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Voila comment ça c'est passer : J'ai visionné ce film en début d'après midi, consterné par cette merde je me décidais d'un pas volontaire à tondre ma pelouse, à peine la tondeuse mise en marche il m'est revenu plusieurs flashs de cette chose et dans un moment de déprime j'ai voulu me mettre la tête dans les lames de la tondeuse, heureusement la vue d'un petit oiseau m'a rassuré sur la beauté du monde. Un film nerveusement difficile.
Faire un film choc,malsain,dérangeant et psychologique oui mais faut il encore savoir mené ce film a bien.Car ici c'est remplit de longueur et de rien,le tout étant extrêmement mal réalisé.Honoré croit bousculé les codes du cinéma et son spectateur,mais ce n'est rien de plus qu'une bande d'acteurs mis devant une caméra a qui un réalisateur cherche a donner une décadence sans jamais y parvenir.
Bonderie numéro 15. Tagada tagada voilà le Dalton… Tuer n’est pas jouer bénéficie également d’un scénario particulièrement solide et suffisamment complexe pour tenir en haleine le spectateur deux heures durant. Quant à Timothy Dalton, il s’en tire honorablement. Son James Bond est nettement moins poseur et dragueur que les précédents. Conjointement à un récit plus crédible qu’à l’accoutumée, ce 007 là est un véritable professionnel qui ne passe pas son temps à folâtrer avec le sexe opposé. Il est moins classe, moins drôle et se pose davantage comme un héros de film d’action, notamment grâce à de nombreuses scènes de qualité qui jalonnent le film de John Glen avec une dernière partie en Afghanistan relativement musclée. Il n’est d’ailleurs aucunement question du SPECTRE dans ce film mais de vulgaires trafiquants d’armes et de drogue. Pour le reste du casting (très axé eighties), Jeroen Krabbé (lancé par Paul Verhoeven) joue les Janus tandis que le spectateur profite de seconds rôles plus soignés qu’à l’accoutumée. Outre Maryam d’Abo en violoncelliste un peu naïve, on croise Joe Don Baker en trafiquant d’armes mégalo terré dans son propre musée à la gloire de conquérants sanguinaires, John Rhys-Davies en général russe et Art Malik (le chef des terroristes dans True Lies) en moujaidin. Au passage, la guerre entre soviétiques et afghans contribue énormément à ancrer le récit dans la réalité là où le film aurait pu dévier dans le vulgaire blockbuster. Au final donc, un épisode plutôt réussi car très rythmé. Timothy Dalton ne transcende pas le rôle mais lui offre un renouveau bienvenu.
film minable trop d'images de la banlieue toujours aussi négatives. Du déjà vu dans ce genre , rien d'original...
Ce film est vraiment Super long et son histoire edt sans queue ni tête. Je me suis ennuyée a mourir. Je l'ai regardé jusqu'à la fin mais j'ai du me faire violence pour ne pas l'arrêter en route.
Le sujet a été plusieurs fois traité et pourtant on se prend dans l'histoire exposée sans caricature. Excellente interprètion de D podalydes et des jeunes. Bon film.
Un vrai polar noir à souhait, violent, cru, réaliste, dynamique et plein de surprises. Des personnages atypiques avec leur part d'ombre renforcent cette ambiance, en contraste total avec l'effervescence de la venue du Pape.
Iris, une jeune fille qui travaille à la fabrique d'allumettes, est exploitée par tous ses proches; elle décide de sortir de sa torpeur. Film indélébile et très fort malgré seulement quelques répliques. Tout est déjà dit.
Un début surprenant et hyper-accrocheur, des méchants pas si méchants que cela, un salaud intégral d'apparence élégante et polie, une jeune héroïne mignonne à croquer, un jeune héros brave et courageux, de l'émotion, beaucoup d'humour (surtout grâce aux pirates), de l'action, des multiples rebondissements et un scénario riche et intelligent, voilà les ingrédients magiques qui a permis à Hayao Miyazaki de réaliser ce chef d'oeuvre. Vous ajoutez à cela la beauté incroyable de l'animation et toute la mythologie dont est capable d'imaginer le génie de Miyazaki. Le tout à grand renfort de culture européenne et avec un fond écologique. Pour moi le meilleur Miyazaki.
Hyper-caricatural ,mauvais à souhait, de très mauvais goût. Quand son collègue lui met une balle dans le bras, il ne bouge pas d'un millimètre !!! Mal joué(pas les 2 acteurs principaux), les personnages ne tiennent pas la route et l'accent Canadien, ça casse la tête, j'y comprend rien la moitié du temps.Leur mélange d'anglais et français, c'est infect comme le sucré-salé. En ce qui concerne le scénario et les dialogues, mieux vaut ne rien dire. C'est du gros mauvais délire pendant 1 heure 15 et après ça va.
On dirait La Nuit nous appartient, mais en exactement pareil.
Présenté à la Quinzaine des Réalisateurs puis aux Utopiales de Nantes, « Mandy » raconte comment Nicolas Cage, bucheron fou amoureux, va se transformer en vengeur métalleux après qu’une secte aie kidnappé sa femme. Panos Cosmatos prend son temps et fait bouillir le spectateur qui attend désespérément qu’il se passe quelque chose. Car l’histoire de « Mandy » se résume à ce qu’on vient d’écrire. Le cinéaste a surtout voulu nous bercer d’illusion avec des images psychédéliques et contemplatives. C’est certain, il y a pleins d’effets sur fond rouge. Mais à force de nous imposer cette boucherie visuelle, le cinéaste nous perd dans un esthétisme sans fond, ni conviction. Entre objet de fétichisme et série Z, « Mandy » est un craquage complet pour qui ne le regardera pas sous LSD. D'autres critiques sur notre page Facebook : Cinéphiles 44 et notre site cinephiles44.com
Inspiré par *Émile et les Détectives*, film allemand de 1931 où l'on peut voir crédité au scénario des futurs noms de prestige, ceux de Billy Wilder et d'Emeric Pressburger, et rappelant un peu aussi *Le Club des cinq*, le chien Dagobert en moins, *Hue and Cry* part d'un postulat assez original et intriguant, montre ce qu'était le Londres de l'immédiat Après-guerre, notamment dans la scène où les gamins rejouent le Blitz dans les ruines de la capitale, a une séquence amusante avec un pèse-personne (mais de là à la considérer comme la première comédie produite par les studios Ealing comme c'est généralement le cas..., non... c'est pas vraiment une comédie !!!) et bénéficie de la réalisation énergique du toujours énergique Charles Crichton. Malheureusement l'ensemble cumule un peu trop les facilités scénaristiques, de personnages secondaires mal exploités, surtout en ce qui concerne la famille du protagoniste, et souffre d'une fin un peu trop abrupte pour réellement convaincre et être autre chose qu'un film mineur, certes pas désagréable mais qu'on oublie très vite.
Années 30, un yakuza en fuite réfugié dans une communauté ouvrière Si le point de départ le rapproche indéniablement de La vie d'un tatoué (voir critique sur ce site) les ressemblances s'arrêtent là. Véritable film noir incarné par la gueule charismatique d'Akira Kobayashi (à la ressemblance frappante avec Tatsuya Nakadai) qui joue ici un ex-yakuza ni sans peurs ni sans reproches, à la virilité exacerbée, tiraillé entre son soucis d'honnêteté et de justice et entre son désir de rester en dehors des ennuis. Ceci est évidement utopique, surtout après avoir enlevé la future épouse de son ex-boss lors d'une scène d'ouverture magnifique toute en ombre chinoise sur un lever de soleil pourpre aux éclats jaune. A leurs trousses, une sorte de Zorro sans masques, inquiétant et oppressant, véritable terminator sans âme ni conscience, offrant ses services à la communauté ouvrière rivale. L'on retrouve ici la critique froide de Suzuki. Tandis que les ouvriers luttes et s'entretuent pour l'obtention d'un chantier, les patrons, qui sont aussi les fomenteurs de ces rixes violentes à la Gangs of New York, se tiennent à l'écart de ces luttes des classes intestines, sans aucune compassion pour leurs ouvriers qui ne sont que de la matière sacrifiable tant qu'ils leurs apportent les bénéfices attendues. Et à ce jeu personne ne gagne. Les masques tombent et les plus salauds ne sont pas ceux que l'on attendait. Et s'il fallait trouver un point noir à ce film, ce serait sans nul doute le personnage d'Oshige, trop frêle et larmoyante quand on connaît la force et le caractère que Suzuki sait influer à ses personnages féminins, mais elle n'abîme en rien l'intensité de ce film cinglant à la force accusatrice. (+de critiques sur http://www.guillaumetauveron.com/Textes/chroniques_films.htm)
Bravo, très belle animation. Malgré le côté inachevé, le style d’animation est très vite oublié par le propos et tous les petits mouvements nécessaires à donner vie à l’ensemble des scènes est toujours un plus. Les types de plans sont parfaitement en raccord avec les différents types de scène. De grands panoramiques cohabitent avec des plans équivalent de ceux tournés à l’épaule. Par contre, où est passé le personnage de l’ingénieur des mines ? Transformé en shérif ? Le caractère familial de ce film d’animation a-t-il atténué toute la noirceur du roman ? Il est passé où le père de Croc Blanc ? Cela sera l’occasion de relire le roman. Un bravo supplémentaire pour les paysages, absolument superbes.
euh....effets visuels super, mais alors le scenario....wouah ils ont du en fumer de la beuh pour sortir un truc pareil de leurs studios un film tres moyen a voir une fois, pas deux
Ce court-métrage a peut être permis une réémergence du format court à une période où il n'existait quasiment plus, mais son interet cinématographique reste mince...
Une très bonne surprise cette comédie. L'histoire générale est vraiment bien avec différents scénario à l'intérieur qui incitent à découvrir la suite. Le film est très bien construit et l'ensemble des acteurs sont parfait dans leurs rôles et on s'attache à eux. On passe un très bon moment devant ce joli plan de table.
Après plusieurs courts-métrages, Henry Miller se lance dans la version longue avec son premier film, un DTV de 2007 : Anamorph où l’on retrouve en tête d’affiche Willem Dafoe. Un thriller sanglant qui nous promettait du suspens et un acteur digne de ce nom, finalement, on comprend relativement vite comment ce film est mort né. Zéro suspens, histoire inintéressante, scénario ridicule que l’on doit d’ailleurs à Miller (puisqu’il porte à la fois la casquette de réalisateur et de scénariste !). Plus d’une heure trente d’incompréhension, on se demande où veut en venir le réalisateur avec son film, car même la fin est bâclée ! Passer votre chemin, il y a strictement rien à voir ici, sauf si vous aimez perdre votre temps !
Malgré un budget que je devinne minuscule, le film arrive à nous embarquer dans ce remake très marrant de la planète des singes. Bruce Campbell est toujours très convainquant en sauveur de l'humanité. Bref un très bon film qui sait utiliser l'humour pour pallier au manque de moyen.
"Bad Teacher" ou "Bad Movie", c'est selon. 1ère mauvaise inspiration en tout cas, dès le choix du titre. Quel ennui, quel supplice ! Il ne se passe rien, aucun scénar', aucun fil conducteur si ce n'est celui d'une prof qui veut gagner de l'argent pour se refaire les seins ! Wouahh ça mérite de faire un film ça ! Heureusement encore que le rôle principal est interprété par Cameron Diaz, excessivement charmante et pulpeuse tout au long de ce film. A défaut d'être captivé par le film, au moins on est captivé par elle. De son côté, Timberlake à l'air de se faire sacrément chier ! On l'a connu beaucoup plus inspiré, notamment chez Fincher et son "Social Network". On frise le ridicule quand Jake Kasdan décide de rentre "hommage" à "Esprits rebelles" et sa B.O entêtante et monstrueuse de Coolio. Sauf qu'à côté de sa purge, on pourrait faire passer le film avec Michele Pfeiffer pour un chef d'oeuvre ! Plus le film passe, plus on est nostalgique du film de 1995 d'ailleurs. Encore une mauvaise idée. Puis la morale finale de la femme qui change complètement d'attitude, qui comprend qu'il ne faut pas être superficielle et qu'il n'y a pas que l'argent dans la vie, c'est totalement ignoble et rend l'ensemble pire que ce qu'il était jusqu'à présent. C'est dire ! En 4 mots : Aussitôt vu, aussitôt oublié.
Un film surjoué, prévisible et débordant de niaiseries.
Aucune émotion palpable (un comble quand il est question de maladie, et de mort même), un récit linéaire convenu jusqu'à la caricature, une mise en place plan-plan, du mou, beaucoup de mou.... Niveau téléfilm de 2ème partie de soirée sur France 3, ce qui se voudrait un film d'apprentissage, sur l'air du comment s'en sortir (pour Romain/Pio Marmaï) quand on a un frère aîné velléitaire, dépressif et égocentré, mais charmeur (Luc/Jérémie Elkaïm) et un père affecté d'un cousin d'Alzheimer, encore plus offensif (Eddy Mitchell - pas du tout à l'aise, et pour tout dire très mauvais). Côté féminin dans ce "film de garçons" (dixit son réalisateur), seule Chantal Lauby, qui joue la mère s'en sort bien (mais le rôle est minuscule). Charlotte de Turckheim fait une panouille en copine, et Zoé Felix n'a que 2 ou 3 scènes, frisant le ridicule pour l'une d'entre elles (le rêve de Romain). Un premier "long" ("Le Grand départ" au générique, et non "Grand départ") dont Nicolas Mercier doute lui-même qu'il trouve son public, quand il envisage comme très hypothétique un futur 2ème film (lucidité, plus que "private joke"), en introduction de l'AP à laquelle j'ai assisté.
Après "Codlfish" et "Love Exposure" le réalisateur poète et anti-conformiste Sono Sion s'attaque au Japon de l'après tsunami comme il le fera ensuite dans "The Land of Hope" ou il reviendra sur la catastrophe de Fukushima. Il adapte ici le manga "Minoru Furuya" et raconte l'histoire de Yuchi et Keiko, deux adolescents perdus entre la vie et la mort, vivants en plein désespoir dans un monde pauvre et isolé ou la violence est de rigueur. Absolument bouleversant en plus de son audace certaine, "Himizu" peut pratiquement figurer comme l'oeuvre la plus touchante de son auteur. Véritable conte fou qui immerge dans une folie pure et une beauté totale dans lequel se retrouvent des dialogues d'une folle beauté. Récitant notamment un poème disant "Je connais tout, sauf moi même". Très complexe dans son écriture notamment au niveau des protagonistes, "Himizu" révèle surtout une richesse clé et un ton tout sauf ennuyeux. Sono Sion écrit la poésie dans le sang et la boue, une violence sans faille, crue, montrant les dérives d'un jeune homme qui a toute la vie devant lui et qui pourtant veut y mettre fin. Distillant d'une manière profondément poignante ce qu'il raconte, la nature qui emmène l'homme dans la spirale de la violence et des larmes. Sion filme un vrai Japon post séisme et n'y va pas par quatre chemins, dans "Himizu" tout va mal sous la forme d'un théorème post apocalyptique d'une force intense, viscérale et vibrante. Poésie et violence fusionnent donc et s'accompagnent de Mozart pour offrir une oeuvre véritable et dense... car ici le monde n'est qu'un morceaux de métal hurlant.
Franchement, si la fin n'avait pas été aussi nanardesque, j'aurais pu monter un peu la note ! Un bon casting, une histoire originale, des scènes sanglantes, des effets visuels réussis, de bons acteurs, de l'action mais trop d'ironie, des dialogues médiocres, pas assez de suspens, des personnages agaçants et un scénario digne de celui d'un téléfilm. C'est moins bon qu'Anaconda mais ça se laisse regarder, disons que même si c'est moyen, c'est divertissant.
Après deux visionnages j'affirme que pour ma part ce film est un réel chef d'œuvre, sans parler bien évidemment d'un Tom Hardy EXTRAORDINAIRE, qui a toute ses chances aux Oscars cette année. Je trouve le scénario extrêmement bien ficelé et tres intelligent. Le réalisateur a préféré se pencher réellement sur la psychologie de ces deux frères tres atypique et leur relation pour le moins "toxique" et rempli d'amour que de se pencher sur le réel côté "ascension gangster". Comme par exemple ce personnage de Ron KRAY qui est incroyable et donne envie d'en savoir plus sur la réelle histoire des KRAY, en observant bien on se rend compte qu'à chacune des ses fameuses "citations" tres pertinente, comme il le lui lui même à la fin, prédit l'avenir du film. Enfin voilà sans trop développer sur tout les faits et personnages de ce film, je voudrais adresser un grand bravo à Brian Helgelhand, à tout les seconds Rôles tous plus brillant les uns que les autres et bien évidemment Tom Hardy qui est pour moi le meilleur acteur de sa génération !
Une comédie très originale aux dialogues étincelants, une des meilleures comédies américaines, digne des Lubitsch. À se garder en réserve comme un bon vin!
peu crédible.
Heureuse de voir Johnny Depp renouer avec un rôle dramatique surtout après la vague des Pirates des Caraïbes qui, comme toutes les suites qui se respectent, ont viré à la caricature dès le troisième volet. Dans The Professor, Johnny Depp campe un professeur de littérature condamné par la maladie, mal marié et qui, pour conjurer le sort, décide de se laisser tenter par tout ce qu'il n'a jamais pu ou osé faire auparavant. Le scénario évite soigneusement tous les pièges que ce synopsis suggère; on n'est jamais dans le pathos, on rit, on pleure, on est touchés tout du long. La caméra ne triche pas avec Depp qui apparaît tel qu'il est physiquement aujourd'hui. Les dialogues sont d'une efficacité redoutable. Et si l'on connaît l'issue fatale dès les deux premières minutes du film, la pirouette finale est inattendue et d'une grande profondeur. Les seconds rôles n'ont pas été oubliés, même si Depp crève l'écran, ils ont leur part de pertinence et aucun n'apparaît comme accessoire. Depp confirme ici, si besoin, qu'il est un artiste complet puisqu'il est avant tout musicien. Un très bon moment de cinéma.
Like a Dragon est un film très moyen (voir décevant) sur tous les niveaux où rien ne se démarque ; plutôt étonnant de la part d’un grand réalisateur,Takashi Mike. Sur le général, le film possède pas mal de longueurs et des scènes inutiles, ce qui nous aide pas beaucoup déjà que le scénario n’a vraiment rien d’exceptionnel et qu’il part dans tous les sens dans la seconde partie de film. Si l’on continue plus loin, le film reste toujours aussi moyen. Certaines scènes d’actions sont assez bien et d’autres mauvaises (je me suis demandé un moment si c’était le réalisateur de Crows Zero qui a fait le film). Le casting est plutôt médiocre mais j’ai quand même bien aimé le personnage avec sa batte de Baseball (son image est un peu sali par son côté un peu idiot). Oui d’ailleurs, le film tourne un peu trop au ridicule parfois (la boisson qui redonne des forces) bon pour les deux voleurs je ne dis rien c’était assez sympathique. En ce qui concerne, la bande son, elle n’est pas trop mal mais elle est trop répétitive. Je crains aussi que tout ce qu’il se passe en une nuit soit vraiment possible… mais bon. Pour conclure, je dirais que c’est un film sans grande valeur qui sert juste à compléter la filmographie de Takashi Mike.
Dans un futur incertain, en proie à la surpopulation mais où on ne croise que rarement quelqu'un, les ressources semblent avoir été épuisées et de ce fait l'humain devient sa propre nourriture. La loi instituée semble être soumise à celle de l'entreprise dont les cadres supérieurs sont tout puissants. Dans ce monde hostile, il faut être à la fois le meilleur et le plus cruel pour survivre. Adopter une logique implacable et feindre la normalité. Le système cherche ainsi à garder les plus forts c'est à dire ceux n'ayant aucun scrupule à "manger" les autres (pris au sens propre dans le film). Il autorise dès lors et même incite à déverser sa violence intérieure sur les plus faibles tout en voulant garder un semblant de paix sociale. Au royaume des paradoxes seul l'amour semble pouvoir nous sauver de cette monstrueuse folie. C'est ce que le film donne à voir, car son intérêt ne réside nullement dans son scénario (sommaire) mais plutôt dans sa mise en scène impeccable. Bref Carré Blanc c'est plus qu'un film d'anticipation, c'est allégorie de la psychopathie magistralement menée. Il s'agit pour moi d'un des meilleur film jamais réalisé. Brillant...
Le film est entièrement porté par la jeune Anastasia Shevtsova et ma note est inspirée essentiellement par la jeune actrice danseuse. C'est l'histoire d'un parcours et d'un cheminement intérieur, portrait intense d'une jeune artiste, lauréate du concours du célèbre ballet du Bolchoï à Moscou. Un parcours tout sauf lisse, prédestiné. Ce portrait se double d'un questionnement passionnant sur la danse contemporaine et sur l'essence de l'art. J'ai beaucoup aimé aussi l'écriture du film, claire et originale, ponctueé de musique, de gestes et de mouvements des corps, avec une trame narrative classique, romanesque.
Un sujet difficile, à partir d'un roman exigeant, et au final une réussite. Tout est dans le non-dit et M. de Sainte-Colombe, comme sa fille aînée, choisit l'exégèse et l'ascèse dans l'exercice de son art, ainsi que dans sa vie. Il fallait des interprètes à la hauteur d'un tel défi : Marielle et Anne Brochet sont admirables. Un des meilleurs Corneau.
personnellement, c'est un film culte, c'est un film totalement inattendue!comment peux t on critiquer un film comme celui la?c'est dingue!pour moi, du début à la fin on est prit dans une sorte de folie normale. et on ne sait jamais a quoi s'attendre, on le regarde avec les yeux grand ouvert jusqu'a la fin! merci aux formidables acteur et au realisateur qui nous offres un des chef-d'oeuvres de la comedie française.
Une histoire basique dont on connait tous les ressorts, à l'humour facile, aux personnages caricaturaux (les méchants sont forcément bêtes) et aux trop peu nombreuses surprises, si ce n'est un HHH finalement pas si mauvais.
Tout est mauvais dans ce film : le scénario semble avoir été écrit par un handicapé mental, les acteurs sont dignes d'une série AB production des année 90, des dialogues qui font saigner les tympans, et un budget visiblement non extensible (il a fallu visiblement rogner sur le maquillage et les effets spéciaux..) font de ce film un navet audiovisuel insupportable..
Soyons honnête, même étant cinéphile, on appréhende toujours un film muet avec un peu plus de craintes qu'un film parlant. Comme souvent, c'est une idiotie concernant Les Quatre cavaliers de l'Apocalypse. En effet, le film est passionant en tous points. Il mêle la petite histoire à la grande à l'instar d'un film comme 1900, mélangeant séquences de foule et séquences intimistes. Le rythme est extrèmement soutenu et les différentes intrigues nous maintiennent (histoire de coeur, conflits familiaux, problèmes liés à la guerre...) en haleine. Ce film nous prouve que, déjà en 1920, on savait faire une super-production sur un sujet brulant (la première guerre mondiale ne s'était terminée que trois ans auparavant) avec un scénario touffu. Le dernier monologue, assez pessimiste sur la possibilité pour l'être humain de vivre en paix, détonne par rapport à la volonté de happy end généralement présente dans les grosses productions hollywoodiennes : les quatre cavaliers de l'Apocalypse n'ont pas fini de frapper.
Premier film parlant pour René Clair qui ne voulant pas faire comme tout le monde, c'est-à-dire filmer platement des dialogues si on peut le dire comme cela, fait parler le moins possible ses acteurs, les fait surtout s'exprimer par des gestes, mimiques et en chantant, ou alors au contraire met totalement l'image dans un noir complet et fait comprendre ce qui se passe uniquement par les bruits et dialogues. Le procédé est intéressant et la manière qu'à le cinéaste de faire mouvoir sa caméra dans les décors est admirable. Mais la trame est vraiment trop mince et peu captivante pour en faire un film satisfaisant à part entière. On se laissera tomber tout de même sous le charme roumain de la piquante Pola Illéry (qui nous a quitté cette année à l'âge de 103 ans d'après Wikipédia !!!).
un film qu'on va vite oublier l'histoire est banale et fade on s'attend à des rebondissements mais rien ce passe je mets une étoile pour la bonne performance de michel blanc le reste ne le mérite pas
Un trés bon casting ,une ambiance a la Resident Evil mais un manque net d'originalité et d'action.Il y'avait bien mieux a faire pour ce survival.
mouai pas terrible comme film par moment on se fait chier quand même le scénario est pas franchement très bien exploité, y a un truc qui va vraiment pas c'est con sa aurai pu etre bien!