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Dans la Nouvelle Vague, au milieu des Godard, Truffaut et Rivette, il y a eu Jacques Rozier. Souvent oublié, celui-ci distilla pourtant avec son premier long-métrage "Adieu Philippine" une des premières évocations de la guerre d'Algérie au cinéma. Tourné en 1960, le film ne sera d'ailleurs montré qu'en 1963 à cause de la censure. Souvent de façon subtile, le conflit et sa gravité peuple en filigrane les aventures de Liliane et Juliette, deux inséparables qui tentent par tous les moyens d'empêcher Michel de partir faire son service. À travers leur relation, Rozier déballe déjà les règles du triangle amoureux, bien avant "Jules et Jim". Sans technicité particulière, le cinéaste passe des mouvements parisiens aux côtes corses, cernant avec justesse la musicalité d'une époque. La bande originale alterne ainsi entre Elvis Presley et quelques-un des classiques du standard insulaire. Film maudit, une chronique tragicomique tissée entre Paris, la Corse et l'Algérie. À découvrir.
Tiré d’une histoire vraie ou non, après 4 ans d’emprisonnement, de tortures et de crimes perpétrés contre leurs co-détenus, on a de la peine à imaginer des soldats passer aussi vite l’éponge et ainsi porter secours à l’ennemi. Mais pour revenir au film, à aucun moment il ne recrée l’atmosphère de terreur qui régnait dans les camps de détention nippons en Asie. Quant à Robert Carlyle, malgré son talent indéniable, tous ses derniers rôles ne parviennent pas à faire oublier son interprétation mythique dans "Vorace".
Film vraiment original : sorte de conte racontant l'histoire d'un homme maudit à cause de la mort d'un cheval et qui doit errer ça et là pour essayer de guérir les gens. Une réalisation cinématographique parfaite avec de très belles séquences et de très belles complaintes chantées. Le scénario relate l'abandon de sa femme enceinte d'un homme qui se croit appelé par dieu pour guérir autrui et devient une sorte de gourou. Film plein de symbolisme et d'allusions polonaises sans doute, la finalité du film reste un peu obscur. Mais la réalisation est belle, le langage cinématographique très maîtrisé, l'accompagnement musical est bien venu. Presque un chef d'oeuvre s'il n'y avait l'hermétisme du projet. Film empli d'une grande tristesse mais aussi d'une très grande poésie.
Immédiatement reconnaissable dès les deux premières notes de son générique et dès sa première séquence, Les Dents de la mer est à la fois un film qui a fait chuter le nombre de vacanciers en station balnéaire, qui est devenu le plus gros succès de l'histoire du cinéma (il sera détrôné deux ans plus tard par La Guerre des étoiles), qui est considéré comme le premier blockbuster et qui a fait mondialement connaitre Steven Spielberg. Quarante ans après, si le film ne fait peut-être plus aussi peur, il reste un énorme morceau de cinéma. En traitant de la manière la plus réaliste possible les évènements décrits et en économisant les apparitions du requin (même si cela est dû au fait que le faux requin ne fonctionnait pas), Spielberg nous plonge complètement dans son histoire. Contrairement à l'image souvent associé au début de la carrière du cinéaste, Les Dents de la mer est un film totalement adulte : le traitement psychologique des personnages est très réussi et les rapports complexes entre sécurité publique et économie sont plus que crédibles. Nous sommes face à un grande réussite où tout atteint la perfection : scénario, interprétation, musique (peu de films sont aussi immédiatement reconnaissable à leur bande originale) et réalisation. Cette réussite de Steven Spielberg est d'autant plus remarquable que les conditions de tournage ont été plus que catastrophiques et que l'effet spécial principal (le requin) était un échec complet (chose complètement insoupçonnable à la vision du film). En ayant été poussé dans ses retranchements et en étant obligé d'économiser ses effets, Steven Spielberg a réalisé un magnifique film d'épouvante et d'aventure qui reste un véritable chef-d’œuvre et une des réussites les plus marquantes de son auteur.
Un film à la fois sincère, sensible et poétique. Les images sont d'une grande beauté, l'ambiance sonore nous plonge dans l'univers du film. L'un de mes plus beaux moments de cinéma.
L'univers décalé et poétique de "Trust Me" gravite autour de deux anti-héros de l'Amérique profonde; Maria, teen-ager ultra-maquillée au look de pom-pom girl déjantée est la petite amie du playboy de la fac, obsédé par ses matchs de foot, sa réussite scolaire et professionnelle. Lorsqu'elle annonce qu'elle est enceinte, son entourage la rejette. Sa mère la traite comme une esclave. Ce rejet et cet asservissement soudains servent de catalyseur. Maria fait la connaissance de Matthew, un technicien en électronique plus âgé qu'elle, phagocyté par un père castrateur et maniaque de l'ordre. Matthew est en rupture totale avec la société qui l'emploie, car il s'oppose aux méthodes de production utilisées, qu'il juge absurdes. De la rencontre de ces deux parias écorchés naît une belle histoire, très émouvante, qui montre comment ces deux êtres, a priori aux antipodes, vont tenter de s'apprivoiser. La bande-originale du film, insolite et discrète, contribue à souligner l'alchimie qui se crée entre les deux personnages principaux. Trust Me repose sur une intrigue simple, traitée avec inventivité et justesse, sans jamais verser dans la mièvrerie. C'est un film sobre mais qui pousse à la réflexion. Les deux acteurs principaux sont très attachants: lorsque la fin du film arrive, on souhaiterait que l'histoire ne se termine pas, qu'elle se poursuive encore longtemps... Son atmosphère particulière laisse un souvenir impérissable.
Il est clair que le cinéma de Woody Allen,habituellement léger et caustique,avait mal négocié le tournant des années 2000.Par habitude ou par paresse,Allen ne reproduit pas ses histoires.Son héros Val Waxman est toujours névrosé,hypocondriaque,plein d'esprit et agité.Comme lui.A t-il jamais su écrire autre chose?"Hollywood Ending" a le petit mérite de brocarder les habitants de la Côte Ouest et de nous montrer de l'intérieur le tournage catastrophique d'un film.Sa trouvaille:Waxman devient aveugle(cécité psychosomatique bien entendu!),avec tout ce que cela comporte comme quiproquos et un nouveau regard sur sa vie.Hormis quelques rares saillies alléniennes,on ne rit pas.Je trouve même que le film verse dans la fatalité et la désespérance,peut-être l'état d'esprit du cinéaste au moment du tournage.On doit se coltiner des longueurs gênantes pour le rythme général et tous les personnages hormis Allen,ne sont que des archétypes,aux réactions et mimiques pré-programmées.La présentation à Cannes me semble exagérée,et on est heureux de savoir qu'Allen a retrouvé ultérieurement son talent en quittant New York pour Londres.
Film français ou je suis tomber dans l'histoire de bout en bout. Une intrigue policière avec un décor naturel immersif. Vous vous souvenez de cette atmosphère à la Shining avec cette hôtel mise en avant perdu, comme isoler du monde. Et bien c'est avec un zest très léger qu'Avant l'aube se nourri. Sylvie Testud assez étonnante dans la peau d'une inspectrice de la SRPJ. Bacri nous comble également en directeur de l'hôtel et une fois de plus l'acteur Vincent Rottiers me laisse sur le carreau de par sa prestation solide, énergie vive d'un jeune employé qui tombe dans un piège qui va le décevoir grandement et même plus encore. La fin nous laisse pantois d'inquiétude mais aussi et probablement d'un espoir, vous comprendrez par-vous même.
Bonne surprise pour cette petite comedie sans grande pretention. Tout est exagere, a commencer par l'accent des acteurs italiens (excellents en VO !), les quiproquos s'enchainent, et le tout est mene sur un bon rythme. Au final, c'est hilarant, et c'est tout ce qu'on demande.
Débutant par la célèbre peinture «La fucilazione del 3 maggio 1808» de Francisco Goya, «Le Fantôme de la Liberté» (France, 1975) de Luis Bunuel s'active tout son long à dénoncer les bornes de la liberté. Tantôt richesse éphémère réservé aux adultes, tantôt véritable peine de mort, etc. Luis Bunuel fait de la liberté un simulacre. La narration est construite par un enchâssement des récits, multiples exemples variés des frustrations quotidiennes, des barrages à la liberté. Comme chaque scène nous échappe pour fuir outre, vers une autre destinée tout aussi fuyante, la liberté selon Bunuel n'est qu'une poignée de fumée aussitôt perdue qu'elle est acquise. Plaidoirie pour la face fantomatique et fantasmatique de la liberté, «Le Fantôme de la Liberté» possède la charme abstrait du surréalisme, peut-être l'un des véritables films surréalistes bunuelien depuis «Subida al cielo» (Mexique, 1951). «Le Fantôme de la Liberté» brille aussi par son ironie perpétuelle, découlant du surréalisme et de son exploitation anti-libérale (cf. l'affiche du film illustre la Statut de la liberté en forme de cul, à la torche molle). Avant-dernier long-métrage d'un immense cinéaste, le film explose de toute les revendications du réalisateur, tant politique qu'anti-clérical (marque de fabrique de Bunuel) qu'artistique que social. Bref, «Le Fantôme de la Liberté» dans sa singularité narrative, sa folie ambiante, sa dynamique multiple est un chef d'oeuvre, encore une fois, signée Luis Bunuel.
ce film est juste délirant gore parfait les effets spéciaux sont bien faits avec beaucoup de sang a voir absolument
Un film un peu niais sur les bords !!
Évidemment sur des films Français de cette époque, nous ne risquons pas de voir beaucoup de commentaires ou bien de critiques. C'était au temps où notre pays, associé avec d'autres nations européennes, était encore capable de réaliser de grands films d'aventure. Avec cette adaptation d'un roman de Giono qui s'étale sur une dizaine d'années, ses chevauchées héroïques, ses scènes d'action et de guerre impressionnantes, ses acteurs principaux, "Les cavaliers de l'orage" était éblouissant et épique. Les couleurs et le format technirama augmentaient encore l'impact des images grandioses. Un remarquable témoin d'une époque oubliée et d'une décadence annoncée ...
C’est sur, c’est du Chabrol . Une gentillette intrigue, la bourgeoisie de Province, ici lyonnaise, et ses acteurs habituels à quelques variantes prêt. On y retrouve une critique quasi bobo et caricaturale des travers de cette bourgeoisie, de ces notables riches et importants dans leur environnement et bien sûr on insiste sur leur perversité, leur inévitable pulsion à tromper les autres, en particulier les plus faibles. Parfois Chabrol livre de véritables perles, parfois il se contente de se caricaturer lui même, d’être paresseux dans la direction d’acteurs et dans l’intrigue et de seulement répéter ses gammes. C’est le cas avec ce film globalement raté avec en prime une fin bâclée car on sent que Chabrol ne sait pas comment finir son film. Alors en route pour la grosse ficelle pour nous servir le symbolisme qui justifiera le titre du film mais nous laissera totalement en plan au lieu de nous surprendre par un final en feu d’artifice ou coup de théâtre final qui aurait pu donner un sens à tout cela. Les acteurs se fondent dans ce confort global et seule Ludivine Sagnier apporte quelques éclairs de fraîcheur mais globalement Chabrol arrive même à l’anesthésier elle aussi. Un Chabrol décevant et peu utile.
D'une esthétique rare avec une reconstitution des décors extrêmement soignée, ce film ressemble a un tableau de maître. Le scénario est fort intéressant mais malheureusement traité avec un certain manque de rythme ce qui empêche la note maximum. Johnny Deep en enquêteur acharné et opiomane, trouve ici un de ses meilleur rôle. A voir absolument...
j'ai rien compris à l'explication du gars à la fin avec son histoire de plateforme
"broadway 39ème rue" aurait mérité un meilleur accueil critique et public. tim robbins, en bon élève de robert altman, a su faire un film fleuve où différentes histoires s'imbriquent, avec une réalisation audacieuse intégrant joliment les passages de comédies musicales, des comédiens exceptionnels (mc fadden est très crédible en orson welles), une thématique risquée mais universelle puisque si l'on est dans les années 30 à broadway, la censure est un problème qui existe toujours, sous une forme ou une autre. dernière chose: tim robbins a fait à ce jour trois films et il faut louer le fait qu'ils sont tous magnifiques tout en étant complètement différents. "bob roberts" est un film politique, faux docu caméra à l'épaule qui va à 100 à l'heure, "la dernière marche" est un drame presque calme et apaisé traitant de la peine de mort avec beaucoup de douceur et de recul et "broadway 39ème rue" est une comédie musicalo-romantico-psycho... j'attends avec impatience que tim robbins réalise un nouveau film, il a eu jusqu'à maintenant sept ans de réflexion...
Un dessin animé pétri d'humanité, qui oscille entre rires et larmes, attendrissant à souhait, où musiques et personnages sont extraordinaires. Le chef d'oeuvre de l'animation française (avec Kirikou et la sorcière), après moult visions, est toujours aussi appréciable. Une petite merveille d'émotion.
Voici une comédie sympathique et qui n'a d'autre objectif, et tant mieux, que de passer un bon moment de rigolade, avec un final hilarant, ce n'est peut être pas le film de l'année, mais il a le mérite d'être honnête, et dégager une belle sincérité. Elie semoun nous donne une interprétation, a ma grande surprise, qui nous fait découvrir une finesse et une sincérité peu connue de l'acteur dans plusieurs scènes. Les enfants, en tête, Vincent Claude en Ducobu imperturbable, signe là une très belle prestation sans tomber dans le trop ou le pas assez, qui souvent alourdie ce genre de film, une générosité propre aux enfants. Juliette Chappey campe une Léonie plus vraie que nature, et le reste du casting Joséphine de Meaux en tête donne a cette comédie, ce petit côté potache, qui attendri. Je conseil ce film à tous et toutes, pour sortir de la grisaille quotidienne et passer un bon moment de cinéma.
On avait le western "spaghetti" (italien), voici une nouvelle étoile dans la constellation cinématographique hexagonale : un spécimen d'un genre inconnu (depuis Winnetou et "Der Schuh des Manitus" ) : le western choucroute (allemand donc)... Ça fait toujours drôle d'entendre des acteurs de western parler allemand, c'est vite oublier qu'une grande fraction (une petite majorité même) des colons américains étaient... allemands ! Donc rien d'incongru en la matière, et ma curiosité a été comblée... de plus, Nina Ross (rappelez vous de Barbara) transcende littéralement ce film ! Rien que pour elle, 5 étoiles !!
Téléfilm fauché. On n'y croit pas une seconde, les effets spéciaux sont d'un autre temps, le scénar passe d'une incohérence à l'autre, les acteurs n'y croient visiblement pas non plus d'ailleurs. Tout semble avoir été bouclé en une demi journée. 1 étoile quand même pour les magnifiques yeux bleus de Stefanie Von Pfetten que le réalisateur ne s'est pas lassé de montrer en gros plan pour faire peut-être oublier la faiblesse de son film.
superbe film très bien filmé, les acteurs sont tout à fait crédible. Film qui mélange Romance/Guerre sans problème, on ne s’ennuie pas un instant. Je vous le conseille fortement
Bon divertissement, j'ai hate de voir la suite. L'histoire suit un schéma assez classique mais les effets spéciaux sont convainquants, les personnages tiennent la route et Tom Hardy colle vraiment bien au personnage de la BD. La relation entre Eddy et Venom est assez fidèle aux comics. Contrairement à ce que j'ai pu lire, il n'y a pas une vanne toutes les 5min (contrairement à Thor ragnarok et autres récents marvel) et les "vannes" me rappellent un peu l'humour des blades de l'époque. Je recommande donc.
Mais que ce qui m'a pris d'aller voir ce boulet, prétentieux en plus, remplit de vides et des séquences à rallonge pour ne rien dire. Pire, des scènes sans raison d'être, montées n'importent comment. D'un amateurisme "professionnel" pourrait-on dire. Et pourtant, sur le papier, l'idée n'est pas si mauvaise: l'émigré d'amour qui a le mal du pais, mais qui n'arrive pas à décrocher de la terre d'accueil. Par ailleurs, les acteurs (?) n'arrivent pas à provoquer la moindre émotion. Navrant.
Un grand film que j'ai vu à sa sortie en décembre 1984. Et même s'il a vieillit sur le plan des effets spéciaux, à l'époque il m'a bouleversé (presque autant que le livre que j'ai lu quelques années après, qui est grandiose et incommensurable avec le film pourtant exceptionnel). Mon meilleur moment de cinéma!!!
Rolala que dire de ce film ? ... une merde innommable dont on ne ressort pas indemne, j'ai prit pour habitude de regarder un film jusqu'au bout avant de le juger mais je doit avoué que là j'en fût bien incapable, tellement le scénario est grotesque, tellement les acteurs sont ridicules même les scènes de combats en deviendraient presque hilarantes si elles n'étaient pas aussi ennuyeuses... En bref ! le terme navet prend tout son sens avec cette merde !
La patte Coen nous surprend une fois de plus, avec un style nouveau mais toujours autant de talent. Inside Llewyn Davis est un petit chef d’œuvre dans le genre dramatique, à la fois simple et saisissant. Les frères Coen nous plongent dans l'univers d'un pauvre homme à qui rien ne réussit, pour qui la vie n'est qu'une succession d'échecs, sur un fond déprimant mais auquel on est accrochés, comme hypnotisés. On n'a pas le côté burlesque de O'Brother, on a là un univers maussade, dont l'ambiance est à l'image du style grisâtre du film. Et pourtant de nombreuses scènes prêtent harmonieusement à sourire. Et c'est avec sa vie accablante qu'on s'attache au personnage, dont Oscar Isaac nous offre une prestation excellente. C'est par sa simplicité que son histoire nous touche, et c'est par son malheur qu'on ressent toute la détresse de ce genre de vie. Une touche originale et intelligente, c'est ce fameux chat qui nous fait sourire tout au long du film, qui n'est sans doute au final qu'une représentation de ses échecs, de ses opportunités, de ses péripéties en général. Énorme plus également, les prestations musicales qui sont envoûtantes et touchantes. C'est d'autant plus avec cet aspect musical talentueux qu'on est affligé qu'un tel musicien ne sorte jamais de sa misère, que la seule chose qu'il possède soit son talent et ses convictions, qu'il n'ait aucune reconnaissance pour ces dernières, alors qu'il mériterait tellement plus. Et pourtant, c'est une réalité dont on parle peu. Inside Llewyn Davis réussit à tous les niveaux dans le genre dramatique, avec cette saveur particulière qu'apportent de grands cinéastes comme les Coen.
Quelques scènes drôles, un bon Maguire et un concept assez décalé et original. Mais je n'ai pas du tout été emballé. J'ai même laché prise avant la fin. Ca ne m'intéressait tout simplement pas.
Présenté sous forme de sketches, ce film nous plonge sur de courtes périodes dans le quotidien d'un couple avec un enfant se remettant d'une grave maladie, d'une assistante vétérinaire ayant un faible pour un ancien camarade de classe sur qui elle tombe par hasard, d'un piètre professeur dépressif dans une école de cinéma et d'une vieille femme pleine de regrets à qui la petite fille rend visite avec son copain. Tous sont liés par la présence d'un teckel, que l'on suppose être le même au cours de ces récits et dans lesquels il a plus ou moins d'importance. Un ton particulièrement cynique caractérise ce long-métrage, tant dans les dialogues que dans certaines situations. Il s'agit ainsi d'un humour très incisif auquel je n'ai pas toujours adhéré, malgré quelques conversations que j'ai trouvées drôles tant elles sont décalées. Toutefois, la plupart des situations présentées m'ont semblé sans but et le film étant centré sur le teckel, je n'ai pas apprécié le fait que son passage d'une personne à l'autre ne soit pas toujours logique. A la fin, j'ai eu l'impression d'avoir vécu une expérience plutôt déplaisante.
Ce film est absolument horrible à regarder, pénible car mal joué, réalisation hasardeuse… scénario ridicule, prévisible, niais… tout ce qu'on veut… comment ça a pu sortir au cinéma alors qu'on trouve des meilleurs films dans la filmographie de Uwe Boll (qui au moins sont drôles) là c'est juste lent, pénible…
Il avait de quoi intriguer et même inquiéter, ce "Bad Lieutenant" version Herzog. Mais très rapidement le cinéaste allemand se montre rassurant sur ses intentions et c'est au final un véritable bonheur de cinéphile auquel nous sommes conviés pendant 120 minutes. Aussi étonnant que passionnant et mélangeant savoureusement le réalisme urbain à un trip hallucinogène jouissif, ce faux remake du film de Ferrara s'avère ainsi décapant et magnifiquement filmé dans une Nouvelle-Orléans qu'on a rarement vu aussi cinégénique et mystérieuse. Loin ainsi de vouloir forcer le trait ou de caricaturer d'une quelconque manière ses différents personnages, Herzog réussit au contraire à trouver le ton juste (et décalé) pour nous offrir une galerie de « gueules » particulièrement savoureuses et en définitive aussi peu recommandables les unes que les autres, à l'exception peut-être d'une Eva Mendes surprenante et émouvante... N'oubliant qui plus est en rien de raconter une histoire parfaitement menée et porté par un Nicolas Cage au sommet de son art (quel plaisir de le revoir ainsi), ce « Bad Lieutenant » s'avère être un cocktail aussi jubilatoire que déjanté : un must!
Ces "Company men", si leur histoire ne brille assurément pas par l'originalité (à la suite de deux vagues de licenciements boursiers Bobby Walker/Ben Affleck, cadre supérieur, est rejoint par deux cadres dirigeants du même groupe, Phil Woodward/Chris Cooper et Gene MacClary/Tommy Lee Jones dans les froides statistiques des "cuts", ce qui va bouleverser leur quotidien, aussi bien matériel pour les deux premiers que familial pour le dernier, avec même un drame pour le deuxième), si le savoir-faire "filmique" du réalisateur de télévision John Wells ne dépasse pas leur mise en scène "propre", sont cependant d'assez bonne compagnie, car l'interprétation est parfaite (pour compléter le casting, Kevin Costner en chef d'entreprise du bâtiment, beau-frère grande gueule et gros coeur de Bobby, et Maria Bello, la DRH qui licencie contre son gré). Histoire convenue, avec un "happy ending" à la mesure de la promotion des valeurs de courage etc venant au secours du rêve américain que les difficultés des temps et la méchanceté des actionnaires voudraient balayer : classique, mais pas mal fait.
Excellent film ! Terrible histoire ! Et dans tout les sens du terme :/
Une photo magnifique et un récit passionnant pour une ode aux films et aux reportages engagés de Depardon. En somme un beau film qui parle de grand cinéma. A voir pour tous les fans du genre !