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Ce documentaire porte vraiment bien son nom : un voyage extraordinaire qui part des débuts du cinéma en suivant l'un de ses premiers génies : George Méliès. La suite nous montre comment 100 ans plus tard, une copie couleur du film " Voyage dans la Lune" est retrouvée, puis restaurée en utilisant des techniques qui en elles même produisent autant de magie à nos yeux que l'effet que les films Méliès devaient produire sur les spectateurs de l'époque. En plus du fait que le sujet traité soit fascinant pour celui qui s'intéresse un tant soit peu à l'histoire du cinéma, ce documentaire est réalisé avec autant d'émotions et de magie qu'une fiction et du début jusqu'à la fin nous incite à nous mettre en harmonie avec la vision de Serge Bromberg, son auteur (aussi le narrateur, en voix off) : la passion du cinéma !
Je me suis laissé tenté par ce film diffusé sur Arte mais... c'est une vrai daube, intrigue confuse et sans véritable intérêt, jeu d'acteur lamentable, invraisemblances et anachronisme, bref du grand n'importe quoi ! Grotesque : un vrai nanar !
Au 19 ème siècle, un journaliste américain, à la recherche de sa bien aimée disparue, va passer la nuit dans une maison close au Japon. Il va vite se rendre compte que toute vérité n'est pas bonne à savoir... ''La maison des sévices'' est loin d'être aussi violent que l'on pourrait le croire. Surtout avec un titre français aussi explicite, on pourrait croire à un film insoutenable. L'histoire est originale et prend des tournures inattendues. De les flash-back racontés par la narratrice, les décors et les costumes soignés, rendent le tout très captivant. Le film est court mais c'est suffisant, puisque la fin est un peu molle.
Excellente surprise que ce Room in Rome assez original. Si le début du film s'enflamme assez rapidement, on assiste ensuite à un beau jeu de rôles et d'énigmes, le tout teinté d'art et de philosophie. Plusieurs points sont floutés et laissés à l’interprétation du spectateur, qui ne restera surement pas indifférent. Le film doit bien sur beaucoup aux deux magnifiques actrices, mais également à la musique superbe et aux excellents plans de caméra. Bref, une bonne réussite, à découvrir!
Une comédie américaine très moyenne, le film ne décolle pas et que dire du final, pas grand chose. On n'est très loin du style délirant d'un Américan Pie.
Benjamin Gates et le Trésor des Templiers: moi j’appelle sa du grand divertissement a l’état pur, vraiment ce film est une pure merveille et a tout pour plaire: une chasse aux trésors des plus passionnante et captivant: remplit de suspense et de rebondissement, d'action pour rythmé cette grand aventure qui nous laisse aucun moments de répit et nous fait voyagé a compagnie de l'excellente équipe de Benjamin Gates qui sont vraiment attachant et avec tous sa une pointe humour qui fait plaisir, oui donc qui nous fait voyagé dans les plus mémorables lieu de l’Amérique a la recherche du grand trésors des Templiers: moi je dis que tous sa, c'est vraiment captivant et intéressant a suivre, surtout que l'on suit et évolue en même temps que les personnages, comme si on était avec eux dans cette aventure et sa c'est juste énorme. La réalisation est excellente et le film est vraiment bien filmé, vraiment rien a dire, c'est du bon boulots. Les acteurs sont donc très convaincant: Nicolas Cage est génial et parfait dans son rôle de aventurier a la Indiana Jones, Lara Crof ou même Nathan Drake dans Uncharted. Les acteurs acteurs sont aussi super. Et pour finir les musiques sont très entraînante de donne le ton au film. Voila ce film est vraiment excellent, un pur moment de plaisir et de divertissement. A voir en famille. Un coup de coeur mais aussi un chef oeuvre du genre.
Décrit comme un film de Ken Loach revigorant, "La part des anges" met tout de même trop de temps à trouver son ton et pendant près de 45 minutes on a peur que l'ensemble parte dans le drame social car toutes les condition sont réunies. Finalement le scénario élude des problématiques et finit par se concentrer sur ces quatre bras cassés qui vont voler du whisky extrêmement cher lors d'une vente aux enchères. Sur cette deuxième partie, le cinéaste et les acteurs sont plus à l'aise et le film nous réserve même quelques surprises. C'est hélas trop tard pour rattraper le tout surtout quand on n'adhère pas à la mise en scène froide du cinéaste. Il y avait du potentiel et surtout l'acteur Paul Brannigan mais cela ne suffit pas d'autant plus qu'aucun des personnages n'est attachant.
Les images sont belles, les acteurs font leur job, les reconstitutions d'époque sont bien faites, mais la mayonnaise ne prend pas. La faute à un scénario hésitant, on a l'impression que le film n'a jamais commencé et à des dialogues assez mièvres. Je ne suis pas rentré dans ce film mélodramatique. Je doute de la motivation d'Hubert Toint à faire ce film.
Le polar français, c'était mieux avant. Une maxime un brin trop démagogue et pourtant, force est de reconnaître que sous l'impulsion de plusieurs cinéastes, le genre a connu un véritable âge d'or dans les années 70 et 80. A. Corneau est bien sûr l'un de ses meilleurs représentant et en réunissant un tel casting, il ne risquait pas grand chose. Enfin, encore faut-il servir des acteurs pareils (en plus du trio à l'affiche, il y a aussi Galabru, Lanvin, ANconina plus quelques têtes connues) et une intrigue puissante, avec un vrai propos, un vrai point de vue et une mise en scène exceptionnelle. Tout es donc réuni içi pour un résultat assez emballant. L'intrigue n'est pas neuve en soi et recèle plein de clichés du genre mais leur agencement fait toute la différence. Parfois, c'est un peu abusé et certaines décisions des personnages sont étranges mais l'ensemble fonctionne très bien et comme les acteurs sont hyper inspirés, on suit le tout avec facilité. La musique de P. Sarde est elle aussi une splendeur et le tout fait un des meilleurs polars de tous les temps, ni plus, ni moins. D'autres critiques sur
Encore une magistrale démonstration du talent de Ken Loach à s'emparer d'un sujet pour en faire un film réussissant à retransmettre à l'écran tout un contexte social, ses acteurs, ses enjeux et ses effets dévastateurs. Cette fois-ci, le maître s'intéresse à la privatisation de British Rail, les chemins de fer anglais, entre 1994 et 1997. Le scénario, né de la plume d'un cheminot, Rob Dawber, qui avait simplement écrit à Ken Loach pour lui raconter sa vie à travailler dans les trains, associé aux conseils de Pete Trend qui a travaillé 20 ans pour British Rail, font de ce film un témoignage criant de réalisme. On y voit comment la privatisation a réduit au minimum les conditions de travail des cheminots mais aussi comment leur sécurité, et celle des passagers, a été saccagée sur l'hôtel du profit. C'est bien fait, l'histoire se noue avec beaucoup de crédit et les personnages, pour la plupart de vrais cheminots de Sheffield, participent à ce film plein d'humanité. Qu'il s'agisse de leurs scènes au travail ou dans leur vie personnelle. Un film, parmi la longue liste de réalisations de Ken Loach, à ne pas louper.
Pas un film ne m'a autant ennuyée! Je n'aime pas dire du mal mais nous étions deux dans la salle et c'est vraiment le prix du billet qui nous a fait rester!!! Moi qui apprécie énormément Alain Chabat... j'ai été terriblement déçue! La critique a l'air pourtant convaincue... sans doute suis-je passée à coté!!!
M'attendant à un film assez médiocre, j'ai été plutot agréablement surpris par ce petit polar. IL n'y a pas de grosses failles au scénario et les acteurs sont plutot bons. De plus, la mise en scènde de Bob Rafelson est efficace. Toutefois, il faut tout de même reconnaitre que l'ensemble est sans aucune surprise, et que les ficelles sont un peu grosses. Maintenant, comme on dit "ca se laisse voir".
Un joli film espagnol criant de verite qui nous montrent des personnages simples et plein d'humanite, notamment a travers une amitie improbable mais finalement tellement belle et naturelle entre un musicien rate et une petite fille.
J'ai adoré la série "Les revenants" et c'est la raison pour laquelle je voulais voir le film malgré les très nombreuses critiques négatives ... Eh bien, j'aurais mieux fait de m'abstenir! Dès le départ ça commence mal et on attend désespérément des dialogues entre les personnages qui nous donnent des explications mais ça n'arrive JAMAIS. Non non JAMAIS! Aucune émotion non plus. Et la fin ... Franchement, je n'ai rien compris :ils font exploser des trucs et retournent sous terre et meurent de nouveau... Euh, c'était quoi le but de ce film? Je ne comprends pas qu'il puisse y avoir des critiques positives et que le réalisateur se soit dit : "j'ai fait un bon film". Non vraiment, surtout ne regardez pas ce navet (et encore c'est une insulte pour d'autres navets)!!!
Celui là est vraiment mauvais. Il y a pleins d'incohérences, de scènes ennuyeuses, de passages qui ne servent à rien. Les acteurs ne sont vraiment pas terribles. Les effets spéciaux, notamment pour le crache du Grand 8 au début, ne sont pas réussis. Les dialogues sont baclés. Sinon, les morts sont toujours un succès. Le suspens est là, les rebondissements aussi. Un "Destination finale" à éviter.
Comme le résume parfaitement un dialogue du film : " - Ca n'a pas de sens...", " - Mais c'est moi. Regarde moi connard". Vous savez donc ce qu'il vous reste à faire, tout est dit, connards.
Ecrit à l'origine et devant être interprété par les acteurs Bruce Lee et James Coburn Le Cercle de fer se fit finalement avec David Carradine et Jeff Cooper un parfait inconnu dont on ne peut pas dire qu'il soit particulièrement doué. Un film kitsch et souvent ridicule (par exemple les hommes-singes) qui mélange un zeste d'héroic-fantasy au kung-fu à la sauce ésotérique mais tout cela manque d'ampleur, les scènes de combats sont molles et les péripéties qu'affrontent notre héros n'ont rien d'exaltant. En fait Le Cercle de fer est un nanar mais du genre ennuyeux.
Comme dans tous les films avec ce genre de monstres mutants ou incroyablement bien conservés, il y a bien matière à rire : le jeu des acteurs, le scénario archi prévisible, les effets très spéciaux et l'éternelle image finale qui nous laisse croire que ce n'est peut-être pas fini... Ici, et désolé pour le suspense, ils font très fort de ce côté là, puisque ce n'est pas un vulgaire nid de ptérodactyles qu'ils ont oublié, mais un oeuf de tyranosaure !
Force des mots, force d’émotion. Adaptation théâtrale oblige, le film se laisse conduire par des dialogues aiguisés, avec un Denzel Washington tout en paroles. Dans une sorte de huis-clos barricadé, on rentre dans le triste quotidien d’afro-américains dans les années 50 à Pittsburgh. Un quartier déserté par les rêves, remplacés au fil du temps par l’aigreur et l’amertume. Fences repose sur de longs échanges vigoureux, abordant avec profondeur les thèmes essentiels de la vie. Un tourbillon insensé de questions pleines de sens, percutantes de chagrin et de colère.
Bien que le message sur l'histoire des immigrants italiens soit présent, on s'ennuie ferme sur ce film : il est lent et long. Ca gâche tout.
C'est fin ; j'adore les rapports entre les personnages, Le beau gosse metteur en scène, la vision de l'homosexualité. La vision de l'enfant... C'est touchant, c'est beau, c'est vrai, réel. Bravo pour les émotions, les sentiments.
Même si le but du film est de nous montrer le déroulement d'une enquête, on revient tout le temps sur une intrigue quasi identique à chaque fois. Tellement qu'à la fin on s'y perd et on finit par perdre un peu le fil de l'histoire. En dehors de ça, on a ici affaire à un ambiance plate, à des personnages mal dans leurs pompes. Aucune émotion n'est ressentie dans le film qui nous situe dans un milieu sans vraiment nous expliquer le contexte.
Beaucoup de plaisir à voir ce film, car ce mélange de pièces authentiques, de tranches de vie réelle est passionnant. De plus, c'est très drôle et fort bien joué
Quelque peu oublié de la riche période italienne, un joli film de moeurs, avec ce petit quelque chose de désuet qui nous fait rapelle le bon temps des Risi, Tognazzi et Manfredi. Et vendredi, c'est ravioli, Joyce !
Stefano Cassetti endosse le personnage de Roberto Succo avec facilité et nous embarque pour deux heures dans un engrenage sans retour. Assassin qui laisse des traces sur son parcours fou, qui à balader les forces de police et ce dans trois pays. Personnage complexe, torturé et inconscient.
Voila exactement la différence entre filmer et faire un film...; inintéressante pure glorification à Lars, une perte de temps pelliculaire.... pas le temps non plus de faire une critique consrtuctive avec un film aussi destructure...
L'idee de faire un film sur les "gueulles cassée" (c'est comme ça qu'on appelait les mutilée aux visage a cette epoque) est exellente,ça change de la multitude de film sur la guerre du vietnam, au point ou les Europeens connaissent mieux le conflit de ce pays asiatique que le passé de leurs propres guerres... Mais il faut se rendre a l'evidance la realisation de ce film laisse a desirée,il est d'une lenteure exasperante,on a reellement de difficulté a accroché a cette histoire a force de tirée en longueur avec des scénes sans interets ou d'emotion... Un conseil essayer de ne pas voire ce film trop tard dans la nuit au risque de vous voire ronfler apres 15 minutes...
On peut se demander si les choix stylistiques sont judicieux. Le film donne parfois l'impression d'utiliser la tuerie fait aux vaches comme décor pour ses propres enjeux formels. Hélas les paillettes métaphysiques, si elles sont touchantes par leur naïveté, ne permettent pas de creuser ce sujet difficile. On retrouve une intention de faire "de l'art", de faire "du cinéma" en usant de son "aura spectaculaire" mais on reste en surface du sujet. Or essayer de creuser le sujet, se mettre à son service, avec un tel sujet, aurait peut être été la seule véritable manière de faire du cinéma. Plutôt que tisser une fiction conventionnelle, peut être qu'alors quelque chose de très brutal, d’insupportable, de très triste ou de très animal, aurait pu apparaître. Et puis comment faire un tel film sans interroger l’acte de regarder des cruautés ? Il faut reprendre ses classiques, ou redoubler de sensibilité ; ce n'est pas comme si ce thème n'avait jamais été au cœur du cinéma et de l'art de la seconde moitié du XXeme siècle. Relire "de l'abjection" de Rivette...
En regardant ce film, je ne pouvais pas m'empêcher de penser à ce qu'on m'avait appris en primaire sur la structure du conte: situation initiale(Clarence est un looser), élément perturbateur(Clarence rencontre Alabama), toute une série de péripéties avec des adjuvants(le père, le copain d'enfance,...)et des opposants(Drixl,Cocotti,...), la résolution(l'argent)et la situation finale(ils vivent heureux et ont un enfant). Et je reconnais que c'est stupide car en réfléchissant 30 secondes on peut appliquer ça à pratiquement n'importe quel film, seulement ici c'est tellement flagrant que ça en occulte tout le reste. On a l'impression de ne voir qu'une série de saynètes où tour à tour chaque acteur de ce putain de casting va faire son entrée, jouer son rôle, tirer sa révérence et laisser la place au prochain. Là on sent bien la patte de Tarantino et sa manie des découpages en chapîtres mais c'est fait avec un tel manque de cohésion que c'est dur d'accrocher un tant soit peu à l'histoire; surtout que je parlais de conte plus haut, on y est presque avec cette romance quand même très simpliste et invraisemblable, et difficile d'être emballé par ce couple de crétins finis complètement niais (Alabama et son rire de greluche... j'en fais encore des cauchemards!). La mise en scène c'est pas le pied non plus, ou plutôt si, mais chaussé d'un gros sabot! Ca se veut violent, jubilatoire et transgressif, c'est plutôt trash, ringard et moribond. Mais Tony Scott n'est pas le seul à blamer dans ce naufrage, c'est pas lui derrière les dialogues! C'est tellement navrant que ça en devient gênant par moment (le dialogue sur les siciliens entre Walken et Hopper c'est sensé être culte?!). Vraiment une très, très grosse déception; les deux étoiles c'est pour Gary Oldman, hallucinant en dealeur dreadlockeux et pour le final explosif.
Un Hedwig souriant et optimiste !! n régal pour les yeux, les oreilles et le moral !!!
très beau début, belle image noir et blanc, beau suspens...mais un acteur principal qui a abusé du dopage, un scénario totalement incompréhensible et une fin type "grand guignol": un secret, dans la boite de Pandore....il y a la bombe atomique....Chuuuut...
Excellente suite des aventures de Riggs/Murtaugh !! L'intrigue est très bonne avec beaucoup d'actions !! L'humour est encore plus présent dans ce volet avec des scènes hilarantes !! ( la pub sur les capotes, la bombe dans les toilettes, la course poursuite du début, etc etc ) L'arrivée également de Joe Pesci dans la peau de Léo Getz apporte encore plus de situations comiques !! Mel Gibson et Danny Glover sont une nouvelle fois excellent et très complémentaires !! Sans oublier une superbe BO !!
Le plus décevant opus de la première trilogie de Mad Max. Le scénario est vide et sans intérêt, les acteurs peu convainquant et peu convaincu, et l'action laisse à désirer. Je n'avais pas trouvé le premier film abouti mais celui-ci me laisse complètement sur ma fin.
Un excellent film très difficile à digérer. La photographie est magnifique, les acteurs sont pas mal (fallait les trouver ^^), le rythme, très bon. Le réalisateur se permet absolument tout, brise tout les tabous et met en scène des actes souvent immoraux jusqu'à l'effroi, toujours gerbants, parfois hilarants... Par contre, pour moi, le film ne contient pas de finalités autre que l'envie du dégoût et le lien qui relie les différentes parties de l'intrigue est tellement ténu que certains trouveront le film injustifiable. Personnellement je l'adore et le recommande à un public averti Juste inclassable.
Difficile de parler de ce film sans évoquer "Les contes de la lune vague après la pluie", tant les 2 films sont proches thématiquement. Comme dans le chef d’œuvre de Mizoguchi, Kinoshita situe son histoire dans la période de guerres des clans du Japon Médiéval, et dénonce les basses ambitions des hommes, espérant trouver la gloire dans des conflits les entraînant à leur perte. Pas de salut ici pour ces êtres animés par l’orgueil et avides de pouvoir, dont l’obstination contaminera la descendance de cette famille paysanne, à l’exception de Sadahei et sa femme qui prêcheront dans le désert leurs valeurs d’humilité, de simplicité et d’amour de la famille. Si le propos est riche, il reste bien moins prégnant que dans "Les contes", dilué dans un bloc de temps trop long. En étalant le film sur 4 générations, Kinoshita est obligé de survoler la psychologie des personnages. Ceux-ci deviennent anonymes (nous ne savons plus très bien qui est qui) et leur personnalité s’efface sous le poids d’une hérédité trop lourde. Les situations se répètent dans une logique absurde qui, si elle souligne l’impuissance de Sadahei et le caractère désespéré de son combat, lui donnant la grandeur d’âme nécessaire, n’empêche pas une certaine "habitude" qui dessert l’intérêt que nous portons pour le destin de cette famille. Le propos reste en surface, non relayé par la richesse psychologique des personnages ou la profondeur de leurs émotions. Mais voilà, Kinoshita réalise ici un travail de mise en scène, avec une utilisation totalement originale de la couleur, qui insuffle au film une dimension poétique fascinante qui se suffit à elle-même. A voir par exemple la scène de la mort du grand-père, l’une des plus belles du film, et ce superbe travelling latéral avec passage au bleu de l’image qu’accompagne le son de clochette de la mort, on pense au meilleur du Kurosawa fantastico-onirique du "Château de l’araignée". Ya pas à dire, le cinéma japonais des années 60 avait vraiment une grande classe.
Une belle leçon de vie donnée dans ce film et de très bons acteurs
Une jeune femme se rend dans une maison isolée (en théorie) afin de tenter d'oublier la mort horrible et néanmoins accidentelle de ses parents. Que dire de cet étrangeté sortie dont ne sait où ? Un cinéaste qui maîtrise la réalisation comme un mercenaire joue de la clarinette. Des acteurs dont la prestation est pitoyable. Sans oublier des effets spéciaux ridicule (heureusement qu'il ne tue pas !) et une musique anecdotique. Un navet extrêmement long, aussi bien dans la durée que dans son déroulement, où nullité rime avec... déguerpissez !
une suite excelente! après toutes ces années, ce film a su rénover ses personnages, leurs offrant de nouvelles expériences. Ce film même qu'il soit aussi bien que le 1er, celui ci reste assez différent. Je pense que les nons fans de caméra café doivent plus aprécié.
Un très bon film qui traite de la boxe mais pas que. Le sport le plus cinégénique qui soit est ici utilisé pour parler d'une histoire de rédemption, de dépassement de soi et d'atteinte de la sagesse pour le personnage de Jake Gyllenhaal. Ce dernier doté d'une musculature impressionnante pour ce film prouve une nouvelle fois qu'il est sûrement l'acteur américain le plus intéressant à l'heure actuelle dans ses prestations et ses choix de carrière. Point de vue mise en scène le film alterne avec brio les scènes de combats vraiment très bien filmées avec un montage nerveux et les scènes plus intimistes. J'ai aussi trouvé intéressant le descriptif qui est fait du monde de la boxe et des différentes sangsues qui vivent sur le dos d'un athlète qui gagne des millions. En revanche j'ai trouvé que le scénario empruntait parfois des raccourcis gênants (peut être dû à des coupes?), par exemple la ruine du boxeur qui semble arriver du jour au lendemain sans signes avant coureur, sa décision de se remettre en selle également qui elle aussi intervient d'un seul coup. Il y a plusieurs passages de ce type dans le film et qui me font dire que ce dernier aurait mérité d'être plus long et plus démonstratif. Il n'empêche que s'il n'est pas parfait la rage au ventre reste un super moment de cinéma et se trouve de mon point de vue dans le haut du panier des films traitant du noble art.
Tout bonnement grotesque... A part quelques jolies photo (de montagne) et un moment cocasse avec trois moines, rien n'est à sauver dans ce film à la photo nulle, au scénario inexistant, aux blagues lourdes comme le plomb, avec des acteurs qui surjouent et Sabine Azéma dans un des pires rôles de sa vie (mais malheureusement de plus en plus fréquents depuis quelques années). Un peu triste d'imaginer que sur le nom de deux acteurs bankable et deux frères à la mode, on ait pu financer ce film... au détriment de tant de jeunes cinéastes talentueux. Nul.
Formidable plongée dans le tsunami qu' est la perte d un enfant. Chargé d empathie, d humilité, de belles paroles et de superbes paysages, ce film invite à découvrir comment une mère dévastée découvre sa force de résiliance et reprend goût à la vie. C est un bel exploit d évoquer ce sujet sur grand écran ! C est une véritable réussite et une bouffée d oxygène pour moi qui vit une situation très similaire. À voir absolument, pour les familles endeuillées, leurs proches, amis, collègues, voisins.... en fait pour tous ! Car cela n arrive pas qu' aux autres. Nous méritons chacun de comprendre comment choisir de vivre dans de telles circonstances.
Un grand moment de cinéma, intemporel, inoubliable. Anthony Quinn est au sommet de son Art.
Trois choses ont rendu ce film célébrissime : Son générique de folie, la musique d'Henri Nancini et l'interprétation loufoque de Peter Sellers dans le rôle de l'inspecteur Clouseau. Mais il faudrait parler aussi de la mise en scène magistrale, de quelques gags savoureux (les gorilles) de la montée en puissance de l'humour (jusqu'à la poursuite en voiture) de l'interprétation magistrale de David Niven et de Capucine (en revanche Claudia Cardinale est moyenne et Robert Wagner pas très bon) et de ce petit côté gentiment amoral. On pourra reprocher quelques longueurs (pas bien grave)
Un film fort...un vrai coup de poing que j'ai reçu à la vue de ce film...sous forme de documentaire un film engagé enfin c'est rare...