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Est-il nécessaire de présenter encore les men in black les plus célèbres du cinéma ? Même les nouvelles générations connaissent les frères Jake et Elwood Blues. John Landis aligne une bande-son accordée au rythme d'enfer du film (notamment le célèbrissime blues "Peter Gunn Theme") , avec des guest de poids comme le légendaire Cab Calloway et sa "Minnie the moocher", ou Aretha Frankiin et son inoubliable "Think" ; il soigne des chorégraphies au cordeau, enchaîne les dialogues irrésistibles, les gags énormes et les tribulations excentriques de ses 2 abrutis sympathiques, en multipliant les scènes d'anthologie (la scène dans la vieille Dodge au début, la scène du restaurant, la scène du bar country, la scène de casse du centre commercial...) et surtout en réglant des séquences de poursuites inoubliables aux cascades délirantes, tel le carambolage des voitures de flics dans Chicago... Landis bénéficie de cameos sympas de ses potes qui ne se rendent pas compte encore qu'ils participent à un film spécial (Frank Oz en gardien de prison, Spielberg en receveur des impots..). Toute cette énergie euphorisante apporte au spectateur une joie indescriptible, et a hissé ce film culte au rang de chef-d'oeuvre.
Le premier long métrage de Jean-Paul Rappeneau. 8 films réalisés en 50 ans. Jean-Paul Rappeneau ne fait un film à légère et ne signe souvent que des réussites. Celui-ci en est déjà une. Une comédie romantique sur fond de film de guerre, qui réunit une merveilleuse affiche, la si belle et talentueuse Catherine Deneuve, Philippe Noiret, Pierre Brasseur, Henri Garcin Mary Marquet et Carlos Thompson. Michel Legrand à la musique, Claude Sautet au scénario. Humour, aventure, vaudeville, occupation et débarquement, La Vie de Château est animée autour de la virevoltante Marie. Inutile de dire que c'est bien fait, bien construit, bien filmé, bien mené et que ce grand classique fait partie des chef-d’œuvres du cinéma français.
La magie du premier n'étant plus depuis sa suite, que pourrions-nous réellement espérer de ce troisième volet ? Mon Beau-Père Et Nous se résumera en une petite comédie gentillette dans laquelle des acteurs à la carrière en déclin se prennent un moment de détente avant de voguer vers d'autres aventures.
Quand Agnès Jaoui et Jean-Pierre Bacri orchestrent un jeu de masque et de massacre tel que celui-là,on ne peut qu'applaudir et savourer.Alors bien sûr,"Un air de famille" est signé Cédric Klapisch,qui d'ailleurs preuve de beaucoup de maturité.Mais le fait est que les dialogues ciselés et millimétrés sont l'oeuvre de Bacri/Jaoui,dans la lignée de "Cuisine et dépendances".La famille y est brocardée dans les grandes largeurs,et il faut gratter loin pour voir un soupçon de tendresse.C'est si bien écrit,qu'on se fiche que ce soit un huis-clos dans un café de province,ou que les réactions soient théâtralisées.Entre coups de sang,orgueil mal placé et convenances hypocrites;cette famille règle ses comptes un vendredi soir.Attention,on y rit tout de même beaucoup.Il suffit de voir Bacri et sa tête de basset artésien ou Jean-Pierre Darroussin et son air de ne pas y toucher pour se fendre la poire.Wladimir Wordanoff joue parfaitement le frère narcissique,tandis que Agnès Jaoui incarne la petite insolente,sans parler de Catherine Frot en bourgeoise candide.Un festival de réactions démesurées.Finalement,c'est une vaste leçon de vie à laquelle nous assistons.Tendre la main vaut mieux que tendre la joue.On salue la métaphore.
Un film sur la solitude, l'ennui...n'est pas forcément ennuyeux (ex : le sublime "Be With me" l'an dernier) mais là, le film rate son sujet, parce qu'on finit par se détacher de ces personnages finalement peu attachants, dénués d'émotions. Même leur relation est peu crédible, on ne voit aucun attachement, qu'il soit amical, amoureux, sensuel...alors qu'ils sont supposés être un couple...Le film est aussi beaucoup trop long. Restent une image magnifique, une très belle idée (un personnage mystérieux croisé souvent...) et les paysages désolés d'une Chine rarement vue au ciné, et une jolie fin où enfin l'émotion pointe...mais pourquoi si tard ????!!!
Un homme d'un milieu social bas, une femme d'un milieu social aisée; une histoire d'amour une deception professionnelle;une revanche à prendre Ce qui aurait pu n'être qu'une comédie romantique de plus est en fait un chef d'oeuvre méconnu. Réalisé par l'acteur qui jouais Starsky dans la série télé,le feu sur la glace est une romance-comico sportive rythmée,drôle et divertissante qui se passe dans le milieu des sports de glace. On peut facilement s'identifier aux personnages du film . N'oublions pas la performance des acteurs. A découvrir et redécouvrir. A noter,l'actrice principale(Moira Kelly) joue actuellement dans la série les frères scott.
Ce film est excellent, je l'avais vu il y a quelques temps à la télé, et j'aimerais beaucoup le revoir. Malheureusement il est absolument improcurable. Si quelqu'un a un tuyau merci a lui :)
Le feel good movie , Little Miss Sunshine à la française ! Peur de l'histoire melo d'un couple avec leur gamin... et c'est super rythmé, tres drôle avec la bande de vieux du grand-père qui font des conneries comme des gamins. C'est dommage la bande annonce donne pas trop envie et le film est super ! Les sujets se mêlent bien et font qu'on sort avec la banane. Je recommande ! La fin génial trop drôle !
Une réalisation très réussie visuellement ! Un film très très différent de l'offre actuelle au cinéma !
Un très bon film dont le côté mélancolique rappelle Ghost World. Le parti pris de la réalisation est original et les acteurs sont excellents. Un véritable bol d'air frais dans le cinéma américain.
Ah j'ai adoré, j'ai beaucoup ri ! Etonnant que je ne l'ai jamais vu avant ! Les comédiens sont épatants : surtout Zabou Breitman qui est excellente et Marc Lavoine, que j'ai déjà pu apprécier dans "Le Coeur Des Hommes", est ici hilarant (le moustique ! :-) ). Dommage, il n'existe pas en DVD, car je pense que je l'aurais commandé tout de suite ! A voir sans hésiter !
Bien que j'avais déjà lu sur la question et que je m'intéresse depuis quelques temps au travaux de JJ Charbonnier, je trouve que ce documentaire m'a donné des raisons supplémentaires d'espérer. Il montre le vrai sens de la vie, soyons aimants et altruistes ce sera un bon entraînement à l'amour inconditionnel que nous pourrons compléter après notre mort, sans compter qu'il fait beaucoup de bien aux vivants que nous côtoyons aujourd'hui. Une autre raison d'espérer est que les expérienceurs disent qu'ils sont revenus parce qu'ils n'avaient pas fini leur mission sur terre. Nous avons donc une mission d'utilité dans l'amour et l'aide à apporter à notre prochain puisque les gens qui sont revenus des EMI sont revenus transformés et davantage près de l'amour que des biens matériels.
pas le meilleur Gérard Oury mais une comédie bien sympathique que vous fait passer un bon moment. Le duo Anconina / boujenah fonctionne plutôt bien le tout sur les notes de Vladimir Cosma what else
Sûrement un des pires films de Jerry Lewis avec un scénario inepte reposant sur une histoire de sosies grossière et mal ficelée. Jerry nous refait sans vergogne le coup du personnage double en ressortant même la stricte apparence du « Nutty Professor », voix nasillarde et dents en avant, en opposition au crooner à l’haleine fraîche. Le film est de plus terriblement daté des années soixante (avec une musique horripilante, marque de fabrique de ces années-là), et se veut une vague parodie des films de James Bond. Les seuls points positifs sont le jeu de Jerry Lewis, même réduit à sa plus simple expression, un bon rythme d’ensemble (mais trop souvent à vide) et ses recherches sur les couleurs, héritées de Frank Tashlin. Mais pour le reste, il est difficile de défendre ce film où l’auteur confond déconstruction et absence de construction.
L'histoire de ce thriller est classique et la réalisation sans étincelles ne sauve pas la faiblesse du scénario. Cependant Masquerade se regarde mais il ne laissera pas une trace impérissable dans votre mémoire.
quelle richesse dans les dialogues, en partant d'une dispute pour en arriver à inscrire la dimension politique d'un pays, le Liban.....Le film aboutit à développer un épisode douloureux de l'histoire du Liban ??? Le talent du réalisateur s'exprime dans un attachement profond aux valeurs populaires et à la morale humaniste qui les anime....Le film a quelque chose de très universel, et il ne faut attendre pour l'esprit aucune pause dans les dialogues et leur belle précision....C'est un volcan politique en quelque sorte auquel nous sommes conviés, volcan dont la lave bouillante est autant philosophique que morale....la mise en scène est au cordeau, les acteurs sont brillants, et la bande son implacable..... ce film, assure car il condense dans une histoire ordinaire, la condition humaine, celle que l'on peut ressentir dans les émotions de tous...Les répliques provoquent l'unanimité et un vrai plaisir....Tous les "publics sérieux" donc apprécieront.....Pas d'hésitation possible si vous avez la chance qu'il passe près de chez vous....
"Le Vent se lève" dernier long métrage du grand Hayao Miyazaki, est aussi son ultime chef-d'oeuvre. Laissant de côté l'imaginaire et les esprits le temps d'un film, Miyazaki nous propose ici un récit inspiré de deux histoires vraies, et racontant la vie de Jirô Horikoshi, jeune ingénieur en aéronautique Japonais, à la veille de la seconde guerre mondiale. Même si c'est assez différent d'un "Princesse Mononoké" ou d'un "Voyage de Chihiro", "Le Vent se lève" est pour moi, l'un des films les plus aboutis du Sensei. On y rencontre des personnages attachants, Joe Hisaishi écrit avec ce film une de ses plus belles bandes originales et l'animation est comme toujours magnifique. Miyazaki est comme toujours fidèle à ses thèmes de prédilection, la guerre, l'amour car le film est surtout une magnifique histoire d'amour, et le rapport entre l'homme et la nature, nature dessinée à la perfection. Et plus que tous ses autres films, "Le Vent se lève" est une véritable déclaration d'amour de Miyazaki à l'aviation qu'il anime aussi de façon magistrale. Mais ce qui m'a marqué, c'est le fait que tout le monde soit resté dans la salle jusqu'au bout du générique de fin, comme pour saluer une dernière fois le maître avant son départ. Puis quand l'écran s'éteignit, les gens se levèrent, souriants et reconnaissants, personnellement j'avais les larmes aux yeux en rentrant chez moi après la séance, mais voilà, Hayao Miyazaki prend sa retraite et elle est amplement méritée, et en guise d'au revoir il nous offre son dernier chef-d'oeuvre, un film beau et triste, mêlant rêve et réalité, qui marque la fin de la carrière de celui qui restera comme le maître de l'animation. Un grand merci, Miyazaki-san, pour votre imagination et pour tous vos films qui nous ont accompagné ces dernières années, et qui continueront de nous enchanter, merci à vous !
Un réseau d'espionnage nazi, installé aux Etats-Unis en 1940, se spécialise dans les opérations de sabotage. Barry Kane a, sans le vouloir, activé l'incendie d'une usine aéronautique, en utilisant un extincteur rempli d'essence provoquant la mort de son meilleur ami. Accusé par la police, il décide de retrouver lui-même le vrai coupable. La trame est typiquement Hitchcockienne : un homme passe du statut d'innocent à celui de coupable, un couple forcé apprend à s'apprécier durant la fuite et un final sur un monument de la région géographique où se déroule l'action. La Cinquième colonne (titre français ridicule de Saboteur) est un film très plaisant dans la carrière d'Alfred Hitchcock. Saboteur fait partie des films de guerre et d'espionnage du cinéaste. Une cavale se déroulant à travers les Etats-Unis d'ouest en est, pour se terminer par un final aussi fantastique que techniquement surréaliste pour l'époque, au sommet de la Statue de la Liberté. Le modèle de trame sera repris exactement pour North by Northwest avec un parcours inversé. Bien que les acteurs aient été imposés à Hitchcock, Robert Cummings et Priscillia Lane sont crédibles, bien que leurs charismes ne soient pas vraiment à la hauteur d'un film d'Hitchcock. Saboteur est une succession de vignettes, toutes ébouriffantes et inventives où Hitchcock utilise tous les angles de caméra possibles et imaginables, notamment pour la dernière séquence sur Liberty Island. Un film d'aventure ancré dans l'actualité du moment, la Deuxième Guerre Mondiale, où une organisation nazie a infiltré les Etats-Unis. Saboteur est un modèle du montage (précision du découpage), de la réalisation (la scène dans le Radio City Music Hall est ahurissante) et d'humour. De l'interprétation, on retiendra surtout l'excellent Norman Lloyd qui incarne le fameux Frank Fry. Saboteur n'a de problèmes que son couple vedette principal manquant cruellement de charisme et auxquels on adhère avec du mal malgré les efforts des comédiens.
On pourrait traduire thriller par "film à meurtres". Help annonce la couleur d'entrée : un tueur insaisissable sévit dans la montagne. Le grande force de son auteur est d'avoir façonné une oeuvre plus brute que brutale. Économie de dialogues, musique expressioniste sur des vues aériennes somptueuses. Le film observe la déchéance de personnages tous liés par la même folie vengeresse. Ce parti pris naturaliste, tout en maintenant le suspense jusqu'à la dernière minute du film, expose avec habileté la mécanique de l'erreur judiciaire et la légitimité de se faire justice soi-même.
Une oeuvre érotique qui passe pour une fadasserie de nos jours rien de sulfureux dedans (on préférera revoir le Caligula de Tinto Brass) mais alors qu'en est-il ? Certes c'est joliment filmé et les filles sont belles et dénudées mais il n'y aucun effort scénaristique, les 2 premières histoires sont médiocres (une fille qui s'amuse avec un concombre...). En fait j'ai surtout regardé les Contes immoraux pour le segment sur Ersebet Bathory joué par Paloma Picasso (la fille du peintre) j'espérais quelque chose de particuliers avec un tel personnage mais là aussi aucun effort non plus pour installer un semblant d'atmosphère que des filles qui batifolent en tenue d'Eve et la fameuse comtesse dans un bain rempli de sang. La dernière saynète sur les Borgia est aussi inintéressante que le reste.
En fait, il s'agit d'un film très décalé, en sorte comme une anti-culture. L'idée est excellente mais la baston trop présente,la mise en scène minimale et les personnages ridicules n'aident pas à l'apprécier.
Mollasson au possible,long comme une journée de pluie,dégoulinant de pathos,"L'Ombre d'un soupçon" n'est rien moins que le pire film de la longue et fructueuse carrière de Sydney Pollack.Absolument rien ne fonctionne,à commençer par une direction d'acteurs défaillante.Harrison Ford et Kristin Scott Thomas,habituellement si professionnels, cèdent à un laisser-aller gênant.Lui,dans le renfrognement permanent.Elle,dans un déni stérile.Cette réunion inattendue aurait mérité mieux.Ils ne sont guère aidés par des tunnels de dialogues existentiels vides de toute substance,et par des scènes qui s'étalent à n'en plus finir.Du cinéma en charentaises,qui ne fait qu'utiliser de la pellicule.On perçoit l'envie de Pollack d'aborder le travail du deuil du conjoint.Seulement,il pollue ce digne thème d'une romance convenue et inintéressante entre la veuve et le veuf.Et sacrilège ultime,enrobe le tout d'un happy-end,pour le coup,totalement inadéquat.Ce mélo sirupeux,est par ailleurs mal écrit,avec par exemple une enquête policière,aussi plan-plan qu'absolument inutile.A courir plusieurs lièvres,on n'en obtient aucun.Juste épouvantable.
film émouvant avec des paysages qui représente bien la corrèze les personnages sont autentiques le suspense est à son comble l intrigue est trés bien ficelée en tout plan ce film est une trés bonne surprise et je le recommande à toutes les générations.
Cold Prey 3 est un film qui nous tient en haleine pendant tout le film du début à la fin. Les personnages sont assez attachants même si le scénario n'a rien fait pour se démarquer des autres films. Il est vrai que il est moins original que Cold Prey 1 et 2 mais vu que j'ai commencé par celui-ci, il ne m'a pas du tout déçu. Le seul point original est que les évènements sont bouleversés chronologiquement. Pour faire bref, c'est un très bon film qui mérite d'être regardé.
Le film commence sur un discours (raté) en 1925, et s'achève sur un autre discours (triomphal) en 1939 : entre les deux, le chemin de croix d'un prince timide, voire effacé, handicapé par un bégaiement irrépressible, et que la raison d'état propulse sur le trône. Colin Firth incarne avec brio le duc d'York sacré George VI après l'abdication de son aîné, éphémère Edward VIII (et non VII, comme lu et entendu trop souvent ces temps derniers, sans que cela choque quiconque - Edward VII est le grand-père, fils de la reine Victoria...), même s'il est trop âgé pour le rôle, et n'a aucune ressemblance physique avec le père d'Elizabeth II, pas même les yeux bleus. Dans le rôle de Lionel Logue, le phoniatre australien aux méthodes peu orthodoxes, Geoffrey Rush lui donne excellemment la réplique, et on peut encore citer (dans une distribution sans reproches) l'"exquisite" Helena Bonham Carter en Elizabeth Bowes Lyon, l'épouse aimante, la future "Queen Mom". Un bon film historique, mais aussi une belle histoire humaine, dont la mise en scène est classiquement raffinée. 4 étoiles (sans état d'âme).
Oubliez eXistenZ et A.I., Jude Law surnage dans ce film prétexte, n'hésitant pas un seul moment à se positionner entre anticipation et violence gratuite. Sous couvert d'une bonne idée de scénario de départ, laissant entrevoir des thèmes riches et primordiaux, Repo Men bascule très rapidement dans l'accumulation de scènes gores et brutales, où ces personnages sans justification évoluent grand bien leur fasse dans une société jamais décrite laissant le spectateur dans un flou même pas artistique, puisque... même les scènes d'action ne laissent jamais planer le doute quant à leur déroulement et leur issue. Malgré son image de surface attrayante, Repo Men s'inscrit donc dans n'importe quelle lignée de films actuels, cocktail visuel léché bardé de violence jeuniste. Au suivant...
Un film qui interpelle, une demi-heure de discussion à la sortie avec des gens qui ne se connaissaient pas mais avaient une envie irrésistible d'en parler! Un film qui ne peut laisser indifférent. Des enfants si vrais au premier ministre japonnais si vrai lui aussi dans sa prise de conscience soudaine du danger si grave du nucléaire suite à Fukushima. Comme on se le disait tous en sortant : cela devrait passer à l'école, de la fin de la primaire à l’Université! Ayez le courage d'aller voir les choses en face et vous serez récompensés par la joie procurée par des perspectives d'avenir qui démontrent qu'un autre monde est possible (de l'Europe au Japon...) et qu'il est urgent de s'y mettre!... Merci pour ce film.
Je me permets d'abord d'émettre un avertissement quant à certaines scènes qui peuvent choquer, dépeignantdes violences envers les malades psychiatriques et handicapées sous le régime nazi. Excellent film qui nous plonge dans l'Allemagne des années 30 aux années 60. On suit un artiste peintre qui se cherche, qui cherche son art, et qui demeure hanté par des traumatismes de son enfance. On ne s'ennuie pas, l'histoire est passionnante et l'intrigue est intelligente. La tension, la violence et les respirations sont bien utilisées. Trois heures cloué au siège dans pouvoir décrocher. Je traduis les mots du réalisateur à propos de son film dans son interview au Spiegel : « "Werk ohne Autor" est un film sur la capacité rare qu'on les humains à transformer des évènements furtifs de leurs vies en quelques chose de significatif. Nous sommes des alchimistes qui pouvons faire de la plaie du traumatisme de l'art dans sa forme la plus belle. » Bref, à voir !
Un film somptueux, une histoire d'amour inconventionnelle pour les années 40, qui présente une relation homme-femme dans laquelle ni possession, ni soumission ne viennent entraver le bonheur d'être à deux. Un film idéaliste sur l'amour, sur l'égalité des sexes ( la femme et l'homme étant sur un même pied d'égalité ), probablement le premier film à nous montrer la femme hors du foyer, à prendre en compte ses rêves, ses désirs. Un film de bons sentiments, certes, mais un très beau film, maîtrisé de bout en bout, une boufée d'air dans le maëlstrom de thriller et de gore omniprésent aujourd'hui.
Avril et le monde truqué, d'une grande qualité graphique, est une splendeur visuelle absolue. D'autant plus manifeste que le film multiplie les différents lieux (ville, nature, intérieurs, extérieurs) ou éléments (eau, air). Le film réussit parfaitement son pari uchronique, celui de donner la vision d'un Paris dont le progrès technologique serait absent mais aussi d'en garder les bases de sa beauté architecturale historique. Le dessin est beau mais aussi imaginatif sans être de l'ordre du cliché. L'histoire, dont le récit est trépidant, vogue de rebondissements en rebondissements et de surprises en surprises. Si on peut regretter quelques longueurs lors des deux premiers tiers du film, l'ultime partie avecl'évasion des protagonistes vers le monde inconnuest un chef d'oeuvre absolu. Les personnages principaux ressemblent beaucoup par leur graphisme aux acteurs qui les doublent (Rochefort, Cotillard, Gourmet). Avril et le monde truqué s'adresse à tous les publics et véhicule bien des messages moraux (les limites de la science qui peut être mise dans de mauvaises mains, la tolérance, la fidélité). Un univers qui évoque les romans de Jules Verne et les films de Hayao Myazaki (voir les improbables véhicules volants, la poésie du film, les idées morales, les relations intergénérationnels au sein d'une famille...) A noter un générique très imaginatif et très drôle. Un grand film d'une certaine façon visionnaire qui s'inscrit très bien dans la mode uchronique actuelle.
Le film le plus sensible et surtout le plus réaliste sur l'homosexualité (ici le rapport homosexualité-famille-religion) que j'aie vu jusqu'à maintenant. Antoine de Caunes y est absolument formidable et magnifique. Et puis, quel plaisir d'entendre de la musique en yiddish !!!
Faussement présenté comme une comédie romantique, ce film est avant un film sur la relation mère-fille et le désir irrépressible de maternité qui taraude l'héroïne à l'aube de ses 40 ans. Elle devra en même temps faire face à l'échec de son mariage, à l'apparition dans sa vie de sa mère biologique et à la rencontre avec un autre homme, lui-même empêtré avec 2 enfants. Quelques répliques font mouche et font rire. Sinon c'est essentiellement la découverte de sa vraie mère (d'où le titre original du film) au moment du décès de sa mère adoptive et la construction de ce nouveau lien familial qui est le pivot de ce film. Un film bien interprété, avec du rythme et un sens plus profond que les critiques ne le laissent supposer.
Le seul point remarquable du film est le personnage du Colonel Hessler (Robert Shaw, brillant) qui rêve d'une guerre totale et éternelle. En dehors de quoi, malgré les multiples stars (de l'époque) et la débauche de moyens, le film est plus que médiocre. Les situations ne sont pas du tout crédibles, particulièrement dans les affrontements, les personnages sont ridicules, et sur le plan de la véracité historique, il y a de quoi se faire retourner dans leurs tombes témoins et historiens. Il est du même acabit que "la Bataille d'Anzio" réalisé à la même époque : la reconstitution historique est prétexte à du grand n'importe quoi.
Film sans grand intérêt et vite lassant. Beaucoup d'effets sont bâclés; les aztèques sont habillés comme des indiens, le t-rex (pas si mal pourtant) est mal intégré aux décors, l'autel sacrificiel n'a rien à voir avec la belle pyramide de l'affiche, c'est une vulgaire esplanade de carton-pâte largement badigeonnée de peinture rouge, du sang et des morts à tout-va. Le scénario en lui-même est par ailleurs très limité dans les idées, très classique des films d'horreur dans le genre.
Toujours souriant et parfois hilarant à condition d'être perméable à l'humour juif. On passe un excellent moment et Richard Anconina est très bien. Le happy-end est un peu cul-cul, mais que voulez-vous, c'est du cinéma !