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Un très bon polar réalisé en 1962 par Richard Quine sur un scénario co-écrit par Blake Edwards !! On assiste dés le début du film à un meurtre dont on ne voit pas la victime ni l'assassin qui prend la fuite et là, on entre dans le vif du sujet qu'on va assister à une enquète intrigante =. Un homme arrive à une maison pour louer une chambre, il vient d'avoir un poste à l'ambassade et fait connaissance avec la mystérieuse mais belle propriétaire qui est curieusement surveillé par diverses gens. Il tombe sous le charme mais doit coopérer avec la police car elle est suspecté d'avoir tué son mari, chose qu'il ne croit pas du tout mais "L'inquiétante dame en noir" va nous jouer des tours dans l'intrigue jusqu'à la fin. Long métrage qui lorgne avec le cinéma d'Alfred Hitchcock par les mèmes mouvements de caméra, par un scénario riche en rebondissements et une mise en scène qui reflète bien le film noir par excellence mais je mettrais un petit bémol car le film bascule un peu dans la comédie par le jeu de Jack Lemmon et la fin, c'est un peu dommage. Kim Novak est excellente de mème que Fred Astaire qui prouve qu'il sait faire autre chose que des comédies musicales. A découvrir.
Affreux... On attend tout le film qu'il se passe quelque chose, ou que la pauvreté des effets spéciaux et du jeu d'acteur nous fasse rire (on croit à une parodie...), mais rien n'arrive. A éviter à tout prix, sauf si vous voulez perdre votre temps
Le quotidien de ce jeune adolescent mal dans sa peau pouvait sembler être la source d’une agréable comédie axée sur cet humour décalé auquel a su nous habituer le cinéma indépendant israélien. Malheureusement le ton comique de ce film ne tient que dans une poignée de scènes pendant laquelle la mère fait d’insupportables grimaces, le reste n’est que la longue introspection d’un gamin aux tendances suicidaires. Avec son long-métrage léthargique Nir Bergman nous confirme une nouvelle fois que l’ennui mal filmé devient vite très contagieux.
Un bon nanard de zombie comme il en sort depuis des années, mais celui-là remporte la palme du film à effets spéciaux les plus nuls. On dirait qu'un enfant à dessiner sur les bandes pour faire des flammes. En dehors de ça, le jeu d'acteurs fait peur.
Une sorte d'Indien Dans La Ville version Pacifique totalement dénué de sens et d'émotions. Un film platonique comme il est rare d'en voir.
D'une durée assez longue, puisque l'ensemble dure plus de deux heures trente, ce film de viking qui nous provient des Pays-Bas possède forcément quelques longueurs, mais en plus la photographie n'est pas franchement très séduisante et l'ensemble souffre d'un manque de souffle épique. Reste qu'il y a la présence d'un casting solide et de quelques séquences de batailles plutôt réussi, ce qui fait que ce long-métrage ne soit pas totalement raté.
une belle comédie, intelligente et très contemporaine....Le sujet délicat (le mariage blanc d'un octogénaire avec une jeune moldave provoque des dissensions familiales) ouvre la porte à des dialogues souvent percutants, tout au moins facétieux...Les acteurs Fabrice Lucchini, Karine Viard,enfants de Michel Aumont sont parfaits....C'est une comédie spirituelle, sans l'once d'une vulgarité même si c'est dans un registre moins délirant que le cinéma facétieux de la remarquable Jeanne Labrune....C'est solide, c'est intelligent,cela fait réfléchir, manque peut être un chouia de délire....Je conseille évidemment.
Après avoir bien apprécié "la vie des autres", je suis revenu sur les traces de Hirschbiegel et j'avoue ne pas être déçu car il offre une singularité émotionnelle dans tous ses ouvrages. C'est curieux comme l'image est crue, comme la peau d'un homme est dure, pas si facile de découper sa dignité. Aujourd'hui, le film présente un tout autre visage : même s'il aborde que l'incarcération a des effets dévastateurs sur le comportement humain et qu'elle ne restitue pas l'intégrité de la personne, la prison guantanamo et le scandale des prisons en Irak font voir le film sous un jour nouveau. Les effets et les acteurs sont très bons, très orchestrés. Mais une ombre au tableau, je n'ai pas ressenti l'oppression de l'histoire, le détail psychologique est peu évoqué mais les actes paient, et c'est ça l'important. Autre point de désaccord, la fin... manque de répercussion. Je n'ai pas bien compris mis à part qu'ils ne touchent pas leur repas et qu'ils sont contraints devant l'immensité à répondre de leurs actes, de leur poids sur la conscience. Cela ne devrait pas être à moi de le deviner...
On aurait du dire que ce film était bon, mais a part la plastique des deux actrices, y'a rien a voir du tout du tout.
Histoire mièvre, qui veut se prendre au sérieux mais qui au final est sans grand intérêt ni crédibilité.
Une comédie dramatique sans aucune prétention, avec des acteurs à peu près aussi connus que le film mais pourtant très bons. Comédie dramatique, pas à proprement parler puisque la partie drame et la partie comédie ne sont aucunement mélangées, se concentrant plus sur un personnage dans l'une que dans l'autre. Dans le côté drame, nous suivons les aventures et mésaventures de Julie, tombée amoureuse pour le meilleur et pour le pire d'un play-boy qui sera alors source d'ennui. S'inspirant des figures expressionnistes du cinéma muet dans la deuxième partie, Frank Borzage choisit d'imposer une vision originale du paradis, centrant son récit sur Liliom, le séducteur du manège. Injustement méconnu, Liliom possède un certain charme assez naïf qu'on retrouvera une décennie plus tard chez Frank Capra, dans La Vie est Belle.
Du revu, du re-revu et du encore revu. Malgré la franchise du projet et les bonnes intentions du casting, le Coeur des Hommes reste une comédie facile, guetté par la surenchère d'humanisme.
Il y a encore quelques années, alors que l’on découvrait le radical Mysterious Skin, on aurait eu du mal à croire que la mode de l’adaptation des romans pour midinettes atteigne Gregg Araki, mais ces films suivants, et en particulier Kadoom, nous on fait comprendre que sa volonté d’explorer les troubles de l’adolescence pouvait passer par des choix de mise en scène désastreux. La pente descendante de la filmographie du réalisateur se poursuit donc dans cette histoire tirée par les cheveux dont la description de la vie en zone pavillonnaire a des relents d’American beauty mais, à trop se montrer superficiel, est loin d’en avoir la grâce. Le duo d’actrice réunissant Shailene Woodley et Eva Green dans le rôle de sa mère fonctionne plutôt bien, et l’opposition entre les ambiances de lumières assez sombres et celles, dans les flashbacks, illuminées pourrait également être pertinente si sa redondance et surtout l’aspect trop factice des décors n’étaient pas aussi pesants. Pour ce qui est de l’intrigue, on voit poindre au début un semblant de doute autour de la relation entre cette mère pleine de mystères et le petit-ami de sa fille mais cette piste est vite abandonnée pour se concentrer sur les troubles au sein de ce couple d’adolescents et son parallèle avec celui des parents, une histoire des plus banales en somme qui ne réussit à surprendre que dans son twist final qui, de fait, arrive trop tard. Avec son manque de rythme et son esthétique irréaliste, White bird est un film, certes poétique dans son écriture, mais terriblement mou et dans lequel il est bien difficile de s’immerger.
Les dix premières minutes du film sont un enchantement. Le grand enfant qui sommeille en chacun de nous s'éveille enfin après une longue léthargie hivernale en retrouvant intacte la magie de la trilogie originelle et originale : même composition du générique, combats au sabre laser (à quand la vente libre des vrais, hein ?), personnages singuliers, dépaysement spatio-temporel total, souffle épique... puis, soudain, c'est la catastrophe : l'entrée en scène de Jar Jar (qui met le) Bins, c'est l'éléphant dans le magasin de porcelaine, l'abruti qui écrabouille et piétine le rêve fragile et enchanteur. Fallait-il que Lucas veuille absolument faire plaisir à son gosse en bas âge pour créer pareille créature criarde ? Lucas aurait-il eu peur de faire un film adulte comme pour les premiers "Star Wars" ? (Ce qui ne veut pas pour autant dire uniquement destiné aux adultes.) Lucas voulait-il séduire un nouveau public (les moins de 5 ans et les moins de 50 de QI) ? Jar Jar est l'anti-rêve incarné, le repoussoir absolu, la stupidité à l'état brut, le pantin infographique désespérant dans son rôle de je-suis-là-pour-vous-amuser-avec-mes-pitreries, c'est le clown virtuel pas drôle. Tout est là : batailles sidérantes et intersidérales, décors époustouflants, mais, rapidement, phagocytée par le gnangnan benêt et bêta puant la guimauve et le sirop d'érable, la menace devient fantôme... Le gamin Anakin finit par agacer jusqu'à l'insupportable, les clowneries de (Jar)x2 donnent la furieuse envie de lui jeter des pierres. Le scénario lui-même, intéressant dans son ensemble, s'enlise dans des considérations géopolitiques empruntées à l'univers de "Dune". Ne reste plus alors qu'un beau livre d'images virtuelles, froides et sans âme... Un superbe gâchis. (http://autopsie-du-monde.over-blog.com/article-le-temoin-du-mal-la-menace-fantome-hulk-critique--43538651.html)
"Fish tank" est un film simple qui décrit une période de la vie d'une adolescente. Filmer de manière réaliste avec des cadrages caméra toujours à proximité des protagonistes. L'actrice principale est parfaite et le film ne tombe jamais trop dans le sentimentalisme, se contentant de montrer seulement. Néanmoins certaines scènes sont plus ou moins touchantes voir même dérangeantes pour donner au final un long-métrage réussi!!
Une comédie qui se veut générationnelle mais beaucoup trop bavarde et plate pour emporter l'adhésion.
Celui qui a dit que la vérité sortait de la bouche des enfants mérite une grosse taloche. En tous les cas, j'aurais eu énormément de plaisir à envoyer la gamine responsable du mensonge de ce film à "Massacre à la tronçonneuse". Mais pour en venir vraiment au film en lui-même, le résultat est très bon voir même excellent. L'homosexualité féminine y est abordée de manière pudique (trop selon certains!) mais celle-ci sert surtout de prétexte à une dénonciation en règle du puritanisme et des conséquences catastrophiques que peut avoir une rumeur. A ce titre, le scénario est un modèle d'efficacité avec des rebondissements placés très judicieusement de sorte à ce que la tension ne se relâche jamais. Efficacité qui "contamine" aussi la réalisation de William Wyler servie admirablement par un montage et un choix de cadres intelligents ainsi que par la beauté des décors et celle de la photographie. Par un jeu particulièrement intense, Fay Bainter se distingue nettement dans les seconds rôles. L'alchimie entre la belle Shirley MacLaine et la divine Audrey Hepburn est étonnante et fonctionne à la perfection. La dernière scène où on voit les "bien-pensants" face à leur médiocrité commune est très forte et achève magistralement cette oeuvre très réussie.
Alone In the Dark 2 est encore pire que le 1er ! On dirait qu'ils n'avaient plus les moyens habituels du cinéma et qu'ils ont fait ce film avec un budget de téléfilm ! C'est valable pour la qualité des acteurs, de l'histoire, et des effets spéciaux ! A bons lecteurs... fuyez-le !
Franchement, ce film n'a de géant que le titre, je me suis trop souvent ennuyé.
Le bouillon des vieux réalisateurs (W.Allen, D.Oliveira, les derniers Eastwood, Rappeneau et autres consorts) s'est enrichi d'un nouveau navet : Belles Familles. Un casting de rêve pour des acteurs qui semblent avoir joué séparément leur rôle, tant ils sont tous (ou presque) à côté de la plaque. On en vient à les plaindre de s'être embarqués dans cette galère. À défaut de fond, Rappeneau inflige un rythme artificiel à ce film au déroulement extrêmement prévisible. Le nombre de démarrages de voiture y est impressionnant, pas une scène qui y échappe (ou presque). Ça bouge, ça virevolte de ligne droite en ligne droite et c'est d'une platitude insondable. Heureusement que Rappeneau qui peut compter sur le soutien aveugle de sa "Belle Famille" cinématographique...
Un film beau et poignant, qui se regarde comme on contemple un tableau, plan après plan. Une réflexion sur le couple, la famille, l'accomplissement de soi et le passage à l'âge adulte. Les comédiens sont excellents, avec une mention toute spéciale pour Ed Oxembould, dont les grands yeux et les silences en disent long. En revanche, on a du mal à croire que son personnage n'a que 14 ans. La photo est superbe, le rythme, la réalisation et la musique m'ont emballé. Quant à la scène finale, pour moi c'est un poème visuel extrêmement touchant.
Inspirè d'un èpisode de "Jacques le fataliste" de Diderot, et sur des dialogues de Jean Cocteau, "les dames du bois de Boulogne" dresse l'analyse glacèe d'une passion destructive! Le film de Robert Bresson relève encore de l'esthètique et de la dramaturgie dominantes dans la production française de l'èpoque avec l'emploi d'acteurs professionnels (dont la plupart sont des acteurs de thèâtre), le recours à des dialogues littèraires et la pratique d'images très èlaborèes et très dramatisèes par la mise en oeuvre d'èclairages savants grâce à Philippe Agostini, grand spècialiste de la photographie esthètisante! Rèvèlèe par "Les enfants du paradis", Maria Casarès est sublime et s'impose ici comme l'une des meilleures actrices française! Quant à Paul Bernard, il a su doser le mèlange de politesse glacèe, de muflerie èlègante et d'amour passionnè! Une oeuvre au style èpurè sur la manipulation et la trahison! Un grand classique du cinèma français...
Un biopic sur l'égalité entre opinions sexuelles dans le monde politique un peu trop acharné visuellement (avec les répétitions), mais mené brillamment par Sean Penn. Un montage soigné parsemé d'images d'archives et de confrontation entre les deux parties ayant des idéologies opposées qui changeront le pays à leur manière. Le monde n'a pas changé en un jour et comme le montre Gus il faut s'acharner jusqu'à ce qu'ils cèdent comme l'a fait autrefois Lincoln avec l'abolition de l'esclavage.
Un film qui peut se découper en deux parties. Une première partie qui nous expose une trame intrigante mais beaucoup trop lente pour l'être réellement. Par la suite, la deuxième partie ne cesse d'ouvrir la porte à différentes questions auxquelles aucune réponse ne sera donnée. Sans parler de la fin (qui est très mauvaise) qui ouvre la porte à encore plus de question. A croire que le réalisateur ne savait pas lui même où il voulait en venir et qu'il a terminé son film en limitant la casse et en s'évitant la gêne d'éclaircir son semblant de scénario. La bande annonce ainsi que la synopsis sont alléchantes mais le film ne l'est pas du tout. Ce mauvais mixte entre thriller, suspens et science-fiction ne vaut pas le détour et ce ne sont pas les piètres acteurs qui permettent de sauver ce film bas de gamme.
Les rêves et les cauchemars de Jean Cocteau! Questions philosophiques et métaphysique qui touchent à tous les domaines de l'artiste! La musique, la poésie, la peinture, le cinéma... Une oeuvre universelle, intemporelle où chaque plan regorge de trouvailles lyriques et ou visuelles!
Un pari difficile mais assez réussi pour ce film d'Hitchcock trés différent des autres réalisations du maître. Ici, on ne retrouve pas le suspence qui a fait le succés de la plupart de ses films. Le combat des personnages pour survivre ainsi que leurs oppositions sont trés biens rendus par des acteurs qui avaient visiblement bien cerné leur rôle. Même si ont peut considerer "Lifeboat" comme un film mineur d'Hitchcock, ont ne peut cependant pas oublier le talent du réalisateurs pour les films en huit-clos comme celui-ci ou encore "Fenêtre sur cour". A voir même si on ne retrouve pas dans ici la virtuosité de "Sueurs froides" ou "Psychose".
j'ai vu ce film pour la 1ère fois il y a plus de 20 ans j'étais ado; j'en suis sorti chamboulée(j'ai du le voir 5 fois et lire le livre au moins 10 fois); ce film nous fait refléchir sur la vie sur l'amour sur la mort...on ne plus être la même personne après l'avoir vu. Nos idées recu sont remises en question et c'est tant mieux; les acteurs sont exceptionnels; c'est un film culte à voir et à revoir; l'émotion reste la même à chaque visionnage, un moment de vie douloureux mais sublime Un grand merci au créteur de ce film
En un mot: un chef d'oeuvre. Film maitrisé de bout en bout.Un grand réalisateur et une nouvelle actrice qui n'a pas à envier le jeu de Daniel Day Lewis car aussi bonne que lui dans chaque scène...
De l'action, du divertissement, un Keanu Reeves impeccable, que demander de plus ? Ok c'est le schéma classique mes mafieux russes contre le gentil américain, mais il ne faut pas non plus chercher de message politique ou même profond dans ce genre de film, faut juste se laisser aller et passer un bon moment. Seul concept un peu original et très sympa : l'hôtel Continental avec son propre règlement et ses clients "particuliers". En tout cas chapeau bas au chorégraphe car les scènes d'action - et elles sont nombreuses - sont très soignées.
Ce film est une abomination, car à part une seule histoire, aucune n'est lié au noir . Il n'y en a que deux qui nous épargne des scènes malsaines, je ne comprends vraiment pas l'intérêt de ce film . Je ne suis pas une âme sensible car je visionne très souvent des films d'horreur, ce qui me dérange ce sont certaines scènes pleines de sous-entendus très malsains et un conte qui fait passer les légendes japonaises pour des choses débiles .
Alors qu’il arrive aux Indes (dans les années 1880), un journaliste rencontre deux amis et ex-officiers de l’armée Britannique qui lui révèlent qu’ils veulent prendre le pouvoir dans le royaume interdit du Kafiristan alors qu’aucun blanc n’y a mis les pieds depuis Alexandre le Grand. John Huston, capable de réaliser des films de tous genres, s’est pourtant fait une certaines réputation dans le film d’aventures avec des œuvres tels que « Le Trésor de Sierra Madre », « Moby Dick » ou encore « L’odyssée de l’African Queen », et c’est encore le cas avec « L’Homme qui voulut être roi » où il nous livre un grand film d’aventure avec comme à son habitude, une étude de la nature humaine à la clé, autour de la fascination qu’exerce le pouvoir et comment il peut modifier le comportement. « L’Homme qui voulut être roi », brille avant tout par son souffle épique ainsi que la complémentarité du duo composé de Sean Connery et Michael Caine, le premier peu à peu emporté par la folie du pouvoir (d’une manière assez mystique parfois), tandis que l’autre, plutôt pragmatique, avec un flegme typiquement Anglais sont excellent et inoubliable. Le reste du casting est impeccable à l’image de Christopher Plummer. La mise en scène est impeccable, la réalisation de Huston met parfaitement bien en valeur les paysages ainsi que les deux acteurs principaux. La grandiose reconstitution est impeccable (tournée au Maroc), que ce soit au niveau des décors, costumes, participants… L’histoire est intéressante et Huston a su la rendre captivante, les péripéties sont souvent bien pensées et le déroulement est très convaincant. Comme il l’avait donc déjà fait par le passé, c’est encore une belle et très grande aventure que nous livre John Huston, d’ailleurs, c’est le film préféré de Sean Connery et Michael Caine !
Un film bien interprété mais pas très bien construit ni plausible, la différence d'âge entre le fils et ses parents est d'abord symptomatique d'une identification cadrée vers son public potentiel ou dit d'époque, retraité. Le fils est d'ailleurs plus vieilli qu' influencé par des passions morbides extrémistes ; son mariage paraît un nuage scénaristique endolori. L' acteur principal réussit néanmoins à reprendre le dessus, à habiter son rôle, et à sauver le film de sa monotonie sans véritable substance, puisque le film n'est ni une chronique, ni distancé face au drame historique.
Exellent film .
Rob Zombie se fait plaisir en jouant avec l'imagerie vintage et idéalisée des 70ies et les codes du cinéma indé / trash / horrifique de cette même époque. Le résultat est une sorte de comédie horrifique rétro et assez dingue qui est plutot à classer au coté d'un Wes Craven ou d'un Carpenter que d'un de ces artisans de films d'horreur contemporain pour adolescents. Bref, la maison des 1000 morts est un vrai bijou pour n'importe quel amateur de cinéma d'épouvante à l'ancienne. Dommage que la structure narrative soit si linéaire et ne contente que d'une succession de tableaux à l'impact visuel saisissant, mais à la cohérence discutable (un peu à la manière d'un train fantôme).
une jeune pimbêche qui se prend pour Anita Edberg avec une crinière jusqu'au bas du dos (en 1979) un jeune évaporé tatoué (en 1979) qui se prend (J Cocteau) et tout est a l'avenant. un déni de mise en scene, un dialogue ridicule, un scénario indigent et surtout un jeu hyper déplorable . le vrai premier "navet" de l'année c'est a oublier au plus vite
Houlala que c'est bête et relou et ridicule,. Des gros balourds crétins essayent de tuer un autre crétin . Tout le monde vise mal et semble sortis d'un asile de psychopathes handicapés de la tête. Il n'y a strictement rien d'interressant; 1) c'est très mal joué. 2) Les méchants ne sont pas méchants, 2) le héros est un gros balourd niais et idiot. 3) aucun humour 4) aucun frisson 5) aucun effet spécial 6) les cascades sont ridicules. 7) il n'y a aucun scénario 8) aucune étincelle d'intelligence. C'est du mauvais série Z des années 70. Peut être que la fin est bien..je ne l'ai pas vue
Encore plus nul que ce que j'imaginais. Après La journée de la jupe qui avait le mérite de donner un rôle à la pauvre Isabelle Adjani (dont la carrière part en vrille), le réal essaie de faire un Garde à vue au féminin, avec une Miou Miou passable et une Marceau en roue libre qui se prend pour Adjani justement, mais ne lui arrive pas à la cheville. Il ne suffit pas de se laisser filmer sans maquillage pour faire une bonne prestation et servir un personnage. Mise en scène très appuyée, des rebondissements de mauvais téléfilm et une image atroce. Heureusement que les cartes illimitées existent...
Une suite nettement moins bonne que le premier opus. On peut lui reconnaître de vouloir se démarquer du précédent en s’inscrivant plus dans un contexte d’horreur, mais elle y échoue malheureusement. Le rythme est mou, sans réel suspens. L’histoire arrive à se griller dès les 20 premières minutes de film et n’essayent même pas de surprendre. Le climax ne prend pas, y’a pas un moment où l’horreur est vraiment présente. En voulant tenter de recréer un climat proche d’Aliens, le film échoue là aussi à maintenir son huit clos efficace. Sans parler des moments où, comme les personnages, on s’ennuie ferme. On perd aussi dans ce film ce qui avait fait la force du premier, à savoir le côté satirique de la société. Bien dommage. Autre point, on ne s’attache pas aux personnages, ce qui est un minimum dans un film d’horreur pour qu’on puisse avoir peur pour eux. Mais là, niet, quedal. Le casting ne vole pas très haut, entre ceux qui jouent comme des manches et ceux qui servent à rien. Mention spéciale à Kelly Carlson, juste là pour contenter la gente masculine. Techniquement, le film s’en sort pas mal. Si la mise en scène et la musique échouent à créer une ambiance horrifique, elles restent convenables (on notera de vouloir tourner le film comme un reportage journalisme). Les décors sont pas trop mal et les effets spéciaux de qualité. Au final, Starship Troopers 2 est une suite dont le principal défaut est d’échouer dans ses idées et de ne pas réussir à concrétiser son prédécesseur. Peut se voir, mais franchement dispensable.