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"Les Muppets à Manhattan" est clairement un cran en dessous de ce à quoi nous avait habitué l'équipe du show. L'humour bon enfant est ici remplacé par un scénario d'une niaiserie absolue. On ne rigole plus de vannes qui ont plusieurs niveaux de lectures, on est juste affligé par le niveau du scénario qui n'enchantera que les jeunes enfants. Où est passée la magie du show ? Où est passé l'humour caustique ? Certes, il y a une assez belle morale à cette histoire mais il faut endurer bien des souffrances pour y parvenir. Quel dommage. J'ai la sensation d'un film fait pour uniquement pour des motivations financières et non artistiques. D'ailleurs, finalement, on voit plus souvent des humains à l'écran que des Muppets. C'est un assez bon signe que les studios ont rogné de tous les côtés le budget pour maximiser les profits, quitte à ce que le spectateur y perde.
j'ai adoré ce film, très émouvant, les acteurs remarquables, on s'attache très vite aux personnages qui nous font ressentir leur malêtre, leur joie, leurs peines.
Un film signé Alan Johnson (1983) mais produit et interprété par Mel Brooks. S'attaquer au chef d'œuvre de Lubitsch pour en faire un remake était un pari insensé. Mel Brooks le réussit, mais avec son style à lui, il ne s'agit pas d'un remake à l'exact, certaines scènes ont été ajoutées d'autre retirées, (dont la fantastique scène d'intro). Brook n'est pas Lubitsch, il n'a pas comme lui cet incroyable sens de l'ellipse et certains de ses ajouts surchargent inutilement le film, la seule vraie valeur ajoutée étant le rôle jouée par un étonnant Charles Durning dans le meilleur rôle de sa carrière. Mais l'exploit et bien là : Brooks a réussi à faire presque aussi bien que Lubitsch. Mention spéciale à Anne Bancroft qui joue les divas à 52 ans.
Marianne Chaud a vécu pendant trois mois avec les moines bouddhistes du monastère de Phuktal, à près de 4000m d'altitude, au Zanskar, ancien royaume himalayen désormais rattaché à l'Inde. Ce n'était pas son premier séjour dans cette région puisqu'elle y avait déjà tourné un autre film : "Himalaya, la terre des femmes". Elle parle le zanskari et a su convaincre les moines de la laisser filmer leur vie quotidienne. La cinéaste s'est particulièrement attachée aux enfants, comme le petit Kenrap, 8 ans, venu au monastère à l'âge de 5 ans car il se déclare la réincarnation d'un vieux moine disparu. Et à voir la philosophie de vie qui anime déjà ce petit garçon, on est vraiment tenté de le croire! Il accomplit sans rechigner toutes les tâches matérielles : le ménage, la vaisselle, la corvée de bois, la réfection ou le déneigement des chemins et s'exclame avec sérieux en parlant d'un gamin guère plus jeune que lui : "Cet enfant est insupportable!". Car malgré les conditions extrêmes, la vie dans ce monastère accroché à la montagne au-dessus d'une rivière turquoise, est joyeuse. Les jeunes moines apprennent durant de longues heures les textes sacrés mais ils restent des enfants, farceurs, joueurs, rieurs et bagarreurs. Que de respect, de délicatesse et de tendresse dans ces images de vies simples toutes entières tournées vers la spiritualité! Une fois par an, les moines se dispersent dans les lointains villages pour des cérémonies de bénédiction qui leur apportent quelques subsides et leur permettent de revoir leur famille, comme c'est le cas pour le petit Kenrap. Ils traversent alors des paysages admirables et grandioses sur des chemins précaires et dangereux mais, comme l'affirme Kenrap dans sa grande sagesse, si on a le coeur fort et qu'on est résolu à ne pas tomber, on ne risque rien! Au printemps prochain, il quittera son cher monastère pour une communauté plus importante car son intelligence est vive et, comme il le dit lui-même, il est un vieux moine de 68 ans...
Un bon film bien Français comme on les aime ! Mais il faut "entrer" dans le film pour bien saisir et capter l'intrigue qui n'est pas aisée de but en blanc. Le premier rôle est vraiment venturien et la musique colle admirablement au film.
Il était (hélas) inévitable que Luc Besson ne remette pas le couvert une seconde fois avec sa nouvelle poule aux œufs d’or. Succès (surprise) au box-office mondial pour Taken 1 (2008), Liam Neeson rempile une deuxième fois dans la peau de cet ex-agent de la C.I.A dans lequel il cognait salement sur des Albanais à Paris. Cette fois-ci, il casse toujours de l’Albanais, mais à Istanbul, histoire d’offrir un minimum de dépaysement à défaut de nous offrir une intrigue originale qui vaille la peine de faire le déplacement en salles. Car il faut bien l’admettre, le premier opus n’avait absolument rien d’original, si ce n’était d’être un vigilante-movie mettant en scène un quinquagénaire, père de famille, défouraillant des proxénètes dans le seul et unique but de sauver sa fille (promise à vendre son corps au plus offrant). Voir Liam Neeson dans un rôle-titre de cette envergure était assez jouissif, aussi bien pour lui que pour nous, mais à part cela, il n’y avait rien d’autre à se mettre sous la dent. A peu de chose près on obtient ici un copier-coller, sauf que Pierre Morel (Banlieue 13 - 2004) a cédé sa place de réalisateur à Olivier Megaton (Colombiana - 2011), ce qui n’est pas spécialement une si bonne idée en y réfléchissant bien. Ce dernier reste égale à lui-même, enchainant comme il sait si mal le faire, des scènes d’action à la va-vite, le tout, via un montage clipesque (de quoi rendre n’importe quel spectateur épileptique). Ajoutez à cela un scénario rocambolesque d’une ineptie indéfendable, avec son lot d’absurdités aberrantes qui visiblement ici, ne semblent choquer plus personne au vu du succès rencontré par cette suite. C’est donc avec beaucoup de désolation que l’on s’attend à voir débarquer un troisième opus dans les années à venir, une fois de plus inutile et au combien écervelé.
Le vol du navigateur à son coté sympathique avec une petite histoire extraterrestre. Au casting on y trouve Sarah Jessica Parker. C'est pas extra non plus, une fois le gamin au commande de l'ovni, un robot/oeil apparait et il s'impose un peu trop sur toute la longueur du film, l'humour est par contre présent ce qui tiendra en haleine les enfants et une tranche qui dépasse pas les 16 ans.
Après un début un peu confus on rentre facilement dans La Guerre des clans, un film au ton vif grâce à de superbes scènes de combats mais aussi à une intrigue prenante avec ses rebondissements nous mettant le doute à chaque instant.
Dans l'absolu je ne suis pas contre un gros délire de science-fiction ne respectant pas les codes du genre. Non, le problème, c'est qu'ici c'est juste n'importe quoi. Le scénario ne tient pas la route un instant et dépasse le grotesque à de nombreuses reprises, si bien que je ne me suis jamais réellement amusé. Trop de scènes lourdaudes n'apportant rien, trop d'humour gras, trop de personnages totalement inutiles, beaucoup trop peu d'idées pour espérer quelque chose ne serait-ce que sympa... Le bide est presque total, surtout que si David Duchovny s'en sort, paradoxalement son duo avec Orlando Jones fonctionne assez mal. Heureusement que la sublime Julianne Moore était là pour égayer mes sens, irrésistible même dans les films les plus insignifiants. Reste les effets spéciaux, et encore, souvent mal exploités, ainsi qu'un final honnête, bien qu'au fond trop court, sans suspense voire assez vaseux... Bref, un manqué de plus dans la carrière d'Ivan Reitman, que je préférais encore comme réalisateur de « SOS Fantômes », dont je suis pourtant loin d'être fan.
Quel drôle de film ! Je l'ai découvert ce dimanche au Louxor en séance matinale. Un invité à l'issue du film a parlé du film de John Ford, qu'il avait vu la veille et qui s'intitulait "Les deux cavaliers". Mouvement insu de son inconscient ? Je me suis demandé comment ce film aurait été perçu si le menuisier avait été une menuisière, qui aurait prôné aimer deux hommes. Le film d'Agnès Varda est beau, drôle parfois. Il constitue un témoignage ethnologique d'une époque, mais bien que tourné en 1965, la critique féministe semble absente. L'implacable sexisme du personnage de François (Jean-Claude Drouot, l'interprète de Thierry La Fronde) ne semble pas donner lieu à un quelconque regard critique. C'est pour le moins troublant. Cet homme apparemment gentil, tendre, aimant est à l'abri des tâches ménagères, de la responsabilité des enfants. Un drame surviendra, mais il semble le seul épargné. A tel point que "Le bonheur" semble rimer avec horreur. Lorsque le film s'est achevé dans les couleurs de l'automne, j'avais froid, tant l'issue de cette histoire me semblait glaçante.
Un film d'espionnage poussif et usé, qui n'arrive pas à la cheville d'Octobre Rouge. Harrison Ford a l'air de s'endormir à chaque scène, et la mise en scène est aussi dynamique qu'un épisode de Derrick.
Un film exceptionnel à tout point de vue qui a gardé 80 ans aprés sa réalisation toute sa puissance émotionnelle. Dans un Hollywood de paillettes qui ne pense qu'à prendre du bon temps, "A l'ouest rien de nouveau" fait le choix de la gravité en osant tout simplement montrer à quel point la guerre est quelque chose de dégueulasse. La vision est frontale, désabusée, loin de tout héroïsme. Un film sans musique autre que celle des bombes qui s'abattent sur une génération sacrifiée, visions dantesques des tranchées à base de travellings rasants à couper le souffle... Lewis Milestone, cinéaste relativement mineur, réussit le film de sa vie : un film puissant au souffle dévastateur qui a influencé les plus grands cinéastes lorsque ceux-ci ont choisi d'évoquer l'absurdité et les horreurs de la guerre. Kubrick, Malick, Spielberg, Oliver Stone ou bien encore Donald Trumbo et son bouleversant "Johnny got his gun"... Tous sont redevables à Lewis Milestone d'avoir été le premier des objecteurs de conscience. Oscar trés mérité du meilleur film lors de la 3ème cérémonie des oscars en 1930.
Une excellente parodie des films d'espionnage avec un Rowan Atkinson au top de sa forme. Le film est très bien ficelé et on passe de surprise en surprise. Une très bonne comédie durant laquelle on rit tout le temps. Ce film est même meilleur et plus rigolo que le premier. Les scènes d'actions se transforment en une occasion pour Johnny de faire une gaffe qui sont les unes plus hilarantes que les autres. Un film à voir !
La saga Détour Mortel ne fait que confirmer années après années, son faible potentiel, son manque d’originalité, son manque de moyens et . . . tout simplement son manque de talent. Un slasher horrifique en mode survival forestier qui ne fait que se répéter inlassablement, et ce, depuis le premier volet (2002), qui, succès oblige (au cinéma), a obtenu une suite (en DTV) en 2007. Si le premier était loin d’être convaincant, le second achevait clairement la saga. Manque de chance pour nous, la franchise se veut persistante et nous refourgue (toujours en DTV) une troisième suite (2009), qui comme à son habitude, déçoit délibérément ! Scénario grotesque qui s’ouvre à la fois sur un nudie-movie et un torture-porn minable (en moins de cinq minutes, on a déjà deux nymphettes aux seins nus se faisant étriper en pleine nature). Ce nouvel opus est sans équivoque, il est bien plus saignant et trash qu’à son habitude, plus gore et encore plus mal réalisé (d’innombrables SFX viennent anéantir les scènes de massacre), sans parler des scènes tournées en « transparences », décrédibilisant au maximum les séquences en question. Bref, un film d’horreur sans aucun intérêt, sans surprise, il serait grand temps de passer à autre chose !
Faire un effort dans le scénario, sa devait être trop demander. Un navet Fr classique comme on en voit beaucoup en ce moment.
Par comparaison à une oeuvre prècèdente de Kenji Mizoguchi, "Une Femme dont on parle", beaucoup de critiques jugèrent "La rue de la honte" comme un film trop dèprimant et d'une noirceur extrême! A tort, car Mizoguchi ètait avant tout le peintre de la vèritè et il laissait le spectateur juger seul des personnages, sans apporter, pour sa part, de jugement moral! La prècision de son travail de metteur en scène est exceptionnelle, comme son souci de vèritè! Ainsi, pour reconstituer en studio le dècor et l'atmosphère dans lesquels vivent continuellement les prostituèes, Mizoguchi n'hèsita pas à se cacher dans les haies, près de certaines maisons closes, èquipè d'une petite camèra, afin de filmer tout ce qui se passait! il put observer à son aise pendant des nuits entières et enregistrer fidèlement le comportement des prostituèes, leurs gestes, leurs sourires, leur façon de faire des avances, de marcher, de s'habiller, etc...Cette base documentaire fut largement utilisèe et stylisèe jusqu'à l'artifice! Classique incontestè du cinèma japonais où les comèdiennes sont remarquables de pudeur et de retenue, "La rue de la honte" fut malheureusement le dernier long-mètrage de ce gèant du 7ème art! La mort de Kenji Mizoguchi en 1956, fut ressentie au Japon comme une très grande perte pour le cinèma et la culture japonaise en gènèrale...
Aaaaaaaaaaargh Comme une envie de se pendre.... Après ce n'est que mon avis mais je ne le conseille pas
Pas très bien joué, plutôt plat et ennuyant, l'auteur se contentant de balancer les mots "nègre", "viol" ou encore "homosexuel" sans approfondir d'avantage.
Un film convenue entre meutre à la maison blanche et 24h chrono. Déjà vu, déjà fait!
Du cinéma social d'auteur à l’anglaise avec tous ses clichés. Quelques bon éléments ici et là se viennent pas sauver ce film.
La réalisation est molle, l'histoire incompréhensible et les personnages (hormis Bernard Blier) ne sont ni bon ni attachant.
Un très beau film, simple et touchant. Michael Keaton est excellent dans le rôle du futur père apprenant qu’il est atteint d’un cancer, il va décidé de faire une vidéo cassette sur sa vie, ses souvenirs et sa famille pour son fils, pour qu’il ne l’oublie pas et la belle Nicole Kidman joue très bien le rôle de sa femme, ils forment un très beau couple, attachant.
Très très bonne surprise. Je m'attendais à un nanard ennuyeux et facile mais la réalisation est là. La fête qui tourne au délire c'est du déjà vu, mais les acteurs ici sont tous vraiment drôles et les répliques font mouche. Je me suis mis à rire sincèrement à de nombreuses reprises, notamment avec Tarek Boudali qui a un sourire et un rire plus que communicatif. La sauce fonctionne à merveille et la comédie roule tout au long du film. Une très très bonne comédie française qui est desservie par une affiche vraiment de mauvaise qualité qui ne m'avait pas donné du tout envie d'aller le voir au cinéma. Espérons que le film ait du succès en DVD car il le vaut vraiment. A découvrir pour passer une soirée pleine de détente et de rires.
Dans les montagnes verdoyantes d’Anatolie, Yusuf vit heureux entouré de ses parents. Son grand plaisir : suivre son père dans la forêt à la collecte du miel. Yakup, le père, place des ruches à la cime des arbres ; ce que la 1ère scène, très forte, nous montre avec talent. Yusuf, enfant timide discret et souffrant d’une grande difficulté à s’exprimer e, public, envisage son père comme son phare. Mais Yakup doit partir loin dans la forêt à la conquête d’abeilles. Il tarde à revenir et le monde du petit Yusuf se retrouve plein de son absence. Ours d’or à Berlin, je suis littéralement tombé sous le charme de ce film traitant de l’enfance avec beaucoup de profondeur, d’humanisme et de poésie. Comment ne pas se prendre d’affection pour ce petit Yusuf confronté à tant d’épreuves ; ce jeune comédien est extraordinaire. Le réalisateur, Kaplanoglu, met l’enfance au cœur de son film mais aussi la nature. Certains condamneraient peut être la lenteur et le côté très intérieur du propos ; personnellement, je n’y vois que spiritualité et naturalisme. Aucune emphase, aucun effet de manche, aucun pathos. L’absence de musique ou plutôt l’unique ambiance sonore du milieu naturel incarne ce choix de Kapanoglu d’éviter à tout prix les artifices afin de rester centrer sur ses personnages et leur rapport entre eux et à la nature. La sensibilité du scénario se retouve donc dans les ambiances accourtiques mais aussi dans la mise en scène, la lumière et le choix des plans. Ne cachons pas que ce cinéma est exigeant (absence de musique, peu de dialogue, peu d’action…) ; mais d’une poésie et d’un humanisme peu souvent égalé. Un film à voir et à revoir
A travers un collage de "mille et une images" (ou plutôt mille images et une image, comme on dit en arabe) commentées par une voix off intimiste et poétique, ce film fait ressentir jusque dans les tripes le martyr du peuple syrien et l’horreur de la guerre civile. Comme disent les critiques qui ne reculent pas devant les clichés éculés : on n'en sort pas indemne. Mais au delà de l'émotion, il y a aussi une réflexion subtile sur de nombreux thèmes, comme la culpabilité de ceux qui ont quitté l'enfer pour la sécurité de l'exil ou encore l’abîme qui sépare le monde d'ici (ou une voix synthétique conseille aux voyageurs de la ligne 1 du métro de faire attention à la marche en descendant du train à la station Bastille) de celui de là-bas (où un petit garçon court en traversant une rue où un sniper est posté). A voir de toute urgence.
Bâclé en tous points : scénario torché en une demi-journée, personnages désagréables, effets spéciaux au ruban adhésif, gags bidons... Pour nous distiller sans aucune subtilité deux bonnes moralités, mais à destination de qui ? Des enfants, dirait-on, ou des parents névrosés ? On ne sait pas trop. Ça ne vaut pas le prix d'une place de cinéma, ni même d'une solde DVD. A éviter !
Heureux de retrouver 2 acteurs que j'apprécie : Vincent Elbaz et Alice Taglioni , dans une comédie assez drôle finalement et sympa pour une fin de semaine !! Le rôle de Thomas convient comme un gant à Vincent Elbaz, qui a la tête de l'emploi de l'oisif professionnel, et obligé de chercher un boulot - certes assez juteux. Il nous faut un certain temps pour comprendre la situation délicate de Margaux (Alice Taglioni) - dans un scénario tout à fait actuel concernant la condition féminine, qui accepte assez bizarrement une collaboration inattendue et loufoque avec Thomas. Pas mal de rires dans la salle, preuve des effets réussis des dialogues & attitudes. Très agréable et attachant !!**
Après la brutale disparition d'un de leurs amis, un groupe d'adolescents se trouve en possession de Stay Alive, un jeu vidéo d'horreur basé sur la véritable et glaciale histoire d'une femme de la noblesse du XVIIe siècle, la Comtesse Bathory. Les gamers ne savent rien de ce jeu, mais ils meurent d'envie d'être les premiers à le découvrir...La frontière entre le monde virtuel et le monde réel disparaît alors. Chacun leur tour, ils deviennent la proie de l'impitoyable Comtesse Sanglante...William Brent Bell part d'une intention louable, lancer une nouvelle ère dans le cinéma d'Epouvante-horreur. Le réalisateur essai de marier à l'action survoltée et aux graphismes délirants des jeux vidéo les effets-chocs et figures de style d'un thriller classique. Il naît de se travail artistique visionnaire une œuvre hybride, dans tout les sens du terme. Dans le cinéma traditionnel, tout film qui se respecte possède un scénario construit, doté d'un corps d'idée, de péripéties. William Brent Bell et Mathew Peterman violent cette norme immuable ; si l'intrigue était-elle uniquement maigrelette, le script serait parvenu in extrémiste à éviter l'indigence, mais soyons clair, l'écriture outrancière des scénaristes vous restera sur l'estomac, la trame est loin d'elle d'être squelettique, elle est proprement invertébrée ! A moins d'être un geek de la première heure, il vous sera relativement ardu de goûter au spectacle, dans le cas contraire, gare à l'ennui ! A force de vouloir mélanger virtuel et réalité, l'atmosphère, pourtant singulière du film, perd tout sa quintessence et ne parvient à distillé en nous, nulle angoisse. Les acteurs de séries TV, peu crédibles ne réussissent qu'à gangrener un long-métrage déjà anémique ; la mise en scène, trop appuyée, cloue le cercueil de l’histoire mortellement ennuyeuse d'un jeu vidéo mortel.
Le Cri est le dernier film de la première période de l'œuvre de Michelangelo Antonioni, avant de connaître une renommée internationale grâce à L'Avventura. Dans ses premiers films, Antonioni s'intéresse au mode de vie de simples gens, leurs relations et surtout ce qu'il partage le mieux, leur désarroi dû à une vie désorientée et sans but. Depuis que sa maîtresse Irma (Alida Valli) lui a manifesté sa ferme intention de le quitter quand elle apprit la mort de son mari en Australie, Aldo, un pauvre ouvrier italien, se sent perdu à jamais. Il décide de quitter son village pour aller trouver du travail, avec sa petite fille Rosina qui lui est très attachée. Tous les personnages féminins qu'il croise paraissent avoir une vie insignifiante et envient celle de quelqu'un qui voyage. Mais lui, partout où il va, ne trouve que l'ennui et la monotonie. Ainsi, ce ne sont pas les brèves aventures qu'il connaîtra en route qui vont lui redonner le goût de vivre, et après plusieurs amours réciproquement déçues, Aldo retourne dans son village en pleine crise d'expropriation. En retrouvant la raffinerie où il travaillait auparavant, Aldo monte dans une tourelle, entend Irma qui l'a reconnu et le hèle.Pris de vertige ou désemparé, il tombe et meurt sur le coup, comme Silvana Mangano huit ans plus tôt dans Riz amer. La mise en scène d'Antonioni ne permet pas de savoir exactement s'il s'agit d'un suicide ou d'un accident.Le film porte son nom à cause du hurlement de terreur poussé par Alida Valli devant la chute instantanée de son amant.Le Cri, un film profondément sombre, annonce les grands films qui vont suivre, de L'Avventura au Désert rouge, où l'incommunicabilité des êtres les enferme et les repousse malgré eux.
C'est un fan d'Herzog qui parle et j'avoue avoir été surpris par les critiques assez médiocres de cet énième bijou du maître. Un sujet porteur avec des ingrédients qui me sont chers, la montée du nazisme et les sciences occultes dans un même film! Comme toujours, Werner a un don certain pour conter les histoires à travers des personnages riches et profonds, un montage aux abords très linéaires mais plus calculé qu'il n'y paraît et un je ne sais quoi qui font de ses films des oeuvres inclassables et formidables. Tim Roth est d'une élégance et d'un charisme impressionnants, l'invincible qui lui fait face est touchant par sa naïveté mêlée à une étude extrêmement pertinente de sa psychologie. Un travail de grande classe où le récit flirte avec l'Histoire, celle avec un grand "H".
Pur chef d'oeuvre. Un film qui sort inaperçu en plein mois d'août. On est fasciné du début a la fin, le thème est pourtant assez lourd : solitude, suicide, "folie"?. Le décor est sombre, la musique est tout sublime, les bruitages assourdissants, ce qui nous immerge dans l'univers angoissant du protagoniste, qui au passage, interprète avec brio son rôle. Bref, j'ai adoré ! Gros coup de coeur de cet été, enfin un film profond qui donne à réfléchir.
Bon alors je sais que 5 etoiles c'est un peu foufou, parce que comme on dit, la perfection est inatteignable ! Mais pour moi ce film est un chef-d'oeuvre et je fais ce que je veux ! Ce que j'ai adoré c'est l'univers qui a été créé avec toute une mythologie et un vocabulaire. C'est vraiment génial et hyper drole ! 5 etoiles et puis c'est tout !
Une production Luc Besson / Europa Corp. On sait donc que le film qu'on va voir est à regarder avec le neurone débranché. Mais même en état de mort cérébrale, il est difficile de ne pas trouver ce film mauvais. Les premières minutes nous montre déjà qu'ils ont du faire la manche pour boucler le budget (le passage de la moto est de toute beauté). Le scénario quant à lui se limite à un merveilleux : Sauver la fi-fille. Difficile de faire plus élaboré. Bref une histoire inexistante et de toute facon chiante, des dialogues pourris, des figurants qui s'emmerdent, des situations WTF, des effets spéciaux qui sentent bon le formol, ... On a vraiment l'impression de se trouver devant un nanard du début des années 90 via une production AB1. On passe à 2 doigts de la daube mais avec 30 millions de budget, on l'évite de justesse.La sortie de la station spaciale via le saut en parachute de 4 secondes pour finir sans combi est priceless