CATIE-AQ/allocine_clean huggingface dataset:
A l'instar du pâle reflet se fragmentant en mille morceaux sanglants, Nobuhiko Obayashi défonce la réalité à coup de poings, brouillant ainsi les lignes du temps, de l'espace et des couleurs, les formes , la gravité, tout part en latte, délirant bordel satanique craché par les yeux lumineux du Chat. Les membres découpés , dégoulinant de jus de pastèque s'agitent dans tous les sens, accomplissant cette valse délurée en rythme avec la bande son hallucinée, tout droit sortie de la queue du piano fou. Jamais la caméra n'hésite à nous dévoiler les choses les plus cintrées, offrant à nos yeux ébahis cette épatante échappée onirique, parfois kitch mais toujours osée, osant jusqu'au nu - et quel nu, dans un flot de liquides acidulés, quelques bulles de sang s'assoupissent dans sa chevelure - ne reculant devant aucun obstacle fantasmé. Kung-Fu, Fantasy et la belle mère de Gorgeous sont épatantes, gavées d'énergie à ne plus savoir qu'en faire, irradiant l'écran de part leurs mimiques, gestuelles mesurées / démesurées et autres facéties. Fantasy, symbole de l'éternel pouvoir de l'âme, vidée, épuisée se recroqueville, comme une enfant, contre un sein blanc, à la fois virginal et maternel, on y perçoit clairement quelques farouches tensions sexuelles. La belle et son amie se tiennent innocemment par la main, gravissant d'un même pas les marches du palais de l'Amour, ne doutant pas un seul instant de leur force commune, mais peut-on vraiment lutter contre les deux ogres que sont Attente et Solitude? Lentement, au fil du temps, à l'aide de leurs mains décharnées, ils ont construit, modelé, la "Hausu" de cette rancoeur fétide, à l'aide des souvenirs pourrissants, éradiquant , à grands coups de Haine dans le crâne, les moindres intentions célestes. Un monde unique est crée, qui se nourrit de sa propre folie et de celle des hôtes. "Hausu", un microcosme fantastiquement glauque qui n'a qu'une seule envie : s'éclater.
Sans aucune hésitation, le meilleure rôle de Marie Gillain, elle incarne à la perfection le personnage de Nathalie. De même, Bruno Putzulu et Olivier Situk jouent très bien. Le film est très bien réalisée, il raconte une histoire vraie très choquante et l'adaptation est très réussie.
Très grand film. Classique indiscutable du patrimoine français et du réalisme poétique au cinéma des années trente. Marcel Pagnol réalise un chef d'œuvre d'une rare intensité émotionnelles encore aujourd'hui. Un chef d'œuvre qui seras repris maint et maint fois mais jamais inégalé. Pierre Fresnay et Orane Demazis sont parfait dans leurs rôles, Raimu est égale à lui même acteur de tenir patriarche éternel. La trilogie marseillaise restera inter generationnelle.
On aurait pu pardonner la légèreté et le caractère « gros sabots » du début si la suite avait su se faire alléchante. Seulement voila, Soderbergh est ici incapable de trouver de l'unité et du rythme à son film, se contentant d'un simple patchwork d'un peu de tout et surtout de n'importe quoi. Plus le temps passe, et plus le film s'enfonce, jouant même au final de cartes burlesques absolument affligeantes. Notre Vincent Cassel national fait ce qu'il peut pour surnager dans cette soupe infâme, mais il ne peut rien tant son personnage d'Arsène Lupin cloné à du Maurice Chevalier ne ressemble à rien. En bref, du grand n'importe quoi que cette suite.
Des films de mafia, on en a vu des paquets. Des durs, des sanglants, des burlesques... Il manquait le film réaliste qui montre le calvaire d'une épouse de mafioso qui veut quitter ce milieu. Le réalisateur Marco Tullio Giordana, qui réalisa il y a quelques années un chef-d'oeuvre longue durée (Nos meilleures années), excelle à mettre en valeur la forte personnalité du personnage de Lea, interprétée avec maestria par Vanessa Scalera. Il faut en effet un cran énorme, on s'en doute, pour claquer la porte d'une famille dont on ne divorce pas. En dressant de petits tableaux très réussis, espacés à chaque fois de plusieurs années, le film parvient à donner le sentiment du temps qui passe, et donne à voir le vieillissement physique et mental de Léa. La première partie du film est de facture assez classique, mais la deuxième partie devient réellement passionnante. Et glaçante. Un très beau film.
Suite des aventures de Rouletabille pour les frères Podalydès.Après "Le mystère de la chambre jaune",voici la 2ème adaptation de l'oeuvre de Gaston Leroux,sorte de Hergé avant l'heure.Dans "Le parfum de la dame en noir"on retrouve donc cette ambiance surannée,cette atmosphère ludique et joueuse,et une pseudo-intrigue policière à la Hercule Poirot.la troupe d'acteurs s'en donne à coeur joie,et leur entrain est communicatif.Au côté de Jean-Noël Brouté(dont le personnage de photographe gaffeur prend de l'épaisseur),de Sabine Azéma(mystérieuse)ou encore de Michael Lonsdale(spirituel),on retrouve ici Zabou Breitman(très dynamique)ou Vincent Elbaz(au déguisement de prince ridicule).Tout ce petit monde se retrouve dans un manoir au bord de la mer.L'ombre de Larsan règne,mais est-il vraiement là,où sont-ce les élucubrations de chacun?Le scénario intéresse peu Bruno Podalydès,qui prèfère empiler les vignettes,et alterner les scènes de pure fantaisie avec d'autres d'attentes.Du coup,le rythme est irrégulier,le contenu fourre-tout,et ce sont surtout les acteurs et leurs personnages qui donnent du charme à cette élégante distraction.
Roger Kumble réalise ce prequel après l'attachement qu'à donner Sexe Intentions premier du nom et dont il fut aux commandes également. Bien entendu c'est inférieur, seul les grands fans assidus accrocheront quelque peu.
Mon dessin animé préféré quand j'étais enfant, de la musique, de l'humour, toujours de l'action, une morale, tout les ingrédients sont réunis et on passe un super moment !
Fantastique, regorgeant de scènes et de chansons cultes ("Let the sun shine in", "My name is George", "Sodomy", "Age of Aquarius"), magistralement interprété, "Hair" est un triomphe.
encore un chef d'oeuvre au palmarès de jean claude ! il se fait bien derouiller dans le combat final ! jean claude t'es le meilleur !
Ni l'alien, ni le Hunter ne correspondent à l'affiche.... bref, y'a rien d'autre à dire sur cette horreur, pas la peine de développer
Très mauvais. Réalisation d'amateur, acteurs approximatifs, combats bâclés, maquillages de mardi gras, montage effectué à la va-vite... Kinski ne sauve pas le truc, il fait ce qu'il peut.
Superbe! Konuma ne se contente pas de filmer avec talent et originalité des scènes érotiques. Au contraire, il s’inscrit dans le droit fil de traditions artistiques japonaises plus ou moins anciennes (le théâtre kabuki, les romans de Tanizaki, en particulier la célèbre nouvelle "Le tatouage", adaptée auparavant par Musumura) pour faire de son film une parabole vénéneuse sur l’ambiguïté inhérente à toute relation amoureuse, et au delà sur la situation vécue par le Japon dans cet après-guerre où tant de choses changent à toute vitesse. A l’origine du désir fou de Mme Yoshino pour Kikusaburô, y a-t-il le jeune acteur "onnagata" plein de grâce drapé dans son kimono rouge, ou au contraire le "aragoto" au maquillage démoniaque qui l’a violée en coulisse dans sa jeunesse ? Est-ce la bestialité ou le sublime qui l’attire ? Une dualité similaire se retrouve dans le personnage de Hideo, tiraillé entre son désir pour madame Yoshino, fantasmatique et incarnant le passé, et sa fille, terre-à-terre et ancrée dans le présent. La défaite finale de la mère est aussi celle de la civilisation japonaise traditionnelle, anéantie par la modernité matérialiste et désenchantée. Il y a des séquences inoubliables : celle du tatouage, ou celle où madame Yoshino contemple son amant et sa fille enlacés à l’étage en dessous. L’ensemble est magnifié par un travail remarquable sur le cadrage, la profondeur de champ, les couleurs et les éclairages. Vraiment, un film à découvrir !
La mort qui rode en permanence dans un contexte glacial avec des personnages quasiment éteints qui n’ont plus rien à dire ni à faire, très peu pour moi. Malgré ses qualités d’un esthétisme réel mais contestable, le soin apporté à sa conception ,ce film ne m’a apporté que de l’ennui, le même que celui ressenti à sa sortie en 1960. J’étais pourtant curieux de le revoir puisque depuis peu un Blu-ray est disponible. Pour moi, même si le fond et la forme s'accordent cela demeure une mauvaise utilisation de l’art cinématographique car il est privé de l’essentiel : pas de jeu d’acteurs, par d’élan créateur, pas d’utilisation des décors si ce n’est de façon négative, pas de gaité, pas de musique positive mais au contraire dissonante. Bref, c’est tout le contraire qui est mis en scène et de plus de façon terriblement répétitive. C’est un film réservé aux personnes qui apprécient les cauchemars et n’aiment pas les réveils qui les en tirent. Il est cependant toujours intéressant de discuter avec ses thuriféraires à condition qu’ils sachent expliquer pourquoi ce film leur plait tant…A moins que cela soit pour le plaisir d’une réunion de ciné-club. Pour ma part, je n’ai jamais vu un film où je m’ennuie autant alors que je me réjouissais de pouvoir modifier mon impression de jeunesse.
la suite nest pas plus effrayante ni plus originale que le premier.il y à même le côté surprise du concept en moins. pourtant certaines scènes fonctionnent assez bien.
Un scénario trop compliqué pour en faire une histoire réaliste.
Efficace et nerveux mais n'en reste pas moi un film très propagandiste a la gloire des soldats US et leur sacrifice. Trop de bons sentiments et de clichés.
Il ne faut pas se leurrer : Dunkerque est un film hautement patriotique, churchillien si l'on veut, qui a l'art de transformer ce qui fut une déroute cinglante face à la Wehrmacht en triomphe de la volonté et du courage. Point de débâcle ici mais une épopée faite de sang, de sueur et de larmes qui précédait le fameux Blitz de Londres. Par ailleurs, il est indéniable que le film ne se préoccupe que du sort des soldats britanniques sur les plages de l'embarquement faisant peu de cas des forces alliées dans leur ensemble. En temps de guerre, le film aurait appartenu sans discussion aucune au genre propagandiste, sans que cela ait une nuance péjorative car il y en eut de très bons à l'époque comme Ceux qui servent en mer de David Lean et Noel Coward. Pour une autre vision de ces journées décisives dans le début de la guerre, un film comme Week-end à Zuydcoote, qui ne possède certes pas la même maestria, mériterait d'être revu. Ceci posé, Dunkerque est d'abord remarquable par son caractère immersif immédiat, impression qui ne se dément pas, avec un travail époustouflant sur le son et une tension qui ne se relâche jamais. Pour peu qu'on se sente impliqué, le film de Nolan provoque un état de stress de permanent. Du côté de la narration, une fois de plus, Christopher Nolan a essayé de fuir la linéarité en entremêlant trois récits qui finissent par se répondre. C'est un risque, notamment du point de vue émotionnel car le spectateur peut se sentir éloigné des principaux personnages. Aucune interprétation ne se hisse au-dessus des autres d'ailleurs et les dialogues sont rares au point que l'on se dit que le film aurait pu être totalement muet, seulement rythmé par les rafales, les bombes et la musique. Prononcer le terme de chef d'oeuvre est peut-être un peu excessif mais Dunkerque réussit avec ingéniosité à concilier les exigences opposées du film d'auteur et du blockbuster. Et ce n'est pas rien.
Un film d'une rare sécheresse, d'une belle rigueur formelle, sans faute de goût. Puissant, malgré la modestie de ses moyens - très bien photographié et monté, il nous plonge au cœur des ténèbres, dans le Liberia chaotique des années Charles Taylor. L'horreur n'est ni surlignée, ni complaisante. Jean-Stéphane Sauvaire filme ces gamins au corps à corps, leur transe guerrière, leur bêtise insondable, mais sans les juger. Maltraités, arrachés très jeunes à leur famille qu'on a parfois abattu sous leurs yeux, ces enfants perdus sont les jouets d'enjeux mafieux qui les dépassent, ils essayent seulement de survivre. "Johnny Mad Dog" est un diamant noir trop méconnu.
Une comédie dramatique rafraîchissante à la mise en scène propre qui n'a d'égale que l'élégance de son scénario. Le réalisateur, ancien publicitaire, marque d'un grand coup le cinéma du genre avec des images d'une rare beauté.
Être auteur, acteur et spectateur de la même histoire ? Dans la maison y est parvenu, avec un brillant récit sur Claude, un élève de seconde rendant régulièrement des écrits à son professeur de littérature. Alors que cela ne devait être qu'un banal sujet de rédaction au départ, les deux personnes se plaisent à se retrouver pour discuter des travaux de l'étudiant, jusqu'au jour où la fiction est rattrapée par la réalité. Mensonge ou réalité ? Voici tout le problème de la littérature et de l'art en général avec ses innombrables auteurs s'inspirant plus ou moins de leurs vécus. L'histoire de Claude est simple : il aide un camarade de classe en maths, Rapha. Pour cela, il va tous les jours dans sa maison et décrit tout ce qu'il y voit (son quotidien, ses parents et ses loisirs). Cette famille est banale mais c'est là où la magie du cinéma apparaît : les écrits de Claude intéressent et finissent par nous passionner. Luchini et Kristin Scott Thomas, captivés également, parlent-ils du roman ou de la vie de l'adolescent ? Ils sont comme nous, embarqués dans cette histoire aux accents malsains. La mise en scène d'Ozon alterne récit (volontairement caricatural avec ces décors sortis tout droit d'Ikéa et cette famille sentant le stéréotype à plein nez) et réalité avec une fluidité exemplaire. Dans ces rédactions, ce n'est pas tant les personnages qui passionnent que leurs figures classiques d'antihéros. Il y a en fait la construction d'un roman à l'intérieur du cinéma, une mise en abîme du voyeurisme (les spectateurs observent Claude, et Claude observe cette famille) avec cette image de l'étudiant très troublante, voulant partager l'intimité des autres. L'ampleur du scénario devient de plus en plus intense et dangereuse. Comment cette histoire aux traits autobiographiques va t-elle se terminer ? Tout le monde va t-il s'en sortir indemne, ou n'est-ce finalement que de la littérature, simplement ? À suivre.
J'ai vu nombre d'adaptations de Roméo et Juliette ( j'ai 69 ans 3/4) celle-ci est dans doute la + originale la + esthétiquement belle, la + flamboyante et sans doute la + drôle. Courrez voir RAM LEElA, il ne reste que peu de séances. Toute l'Inde est contenu dans ce film. La passion, l'érotisme (chaque geste, chaque regard est suggestif) l'amour de la danse et de la musique, la beauté des danses des costumes et enfin la beauté des acteurs. Leela (Deepeka Padukone) est d"une beauté sans pareille. Ram (Ranveer Singh )fait tourner la tête des filles. Deepeka campe une Juliette effrontée,passionnée, elle promet à Ram de le tuer si il la quitte. On est loin d'une Juliette gnan gnan. Quant à Ram il est beau,sexy (vous allez vous régaler les filles!) Oui j'ai vu Ram Leela et je vais le revoir et le revoir encore dès que le DVD sera sorti. Car la 1er fois je n'ai fait que voir, maintenant je vais regarder. Regarder ce que l'on voit, écouter ce que l'on entend.
Un seul reproche mais je ne vais pas m’en plaindre, c’est avant tout et presque exclusivement un film pour les hommes…Peu de femmes jouant au billard et peu de femme étant capable de comprendre et de tenir pour acquis que des hommes puissent se comporter comme ceux qui nous sont montrés par Rossen. Cela étant dit : quel film ! Aussi riche, profond, intelligent éducatif sur les comportements masculins il y a en fort peu. Le réalisateur y a mis tout son talent et toutes ses expériences vécues, le roman de Tevis n’étant plus qu’un support. Piper Laurie perdue dans ce monde qui lui est étranger y fait une composition bouleversante d’autant que sa lucidité et son pouvoir auto-destructeur ne font que la desservir. Nous sommes habitués aux rôles forts de Paul Newman et de George C Scott, beaucoup plus surprenant est celui de Jackie Gleason, le clochard de Belleville de Gene Kelly. C’est ce genre de film qui fait que le cinéma est un art incomparable. Quel support peut en cent vingts minutes nous en apprendre autant sur la vie ? Manié par des gens comme Rossen, Kazan, Fuller, Aldrich pour n’en citer que quatre, c’est le moyen idéal pour développer nos connaissances et notre intelligence, c’est dommage que si peu de personnes ne s’en rendent pas compte et ne le voient que comme un simple divertissement.
Comme si Les bronzés 3 n'avait pas définitivement prouvé que les anciens du Splendid n'avaient plus rien à offrir au cinéma français, ce remake du film d'Autant-Lara est là pour rajouter quelques clous au cercueil de leur créativité. Le générique, tentant maladroitement de pomper sur les oeuvres de Tim Burton, annonce une comédie noire, mais c'est bel et bien du théâtre de boulevard auquel nous avons droit : gags de fraîcheur suspecte, interprétation va-d'la-gueule (limite si les acteurs ne mettent pas carrément à beugler face caméra), écriture vieillotte (romance juvénile à la noix, François-Xavier Demaison dans un rôle d'inverti dans la grande tradition des maîtres Max Pécas ou Philippe Clair : on se demande pendant tout le film quand vont débarquer l'émir et les nichons tropéziens), difficulté à sortir du décor central... bref, il ne manque que les costumes de Donald Carwell et les décors de Roger Hart. On ne rit pas une seule fois et en plus, on a envie de tabasser la moitié du casting. Y'a mieux, comme séance de cinéma.
Aie Aie Aie! on s'ennuie à mourir! a voir uniquement pour le jeu de nicolas Cage! scenario inexistant , on se perd, film mou : un navet
Passable, mais pas essentiel...
Poignant. Despuès de Lucia prend aux tripes, tout simplement. Beaucoup l'ont déjà dit mais on a envie de se révolter, d'aider Alejandra à sortir de cette humiliation subie. Michel Franco n'est pas là pour faire dans la dentelle et c'est tant mieux, que cela plaise ou non aux âmes les plus prudes. À l'heure d'une société hyper-connectée, ce n'est plus la rumeur qui court mais les faits, comme cela est aussi représenté dans The We and the I de Michel Gondry, sorti récemment. Avec les conséquences que cela implique... Tessa Ia porte avec une belle sensibilité à l'écran l'incapacité d'Alejandra d'avouer l'inacceptable à son père, incarné par Hernán Mendoza, celui-ci n'arrivant pas à faire son deuil. Le nouveau départ d'un père et de sa fille qui vire au cauchemar, sur fond de sexe, d'alcool, de drogue mais surtout de bêtise humaine. Que le réveil promet d'être difficile.
Un assortiment totalement décousu de poncifs et de faux gags... Scénario complétement .... ha ben non il devait pas y avoir de scénario... jeu des acteurs sans relief, succession de morceaux mis bout à bout, réalisation sans saveur, molle... Passez votre chemin...
A voir uniquement pour Nicolas Cage en Rider inflammable. Le reste n'est vraiment pas terrible...
Harald Reinl semble apprécier l'univers de Fritz Lang, il a été l'auteur d'une nouvelle adaptation vraiment magnifique des Nibelungen mais avant il a réalisé ce film qui reprend le personnage du Docteur Mabuse mais malheureusement ici c'est sans talent qu'il met en scène ce film peu passionnant même si on peut apprécier cette histoire de fou diabolique.
Réalisme magique pas mort ! Et plus présent dans le cinéma latino-américain que dans sa littérature, d'ailleurs (exemple récent : Zama de Lucrecia Martel). Los Silencios se situe stricto sensu dans une "Amazone frontière" au beau milieu du grand fleuve et aux confins du Brésil, du Pérou et de la Colombie. Un endroit qui existe dans la réalité et dont les habitants croient à la présence du surnaturel. Pas de frontière entre les vivants et les morts, une situation qui prend une teinte toute particulière dans Los Silencios, dans le contexte de la fin de la guerre civile en Colombie qui aura opposé pendant 40 ans guérilleros et paramilitaires. Visuellement somptueux (la scène finale est un enchantement esthétique), le deuxième film de la brésilienne Beatriz Seigner (rien à voir avec son premier, Bollywood Dream) évoque la violence du conflit, la souffrance des vivants et les plaintes des morts, dans une narration à la douceur surprenante et envoûtante. Le film commence pourtant de manière très réaliste avant de dériver au fil de l'eau dans cet univers où se côtoient ceux qui survivent et ceux furent, des fantômes sans volonté de nuire, un peu comme dans les films de Weerasethakul. Pour apprécier pleinement Los Silencios, Il faut céder à la fascination des images et se laisser entraîner en un voyage initiatique dans les limbes aquatiques.
Pas terrible comme film ... dommage que la bande d'annonce sois plus drôle que le film entier :/ ...
Lou Garou, le shérif-adjoint le plus carnassier et le plus poilu de l'histoire des shérifs-adjoints, est de retour pour affronter un milliardaire développant une bière très louche, la Chicken Milk. "Another Wolfcop" reprend donc l'exacte formule (et les acteurs) de son prédécesseur, c'est à dire jouer de manière complètement décomplexée avec les stéréotypes les plus nanardesques, en y ajoutant cette fois une bonne dose de SF ringarde avec des robots et une invasion de polymorphes particulièrement belliqueux. Problème, l'effet de surprise n'y est plus et la blague tourne à vide. Encore plus poussive que son aîné, cette suite ne dispose cette fois pas d'une intrigue permettant de raviver en permanence la générosité du délire du premier opus, il faudra en fait attendre la dernière demi-heure pour qu'enfin un carnage sur glace consécutif à la venue de petites bestioles amusantes (la trouvaille du film) nous arrache des sourires. Entre-temps, la sensation d'ennui se disputera à celle d'une certaine facilité dans tous les ressorts comiques (la scène érotique inversée à celle du premier, le gag répété du talkie-walkie, les apparitions inutiles de Kevin Smith en nouveau maire, ...), "Another Wolfcop" ne remplit clairement pas le contrat tacite "en faire deux fois plus" induit pour la réussite d'une bonne suite. En réalité, le film se repose sur ses acquis et se contente simplement de répéter la formule qui a fait son succès auprès des aficionados du genre en y rajoutant quelques éléments pour faire illusion. Il vaudrait peut-être mieux s'arrêter là avant que l'hommage aux nanars d'antan tourne au véritable navet de compétition.
Très bon film pour son époque, cette première version de La Mouche a un peu vieilli mais reste une référence du genre.
Un scénario classique d'anticipation vite bidouillé avec les grosses ficelles hollywoodiennes, tellement bien qu'on comprend avant le héros qui est pourtant un génie pourquoi il y a trop de timbres sur la lettre. Les acteurs jouent sans conviction, les effets spéciaux mal réalisés et parfois ridicules. Non rien ne m 'a convaincu dans ce film et je l'efface de ma mémoire de suite.