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La pluie noire est une malédiction qui va empêcher la jeune femme de vivre normalement même au-delà de la maladie, dans un pays où les destins sont tout tracés dans les familles et où l’on ne laisse pas un événement influer sur son existence. Le film est donc aussi cette deuxième face de la survivance malgré le mal. De la poésie également tel cet éclair blanc qui, s’il prenait les couleurs de l’arc-en-ciel, guérirait les innocents. Un film fort.
Sans vouloir contrarier les commentaires affligeants de certains allocinéens (voir les critiques 1 et 2 étoiles), j'invite ces gogos à se tourner vers un autre genre de cinéma que le western. John Ford figure parmi les meilleurs réalisateurs de westerns et celui-ci est à inscrire dans le top 100. J'ai vu ce film quand j'étais gamin, et j'en ai toujours gardé un excellent souvenir, John Wayne étant par ailleurs l'un de mes acteurs préférés. Incarnant un capitaine de la cavalerie américaine sur le point du départ à la retraite, il marque ce film de son empreinte, par son charisme naturel et son aspect bourru, mais avec un certain côté altruiste. Les décors grandioses de Monument Valley ajoutent à la beauté de la prise de vue. Le réalisateur signe une œuvre intéressante parmi sa trilogie sur la cavalerie US avec "Le massacre de Fort Apache" et "Rio Grande" avec les mêmes John Wayne et Victor McLaglen. Ce dernier, père du célèbre réalisateur Andrew V. McLaglen, livre une excellence prestation dans le rôle du vieux et fidèle sergent Quincannon apportant une touche d'humour NON négligeable. Par contre, le titre français est très mal choisi par rapport au déroulement du film où les deux lieutenants se disputent la cour de la jeune fille au ruban jaune (She wore a yellow ribbon"). Hormis cette traditionnelle manie française du titre ronflant mal traduit, ce spectacle familial est très agréable à regarder, notamment la fin très hollywoodienne.
Le sujet de l'alcoolisme avait déjà prouvé qu'il suffisait largement à faire à lui tout seul un grand film, la meilleure preuve en est certainement le chef d'oeuvre de Billy Wilder "Le Poison", et avec un acteur comme James Cagney, égal à lui-même c'est-à-dire brillant, c'est encore mieux. L'idée de départ, un ancien alcoolique qui décide d'aider un alcoolique à s'en sortir, était un véritable pont d'or mais l'intrigue s'enlise hélàs très vite dans une intrigue avec des gangsters qui rend le tout conventionnel. Dommage, dommage, dommage...
Ennuyant. Je n'ai rien à écrire de plus. Je suis déçu, car j'espérais plus avec la jaquette du DVD. C'est écrit "film culte".
Je suis très déçu de ce documentaire qui a très mal vieillie , parfois on entend même pas ce qui est dit
Réaction à chaud suite à la projection du premier film de Xavier Dolan... Ecrire quelque chose à son sujet relève pratiquement de la catharsis tant il s'avère éprouvant. Un choc dépourvu de grâce, proprement indigeste, d'une hystérie insupportable. L'esthétique cafardeuse, présente du début à la fin, donne littéralement envie de cracher son estomac. Xavier Dolan s'arrange pour faire passer son maniérisme douteux pour de la sensibilité adolescente post-rimbaldienne... Malheureusement, le jeune apprenti cinéaste s'embourbe dans les lieux communs les plus marécageux. Racoleur jusque dans son titre, ce premier long métrage parfaitement déprimant demeure moins original que profondément prétentieux. Aux présomptions vient s'ajouter l'emphase des personnages, point d'aboutissement d'un festival d'artifices qui, jusqu'alors, n'était plus à prouver. Quant au contenu de cet objet informe, il n'en finit pas d'être condamné aux joutes verbales les plus vaines : la maman crie, les " fuck you " fusent, le fils fugue et personne n'assume. D'une noirceur difficilement supportable, le métrage s'éteint péniblement sur la réconciliation de nos deux personnages, sans pour autant nous donner une once d'explication. Sommet de complaisance et de nombrilisme, J'ai tué ma Mère est donc l'oeuvre d'un tâcheron. Non vraiment, ça flanque le bourdon un coup pareil...
Comédie lourdingue avec début calamiteux qui annonce le reste du film : Le navet. En dehors de jouer les idiots, à quoi sert le personnage principal ? L'acteur devrait travailler davantage son humour enfantin qui n'amuse que lui.
Je rejoins la critique précédente, là c’est vraiment juste un petit témoignage des pionniers du cinéma, mais, même à l’époque il y a ceux qui faisait cela avec de la recherche, et ceux qui s’amusaient avec sans savoir quoi en faire ! Cadrage mal choisi pour l’action, action par ailleurs trop rapide (on a juste l’après-duel), des personnages qui s’agitent, d’autres qui s’éloignent, on ne sait pas trop pourquoi d’ailleurs. C’est très court, ça sonne faux, et c’est mal emballé. On ne rit pas et on n’a pas non plus le temps d’être ému ou de ressentir une quelconque tension. Un document toujours nécessaire sur les débuts du cinéma, mais juste pour les historiens. 1
Un film pas vraiment intéressant mais pourtant pas vraiment mauvais non plus. Il y a des bonnes idées, certains moments sont drôles (et rappellent parfois l'univers de Jeunet) mais le tout se perd dans un mélange très brouillon, parfois long et incompréhensible. Un "micmac à tire larigot" raté.
Sydney Pollack (Out of Africa - 1986) réalise avec La Firme (1993) un très beau polar, entre thriller et passion, il adapte avec brio le roman de John Grisham. L’histoire d’un jeune et brillant avocat fraîchement diplômé qui se voit solliciter par un très grand cabinet d’avocat. Il accepte le poste, alors que tout allait pour le mieux, le rêve Américain, en d’autre terme, il va vite déchanter lorsqu’il va apprendre la triste réalité que cache sa société. Entre suspens, actions et courses poursuites en mode chasse à l’homme, Pollack séduit du début à la fin (on ne voit pas les deux heures trente défiler). Porté par un excellent casting, où l’on retrouve Tom Cruise, Jeanne Tripplehorn, Gene Hackman, Ed Harris, Holly Hunter, Tobin Bell & Gary Busey, ce thriller nous réserve tout un tas de dénouements pour le moins palpitant et sans relâche !
Ce film n'a aucun sens et la fin est plus que décevante... Je n'ai pas trouvé de fond ou de trame précise tout au long du film, de plus le film est truffé d'incohérences.
Après le succès de Baer dans son emission "le centre de visionnage" diffusé à l'époque sur Canal+, ce film dévoile les méthodes de travail de Edouard Baer, méthodes qu'on peut qualifier d'anarchiques. On y retrouve le fameux "Chico du Brazil", qui a aidé au succès de l'emission de Baer. Le message principal de ce film est que l'humour ne peut éclore sans un état d'esprit positif. Bref, du bon délire à condition de bien vouloir rentrer dans le trip de Baer.
Ce film n'est ni ennuyeux, ni un navet. Il est sordide, glauque et abject. On a des hauts le coeurs, on doit détourner les yeux. Jamais d'émotion. Comment ressentir de l'émotion sans s'identifier aux personnages ? Et comment s'identifier à ces personnages si rustres ? N'éprouvant pas de sentiments, n'arrivant pas à s'exprimer, qui semblent vraiment attardés. Avec un comportement animal. Quelle image ce film renvoie des gens du nord ! Un moment désagréable. Mais le plus choquant, c'est qu'il ait reçu le grand prix du jury à Cannes, c'est que certains critiques puissent aimer ça. On se rend alors compte du fossé qui sépare le spectateur moyen et les critiques.
Si l'on se demande où veut nous emmener Frédéric Sojcher à travers son étrange film aussi mal filmé (mais ça, on peut le justifier par le coté "faux documentaire") que mal interprété (ça par contre ce n'est jamais justifiable !), il arrive difficilement à nous entrainer vers une espèce de d'enquête sans intérêt, sans humour et encore moins de crédibilité autour de studios européens détruits par l'armée secrète d'Hollywood, que du ridicule en somme. Au final, si le travail sur la couleur autour des personnages est belle, mais inutile, et que quelques guests-stars impressionnantes se montrent à l'écran, ça n'en reste pas moins une perte de temps déplorable.
Film plutôt médiocre et sans comparaisons avec le film culte "L'amour ne s'achète pas" (Can't buy me love) de 1987 avec Patrick Dempsey alors débutant.
On est bien loin de Frankenstein junior , tristesse et désolation .
Vu en avant-première. C'est une grande claque!!! Le portrait de ce résistant de l'information est bouleversant et nous rappelle que le combat, c'est l'espoir.
Ahaaa ! Bonne pioche ! Ce second opus est bien mieux fait que le précédent, car il ont enlevé les scènes d'effets spéciaux foireuses et ont investi l'argent dans les créatures et dans certaines scènes. Du coup ça marche mieux, on voit plus les créatures (qui sont toujours aussi sympathiques), et on retrouve nos chasseurs de prime extra terrestres un peu plus crédibles, et même drôles par moment. Un sympathique divertissement. Soyons généreux : 4 étoiles !
Une comédie absolument pas drôle... Ces deux si grands acteurs se ridiculisent dans ce film !
Pétri de bons sentiments et idéalistes,pour une comédie c'est pas vraiment marrant,et trop mièvre pour que je lui accorde un intérêt soutenu.
Simple, essentiel, onirique, sensuel, poétique, romantique, éternel .... In The Mood For Love est une pépite du 7ème art que l'on peut réellement considérer comme un chef d'oeuvre. WKW réalise un film à l'opposé de tout ce qui a pu et peut se faire actuellement au cinéma. L'intensité des émotions se révèle dans les détails, pas de dialogues inutiles visant à faire comprendre ce que les acteurs nous ont déjà fait comprendre par leur jeux, leur visage et leur gestes.... Maggie Cheung et Tony Leung sont justes parfaits, tout en retenue et pourtant tellement expressifs ! Oscar de la démarche la plus sensuelles qu'il m'ait été donné de voir au cinéma pour Maggie Cheung. BO sublime ! Probablement l'un des plus beau film de cette décénnie ! A voir absolument .
Excellent film qui prend néanmoins quelques libertés avec l'histoire. Par exemple, il n'est pas fait mention de l'assassinat du militant noir Jackson des Black Panther à la prison de Sain Quentin qui suscita un mouvement de solidarité à Attica qui a débouché sur la célèbre mutinerie. Le rôle du militant blanc Sam Melville n'est évoqué qu'au travers d'un personnage assez différent. En dépit de ces "modifications" discutables, la description de la prison, de sa cruauté barbare, comme de la psychologie des détenus et des gardiens est réaliste et terrifiante. L'interprétation est parfaite et le suspense angoissant, même si l'issue finale est connue. Un des meilleurs films sur l'univers carcéral à mon avis.
Ce film peut enthousiasmer tout autant que déranger. Adapté du roman éponyme d’Olivier Adam, paru en 2010, la réalisatrice belge, Vanja d’Alcantara, met parfaitement en images "Le Japon, le parcours initiatique d'une femme, sa quête intérieure.... ". Dans le rôle de cette héroïne, Isabelle Carré est remarquable. L'actrice dégage une grande sensibilité, qui ne sera jamais écrasante, mais arrivera toutefois à toucher au plus profond. Concernant son actrice la réalisatrice commente : "C'est magnifique cette confiance qu'elle a eue en moi. Dans Le cœur régulier, tout repose sur elle." Le trouble ressenti est principalement dû à la force de son interprétation face à la fragilité de son personnage. L'écriture du scénario n'impose aucun dialogue superflu. La mise en scène multiplie les ellipses, pas toujours maîtrisées. La beauté des images, le talent de l'ensemble des comédiens, et le sujet qui met le spectateur face à l'absence et au silence, sont autant de points forts pour se réapproprier l'essentiel, "la conscience de l'éphémère". "Le film invite à faire ce voyage en évoquant la vie, la mort, le chemin initiatique vers une nouvelle forme de liberté, une ouverture, un éveil". Telle était la quête de la réalisatrice. "Le rapport intime au temps, au cadre, au silence, aux gestes, à la géographie, aux éléments...", chers Olivier Adam, trouvent, dans ce film, une belle résonance. La rencontre entre Masanobu Andoe et Isabelle Carré, est magnifiquement filmée. Isabelle Carré a déclaré : "Je ne sais pas ce qui s'est passé mais ce film a été libérateur, j'ai lâché beaucoup de mes peurs." Un film qui reste difficile de conseiller, mais qui pour ma part m'a bouleversé.
En voyant pour la première fois ce film en février 2015, 17 ans après sa sortie, je ne peux être qu'impressionné par le côté visionnaire et très proche de la réalité actuelle de ce scénario. On peut arguer sur l'interprétation, sur certains excès bien réels, mais ils sont un levier pour faire passer quelques messages qui n'ont jamais été entendus malheureusement et qui ont eu pour conséquences le 11/09/2001 ainsi que l'amplification des phénomènes terroristes et les actes de barbarie actuels. Tout est dans ce film, véritable genèse de notre impréparation et aveuglement. Le regard porté en 2015 et en 1998 sur ce film ne pouvait être le même. L'actuel est effroyablement annonciateur de la recrudescence du moment et de nos multiples erreurs passées.
Ce film s'apparente à un véritable choc cinématographique qui fera à coup sur date dans l'histoire du cinéma. On pouvait être sceptique quant à l'originalité du film qui consistait à le tourner en un seul et unique plan séquence, allait il dépasser le stade du projet conceptuel. La réponse est oui, et de quelle manière. Révolutionnaire dans sa mise en scène et véritable défi technique, le concept est totalement justifié et nous plonge littéralement au cœur de l'action, ne quittant jamais les acteurs de l'objectif. Le réalisateur fait de nous les complices et les témoins directs de cette virée nocturne qui va déraper. Démarrant sur un rythme tranquille, le film bascule dans le polar pur où la légèreté du début est remplacé par une âpreté et une intensité de tous les instants. Ce changement radical de ton et le scenario qui nous est alors offert va nous scotcher au film jusqu'au bout, nous entrainant dans un grand huit d’émotions et de tension que peu de films de genre ont su nous procurer. La quasi improvisations des dialogues par les acteurs est tout autant incroyable, ils occupent une place majeure dans la réussite du film. Nous sommes bien devant la merveille annoncée, et ce en tous points, notamment grâce à son concept de mise en scène révolutionnaire totalement maitrisé dans sa technique qui réussit une chose rare : briser la frontière de l’écran pour nous plonger dans l'action d'une façon inédite. Le réalisme des situations tout comme les émotions des personnages sont vraiment vécues intensément par le spectateur, sans aucun filtre. Du grand cinéma !!
Des femmes nues, enchainées et suppliciées ne suffisent pas à faire un bon film... Et rajouter des Harley et des Cadillac ne suffit pas à garder éveillé le spectateur qui se perd dans cette histoire sans queue ni tête, où le rêve et la réalité se mélangent sans cesse, pour aboutir au néant total d'une histoire de l'épaisseur d'un cheveu d'Arielle Dombasle, qu'elle a fort beaux d'ailleurs. Les acteurs font de leur mieux pour sauver le film du désastre. Seul petit plaisir: de beaux plans de Marrakech.
Un premier film sincère, honnête et touchant, dont les thématiques résonnent en chacun de nous.
Un salmigondis d'images et de sons mal agencé. C'est très laid, pédant, prétentieux, étriqué. Mieux voir en vrai les chorégraphies de Cunningham plutôt que de perdre son temps devant ce documentaire laborieux. La 3D fonctionne mal et produit de mauvais effets contrairement au film de Wenders sur Pina Bausch. Pourquoi distribuer un tel film en salles alors qu'il trouverait sa juste place à la télé?
Que voilà un film maladroit ! L'affiche a beau être très alléchante, « Sauf le respect que je vous dois » est un film complètement raté, jamais crédible et ennuyeux. Le postulat de départ était fort louable de la part de Fabienne Godet, ancienne psychologue qui s'est inspirée de ce qu'elle a vécu pour écrire son scénario : un quadra en apparence comblé, marié et père d'un petit garçon, bien intégré à son entreprise, entre dans une crise existentielle quand un de ses amis et collègues se suicide après un licenciement abusif. Il provoque alors accidentellement la mort de son patron et prend la fuite délaissant sa femme et son fils. Olivier Gourmet a beau être un très bon acteur, il n'arrive jamais à donner un semblant de crédibilité à cette histoire abracadabrante qui se veut réaliste mais qui finit par ressembler à un épisode de Navarro avec sa réalisation exécrable, son histoire éparpillée par petits bouts (façon puzzle) et par des personnages caricaturaux et stéréotypés. Dominique Blanc ne donne jamais un quelconque intérêt à son personnage, tout comme Marion Cotillard (horripilante en jeune marginale) et Julie Depardieu (personnage qui n'a rien à faire dans l'histoire, journaliste soucieuse de révéler la vérité). "Sauf le respect..." est un mélange raté de drame, de fiction sociale qui se veut réaliste et pertinent mais qui au final l'est encore moins que Le Couperet de Costa-Gavras...qui était une fable ! Quelles étaient les réelles intentions de la réalisatrice ? La déshumanisation de la société et la dictature du monde du travail certes mais la cinéaste tombe dans le piège de la fiction maladroite, sans aucune subtilité et ennuyeuse. On ne croît pas une seconde à ce film, le casting n'y peut rien, le sujet aurait gagné à être traité dans un documentaire (quoi que "Ils ne mourraient pas tous mais tous étaient frappés" était tout aussi raté). L'enquête policière est vraiment stupide et risible, artificielle et inutile. Un ratage jusqu'à la musique !
C'est un film qui m'a beaucoup plus mais surtout qui m'a énormément ému. Il est vrai que Gary Oldman joue le plus souvent des personnages décalés et très humoristique. Mais, en jouant Beethoven, il m'a beaucoup touché. Il interprète un personnage qu'il ne faut pas ternir. Beethoven était un grand virtuose qui malgré son très mauvais caractère avait quelque chose de plus que tous les autres. Sa vie a été très dur et Gary Oldman nous le fait ressentir. C'est un film très touchant parlant d'un homme pour qui j'ai toujours eu un interêt très particulier.
Un film décevant, sans aucune intensité, l'action commence réellement à 30 min de la fin, pour pas grand chose. Malgré de "bons acteurs", on s'endort et ca ne marche pas, l'histoire n'est pas prenante... A éviter, très décevant
Quatrième volet de la franchise, "The Omen". C'est celui de trop! Comme toujours, il est dit que la quatrième bête sera un quatrième royaume sur la terre, qui sera diffèrent de tous les royaumes, et dèvorera toute la terre! C'est de ce quatrième royaume que provient l'Antèchrist! Doit-il être nè ? Pas forcèment! Où se trouve t-il ? A Rome! Et que veut dire fetus papyraceous ? C'est quand une femme est apte à porter l'embryon de son jumeau! il suffit ensuite de l'implanter! On èvoque toujours l'Antèchrist en tant qu'individu de sexe masculin ? La Bible ne prètendait pas être sexiste car le mot « humanitè » englobe aussi les femmes! D'où ce "Omen IV : The Awakening" avec la jeune Dèlia, indigne hèritière de Damien! Pas grand chose à sauver de cet opus qui ne risque pas de faire oublier le classique de Richard Donner! On retiendra uniquement la scène avec cette jeune èvangèliste qui se fait mordre par des serpents et le final dans le cimetière avec un beau plan à la grue! Les passages à la fête foraine font en revanche dans le ridicule...
Un bon reboot, beaucoup de clin d'œil ! On ne s'ennuie jamais devant ce film. J'ai essayé de ne pas le comparer avec le film culte pour avoir un œil nouveau et je ne suis pas déçu. Par contre descendre un film sans même l'avoir vu en se basant sur un trailer, je trouve ça vraiment puéril.
Je trouve que cette suite est très rigolote, et encore meilleure que le premier volet (qui est très bien) .J'ai vraiment passe un très bon moment devant ce film très divertissant. Je n'ai pas encore vu le deuxième volet, mais je compte bien le voir un jour. On n'a pas besoin de les voir à la suite.
Il y a du François Truffaut dans ce film de Bertrand Blier. Il flotte même dans ce film de 1989 une ambiance de Nouvelle Vague par l'audace du propos et la liberté de la mise en scène. Blier reprend l'un des grands thèmes du grand François : le triangle amoureux(voir par exemple le chef d'oeuvre "Jules et Jim"). Seulement, il en donne un regard inédit avec cette base scénaristique plus que choquante : un homme marié à une femme superbe tombe amoureux d'un thon ! Blier n'a pas peur de choisir un sujet audacieux et va ainsi bousculer les moeurs. Il en profite pour critiquer le milieu bourgeois où l'apparence prédomine sur tout, il critique l'abondance des biens matériels qui empêchent de rêver. Car comme le dit Bernard Barthelemy, le héros, "que puis-je encore espérer avec une si belle femme ?" L'audace de Blier, on la retrouve également dans les dialogues crus. Dans la lignée des "Valseuses", Blier parvient aussi à affirmer sa liberté par une mise en scène originale. Ici, il s'agit presque d'un film expérimental avec de nombreuses scènes un peu surréalistes, mais surtout dans le fond, restant plus ou moins classique sur la forme. Ce grand coup de force permets que le spectateur se demande constamment s'il se trouve dans la réalité ou l'imaginaire. Il y a un peu de David Lynch dans ce film. Je reprocherai juste un manque de fil conducteur qui parait comme de la facilité.La mise en scène surprend aussi par des éléments classiques, comme l'utilisation intelligente de la musique de Schubert. Enfin, Blier réussit à donner des rôles de contre-emploi à ses acteurs. Gérard Depardieu parait faible, impuissant, incapable de choisir. Carole Bouquet casse son image de femme fatale. Josiane Balasko surprend par l'émotion qu'elle dégage. "Trop belle pour toi", l'un des seuls grands films français succeseurs de la Nouvelle Vague.
Un film intéressant qui manque cependant de maîtrise. Le scénario est trop vite transparent et les relations entre les personnages manquent de forces. Il y avait aussi une ambiance kafkaïenne qui aurait pu être mieux utilisée.
Comme nous sommes traités à un autre non-sens, monologue répétitif sur la victimisation d'un millionnaire violent , bof 2/5
A regarder si vous avez du temps a perdre sinon passez votre cheminun ennui total aucune action bref je ne vois pas l’intérêt de ce film
Très mauvais montage, dialogues sans intérêts, enquête ennuyeuse... Aucun intérêt. L'intrigue aurait mérité d'être davantage travaillée. Même les acteurs semblent embrouillés dans leur jeu... De plus, le coup du bus, non mais... Sérieusement ? Carrément téléphoné, aucune surprise, aucun travail, tout est facile, sans saveur, nul, abominablement nul !
Petit road-movie plein de fraîcheur et de charme. La première partie serait peut-être un petit peu trop longue mais une fois que les personnages sont posés, nous sommes enfin prêts à une aventure pour les pays de l'Est. C'est vraiment très original et nouveau. Les comédiens sont très expressifs et la relation frère/soeur et très touchante. Beaucoup d'émotions pour ce petit film, comme quoi avec un tout petit budget on peut faire de bons films si on a quelque chose à raconter. Pour ce deuxième film, l'essai a bien été transformé.
Un chef d'oeuvre qui a le gout du sang. Le plus horrible et le plus marquant des films que j'ai pu voir. Certaines scènes sont à la limite du supportable. A voir si on a les nerfs bien accrochés.
Une oeuvre sublime! John Stahl signe ici un chef d'oeuvre, grace notamment à de splendides couleurs et à un scénario diabolique. Mais la grande force de ce film résie en la qualité du personnages de Gene Tierney, fascinante, magnifique de beauté et de charme. C'est un film d'une incroyable beauté, mais qui n'en oublie pas pour autant l'émotion. Splendide interprétation, de Gene Tierney donc, mais aussi Cornel Wilde, Jeanne Crain et du grand Vincent Price. Superbe!
Très déçu par le film pour la simple et bonne raison que l'histoire est minable. Bref on se réconforte que se soit un film pour enfant signé disney. La réputation de disney ne sait pas ternie a savoir les dessins et l'esprit musicale qui marque la signature du studio.