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"In the Mood for Love" ou l'art du "presque rien" : deux personnages principaux, un immeuble, une rue et l'amour qui naît, qui fuit, sans s'en rendre compte. En alliant la liberté et la simplicité de "Chungking Express" à une expérience formelle plus ambitieuse, faite d'images à la fois ralenties et accélérées, rythmées par un même thème musical, le film trouve une vitalité débordante et une profonde mélancolie, qui passe par la répétition de motifs (l'attente dans la rue, l'horloge du bureau, le couloir de la chambre 2046) qui se soumettent aux changements des sentiments et des regards, des distances qui s'effacent, des corps qui se touchent et des mains qui se lâchent, comme dans un plan déchirant et fugace qui dit la fin d'une histoire d'amour qui avait à peine commencé. Au milieu de cette simplicité et de cette pudeur, M. Chow et Mme. Chan (Tony Leung et Maggie Cheung sublimes) devaient s'aimer et se quitter, souffrir et accepter que la passion s'efface à travers les années, un sentiment de vide que devra accepter M. Chow dans un futur proche, dans l'appartement dans lequel il a vécu mais qui ne garde plus rien de sa vie passée ou dans des vestiges qui enterrent définitivement l'histoire d'amour. Raconter le temps qui stagne et celui qui passe, le présent dont on n'a pas conscience, celui qui nous bouleverse et la douleur amère de la rupture, Wong Kar-wai le fait dans un geste moderne qui continue de creuser un style à part, où la radicalité formelle ne cesse de servir les personnages et leur relation. Un très beau film, qui ne s'ouvre pas facilement mais qui sait récompenser le spectateur une fois entré dans cette histoire particulièrement émouvante.
« War Dog » est un mix de « The Big Short » et « Lord of War » à la façon du « Loup De Wall Street ». Si les références sont là, le film n’est pas au même niveau ; il s’agit plus d’une comédie légère que d’une critique féroce des marchands d’arme, ce qui n’empêche pas de nous faire réfléchir une fois de plus sur ce métier et sa logique, tous deux abjects. D’un récit au fond sombre, la forme est drôle, et bien que le film manque d’intrigue, il ne manque pourtant pas de moments exaltants : il faut dire que l’histoire vraie d'Efraim Diveroli et David Packouz reste tout bonnement incroyable mais vraie ! Comme bien souvent, l’inconscience permet de faire des affaires juteuses mais l’inconscience montre toujours ses limites et dans ce cas-là, elles prennent une tournure hors du commun… Les rebondissements sont distrayants et il y a la part belle à une dimension internationale (les pays visités sont très marqués par leurs différences et permettent des situations hautes en couleurs). Si le résultat manque un peu de mordant, il y a tout de même quelques cartouches qui font mouche. Assurément un film à voir pour passer un bon moment de cinéma simple et sans fioritures.
Anne Fontaine réussit son pari d'aborder avec pudeur et retenue un sujet, celui de la sexualité féminine, mais aussi de la représentation du sexe à l'ecran (finalement le cinéma se prête sans doute plus au fantasme qu'à l'acte). L'ambiguité règne en maître, car ce dont il s'agit ici, c'est plus la relation entre deux femmes (magnifiquement interpretées par Fanny Ardant et Emmanuelle Beart, qui se surpassent, si c'est encore possible) et non d'un couple en crise (Depardieu parfait) qui se rabibocherait à travers une thérapie pour le moins originale. Quant à la critique qui n'y voit qu'un film bourgeois, qu'est ce que ca veut dire ? Oui, c'est un couple bourgeois et alors, les films de Chabrol sont-ils des films bourgeois parce qu'ils traitent de la bourgeoisie ? L'univers sociologique du film importe peu car les fantasmes de Fanny Ardant dans le film sont plus universels qu'on ne le croit. Simplement, sa démarche et le fait de pouvoir payer une prositueé l'obligent certainement à être issue d'un milieu aisé. Le cinéma francais commence en fanfare. A voir absolument !!!!!
J'ai eu la chance de voir le film en avant-première. A la sortie les spectateurs étaient un peu consternés. Comme eux, j'ai trouvé le film passablement ennuyeux et raté jusqu'à mi-parcourt : situations convenues, peu crédibles, réalisation fade et sans vie, sujet rebattu : le besoin impérieux de prendre la tangente dans ce monde pourri, si possible au bras d'un homme en cavale (Cf Zabriskie Point, d'Antonioni). Et puis au milieu, si on est gentil, le film s'améliore de manière inattendue en se transformant en "River-movie" (une sorte de road-movie qui se passe sur une rivière), enchaînant quelques scènes originales et quelques plans réussis. L'intérêt du spectateur s'éveille. Malheureusement, la fin elle aussi convenue, le fait retomber dans une léthargie maussade. Encore un film très moyen à mettre au crédit du cinéma d'auteur français. Les quelques scènes sur la rivière ne justifient pas les critiques dithyrambiques de Libé et des Inrocks. Copinage ? Aveuglement ? Système ? Le film respecte tous les codes du cinéma d'auteur français, y compris les plans interminables sur le visage d'un acteur taiseux, ça leur suffit peut-être. Mais ça ne devrait pas. Il y a des bons films d'auteur français, mais ils sont noyés dans cette merde et dans 90% des cas, on ne peut plus se fier à Libé et aux Inrocks (à part Serge Kaganski qui m'a rarement déçu). Un critique, dont je tairai le nom, m'a dit en sortant "On avait l'impression de voir la mort en marche". C'était exactement ça. Arrêtez de filmer comme Bruno Dumont s'il n'y a pas la rigueur intellectuelle correspondante ! Si vous ne faites pas des films intellos, faites des films vivants ! Vivants !
Vous m'aurez pas cette fois, petite meute de Kevins magouilleurs. Je vois bien que c'est pas un vrai film. Jeff Portnoy de toute façon c'est Jack Black. Haha, comment je vous ai tèj' toutes vos vieilles blagues pas drôles.
un film qui tiens pas la route et la fin du film arrive d un coup on ne c est meme pas comment finisse les personnage
Un sujet touchant, réel et bien présenté. Mais une mise en scène avec beaucoup de ratées, facilitées..... Des personnages pas tous bien entrés dans leur rôle.....et les trois amies trop "typées" et peu convaincantes. Un téléfilm sans recherche en profondeur.
Un des meilleurs films japonais que j'ai pu voir dans ma vie. Un chef d'oeuvre d'angoisse. J'en ai encore froid dans le dos. Je n'ai jamais retrouvé dans un film une ambiance aussi pesante, dérangeante et stressante.
The last time fait pas dans le sensationnel sur le plan scénario, reste que la prestation de Michael Keaton est excellente, puis Brendan Fraser plutôt en deçà mais bonne, relève quelque peu l'ensemble. Sympa de voir également la mannequin Amber Valletta qui joue la femme de Brendan.
Déjà seize années que la saga X-Men existe sur nos écrans de cinéma, avec à son compte huit films si on inclut les épisodes hors-séries sur le personnage de Wolverine. C’est Brian Singer qui avait débuté la réalisation de cette saga mais, malheureusement, avait été retiré des équipes après le deuxième épisode. Déçu, il nous avait promis qu’il reviendrait à la tête de la saga avec un reboot des X-Men à sa sauce ! Chose promise, le rendez-vous n’a pas manqué en 2014 avec Days Of Future Past, un film, certes un peu complexe, mais visuellement très bien réussi. Aujourd’hui, le réalisateur vient clôturer son travail avec l’ultime épisode Apocalypse. Réussite ? Echec ? Nous allons en discuter. Tout d’abord, il faut savoir que First Class, l’épisode se situant temporellement avant les trois premiers, a profité à Bryan Singer d’intégrer une magnifique prélogie (ou reboot) au sein de la saga de manière discrète et efficace ! Aujourd’hui, il réussit à la conclure avec un épisode vivifiant et dynamique. Porté une nouvelle fois par l’excellent duo James McAvoy et Michael Fassbender, Apocalypse nous offre une histoire proche des comics d’origine, opposant les X-Men à leur plus grande menace : Apocalypse, premier et père de tous les mutants. En soit, l’histoire est captivante, les scènes d’action sont aux rendez-vous, l’humour est toujours aussi plaisant et le casting jeune donne un coup de fraîcheur à la saga. De quoi nous divertir pendant plus de deux heures. Les effets spéciaux sont globalement de bonne qualité, malgré quelques défauts. Ainsi, la prélogie se termine dignement ! [...] Découvrez la critique intégrale sur mediashowbydk.com ou via le lien ci dessous :
Je ne connaissais pas l'oeuvre de ce peintre mais le film nous donne un éclairage unique et essentiel sur cette oeuvre dense et avant-gardiste. La musique extrêmement bien choisie renforce encore la poésie des images, notamment la chanson de Lana Del Rey "Gods and monsters". Je conseille à tout le monde, néophyte comme amateur éclairé d'aller voir ce film !
Malgré les mimiques de Steve Martin, on ne remplace pas Peter Sellers aussi rapidment. Le charme n'agit pas.
Deux heures et demi de délire total. Ça commence (et ça finit aussi d'ailleurs) de façon très sucré, mais le film trouve vite son rythme, les acteurs sont bons (y compris les enfants, ce qui est assez rare dans ce genre de production). La chorégraphie est très bonne, et le meilleur du film est l'histoire dans l'histoire qui raconte une folle aventure dans la baronnie de Vulgaria. Un très bon et très agréable divertissement sans prise de tête.
A Good Man représente pour moi une résurrection de Steven Seagal. L'histoire est très agréable à suivre, on ne s'ennuie jamais! Les phases d'actions sont percutantes et parfois même gores. Je n'ai repéré aucune doublure lors de ces phases de combats. Au niveau des acteurs, ils sont tous étonnament bons! Tzi Ma est excellent, après son rôle culte dans 24 Heures Chrono, il nous livre une performance de niveau égal. En somme, A Good Man est un très bon film d'action. Steven Seagal is back!
L'idée de départ était follement amusante,et furieusement authentique: une sorte de fable identitaire en mosaïque sur une jeune femme et son rapport avec les voitures.Le résultat,lui,l'est beaucoup moins: il s'agit d'une succession inégale de 'sketchs' plus ou moins drôles,rassemblés dans un ensemble mal monté et mal découpé.Les relations entre chaque scènes restent floues,et donnent un aspect décousu vite fatiguant.Le résultat est finalement banal,terne,longuet,et le casting approximatif n'arrange en rien le lourd échec de ce court film (1h10) qui avait à la base tout pour plaire.Si l'on s'attendait à beaucoup d'invention,beaucoup d'idées,c'est justement l'exact contraire qui en résulte;jamais surprenant,souvent linéaire et répétitif,le film de Laure Marsac fait toutefois preuve d'un sens du cadre évident et maîtrisé.Ce qui ne rehausse que partiellement l'interêt au final restreint de l'ensemble.
Une ou deux choses un peu amusantes, mais globalement assez ennuyeux.
fabuleux! superbe interprétation de la perception contradictoire du monde par les sophistes modernes! nous avons là un dessin très soigné! des personnages attachants assoiffés de découvrir autre chose que leur petit territoire cloisonné. une intrigue bien ficelée et dont les réponses ne seront claires qu'à la toute fin! voilà encore un excellent animé! les idées ne sont vraisemblablement pas sorties du territoire Nimpon à en voir les navets délabrés et réchauffés trop de fois, que nous sortent les scénaristes et autres sophistes hollywoodien et français...
Une comédie italienne satirique autour des rapports conjugaux avant et après le mariage où tous les roles semblent s'inversés! Malgré quelques bonnes séquences, le film tombe à plat faute de rythme et d'idée...
Incontestablement, SAFE fait partie des films les plus marquants et passionants que j'ai pu voir ces 10 dernières années. J'ai eu la chance de le visionner dans un cinéma de quartier lors d'une rétrospective à Nantes en 2003. Julianne Moore est stupéfiante dans son rôle de névrosée allergique aspirée par un tourbillon que l'on devine fatal. Thriller hors norme, parabole inquiétante sur des années 80 aussi mortifères que matérialistes, SAFE est un film indispensable et injustement méconnu." (Safe)
Oui le secret de la confession existe, oui au coeur de chacun de nous il y a un point, oui le prêtre du film est charismatique, oui la course à pied dans la forêt qu'il fait quotidiennement est aussi une prière, oui un prêtre peut boire une petite bière après le travail...Autant de OUI pour ce film courageux qui parle de l'èglise polonaise en abordant le tabou sur l'homosexualitè des prêtres! La rèalisatrice Malgorzata Szumowska voulait avant tout parler de la condition humaine, de l'amour, de la solitude...mais aussi parler de son pays qu'est la Pologne! Entre le prêtre et le jeune homme du foyer, il se passe quelque chose! Ce dernier montre la voie, dicte les règles, le bon, le mauvais, le pèchè...et l'amour bien sûr! Car il s'agit d'amour dans "AIME et fais ce que tu veux". Malheureusement, même si les deux acteurs principaux sont excellents parce qu'ils ont eu le courage de jouer ces personnages « nus intèrieurement » , le film aligne des scènes grotesques et inutiles(la sèquence nèandertalienne dans le champ de maïs, le prêtre bourrè qui danse avec le portrait du pape...)qui handicapent pas mal l'histoire! C'est dommage car cet espèce de « cortège » - dans une scène musicale èclaboussèe de soleil - est visuellement beau à voir...
Un très bon film. Des dialogues époustouflants , originaux , subtils..Un jeu d'acteurs remarquable dans ces personnages à contre emploi. Du très bon Blier ,un esprit "surréaliste" , libre , original. Un film indémodable aussi car , ne colle à aucune époque, un thème intemporel. A voir et à revoir. Du grand Blier
Un divertissement pur et dur, écrit avec les pieds mais mis en scène agréablement! Enfin quitté à voir du viking autant remater "Le guerrier silencieux"!
Lorànt Deutsch, Edouard Montoute et Frédéric Diefenthal forment un trio improbable de voleurs de banque. Tellement improbable qu'on ne croit pas une seule seconde à cette histoire brouillon et mal fagotée. Dommage car les 3 interprètes sont plutôt bons !
Film assez ennuyeux d'où aucune émotions ne ressort, à peine drôle par moment, franchement dépitant à d'autres moments... Pas terrible...
"Les Dossiers Secrets du Vatican" est un film d'horreur que je voulais voir pour la présence de Michael Peña ("End of Watch"). Malheureusement, son temps à l'écran est très limité, malgré une correcte performance. Les personnages ne sont pas attachants et souvent mal joués, aucune tension n'est crée à cause de cela. La peur n'est aucunement présente, la mise en scène n'est pas originale. L'histoire manque cruellement d'inventivité, ce film n'est qu'un énième banal film d'exorcisme. Si la fin du film se démarque des autres œuvres du même style, le reste n'est pas pertinent et traîne en longueurs. L'ambiance est ratée, les scènes d'effroi sont mal mises en scène ; malgré des séquences bien foutues et des effets convenables. Mark Nevaldine ("Ghost Rider 2") signe donc un nouveau mauvais film dans sa carrière.
C'est fou ce que le vide des programmations TV actuelles nous amène à faire. Pour ma part ça fait que je mate ce truc qui ne m'intéressait pas et que je sentais bien nul. Toujours se fier à son instinct... Franchement, quand je vois 3 pour la presse et 2 pour les spectateurs je m'étonne. C'est là que l'on s'aperçoit que, du moment que tu es une star on te passe tout, même les navets. Ne cachons rien, c'est un navet, pas un nanar car pas de côté sympathique dans sa nullité non assumée, pour preuve Hugh Grant n'aime pas cette œuvre dans sa filmographie, étrange. Ben il a bien raison, même en loupant des passages pour faire des tâches ménagères on s'ennuie et on devine ce qu'on a loupé, ainsi que ce qui va suivre. Hormis ce côté très prévisible, venant d'une trame archi refaite, d'un scénario sans surprises et d'une histoire qui partait bien, mais finit bien mal. Rajoutons une musique quelconque, des dialogues plats, des clichés sur l'Amérique qui existe autour de New York, des longueurs incessantes, un rythme plat, et un jeu d'acteur déplorable (mention spécial à Sarah Jessica, peut-elle sortir de son perso de Carrie Bradshaw ?). Au final ce n'est ni marrant, ni intéressant, ni bien original, ni romantique, ni sympa, ni regardable en fait, on voit que le casting a suffit pour convaincre les producteurs.
Le souffle d’une peau blême laisse vibrer sur la platitude de l’écran les vrombissements intimes de l’érotisme. «The Docks of New York» (USA, 1928) de Josef von Sternberg délaissent les corps et leur chair dans les brumes opaques des ports marins. La poudre qui recouvre le corps mutique de Betty Compson l’a confond avec la pâleur éblouissante des angelots de Michel-Ange. Cette connivence ne va pas plus loin. L’innocence des chérubins est absente du corps de Mae au profit d’une sensibilité lubrique. Les jeux de séduction que se livre Compson et l’imposant Geroge Bancroft se résume à la correspondance de la peau féminine frêle et incandescente avec les yeux masculins limpides. Un objet du désir, le corps de la femme, se mue en écran (en adopte du moins les caractéristiques blafarde) pour mieux se laisser voir, admirer, palper et convoiter par le regard de l’homme. Sternberg, à l’orée de la puissante vague du parlant, fait le parie d’un cinéma muet vivant, vibrant des frissons sensuels des corps lumineux. «The Docks of New York» porte en son sein le vœu d’un cinéma ardent, où les désirs se livrent au jeu et où la psychologie laisse grande place à l’attraction ou à la répulsion des corps. L’idylle fugace, et finalement durable, des deux protagonistes donne lieu à des instants d’instabilité amoureuse où les intentions se confondent, jusqu’à l’aboutissement d’un mariage fallacieux érigé sur la seule base d’une attirance effréné des corps séduits. «The Docks of New York» invite à parler d’érotisme, de corps et de pulsions. La photographie nébuleuse d’Harold Rosson (qui photographiera également «The Wizard og Oz», «The Asphalt Jungle» et «Singin’ in the rain») verse les docks new-yorkais dans un brouillard tel qu’il ne reste plus aux personnages, pour sentir le monde et l’habiter, qu’à se fier à leur seul sens tactile. La passion des cœurs qui forgera le sonore «Der Blaue Engel» (1930) en est encore à la passion des corps dans «The Docks of New York».
Une fiction traitée comme un documentaire dont on ne connaîtrais pas vraiment le sujet. Qui tourne autour de la coiffure (qui serait le chemin de l'homme?). Le sujet et la réalisation ne m'ont pas vraiment convaincus, reste les acteurs plutôt charismatiques et l'impression de voir un film un peu différent..
Une suite qui ne fera peut-être plaisir qu'aux fans des premiers volets mais pas certains. PLV : une suite ne devrait être faite que si le scénario tient la route ce film est le parfait contre-exemple.
Les Charlots en folie : A nous quatre Cardinal ! Réalisé par André Hunebelle, un des meilleurs réalisateur du genre avec Le Bossu (1959) et Le Capitan (1960) ce film est le second round du premier opus "Les Quatre Charlots Mousquetaires". Le genre cap et épée façon "Les Charlots" où nous retrouvons, comme dans le premier film, toutes les caractéristiques de la comédie burlesque et un peu potache des années 70. Ce second round est plus dense que le premier film, plus d'aventures, plus de cascades et plus de voyages, Une très bonne comédie, fraîche et joyeuse, où s’enchaînent les gags de nos 4 bidasses, c'est toujours un peu potache, mais cela fait du bien. A une époque ou les films sont souvent sombres, lourds et anxiogènes, il est parfois bon de se refaire une bonne vieille comédie burlesque légère, insouciante et facile des années 70 pleines de costumes, de décors et de tribulations.
Ce film me donne une impression de succession de séquences dont le message n'arrive pas à ses fins. Impossible de comprendre le sens de ce que veut délivrer le réalisateur ; dommage. Ramzi Bedia à contre emploi n'est pas mauvais mais n'excelle pas comme un José Garcia ou un Bourvil
Je recommande cette belle comédie nostalgique. Plein d'émotion et d'énergie grâce à une BO qu'on a envie de réécouter en sortant. Le réalisateur parle avec délicatesse d'un sujet qui nous touche tous. Un film universel à voir à tous les âges et pas qu'une seule fois!!!!
Un DTV sorti en France sous le titre La Prison de verre 2 (2006) alors que le film n’a absolument rien à voir avec La Prison de verre 1 (2002), sorti quant à lui au cinéma, on imagine déjà quelle va être la qualité scénaristique de ce genre de film. Comme pour le précédent, une gosse et son frère se retrouvent sans parents (décédés dans un accident) et comme avec le précédent, ils vont gentiment se faire adopter par un couple lambda. Bien évidemment, les mioches vont se rendre compte (enfin non, seule la fille va s’en rendre compte, comme dans le précédent) que les fameux parents adoptifs ne sont pas si gentils que cela. Bref, les seules grosses différences flagrantes sont, d’une part, la maison faite de verre et d’acier a été remplacée par une villa assez banale et enfin, le couple n’en veut pas à l’héritage des mioches, ici, la femme est atteinte d’un trouble psychologique, à savoir le « Syndrome de Münchausen par procuration » ! Bref, autant vous dire tout de suite que le scénariste ne s’est pas foulé, en reprenant la trame de l’original il nous a pondu une piètre suite (qui n’en est pas une). Un DTV passé presque inaperçu en France, fort heureusement !
une comédie romantique comme on les aime !!!
Une très bonne adaptation du roman de Jules Verne. Un très bon film fantastique. Une plongée dans l'univers fantastique de cet écrivain visionnaire.
Il est des films comme ça que l'on n'avait pas vu venir et qui non content d'être drôles se révèlent bien supérieurs à certains mastodontes à la promotion plus que lourdingue. Renouant avec une certaine idée de la comédie Française joyeuse et naïve comme il en pullulait dans les années 70, Camping à la ferme se veut un trait d'union malicieux entre deux catégories de la populations que tout un univers (bien souvent médiatique) sépare. Illustration d'une France qui change tout en restant fidèle à ses traditions, Jean Pierre Sinapi enfonce largement la porte des clichés pour mieux la fracasser sur le mur de bêtise qui caractérise bien souvent les préjugés animant l'une et l'autre des parties ici représentées. Brillamment interprété par quelques grands noms du Cinéma (Roschdy Zem, Dominique Pinon, Jean François Stevenin...) et porté par la fraicheur de nouveaux acteurs, le film expose quelques réalités bien senties sur le droit à la différence (des uns comme des autres) sans jamais tomber dans la vulgarité caricaturale en ces temps de division savamment orchestrée. Une agréable surprise (que l'on doit en partie au talent d'un Thomas Gilou aguerri en matière d'analyse sociale) en forme d'ode à la réconciliation nationale se concluant sur une note d'espoir pour toutes celles et ceux qui espèrent un jour voir s'apprivoiser mutuellement ces deux revers d'une même médaille.
Un film délirant sans sens, et sans fin, un film qui ne sert donc a rien.
Un très bon Zatoichi, bien meilleur que le précédent bien qu'étant du même réalisateur. La mise en scène et la photographie y sont très soignées, les acteurs sont bons et le combats bien chorégraphiés. Zatoichi devient encore plus un héros empli d'idéalisme et de droiture. A noter qu'il s'agit du premier film de la série à intégrer une dimension comique du personnage, qui deviendra de plus en plus importante au fur et à mesure de l'évolution de cette série.
Film moyen ya une histoir et si t'es pas une ado, ben tu kiffe pas grave. Vous l'aurez compris, ce film est ciblé uniquement pour ce type de personne