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C'est gracieux, c'est mélancolique, c'est tendre, c'est frais, c'est d'une incroyable fluidité, technique et narrative (d'ailleurs le film passe tellement vite que si la barre de défilement m'avait pas indiqué "C'est terminé, ducon" j'aurais cru que juste une petite demi-heure venait de passer !!!) ; rien que cela vaut le détour. Mais en plus, on a affaire dans le cadre restreint d'un pensionnat (dont casting exclusivement féminin !!!) à une critique d'une Société qui étouffe sous l'Ordre et pour laquelle un excès de sensibilité est de la faiblesse ; difficile de ne pas penser à ce qui arrivera deux ans plus tard (et l'aspect des uniformes ont tendance à faire involontairement penser à la pire qui arrivera à l'Humanité !!!), il n'est pas du tout étonnant que les nazis ont cherché à détruire toutes les copies du film. Mais...encore mais...comme si cela suffisait pas pour notre grand plaisir, on a une très grosse pointe d'audace pour l'époque avec une touchante histoire d'amour (non partagée ???) lesbienne. Le jeu énergique, doux et rayonnant des deux jeunes actrices principales achèvent de foutre un vernis de modernité à ces "Jeunes filles en uniforme" qui n'accusent absolument pas son âge. Un chef d’œuvre passionnant placé sous l'égide de Sapho et de la Liberté. Moi qui croyais avoir tout vu... Une pure merveille !!!
1h30 de film dont 1h20 d'intro! Rien, absolument rien dans ce film. 1h15 pour mettre en place et faire monter le suspense mais il monte pas bien haut!!!! Avant un final des plus inintéressants que j'ai pu voir. Tout ça pour ça en gros.... Fuyez!
Autant Michèle Laroque est une très bonne comédienne de théatre, mais la elle est vraiment très douée dans son rôle, un bon petit téléfilm qui lui va si bien.
"Le sang des innocents" (Non ho sonno) est une très bonne surprise qui renvoie directement aux grandes heures de son maestro italien, Dario Argento. De la tension, des crimes gores, des surprises, la traditionnelle et géniale musique des Goblins et un Max Von Sydow, comme à son habitude, excellent, qui porte le film à lui tout seul. A voir absolument!
Note : 17/20 Film catastrophe spectaculaire avec une très bonne réalisation, un scénario touchant basé sur des faits réels, une excellente interprétation d'ensemble ...
Excellent film. Très belles images et acteurs excellents A voir.
Superbe production AMBLIN ENTERTAINMENT pour le compte de WALT DISNEY PICTURES. Un très bon divertissement familial.
Hé bien quel film ! Les acteurs sont exellent, pas un mieux que l'autre ! C'était trés agréable à regarder avec de somptueux décors, costumes..., et puis les scène de sabre! et ce final. Bref, l'histoire d'amour entre le roi et son garde qui tourne au drama, c'était simplement prévisible, maintenant changer carrement d'orientation fallait y penser. C'est dommage qu'on est pas plus vu d'amour entre la reine et le garde, a part leurs relations sexuelles... Tout de même c'était un bon film.
Déroutant ! Un qualificatif certes des plus adéquats afin de désigner ce film. La prestation d’Angela Bettis est particulièrement impressionnante et permet à ce mythe de Pygmalion revisité via les codes du cinéma d’horreur et fantastique contemporain de tenir debout ; son personnage désarçonne tant le spectateur s’identifie à ses faiblesses et repousse horriblement sa quête d’affirmation destructrice et criminelle. Le choix des acteurs semble dans l’ensemble particulièrement judicieux, en témoigne Anna Faris, tout à fait adéquate dans ce rôle de lesbienne outrageusement provocatrice. Reste qu’on ne sait trop quoi penser. On oscille souvent entre répulsion et tendresse, voit inévitablement venir les choses sans que cela n’enlève rien à l’impact et la violence des images. La beauté repoussante de ces dernières subjugue véritablement – à l’image du film, constamment dans l’excès mais toujours-déjà inscrit dans un paradoxal onirisme.
On s'ennuie ferme dans ce pâle pseudo-remake de "lost highway". L'apocalypse selon Gosling met en scène de bien pauvres archanges et des démons trop fades. Reste Detroit et ses quartiers en lambeaux, qui forment un décor de fin des temps à ce film d'aube grise. Bof.
Christopher Walken, Christopher Walken, Christopher Walken; oui si je répète 3 fois ce nom c'est que cet acteur, l'un des plus oublié du cinéma américain nous livre une performance envoûtante. Le genre de performance dont on se souviens longtemps après, tout dans la subtilité, dans la sobriété, une performance de maître pour un personnage dérangeant. On se souvient encore de l’élégance de ses costumes italiens et de son charisme captivant lorsqu'il décrit son père. Si bien que le climax du film repose beaucoup sur lui. Ensuite, plus le film progresse plus Helen Mirren nous livre aussi une performance mystérieuse très réussis. Quant à Natasha Richardson elle est aussi au diapason, un charme jubilatoire, par contre Rupert Everett est un peu en dessous des 3 acteurs susmentionnés. Si le film fonctionne si bien, il le doit uniquement en plus du jeu des acteurs à son atmosphère, où l'on sent poindre un certains malaise perpétuel. En cela la BO, presque arabisante par moment, plonge les héros au cœur de Venise, qui semble être un endroit qui leur semble étranger. Ensuite, une attirance se développera avec entre les 2 couples. Dont le deuxième couple susmentionné ne sait pas trop pourquoi il est attiré, c'est plus fort qu'eux. En cela la fin est vraiment le pic du film, même si je trouve que ça manque un peu de réalisme.
Excellent Lelouch. Des paysages et prises de vue magnifiques. Un homme et une femme version moderne.
C'est rare que dans un film de ce genre la femme soit maître de son destin. Les rôles s'inversent : la victime manipule le tueur pour sauver sa peau (manipulation affective) ; pour cela elle utilise différentes tentatives d'échappatoires jusqu'à trouver la bonne qui la sauvera enfin de ce cauchemar infernal. On a affaire à un jeu vicieux et sadique entre une victime et son tueur. C'est un huis clos oppressant, maladroit (certaines apparitions hors sujet), avec un grain de l'image très sombre, laid, tout comme cette caméra grossie, au plus près, très près des personnages (la chose la plus laide après le visuel).
Excellente comédie française! Drôle, touchant, bien balancé, avec une super BO. Un film qui sort de l'ordinaire et qui est traité avec beaucoup d’intelligence. Une pensée pour le regretté Ticky Holgado, parfait, en copain gaffeur mais adorable.
Vu mercredi avec mes deux enfants 8 et 10 ans. Ils ont adoré. Les images sont belles. On retrouve vraiment la magie du cirque et l'impression d'y être. Un moyen sympa d'aller à ce Festival quand on habite loin de Paris ! Bravo!
Justice maternelle est un téléfilm raté de Noel Nosseck. La mise en scène du réalisateur est à revoir, le scénario n’est pas très travaillé et reste plat, les acteurs comme Peggy Lipton, Danica McKellar ou encore Terry David Mulligan ne sont pas convaincants et je n’ai pas du tout accroché, bref tout est à revoir…
Assez fidèle au film original de Robert Wise dont il est le remake, HANTISE s'avère être un excellent film d'atmosphère. Jan de Bont tire profit de ses décors avec une exceptionnelle maîtrise, faisant de cette 'Hill House' un personnage à part entière, de par l'inquiétante étrangeté qui émane de sa beauté baroque et obsolète, ainsi que de son exubérance architecturale. Pour faire naître la peur, il met en valeurs les détails : des ornements muraux dans lesquels d'innocents bambins semblent emprisonnés, aux oeuvres d'art macabres et menaçantes qui semblent vous observer chaque fois que vous oser vous aventurer dans les interminables couloirs qui forment les entrailles de cet effrayant manoir... L'effet de peur qui en est tiré est saisissant. Sensations fortes et vertiges s'empareront de vous si jamais vous osez vous aventurer à monter dans ce train-fantôme, pour un tour de 113 minutes aussi cauchemardesque qu'excitant, en compagnie de Catherine Zeta-Jones, très sexy dans le rôle de l'élégante Theodora, et de Lili Taylor, fascinante dans le rôle l'inquiétante Eleanor.
Un médecin diplomé de Stanford, féru de surf, éleve ses enfants de manière non conformiste, très éloigné de la société de consommation américaine ..... en vivant dans une caravane avec sa femme et ses 9 enfants et en se déplaçant dans toute l'Amérique. Ce documentaire est une compil' d'extraits de films d'amateurs, d'articles de journaux et surtout d'entretiens avec les enfants aujourd'hui tous adultes. Derrière la façade enchanteresse parce qu'apparemment sans contrainte, nous découvrons que la vie n'était pas aussi libre puisque soumise au bon vouloir du Patriarche, véritable tyran dominateur et un rien exhibitionniste. A 82 ans, il ne manifeste aucun regret pour les choix qu'il a effectué et imposé à sa famille et ose qualifier ses enfants de fainéants. Une sensation de malaise s'installe à la vue des enfants qui, eux, déplorent de n'avoir pu faire d'études et donc de manière implicite d'avoir du mal à réaliser leurs propres rêves et à s'intégrer dans la société. Est-il effectivement possible de vivre comme Tarzan ou comme l'Enfant Sauvage à l'écart de toute société, sans danger? Le documentaire se termine sur la famille réunie, (pour reformer le cercle .... comme dans les meilleures sectes!), ce qui ne s'était pas produit depuis 7 ans. La réconciliation entre les frères est-elle sincère ou juste voulue comme conclusion logique et optimiste au film?
Je comprends aujourd'hui pourquoi tout ces oscars gagnés! Ce film donne + envie que n'importe quel prof de connaitre Shakespeare
Salut Ce film est tout simplement nul à iech (comme pourrais dire la fille des Sophie et Sophie qui joue le rôle d'une caissière de la cité)
Ennuyeux...........................................
La suissesse Ursula Meier surprend puis séduit au premier abord et au final, confirme son talent de cinéaste. Une famille ayant fuit le milieu urbain pour la campagne vit depuis une dizaine d’années dans une maison au milieu des champs et collée à une autoroute désaffectée. Un matin, une terrible nouvelle va venir briser ce silence, l’autoroute va rouvrir et des milliers de voitures, poids lourds et motos vont faire leurs arrivées sous la fenêtre de la cuisine, créant ainsi un bruit assourdissant et mettant un terme à ce rêve idyllique. C’était un paradis où il faisait bon vivre, la famille composée de trois enfants va dorénavant en souffrir. Sous forme de chronique sociale, on vit avec eux, on voit cette lente descente au enfer où pollution sonore et environnementale fait endurer le pire à cette famille. Dépression, énervement, la famille se disloque, la maison se transforme alors en un véritable bunker. Ce qui était une joie de vivre n’est plus qu’étouffement et angoisse. Isabelle Huppert & Olivier Gourmet sont impressionnants, tout comme les seconds rôles (les enfants), tous aussi crédibles, qu’excellents à l’écran !
Ce film est un court métrage, le premier film de Tarantino. Sa patte est déja hyper présente, les dialogues longs, avec de l'humour noir et très bien écrit. Un excellent film pour une future carrière juste dingue.
je ne l'ai même pas terminer, on s'ennuie...aucun intérêt !!
Beaucoup disent que Fast & Furious : Tokyo Drift est le plus mauvais film de la saga, le plus décevant. A cela, je dis non, il y a pire. Je sais bien que le casting du premier manque cruellement et que la surprise n'y est plus. De plus, beaucoup s'accordent à penser qu'un reboot/suite/sequel n'est pas utile. Mais prenez le cas du second épisode, 2 Fast 2 Furious, que je considère comme le moins bon et le moins utile de tous. Certes, Paul Walker faisait partie du casting, mais cela n'en faisait pas un bon divertissement. Et c'est Justin Lee, le futur réalisateur attitré de la saga, qui vient rectifier le tir. Il nous livre une relecture de la série qui tient la route et qui s'inscrit tout droit et logiquement dans la chronologie des Fast & Furious, nous montrant le destin final de deux personnages phares de la saga, que vous reconnaîtrez sans aucun doute. Le très talentueux Justin Lee nous livre une mise en scène nerveuse et collant parfaitement au style de la série jusqu'à une ultime course filmée avec fluidité et originalité mêlée de banalité. Le caméo final est vraiment réjouissant, me faisant immanquablement esquisser un sourire. C'est certes sans originalité aucune, mais cela divertit sans peine et nous fait passer un très agréable moment.
Fade et peu intelligent surtout de casser des oeufs alors qu'il y en a qui crêvent de faim.A dégager: pas marrant.Et pourtant j'aime bien la Lauby.
Un pauvre film fauché de plus.Je me suis endormi à la moitié.Mauvais effets spéciaux,histoire minable,à éviter c est une perte de temps.
Film à voir, parfois un peu loufoque mais cela fait justement le charme. De bons acteurs, notamment la jeune Faustine que l on découvre davantage dans ce film.
«Porco Rosso» est sans aucun doute l'un des films les plus personnels du cinéaste Hayao Miyazaki. Passionné d'aviation, il a ici voulu rendre hommage à ces héros d'un temps passé, aventuriers célestes en quête de gloire, courageux et solitaires. Porco Rosso, humain devenu porc, est l'un de ces légendaires pilotes d'avion du début du XXe siècle. Parmi les meilleurs de sa profession, indépendant et mystérieux, il sillonne les immensités nuageuses à la recherche de nouvelles aventures, triomphant toujours de ses nombreux ennemis. Amoureux de Gina quand il était encore humain (elle l'aime toujours malgré son aspect animal), il ne se sent plus guère retenu par les affaires de ce bas monde, et lorsqu'il relève le défi de l'américain Curtis il se donne sans compter, pensant être arrivé au terme de sa pesante existence et livrer son dernier combat. «Porco Rosso» est donc un film profondémment nostalgique et romantique, et pour Miyazaki et pour ses protagonnistes : il met en scène un héros moderne, désabusé, et le ton du long métrage est beaucoup plus mature que la plupart de ses autres films. Les personnages sont adultes et c'est plus à ce public que pourrait s'adresser «Porco Rosso» par les thématiques abordées, même s'il est tout autant destiné aux enfants. L'animation est éblouissante, le studio Ghibli étant en pleine possession de ses moyens dans cette période alors fastueuse, avec cette fluidité, ce sens du mouvement, cette richesse des plans et cette audace des cadrages qui font la réputation des japonais. S'il n'est pas le plus grand des films de Miyazaki, «Porco Rosso» en est l'un des plus attachants et l'un des plus beaux. Un magnifique film d'aventure, réjouissant et sublime. [2/4] http://artetpoiesis.blogspot.fr/
pas du tout convaicu par le scenario. Plat, vraiement tres plat ce film. Dommage, malgré les acteurs.
un bon film d'action pas mal du tout avec de scene d'action
Une force dévastatrice scande la jaquette. Oh oui ! Si vous avez encore des abdos à la fin du film, je ne sais pas ce qu'il vous faut. Un gros nanard qui tâche, où les boeufs sont en mousse (une magnifique envolée qui m'a mis au tapis, j'en pleure encore), où Samson porte un cuir en plastique, où chaque monstre est plus ridicule que le précédent, où le sexe est "suggeré" par une longue dégustation de bananes et piments, où Samson retrouve ses yeux crevés en plongeant la tête dans les seins de "son amie d'enfance" (j'ose même pas vous détailler l'affaire), et où le décor en carton s'écroule sur des figurants pas vraiment prévenus (ou on fait des nanards, ou on va au cathé, faut choisir...). Et ceci n'est qu'un aperçu de l'énormité de la bête ! Rajoutez un doublage made in france et on tient là une sacrée perle. Là où Le lac des morts vivants et autre Starcrash souffrait d'un certain manque de rythme, La Revanche de Samson enchaine avec une générosité peu commune les séquences d'anthologie où chacun trouvera son compte. A ne rater sous aucun prétexte !
J'ai lu un petit paquet de critiques sur ce film, et je suis assez étonnée (et déçue) de voir que beaucoup disent qu'il s'agit d'un "ersatz médiocre de Kick Ass" ... Vous croyez franchement que "Super" se veut être un film simple d'action a regarder en débranchant son cerveau (car soyons honnête, Kick Ass est un très bon film, mais il n'y a pas a réfléchir une seconde.). Le seul point commun entre "Super" et "Kick Ass" est le sujet : une personne lambda devient un super-héros. C'est tout. Le fond et la forme des deux films n'ont rien a voir. Je rapprocherais plus "Super" de "God Bless America", ou on nous jette à la figure la détresse d'un homme, triste et excédé par le monde qui l'entour. On nous vend la réalité de ce que serait un super-héros aujourd'hui : un homme assez dingue pour croire qu'il peut changer quelque chose à lui tout seul. On nous montre des décors "moches" parce que le monde de ce pauvre homme EST moche. On nous montre des combats volontairement ridicules et des morts grotesques parce que c'est ça l'idée, ça dérange de voir comme c'est ridicule et grotesque de mourir, surtout en ajoutant les jets de sang à n'en plus finir, grotesque absolu ( Tarantino en aura assez usé pour qu'on le comprenne.) C'est ==> réaliste
Un film décrié et boudé par beaucoup. Moi je n'ai qu'une chose à dire, ils ont tort. C'est magnifique, oririque, poétique et plein d'action. Un très bon film sur la sauvegarde de Gaïa, l'esprit de la Terre, maître mot des jeux vidéos Final Fantasy. Moi je ne m'en lasse pas... Les textures de peaux sont extraordinaires et les mouvements exceptionnels pour des images de synthèse, à voir, ne serait-ce que pour ça!
doit etre trop mortel
Zéro gag + zéro intérêt = la tête à Toto... Louis de Funès dans ses débuts, donc obligé de partager l'affiche. Film plus que dispensable, même pour les afficionados du comique.
Un peu moins de charme que les deux précédents.
Dans la catégorie film concept le plus alléchant qui sans surprise est une grosse m*rde, Human Centipede réussit avec brio son pari. Rien de plus à tirer de ce film qui ne soit pas dans la bande annonce, pas de suspens, pas de début, pas de fin, incroyable le nombre d'allusions subtiles que je viens de faire. Et pour ceux qui ne peuvent se satisfaire de la bande annonce mais veulent se la péter grave en société, je ne peut que leur conseiller "Humancentipad", l'épisode 1 de la saison 15 de South Park, tout simplement génial pour qui peut comprendre.
Pas de côté pour Desplechin, ce film glacial dégage un ennui profond. Les citations (Truffaut, Cassavetes et j'en passe) ne font pas toujours un bon film. L'émotion provoquée par les malheurs du personnage principal est assez artificielle; on est loin du fabuleux Tess de Polanski.
Ce n'est pas la peine de chercher le moindre sens scénaristique à l'ensemble, il y en a pas. Mais "Quoi de neuf, Pussycat ?" compense largement ce problème car il possède tout ce que les meilleures comédies des années 60 ont en commun : un charme et une drôlerie irrésistibles. Basé sur une histoire totalement loufoque de Woody Allen, où on retrouve déjà quelques thèmes habituels du futur cinéaste, et servi par un casting au meilleur de sa forme que ce soit par sa partie masculine : Woody Allen bien sûr mais surtout Peter O'Toole en Don Juan malgré lui et Peter Sellers, qui est affublé d'une coupe de cheveux ridicule, en psychanalyste encore plus félé que ses clients, que par sa partie féminine : Paula Prentiss en strip-teaseuse suicidaire, Capucine en nymphomane ou Romy Schneider en femme qui voudrait bien avoir un fiancé fidèle (vraiment très à l'aise dans un registre totalement inhabituel pour elle). Rien que pour le casting, le film vaut le détour alors pourquoi s'en priver.
Du déjà vu des centaines de fois, rien de nouveau dans le scénario. Mise en scène sobre et un peu plate selon moi. Un film banal et qui sera aussitôt oublié pour ma part.
Hunger Games L'embrasement surpasse largement son prédécesseur. La réalisation faisait défaut au premier film mais, fort heureusement, Gary Ross a passé le flambeau à Francis Lawrence qui assure une mise en scène bien meilleure. Les acteurs sont tous parfaits dans leur rôle, autant les nouveaux que les anciens. Hunger Games est la meilleure franchise depuis les premiers Harry Potter. La scène finale nous laisse sur notre faim et on a hâte de découvrir la suite de cette saga épique. Un très bon divertissement. 16/20
Un film rare sur un sujet vraiment original. Darmon est énorme face à une Balasko fragile et sensible. Le scénario nous propose de voir des combats qui sont comme symboliques. Les derniers combats qui nous attendent tous. Scénario original et fort. Acteurs qui se donnent à voir sans fard. Lumières. cadrages. Enfin un film français qui bouscule un peu les lignes. On en sort remué.
Don Siegel signe sans doute ici son meilleur film ou du moins celui que je préfère dans sa carrière (oui oui mieux que "Les proies" ). Outre une superbe mise en scène jouant avec brio sur le clair/obscur et le contre jour on retient surtout le scénario. Comme quasiment toutes les séries B de l'époque, ce n'est pas pour la psychologie des personnages ni même pour le jeu des acteurs, ou prendre son temps qu'on apprécie ces petits films, mais pour la tension grandissante de la paranoïa et de l'angoisse jusqu'au dénoument final qui laisse une boule dans la gorge. Et Siegel a eu le talent de magnifier ce script. Traitant de la peur du communisme et pamphlet de la paranoïa américaine de l'époque, ces thèmes sont certes désuet aujourd'hui mais un remake moderne peut être interessant en actualisant ces thèmes tout en gardant la même structure narrative.
Divulguer ses sentiments ou refouler par des malfaisances l'étincelle d'humanité qui pleure, tout le problème de travailler dans l'ombre. Blind shaft, histoire sans foie ni loi où la compassion affective qui veut tout dire, l'emporte sur un instinct de survie paraissant inébranlable chez ses protagonistes.
Oeuvre sentimentale et totalement incomprise par les critiques et le public, "La maison sous les arbres" est malheureusement le plus mauvais mètrage de Renè Clèment! Et ce malgrè la prèsence de la grande Faye Dunaway ou de Frank Langella, quasi absent dans le film! Minimum syndical de mise en scène, histoire simplette et carte blanche aux acteurs principaux qui ne croient guère à leurs personnages, avec quelques èpices aux abords du Pont Neuf qui ne font pas passer la soupe froide! A noter que le regrettè Patrick Dewaere ètait en 1971 gagnè par l'envie de montrer le bout de son nez au cinèma en tenant ici un petit rôle: celui de l'homme à l'ècharpe jaune où ce dernier èchange deux lignes avec Dunaway! Très mineure cette "Maison sous les arbres", Clèment ne montrant aucun talent particulier ici! C'est suffisamment rare pour le signaler! Même la musique de Gilbert Bècaud n'est pas à sa place...
La vengeance est un plat qui se mange froid. Pour cela il faut attendre parfois plusieurs centaines d’années pour l’assouvir. Un père et sa fille propulsés au vingtième siècle voient peu à peu s’étioler leurs déterminations vengeresses de départ. L’époque est agréable, le vin est bon. Le père se grise d’alcool, la fille n’est pas insensible au charme du maître de maison. Devant de telles impressions la vengeance se trouve reléguée au rang d’une vilaine colère. Œuvre pleine charmante, naïve et spontanée « Ma femme est une sorcière » se situe dans la période américaine de René Clair cinéaste parachuté paradoxalement performant dans un cinéma joyeux, maillon important d’un genre plébiscité par un public friand de comédies Américaines. Véronika Lake la mèche dans l’œil est une sorcière virevoltante, un petit bout de femme bondissant de pièce en pièce troublant profondément le conformisme obscur d’un politicien sur le point de faire un mariage sans éclat. Un climat sympathique réduisant en poussière les tristes moments précédant l’entrée en guerre du grand Sam.
Comment faire avec un casting aussi étoffé un film aussi immonde ? C'est prodigieux... Tous ces acteurs qui se mettent la honte dont Al Pacino ! Je citerais qu'une phrase du film 'La cité la peur" :« Je n'écrirai rien sur ce film c'est une merde ! »