CATIE-AQ/allocine_clean huggingface dataset:
Un film de gangster traitant de la période d’après prohibition, où les mafias se réorganisent dans le racket, les paris et autres activités illégales. Le film fait suite à des plaintes concernant Edward G. Robinson, en effet on lui reprochait de faire l’apologie de la vie de gangster à travers ses films, en réponse naîtra Guerre Au Crime. Un film tout à fait réussi sans temps mort, réalisé par William Keighley (réalisateur des Aventures de Robin des Bois avec Curtiz) et emmené par l’encore une fois immense Edward G. Robinson ici épaulé par la future star Humphrey Bogart qui brille déjà. Un film moins populaire que Les Fantastiques Années Vingt, L’Ennemi Publique ou L’Enfer Est A Lui mais qui pourtant à autant sa place au rang de classique de film de gangster.
Un film de genre vu à outrance avec un sujet rongé jusqu'à l'os mais qui bénéficie d'une mise en scène plus que correcte. Résultat : le divertissement est bel et bien présent.
Film d'action français calibré pour le public américain par un Luc Besson sans pitié, From Paris with Love est tout bonnement une série B explosive comme on en a vu des vingtaines dans les années 80 et des centaines dans les vidéoclubs. Au programme : des fusillades, deux/trois répliques choc, des bastons incessantes, quelques explosions, un scénario vu revu et re-revu et des clichés de partout... Car des clichés, From Paris with Love en regorge du début à la fin : les Français sont de gros lourdauds tirant comme des pieds ou des jeunes de banlieues bilingues alors que John Travolta, l'Américain qui fait une scène à douane pour conserver sa canette d'energy drink, a lui la gâchette facile et la répartie intraitable. C'est donc face à un produit de commande des plus poussifs que l'on se retrouve, faisant passer Michael Bay ou Stephen Sommers pour des intellectuels diplômés en Science Po'. Afin de pousser le vice jusqu'au bout, l'inévitable Tour Eiffel et les classiques ruelles asiatiques accompagnées de cités défavorisées se mêlent à une musique suffisamment ridicule pour bien dépayser le spectateur amerloque (le film commence par "J'ai deux amours" de Madeleine Peyroux, vous êtes prévenus...). On se demande d'ailleurs pourquoi le brillant Jonathan Rhys Meyers s'est retrouvé embarqué dans ce buddy-movie ringard aux côtés d'un Travolta presque aussi ridicule que son rôle d'extra-terrestre cabotin dans Battlefield Earth. Bref, ça pète dans tous les sens, ça balance des répliques dignes d'un bon vieux Chuck Norris, c'est débile au possible, indéniablement grotesque. Bref, From Paris with Love est un nanar haut de gamme. Mais un nanar malheureusement ennuyeux, au scénario éculé et au choc des cultures pas franchement drôle. On aurait donc espéré un peu moins de vannes lourdingues et un peu plus de travail du côtés du script. Dommage.
Un camion c’est lent… surtout dans les années cinquante, mais c’est lourd et puissant… surtout conduit par Jean Gabin à peine descendu de sa Lison… mais ayant depuis passé le cap irrémédiable de la guerre et de l’âge. Bref, Gabin va confondre « vit’fait » les malfrats (pas très futés et pas très courageux, il faut bien le reconnaître avec à leur tête un Roger Hanin débutant et sans consistance) qui lui cherchent noise. Le scénario est mou et conventionnel, la mise en scène comme toujours chez Grangier académique et sans imagination. Le principal intérêt du film - outre la présence de Jeanne Moreau en institutrice - est celui de voir les routes de France à l’époque bénie où, quand un véhicule en croisait un autre, il le klaxonnait par courtoisie ! Et la France était si belle sans autoroutes et sans pression si ce n’est celle des demis !
Alors ça commence comme un film labélisé "éducation nationale " , on se fait gentiment chier en attendant que ça passe vu que c'est quand même très téléphoné; l'ado qui fantasme sur son prof de sport ! et puis ça bifurque vers quelque chose de plus profond , sur le pardon , les rendez-vous manqués de l'existence , bref on s'ennuie moins jusque la fin , assez éthylonirique...
Très beau et bon film familial à voir sans se prendre la tête! Très drôle et surtout tes bon casting.
Ouh,le vilain monsieur.Mister Moore,on le connaît bien,le trublion des Etats-Unis qui fait polémique en foutant sa merde.La provo,c'est son dada,son gagne-pain quotidien.Et pourquoi pas.Sauf que.Cette fois,le système de santé américain en prend pour son grade (et sa politique aussi),Moore nous montrant par exemple un homme ayant du choisir entre se faire recoudre l'index ou le majeur,ou alors des sauveteurs bénévoles du 11 Septembre dont les maladies respiratoires attrappées lors du drame ne sont pas prises en compte car ils ne font pas parti de l'équipe officielle des sauveteurs,engagés pour ça.Allez tous crever,en gros.Certes,c'est désolant.Moore nous fait ouvrir les yeux,c'est certain.Mais de quelle manière?Partant du principe qu'en France,tout est mieux (et oui on bosse pas,5 semaines de congés payés,les vacances,les 35h,le bon vin et les cigarettes),Michael Moore n'utilise que du faux;non,la moyenne du revenu en France pour un couple n'est pas de 7000 euros environ.On comprend bien qu'il prend ce cas (ô combien rare!) pour faire la comparaison avec les Etats-Unis,mais quel exemple tout de même!Quelle manipulation de son sujet!Car si tout ce qu'il dit et montre dans son film est aussi faux que cette absurdité (fausse car on ne peut représenter le revenu d'un français de cette façon),alors le système de santé américain est probablement exemplaire.De plus,lorsqu'il est en France,il ne fait qu'esquisser notre système de santé à nous...normal,parce qu'ici,nous ne sommes pas beaucoup mieux : on a le choix entre être mal soigné,ou ne pas être soigné du tout.Certes,c'est toujours mieux qu'aux Etats-Unis où il est admis d'écarquiller grand les yeux lors de certains témoignages des victimes de cet odieux système,mais la différence n'est finalement pas si immense qu'on le croît.Quant à l'anti-américanisme primaire qu'il fait mine de critiquer à tout bout de champ lors de son documenteur,il en est le pire supporter.Son énorme problème,c'est aussi de ne traîter que le côté
Elle la nomme "Gueule d'ange". Une marque de pure affection pour sa fillette qu'elle ignore, l'alcool ayant fait son effet. Le film éponyme contient de bonnes idées, pas forcément d'écritures, mais en tout cas de mise en scène. Des détails, rien qu'un angle délicat pris au bon moment, ou des plans entiers qui ne correspondent qu'à des grains de sable dans l'immensité du désert que représente un film. Il y a en effet, une fois sur dix, une belle trouvaille dans ce travail expérimental, pur premier film porté à bout de bras par sa réalisatrice, scénariste et dialoguiste, Vanessa Filho. Une chose nous saute aux yeux, alors que le film débute sur la préparation de la mère (Marion Cotillard) à son mariage : l'actrice la plus réputée du film joue mal. Elle interprète de la même manière son personnage, qu'il soit alcoolisé ou non, et elle ne trouve jamais la bonne intonation. Pire encore : ses cris de douleur (présents à deux reprises dans le film) ne nous font guère nous émouvoir, mais sont tellement peu justes qu'ils amusent. La preuve que Marion Cotillard n'est pas seulement mauvaise avec des directeurs d'acteurs étrangers, mais qu'elle peut aussi l'être dans sa langue natale. Mais, par chance, elle n'est pas la "star" du long-métrage. La jeune Ayline Aksoy-Etaix est plus juste qu'elle sur tous les plans, chose assez rare vu que c'est son premier film. Ainsi, ce sera près de cet unique personnage que l'on pourra ressentir des émotions, auprès d'une Cotillard ridicule et d'un Lenoir transparent. Mais malgré cela et quelques bonnes idées au niveau du script, le film croule sous les archétypes simplistes ou un amateurisme nauséabond. Ainsi, ce que veut dénoncer la réalisatrice passe à la trappe, faute que l'on prenne le sujet suffisamment au sérieux à cause de son personnage principal insupportable en caricature vivante. Cotillard tient certainement l'un de ses pires rôles.
Surprise de taille que ce film , pratiquement inconnu , qui pourtant fait froid dans le dos et touche la corde sensible. tahamori à l'image d'un singleton avec son remarquable boyz n'the hood, a sombré dans la plus grande médiocrité. Rageant.
La femme qui aimait les hommes mais qui apparemment n'aimait pas le cinéma...
pour moi c'estle plus grand film francais de cette epoque drame par excellence,bourvil tient la son plus beau role avec fortunat encore avec morgan.un chef d'oeuvre
Un classique de la blaxpotation qui fleure bon les 70ies, le funk et la coupe afro. Contrairement à d'autres production du même type, "Shaft" reste relativement sobre. Ici, pas de bling-bling, pas de paillettes et pas de mac avec canne en argent et chapeau en fourrure rose. Et alors que d'autres films de blaxpotation m'avaient habitués à me montrer des micros dans le champs, des cascades minables et des acteurs perfectibles, j'ai été agréablement surpris par la potabilité de ce film qui n'a rien à envier aux productions de l'époque. Je ne pensais pas qu'il était possible d'apprécier la blaxpotation sans faire preuve de second degré. Maintenant, avec "Shaft", je sais que c'est possible !
Sono Sion filme deux choses avec Hazard, d'un coté il filme New York avec un certain naturel caméra au poing photo pas super belle et granuleuse en passant de time square a des ruelles crasseuses, il filme New York de façon simple ne cherchant pas a l'embellir mais ceci lui donne un charme . D'un autre coté il filme la jeunesse Japonaise perdu dans une spirale de violence . Shin a une vie triste et morose au Japon, toujours la même routine, il s'ennuie et un jour il lit dans un livre que 800 Japonais sont assassinés au USA chaque années, il décide de faire ses bagages pour New York a la recherche d'une vie plus heureuse et mouvementé, il cherche juste a reprendre sa vie en main et y retrouver gout . Arrivé a New York il se fait voler son sac, affamé il décide de voler un truc a manger dans un magasin et il fait alors la rencontre de Takeda et Lee deux délinquants Japonais qui vivent en braquant et vendant de la drogue . A partir de là sa vie va changer, entre petits braquages d'épiceries et une forte amitié qui va naitre Shin se sent revivre . On ressent que le réalisateur maitrise le sujet de cette jeunesse qui ne sait pas ou elle met les pieds, une jeuneuse qui se sent revivre en hurlant et sortant des fusils a pompes, en courant et se droguant . L'amour, l'amitié et une touche de poésie avec la caméra de Sion donne une dimension unique a Hazard, on y retrouve aussi son style avec de belles mélodies de piano qui rendent une course poursuites de nuit avec la police magnifique . Hazard est une vision de la jeunesse en quête de renouveau et d'une vie plus excitant a l'étranger, captivant et réussit comme Sion sait si bien le faire .
David Gordon Green est un réalisateur bien étrange, s’amusant à toucher à des styles variés, de la comédie US bien lourdingue … au film plus intimiste. Si « Prince of Texas » se range allégrement dans cette deuxième catégorie, il reste néanmoins rempli d’humour. Cette petite production bien rafraîchissante étonne rapidement par ses personnages très attachants, un peu loosers sur les bords, échangeant leur perception de leur quotidien, de leurs désirs et passions amoureuses. Ces individus que tout semble opposer vont peu-à-peu développer une relation étrange mais sincère, alors qu’ils travaillent tous les deux dans le marquage d’une route dans une zone du Texas ravagée par les incendies. La mise en scène, parfois audacieuse mais toujours pertinente, nous transporte à travers des panoramas naturels assez fabuleux de beauté. Ce film émane la simplicité et la douce solitude. Les musiques collent à merveille au rythme posé que David Gordon Green a su modeler à merveille, sans qu’une once d’ennui et de passages superficiels ne viennent déranger. Mais sur ce film plane également une folie feutrée et très décalée, qui monte en crescendo jusqu’à un passage « pétage de plomb » anthologique ! Emile Hirsch et Paul Rudd ont su réellement donner vie à leurs personnages, de façon naturelle et déjantée. En prime, le film mélange une dimension surréaliste plutôt intéressante. Je regretterai juste un final un poil laborieux et pas assez original. « Prince of Texas » est un petit joyau de franchise, une belle œuvre passionnée et loufoque sur l’amitié, l’amour, l’évasion. La vie quoi.
Dans le genre comédie dramatique , c'est un chef d'oeuvre: mise en scène inventive et élégante , interprètes parfaits , intelligence du propos . Le tout avec le tempo juste , en finesse , et en jouant sur la gamme des émotions . Une bien belle réussite .
Film très barbant, quasiment sans scénario; vingt bonnes minutes se passent dans la nuit, lors de la rencontre de Mademoiselle et de son amant italien; cela dans le noir; on n' y voit rien, on devine difficilement la nature et les deux amants et l' on s'ennuie ferme.... Des prises de vues qui s' éternisent; de longues séquences muettes... Quelle barbe !!!! Sous prétexte d' esthétique, le réalisateur fait joujou à la caméra et endort le spectateur... Un réalisateur plus énergique et moins prétentieux (très snob, l' esthétique !) aurait pu tirer un excellent parti de cette histoire perverse.
La chine sans émotion. La révolution du sommeil... Pour les 100 ans de la révolution chinoise, Jackie Chan tient un sujet très intéressant, et le réalise. Hélas, il en ressortira rien de grand. Trop de personnages ce qui implique un fouillis, manque cruellement d'émotions et des batailles avec des ralentis. La révolte est mise à l'écran de façon beaucoup trop lourde, les convictions sont beaucoup trop compact. Ou trouverons nous la grandeur dans tout ça ? Et bien, il faut poser son attention en dehors et pas en dedans de ce long-métrage, mais plutôt sur le curriculum vitæ de Jackie Chan. En effet, 1911 : Révolution est le 100ème film avec l'acteur puis 51 ans de carrière. Juste respect.
"Célibataire, mode d'emploi" aurait pu être un film fort sympathique, il l'est la première demi-heure, mais passé celle-ci, ça sombre dans les tréfonds de la comédie américaine. Pourtant ça partait bien, la musique du générique du début est rythmée et donne envie de rigoler, de bouger... Mais ça s'arrête là. Les quatre actrices principales sont super, Dakota Johnson est excellente, mais hormis le casting et quelques blagues bien trouvées sur le thème du célibat, je me suis ennuyé tout le long! Rien ne se passe, les 1h50 je les ai senti passées croyez-moi! De plus le scénario est vu et revu et il n'y a rien de nouveau, bon je ne suis pas allé voir le film pour ça, mais quand même, avec le thème du célibat, ils auraient pu rajouter deux ou trois idées de plus, alors que là le triangle amoureux etc... mais non, ils sont restés sur des bases - trop - simples. Le comble de tout, Rebel Wilson a une nouvelle voix française juste insupportable qui ne colle pas du tout à son physique et je n'ai jamais réussi à rire à ses blagues. Quand on est habitué à l'autre voix de "Pitch Perfect" par exemple qui colle parfaitement à son personnage, la nouvelle fait vraiment bizarre. Les spectateurs dans la salle semblaient rire, mais moi j'ai trouvé le film vraiment moyen, faute à des longueurs pendant tout le film et à un manque d'originalité. Seul point positif : le casting féminin excellent et le casting masculin qui vaut le coup d'œil. 4/10
Une comédie assez délirante, rempli de clichés,... mais au final le tout fonctionne et on rigole du début à la fin!
Je suis tombé sur ce film par hasard...la vache!!! j'ai pri une de ces claques!!! Une ambiance à la fois lente et pesante, un climat des plus orageux tout le long du film dont on attend l'explosion... Tous les thèmes du genre sont ici abordés tels l'enfermement (rappelant Rio Bravo ou Assault) ainsi que la révélation d'un homme face la menace (rappelant le vieux fusil)...Une superbe évocation de la violence aussi bien physique que morale et psychologique, une magnifique reflexion sur les origines de la violence, le tout porté par l'excellent Dustin Hoffman...j'espère que tous ces superlatifs auront donné à certains curieux l'envie de le voir!!!
Il est interdit de critiquer Willow. Bon d'accord les effets spéciaux sont franchement datés même pour l'époque (à noter tout de même l'une des premières utilisations du morphing!!!). Mais bon sang ce film est culte! Mes enfants adorent, preuve de la qualité irréprochable de ce film!!! Vive Madmartigan et vive Willow!!!
Voilà un dernier opus qui clôture magnifiquement la saga ! Peppone emmène avec lui Don Camillo en Russie. Comment ? Grâce au jumelage qu'il a orchestré par ses pouvoirs de maire communiste. Les deux hommes ne sont pas au bout de leur peine et s'en vont découvrir les us et coutumes à la russe ! J'ai beaucoup aimé le final à la libre appréciation du spectateur quant au devenir des deux hommes. Très bien trouvé !
A vélo, en skate ou en basket, des grappes de gosses ennuyés arpentent les rues de la ville aseptisée , leurs nuques submergées de soleil, les poches remplies d'espoir. Un stick collé entre les lèvres, une jolie fille au creux de ses bras, Carl profite de son enfance, la mine rieuse mais le regard austère, préoccupé par l’obstination bornée des adultes de croire que tout va bien. Richie, de tout son être, appelle à la révolte, permettant à Carl de laisser libre cours à son imagination, gommant les limites de la raison d'un coup de revolver, bondissant, criant, pillant cette tranquillité maussade qui leur sert de quotidien et dans laquelle les adultes sont drapés. Un jeune oiseau chute et s’éteint dans la poussière, une balle logée dans son aile de vie, le temps s'arrête.. La résistance s'organise, par soucis de vengeance mais aussi de Liberté, un morceau de Rock résonne, les gamins irradient l'espace de leur rage, de leur colère, ils s'amusent , pour la dernière fois peut être, à faire avaler sa hargne à cette autorité menaçante, quitte à en payer le prix. Une ombre en t-shirt, sourire rebelle, mèche indisciplinée lui barrant le front, s'accroche à l'arrière du bus jaune en riant, ultime représentation de l'impressionnante désinvolture avec laquelle Richie se mouvait dans un monde qui n'était pas le sien.
Film boum boum un peu fauché avec musique rap, danse rap, quelques rythmes hispano, produit par Jennifer Lopez, beaucoup de bavardages plutôt mal joués par des acteurs de seconde zone. Un film sans grand intérêt et ennuyeux même avec la présence de la belle Zulay Henao, c'est dire.
En adaptant assez librement un roman d'Aldous Huxley revenant sur l'affaire des démons de Loudun, le réalisateur anglais Ken Russell signe là une oeuvre très régulièrement dépeinte comme le film le plus scandaleux de l'histoire du cinéma et qui offre une vision de l'Eglise catholique au XVIIème siècle tellement sombre et dérangeante que près de cinquante ans après sa sortie, les studios de production de Warner Bros. Pictures n'en ont toujours pas sorti une version intégrale et définitive et, étant toujours à la recherche de sensations inédites, un film que j'avais, pour ces raisons, hâte de découvrir. De prime abord, un long-métrage difficile d'accès à cause de son écriture très théâtrale, shakespearienne puis un ensemble qui prend ensuite toute son ampleur grâce à une mise en scène magnifiquement baroque et provocatrice. A travers une chasse aux sorcières fomentée par le Cardinal Richelieu, une peinture partagée entre l'âpreté des procès pour sorcellerie de l'Inquisition et la frivolité de la cour du roi Louis XIII. Un bon nombre de séquences parfaitement irrévérencieuses comme celles des orgies des religieuses. Des thèmes extrêmement forts et abordés de façon intelligente mais frontale tels que le désir charnel pour des êtres dont la vie est centrée sur la foi et la chasteté mais aussi la liberté des moeurs ou encore l'intolérance de l'Eglise et les préjugés puritains sur la sexualité. D'impressionnantes interprétations de la part d'Oliver Reed, surtout connu de nos jours pour son rôle de Proximo dans "Gladiator" de Ridley Scott ou de Michael Gothard excellent en prêtre exorciseur trouble et surtout de Vanessa Redgrave, tout simplement géniale de perversité et de machiavélisme. Au final, un ensemble imposant, indéniablement rock, puissant mais malheureusement édulcoré par des scènes manquantes au montage.
Un grand film d’espionnage sur fond d’élections présidentielles sud-coréennes de 1993, prix du jury et du public à l’étrange festival... C’est à la fois très efficace (mise en scène, rythme...) et surprenant car le films entremêle avec justesse la Grande Histoire dont on sait peu de choses et l’histoire plus personnelle des protagonistes. Une belle réussite.
Dune est considéré comme l’un des plus grands romans de science-fiction. Du côté du cinéma, on se souvient de l’échec cuisant de David Lynch à la réalisation. En réalité, le projet de Dune avait été soigneusement préparé par le scandaleux réalisateur d’El Topo et La Montagne sacrée, Alejandro Jodorowsky. Ce film devait mettre en scène Orson Welles, Salvador Dali, Amanda Lear, Mick Jagger, sous les décors dessinés par Moebius et avec les musiques des Pink Floyd et Magma. Le projet est ambitieux, le projet est grandiosement fou, mais le projet est peaufiné en profondeur, notamment avec plus de trois mille story-board. Jodorowsky’s Dune est un documentaire palpitant qui raconte cette aventure qui ne verra jamais le jour. En intégrant interviews des concernés, illustrations, témoignages, quelques exemples d’effets spéciaux et en mixant tout ça dans les musiques pressenties, le film nous fait imager au mieux ce qu’aurait été le vrai Dune au cinéma. Voici les coulisses passionnantes d’un cinéma que nous ne verront jamais. D'autres critiques sur ma page Facebook : Cinéphiles 44
A trop vouloir faire de parodies, on arrive même à parodier de films qui sont eux mêmes à la base des parodies (désolé les filles), à savoir dans ce cas "Twoilet le meilleur film de vampires de tout les temps" d'aprés son sponsor, eau jeune. Donc si vous avez vu n'importe lequel des twilight vous avez du suffisamment rigoler pour vous éviter ce film. Bwahahaha quelle bonne daube.
Venant d'une bonne idée ce film part trop dans tous les sens et à force de contrepied perd le spectateur et ne le retrouve jamais. 10/20
Film sans queue ni tête, enfilade de petits sketchs sans but, mal joué, mal éclairé (lights à fond genre projecteurs d'aéroports), mal filmé, terne. Le spectateur se sent exclu, de toute façon, de ce monde (les bobos de Canal).
Tout simplement de la merde. Autant dans le premier opus il y avait du gore, un semblant de scénario, un petit budget et surtout on voyait les seins de Christinna Loken (ben quoi, faut bien ce rattrapé avec quelque chose dans ce genre de daube). Celui ci n'est ni gore, ni sexy, ni rien. On a l'impression que Uwe Boll à fait le film derrière chez lui dans un champ, c'est franchement navrant d'en arriver à massacrer une franchise de pareille façon. Aucun décors, des costumes naze et la mise en scène n'en parlons même pas. Poubelle directement, rien à sauver. avec un effort la musique n'est pas mal mais c'est vraiment pour trouvé un point positif.
Une belle surprise qui nous vient de l'autre bout du monde. Nommé "Castaway on the moon", ce long-métrage sud-coréen reprend les idées de l’œuvre de Robert Zemeckis en y apportant innovations et fraicheur. Décalé dans son écriture mais aussi dans son style, le travail de Jae-yeong Jeong surprend dans toute la beauté du mot. On atterrit ainsi au beau milieu d'une île déserte située en zone urbaine. Problème : Son nouvel arrivé ne sait pas nager ses moyens de communications sont comme qui dirait...Tomber à l'eau. La suite utilise alors les mêmes ingrédients que tout film du genre mais avec une créativité qui force le respect. L'ajout d'un second personnage prend également tout son sens lors des brefs mais beaux instants de dialogues que nous offre le réalisateur. Côté casting, peu de visages familiers bien sûr mais des comédiens investis dans leur rôle qui ont su faire ressortir les émotions qu'il fallait au moments adéquats. La forme quant à elle remplit son rôle en nous fournissant une somptueuse photographique accompagnée d'une bande sonore très agréable. En résumé, "Castaway on the moon" prône la simplicité avec une élégance divine qui ravira un public large amoureux de découverte et de magie.