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Voici une série bien sympathique. Elle mélange tous les genres entre action, enquête, espionnage, fantastique et S-F. Si l'intrigue est un peu simpliste, la musique et la mise en scène des combats réussit à nous divertir pendant sa courte durée. Sans être exceptionnelle, Read or Die se laisse agréablement regarder mais pas une deuxième fois. Notez toutefois une BO très prenante, inspirée par les anciens James Bond et autres Mission : Impossible, la plus grande réussite de la série.
Un film original pour les amateurs de burlesque.Retenons que le film est sorti en 1965.
Un une le nouveau film de Claude Lelouch était très attendu. C'est donc avec empressement que nous sommes allées le découvrir en avant première. C'est déçu que nous sommes sorties de la salle.Le film a tout d'une recette à succès mais il manque de dynamique, semble long et sans saveur... Critique complète à lire sur stoptoncinéma !
05 / 20 C'est claire que c'est très mauvais ! Les films d'action japonnais , thailandais tous ça c'est vraiment pas mon truc ! La réalisation est merdique tous comme le film en général ! Les combats sont irréaliste ! Les personages sont tous sauf attachants ! Je n'aime pas du tous ! On s'ennui aucun effet de surprise malgré quelques scènes inattendus ce film reste très très mauvais ! Le casting ne ma pas convaincu du tous ! Bref a évité !
"The Prodigies" est un de ces films qui restent gravés dans mon esprit !!! Avec un style graphique bien à lui (peut être un peux vieux pour certain) et une 3D interressante ... le film à également un bon scénario, une bonne réalisation et de (très) bonnes musiques ! Malheureusement le film est violent, très violent ! ... par exemple la scène du "viol" (à Central Park) est très "dure" ou en encore la scène d'ouverture quand le père frape son fils ... Mais ormi cel a c'est un très bon film à conséiller à tout ceux qui cherchent un film d'animation unique en son genre (mais à déconsiller aux plus jeunes ...) !
Petit film d'épouvante anglais, tourné en partie en found-footage, il arrive à créer une ambiance sympa mais la force du film reste le twist final plutôt bien maîtrisé après pour le reste c'est du vu, revu et survu, les bruits, les portes qui claquent, les exorcismes. Il va falloir renouveler les idées pour faire un vrai film d'horreur.
On ne peut pas dire que ce film soit mauvais. Mais j'ai trouvé ça un peu long, beaucoup de paroles, il ne se passe pas grand chose. cependant ce film nous fait tout de même réfléchir sur notre propre comportement.
Arnaque totale ! Je me suis bien fait avoir ! On m'a dit surtout regarde en VO tu verras tout le jeu des acteurs. Bah ok on voit tout le jeu mais j'AI RIEN COMPRIS ! De la merde ! Complètement nul
Un feel-good movie qui donne la pêche et le sourire. A voir absolument.
"Si la connerie se mesurait, il servirait de mètre étalon !". Réplique mythique signée Michel Audiard, et dont le film est émaillé. Il s'agit d'un petit bijou. Pour la première fois, j'ai eu un orgasme intellectuel. C'était jouissif. Je serais pour décerner une statue à Audiard, c'est un artiste.
"Le garçon qui dompta le vent" est littéralement bouleversant. Ce drame fort de Chiwetel Ejiofor, est une très belle réalisation, portée par une splendide photo de Dick Pope qui rend pleinement justice à la beauté des paysages africains. Ce drame emporte tout sur son passage, allant chercher une sensibilité enfouie au plus profond de chacun d'entre nous. Le film raconte l'histoire vrai de William Kamkwamba. Né en 1987 au Malawi, l'un des pays les plus pauvres d'Afrique, William aspire dès son plus jeune âge à un autre avenir que celui de son père agriculteur, et rêve d'étudier les sciences. Mais, en 2001, le Malawi est frappé par une terrible sécheresse, et William est contraint d'abandonner l'école pour aider sa famille à survivre. Mû par une incroyable détermination, l'adolescent de seulement 14 ans se lance alors dans un projet audacieux qui va sauver de la famine sa famille ainsi que la population malawite. Chiwetel Ejiofor joue aussi le rôle du père (Trywell) au côté du jeune acteur kenyan, Maxwell Simba, totalement convaincant dans le rôle de William Kamkwamba. La mère de William, Agnes (interprétée par la sublime actrice française d’origine sénégalaise Aïssa Maïga) est touchante en femme blessée. Elle évoque ainsi, dans une scène du film, ne jamais vouloir être la famille stéréotypée qui « prie pour la pluie », comme l’ont fait ses ancêtres. Bref, "Le garçon qui dompta le vent", est bien plus qu’un récit sur le manque de nourriture et le manque d'eau mais bel et bien un hymne à la vie et à l'espoir. Et lorsque à la fin, s’écrit sur l’écran cette magnifique phrase : « Dieu est comme le vent. Il touche tout ce qui existe. », on peut se dire alors que ce film a du divin en lui. A voir absolument. 5/5 Le film a été présenté fin janvier au Festival de Sundance où il a remporté un prix, et à celui de Berlin le mois dernier.
Mal filmé, mal joué, écrit comme un plagiat, Shank n'a aucun intérêt dans l'univers cinématographique anglais.
Ce film de carlos Reygadas est un chef-d'oeuvre dans la veine de ses deux premiers films : Japon et Batalla en el Cielo. Sans hésiter je dirais que ce film est le plus abouti de Carlos Reygadas, car le moins facile à saisir. Il faut se laisser aller, et tenter de saisir ce que dissimulent les images. Ceux qui connaissent et aprécient Apichatpong Weerasethakul retrouveront peut-être une façon d'aborder les choses, de faire se rencontrer des situations et des sensations. Une autre dimension, difficile à décrire est la tension sonore extrêmement travaillée entretenue tout au long du film. Encore une fois, il ne faut pas chercher à comprendre, ou tenter de trouver une "histoire" (comme Hollywood nous a appris), mais se laisser aller à assembler ces morceaux d'images en mouvement chargées de sens et de sensations. L'Histoire avec un grand H est là, sous nos yeux. Cette Histoire est en nous.
Ceci est une critique inutile, vous pouvez donc la juger en tant que telle.
Le chef d'oeuvre du cinéma fantastique. Ce film est un monument de tous les instants, que ce soit par rapport aux effets spéciaux, grandioses pour l'époque, que ce soit pour son scénario hallucinant d'intelligence, ou encore par son plaisir pur procuré au spectateur, il nous est absolument impossible d'oublier ce chef d'oeuvre, qui provoque même parfois en nous des sentiments très forts et surprenant, notamment lors de la scène finale. Splendide.
C'est le deuxième long-métrage de Cristián Jiménez, après Ilusiones ópticas (2009). La teneur est moins sociologique, plus littéraire. Mais on retrouve le style fragmentaire du réalisateur chilien, un ton légèrement décalé, une ironie un peu triste, une expressivité sur un mode minimaliste, un souci du détail dans la composition des plans... Les thèmes (amour de jeunesse, processus de création, jeu réalité/fiction) et la construction dramatique entre deux époques sont intéressants, voire ambitieux. Cristián Jiménez, en bon observateur, procède par petites touches, entre impressionnisme et Nouvelle Vague. Il cultive aussi quelques jolis symboles (notamment celui du bonsaï, arbre aussi difficile à entretenir qu'une relation amoureuse). Le problème, c'est qu'une suite de petites choses ne forme pas forcément un "tout" consistant ; et quelques saynètes originales ne suffisent pas à faire un film original. On reste sur sa faim. Si l'ensemble se suit sans déplaisir, on peine toutefois à accrocher, que ce soit émotionnellement ou intellectuellement ; les personnages manquent d'épaisseur, et les thèmes, de profondeur ; la narration décousue rend parfois l'histoire peu limpide ; le rythme baisse par moments... Dommage, car sur le papier, c'est un film qu'on aurait aimé aimer.
Ce film n'est pas la suite directe du premier car il n'a rien à voir avec ce dernier et c'est bien dommage car il est beaucoup moins bien réussis que le premier. Cette fois le Leprechaun ne cherche plus son or mais une femme pour son anniversaire pour pouvoir faire des « bébé » et en lisant le synopsis, on se rend compte que l'histoire ne tient pas debout et que c'est vraiment histoire de faire une suite commerciale. De plus, les acteurs ne plus autant attachants que dans le premier et jouent encore moins bien. Le point positif, c'est qu'il y a encore plus d'humour noir que dans le précédent film. En résumé, Leprechaun 2 est à voir pour ceux qui aiment vraiment la saga sinon, il n'apporte rien de plus.
Que dire de bien sur ce film ? Rien en vérité. Que dire de mal ? Pas grand chose en dehors que quelques invraisemblances qu’une script attentive aurait pu facilement corriger; mais était ce la peine dans un climat aussi loufoque? Ce qui m'étonne, c’est la qualité du cinéma comique 15 ou 20 ans plus tôt et le niveau tombé si bas en 1960. Serais ce expansion de la télévision qui jouant sur la facilité à fait chuter le niveau d’exigence? Quoi qu’il en soit, malgré l’immense bêtise de l’ensemble ,les acteurs demeurent. C’est agréable de voir Marielle si jeune pourtant si loin des galettes de Pont Aven, de retrouver “”Zazie”” et d’admirer la fraîcheur d’Anne Doat qui s’investira plus tard dans l’aide des autistes (un grand merci pour eux). Quant à notre loulou national, il a mangé son pain noir et ne tardera pas à rencontrer Gerard Oury, son comique commence à prendre de l’ampleur.
En 3 heures, Mel Gibson nous transporte littéralement dans la vielle Ecosse. Passé le manichéisme, ces 180 minutes sont un délice visuel et narratif. Le spectateur est marqué par la richesse des enjeux posés, des questions soulevées, des personnages et (bien sûr) des scènes de bataille. Pas grand chose à redire. On est surpris, charmé et embarqué dans l'aventure tragique de William Wallace. Alors, pourquoi n'ai-je pas mis 5 étoiles ? Et bien, je n'ai pas complétement accepté la dualité de l'histoire.
Une comédie anodine à cause d'une mise en scène assez plate et d'un premier rôle masculin qui ne distingue pas par son charisme de ouf mais qui pendant les 65 minutes qu'elle dure se regarde sans ennui et parfois même avec quelques pointes de plaisir grâce à une ou deux situations originalement drôles, à quelques bons seconds rôles et puis surtout à l'hyper-charmante Joan Fontaine qui prouve définitivement une chose étonnante : c'est que le costume de livreur de lait (liquide beaucoup moins inquiétant ici que dans "Soupçons" !!!) peut rendre encore plus sexy.
Dans la lignée du premier film, une excellente parodie des films et séries policiers américains des années 60-70. C'est très drôle et les répliques deviennent vite cultes. Michel Hazanavicius et Jean Dujardin au top !
Voici un film russe sur une "snipeuse" reçue et décorée par l'Amérique de Roosevelt ! Même si le scénario nous perd un peu avec tous ces allers-retours entre les différentes époques, le spectacle est au rendez-vous et l'histoire nous tient en haleine jusqu'au bout.
Bon, on peut au minimum dire que les effets spéciaux sont bien réalisés. Par contre, pour le reste, on plonge la tête la première dans le désespérant. Tous les personnages sans exception sont des têtes à claque insupportables qui font des blagues lourdes au possible, répétitives, prévisibles, lassantes, et surtout absolument pas drôle. Il me semblait quand même que ce film était en partie censé être une comédie... Bon, après il faut dire que, et ça ne me plaît pas de devoir écrire ça, le doublage n'aidait pas du tout non plus. Mais toujours est-il que scénaristiquement parlant c'est une aberration. Et je ne parle même pas ici du final qui dure trois plombes... Et avec la myriade d'acteurs qui joue là-dedans, on aurait au moins pu espérer un sauvetage de mise, mais pas du tout, on s'enfonce encore plus dans l'insupportable(le caméo de Hugh Jackman, par pitié...). J'étais sincèrement heureuse que ce film se termine pour enfin pouvoir passer à autre chose. En somme, si vous avez aimé les deux premiers "la nuit au musée" (ne serait-ce que le 1), contentez-vous en et fuyez absolument celui-ci, qui ne fera que vous gâcher les tendres souvenirs que vous aviez de la franchise.
Souvent confus et plein de mysticisme, le récit arrive souvent à nous larguer même s'il faut reconnaitre que l'athmosphère est plustôt oppressante et bien mise en scéne. On pourra regretter la justesse des acteurs et une fin pas totalement explicite.
Rien n'est dans la demi-mesure, tout est poussé à son paroxysme mais c'est finalement ce qui permet de prendre nettement conscience de l'impact du genre dans notre société et des inégalités. Même si on est loin du chef d'oeuvre (mais il me semble d'ailleurs que ça ne soit pas le but escompté), je recommande à tout le monde de voir ce film.
On suit l’histoire de ces deux grands noms mondialement connus, dans leur intimité, dans leur enfance, dans leurs histoires personnelles. La ou On s’attend à un biopic on est devant une sorte de bluette sans relief racontant une histoire d’amitié. Aucune référence historique, la scénariste et réalisatrice de Cezanne et moi ne fait qu’effleurer l’époque et les artistes qui entouraient les deux hommes. La réalisatrice passe à coté, nous avec. C’est comme ci elle s’était attaquée à un projet la dépassant complètement, comme ne pas avoir pas été à la hauteur. Et pourtant elle avait l’histoire, les deux acteurs, meme si je ne suis pas convaincue par leur performance. Mais voila, elle effleure et n’a pas travaillé en profondeur. On y voit la naissance et la rupture de l’amitié mais pour le reste on ne sait pas ce qui a vraiment détérioré au fil des années cette relation. Le film est déstructuré. On passe d’une époque à une autre sans vraiment de transition. En plus, Il y a sans cesse des cassures entre les scènes calmes, intimes et des scènes plus fougueuses. Ca fatique et ca finit par ennuyer. Quant aux acteurs, il y a le déséquilibre entre les deux personnages. Celui de Cézanne prenant toute la place, et lors de certaines scènes, caricaturé par un Guillaume Gallienne, grimé !!!, qui en fait trop, sans parler de son accent provencal moyen moyen. Il a l’air de jouer seul, de faire un spectacle. (Son égo ???) C’est dérangeant. Dommage car Guillaume Canet, avec son personnage qui semble éteint, est plus juste malgré son ridicule « déguisement » faux ventre, lunettes… Alice Pol et Déborah François incarnent les épouses respectives des deux hommes. Cézanne et moi n’est pas un biopic. C’est juste une histoire d’amitié sans relief. Mauvaix choix que d’aborder cette amitié entre Cézanne et Zola de cette façon. Reste les paysages et la belle lumière de la Provence mais c’est trop peu. Je suis passée à coté, à vous de voir
J'ai adoré ce film ... La musique, les personnages tellement attachants, les images ... le message d'ouverture. Ce film va bien au delà d'un documentaire, c'est un petit bijou qui ravira tous les spectateurs. Quel dommage que sa diffusion soit restée confidentielle ...
Le premier film qui m'a fait pleuré est celui-ci, c'est un véritable chef-d'oeuvre sur la 2GM qui nous fait ressentir une émotion intense couplée à un fort sentiment de révolte !Je l' ai vu il y a déjà plusieurs années mais il m'a tellement bouleversé que je m'en souviens comme si c'était hier ! A voir absolument !
Une très bonne comédie, très intelligente et qui pose une vrai réflexion sur les problèmes de couple, mais toujours de manière fine et délicate, et les personnages sont intéressants et très attachants. L'ensemble nous offre un beau film, avec de l'émotion et de la sincérité. Très bons acteurs, notamment Alan Rickman. Excellent!
Dans ce David contre Goliath, les jambes du cycliste, avec son vélo sans frein, sont les armes d'un combat pour une noble cause. Empruntant à l'esthétique de la BD, ce film n'a finalement qu'un héro : le vélo sous toutes ses formes. Plein de cascades à ne pas tenter de refaire chez vous, il donne quand même bien l'envie d'aller faire des tours de pédale à Manhattan ! Pour tous les amateurs de velib fixies et autres, ou si vous avez pris un jour plaisir à circuler en ville en deux roues non motorisé, allez-voir ce film !
Sur quelques notes de basse, Lucas Belvaux signe un polar rageur mais délicat, qui témoigne de l'étendue et de la polyvalence de son talent.
Comme la plupart des personnes s'insurgeant contre ce film, je trouve celui-ci ahurissant de bêtise et d'horreur. Pourtant, beaucoup de commentaires oublient de citer l'évidence, à savoir qu'il est à peu près impossible qu'une femme tombe amoureuse de son violeur. Ce n'est pas "peu probable", non, c'est juste illogique, iréel et impensable. Après tout, il faut l'admettre : tout le monde n'arrive pas à se mettre dans la peau d'une femme. A partir de là, d'ailleurs, la seconde moitié du film ne tient plus debout une seule seconde. Elle en devient même dangereuse dans ses propos.
Petite plongée dans le monde merveilleux du lobbying, Thank you for smoking est satirique, dérangeant et terriblement efficace. Pourtant le film n'est que le reflet (un peu exagéré, c'est vrai) de la société et montre simplement qui décide vraiment aujourd'hui, qui a le pouvoir, aussi bien aux Etats-Unis que dans le reste du monde. Et en plus le film attire tellement la sympathie sur ses persos et leur boulot qu'il pourrait presque créer des vocations, mais après tout il faut aussi des gens qui nous dise comment penser sinon on serait perdu. Thank you for reading.
Très bon film. Beaucoup de cruauté et d'amour. Filmé avec le nouveau procédé de caméra vidéo, mais quand l'histoire est bonne, on n'y prête plus attention. Bon jeu des comédiens. A recommander.
On assiste ici à l’un des plus mauvais films de la filmographie de Nicole Kidman. Watch the Shadows Dance (1987), première réalisation pour Mark Joffe, qui met en scène un groupe d’étudiants passant le plus clair de son temps à s’affronter au cours d’une étrange compétition d’art martial. Seulement, un meurtrier est parmi eux, ils vont devoir tenter de l’arrêter avant qu’il ne fasse d’autres victimes. Sans doute l’un des pires films Australien des années 80/90, peu de moyens, des acteurs débutants et qui ne savent pas jouer. On se croirait devant une représentation théâtrale ! Personne n’est à fond dans son jeu, c’est à se demander s’il savent jouer ?!?!?! Près d’une heure trente de combat ou alternent art martial et paintball ! Il n’y a pas d’histoire ici, c’est pathétique et grotesque, on vous aura prévenu !
Ce n'est pas pour rien que le titre est passé dans le langage courant, un peu comme les Groseille et Le Quesnoy en leur temps: Chatiliez a l'art de s'emparer du quotidien familial et de monter en épingle son sujet. Ici, ça confine à l'exceptionnel: un fils exaspérant de gentillesse totalement dépendant, des parents à bout... le résultat est un feu d'artifice. Les coups tordus se succèdent en glissant sur les plumes du canard Tanguy imperturbable. Côté acteurs, le choix du tandem Azéma-Dussollier s'est avéré judicieux (aussi drôles dans l'abattement que dans leurs petites conspirations) et Eric Berger joue à merveille les têtes à claques. Je ne vois que les pisse-froid pour rester indifférents devant ce film.
Sur le papier, le projet est alléchant mais sur l'écran, le résultat est différent. L'époque est passionnante, l'intrigue qui se dessine est suffisamment mystérieuse pour nous aguicher, Gérard Depardieu et André Dussolier sont de la partie... Mais qu'est-ce qui ne va pas alors ? La mise en scène et le scénario, rien que ça. Si l'intrigue est alléchante et dessine bien son mystère pendant la première partie, il faut bien avouer que son dénouement et son twist final sont au-delà du mot décevant tant tout paraît bâclé. Et ce n'est pas la réalisation de Pitof, bourrée de numérique jusqu'à l'overdose, qui va nous permettre d'accrocher au reste puisqu'elle est non seulement très confuse mais également ultra-datée, le numérique vieillissant très mal. Il nous restera le charme des acteurs et du contexte pour apprécier le film qui est aussi ambitieux que raté.
"Birth"(2004) est une sorte de mélodrame fantastique,dans le milieu huppé new-yorkais. Nicole Kidman y donne son meilleur,avec sa coupe à la Jean Seberg,et ses blessures secrètes,mais cela ne suffit pas à faire décoller un film très froid,faussement sulfureux,et à l'atmosphère clinique. De fait,les 100 minutes nous apparaissent très longues et surtout ne nous entraînent pas dans des endroits très intéressants,hormis cette réflexion sur le deuil raté.
Dernier épisode de la série des « Frankenstein » produit par la Hammer, réalisé par Terence Fisher (et qui sera d'ailleurs son dernier film tout court) et interprété par Peter Cushing, « Frankenstein et le Monstre de l'Enfer » n'est évidemment pas le meilleur épisode ni le plus original. Pourtant, loin de l'essoufflement total auquel on aurait pu logiquement s'attendre, Fisher montre au contraire qu'il en a encore sous le pied pour nous offrir un divertissement certes moins flamboyant au niveau des couleurs et des décors que les précédents épisodes, mais toutefois suffisamment professionnel pour faire illusion. Car si les composants originaux du roman de Shelley sont bien présents, on appréciera néanmoins cette intrigue resituée dans le milieu des hôpitaux psychiatriques et ce scénario jouant plutôt habilement sur l'ambiguïté du Docteur Frankenstein. Reste peut-être cette légère lassitude que l'on peut avoir en découvrant ce spectacle soigné mais qui malgré ces différentes qualités montre quelques difficultés à nous surprendre réellement, la Créature (partant pourtant d'une assez bonne idée de départ, et interprété par David Prowse (oui, oui, le futur Dark Vador!)) s'avérant moins émouvant et profonde que celles offertes par les studios Universal une trentaine d'années plus tôt. Reste quelques moments forts (la scène finale notamment) et un Peter Cushing toujours aussi élégant dans le rôle du Baron vieillissant (et plutôt bien accompagné par le jeune Shane Briant) pour une oeuvre certes mineure, mais ni déplaisante ni inintéressante pour autant, offrant ainsi à son réalisateur une sortie cinématographique des plus honorables.
Waw ! Quel film ! Témoin de l'époque ou le le polar français était à son apogée, servi par des grands réalisateurs ( Tavernier, Miller, Corneau... ) et interprétés par les plus grands acteurs ( Serrault, Blier, Ventura, Montand, Leotard, Depardieu, Deneuve, Rampling...) n'hésitant pas à a s'impliquer complètement dans ses projets ambitieux (Buffet froid, La balance, Coup de torchon ou Mortelle Randonnée). Alain Corneau disait qu'il s'arrêterait de tourner des polars quand il en réussirait un, on comprend ainsi, qu'après Le choix des armes, il ait abandonné le genre (a notre plus grand regret). Ce film m'a happé, il est bluffant et nous met dans une situation de tension, d'insécurité permanente, mais il réussit en même temps a nous faire prendre du plaisir, devant la stylisation extrême qui rend parfaitement le coté glauque et poisseux des décors. Le film bénéficie de scènes incroyables, Depardieu tuant un flic puis mettant une main devant sa bouche, choqué par ce qu'il vient de faire, ou la scène de la station service, inoubliable... C'est un vrai hommage que rend Corneau a Becker, Huston, Melville et Dassin, traitant pour la première fois de la mythologie du polar : la radiographie sociale (c'est le premier a montrer du doigt, bien avant La Haine, les banlieues sordides ou s'entassent des populations meurtries et désespérées, ou rien ne change. Dieu qu'il filme bien ces blocs de bétons ) et le fatum bien sur, qui devait disparaitre un peu après avec l'arrivée de la drogue dans la criminalité, désastre qui causa la fin de la charge tragique. Plus de code de l'honneur, de règles, tout ça est est vite apparu comme dépassé... D'où le coté nostalgique du film, qui parait classique dans la forme mais qui se révèle tout le contraire quand on creuse un peu. Depardieu tient son plus grand rôle au cinéma, instinctif, brute au cœur tendre et moins survolté que Deweare dans Série Noire, c'est l'apogée de tous les rôles de loubard qu'il a pu interprété. Grandiose.
Une tres bonne suite au premier timecop, mais c'est dommage qu'elle soit si courte (1h20), j'aurai voulu que ce sujet aussi vaste soit mieux developpé. Messieurs les producteurs, devant une foule nombreuse vous implorant de creer une serie, ne resistez pas, faite-là, vous aurez beaucoup de fans. Merci de transmettre ce message.