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« Au cœur de l'océan » est l'exemple type du divertissement parfait, maîtrisé de A à Z par un réalisateur de talent qui a fait ses preuves depuis bien longtemps. Ron Howard (pour ne pas le nommer) connaît toutes les ficelles du métier et il le prouve une nouvelle fois en nous présentant avec passion sa version du célèbre « Moby Dick ». En parfait professionnel, il prend le temps de poser son histoire et de nous présenter ses personnages, sans pour autant oublier le spectacle savamment entretenu par des images somptueuses et des effets spéciaux particulièrement efficaces. On suit donc la saison de pêche du navire baleinier « Essex » avec une attention de plus en plus soutenue au fur et à mesure qu'il approche des bancs de cachalots qui devraient faire la fortune de l'équipage. La tension monte alors nettement, avec de magnifiques scènes d'affrontements entre les marins et les imposants mammifères. L'esprit d'aventure est total et on prend un réel plaisir à suivre la dure vie des hommes à bord de ces bateaux de misère... Jusqu'à ce que vienne l'affrontement que tout le monde attend avec une impatience non dissimulée. Je ne révélerai pas la fin pour ne pas spoiler, mais le spectacle tient toutes ses promesses et le message philosophique qui l'accompagne apporte une dimension supplémentaire qui classe « Au cœur de l'océan » parmi les meilleurs de sa catégorie. Et sans forcer !
Mon dieu que c'est mauvais. Par où commencer? Le premier film m'avais plu, dans le sens ou c'était plus ou moins novateur d'avoir un film d'"horreur" dans lequel il n'y avait... rien. Le film exploitait bien la peur de ce qu'on ne peut pas voir, et la fin marquait, de par sa violence. Là, j'ai l'impression qu'il n'y a rien de plus décevant. L'éternel coup du personnage qui dit a tout le monde "il se passe des trucs bizarres" et bien sûr, personne ne le croit(mais non ma chérie, c'est tout à fait normal d'avoir un lustre qui s'effondre a 20 cm de toi, et aussi de se faire enfermer dans le garage avec une voiture qui se met en marche toute seule pour étouffer avec les gaz d'échappement. Tout ça est très normal c'est toi qui est folle de dire que c'est bizarre). Les passages "osef" qui montrent des scènes inintéressantes (aucun apport scénaristique, pas de passage angoissant, RIEN, en gros c'est du remplissage pour faire en sorte que le film dure 1h30) Globalement il y a... Deux passages qui font un peu sursauter pendant le film, grand maximum. Tout le reste c'est du blabla avec en vedette un gamin bizarre qui dit 3 phrases pendant l'intégralité du film, en gros... On s'ennuie. Mention spéciale tout de même pour un film d'horreur qui m'a fait rire: La fin la plus ridicule jamais vue!WYATT VIENS COURS ON DOIT S'ENFUIR POURQUOI TU BOUGES PAS?! OH MON DIEU JE ME FAIT CHARGER PAR UN TROUPEAU DE SORCIÈRES MAL MAQUILLÉES NOOOOOOOOOOOOON!!! GÉNÉRIQUE.Honnêtement j'ai cru que c'était une blague, mais non, le film se termine bien comme ça. Je suis très content de ne pas avoir payé pour voir une daube comme celle ci, et je conselle fortement a tous ceux qui ne l'ont pas vu de ne pas changer d'avis et de ne surtout pas perdre 1h30 a voir cette connerie.
La Classe Américaine - Le Grand Détournement (1993) est devenue un mythe avec les années. Peu connu du grand public, pour cause, il n’est jamais sorti au cinéma et à ce jour, aucune édition dvd n’existe. Pourtant, il mériterait son quart d’heure de gloire. Le principe de film est très simple, les réalisateurs Michel Hazanavicius & Dominique Mezerette ont utilisé près d’une heure quinze d’extraits de films appartenant à Warner Bros. Tous sont montés et doublés à leur manière. On découvre un nombre incalculable de films, mis bout à bout, sans jamais obtenir un temps mort, on passe de John Wayne à Paul Newman, en passant par Dustin Hoffman ou encore Robert Redford, et j’en passe. Une distribution digne des plus grands films Hollywoodien, sauf qu’ici, le scénario part en vrille, souvent hors sujet ou complètement décalé. Volontairement grossier ou outrancier, La Classe Américaine réserve son lot de répliques cultes, tordantes, où les fous rires sont nombreux. A noter aussi l’apparition de d'Orson Welles, puisque l'intrigue principale du film est calquée sur le scénario de Citizen Kane (1940). Les scénaristes l’on d’ailleurs affublé de l’une des pires répliques du film : « J'aime pas trop les voleurs et les fils de putes ». On vous aura prévenu, ici, ils ne font pas dans la dentelle, mais cela reste tout de même dans la limite du supportable (pour les âmes sensibles). Une œuvre à voir et à revoir sans jamais se priver !
Si le cinéma espagnol se démarque actuellement avec l’arrivée d’une nouvelle vague de jeunes réalisateurs très doués (Balaguero, Amenabar, Di Iglisia…) Jorge Sanchez Cabezudo serait lui à rapprocher d’un courant d’arrière garde avec « La nuit des tournesols ». Si l’idée de narration (la même histoire vue pour chaque protagoniste) semble inventive, bien que déjà exploitée par d’autres, la mise en scène très appuyée et poussive vient lui faire perdre de sa force. Le réalisateur s’attarde trop sur ses scènes et donne à sa direction d’acteurs un côté théâtralisé. A défaut s’un sujet intéressant, l’objectif visé est de créer un climat pesant et étouffant. Ce qui ne manque pas d’arriver hélas dans le mauvais sens du terme. On se désintéresse totalement des personnages qui n’ont aucune consistance à l’écran, et le film tourne très vite dans le vide. Aussitôt vu, qu’oublié.
"L'esquive" est très déstabilisant au début, démarrant au beau milieu d'une conversation entre jeunes de banlieue s'invectivant de façon vulgaire, et on peine à croire que ce film va parvenir à nous toucher. Pourtant, la fraîcheur des acteurs, leur sensibilité, l'intelligence du scénario et le réalisme documentaire conquièrent vite le cœur du spectateur : les scènes étirées se succèdent et ce qui paraissait au début comme une suite de vains dialogues se révèle passionnant, les personnages cachant derrière leurs sociolectes une grande innocence. Une belle réussite, qui refuse toute esthétique artificielle – et il est vrai que les images de la cité ne sont pas particulièrement belles – pour augmenter le réalisme et la portée affective et se change ainsi en un film choc et retentissant sur ce thème universel qu'est l'apprivoisement du sentiment amoureux.
Je n'aime pas du tout ce film. Aucun personnage n'est attachant. On a envie de mettre des baffes a un peu près tout le monde.
Un film a voir absolument trés drôle , une tuerie je suis fan
Film bourré d'amour avec une boule de poil troop attachante beaucoup de scènes sont vraiment drôle le petit acteurs a une bouille a croquer cest un tres beau film tout simplement ;)
"Skinwalkers" est un film qui mélange les genres, entre le western et le film fantastique. Il n'y a pas vraiment d'effets gores, mais la réalisation nerveuse de James Isaac, et quelques idées originales du scénario font de ce film un divertissement agréable. Une relecture moderne du mythe du loup-garou qui n'est pas dénuée d'intérêt. Le casting est en outre dominé par la charismatique Rhona Mitra, que l'on reverra ensuite dans "Doomsday" et "Underworld 3".
"In the Air" est une très bonne comédie quelque peu originale et délivrant une critique du monde du travail notamment lié au chômage. Bien sûr, ce n'est pas la première fois qu'une comédie utilise l'humour pour dénoncer mais celle-ci n'en est pas pour autant mauvaise. Au contraire, le message passe clairement, peut-être grâce au bon jeu d'acteur (G. Clooney est encore une fois au top). On rit avec plaisir face aux différentes situations, certaines étant bien trouvées d'autres plutôt prévisibles. On passe un très agréable moment.
Encore un petit film de grand réalisateur probablement passé inaperçu. Dommage! parce que ce film vaut le coup d'être vu comme la majorité de ceux du réalisateur de "a bittersweet life". La force du film est de faire d'un jeune célibataire coréen une star du catch. Rien à voir avec "super nacho" car le but ici n'est pas l'admiration du public mais la force et le respect. Song kang ho est tyrannisé par son supérieur et exerce un métier qu'il n'aime pas: bref, il a une vie qui nous ressemble pour la majorité. Le catch va lui apporter la force qu'il recherchait et lui faire affronter ses peurs, nos peurs. Les gags sont drôles quoi qu'on en dise et il ne s'agit en aucun cas de potaches. Alors bien sûr il y a en filigrane une légère histoire d'amour (ressemblant un peu au film "champion") ou plutot de rateau, mais celle-ci n'est présente que pour faire comprendre au spectateur que le héro est traité comme une merde par son supérieur et ses collègues (féminins ici). C'est vraiment le but du film: un anti héro qui échoue tout le temps et qui finiras probablement par échouer encore, mais c'est là tout l'intèrêt du film : il ne devient pas un super héro mais un Homme sur qui plus rien n'as de prise, un peu à la façon de "fight club".
J'aurais dû me méfier : il y a un seul film d'Alejandro Gonzalez Iñarritu qui m'ait déçu, c'était "Biutiful" et qui trouvait-on aux côtés du réalisateur pour écrire le scénario ? Armando Bo et Nicolas Giacobone qui ont écrit le scénario de "El Ultimo Elvis" ! Cela étant, le scénario n'est pas vraiment le point faible du film : ce point faible, c'est la réalisation d'Armando Bo, une première pour lui. Une réalisation très molle qui fait que le film ne décolle jamais. Il y avait pourtant matière à intéresser le spectateur : Carlos, ce sosie (vocal beaucoup plus que physique) d'Elvis Presley, qui travaille en usine et occupe la scène dans des reprises du King, est un personnage pour lequel on devrait avoir de l'empathie, lui qui arrive à se prendre vraiment pour son modèle mais qui ne montre aucun atôme crochu avec ses congénères, plus ou moins sosies de Mick Jagger, de John Lennon ou de Nina Hagen. Lui qui est tout aussi maladroit comme père que comme mari. Eh bien non, la mayonnaise ne prend pas, même dans la poignante scène finale qu'on ne dévoilera pas. Quant aux chansons, interprétées par John McInerny qui joue le rôle de Carlos /Elvis, ce sont malheureusement, pour la plupart, celles de la période Las Vegas, rejetée par beaucoup de fans d'Elvis. On remarquera quand même que ce John McInerny qui, au départ, devait seulement coacher l'interprète qui serait choisi pour tenir le rôle principal, est vocalement bluffant dans toutes les interprétations qu'on entend. Et puis, entendre "I'm So Lonesome I Could Cry", la sublime chanson de Hank Williams, sur un générique de fin, c'est suffisamment rare et jouissif pour être remarqué !
La vie d'une trentenaire célibataire , ça peut être" nain,nian". la aussi un peu mais c'est un régal a voir.
Une suite décevante mais les graphismes sont plutôt réussis.
Malgré de bonnes idées et des hommages à l'expressionnisme allemand des années 1920, l'atmosphère du film ne nous captive jamais.
C'est excellent j'ai découvert le livre par hasard et maintenant je ne peux plus m'en passerDonc j'ai eu envie de voir le film.
Un scénario bien ficelé aux influences Hitchcockiennes, des actrices aussi sexy que manipulatrices, une bande son vibrante, Passion est un thriller sulfureux, dans lequel on se laisse entraîner avec un plaisir voyeuriste presque malsain...
Un sujet délicat, des images poignantes. Même si la véracité est remise en cause, ce documentaire a le mérite de faire que l'on s'intéresse à ce genre de situation. Il convient de se documenter en parallèle avec d'autres sources.
Un film que le monde entier devrait avoir vu - surtout nos hommes politiques ! Peut-être le testament de Wim Wenders aux générations suivantes, surement celui du Pape. On pourrait en déduire les 10 commandements du 21ème siècle! Certains critiques se sont attendus probablement de trop de choses du metteur en scène, mais que peut-on attendre de plus d'un sujet qui parle de Dieu et de son représentant? Etre humble s'impose face à un sujet aussi monumental qu'est notre Terre et l'Homme qui vit dessus... Bravo Wim, bravo François !
globalement je pesais que le film serait plus marrant avec plus de scènes avec kad merad surtout.ce ne fut pas le cas même si les enfants dans le film sont attachant.et bien vu le petit clin d'oeil de gerard jugnot et des choristes
Jusqu'à la fin du film, on espère un peu de réalisme mais on attend toujours. Tout est complètement abusé et dans l'excès dans ce film, Le réalisme n'est pas au rendez-vous. Pour conclure, si vous avez vu la bande annonce, pas besoin d'aller voir le film, vous avez tout vu.
Bon, autant dire tout de suite que ça me fait vraiment mal de mettre seulement une étoile à un film avec Heath Ledger, mais bon il faut être honnête ce film est une grosse bouse! Déjà l'ambiance est ultra plate, il n'y a ni peur, ni suspense, on ne s'attache pas aux personnages et d'ailleurs on se questionne même de la présence de certains (les enfants/démons franchement je me demande toujours ce qu'ils apportent en gros à l'histoire...). Le scénario est plus que brouillon voire incompréhensible à certains moments, quant aux acteurs même Heath (que j'adore pourtant) à l'air de s'ennuyer dans ce naufrage qu'est Le Purificateur... "Un thriller satanique terrifiant" qu'il y a d'écrit sur le DVD (3euros heureusement^^)... la bonne blague!!! :D Bref, à ne pas voir (même si ça ne freinera pas les fans qui veulent absolument voir les films d'Heath, dont je fais partie malheureusement pour moi avec ce "film"!) ;)
Primé au dernier festival de Berlin (Prix du Siegessäule, Teddy Awards), La Clé des champs est le premier long métrage de Benjamin Cantu, né à Budapest en 1978. Il a étudié l’animation au Hochschule für Film und Fernsehen (HFF) Konrad Wolf à Potsdam-Babelsberg et à la Deutsche Film und Fernsehakademie de Berlin. Film hypnotisant à la sincérité et au naturalisme poétique exaltants, La Clé des champs évoque le doute et le coming-out. Lukas Steltner et Kai-Michael Müller livrent deux grandes performances d’acteurs à l’érotisme subtil, à la violence contenue et désenchantée de la dernière génération de garçons fermiers. Cinéma de l’affect et du sublime. (Hervé Joseph Lebrun - Chéries-Chéris 2011)
Une réussite totale ! Très bon téléfilm mêlant enquêtes et complots avec un Daniel Craig au sommet de sa forme. On a souvent des préjugés sur les téléfilms ( moi y compris ) sur le fait qu'ils ne soient pas travaillés, bâclés et sans grande ambition mais celui ci nous montre le contraire ! Le style de la réalisation nous plonge directement dans une ambiance froide et glauque que j'adore personnellement. On voit que l'équipe du film à mis le paquet sur le scénario qui est très bien écrit et ficelé, même si certains passages sont un peu tirés par les cheveux ça ne nous choque pas car ces choix ne sont jamais des facilités scenaristiques et sont toujours bien exploités dans le film. Je trouve dommage que ce film n'ait pas eu plus de visibilité étant donné la qualité de la chose. Et que dire de Daniel Craig qui creve l'écran comme à son habitude. Un très bon "film" que je conseille à tous !
Nom d'une pipe, là aussi on en tient un de nanar de compétition. Mieux encore, un monument du nanar. Oeuvre d'un mec qui croyait sûrement qu'il était un génie, mais que ne l'a jamais dit, référence au père Chabrol. Bref, "L'attaque des tomates tueuses", c'est pas compliqué, tout est dans le titre. Rien n'est tromperie. C'est un joli nanar avec ses tomates qui roulent et qui bourdonnent. Je ne veux pas vous gâcher ça. Matez et marrez vous !
Ouh purée le choc ! Je savais que je risquais d'aimer ce téléfilm (aimant beaucoup les faits divers) mais à ce point là non ! Tout est parfait dans cette affaire Dils ! Les acteurs (chapeau à ce jeune acteur qui incarne Patrick Dils avec émotion et pudeur et chapeau également à Mathilde Seigner qui est extraordinaire en maman courage !), les décors, les dialogues, les reconstitutions juridiques...on est happé, glacé, saisi et on en ressort choqué et ému ! Quelle injustice ! On le savait déjà mais de mettre des images m'a bouleversé ! Patrick on pense à toi !
Seul véritable intérêt de ce long-métrage, il s'agit de la présence de la sexy Raquel Welch dans le rôle d'une parachutiste américaine qui est approchée par les services secrets britanniques, afin de récuperer les détonateurs d'une bombe atomique qui sont convoités par un étrange professeur. La mise en scène est par contre assez fade et cette histoire d'espionnage, qui fait fortement penser à du James Bond, est certes sympa à suivre, mais manque quand même cruellement d'ambition.
Le Suédois "Morse" avait besoin d'un remake seulement deux ans après sa sortie ? La réponse est non. Juste en transposant l'action aux État-Unis, Matt Reeves pensait alors pouvoir faire oublier le copier/coller qu'il venait de réaliser. En effet lorsque l'on a vu l'original seulement quelques jours avant de voir ce remake, on remarque tout de suite les nombreuses similitudes entre les deux film: mêmes scènes, mêmes plans, mêmes décors voir mêmes dialogues ! Outre le côté sombre qu'aborde Laisse Moi Entrer et le jeu de Kodi-Smit McPhee plus convainquant que celui de Kåre Hedebrant dans Morse, ce remake n'apporte rien à la mise en scène et ne révolutionne pas l'approche cinématographique des vampires comme le faisait l'original en 2008. Il n'y a que pour quelques raisons pour lesquelles j'ai voulu voir Laisse Moi Entrer ( "Let Me In" en anglais ): d'une part, parce que l'original m'avais beaucoup intrigué mais aussi, et surtout, pour Chloë Grace Moretz. Mais celle-ci ne fait malheureusement pas part de son talent dans ce film. Elle ne fait d'ailleurs part de rien, son rôle ( d'ailleurs mal écrit… ) ne laisse rien paraître. C'est un vampire vous allez me dire, mais pourquoi alors ne rien faire à par débiter quelques phrases déjà présentes dans le film de 2008 ? Je ne suis que doublement déçu de cette adaptation "américanisée" du roman anglais paru en 2004. Pour ceux qui ne souhaitent que regarder un gentil film qui ne marque pas les esprits mais pour les désireux de vrais sensations "vampiriques"; dirigez-vous plutôt vers "Morse".
"Smashed" est un excellent film, servi par des interprètes attachants. L'intrigue est traitée de manière très réaliste (je sais de quoi je parle...), Mary Elizabeth Winstead est incroyable dans le rôle de cette jeune institutrice alcoolique qui tente de se repentir. Par contre, la fin est un peu ambigue.
Ce réalisateur par son art sait rendre palpables les conditions de vie et les relations familiales et sociales de ceux qu'ils nous présentent. Le portrait sensible de l'adolescence est accompagné des voyages et de l'intrusion des paysages comme espaces transitionnels de l'accession à la condition adulte.On sort de l'ici et maintenant d'Ozu pour s'ouvrir à la nature et à des mondes ruraux et artisanaux en train de disparaître.
Les principaux protagonistes qui firent les beaux soirs du théâtre de la Madeleine à Paris pendant 3 mois, interprètent, quelques 3 années plus tard, les mêmes rôles sur le grand écran. Cette fois-ci sous la baguette du grand Volker Schlöndorff qui démontre, une fois de plus, sa virtuosité dans une réalisation sans faille aucune. Si la vérité historique reste loin, à la fois du spectacle théâtral et de celui présenté sur grand écran aujourd'hui, il n'en reste pas moins un grand moment de cinéma. Tout est connu et su d'avance et pourtant l'intérêt ne faiblit pas, les dialogues sont forts et frappent comme autant de coups de fouets, avec de temps à autres, quelques moments d'un humour bienvenu. Le réalisateur avoue "La chambre avec un double fond et l’escalier secret par lequel la maîtresse de Napoléon III aurait eu accès à l’hôtel sont de pures inventions. J’aimais bien ce côté théâtre de boulevard, avec l’humour dans les dialogues aussi." "- La France ne s'en portait pas plus mal" rapporte André Dussollier dans le rôle de Raoul Nordling. Pour coller au plus près de son œuvre initiale, Cyril Gély scénarise le film. Des images d'archives viennent ponctuer brièvement cet exercice difficile, celui de rendre passionnant un huit clos qui aurait pu faire sombrer dans l'ennui. C'est tout le contraire. Grâce essentiellement à André Dussolier et Niels Arestrup, dans ce face à face où chacun avance ses pions avec malice et méfiance. Deux grands talents qui semblent s'amuser de leur propre manigance pour le plus grand plaisir du spectateur. Paris reste une ville unique au monde. Les dernières images du film ne viendront pas contrarier mon affirmation, qu'elles soient prises des terrasses de l'hôtel Meurice ou pendant cette courte balade sur la Seine entre le Pont de Bir-Hakeim et le pont Alexandre III.
Oula sur le coup je m'attendais à un REC sauce japonaise en bien plus tripant, et c'est pas du tout ça. Cette histoire de contamination s'installe plutôt avec une bonne atmosphère dès que le film commence, ensuite sur toute la longueur du film l'opération est une catastrophe, il ne se passe pas grand chose on s'endort, pas de quoi nous faire sursauter. Une femme complètement péter du cerveau qui voit toujours sa famille après leur mort, un infirmier qui vous casse les nerfs parce qu'il sait pas faire des points de suture alors il s'exerce comme un psycho, une qui sait pas faire des prises de sang alors elle s'exerce sur elle, et pour ce qui est de la contamination rien à se mettre sous la dent puisque c'est qu'une substance verte qui se balade dans l'hôpital en passant par les corps, bref lourd. A éviter, Infection vous infectera au plus haut point.
un pur chef d'oeuvre, la plus grande vocaliste de jazz de tous les temps
"La Légende du scorpion noir" signé Jingchu Zhang est un drame chinois comme il y en a des milliers. Histoire basique avec une mise en scène pas franchement alléchante ni captivante, ce film n'apporte aucune nouveauté dans ce style surexploité en provenance d'extrême Orient. On se retrouve face à un scénario qui rapidement vous lasse et vous déçoit puis à des phases de combats peu originaux où les nombreux ralentis viennent entacher une qualité déjà bien meurtrie. En clair, "La légende du scorpion noir" est un film lambda qui ne jouit que de la présence de Zhang Ziyi pour redorer un peu le blason de cette production sans âme.
Le film chorale est toujours un exercice périlleux. Surtout quand on a peu d'expérience et de références comme Wayne Kramer. Tout le monde n'est pas Inarritu ou Paul Haggis. Même si on pense parfois à Babel ou à Collision, on en est loin. Malgré tout ce Droit de passage se laisse regarder. La mise en scène est correcte. Le scénario tire parfois un peu trop sur la corde sensible et la crédibilité n'est pas toujours au rendez-vous. On passera sur la morale très (trop ?) américaine qui s'efforce de contenter un peu tout le monde. Mais il y a quelques jolis moments d'autres beaucoup plus durs. Un peu de suspens et quelques rebondissements plutôt mous enrobent le tout. Niveau acteurs on retrouve avec plaisir la trop rare et pourtant douée Ashley Judd, encore sous exploitée ici et dont l'un des meilleurs rôle (Bug) remonte déjà à trois ans. Harrison Ford commence à être bien fatigué et sa prestation est assez faiblarde. Quelques second rôles intéressants : Ray Liotta (loin de son lustre d'antan), Cliff Curtis, Jim Sturgess, la belle Alice Braga (Blindness, Je suis une légende) et la très prometteuse Summer Bishil dans ce qui est certainement le rôle (la jeune musulmane) le plus intéressant. Bref pas de quoi affolé le box-office mais un petit thriller qui se voit sans ennui...
un film moyen un genre de sous saw en moins gore se film manque de rythme et les acteur sont bof comme le scénario une perte de temps.
Pas très bon , c'est vraiment trop débile , mais quelques situations mais fait quelque fois rire , mais la trame toujours la même, aucune surprise