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Bof, j'ai trouvé tous les chants chiant, le perso pas charismatique pour un sous, heureusement qu'il a les nabots qui sont "presque" drôle. Le message écolo qui passe vite fait mais qui au final est assez creux… ça se laisse regarder, mais on a fait largement mieux en animation
Honnêtement j'adore. Aucun répit dans ce film au rythme chargé et soutenu. Le scénario ne laisse pas de place à des bavardages qui seraient inutiles et s'enchaîne très bien. Les rebondissements et les surprises ne manquent pas et les aventures de cet homme et la boucle qu'il parcourt ne peuvent nous laisser de bois. Même si la religion apparaît et est nommée très souvent, ce film ne tombe jamais dans une moralité agaçante. Une très belle oeuvre cinématographique!!
Trop occupé à terminer son Interstellar Christopher Nolan a offert l’occasion à Wally Pfister, son chef opérateur attitré, de réaliser son premier film en le produisant et en faisant venir une flopée d’acteurs célèbres avec qui il a l’habitude de travailler. A partir d’un scénario qui ne fait que ressasser ce que le cinéma de science-fiction nous répète depuis ses origines, à savoir les risques de jouer les apprenti-sorciers et le peu de confiance que l’on puisse faire à une intelligence artificielle, Transcendance peine à ne serait-ce que toucher du bout du doigt les enjeux philosophiques sur lesquels il repose. Le manque flagrant d’inspiration dont souffre l’écriture du film se ressent dans le manque de développement des personnages, la prévisibilité consternante de chaque rebondissement et l’absence de tension dramatique. Jusque dans le dernier acte, où le rythme de l’action s’accélère un peu, tout n’est fait que de discours intellectualisés ineptes et d’effets spéciaux désuets. Coté casting, il n’est demandé à Johnny Depp que la plus stricte sobriété (nous prouvant qu’il n’est plus crédible dans des rôles aussi modérés), tandis que Cillian Murphy et Morgan sont parfaitement inutiles. Les deux personnages féminins, interprétés par Kate Mara et Rebecca Hall, sont plus intéressants et auraient mérités d’être mieux utilisés. S’il est une chose que l’on doit reconnaitre à Pfister c’est d’avoir voulu conjuguer le propos du film à sa méthode de travail en n’utilisant, en tournage comme en montage, que de la pellicule et non du numérique (qui fut pourtant indispensable à rendre omniprésents les effets spéciaux). Au final, on regrette sincèrement que Nolan ne soit pas occupé lui-même de la réalisation, et surtout la réécriture, de ce long-métrage pas dénué de bonnes intentions, ce qui aurait évité d’en faire une banale série B à gros budget et l’échec commercial qu’il a connu aux Etats-Unis.
Génial, film prenant du début à la fin. L'acteur principal joue très bien et très bonne bande originale.
L'idée de départ aurait pu être intéressante mais bon le résultat final est assez mauvais, c'est mou , aucune tension rien...en plus pleins d'incohérences. Bref film aussitôt vu aussitôt oublié !
Réalisé par Valerio Zurlini en 1961, cet excellent film dépeint la relation intense mais contrariée entre un très jeune bourgeois et une danseuse légèrement plus âgée, respectivement joués par Jacques Perrin et Claudia Cardinale. Il est amoureux, elle non, et l'entourage du jeune homme n'est de toute façon pas disposé à le laisser vivre avec une femme issue d'un milieu populaire. Zurlini filme donc avec précision cette bourgeoisie aux valeurs étriquées mais le plus important réside dans son duo de personnages en quête d'horizons nouveaux. Leurs espoirs et désillusions sont brillamment retranscrits grâce à la subtilité de l'écriture, à une mise en scène libre et élégante et aux acteurs, impeccables. Lui et son obstination forcenée, ses maladresses touchantes, elle et sa beauté terrassante, son innocence troublante (elle est l'antithèse de la femme fatale). Mais également leurs échanges de regards gênés et leur liaison platonique. Un désenchantement évident plane sur ce récit toutefois jamais plombant. À découvrir !
Une comédie rythmée et enjouée, portée par un excellent Romain Duris et des rôles secondaires marquants. Les talents de conteur de Cédric Klapisch font de cette histoire toute simple un film attachant et très réussi.
À voir mais peut être pas à revoir.
Après les films de soutien de l'effort de guerre, il y avait les films de soutien aux soldats qui rentraient avec toutes sortes de problèmes psychologiques ou physiques.. Ce film semble plus une commande qu'une réalisation spontanée, un peu trop didactique il informe entre autre sur les organisations de vétérans douteuses. Une réalisation peu passionnante qui essaye visiblement de lancer la carrière de Guy Madison auquel il manque un petit plus que Mitchum lui avait bien qu'ici il ne se montre pas exceptionnel.
Si c'est celui auquel je pense et qui à mon avis n'est jamais passé à la télé (à la fin du film elle est emmurée vivante ) si c'est celui là il est magnifique B.B.
Certains verront des avantages à ce film tandis que d'autres le trouveront prétentieux, puritain & bien sûr hypocrite: pour public averti surtout.
Excellent film j'ai passé un très bon moment des personnages attachant surtout Judy, un film très marrant et intelligent avec pas mal de références commela pomme d'Apple transformé en Carotte, l'opposum (je crois) qui revend les DVD de Disney ou les associés du labo nommés Jessie et Walter (Breaking bad). Mention spéciale aux paresseux qui 'ont fait beaucoup rire surtout la dernière scène. Un vrai Disney comme on les aime. Bravo !
Fritz Lang refait l'Histoire de l'Ouest et fait ressortir Frank James de l'ombre afin qu'il aille venger l'assassinat de son frère. Le film part d'un postulat intéressant et aborde des thèmes comme la vengeance et la justice avec justesse le tout mené par un Henry Fonda très convaincant dans son rôle. Le scénario est original et comme toujours chez Lang, parfaitement mis en scène.
Bons effets spéciaux mais c'est tout. Lincoln fait vendre, les vampires font vendre. Malheureusement, ce mélange est ennuyeux et pas du tout convaincant.
Tout simplement une insulte au cinéma. Adam Sandler se suicide. Tout est mauvais,vraiment tout on parle même pas de la propagande subtile pour ses amis républicains,des acteurs has been !
Ce film n&#8217;a rien pour lui, scénario minable, effets spéciaux pas terrible, très mou bref ne le regardez surtout pas.
Considéré comme la référence en matière de film sportif, « Raging Bull » narre la gloire et la déchéance du boxeur Jake LaMotta. Outre sa légendaire transformation physique, Robert de Niro y livre une interprétation éclatante d’un homme impulsif, borné et dans l’incapacité de gérer ni carrière, ni sa vie privée et encore moins ses émotions. Dans les rôles respectifs de son frère et de sa femme, Joe Pesci et Cathy Moriati ne sont en pas restent non plus. La mise en scène de Martin Scorsese, tournée dans un magnifique noir blanc, est splendide et inventive comme incruster sa caméra au cœur même du ring pour un rendu brut et saisissant des combats. Oeuvre phare aussi bien pour son réalisateur que pour son acteur principal, oscarisé pour l’occasion, sa renommée ne s’est pas faite en un jour, sa notion culte s’étant imposée avec le temps.
Je me suis ennuyée du début à la fin ! C'est (très) mal joué. On accroche pas à cette histoire invraisemblable. Ce n'est pas drôle. Dialogues sans intérêt... Bref, ce film est un navet à éviter !!
Au vu du pitch du dernier film de Denis Villeneuve, on pouvait trouver cela simpliste, mais c’était sans compter sur le talent du réalisateur canadien qui nous sort un film entre « Traffic » pour le sujet abordé et « Apocalypse now » pour l’impression de cauchemar éveillé. Dès le début, le spectateur est complètement immergé dans l’horreur d’un pavillon résidentiel de Phoenix. Puis cela continue de plus belle lors d’une exfiltration délicate à Juarez, là même où les cartels de la drogue font la loi, pour se poursuivre dans des tunnels clandestins avec le recours aux caméras thermiques, pour finir dans la villa fortifiée d’un baron de la drogue. Tout est clairement fait de façon à varier les univers visuels et les enjeux scénaristiques, le tout de façon cohérente et avec une superbe photographie. Certes le script n’est pas hyper original avec cette histoire de l’apprentissage de la vie dure d’un agent du FBI sur fond de vengeance déguisée, mais tous les acteurs sont superbes, Benicio Del Toro au rôle ambigu, en tête. Villeneuve a donc réussi-là à nous faire un film crépusculaire entre les univers de Coppola et Michael Mann, il y a pire comme références !
Pas grand-chose d'exceptionnel dans ce film à la mise en scène très classique. Le combat d'un homme seul face à la mafia fait aussi office de déjà-vu même si cet homme est incarné par le grand Lino Ventura, l'acteur ne fait pas grand chose à part s'énerver contre la mafia. Aussitôt vu, aussitôt oublié.
A la lecture du synopsis le semblait film prometteur, au final il est relativement décevant : le jeu des acteurs est plutôt bon mais la trame de l'histoire est trop approximative. Du début à la fin, trop d'évènements (disparitions des êtres vivants, apparition de bandes de voyous aux comportements inexplicables, ...) demeurent sans réponse, ajouter en plus un rythme globalement trop lent et cela produit un film bien médiocre.
Grosse daube qui a voulu imiter les grands films coréens de ces dernières années sans forcément en avoir compris les raisons. Mieux aurait-il valu continuer à faire du cinéma d'arts martiaux qui ne fait pas autant bailler que ce très mauvais film noir, peu crédible et tellement plat... Malheureusement je n'ai pas réussi à m'endormir.
Tale of Tales est une vraie bouffée d'air frais dans le cinéma moderne ! Prenant à contre-pied l'esthétique des blockbusters qui adaptent des contes au cinéma, Matteo Garrone privilégie les décors réels et les créatures en animatronic, un parti-pris loin d'être anodin et auquel j'adhère complètement. Le film nous montre 3 contes différents (qui finissent par se rejoindre à la toute fin), mais reliés par certaines de leur thématiques et/ou personnages. Le découpage n'est pas vraiment gênant, je trouve qu'on passe d'un conte à l'autre sans vraiment que cela nuise au rythme du film. D'ailleurs, celui-ci est dans une lenteur contemplative constante, le réalisateur n'hésitant pas à user de longs fondus au noir (encore une fois quelque chose que l'on voit rarement dans les films modernes). Utiliser des décors réels est un parti pris qui s'avère bénéfique, l'esthétique du film étant vraiment fabuleuse. La composition du cadre est incroyable et c'est là qu'on voit que Matteo Garrone est à la base un peintre. Quant à l'écriture, elle est assez étonnante : on passe de l'humour assez simplistes aux grandes métaphores sur le désir, la vieillesse... Le film brasse beaucoup de thématiques contient plusieurs degrés de lecture et, si au premier visionnage il est difficile d'en saisir toutes les subtilités, cela lui donne d'autant plus d'intérêt à être revisionné. Quant à la musique, qui a souvent une place importante dans les contes, elle est tout bonnement excellente, présente sans être envahissante. Le casting international, qui semble au départ un peu fouillis, fonctionne finalement assez bien. Si je devais lui reprocher quelque chose, c'est de ne pas aller au bout de sa démarche de conte "pour adulte", on sent que le réalisateur hésite parfois à rendre le film subversif et a trop tendance à suggérer des choses qui auraient eu plus d'impact en étant montrées. A part ça, je recommande vivement le film, qui en vaut la chandelle.
Océans est un film magnifique.
Un film incroyable. Les acteurs sont merveilleux, les images sont superbes. Un chef d'oeuvre que je vous conseille vivement !
On pourrait se demander à la vision de ce pur joyau du cinéma italien des années 50 comment Sophia Loren encore débutante n'a pas ruinée sa carrière en acceptant ce rôle inénarrable de Cléopâtre. La beauté n'excuse pas tout...
Le cinèaste finlandais Aki Kaurismäki suit ici de New York au Mexique la belle balade en Cadillac de rockers soviètiques calamiteux au look irrèsistible, affublè d'impressionnantes bananes et de longues chaussures pointues! Un trajet riche en mèsaventures bouffones au cours duquel les musiciens croisent Jim Jarmush en vendeur de voitures! Kaurismäki a voulu faire de "Leningrad Cowboys Go America " un road movie surrèaliste tout en improvisation! il signe avec cette èquipèe burlesque de rockers russes à la dècouverte des Etats-Unis, un rècit parodique sur le show-business! Une petite rèussite de la fin des annèes 80 pour un courant d'humour absurde et dèrisoire! Un voyage musical culte...
Je ne sais pas pourquoi j'attendais quelque chose de ce film. Peut être était ce la rumeur selon laquelle Glenn Close y est formidable. Alors certes cela est vrai, elle l'est et en vérité lors de sa première scène j'ai même cru un instant que le film allait valoir son coût. Amère déception. Hormis les quelques instants de sa présence à l'écran accompagnés d'une musique plutôt correcte, le film manifeste bien trop tôt son penchant scénaristique pour le vide abyssal, soit une absence totale d'histoire, d'action, d'engagement du spectateur... Voila, le problème de ce film c'est que rien ne s'y passe, il est néant. Et pour l'art du mouvement, c'est un cas assez problématique.
Midnight express nous plonge dans la descente aux enfers que vit cet homme et nous la fait vivre avec lui.
Exactement comme le premier (je ne parle pas de copier coller mais je parle de qualité) le film est vraiment très bon ce 2 eme épisode de la trilogie a comme le premier très bien vieilli et est surement le meilleur de la trilogie pour ma part. Un film a voir a tout prix
Attention, la bande annonce laisse présager d'un film nerveux, d'une descente aux enfers rythmée qui va tout emmener sur son passage... Et bien, vous aurez une bien drôle de surprise. Le film est d'une lenteur assommante et abandonne assez rapidement l'enquête pour se concentrer sur la psychologie d'un seul personnage, qui se retrouve très vite esseulé... Du coup, les séquences s'étirent sans réel justification, et on attend, on espère quelque chose qui jamais ne viendra. Les personnages secondaires (la femme, les amis, les parents, les flics), tous rapidement résignés et inactifs, n'aident en rien. D'ailleurs, ils disparaissent tous à la moitié du film... Quand il reste encore plus d'une heure sur les 2h30 que fait le film... Bon courage à vous !
Un très bon film visionné en avant-première: Nastasjia y est touchante, directe, rappelant ce qu'est la spontanéité d'une enfant. Elle semble réellement animée par sa passion quoi qu'en réelle réflexion sur ses ambitions, et les acteurs qui lui content leurs expériences sont authentiques, sincères. Une occasion de les voir au quotidien, sans interprétation, et de leur laisser la parole dans un film où se mêlent précision du scénario et hasards du tournage. Une ode à l'amour d'un père pour sa fille, une immersion au sein d'une famille, l'histoire d'une vie de tous les jours. A voir absolument !
Le film n'est pas drôle du tout ! Melissa McCarthy est énervante dans ce film au scénario à chier ! Déçu !
Entre le passé et le présent le narrateur ne sais pas choisir. Il préfère un "effet" qu'il croit intéressante à un récit plus classique mais plus agréable. L'idée parait bonne mais en fait c'est pénible à regarder. C'est typiquement une fausse bonne idée. Dommage !
Il y avait de l'idée dans ce film décalé, l'ennui c'est qu'on arrive pas à rentrer dedans, un problème de rythme et d'acteurs aussi peut être.
Premier long-métrage pour John Byrum qui réalise une satire sur l’univers d’Hollywood en mettant en scène les mésaventures d’un cinéaste sur le déclin dans les années 30. Pour subvenir à ses besoins, il se retrouve obligé d’accepter de tourner des films pornographiques, non pas destinés au circuit des salles de cinéma mais plutôt aux bordels (ce qui est bien évidemment bien moins glamour que ce que pourrait espérer n’importe quel cinéaste). Et histoire d’enfoncer encore plus le clou, le cinéaste est alcoolique et souffre d’impuissance (un comble pour un réalisateur de films reconvertit dans la pornographie !). Bizarrement le film n’a rien de glauque, Gros Plan (1975) est essentiellement une comédie dans laquelle excelle Richard Dreyfuss (Les dents de la mer - 1975) dans le rôle-titre, aux côtés de Bob Hoskins et de la ravissante Jessica Harper (l'héroïne de Suspiria - 1977). A signaler aussi une formidable VF (découvert en 35mm), offrant ainsi au film un plus non négligeable.
Malgré une idée de départ plutôt sympa et un casting intéressant, Un monde meilleur ne restera pas comme un grand film. Un scénario un peu lourd, où les personnages tous plus torturés les uns que les autres doivent se sauver mutuellement. Sans surprise donc, excepté pour la fin (oui, je m'attendais à un happy end) mais qui aurait pu être mieux amenée. L'essentiel intérêt du film réside dans le message qu'il porte: utopiste au possible, ce qui n'est pas un problème en soi, il souffre d'être mis en oeuvre par une réalisation moyenne.
Téléfilm plutôt médiocre aux cascades ratés et au scénario simpliste.
Western… à l’est, du côté du Kurdistan, ce film joint les caractéristiques d’une romance, d’un documentaire sociologique et parfois d’un film d’auteur : romance car l’histoire d’amour est charmante et subtile bien que prévisible dès le début, documentaire car la description des us et coutumes paraît très réaliste et les décors digne d’une émission de National Geography et enfin film d’auteur par le soin, le style et l’originalité apportés par le réalisateur. Les références au western sont constantes jusqu’à la physionomie du héros qui rappelle celle de Gian Maria Volonte ! Et l’humour, parfois burlesque, est d’autant plus appréciable que l’ambiance est aussi plombé que le ciel ! Enfin régalons-nous du jeu des acteurs, tous performants, professionnels et amateurs, en admirant tout particulièrement la belle et tragique Golshifteh Faharani.
pathétique, rien à en tiré c'est mal fait l'histoire est bidon vraiment rien à en tirer !
Mignon tout plein. Certainement pas un chef d'oeuvre mais une petite comédie qui a conservé cette capacité à coller un sourire sur les visages pour la demi-journée qui suit le visionnage.
Super! Très beau film. Les acteurs et l'histoire MAGNIFIQUE ! Une suite serait la bienvenue. Attendons donc une éventuelle suite.
Troisième long métrage du réalisateur portugais Ivo Ferreira, "Lettres de la guerre", présenté à la Berlinade 2016, est inspiré du livre homonyme d’António Lobo Antunes, écrivain et psychiatre portugais. Ces lettres d’amour envoyées à sa femme, António Lobo Antunes les a écrites alors que, jeune médecin, il était soldat pendant la guerre coloniale en Angola entre 1971 et 1972. D’un tel sujet, on pouvait craindre le pire : crainte totalement démentie par la beauté et la force de la réalisation. Les images (splendide noir et blanc !) que montre "Lettres de la guerre" sont principalement celles du quotidien de ce jeune médecin militaire, avec son évolution politique, les combats, les blessés, les actes chirurgicaux pratiqués dans des conditions sommaires, les séances de maniement d’armes, les repas, les exécutions expéditives, les chiens abattus parce qu’il y en a trop et qu’ils sont malades, les parties d’échec, la frustration sexuelle des soldats, etc.. De temps en temps, pour de courtes scènes, l’épouse aimée apparaît à l’écran. De temps en temps, les scènes que l’on voit sont dialoguées, mais, le plus souvent, on entend la lecture de lettres envoyées par António Lobo Antunes, des lettres dans lesquelles il accompagne les images en racontant ce quotidien et dans lesquelles, par ailleurs, se manifeste l’amour profond qu’il voue à sa femme et à sa fille qui va naître, puis à sa fille qui est née. Dans une de ces lettres, António Lobo Antunes va jusqu’à comparer les soldats qu’il côtoie à des insectes pour qui ne compte que la survie. "Lettres de la guerre" est un film d’une grande beauté formelle et qui traite à la fois de l’intime, la relation amoureuse du couple, et de l’universel, les sales guerres coloniales.
Le cinéma expressionniste n'est pas encore mort ! Guy Maddin nous le prouve avec ce boulet "gothique" adapté du roman de Bram Stoker. Le travail des images est remarquable et époustouflant. On a du mal à croire que ce film est fait au début du XXIe siècle. On y retrouve les décors de Robert Wiene dans le cabinet du docteur Caligari et le rythme de Friedrich Wilhelm Murnau dans Nosferatu. Seul reproche, mais seulement fondé sur un goût personnel, les chorégraphies de danse sont peut-être un peu trop classiques et gratuites dans certaines scènes dites d'amour. Par contre, les scènes de "combat" sont vraiment très très réussies. On y trouve une certaine poésie des mouvements, qui s'allient tout à fait avec le mythe du vampire, et un jeu du montage tout à fait extraordinaire. C'est un formidable hommage au cinéma (noir et blanc) muet du début du XXe siècle que l'on nous présente ici. Un film à voir, pour le bien de sa culture personnelle.
Mais qu'est-ce qui a pu passer par le tête des producteurs de "Sabata" pour choisir Lee Van Cleef comme tête d'affiche d'un western spaghetti humoristique? Le résultat est inévitablement un échec, avec un humour lourd et raté, qui tente sans succès de se reposer sur les médiocres gadgets et astuces dont le personnage principal use avec excès tout au long du film. "Sabata" aurait au moins pu être sauvé par ses nombreuses scènes d'action et fusillades mais, même là, on finit rapidement par s'ennuyer. Il faut dire qu'avec un scénario qui n'a rien à dire et ce contente d’enchaîner les apparitions de nouveaux ennemis qui à peine arrivés se font dégommer illico presto par Sabata, on a du mal à s'enthousiasmer pour des affrontements où l'on ne ressent ni enjeux ni tension. Bref, un ratage complet dont il n'y a pas grand chose à sauver mis à part une bande-son correcte.
Aïe,aïe,aïe... Ce film est une grosse déception. Rarement drole, parfois assez lourd, avec des personnages assez peu intéressants et un scénario sans relief. On était habitué a voir Karin Viard dans de meilleurs et Thierry Lhermitte semble en perdition, même si il reste un bon acteur. Sans grand intérêt donc, même si ca n'est tout de même pas honteux.
Et encore un nanar de Asylum. Mais franchement celui la ne m'a pas fait rire a part quelques scènes. Un nanar même pas drôle ! Asylum nous a habituer a mieux dans le genre. Sinon bien sur tout est mauvais pas besoin de tout dire.
Cinq ans après le premier opus de la comédie Afro-Américaine de F. Gary Gray : Friday (1995) avec Ice Cube & Chris Tucker, c’est Steve Carr qui nous en remet une couche avec la suite directe du premier volet (donc si vous ne l‘avez pas vu, vous ne comprendrez strictement rien !). Next Friday (2000), deuxième du nom et sans grande surprise car si on a la chance de ne plus avoir Chris Tucker au générique, on retrouve toujours le rappeur Ice Cube (à qui l’on doit le scénario du film !), dans une nouvelle aventure toujours aussi inutile et aux dialogues savoureusement scato (comme avec le précédent). Une comédie pour ados ou attardés, à vous de choisir ! Bref, c’est ridicule et nuisible, on craint le chapitre final : Friday After Next (2002).
Un bon film de guerre sans cliché qui mériterait de faire parti des grands classiques.
Anvers, juin 2004, un homme "windman", une fête qui se prépare...une tranche de vie empruntée a un groupe d'amis. Ils sont attachants, ils nous ressemble l'image est belle, on se croirait parfois dans un clip... il ne reste plus qu'a se laisser porter...
Nul, nul nul.... Si vous avez deux heures à perdre pour essayer de comprendre ce film qui pour moi n'a ni queue ni tête, allez y. Moi c'est fait...
Comment Minnelli a-t-il pu se fourvoyer dans cette adaptation édulcorée (plus d'opération du pied bot, plus de fiacre, plus d'ironie, etc) où tout le paquet est mis dans une décoration et des costumes extravagants. La Normandie made in Hollywood c'est quelque chose! Anachronismes à la pelle, acteurs à côté de la plaque (van Heflin, Jourdan, ..les acteurs pour Lheureux et Léon) Et Jennifer Jones encombrée dans des crinolines hors sujet et des tenues pour "Autant en emporte le vent" . Son arrivée au bal du château habillée dans une immense meringue !!