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Le chef d'oeuvre de Jacques Becker et l'adaptation très èpurèe et plus ou moins autobiographique d'un roman de Josè Giovanni interprètèe par des acteurs inconnus ou peu connus à l'èpoque comme Michel Constantin et Philippe Leroy-Beaulieu! Une remarquable ètude de moeurs et de suspense policier sans pareil se dèroulant dans le monde des prisons! Dans "Le trou", Becker traduit mieux que Giovanni lui-même son univers d'angoisse! Ce dernier restant tout de même un romancier talentueux ayant apportè un accent neuf au policier [...] Enfermès à la prison de la Santè, Roland, Geo, Manu et « Monseigneur » cherchent à s'èvader! La prison n'est pas un lieu d'aventures! Voire! Les hommes qui tentent ce qu'on appelle la belle vivent une aventure aussi intense que le cinèphile, minutieusement prèparèe,mais qui rate!Rien ne dit que ce quatuor d'acteurs inoubliable ne recommencera pas! Mèditation sur l'amitiè (la vraie) et la trahison (dans ce qu'il y a de plus dègueulasse). "Le trou" clôt brillamment une carrière prèmaturèment interrompue par une mort brutale! Merci Jacques Becker dont le fils Jean ("L'ètè meurtrier") achèvera ce pur joyau du film carcèral...
Une bonne claque ! Voilà ce qu'est ce film. Bouleversant, déchirant et terriblement réaliste. Une mère condamnée par le cancer mène le dernier combat de sa vie pour assurer la meilleure des vies possibles à ses 4 enfants. Enchaînant les difficultés administratives et familiales, le film ne ménage en rien le spectateur. Nous sommes impuissants et sans cesse empathiques à la souffrance de cette mère. Alexandra Lamy est juste époustouflante dans ce rôle. Elle m'a complètement fait oublier son rôle de nana délurée dans Un gars, Une fille et interprète avec brio un rôle très dur. Tous les acteurs sont merveilleux y compris Zabou Breitman qui apporte la touche de douceur que l'on attendait dans l'histoire. Le film reste dans l'esprit de "Ma meilleure ennemie" où une maman malade du cancer doit preparer son départ avec son entourage. Toutefois, ce n'est pas une version française mais bien le même combat qui est illustré. Beaucoup plus sombre et réaliste dans Après moi le bonheur.Ma scène préférée reste la toute dernière qui nous annonce que Marie-Claire a réalisé son dernier vœux. Des adieux tout en pudeur et beaucoup de soulagement après des mois d'acharnement.Et surtout...âmes sensibles, dégainez les mouchoirs ! Un petit bijou du cinéma français.
De la même façon qu’il a apporté une dimension brulante au cinéma romantique avec Le lauréat, Mike Nichols réussit, près de quarante ans plus tard, à insuffler une sensualité irrésistible etune cruauté sans concession au schéma classique du marivaudage. Pour adapter l’excellente pièce de théâtre de Patrick Marber, le fait de donner les rôles principaux de ce chassé-croisé amoureux à quatre acteurs prestigieux, qui se révèlent ici plus sexy que jamais, rajoute au film autant de charme que de piquant. La narration pleine d’ellipses ne nous fait profiter que des échanges les plus romantiques, les plus drôles ou les plus cinglants mais n’empêche pas pour autant aux personnages de se montrer particulièrement attachants. Le réalisme émotionnel et l’absence de jugement moral sur le comportement des personnages qui caractérisent l’écriture de ce scénario leur permettent de se distinguer des bluettes à la guimauve et autres comédies romantiques caricaturales qui inondent le marché, pour en faire une œuvre passionnelle époustouflante sur les méandres des relations amoureuses et sur la nature humaine en général.
Réalisé en 1960, à une époque où le cinéaste réalise ses plus grands chefs d’œuvre (de «La complainte du sentier» à «Charulata»), «La déesse» n’est pas le film de Ray qui me sensibilise le plus. En raison d’une mise en scène très académique, moins poétique, exempte des grands mouvements d’appareil et des angles très recherchés habituels. Ce choix s’explique et se justifie néanmoins parfaitement par rapport au thème abordé et au point de vue choisi par Ray, et «La déesse» reste un très grand film, d’une grande richesse réflexive. Au cours d’un rêve, Kalikinkar, père de famille très fidèle aux valeurs religieuses, voit la déesse Kali réincarnée en sa belle fille Doya. Dès lors, il croit fermement en cette incarnation et vénère sa belle fille aveuglément, définitivement convaincu après la guérison «miraculeuse» d’un enfant. Mais cet aveuglément aura de tristes conséquences : mort d’un enfant, séparation d’un couple, folie de Doya. Ray ne stigmatise pas ici la religion à proprement parler (l’hindouisme), mais s’en prend davantage à son mauvais usage, à la foi irrationnelle, au dogmatisme. Le travail de mise en scène qu’il réalise lui permet de prendre le recul nécessaire pour éviter toute ingérence émotionnelle et passionnelle qu’une telle thématique pouvait faciliter. Il ne juge pas, ne nous montrant que les faits, les conséquences de ces comportements. Le propos est très riche et reste aujourd’hui d’une grande actualité. Au-delà de la thématique religieuse, en généralisant la réflexion à tout type de comportements et de décisions guidés uniquement par une forme quelconque de croyance aveugle, on s’aperçoit de la pertinence de la critique. La figure du père, au pouvoir immense, nous aide à élargir l’analyse à tout type d’organismes exerçant le pouvoir. En restant aveuglément fidèles à des croyances, sans les questionner ou les renouveler, ils nous conduisent inévitablement vers des catastrophes, et les sacrifices, comme celui de Kokha dans le film, seront nombreux.
Alors que Disney / Pixar n'est pas franchement dans la période la plus faste de son règne (voir le semi-échec des "Mondes de Ralph", Dreamworks semble de plus en plus s'imposer comme le nouveau géant de l'animation, car après l'excellent "Les 5 légendes", le studio nous offre ici encore un film de très bonne facture. Le film plaira clairement au plus grand nombre avec son humour efficace et son visuel somptueux, dommage que l'histoire soit des plus banales.
Dans la veine de ces films faits "à l'arrache" : sans fric mais avec des tripes, qu'on voit trop peu au cinéma. Les acteurs sont sincères, les dialogues très justes. On s'marre, c'est spontané, une belle découverte.
AVEC de moyens il aurait pu etre sympa! petit film sympa a regarder.
Incroyable ! Voilà le mot qui m'est parvenu après ce visionnement ! J'ai adoré. Il était très marrant, les blagues m'ont bien fait rire, l'action était présente tout au long, la fin n'est pas bâclée. Un très bon film. A voir et à revoir !
Il existait déjà le sous-Alien mais Créature va encore plus loin dans le genre car William Malone crée le sous-sous Alien style (prononcez à l'américaine le dernier mot) ; voici un nanar pitoyable de chez pitoyable. Le degré zéro du cinéma avec des acteurs ou plutôt des gens (les appelaient des acteurs seraient insulter les professionnels du métier) qui livrent des interprétations parmi les plus minables que j'ai vu dans un film (même Milla Jovovich en Jeanne d'Arc semble à côté d'eux une grande actrice) ; Créature n'est même pas un nanar amusant à regarder. A voir éventuellement pour Klaus Kinski ( mais iln'y est que 10 minutes) d'ailleurs c'est pour lui que j'ai visionné Créature.
Kaurismäki dans toute sa splendeur, il pousse ses choix artistiques à leurs extrêmes. Une chronique ouvrière déprimante et pourtant teinté de couleur qui se transforme finalement en marathon vengeur (un peu à la manière de la pièce Liberté à Brême de Fassbinder, mais en moins élaboré). Kaurismäki filme cette chronique telle qu'elle pourrait se présenter dans la réalité, il filme à morceau de vie quelconque dans lequel entrent les personnages, puis en ressortent, et cela pour la plupart des plans, ce qui rend le travail de montage très intéressant et très efficace. Son économie des dialogues, si propre à son style, sert parfaitement le propos du film. Iris évolue dans un univers vide fait de répétitions et de monotonie à l'image de ces machins qu'elle côtoie dans son usine, rêve et tente de s'en extirper mais ne rencontre que des embûches. Mais cette fois-ci, et c'est peu commun chez le cinéaste, le film reste relativement pessimiste quant à l'issue de cette quête désespérée.
Un méchant triller bien tendu d'une intensité physique et émotionnelle proprement hallucinante qui confirme une fois de plus le talent extraordinaire de metteur en scène du génial Florent Emilio-Siri. Ce dernier a d'ailleurs aussi participé au scénario donnant, entre autre, plus ample d’ambigument à ces personnages désespérés pris dans des situations extrêmes. Un film important.
J'ai aimé ce film. Le suspense fonctionne parfaitement bien jusqu'au dénouement. A aucun moment la tension ne redescend, on est happé par l'histoire. Aucune invraisemblance grâce à une fine psychologie des personnages. J'ai vraiment passé un bon moment de cinéma. Et puis, j'adore Roschdy Zem.
Ce western est très long à la détente, ça bouge un peu vers la fin, c'est tout. Le scénario repose essentiellement sur la relation tendue entre l'étranger et les habitants, avec une histoire d'amour peu émouvante. Franchement, vaut mieux se repasser le série LA PETITE MAISON DANS LA PRAIRIE, il y a plus d'action ! Dommage, car avec la présence de grandes stars (Bronson, Ford, Borgnine), on aurait pu avoir du bon spectacle...
J’ai adoré!! Un film drôle, poignant, nécessaire car porteur d’un réel message. Le jeu d’acteur d’owen wilson et de julia roberts est parfait ; quant à celui des enfants ... génial !! C’est pour moi l’un des plus beaux film de 2017.
Ce film de Cronenberg est le pire film que j'ai jamais vu. Etant pourtant amateur de David Lynch, de l'Etrange et de Kafka, je n'ai absolument pas adhéré à ce trip hallucinatoire. C'est complétement barré, les personnages sont glauques et junkies. De plus, les références sur l'homosexualité sont ignobles car faut pas se leurrer c'est fait uniquement pour provoquer. En bref, c'est un film irregardable à part pour les fous. Je préfère quand Cronenberg fait des films psychologiques, ici il y a des anus qui parlent. A éviter!
Deux ans après avoir scénarisé le célèbre film de guerre nommé Patton, Francis Ford Coppola décide de se lancer dans l'adaptation d'un livre traitant de la mafia italienne qu'il intitulera Le Parrain. Le réalisateur rassemble une belle brochette d'acteurs confirmés comme Marlon Brando ainsi que des acteurs inconnus du grand public qui deviendront des figures de cinéma comme Al Pacino et James Caan. Le film relate l'histoire d'un clan d'origine sicilienne nommé Corleone qui contrôle les bars et les jeux de la ville et qui vivent tranquillement dans des propriétés luxueuses. Le réalisateur affiche clairement sa volonté de prouver au spectateur que ces hommes apparemment respectables ne reculent devant rien pour obtenir un service ou l'exécuter. Coppola ne s'enferme pas pour autant dans le cercle vicieux de délivrer successivement uniquement des meurtres ou des règlements de compte sanglants par ailleurs très nombreux mais signifie aussi l'importance que ces hommes accordent à leur famille qui relève du sacré. Le réalisateur a eu la chance d'adapter et de réaliser ce film dans les années 70, époque où l'on ne craignait plus de montrer une extrême violence ou des parties de jambes en l'air. Le scénario est remarquablement bien ficelé, riche, dense et probablement le meilleur que Coppola a pondu. Les décors qui entourent le film sont somptueux, pas une seule image, pas un seul plan ne déroge à la règle. Al Pacino trouve ici son premier grand rôle deux ans après le très controversé Panique à Needle Park où le réalisateur avait remarqué sa prestation. Marlon Brando trouve ici un rôle majeur dans sa flamboyante filmographie et délivre une composition ahurissante dans le rôle du Parrain à la dérive et au calme impressionnant. Voici le premier vrai grand film sur la mafia, un monument dans l'histoire du septième art qui permit à Al Pacino d'être propulsé au rang de star qui enchaînera les longs-métrages et que Coppola retrouvera pour la suite de cette saga colossale! Génial!
La fausse bonne idées par excellence. Ce film est en totale contradictions avec entretien avec un vampire est pourtant il reprend le personnage de lestat. Joué par Stuart Townsend, qui bien qu'il n'arrive pas a la cheville de tom cruise s'en tire honorablement. Mais a part cela, que sauvez de ce film? Le scenario n'a ni queue ni tête, aucune raison apparente ne le fait avancer, toute les promesses qu'il nous fait son décus, il multiplie les non-sens et les contradictions pour se donner l'air cool,enfin le scenar typique destiné au lobotomisé. Les effets speciaux ne volent franchement pas trés haut, même la série buffy et blade etait plus crédible en se qui concerne la combustion des vampires, c'est dire, et les agresseurs durant le concert ressemble plus a des détraqueurs d'harry potter qu'a des vampires... Enfin pour finir le casting, c'est sans doute se qui fait le plus peur dans ce film, le casting raté. Aalyha ressemble a un pantin de marionnetistes, toujours les coudes en l'air, et reconnaissont le, jouait plus mal mériterait une amende. Bref, un film a oublier, si vous voulez voir un film de Vampires, je vous conseille l'entretien citez ci-dessus, ou Near Dark, de Bigelow ou Vampires de Carpenter mais pas cet ersatz edulcoré et ecoeurant.
Super film, très réaliste sur la jeunesse les acteurs amataurs sont très bon, une très bonne surprise.
(Ciné Aout 2014) Il faut dire que je suis fan de la série X-Men au cinéma. ça toujours été de bons films plein d'action et de suspense. Ce dernier ne déroge pas à la règle. Même si il est un ton en dessous des derniers (avec son caractère futuriste et la transmission de pensée dans le futur), le film est encore de bonne facture. Jennifer Lawrence campe Raven à merveille et donne de la profondeur au personnage. Clin d 'oeil de notre petit français Omar Sy en mutant du futur. (DVD Octobre 2014) Revu avec plaisir même s'il reste bien présent dans ma mémoire
Un raté de Robert Redford, un scénario et des seconds rôles vraiment pas terribles!
Le lieutenant souriant ne figure pas parmi les plus célèbres films d’Ernst Lubitsch. Ce constat s’explique en partie par une mise en scène très sage qui vient rarement servir l’argument au demeurant léger du film. Cette comédie musicale peu signifiante animée par un trio chantant composé de Claudette Colbert, Miriam Hopkins et Maurice Chevalier reste malgré tout agréable à regarder et à écouter. Sur ce dernier point, le charmant accent très français de Maurice Chevalier chantant en anglais rend superflu le sous-titrage proposé dans la langue de Molière.
Un film où tout sonne faux du début à la fin : histoire, jeu des acteurs, ... On ne croit pas une seconde à l'histoire de ces jeunes fans de plongeon et à l'arrivée parmi eux de la jeune bourge du quartier. En plus, la vague intrigue policière qui vient se greffer sur l'histoire de ces jeunes fans de plongeon est médiocrement racontée : la plupart des téléfilms de France 3 lui étant supérieur. Une énorme déception !
Quel calvaire! Quel cauchemar! Quelle cruautè! Quelle âpretè! En 1959, les cinèphiles du monde entier dècouvrent sur les ècrans, "Ben-Hur", "Rio Bravo", "Some like it hot", "La dolce vita", "Les 400 coups" ou encore "A bout de souffle". Au japon sort au même moment une oeuvre hors-norme qui se dèroule à la fin de la Seconde Guerre mondiale! On lui a demandè de mourir et le soldat Tamura en a bien l'intention! Alors pourquoi se presser dans cette descente aux enfers totalement effrayante ? Aller jusqu'au bout de ce film nippon, sous un soleil de plomb, avec la peur au ventre, devient rapidement un enfer sans retour possible! On bouffe du sel, on troque du tabac pour des patates douces, on a les dents qui tombent, les godasses HS [...] Le pauvre Tamura va vivre durant toute la projection un cauchemar èveillè, de la faim au cannibalisme en passant par la mort! L'absurditè de la guerre (comme si vous y ètiez) dans ce qu'elle a de plus dègueulasse! Sans aucun doute le meilleur long-mètrage de Kon Ichikawa...
Il ne se passe rien dans ce film. Le scénario est absent. On s'ennuie du début à la fin.
Franchement j'en peu plus de ces films qui ont des fins sans queues ni têtes, j'ai toujours appris que pour écrire une bonne histoire il fallait déjà connaître la fin, et bien là on attends 2 heures pour savoir ce qui se passe et j'attends toujours... Sinon tous les clichés de ces genre de films sont utilisés les uns après les autres, des personnages secondaires qui apportent strictement rien à l'histoire, le jeu d'acteur est plus que limite, je me suis demandé 20 fois si le mari et la femme était vraiment ensemble tellement ils paraissent pas naturels... Bref si vous voulez du road trip post apocalyptique, retournez sur mad Max, c'est plus prudent.
Exemple typique du cinéma américain indépendant des années 80, "My brother's wedding" décrit avec humour et sensibilité la condition des noirs sur le sol des Etats-Unis. Armé d'une sincérité évidente, Charles Burnett évoque alors le quotidien d'une famille dans un quartier pauvre et dangereux de Los Angeles, entre le travail routinier, les errances amicales et les tensions familiales. Le naturel épatant des comédiens et la justesse de la mise en scène de Burnett - malgré un budget restreint - rendent palpable ce plaisir de vivre en communauté, et animent l'espoir de l'égalité et de la paix entre les hommes. Si le scénario est simple, c'est pour mieux servir l'opposition symbolique du final, où le héros devra faire un choix. Les plans de Burnett sont emplis de poésie urbaine, ils sont vivants et agréables, et inscrivent l'histoire dans un calme prodigieux et extrêmement plaisant. La ressortie de "My brother's wedding" tombe donc au bon moment ; à l'heure des élections de Barack Obama, cette histoire simple et belle rappelle avec douceur l'importance des droits, les choix que tout homme - blanc ou noir - doit faire pour défendre son honneur, le besoin crucial des liens familiaux et la violence qui, toujours, règne dans certains quartiers américains. Le mélange entre le drame profond et les séquences burlesques donnent une alchimie étonnante, légère et émouvante. Grâce à la valeur politique que prend le film aujourd'hui, les images deviennent nostalgiques, le récit nécessaire, tout prend encore plus d'interêt, notamment celui de nous faire (re)découvrir un artiste discret et au talent certain.
Putain, je l'ai vu combien de fois ce film ? Autant de fois qu'on me l'a critiqué. Non, plus quand même. C'est un putain de vrai chef d’œuvre. Ce film à réellement changé ma vie, car il m'a amené l'amour du teen-movie, il m'a appris à apprécier le film en lui-même, car il m'a montré que le film est l'art le plus profond qu'il existe. Ce film est plus qu'une expérience cinématographique, c'est un CHOC. J'ai vu la "pub" dans un science et vie junior en pleins milieu de mes années collèges ... J'ai eu du mal à m'y mettre, mais je l'ai regardé. Est-ce que je m'attendais à ça ? Absolument pas. J'en suis resté marqué, marqué d'un fer chauffé en Enfer, à vie. 2h37, c'est pour moi toute un légende. Je suis désolé d'en perdre mon objectivité, mais c'est tout le temps comme cela pour les plus grands chefs d’œuvre : je suis incapable de faire une vrai critique. Ce film. Est. Un putain. De. MONSTRE CINÉMATOGRAPHIQUE. Conclusion de la critique.
"Magnolia" est un véritable condensé de savoir-faire ! Paul Thomas Anderson signe ici un long-métrage unique et impressionnant sur tous les aspects : scénario, mise en scène, casting, prestations, musique, photographie, dialogues, tout y est. Le cinéaste nous livre là un film choral de très grande envergure qui nous paralyse tellement il est captivant. "Nous en avons peut-être fini avec le passé, mais le passé n'en a pas fini avec nous." Une leçon de cinéma de trois heures nous est offerte, c'est du génie : Magnolia forever ! PS : Ici aussi, comme dans "There will be blood", nous aurons l'occasion de découvrir une scène hommage au "2001 : l'odyssée de l'espace" de Stanley Kubrick, celle ou le vieillard mourant sur son lit est filmé sur la musique classique "Also Sprach Zarathustra".
Un NAVET démago, plat, honteux, moralisateur, merdique, médiocre, bâclé, raciste, opportuniste, mauvais, surévalué, simpliste, invraisemblable, incrédible, incohérent, soporifique, sans moyens, mensonger, pathétique, ridicule, approximatif, nul, navrant et caricatural ... que dire de plus ? Heureusement que je n'ai pas payé ma place, j'aurais mal supporté me faire voler de la sorte...
Le scénario est léger mais il a le mérite de nous faire découvrir la vie à Jérusalem, prise dans un conflit sanglant depuis plusieurs années.
Encore un très grand film signé Sergio Leone. Malgré la longueur du film, il me parait bien court tellement on passe un excellent moment devant. A la fois captivant, intelligent, divertissant, enfin beaucoup de superlatif pourrait être utilisé pour décrire ce monument. Techniquement Leone est époustouflant, la mise en scène, les plans, les reconstitutions, c'est vraiment époustouflant. La photographie aussi est superbe. Le scénario est excellent et plutôt bien écrit, notamment dans les rebondissements. Les acteurs sont impeccables, James Coburn et Rod Steiger sont excellent. Et que dire de la bande originale de Ennio Morricone, si ce n'est pas sa plus mémorable (en même temps la concurrence est assez rude!) elle n'en reste pas moins excellente. Un western fascinant et original dont on ne se lasse jamais, grandiose.
Très décevant. Evidemment Isabelle Huppert est très bien, comme d'habitude. Mais que ce film est ennuyeux, et à la fois plein de clichés et aussi d'invraisemblances! On ne comprend pas vraiment où le film veut en venir. On suit une femme dans ses délires et ses contradictions mais ça ne mène pas à grand chose. Il n'y a pas grand suspense. On se doute assez rapidement que le voisin est l'auteur du viols. Ca traîne en longueur. Quant à son entourage, pas beaucoup de surprises non plus: un amant qui est le mari de sa meilleure amie, une meilleure amie qui n'y voit que du feu. Et des invraisemblances assez nulles: une mère qui a 40 ans de moins que son amant (sans doute plus car Judith Magre -très bien au demeurant- est "rajeunie" de 15 ans pour le film), un fils un peu neuneu dont la copine hystérique et tête à claque accouche d'un enfant noir et qui croit qu'il est de lui - et pour bien enfoncer le clou on fait apparaître à la maternité le collègue noir du père officiel, des fois qu'on n'aurait pas compris. Et des clichés éculés comme un ex-mari intello (Berling) qui fait sa crise de la cinquantaine avec une jeunette prof de fitness qui va le plaquer, bien sûr. Tous ces bons acteurs, hélas, ne sauvent pas le film. On ne sait pas si on doit le prendre comme un thriller ou une comédie.
Une bande annonce meilleure que le film ! Bref, un scénario décevant malgré quelques rares sourires : à déconseiller aux plus de 10ans !
Stanley Kubrick est au sommet de son art avec ce "Dr Strangelove" complètement allumé et terriblement réaliste. La bêtise des décideurs aux pouvoirs immenses est bien mesurée. Heureusement que durant la guerre froide, aussi bien les nazis Staliniens que les nazis Conservateurs n'ont pas eu le courage d'appuyé sur le bouton de l'apocalypse nucléaire. Toute cette horreur est savamment distillée avec une bonne dose d'humour pour faire passer la pilule. De beaux cadrages, une mise en scène s'appuyant sur des acteurs hors de pairs, un noir et blanc somptueux. C'est un chef-d’œuvre. A noter la fin glaçante d'effroi :"les explosions de la machine infernale se succèdent tandis que Madame Vera Lynn chante son célèbre succès : We'll meet again."
Téléfilm sans prétention, Little Wenzhou est pourtant de qualité et se laisse très facilement regarder. On y parle d'imigration, de conflits de générations et de cultures avec une petite pointe d'humour et d'ironie... A voir juste pour le plaisir de l'avoir vu.