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Un très grand film réalisé par Carol Reed, qui obtint la Palme d'Or au festival de Cannes en 1949. Il faudrait avant tout saluer l'interprétation des deux acteurs principaux : Joseph Cotten ( Duel au Soleil ) et Orson Welles ( que l'on n'a plus besoin de présenter ). Un scénario habile, fondé sur les bases du film noir et sur tout ce qu'il implique : affaire d'espionnage et complot, figure de la femme fatale, atmosphère oppressante ou encore déambulations nocturnes dans un cadre urbain. Ici, les décors naturels et l'architecture de la ville de Vienne instaurent un climat inquiétant pour le spectateur ( on ressent d'ailleurs une influence wellesienne chez Carol Reed et celle d'un film comme Citizen Kane ). La musique d'Anton Karas est anthologique, tout comme la célèbre pousuite finale dans les égouts. En bref, Le Troisième Homme est un film à voir absolument, ne serait-ce que pour sa mise en scène remarquablement maîtrisée. Une oeuvre incontournable, un luxe pour le spectateur. Brillant.
Quel mauvais film, on dirait un téléfilm france 3 région Provence pour les scolaires. Le reconstitution est cheap, les paysages clichés et le scénario mal foutu. La réalisatrice ferait mieux de retourner à ses comédies chorales bourgeoises, plutôt que d'essayer de traiter des grands sujets. Quant aux acteurs, c'est le grand guignol avec concours de barbes et postiches. Gallienne se croit à la Comédie Française, comme d'habitude, mais il est incapable de garder le même accent tout le long du film. Décidément il n'est bon que quand il joue sa mère !! Et Canet se la joue tellement sobre et intérieur qu'il en devient insignifiant et fadasse. Pauvres Zola et Cézanne, ils ne les méritaient pas...
un petit film d'auteur où on s'ennuie beaucoup! en général, j'aime bien le cinéma brésilien, mais là, je n'ai pas accroché. ce n'est pas de la faute des acteurs, non, mais plutôt celle d'une construction décousue de l'histoire, et le sentiment qu'on ne sait pas bien où le film veut en venir. j'ai pensé un bon moment qu'il s'agissait d'une peinture de la jeunesse brésilienne, mais à la fin, j'ai eu l'impression qu'il était question du deuil, et comment jeunes et parents y faisaient face. reste quelques belles images, et beaucoup de flou (artistique, sûrement...)
Un thriller horrifique qui n'a rien de surprenant. L'intrigue est plate et découverte dès le début du film. Les dialogues sont plats, inexistants; ils semblent avoir été réalisé à la va-vite. On nage pendant près d'une heure vingt dans un jeu du chat et de la souris qui ne cesse de s'inverser et de devenir par la même occasion pénible, inintéressant. Le dénouement est conventionnel et n'a donc rien d'exceptionnel, d'inattendu. 2ème sous-sol essaie de nous faire sombrer dans un univers malsain et sadique sans y parvenir une seule seconde. Un thriller horrifique qui n'a malheureusement pas sa place dans les vidéothèques qui se respectent.
Film boulversant de sensibilité et de beauté...personnage mythique du jazz avec une vie aussi tourmentée que productive d'un junky génial! A voir absolument si possible apres avoir vu son dvd live in tokyo sublime tout simplement...son ultime live filmé...Magique!
On se demande réellement où veut en venir Joao Pedro Rodrigues (Mourir comme un homme - 2010) avec O Fantasma (2001), filmant les errances d’un adolescent dans les rues nocturnes de Lisbonne. Il est un fantôme de la nuit, il est aussi l’incarnation de son chien, il erre sans but, renifle et grogne, sans cesse à la recherche de partenaires sexuels. Dénué de dialogues (ou presque), son premier long-métrage déconcerte car il est vide de sens, on se demande où il veut en venir car même le dénouement final nous laisse sur notre faim.
Quelle honte ! Un film aussi mauvais mérite bien ma contribution. Ne perdez pas votre temps amis lecteurs.
Ca commence bien, sous le signe de la sobriété, des petites joies simples, avec de petites séquences qui l'air de rien sont charmantes à l'instar de celle dans le compartiment du train, bref on s'enfonce bien confortablement dans son fauteuil croyant voir un peu une sorte de mélodrame du type du miraculeux et merveilleux chef d'oeuvre de Douglas Sirk "Le Temps d'aimer et le Temps de mourir" ; en plus il y a une belle photo en noir et blanc et puis surtout un beau duo d'acteurs formé par Tyrone Power et par un de mes rayons de soleil la sublime Joan Fontaine. En plus d'en plus, le personnage principal est un moment un déserteur, pas mal pour un film tourné en pleine Seconde Guerre Mondiale. Mais voilà à peu près à mi-chemin, Anatole Litvak a l'air de souvenir qu'il tourne un mélodrame et que pour lui un mélodrame ne peut pas être sobre donc on sort la très grosse artillerie pour essayer de faire pleurer dans les chaumières. D'où une seconde partie lourdaude à cause de cela avec une grosse pointe sur la fin qui vire carrément dans le ridicule. "Âmes rebelles" ou comment bien réussir une première partie et bien se saborder sur la seconde.
Une comédie un peu poussive, pas légère-légère dans le propos (Benigni n'est pas Lubitsch) mais qui vaut néanmoins un coup d'oeil pour Nicoletta Braschi, toujours aussi belle. Le grand Walter Matthau est, hélas, sous-exploité et, qui plus est, doublé en italien...
Agnès Merlet m'avait déjà charmé avec son étrange Dorothy la voici qu'elle récidive avec The Last Son, la malédiction un film poétique qui raconte l'histoire du dernier fils d'une famille dont seuls les hommes possèdent un don particuliers mais maudit. Le début sur l'enfance de James est sans doute la partie la plus réussie du film mais la suite se regarde avec passion notamment grâce aux jeunes acteurs qui jouent avec justesse leurs personnages, un garçon et une fille attachants se rapprochant grâce à leur différence. On pourrait reprocher au film d'Agnès Merlet d'être un peu court et ainsi de ne pas avoir développé davantage certains points et une fin qui s'éloigne du ton presque désespéré du reste du film. En tout cas c'est un beau film à l'histoire touchante ayant une photographie très soignée qui mérite d'être plus reconnu.
Construit en quatre chapitres, "Eastern Boys" traite essentiellement de rapports de force et de relations, le tout en faisant constamment évoluer son rythme ( d'abord lent et envoûtant avant de devenir plus soutenu pour être en accord avec le suspense) et ses personnages. Ces derniers sont sans cesse étouffés par les lieux qu'ils traversent, que ce soit la gare, l'appartement ou l'hôtel, et évoluent ainsi dans un climat malsain aux multiples variations. Comment désirer et aimer dans cette atmosphère pesante ? C'est la question que pose Campillo et qui trouve ses réponses dans des scènes de sexe d'une grande intensité mais aussi dans des regards plus interrogateurs qui menacent l'amour des deux principaux personnages, formidablement incarnés par Olivier Rabourdin et Kirill Emelyanov. Le film finit par rejoindre le problème de l'immigration dans une dernière demi-heure d'une efficacité et d'une tension redoutables, mais qui délaisse tout jugement au profit d'une observation scrupuleuse du cinéaste, qui passe à travers une caméra mobile et proche des corps mais jamais voyeuse. Un film souvent froid (sa seule limite), mais surtout brillant (la séquence de la gare est époustouflante) et d'une beauté formelle indéniable.
Hélas pour moi est un Jean-Luc Godard magnifique . C'est d'ailleurs certainement l'un des plus forts , des plus poignants et profonds . En effet , il est difficile de rester insensible à la beauté de la mise en scène que nous offre le long-métrage . Voilà ce que l'on peut nommer une vraie réalisation avec des plans sublimes qui contiennent tous une idée . Dans un autre de ses chefs-d'oeuvre intitulé Prénom Carmen avec Maruschka Detmers , Jean-Luc Godard revisitait avec talent et réussite le mythe de Carmen . Ici , il s'appuie sur celui d'Amphitryon et d' Alcmène ( que je ne connais malheureusement pas encore mais qui me tarde de découvrir ) et il va l'adapter donc à son contexte actuel , c'est-à-dire par rapport aux évènements actuels et notamment le conflit , la Guerre de Yougoslavie . Et il l'aborde Godard , qui a le talent de mettre dans un grand nombre de ses films de la politique . Et cela nous montre à quel point un l'évolution et l'insertion d'un mythe au contexte historique actuel peut être intéressant voire enrichissant . Hélas pour moi est aussi un long-métrage sur l'évocation religieuse , la spiritualité (on pense à cette scène magnifique où Laurence Masliah parle de la prière durant son étreinte amoureuse avec celui qu'elle prend pour son mari ou encore à celle finale où la phrase d'un des protagonistes se finit par "qu'il lui jette la première pierre") malgré le fait que Godard déclara sur le plan religieux qu'il était un extraterrestre . C'est aussi un film où l'on retrouve un certain humour notamment avec les jeux de mots quand par exemple une femme déclare que dans Yougoslavie il y a le mot "gosse" et "vie" . Et cela , c'est ce que l'on peut appeler du dialogue , le langage littéraire . Hélas pour moi ,n'est donc pas une simple réécriture , c'est un film qui va beaucoup plus loin . Il y a de la grâce , une intelligence et une perfection en terme de mise en scène . Un chef-d'oeuvre , évidement .
Un film se critique aussi selon l'emotion qu'on a ressenti en le regardant.Et rien que pour ça il merite 4 etoiles.J'ai deja du le voir une bonne demi-douzaine de fois et je prends toujours autant de plaisir.Que du bonheur !!!Et quelle belle epoque. (director's cut obligatoire)
La grâce absolue, le film majeur de la période (le film est tournée pendant la fin de l'occupation et est sorti après) et la réunion de tant de savoir faire. La postérité de l'oeuvre de Jacques Becker se dessine enfin, libérée de la fixation sur Casque d'or, bien inférieure à celui ci. (Micheline Presle a elle même livré ce diagnostic récemment lors d'une projection à la Cinémathèque) En fait le cinéma de Becker est bien de la Haute Couture (milieu auquel il appartenait) , à comparer au prêt à porter que l'on nous impose depuis 25 ans dans notre cinéma gangrené par la comédie , la démagogie et son mode de production. N'étant pas digne d'en faire la critique, je ne parlerais pas du film lui même, signalant juste que le début, la fin et la morale du film est faite par les arpettes , actrices invisibles de ce monde du luxe dont le créateur et le phare se retrouvent à leurs pieds. Le balancement incessant entre les deux mondes est une constante chez JB
Deux trentenaires enchaînant les petits boulots, et s'accrochant à leur rêve, celui de vivre du rap. On s'attache aux personnages, grands adolescents anti-conformistes, qui vivent en colocation dans un appartement en bordel, enchaînant les soirées dans le bar du coin, et vidant les bouteilles de l'hôtel où l'un des deux à un job de gardien de nuit. Cette comédie est efficace, la musique y est bien mise en avant. Mais l'intérêt principal est de découvrir l'univers du duo et de voir que ces deux personnages ne se prennent pas au sérieux. Malgré son apparente nonchalance, on réalise qu'au delà du provocateur, Orelsan est un jeune homme qui a des rêves, qu'il est bien entouré et qu'il est apparemment bien parti pour les réaliser.
30 ans après il me marque encore - fabuleux - l authenticité dans sa dimension éternelle
Formidable film sur les difficultés pour les les prisonniers, une fois accompli leur peine, de revivre. Le problème est qu'en l'absence de pardon, ils sont toujours considérés comme coupables ! Le films montre bien ça, je l'ai beaucoup aimé, les acteurs sont sobres, la mise en scène est fine et subtile : elle montre bien que les condamnés sont toujours considérés comme des parias, même une fois qu'ils ont subi leur peine. Rossy de Palma et Denis Lavant sont formidables !
Dans la lignée de Fantasia (1940), de La Boîte à Musique (1946) et de Fantasia 2000 (2000), Les studios Disney ont réalisé une série de courts-métrages musicaux (alternant pour certains d'entre eux, prises de vues réelles et animations). Sept courts-métrages composent Mélodie Cocktail (1948), des oeuvres inégales à l'animation parfois sommaire. Tous dotés de mélodies et d'animations rythmées, le temps d'un voyage féerique de 72 minutes.
Tout à fait dans l'air du temps (tout comme peut l'être le tout aussi excellent "trois huit"), ce film traite des pressions et enjeux sociaux engendrés par le monde du travail. Un scénario hyper réaliste, une tension qui plane constamment au-dessus du personnage principal, au demeurant remarquablement interprété,et une incertitude qui persiste au-delà du dénouement font de "l'emploi du temps" un drame social d'une grande justesse.
Ce film était vraiment bon il m'a gardé sur le bord du siège. Il était tout aussi bon que les trois précédents de la série, si ce n'est mieux.. La façon dont le film est filmer lui donne un coté réaliste. Dans ce film en particulier Katie se montre beaucoup.
Journée fête du cinéma, quatrième et dernier film: Le plus honnête de la journée, lumière, joie, folie, un peu trop de tout à la fois, mais comment ne pas être chavirée par la proposition, les comédiens, les décors, l'envie de cinéma plus forte que les règles et les habitudes!! C'est parfois bancal, on veut dire à la scénariste de travailler plus sur le fond, sur l'identité, que sur les rebondissement et les secrets, qui n'ont pas vraiment d'importance. Mais ça m'a plus, marqué, transportée!
Stefan Ruzowitzky déjà aux commandes du film « Anatomie » nous penserions que « Anatomie 2 » en serait la suite directe. En réalité, il reprend juste le principe d’un étudiant en médecine qui intègre une grande faculté. Sa soif de la connaissance va le pousser à rejoindre une secte d’anti-Hippocrate. Mais les lois anti-morales vont rapidement lui faire prendre conscience qu’il est allé dans la mauvaise direction. Ce second volet est loin de la surprise du premier et seul le comédien principal s’en sort plutôt bien dans son rôle. Difficile également de placer le long-métrage dans la catégorie film d’horreur puisque rien ne fait peur. « Anatomie 2 » est un thriller qui s’oubliera aussitôt vu. D'autres critiques sur notre page Facebook : Cinéphiles 44 et notre site cinephiles44.com
Ah la dépression nerveuse...Un mal insidieux qui touche au moins 1 Français sur 5 dans sa vie.Une maladie de notre temps,due à la société actuelle stressante et speedée.Ceci étant dit,Laurent Chouchan,ex-scénariste de Etienne Chatiliez,décide d'en tirer une comédie à l'ancienne,bourrée de grosses ficelles et appuyant les gags,comme si le spectateur n'était pas fichu de les reconnaître.Il faut reconnaitre que certaines répliques sont franchement savoureuses,avec parfois une ambiance de jouissive férocité à la Chatiliez,on y revient.Il y a cependant trop de désinvolture dans le traitement du sujet.Certes,il s'agit d'appuyer les effets comiques résultant de la dépression,mais quand même.Une légère critique des psychiatres,et une démonstration des dommages collatéraux.Thierry Lhermitte traverse "Ca se soigne?" comme un ectoplasme,alors que Julie Ferrier s'en sort bien mieux en épouse compatissante.Un film déja démodé.
Le début du film est ridicule. Caricatural, pétri de bons sentiments, arrogant et particulièrement moralisateur, Le Nom des Gens donne d'abord dans la médiocre comédie politique. La fin sauve le métrage du naufrage en renouant avec une certaine authenticité, surtout grâce au personnage de Jacques Gamblin, seul protagoniste vrai dans cette histoire. Cependant, le cabotinage de Sara Forestier, injustement récompensée aux Césars, marque suffisamment pour laisser une mauvaise impression durable.
Très beau film, un excellent mix d'humour et d'émotions qui aboutit à un spectacle très positif ne sombrant jamais dans le pathos, avec de jeunes actrices bourrées d'énergie, et une belle B.O. en prime.
Ce documentaire ne date pas d'hier (1992), et pourtant il est très actuel. En effet, certains sujets qu'il effleure (pollution, gaspillage, surexploitation de la planète...) sont au combien contemporains de notre quotidien, et nous rappellent bien que la situation ne s'est malheureusement pas arrangée en 15 ans. Quoiqu'il en soit, l'oeuvre est brillante, beaucoup de plans sont à couper le souffle et le fait que le film se déroule sans paroles confère au tout une ambiance privilégiée. Une vraie réussite, à voir et à revoir!!!
un film qui ne vous intéressera pas, qui est mal joué et dont l'histoire est pitoyable. vous le regardez quand même? ben vous avez du courage.
Film cru qui nous rappelle les heures les plus noires qu'est connue l'Argentine surtout que c'est tiré d'une histoire vraie, on en ressort horrifié et épuisé par cette descente aux horreurs ou torture et humilation font vraiment mal. Caetano ne tombe pas dans le piège du pseudo documentaire mais livre une vraie oeuvre de cinéma tentant même quelques expérimentations, ça ne marche pas toujours mais il au moins le grand mérite de tenter et de proposer un vrai point de vue sans jamais tomber dans le piège d'une démonstration scolaire.
LA GUERRE DU SABLE. Sa majesté Annaud s'enlise dans les dunes. Et comme le dis si bien Jean Patrick Capdeviel" quand t'es dans le désert depuis trop longtemps, tu te demandes à quoi ça sert"
(...) A Most Violent Year montre en fait le basculement d’un personnage confrontés aux dessous de l’American Dream (...) La réussite du film de J.C. Chandor repose en grande partie sur le couple Abel-Anne (...) Anne, fille d’un de ces « gangsters » du capitalisme, n’a pas toute la rigueur morale d’Abel et semble prête à emprunter les chemins « faciles » que ce dernier se refuse justement à emprunter (...) Progressivement, Anne parvient à faire fléchir l’incorruptible Abel (...) A Most Violent Year s’inscrit ainsi dans la lignée de Margin Call (2011), premier film du réalisateur, comme critique acerbe d’un capitalisme agressif où domine la loi du plus fort (...) un film qui marque, sans doute, la naissance d'un futur grand du cinéma américain.
L'Oise venait à peine de sortir de l'angoisse née des méfaits du "Tueur de l'ombre" (Marcel Barbeault) - sa traque dura 7 ans de 1969 à 1976 - que débutait une nouvelle affaire de tueur en série, celle du "Tueur fou de l'Oise" (une petite année durant. de mai 1978 à avril 1979). Aucun suspens - dès l'affiche - avec "La Prochaine fois, je viserai le coeur", 3e "long" de Cédric Anger, on sait à quoi s'en tenir quant à l'identité et la qualité de l'assassin (un seul homicide réussi, et cinq tentatives) : Alain Lamare (rebaptisé, par nécessité, Franck Neuhart), un gendarme appartenant à une brigade du PSIG (Peloton de Surveillance et d'Intervention de la Gendarmerie), participe (avec un beau zèle - masochiste) aux investigations concernant ses propres crimes ! Ce qui intéresse le scénariste (adaptant un récit romancé de l'affaire, "Un Assassin au-dessus de tout soupçon") et réalisateur, c'est l'approche psychologique : "dans la tête du psychopathe" (Lamare sera reconnu irresponsable, car atteint d'une forme rare de schizophrénie - ordonnance de non-lieu en 1983 - et est toujours interné). Cette ambition n'est qu'incomplètement accomplie dans ce film frisant les 2 heures - il s'agit d'une esquisse de "profil", par la présentation de l'environnement familial, sentimental et professionnel de l'intéressé, principalement. On regrettera que le passage à l'acte soit plus montré (longuement, et sur un mode monotone) que démontré..... Tout repose sur Guillaume Canet, la quarantaine, devant incarner un jeune psychotique de...22/23 ans.... Encore un casting irréaliste, donc. De plus, GC n'est pas plus convaincant, nonobstant l'âge du personnage, en Lamare/Neuhart qu'en Agnelet chez Téchiné.
Mademoiselle est un film surprenant qu'on pourrait aisément qualifier de chef d'œuvre. En dehors de sa beauté plastique véritablement époustouflante, le film est d'une intelligence assez remarquable dans la façon si juste qu'il a de dépeindre les rapports humains, la façon dont ils se manipulent et les luttes de classe. Si le film a quelques défauts dont quelques longueurs lors de flashback explicatifs nécessaires il n'en reste pas moins saisissant.
Plutôt une bonne surprise car pour être franc, j'ai fait l'acquisition du DVD pour presque rien après avoir lu le résumé du film. Un savant fou créé une race de chauve-souris géantes qu'il dresse à attaquer ceux qui portent un après rasage de sa confection. Dit comme ça, on sent arriver le nanar à trois kilomètres. Je me délectais à l'avance du ridicule de l'histoire et il faut admettre que le film n'y échappe pas toujours. Mais malgré le point de départ abracadabrantesque et le fait que les héros mettent une éternité à démasquer Bela Lugosi l'ensemble est assez sympa. Ces séries B des années 40, peuplées de savants fous et de monstres sanguinaires dégagent un vrai charme et le scénario joue de façon amusante sur l'icône Lugosi (premier grand interprête de Dracula faut-il encore le rappeler). Ce n'est d'ailleurs pas la première fois que l'acteur s'amuse de l'image du personnage qui l'a consacré (voire La Marque du vampire). Les autres personnages sont des archétypes sans réelle épaisseur mais ça ne fait que rajouter au charme du film.
Une très agréable manière de découvrir un texte de shakespeare pour quelqu'un comme moi qui n'en a jamais lu. Très gai ce film, aucun temps mort et une adaptation en français très satisfaisante.
après avoir vu starbuck, je suis resté dans le nord américain et j'en ressors conquis une fois de plus! Une mise en scène classique mais soignée qui vous donne une très belle leçon d'humanité, solidarité, fraternité.... acteurs tous parfaits qui vous laissent émus bien après la séance... je ne l'oublierai pas celui là! a voir....
Là ou le précédant film souffrait d'une présence un peu trop importante de l'effet "On est de retour!" et d'une histoire un peu puzzle, l'action du second film se déroule 1 mois depuis que le ciel est déchiré par une faille menant à un autre univers. L'effet "On est de retour" n'est donc plus présent et là exit les voyages dans le temps, l'histoire se suit donc plus facilement et est beaucoup moins destinée aux fans avec tout de même des références aux épisodes mais ici plus discrètes. Là ou Bender's Big Score manquait un peu de gags, La Bête... en regorge du début à la fin. Oui, autant l'avouer, on prend bien son pied et les personnages sont toujours aussi délirant, chacun à droit à sa petite scène. Les gags se mélangent donc très bien à une histoire à la fois épique et délirante, ne souffrant d'une seule baisse de régime vers le milieu du film mais pour repartir de plus belle et tout ceci sur la formidable musique de Christopher Tyng qui signe ici de très bonnes chansons, que ce soit pour les scènes d'action que pour les scènes comportant de l'émotion. Je ne suis donc absolument pas déçu de ce second film qui à répondu parfaitement à mes attentes, voire les à même surpassées. Espérons qu'il en sera de même pour les deux films restants.
Steve Reeves, le célèbre bodybuilder, est ici l'Hercule incarné, très proche de l'image dont je me fais du héros. Dans l'ensemble le film est une réussite, même mieux que la majorité des péplums "musculeux" qui sortiront après sa sortie. Les décors sont réussis, la photographie excellente et les acteurs s'en sortent bien. Le scénario par contre ne tient pas toutes les promesses du titre. Je demeure quand même rêveur face à l'épilogue avec la voix off disant adieu à Hercule et Iole. Un péplum sympa qui offre un bon divertissement et qui mérite le coup d'oeil, ne serait-ce que pour son charme naïf et désuet.
J'avais vu le premier volet avec beaucoup d'amusement, parce que oui Dead Snow ce regarde avec cet état d'esprit. On le regarde pour rigoler un bon coup pas pour son scénario .. puisqu'il n'y en a pas. J’espérais que cette suite soit au moins aussi bonne, et ce fut le cas, c'est toujours aussi gore, aussi drôle, aussi déjanté et surtout aussi malsain, les enfants, les handicapés, les retraités, tout le monde y passent. A noter que cette fois le film s'est doté d'un scénario, bon rien de bien recherché (quoi que ?) et qu'il innove dans le genre.Le héro se voit greffer un bras de zombie qui lui permettra de transformer les cadavres en zombies, avouez sa donne envie !