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La comédie française du début de l'année et peut être la comédie française de l'année car s'est rare de voir des comédies comme sa. On rigole du début jusqu'a la fin. Un Franck Dubosc meilleur que j'amais et un Bénabar qui débute et il est bon.Le scénario est bon et la mise en scène de Eric Lavaine est bon comme pour son autre film Poltergay. A voir
Little go girl est un film profond, ces jeunes femmes sont touchantes, enfaite ce film est très touchant ! Merci de mettre en lumière cette situation !
GOLDEN CHILD. L'enfant sacré de Mongolie. La malediction Guillaume Nicloux. Un brin Da Vinci Code, des meutres à chaques plans, une Deneuve transparente et un sein de Bellucci. Demandez le programme!!
Lyon la ville est ce qu’elle est, belle comme elle se présente, morne ou vive au gré du hasard. «Une semaine de vacances» (France, 1980) de Bertrand Tavernier est à l’image de la ville, fluctuante et, par nature, aussi émouvante qu’elle se peut frivole. L’histoire de cette enseignante au bord de la crise de nerf relève tant de la part intime et psychologique du personnage (interprété avec délicatesse et belle incertitude par Nathalie Baye) que de la triviale insignifiance de son quotidien. De la juxtaposition de ces deux registres, où les souvenirs traumatiques côtoient un quotidien banal, résulte une impression de réalisme. Tavernier est bien cela : un impressionniste du réalisme. Ces plans troubles, volant grâce à la steadycam captent les pointes émotives de la vie et reconstituent dans le même geste la partialité du réel. D’autres films de Tavernier, comme «Que la fête commence», renvoie davantage au surréalisme. Or du point de vue de l’image, de sa texture, de sa composition et de la majorité de ses couleurs, son œuvre assimile réalisme et impressionnisme. Du réalisme de Courbet, il y a cette présence ramassée des corps hétérogènes, de l’impressionnisme d’un Manet, il y a cette fulgurante luminosité que Glenn, pour «Une semaine de vacances», ternit afin d’évoquer le bref désarroi mental de l’héroïne. Cette immixtion du réalisme avec l’impressionnisme (pourtant deux mouvements picturaux fondamentalement contraire puisque le second est né en réaction au premier) permet à Tavernier de cultiver deux régimes narratifs : l’un qui se veut ancrer dans la «représentation triviale de la réalité, sans choix ni arrangements» selon les termes de Théophile Gautier pour qualifier le réalisme et l’autre qui entend explorer occasionnellement, comme un effet de surprises dans le récit, comme les touches incertaines des peintures de Sisley, des souvenirs enfouis qui, le temps d’une semaine, remonte à la surface. La curieuse alchimie visuelle et narrative délaisse la vraie passion.
La Nuit d'en face, tentative de réflexion sur la mort et le temps, sonne finalement bien creux et ennuie autant qu'il fascine, hélas...
Un drôle de film qui ne m'a pas du tout emballé ; ce film sur ce chien philosophe (représenté par une race de chien que je n'aime pas) est d'un intérêt assez limité. A voir par curiosité.
Même critique que pour le second volet : bon western mais manque de charisme des acteurs (George Kennedy est loin d'être à la hauteur de Yul Brynner). La scène où les paysans, enterrés jusqu'au cou, se font piétiner la tête par les chevaux est assez cruelle.
Au début j'ai cru que c'était une série...mais non dommage car les personnages sont attachant...film très sympa ;)
Seule les images sont à sauver dans ce naufrage. En dehors de ça, l'histoire est pour ainsi dire inexistante, les scènes sont d'un lenteur affligeante et la bande son a fini par me donner des acouphènes... A fuir !!!
C’est loin, très loin même d’être convaincant, à l’image de Depardieu en Staline qui n’est jamais vraiment crédible. La seule chose que j’ai trouvé intéressante dans ce film c’est l’envie de montrer le climat de peur ambiante qui régnait en union soviétique ou un rien pouvait vous envoyer au goulag ou vers la mort. On voit chez quasiment tous les personnages une volonté de ne rien laisser transparaître, de ne pas avoir d’opinions propres de peur que ces dernières soient mal vues. En dehors de cet aspect j’ai eu du mal à voir où le film voulait vraiment aller, le portrait du chef soviétique étant loupé celui de la population étant très incomplet, cela donne un film raté de mon point de vue.
Le secret de la planète des singes est une suite ratée, on est a des années lumière de la qualité du premier opus . Déjà car le scénario est sans la moindre idée, elle repose avant tout sur le premier film et elle le repompe en grande partie au début mais ensuite il n'y a strictement rien, ça part dans tout un délire en carton, c'est ennuyeux, vide et plat . Rajoutons a cela qu'il aucun rythme, c'est d'une mollesse incroyable, tout est mou et ennuyeux, même lorsqu'il est censé y avoir des scènes d'action c'est chiant a crever . Les effets spéciaux sont fauchés et ringards, les costumes sont parfois ratés, il reste bien des singes bien faits ( pour les rôles principaux ) mais malgré tout les singes sont presque invisibles et oubliés dans ce récit, au final pas grand chose ne tient la route dans cette suite . Cette suite n'a vraiment que peu d’intérêt et ne donne pas envie d'explorer la suite des métrages .
Marrant ! Les effets sont très... euhmm disons que le film fait un peu série B, mais ça lui donne une ambiance plutôt sympathique. Niveau horreur, on peut trouver mieux. Mais ce film est un joli mélange de beaucoup d'influences, et les acteurs sont assez géniaux.Moi j'ai beaucoup aimé, c'est complètement décalé.
Un script d'une banalité affligeante et un jeu d'acteurs moyen tous deux heureusement compensés par les époustouflantes scènes de glisse, de saut et autres sports extrêmes. Un peu dans le genre Drop Zone.
Enorme, ça cartonne trop !! effets spéciaux gigantesques, action à gogo, franchement un excellent film, j'ai juste retiré 0.5 pour les dialogues un peu nunuche mais bon c'est un walt disney; A voir absolument !!
Difficile de se donner son avis sur un cinquième volet étrange qui se distingue complètement de la saga. Après nous avoir emmenés dans l'espace dans le quatrième volet, celui-ci nous emmène plutôt dans des énigmes policières. Bref, il est toujours question de s'éloigner de l'horreur et d'être plus original possible certainement selon le réalisateur, et le résultat est franchement décevant.
Très bon film, très réaliste quant à ce qui se passe dans la tête d'un soldat en période post-guerre.
Vraiment un très bon film. Je pense que c'est le meilleur film dans cette catégorie que j'ai vu. L'ambiance est oppressante, les jeux d'acteurs sont vraiment pas mal, surtout pour l'interprète de Doris. Largement supérieur au premier, les effets sont mieux travailler et vraiment plus réel et crédible, on sens qu'il peut se passer quelque chose à n'importe quel moment.
Au secours! Erreur de casting total. Jessica chastaing choisie de plus en plus mal Ses rôles c'est affolant. Elle est tjs dans des films où on ne la verrait pas du tout. Quel dommage pour cette beauté si singulière ! Colin farrel est à l'image de lui même et ce depuis cette dernière devenue: faux et surjoué. Un grand plus pour Samantha morthon qui confirme son immense talent et sa longue carrière d'actrice !!! Les gens ont quitté la salle rapidement et rovolté face à un tel FOUTAGE de GEULE cinématographique! Et utiliser une musique aussi belle et connue pour un film pareille c'est Pretencieux et inadmissible .
J'ai aimé la sensibilité et l'intensité émotionnelle de cette adaptation au cinéma. Les acteurs portent ce film par leur jeu épatant (sans cabotinage > je pense à Kevin Kline). Certes, apprendre qu'on hérite d'un bien mais "en viager" est évidemment d'un bon ressort comique, mais nous sommes principalement les témoins des fêlures, des failles de l'âme humaine qui se sont nourries des non-dits, des cachoteries, du manque d'amour. C'est lourd et grave, c'est grinçant, mais c'est plein d'humour. J'ai découvert tardivement Maggie Smith (dans Indian Palace et le Quatuor) et cette fois encore elle m'a étonné. A un seul (et unique) moment, j'ai ressenti comme une longueur, disons au début du dernier tiers du film, quand Mathias (Kevin) se laisse aller à boire (scène un peu trop longuette). Hormis cette petite réserve, très beau film.
Si j'avais su que j'allais passer 2h de ma vie à écouter toutes les étapes de l'incroyable histoire de la création d'une serpillère révolutionnaire qui va changer le monde, je me serais certainement abstenue de regarder ce film. Mais bon, ne le sachant pas, je me suis plongée dedans avec pas mal d'espoir sachant que j'avais relativement bien aimé "Hapiness Therapy". J'ai vite été déçue... La première partie est interminable, relatant toutes les difficultés auxquelles Joy est confrontée, à tel point qu'on finit par se demander qu'est ce que cette pauvre fille a pu faire au bon dieu pour se retrouver dans une pareille situation. Et quand on se dit ça, c'est qu'on y croit déjà plus qu'à moitié. Laborieusement, cette première partie peu crédible laisse place à la deuxième, qui tout aussi laborieusement nous raconte les difficultés que Joy rencontre à lancer et commercialiser sa serpillère. Waouuhh ça donne envie hein?? Non j'exagère l'histoire se laisse qu'en même conter, la preuve j'ai regardé le film jusqu'à la fin. Bien que très laborieux, ce long-métrage a quand même la capacité à faire tenir le spectateur pendant 2H. Pas tenir en haleine bien sur, parce que le dénouement, on s'en doute dès le début. Reste à savoir comment Joy surmontera toutes les nombreuses difficultés qui s'accumulent. Mais on ne s'en fait pas trop pour elle parce que cette réalisation très américaine est nourrie à l'American Dream : si tu crois en toi et en tes idées, tu deviendras riche et prospère. Qu'ils sont malins ces ricains!
Ennuyeux est le mot. Je m'attendais à une pépite de science fiction comme savent en réaliser les espagnols (Fausto 5.0, Abre los ojos, Intacto) mais nous n'avons ici affaire qu'a un énième mélo sans suprises, sans intrigue. La curiosité initiale laisse rapidement place à l'exaspération de voir cette histoire stagner et lambiner au détriment de tout ressort scénaristique. Passez votre chemin
"Le Mort-vivant" traite convenablement du traumatisme des soldats engendré par la guerre (ici il s'agit du Vietnam), mais comme film d'horreur, il ne vaut pas un clou.
On sort de la salle ressourcé ! Touchant, humain et utopiste. Courrez le voir ! On n'était pas très nombreux mais tous les spectateurs ont acclamé le film! une vraie découverte!
" Le temps qu'il reste" . A sortir ses poubelles , à aller faire ses courses lors la levée du couvre feu ... Le temps qu'il reste à attendre que quelque chose se passe Le temps qu'il reste sous les coups de feux et les feux d'artifices célébrant l'indépendance de 1948 .... Le temps qu'il reste à ne plus voir ses voisins ... Le temps qu'il reste à perdre espoir et voir sa colère maigrir.... Le temps qu'il reste au mur de grossir .... Le temps qu'il reste à vivre dans l'immobilisme ... Le temps qu'il reste à s'ennuyer ... Le temps qu'il reste à voir le mur se construire, pour permettre aux artistes de peindre une fresque .... Le temps qu'il reste au peuple d'exprimer au pinceau leur détresse sur ce grand tableau noir ... Le temps qu'il reste à garder l'humour pour survivre .... Le temps qu'il reste , à nous autres ici , assis confortablement dans notre canapé , à s'indigner d'une telle situation ... Le temps qu'il reste à ne rien faire ... Le temps qu'il reste à Sulleiman d'exprimer sa situation par l'intermédiaire du cinéma . Le temps qui lui reste à se moquer de la situation .... Le temps qu'il reste à caricaturer la situation ( influences de Tati ) Le temps qu'il lui reste à jouer sur les symboles , les images , les codes du cinéma muet , les premiers plans filmés avec les personnages statufiés comme des arrêts sur images .... Le temps qu'il lui reste à mettre les lunettes de vue sur la vierge Marie pour qu'elle cesse d'être aveugle ... Le temps qu'il reste à obtenir la palme d'or .... Le temps qu'il reste , à réveiller les consciences , pour ainsi rompre cet immobilisme que le réalisateur nous fait comprendre avec humour , poésie , et décalage clownesque d'une situation si absurde . Le temps qu'il reste à ne pas tomber dans le pathos .... le temps qu'il reste à critiquer ce film.... Bravo l'artiste Le temps qu'il reste à ne surtout pas oublier ....
Un film Vide ,histoire plate,pas drôle ,prévisible .long du mal a comprendre que certains mettent 5 etoiles !BEURK
Si Miyazaki sait parfaitement aborder des sujets de manière poignante mais également avec une grande poésie, Takahata s'en révèle, exception faite de son unique chef d'uvre Le Tombeau des Lucioles, incapable. Si dénoncer l'expansion sauvage de l'urbanisme, la disparition de la forêt et des espèces animales est plus qu'honorables, le film n'est à aucun moment touchant et de ce point de vue, c'est une catastrophe. D'autant plus que le réalisateur essaye de couvrir ça par de l'humour enfantin peu communicatif, de l'extravagance inappropriée. Je ne me suis donc pas intéressé au sort des tanukis, et cette dénonciation plus que maladroite des excès des hommes m'est vraiment indifférente. Comme pour le très médiocre Kié, la Petite Peste, Takahata livre un film bassement consensuel, destinés à des gamins comme un vulgaire et banal Disney, et fait encore une fois une fixation sur les coucougnettes de ses protagonistes (il faudrait vraiment qu'il aille voir un psy, ça devient sérieux). On retrouve un character design laid, une animation très quelconque, une musique mal choisie, des personnages inattachants. En somme, Takahata n'est pas un génie (mais il faut bien vendre).
Où la petite histoire se niche à la grande histoire pour produire une fantaisie délicate et délicieuse. Le meilleur film de Dréville grace à Noél-Noél qui s'est surpassé. Acteurs très bons, parmi eux, Galabru est excellent.
Ah les petites pointes de satire envers les honorables institutions de l'Etat, ça n'a jamais fait de mal. Surtout quand cette honorable institution porte le doux nom de "fisc". Dommage donc que la dernière scène gâche tout à ce niveau-là par son côté moralisateur et à total contre-courant du reste. De plus, la mise en scène n'arrive pas à échapper à son origine théâtrale d'où son aspect trop théâtre filmé. Et si certains personnages, comme celui du beau-père ou du gendre, sont très réussis, d'autres comme celui interprété par Pierre Larquey sont trop négligés. Mi-figue mi-raison, ou plutôt 10/100 de taxe en plus pour non-satisfaction.
En premier lieu, apportons un démenti formel à ce que pourrait laisser entendre le titre : nous ne sommes pas face à un polar mafieux à la française. Que ceux que ce milieu fascine n’y aillent pas avec trop d’aprioris, que ceux qu’il révulse ne rejettent pas le film par avance. Deuxièmement, il s’agit d’une comédie, le mot est lâché. Mais encore une fois, que les réfractaires aux grosses ficelles de la comédie franchouillard made in Gaumont (et de tant d’autres studios) ne partent pas en courant, l’humour est ici raffiné et fondé sur des réparties cinglantes. Le procédé de découpage en quatre histoires distinctes, mais croisant un itinéraire similaire, est formidablement utilisé. Ce ne sont pas des simples sketches isolés, plutôt des pièces à ajouter à un puzzle global, témoignant d’un même message : nostalgique et profondément emphatique avec ses personnages. Les acteurs sont d’ailleurs tous exceptionnels de justesse, nous dispensent ce ton décalé de manière crédible. Mention spéciale à Anna Mouglalis, serveuse du snack routier et point de fixation entre tous les faits saillants. Ne minimisons pas pour autant la performance de tous ces braqueurs amateurs, réjouissons nous ainsi de cette joute verbale entre les chanteurs Arno et Alain Bashung qui mixent réalité et fiction de manière jubilatoire. Samuel Benchetrit a su éviter l’écueil de catégoriser son film comme un simple exercice de style, ceci en dépit de l’utilisation du noir et blanc, sa carrière cinématographique démarre sur de meilleures bases encore que son œuvre littéraire.
Encore un Mel Brooks pur jus qui, toujours avec un plaisir pleinement communicatif, s’amuse à parodier l’ouvrage de Bram Stoker avec le sens de la dérision qu’on lui connaît si bien. Alors certes, comme Sacré Robin Des Bois, certains gags sont très lourds mais le charme opère à chaque instant et certaines scènes sont franchement puissantes (comme la première apparition de Leslie Nielsen qui déboule l’escalier après avoir glissé sur une merde de chauve-souris ou encore lorsque Mel Brooks et Steven Weber se prennent des décilitres de sang dans la tronche après avoir planté une vampire dans son cercueil). « Décidément, le jour me nuit »… Immortel en effet !!!
10ème Chambre est film documentaire tout simplement incroyable qui s’immisce dans les coulisses des procès d'une cours d'assise française. Le long métrage est d’un réalisme saisissant, Raymond Depardon est allé au plus près du système juridique français. Il en a mis en avant les rouages et le fonctionnement, légitime ou non. Le cinéaste ne prend jamais parti, il se contente de raconter des faits, des histoires, des procès, avec rythme et lucidité, laissant au spectateur le soin de trancher. Le réalisateur laisse l’auditoire décider si les décisions prisent par la justice sont équivoques ou non, légitimes ou non. Le spectateur devient lui-même juge, se prend d’empathie pour certains prévenus, et ne peut s’empêcher d’intervenir face aux affaires qui défilent sous son nez, il se retrouve à prendre parti, à donner lui-même son avis, jusqu’au traditionnel cliffhanger qui ne fait qu’appuyer cet état des choses. Le réalisateur ne fait ni l'apologie de la justice, ni sa discréditation, il manie juste les émotions du spectateur et ses avis transgressifs au travers d'un montage simple et terriblement prenant. 10ème Chambre d’Audience est un film instructif, présentant le fonctionnement d’une justice souvent discréditée. Mais au-delà d’un concept technique matérialisant nos cours de droit en un visuel concret, le film est également une porte vers des concepts moraux inébranlables. Depardon nous renvoi à notre propre humanité, nous démontre les petites habitudes des êtres humains, les confrontations qui peuvent avoir lieux au sein d’un tribunal, un rapport de force parfois inégal, la peur, l’erreur, la culpabilité, le regret, l’amertume, et la responsabilité ? par un réalisme saisissant l’artiste a utilisé ce décor pour présenter une humanité suffocante, en perpétuel questionnement, cherchant désespérément à obtenir une réalité effective, une vérité étique.
ROBOT IS THE FUTURE. un monde virtuelle crée autour de nous sans le savoir,avec une fin crédible:la continuation de l'illusion, le film fait référence au (Roi Nu)d'Eugenis Schwarz -La vérité est synonyme de l'Illusion-le film est réalisé par un habitué de ce genre: Andrew Niccol (Scénariste de Truman Show)et porté par le Monstre sacré d'Hoolywood: Al Pacino, GENIAL!
Je trouve qu'il manque quelque choses aux films de Jeunet sans Caro (bien qu'il est réalisé un très bon Alien tout seul) mais il sait raconter une histoire et ce Dante 01 montre un Caro très à l'aise dans les décors et pour créer une certaine atmosphère mais on s'ennuie rapidement en visionnant Dante 01 et c'est regrettable car on sent du travail derrière tout ça.
Disons-le clairement, Sasori fait partie de ces films que l’on oublie aussitôt après les avoir vus. Le film de Joe Ma correspond à une énième adaptation du manga pour adultes de Tôru Shinohara. Sauf que cette dernière n’apporte rien à l’édifice cinématographique débutée par la trilogie de Shunya Ito dans laquelle Sasori (le personnage principal est incarné par Meiko Kaji). Suite au meurtre de la sœur de son amant qu’elle est contrainte de commettre par une bande de tueurs, Nami Matsushima (Miki Mizuno) est envoyée dans une prison pour femmes tenue par un directeur lubrique incarné par ce bon vieux Lam Suet. Elle y découvre un univers de bestialité dans lequel elle est contrainte d’apprendre le langage de la violence pour survivre. Laissée pour morte par les gardiens de la prison, elle se perfectionne dans la pratique des arts martiaux en devenant disciple d’un mystérieux maître en kung-fu (qui n’est autre que Simon Yam). Le temps est venue pour elle d’assouvir sa vengeance. Sasori : la femme scorpion aurait pu être un simple film anonyme comme il s’en fait tant à Hong Kong et au Japon s’il n’avait pas eu la prétention de s’attaquer au monument du cinéma asiatique qu’est la trilogie de Shunya Ito. De ces trois films, il ne reste rien. Le manifeste féministe et le nihilisme original a laissé la place à des personnages sans saveur, à un film aseptisé doté d’une fausse noirceur qui prend la forme d’une violence totalement gratuite, sans autre intérêt que d’aiguiser l’appétit du chaland en manque de sensation forte. Des plans magnifiques tout en couleur pop à l’italienne et en profondeur de champ et du travail sur les ombres, il ne reste rien. Des combats au câble, des couleurs criardes et des effets numériques foireux ont remplacé le génie des premiers films. Vous l’aurez compris, Sasori est un film à éviter. Ni suffisamment mauvais pour être drôle, il l’est en revanche assez pour nous donner envie de revoir la trilogie d’origine et d’oublier cette version de 2008.
Si le film permet de retrouver les très belles Sean Young (Blade runner ) et Courteney Fox (Scream), c'est bien là son seul intérêt, car non seulement c'est profondément débile et outrancier mais ça se permet d'être homophobe et transphobe jusqu'à la nausée.
Ce qui frappe à la vision du premier long-métrage d'Andrey Zvyaguintsev, c'est le choix d'une esthétique forte, qui n'est pas sans rappeler celle du "Stalker" de Tarkovski, et une mise en scène hyper-maîtrisée. Mais une fois impressionné par le travail formel accompli, il ne reste pas grand chose à dire d'un film qui joue la carte du mystère et du hors-champ mais qui ne parvient jamais à susciter un réel intérêt pour ses trois personnages principaux. Car si la réalisation de Zvyaguintsev est cohérente et imposante, elle pose problème du fait de son extrême rigidité, une solennité appuyée qui marque une distance avec son récit et les enjeux qui devaient se poser mais qui n'émergent jamais : qui est ce père qui revient subitement ? que veut-il faire avec ses enfants ? La mise en scène est donc incapable de transcender l'écriture, de faire en sorte que le scénario soit autre chose qu'un fil purement descriptif et déroulé mécaniquement. Le film échoue (presque) sur toute la ligne parce que son minimalisme narratif - propre à ces films d'auteurs qui construisent chaque scène comme une cathédrale - est une fin en soi et non pas une base sur laquelle se déploierait une véritable progression dramatique. Même quand le trio de retrouve sur l'île, lieu mystérieux par excellence et qui attise pendant quelques minutes une certaine curiosité, "Le Retour" en reste bloqué à son enchaînement froid et cérémonial de petites actions qui ne disent rien sur les personnages et sur les relations qu'ils entretiennent. Un film qui vise grand mais qui ne dit et réussit que très peu de choses.
Film sans grand intérêt à voir pour la prestation de Jackie Chan. à réserver aux fans du genre...
Mouais... D'un côté je reconnais à Andrew L. Stone une belle maîtrise technique, se ressentant notamment à travers deux scènes particulièrement bien menées : celles de l'ascenseur et de la « course contre la montre » sur le périphérique, auxquelles s'ajoutent quelques petites audaces, notamment le recours par intermittence à la voix-off et selon les situations. Malheureusement, rien de bien original pour le reste, notamment à travers un scénario plein de faiblesses et d'incohérences alors qu'il n'était déjà pas d'une originalité folle à la base. Heureusement, les « bad guys » ne sont pas trop manichéens (enfin, un peu quand même), et Rod Steiger compense en partie un James Mason curieusement effacé, sans parler d'une Inger Stevens ici insupportable, véritable caricature de femme en détresse. Plutôt décevant.
Un trés bon film d'action. Le duo willis/Wayans fonctionne a merveille. Le plus incroyable dans ce film est l'apparition d' une citroen DS tunning!! elle ce situe lors de l 'assassinat de la copine a jimmy dix.