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Je ne pense pas être plus bête qu'une autre, mais honnêtement, je n'ai rien compris à l'intrigue. C'est long, c'est tiré par les cheveux, c'est simple tout en étant compliqué. J'aimerais qu'on m'explique l'histoire... Une très belle actrice qui a oublié qu'elle n'était pas sur un podium quand elle joue. Manque d'expressions du visages, je trouve cela fade. Je n'ai vraiment pas aimé.
"Vénus Gnangnan Institut" aurait été un titre plus approprié à ce film guère passionnant, on retiendra juste la première apparition d'Audrey Tautou au grand écran.
Un type de cinéma honteusement piègé qui n'en reste pas moins extremement important. Carles nous apprend à jouir des contradictions de ces protagonistes, moralistes indecrotables et industriels du prêt à penser, qui ont fait allégence à l'élite du pouvoir, et ont promis de servir avec zèle l'intêret de nouvelles dynasties. Carles veut en découdre, il le fera bien mieux dans le dos de Pierre Bourdieu, ou il trouve enfin une légitimation à la poursuite d'un objectif de cinéaste, comprendre le monde par ceux qui en refusent les composantes, matrice de l'excellent Attention danger travail. On attend avec joie le Volem Rien aFoutre sorte de grandes claques parodiques qui peut toujours se retourner contre les décroissants auxquels il rend hommage, louons le petit pierre qui pourfend ici les médias comme jamais, et recherche avec de faibles moyens de grandes aversions. Fascinant cinéaste engagé.
Une jeune femme (adulte ou presque adulte) traverse en auto-stop la France du nord au sud. C’est un périple qui donne lieu à des rencontres variées, avec des personnages parfois pittoresques. Le film est très plaisant à regarder. Les dialogues sont savoureux. Les acteurs sont parmi les plus réputés du moment et sont presque tous excellents. L’actrice principale, au très joli minois, fournit une remarquable interprétation, bien qu’il s’agisse de son premier film (et sans doute le dernier aussi, il semble qu’elle n’ait, hélas, pas tourné depuis). Son style est un peu inspiré de Brigitte Bardot. On peut voir dans ce film une symbolique de l’émancipation de la femme. Ce long trajet, semé d’embûches, qui mène des brumes du nord aux plages du sud, est une illustration symbolique du chemin que les femmes ont dû parcourir pour conquérir leur liberté. L’héroïne ne fait pas que conquérir sa liberté : elle cherche aussi l’amour. Lorsqu’elle finit enfin par le trouver, ce doit être au prix du retour vers le nord, c-a-d, symboliquement, au prix du renoncement à sa liberté et à l’alignement sur les besoins de son conjoint. Elle préfère alors la liberté à l’amour. Un message fort, dans un film d’une des rares réalisatrices françaises, à une époque (1962) où les femmes de France devaient encore avoir l’autorisation de leur mari pour travailler, ou même simplement pour pouvoir ouvrir un compte en banque.
Insignifiant, en voulant mélanger plusieurs genres ce film ne m'a jamais happé...
Louise Wimmer nettoie les chambres d'un hôtel, se lave dans les sanitaires d'une station essence, mange gratuit dans une cafétéria et dors dans sa voiture... Elle passe parfois par son garage pour retrouver de vieux objets à vendre pour se faire un peu d'argent... Oui Louise Wimmer est pauvre ! C'est ce que nous dit Cyril Mennegun dans son premier film, qui livre une réalité sociale de manière assez frontale, jamais loin de la complaisance. C'est en dépeignant le quotidien de son personnage principal que le réalisateur veut nous ouvrir les yeux sur les réalités du monde d'aujourd'hui, pas inutile donc, mais un peu vain. S'il est loin d'être désagréable et que les acteurs tiennent la route (Corinne Maserio en tête), le film n'arrive pas réellement à passionner, car son propos tient sur les premières minutes, et ne prend jamais d'ampleur par la suite, le récit ne se déploie jamais. Au final plus d'indifférence que d'attachement quant au sort de cette femme sur le carreau. Et malgré quelques jolis moments et une motivation louable, le film manque d'intérêt tant il s'arrête à la présentation simple de son fait social.
Un très bon film de SF à la francaise, avec pas beaucoup de moyen mais beaucoup de coeur. Enfin un film de chez nous qui sort de la comédie et du drame social.
excellent film mélanie thierry joué super bien super bien filmé
Un bon petit post-apo nanardesque mais avec une histoire pas trop débile : retrouver la seule femme féconde sur terre après une guerre nucléaire qui a décimé la planète. Une direction artistique (il faut voir la gueule des maquettes) à l'image du budget infinitésimal de cette production Franco-Italienne qui pompe sans vergogne tous les chefs-d'oeuvres du genre : New York 1997, Mad Max, etc. L'action semble non stop avec des situations toujours qui se renouvellent et entretiennent bien au final l'attention du spectateur. A regarder aujourd'hui avec un oeil d'historien du film kitch post-apo.
Ce film est un poème.. ne pas chercher à comprendre, juste prendre, avaler avec boulimie toutes les émotions dont il vous nourrit.. il demande à être revu et revu encore pour en apprécier chaque détails tant il est riche en références. On aime, on n'aime pas, peu importe, l'essentiel est que l'on en ressort pas indifférent.
Voyoucratie, est un film noir comme on en voit rarement dans le paysage cinématographique Français. J'en ressors bouleversé, les acteurs sont incroyables (surtout Salim Kechiouche). Un film à voir au cinéma!!!
Un film prenant et sans concession. A voir absolument! Ne comprends pas les critiques presse. Certes le manque de budget se ressent à la caméra mais ce film prouve que l’essence du cinéma n’est pas dans les moyens financiers mais bien dans un bon scénario avec de bons acteurs!
Un docu qui a bercé mon enfance, d'ailleurs je ne retrouve plus la vhs, c'est triste. 5/5 évidemment, tant ce docu retrace formidablement bien son époque, tant toutes les pratiques de la moto sont montrés, tant c'est enrichissant, intéressant et fascinant.
A Single Man fait partie de cette catégorie finalement rare des authentiques supplices cinématographiques. Quel genre de film peut vous faire regretter amèrement d'être arrivé en avance et d'avoir trouvé une confortable place au milieu de la rangée ? Un quart d'heure après un départ pied au plancher avec un homme gris qui découvre décontenancé une tranche de pain de mie dans son freezer, on maudit les bienheureux assis à droite et à gauche et qui interdisent toute retraite vers les issues de secours. Je suis fait comme un rat... Une heure quarante plus tard, le cinéphile optimiste pourra aisément constater les dégâts d'un récit qui ferait passer une boîte de Prozac pour un tube de Smarties. Le deuil et le suicide sont soi-disant les thèmes porteurs de cette idiote synthèse de la dernière journée d'un homme qui a perdu l'amour de sa vie. Mis à part pour le côté sinistrose, on ne sait pas trop ce que ces thèmes font dans le coin d'ailleurs. Prévisible et redoutée, la fin fera hurler de rire le cynique, le candide ayant capitulé depuis longtemps. Et quand un vide sidéral scénaristique se transforme en trip communautariste, limite gay-tto, on regrette amèrement la joie naïve que l'on a bien souvent en aller au cinéma, en songeant aux milles merveilles que l'on va peut-être découvrir ce soir. La curiosité est un vilain défaut, je viens de l'apprendre à mes dépens... L'esthétisme soi-disant salué se limite à des plans langoureux sur des corps nus de jeunes éphèbes aux physiques d'Apollon et leurs yeux pleins de désir à l'idée d'apprendre tant de choses de cet homme gris qui n'aime pas le pain congelé, mais beaucoup plus les petits étudiants avec leur pulls en mohair. Simplement consternant... Et épouvantablement déprimant... On peut arrêter de filer des caméras au premier people venu ?
L'histoire (très personnelle mais un peu terne) d'un ancien flic converti dans le recouvrement de dettes qui se lance à la recherche d'une jeune fille disparue (Lola Crèton trouve un rôle similaire à celui des "Salauds" de Claire Denis). Dans un film qui va faire remonter toute sa vie à la surface! S'il y avait une idèe centrale exprimèe à cette "Disparue en hiver", ce serait « Comment chacun s'arrange avec ses propres dèmons et quels sont les choix de vie qu'ils effectuent à partir de là ? » . A l'affiche de ce thriller français, Kad Merad (convaincant) et Gèraldine Pailhas (pas très investie). On soulignera que la ferme d'A Yaaz à Heinstert (dans la province de Luxembourg) a servi de dècor au film avec sa kyrielle d'animaux! Un lieu important car tout d'un coup on n'est vraiment à la campagne alors que le personnage principal vient d'un milieu urbain! L'envie du rèalisateur Christophe Lamotte ètait de reconstruire en fait une sorte de ville et de règion un peu comme ça, où le spectateur ne sait pas trop où c'est! Après un dèbut prometteur, on s'attendait franchement à mieux même si tous les codes du genre sont ici prèsents (vraie atmosphère, rebondissements...).
Bardé de bons sentiments tartouilles, et d'acteurs qui cachetonnent cette comédie plate multiplie les clichés eculés et les clins d'oeil "people". C'est ridicule...
Premier long métrage de la cinéaste Brigitte Sy Les mains libres est un film assez singulier. Il oscille sans arrêt entre documentaire et fiction. Le lieu, la prison, est propice à une ambiance étouffante et le huit-clos confère à l'ensemble quelque chose de très claustrophobe, surtout au début. Le rythme est lent, les images grises. Le tout s'emballe quand l'histoire d'amour forcement impossible prend corps dans ce décor et dans ces conditions. L'émotion monte alors crescendo au point de nous mettre une boule au ventre jusqu'à une scène finale de toute beauté. Pour y arriver on passe par des récits vécus par les personnages et rejoués par eux-même devant la caméra de la réalisatrice, et par des révélations dramatiques. Cela devient alors rapidement très émouvant. Ronit Elkabetz nous offre à nouveau une prestation sans faille et un formidable portrait de femme amoureuse. Après son rôle de mère courage dans le film de Pascal Elbé elle a (espérons) vraiment trouvé sa place dans le cinéma français. Face à elle Carlo Brandt, habitué aux rôles de méchants, incarne ici un truand tout en nuance, transi d'amour. Une très belle interprétation, le couple fonctionne parfaitement. On retrouve également l'actrice-réalisatrice Noémie Lvovsky toujours aussi épatante même si moins excitée que d'habitude. Un premier film qui peut paraitre un peu sec, un peu austère, un peu trop théâtral aussi. Mais une mise en scène sobre nous offre des personnages atypiques plein de pudeur, d'espoir et de vie, au service d'une histoire (vraie) poignante. Tout cela transcendé par de grands acteurs totalement imprégnés et concernés. Au final un excellent moment plein de rage contenu et d'émotion. Pas facile d'accès mais passionnant si on s'y laisse prendre.
Ce n'est pas mauvais, juste trop américain dans le casting, les dialogues, les décors, les costumes. Si on fait abstraction de cela il reste l'essence de l'oeuvre avec un Javert correct . Mais Hugo est fort et même un navet pourrait passer pour un bon film avec ce scénario béton. Ici Hugo est plus fort que le film! Donc pas de quoi s'éterniser devant ce Jean Valjean qu'on dirait sorti du sud de la Georgie (par son physique) et qui joue le rôle comme un bon étudiant qui terminerait son conservatoire. Tout cela reste bien sage avec des effets très années 50. Une époque un peu misérable pour ce genre de film. Je me suis endormi un bon vingt minutes. Frais et dispo pour retourner le dvd et regarder la version de 1935 de Boleslawski. (Mon dvd sorti au Canada par la 20th century fox en 2007 contient les deux films pour $7.99 cdn)
Very Bad Things c'est une comédie hilarante, à l'humour ravageur et au ton féroce servie par un casting simplement époustouflant tant les premiers que les seconds rôles. Cameron Diaz est extraordinaire en "affolée du mariage" et Christian Slater magistral, magnifique en "témoin déjanté"! Quant à Daniel Stern, il tient peut-être ici son meilleur rôle depuis Maman j'ai raté l'avion. Bourré d'humour noir, ce film mérite d'être vu car tous les acteurs sont au service d'une histoire hallucinante, originale et forcément drôle. L'un des plus grands films comiques des 20 dernières années sans aucun doute ! :-)
Film raffraichissant & comtemporain. Très beau reflet des moeurs actuels. Réalisation & dialogues innovants. Film qui va devenir culte !!! Mélodie de rires pendant les 45 dernières minutes car la première demi-heure met en place les personnages...
Un documentaire qui ne ressemble qu'au sujet qu'il filme. Portrait plus ou moins fascinant d'un homme ravagé mais génial ( car Abel Ferrara est - avec David Lynch - l'un des rares génies du cinéma américain actuel ), Not Guilty donne à voir l'artiste dans sa simplicité, son humilité et sa décomplexion totales. Si ledit docu fonctionne im-parfaitement, c'est justement parce qu'il ne raisonne pas en termes de plans : flot d'images inconsidérées, prises sur le vif pour mieux capter les dérapages du réalisateur, une caméra en mouvement perpétuelle... C'est l'instant disgracieux mais sidérant, l'obsession d'agir en filmant quelque chose, quelqu'elle soit, y compris n'importe quoi. Car Raffi Pitts, à l'instar d'Abel Ferrara, filme comme il respire, mais moins d'une manière inconsciente qu'instinctive... On se souvient tous du flux vidéo interminable de The Blackout, ou encore du montage prodigieux de New Rose Hotel ( un film que je pourrais presque me passer en boucle tant il m'obsède ). Le génie du cinéaste se mesure à son degré d'improvisation unique : comme si poser sa caméra relevait d'une invitation aux chutes libres. Not Guilty, bien qu'assez bordélique, témoigne im-parfaitement de cet état d'esprit. Saisissant.
Bien que les acteurs soient tous plus mauvais les uns que les autres et que la B.O soit exécrable, il faut reconnaître que le scénario de Blue Holocaust (1982) s'avère original et bien traité dans son ensemble. C'est l'histoire d'un amour fou, qui lie un bellâtre aux yeux bleus et une jeune fille, mais hélas, cette dernière décède et afin de ne pas être séparé de celle qu'il aime, il décide de conserver le corps de sa chère et tendre. Il n'a d'autre choix que d'avoir recourt à la taxidermie, après quelques tours de bistouris et autres éviscérations, le corps de cette dernière est fin prête à la conservation. Joe D'Amato (Anthropophagous - 1982), grand spécialiste des Séries Z italienne, s'en donne a coeur joie avec cette réalisation fauchée mais qui baigne dans le trash. De la nudité en veux-tu, en voilà, entre quelques scènes bien sanguinolentes, Joe D'Amato n'hésite pas à rajouter des scènes de nues totalement inutiles.
Tout tout tout vous saurez tout sur Zizi Jeanmaire. La belle des Folies Bergères cherche l'homme idéal. Avec son truc en plumes, une étoile dans les bras des hommes. La liberté est une fleur.
Plus nul que le premier opus qui était déjà nul. Donc plus qu'archinul, donc déplorable.
L’un des plus gros carton au box office irlandais (détrônant plus d’une fois les blockbusters US de l’été) et devenant ainsi le #1 des films indépendants irlandais de tous les temps, L'Irlandais (2011) est une véritable bombe dans son pays d’origine et en toute sincérité, on se demande bien pourquoi ! Pour son premier long-métrage, John Michael McDonagh (le frère de Martin McDonagh, réalisateur de Bon Baisers de Bruges - 2008) a réalisé une comédie policière façon buddy-movie où l’on y retrouve un duo de flic diamétralement opposé, un blanc et un noir. Histoire de pimenter un scénario au combien minimaliste, l’un des deux flics est raciste (c’est le blanc, un irlandais pure souche, cynique, grognon, amateur de bières et de prostituées, bref cela ne fait en aucun cas un partenaire idéal) et face à lui, un agent du F.B.I noir (flic de choc, déterminé et maniaque, bref tout le contraire de son coéquipier), sans surprise, alors que tout les séparent, ils vont devoir faire équipe afin de mener à bien une importante opération anti-drogue. Au final, c’est la déception qui l’emporte, à la vue d’un scénario aussi inintéressant, on peine à rire des répliques et de cet humour noir "so Irish", reste en fin de compte le côté western qui colle parfaitement bien au film, tant au niveau du cadre qu’au niveau de la B.O, ajoutez à cela une distribution pour le moins sympathique (Brendan Gleeson, Don Cheadle, Mark Strong & Liam Cunningham), finalement, c’est l’ennui qui prime à défaut de rire à gorge déployée, dommage.
Un thriller horrifique de dernière zone qui ne brille ni par son scénario, ni par ses interprétations. Faiblard, cliché et sans grand intérêt, à réserver aux amateurs extrêmes du genre. https://www.facebook.com/La-7eme-critique-393816544123997/
Un belle merde... Je préférerais sucer un chien plutôt que de revoir ce film...
Un peu décevant : il n'y a pas d'histoire. Heureusement qu'il y a de grands acteurs. Les fans de Pierre Larquey apprécieront sa performance à sa juste mesure.
Le film est à la hauteur du personnage - un miroir à sa folie qui visiblement dérange critiques et spectateurs qui semblent vouloir oublier l’homme - complètent allumé - derrière la musique. Ceux qui aiment la fêlure derriere la beauté apprécieront. Ceux qui ont compris que ce film fait aussi partie de l’expression de Jason Beck aussi. Les autres peuvent aller voir Rocketman, ils ne seront pas bousculés dans leur fanitude convenue.
J'attendais avec impatience ce film pour rire rien que pour rire. Ce n'est pas un film culte mais on passe un bon moment alors merci M Clavier et tous les autres acteurs vous m'avez fait passer un bon moment avant de revenir dans la vrai vie, dure, implacable, morbide en ce moment. Je ne pourrai pas m'empêcher et c'est la le truc en plus des comédies, de sourire dans les transports parisien où tous les jours nous avons le film, en vrai.
Je pense que se film est une façon de se rendre compte des risques liés aux réseaux . on peux que réaliser l impact de se genre de choses que quand nous ou des proches sont concerner . Quand on est pas concerner on ne peut pas voir a quel point c est choses sont horribles ils peuvent détruire des familles mais surtout des vies . C est un très bon exemple de la réalité
film tres gore dans la ligne des hostel ame senbile a eviter mai les fan du genre foncer petit bemol les personnage sont tre con quand meme
Primo, il faut apprendre dans ce film à ne pas poser de questions! Deuxio, il faut apprendre à avoir du flair! Et tertio, il faut être un fin psychologue et avoir une curiositè purement littèraire [...] Pendant l'annèe 1942, et surtout durant les semaines qui prècèdèrent le dèbarquement d'alliès en Afrique du Nord, les services secrets de toutes les nations en prèsence rivalisèrent d'audace! Les documents publiès depuis la fin des hostilitès ont permis de reconstituer quelques unes des aventures presque incroyables de ceux qui, aux quatre coins du monde, s'ètaient vouès pour notre cause à ses dangereuses entreprises! Tanger devint rapidement un centre d'espionnage extrêmement actif! Ajoutez y un journaliste qui doit se procurer un code (pour Raymond Rouleau, la vie est un reportage), une belle pèpèe (Mila Parèly), du polar, des fusillades, du pastiche...et vous obtenez une "Mission à Tanger" regardable mais assez superficielle! Scènario et dialogues d'Audiard, avec une ou deux rèpliques bien senties ( « Allez y franco mon gènèral ! »). Quant à Louis de Funès, il est parfaitement insignifiant en gènèral espagnol...
Bonne interprétation des acteurs. Mais je n'ai pas accroché, le scénario ne m'a pas tellement intéressé..
Coldwater sort au cinéma sans grosse campagne de publicité, une sortie donc assez inaperçu mais qui cache un film rempli de qualités. On suit donc l'histoire de Brad Lunders envoyé dans un camp de redressement pour adolescents aux Etats-Unis. On commence le film avec une certaine naïveté dans le regard mais très vite la dimension du long-métrage va totalement se transformer et le spectateur suit presque impuissant la vie de ce jeune homme. Le casting réalisé est vraiment impressionnant, aucun grand nom mais des acteurs qui ont tout pour en devenir avec notamment P.J. Boudousqué qui crève l'écran à chacune de ses apparitions. Les rôles secondaires ne sont pas en reste et tous vont également savoir s'intégrer au film de manière assez simple. Les décors du film n'ont rien de superbe ou d'extraordinaire mais malgré tout on ne peut qu'approuver les choix fait, des décors qui vont contribuer fortement au réalisme dont fait preuve le long-métrage. La musique n'a elle aussi rien de magnifique mais elle nous prend aux tripes et nous happe avec une force remarquable pour ne nous relâcher qu'à la toute fin du générique. Le film possède aussi un scénario sans bavure, on ne s'ennuie jamais et surtout on ne sait jamais vraiment comment réagir face aux événements qui se déroulent sous nos yeux, peut-être la marque d'un grand film mais sans conteste celle d'un long-métrage perturbant. La réalisation surprend également, pour un premier film, Vincent Grashaw a su mettre en avant toutes ses qualités et montrer son talent par un maniement parfait de caméra. Si on ne devait retenir qu'un seul défaut, ce serait l'usage peut-être un peu trop important de scènes dures bien que le sujet s'y prête. Coldwater s'impose alors comme un film surprenant et perturbant devant lequel les émotions se succèdent mais aussi parmi lequel les révélations sont nombreuses.
Avec « Dossier K. », le cinéma belge n’offre certainement pas ce qu’il a de meilleur. Le scénario est assez simpliste et caricatural, basé uniquement sur le code de l’honneur en vigueur soi-disant dans la mafia albanaise, et prétexte surtout à une série de règlements de comptes sanglants. Les personnages sont trop stéréotypés et l’on a droit une fois de plus à la rivalité entre les différents services de Police à laquelle vient s’ajouter un procureur véreux. La réalisation est assez rythmée mais à vouloir a tout prix privilégier les scènes d’actions ou de règlements de compte, Jan Verheyen ne convainc pas. L’esthétique assez fade de « Dossier K. » s’apparente quant à elle plus à un téléfilm qu’à un film de cinéma. On l’aura compris, inutile de se précipiter sur ce long métrage. Pour visionner un film policier belge, on préfèrera par exemple le film d’Erik van Looy, « La mémoire du tueur », datant de 2003 et beaucoup plus intéressant à tout point de vue.
Entreprise salutaire de Pierre Carles, c'est sûr. Ca se laisse voir, certains moments sont jubilatoires. Mais Carles ne relève pas vraiment le défi : ni réel documentaire critique sur Choron ni réel décryptage de la captation de son héritage par des gens qui sont tout sauf anti-conformiste et humoriste. Carles se laisse prendre par quelques exemples qui ne valent pas démonstration. Face à "C'est dur d'être aimé par les cons", face à Val qui se pavane dans les médias dominants, la réponse est un peu courte. Un peu court aussi le traitement des aspects sombres de Choron. Si Carles s'en défend, "Choron dernière" est plus proche de l'apologie que d'un avis nuancé. Entreprise salutaire donc même si on est loin des meilleurs documentaire de Carles ("Pas vu pas pris", "Enfin pris ?" et "La sociologie est un sport de combat"). Malheureusement, ce documentaire ne convaincra que les convaincus sur la malfaisance de la nouvelle équipe de "Charlie" et n'ajoute pas grand chose sur Choron. Seul intérêt : transmettre "une" mémoire de Choron a ceux qui ignore tout de lui. De là a ce que ces derniers puissent batir leur propre jugement. Par contre, un docu sur le réel détournement des anti-conformistes par des gens conformistes et pas drôle, c'est a entreprendre... et mieux que ça... Il est dommage que Carles n'a pas suivi le conseil de Bourdieu : a trop prendre d'exemples les uns aprés les autres, on ne renforce pas le propos, on l'amoindri !