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Voilà un thème souvent repris par les réalisateurs de Hong-Kong, le monastère de Shaolin, jusqu'à en faire le titre de ce film, le haut lieu du kung-fu chinois. Un film signé Chang Cheh et chorégraphié par Lau Kar Leung est généralement synonyme de réussite. Malheureusement, cette pellicule concentre les défauts du genre : un scénario très mince, de multiples combats manquant de fluidité et de réalisme, des cadavres en pagaille, l'éternel thème de la vengeance, des types qui continuent à se battre avec cinq flèches dans le corps … Enfin, le récit ne parvient jamais à gagner en intérêt malgré la présence de trois vedettes de l'époque : Sheng Fu (Fang Shih-yu, 1ère histoire), Kuan-Chun Chi (Hu Hui-chien, 2ème histoire) et Kuan Tai Chen (Hung Hsi-kuan, 3ème histoire la plus courte et complètement escamotée) qui vont s'allier pour combattre les mandchous. Banal, ennuyeux et décevant avec un rôle a minima pour les femmes comme souvent chez Chang Cheh.
des petites histoires qui se laissent appréciés mais qui n'ont rien d'extraordinaires.
Un très mauvais thtiller horrifique faussement fantastique. Ce film reprend absolument tous les clichés du genre. Sa seule originalité est d'être espagnol...Passer donc votre chemin !
Un House auquel je mets une étoile tout simplement parce qu'on retrouve (un petit instant), Roger Cobb, le protagoniste du 1er House. Après, on est en droit de se demander ce que sont devenus sa femme et son fils et d'où sort sa fille... Mais bon... C'est un House et il ne fait pas trop lui en demander. Le reste est assez nul. Entre le gros méchant bien méchant et les scènes qui sont censées faire peur, on reste de marbre.
Sorti en 2002 (14 ans déjà) L'âge des glaces à tout d'un grand film d'animation. Si le moteur graphique a très mal vieilli depuis, Ice age puise sa force dans son scénario parfaitement millimétré, digne d'un grand Disney. L'histoire est riche en suspense en rebondissement, et en émotions. Le script est loin d'être manichéen comme le plus basique des dessins animé de la maison Mickey. On s'attache très rapidement aux personnages, en particulier à Scrat, la mascotte de l'age des glaces. Scrat que l'on admire pour sa persévérance et sa malchance, celui par qui le fou rire arrive grâce à ses gags loufoques. L'âge des glaces est bourré d'humour paradoxale, ou d'"humour non sens". Côté casting, la version Française est pour une fois, bien meilleure que l'anglaise : Ice Age nous gratifie de la présence d'Elie Sémoun et de Vincent Cassel, ainsi que de Gérard Lanvin. On retiendra d'Ice Age de nombreuses scènes inoubliables, au même titre que ses répliques cultes. Enfin, Ice Age, premier du nom, pose la pierre d'une grande trilogie, qui sera comme tant d'autres, exploitée jusqu'à plus soif par l'avarice d'hollywood.
Deux mots suffiront : mon-Dieu. Après la vision d'un nanar pareil, on serait en droit de porter plainte pour crime contre le cinéma.
Quelques bonnes idées, mais inégal et un peu trop lent. La satire sociale vitriolée n'évite pas la coagulation du scénario qui tourne souvent en rond. Malgré le désir évident d'apporter un peu de sang neuf à un style souvent anémié, le manque de moyens criant de ce film prend le spectateur à la gorge. Pas de veine...
J'aime j'aime j'aime ça sent bon ,même très bon les vacances!!! Un magnifique bateau des personnages qu'on aimerait tous avoir pour amis, voilà une très bonne comédie on se laisse porter par cette fine équipe, le temps passe très vite et aïe mes zygomatiques, j'aime vraiment beaucoup cette univers dans lequel tout peut arriver.
J'avais vu une bonne partie de ce téléfilm il y a des années, je me souviens encore à quel point je m'étais ennuyé, et je ne m'étais pas fait prié pour partir avant la fin. Je me souviens également que c'était très mal joué, long, avec des FX mal faits et que Charlie faisait plus pisseuse capricieuse qu'héroïne ayant du mal à contrôler son don. Par contre je me demande si certaines critiques ne sont pas ironiques tant ils vont loin dans l'erreur. Encore une suite typique : pour faire du fric, pas de la qualité.
Grosse déception aprés la réussite du 1er volet. Le personnage de Simon Eskenazy ne laisse pas à Antoine de Caunes une grande marge de manoeuvre en matière de jeu et à peu prés tous les personnages vous tapent sur les nerfs, d'une manière ou d'une autre, dans leur caricature, ou leurs personnalités manipulatrices et détestables : une belle collection de névrosés. Medhi Dehbi est sans doute la révélation du film, dans un rôle toutefois detestable de ce travesti musulman, pute jusqu'au bout des ongles, et une caricature qui n'inspire à aucun moment la tolérance, mais plutot 3 paires de baffes....
Un film assez étrange où Cary Grant tient le rôle inhabituel d’un personnage pas très sympathique et dont les contours sont assez flous. Flou est d’ailleurs mon sentiment dominant au sujet de ce film au très mauvais titre français (titre original : The Toast of New York, que l’on pourrait traduire par : La Coqueluche de New York), au scénario confus et déséquilibré, à la mise en scène maladroite et à la direction d’acteurs imprécise. Bref, ce n’est pas un film indispensable et il ne vaut pas la peine de s’y attarder davantage
Un film très lent et surtout plat, rien de drôle nous est offert. Sans grand intérêt, avec peut d'ambition pour nous divertir.
Un des premier film de Rodriguez qui sort en dvd c'est un événement surtout un film si méconnu qui plus n'est réellement qu'un téléfilm. Très petit budget et ça ce voit, le scénario est rikiki aussi mais franchement sa reste du Rodriguez et c'est bien foutu. C'est violent, inattendu, bien mis en scène et le casting est vraiment sympathique. Un bon petit téléfilm qui gagne à être vu par les fans du réalisateur.
Mon souvenir lointain de ce film que je ne reverrai jamais me rappelle qu'Alain Resnais fait sans doute parti du groupe de grands réalisateurs de la seconde moitié du XXème siècle qui s'efforcent de faire quelque chose de nouveau et d'original ou alors maîtrisé tout en nous ennuyant ferme tout le long du film. Les Herbes Folles est un vrai OFNI : objet filmique nul et intellectuello-cinématographique.
L'origine du mythe habilement interprété par Inoshiro Honda dans un film incroyablement moderne et frais pour l'époque. La légende est née 5/5
Une histoire tragique mais vraie qui met en avant la bravoure et les sacrifices que l'homme peut faire pour survivre. Très belle leçon de courage et d'abnégation.
Comment peut on faire un film au nul ?! C'est mal joué, l'intrigue est inintéressante, c'est trop long. Les dialogues sont idiots. Les personnages policiers sont plus bêtes les uns que les autres. Insoutenable d'ennui et de bêtise , je suis parti avant la fin.
Le côté Woody Allen de Harel n'a jamais été aussi démontré, sans parler d'une échappée vers la "Nuit américaine" de Truffaut. Rien que pour l'actrice brune (aucune idée de son nom), le film vaut la peine, pour le reste, pas mal de lenteurs, quelques gags, une suite de saynètes sans liens bien précis, pas de scénario bien défini, un peu lourd quoi. Surtout avec la Godrèche plus vraie que nature en débile inculte particulièrement scotchante à la manière double face. D'un autre côté, une approche caricaturale mais divertissante du monde du cinéma, et une construction un tout petit peu originale, qui en arrive à l'hommage cynique. Harel est plus fort pour raconter des histoires de caractères ou des romans, ici, ça patine, c'est gentillet, et c'est tout.
Comme beaucoup, on s'attend à une copie (en espérant quel soit bonne, de transformers^^) correct. Deuxième du nom, qui d'ailleurs ; n'a pas l'air d'avoir connu de premier^^. LE scénario est donc quasiment semblable, avec pour point négatif. LA majorité de la chose. Des acteurs au jeu plus qu'approximatif. Des effets visuels qui laissent plus qu'a désirer. et pas de vraie rebondissement, ou de retournement de situation ; qui permettrait aux spectateurs de rester un peu accrocher à l'histoire. Même le final, est tout aussi vide que le reste... Vu totalement par hazard, et je comprend le DTV.... Bref, rien ne vaut l'original sur ce point là. Pour le reste, les 8-10 ans , apprécieront peut être certains moments ; mais je doute ; que même si leur culture cinématographique est encore légère. Risquerait quand même de plutôt les ennuyer qu'autre chose. A éviter! Un nanar de plus!.
Depardieu n'est jamais aussi bon que lorsque l'on ne l'attend pas. Il incarne ici Ipu avec tout son talent, face à une très bonne galerie de seconds rôles. Le film décrit avec justesse les bassesses que la peur de la mort révèle. Et à ce jeu, le plus idiot n'est pas celui que l'on croit !
Voulant surfer sur la vague de The Raid, voici un film vraiment décevant. Les combats ne sont pas exceptionnels loin de là, le réalisateur se tente a des angles de caméra qu'il ne gère pas, la musique ridiculise parfois les combats. Mais par dessus tout ce qui m'a totalement gâché le film c'est la psychologie des personnages : au début du film on apprend qu'un agent du groupe d'intervention a perdu toute son équipe lors d'une précédente mission, et bien au bout de 45min (le début des hostilités) on comprend pourquoi, "abandonner ses camarades" doit être une règle d'or dans cette police. Cette scène ruine le reste du film qui ne vole déjà pas très haut.
Pour la première fois Nicolas Winding Refn met de côté sa technique style caméra portée un peu crade pour une réalisation très élaborée au niveau de la technique, et pour la première fois aussi il réalise un film tourné en anglais. L'idée de départ est alléchante et le personnage joué excellemment par John Turturro ne tombe pas dans le poncif du type qui veut se venger jouant simplement quelqu'un qui veut comprendre. La première partie dans cette idée-là est intrigante et donc, l'un n'allant pas sans l'autre, prenante. La seconde qui vire considérablement dans le thriller onirique est pas mal non plus même si elle lorgne un peu trop sur "Barton Fink" (avec le même John Turturro !!!) et sur "Shining"... Bon SPOILER, SPOILER, SPOILER, le gros problème, et là je vais certainement me faire passer pour un neuneu moyen bouffeur de pop-corn mais tant pis, c'est qu'il n'a pas de spoiler, ou plutôt le spoiler c'est qu'il n'y a pas de fin, rien même pas un os à ronger. Et le pire c'est que je n'ai pas eu l'impression que c'était justifié mais que le réalisateur ne savait tout simplement pas comment terminer son film ; impression peut-être fausse mais c'est ce que j'ai ressenti et l'ensemble me laisse sur un sentiment de frustration...
J'avais vu en 2008 "Julia" réalisé (avec l'immense Tilda Swinton) aux E-U par le très rare Zonca, et l'avais apprécié - succès d'estime (moins de 100.000 entrées en France). Mais n'avais jamais vu son césarisé (en 1999) "La Vie rêvée des Anges", réalisé 10 ans plus tôt, après quelques "courts" (la récompense lui assurait alors un score de près de 1.500.000 entrées). Lacune réparée, tardivement ! Cette histoire scénarisée à 4 (dont Zonca lui-même) n'a en rien vieilli - elle aurait pu être filmée hier, dans le ton (simple et précis), et la forme. La brune "Isa" (Elodie Bouchez) et la blonde "Marie" (la Belge Natacha Régnier) voyaient leur déjà prometteuse carrière (Elodie Buchez avait même reçu un César du Meilleur Espoir féminin en 1995, pour "Les Roseaux sauvages" de Téchiné) décoller ici, avec le double Prix d'interprétation féminine au Cannes de l'année de sortie du film. Assurément mérité - elles sont époustouflantes (avec, pour moi, un petit degré de plus pour Elodie Bouchez - dont la partie, en extravertie et inébranlable positive, lui assurait, il est vrai, le bonus "empathie", quand Natacha Régnier avait partie plus délicate, en concentré de révolte et d'excès). Cette errance "chorale" est poignante, mais sans pathos, ni facilités dramaturgiques. Derrière ce titre magnifique, se révèle un film d'apprentissage, où les sentiments ont la part belle (amour, mais aussi amitié, et même altruisme - cf. l'histoire de Sandrine).
Si Heimdall, dieu nordique, devient Africain et que tout le monde trouve ça normal, alors je veux voir des blancs, autre que des missionnaires, en Afrique. C'est pas le cas donc ce dessin animé est raciste, arrêtons l'hypocrisie, surtout que c'est fait par des Français en France... Bon après ok c'est pas mal fait, l'animation est spéciale mais ça passe, ça donne un style, pas certain que ce soit typique de l'Afrique mais bon. Youssou N'Dour pour la musique ça colle, les dessins sont sympas, l'histoire banale mais mignonne, pour les enfants c'est ok, surtout que la sorcière peut leur faire peur, elle vaut notre Cruella d'Enfer. Donc oui c'est pas mal mais je n'ai pas pu m'enlever de l'esprit ce côté hypocrite, surtout que ça reste un autre moyen de faire de l'argent, cf les suites...
nul pour ceux qui non pas d'humour ou alors un humour au rare des paquerettes mais pour les personnes avec des connaissances sur le cinéma français c'est formidable un conseil regardez le plusieurs fois vous autre peut être la chance de comprendre !!!
Dans la dernière salve de la très sérieuse collection "Cinéma de notre Temps", André S. Labarthe nous présente "David Cronenberg - I have to make the Word be Flesh". Ce titre reprend fort logiquement une phrase déterminante du cinéaste lâchée au détour d'une réponse. Nous sommes loin du style documentaire habituel car il s'agit en immense partie d'un entretien filmé à Toronto en 1999 entre le réalisateur canadien et son ami Serge Grünberg. L'objectif ici est d'aller au-delà des banalités, de remonter aux racines de la créativité et de les comprendre. Peut-être à cause de l'exigence de quelques propos, je n'ai pas su l'apprécier. Des pans de la discussion n'ont pas éveillé en moi un vif intérêt. Sa mise en scène solennelle ne m'a d'ailleurs pas plu. Cela relève certes du détail, mais je trouve par exemple peu utile de s'attarder sur l'intervieweur en train d'acquiescer Si le résultat a quelque chose de rébarbatif (en dépit de ma grande estime pour Cronenberg), la démarche se respecte. Avec des cassettes de montage d'extraits de films et quelques théories à éprouver, l'uvre cronenbergienne se voit décortiquée. Plus d'une fois l'artiste nuance la démonstration. Entre spécificité canadienne de son Cinéma et réflexions désabusées sur le manque de sens conféré actuellement aux images, David Cronenberg se livre, se définit. On saisit mieux l'approche qu'il a de son travail, que ce soit au travers des idées novatrices qu'il désire véhiculer dans ses uvres ou lorsqu'il aborde sa façon de tourner (symbolisée par son rejet des story-boards). J'ai apprécié ses explications relatives à la phase d'écriture. Parmi les cinq long-métrages servant d'appui visuel à l'exercice se trouve l'un de ceux que je n'ai malheureusement pas vus, à savoir "Le festin nu". Il est d'ailleurs conseillé d'avoir vu certains classiques de l'auteur puisqu'on nous propose des scènes phares (de "La mouche" ). Les références à "Faux-semblants" sont nombreuses. Une autopsie qui requiert tous nos neurones.
Une oeuvre forte et sublime, parcours initiatique baroque traversé de visions oniriques d'une beauté incomparable, d'une puissance émotionelle et visuelle intense, le tout hanté par la musique envoûtante de Goran Bregovic.
Le titre, pour un film, c'est comme l'emballage pour un produit dans un supermarché : une accroche. Et autant certains titres sont parfois très mal choisis, autant "Le mer à boire" fait passer avec pertinence et en peu de mots l'essentiel du propos. Ca donne envie. Choix judicieux, aussi, d'une pointure comme Daniel Auteuil pour porter ce drame de la crise sur ses épaules de comédien expérimenté. Pourtant, son interprétation ne convainc pas vraiment, et le jeu des autres acteurs n'est pas terrible. Sans doute un manque de rigueur dans la direction. Déception, également, pour la mise en scène. Le tout laisse un sentiment de médiocrité d'autant plus dommageable que le potentiel dramatique de l'histoire était évident. Jamais Jacques Maillot ne parvient à faire entrer le spectateur dans la vie de Georges Pierret. On voudrait vibrer, souffrir, réagir à l'unisson du héros en assistant à la spirale infernale qui l'engoutit, mais on reste à la marge, dans son fauteuil. Personnages hyper-caricaturaux, progression dramatique archi-prévisible, tout ça est un peu trop téléphoné. Et que dire de la fin ?... Totalement bâclée, ridicule... Et forcément, c'est là-dessus qu'on reste... "La mer à boire" fait partie des 15 films les moins rentables de l'année 2012. On comprend pourquoi...
X FILES. A part de jolis plans de l'Alaska et les yeux de Milla Jovovich, il n'y a pas grand chose d'exaltant. Même Jean Claude Bourret était plus effrayant....
Une percutante critique de la société de consommation, réalisé avec maestria par Mathieu Kassovitz. Le ton est provocateur, à la fois drôle et incisif, les dialogues sont cultes. Assassin(s) ne nous prend jamais en traître, encore moins pour des imbéciles : il nous laisse interpréter à notre guise, malgré quelques détails démonstratifs ( que l'on pardonne sans mal à Kasso, tant le sujet est passionnant ). Assassin(s) traite de l'intégrité personnel et du mérite à travers un personnage qui force le respect : Mr Wagner, artisan de son état, qui prend sous son aile Max, un petit voyou sans envergure. Kassovitz pointe l'assistanat et dénonce la lobotomie quotidienne par le biais d'une mise en scène truffée de références ( Taxi Driver, Buffet Froid pour ne citer qu'eux...). Il nous montre que sans rigueur, le travail est stérile et destructeur. Assassin(s) est certainement le meilleur film de Kassovitz ( juste avant La Haine ), une fascinante variation sur le crime, une singulière apologie du tueur à gages. Un film culte alors allez y : y'a rien à la TV ce soir...
Un film qui ne peut laisser indifférent tant il fait appel - à travers le mythe éternel de Peter Pan - à cette part de nous qui ne veut pas (peut pas ?) grandir et qui s’accroche obstinément à ce pays de plus en plus irréel que l’on nomme par approximation l’enfance. Le choix de Johnny Depp pour le rôle de James Barrie est une trouvaille tant il s’y révèle excellent et en phase avec l’esprit même du propos. Kate Winslet est irradiante de grâce (comme à son habitude) dans un rôle pas si évident car à mi-chemin entre deux mondes, celui des réalités adultes (symbolisé presque jusqu’au bout par le personnage de sa mère, tenu de façon étonnante par une Julie Christie qui n’en finit pas de nous surprendre) et ce Neverland que seule la mort lui permettra finalement d’atteindre. Les seconds rôles sont parfaitement distribués : en plus de Julie Christie, déjà citée, remarquons un Dustin Hoffmann en vieux sage encore naïf et surtout les enfants, avec évidemment une mention spéciale à Freddy Highmore, bouleversant Peter. Le seul reproche à faire au film est une forme de superficialité qui n’exploite pas assez les nombreuses pistes suggérées par un scénario un peu paresseux. Dommage car avec un peu plus d’audace et de créativité, avec aussi un soupçon de guimauve en moins, on avait peut-être là le grand film sur l’enfance… qui reste à faire !
Un ennuie profond ! Deep End nous présente la vie "palpitante" d'un adolescent de 15 ans. L'idée de départ est déjà mauvaise, on nous présente le cadre avec un adolescent complètement abruti qui va obtenir un emploie à la piscine et au fur et à mesure du film il va essayer de se taper sa collège Susan qui est en faîtes une prostitué. Ce scénario est le scénario typique de la romance américaine à la noix. Au bout de 15 minutes j'en pouvais déjà plus tellement les acteurs étaient mauvais. Le twist final est à me donner la nausée ! Ce film est en plus reconnu ! nous vivions une bien triste époque.
J'aime beaucoup ce film qui me met la pression dès les premières minutes. Bien sur, il date de 1997 et depuis ce temps les films catastrophes se rapprochent plus de la réalité car leur dénouement n'est pas si simple et souriant comme volcano.
Il faut être très fort mentalement pour se regarder les deux dans la même soirée, je vous le dis. J'ai mis 0,5 au premier qui en plus d'être très moche visuellement est ennuyeux à mourir. "Hayride 2" commence là où le premier s'arrête, c'est une suite directe sans originalité qui est tout de même un peu au-dessus du premier ce qui est relatif vu la note du précédent, mais le réalisateur a fait un peu plus d'effort. L'histoire met moins de temps à commencer (ce qui est logique...), il y a plus de rythme et plus d'action rien de bien extraordinaire, mais c'est toujours ça de pris. Un énième slasher comme il y en a des centaines tous les ans qui est sans ambition et qui n'arrive pas à nous divertir. Le réalisateur aurait dû faire un condensé des deux ça lui aurait permis d'économiser de l'argent et notre temps par la même occasion.
Ce film aurait pu etre bon si ils n'avaient pas tout basé sue son caractère sexuel et si il avaient pas oublier tellement de chose... Et puis raconter que Ted Bundy avait pleuré et suplié de ne pas aller a la chaise electrique, ca servait a rien de raconter des conneries! Ceux qu'ils l'ont vu on dit clairement que son attitude siai plutot "c'est l'heure? alors allons-y". Ils ont voulu rabaisser ce serial killer pour ce qu'il a fait n'empeche que ca reste le psycopate le plus inteligent qui soit et le voir rabaisser par un film a moitié vrai, je vois pas l'interet de raconter une histoire vrai en la modifiant... bref decu...
Film qui a influencé aussi bien Alain Corneau que John Woo, "Le Samouraï" est l'apogée du style Melvillien. Les bruits ont plus d'importance que les dialogues, les décors dépeignent une ambiance morose et reflètent les sentiments du personnage qui est résolument inexpressif. Mais à travers cette inexpression, Alain Delon (qui porte l'imperméable et le chapeau mieux que tout le monde) finit par révéler des sentiments complexes et fonce vers son destin sans sourciller dans cette jungle urbaine qu'est Paris. Melville filme cette inexorable avancée vers la mort avec un œil méticuleux et la scène de poursuite dans le métro est incroyablement réussie et réaliste. Quant à Delon, parfait dans son rôle quasi-mutique, il trouve en François Périer un ennemi tenace qui est beaucoup plus loquace.
Ce film fait suite à un premier opus sorti en 2012 que je n'ai pas vu, mais qui avait remporté à l'époque un franc succès à travers le monde. Je pense qu'il est intéressant de se pencher sur la genèse de ces deux films. Gareth Evans, illustre inconnu à l'époque, a rencontré Iko Uwais en Europe lorsque ce dernier, meilleur représentant de son art martial, fit une tournée pour faire découvrir le pencak silat. C'est à partir de cette rencontre que le cinéaste encore novice a décidé d'écrire un scénario autour du jeune sportif. Pour en revenir à ce second film, il peut tout à fait se regarder sans avoir vu le premier. La trame de l'histoire est classique ; le héros, Rama, est un flic qui va devoir infiltrer la mafia locale pour dénicher tous les flics véreux de la ville et faire tomber les gros poissons. Rama passe d'abord par la case prison, où il se rapprochera du fils de la mafia, puis deviendra son bras droit à leur sortie. Certes, l'histoire est simple et classique, mais l'intérêt se situe ailleurs. Je pèse mes mots quand je dis que je n'ai jamais vu de combats aussi réalistes, violents et beaux. Toutes les scènes sont absolument spectaculaires, que ce soit la gestuelle même des combats, l’utilisation des décors (avec un combat dans la boue qui jonche la cour de la prison) ou encore l'utilisation d'accessoires (combats avec un manche à balais, une batte de baseball ou des piolets). La mise en scène épouse parfaitement ces combats, et les couleurs et textures sont là pour nous montrer la richesse et la diversité des paysages urbains de l'Asie du Sud Est. Le film dure 2h30 et à aucun moment je ne me suis ennuyé, tant ce qui nous est présenté relève du grand spectacle. La scène finale est la plus belle scène de combat qui m'ait été donnée de voir et a définitivement acté mon enthousiasme pour ce film. Dépaysant, beau, spectaculaire, authentique, ce film est une véritable pépite de cette année 2014.
Vraiment nul, des blague pourrie, dommage des acteurs extraordinaire mais le film ne correspond pas à ces acteurs