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Malgré un casting irréprochable, dominé par les fabuleuses Nathalie Baye et Anouk Grinberg, "Une Vie à t'Attendre" est un film plombé par ses dialogues bavards et le peu de rythme donné à l'histoire. C'est vrai que l'on pense à Claude Sautet, mais celui-ci ajoutait de la légèreté à certains personnages et un réalisme ordinaire et poétique dans ses dialogues. Bref, un film qu'on aimerait adorer mais que l'on peut juste estimer.
Dans «Nazarin» (Mexique, 1958), Luis Bunuel prend un plaisir malin et pervers à détourner toutes les tentatives de bonté du prêtre Nazario (Francisco Rabal) en erreurs punies. L'histoire est celle d'un prêtre acète qui vit comme le Christ et arpente les rues pour donner son aide. Accompagné par deux femmes, les mauvaises langues feront vite de taxer l'homme de polygame. Ceci n'est qu'un seul exemple des perpétuelles calomnies qu'affrontent Nazario La principale cause de défaillance du prêtre demeure dans son aveugle confiance en la justice divine. Cette dernière l'empêche de déjouer les pièges de la justice humaine. Ainsi, Luis Bunuel égratigne la foi chrétienne en la tournant malignement au ridicule. Le plus cocasse demeurant dans l'inébranlable honneur que ne cesse de garder Nazario. Formant avec «Viridiana» (France, 1961) deux tableaux anti-cléricales, «Nazarin» s'ancre véritablement dans l'athéisme de Bunuel. Le film s'illumine surtout dans le contraste entre la violence humaine et le pacifisme passif de la foi chrétienne. «Nazarin» est un véritable cri de contestation comme l'ensemble de son uvre. Peut-être plus que ses autres oeuvres parce qu'elle n'évite personne et que si c'est la religion chrétienne qui est bafouée, c'est aussi les comportements irrespectueux qui sont dénoncés. En conclusion, ce film de la période mexicaine de Bunuel annonce la ligne de conduite de son cinéma français, une ligne de conduite réactionnaire qui met en déroute la religion et le mépris général. Non sans prendre une pitié pour l'homme Nazario, c'est surtout le religieux que Bunuel ridiculise avec plaisir tout en sachant laisser la place de respect qui incombe au film pour ne pas tomber dans le pamphlet gratuit.
Commerciale pur et dur, un film one piece pour faire du one piece .... Z est sympathique mais le scénario s'essouffle rapidement ... entre les scènes que vous voyez venir à l'avance et les débilités vous serrez gâtes.Le pire moment étant l’utilisation du haki par Z alors que monsieur esquivé difficilement .... ou la libération des équipiers au moment ou l’ennemie qui n'a pas jeter le sort tombe ...un beau crachat au yeux des fans la qualité n'est pas présente ! mais bon à regarder un fois le cerveau posé ça va ...
Sous couvert de faire un found-footage qui donc montre une sorte de documentaire "réaliste", les scénaristes ne prennent même plus le temps d'écrire un scénario potable en mettant du fond ou des rebondissements surement pour que ça fasse le plus naturel possible et c'est malheureusement le cas dans le 3/4 des films de ce registre, sauf qu'ici, c'est pire que tout. Ce film est ennuyeux à mourir, il ne se passe rien que ça soit la première partie vide d’intérêt durant laquelle on voit les personnages se balader en forêt ou même la seconde quand les dinosaures montrent enfin le bout de leur nez, il faut quand même attendre 55 minutes pour cela... Il n'y a rien de bon à garder dans ce film hormis, peut-être le cadre qui nous offre quelques beaux décors, mais c'est largement insuffisant.
Un jeune homme (joué par Stanislas Merhar) est tellement amoureux de sa compagne (Sylvie Testud), qu'il la suit puis la fait suivre dans chacun de ses faits et gestes. Leurs rapports ont beau être amoureux, ils restent extrêmement froids et distants (ils se vouvoient, font chambre à part) et virent progressivement à la démence, le jeune homme ne supportant pas que son aimée lui échappe. Chantal Ackerman, la plus exigeante des cinéastes belges, voire du monde, livre ici l'un des ses meilleurs films. Mais l'exigence est telle que l'on court le risque de rester à l'extérieur, de ne pas être inviter à partager cette ronde de sentiments, tellement glacés, tellement épurés, que l'on est à la lisière de l'abstrait. Dans les meilleurs moments, « La Captive » évoque la fin de carrière des Robert Bresson (« L'Argent » par exemple) et son ascétisme qui vire à la profession de foi, ou celle de Gus Van Sant (grand admirateur d'Ackerman qu'il considère comme sa cinéaste favorite) de par ses cadrages, ses mouvements de caméra, sa captation des corps mouvants dans un espace déterminé. Dans les pires moments, on se dit qu'on frôle le nombrilisme, et le non-sens bourgeois, celui qu'aimant tant décrier Bunuel. Une cinéaste à connaître en tout cas, ne serait-ce que pour son statut unique dans l'esthétique contemporaine dominante.
Le seul volet potable de cette saga désastreuse est le premier volet et encore il est très moyen ! Le 2 est juste une erreur cinématographique ! Le film par en live et j'ai vue le début du 3 et j'ai même pas pu regarder les 10 premières minutes tellement que c'est bas de gamme.
Attention, cet avis contient des spoilers tels que :film à trous, petits, béants, narratifs, pleins, profonds, dilatés ou sanglants.Réfractaires aux dédales rétro sophistiqués façon Lynch et vas-y que je te mélange fantasmes, traumas et « réalité » sans te prévenir, passez votre chemin, fuyez ! Pour les autres, quelle aventure ! Film noir aux couleurs psychédéliques, kaléidoscope (expéri)mental, c'est peut-être l'histoire d'un type qui ne trouve pas sa femme et...peu importe. Il y a trop à voir et à entendre pour se faire une idée précise au premier coup d’œil. En attendant on peut accepter de sombrer dans ce délire fétichisant où le matériau filmique est obsessionnellement trituré, malaxé voire torturé dans tous les sens : la vue, l’ouïe et parfois même le toucher tant les évocations sont puissamment construites. Bref, une belle pièce d'orfèvrerie qui déchire la frontière entre cinéma et psyché, comme enregistrée depuis l'intérieur d'un crâne. Moralité : L'important, c'est le voyage, pas la destination.
Perso j'ai jamais aimé ce Bud Spencer, c'est trop pantouflard, il ne se passe absolument rien, c'est vieux et c'est joué par des vieux... c'est nul.
Est-il normal qu'une salle entière se mette à rire nerveusement, puis franchement de bon coeur, face à cet ovni cinématographique, ennuyeux, soporifique, laborieux...???!!! Ce n'est pourtant pas un film comique!!! Je ne suis pas du tout rentrée et la seule raison pour laquelle je ne suis pas sortie de la salle, c'est qu'il pleuvait dehors. Passez votre chemin.
«Kakushi toride no san-akunin» (Japon, 1958) d’Akira Kurosawa est une grande aventure. Se déroulant au cours de la guerre des clans du XVIème siècle, elle tend à embrasser la furieuse soif de pouvoir. Kurosawa, pour infuser au film une dynamique, fait reposer son œuvre sur deux principes : la construction solide du tempérament des personnages et une logistique impérieuse pour couvrir l’ampleur du récit. Le premier des principes donne des personnages extrêmes, pétris par la propension parfois, et heureusement rarement, histrioniques des protagonistes de l’auteur. Les personnages de Minoru Chiaki et Kamatari Fujiwara sont les exemples les plus signifiants. Leurs disputes incessantes les rendent antipathiques en un sens. Il faut attendre leur ridicule réconciliation après avoir frôlé la mort pour véritablement apprécier leur couardise comique. Le reste des protagonistes, bien moins expansifs que ce duo comique, incarnent les stéréotypes du film d’aventure. Rien d’étonnant à ce qu’un réalisateur aussi classique, dans sa forme, que Georges Lucas se soit inspiré d’une telle œuvre. Le second principe contient toute la réussite du film. Les premières minutes, dans le cadre usuel du cinéma de Kurosawa, font l’emploie d’une caméra mobile, portée à l’épaule, suivant les deux acolytes grognons. Cette flottaison formelle, face à l’habituelle stabilité des cadres kurosawaien, étonne. A plusieurs reprises, dans des décors d’une grande et dévorante vastité, la couleur s’ébranle et met en danger la stature des lieux. Dans ces instants ponctuels où la caméra, en un léger spasme, remet en cause la force des lieux, l’intrigue prend visage par le biais du trajet qu’accomplie les personnages. Forcé de faire un détour pour atteindre leur but, le groupe ne fait qu’opter pour le moyen de consolider leur lien et, de ce fait, permet à Kurosawa de bâtir son intrigue. De l’immixtion du guignolesque (porté par le duo) dans l’aventure résulte une œuvre comme irrésolue, au sens chimique.
Une production allemande type "Alerte Cobra" dont le scénario est un mélange de Fast and Furious, Taxi, Autoroute Racers... Les courses de voitures sont filmées à 2 à l'heure, il y a des faux-raccords une scène sur deux, les dialogues sont navrants, les comédiens posent. La musique est à peine supportable, de même que les couleurs des voitures... Oui, c'est ça, vous pouvez passez votre tour !
Un des meilleurs polars français, sinon le meilleur, des années 2000. Guillaume Canet réalisé un film à couper le souffle avec un scénario terriblement bien ficelé. François Cluzet est remarquable, bien aidé par une flopée de seconds rôles de haut niveau (François Berléand, André Dussolier et Marina Hands en tête). À ne pas louper !
Un super film qui met vraiment une claque Beaucoup de personnes ne savent pas se qu'est le harcèlement et comment surtout le harcelé et le harceleur le ressentent et c'est quelque chose d'horrible pour le harcelé (en connaissance de cause) ce film devrait être vu par beaucoup plus de personnes car même si l'on parle beaucoup des américains/américaines la France et beaucoup touché
Des critiques presse élogieuses et une non moins enflammée de Chris m'ont poussé vers ce film. Ce deuxième film du réalisateur roumain Radu Munteanu fait quelque peu penser au magnifique et incomparable 4 mois, 3 semaines, 2 jours, palmé à Cannes. On retrouve ici une atmosphère âpre voir sèche, une succession de longs plans fixes et une absence de musique. Vraiment très minimaliste. Très peu de mise en scène. Uniquement de la direction d'acteurs qui, il est vrai, sont tous extraordinaires. Le fameux triangle amoureux : le mari, la femme et la maîtresse trouve ici une nouvelle variation. Sur le papier cela pourrait paraitre très austère et ennuyeux. Mais je n'ai pas vu le temps passé. La fin arrive sans crier gare et on est un peu contrarié car on aurait bien continué à suivre leur histoire. Mais finalement tout est dit, la page est tournée et on passe à autre chose. Je rejoins Chris sur un point : je m'aperçois que je pense au film assez souvent. Et comme il dit, c'est peut être un privilège de l'avoir vu. Car ce film est fort. Et ce qui fait sa force c'est sa simplicité. Des gens simples, qui vivent, qui aiment, qui trompent, qui partent... la vie quoi. Vie banale et normale qui pourrait être la notre. Voilà le point sensible. C'est cette simplicité quotidienne qui touche pour finalement devenir complexe, déchirante et émouvante. Et puis quel bonheur une caméra qui ne bouge pas. Je veux bien voir cent films comme celui-là contre un seul de Kechiche qui me donne la nausée... Mardi après Noël est, comme dit un ami cinéphile, un de ces films qui se mérite. S'il est diffusé dans très peu de salles et sera vu par très peu de personnes (ce qui est bien sûr, dommageable), finalement ce n'est peu être pas plus mal, comme un secret ou quelque chose de particulier, que seuls quelques privilégiés auront partagé...
J'ai eu la chance de voir le film en avant première dans le cadre des RDV du Doc organisé par"Documentaire sur Grand Ecran" tout les premiers mardi du moi au Forum des Images et le film est super !! Je m'attendais à un autre film militant sur la pèche mais ce n'est pas le cas du tout ! Il y a une belle photo, on sent la pâte du directeur photo d'entrée de jeu! Ce couple de grand-parent est touchant. Entre le vieux pêcheur taciturne habitué au silence de la mer, marqué par le grand air et sa femme barmaid habituée à parler aux clients, se couple se complète bien. J'aurai cru revoir les miens. Ce couple hors du temps, un peu dépassé par la technologie, devra sortir de leurs habitudes bien rodées pour le mariage de leur fille. C'est vraiment une belle perle et un beau talent de jeune réalisatrice à suivre.
Un combat de tous les instants. Jeremy Renner le mentionne dans le long-métrage, il faut se battre et ne jamais se laisser aller afin de survivre dans un tel environnement. La violence est omniprésente et explose dans le dernier acte, emportant tout sur son passage. On est dans du cinéma à la Sam Peckinpah, sauvage et profondément humain, qui à défaut de réinventer le genre continue toujours de l’emmener plus loin.
Un film de guerre qui a certes un peu vieilli, 1957 tout de même, mais qui pour son époque était magnifiquement réalisé ; il reste bien sûr très entraînant. Un film de guerre culte avec un bon jeu d'acteur. Qu'est ce que mon père a pu me réveiller avec ce sifflement (qui est imprégné dans le cinéma à jamais) quand j'étais jeune... A voir au moins une fois pour tout cinéphile.
Sergio Corbucci fait partie des bons réalisateurs de westerns italiens mais avec Le Justicier du Minnesota (son 2nd western) il déçoit, on ne retrouve pas dans ce western son style violent et cruel ; ce qui est surprend énormément dans Le Justicier du Minnesota c'est la mollesse de la réalisation. Aucune nervosité et peu de rythme, Le Justicier du Minnesota semble réaliser sous calmant de plus Cameron Mitchell n'est pas particulièrement charismatique.
très bon film bien tourne bon scénario quoi qu'un peu laissee sur ma faim! bons acteurs
Dix-septème film de François Truffaut, je commence à ressentir une mécanique qui ne m'impressionne plus. Encore une fois, mise à part dans "La nuit américaine", lorsque le cinéaste se met en scène, il y a ce côté auto-fiction hyper autocentrée qui me dérange. C'est surtout sa voix, très parisienne bobo, qui tape sur les nerfs à force de l'entendre jacasser sur pas grand chose. On se croirait presque dans une pièce de théâtre au texte exigent, et que l'acteur en fait des caisses pour apporter une plus-value à son jeu. Non discutable, sa place est bien derrière la caméra. Voix ok, totalement subjectif, mais le sujet ! On ne comprend pas ce besoin absolu et acharné. Mettre ses névroses aux services du cinéma; c'est bien. Mais "La chambre verte"ressemble plutôt à une biographie ciblée sur un trait de caractère du réalisateur français. C'est vite ennuyant.
Tirè d'un roman foisonnant de Tobie Nathan (l'intrigue l'ait beaucoup moins), ethnopsychiatre rèputè, "Saraka-Bô" plonge dans la sorcellerie et les rites africains! Ambiances nocturnes et glauques baignent ce polar plutôt insolite dans lequel le flic Richard Bohringer enquête sur une sèrie de meurtres ètranges dans la communautè noire! L'occasion pour l'acteur de retrouver Denis Amar, son rèalisateur de "L'addition", qui lui avait valu un Cèsar, et de se colleter un Yvan Attal inspirè, en psy spècialisè dans les traumatismes des immigrès! Un film moyen qui manque de tonus et qui reste au final ni bon ni mauvais mais juste regardable...
Un excelent film. Ventura est ici exceptionnel et aurait 1 000 fois mérité le césar du meilleur acteur tant son interpretation est magistrale : il est poignant en Valjean... Bouquet et Carmet son eux aussi très bons. A noter que l'ambience de l'époque est très bien reconstituée et que le mise en scene ne souffre d'aucune cirtique (pas de temps morts...) On pourra juste regretter quelques elipses (le suiscide de javert n'a pas du tout la puissance du livre), mais ce n'est que detail... Ce film est vraiment a voir, ne serai-ce que pour Ventura qui est véritablement exceptionnel !
Date des actions: 1912, ce n’est plus vraiment le moment de raconter une histoire façon western aussi ce film se trouve aux frontières du genre, ce n'est jamais bon. La distribution est pourtant alléchante avec des stars du moment, deux italiens et un américain tous les trois de premiers plans. Le metteur en scène est talentueux, sa réalisation est belle. C’est le seul point à retenir car les acteurs eux ne sont pas du tout dirigés, ils jouent n’importe comment. Ce qui est inacceptable, c’est le scénario d’une pauvreté confondante, pire que le pire de ceux des pseudo westerns italiens, autant d’argent investi dans une histoire que personne ne va comprendre (motivations,explications, personnages), quel gâchis! Je crois avoir rarement vu cela avec en plus des invraisemblances criantes. En dehors des somptueuses scènes de batailles il n’y a strictement rien à retenir.
Un grand classique du film ennuyeux avec comme on dit dans ces cas là : une mise en scène "simple et exigeante" (façon de dire qu'il n'y aucune idée qu'il n'y en a pas).
Flashdance fait partie de ces films cultes qu on ne se lasse pas de revoir. Une bande son du tonnerre, des chorégraphies excellentes, une jeune actrice irrésistible, de la sensualité, tout est réunit pour nous faire passer un bon moment ! Comment ne pas fantasmer sur la belle Jennifer Beals ? Comment ne pas danser avec ces chansons rythmées ? Un classique on vous dit !
Première adaptation du roman homonyme de William Golding (la seconde date de 1990). Si Peter Brook souhaitait réaliser un petit film intimiste, la Columbia (qui coréalisait le film) en avait décidé autrement et avait apporté pas mal de modifications par rapport au roman initial. C’est pour cette raison que Peter Brook s’est séparé de la Columbia (cette dernière lui factura ses services 150 000 dollars, soit la moitié de son budget). Résultat, il dût réaliser son film avec un budget tronqué à 50%, d’où le choix du noir & blanc (moins cher que la couleur) et c’est aussi pour cette raison que la scène du crash de l’avion est suggérée (d’où l’utilisation de photos à la place des prises de vues). Sa Majesté des mouches (1963) est une œuvre naturaliste qui nous dresse une virulente critique sociale où l’on assiste à de violents heurts entre les enfants, scindés en deux groupes, les gentils et les méchants, dont l’un se transforme petit à petit en groupe tribal et sauvage, ne cherchant plus qu’une chose, la domination au lieu de chercher à survivre en s’unissant avec l’autre groupe. Une œuvre intéressante et portée par d’excellents jeunes acteurs (tous novices en la matière).
Dans un univers du nanar de monstres surencombré, je trouve que ce Komodo Vs. Cobra s'en sort avec une palme pas déméritée! Entre les CGI à pleurer de rire, les balles infinies, les héros en mousses, les acteurs qui jouent comme des patates, le scénario qui n'a aucun sens et le signe militaire le plus pauvre jamais réalisé de toute l'histoire des armées mondiale (on a l'impression que le mec se gratte le sourcile à dire vrai), c'est sans aucun doute dans mon top 10 des nanars entre potes. A consommer sans modération, ça vous fera les abdos!!!
Juste initiatique sur le monde des traders et leur soif ! Le reste est farfelu voir ennuyeux. Prestation très modeste. A éviter 1/5 !!!
Les pièces de William Shakespeare sont souvent très cinématographiques et Laurence Olivier l'a compris mieux que quiconque. Il s'attaque ici à "Richard III", qui suit l'ascension du plus retors de tous les salauds à grand renfort de meurtres et de complots puis sa chute, aussi rapide que celle qu'il a fait tuer. La couleur donne un aspect un peu kitsch aux décors et aux costumes mais Olivier sait mettre en scène de manière théâtrale sans pour autant faire ressembler son film à du théâtre filmé et sait choisir ses acteurs, tous excellents. Il sait également se diriger et mettre son immense talent en valeur, le prouvant encore une fois avec son interprétation fiévreuse de Richard III dont les nombreux monologues sont restés célèbres, en particulier le fameux "Mon royaume pour un cheval !"
Au bout de 15 minutes j'en avais déjà marre, c'est dire à quel point les 2h ont été éprouvantes. Oui, éprouvantes, le mot est choisi avec soin, car non seulement c'est inintéressant, mais en plus c'est globalement mal filmé... ! L'idée de base était pourtant pas mal, mais le tout devient extrêmement caricatural et pénible. Le policier est - du moins je l'espère - un stéréotype animé... La mise en scène ne parvient pas à rattraper le film, au contraire même, tellement certaines scènes sont ratées.
Film magnifique, rare et profond, Dunia est indispensable. Jamais la poésie et la danse orientale n'avaient été filmées avec autant de sensualité et d'intelligence. Une oeuvre sensible et politique d'une artiste qui se bat contre l'obscurantisme en le renvoyant ses regressions face aux arts; une oeuvre courageuse, forte et mémorable; une charge contre l'excision et une exaltation de la sensualité et des arts. Un chef d'oeuvre.
Échec total à sa sortie, ce chef d'œuvre incompris révèle, (comme tous les chefs d'œuvre incompris d'ailleurs) un vrai regard précurseur sur son époque. Cette époque: les années 80, ère du tape à l'œil, de la célébrité facile et du culte du succès (alors que aujourd'hui on est plus du tout comme ça...ah bon le film est toujours actuel?) Notons que dans "King of comedy", le scénario (pour lequel il faut rendre hommage à Paul D. Zimmerman) rejoint parfaitement les obsessions de Scorsese, qui a toujours privilégié ce type de personnages déviants, instables, voir carrément schizo...d'où un film très personnel, dont on n'oubliera pas certains moments de pur cinéma (le travelling arrière sur De Niro paradant devant un public en carton...) et une prestation époustouflante (pléonasme) du dit Robert, qui fait décidément regretter que Scorsese se soit un jour entiché de Di Caprio. Pour l'apprécier, il ne faut pas s'attendre à se tordre de rire, ce qu'espéraient sans doute les spectateurs de ce film présenté en son temps comme une pure comédie (présence de Jerry Lewis, d'ailleurs très bon, oblige). On sourit jaune, et c'est tant mieux!
Bon d'abord je comprends pas le titre , et je ne saisis donc pas bien les intentions du film . La phrase de conclusion du maire est quand même improbable , à moins qu'elle annonce un prochain film de cartoon sur la collaboration ?? Mieux vaudra s'abstenir , car joyeux Noël à Vichy : faut pas charrier . Dans les bons moments quelques références à la septième compagnie ( le General Français qui se prépare à faire sauter le pont ressemble furieusement à Robert L'amoureux : le fil bleu sur le bouton bleu etc ) et le commerçant avec sa femme ( on attend la réplique : vous avez dû à l'ail ? Ou le Affreux de Bourvil dans la traversée de Paris ) , la fin du film fait penser à la vache et le prisonnier lorsqu'ils passent le barrage . Malheureusement ce film n'atteint jamais l'intensité émotionnelle des meilleurs films du genre . Faut passer à un autre sujet pour le prochain à mon avis .
Excellent et vraiment original. Une vraie performance d'acteur. Que dire de plus sur ce film qui est une très bonne surprise...
Benny, un jeune ado passe son temps à regarder des vidéos dont une qui le fascine; l'abbatage d'un porc. Il ne va rien trouver de mieux à faire que d'amener une jeune fille chez lui et l'a tuer. Benny n'a pas l'air de capté la gravité de ses actes et ne montrent pas d'émotions. Certaines images sont plutôt choquantes et très réalistes mais le film est très chiant et vraiment lent, on pourrais presque s'endormir.
Une bien bonne idée que de transformer Saint Nicolas en tueur légendaire, d'ailleurs le début du film tend à le confirmer, les images sont belles, la tension s'installe et on accroche rapidement à une histoire qui s'annonce novatrice et palpitante, et puis ça s'arrête là ... Passée la surprise et l'intro, on se retrouve devant un vulgaire slasher fantastique très classique. L'ambiance reste sympa, appuyée par l'hiver et les vues d'Amsterdam mais on sent le film qui ne se prend pas au sérieux, du coup les jump scares tombent à plat, d'autant que les effets spéciaux sont parfois limite. Côté acteurs, ce n'est pas terrible non plus et on a forcément du mal à y croire, reste un peu de gore, des meurtres qui sortent de l'ordinaire et un Saint Nicolas en décrépitude amusant mais rien de plus. Dans le genre, j'ai 100 fois préféré le film finlandais "Père Noël origines" que je vous conseille fortement pour un dépaysement total.