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Le Roi Lion 2: L'honneur de la tribu est sans aucun doute l'un des plus mauvais films de toute l'histoire du cinéma: 1 - Le scénario est tout simplement nulissime. Le film est un copié/collé du 1 sauf à la fin où ça devient un copié/collé de Pocahontas, on retrouve même des dialogues du film: "Regardes les tous, nous sommes tous pareil", "Tu es mon frère". 2 - Les chansons sont archi-nulles 3 - Les personnages n'ont aucun charisme 4 - Les blagues ne font même pas rire 5 - La tribu de lionnes exilées: On se demande bien d'où elles sortes (nan c'est vrai s'il y avait des lionnes du côté de Scar on l'aurait p'être su dans le 1 logique)- De plus elles ont toutes une sale tête. 6 - Sarabi, la mère de Simba, elle en revanche a tout simplement disparu. On n'sait pas ce qui lui est arrivé (Elle était pourtant en vie à la fin du 1). Même chose pour Sarafina (la mère de Nala) 7 - Nuka est plus débile que Banzai, Shenzi et Ed réuni (eux au moins ils étaient drôles) 8 - Rafiki qui parle avec l'esprit de Mufasa, et ensuite qui emmène Kiara et Kovu dans une sorte de Disneyland (mais qu'est-ce que les scénaristes ont bien pu fumer?) 9 - Le barage: Il est vrai que les lions savent construire un barage. 10 - Mufasa, le somome de la débilité dans ce film: On le voit au tout début du film sur son nuage entrain d'admirer sa petite fille (là aussi on se demande ce que l'équipe a pu fumer), la discution avec Rafiki (déjà mentionnée plus haut) et bien sur son unique réplique à la fin "Bravo Simba". Vraiment pitoyable. En conclusion, si vous voulez voir un grand film d'animation Walt Disney, regardé Le Roi Lion (le meilleur Walt Disney et meilleur film d'animation à mon goût, et l'un des meilleurs films que j'ai vu, et je ne suis pas la seule à penser cela). Par contre, si vous êtes sado maso ne manquer pas Le Roi Lion 2. Archinul, l'un des pires films de tous les temps, et peut être même la pire suite jamais réalisé... La pire euh pardon j'ai failli oublier Pocahontas 2
La musique est MAGIQUE ! ... Avec elle, l'IMpossible devient possible ! Avec 650 000 autistes recensés en France, cette action est une vraie note d'espoir ! Merci et Bravo d'avoir mis en lumière Percujam et cette magnifique association Alternote, et de nous avoir ainsi permis de connaître l'univers si touchant de ces aRtistes !
Un des meilleurs films de SF des années 60, extraordinairement interprété, nanti de costumes et de décors superbes, l'écriture est évidemment excellente puisque d'HG Wells, mais George Pal a réalisé une adaptation de grande qualité qui se regarde, se re-regarde et se re-regarde encore, même plus de 50 ans après. Un classique, tout simplement.
C'est bien simple : vous commencez à regarder le film, vous vous ennuyez mais vous vous dites qu'il faut tenir, que ça va s'améliorer... Et bien, DETROMPEZ-VOUS !!! Plus ça avance, plus on se fait ch... Je ne me rappelle pas m'être marré une seule fois devant ce film, pourtant niveau humour je suis pas difficile : j'avais passé de bons moments devant Kaamelott, South Park, etc... Mais aussi... Jackass ! Et oui, ne vous attendez pas à un Jackass version française, sinon vous serez sacrément décus ! C'est une honte de se prendre pour Hitler ! Comment peut on rire de cela ? VIVE LA FRANCE !!Je suis aussi très déçu par Gad Elmaleh :(
Une Marilyn Monroe à contre emploi, perturbée et inquiétante ( la meilleure perf de l'actrice) dans un thriller/huis clos psychologique et oppressant. Sans être l'équivalent de Soudain l'été dernier, le film traite habilement de la folie aidé par un bon suspens et des personnages intrigants. Marilyn y est hypnotisante mais pas là où on l'attend d'habitude.
« Wizards – Les Sorciers de la Guerre » est un film d’animation très curieux. Pour commencer, il utilise la technique de la rotoscopie (séquence live, en deux ou trois teintes) initialement prévue pour donner plus de réalisme, mais qui dénote complètement avec l’animation traditionnelle, et donne, dans ce cas précis, un sentiment d’inachevé. Je ne comprends pas ce choix, ce n’est vraiment pas esthétique du tout, car la technique est très mal exploitée. Quand à l’histoire, elle se développe autour de la menace d’une guerre, dans un monde de fantasy médiévale post-apocalyptique, sombre et inhospitalier. Tout cela ne m’a pas convaincu, mais j’ai ressenti un beau potentiel qui méritait un meilleur traitement. En soit et tel qu’il est, je ne vous conseille pas ce film. Peut-être mériterait-il un réboot.
Un film assez touchant, l'histoire est originale mais pas assez bien exploitée et une réalisation qui manque d'inspiration ; le duo d'acteur relève clairement le niveau mais on sent bien qu'ils ne sont pas allez à fond dans le sujet. Peut être que le film aurait gagné en interet si il n'avait pas été produit par Luc Besson...
Braven est le nom de famille de ce colosse, père modèle et protecteur, sa petite famille est en danger car des vilains méchants sans pitié se sont servis de sa cabane en bois pour y planquer leurs drogues. Classique, banale, l'histoire n'a rien d'haletante , les acteurs sont souvent sans charismes (à part le gentil et le méchant principal) . On a franchement l'impression de regarder un feuilleton sur M6 un dimanche soir, avec un peu plus de pan-pan que d'ordinaire. La réalisation, donc, semble faiblarde et à petit budget. On ne s’ennuie pas mais la sensation d'avoir perdu son temps apparait en pleine poire, les boules ! On oubliera vite.
Une romance magnifique entre deux marginaux qui doit beaucoup à la qualité de l'interprétation. Lee Chang-Dong est un directeur d'acteurs remarquable et ses personnages ont une rare justesse dès l'écriture.
Un bon moment de détente avec des personnages attachants. Quelques invraisemblances dans le scénario, mais elles sont pardonnables tant les images de ce début de XXème siècle sont éclatantes. On y revoit le Château du Haut-Koenigsbourg, déjà décor de la célèbre "Grande illusion" de Jean Renoir.
Incroyable... excellent... génial que dire de plus... a voir !!!!!!
Le film s'ouvre avec une femme qui chante "La mauvaise herbe" de Georges Brassens, tout en vidant le mare de café dans l'évier de sa cuisine désordonnée. Elle se tourne vers nous et l'air badin nous dit " J'aurais dû être chanteuse, au lieu de faire de la politique" . C'est sur ce ton qui oscille entre l'humour et le sérieux, que nous allons partager l'histoire de Nassima Hablal, militante de l'indépendance de l'Algérie. Chez elle, dans la simplicité de son quotidien, à l'heure du goûter ou du déjeuner, elle nous raconte son incroyable parcours, son engagement, sa fidélité, ses déceptions. Coquette, une rose dans les cheveux, une goutte de parfum dans le cou, un foulard noué avec élégance, cette femme malgré ses 80 ans, sa mémoire parfois capricieuse, sa canne et sa démarche claudicante, tient debout, par la force et la soif de liberté qui l'ont animée et qui la traversent encore. Elle nous fait revivre une époque, celle de la guerre d'Algérie, par ses récits et les rencontres avec la lumineuse Baya, la douce Nelly. Si parfois on a du mal à saisir la réelle chronologie des événements, on en comprend mieux les enjeux. Il y a les bons et les moins bons souvenirs, la torture etc... Mais il y a dans ce film quelque chose qui pas à pas et de façon subtile, même si en apparence tout à l'air si évident, si spontané, fait céder la résistance de la militante, la fait se livrer, mais toujours en pudeur. Le film parle moins de l'Histoire, on le regrette un peu, qu'il ne dessine le portrait complexe et délicat des dernières années d'une sacrée femme, profondément libre, sans tabou, une femme de conviction, moderne qui n'a pas dit son dernier mot et nous livre avec force un leg, celui de la figure de l'engagement politique des femmes.
Dèbutant sur le mode lèger de la chronique, l'intrigue vire à la tragèdie quand l'enfant du pays se rèvèle être un flic intègre dècidè à faire toute la lumière sur un trafic de rennes! Sordides rèvèlations contre loi du silence, la simple enquête de routine prend ici les allures d'un psychodrame qui implique de nombreux villageois dont le frère du hèros! Dans les grands espaces de la campagne suèdoise, les cadavres s'accumulent pour un thriller qui brasse meurtre, suicide et viol, faisant tout de même le minimum syndical! Le suèdois Kiell Sundvall prouve que la relève n'est pas encore assurèe derrière l'immense Ingmar Bergman! Moyen à dèfaut d'être regardable...
"2e sous-sol" a beau être écrit et produit par le talentueux français Alexandre Aja, cela n'enlève rien au fait que le film tombe dans les travers habituels des slashers 2000's où les screamers abondent et remplacent en quelque sorte un réel travail d'ambiance (car oui, c'est l'angoisse qui fait avant tout la réussite d'un film d'horreur). Pourtant, l'univers choisi est intriguant : un parking en sous-sol, toutes les issues bloquées et un sentiment d'isolement. Cette soirée de réveillon du 24 décembre rajoute aussi un contraste avec l'histoire proposée et c'est plutôt bien trouvé. Cependant, le psychopathede la sécurité interprété par Wes Bentleyn'est pas toujours crédible ; sa folie peut être mise sur le compte de la solitude mais de là à en justifier toutes ses réactions démesurées au milieu et à la fin du film... je ne pense pas. C'est donc malheureusement un échec tant sur le fond que la forme. L'univers est nouveau, pas le reste.
Téléfilm basique qui surfe sur la peur d'un attentat terroriste sur une centrale nucléaire. L'idée pose question bien évidemment, mais le film est tout, sauf réaliste. Les lieux communs abondent : Les gardes sont tellement nuls que l'assaut se passe très vite, les derniers gardes se rendent sans coup férir. Les assaillants sont étrangers, mais ont de "... bonnes raisons ... ". La presse arrive dès les premières minutes. etc ... Tout cela n'est guère intéressant.
Menée par Trish Sie, grande chorégraphe, Briana Evigan et Ryan Guzman, cette valse de pets bruyants est un festival cosmopolite ! Comme un long pet dégueulasse qui vous intoxique pour l'éternité.
Un film plat avec une trame hyper lente l ennuie nous guette vite et on a qu'une envie stopper ce film.
Un film de science-fiction, ingénieux et inventif, qui nous entraine dans un univers froid et aseptisé. Ethan Hawke, Jude Law et Uma Thurman sont très bons. Une réalisation qui ne peut laisser indifférent !
Encore et encore une énième adaptation d'un Stephen King qui fait du stop sur place. Réalisation agaçante, ennuyante avec des flashbacks abrutissant. Foncer plutôt sur la nouvelle de King du même titre.
L'histoire n'est pas assez intéressante et developpée pour animer les dessins comme il se doit. On s'ennuit et personnellement j'ai même sommeillé un peu durant le film. Par contre mes enfants ont trouvé ça très drôle. Un film donc, que pour les enfants.
C'est juste l'histoire d'une saison, une fin d'automne dans une petite ville dans le Montana, vécue par un adolescent dont les parents se séparent. Pour son premier long métrage, Paul Dano a choisi de filmer cette séparation avec les yeux du fils (Ed Oxenbould qui ressemble d'ailleurs énormément à Paul Dano jeune). L'action se déroule au début des années 60 et, si le décor est suranné, le thème reste intemporel et universel. C'est bien filmé, efficace et sensible, montrant les dégâts de la déchirure familiale et l'égocentrisme voire l'immaturité de parents aveuglés par leurs sentiments. On est aux antipodes de "L'amour flou" de Romane Bohringer et Philippe Rebbot qui expliquait les joies du divorce moderne en se moquant totalement de ce que pouvaient éprouver les enfants. Un beau film, très bien interprété par Carey Mulligan et Jake Gyllenhaal.
Que c'est mauvais... Vraiment compliqué de trouver le moindre point positif à ce désastre cinématographique. Consternant...
Quatre ans après avoir réalisé le sulfureux "Caligula", Tinto Brass reste dans le registre de l'érotisme mais contrairement à son précédent film, le spectateur n'est soumis à aucune image violente ou choquante, au contraire le réalisateur qui a écrit lui-même le scénario de ce long-métrage veut passionner le spectateur sur une simple histoire d'érotisme qui sépare un homme et sa femme en intégrant des éléments qui poussent le spectateur à pouffer de rire dans chaque situation soit en insérant des dialogues d'une crudité sans nulle autre pareille soit en mettant en scène des personnages qui effectuent des actes qui vont à l'encontre de la moralité. Tinto Brass est un provocateur puisqu'il installe cette histoire en 1940 donc en pleine période pendant laquelle le pays est dominé par le fascisme de Mussolini. L'histoire se passe dans l'un des sites les plus convoités au monde, Venise. Le scénario pour un film purement érotique est extrêmement riche, le réalisateur désirant attirer le regard du spectateur du début à la fin sans l'ennuyer et il y parvient et sans image répugnante, c'est ce que l'on pourait appeler l'hymne à la joie et au plaisir culinaire et sexuel. Le réalisateur sait très bien que la musique compte énormément dans un film et il a donc engagé le plus grand compositeur Italien Ennio Morricone. Ce qui est plus surprenant, c'est le choix de l'actrice, elle qui a enchaîné les longs-métrages dont "Police Python 357" et "1900" sans jamais vraiment dévoiler son corps par pudeur décide de briser le tabou en laissant le réalisateur filmer ses formes généreuses et la montrer nue en train de faire l'amour avec un homme beaucoup plus jeune qu'elle. Tout ce que l'on peut dire, c'est que le réalisateur sait faire rire le spectateur sans le dégoûter, chose qui lui avait été reproché auparavant. Ici, le sexe est bonheur et nature et c'est cette conception de cette liberté sexuelle qui rend le film si touchant. Stefania Sandrelli est sublime dans ce film si intimiste!
Un teenage film sur le monde du rugby qui, sans réellement briller, arrivera à divertir un spectateur peu regardant et n'en attendant pas grand chose. A voir au moins une fois.
Excellente comédie signée Herbert Ross!! Un duo d'acteurs détonnant pour cette comédie d'espionnage devant laquelle on s'amuse beaucoup, le tout dans des décors sublimes et ponctuée par de magnifiques musiques. C'est vivant et drôle alors pourquoi s'en priver!!
Comment parler du FANFARON en enlevant le charmant ‘tutuuttt’ du klaxon ? LE FANFARON, c’est du son, de l’image, un mouvement perpétuel que l’on n’imagine pas finir. Trintignant et Gassman sont absolument excellents dans leurs rôles respectifs. Le rythme du film est effréné, et on finit à se plaire dans ce jeu sans morale, et même à donner raison au charmant Vittorio. Quant à la fin, elle est épatante par son imprévisibilité ; et par la morale qui s’en dégage…plutôt, l’immoralité. Tutuuuut, et c’est reparti !
Il faut aimer le style après un début correct le film finit part tourner uniquement sur l'amour impossible des 2 héros, Rosselini aurait pu un peu creuser le coté historique.
NANAR !!!! Et même pas un bon nanar en plus... Sans surprise, ce troisième volet d' "Une nuit en enfer" est aussi nul que le reste de la franchise. Les réalisateur ne ressente jamais de la honte après la réalisation d'un tel "film" ?
Le problème, Eothisian et ses soutiens, ce n'est pas tant la consommation de viande de dauphin, qui au passage est bourrée de mercure, donnée aux enfants etc., (il s'agit d'une pêche non-culturelle, donc ne pas mettre tous les Japonais dans le même panier), c'est tout le business de la captivité derrière. L'Homme se réserve malheureusement le droit de décider de la liberté des animaux au nom du divertissement (et non de la cause scientifique, vaste blague). Les delphinariums du monde entier viennent faire leur marché à Taiji pour choisir les plus beaux dauphins, les autres étant massacrés. Ils deviennent des animaux déracinés alors qu'ils évoluent dans des structures sociales très complexes, comme les nôtres, enfermés dans des baignoires avec des congénères avec qui ils n'ont rien en commun. Tout comme nous, ils peuvent tomber dans la dépression, certains se suicident, on les insémine artificiellement (avec consanguinité svp) car la capture est interdite dans la plupart des pays. Le traitement que l'on réserve aux animaux est le reflet du peu de respect que l'être humain a pour lui-même. Dans la même trempe, Blackfish, docu blacklisté (sans mauvais jeu de mots) en France, à cause du pouvoir financier de Marineland et compagnie.
Après Phoenix en 2014, le scénariste-réalisateur Christian Petzold adapte au cinéma un autre roman, Transit publié en 1944. L’écrivaine juive-allemande Anna Seghers faisait le récit de sa fuite de l’Allemagne fasciste qui la mena à Paris puis à Marseille avant de trouver exil au Mexique en 1941. Alors que l’action contée date de 1940, le cinéaste allemand prend le parti de ne pas effectuer de reconstitution historique. Marseille et ses habitants qui apparaissent à l’écran sont contemporains. Ce choix de mise en scène relève-t-il d’un pari audacieux ou d’une facilité de réalisation ? Critique complète sur incineveritasblog.wordpress.com
Jean Chapot nous livre ici un film qui pourraît paraitre banal et qui l'aurait été si il n'avait pas été servit par des acteurs formidables, car si l'histoire est interessante, elle ne révolutionne rien : Bernard Le Coq jeune qui joue un adolescent alcoolique amoureux d'une Miou Miou qui était encore dans sa période mini jupe. Mais ce film vaut surtout pour son duo vedette : Alain Delon et Simone Signoret. Cette dernière joue à la perfection son rôle de paysanne et Delon, toujours charmeur sans le vouloir, est superbe en juge d'instruction obstiné. Une réussite !
Film envoûtant et oppressant, «L'Avventura» exhale une atmosphère de profond désenchantement et peut être regardé comme l'expression du désarroi philosophique qu'éprouvait une certaine bourgeoisie italienne à l'aube des années 60. On comparera d'ailleurs inévitablement avec «La Dolce Vita» de Fellini (dont le point de vue est plus extérieur). Antonioni met en scène un groupe de vacanciers désoeuvrés, tous issus des classes les plus aisées de la société italienne, et qui se complaisent dans un ennui profond mâtiné de cynisme désabusé. Lorsque, d'une manière inexplicable (et qui demeurera d'ailleurs inexpliquée), l'héroïne supposée du film, Anna, disparaît définitivement après une demi-heure, le malaise des autres personnages éclate dans toute sa plénitude. Le film raconte alors comment Sandro, le fiancé d'Anna, et Claudia, sa meilleure amie, vont se rapprocher l'un de l'autre pour une très improbable histoire d'amour. Mais comment ne pas voir, derrière ce scénario délibérément banal, une évocation de l'effacement contemporain des valeurs traditionnelles (scène de l'église désertée, mise à distance des symboles religieux) et du profond mal-être qui s'ensuit ? Antonioni ne veut-il pas nous montrer comment ses personnages vont tenter péniblement de recréer un sens à leur existence? Ceci dit, le film vaut surtout par la très remarquable mise en forme de son contenu. «L'Avventura» est d'abord un chef-d'oeuvre de suggestion qui use à merveille des images et de la musique pour évoquer l'au-delà non dit de l'histoire contée. Mais il s'agit aussi d'un monument sur le plan plastique. On a tout dit, ou à peu près, sur le génie d'Antonioni dans la maîtrise de l'espace ou la composition de chaque plan tel un tableau. Et, de fait, «L'Avventura», d'une splendeur visuelle inégalée, est une fête pour les yeux!
Un Shaw brothers pas vraiment folichon ; après un démarrage assez prometteur le film s'enlise rapidement et traîne en longueur puis on nous fourgue toute les scènes de combat à la fin. La vengeance arrive trop tard et le personnage qu'interprète David Chiang apprend la technique de la mante religieuse en 5 mn et hop bute les méchants. Reste quelques bonnes bagarres mais je classe La Mante religieuse parmi les Shaws brothers les moins réussis. A signaler que La Mante religieuse contient une brève apparition au début du film de Gordon Liu en moine bouddhiste qui se fait massacrer par David Chiang.
Un Steven Seagal au meilleur de sa forme dans un film musclé aux scènes de combat toutes plus tranchantes et vives les unes que les autres. Du grand spectacle avec juste ce qu'il faut d'humour.
Un documentaire très intéressant sur la vie de Tupac, son œuvre, ses engagements à travers ses textes. On y découvre beaucoup de choses par le biais de photos d'archives, de vidéos et de témoignages. J'ai vraiment apprécié ce film.
Un film très sobre sur une tranche de vie de deux familles, et la sobriété ça se perd dans le cinéma.
Ce film est considéré comme mineur dans la carrière de son metteur en scène Elia Kazan et bien moi j'ai bien aimé "Le maitre de la prairie" !! Cette oeuvre est une commande chez le cinéaste et retrace l'histoire d'une femme qui doit se marier à un riche propriétaire d'un ranch, les choses commencent bien, un peu comme dans un conte de fée avec la présentation des employés et voisinage dans une magnifique prairie superbement filmé. Les choses avancent, deux nouveaux nés arrivent (un garçon et une fille) mais la charmante dame doute de la valeur de son mari avec en même un autre homme qui l'écoute et l'aime et se séparera du premier cité suite à une attaque sur le voisinage et autres choses. Les enfants seront gardés par le riche propriétaire et le récit se passe sur plusieurs années. Un long métrage dans le genre dramatique qui frappe par la beauté des paysages bien décrits au début et le décor du ranch l'est tout autant. Le scénario est bien écrit et les personnages bien transposés avec des comédiens qui les interprètent bien comme Katharine Hepburn, Spencer Tracy, Melvyn Douglas, Robert Walker (excellent acteur qui malheureusement mourra très jeune), Phyllis Thaxter. Un film qui fait Western un peu aussi ou l'action se passe à la fin du 19ème Siècles. A découvrir.
Si cette parodie n'est pas désagréable à voir franchement avec Rowan Atkinson dans une parodie de Spider-man j'espérais rire davantage.
Dernière partie d'une trilogie marseillaise inoubliable, "Cèsar" est sans aucun doute le plus èmouvant des volets! Le succès de cette trilogie rèalisè par Marcel Pagnol fut immense, non seulement en France, mais dans le monde entier! Elle reposait, il faut le dire, sur les èpaules d'un acteur incomparable, un vrai monstre de la scène et de l'ècran, Raimu, entourè d'acteurs mèridionaux ou non, mais qui surent s'adapter à cette force de la nature et de l'art dramatique, comme Pierre Fresnay, Orane Demazis, Robert Vattier, Charpin, Maupi, Rellys, Milly Mathis, etc...Pagnol, qui n'avait jamais ètè tentè jusque là par la mise en scène cinèmatographique confia la rèalisation de "Marius" à Alexandre Korda et celle de "Fanny" à Marc Allègret! Mais il avait dèjà fait ses premières armes derrière la camèra avec "Joffroy", "Angèle" et "Merlusse". Aussi entreprit-il lui-même le tournage de ce "Cèsar" et n'abandonna plus la mise en scène par la suite! Avec toujours cette même passion gènèreuse pour les petites gens et par un amour illimitè de la Province, Pagnol signe un dernier volet parfois sombre mais toujours humain, où les liens de la famille et le bonheur sont plus forts que tout! Tous les acteurs, sans exception, sont à jamais dans nos mèmoires...
Hitchcock n'en était encore à ses débuts et le film s'en ressent. En effet, alors qu'il avait su brillament éviter les pièges de la pièce de théâtre filmée dans "Le Crime était presque parfait", il se prend en revanche ici un peu les pieds dedans, tant l'histoire parait banale et les personnages souvent fades. On a d'ailleurs souvent à faire à des fades caricatures, et le rythme peine parfois à être soutenu, simplement agrémenté de quelques dialogues pertinents (et un certain humour, bien que beaucoup plus présent habituellement.) De plus, la poursuite finale est de bonne facture et on y retrouve quelques beaux principes Hitchcockiens, mais il n'en demeure pas moins que cette oeuvre parait en définitive trop banal et trop bloqué par ses codes pour convaincre pleinement en définitive. Une déception.