, de la dictature de l’apparence, du storytelling. Rien ne vient sauver de l’ennui visqueux dans lequel le film s’installe. Pas même la brochette de seconds rôles qui composent le panel censé rebooster la communication présidentielle. Le film est sorti dans une seule salle à Paris. Je m’en suis étonné après avoir lu les longues critiques que lui ont consacrées avant-hier Le Monde et Télérama. Mais j’en ai compris la raison hier.
Un joli film bien attachant, dans la même veine que le "Respiro" d'Emanuele Crialese sorti il y a quelques années. Quelques maladresses, des excès par moments, mais dans l'ensemble Kim Rossi Stuart trouve le ton juste, à mi-chemin entre mélo familial et chronique d'enfance. Il est immensément servi en cela par Alessandro Morace, formidable jeune comédien qui porte (et comment!) tout le film sur ses épaules. Décidément, depuis quelques temps, avec "Little Miss Sunshine", "12 and Holding" et "Libero", les très jeunes acteurs nous en mettent plein la vue! Le film est beaucoup plus cinglant et accusateur que ce que la presse en a dit, et ce n'est pas la moindre de ses qualités. En particulier le portrait de la mère, peinte comme un utérus à pattes incapable de couper le cordon, immature, égoïste et passablement lâche. Le père n'est pas épargné non plus  le syndrome "mon fils fera ce que je n'ai pas réussi à faire", dont la fin montre qu'on ne s'en débarrasse pas si facilement. Le réquisitoire est donc sévère contre les parents étouffeurs qui voient leurs enfants comme un simple prolongement d'eux-mêmes. Le charme de Tommaso n'en opère qu'avec plus de force, et ce sont bien ces yeux d'enfant où passent tour à tour détresse, résignation, révolte et tendresse que l'on retiendra de "Libero".
L'idée de départ est plutôt bonne : la rencontre d'un garçon et d'une fille que tout semble séparer. Elle petite bourgeoise rêvant d'une carrière militaire. Lui, ouvrier charpentier de l'entreprise familiale, la suivant -- par défi et/ou par amour ? -- dans un stage de préparation militaire. Le film s'enlise rapidement dans ce qui globalement peut se qualifier de demi-ratage. Après un bon début situant les personnages et la rencontre des deux héros, leurs différences et leur "apprivoisement" mutuel, on arrive au "stage" proprement dit où le scénario part carrément en sucette. Suite à une nouvelle prise de bec entre eux, ils désertent leur groupe. S'en suit un long et bien improbable épisode d'errance des deux héros à travers la forêt, avec l'inévitable scène de baise sous les frondaisons. On frise carrément le ridicule quand la fille, rendue malade (par ce qu'elle a mangé -- un animal qu'ils ont piégé puis cuit au feu de bois, et que le garçon a refusé de consommer), doit être ramenée à dos d'homme vers la "civilisation", alors que se propage un gigantesque incendie de forêt. Il y a beaucoup d'incohérence dans tout cela, y compris dans certains détails (vestimentaires entre autres). Dommage, cela aurait pu faire un bon film, mais pour cela il faut un peu plus de rigueur et de cohérence. Les acteurs sont néanmoins bons et souvent très expressifs, mais cela ne suffit pas à sauver l'ensemble.
Idée originale, mais mal exploitée. Scénario digne d'une comédie romantique banale. La fraternité des travailleurs dans ce milieu est sympathique mais tellement peu crédible quand on en connait la réalité. Reste les beaux plans, les belles images magnifiques qui sauvent le film.
Sitôt vu, sitôt oublié. Broken English de Zoé Cassavetes est une oeuvrette inoffensive qui tente, sans succès, de concilier comédie romantique et film indépendant. L'histoire, désarmante de simplicité, est celle d'une trentenaire charmante (magnifique Parker Posey) mais esseulée dont les relations sentimentales ne durent jamais. C'est tout ? Oui, à peu près, et on se passerait volontiers des tombereaux de clichés qui vont avec : la grande copine dont le couple bat de l'aile, les amants d'un soir donc sans lendemain, et, last but (very) least, le séducteur français qui l'entraîne à Paris. Le film n'est pas dénué de charme mais d'intensité il n'y a point. Forget it !
Critique de "Old Boy". Un presque sans faute pour ce film dérangeant et magistral. Le personnage principal nous emballe dans quête dès le départ. Une situation accrocheuse et un scénario qui nous offre des rebondissements à gogo. Les différentes scènes sont très bien travaillées et ne manquent pas d'idée. La mise en scène est aussi bien réalisée , la musique colle bien à l'ambiance. 4/5
Sorti pile deux ans après le premier volet, Sammy 2 est bien moins bien : est-ce à cause de la perte de l’effet de surprise ? Je ne sais pas trop mais je pencherai plutôt pour un manque de rythme et un scénario, très limité, davantage destiné aux enfants qu’à leurs parents accompagnateurs, écrit sur un ticket de métro et pompé sur « Prison Break » mais en moins subtil. Il y a quand même quelques bonnes idées mais diluées dans un ensemble bien trop long pour l’histoire contée. Côté visuel, on a un certain déséquilibre avec des décors incroyables de détails et de beauté mais, par contre, des personnages, eux, qui auraient gagné à être plus travaillés et une animation très « cheap ». Finissons cette critique par une petite histoire rigolote qui permettra à nos amis belges, concepteurs de ce dessin animé, de rire de nous, pauvres français : le titre du premier volet était dans sa version originale flamande « Sammy's avonturen : De geheime doorgang » traduit en français par « Le Voyage extraordinaire de Samy », ainsi la tortue avait perdu un « m » dans son prénom par le biais de la traduction. Or, dans sa suite ici critiquée, la tortue a désormais deux « m » dans son titre original flamand comme dans son titre français permettant aux français qui s’occupent de la distribution du film de montrer toute leur incohérence et l’absence de suite dans les idées. Donc, on prend les paris pour le 3ème volet … « Sammmy 3 » ?
Non, vous ne rêvez pas ! Il s'agit plutôt d'un cauchemar. Comment le réalisateur a t'il pu aller jusqu'à reprendre des acteurs retraités pour faire revivre la France des Années 40 ? Attention, vous ne pourrez pas appréciez pleinement ce film si vous n'avez pas vécu vous-même la Seconde Guerre Mondiale ! Je ne pensais pas qu'il soit possible d'aligner autant de clichés et d'images d'Épinal dans un seul film. Dès les 6 premières minutes du film, j'ai senti que j'allais passer un mauvais moment : ils se mettent à chanter !!! Et comme dans les Disney, plus les chansons arrivent vite et plus le film sera mauvais. Ainsi, lorsque le réalisateur est à court d'idées, les acteurs poussent la chansonnette... Ne vous attendez pas non plus à une enquête intéressante, on comprends à la vue du film pourquoi ils ne voulait pas d'adaptation "fantaisiste" (pour éviter d'utiliser les insultes qui me viennent à l'esprit) et dénué du charme si particulier qui baigne l'univers d'Agatha Christie. La réalisation est honteuse, non seulement c'est mal filmé, l'intrigue est incohérente et le montage plus que brouillon, mais en plus on s'endort ! On se croirait dans un mauvais téléfilm... Même le casting est déplorable : André Dussolier n'arrive pas à éviter le carnage, Catherine Frot se prends au sérieux et joue comme une m*****. Néanmoins, vous pourrez obtenir quelques fous-rires devant tant de ratage pour un seul film, ma scène préférée : lorsque l'octogénaire prends une dague pour tuer Frot, et arrive à l'assommer, alors que celle-ci a trente ans de moins qu'elle ! Préférez voir Hercule Poirot ou les aventures de Rouletabille.
Invraisemblances, scénario piteux, acteurs sans âmes, effets spéciaux très discutables.... Comment peut-on produire ce genre d'ineptie cinématographique ? Il n'y a absolument rien à sauver si ce n'est le synopsis qui aurait pu donner un film d"aventures distrayant. Malheureusement, mon meilleur conseil est de fuir ce film et pour ceux qui ont eu le malheur de le visionner, c'est de l'oublier au plus vite.
Un film particulièrement pénible et qui m'effare quand je lis le prix qu'a engendré le tournage. Typiquement le genre de film qui a donné une image de "masturbation intellectuelle" des films français.
Le grand Coppola montre une nouvelle fois son génie en produisant cette comédie ultra hilarante qui est digne des plus grands chefs-d'oeuvres de l'humour. René Russo trouve dans ce film son plus grand rôle,il est franchement génial.Les situation du film sont trés burlesques,donc trés drôles.Du trés grand cinéma.
Pour son premier dessin animé en Cinémascope, Walt Disney raconte l'histoire d'amour d'une "Lady" cocker et d'un chien vagabond surnommé Le clochard. Les images et les couleurs sont magnifiques, et ce doit être l'un des Disney les plus "romantiques". La scène de l'affiche, où les deux chiens mangent un plat de spaghetti, est ma préférée. Le film reste lent malgré sa courte durée, ceci dit certains passages sont drôles. "La belle et le clochard", le charme de la gente canine et d'un couple de chats siamois..
Un navet.
Un bon gros navet: des acteurs mauvais, un scénario plat, une mise en scène bidon ... Une des meilleures bouses de cette belle année 2009.
Un excellent film, plein de bon sentiments, sans clichés, qui rappelle un peu les premiers films de Spike Lee...
Mani ratnam est sa vision importante du monde. Là où vous regardez un film qui calibre aux dernières dix minutes de grandes embardées émues, il y a aussi de grandes images qui parlent de l'inde avec un réalisme propre à cet âge classique du cinéma. Kollywood et Bollywood, ennemis linguistique parlent d'une langue exquise des rapports humains. L'insolente insicivité des femmes, le courage anéanti des hommes (leurs larmes), la beauté qui tient lieu de maitre étalon chez le cinéaste trouve si peu d'équivalent dans le monde, qu'on en appelle à pouvoir regarder ses films au cinéma. Le scénario tient sur une ligne et son développement est d'une linéarité effrayante. Le drame arrive à renforts d'un plan fixe virtuose, et les émotions sont calculées. Ce qui surprend, c'est la noirceur de l'ensemble, et la dramatisation indienne. Cette façon d'approfondir le récit en multipliant les études de caractères puis les relations, souvent sur fond de tradition et de liens familiaux, la manière d'enchaîner les coups de théâtre mais chez ratnam la teneur tragique a des accents intimes et réalistes que beaucoup de films indiens n'ont plu. Le film n'a pas la rectitude d'opéras mentales (K3G, Devdas, Chole Chaha, Taal...), mais une sécheresse formelle propice à l'éclosion d'émotions très nettes, sa beauté intrinsèque revient autant à la science des cadres qu'à la modernité retenu de la musique.
Chance d'avoir vu ce film dans le cadre du label UGC largement avant sa sortie prévue en 2015. C'est magnifique, un mélange de tonalités (la tête en friche, quelques heures de printemps, et bien d'autres...) Emu par le jeu formidable de deux jeunes acteurs Mathieu Spinosi (Romain) et Flore Bonaventura (Louise), mais aussi d'Annie Cordy, Chantal Lauby, Audrey Lamy, Michel Blanc ou Jean-Paul Rouve. Le scénario est excellent, et le résultat est étonnant compte tenu des chevauchements de scènes tristes et d'autres cocasses et drôles, et donne une leçon de vie, victoire de l'optimisme et de la vie vue du bon côté plutôt que l'inverse.... Un des plus beaux films vus ces dernières semaines !!**
Gilles Bourdos adapte le roman éponyme de Guillaume Musso et donne vie à un thriller fantastique lourd et plombé par un scénario niais et complexe dans la continuité du film. Ajoutez à cela, une mise en scène qui frise l’encéphalogramme plat au niveau de la seconde partie, entre les plans contemplatifs et la mise en scène trop soporifique, celle-ci nous parait interminable et finit par devenir lassante. C’est regrettable car le début commençait plutôt bien et la distribution était originale. Deux têtes d’affiche (Romain Duris & John Malkovich) et la radieuse Québécoise Evangeline Lilly (révélée auprès du grand public dans la série télévisée Lost).
Un Will Hunting au féminin... Il ne se passe vraiment pas grand chose dans ce "Proof" où ces acteurs compétents n'arriveront pas à provoquer un intérêt quelconque. Les mathématiques sont un simple prétexte et bien trop survolés pour captiver dans ce paquet de blablas peu convaincants. Malgré ce trio performant, il y a un manque de force et de profondeur scénaristique qui ne passera pas inaperçu.
Un film d'horreur plus de raté n'apportant rien de nouveau au genre. Le scénario est vide. L'histoire prend beaucoup trop de temps à se mettre en place sans oublier qu'il n'y a aucune frayeur. Un énorme ennui.
Good-bye Lenin mérite d'être vu. Le scénénario est bâti sur une idée particulièrement originale. Tellement originale qu' a priori on imagine pas que l'on puisse y croire un seul instant. Mais quand le film se termine, on constate qu'en fait, on s'est laissé prendre ! On a même passé un très bon moment! Quant à attribuer 5 étoiles à ce film, il ne faut pas exagérer ! Il ne s'agit pas d'un grand chef d'oeuvre ; ce film ne pose pas de questions très approfondies, ni sur les systèmes politiques, et encore moins sur les méandres de l'âme humaine ! Les acteurs sont assez moyens. Je reproche aussi un passage assez bâclé vers la fin : on ne comprend pas si l'héroïne a été tentée ou non de rejoindre son mari à l'ouest. Mais de toute manière, c'est un film à voir !
Quelle déception que cette suite tant attendue ... Ce film n'est même pas une adaptation correct du livre vu que ce n'est plus la même histoire ; prendre des libertés oui mais changer le fond ce n'est pas possible. On nous balance des effets spéciaux sympathiques pour nous faire oublier une histoire qui n'a plus de sens et des personnages devenus creux et insipides et pourtant si intéressants dans le livre.... Le seul point positif que je peux en tirer est une bonne performance de Kate Winslet.
Après Le Labyrinthe des passions, Matador, seconde collaboration entre Antonio Banderas (Goya du Meilleur second rôle masculin en 1987) et Pedro Almodovar, demeure l'une de leur plus troublante association à ce jour. Le cinéaste espagnol fait un état des lieux des comportements humains où la mort et le désir s'entremêlent, où un jeune homme doit apprendre à tuer pour apprendre à vivre. Pour Pedro Almodovar, la mort est un élément d'excitation sexuelle, la folie, la haine, les conflits sont liés à la beauté et à l'amour. Les personnages sont certes marqués par cette mort qui rode mais aucunement par la fatalité. Par ailleurs, tous échappent à cette adversité en restant maîtres de leurs désirs, de leurs pulsions, certains décidant même de leur propre mort en devenant leur propre bourreau. Avec son esthétique léchée, l'ambiguïté de ses personnages et son sens du suspense, Pedro Almodovar parvient à ne jamais lâcher l'attention du spectateur plus de cinq minutes. Film culte, Matador est l'un des films les plus singuliers du metteur en scène de Volver, sombre, cruel, insolent, violent, sensuel, obsessionnel, qui n'est pas sans rappeler Basic Instinct de Paul Verhoeven.
Un dégré en-dessous du second film, forcément, ça coince. Si, en plus, on joue sur le fait que ça commence à lasser, on n'en sort plus. Ratage total, mais ce n'est, hélas !, pas tout à fait fini...
Au sud du Brésil, une grande famille se retrouve à la campagne pour un repas dominical. Sur fond d’investiture du Président Lila, chacun a son point de vue à exprimer et les tensions montent à mesure que les plats du repas défilent. Finalement, les réalisateurs évitent toute contribution théâtrale et rien n’explosera. Quoi qu’assez bourgeoise avec leurs domestiques, la famille n’est pas hors du commun. Malheureusement, d’un point de vue cinématographique, il manque à « Domingo » un véritable enjeu pour séduire le spectateur. L’humour n’est que de passage et le drame ne pointera son nez que lorsqu’un verre à pied sera cassé. D’ailleurs, aucune séquence ne semble résonner comme un écho politique, alors qu’on pensait clairement aller voir un tableau actuel du Brésil. Il n’en est rien et la déception est d’autant plus grande lorsqu’on sait que Fellipe Barbosa a réalisé l’un des plus beaux films de l’année dernière « Gabriel et la montagne ». D'autres critiques sur notre page Facebook : Cinéphiles 44 et notre site cinephiles44.com
Cette "nuit au musée" ne tient pas la distance.C'est tout ce qu'on peut en dire.Elle manque autant d'ambitions narratives que comiques.Ben Stiller était l'atout fédérateur de cette comédie déjantée à la "Jumanji",à destination des enfants.Mais il est ici en pilotage automatique,et ses délires habituels ne transparaissent jamais.Tout ça est donc mou du genou.Les humains et les animaux ont beau prendre vie dans ce musée,le Smithsomnian de New York,cela relève plus du bestiaire encyclopédique,que d'une réelle drôlerie.Dès lors,les adultes s'ennuient immanquablement devant ces blagues bas de gamme et ressassées.Les effets spéciaux sont satisfaisants cela dit,mais le film se repose trop sur ses exploits numériques.Trépidance et accessibilité sont tout de même au programme,mais seuls les enfants rêveurs ne seront pas hermétiques à un divertissement si modeste dans ses intentions.
Trois histoires, trois mises en scène, trois façon de vivre un tournage indépendant, c'est ce que nous propose «Living in Oblivion» ( USA, 1994 ) de Tom DiCillo. Le film, globalement, conte l'histoire d'une équipe de tournage victime des aléas d'un plateau ( lait qui tourne dans la régie, problème de couples dans l'équipe, égos malmenés entre les acteurs, etc... ). Pour ça DiCillo réalise un film drôle, une comédie new-yorkaise qui, à mon avis, n'a rien à envier à un Allen. Cependant et c'est avant tout et surtout en ça que le film est intéressant, «Living in Oblivion» est bien plus qu'une simple comédie, c'est une véritable réflexion sur le cinéma, sur son mode de fonctionnement, sur la distance qu'il propose vis-à-vis du réel. En ce point, la première partie, qui joue sur le noir-et-blanc et la couleur est fort intéressant. Le réel est en noir et blanc et le film en couleur. Cette inversion s'explique par la suite puisque la première partie est un rêve, la deuxième aussi d'ailleurs. Les rêves / cauchemars s'encastrant les uns dans les autres, le tout nous mêle et il nous arrive de ne plus savoir où nous en sommes, puisque la partie finale se révèle être le tournage d'un rêve. En plus de disposer d'un humour pinçant ( qui va jusqu'à confondre le personnage de Buscemi avec la personne Buscemi ( cf : référence à l'amitié entre Buscemi et Tarantino ) ), le film de DiCillo joue énormément sur la réalité et la fiction, non seulement il y joue à l'intérieur du film mais aussi à l'extérieur puisque comme la confusion organisée qu'il y a dans l'histoire, il y a une confusion organisée dans notre esprit. En conclusion, «Living in Oblivion» est un véritable bijou de la comédie new-yorkaise mais surtout du cinéma indépendant américain. Le problème du film, c'est que son côté comédie assumée l'empêche peut-être de lui conférer un statut de grand chef d'oeuvre.
J'avoue ne pas comprendre un tel engouement pour ce film qui a reçu la palme d'or, une pluie de louanges et de bonnes critiques. Personnellement je l'ai trouvé mortellement ennuyeux. L'action est lente et le scénario improbable est peu crédible. Pire, la leçon de piano tourne rapidement en leçon de porno, Ada se montrant davantage virtuose du sexophone que du piano avec son bon sauvage qui n'a d'autre intérêt que celui d'assouvir ses propres phantasmes. La musique est d'une mièvrerie sans égal. Les acteurs sont insipides, y compris Sam Neil dont le rôle est pitoyable. Et que dire de notre Heroïne Ada qui se laisse violenter et humilier sans réaction à croire que ça lui plait, même si elle est sensée faire semblant pour obtenir ce qu'elle veut. Que dire de la fille Angel qui passe une bonne partie de son temps à pousser des cris d'hystérique, que dire des habitants de l'ile qui ont autant de sensibilité qu'une casserole percée. En fait le seul moment que j'ai finalement apprécié se situe tout à la fin du film lorsque le piano s'enfonce dans les profondeurs de l'océan, entrainant la pianiste qui décide enfin de se libérer de ce lien pesant et revenir ainsi à la surface d'une nouvelle vie. Toute une symbolique sur le détachement des choses de la vie qui rendent esclave et qui s'opposent à l'épanouissement de la personne. Mais 5min d'images édifiantes n'arrivent pas à faire oublier 2h de platitude et de vulgarité. Franchement à éviter.
Un film qui veut ns montrer les bons côtés de l intelligence artificielle. Je n' ai pas aimé du tout ce film ,car je ne souhaite pas que ce genre d avancé technologique un jour nous dépasse, nous remplace. Aimer un robot car l amour est devenu innacessible ? Vous serez prêt vous à aimer une machine ? Ce film nous prépare mentalement à accepter ce genre d éventualité .
Le film débute comme un film de Clint Eastwood, très bien. Les scènes d'attaques aériennes sont réussies. Après, c'est opération survie, sur mer, puis sur terre, avec musique patriote, scènes répétitives, images démonstratives, voire un peu complaisantes. Le film manque singulièrement de souffle pour un héros champion olympique de demi fond, je ne sais pas où veut en venir Angelina Jolie, si ce n'est nous renseigner un peu sur un épisode peu connu de la seconde guerre mondiale : les prisonniers de guerre américains au Japon. Les scènes de maltraitance ne sont pas insoutenables, mais très pénibles à subir, car elle durent et cela sans raison valable à mes yeux. Le film baisse constamment en qualité.
Avec Les Rôdeurs de la plaine, l’Amérique questionne son rapport à l’autre par le biais du sang. N’appartenant stricto sensu ni au peuple blanc conquérant ni aux peaux rouges, notre héros se retrouve sans famille, sans groupe d’appartenance à partir duquel se définir, trouver une identité et une place dans la société. Car c’est sur un double ostracisme que repose le film, tout entier consacré à la peinture en miroir des revendications ethniques qui n’ont d’autres fondements que physiques : Pacer n’a pas la bonne couleur et, par définition, ne s’intégrera jamais. On le montre du doigt, on l’insulte, on met à mort sa famille prise en étau au cœur d’une guerre entre peuples qui se rejoue – et là se tient toute la subtilité du film – dans le microcosme intime. Pour incarner notre héros tourmenté, Elvis Presley rayonne d’une justesse qu’on ne lui soupçonnait guère ; pour consacrer son dilemme sans résolution, Don Siegel livre une mise en scène aux plans magnifiques et hautement symboliques : on retiendra les derniers souffles d’une mère perdue dans la tempête ou encore l’enterrement de celle-ci. Les Rôdeurs de la plaine constitue un western de très grande qualité injustement mésestimé et qui mériterait plus ample reconnaissance.
L'histoire est simple mais le film est beau, très beau."Euphorie"! mais pourquoi ce titre? Chef d'oeuvre?
Émouvant ! Superbe jeux des acteurs et une réalisation tout en couleur et en émotion sur ces paysage chypriote ! A découvrir et a faire découvrir !