CATIE-AQ/allocine_clean huggingface dataset:
Quelque chose ne tourne pas rond chez Simon (Félix Moati) : dès la première scène du film, lorsqu’il explique à un vendeur de magasin de jouets qu’il veut faire un cadeau à son enfant qui n’est pas encore né, on devine qu’on a affaire à un esprit bancal, avant de l’entendre expliquer sans détour qu’il sort d’un hôpital psychiatrique, un lieu qu’il a trouvé « reposant ». Heureusement, si l’on peut dire, le mal dont il souffre ne se retourne que contre lui-même, jamais contre les autres. Simon peut se fracasser le visage contre un mur, mais n’use pas de violence envers autrui. On en a rapidement la preuve puisque le jeune homme se lance bientôt à la poursuite de Théodore, un garçon qui s’apprêtait à faire sa bar-mitzvah à la synagogue dont le rabbin n’est autre que l’épouse enceinte de Simon. Théodore, l’adolescent, lui aussi va mal : il est en quête de son père et ne trouve rien de mieux que d’entrer en crise et de s’enfuir de la synagogue. Les deux éclopés de la vie, les deux blessés de l’existence, le jeune homme et l’adolescent, se poursuivent l’un l’autre, se découvrent l’un l’autre et, en fin de compte, s’épaulent l’un l’autre. Ce film attachant, simple et beau, met en scène cette histoire de cabossés avec talent. Les êtres qui semblent les moins aptes à soutenir autrui sont peut-être bien justement ceux sur qui on peut le plus compter.
Le film est génial et dégage une ambiance angoissante qui sépare rêve et réalité au point ou on se demande lequel est vrai. Et cette fin mystérieuse qui nous laisse abasourdi qu'on peut retrouver dans Rosemary's baby ou Shining. Malgré cette qualité peu élevé et cette bande sonore choinnante, le film à tout de même un charisme et un genre qu'on retrouve dans les années 60 avec Je suis une légende, Spider baby, démentia 13, La nuit des morts vivants etc .... Et pourtant, avec une audience peu élevée, il a attiré de grands réalisateurs qui s'en sont inspiré : Roman Polanski, Tim Burton, David Lynch, Goerge Romero et j'en passe.... Bref... Un très bon film pour les cinéphiles adepte de films d'épouvante dans les années 60.
Un film palpitant et effrayant, visuellement magnifique, et à l'une des 3 meilleur B.O. de tous les temps ! Une démonstration de force de Henri Selick !
A la fois péplum, comédie, film érotique et film d'horreur, "Messaline, impératrice et putain" est une oeuvre que l'on a bien du mal à classer parmi un genre bien précis. Et il faut avouer que l'ensemble n'est pas forcément toujours très plaisant à suivre. L'érotisme n'est pas suffisamment présent à mon goût, l'humour est franchement très spécial et l'histoire est assez pauvre. Mais bon, nous avons le droit à une mise en scène plutôt réussi par moment (notamment en ce qui concerne le fameux massacre bien gore vers la fin du film) et la très belle Anneka Di Lorenzo campe avec conviction une bien farouche Messaline. A noter aussi que ce film à été tourné avec les décors du célèbre "Caligula" de Tinto Brass.
très bon téléfilm tiré de faits réels. shannen doherty démontre une fois de plus ses talents de comédienne, tandis que tim matheson est très convincants.
pas mon genre de film mais le suspens est au rdv les actrices sont douées et le scénario bien imaginé nul besoin de parler du crime pointé du doigt,il est largement mis en valeur.
"Dreamcatcher", le roman, est l'un des meilleurs bouquins de Stephen King depuis "Ca". J'attendais donc "Dreamcatcher", le film, avec joie... mais aussi appréhension, au vu des précédentes adaptations ciné et TV des oeuvres du maître, pas toujours réussies... Adapter l'inadapatable ? Kasdan, sans être un Peter Jackson, s'en tire haut-la-main grâce à un script très respectueux du bouquin, aussi bien dans l'histoire (sauf les 40 dernières minutes, complétement différentes de la trame initiale, vite expédiées donc un peu bâclées) que sur le fond, notamment sur le langage cru, le gore et autres merveilles sur lesquelles la censure aurait pu s'acharner. Je le place donc parmi mon top des meilleures adaptations, avec "Dead Zone, "Carrie", "Christine" (entre autres). Cependant, pour ceux qui n'ont pas lu le livre, qu reste-t-il ? Un honnête thriller fantastico-horrifico-sanguinolent de sci-fi, avec des acteurs ad-hoc (Morgan Freeman en tête) et de bons effets spéciaux, mais au scénario brouillon et confus. Rien d'extraordibaire mais en tout cas, plus recommandable que le politico-chauvin "Indepedence Day" et son patriotisme gerbeux. Un dernier conseil : lisez "Dreamcatcher", allez voir le film ensuite... Ce qui est valable pour n'importe quelle adaptation !
Je ne me suis jamais autant ennuyé dans ce film. A fuir!
“Une Vie Cachée” de Terrence Malik, relate le combat moral d’un objecteur de conscience, Franz Jägerstätter, durant le IIIe Reich. Dans la première partie du film, le réalisateur nous montre la vie de ce paysan, avec sa femme et ses filles, dans leur ferme des alpes autrichiennes, au village de Radegund. La composition de chaque plan est juste splendide. C’est d’une beauté à couper le souffle. Il n’y a pratiquement aucun dialogue. On contemple la magnificence de cette nature grandiose et de cette vie rurale faite de labeur et d’amour, en toute harmonie. Dans la seconde partie, on voit Franz appelé à rejoindre l’armée allemande et refuser de prêter serment à Hitler. Incarcéré, il paiera le prix fort au nom de ses convictions. Croyant, intègre, déterminé, insoumis, la voix-off nous donne à entendre sa lutte intérieure et ses pensées (d’après la correspondance qu’il a eue avec son épouse). August Diehl/Franz et Valérie Pachner/Fani sont remarquables de sobriété, tout comme l'ensemble. Le réalisateur nous maintient pourtant à distance, par pudeur peut être ou exercice de style. On en sort remué. C'est bouleversant.
Esthétique de très haut niveau. Photographie et direction artistique sublime. Direction d'actrice intense. Quel très beau film ! Bravo Karim Ainouz
se film il est extraordinaire les acteur joue parfaitement c'est pas tellement gore gore que sa mais le suspense c'est du début a la fin vraiment au TOP allé le voir les yeux fermé parce que on se régal beaucoup
Un film plein d'intelligence, réellement bouleversant. Une leçon existentielle que l'on prend, mine de rien, en pleine figure. De nombreux thèmes y sont très harmonieusement abordés : la Vie, avant tout, mais aussi le couple, la mort, la famille, l'adolescence. C'est avant tout la prouesse des réalisateurs/scénaristes, Colombe Savignac et Pascal Ralite, qui parviennent à nous faire passer du rire aux larmes, et inversement, en nous racontant une histoire qui parle à tout le monde. C'est avec du quotidien qu'ils nous font accéder à l'universel. C'est, également, un superbe casting : un quatuor d'authentiques révélations (Suzanne Clément est particulièrement impressionnante), qui vous restent tous les quatre en tête une fois sorti de la salle. Une surprise totale, que je vous recommande sans aucune hésitation.
Deux plans fixes de cinq minutes ouvrent et ferment le film. Le premier étant un message de désespoir, le dernier d’espoir. Entre ces deux plans, nous aurons accompagné le réalisateur et sa complice dans une recherche de la vérité qui est aussi une immersion au fin fond de la campagne Iranienne, et rencontré des situations et des personnages d’une grande humanité. Loin du documentaire et de ses codes, le film nous fait pénétrer et surtout ressentir un monde bien loin du nôtre. La mise en scène, pleine d’humilité et de retenue, va à l’essentiel ; et le scénario (primé à Cannes) est d’une grande intelligence, jouant sur les correspondances entres les personnages et les propos. La situation délicate de Jafar Panahi dans son pays ne fait l’objet que d’une brève allusion directe dans le film, mais l'auteur nous parle de ce en quoi il croit et qu’il pratique : la force de la volonté quand on veut être artiste et, culminant dans un plan simple d’une femme peignant entrevue sous les frondaisons, la capacité à créer face à l’intolérance et l’adversité.
Un film remarquable que j'ai dû me procurer en VHS et 25 ans après la première vision je n'ai pas été déçu. C'est clair que les couleurs ont l'emprunte des films des années 80 et alors ?! Pourquoi vouloir toujours tout remastériser ! Ce film est un miroir pour tout passionné de cinéma, qui de nous ne se retrouve pas, ne serait-ce qu'une infime partie, dans le personnage d'Eric (D. Christopher), j'en veux pour preuve que tout passionné de cinéma a un jour ou l'autre sorti une réplique d'un film dans la vie de tous les jours. Ce film est un hommage au cinéma (film noir américain, aventure et western), légèrement maladroit techniquement parlant mais pas dans le fond. C'est aussi une occasion de méditer jusqu'où l'amour du cinéma peut mener. De plus on a l'agréable surprise de retrouver Mickey Rourke dans un de ses premiers rôles. Quant à moi j'attends avec impatience la version DVD sous-titrées et avec…bonus bien sûr.
Suspense haletant et casting irréprochable, cette adaptation de la fameuse série télé est une des très grandes réussites du genre. On ne décramponne pas une seconde, chaque personnage est admirablement travaillé et le charismatique Harrison Ford livre une de ses meilleures compositions face à un Tommy Lee Jones toujours aussi jubilatoire. Un thriller d'une efficacité indéniable et toujours passionnant.
C’est une fête de famille typique pour moi car elle ressemble à toutes les fêtes et réunions de famille que j’ai vécues, enfant, dans ma propre famille, sauf que chez nous il n’y avait ni cinglée ni boulet, mais elles étaient toutes destructrices car chacun venait avec ses rancunes et ses rancœurs, et elles viraient toutes au grand déballage et aux règlements de comptes. Elles commençaient dans la joie et les rires pour finir en pugilat, en crises de nerfs et en crises de larmes. Pour ce motif, j’ai vraiment beaucoup aimé ce film qui m’a rappelé mon enfance, et j’ai trouvé que Cédric Kahn n’avait pas trop forcé le trait, ce n’est en rien une caricature. Catherine Deneuve, une fois de plus, est parfaite.
Comme avec l'Albanie du magnifique premier film de Laura Bispuri (Vierge sous serment), les paysage sardes de Ma fille sont un élément indispensable à la compréhension de l'intrigue et aux ressorts psychologiques des personnages principaux. Avec ce côté sauvage, austère et grandiose à la fois. Le film raconte comment une fillette choyée se sent attirée par une autre femme que sa mère comme si elle découvrait quelqu'un qui lui ressemblait davantage, et pour cause. Au fond, qu'est-ce que c'est être une bonne mère ? Celle qui donne la sécurité et un amour indéfectible ? Celle, instable mais libre qui ne donne sa tendresse que par bouffées ? Entre deux mères, le choix pousse t-il vers la raison ou l'instinct ? Ma fille est un film superbe, un peu abrupt d'accès mais incroyablement bien réalisé avec une mise en scène faussement simple qui est terriblement attentive au moindre souffle de vent et au plus petit changement d'humeur sur un visage. Valeria Golino et Alba Rohrwacher, deux des plus grandes actrices italiennes, font vivre leurs personnages avec une intensité somptueuse, la deuxième notamment avec un rôle qui ajoute encore des nuances à une palette déjà étendue. L'atmosphère de ce bout de Sardaigne, entre plaine et mer, participe au climat aride et solaire de ce quasi mélodrame intime nourri de la bienveillance de la réalisatrice pour des femmes aux tempéraments opposées mais liées par cette fillette, rousse et donc ostracisée et solitaire, et sans doute aussi par un attachement viscéral à leur terre.
Dans cette drôle de chasse au trèsor, les plus bêtes ne sont pas ceux qu'on croit! Dans cette parodie poussive de film noir signè par l'inègal Jeannot Szwarc, deux semi-sels aux bèvues à rèpètition, se font damer le pion par deux superchiens dressès à repèrer les faux billets! Christophe Lambert et Richard Anconina s'amusent à jouer le tandem calamiteux face à la charmante Philippine Leroy-Beaulieu et à leurs partenaires à poils, deux cabots qui leur volent pour ainsi dire la vedette! Les chiens ne devaient pas être de faire-valoir mais des personnages à part entière! Aussi Szwarc n'a pas hèsitè à faire un casting de chiens amèricains pour dènicher sa paire idèale! Picasso, le placide bearded-collie appartient à une lignèe de comèdiens puisque son père jouait dans le mythique "Back to the Future". Quant à Pogo, le fox-terrier, il vient d'un refuge pour animaux! Lambert, Anconina et les deux toutous superdouès, ça donne une comèdie française - certes sympathique - mais qui manque de chien...
Avec Damage, on se trouve loin d'une envolée lyrique. Le scénario fait le paris d'efficacité:le vrai faux méchant qui s'en va en croisade pour le bien de tous (vraiment de tous). Avec des dialogues aussi plats, on ne peut que se tourner vers les sessions de combat, perles pour amateur de catch mais insuffisant quand on aime un temps soit peu les films d'actions. AUSTIN, certainement imposant en STONE COLD, ne l'est pas du tout dans ce film: un vrai faux sportif qui pousse moins en kilomètre que de la fonte(il n'a pas du pratiquer souvent la course à pied quand on le voit faire son footing).A noter également la présence "surprenante" de ce pot de protéine dans l'appartement. Déformation professionnelle oblige, ses combats font d'avantage penser à du catch que du free fight. Les bruitages sont très moyens,l'étranglement dans le bar nous fait penser à un malaxage de plastique. N'aidant en rien, le doublage français est très limite. GOGGINS arrive malgré tout à s'en sortir la tête haute avec un personnage plus complet. Maquillages et décors sont les enfants pauvres de cette fiction, nous rappelant ses lettres minuscules (cocace le cimetière des bateaux). Pour résumer cette critique,il suffit de regarder la scène chez le diacre et l'on prend pleinement conscience du niveau stylistique de l'oeuvre.
une suite pas terrible mai qui se regarde avoir pour les curieux qui on deja vu le un
excessivement comtemplatif ....................................................... très peu instructif
Quand on parle de Fritz Lang, les premiers titres qui risquent de vous venir en tête sont ces classiques du septième art que sont « Metropolis » ou « M le maudit ». Mais derrière ces films à la réputation largement méritée se trouvent d’autres films moins abordés mais pourtant intéressants à revoir, comme ce « Cape et Poignard », récit d’espionnage particulièrement prenant. En effet, il est dur de ne pas être captivé par le scénario et sa manière de dresser des figures fortes dans un contexte historique particulièrement trouble. Il s’en retrouve même quelque chose du cinéma moderne de genre, tel ce mano à mano uniquement animé par la musique à l’extérieur de l’affrontement. Dans ce sens, la présence du particulièrement charismatique Gary Cooper résonne comme une fausse annonce de héros parfait là où c’est l’humanisme qui prévaut dans l’écriture des personnages. Difficile alors de ne pas voir un hommage du réalisateur à une forme d’héroïsme de l’ombre présent durant le conflit mondial, ancrant son film dans une forme de réalisme qui n’iconise jamais réellement ce qui aurait pu tomber dans une forme de facilité narrative, comme la place du patriotisme. Lang sait créer le suspense et le divertissement par sa mise en scène justement par cette gestion finalement concrète de son intrigue, le tout avec une forme de divertissement que pourraient jalouser des blockbusters beaucoup moins impactants malgré leur nature plus récente et plus chargée financièrement. De quoi inciter à la découverte immédiate d’une œuvre divertissante et dirigée d’une main de maître par Fritz Lang ainsi que l’occasion de rappeler la place importante du réalisateur allemand dans ce septième art qu’on chérit tant.
Une bon suspense des le début, on reste dans la thématique du film. Un histoire qui semble vrai sans aucun débordement ou événement sans lien. A conseiller pour ceux qui aiment les films de guerre stratégique.
Clin d'oeil observateur et instigateur sur un autre monde connu du ghetto à dire les trafics de drogue et autres aspects pessimistes , David LaChapelle nous emmène dans l'incroyable univers des "krumpers" , jeunes gens blacks issus des milieux défavorisés se déchaînant sur un style de danse mélange d'hip-hop et de danses vaudous en quelques sortes d'où un mouvement endiablé. Avec LaChapelle , ancien réalisateur de clips, on s'attend à du gros esthétique, et c'est exactement à ça auquel on a affaire, de très belles images de corps huilés se remuant sous un soleil aride. Très bien fait donc, juste déplorable le côté gros documentaire avec ses nombreuses interviews fatiguantes.
Palme d'or au Festival de Cannes, et Oscar du meilleur film ètranger, "Pelle le conquèrant" obtient les rècompenses les plus prestigieuses dans le monde entier et confirme le renouveau du cinèma nordique! A l'origine du film, un classique de la littèrature scandinave: le roman de Martin Andersen Nexö, surnommè le "Dickens danois", qui conte l'apprentissage de la vie par un enfant pauvre confrontè à la cruautè de ses contemporains! L'histoire de Pelle est universelle et intemporelle et traite essentiellement de la foi en l'homme! Le film de Bille August n'est ni une oeuvre sociale ni un tableau misèrabiliste! il rèside dans l'ampleur, la force dramatique et la beautè des personnages! Le cinèaste choisit de n'adapter que le premier tome du roman et consacre une annèe à ècrire son scènario, autant de temps à choisir les somptueux paysages qu'il va filmer et quatre saisons pleines à mettre l'oeuvre en scène! Tout en s'attachant à la prècision de sa reconstitution historique, August privilègie l'èmotion et utilise le regard d'un enfant pour raconter une histoire qui permet une profondeur qui n'existe pas avec les adultes! Face au remarquable et dèbutant Pelle Hvenegaard, Max Von Sydow campe avec sensibilitè un homme usè avant l'âge par les èpreuves et les injustices! Une saga rurale bouleversante...
Les princesses ressentent, dit la légende, les émotions plus fortement que les autres. L'histoire de l'amitié naissante de Caye et Zulema, les deux « Princesas », n'est pas édulcorée. Malgré des scènes pleines de drôlerie dans les intermèdes se passant au salon de coiffure, malgré l'ironie du rôle du portable, véritable petit personnage indépendant, et un humour en demi-teinte et amer, c'est une vision sans concession de l'existence qui attend ces prostituées, ces femmes fragiles mais en même temps habituées à recevoir des coups au propre comme au figuré. Quand un espoir de s'en sortir naît, quand un personnage désintéressé comme Manuel apporte toute la tendresse dont il est capable, on a l'impression d'une fatalité qui revient les accabler. Candela Pena (qui ressemble un peu à Romane Bohringer) et Micaela Nevarez, une actrice originaire de Porto-Rico, qui a trouvé dans son parcours souvent difficile, l'inspiration pour incarner avec tant de sensibilité la jeune Zulema perso qui à son tour influença sa vie- ont pris leur rôle très à cur, en allant discuter avec les prostituées de Casa de campo, quartier chaud de Madrid. L'amour, pour Caye, ce ne sont pas les bagues, les cadeaux. C'est quelqu'un qui vient vous chercher à la sortie du travail. Et la vulnérabilité de Zulema, immigrée dominicaine en quête de papiers, la rendra proie facile pour les hommes sans scrupule. Le film ne tombe pas dans la vulgarité bien que les aspects sordides du plus vieux métier du monde soient évoqués, et ses dangers pas éludés. C'est surtout l'histoire de deux femmes qui prennent conscience de ce qu'elles veulent vraiment, et vont affronter bien des orages à venir pour l'affirmer. La musique de Manu Chao apporte l'optimisme qui fait contrepoint à un récit de tonalité sombre. « Me llaman Caye » et « Cinco razones », les deux chansons du film, sont superbement interprétées et leurs notes plus légères éclaicissent un peu les impressions de tristesse.
Lenteur, longueurs, désuétude... Ce film d'Agnès Varda accumule les défauts et prend un vrai coup de vieux 30 ans après sa sortie. Dommage pour Thérèse Liotard et Valérie Mairesse, comédiennes sympathiques et convaincantes, qui, à elles seules, peinent à sauver l'ensemble...
Le travail est il un mal nécessaire ? Sommes nous conditionné à accepter d'y passer plus de la moitié de notre vie ? Voilà deux questions parmi les nombreuses que soulèvent ce documentaire passionnant et militant. Mettant en parallèle les témoignages de gens qui ont choisi de ne plus travailler (et qui ne s'en portent pas plus mal d'ailleurs ) et les discours ultra libéraux des patrons du Medef qui exhortent à travailler toujours plus (pour plus de profits messieurs ?) le tout entrecoupé de documents d'archive parfois drôles, souvent édifiant. « Attention danger : travail » pousse à se questionner et à réfléchir sur la manière dont fonctionne, ou pourrait fonctionner notre société de consommation. Un film utile et intelligent, de plus en plus rare sur nos écrans. Quelques longueurs tout de même.
Quel Film de MERDEEE ! Sérieux ne perdez pas votre temps avec cette daube ! Comment on peut faire ce genre de connerie...
Super film! Bruel et Luchini sont incroyables. On rit beaucoup, on pleure aussi. Courrez vite le voir
Ça a déjà été fait 100 fois, mais c'est encore un bon moment que de voir ça.
Le film de Resnais avec des faux décors urticants, oscille entre Au théâtre ce soir et Plus belle la vie, avec des establishings en dessin répétitifs et des plans serrés avec du quadrillage autour de la tête de l'acteur. C'est sans doute cela la "nouveauté" stylistique et la révolution du langage ! Quant à l'argument, vous vous rendez compte, c'est : est-ce qu'on va partir en vacances avec Georges ? Tout ça pour découvrir comme Candide qu'on est mieux à cultiver son jardin ! C'est se foutre un peu du monde ! Bref, panne de discours, langage cinématographique de bébé, même les acteurs récitent : ils sont tous mauvais, Dussolier en tête, en bûcheron qui ne donne même pas un coup de pied crédible dans une bûche de carton pâte et Kiberlain qui récite son texte de façon flagrante. Les critiques sont tombés sur la tête devant cet étron. Heureusement, que le ridicule ne tue pas. Et puis si...
J’ai mis 15 secondes à peine pour exploser de rire...dès que j’ai vu ces boules de gonzesses se déambuler sur le bruit des moteurs. La parodie s’annonce bonne, en espérant qu'elle continue sur cette lignée. Puis viennent les caricatures de Vin Diesel, Paul Walker et Michel Rodriguez entre autres, où chacun en prendra pour son grade sous des airs homosexuels bien prononcés. Après avoir savouré des techniques de tcheks déjantés à l'image de ses dialogues haut-perchés, le film s'enfoncera dans un humour lassant par l'arrivée de vannes et gags visuels faciles, que l'on sentira venir à dix bornes. L'arrivée du personnage de Dwayne Johnson donnera tout de même un peu de répit au long-métrage. "Superfast 8" se moque pleinement de la saga "Fast and furious", notamment par ses codes (rappeur, mannequin, chinois) et ses scénarios ridicules et déconcertants (dont le scénariste s'est donné à cœur joie avec l'idée d'un plan, comment dire, abracadabrantesque). "Superfast 8" agit comme caricature, qui en définitive, ne le sera pas vraiment, tant il décrit parfaitement le délire. Non loin d'un reboot, version comique volontaire cette fois, "Superfast 8" bénéficiera de quelques bonnes trouvailles. Ça a le mérite d'ouvrir les yeux sur l'imbécilité de cette saga qui n'en finira plus de s'enterrer dans un néant scénaristique.
Tellement d'ennui que je me suis retrouvée, pour faire passer le temps, à compter les points noirs des comédiennes (dont les visages larmoyants sont filmés en très gros plans pendant tout le film). C'est lent, long, creux, laid, fade, dissonant... Malheureusement j'étais piégée tout au fond d'une rangée, ce qui m'a obligé à assister au film jusqu'au bout.
Mortelle ça l'était c'est sur, le film hein ? Enfin dans le sens lourd, lent, chiant, pas vraiment nouveau, un slasher avec tous ses codes, rien de bien excitant. Bon par contre j'avoue que le casting déchire, puis Denise Richards... Depuis bizarrement j'apprécie plus cette fête, si on pouvait la célébrer ainsi, ah oui mais non c'est déjà American Nightmare.
Pas de scénario, pas drôle, juste deux acteurs connus, ce n'est évidemment pas suffisant pour générer autre chose que de l'ennui.