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Un petit bijou de comédie noire à la fois hilarant et glaçant. Benoît Poelvoorde trouve le meilleur de sa carrière en incarnant ce tueur à la fois philosophe, cabotin et dangereux. Les dialogues sont tout simplement excellents ainsi que plusieurs scènes qui sont anthologiques (Ben qui tue la vieille en lui faisant peur, le viol collectif...) Dommage que la mise en scène qui doit faire documentaire ne soit pas plus recherchée que ça, c'est original mais ça fait quand même brouillon. Dommage aussi pour la fin qui fait un peu bâclée. Excellent et jubilatoire.
très bon film, en espérant qu'il passera vers Périgueux !!!!!
Un drame psychologique qui ne tient pas ses promesses alléchantes. Pourtant fan du genre, j'ai été interloqué par si peu de subtilité. Marina de Van se campe sur le côté visuel de son film et oublie le reste. Ce qui m'amène à penser que le seul véritable atout de Ne te retourne pas doit être la fusion entre Sophie Marceau et Monica Bellucci. Il fallait y penser et c'est stupéfiant. Malgré tout la réalisatrice a brandit une arme facile en les sélectionnant toutes les deux, le côté très vendeur de ce choix est donc à prendre en compte. Revenons au film : déjà les fameuses transformations sont beaucoup trop longues, au début on frissonne puis au fur et à mesure ça devient très lassant. Et une fois le phénomène de surprise disparu il n'y a plus rien de prodigieux à se mettre sous la dent. Car finalement le dénouement de l'intrigue est assez décevant car très convenu.Les traumatismes de l'enfance, en version bâclé si j'ose dire.A éviter.
Quelle exquise aventure que ce « Spirit ». Véritable ode à la liberté et à l’amitié, le film narre le destin croisé d’un pur-sang et d’un jeune Dakota aux temps de la conquête de L’Ouest et de la construction des premières voies de chemins de fer. L’animation, ainsi que le rendu des paysages, sont tout bonnement splendides. Le fait d’avoir rajouté des sourcils aux chevaux, par exemple, leur donnent une véritable expression faciale. Ce choix est d’autant plus judicieux que, contrairement à la majorité des films d'animation, les animaux ne communiquent ici que par leurs sons naturels, seule la voix-off est là pour exprimer les pensées et le ressenti de l’étalon. La collaboration entre Hans Zimmer et Bryan Adams nous donnent une magnifique BO qui colle parfaitement au récit. Un vrai bonheur qui véhicule de jolies émotions. J’adore.
Palme d'or surprise au festival de Cannes 1986, "Mission" de Roland Joffé nous envoie au milieu du XVIIIème siècle pour suivre un jésuite qui fonde une mission sur les terres des Indiens Guaranis ainsi qu'un ancien mercenaire qui cherche la rédemption après avoir commis un meurtre qui vont lutter contre la domination Espagnol et Portugaise. Œuvre ambitieuse, posant les problèmes de la colonisation et de l'évangélisation, "Mission" s'avère réussi, nous faisant suivre cette histoire à travers deux portraits radicalement opposés entre l'ancien mercenaire devenu Frère et le jésuite. Roland Joffé nous immerge assez vite et de belle manière dans son histoire, notamment grâce à une superbe reconstitution (mettant à mal l'abus d'effets numériques et de fonds verts auxquels on est trop souvent habitué à travers les grosses productions récentes), un rythme lent et adéquat qui prend le temps de nous présenter l'histoire, les personnages et les environnements ainsi qu'une magnifique bande originale de Ennio Morricone et l'immersion est totale et magnifique. Le scénario est bien écrit, mettant bien en avant les propos important et grave qu'il aborde tout en étudiant bien les deux personnages principaux mais surtout leurs affrontement psychologique qui s'avère intense et captivant. La photographie est magnifique, tout comme la qualité visuelle. "Mission" est porté par d'excellent acteur, Jérémie Irons et Robert De Niro sont époustouflant, on y trouve aussi de bons seconds rôles tels que Liam Neeson, même si on pourra regretter que son personnage soit si peu mis en avant. Une très belle œuvre, au succès mérité, touchant, important historiquement et magnifique.
Posant sa caméra en 1977, Franco Zeffirelli oublie d'exploiter des techniques plus modernes pour nous torturer d'un film tout juste digne d'un feuilleton télé des années soixante dix. On peine pour Fanny Ardent à la voir mettre tant de coeur à l'ouvrage à incarner un personnage ininterprétable, et on se réfugie dans son imaginaire aux premiers sons familiers de la bande originale.
Une bonne suite de Rush Hour. La complicité entre les deux acteurs est toujours aussi visible à l'écran. Un bon mélange d'action et d'humour!
tres bon film, un cameraman qui sait ce qu'il fait, on ressens du dynamisme dans son mouvement, le dragon pour l’époque est de qualité indéniable. une métaphore sur le racisme et le choque des cultures/peuples intéressante et envoutante.on regrette juste la mort de quelque personnage, notamment Mazay et Thomas
Une des plus grandes comédies musicales avec plusieurs numéros qui sont entrés dans la légende. malgré un début que je trouve moins prenant, tout le reste du film est somptueux. Les numéros ont un sens (pas de chanson pendant le déjeuner ou en prenant un train). Le scénario est incisif sur l'Hollywood des années 50 et des grands studios. Judy Garland est une superbe chanteuse et actrice, par contre je trouve la réalisation de Cukor trop gentille et simpliste (tout en restant de bon niveau).
Un scénario original qui tient jusqu'au bout, dans un dénouement psychologique qui tire la larme à l'oeil. Une musique et une mise en scène en font un film de toute beauté, pour les personnes qui ont une certaine sensibilité. Demi Moore est toujours aussi belle, et les autres acteurs jouent très bien leur rôle. Vous allez adorer.
Il n'y a rien de nouveau dans l'univers d' Arcady avec ce film. Enfin presque, car on y croise Saïd Taghmaoui qui joue le rôle qu'occupe habituellement Patrick Bruel chez ce réalisateur au côté de l'inamovible Richard Berry. Le nouveau venu délivre une composition excitée. De plus, il arbore pendant quelques instants une coupe de cheveux avec des mèches peroxydées qui est particulièrement improbable. Pour conclure en beauté, Arcady fait interpréter le générique de fin par l'idole nationale de la chanson française, histoire de ne jamais baisser de pied....dans le ridicule!
Un bon film d'horreur, le meilleur craven que j'ai vu à ce jour, certes avoir moins de références que Scream, mais Freddy est un personnage culte et original, plus que celui d'Halloween par exemple.
Le film à voir en ce moment, si vous aimez les doubles sens (éloge du béton, etc....) jubilatoires.....C'est une petite pépite où chaque moue vaut le déplacement, où les conflits entre les frangins, sont plein d'ironie et d'extrapolations , où l'on est chez Kaurismaki, Chaplin dans les émotions, où la dérision est permanente et absolument réaliste, au fond une société ne survit qu'au travers des rêveurs, le réel est un pur fantasme, dont il faut se moquer, rire comme fait ce film, , pour établir le seul pays qui compte quand l'idéal (la bétonnière ultra sophistiquée) vous est confisquée....le jeu d'acteur est aussi jubilatoire, ce sont tous des Droopy, qui errent dans la réalité, et les dialogues sont si écrits......Le terme comédie dramatique laisse la place à mon avis à une comédie fort enlevée.....A ne pas rater.....
Question : « quel est ce grand symbole du patrimoine français dont "G.I. Joe" nous invite à voir la destruction ? » La Tour Eiffel, me diriez-vous, vous appuyant avec certitude sur les bandes annonces du film ? – FAUX ! – C’est notre système de sécurité sociale ! En effet, à prendre en compte ceux qui finiront aveugles face à ce déluge stroboscopique ; ceux qui devront être hospitalisés pour cause de montage épileptique ; mais aussi ceux qui finiront sourds face à l’avalanche d’explosions et de musiques tabadoum-tsoin-tsoin ; sans oublier tout ceux qui s’enfileront trois tubes d’aspirine pour avoir subi 2h de tout ça ; "G.I. Joe" fera du trou de la sécu un véritable trou noir. Seul façon d’y réchapper : le rire. Car oui, on peut rire de certaines scènes qui atteignent parfois des summums de ridicule (la palme allant à la jeunesse de Storm Shadow – des images d’Epinal comme ça, j’en veux tous les jours !). Mais avouons-le, l’ensemble est quand même assez lamentable, et on s’en désole presque. D’un côté, on apprécie quelques surprises de casting comme notre Saïd Taghmaoui national, ce cher « bittersweet » Lee Byung-Hun adoré, ou bien encore le flippant Adewale Akinnuoye qui campe le rôle d’Adebisi dans la série culte "Oz". De l’autre aussi, on remarque bien quand même qu’on ne cherchait pas forcément à se foutre de nous et qu’on a voulu jouer la carte du divertissement punchy sans prise de tête jusqu’au bout. Seulement voilà, la prise de tête, elle est pour le spectateur au final tant les gros sabots de Stephen Sommers nous ont martelé la cervelle. Qu’on dise tout le mal que certains pensent de lui, mais n’est pas Michael Bay qui veut. Pour ceux qui espéraient là le blockbuster de l’année, c’est raté.
Tatyana n’hésite pas à se mettre en scène, pour comprendre comment elle vit ces relations amoureuses. Elle est la femme à la caméra, filmant son quotidien et les moments intimes qu’elle partagent avec ses compagnons, de manière décomplexée. Ces images sont entremêlées de séquences esthétiques très diverses, qui donnent au film toute sa dimension poétique. La cinéaste s’interroge sur sa propre responsabilité, celle de sa famille et de l’éducation traditionnelle qu’elle a reçu. Son film marque une rupture. Littéralement d’abord, car c’est une rupture avec un homme qui motive la narration. C’est à partir d’une déception qu’elle décide de s’interroger sur ses relations passées. Mais c’est surtout la rupture avec un idéal qui s’opère pendant le film. Le temps des contes de fée et des princes charmants est révolu, et Tatyana trouve autre chose, de bien plus précieux. (...) Suite sur mon blog ! :)
Le seul film qui a su parler de l'acte de création... Une véritable claque pour ma part.
Bon résumé de l'histoire des bactéries, mais dont la fin est un peu rapide...
Des amis vont sur l’île de la mariée, une l’île censément inhabitée, mais qui est en fait le lieu d'un culte satanique pratiquant la magie noire. La mise en place de l'histoire est pénible, c'est même mauvais avec une réalisation médiocre et des acteurs peu convaincants seulement quand l'histoire se recentre sur l'essentiel et quand les personnages la bouclent un peu cela devient un peu plus potable, mais il n'y a pas de miracle, c'est juste un copier-coller de ce qu'on peut voir dans des DTV américains, il n'y a aucune originalité, le réalisateur a seulement apporté le folklore local et c'est tout ce qui est bien dommage, car son film est tout simplement ennuyeux à mourir.
joli film pas très épouvantable mais saisissant, et à l'intrigue assez bien ficelée pour être complexe sans être incohérente. En plus, il y a là-dedans un propos féministe qui tombe à pic dans ce genre de film fantastiques. dommage, la bande-son omniprésente est pourrie, mêlant n'importe quels bruits de façon complètement parasite (crissements, cris d'enfants, grondements, couinements qui résonnent, le tout en permanence), et ça, c'est assez lourd.
Merci aux réalisateurs pour ce super film ! Allez le voir le message est important ! Le débat a duré un peu longtemps mais on apprend beaucoup beaucoup beaucoup ! Merci pour ce film
parait-il que le film dure 1h50... pour moi il a durer 30min, avant qu'on prenne tous nos vestes et qu'on sorte en courant. en deux mots: les acteurs sont catastrophiques, ça joue mal! au bout de 25min on ne comprend toujours rien à rien, qui est qui? qui fait quoi? pfiou... ça patauge, et ça tourne a la chianlit... fuyons!!
Un film sans prétentions, mais qui m'a fait passer plus qu'un agréable moment. Malgré quelques passages, je dirais ennuyant, il y a pas mal de rebondissements qui m'ont fait aller au bout. Bon on a connu mieux mais il y a pire dans le même genre. Par contre, la fin c'est.... du vu et revu. Faudrait qu'ils innovent sérieux dans ces fins, ça peut gâcher un film je trouve. Bon au final, pas le film de l'année mais bon sympathique à voir seul ou en couple. (à voir en VO comme d'habitude pour apprécier tout le jeu de rôle des acteurs et le film en lui-même.)
Un film monstre qui vous écrase par l'ampleur de son sujet et la virtuosité de sa mise en scène. Dans cette histoire d'honneur, de corruption et de trahison, seuls les hommes ayant le courage de se salir les mains pourront en sortir grandi. Que ce soit Vargas qui se trempe dans des eaux boueuses ou Quinan qui se rend compte de l'atrocité de son entreprise lorsque du sang coule sur ses mains, ils sont sauvés, le premier en retrouvant sa dignité, l'autre car il peut enfin mourir en paix, ce grand taureau blessé. Ces deux personnages sont magnifiques, et antagonistes en diable. Mexicain contre Américain, intègre contre corrompu, rigueur contre manipulation: "La soif du mal" joue des faux-semblants et des contradictions, use de cet extraordinaire jeu de miroir qui parsème le film de moments grandioses. Le dénouement, finalement, n'a pas très grand intérêt. Le courage de Welles de manier des sujets aussi amples et de le faire avec un tel talent (le plan séquence de l'ouverture est peut-être ce qui a été tourné de plus extraordinaire dans l'histoire du cinéma) font de ce film l'un des plus grands, à l'instar de "Sueurs Froides", "Le Parrain" ou plus récemment, "There Will Be Blood".
Bon, Kathryn Bigelow peut aller se rhabiller : Paul Greengrass est décidément le meilleur pour filmer l'action. Sa caméra est toujours nerveuse nous plongeant au coeur de l'action. Appuyé par un scénario intelligent qui fait réfléchir, le cinéaste filme la guerre en Irak avec un réalisme saisissant. Les acteurs sont tous excellents. Le chef-d'oeuvre du cinéaste.
Un monde finissant. Tous les poncifs niais de la modernité mis à la queue-leu-leu donnent un scénario d'un glaçant ennui. Une mise en scène esthétisante à souhait avec une jolie musiquette ne suffisent pas à faire quelque chose. Témoignage d'une caste qui tient le pouvoir et qui s'épuise, incapable de trouver un horizon à ses contradictions. Film idéologique comme a pu l'être, avec une idéologie aussi absurde, le Juif Süss en son temps, pas plus. À éviter tant qu'à faire : la vie est courte, ce film est long. Laissons-le en témoignage aux historiens qui autopsieront peut-être un jour nos sociétés en décomposition.
je l'ai regardé pour emmanuelle vaugier car je l'adore et je dois avouer que cette suite est quand même mieux que le précédent opus!
Un régal de justesse d'écriture, d'humour british sur fond de crise sociale, et une incursion très réussie dans le monde de la musique. Une grande réussite ! Terriblement rock'n'roll !
« Mon film n’est pas un film. Mon film ne traite pas du Vietnam. Il est le Vietnam. Exactement comme il l’était. C’était fou. Et la façon dont nous l’avons tourné était très proche de celle dont les Américains on fait la guerre au Vietnam. Nous étions dans la jungle, trop nombreux, nous avions accès à trop d’argent, trop de matériel et peu à peu nous sommes devenus fous ». Cette phare de Francis Ford Coppola résume à elle seule les 4 années d’élaboration de cette libre adaptation du roman de Joseph Conrad, "Au Coeur des Ténèbres". Un tournage particulièrement éprouvant qui s’échelonna sur 16 mois dont 238 jours effectifs, sous l’oeil de la caméra d’un réalisateur de plus en plus mégalo et parano. Le budget explose, la post-production et le montage des plus de 300 km de pellicule s’opèrent durant près de 3 ans. L’ouvrage fit couler beaucoup d’encre bien avant sa sortie avant que celui-ci se partage avec «Le Tambour» la Palme d’Or à Cannes en 1979 avec une copie de travail non finalisée. Le résultat, fascinant, est proprement hallucinant. De la beauté des images à la densité de la bande son, « Apocalypse Now » marque durablement l’esprit à l’instar de l’attaque du village au son des pales des hélicoptères et de "la Chevauchées des Walkyries" de Wagner. Une vraie folie un peu trop psychédélique à mon goût cependant. Le casting est emmené par un Martin Sheen habité, qui fit une crise cardiaque en plein tournage en mars 77, et permet surtout à Robert Duvall, qui adore l’odeur du napalm au petit matin, et à Marlon Brando de nous offrir des performances hors normes, contribuant ainsi largement à la légende et au caractère unique de l’un des sommets de l’histoire du cinéma américain.
L'Epée sauvage surfe sur la vague héroic-fantasy sans jamais atteindre le niveau de Conan le barbare, film à petit budget qui ne fait pas totalement fauché mais qui n'offre aucun décors grandioses et manque de combats spectaculaires. C'est même un peu mou par moment mais ça se laisse regarder ; au niveau du casting on a droit à la présence de quelques vedettes du petit écran comme Lee Horsley, Simon McCorkindale ou encore Richard Lynch dans le rôle du méchant. Rien de catastrophique L'Epée sauvage est cependant tout à fait dispensable à regarder.
Les films français s'inspirant de notre "glorieux patrimoine culturel" ont rarement été des chefs d'oeuvre (reviens-nous, Sacha Guitry, reviens-nous !), tant leur sujet "immortel" parait justifier la plus grande paresse intellectuelle comme artistique chez des producteurs ou des réalisateurs qui s'estiment dédouanés de cuisiner autre chose que du "confit d'histoire". "Jean de la fontaine" est encore pire que la moyenne, et ne livre même pas le minimum syndical (disons de la belle image et de beaux dialogues pétillants d'intelligence si française !) : une interprétation ridicule de Loránt Deutsch, une absence totale du moindre enjeu scénaristique susceptible d'éveiller l'intérêt du spectateur littéralement accablé devant tant d'insignifiance pompeuse, pas la moindre perspective historique ou humaine sur ce qui est ici conté, une laideur générale de l'image, bref, le zéro de l'académisme au cinéma. Reste le charme d'une Sara Forestier, qui risque néanmoins d'user rapidement son capital de fraîcheur dans de tels pensums.
Ce fut un bonheur de découvrir ce documentaire. Un hommage au cinéma comme rare et un acte de résistance d’une profonde intelligence, malgré toutes les difficultés. Ne jamais renoncer à nos passions, à ce que l'on croit juste, malgré tous les obstacles et murs érigés. Quand l'amour du cinéma est plus fort que les dictatures et les dogmes religieux qui l'ont éradiqué, il donne d'incroyables énergies !! De ce combat inégal, il en ressort un optimisme qui nous transmet sa lumière et la force qui émane de la liberté.
Le petit chaperon rouge contre le méchant loup revu et corrigé, hors si l'idée est pas mal métaphoriquement parlant, le film lui est plus que mauvais. A part la beauté d'Abigail Breslin il n'y a rien à sauver dans ce film. Tout est mauvais, surtout la réalisation, les projos dans la forêt ça va 5 minutes mais la bonjour hein !
Dernières images. Une caméra tourne dans le vide et s'arrête. Clap de fin pour John Boorman ? Dans une interview le réalisateur, l'affirme tout en rajoutant "je préfère ne pas trop m’avancer". Avec ce long-métrage, qui souhaitons-le, ne sera pas le dernier, le réalisateur offre une suite logique au magnifique Hope and Glory. "Cela a été un réel plaisir de reconstituer tous les détails de cette époque – que ce soit le langage, le maniérisme, les vêtements et le mobilier" assure John Boorman. Plaisir partagé. La photographie de Seamus Deasy, aux tons volontairement pastel, plonge le spectateur dans cette époque pas si éloignée et qui pourtant semble lointaine, presque irréelle. La réalisation d'une grande finesse enchaîne les situations cocasses avec d'autres beaucoup plus intimistes, un rien mélancoliques. Des aventures personnelles qui prennent ici un intérêt tout particulier par la fidélité évidente que le réalisateur accorde ses souvenirs. Servi par un casting parfait, du premier au dernier des seconds rôles, Queen & Country narre avec brio une tranche de vie que l'on sent d'une grande sincérité.
François Truffaut signe un film aussi fin et délicat que les lèvres suintantes d'une jeune fille encore vierge. Ô turpitudes de l'amour! L'amour est physique et les mots que l'on dit puissants sont aussi source de frein sexuel. L'amour est affaire de conscience, ça n'est pas une science.
Beau travail de lasse hallstrom sur ce film ayant fait un malheur outre manche, avec en prime la splendide charlize théron.
Ayant reçu le prix d'Alpe d'Huez 2014 et étant le premier long-métrage de Manu Payet, Situation amoureuse : C'est compliqué est une comédie romantique rafraîchissante. En effet, cela fait un bien fou ! Celle-ci est une comédie sentimentale qui ne révolutionne pas le genre mais elle est simple et sincère. Le casting est vraiment sympathique : Manu Payet n'est pas du tout mauvais, au contraire il a un très bon rôle. Il l'a pas voulu se donner la tache parfaite, du mec parfait. Bien sur, dans l'oeuvre il a des défauts mais aussi des qualités. Ensuite, Anaïs Demoustier est convaincante et lumineuse comme Emmanuelle Chriqui en interprétant Vanessa, " la fille idéale " aux yeux de Ben (Payet). Les seconds rôles sont également excellents, Jean-Francois Cayrey, Jean-Charles Clichet et le fameux Philippe Duquesne. Ils apportent quelques moments drôles. Une apparition étonnante de Pascal Demolon et un petit clin d’œil à Radiostars. Alors, la bande son est douce, agréable à entendre avec en prime du Jean-Jacques Goldman. Les deux réalisateurs ont soigné la photographie, la mise en scène, les décors dans Paris et les dialogues. Notamment, les dialogues sont plaisants avec certaines situations riches en émotions. Une production originale de la part de Manu Payet. Sans être compliqué pour autant, Situation amoureuse : C'est compliqué est une comédie qui ne se prend pas la tête. On passe un très bon moment de détente que je conseille à tous ceux qui aiment les comédies sentimentales.
On assiste bien deci delà à des bonnes scènes mais ces trois histoires mélangées contribue à diluer notre attention déjà perturbée par des passages brouillons ou peu intéressants. Le film aurait donc gagné à être plus condensé car on finit par le trouver long. On ne retient pas grand chose au final cependant le segment avec l'ado apporte un style et une certaine originalité et on se dit qu'il aurait pu être une base pour un autre film.
Excellente comédie québécoise qui se joue avec bonheur de la barrière de la langue et de la culture.
Ce film est un réel chef d'oeuvre brut, magnifique, dur comme d'appuyer sur un aphte avec sa langue. Au carrefour entre "I spit on your grave", "Incendies", "Johanna" de Kornel Mundruczoet, et plein d'autres choses, ce film est un réel coup de maitre d'Angelina Nikonova qui nous entraîne au crépuscule des Drames. Johanna, et c'est presque un Spoiler que d'en parler en vue du résumé, mais si j'en parle, c'est parce que cela va bien plus loin. Il y a dans ce film, quelque chose de phénoménal, au bord de l'apothéose, en ce que l'amour et la haine jouent à chat pour de vrai, comme jamais. A tel point que "J'ai rencontré le diable" de Kim Jee-woon devient alors une érection dont on a honte. "Portrait au crépuscule" est un film qui va plus loin et plus noir, et plus génial, que tout ce qu'on a pu adorer dans le genre. Il nous pousse dans nos retranchements les plus profonds, d'amour comme de haine, comme de la frontière entre les deux. La fin est magnifique, virulente d'un cinéma poétique et froid, dans la lignée d'un mélange entre Kaurismaki, et des écrits de Savinkov, mêlés à du Mark Slade avec une pincée de "Martyrs", et de "la fiancée du pirate". De plein d'autres choses aussi, trop de choses, ainsi est il impossible de l'associer à quoi que soit, à part un sentiment profond, qui nous prend du coeur jusqu'au tripes, à par la froideur des tripes jusqu'au coeur, d'avoir froid. Prendre une photo au crépuscule, et y penser, au crépuscule, à deux fois.
Nul et non avenu... Ce film est une vraie caricature. Je suis ch'ti et jamais je n'ai entendu des gens parler comme ça... et nous ne sommes pas des alccoliques, des perdants, des débiles ... C'est insultant. Une vraie perte de temps et d'argent.