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Une bonne histoire d'espionnage même si, selon moi, elle n'a pas tout à fait l'envergure de celle du livre dont ce film est librement adapté. Cependant, on appréciera une charmante pointe d'humour, notamment au travers des dialogues assez piquants, et le charisme des deux interprètes principaux.
La seule chose qui différencie "Broken Vows" d'un simple téléfilm, c'est le casting malheureusement à part Wes Bentley qui est convaincant, le reste n'est pas très inspiré. Ce dernier joue très bien le rôle du stalker qui va sombrer dans la folie, mais son personnage manque de relief tout comme le scénario, car une fois la mise en place effectuée, il ne se passe plus rien et l'histoire n'évolue pas. On pourrait croire à une traque sans merci ou une vengeance de celui qui se sent trahi et qui essaierait de gâcher la vie de Tara seulement tout ce qu'il tente est inoffensif et se contente surtout d'observer... C'est pour cela que ça ne fonctionne pas, on ne ressent pas de tension ni d'inquiétude pour la future mariée donc même si le début est prometteur, le film devient rapidement ennuyeux à cause de nombreuses lacunes identiques à celles présentes dans les téléfilms.
Cinq ans après "Naissance d'une nation" de D.W. Griffith connu pour son discours raciste, un cinéaste afro-américain, Oscar Micheaux, réalisa "Within Our Gates". Celui-ci est à la fois une charge contre le racisme et l'intolérance qui frappait la communauté noire de l'époque mais aussi un plaidoyer en faveur de leurs droits. Ce film muet fut longtemps considéré comme perdu avant qu'une copie soit retrouvée en Espagne. Une chance car il a une valeur quasi-historique en tant que plus vieux long métrage réalisé par un noir mais aussi en tant que reflet d'une époque. Pourtant, malgré toutes les intentions louables du cinéaste, le traitement de son sujet est fortement ennuyeux et naïf. Dans son film, il existe une fracture évidente entre les bons et les gentils ainsi qu'une morale chrétienne peu subtile qui fait que les méchants sont finalement punis pour leurs actes.De même, l'intrigue est souvent confuse et les acteurs peu convaincants. Le résultat est donc franchement mauvais et l'intérêt premier reste purement culturel.
Attention mauvais film! Laissez ce film au rayon discount! 3 euros c'est trop chez pour ce navet. Le réalisateur ne maitrise pas du tout son sujet. C'est souvent grotesque... mais sans être amusant. Le film norvégien Man Hunt, dans le même thème lui est 10 fois supérieur en qualité!
L'animation est superbe, l'humour africain truculent..... Si vous voulez vous rafraichir les neurones et retrouver cet état d'esprit où l'on peut rire de tout, ce film haut en couleurs a des répliques vraiment cultes.... A la fois farce philosophique et étude sociale, le film donne un regard saillant sur la vie (amoureuse) en Afrique et les relations bien particulières avec paris (voire la France)... Quant au dessin il y a des moments superbes.... Une chanson à la fin du film emporte tous les suffrages par son texte et sa mélodie..... Je me suis régalé....
un film nul sans aucun fond ... à éviter. une réalisation médiocre et des personnages plats sans aucun charisme servi par un scénario complètement mauvais et avec aucun sens .
Ce film s'annonce bien parti pour être le meilleur film de cette année. Clint Eastwood, cette légende de la réalisation, nous livre encore un chef-d'oeuvre, son dernier film devant la caméra. On s'attache au personnage de façon extrême, le film est drôle, très très drôle avec cet humour noir, très noir. Toute la première partie du film est culte rien que par ses dialogues et par la présentation jubilatoire du personnage de Walt. La deuxième partie du film est tout aussi excellente mais diffère dans le sens où ce personnage, solitaire et associable, va commencer à apprécier ceux qu'il insultait gratuitement et se retrouver en eux, pour arriver à un dénouement génial et presque inattendu. Le film est touchant dans le sens où Clint Eastwood n'hésite pas à se moquer de lui-même et de ses précédents rôles qu'il semble critiquer, voire abhorrer. Et c'est là que ce monsieur fait fort, c'est qu'il se caricature lui-même en usant d'auto-ironie. En bref, ce film est dantesque, absolument à ne pas louper (si vous devez choisir un film à voir, choisissez celui-ci, vous ne le regretterez pas). Une bonne tranche de rigolade et d'émotion, le tout dans une ambiance exceptionnelle et une façon de filmer qui nous font accrocher à l'histoire pendant tout le film. Magnifique, une très grande oeuvre.
Ripoux contre ripoux : Cette suite est toujours aussi plaisante et divertissant à regarder. On a plaisir a retrouvé nos ripoux, notre duo de choc Philippe Noiret et Thierry Lhermitte qui est toujours aussi amusant et intéressant a suivre car cette fois si, ils vont être confronté a plus ripoux qu’eux et sa va être dur, dur de rivalisé mais on arrêté pas un duo de choc. Cette suite est moins comique que son précédent, ils y a moins d’humour et de gags que son précédant. Cette suite privilégie est excellent et captivant scénario, intéressant a suivre sert, qui joue plutôt sur l’émotion et la relation entre les personnages que sur l’humour et les gags. Moi, j’aurais préféré plus d’humour car dans cette épisode, il manque un peut de rythmé mais c’est toujours aussi captivant et on prend plaisir à regarder ce film quand même. Moi, je me suis pas ennuyais une seule seconde mais j’ai moins rigolé. Par contre le scénario est intéressant a suivre, bien mené jusqu’aux bout, l’ambiance que j’adore dans le précédant : Paris, année 80 est toujours présente. Par contre, il y a une petit incohérence avec le premier, sa ce ne suit pas vraiment, enfin ce n’est pas très logique mais bon, si c’est pour retrouvé nos ripoux préféré moi je dis : ok, moi sa me va. Et puis, on a le doit a un super casting, casting en or : Line Renaud, toujours la magnifique Grace De Capitani, Guy Marchand, Jean-Pierre Castaldi… Enfin, que du bon et ils sont tous très amusant. Et on a toujours l’expert en comédie, j’ai nommé Claude Zidi qui nous livre une bonne comédie, très sympathique a regarder, divertissant mais moins amusant et moins l’effets de surprise. Mais j’ai adoré regarder ce film et j’ai passer un super bon moment avec nos ripoux.
Atomique. Un décharge de stress. Chaque situation, dépeinte parfaitement en quelques prises, nous transporte dans une situation que chacun connait trop bien. Les réactions sont poussées à l'extrême et un léger frisson nous parcoure. Est-ce que ça aurait pu être nous ? Nous avons tous été à bout de stress, comment savoir ? A voir et à revoir pour les jeux d'acteurs. Mention spéciale à Bombita...
Fondé sur des faits historiques, ce film catastrophe n'atteint malheureusement pas le niveau d'excellence des meilleures productions du genre. La faute notamment à une présentation des personnages bien trop longue et à une histoire qui manque globalement de profondeur. La mise en scène de Robert Wise n'est pas non plus totalement aboutie, même si certaines séquences sont efficaces, notamment celles concernant la fameuse explosion du dirigeable. Quant au casting, on y retrouve avec plaisir George C. Scott, Roy Thinnes ou encore Anne Bancroft qui joue le rôle de la Comtesse.
Un humour cahoteux qui donc fonctionne quand même efficacement de temps en temps par le biais d'une idée originale ou d'une bonne réplique, deux actrices, la pétillante et superbe Françoise Dorléac et la charmante Geneviève Grad (ceux qui ont réussi à voir une des 5636 diffusions télévisuelles des "Gendarme" savent qui c'est !!!), mal employées qui donnent l'impression d'être juste là pour décorer (très joli décor mais un beau gâchis !!!), un rythme dans la première moitié qui fait preuve parfois de paresse le fainéant, reste Jean-Pierre Cassel et Jean-Claude Brialy qui s'en donnent à coeur joie en "Arsène Lupin". Un film français léger bien dans le style de l'époque, qui diffère assez de l'ambiance des romans de Maurice Leblanc mais ce n'est pas le but je pense de toute façon, qui arrive à peu près à divertir mais qui n'est pas un bon film étant trop inégal pour cela.
Un des meilleurs drame/thriller français depuis bien longtemps. J'ai beaucoup apprécié l'idée empirique et le ton de l'histoire. C'est prendre une situation courante et nous suivons les personnages, les liens qui se tissent et ce qui se trame et les rendront différents pour toujours et à jamais. Leïla Bekhti est Juliette au bord du gouffre et ensuite, elle va vivre avec intensité un passage de sa vie. Nicolas Duvauchelle est parfait dans son personnage, que ce soit dans les gestes, la façon d'être et le franc-parler de Manu, son personnage. L'enchaînement des scènes nous laisse de la place pour penser au-delà de ce qui nous est montré, de plusieurs points de vue... j'ai bien aimé. Regardez le et postez votre critique.
Dire que le premier long-métrage de Toshio Matsumoto est expérimental aurait de quoi faire glousser ses plus grands fans. Il y a dans le film quelque chose d’hybride qui amène à la fascination, comme si le portrait de marginaux que dresse son réalisateur avait besoin de partir dans plusieurs orientations pour mieux exploser aux yeux de son public. On retrouve ainsi un jeu permanent sur le montage, aussi bien sonore que visuel, provoquant une perte de repères au final des plus grisantes. Mais si le film est passionnant d’un point de vue artistique, il l’est également d’un point de vue sociétal. Il traite ainsi d’une forme de tabou derrière l’aspect conservateur du Japon d’époque. L’origine documentaire du réalisateur se reconnaît par quelques séquences qui ne font que souligner cet état des lieux d’un pays tiraillé par ses doutes et une forme d’interdit pourtant bien ancré dans celui-ci. La frustration de ne pas pouvoir totalement s’établir comme soi nourrit l’ambiance du film et nous place encore plus dans une position d’incertitude sur notre rapport au métrage. Cette épaisseur de fond enrichit encore plus la forme hypnotisante qu’adopte Matsumoto. « Les funérailles des roses » est donc le genre d’œuvre qui déconcerte, détruisant toute forme de construction habituelle ou toute autre attendue pour verser vers une forme de transe d’une heure quarante-huit, semblable à un voyage vers l’inconnu qui ne peut qu’amener à une forme d’enivrement cinématographique. La question n’est donc pas de savoir si ce film est de qualité (oui, et des personnes bien plus expertes que moi vous le diront) mais si vous êtes prêts à prendre ce chemin vers l’inconnu que propose Matsumoto…
Arrêtons de raconter des con...ries sur les effets spéciaux de Ray Harryhausen, 80% des clowns de truquistes actuels seraient bien en peine de les reproduire, avec une beauté 1/3 équivalente à celle des SFX de ce géant, même avec leurs ordinateurs. D'ailleurs les détracteurs du travail de Ray, sont totalement incapables d'expliquer comment il intégrait ses personnages animés avec des acteurs réels. Il a emporté ses secrets avec lui. "Jason et les Argonautes" rien que pour la scène du combat avec les squelettes vaut toutes les daubes de Blockbusters actuels. Monsieur Harryhausen, au secours, revenez le cinéma meurt !!!
Film qui retrace l'exploit de Lindbergh. Billy Wilder arrive a rendre très prenantes des séquences à priori banales (les scènes de huis-clos dans l'avion sont très bien mise en scène). Le scénario reprend aussi à l'aide de flash-backs la vie de Lindbergh (des petites touches d'humours sont ajoutées la plupart du temps). James Stewart est très bien.
Encore un film sur le malaise des trentenaires ,theme decidement a la mode actuellement.Mais ici plus qu'ailleurs c'est surtout une tartine de clichés qui nous est servie : chacun des couples a son probleme bien specifique afin de toucher certainement le + de spectateurs : y a le jeune qui va avoir un enfant et donc le mec n'est plus sur de rien ,le vieux qui se cause plus,un autre qu'a deja un enfant et enfin 2 celibataires avec un qui baise et fume et l'autre qui veut pas reprendre l'affaire de son pere mourant.Difficile de trouver tableau plus edifiant a part peut etre dans les feux de l'amour et le realisateur avec son montage a la tronçonneuse ou les plans ne durent pas + de 30 secondes n'arrange rien, rajouté un casting feminin invraisemblable composé uniquement de top modeles (dont la sublimissime Mezzogiorno aie aie mama mia !!!!), des engueulades prises de tetes style je t'aime moi non plus a n'en + finir et un happy end bien classique et vous obtenez un succes .....en italie
Très très décevant ! Pas du tout amusant, même pas quelques sourires. Trop sur-joué, pseudo blagues... Deux heures de calvaire ! Il est triste de voir ces actrices connues -et si sympathiques- être réduites à faire ce navet ennuyeux à mourrir...
On passe un bon moment dans cette comédie d'espionnage sans aucune prétention, c'est du n'importe quoi complétement assuré et décontracté, mais c'est ce qui en fait le charme, regrettons toutefois une dilection d'acteur trop légère.
A voir en famille avec vos jeunes enfants, personnages attachants qui les raviront...
On sait que John Huston aima beaucoup le livre de Romain Gary qui reçut deux ans auparavant le prix Goncourt pour cette fresque de la vie coloniale en Afrique èquatoriale française!Pourtant le film n'est pas à la hauteur du livre!Faute à trop de bavardages,à des immenses acteurs comme Errol Flynn ou Orson Welles qui cabotinent à souhait et à une Juliette Grèco peu convaincante!Seul Trevor Howard tire son èpingle du jeu avec quelques belles scènes d'actions bien enlevèes et des paysages magnifiques!Malgrè une brillante distribution,on reste tout de même sur sa faim...
Un très joli conte de ces terres du nord des îles britanniques que Michael Powell aimait tant et qu’il filmait si bien, dans la lignée de The Edge of the World. Un conte gaélique qui parle de malédiction vaincue et d’amour vainqueur après une heure et demie magique en compagnie du peuple de ces terres arides et désolées dont le cœur est plus grand que la fureur de la mer. La mise en scène de Michael Powell (encore une fois secondé par son fidèle Emeric Pressburger) est comme toujours sans reproches et l’interprétation est épatante, à commencer par le chaleureux Roger Livesey, un des acteurs fétiches de l’auteur, et Finlay Currie dans un rôle de femme courageuse qui apprend la vie au fil des épreuves traversées. Un beau film, plein d’humanité, d’humour et de cette poésie particulière à ce grand metteur en scène britannique, trop peu connu du grand public.
Excellent film d'horreur qui est très original et qui tient parfaitement bien en haleine. Grande tension du début à la fin. J'ai adoré. Je ne comprends pas ceux qui chipotent.
C'est drôle comme Mocky, fort de sa façon de faire du cinéma, ne s'en sépare même pas sous prétexte de la modernité. Il adapte juste ses sujets à l'actualité, mais le produit reste le même. On ne s'attend pas à ce que les acteurs de ce style (pas vraiment bons et inconnus) perdurent jusqu'à la fin des années 1990. Il faut pouvoir apprécier les rôles très politiques de Mocky, mais les dialogues recèlent bien souvent des vérités, si on a la patience de les entrevoir.
Observer la vie sauvage est une tâche de longue haleine nécessitant de la patience. Il faut savoir affronter le froid, l’ennui, la solitude. En rapporter des images, c’est un pari supplémentaire, et de surcroît des images de loups, un véritable exploit. Plus de deux ans d’affût et des photos qui sont des moments de grâce (je vous en laisse la surprise), mais au détour du chemin, Jean-Michel Bertrand a aussi filmé cerfs biches et faon, chevreuils, chamois, mouflons, bouquetins, marmottes, lapins, sangliers, renards, chouettes, grand tétras, corbeaux, aigles, faucons, tichodrome… dans des paysages sans cesse changeants, toujours dans la même vallée qui restera inconnue. Il ne reste toutefois pas trop longtemps dans l’environnement des loups, afin qu’ils ne s’habituent pas à lui, et restent sur leurs gardes, discrets comme ils savent l’être. Ce film magnifie une espèce qui doit avoir sa place dans notre environnement naturel, par delà toute polémique, pouvant toutefois relancer un débat positif sur la possible proximité du loup avec les activités humaines.
Un film intéressant sur le plan scénaristique car il prend le parti de ne montrer une star hollywoodienne que dans l'envers du décor, ce qui fait qu'on ne voit jamais la star mais uniquement l'être humain qui se cache derrière cette façade, et qu'il s'inspire sur beaucoup d'éléments de la vie d'une certaine Marilyn. La fin de ce dernier point de vue est juste et prémonitoire. Reste que la mise en scène manque parfois de rythme et de puissance, et que si Kim Stanley à un jeu d'actrice convaincant elle n'a pas cette étincelle qui puisse faire croire qu'elle incarne une personne adulée par des millions d'autres. Caractéristiques très gênantes pour cette oeuvre qui pourtant regorge de quelques qualités incontestables.
Une des plus belles raves de Mocky : tout est bâclé, mal joué, vulgaire, filmé avec les pieds... On est bien loin de "La grande frousse" !
"Les moissons du ciel" frappe fort d'entrée avec ce générique alimenté de cette musique que tout le monde connaît du fabuleux compositeur Ennio Morricone qui contribuera fortement au charme du film. Moi qui suis loin d'être fan de Richard Gere, il trouve ici son premier grand rôle au cinéma et ne dérange aucunement. Ces paysages ruraux nous laissent découvrir une histoire sentimentale avec ce trio jouant la comédie à la perfection. Entre plan simple et doutes, inceste pour certain, amour pour d'autre, Terrence Malick nous livre ici une œuvre poétique grâce à ses dialogues percutants, cette photographie réussie, ainsi que cette mise en scène enivrée par une agréable narration. Un joli film du maître Malickien à la carrière de réalisateur, pour l'instant courte, mais propre.
On ne s'ennuie pas un seul instant. Tellement imprévisible et drôle. Kronk est vraiment un des personnages les plus drôle de Disney.
superbe!!! avec une justesse de Marie et une réalisation de bon niveau. espérons que d'autres copies seront possibles. La banlieue en a besoin...... Bravo
Tres tres bon film j'adore!! Je trouve plutôt rare les film qui parle d'homosexualite mais qui reste très intéressant et ne focalise pas que dessu ca
Ce film est "La daube universelle" depuis la création de la vidéo. Si le fait que plus il y avait d'étoile, plus le film était mauvais, alors dans ce cas je crois bien qu'il faudrait rassembler toutes celles des galaxies. PS: ce n'est pas le genre comédie dramatique mais comédie comateuse.
Très belle mise en scène. Une histoire d'amour toute en retenue (époque oblige), sensuelle, où un simple regard vaut mille mots. Les acteurs sont excellents, Cate Blanchett particulièrement est hallucinante (merci la vo) ! Décors et costumes superbes.
Un bon film policier en noir et blanc, avec d'excellents acteurs, qui maintient le suspens jusqu'au bout. Charles Boyer est odieux à souhait.
Film involontairement drôle, j'ai bien aimé dans l'ensemble malgré 2-3 passages pas très intéressants
Quand un des jeunes cinéastes de la nouvelle génération d’Hollywood s’attaque à un mythe du cinéma d’horreur, il en résulte «Halloween» (USA, 2007) de Rob Zombie. Le cas de Rob Zombie est singulier. Plein membre d’une nouvelle génération de cinéastes postmodernistes, Zombie mêle extraversion et horreur. Zombie relit le mythe de Mike Myers en élargissant à la moitié du film la période de l’enfance du serial-killer. Reproduisant un des composants de la culture gothique (cette faculté à voiler son visage et ses expressions derrière une multitude de masques) Myers est un être énigmatique, un monstre mu par le simple dégoût d’une vie sans dignité, où le sexe, l’alcool et la violence régissent le quotidien. Le premier meurtre accompli par le jeune garçon, dans une forêt esseulée et sous une musique de Tyler Bates, est l’occasion pour Zombie de projeter plein écran la haine qui habite son personnage. La projection de cette rage n’affiche pas un dégout ni un certain cynisme à la Céline, il révèle plutôt la grande détresse d’un enfant. Fils de parents divorcés, Mike Myers inverse ces pulsions de vie du côté de la mort et accomplit son trop plein d’affections en tuant des animaux. Aller plus loin serait exagérer la psychanalyse du personnage. Toutefois, la façon méprisante avec laquelle Zombie filme les scènes de famille, séquence symptomatique des rages de l’enfant, prouve le dégout qu’il a de ce type de foyers. La suite des évènements, où Mike Myers, au-delà de son masque, de par ses actions et l’entêtement de son projet sentimental, témoigne de l’affection que Zombie porte à ce marginal. Le postmodernisme du cinéaste, avec toutes les dérives impudentes que cela risque, mêle mélodrame et film d’horreur. Refuser de constater la réussite de l’œuvre de Zombie selon l’idée qu’elle ne rend pas hommage à celle de Carpenter, c’est préférer à l’ambition d’une modernité l’académisme des honneurs. De la part de ceux qui savent apprécier «Halloween», c’est impensable.
Chef d'oeuvre absolu du cinéma, Elephant et d'un point vu esthétique l'une des plus exceptionnelles réussites de ces 50 dernières années. Van Sant, rompant avec les codes dramaturgiques classiques et avec la scénographie traditionnelle liée au " jump cut ", nous propose une suite de plans séquences ; à la fois lyrique, poétique et tragique ; tout simplement plus beaux les uns que les autres, le tout sur une musique spirituelle et sombre en parfait décalage avec la vie dans ce lycée dominée par la superficialité et le mercantilisme, créant ainsi une véritable synergie visuelle et sonore qui contribue a faire de ce film une expérience " plastique " unique . On abouti a une oeuvre d'une intensité inégalable, comprenant que le cinéma dans le monde occidental à sur bien des plans remplacé la religion, dans son aspect contemplation passive du sacré, Van Sant compose son film comme une authentique liturgie, une procession où le drame séjourne dans un état encore latent, jusqu'à son acmé finale, barbare et sans explication. Là aussi se trouve une part de la réussite cinématographique totale de ce film, on décèle chez Van Sant la volonté de ne donner aucun motif déterminant a l'acte des deux garçons, tout jugement de valeurs est donc exclu car ce n'est que reconnaître notre propre aliénation, notre soumission à une norme tacite qui détermine notre comportement, or le réalisateur ne veut pas entrer dans une démarche heuristique et axiologique en définissant arbitrairement où est le mal et où est le bien, connaitre les motivations importent peu, seul compte la matérialité des faits. Au final, la scène du massacre, sur la sonate au clair de lune, atteint un niveau absolu de perfection esthétique pure, elle vous hante bien après la fin du film et vous amène à réfléchir sur le concept de " méta-nihilisme " qui sous-tend tout le film.
Cette co-production Européenne est une franche réussite, on assite à un trés bon spectacle entre le thriller et le film d'espionnage. On peut reprocher parfois une réalisation qui manque, parfois, de dynamisme mais la démarche reste toujours forte et engagée. Les acteurs sont excellent de Eduardo Noriega ( parfait en homme infiltré malgré lui, coincé entre le franquisme et l'ETA ) à un surprenant Patrick Bruel( vraiment crédible et imposant en chef de l'ETA ).
Un film coup de poing qui ne peut laisser indifférent au moment où les violences et crimes commis contre les femmes sont dénoncés. Le calvaire de cette jeune étudiante violée par des policiers est parfaitement réaliste et traité avec un grand respect de la victime sans aucun voyeurisme. Car si une victime de viol rencontre beaucoup d'obstacles pour faire condamner son ou ses agresseurs, quand ceux-ci sont des policiers, cela devient quasiment impossible, comme on le voit en France avec l'affaire Théo. Seule la séquence finale est peu crédible car on imagine mal un policier, même humain et courageux, s'opposer de front à sa hiérarchie et à ses collègues dans un tel contexte. Il risquerait non seulement la perte de son emploi mais sa vie, dans la mesure où ces voyous en uniforme se comportent comme un gang. Cet aspect mis à part, ce sujet délicat est maîtrisé de bout en bout. Bouleversant.