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Très beau film qui explore avec finesse, humour et fantaisie, l’espoir qui subsiste quand tout semble perdu. L’espoir comme un mirage, comme cette grande ville qui scintille de l’autre côté de la rive et que Lana rêve de rejoindre, comme cette sirène qui apparaîtra peut-être, peut-être pas... Tous les personnages sont justes et poignants et on se reconnaît en chacun d’eux. Les acteurs sont étonnants, l’image est très belle, l’écriture et la mise en scène aussi entraînante qu’inattendue. Un premier film pas prétentieux mais plein d'audace et d'originalité. à découvrir !
Débutant avec un long plan séquence et une conversation évoquant celui de "La soif du Mal" de Orson Welles, "The Player" de Robert Altman nous fait suivre Griffin Mill, directeur de production à Hollywood qui, en plus de craindre pour son emploi, se voit recevoir des lettres anonymes menaçantes. Passé ce long plan séquence, Robert Altmant braque sa caméra sur le personnage de Griffin sans plus jamais le lâcher. Altman décrit ce producteur comme assez cynique et arrogant, tout en le rendant attachant, notamment lorsqu'il le met peu à peu face à ses peurs et ses doutes, le poussant dans ses derniers retranchement. Le scénario est habilement et intelligemment écrit (tout comme les personnages), brouillant les pistes et nous emmenant dans des sentiers inattendus. Brillamment mis en scène, Altman arrive à créer une atmosphère troublante et presque paranoïaque mais souvent prenante. Il met en scène une galerie de personnages intéressants autour de Griffin (très bien interprété par Tim Robbins) qui lui semble totalement perdu dans ce monde hollywoodien. Assez habilement, Altman n'oublie pas quelques touches d'humours. Si le cinéma n'est pas le sujet principal de son film, il est néanmoins omniprésent. Sous couvert de thriller, il en profite pour mettre en scène une critique acerbe, intelligente, cynique et réaliste (malheureusement) d'un monde Hollywoodien impitoyable et malhonnête, que ce soit à travers les personnages ou les méthodes. Il truffe aussi son film de nombreuses références que ce soit dans les dialogues, les affiches ("Laura", "L'ange Bleu"...) ou les apparitions (Jack Lemmon en retraité, Rod Steiger prenant l'apéritif, Bruce Willis, Julia Roberts...). Somptueuse mise en abyme intelligente, cynique, impitoyable et passionnante, "The Player" est une réussite et se place, à mes yeux, comme l'une des plus belle de son auteur.
Vient de sortir un inédit d'Ozu, son premier film parlant tourné en 1936 qui déjà porte en germe le thème de tous ses films ultérieurs. Le maître japonais n'a cessé de filmer à ras de tatami les mêmes histoires : des histoires de familles ordinaires dont les parents nourrissent des ambitions souvent déçues pour leurs enfants. Ces vies simples sont tissées de désillusions. Mais elles ne sont jamais amères. La mère du "Fils unique" découvre que son enfant, parti travailler à Tokyo, vit chichement. mais plutôt que de s'en indigner, elle s'y résigne mélancoliquement. "On ne fait pas toujours ce que l'on veut dans la vie" soupire-t-elle. Morale de cloportes résignés ? Ou au contraire philosophie de l'acceptation pure ? Les vies ratées comme les vies réussies ne seraient-elles que celles que l'on accepte de qualifier ainsi ?
Rhinobelos
Hell est une très bonne surprise, il est stressant et angoissant, les décors sont impeccable, les acteurs sont très bon, le scénario se base sur de la survie et du déjà vu mais le tout nous fait passer un très bon moment. A voir.
Un navet, dommage l'idée de départ était bonne. Mais trop de gore à outrance dans un mauvais genre ennuyeux et long, tue le gore! Le film se traîne dans des clichés surannés et vides de sens. A éviter.
La biographie de cette artiste libre de la Renaissance a l'ambition de dresser le portrait d'une féministe avant l'heure, sensible, amoureuse, victime de son temps. Malheureusement l'histoire s'enlise dans les affaires de cœur et réduit la portée de son propos. Cette personnalité singulière, dont on a gardé des tableaux tout aussi singulier méritait mieux qu'un simple biopic englué dans les relations compliquées que l'héroïne nouait avec les hommes. Ce n'est guère passionnant, et plutôt convenu comme angle d'attaque. Et la mise en scène aussi plate qu'un téléfilm n’arrange pas l'affaire. Dommage.
Il ne suffit pas de réunir le couple mythique Gere/Roberts pour avoir un bon film la preuve en est avec cette comédie romantique ennuyeuse et trop longue. 10/20
C'est une comédie dramatique et policière de haute volée et jubilatoire ! Le mélange est explosif : meurtre, mensonges, dissimulations, racisme, cruauté, humour, loufoquerie, enquêtes, famille, voisinage... Nous voilà devant une petite bourgade américaine en 1959 pas belle à voir ! J'ai adoré.
Je n´ai pas vu le premiere film. Sans comparer, c´est quoi? Une histoire d´amour? Une reportage de tournage du film? Un polar? Un aventure dans le desert? Un film psychologique? Un peu de tout et en effet rien. Le film manque de un sujet clair, de emotion, de tension, de gradation. Beaucoup de acteurs tres célebres dans un film mauvais.
1h30 de souffrance, très peu de passages sont intéressants. Le réalisateur en fait beaucoup trop; mettre au même niveau les requins et les membres de sa famille... De plus le mélange documentaire, film d'action à l'américain ça fait vraiment pas bon ménage . Ce n'a pas sa place salle; une simple sortie DVD aurait largement suffit.
Seul intêret de ce " Prix de beauté " il s'agit de la présence de la très belle Louise Brooks dans le rôle principale. Malgré une fin très réussi, l'histoire n'est guère passionnante, la mise en scène de Augusta Gemina fait souvent mal au crâne, et le doublage en français de Louise Brooks est un véritable désastre, ce qui n'est guère étonnant quand on pense que le film à commencer à être tourné en muet. Le long métrage possède aussi une musique assez sympathique à écouter, mais l'ensemble de l'oeuvre est tout de même assez affligeant, et on est loin des deux grosses réussites que Louise Brooks aura tournée auparavant, à savoir " Loulou " et " Le journal d'une fille perdue ".
La mode de l'adaptation des séries en film poursuit son cours, et forcément on finit par baisser le niveau d'exigence quant aux choix du modèle. Bon là on est tombé bien bas parce que Shériff fais moi peur c'est quand même de la beaufitude ringarde US. Le seul bon point c'est le casting : bien trouvé avec une Jessica Simson ultra sexy (le clip vaut le détour sauf si vous détestez les clichés, auquel cas passez-vous de ce film). Du reste rien de bon, on devine tout et rien n'est passionnant, même les courses de voiture qui faisait pourtant toute la série, c'est dire le basique.
Et encore un film Marvel vide. Un Civil War ou le problème n est rien d'autre que la querelle iron man/captain america et ne concerne en rien ou peux la nation. Une action se déroulant sur 36heures la ou il faudrait des mois. Des petites vannes a la dtc pour essayer de faire dire : oui mais c est drôle. L'humour Marvel/Disney détruit les figures emblématiques créés dans les comics. Disney détruit ce qui a la base est inventif. Merci à Disney, après avoir détruit leur dessin animé, ils détruisent tout ce qui a pu avoir une bonne réputation un jour. Marvel, star Wars et sûrement bientôt indiana Jones !!!!
Un petit bijou, tous les ignares ne faisant même pas travailleur leurs méninges ne vont pour sûr rien comprendre, mais ce film dépend de nous, spectateurs, et de notre compréhension qui va nous plonger dans cette univers kabyle et ses relations père-fils touchantes. Particulièrement bien construit, nous comprenons à la fin que les scènes dites "de lenteur" étaient indispensables à la compréhension du personnage et finalement, du film. J'ai adoré.
Le concept des films pseudo réels avec la caméra au point et les images horribles deviennent pénibles très rapidement. Aucune originalité dans la pseudo découverte de ces astronautes qui les mènera à leur fin. Couverte par la classique question du secret défense. Bref, film à éviter absolument.
La beauftitude d'une certaine catégorie de personnes dans toute sa splendeur , passé 10 minutes quel ennui .
Il s'agit à ma connaissance de l'une des meilleures adaptations de l'œuvre d'Alexandre Dumas père par Bernard Borderie, l'un des spécialistes du film de cape et d'épée avec André Hunebelle. La distribution est brillante avec des acteurs familiers de ce genre. En premier lieu, on retrouve avec plaisir Gérard Barray dans le rôle principal de d'Artagnan, virevoltant, maniant l'épée avec dextérité (il avait suivi des cours d'escrime dans l'équipe de Claude Carliez. Il est accompagné notamment de Georges Descrières (l'inoubliable Arsène Lupin) qui incarne son ami Athos et de Jean Carmet dans le rôle de Planchet. La charmante Mylène Demongeot campe l'intrigante Milady tandis que Guy Delorme interprète l'âme damné de Richelieu, l'un des nombreux rôles similaires qu'il incarnât dans sa carrière. J'ajouterai Guy Tréjean pour son rôle du roi Louis XIII et surtout Daniel Sorano pour son excellente interprétation du Cardinal de Richelieu. Ce film, tout en mouvement, ne laisse pas de place à l'ennui et constitue un excellent divertissement.
Un nanard absolu!! Le debut est ultra caricaturé et telephoné,rien ne laisse part à l'imagination ou à la peur de ce que l'on va voir..Le scenario est nul et pas credible pour un sou. Rien d'inquietant ni d'angoissant, presque tout est previsible... à eviter
Un film sans histoire qui croit encore que mettre en scène des nigauds avec l'accent irlandais suffit pour être drôle.
Papicha : à Alger, jeune femme drôle, jolie et libérée. Comme l'héroïne du premier long-métrage de Mounia Meddour, et aussi courageuse (inconsciente ?), obstinée et fragile. Dans la décennie noire de l'Algérie (150 000 morts dans les années 90), ce genre de caractéristiques vous exposait à un véritable danger de mort alors que l'intégrisme religieux et l'obscurantisme faisait d'elles des cibles idéales. Papicha est un film puissant et candide à la fois, impressionnant dans les scènes de violence, viscéral et attaché à une esthétique qui frôle parfois le maniérisme. Mais la force de conviction de la mise en scène emporte tout sur son passage, alternant la comédie (dialogues irrésistibles en "françarabe") et la tragédie sans transition et ménageant des ellipses brutales mais pertinentes. Cette Papicha est avant tout fière d'être algérienne et entend transcrire ses rêves dans la réalité en dépit d'un contexte délétère, elle est sans doute en partie d'essence autobiographique pour la réalisatrice qui l'érige aussi en symbole des femmes algériennes qui ont choisi de ne pas se soumettre. Le message, 20 ans après, conserve toute son acuité dans une société toujours patriarcale et où sévit une grave crise économique et sociale. Lyna Khoudri, l'actrice qui incarne la Papicha du film, est époustouflante. La tornade émotionnelle qu'elle subit est captée avec sensibilité et subtilité par sa réalisatrice, qui révèle d'emblée un talent au moins égal à celui de ses consoeurs cinéastes du Maghreb, comme la tunisienne Kaouther Ben Hania (La belle et la meute) ou la marocaine Meryem Benm'barek (Sofia).
Une semaine sur deux est une comédie dramatico/sociale surfant sur ce qui se fait de plus en plus au cinéma ces derniers temps, à savoir, les séparations de couple, la garde alternée, les couples qui se rabibochent, les amourettes d’ados, bref, un condensé de ce que l’on aura déjà vu auparavant ! Ajoutez à cela, des dialogues irréalistes où les répliques ne font pas naturel (prononcées par des enfants qui à l’heure d’aujourd’hui ne parleraient pas de cette façon, ni de tel sujet). Si le film ennuie par son manque d’audace et d’originalité, heureusement que les comédiens sont dans l’ensemble satisfaisants, que ce soit Mathilde Seigner, Bernard Campan ou les enfants.
Voici une comédie qui aurait pu (dû) être fort sympathique mais qui s'avère sans grand intérêt faute en grande partie à un scénario quasi absent, l'histoire n'est pas terrible, il ne se passe grand chose durant ce court film. Molinaro ne parvient pas à faire de La Mandarine un film transgressif (un Anglais joué par le chanteur Murray Head s'immisce dans une famille décalée possédant un hôtel) et sa réalisation manque considérablement de folie en fait La Mandarine est portée essentiellement par ses acteurs, Girardot et Noiret en tête.
Il y a tout juste 9 mois, en janvier dernier, sortait sur nos écrans le premier volet de la trilogie 20th Century Boys. Cette adaptation du manga était très décevante, la mise en scène, les propos et l’histoire s’avéraient inintéressants et complexes à la fois, si bien que nous étions rebuté à l’idée de découvrir cette suite. Comme on l’attendait, le film peine à convaincre (sur le début), trop lent et difficile d’accès, heureusement que la tendance s’inverse dès la deuxième partie du film, qui s’avère plus prenante, haletante et captivante. On commence « enfin » à y comprendre quelque chose (pour les novices) car les aficionados eux, n’auront pas à cacher leur satisfaction ! Un deuxième volet plus compréhensible et plus « ouvert » d’accès, mais tout de même lassant du haut de ses 140 minutes. On espère que le troisième et dernier opus sera mieux (prévu en 2010).
Chuck norris une fois de plus au top du nanard bien moisie.
L'un des films les plus originaux de la Nouvelle Vague, balayèe ici par le souffle de la vie! C'est encore Jean Renoir qui influence un autre rèalisateur, Jacques Rozier, auteur du magnifique "Adieu Philippine", tournè en 1962! Ce film maudit, à la suite des dissensions des producteurs, nous raconte les dernières vacances d'un jeune homme appelè sous les drapeaux, en pleine guerre d'Algèrie! C'est en fait un pladoyer très lucide contre la guerre, pour l'amour et la libertè! La jeunesse française de ce temps-là y est dècrite avec un souci constant d'authenticitè, ce qui est assez rare pour que cette oeuvre soit prise au sèrieux! Par la limpiditè du rècit et l'image de la France qui est proposèe, "Adieu Philippine" n'a rien de particulièrement dèroutant pour le public! Un ton naturel, un refus des effets esthètiques, un sens de la vèritè immèdiate, font de ce difficile passage de l'insouciance adolescente, une rèfèrence du cinèma français des annèes 60...
Du pur divertissement !! Alors le scénario est moins approfondi que les précédents volets mais cet épisode se tourne plus vers l'action pur et dur !! Et de ce côté on est servi avec un enchaînement de scènes d'actions dopée aux effets spéciaux grandioses !! Schwarzenegger toujours au top physiquement dans son rôle de robot indestructible !!
Privilegiez l'original a ce remake raté: dans "Week end de terreur", les personnages sont plus attachants, l'ambiance plus oppressante et surtout l'intrigue un peu moins tiree par les cheveux...
J'ai tout simplement détesté...le sénario est inexistant, c'est long et ennuyeux au possible. ça vallait peut être le coup au moment de sa sortie ( quoique.... )
Un film long et pénible, pour lequel on se moque de l'issue. A réserver aux amateurs de Cube (pour l'impression de déjà vu)
Un divertissement d'un niveau assez moyen. Quelques blagues et passages drôles mais rien d'exceptionnel.
Quand l'innocence vous prend la main dans les endroits les plus sombres de notre humanité. Un très beau film sur la Schoa à travers le regard d'un enfant.
Malgré la présence de Dan Aykroyd et Walter Matthau Parle à mon psy, ma tête est malade reste une pitoyable comédie qui ne parvient pas à faire muscler nos zygomatiques. Pourtant il y a avait de quoi nous offrir une bonne comédie.
A n'en pas douter, l'un des plus grands films français des années 90. Et quelle distribution ! Deneuve, Bacri, Berléand, Dutronc, Seigner... Nicole Garcia a su s'appuyer sur des valeurs sûres pour réaliser une fresque aussi brûlante que cruelle. Derrière la place Vendôme se cache de lourds secrets que la réalisatrice s'ingénie à délivrer par petites touches, sans jamais accélérer les choses, maintenant toujours cette tension dramatique qui coule tout au long de cette histoire de diamantaires un peu voyous et inquiétants. Derrière le diamant de l'âme se cache la noirceur du brut, l'homme et toutes ses turpitudes, ses défaites et ses désillusions... Catherine Deneuve livre là l'un de ses plus belles compositions. Epoustouflante de beauté dans la peau de cette quinquagénaire alcoolique, elle est justement cette lumière qui vient éclairer l'humanité des autres.
Franchement, une tres tres bonne surprise pour moi que ce thriller qui, a priori ne paie pas de mine.Les decors sont absolument magnifiques, l'intrigue haletante, quoiqu'un tout petit peu longue a demarer. Perso, je ne m'attendais pas du tout au twist final qui fait assez froid dans le dos. Un tres bon moment que je viens de passer et que je vous recommande.
On peut raconter tout ce qu'on veut, n'empêche qu'il est difficile de ne pas s'endormir devant ce film qui ne raconte pas grand-chose, où tout rythme est absent, qui parle beaucoup, qui abuse des ellipses et qui pour se résumer ne suscite aucun intérêt. On ne se raccroche à rien, (juste un petit peu à Mitchum au début) avant de se demander s'il est bien nécessaire de s'imposer un tel supplice
Une vraie daube absolue !!
Un drame qui ressemble a un film choral, de multiple personnages qui sont bien travaillés et approfondit. Le casting est bien fait Jessica Biel est vraiment très bien. Il y a dans ce film plusieurs bon moments cinéma même si parfois le cinéaste fait un peu trop dans le larmoyant.
Mais ne nous délivrez pas du mal, comme tous les films de Joël Séria est profondément ennuyeux. Les deux adolescentes ne jouent pas trop mal (quoique?) et rigolent sans arrêt pour rien. Simplement c'est une histoire qui est faite pour choquer (pas moi, le public), tous comme le sera le navet Les Galettes de Pont-Aven... Séria sera un peu meilleur avec San-Antonio ne pense qu'à ça, toujours avec Jeanne Goupil. Quant à Marie-Poupée...je n'en parle même pas... Pour ce qui est de Catherine Wagener, elle est abonnée au rôle de "petite vicieuse" et finira dans l'érotique, en passant entre autres par du Max Pécas, elle meurt seule et dans la misère.
Maurice Pialat nous fait regretter le fait d'être venu tard à la réalisation et d'avoir si peu tourné. Cette histoire d'un enfant placé à l'assistance publique et trimbalé dans différentes familles d'accueil nous touche au plus profond de nous-mêmes. Le petit François turbulent et agressif sera confié à un vieux couple et trouvera écoute et aussi affection,ce qui ne le dissuadera pas de poursuivre ses tours pendables. Le film s'achèvera sur une note d'espoir oû l'enfant placé dans un centre de redressement écrit à ses parents adoptifs. Pialat est le cinéaste du naturel et de la vérité des sentiments humains. Il ne manifeste aucun misérabilisme et filme avec une justesse sidérante et bouleversante toute une série de personnages attachants. Il nous montre la réalité nue ,détachée de tout artifice et c'est justement cela qui est le plus émouvant. Qu'il s'agisse de la tendresse d'un couple âgé, de la générosité d'une vieille grand-mère,ou de camarades écoliers avec qui on fait les 400 coups, de fiançailles ou d'une valse d'époque;tout sonne juste dans cette chronique de près de 40 ans. La vision de ce film poignant va évoquer des souvenirs et c'est avec émotion que l'on se replonge dans cette période oû tout ressurgit (vêtements,rapports entre copains,sorties...) pour ceux qui avaient alors l'âge du jeune héros. Un moment de magie oû le cinéma rattrape notre passé et notre vie. Encore merci Monsieur Pialat.
De savoir que des nonnes vont vivre dans un ancien harem, d'entendre la voix doucereuse de l'agent anglais dénommé Dean, de découvrir la beauté virginale de la Soeur Clodagh, on est vite au parfum de ce "Narcisse Noir" réédité et qui n'a pas pris une ride. Entièrement tourné en studio, on se croit parachuté sur les hauteurs himalayennes. L'illusion est totale, les couleurs tout droit sorties d'une palette de peintre, le contraste entre l'austère bâtisse très haut perchée, et son à pic au ras duquel on va sonner la cloche bien vertigineux, plus vrai que nature... Surtout que tout en bas, dans la vallée comme un vestige des frasques d'antan, attend Dean, l'anglais en short. Comme manière d'installer lentement toutes les pièces du puzzle, vient à l'esprit "Le Fleuve" de Jean Renoir (même auteure-scénariste), alors que, sur le fond, on dirait un érotique de l'amour courtois... Ces femmes envoyées loin de leurs racines doivent se démener tout en subissant les intempéries, mais sont réduites à appeler au secours le seul Tarzan de service... Semble veiller sur elles comme sur tout le reste, cet immobile, un Buddha qui aurait minci. Chacune sa spécialité, autour de la chef de mission, Clodagh qu'on sent solide parce qu'échaudée, beaucoup moins que Ruth prévue par la mère supérieure comme l'obstacle principal. On ne s'ennuie pas dans un tourbillon qui n'a de pieux que l'intention de début et de fin. Avec une économie de mots, défilent les différentes facettes féminines lors d'une fréquentation rendue obligatoire avec le sexe opposé. A déplorer la stridence de la bande-son fort heureusement rachetée par l'extrême élégance des toutes dernières images.
excellent divertissement avec une pléiade d'acteurs chevronnés qui jouent juste pour notre plus grand bonheur,quelques scènes sont hilarantes.à voir.
"Plaît-il ??" Trop drôle. J'ai vraiment beaucoup aimé ce film, il y a quelques scènes vraiment hilarantes. Et puis les personnages sont très bien interprétés avec juste ce qu'il faut d'humour !!
Un père s’éprend d’un gamin qui n’est pas le sien. Une belle idée de départ pour au final un film délicat, bien interprété, mais sans magie.
L'histoire n'est pas très originale, le côté fantastique ne m'a pas plu, et les "coups de théatre" sont prévisible. Sans plus
Le monde n’a pas assez parlé du diptyque sur la bataille d’Iwo Jima de Clint Eastwood. Le traiter du côté américain avec autant de virtuosité ne lui a pas suffi, il fallait aussi en parler du côté japonais. Heureusement, Clint Eastwood n’est pas tombé dans la facilité et n’a pas essayé de traiter des mêmes thèmes que Mémoires de nos Pères. Là où son ainé de quelques mois traitait du retour post-guerre et de l’héroïsme, Lettres d’Iwo Jima traite la postérité des soldats d’une toute autre façon, en restant presque intégralement à Iwo Jima. En effet, le film essaie avec brio d’humaniser un camp qu’on a traité comme inconnu pendant trop d’années, même dans des œuvres aussi géniales que The Pacific. Comme les Américains, les Japonais ne savaient pas tous pourquoi ils se battaient (encore), ni n’étaient tous de valeureux soldats prêts à mourir pour leur patrie sans en comprendre tous les tenants et aboutissants. Ceci, Clint Eastwood le montre avec son habituelle retenue, sa maîtrise totale visuelle et sa poésie, avec un score de Kyle Eastwood encore une fois parfait (qui ne tombe pas dans le japonisant) et un parti pris esthétique extrêmement cohérent et réussi. Comme d’habitude, il a su s’entourer d’acteurs très talentueux, Ken Watanabe et Kazunari Ninomiya en tête. Lettres d’Iwo Jima est probablement meilleur que le premier film du diptyque au vu de l’importance de l’entreprise de Clint Eastwood et de son talent pour la réaliser. Indispensable.
Une atmosphère unique, lugubre, poétique. De sensations fortes en peurs suggérées, le film navigue en eaux troubles quelque part entre La maison du Diable et Le Corrupteur. Il aurait également fortement inspiré Amenabar pour Les Autres. Inoubliable ! A acquérir toutes affaires cessantes.