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Dans le peu que j'ai vu de la filmographie du cinéaste méconnu de nos jours Ray Enright, je n'ai jamais été déçu jusqu'à présent et j'ai beaucoup apprécié ce Western "Les chevaliers du Texas" !! Pendant la guerre des Nordistes contre Sudistes de l'époque du Far West, trois amis voient leur ranch détruit et veulent le remettre neuf comme avant, pour cela, il faut de l'argent et les trois garçons vont s'éparpillés, l'un à l'armée et les deux autres faisant plusieurs convois de matériels d'un endroit à l'autre qui rapporte mais qui est risqué. Histoire intéressante et scénario accrocheur, "Les chevaliers du Texas" nous fait apprécier les personnages et nous captive de minute en minute en progressant sur l'intrigue. La mise en scène de Ray Enright vieillit bien et se laisse regarder de nos jours grace au Cinémascope datant de 1949, l'année de sa sortie. Il y a de très bons comédiens avec en tète Joel Mc Créa, Zachary Scott, Alexis Smith et dans les deux roles féminins de ce long métrage, la jeune et célèbre Dorothy Malone. La musique de Max Steiner est sensationnelle. A découvrir.
J'étais seul, bien seul, dans cette salle de la Maison de la Culture d'Amiens, pour voir le film-testament de Raoul Ruiz. Assez triste cette désaffection pour un cinéaste qui a toujours refusé la facilité du cinoche moderne en restant fidèle jusqu'au bout à la littérature, en mélangeant hermétisme et surréalisme, à la façon de ses modèles chiliens. mais les gens préfèrent la facilité, celle des blockbusters (dont je ne dénigre pas la fonction de simple divertissement populaire) et celle des films à message lourdingue de pseudo-auteurs en gros sabots. Raoul Ruiz, pourtant gauchiste, a eu le grand mérite de ne jamais céder à cette facilité-là, celle de faire des films moralisateurs et haineux (à ma connaissance certes limitée de son œuvre immense). Lorsqu'il laisse affleurer le débat chilien entre nationalistes et socialistes dans son dernier film, tout cela reste bon enfant : on ne se saute pas à la gorge simplement parce que l'on est adversaires. Seul un moment du film (lorsqu'un grand-père compare son fils à un nazi dans la manière d'éduquer son propre enfant - avatar de Ruiz - à coups de ceintures) laisse deviner clairement les préférences de Ruiz. Le reste est méditation sur la vie et sur son absurdité, bien que sans amertume : il manquera certes toujours à Ruiz une foi qui eût donné un sens à sa vie, mais il remplace ce sens par le jeu. Tout n'est que jeu chez Ruiz, et cela donne lieu aux meilleurs moments du film. Qui n'apparaît certes pas comme son meilleur au spectateur fatigué que j'étais l'autre soir : mais peut-être me trompé-je. Néanmoins, tous ses thèmes et obsessions semblent ici récapitulés : l'enfance, le langage, le jeu, les contes. La musique aussi est bien présente, avec le personnage presque grotesque de Beethoven, confondu par la technologie et la bande-son d'Arriagada. L’histoire du cinéma dira, plus tard, ce qu’il faut retenir de l’œuvre de Ruiz : mais une œuvre, il laisse derrière lui, sans aucun doute.
Un portrait au vitriol d'une certaine bourgeoisie, avec des personnages qui vont se démonter en plusieurs pièces mais aussi se reconstruire et se révéler. Et surtout, un film a voir pour notre magnifique Danielle Darrieux ! Quelle actrice ! Elle nous transmet toute l'émotion de son personnage jusqu'à en avoir la chair de poule, jusqu'à nous faire couler une larme, tout cela sans un mot, rien que par son jeu d'actrice, son visage, son regard. Et puis, notre grand Marielle aussi est formidable, égal à lui même ! Magnifiques couple, magnifiques acteurs !
Marcel Carné focalise son cinéma sur les conditions sociales de ses contemporains et des minorités locales des bourgs français. Composant de la seconde période du cinéma de Carné, celle dépourvue du talent d'écriture de Jacques Prévert, «La Marie du port» (France, 1949) reprend le cadre géographique et politique récurrent dans l'oeuvre de son auteur. Le patron notable d'un bar et d'un cinéma à Cherbourg se prend progressivement d'affection pour la jeune soeur de sa compagne. Dans le rôle de ce bourgeois provincial aux élans misogynes, Jean Gabin apparaît comme la silhouette brumeuse de son talent d'antan, d'avant l'Occupation. «La Marie du port» conçoit pleinement le monde comme une entité composée de deux parts distinctes : la bourgeoisie et la classe sociale qui lui serait inférieure. Au sortir de la seconde guerre mondiale, alors que le monde se partage entre idéologie capitaliste et utopie communiste, Carné rejoint la mouvance qui envahit la France à cette époque et qui aboutit à la scission étanche entre les castes sociales. Dès ce moment là, Carné quitte le communisme de Prévert pour rejoindre les maladresses du socialisme. Ces maladresses-là semblent comme répertoriées par «La Marie du port». Carné conçoit l'émancipation d'une personne de milieu modeste uniquement par le biais du paternalisme d'un individu bourgeois. Pour Carné, le petit être du peuple n'a pour se libérer de sa condition que de se soumettre au romantisme de la petite bourgeoisie. Assujetti aux bon sentiment du notable bourgeois (possible protagoniste chabrolien) le personnage Marie La Flem n'a pour fuir la condition de son milieu social qu'à s'indexer aux plaisirs du bon bourgeois. Cette critique axée à travers le marxisme entend recouper avec l'enjeu politique qui se jouait en France au cours de la fin des années 40. A travers cette petite communauté de Cherbourg (bien moins grouillante que chez Demy), Carné souligne, à son insu, les lignes capitales qui régissent la visée capitaliste.
Pas beaucoup d'intérét à ce film ou l'on voit une famille de la petite bourgeoisie parisienne passer les fetes de fin d'année au ski et, les pauvres vieux, ils rencontrent plein de problémes...de famille justement !!! A voir seulement pour les fans de J-H Anglade qui fait tout de meme un grand numero d'acteur...
Regarder la chaîne 14 l'émission du zoo de la flèche est plus divertissant. Un téléfilm sans valeur et sans histoire. Juste pour la sieste d'une aprés midi !
ça aurait du etre un téléfilm que m6 adore passait les soirs de vacances scolaire , ça démontre ce que endure les services de garde rapprochés les gardes du corps , les agents secrets au prés de pétasse gatée pourrie parce que leur mari ont été prédisent une grosse claque dans sa gueule à cette pute .pour qui ils se prennent ces personnes de la politique et leur entourage je leur chie à la gueule ce ne sont que des être humains
Un film belge qui m'a fait penser à un film "argentin", vous savez le genre de cinéma où l'on peut s'identifier aux émotions des personnages, (cinéma humaniste et social) ,partager des émotions crédibles et subtiles, s'empreindre de réalisme, etc....C'est un film rare en effet, car il est d'une sensibilité universelle......Sur un sujet délicat (l'homosexualité masculine) le film trace un portrait d'un jeune homme paumé qui va trouver un travail chez un boulanger belge, dans un monde sans beaucoup de sentiments à priori.....La relation entre les deux hommes est bien éloignée de tout romantisme et l'on pourra regretter des scènes de sexe trop explicites, mais qui rajoute en fait au côté sinistre de cette relation....à réserver donc à un public de plus de 14 ans, je pense....Pour le reste, le film est bien écrit, bien filmé, attachant, et a une force émotionnelle (je me répète) qu'on ne trouve que rarement, ce qui est jubilatoire.....Un film aussi intéressant (même s'il n'y a aucun rapport) que Marguerite en terme d'émotions....Malheureusement j'étais ce samedi matin, seul dans la salle.....Mieux vaut vous précipiter.......
En 1952, Fellini avait déjà réalisé deux films et se préparait à réaliser "I Vitelloni", une comédie dramatique néo-réaliste. Et quel film! Le premier vraiment personnel, celui où pour la première fois il arrivera à imposer son style si différent des autres, sa poésie et sa vision si personnelle sur la vie et la place de l'homme. Bien qu"I Vitelloni" soit le film où Fellini posa les bases de son cinéma, il n'est pas celui où il se dépassa esthétiquement. La photographie est soignée, les acteurs sont tous formidables, mais il n'est pas rempli d'artifices, il ne se sert pas vraiment des couleurs, il n'a rien de féerique. Tous ça pour vous dire que Fellini est encore néo-réaliste à cette époque, et bien que le film soit très personnel, dans son contenu et dans la mise en scène, on sent encore une attirance, une inspiration néo-réaliste. Ce film est le premier chef-d'oeuvre d'un immense cinéaste.A ne pas rater.
J'ai été séduite par ce film, surpenant, fantaisiste, rafraîchissant (- 30°). C'est un road-movie intérieur où une trentenaire qui se retrouve seule à Montréal, se redécouvre grâce aux rencontres qu'elle fait.On dirait un personnage sorti d'une bande dessinée. Bravo à Sandrine Kimberlain qui incarne très bien ce personnage ! Bravo aussi à Agnès Obadia et aux acteurs québecois !
Terriblement bien filmé et interprété Boy A n'attend cependant pas les sommets. Décevant au niveau du scénario mais surtout au niveau des émotions dégagées. J'ai eu l'impression que le réal n'allait pas au fond des choses, se contentant de les effleurer, sous estimant ainsi le potentiel de son film. C'est dommage!!
wow wow wow! je suis resté complètement ahurie par cette histoire rocambolesque! franchement, de l'agent du fbi, aux avocats en passant par le procureur, on est bluffé et complètement trompé par le personnage joué par matt damon. Il est vrai qu'au début il faut suivre, mais on après on se rends vite compte de la supercherie qui monte en mayonnaise! Heureusement qu'on est assis!::)))
A éviter si possible, à moins d'être fans de l'univers Punk et encore ! Béatrice Dalle et Emmanuelle Béart en lesbienne, ça interpelle, mais le résultat est décevant au possible. Béart défigurée par sa chirurgie esthétique ratée de la bouche ne fait pas Punk pour un sou, ce style ne lui va pas du tout : vulgarité, provocation... Le film est violent pour les oreilles, comme une craie qui grince sur un tableau pdt 1h40. Ca hurle, ça crie, c'est moche ! Un flop total...
Vu en VO. Ce biopic sur John Lennon adolescent est excellent en tout point! Cette adolescence, a été pour lui très instable, entre la tiraille de deux femmes, sa mère biologique, interprétée par Anne-Marie Duff qui l'a abandonné, lorsqu'il avait à peine 5 ans et sa tante ( Kristin Scott Thomas) qui s'en est occupée entre temps. Cette dernière interprète avec grandeur cette femme au traits de caractères strictes. John Lennon (Aaron Johnson) chercha à s'identifier et s'affirmer comme tout adolescent qui se respecte, en passant par la Règle Fondamentale des années 50: sex, drugs and rock n' roll ! La prestation de Aaron Johnson m'a bluffé! Quel talent dans ses expressions, ses sauts d'humeurs, ses angoisses et ses envies d'aventure et de nouvelles sensations. Son « habitus » en fait de lui un personnage remarquable et plein de caractères. Le réalisateur Sam Taylor-Wood, n'a pas fait les choses à moitiés, en reconstituant à égale distance et minutie, la ville de Liverpool, durant les années 50: bus verts, pub, musiques (Elvis, ...) ,... Bref je retiendrai dans ce chef d'oeuvre, une adolescence mouvementée et un succès bien mérité pour ce GRAND John Lennon.
Profondément déçu. J'ai trouvé les gags d'une lourdeur exagérée même si l'idée de départ n'est pas mauvaise. Très lourd, ennuyeux et indigeste. De la musique et des dialogues en version "films muets". Heureusement, depuis le temps, "The Artist" est passé par là. Mel Brooks a fait de bien meilleurs films à mon goût. Ne le jugeons pas sur ce seul exemplaire :)
Conan sort d’une pub pour un déodorant à chaque instant on l’imagine s’enduire le corps de patchouli et nous expliquer que ses dents en porcelaines sont bien blanches grâce à une bonne hygiène dentaire et un paquet de chewing-gum à la chlorophylle. Il est accompagné dans ses aventures d’une ‘pure’ grognasse sortie elle d’une pub Roger Cavailles pour la toilette intime, Bien sur notre tas de viande aux stéroïdes triomphera de ses ennemis et accomplira sa vengeance grâce son art subtil de la boucherie et sauvera du même coup la dinde aux gros seins qui bien sur écartera les cuisses remerciant de fait notre gros barbare au patchouli. Voilà tout est dit sur ce navet immonde qui n’aurait jamais du naître.
Comment un film peut-il s'auto parodier, s'auto congratuler, s'auto critiquer, s'auto référencer, et tout cela en même temps? La réponse est dans SCRE4M. Je ne suis pas fan du genre, mais j'avais bien aimé Scream et je n'en avait vu aucune suite avant celle ci, et je n'en ai pas éprouvé le moindre manque puisqu'il se met dans la lignée directe de l'original. Encore une fois on a droit a une grande réflexion sur le genre, à des appréciations sur les autres films d'horreurs et aussi à un scénario qui sait ménager le suspens sans toutefois se prendre au sérieux, un excellent divertissement, je suis d'accord pour deux autres suite, et il me faut maintenant regarder le 2 et le 3!!! Ca y est j'ai vu le 2 et le 3 et je confirme donc que le 4 est bien meilleur!
Ayant auparavant lu le livre de Giono, j'ai trouvé le film décevant. Beaucoup de scènes ont été supprimés, et les moments, les choses les plus fortes n'étaient pas accentuées (ex: Le meurtre du loup, de M.V, le suicide, l' hêtre).
Franchemt bon film, ya pas à dire Albert Dupontel est génial ! j'aime bien qu'on ressente qu'on est vraiment dans Paris, c'est une belle ville qd mem.
scénario d'une grande banalité, personnages stéréotypés, sans oublier la musique assourdissante qui fini de rendre l'ensemble difficile à regarder. pas navet mais pas loin.
Une suite .......NAVRANTE........d'Alad'1 (déjà consternant) avec Jamel en vedette, Kev' Alad' en faire valoir de Jamel et des Guests à qui l'on offre, à chacun, son petit moment de présence à l'écran. Ajouter à cela de l'auto-promo pour la bande à Jamel et vous obtenez, non pas un film, mais plutôt une succession de sketchs qui peinent à nous faire sourire. S'agissant de Jamel, comme à son habitude (cf Asterix Mission Cléopâtre et la piste du Marsupilami), le film ne tourne qu'autour de lui et son omniprésence finie par effacer le personnage principal qui en devient inexistant . Le film dont le scénario tient sur un post-it manque totalement d'exotisme, de paysages, de végétation et surtout d'action !!! Ce qui est un comble !!! Les images sont ternes et on a vraiment l'impression que les 3/4 du film ont été tournées en studio tant l'unité de lieu est omniprésente. S'agissant des gags, on épuise le gag jusqu'à n'en plus finir ce qui finis par épuiser aussi le spectateur. Alors oui, pour les inconditionnels de kev' et ceux de Jamel, chacun y va de ses gimmicks favoris (la danse de Shakira pour Kev', les soucis d'élocution de Jamel) et le film fera sans aucun doute quelques millions d'entrés (plus que le 1er qui avait franchi le seuil des 3.5 millions tout de même?) et engrangera donc une suite (Alad 'trois). Nous nous faisions une joie avec mes enfants (8 et 12 ans) d'assister à une avant première en présence de Kev', du réalisateur et du scénariste. Kev' reste égal à lui-même, simple, abordable, sans prétention. Mais quelle déception pour le film lui-même !!! En espérant que pour le 3ème épisode, toute l'équipe trouve une vraie lampe magique dont sortira un génie qui les aidera à rehausser le niveau et réaliser enfin une vraie comédie d'aventure à la française (si, si, ce vœu est réalisable).
L'Inconnu de Tod Browning est un petit chef d'oeuvre du cinéma muet que je viens de découvrir sur le DVD de Freaks et ô combien ma surprise fut grande en visionnant cette oeuvre annonçant déjà les obsessions malsaines de son cinéaste, à savoir les difformités corporelles, l'amour et la mutilation. Lon Chaney que j'ai découvert à travers ce film de 45 minutes y interprète Alonzo, un homme sans bras, tirant au fusil et des couteaux avec ses pieds, follement amoureux d'une jeune demoiselle effrayée par les mains d'homme. Elle trouve donc refuge et sécurité auprès d'Alonzo qui, lui, renferme un terrible secret... Il sera prêt à tout pour être aimé par la fille de son patron. Durant la courte durée du film, le scénario surprend et prend le spectateur aux tripes de bout en bout avec de nombreux rebondissements tous aussi magiques les uns que les autres... Jamais un film ne m'aura autant ému avec un thème pourtant très particulier. Voilà le grand art...
le thème était prometteur: de très humbles travailleurs, bafoués par leurs patrons, qui 'à force d'humiliation, finissent par se rebiffer. Malheureusement, José Luis Valle est un de ces cinéastes (on ne peut pas employer celui de metteur en scène) qui, à force de vouloir se créer un style, en oublient leur sujet. Ici, son "style" consiste à saturer le spectateur de plans fixes interminables, de scènes sans intérêt qui s'étirent au delà du supportable et à se complaire dans une lenteur qui atteint un niveau quasi pathologique. Trois solutions pour le spectateur: aller héroïquement jusqu'au bout de la projection, et rager devant un tel gâchis en pensant à ce qu'aurait fait sur ce thème un vrai metteur en scène (comme Loach par exemple), ou s'endormir au bout d'une demi-heure, ou encore s'en aller avant la fin. A FUIR !!!
Un documentaire hallucinant. Je ne m'attendais pas du tout à cela en pensant qu'il s'agissait de vrais concours potaches de chatouilles. Mais pas du tout, il s'agit carrément de manipulation et de trafic de jeunes hommes. Dès le début, les mails reçus par le journaliste contenant des agressions personnelles sont incroyables, on tombe des nues. L'arrivée de l'équipe en Nouvelle-Zélande qui se sent choquée parce qu'on les film dans un lieu public, autorisé en NZ et qui pourtant avance directement et sans ambages des menaces envers le journaliste. Procéduriés, agressifs, les états-uniens donnent juste envie aux journalistes néo-zélandais de creuser et ce qu'ils vont découvrir est tout simplement époustouflant. Il faut voir ça...
ya 10 ans jtrouvais ca drole mais plus aujourdui.les dialogues sonnent faux
Un vrai feel-good movie qui vaut le coup. Bien mieux que The Descendants. critique à lire en cliquant sur le lien
Le film enchaîne des sketches sur le un même thème : les femmes que l’on n’a pas réussi à conquérir. Les sketches sont variés, on trouve de l’humour, de l’ironie, de l’étrangeté, de l’émotion et du romantisme. C’est une totale réussite, injustement oubliée des programmateurs et des éditeurs.
Film lynchien dispensable, largement dispensable. Juste utile pour se rappeler que Cage a autrefois été un acteur, que Dafoe méritait un rôle plus important et que les jurys successifs du festival de Cannes décernent leur palme à n'importe qui et n'importe quoi! Pour le reste...
Le film est construit comme un triptyque avec le même point de départ : Brooke, jeune femme pékinoise, fait du vélo, le 30 juin, à Alor Setar (capitale de l’état du Kedah, frontalier de la Thaïlande et grenier à riz du pays) en Malaisie. Elle est victime d’une crevaison. L’histoire va se dérouler de 3 façons différentes. La 1ère histoire est bavarde, parfois drôle mais le sujet futile. La 2e est toujours aussi bavarde et fait penser aux films de Hong Sang-soo mais sans le sexe ! Seule la 3e partie est la plus intéressante, avec des moments de grâce, lors de 2 plans séquences (lorsque Brooke parle de son mari et lors de la découverte des larmes bleues). C’est cette partie qu’il fallait garder, soit en la développant, soit en faisant un moyen métrage (le film complet dure 1h40). Le choix du triptyque (même point de départ) est bâtard : ce n’est, ni le récit d’une même histoire par ses protagonistes [cf. « Rashōmon » (1950) d’Akira Kurosawa], ni le déroulement possible d’une histoire en fonction d’une action qui a lieu ou pas [cf. « L’ironie du sort » (1974) d’Edouard Molinaro d’après le roman éponyme de Paul Guimard]. Ou tout simplement un hommage à « Quatre aventures de Reinette et Mirabelle » (1987) d’Éric Rohmer. A réserver à ses admirateurs…
C'est un film puissant, beau, magnifiquement interprété. Les non-dits, la culpabilité sont traités avec force et justesse. A voir.
La dernière collaboration entre Akira Kurosawa et son acteur fétiche, Toshiro Mifune, aura donc accouché d'un film sublime, une fresque passionnante dans un hôpital où Barberousse, autant docteur du corps que des âmes, guide le jeune médecin Naboru Yasumoto. Si ce dernier exprime d'abord sa défiance envers l'hôpital et ses docteurs, il est ensuite gagné par la bonté de Barberousse, qui lutte avec ses armes contre la pauvreté dans un pays aux fortes inégalités sociales. Le film commence donc de manière très descriptive – l'organisation de l'hôpital, les malades, les visites – et politique mais dérive à mi-parcours vers le mélodrame, ce qui lui fait quelque peu perdre de sa force corrosive mais permet de mettre en évidence son propos humaniste à travers plusieurs personnages, plusieurs destins, tendus entre l'amour et le désespoir. Ainsi, la puissance dégagée par "Barberousse" provient essentiellement de sa durée qui permet de faire succéder plusieurs strates, qu'elles soient temporelles, émotionnelles ou fictionnelles, une ambition romanesque qui rappelle celle des chefs-d'oeuvre de Victor Hugo ou de Fiodor Dostoïevski. L'émotion qui jaillit lors des dernières minutes et ce cri déchirant d'Otoyo adressé à un puits censé ramener à la vie le petit Chobo, n'est pourtant pas seulement lié à l'évolution mélodramatique mais aussi à l'ampleur de la mise en scène dans son ensemble : l'envoûtement des plans-séquences, la brutalité des gros plans, la lumière qui sculpte les visages pour y déceler un sentiment ou encore l'insertion d'un flashback tragique témoignent d'une maîtrise absolue, rarement égalée dans l'oeuvre magistrale du cinéaste. Kurosawa signe l'un de ses plus beaux films, d'une densité absolument vertigineuse.
Indigeste.. Les personnages ont beau être réalistes par rapport à l'époque décrite etc, je les ai trouvés tellement méprisables et ignobles que ça m'a vraiment déplu.
LE gros coup de coeur de l'année 2012. Je n'ai pas retrouvé un coup de coeur pareil depuis! Une interprétation impeccable, Felicity Jones épate par son naturel, Anton Yelchin est trop souvent oublié dans les nouveaux talent émergeant, et Jennifer Lawrence toujours aussi juste. Un film qui certes, ne marque pas par son originalité, mais apporte tout de même une grande dose de renouveau et de fraicheur dans le genre comédie nous évite le happy ending habituel de ce genre de film, sans pour autant nous plomber le moral, une fin ouverte qui nous laisse réfléchir, et ça fait du bien!
Nicolas Cage qui communique en hurlant tout le long (insupportable), aucun moment de drôle - pourtant un américain illuminé en vadrouille au Pakistan ça devrait être facile de trouver une ou deux situations comiques, non?. Tout simplement sans intérêt et une perte de temps.
Ce film est très sensible, les deux jeunes personnages, par leur fragilité, sont boulerversants! Pour ma part, je trouve ce film assez interessant et bien fait!
Partagé entre une volonté de saisir l'imaginaire d'un enfant, la relation avec sa mère et une réflexion sur la beauté, "La belle" parvient en une heure à lancer plusieurs pistes sans jamais les explorer, réussissant l'exploit de dire très peu mais d'être incroyablement confus. Le film n'est pas exempt de beaux moments, notamment quand la mise en scène parvient à exprimer un désir d’apesanteur et à magnifier le visage solaire de sa jeune actrice, mais ses problèmes majeurs d'écriture empêchent d'être captivés et, à un degré moindre, de comprendre la vision d'un cinéaste qui n'a visiblement pas su ordonner ses idées. Si la piste la plus intéressante semble être l'esprit fabulateur d'Inga, il est étonnant que Zebriunas ne filme pas davantage le monde qui entoure la fillette alors qu'elle ne pense qu'à l'apprivoiser. Rivé à son visage, il réalise là un contre-sens formel au regard de l'idée qui tend vers une approche singulière du monde : c'est cette absence de déploiement que l'on regrette, lequel nous aurait évité une répétitivité lassante, symptôme d'un regard beaucoup trop étroit.