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Ce film à petit budget n'est pas sans intérêt. Malgré une histoire très alambiquée et des effets spéciaux à peine convaincants, l'histoire prend une forme assez intéressante.
Rien de très intéressant dans le scénario et dans la réalisation, seul argument une histoire vraie de monsieur tout le monde dans la 2° guerre.
6/20 : Bienvenue à Nanarland ! Ce teen-movie un peu balourd met en scène Bill Goldberg dans le rôle du Père Noël déjanté semant la panique en mettant des tartes à quiconque trainant sur son passage. Il nous présente également Douglas Smith et Emilie de Ravin, le duo auquel le spectateur peut facilement s’identifier. SANTA’S SLAY se rapprocherait davantage d’un téléfilm par sa mise en scène bâclée et un manque d’inspiration évidente quant au scénario. Pour conclure, ce film est bel et bien un navet de pure souche mais il gagne quelques petits points par la présence d’un Père Noël bourru à l’allure de Biker.
Johnny To,l'homme qui tire plus vite que son ombre.Pas un compliment ici.Je veux mettre en lumière le fait qu'à force de tourner 3 films par an,To peut en arriver à bâcler certains d'entre eux.C'est le cas de ce "Mad Detective",largement foutraque.L'idée de départ de To: changer son style habituel.Au lieu d'un polar stylisé aux gunfights jouissifs,il crée une sorte d'enquête labyrinthique proche d'un David Lynch.Son personnage principal,Bun,est un flic déchu,qui a perdu la raison et a des hallucinations permanentes.Visions particulièrement utiles pour résoudre des enquêtes qui piétinent.Sa schizophrénie lui permet d'observer les différentes facettes de tout ceux qui l'entoure,guidés par l'esprit des morts.Un 2ème point de vue,celui du stagiaire novice,étaye le propos.La mise en scène semble moins précise que d'habitude,les couleurs étonnament fades,et on sent que To n'est pas à l'aise avec cette histoire trip-psychologique.Un essai non transformé.Revenez à ce que vous savez faire Mr To!
Un film sans grande originalité a part la prestation de André dussollier. Un ratage de plus pour Lelouch
extraordinaire performance d'ellen page d'une simplicité et d'une candeur magnifique. film dans la lignée de little miss sunshine,sans prétention,sans vedette,mais quel pied!!! à voir absolument pour tous ceux qui aiment le cinéma.
Un must du film d’espionnage. Je ne me lasse pas de le revoir. Aucun temps mort, l’histoire est bien ficelée et réaliste, la bo est géniale. Les acteurs : Pitt et Redford forment un duo exceptionnel, tous les seconds rôles sont bons, une des forces du film. Les dialogues sont bien écrits avec des petites doses d’humour parfaitement interprétées par Redford. Après Ennemi d’Etat, Tony Scott s’impose en maître du thriller d’espionnage. Seul bémol : la scène sur le gratte ciel. Paradoxalement, je l’adore mais c’est n’importe quoi, qu’est ce qu’ils foutent là, d’où sortent la table et les chaises ? Et bravo à la marque des bobines du film, belle visibilité…
Que le réalisateur de ce film soit iranien, constitue un point fort supplémentaire. La dictature, l'abolition d'un régime autoritaire au profit d'une autre organisation politique, qui peut s'appeler "république islamique", Un iranien est bien placé pour construire une fiction sur une telle expérience. C'est autour du pouvoir de permettre la lumière sur la ville, autrement dit d'éclairer son peuple ou de le plonger dans l'obscurantisme -heu, je veux dire dans l'obscurité- que s'engage la révolution. C'est donc à partir d'une logique binaire (allumé/éteint, ouvert/fermé) répétée plusieurs fois, que tout se déclenche. Ensuite, vient le temps de la fuite, du désir d'exil et des possibles mesures de rétorsion que se déroule l'odyssée du grand-père et de son petit-fils.Comment punir untyran ? De quoi est-il coupable? Faut-il se venger? Que veut transmettre le dictateur déchu à son petit-fils supposé lui succéder? Telles sont quelques unes des questions soulevées dans ce film à voir.
L'un des films les plus "kitsch" au monde. C'est du grand art. Tokyo est une maquette et Godzilla un pantin ! Et malgré cela on est happé par ce film et on le regarde avec des yeux d'enfants ! Des yeux pétillants et heureux d'avoir pu entrer dans un monde certes un peu naif, mais rêveur à souhait ! Un classique indémodable !
on est dans un classique, aucune surprise de scénario, PLV : les amateurs pourront apprécier la chorégraphie, les autres....
Voici un film typiquement alimentaire qui a dû uniquement servir à renflouer le tirroir caisse des deux acteurs principaux. Aucun ne semble vraiment impliqué dans le projet : Jet Li, qui assure le minimum syndical avec son regard glacé qu'il a dû calquer sur Steven Seagal et Jason Statham qui semble se demander ce qu'il fait là tout le long du film. Le scénario est anormalement compliqué et l'affrontement promis se résume à une petite minute de castagne sans originalité dans un espèce d'entrepôt sombre. On rigolera d'ailleurs bien sur le rebondissement final qui achève de faire sombrer le film dans la crétinerie finie et l'absurdité complète. Le spectateur s'est fait floué cette fois-ci...
Simple et subtil. La meilleure partie du duo "princesse du nebraska-un millier d'année ". Adepte des effets spéciaux et des gros budgets , passez votre chemin.
Thierry Demaizière et Alban Teurlai font ici le portrait de Benjamin Millepied, éphémère directeur de la Danse à l'Opéra de Paris. Le film montre le danseur chorégraphe au travail, de la conception de son ballet à la première représentation, en grande pompe, avec François Hollande et Nathalie Portman en "special guests". Et le moins qu'on puisse dire, c'est qu'il n'a pas ménagé ses efforts. L'homme a une énergie qui semble inépuisable (même si sa démission surprise 14 mois après sa prise de fonction prouve le contraire) et l'ambition de dépoussiérer la vénérable maison. On le voit d'ailleurs plusieurs fois se heurter à l'archaïsme de cette institution séculaire où toute tentative de changement et de modernisation met un temps fou à se concrétiser. Mais là n'est clairement pas le propos des réalisateurs qui ont simplement (mais magnifiquement) voulu montrer le processus créatif d'un artiste inspiré, ses questionnements, ses remises en cause, ses doutes et son enthousiasme débordant. Les répétitions interminables, les difficultés techniques, les interrogations permanentes, les blessures se suivent sans se ressembler grâce à un montage fluide et virevoltant, une image somptueuse mettant particulièrement bien en valeur les artistes, les visages et les corps et une bande son remarquable. Cette course haletante contre le temps pour approcher la perfection montre sans jamais perdre ni la grâce, ni l'humour, ni l'émotion, la somme de travail hallucinante qu'il faut déployer pour tenter d'y parvenir. On s'en doutait un peu mais ce documentaire (d'abord diffusé sur Canal en décembre 2015) explore de l'intérieur les arcanes de la création comme peu de films avant lui. À voir sans hésiter.
En tant que fan du Cachalot Aïkidoka, j’ai été éduqué à regarder des DTV tout pourris, à l’image crade et aux acteurs ratés, obscurs, et mauvais de surcroît. Heureusement, le premier DTV de Steven Seagal évite les acteurs ratés. En effet, le casting est impressionnant, on compte même 2 grands acteurs, Tom Sizemore & Dennis Hopper et l’inoubliable interprète de Zed dans Pulp Fiction, Peter Greene qui alterne entre bon film et DTV dégueulasse. Ici, on est malheureusement entre les deux, tendance DTV. L’image est crade, les écrans verts sont légions, même quand on est en voiture, le scénario est d’une indigence incroyable et les acteurs, soi-disant excellents, sont vraiment nuls, mention spéciale au sieur Hopper qui devait être quelqu’un de très endetté. La musique de Serge Colbert est risible de ridicule (le méchant étant Irlandais, on a des cœurs bizarre ressemblant de très loin à du gaélique)… En reste un Steven Seagal plutôt calme, qui apparait grimé en chanteur de country lors d’une petite scène assez réussie, ne se battant que 10 minutes avant la fin du film, quand on sent qu’il n’y a plus d’argent dans les caisses. Le showdown final est mou, on n’y comprend rien, ce qui donne l’impression d’un film bâclé (non, sans blague), que les studios auraient gâché, selon Albert Pyun. Un Director’s Cut est sorti sur demande par mail, où Pyun nous montrerait sa vision du film, qui ne serait pas un simple actioner, et où il n’y aurait pas tout ces flash-backs pourris. Sauf qu’Albert Pyun n’est PAS un bon réalisateur, loin de là, c’est un tâcheron. Peu ragoûtant, donc.
Excellent. C'est la première fois que je vois un documentaire proposant d'une manière si réaliste, réalisable et positive, une alternative à la déchéance de notre société actuelle.
sérieux une comédie dont je ne suis pas déçu. j'étais malade quand je l'ai vue et pile plongez dans le film je l'était plus et j'étais plier de rire. quant on met john landis dans la realisation et les ZAZ au scanario sa donne hamburger film sandwich. un film culte tres monty python. moi qui suis pas si fan que sa des ZAZ j'ai adoré . à voir il est même en VOD
Très joli film sur un sujet actuel avec 2 beaux acteurs . Il sont touchants et c'est bien vu. A voir ......
UNe adaptation magnifique du roman épistolaire de Laclos. Voilà une reprise qui a l'intelligence de se démarquer de ses prédecesseurs... On ne saurait en vouloir à Milos Forman tant la liberté qu'il a prise est astucieuse et cohérente. Pourquoi un réalisateur n'aurait-il pas le droit, comme un metteur en scène, de s'écarter un peu du chef-d'oeuvre qu'il adapte (et qui plus est quand ce chef-d'oeuvre a été porté tant de fois sur le grand écran)? Les choix de Milos Forman se justifient. Ils montrent à sa manière, le paradoxe et les limites du libertinage au 18e siècle. Si les voix dans le roman se croisent, toutes aussi importantes, et se répondent, le projecteur est, ici, plus souvent braqué sur le personnage de Valmont. Celui-ci acquière une humanité qui est déjà présente dans l'oeuvre de Laclos, même si elle y est moins sensible (la noirceur du libertin marque davantage dans l'échange de lettres qu'à l'écran): le parieur sur les sentiments est pris à son propre piège. Il se révèle incapable d'aimer sinon quand l'objet de son amour lui échappe. De nombreuses références au genre épistolaire sont faites qui rendent hommage au créateur original des "Liaisons Dangeureuses".
Très peu de suspense pour ce thriller d'une grande banalité .
Chef d'oeuvre incontestable, la critique générale des médias est d'une rare injustice, ce film est sublimement interprété par les deux actrices magistrales. Cette violence faite aux femmes, racontée avec force et rudesse mais parfois aussi drôlerie m'a totalement "retourné": c'est un film "chargé" qu'il faut voir à tout prix: il le mérite vraiment.
Un vrai moment de cinéma, atmosphere, personnages, décor... j'ai beaucoup aimé. Allez voir ce film différent
Présenté comme un "giallo déviant" (car il s'écarte résolument des canons du genre, pour épouser la fibre paranoïaque propice au contexte du Rideau de Fer), ce polar haletant, dont photographie est particulièrement soignée, bénéficie de la participation de (au moins) deux acteurs de renom : Jean Sorel, fleuron français du cinéma d'auteur (chez Visconti, Duvivier, Bunuel, ou encore dans le méconnu et admirable films à sketches "De l'amour", de Jean Aurel, d'après Stendhal) ; et, surtout, Ingrid Thulin, muse de Bergman alors couverte d'honneurs, que Lado fut estomaqué de pouvoir enrôlé dans son tout premier film ! Plutôt qu'un traditionnel giallo, il s'agit d'une thriller esthétisant en terre communiste, avec toute la mythologie totalitaire et sectaire que cela peut véhiculer... Avec une oppressante atmosphère kafkaïenne, justement accentuée par le quartier de Mala Strana (le titre original du film, que Lado ne parvient pas à imposer en France, laissant le distributeur céder à la facilité de ce "Je suis vivant !" qui pourrait faire fuir le cinéphile trop regardant - ou trop précieux) à Prague, où a vécu Kafka. Bref, une belle surprise, bien au-dessus des prétentions ordinaires du genre, qui en ravira tout amateur éclairé.
Rien n'est à sauver dans un film pareil. Le duo Hoffman-De Niro augurait le meilleur, mais finalement, on a affaire à un bien pâle navet. Le scénario est inexistant, ennuyant au possible, j'ai à peine tenu jusquà la moitié. De Niro trouve un rôle un peu fade qui n'exploite rien de l'étendue de son talent. Enfin, P.S.Hoffman s'en donne à coeur joie, mais son personnage manque cruellement de piquant, il ne décroche même pas un sourire de toute la partie du film que j'ai vue.
Ce fil est plein de poésie, de tendresse dans un Paris magnifiquement filmé. Les comédiens sont magnifiques. C'est tout simplement beau et apaisant !
Un film culte. Véritable référence en matière de cinéma d'auteur français, Le Péril Jeune a la particularité d'être le film des nouveaux espoirs : Romain Duris, Vincent Elbaz ou encore Elodie Bouchez trouvent dans cette tranche de vie rafraîchissante leur premier rôle de comédien. Singulièrement bien dosé, emprunt de nostalgie et d'émotion, le second long métrage de Cédric Klapisch est un divertissement intelligent et salutaire pour les amoureux du cinéaste. Après son décevant Riens du Tout, le réalisateur entame une formidable étude sur la jeunesse ( qui se poursuivra avec le diptyque L'Auberge Espagnole - Les Poupées Russes ) tout en prolongeant son travail sur la structure narrative dite " film choral "... Cela dit, les personnages du Péril Jeune ont tous un lien - affectif, parental ou professionnel - les uns par rapport aux autres, ce qui diverge en partie de l'ensemble des oeuvres du genre. Toujours est-il que ce petit bijou possède le don de nous émouvoir, accompagné qui plus est d'une excellente bande son. Charmant, vraiment !
Ohwon, le peintre, déambule dans la campagne Coréenne à la recherche d'images et de nouvelles couleurs pour ses peintures. Du bleu qui sort de l'indigo, un rouge unique, l'artiste puise son inspiration au plus profond de son être, s'arrosant régulièrement d'alcool.Mais sa plus grande source d'inspiration, plus immense que son égo et la Nature elle même, réside dans ces femmes, nombreuses, qui le troubleront tout au long de sa vie et lui feront peindre ses plus beaux tableaux. D'un coup de pinceau agile, le héron se plante au milieu de la feuille blanche, le bec tourné vers l'autre côté. . Les coréens vivent une grande révolution, Ohwon l'a commencée dès son enfance, grâce à son génie qui refusera toujours de se plier aux normes, corps agités et merveilleux qui s'animent sous le signe de l'Art, condamnés à toujours se renouveler, même après la fin..
Corsini signe ici son meilleur film,les personnages sont attachants la caméra va se rapprocher d'eux pour les comprendre et vivre leur aventure,Viviane joué par Nathalie Richard est une femme énergique et qui va essayer de transmettre son énergie a son jeune frére Marc joué par Pascal Cervo,ils vont essayer de se comprendre,Richard et Cervo sont extraordinaires dans leur role.Ils ont un point commun c'est de trouver l'amour avec un grand A d'ou le titre les amoureux qui sont Viviane et Marc.
j'ai bien ri en le regardant en tout cas!
C’est drôle, il y a quinze ans voire plus, Matthieu Kassovitz réalisait «La Haine» et «Assassins» (deux films que j’ai « accueillis » de manière radicalement différente), il était quasi impensable qu’un jour Kasso allait s’atteler à la réalisation d’un film de science fiction. C’est donc ce qu’il fait en 2008 en passant de nouveau derrière la caméra pour nous proposer ce «Babylon A.D». Autant dire les choses telles qu’elles sont: ce film est une méga bouse hollywoodienne, il n’y a pas d’autres mots. L’ami Matthieu se plante sur toute la ligne. S’il n’y a qu’une chose à retenir de son film, c’est le contexte. Pour le reste, rien à signaler. Une réalisation médiocre (le pépère n’est pas fait pour la science fiction, et encore moins pour l’action), un scénario aussi vide qu’une coquille d’amende et un jeu d’acteurs atroce que ce soit Mélanie Thierry ou Vin Diesel qui pour la peine se fait ridiculiser avec cette voix hyper grave. Sans déconner, on dirait que le mec qui le double a bouffé dix caissons de basse. Je n’ai qu’une chose à dire: s’il reste encore des copies de cette horreur, qu'elles soient détruites, par pitié.
On peut clairement dire que Clément a raté ce polar débutant pourtant de manière alléchante avec Trintignant poursuivi par des Gitans cherchant vengeance. Ce début est dynamique et laisse présager du suspense et un film hargneux puis par hasard son personnage s'introduit dans une bande de gangsters après avoir été témoin d'une exécution malheureusement cette partie du film s'enlise dans des scènes souvent inutiles et ça traîne à partie de là quelques peu en longueur tout comme le roman de David Goodis (Vendredi13) dont est tiré La Course du lièvre à travers les champs c'est franchement peu vraisemblable. Dommage que Clément ne s'est pas concentré sur la traque de Trintignant par les Gitans, je crois qu'il y avait de quoi faire un film plus passionnant.
Franchement avant d'avoir vu ce film, je ne m'attendais pas à ce qu'il soit à ce point sombre et glauque. De ce que j'ai pu voir d'Hitchcock c'est mon préféré : l'ambiance est vraiment froide et morbide, le scénario est vraiment très bien ficelé, empruntant divers chemins et trompant à plusieurs reprises son spectateur, les acteurs sont excellents (mention bien sûr au duo James Stewart/Kim Novak), la réalisation est maitrisée et novatrice (on parle du premier film à avoir utilisé le travelling compensé, qui consiste à reculer la caméra tout en zoomant), et même si quelques effets visuels prennent un petit coup de vieux, ça reste plus que correct, surtout pour l'époque. Les personnages sont vraiment très réussis : Hitchcock s'intéresse cette fois-ci à leur psychologie (avec Psychose ça doit être un de ses films les plus réussis au niveau psychologique) mais ne néglige ni le suspens, ni la tension, surtout présente dans l'incroyable fin. Voilà, c'est un film vraiment incroyable dans la filmographie de son réalisateur, peut-être son plus abouti.
Bon ben je viens juste de le voir et je me demande a quoi ça sert de faire un film comme ça si c est pour qu a la fin on y comprenne rien...dommage car ça aurait pu être pas mal avec une fin un minimum plus sensée
Neil LaBute signe un film au scénario incohérent avec une fin bâclée... Même Nicolas Cage ne parvient pas a sauver les meubles... A éviter...
Le défaut majeur de Les Dents de la nuit est là où l'on ne l'attend pas: le film n'est globalement pas drôle. C'est triste à dire, car il y avait de quoi donner un bien meilleur rendu de tout cela, les bonnes idées étant nombreuses, l'esthétique pas dégueulasse, et le casting composé d'acteurs habituellement talentueux...Seulement, les gags tombent trop souvent à plat, faute justement aux acteurs, fades et étrangement peu convaincants, ainsi qu'à une écriture très creuse et extrêmement décousue, délivrant des scènes dénuées de toute réussite au niveau de l'humour. Les Dents de la nuit tente tout, enchaînant les gags sans temps mort, et ne réussit malheureusement pas grand-chose: on rit bien trop peu pour un film de ce genre, et l'on se surprend même à s'ennuyer profondément, ce qui est bien dommage. La comédie réserve malgré tout quelques rares scènes de bonne facture, dans lesquelles les gags sont réussis (miracle), ou bien dans lesquelles la mise en scène impressionne, le film proposant une fin satisfaisante, et se permettant même un ou deux clins d'oeil au cinéma d'horreur fort sympathiques (Shining, etc.). Au final, Les Dents de la nuit rate donc le coche, malgré une pléthore de bonnes trouvailles, ce qui crée chez le spectateur une certaine frustration, car ce divertissement aurait pu réellement être une bonne comédie si les acteurs avaient été plus impliqués et le scénario mieux construit. L'époque de La Cité de la Peur est bien loin...
Poelvoorde parfait mais l'histoire tourne vite en rond, c'est mal exploité. Dommage, c'était une bonne idée, il y avait de quoi faire.
Bien que ce film posa des problèmes pour Kazan qui pensait tourner en décors naturels, il demeure un de ses plus émouvants et surtout un de ses plus crédible par rapport à la vraie vie. Il le doit à sa belle mise en scène qui est habituelle chez lui mais surtout à son admirable personnage féminin. Katharine Hepburn y fait montre d’un naturel exceptionnel et à coté d’elle Spencer Tracy n’a qu’à se faire valoir sans faire d’effort particulier, Kazan raconte dans ses mémoires que ce dernier se faisait constamment dorloter par Hepburn qui l’adorait. Le scénario est particulièrement soigné et nous apprend beaucoup de choses sur la vie dans les plaines au nouveau Mexique en 1880. Les multiples tenues vestimentaires de Lutie, ses cabriolets, son allure sont un enchantement et dés qu’elle apparait le film change de dimension. Les prises en extérieurs n’existant pas, il est difficile d’imaginer que ''la grande prairie'' soit aussi bien rendue en noir et blanc et pourtant c’est exactement le cas, qu’elle brille sous le soleil et le vent ou qu’elle souffre sous les tempètes (les techniciens de la M G M, experts en transparences, savaient parfaitement se servir des longues prises exécutées dehors avant que leurs films commencent) . Hepburn tient en fait le rôle principal dans ce vrai western auquel il ne manque rien mais qui privilégie les problèmes humains et conjugaux à l’action. C’est surtout le fait que cette histoire s’étende sur 20 années qui rapproche ce film des grands mélodrames. Chaque personnage est bien identifié et en devient attachant, ils sont tous authentiques et leurs comportements se justifient pleinement. ‘’Le maitre de la prairie’’ est un film profondément vrai, il est impossible de ne pas être bouleversé lors de la scène finale. Dans les cinq dernières minutes, Kazan touche à la perfection dans le rendu des ressentis, il faut penser à préparer de quoi sécher ses yeux.
Le film démarre à la fin de la 2nde guerre mondiale où Alberto Sordi dirige un journal de Résistance dans la région des lacs italiens ; il tombe amoureux de Lea Massariqui tue, d’un coup de fer à repasser, un allemand qui allait le tuer. Ils passent 3 semaines ensemble avant de se quitter, (après une promesse de mariage), lui pour rejoindre la Résistance. La guerre finie, il est journaliste et revient la chercher, juste avant son mariage avec un autre homme. Ils regagnent Rome mais ils mènent une vie très modeste, Alberto Sordi refusant d’entrer dans le système: il fait de la prison (pour tentative d’insurrection), y mène une grève et refuse, à sa sortie, d’être complaisant avec les grands patrons. Il finira par reconquérir sa femme en jetant à l’eau son patron (dont il avait dénoncé les pratiques malhonnêtes au début de sa carrière et qui préfigure Silvio Berlusconi !) dont il est devenu le larbin. Un excellent film sur le compromis.
Enfin disponible en DVD, sur gotainer.com uniquement, ce film devenu culte cessera bientôt de se vendre d'occasion en VHS, à plus de 70 € la copie de 15 ans d'âge. La version DVD est entièrement restaurée numériquement, remasterisée en 5.1 (par Celmar Engel himself), l'image est 16/9éme d'origine (4/3 en VHS). A se demander pourquoi tant de travail et d'efforts, pour une vente aussi confidentielle (sur le site de Richard Gotainer uniquement, je le répète exprès) Je suis fan de l'univers loufoque de Richard Gotainer depuis près de 20 ans, et pour moi ce film est un bijou ! Richard Gotainer en est le scènariste et le principal interprète, ce film lui ressemble, si vous ne l'aimez pas, passez votre chemin ! Sa réédition ne semble connue de quasiment personne, même pas d'AlloCiné, comme je considére que le principal défaut du film est son prix prohibitif sur les enchère du net, aujourd'hui je peux le certifier, disponible en DVD, 4 étoiles, c'est pas cher noté !
C'est nul, mais c'est nul. On vous aura forcé.