CATIE-AQ/allocine_clean huggingface dataset:
Sans prétendre être plus qu'une série B catastrophe (relativement peu de budget au final), le film nous impose tout d'abord une looongue caractérisation des personnages (pas forcément attachant au premier abord), avant de nous balancer son élément déclencheur sans prévenir. Et du coup, le spectateur se retrouve alors impliqué à fond, même si maintenant la guerre froide est terminée. Plutôt efficace avec son manque de moyen, Miracle mile se contente d'enjeux sobres et pourrait même être pris pour une expérience sociologique (certes classique, mais authentique) sur le comportement de citoyens lambda en cas de crise mondiale pré-apocalyptique. Plutôt bon en terme de divertissement. Une curiosité de plus !
Comme souvent chez Nuri Bilge Ceylan, la place donnée aux magnifiques paysages de sa Turquie natale permet à un scénario austère d’être compensé par une qualité esthétique époustouflante. Pour la première fois le réaliste a décidé de filmer, dans Winter Sleep, les plaines enneigées des steppes d’Anatolie, car il considère que le peu de vie propre au climat hivernal est davantage propice à une certaine introspection. Et justement, la trame générale de son nouveau film, faite de longues conversations, peut évidemment sembler rigoriste mais la qualité d’écriture de ces dialogues, qui relèvent d’ailleurs plus souvent de la joute verbale que du réel échange cordial, permet à ce long-métrage de près de deux cent minutes d’être captivant et de n’être jamais trop long pour tout amateur de grand cinéma. Certaines scènes, en intérieur comme en extérieur, dont la résipiscence au cimetière ou la visite finale chez le locataire, sont d’une beauté visuelle et d’une intensité dramatique à couper le souffle mais, dans sa globalité, c’est avant tout le contenu philosophique des discours tenus par les personnages qui restera ancré dans la mémoire des spectateurs. La critique faite du confort, matériel comme culturel, du personnage principal (incarné par Haluk Bilginer, dans le meilleur rôle de sa carrière internationale) n’a rien d’un propos populiste ou démagogique mais soulève réellement des questions profondes sur le bien-fondé de la générosité envers les plus pauvres, sur la transmission intellectuelle ou encore sur les limites morales du droit de propriété. Ce splendide film de dialogue profite donc d’une photographie qui magnifie autant la froideur naturelle que la chaleur du feu de bois, mais aussi d’une plume digne d’un des meilleurs auteurs que le 7ème ait su nous apporter depuis longtemps, et c’est en cela que Winter Sleep a mérité sa Palme d’Or.
Un film aussi élégant dans les sentiments qu'il exprime, que dans la technique qu'il offre....On saluera donc certains plans aux couleurs émouvantes, des paysages peu nombreux mais gracieux exprimant la liberté, des visages souvent généreux, etc.....Le scénario a quelques rebonds dignes d'intérêts, et l'histoire sur une adoption montre que dans certains pays, ici l'Argentine, c'est plutôt périlleux.....Le film est assez précis dans son montage et dans ses dialogues qui a deux ou trois moments, venant d'un homme très sages, au début du film, nous montrent le recul que prennent certains en vieillissant pour aider les autres....Ce sont des moments forts et émouvants .....l'actrice principale (Barbara Lennie) est parfois versatile, mais sans cesse remplie d'émotion....Elle marque de son empreinte le film, et rayonne modestement dans un rôle peu facile......Elle a un beau visage et une psychologie parfois fragile......Le film montre en définitive la fragilité d'un couple puis sa rédemption.....émotion garantie même si le film est plus touchant qu'émouvant , pour cinéphiles plutôt.... A vous de voir....
L'histoire d'un gars un peu simplet qui traverse candidement la seconde moitié du XXème siécle américain, parfois au plus près des événement historiques. Sa vision naïve des choses donne vraiment un concept intéressant et on suit avec bonheur son parcours tantôt drôle, tantôt très émouvant, Tom Hanks incarnant magnifiquement le personnage et les autres acteurs gravitant autour de lui n'ayant plus qu'à se mettre au diapason. Le film est également accompagné par une B.O splendide, aucune fausse note de côté là. Au final, le temps file à toute allure, tant et si bien qu'il m'est impossible de dire combien de temps ça dure réellement, preuve que l'on ne s'ennuie à aucun moment. A noter que la VF est de qualité car impliqué et appliqué, ce qui est assez rare et donc mérite d'être signaler. Une véritable fresque de toute beauté, avec 6 oscars amplement mérités à la clé.
Une fois de plus, le dernier film de Philippe Garrel (qui aime tourner en famille) fait l'objet de louanges multiples du petit monde bourgeois parisien et cannois du cinéma. Et la réponse des spectateurs n'en est que plus négative. Car finalement, de cet "Amant d'un jour" qui raconte les amours malheureuses d'une jeune-fille, Jeanne, contrainte de rentrer au domicile de son père qui partage sa vie avec une fille de son âge, on n'en a pas grand chose à faire. Certes, le réalisateur, conscient de son cinéma qui a bien du mal à sortir des vieux relents de nouvelle vague, lutte désespérément contre ses propres stéréotypes. Il rentre ses personnages dans un appartement parisien étroit, dans le 19ème arrondissement, mais il n'échappe pas à la terrasse aussi grande que l'appartement. Il veut décrire la vie de personnages ordinaires, mais le héros principal est tout de même professeur de philosophie à la faculté, et vit avec les livres et les filles. Quant aux deux jeunes héroïnes, elle s'échangent les gloussements, l'une empreints de sanglots, l'autre empreints de jouissance. Heureusement le ridicule ne tue pas. Même si le format est assez court, l'absence d'émotion, le noir et blanc inutile, plongent le spectateur dans un profond ennui. On ressort comme on est rentré ; atterré par une telle suffisance.
Portrait d'une ex-petite frappe ("Théo", alias Jonathan Zaccaï), qui a su changer de vie (rangé, un métier, une compagne, un enfant qui va naître), mais reçoit l'appel des "Yeux bandés", celui de son presque frère, "Martin" (Guillaume Depardieu), qui a violé et tué plusieurs jeunes filles, s'est fait prendre et est incarcéré. Il traverse la France et rejoint le Nord et ses friches industrielles, où ils ont grandi ensemble, en famille d'accueil. Entre misérabilisme compassionnel et éloge (à tout prix ?...) de l'amitié, le réalisateur (celui, plus tard, du très boboïsant "Hippocrate") hésite, et réussit mal à trouver l'équilibre, en menant un récit sans imagination de mise en scène ou scénaristique, abusant des flash-backs "explicatifs".... Vaut surtout pour l'interprétation - Zaccaï solide et GD (tout petit rôle, hélas) en "malmené de la vie" (comme souvent dans sa courte vie), éclatant de violence à chaque seconde.
rafraichissant
Hannah dresse le portrait intime d’une femme dont la vie bascule après l’arrestation de son mari. Pourquoi avoir fait ce film on se pose des questions toute la durée du film ,terne ,ennuyeux ,pourtant j'aime Charlotte Rampling mais là je me demande si pour elle ce portrait n'a pas été trop difficile car une impression qu'elle cherche tout du long à nous transmettre un message qui ne vient pas ENNUYEUX
Excelent petit film, une histoire original et bien pensée! Au début on comprend pas grand chose, mais cela est fait exprés au fure et a mesure que le film avanc eon comprend et cette intrigue est bien mise en scéne avec des acteurs convaincant! Bref un bon film a voir.
Petit film sans moyens, rempli d'invraisemblances, à regarder si vous n'avez rien d'autre.
Un sommet du nanar ! Un postulat de départ quelque part entre Saw et Battle Royale mais avec des requins et un riche couple de tordus. Des effets spéciaux à couper le souffle, certainement réalisés avec Paint, des acteurs dont le jeu est une insulte aux acteurs de seconde zone et qui n'ont visiblement même pas été choisis pour leur physique, des images pâles et des décors absents, tout comme le semblant d'originalité des scénaristes… Bref, tout est à jeter !
Film vu ce matin, j'ai vraiment accroché, l'ambiance et le cadre sont très prenants. Félicitations à Arthur Harari et à toute l'équipe. Le casting est top, la musique est sublime, chapeau au compositeur, et certains plans sont très très beaux. Un des meilleurs films de cette année 2016 ! Surprenant !!
Tautou arrête le cinéma, merci. Et arrêtez de sortir des films aussi nul ce serait aussi pas mal.
Wolfgang Petersen nous avait habitué à mieux: ici, il nous sert un film d'une bien piètre qualité. Déjà rien que les personnages font ultra cliché (le héros solitaire mais bon pas trop quand même, la fille en conflit avec son père mais bon pas trop quand même, son petit ami alias le gendre parfait qui vient de lui demander sa main ...), les péripéties sont tellement énormes qu'elles font rigoler: la mère qui trouve le moyen de paumer son fils deux fois, faut le faire, tous les personnages sont des champions de nage en apnée vu le temps qu'ils peuvent rester sans respirer, bien sûr, il n'y a qu'eux qui s'en sortent, les centaines d'autres passagers, on les oublie mais vu que de toute façon, il ne restait qu'un canot de secours à la fin, ça tombe bien...Un film qui gagne à ne pas être regardé.
Une belle promotion, un synopsis promoteur, un casting chic... Et pourtant, "Vicky" est une déception. Les blagues sont souvent ratées, et d'autres passages frisent à tel point le ridicule que les moments en deviennent gênants. Heureusement, le long-métrage présente un aspect musical assez appréciable qui permet d'oublier les moments pacifiques très dominants. L'écriture est d'autant plus prétentieuse puisque Victoria joue finalement son propre rôle en tant que "fille de" et "sœur de" en essayant de trouver sa place dans la famille. Certains parleront d'une perle artistique car Victoria Bedos a pû y exposer son talent de chanteuse et de comédienne mais le récit reste égocentrique et mal en point. La bande-annonce était pourtant très prometteuse mais les rares moments savoureux du film y ont été condensés. Nous nous attendions à trouver une trentenaire rebelle en pleine crise d'adolescence, c'est finalement la reconversion d'une femme artiste à qui nous avons à faire. Bilan : Je m'attendais à rire aux éclats avec un slogan pareil : "Il n'y a pas d'âge pour faire sa crise". Que nenni..
Peut-être que si le film ne passait pas après des années d’histoires fantastiques, il ne serait pas si mal. Car il n’a aucune originalité, et est prévisible au possible, fade et simpliste. Le héros du commun des mortels est choisi et vaincra la méchante sorcière aidé du vieil enseignant. Noter au passage les fortes ressemblances avec Eragon, Game of thrones, The sword of thruth (l’épée de vérité), et autre récits fantastiques. Le problème, c’est que Le septième fils n’innove pas une seule seconde se contentant d’une histoire banale. Les acteurs ne sont pas convainquant, l’histoire d’amour n’est pas naturelle, le récit est mal fait, les explications se font attendre. À part une qualité d’effets spéciaux étonnamment bonne, il s’agit d’une belle déception qui aura même du mal à ravir les amateurs du genre.
Il a été dit que le Gabin des années 30 était le grand interprète de la désillusion ouvrière. « Gueule d’amour » en est une bonne illustration. Le film commence comme une comédie kitsch, avec personnage glamour et artificiel de sous-off à beau minois et uniforme bien chamarré, il se termine en mélo populiste et réaliste, où la figure de femme fatale sert surtout à incarner le pouvoir odieux et désespérant de l’argent. Les péripéties précédant le drame final sont très cruellement ironiques. C’est triste, touchant et sans mièvrerie, un des films les plus cinglants, à sa manière, sur les rapports de classes, et c’est servi par tout l’immense talent de metteur en scène de Grémillon. Une pépite du grand cinéma français des années 30.
un film geurre vraiment genial qui traite d'un sujet asse rare la guerre des russe contre les afgan une tre bonne surprise
Absolutely pas drôle, cet enchaînement de pseudo-gags ne décroche pas même un sourire tellement tout y est pathétique : le jeu des actrices, le rythme... tout manque. Mieux vaut regarder l'adaptation française avec Balasko et Nathalie Baye qui, sans être un chef d'oeuvre, nous embarque dans son monde.
(...) Si Cold in July, adapté d’un roman de Joe R. Lansdale, s’était contenté de suivre le chemin que son pitch initial lui suggérait d’emprunter, il aurait pu être un agréable petit polar mettant en scène un homme lambda en proie aux conséquences de sa propre violence, symbolisée par l’inquiétant Sam Shepard dans le rôle d’un père vengeur. La première demi-heure du film s’appuie notamment sur une mise en scène efficace qui met particulièrement bien en valeur les scènes importantes du script. L’intrusion de l’inquiétant Sam Shepard dans la maison de Richard lors d’une longue séquence qui gère efficacement la tension et qui est zébrée de quelques plans assez saisissants, nous laisse espérer une suite de la même intensité. Malgré les maladresses déjà évidentes du film, qui illustre de manière caricaturale le traumatisme de Richard Dune dans de courtes scènes fonctionnelles et sursignifiantes, Cold in July bénéficie d’un petit capital sympathie, bien aidé en cela par une musique électro du plus bel effet (et d’inspiration carpenterienne). Mais arrivé à mi-chemin, un peu avant la première heure, le film oublie son ambition initiale et complexifie inutilement son intrigue. Débarque alors Jim Bod, détective outrancier interprété par un Don Johnson qui cabotine. Son arrivée coïncide avec l’effondrement progressif du film. Dans la droite lignée de son nouveau personnage exubérant, Cold in July oublie la simple efficacité de son postulat, ainsi que sa mise en scène racée, pour débuter une toute nouvelle intrigue abracadabrantesque sur fond de corruption, de mafia et de snuff movie. Le personnage principal est d’ailleurs détruit par les rouages scénaristiques de ce retournement de situation car il n’a pas de raison logique de suivre Sam Shepard et Don Johnson dans leurs aventures (... L'intégralité de notre avis à propos de COLD IN JULY, sur Le Blog du Cinéma
rien de nouveau sur se genre de film. pas de nouveauté, dés le début du film on connais déjà l'histoire, et sa fin. faudrait etre imaginatif un peut, mare de voir les films d'art martiaux où on s'en moque de l'histoire.
La cité de Dieu nous permet de découvrir la misère des favelas et la criminalité gangrenant la jeunesse qui y grandit. Le trafic des armes, la violence gratuite et la corruption au sein des forces de l'ordre sont autant de thèmes sujets à polémiques que ce film nous propose à réfléchir plus sérieusement. Une réalisation digne des meilleurs films du genre, une interprétation d'une crédibilité impressionnante et une musique agréable permettent à ce film d'être une incroyable réussite. A ne manquer sous aucun prétexte.
Un beau récit, d'une facture classique mais sans aucun ennui. L'histoire est intéressante, la réalisation impeccable et le contexte historique passionnant. Le second rôle tenu par Ulrich Tukur (qui est le "découvreur" de Séraphine du film éponyme) illustre à lui seul l'esprit allemand sous Hitler avant la guerre. A voir en VO afin d'apprécier la confrontation des différents dialectes et accents germaniques. (allemand, suisse-allemand et autrichien).
Autant le dire dès le début, c'est mon avis, j'ai trouvé ce film nul à chier, on est bien au-delà du simple navet ridicule qui existe à foison. Je me suis emmerdé comme rarement je me suis emmerdé devant un film. Par rapport au pédophile on ne sait même pas s'il a commis des crimes, on sait seulement qu'il possède une vidéo porno pédophile, ce qui est déjà immonde, mais quand même moins. En tout état de cause j'avais envie de buter la gamine pendant tout le film, je déteste les films d'horreurs en général, mais là un Saw spécial Hayley Stark m'aurait fait plaisir. D'ailleurs pour rester sur ce personnage (de merde) le scénariste a fait fort, elle a 14 piges, mais est déjà très mature pour son âge, c'est la Mozart de la torture sérieux, en plus avec ses bras aussi gros qu'une baguette de pain elle a une force incroyable, aucun problème pour malmener le type, pour le soulever, quand je dis que ce film est consternant je ne mens pas. Que dire de la scène de castration (fictive), putain que c'est malsain et dérangeant à voir (surtout quand on est un homme), rarement j'ai été autant mal à l'aise à regarder une scène. Je vais arrêter d'écrire parce que j'ai envie d'oublier cette énorme navet, mais si j'étais réalisateur je noterais bien soigneusement le nom du scénariste pour ne surtout jamais avoir à faire à lui. En résumé Hard Candy c'est un film, ou plutôt une daube sans intelligence, sans pertinence, chiant, long, pervers, sans aucune morale, malsain, insupportable, au propos douteux, bref je déteste, non je hais.
explosions à coups de pétards, décors en mousse et carton, effets sonores des années 70 et acteurs qui n'en portent que le nom... Un sketch visuel, plus mauvais film de guerre à ce jour : Remboursez !!
Depuis ses débuts, reproduisant la synthèse du pictorialisme photographique, le cinéma s’est souvent inspiré de la peinture. L’impressionnisme, l’expressionnisme, le constructivisme qualifient des styles picturaux avant d’être des mouvements cinématographiques. Le cinéma a développé par la suite sa propre esthétique. A la mort de Murnau et autres Renoir, il n’y a plus eu que quelques critiques, dont Godard, pour apercevoir dans les œuvres les réminiscences d’un acrylique ou d’une gouache. Le cinéma d’auteur européen a souvent continué à cultiver le pictorialisme. Outre ces quelques tentatives éparses et incohérentes, l’union de la peinture et du cinéma en était restée aux années 40. David Lynch peut-être a su reformuler ce rapport en donnant à la consistance d’une œuvre de Bacon la dynamique du mouvement. Dernièrement Lynch a atteint une de ces apogées avec «INLAND EMPIRE». Non pas qu’il ait eu un souffle d’inspiration mais davantage pour une raison technique. Le numérique avec lequel son film fut fait ressuscita de lui-même la peinture au cinéma. Ce long préambule permet de mieux introduire l’enjeu de «J’aimerais partager le printemps avec quelqu’un» (France, 2006) de Joseph Morder. Ce film de Morder repousse les limites de Lynch jusqu’à côtoyer les extrémités plastiques du cinéma. La saturation des teintes, leur aplanissement sous une palette de couleurs limitées, les effilements des objets quand bouge l’appareil d’enregistrement confond profondément le plan au tableau. La caméra réduite à un seul téléphone portable est aussi petite qu’un pinceau. Les pigments des tableaux proviennent alors des lumières du réel. Le quotidien de Morder se réduit à un cliché pictorialiste, presque aussi naïf que le fît Bayard dans les années 1860. Il devient facile dorénavant de faire de l’art, autant que de passer un coup de fil. Un mouvement du poignet et le paysage de Paris apparaît sous les stridences impressionnistes. Un grand pas en arrière est là paradoxalement franchis.
Prêt à tout est véritablement catastrophique et hormis de très sympathiques comédiens il n'y a rien qui sauve le film. C'est simple, l'écriture est désastreuse : c'est bête, ringard, désuet et parfois à la limite du grand n'importe quoi. Les répliques sont non seulement mal écrites mais sonnent souvent faux. Sans compter que les acteurs sont plutôt mal dirigés ou jouent mal (pour certains). Et que c'est laid à regarder. A croire qu'écrire une comédie romantique réussie est presque impossible en France, en effet seul L'arnacoeur qui était franchement réussi sortait un peu du lot.
Ce film est de grande qualité. L'histoire qui nous est racontée est humaine, sensible, émouvante. C'est de plus en plus rare de nos jours d'avoir droit à un beau film comme celui là. Merci au réalisateur pour ce petit bijou de film.
Soyons franc dès le départ, Le Führer en folie (1974) est une œuvre culte en matière de nanar franchouillard. Il n’y a pas plus consternant, pitoyable, lamentable et ridiculement con que le film de Philippe Clair. Comment se fait-il alors qu’il ait pu voir le jour ? C’est affligeant d’imaginer que des producteurs aient pu investir la-dedans ou pire, que des acteurs reconnus aient pu accepter de prêter leur image à se sombre nanar. Philippe Clair, à qui l’on doit entre autre Rodriguez au pays des merguez (1979) & Par où t'es rentré, on t'a pas vu sortir (1984), a réalisé avec ce film, une comédie qui n’en est pas une, à savoir 90 minutes où les vannes tombent à plat, les gags ne prennent jamais, les acteurs cabotinent, on s’ennuie inlassablement au grès d’une histoire improbable et tirée par les cheveux (Adolf Hitler engage trois soldats français qu'il pense être des sportifs professionnels. Suite à cela, il défie les Alliés pour jouer le sort de la Seconde Guerre Mondiale au cours d’un match de football !). Un supplice, même pour les férus de Séries B voir Z, mais, un cap a été franchi, nos neurones n’en sont pas sortis indemne, on regrette déjà notre décision d’avoir voulu découvrir cette sommité du nanar français. A noter enfin que l’on retrouve au sein de la distribution Michel Galabru (avec un accent allemand des plus catastrophique), Maurice Risch, Luis Rego, Henri Tisot (dans la peau du Führer), ainsi que Patrick Topaloff qui a participé à la B.O (célèbre chanteur des années 70/80 à qui l’on doit notamment "Tous les Allemands sont musiciens !" & "J'ai bien mangé, j'ai bien bu").
Vu au Brady, le cinéma de Mocky. J'ai adoré Alison Arngrim, très étonnante (c'était Nellie Oleson dans La petite maison dans la praire). Les interventions de Renaud apportent quelque chose au film. Et il y a tous les fidèles de Mocky, de Dreyfus à Zardi. L'histoire se suit avec intérêt et humour, même s'il y a un peu trop de rebondissements peut-être. Dommage que le film ne sorte pas dans d'autres cinémas!
La première scène des "Harmonies Werckmeister" donne déjà le ton : il s’agit dune splendeur, l’une des plus belles introductions que j’aie eu l’occasion de voir. Assister à la danse des astres rejouée par une poignée d’ivrognes est d’une beauté inattendue mais bouleversante. La suite du film est à l’avenant : Tarr Béla raconte avec brio l’histoire d’un village confronté à une crise majeure survenue à cause de l’arrivée d’une baleine. L’atmosphère devient viciée, les habitants se crispent mais János est subjugué par le spectacle du monumental animal. Leur rencontre dans un camion garé sur la place principale touche au plus profond, transmettent sans peine l’exaltation divine du protagoniste. On ne sait jamais trop où on en est : comme les personnages, on est dérouté par ce qui se passe, on sent que quelque chose ne va pas, mais on ne sait pas quoi. Il ne reste plus qu’à se laisser porter par les magnifiques plans-séquences qui parcourent le film, sa musique, son ambiance et sa poésie. "Les Harmonies Werckmeister" porte bien son titre : ce n’est pas un film, c’est de la musique.
Un film drôle et tendre sur la sexualité, emmené par l'irrésistible Catherine Frot. Cette comédie nous sert des situations cocasses qui mettent en exergue la difficulté du dialogue quand au désir du couple dès lors que la routine s'installe sans pour autant tomber ni dans la vulgarité, ni dans un catalogue de gags familiaux.