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« The Attorney » est un très bon film dramatique et juridique, reposant sur une histoire basée sur des faits réels et disposant d’une intrigue très attractive. Le rythme est plaisant, bien que quelque peu poussif dans la première partie. L’ambiance est très bien reconstituée à travers les décors, les costumes et le look général des personnages. La bande originale vient souligner agréablement les moments clé du récit. L’ensemble s’inscrit une nouvelle fois dans une forme de témoignage d’une époque troublée de la Corée du Sud. Un film soigné et engageant pour peu que l’on s’intéresse à l’histoire du Pays du Matin Calme.
Aujourd'hui soit on y va à fond avec les pathos, la musique bien émouvante qui dit bien quand il faut être ému, soit au contraire avec un sujet au potentiel émotion très fort on est aussi chaleureux qu'un réfrigérateur ; jamais entre les deux comme si l'émotion tout en gardant un ton sobre était synonyme de "ratage" alors que les plus grandes réussites dans le drame sont ce type de représentants. "Lore" raconte l'histoire d'une très jeune femme, fille d'un ponte de la SS, laissée à elle-même avec ses jeunes frères et sœurs dans une Allemagne des derniers jours de la Seconde Guerre Mondiale, et qui n'a pas d'autres choix que de faire confiance à un rescapé juif alors qu'elle a été élevée bien évidemment dans une haine féroce du juif. Avec ça, on s'attend à beaucoup d'émotions avec le portrait de la protagoniste qui doit faire face à des doutes par rapport à l'idéologie qu'on lui a enseignée, avec une fin de guerre vue à travers les yeux de jeunes personnes, avec la relation de deux personnes que tout oppose mais qui doivent être ensemble pour survivre, etc... Mais non, on reste pratiquement à la surface des choses. Le ton reste résolument froid et c'est regrettable. D'autant plus regrettable que la réalisation du point de vue technique est soignée et que l'actrice principale Saskia Rosendahl est convaincante...
Un navet. C'est quoi ça , des petites histoires sans queue ni tete qui ne se rejoignent jamias. A part un ou deux les autres histoires sont pourries.
Je n'ai pas vraiment aimé mais il ne faut pas confondre le personnage (génial) et le film (moyen)
Un film très dure et malheureusement très proche de la triste vérité. Plus le film avance plus on est capitivé et on ne peux plus en décrocher sans y avoir vu la fin. Tous les hommes devraient le voir et y etre obligé. Seule petit reproche, nous n'avons aucun repert dans le temps.
Quelle daube...entre un film mou, sans réel scénario..au final sans intérêt, des décors vraiment pas attrayants, des scènes pires qu'inutiles et ou les acteurs jouent mal ou ne sont pas crédibles (excepté val kilmer et eva mendes mais qui sont tellement absents du film qu'on finit par les oublier; et nicolas cage, qui joue un rôle qui ne lui convient pas du tout).J'ai lu dans les secrets de tournage que le réalisateur n'avait pas vu "l'oeuvre originale" Bad Lieutenant, d'abel Ferrara avant de tourner le film, ce qu'il aurait du commencer par faire pour prendre une leçon de cinéma et d'éviter de faire des remake sans intérêts... A éviter, pour ceux qui ne l'ont pas vu, et à oublier pour ceux qui ont cru à un bon film en allant le voir
Un classique du genre. Ce film est très intelligent. Même si on ne sent pas un immense réalisateur derrière la caméra, la msie en scène de Bryan Forbes est tout de même efficace, réussissant à créer une atmosphère très angoissante. Ce film très pessimiste est d'autant plus intéréssant à suivre qu'il est dénonciateur par rapport à une certaine folie humaine, et c'est vraiment très intéréssant à suivre. KAtharine est quant à elle excellente.
Joli premier film(étonnant de maîtrise quand on connaît l'âge des réalisateurs),drôle,émouvant,poétique, grand bravo aux acteurs et à Anne Consigny(que j'adore,eh oui je suis parti pris)qui ne s'y est pas trompé en jouant ce(petit)rôle de mère qui ne comprend pas(au début)les choix de sa fille.
Un bon scénario, un bon film, une histoire loufoque et ténébreuse. Des très grandes et bonnes jeunes actrices.
Un artisan dans le besoin commet des hold-ups pour payer ses employés, et en profite pour tromper sa femme avec une employée des postes ... Bien que cette comédie campagnarde au triangle amoureux est plutôt bien réalisée, son absence totale de logique pourra faire sourire si toutefois on entre dans l'intrigue.
Un nanard, purement et simplement. Bien que le scénario soit un peu ficelé, ça n'en reste pas moins du déjà vu. Les prises de vues sont comme les combats, du stade du débutant, risibles, ni fait ni à faire. Il y a des incohérences dans le scénario et des scènes téléphonées, l'actoring serait mieux interprété par des collégiens. Mais le gros point faible demeure les combats. Pour finir, le film ne s'achève pas, le spectateur s'attend à ce qu'il continue, mais il coupe subitement sur une action en cours.
Vu a l'avant premiere a Phnom Penh il y a quelque semaines. Un tres beau film qui m'á fait ressentir l'horreur du genocide khmer dont mes parents m'ont toujours parlé sans pour autant tomber dans le grossier et la vilence gratuite. Un film important.
Aucune autre qu'Audrey Hepburn n'aurait jouer la Princesse Anne avec plus de Grâce et d'élégance. À chaque fois, je fonds devant c film a combien romantique. Quel couple merveilleux. Rome est filmé sous son meilleur jour. Plus qu'une escapade c'est un rêve et un enchantement.
Un film qui peut paraitre ennuyeux à beaucoup et particulièrement intéressant à certains. Je fais partie des certains pour au moins trois raisons : en premier, la mise en scène qui s’adapte parfaitement au roman de McMurtry puis les thèmes qui restent d’une actualité brulante puisque chaque génération les retrouvent,enfin les acteurs qui donnent à leurs personnages une vraie vie. De surcroit, c’est un film courageux et honnête qui n’est pas fait pour plaire mais pour enrichir notre expérience de la vie, Martin Ritt a toujours eu à cœur de nous rendre plus intelligents. ‘’Hud’’ a de quoi dérouter par sa forme puisque il est à l’opposé du spectacle ou du rêve sans cependant tomber dans un réalisme voyeur. C’est le genre : ‘’cinéma qui n’en est pas’’. Il nous reste cependant le plaisir d’admirer Paul Newman qui reprend avec plus de maturité son rôle du ‘’Gaucher’’ tourné par Penn 5 ans plus tôt, Penn et Ritt ayant de nombreux points communs. Enfin quel plaisir d’admirer Patricia Neal dans un rôle d’une sensualité à faire pâlir bien des actrices plus réputées qu’elle pour cela ! On est à des années lumières de sa phrase magique ‘’ Klaatu barada nicto ‘’ qui modifia le comportement de Gort. Dernière remarque : le titre français particulièrement inadapté et générateur de frustrations puisque Hud est juste un sauvage parmi les autres.
Ce film est un véritable casse tête. Je ne sais pas comment le noter. On peut soit penser à un film extraordinaire soit penser à un film très moyen. L'histoire n'est pas banal : un groupe de danseurs de tout horizon se retrouve pour une dernière répétition avant de partir en tournée. Malheureusement, une drogue dans la sangria va rendre tous les danseurs complètement fou sur différentes manières. Violence, sexe, danses endiablées, ... un grand fourre tour qui ne laissera pas insensible. Bref : un climat explosif et un malaise certain.
Un seul mot me vient à l'esprit pour résumer une telle œuvre, un seul : celui de génie. Génie de la caméra Orson Welles qui donne une vie cinématographique au génie du texte de Shakespeare. Tout dans ce film évoque la démesure et le talent de Welles : les décors gothiques, la musique effrayante et les acteurs impeccables. Le génie d'Orson Welles est donc d'avoir su dépasser la technique facile du théâtre filmé pour donner à l'immense tragédie de Shakespeare un souffle cinématographique incroyable, une tonalité épique servie par une esthétique baroque sans aucune lourdeur. Macbeth, véritable mise en scène du mal fut la semence de l'un des plus beaux arbres du jardin babylonesque de l'œuvre Orson Welles.
Un film déconseillé aux plus de 6ans. Ce n'est pas drôle, c'est très bêta, l'interprétation est plus que moyenne et même les rôles présents pour les gags manquent de fraîcheur et leurs répliques ou leurs situations ne font pas mouche. Passez votre chemin !!
Ennuyeux, un peu long et franchement pas drôle. Je l'ai vu en tant que fan de Ricci, mais elle est peu mise en valeur. A ne voir qu'en cas de besoin.
Conjuring est un petit bijou qui pourrait bien devenir une sorte de référence dans le genre du film d'épouvante. Après nous avoir prouvé qu'il était capable de nous foutre les chocottes lors d'un mini épisode démonstratif d'une dizaine de minutes, le film aborde un côté didactique par le biais du couple formé par un "démonologue" et une médium, tous deux héros du film, réglant les problèmes de possession un à un comme un obèse réglerait son compte à une boîte de Célébration. Le choix des acteurs est bon, avec les très beaux et rassurants Vera Farmiga et Patrick Wilson, que l'on avait vu dans le déjà très bon Insidious, qui lui aussi différait de la plupart des films du genre. Conjuring a été voulu plus réaliste que ses rivaux et est donc narré sous forme de témoignage. En revanche, la réalisation apportée est bien digne de ce qu'on peut faire de mieux dans le cinéma de genre. J'en veux pour exemple la magnifique séquence de traveling ininterrompue lors de la première découverte de la maison hantée. La différence avec ses rivaux se joue aussi dans le temps qui est pris pour faire monter la pression. Le couple sauveur s'installe chez la famille de victimes et instaure presque un climat de colonie de vacances, avec le policier et l'étudiant en guest-stars aux premières loges ! Ici, aucune victime n'est à déplorer, et la manière de procéder prime sur le résultat, finalement peu important pour le spectateur. Seule le plan final renoue avec les codes du genre, laissant place à une suite et surtout à l'imagination de chacun d'ici là. Un bonbon dont il ne faut pas se priver !
Un classique du cinéma à suspens mené par un Spielberg bien jeune (il s'agit de son premier téléfilm diffusé sur la chaîne de télévision ABC en 1971) mais possédant déjà le style soigné qui fera sa réussite par la suite. L'histoire de cet homme qui se fait poursuivre par un camion (il a une telle personnalité donnée par Spielberg que l'on a tendance à croire qu'il est poursuivi par le véhicule et non par son conducteur) sans raison valable (pas de choc, de geste déplacé...), devient vite suffocante tant la tension grandit au fur et à mesure des tentatives du camion pour tuer ce pauvre homme. Pas de sursaut à prévoir sur son siège, mais c'est peut-être bien pire au final car il n'y a rien pour nous rassurer, on ne sait jamais où est le camion, qui est ce conducteur (on garde le secret avec des gros plans de main, de pied, une vitre sale et teintée...), ce qu'il veut à notre antihéros et surtout, jusqu'où il est prêt à aller... Un final grandiose (sachant en plus que la chute du camion a été tournée une seule et unique fois, on dit "chapeau") qui conclut un film essoufflant de suspens. Un maître du genre.
Le probleme avec ce film c'est qu'a peine 5 secondes apres son debut on se sent plonger dans un des plus terribles nanars de ces dernieres annees (la personne qui m'accompagnait m'a avoue avoir effectivement pense a quitter la salle au bout de la 1ere minute ! comme moi !!). Or, dans le journaux, des critiques tres au fait du cinema moderne disent que c'est un film de grande qualite, poetique, a voir absolument, et qui est dans la suite d'une veritable oeuvre cinematographique. Je veux bien les croire ! Mais comment expliquer que les acteurs jouent faux, comme si ils dechiffraient le texte sur un prompteur un peu trop distant (c'est une image, evidemment, car je ne crois pas qu'il y ait eu besoin de prompteur vu la simplicite des dialogues) ? Comment expliquer la difficulte a suivre un scenario pourtant simple ? Comment expliquer des gags dont on est oblige d'attendre la fin pour comprendre que c'etait un gag (pour etre honnete, il faut dire que des gens dans la salle ont ri, je peux l'attester. Moi meme, j'ai aime le gag de la pioche)? Bon, j'avoue une forme de manque d'objectivite : je ne suis pas fan de Godard ! Du moins, pas encore, faut probablement que je grandisse ! Donc, c'etait peut etre un probleme de manque de preparation de ma part... Mais en conclusion un peu contradictoire, je dirai que ce film est a reserver a un public soit tres averti et connaisseur, soit totalement desinhibe et libre de toute reference cinematographique.
Une bonne idée du racisme aggravé ( ici, de plus, doublé d'ostracisme ) servi par la cause des fausses-accusations, du pointage de doigt et de ces oui-dires : Curieusement assez réel, le film n'a guère vieilli, surtout quand on observe quelques situations démontrant bien que cette "civilisation" ne s'est de toute façon qu'assez peu amélioré depuis...
Nous y voilà, ce fameux épisode 5, considéré par beaucoup comme le meilleur de la saga mais au delà de ça un des plus grand film de science-fiction de tous les temps. J'avoue avoir du mal à départager "Un nouvel espoir" de celui-ci dans mon coeur, le tout premier ayant un charme fou et ayant également marqué l'histoire du cinéma d'une empreinte indélébile mais il faut l'avouer aussi qui a un peu plus vieilli que "L'empire contre-attaque". Ce dernier est une pure merveille que ce soit au niveau de l'intrigue ou des effets spéciaux, il est jalonné de scènes plus cultes les unes que les autres, la plupart me foutant les poils à chaque coup. L'attaque sur la planète Hoth, Luke rencontrant pour la première fois Yoda dans ce sombre et glauque système Dagobah, la cryogénie de Solo, Luke face à Vador et ses propres démons, c'est simplement génial du début à la fin, on perd également cet aspect simpliste et sympatoche de l'épisode 4 pour un univers beaucoup plus sombre et les enjeux se dévoilent enfin. Que dire également de l'apprentissage de Luke avec les leçons enseignées par Yoda qui vont bien au delà du simple apprentissage Jedi, ce sont des leçons de vie et le combat intérieur entre le bien et le mal commence véritablement pour Luke. Ce film touche du doigt la perfection, je n'ai rien à dire de négatif dessus, mon unique regret étant de ne plus être surpris comme la première fois par les révélations sur les liens familiaux de Luke, malgré tout certaines répliques gardent la même puissance dramatique que la première fois que je les ai entendus. Un véritable régal, de bout en bout, et une ouverture au top vers l'ultime (pour le moment ...) volet de la saga. Merci Georges Lucas pour tout ça, on en oublierait presque que c'est Irvin Kershner le réalisateur de celui-ci !
Critique de la bourgeoisie, de la société de consommation et de loisirs, appel au discours révolutionnaire... Sur le papier, c'est prometteur. Mais Godard ne ménage pas le spectateur : déconstruction narrative, jeux sonores tonitruants, symbolique outrancière... C'est inregardable et inécoutable.
Un film très très bizarre... peut être à voir une fois mais pas deux!!
Ce grand classique du cinéma japonais est, sur le plan esthétique (les couleurs des décors et des costumes sont maitrisés avec une main de maitre) comme sur celui du jeu d'acteurs (Mariko Okada, en plus d'être splendide, joue à la perfection son rôle de la femme pleine de pudeur et de bonnes intentions), une référence incontournable en matière de mélodrame. Sur le fond il s’agit également d’une magnifique romance tourmentée, métaphore de la situation difficile du Japon d’après-guerre. Bref, une petite perle à ne pas rater.
Un film qui a fait l'unanimité au festival de Cannes 2012,sans pour autant repartir avec un quelconque prix.Leos carax est décidément un cinéaste insaisissable,destabilisant,qui provoque des réactions presque épidermiques."Holy Motors" n'est que ça.Montagnes russes d'émotions,de couleurs,de sons,de personnages;avec un enthousiasme qui suit le même chemin,allant du très haut au très bas.Le principe est complexe,mais une fois qu'on l'a pigé tout devient limpide.Une limousine blanche parcourt Paris de nuit.A son bord,un homme protéiforme,qui a chaque arrêt se transforme en clochard,en chef d'entreprise,en père de famille,en amant déchu,en cascadeur...Au total,12 personnages pour Denis Lavant,la muse de Carax,qui passe son temps à enfiler des masques.Bien sûr,on ressent que Carax rend un hommage à toutes les formes du 7ème art(mélodrame,musical,action,fable...),et nous interroge même sur les ambitions formelles du cinéma.Tourné en numérique,le film est beau,rendant le Paris nocturne très intriguant.Malheureusement,il reste très théorique et imperméable à toute notion d'émotion.Cet objet est donc aussi réfrigérant que virtuose.
Les cinéphiles, passez votre chemin ! La construction de l'histoire est simple limite beta, les acteurs nous font parfois honte avec des réplique. L'histoire d'amour entre Jiulia et Thomas prend une énorme place dans le film alors qu'elle est inutile, juste la pour completer les troues sans actions, je ne comprend d'ailleurs même pas pourquoi avoir crée cette relation.
Quelle rigolade, le tableau plein de stéréotypes risibles sur les asiatiques et les arabes, au second voire au douzième degrés. Sans prétentions, léger et drôle. Une comédie sympathique comme je les aime.
Mon film Pokémon préféré, et je suis pourtant souvent sévère avec les films Pokémon. Pour moi, c'est un 20/20. Emotion, joie, rire, pleurs, tous les sentiments me sont passés dans ce film de très bonne qualité visuelle accompagné d'un scénario saisissant. Je n'ai pas trouvé de défaut à ce film Pokémon, c'est dire. Bravo.
La quinceañera est la célébration du 15ème anniversaire d'un jeune fille, le moment où elle est censée devenir une femme. Lorsque Magdalena se retrouve enceinte à quelques mois la sienne, les choses se passent plutôt mal à la maison : voilà pour le scénario. L'intérêt du script ne réside pas tant dans ce pitch que dans l'endroit où il se situe : les quartiers défavorisés de LA, autour d'Echo Park et d'Alvarado. Alors que ces blocs sont généralement considérés comme le repaire de la pire racaille de la planète, Echo Park nous montre les gens ordinaires qui essaient d'y vivre une vie ordinaire, malgré l'environnement hostile. Un bon scénario, avec certes un déroulement classique mais également des subplots dignes d'intérêt et surtout des personnages auxquels on s'attache. On s'y attache d'autant plus que le casting est de qualité, sans doute dans sa grande majorité originaire des quartiers où se situe l'action. L'interprétation de Emily Rios et Jesse Garcia est d'une sensibilité rare, une bonne surprise pour des acteurs de cet âge.
Encore un film de Patrice Leconte formidable. Il sait filmer les acteurs au plus juste. Il est le meilleur pour les films tragiques. Du bon cinéma français. Point. Rien à ajouter. Je préfère rester encore silencieuse et repenser à cet regard et ces mains qui finissent par lâcher... la vie.
Une comédie plutôt légère et dans son ensemble assez naïve. Calamity est dépeinte comme une simple d'esprit un peu rustre. Les musiques sont sympas mais pas mémorables. Certaines scènes sont assez ridicules avec le pompon pour celle de l'intérieur de la maison (une touche féminine) avec un esprit Mary Poppins...... C'est simplet au final mais il y a un esprit bon enfant pour un western de pacotille.
Réalisateur un peu (beaucoup) oublié aujourd'hui, David Miller est pourtant l'auteur d'une poignée d'excellents titres dont « Le Masque arraché » fait clairement partie. Très bien mis en scène, doté d'une photographie de premier ordre et reposant sur un scénario de facture relativement classique mais fort solidement construit et mené, ce film noir a une sacrée allure et tient sans mal la distance du début à la fin. Certes, pas de rebondissements spectaculaires, ni de révélations incroyables auxquelles on repense des jours plus tard. Mais il y a une grande cohérence d'ensemble, Miller prouvant avec brio qu'on peut offrir une histoire prenante sans en mettre forcément plein la vue, l'impressionnante maîtrise dont il fait preuve à plusieurs reprises(la poursuite finale est un modèle du genre)forçant le respect. Et sans être le gros point fort du film, le trio Joan Crawford - Jack Palance - Gloria Grahame fait quand même bien le boulot (avec une petite préférence pour la dernière), exprimant bien les différents enjeux et forces en présence du récit. Une belle réussite, que la sortie en DVD permettra au maximum (du moins, je l'espère!) de (re)découvrir.
"Prendre le Large" raconte l'histoire d'Edith (Sandrine Bonnaire), une ouvrière qui choisit, plutôt que d'être licenciée, d'être reclassée à Tanger, où son usine de textile a été délocalisée. Si le film présente un propos social fort, il n'est en aucun cas un film politique. C'est là toute sa force : "Prendre le Large" dit beaucoup de choses tout en restant un film simple et léger. Une écriture qui va à l'essentiel, et surtout une immense bienveillance de l'auteur vis-à-vis de ses personnages, toujours vrais, jamais manichéens, viennent contrebalancer la dureté de la quête initiatique d'Edith qui reconstruit sa vie dans un pays qu'elle ne connaît pas. C'est par cette balance subtile que "Prendre le Large" parvient à être si juste avec les épineux sujets d'actualité qu'il aborde (le chômage, les relations mère/fils, l'altérité...) sans jamais entacher leur profondeur. "Prendre le Large" ose être lumineux et plein d'espoir. Là où le film pourrait être d'un réalisme davantage cru et convenu, Gaël Morel parvient à en faire une fable ensoleillée. Un film qui fait du bien.
Autant J' avais été assez répugné par le précedent film de cet auteur "KEN PARK", autant j' ai fort apprécié ce film! Il est grandement mené et les acteurs sont très convaincants.
Ca sent "la Fureur de vivre", ça ressemble à "la Fureur de vivre", ça a le goût de la "Fureur de vivre"..., mais ça n'est pas la "Fureur de vivre" !! Loin de là ! Et heureusement, tant la réalisation de Carné semble poussive quand Nicholas Ray, filmant la détresse de James Dean et de Natalie Wood surfe sur un bain de coton... Léger, léger, léger... Une chose est sûre, Carné a vu le chef-d'oeuvre de Nicholas Ray, mais à vouloir transposer le mal être de la jeunesse américaine dans la banlieue de Paris, il y a là un pas qu'il ne fallait pas franchir. Tout sonne faux dans ce "Terrain vague", du scénario à l'intrigue molle du genou, en passant par la musique et l'interprétation... Bref, on est loin des "Enfants du paradis". Bien Français ces derniers... et bien filmés !!
En (re)visionnant aujourd'hui Le Tonnerre de Dieu', un sentiment de bien-être vous accapare. Telle une sorte de bouffée d'oxygène, tandis que l'ère du zapping bat aujourd'hui son plein. Au lieu de se détériorer, le cinéma de Denys de la Pattelière (Les grandes familles', Un taxi pour Tobrouk' ) jouit plus que jamais de son époque, de ses vedettes, de ses valeurs et de ses beaux mots. Une pléiade de bons sentiments aussi, sans que l'on ne tombe toutefois dans l'excès. Et une histoire certes simple, mais dont on ne décroche jamais. Riche vétérinaire à la retraite et sans enfants, un Jean Gabin fidèle à lui-même recueille une jeune et insouciante prostituée, Michèle Mercier, prisonnière d'un proxénète sans scrupule, le pourtant élégant Robert Hossein. Joli coup de la production, ces deux derniers acteurs étant alors au faîte de l'actualité  nous sommes en 1965-, avec le début de la saga d'Angélique. Ils aideront naturellement à faire de ce Tonnerre un gros succès, tourné en partie dans les alentours de Nantes, ville originelle du réalisateur. A noter que Georges Garvarentz, beau-frère de Charles Azanavour (dont on entend un morceau dans le film), signa ici l'une de ses meilleures bandes-originales. Un résultat donc probant, révélateur d'un temps que l'on regrette sitôt la fin d'un film, qui devrait être diffusé plus qu'une fois par décennie sur les grandes chaînes nationales. Une fiction qui prouve par ailleurs, qu'il ne faut pas nécessairement vingt mouvements de caméra à la minute pour obtenir un résultat visuel efficace. Et finalement, tellement reposant. Un film à déguster.
Un grand film sur la déraison de la passion et l'impuissance de l'homme à y résister , avec des acteurs tous excellents, y compris la petite Juliette Binoche qui en était à ses débuts... à regarder avec passion!