CATIE-AQ/allocine_clean huggingface dataset:
Un aperçu bref : "Lui est musulman de famille pakistanaise, immigrée en Ecosse. Elle est irlandaise, catholique, blanche." Sujet assez bateau, on va assister à un film ou l'amour est presque impossible, à l'instar de Roméo et Julliette. Le début du film laisse cet impression, mais c'est du Ken Loach. Ce n'est pas n'importe quel cinéaste. Attendez-vous d'être surpris. Il met en valeur les toutes contradictions des enfants d'immigrés, le choc culturel et le déchirement qu'il engendre hélas. On assiste à une situation qui n'est que le reflet d'une réalité pas toujours palpable ou évidente. On ressent cette incompréhension mutuelle, on a une conception qui se heurte à l'amour injustice. Les vies des personnages dans lesquelles le cinéaste nous emmène, on les ressent, on les comprend. Il est difficile à d'expliquer de tout ce qui se passe dans le film, les instants de vie, c'est plus qu'un film. Toute fois, je tiens à dire haut et fort, le film permet à une brillante réflexion sur la folie de la religion. Ken Loach ose de montrer le problème autour du cœur humain. "Le problème de notre temps n’est pas la bombe atomique, mais le cœur de l’homme." Einstein. Foncez le voir, en cette période sensible autour de la religion, il faut le voir.
Ce film est super touchant de part l'équipe qui joue très bien, un peu excentrique mais qui semble bien représenter la vraie équipe. L'histoire est drôle, triste, choquante sur certains propos mais belle ! Merci de faire des films qui mettent en avant des personnes LGBT, ça permet d'ouvrir les esprits ! Nous ne sommes pas seuls !!!
Le plaisir est le même et toujours le même a l'énième visionnage. C'est une comédie dont on ne se lasse pas, que cela soit grâce au jeu des acteurs, grâce à l'humour grinçant et omniprésent, ou grâce au mimiques incessament drôles de Louis de Funès. Nous ne pouvons, devant un tel film, que savourer... et rire!
Bruno Dumont avait réussi jusqu’ici à échafauder au travers de ses films un univers singulier, constamment exigeant et d’une parfaite cohérence. Il aura fallu qu’il embauche, une fois n’est pas coutume, une « star » comme tête d’affiche pour se planter magistralement et entacher ainsi un si beau palmarès. « Camille Claudel 1915 » évoque les thèmes de la privation de liberté, de l’abandon, du renoncement ; des thèmes forts donc mais qui ne réussissent jamais à susciter notre empathie tant le style et le contenu scénaristique du film sont ampoulés, creux et désespérément dévitalisés. Le metteur en scène s’attarde de manière interminable et injustifiée sur ses personnages principaux (Camille et son frère) rendant certaines scènes particulièrement éprouvantes à suivre. Juliette Binoche nous gratifie avec lourdeur de son abécédaire de toute la gamme d’émotion que l’on peut faire passer sur le visage (et on y a largement droit, le réalisateur ayant oublié de dire « coupez » lors du tournage et ayant omis de monter correctement son film), chiale à n’en plus finir et ânonne son peu de texte.
La cécité par le fantasme, oui, c'est possible. Le film traite de l'adulation sans limites, de la passion défendue, des regards cachés, des pensées esquissées au plus profond de l'âme. Et il traite donc de la nature humaine qui se déchire à en perdre la raison ; juste parce qu'elle est incapable de vivre avec les autres. Hitchtcock parle du malêtre de la vie commune, du fantasme de l'inconnu, en jouant sur une triple intrigue amoureuse des plus sombres et des plus marquantes, qu'il conclut par une douceur inespérée. Le procès Paradine, en plus d'être captivant et de prendre vite des tournures d'incontournable, fait naître en nous tant de sentiments de haine et de rejet qui sont propres aux personnages et qui s'induisent en nous à mesure que les minutes passent, qu'il est plus qu'un film mais une véritable expérience d'introspection. L'atmosphère de cette cour de justice implacable, où la vérité transparaît plus des yeux que des bouches, pèse sur nos épaules d'un poids insoutenable ; presque aussi insoutenable que le génie du maître derrière la caméra.
Pour ceux qui ont la chance de les avoirs, les chaines "Action" ou celles du groupe AB se délecte de ses films ! Fauchés, bête et méchant... Mais avec un bon pétard ou un verre de gnôle, on rigole !
Comment Laurent Tirard a-t-il pu rater son film alors que tant de qualités étaient présentes au début du projet? Après "Mensonges et Trahisons", premier film très séduisant, Laurent Tirard rate le coche cette fois ci avec cette fable sur les jours d'errance de Molière. Le casting était très séduisant au départ. L'idée de départ l'était aussi: Laurent Tirard ne pouvait donc pas rater son film. Malheureusement, ce n'est vraiment pas le cas. Tout d'abord, le film est vraiment très, trop, long. Les longueurs sont nombreuses et le film n'est pas assez captivant dû à un manque de rythme étonnant pour une comédie. Ainsi, le début à Paris est très lent, alors que l'arrivée chez M. Jourdain est éclatant pour vite retomber dans l'ennui. La mise en scène et le scénario sont aussi très fainénants. Dans ce film, on a l'impression que Laurent Tirard ne sait pas où mettre sa caméra. Il multiplie les effets qui n'ont rien à faire dans ce film (les ralentis par exemple). Ensuite, côté scénario, les scénaristes se reposent sur les dialogues de Molière sans ajouter leur pâte personnel. Certaines scènes sont vues et revues (la scène du chien) et ne font même plus rire. D'ailleurs, on ne rit vraiment pas énormément pendant ce film! Enfin, la musique est vraiment mauvaise et ne colle absolument pas à ce film. Côté casting, c'est aussi une déception. Romain Duris n'est pas crédible une minute en Molière. Il surjoue complètement et n'a pas l'air de croire dans son rôle. Ensuite, Ludivine Sagnier ne fait que réciter son texte et rend ridicule son rôle. Seuls bons points de ce film qui le remontent quelque peu dans l'estime, Fabrice Luchini et Edouard Baer. Même si Edouard Baer fait du Edouard Baer, il est tout de même très drôle. Ensuite, chaque scène avec Luchini est un spectacle fascinant. Il est étonnant, émouvant, très drôle. C'est un réel plaisir. Luchini est bel et bien un excellent acteur. "Molière" est un donc un film raté mais relevé par la prestation de Luchini et Baer!
une comédie horrifique pleine de bonne volonté et de bon esprit mais qui ne parvient pas à captiver
Je m'attendais à mieux, le film tourne un peu en rond et on s'ennui vite... pas terrible malgré un casting correct ! 2/5
Un riche décideur qui pèse 4.5 Milliards ne ressemble en rien a cela... Désolé, j'avais l'impression de voir un pote qui jouait au mec important. Quelqu’un de cette importance, si il l'a, c'est qu'il sait gérer a la fois son image et ses mots, en ayant une certaine dureté et posture... Trouver l'embarras de cette personne avec une certaine subtilité aurait été plus intéressant et funny, ne serait ce que par le contraste. Ou alors en faire un personnage déjanté a son possible... J'ai eu l'impression de voir un GroLand tres léger... Mais en effet, les riches décideurs sont des gens pensant a eux et leur intérêts, et même parfois sans scrupules... c'est triste mais on en profite tous meme le 'journaliste' du film..
Femme fontaine je boirais de ton eau. Ovni scénaristique que cette histoire où une femme lors de l'orgasme jouit des litres d'eau qui s'en vont rejoindre la rivière et ainsi fertiliser le monde aquatique et ses alentours. Il n'y avait bien qu'Imamura pour oser traiter un tel thème avec autant de sérieux comique et de simplicité. Comme à son habitude, Imamura filme les scènes d'amour avec la crudité qui lui est propre, mais avec ce zest de décalage inhérent au film, provoquant ainsi une sorte de sympathie, pour ne pas dire complicité, vis-à-vis de cette femme qui malgré son mal singulier souffre bel et bien et dont le salut pourrait venir d'un homme qui saurait l'accepter telle qu'elle est sans la juger. Justement arrive dans ce village, pour une obscure histoire de bouddha en or caché dans un vase, un quadragénaire en pleine déroute. Rencontrant la jeune femme il va nouer une relation d'interdépendance avec elle. Elle, qui a besoin d'un homme endurant pour la faire jouir à chaque fois que le désir l'envahit, sous peine de souffrir en raison de l'eau qui monte en elle et qui a besoin d'être évacuée. Lui, qui semble puiser force et vitalité dans cette eau étrange qui l'inonde à chaque cru, et l'on comprendra rapidement que c'est au creux de ses jambes que l'histoire du bouddha fait allusion. Un rôle sur mesure pour Yakusho Koji, l'un des acteurs ayant pris le plus de risque dans sa carrière et abonné autant aux rôles qu'aux films atypiques, parfaitement à son aise en personnage lunaire. Face à lui pour lui donner la réplique dans le rôle de la femme fontaine, Misa Shimizu, également à l'affiche de L'anguille, parvient à être d'une étonnante justesse, jouant avec un jeu décalé sans sombrer dans l'excès, donnant encore un peu plus de fantaisie à ce film qui est loin d'en manquer et qui est finalement une belle leçon d'amour sur l'acceptation de l'autre.(+de critiques sur http://www.guillaumetauveron.com/Textes/chroniques_films.htm)
.............,,.,.J'ai ri du début à la fin.. Bonnes vannes.. j'ai aimé ;) ................................................................
"Nouvelle Vague"... "Nouvelle Vague"... Ah "Nouvelle Vague" ! "Nouvelle Vague" c'est le film français le moins compréhensible mais... Non ça va j'arrête, j'avoue... Je n'ai pas pu finir ce film que je qualifierai (sauf votre respect monsieur Godard) de délire intellectuel prétentieux ennuyeux et ô combien agaçant... J'aime Godard... J'aime "Le Mépris", "Pierrot le Fou"... Mais "Nouvelle Vague"... je n'arrive pas à comprendre le pourquoi du comment, ces interminables longues phrases parfois en voix off qui n'ont aucun sens, "-Le jour va tomber. -La nuit va se lever. -Non la nuit tombe aussi. -Peu importe." "Le positif nous est déjà donné. Il nous incombe encore de faire le négatif..."... ... Bref, c'est difficile d'aborder un tel film... Le plus honorable c'est qu'il ait allé au bout de son délire... C'est qu'il sait donner de la poésie au cinéma, sûrement mieux que quiconque en France. C'est qu'il a conscience de ce qu'est le cinéma, c'est qu'il pense cinéma, il sait filmer et parvient à nous transmettre de sublimes plans... C'est pour ce courage artistique que je lui attribue un 2/5... Mais ce délire intellectuel absurde est, il faut bien l'avouer, au bout d'un certain temps (20 minutes environ) ridicule et très très très agaçant... -Ce soir on regarde "La Nouvelle Vague" ! -Non ! Pourquoi ? Qu'est-ce que j'ai fait ?! J'ai rien fait pour mériter ça ! T'as pas le droit de me faire ça !!
N'étant pas franchement client de ce genre de cinéma, je me disais que l'idée d'explorer les coulisses du Vatican et surtout les doutes du futur pape était tout de même séduisante. Manque de bol, le film de Moretti, inoffensif et plat, ne propose pas grand chose hormis un ou deux embryons de scènes (le tournoi de volley ball), et n'a provoqué en moi qu'un ennui poli. Reste la prestation immense de Michel Piccoli, d'une humilité remarquable.
Pas trouver le film bien ! Mettre un héros qui tue sa famille qui après tape ses potes voir sa soeur est plus que moyen, seul point positif quelque combat cool, et fin très mediocre, vu qu'il y en a pas
Un film magnifique, à voir! Les couleurs, l'animation, les voix des personnages, les dialogues sont remarquables. Les enfants peuvent le voir (quasiment pas de violence) mais ils ne comprendront pas la "subtilité" des dialogues (destinés aux adultes). Un grand bol d'air frais et un réel plaisir de voir un dessin-animé en format long-métrage comme celui-ci! Merci à l'écrivain italien et à l'équipe de production et à la réalisation pour ce superbe film, qui aura je l'espère beaucoup de récompenses
Coréalisé pour la partie japonaise par Kinji Fukasaku et Toshio Masuda. Une très intéressante reconstitution de l'attaque de Pearl Harbour par les japonais le 7 décembre 1941. Le film alterne les séquences côté japonais et côté américain. Les quelques libertés prises avec la réalité n'ont rien de fondamentales et l'aspect documentaire que prend le film le rend particulièrement intéressant(Il est ainsi ahurissant de voir les dysfonctionnement dans la chaîne de communication américaine).Les acteurs sont tout à fait crédibles à l'exception du japonais jouant le rôle de commandant Genda, insupportable cabotin. (Genda devint par la suite un personnage très peu recommandable dans la vie publique japonaise)
Mon Dieu comment Argento a-t-il pu conclure sa trilogie sur les trois mères,entamée avec le flamboyant et baroque « Suspiria » par ce pauvre petit film à peine digne d’un metteur de série Z fauché ? Et en plus il a fallu qu’il entraîne sa fille dans cette débauche de « gore » sans queue ni tête. Tout sonne faux dès les premières images tant Argento ne sait pas où son scénario le mène. Il emprunte donc à tout le monde un petit peu pour colmater les brèches sans succès bien sûr. Les séries Z attirent souvent la sympathie grâce à la fraîcheur et la naïveté du propos ; Argento n’a même pas cet atout pour lui car on sent bien que ce n’est pas le manque de moyens qui plombe le film mais Argento lui-même complètement à court d’inspiration. Il ferait mieux de faire comme pour ses trois derniers films où il avait mis son expérience au service de commandes pas trop déshonorantes.
A la fin des 50’s, le jeune Ripley est envoyé des EU par le père de Dick Greenleaf pour convaincre son fils de revenir au pays. Ripley envieux de faire partie de ce monde de riches va tenter de prendre la place de celui qu’il doit ramener. Remake de « Plein Soleil » de René Clément et toujours tiré du roman de Patricia Highsmith, ce film ne parviendra pas à détrôner la version française. D’accord, Minghella est plus proche du roman en abordant bille en tête l’ambigüité sexuelle de Ripley. Mais là où René Clément installait un climat pesant par des gros plans et huis clos terrible sur le yacht, Minghella décide de nous faire le tour operator de l’Italie des 50’s. D’accord, les décors sont idylliques et la dolce vita est perceptible, le swing vient s’ajouter à l’image d’Epinal ; mais çà reste un « Plein soleil » à la sauce grand studio hollywoodien. En effet, là où Clément fait confiance à l’intelligence du spectateur qui va découvrir petit à petit la complexité de la personnalité de Ripley ; Minghella use lui d’effets hyper appuyés et d’un scénario manquant clairement de subtilité. Ultra explicatif, le scénario tue le film dès la mise en place. Celle-ci ne faisait pas parti du film de Clément ; là on comprend tout de suite que Ripley est un usurpateur. Un film pour bouffeur de pop corn de fait ; pourquoi faire disparaitre si tôt toute l’opacité du personnage. Et pour finir, à vouloir rendre son Ripley très complexe dans un second temps, il nous perd carrément en route. Vous comprendrez que je vous conseillerais de voir plutôt la version française de 1960. Le trio d’acteur de l’époque (Delon-Ronet-Laforêt) écrase complètement le casting trois étoiles mais hyper fade de la version US. Seul Jude Law en dandy tire son épingle du jeu.
Aussi drôle que les autres films que la saga, une blague-seconde.
Une suite catastophique,dèja que le premier était assez moyen a mon gout,mais j'étais a mille lieux d'imaginés une suite aussi foireuse,pourtant il y aurait pu avoir de bonne idées étant donnél'immensité du terrain de chasse cette fois ci.mais bon les dialogues sont mauvais,et certaines répliques et passages frolent le ridicule.Je n'ai jamais vu danny glover autant ridicule.honte a lui d'avoir joué dans un navet pareile.
Cela a des allures de téléfilm, la mise en scène est tout juste correcte et le résultat s'oublie très vite une fois le générique terminé. Reste que cette enquête menée à un rythme agréable se regarde sans déplaisir, pouvant compter sur un cadre relativement original (la maison de retraite) et quelques personnages attachants pour s'attirer un minimum notre sympathie. Rien de vraiment surprenant, mais un scénario suffisamment bien fait pour qu'on ne devine pas trop aisément le coupable, ainsi qu'un casting presque trop imposant pour une production de ce genre (Jean-Pierre Cassel, Philippe Nahon, Jean-Claude Brialy, Micheline Presle, Yolande Moreau, Marilyne Canto, Firmine Richard !) : anecdotique, mais honnête.
Totalement surestimé : du prix immérité de Ben Affleck jusqu’à la réalisation franchement télévisuelle. Comme l’enquête, le film brode pour rien…
Film sans aucune ambition et sans surprise. Le scénario lisse, les actrices mauvaises de seconde zone, une réalisatrice habituée aux navets en font une comédie française ridicule. Aux ordures.
" Kannathil Muthamittal " (qui signifie " un baiser sur la joue " pour les gens qui ne parlent pas Tamil couramment, comme moi..) est un film absolument magnifique ! Plein de douceur, de beauté, d'amour et aussi de tristesse et de difficultés. C'est une histoire d'amour entre une fillette et ses parents adoptifs, et entre cette même fillette et sa mère qu'elle ne connaît pas, mais qu'elle veut à tout prix retrouver. Mais ce n'est pas une banale histoire d'enfant adopté, car les parents biologiques d'Amudha sont Sri Lankais et leur pays est en plein conflit. Ainsi, quand Amudha et ses parents adoptifs, joués par R. Madhavan que j'adore et Simra, débarquent au Sri Lanka pour retrouver la fameuse mère biologique, ils ne savent pas ce qui les attend : les attentats, les réfugiés, l'horreur... En 9 ans, rien n'a changé, la situation du pays et de ses habitants est toujours aussi dramatique... Mais la volonté de comprendre d'où l'on vient et de comprendre quelles sont nos origines est plus forte que tout... C'est une aventure difficile pour la fillette habituée au confort et à la paix de sa maison de Chennai et pour ses parents adoptifs qui l'aiment plus que tout et qui ont du mal à la voir chercher ses " vrais " parents. Une des plus belles parties du film est celle où le père raconte comment s'est passée l'adoption et les raisons qui l'ont poussé vers Amudha, petit bébé abandonné... Mais chut, je n'en dis pas plus ! Les acteurs sont vraiment excellents, notamment R. Madhavan dont j'ai déjà parlé et la petite qui joue Amudha, extraordinaire ! A voir absolument !
Le film est un peu décousu et le scénario manque de consistance. Au final les intentions du réalisateur paraissent un peu vagues. C'est dommage car Charles Aznavour se montre encore une fois excellent et les autres acteurs sont sympathiques ce qui donne une ambiance agréable au film.
Un dessin animé qui vous transporte dans un autre univers, loin de la guimauve dégoulinante du disney habituel, avec à la clés des personnages attachants et une bande son toujours aussi réussie!
Etant un authentique fan de Jodorowsky, découvrir le cinéma d'Arrabal a été une expérience pour le moins déstabilisante. Cet essai du mouvement "panique" doit clairement se ressentir avant d'être analysé, puisqu'il tente par l'intermédiaire de symboles de faire germer un état d'esprit que le spectateur va découvrir avec son personnage principal, le jeune Aden, matricide et psychologiquement perturbé. Visuellement splendide, utilisant une ambiance candide fréquemment transpercée de visions surréalistes trash ou sexuelles, J'irai comme un cheval fou est un brûlot psychédélique contre la société et les comportements qu'elle érige, et qui prône clairement l'amour de la nature. Un message somme toute naïf, mais habilement retranscrits à l'aide de symboles bien maîtrisés et une audace qui va croissant (le final pourrait à lui seul montrer combien le film peut passer du trash à l'apaisement). La description psychologique d'Aden, au passé trouble entièrement focalisé sur le personnage de sa mère (relation très ambigüe), nous brosse le portrait d'un personnage complexe, qui réapprend les fondamentaux tout en découvrant que ses références citadines s'écroulent. Une curieuse composition naïve et trash qui tient du jamais vu dans notre cinéma hexagonal, et qui met suffisamment la tête à l'envers pour qu'on parle de chef d'oeuvre...
Un rôle qui colle a la pot de Lee VanClef et pour cause, On a droit a un tout bon western dans la lignée des Django (encienne version) A voir et revoir.
ALALA buffalo'66 la "cene" de la table: MMM !!! Christina est superbe en blonde et sa jupe bleu qui est si courte alors qu'elle est si candide... Le film ne dure pas tres longtemps mais on est emporté dans la vie du personnage qui raconte son histoire avec humour et ironie dans cette putain de ville de merde... lol Alala que de parents bons et attentionés... Et au final on est bien content d'avoir choisis ce film et pas un autre (enfin je me comprends...)
Sincèrement, il y a un peu de bon, les enfants sont attachants, on y retrouve le concept d’esprit de Noël cher à ces comédies américaines, mais la sensation de bas de gamme du film gâche tout. Retrouvez la critique complète sur notre site web dédié à Noël : Christmas Diary.
Comme souvent, on est attiré à voir un film par ses acteurs. Fabrice Luchini c'est toujours un grand plaisir à le voir jouer , Isabelle Huppert aussi , pour Vincent Lindon que j'ai jamais apprécié est-ce le fait d'avoir vieilli (lui) j'ai rien à lui reprocher. Pour le scénario on ne peut s'empêché de penser à Loïk Le Floch-Prigent exPDG de elf.Car l'idée aurait été intéressante de montrer essentiellement le vécu d'une famille honorable dont le chef de famille s'emmêle dans des malversations au point d'aller en prison. Ici en lieu de dialogues intéressants on a la reproduction des classiques silences de familles bourgeoise . On a ainsi des dialogues justes !!! Et pour appuyer le coté juste le couple Luchini/Huppert se vouvoie ! Un film ou on s'ennuie et puis soudain on a un dialogue fait pour Fabrice Luchini quand il bavarde avec la patronne du salon de coiffure qui nous réveille et nous fait pouffer de rire.
Magnifique ! Du rire, des larmes, un grand moment de cinéma.
Quelle catastrophe ce film! Renions tous les anciens albator et faisons n'importe quoi. Le scénario tourne en rond, la première demi-heure est à mourir d'ennui. Et quand les actions commencent enfin à s'enchainer, c'est WTF tout du long...Albator saute 10km dans le vide sans problème, yama veut le tuer alors que c'est sa seule chance de quitter le vaisseau vivant, d'ailleurs ce type est une vraie girouette. Je me demande encore pourquoi il a tourné la valve avec tous les scotchs danger dessus... Une scène de 15 sec sur nausicaa toute nue dans sa douche (???), Albator qui pour sauver la terre la recouvre de matière noire, Yama se retrouve avec son frère par magie sur l'arcadia au lieu de l'autre vaisseau (ou alors il l'a trainé?), le mécanicien réapparait au plan d'après sans son armure bioshock. Que dire de la coalition gaia qui désire détruire la terre et Albator en même temps et qui arrête d'utiliser l'accélérateur de jupiter au bout de 2 tirs? Et la fin... Albator prend sa retraite ou meurt, on comprend pas, et yama pilote sans problème le vaisseau (Nausicaa avait dit que seul albator savait l'utiliser?).Bref, 2 étoiles pour la nostalgie et les graphismes. Pourquoi un scénario aussi nul et prévisible???
Un très beau film dans tous les sens du terme . Visuellement superbe comme souvent chez Visconti les gros plans sur les visages très impressionnants . Sur le fond les comédiens sont excellents et on ressent cette jalousie qui monte sur le personnage du mari jusqu'à aller au dégoût. Le final est filmé encore une fois de superbe manière tout très théâtrale.
tout juste correct, vu le casting le film aurait pu être mieux mais là c'est assez mou on y trouve pas vraiment son compte ! encore une licence de jeu culte bâclé !
Scénario original. Les acteurs sont convainquant. Si Télérama n'a pas aimé, c'est bon signe ^^ Mon film préfèré de la première quinzaine d'août. Malheureusement le film n'était programmé dans peu de salles, préférant l'édifiant Pacific Rim... A voir absolument !