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La première et l'une des rares incursions de Sydney Pollack dans la comèdie! L'argument, très proche du mythique "Some Like it Hot", observe avec subtilitè - et drôlerie - les consèquences, pour un homme, de se faire passer pour une femme! Certes, le thème du travesti a beaucoup servi au cinèma mais ici c'est Dustin Hoffman incroyablement drôle qui s'y colle, et en virtuose! "Tootsie" valut à la belle Jessica Lange l'Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle! Quant à la sympathique Teri Garr qui sert gènèralement de faire valoir dans des comèdies sans grand relief, elle dèmontre ici qu'elle est une excellente comèdienne! Les gags fusent sans jamais sacrifier l'èmotion dans l'une des meilleures surprises de l’annèe 1982! Dèjà un classique...
Le chef d’œuvre de Coppola, du moins à mon sens… Suffisamment sulfureux, suffisamment malsain et surtout remarquablement mis en image. Il se dégage de ce film une atmosphère vraiment prenante, très cohérente, avec son petit côté ols school bien assumé, et dans laquelle je trouve Gary Oldman absolument époustoufiant. Une claque à chaque visionnage.
101 Dalmatiens 2 : Sur la Trace des Héros est une suite à la hauteur des promesse. Un tres bon film toujour avec Cruella Denfer,Horace et Jasper ainsi que les 101. Mais aussi un nouveau héro Ouragan que l'on pouvais voir (à la télévison) dans le premier film. 4 étoile pour cette tres bonne suite.
Ce film est vraiment super mes fils ont adoré. Ca faisait longtemps que l'on n'avait pas vu un dessin animé avec un rythme calme, sans méchant, tout en douceur avec une musique géniale. Tous les enfants de la salle sont restés yeux et bouche ouverte pendant tout le film, les parents ont applaudi en sortant. L'animation est d'une très grande qualité (graphisme, colorisation, fluidité des mouvements) même si vous ne verrez pas de supers effets spéciaux 3D. Les personnages sont vraiment très attachant. Vivement la sortie du DVD
ATTENTION arnaque du mois ! Des plans séquences fixes et longs pour nous parler des malheurs des chômeurs portugais touchés par la crise, afin d'ennuyer le spectateur au maximum et quil se décourage à jamais d'aller voir des films d'auteurs portugais, si tel était le but il est atteint ! Un film de festival typique qui confine au cliché de l'insupportable prétention. Non ce type n'est pas le nouveau Pasolini, loin s'en faut ! Quel naufrage après le sublime "Tabou" !
Difficile de faire plus chiant que ce délire pseudo-humaniste hystérique sur fond de musique rock tzigane laide et répétitive. Profondément détestable.
Un film poignant d'humanité, à voir absolument. Il sera très apprécié des enfants et jeunes, surtout ceux qui se sentent un peu différents : orphelins, adoptés, familles recomposées, d'origine étrangère etc. Le film les aidera à comprendre ce qu'ils ressentent et leur redonnera espoir sans leur cacher les difficultés. Connaitre ces difficultés les aidera à les accepter et à les surmonter.
Ce film est nul tout simplement. On ne s'attend pas à quelque chose d'exceptionnel mais un minimum quand même. La seul chose que j'ai trouvé bien c'estl"explosion de l'hélicoptère à la finqui est bien faite. C'est tout
Le cinéaste dépressif et hypocondriaque de Douleur et gloire est-il le double d'Almodovar ? Un peu, sans doute, beaucoup, pour certains aspects, pas du tout, pour d"autres. Qu'importe, en définitive, puisque l'on sait que le film est l'un des plus personnels de son auteur et qu'il lui ressemble dans sa vision du passé et de l'avenir, celle d'un homme qui aura 70 ans en septembre. Pas de flamboyance ni de provocation baroque dans Douleur et gloire, Pedro Almodovar est à un moment de sa vie où l'on fait le bilan, où la mélancolie est souvent présente se mariant parfois avec une sorte de sérénité et de douceur, autant de sentiments que l'on retrouve au plus profond dans son dernier film. Celui-ci, longtemps ne paie pas de mine, plutôt banal voire irritant avec une voix off qui va heureusement s'effacer au fil des minutes. La magie va opérer crescendo au rythme d'une émotion retrouvée alors que les flashbacks s'enchaînent, fluides et soyeux, comme dans les plus grands films d'Almodovar. La séduction est moins évidente que dans certains de ses autres films, peut-être parce que le personnage principal est un homme, cette fois-ci, et que rien ne pourra égaler ses portraits de femmes même si ces dernières jouent un rôle prépondérant dans Douleur et Gloire. Le maître espagnol s'est fait plus sobre mais sa patte n'est pas absente dans ce film entre couleur (les décors) et noir (comme les humeurs de son héros, au sens médical du terme). Antonio Banderas interprète son rôle avec une économie de moyens qui confine au génie, parfaite pour cette pseudo autofiction et vraie introspection qui est avant tout romanesque et qui revient à l'essentiel de chaque être, à savoir l'enfance et l'apprentissage du désir. Des thèmes forcément Almodovariens dans un film qui l'est un peu, beaucoup et même pas du tout ...
N'ayant pas vu le film original de John M. Stahl, je serais incapable de faire la moindre comparaison avec son remake. Mais franchement, ce dernier est franchement pas terrible, c'est le même le moins bon film de Douglas Sirk que j'ai vu jusqu'ici. Le réalisateur n'a pas eu l'air visiblement d'être inspiré par son sujet, ni non plus dans le choix du casting. June Allyson ne dégage pas le moindre charisme et n'y a aucune alchimie entre l'actrice et Rossano Brazzi, acteur dont je préfère largement l'interprétation dans "Vacances à Venise". Quand à Françoise Rosay, je serais incapable de dire ce qu'elle fait là puisqu'elle n'apparaît même pas plus de cinq minutes à l'écran et que son rôle aurait pu être aussi bien tenu par une actrice de seconde zone. Les seules choses que l'on puisse sauver de ce film sont l'indéniable élégance de la mise en scène et de magnifiques paysages. Un conseil, passez votre chemin.
Un film qui fait du bien, aux personnages trés attachants, et qui rappel des souvenirs d'enfance. Je n'avais pas envie que le film s'arrête, tellement on s'attache aux habitants et à leurs vies si belle et si simple.
La première chose qui me frappe lorsque je vois ce court-métrage, c’est que la nourriture n’y est pas respectée. Un des personnages principaux le dit lui-même : le pain, c’est sacré. Je n’aime pas la manière dont on joue avec cette nourriture dans ce court-métrage. Je trouve que le pain ne devrait pas être gaspillé. Rien que pour ça, j’enlève une étoile. Je sais bien que c’est le point central de ce film, mais moi, ça me dérange quand on joue avec de la nourriture, même pour les besoins d’un film. Sinon, ce film est assez drôle. Au début, les deux acteurs principaux ne jouent pas très bien, mais ils se rattrapent dans leur jeu d’acteur à la moitié de ce film. L’épicier m’a bien fait rire. Il m’a fait un peu penser à Elie Semoun, sauf qu’Elie Semoun est beaucoup moins drôle. Je le trouve carrément insupportable. Bref, ce court-métrage est assez drôle, mais il aurait gagné à être plus développé.
Ce qui m'a marqué dans ce film se déroulant dans une Normandie obscure au milieu du XIème siècle, c'est la superbe photo de Russell Metty, un grand nom de la discipline assez méconnu, venu de la série B, mais qui avait déjà éclairé Charlton Heston dans "La soif du Mal" d'Orson Welles. Oui, ça pose le bonhomme. Et Heston, veillait au grain sur les différents aspects des films qu'il produisait (comme c'est le cas ici), et ce, à tous les niveaux de production. Le choix de Metty est donc une marque de respect (et il en fera de même en imposant Schaffner sur "La planète des Singes" quelques années plus tard). Au début, c'est un peu mou, la mise en place de l'histoire d'amour torturée entre le seigneur campé par Heston et la belle villageoise (Rosemary Forsyth), ainsi que les tensions naissantes entre le perso de Heston et son frère (Guy Stockwell, frère de Dean) étant un peu laborieuse. Les éclairages de Metty et les superbes décors m'ont distrait la rétine, avant le gros morceau de bravoure du film, l'assaut de la tour occupée par Heston et ses troupes, avec l'aide de son fidèle ami Bors, campé par un solide Richard Boone (méchant de service des westerns de série B). Spectaculaire, rythmé, sauvage et prenante, la séquence, de près de 25 minutes, est un bijou du genre. Sinon, c'est solide à tous les niveaux, avec des décors bien trouvés, des costumes sobres mais bien élimés pour faire d'époque, une belle photo (je vous ai déjà parlé du superbe travail de Russell Metty, aucune nomination aux Oscars cette année-là), des acteurs solides et un rythme ma foi assez prenant au final pour un film sur l'obscurantisme et l'archaïsme des coutumes païennes et chrétiennes. Un film sur le désir et ses ravages aussi. Une belle découverte. D'autres critiques sur thisismymovies.over-blog.com
Si le mot "consternation" devait prendre la forme d'un film, il prendrait sans doute celle de Mother of Tears. Suspiria ne m'avait pas vraiment convaincu bien qu'il possède de bons points, à côté de ce Mother of Tears je dois dire que c'est un chef-d'œuvre. Le film est terriblement grossier et ce en touts points que ce soient les acteurs, l'histoire, les situations mais la palme d'or revient aux scènes gores qui se veulent sûrement outrageantes mais qui sont au final ridicules et donc risibles (les effets sont vraiment grotesques, pourtant le film est loin d'être vieux). Sans parler qu'on a l'impression que le film dure 400 minutes. Une grosse chiure de Dario Argento qui ne mérite même pas l'appellation de navet.
Vu déjà vu et encore du vu ! Je pense qu'il n'y a rien d'autre à dire sur cette pure m****
Dreamer : Inspired by a True Story : Vraiment, un magnifique film : léger et transpirant la bonne humeur et l’espoir. Bon, même si ce film est tout beau, tout rose et que la fin est hyper prévisible car je l’ai deviné au bout de 15 minute de film. Mais pourquoi sans priver franchement : c’est beau. Le casting et solide et les acteurs sont pétillants. Kurt Russell a une belle sensibilité et Dakota Fanning est radieuse. Et vraiment, ça fait plaisir de voir tout ces bons acteurs qui jouent des personnages aussi attachants. Car, c’est une histoire vrai, c’est bien de le souligné. L’histoire d’un père de famille qui va soigner pour sa fille un cheval de course qui était censé être fini et finir a l’abattoir. Mais, sa petite fille va tellement y croire a son rétablissement que ils vont tous se serrés les coudes et ravivés des liens unique en famille. Donc voila, tout ça est très beau a voir, l’émotion et la tendresse est la. Et puis, le film possède une réalisation qui est juste de toute beauté : c’est juste sublime. Vraiment, c’est bien filmé, les cadres sont beaux, la mise en scène est hyper soignée et ça colle parfaitement au film, voila tout. Donc, un très beau divertissement familiale qui même si vous aimée pas le coté hippique, vous pourrait craquer pour ce film.
Le film dure 82 minutes et il faut attendre la 50ème pour que film démarre. Auparavant on a droit à une succession de gamineries assez lamentables. Il faut ensuite 10 minutes pour trouver le cadavre puis l'énigme policière est bâclée. C'est dire si c'est passionnant. Au niveau de l'interprétation Blier est bon, Larquey fait du Larquey mais a tendance à pontifier, Perrier est transparent et Reggiani ridicule en curé. Quant à la fin, elle est grotesque.
une comédie pas drôle du tout, tout y est médiocre
ce film est moyen selon moi et vous qu'en avez-vous pensé?
Nicolas duvauchelle 2,the return of the source of the beginning de la revanche dans le role du quetard de meufs rebel et...boxeur cette fois ci!Brisé par la perte de ses parents,il cherche desesperement à canaliser sa souffrance et sa colere dans le noble art,epaulé par un entraineur,veritable pere de substitution pour notre hero,que meme l'amour naissant de sa rencontre avec une jolie serveuse asiatique ne peut visiblement pas apaiser (entre 2 coups de quequettes biens desesperés eux aussi)Arrivera t il à vaincre ses demons interieurs?Arrivera t il à faire triompher l'amour??ARRIVERA T IL A GAGNER CE COMBAT???!!!...Bah en fait,on s'en fout un peu pour tout dire!
Seule la mort d'un des conjoints peut dissoudre le mariage...Un meurtre pour adultère est puni de trois à sept ans de prison,prècise la loi italienne au dèbut des annèes 60! Le cinèaste Pietro Germi, père de la nouvelle comèdie italienne, a voulu illustrer l'article de loi,littèralement! Amoureux de la jeune et belle Stephania Sandrelli (son premier rôle), le baron Cefalu (campè par un remarquable Marcello Mastroianni) veut quitter son èpouse! Seul moyen de s'en dèbarrasser: la tuer! Projetant un crime passionnel, le personnage central jette alors sa femme dans les bras d'un amant! Humour noir très anglais, anticonformiste dècapant, "le conte" est à la fois amusant et sèrieux avec une satire qui tèmoigne de la plus fine intelligence! On peut regretter que Mastroianni n'ait pas reçu le prix d'interprètation à Cannes, ou le film fut quand même sacrè meilleure comèdie! Une forte divertissante comèdie italienne des annèes 60...
Tres decu,on s'ennuit beaucoup trop meme si Sophie marceau joue bien la son role ...
Un couple fusionnel face à un grand drame de la vie. Le sujet d'Alabama Monroe évoque instantanément celui de La guerre est déclarée. Mais le traitement n'est pas le même. Felix van Groeningen, 4 ans après La merditude des choses, réalise un véritable mélodrame, poignant, avec une force et une délicatesse extrêmes. La déconstruction chronologique est loin d'être artificielle, elle permet au film de varier les émotions, de donner gaieté, humour dans une inéluctable descente vers les ténèbres. L'alchimie entre deux êtres peut-elle suffire quand le malheur s'abat, quand "la vie n'est pas généreuse" ? L'interprétation remarquable de Veerle Baetens et de Johan Heldenbergh est pour beaucoup dans l'intensité d'un film qui fait la part belle à la musique. Du bluegrass qui s'accorde parfaitement au tempo d'Alabama Monroe. Les diatribes anti-religion sont elles souvent maladroites. Elles ne suffisent à détruire l'impression générale : c'est un beau film, triste et inexpugnable comme peut l'être le destin.
Un premier volet particulièrement séduisant, un casting qui correspond bien aux attendus, des combats épiques qui restent dans l'univers Disney et donc pour les enfants, et des effets graphiques parfois sommaires qui ne sont pas non plus une catastrophe. Un bon moment de magie.
Une histoire classique avec de l'humour et de l'amour. L'univers du far west ne m'a jamais attiré. De plus le film a mal vieilli.
Ce film est un ovni - film original, complètement décalé et vraiment très drôle - cela faisait longtemps que je n'avais pas vu une salle rire à gorges déployées de cette manière - La construction scénaristique est un bijou
Le crime de l'Orient Express: n'ayant pas lu le livre auquel en réfère cette interprétation, ni vu le film de 1974, ma critique ne sera portée que sur le film et non sur la comparaison de ce que j'aurais pu voir, ou lire, auparavant. J'était très enthousiaste à l'idée d'aller voir ce film: bande annonce alléchante, suscitant l'intrigue; casting plus que prometteur, huit clos tremblant. Seulement, après quelques minutes, je m'ennuyais déjà. On prend alors son mal en patience, on attend; quand apparait enfin le grand et mystérieux Edward Ratchett interprété par Johnny Depp: tout le monde se soulage alors de sa venue, on peut entendre des "ah!" dans la salle; et c'est alors que je me dis: ça y est, ça va enfin commencer. Il semble que ce n'était qu'une belle illusion. Des scènes entre les autres s'entremêlent alors que nos paupières crient sommeil, Le temps et l'espace se décousent régulièrement: j'entend par là qu'une scene à laquelle on pourrait donner plus d'importance n'est travaillée que brièvement dans le film, tandis que d'autres,trop en suspens ne mériteraient pas une telle intention. Quand la chute apparait, nous sommes déjà trop épuisés pour l'apprécier… Je donne une étoile pour les effets spéciaux managés avec brio Je donne la seconde au réalisateur pour sa chance d’avoir dégoté et pu travailler avec un tel casting (prestigieux!), et enfin, pour son impudence d’en avoir fait une telle déconfiture…
Dans une photographie à couper le souffle (le noir et blanc est plastiquement superbe), le rèalisateur Tony Kaye signe un rèquisitoire sans concession, utilisè comme outil pèdagogique par Amnesty International! Par son histoire de gangs, de vengeance et de haine le film nous montre une rèalitè bien prèsente sur le continent amèricain! "American History X" nous donne une belle leçon de vie et nous éclaircit petit à petit sur les dangers qui nous guettent et qui font de l'homme un être si faible et si dangereux! Edward Norton se montre impressionnant dans le rôle du jeune skinhead Derek Vinyard qui bascule dans la spirale de la violence! Sa prestation lui vaudra une nomination à l'Oscar du meilleur acteur! il est èpaulè par l'excellent et trop rare Edward Furlong qui monte ici l'ètendu de son talent! La fin laisse passer un message: on ne peut èchapper a son passé...Avec des comèdiens criants de vèritè (Edward Norton surtout) et sa B.O magnifique composèe par Anne Dudley, "American History X" est une oeuvre coup de poing que l'on n'est pas prêts d'oublier de si tôt! Un vrai tour de force...
Un film qui est très mauvais.. le kraken n'est pas terrible et ne parlons pas de ce qui est du scénario..
Je ne comprend pas pourquoi ce film est si bien noté. On s ennuie royalement avec ce polar digne d un mauvais telefilm du dimanche soir sur france 3 !
Divine Natalie Dessay dont je me lasse jamais .. Fetes , danses et mouchoir
Une fable généreuse et enchanteresse qui a l'immense mérite d'être un classique décisif du grand cinéma Français pur et intelligent. Vainqueur d'un imprenable charisme. Monument authentique d'anthologie, toutes les scènes qui fondent ce miraculeux trésor parviennent à former gracieusement un souvenir impérisable.
Saisie d’un temps de la vie mais aussi d’un temps de son époque, « l’auberge espagnole » est un film qui fonctionne d’autant plus que Cédric Klapisch a pris le temps d’écrire des personnages qui ont une vraie identité, une vraie profondeur et dont les histoires sont astucieusement mises en scène. Moi, c’est bête, mais ça suffit parfois à mon bonheur.
Inédit sur grand écran.Présenté comme une satire féroce de l'industrie du cinéma,"Panique à Hollywood"(quel titre horrible!)reste en fait bien dans les clous.Il ne heurtera personne,on n'y apprend rien que l'on ne connaisse déja sur la dure réalité de travailler dans le milieu du cinéma.Une comédie peu élaborée,dont le rythme rappelle le style d'un Robert Altman par exemple.Barry Levinson ne repousse pas les influences,au contraire.C'est un faiseur capable du pire("Sphere")comme du meilleur("Rain Man").Il dénonce ici mollement un système qui fonctionne en circuit fermé,impitoyable pour les nerfs,qui peut bouffer l'existence d'un homme.En l'occurence celle d'un producteur sur le déclin(De Niro,fatigué)jonglant entre ses différentes obligations.Il doit s'agiter dans tous les sens,pour contenter un acteur capricieux(Bruce Willis),un réalisateur à la ramasse,une boss ambitieuse(Catherine Keener)ou une ex-épouse lunatique(Robin Wright Penn).Pas la peine de réunir tant de monde pour un constat si contrasté.
Malgré de jolis effets spéciaux, ce film de SF est mou, répétitif et relativement ennuyeux...il y avait sans doute bien mieux à faire, comme creuser un peu plus les personnages, les motivations et les relations entre les/la créature(s) et les humains.
N'étant pas du tout Rock n roll j'ai passé un très bon moment devant ce film drôle et touchant. Une réussite. Bill Nighy, Phillip Seymour Hoffman sont particulièrement excellent. Sans oublier Kenneth Branaght énorme dans le rôle d'un diabolique politicien. A voir.
Une merveilleuse histoire pleine de fraîcheur,de charme et de poésie.Jacques Villeret,Jacques Gamblin,André Dussollier et Michel Serrault sont fabuleux.Petit clin d'oeil à Eric Cantona dans le rôle de Jo Sardi qui est également formidable.On prend un immense plaisir à suivre ce film drôle,tendre et émouvant à la fois.Un très grand film Français.
Pas mal de vulgarité dans ce film, c'est un peu énervant. J'ai quand même regardé jusqu'au bout en espérant une fin digne, ce qui aurait été possible avec un acte fort pour "rentrer dans le lard" des collabos un peu trop gras, mais en vain...
Trois bises mais zéro étoiles pour cette sous-comédie vaguement inspirée par "Stardust memories" de Woody Allen (l'humour, le cynisme, la profondeur etc.. en moins) - apparemment Lvovsky est une habituée des remakes cachés de films américains... Vu le succès qu'elle a, maintenant ce serait bien qu'elle prenne des cours pour apprendre à jouer un tout petit peu et diversifier son jeu monocorde et prévisible, fait de mimiques hébétées et de sourires sournois énervants à la longue...
Ouais bon, j'aurais mieux fait finalement d'attendre que la mer redescende. Comme je suis breton, j'ai l'habitude. Mais par contre, je n'aurais jamais l'habitude de voir des films chiants et franchement à ce niveau-là on a affaire un morceau de choix. Parler du milieu des spectacles de Province, OK pourquoi pas mais encore faut-il en parler de manière convaincante. Je sais qu'aux yeux des parisiens les provinciaux sont des gros ploucs débiles mais il est vraiment pas crédible, à moins qu'on leur ait fourni du shit à l'entrée du théâtre, que les spectateurs rigolent devant un one-woman-show qui n'a pas une once de drôlerie. Quand à l'histoire d'amour, si déjà on arrive à affronter l'accent à couper à la tronçonneuse de Wim Willaert (je précise que d'habitude je n'ai absolument rien contre les accents, au contraire même, mais là je ne sais pas pourquoi j'ai eu du mal !!!), on s'aperçoit très vite que rien n'ai fait pour que l'émotion règne ou qu'on s'attache aux personnages. En tous les cas pas le rythme très cahoteux ou le scénario qui sous prétexte de poésie se permet d'être inexistant. Quand à décerner un César à Yolande Moreau pour ce film, il semble que ce soit un canular dont cette honorable académie a le secret. A moins que vous voulez perdre 90 minutes de votre vie, qui vont vous paraître dans ce cas-là très longues, je ne vois pas d'autre raison valable de vous encourager à voir ça.
Dernier film de François Ozon, «Angel» (Grande Bretagne-France, 2007) illustre l'histoire d'une jeune fille, Angel (Romola Garai), pédante, imbue d'elle-même, qui vit dans l'épicerie d'un petit village anglais. Au lieu de se rendre à l'école, elle feint la maladie pour se consacrer à sa passion : l'écriture. Elle finira par se faire publier, rencontrera le succès, l'amour peut-être, et finira dans la déchéance. «Angel» parle donc d'une vie consumée par la passion de soi, car le plus frappant dans le film c'est l'égoïsme sans fin dont fait preuve Angel. Est évincé toute peine lorsqu'on admire le talent d'Angel. Mais pas l'ombre du cynisme clamé par la presse. En effet, on finit par juger Angel, possédant parfois un point de vue omniscient. Mais François Ozon reste trop attaché à son ange, si bien qu'on est en décalage avec l'histoire. On tente alors d'adopter l'optique d'un film de conte de fée, c'est alors là que ça déplaît. Pour peu qu'on aime les contes de fée pour filles, de ces contes où les princesses vivent heureuse et rencontrent l'amour, on pourra aimer «Angel», encore que la «princesse» Angel ne vit pas heureuse et ne rencontre pas véritablement l'amour. Ainsi «Angel» et l'emmêlement de ses pistes, tantôt conte de fée, tantôt cynisme léger, tantôt peinture sur-colorée, tout cela fait qu'«Angel» échappe et échappera à nombre de gens, non pas par l'auteurisme de sa forme ou de son propos mais par l'insondabilité de son essence. In fine, on sort de la projection en ayant vu un film maîtrisé, respectant les codes des films hollywoodiens romantiques des années 20-30 et pour cela, «Angel» mérite le coup d'être vu, pour la splendeur de ses décors et la beauté de ses costumes. Enfin, le film plaira à un public naïf, puisqu'il utilise la magie des contes de fée pour transmettre les affres de la réalité. «Angel» (Grande Bretagne-France, 2007) de François Ozon est donc une mi-déception.