CATIE-AQ/allocine_clean huggingface dataset:
Semi-nanar au budget dérisoire, Soudain… les monstres nous emmène sur une ile perdue au fin fond de l’ouest canadien, un havre vert où les poulets mesurent deux mètres cinquante et des souris albinos mènent des factions de rats échelle 2, ou 3, parfois 4, c’est dur à tenir, une perspective. Allociné le classe en drame, et pour cause : rares sont les longs qui osent afficher des trucages aussi nazes. Sparring-partner affublé d’un masque de coquelet, gros plans nocturnes sur des rongeurs tachés de compote de fraises, marionnettes caoutchouteuses aux mouvements syncopés, on nage en plein revival des plus médiocres séries N, vous savez, à mi-chemin entre B et Z. Au milieu de ces élucubrations riches en écologisme primaire, Marjoe Gortner, pasteur reconverti en poseur du dimanche, aimerait sauver les meubles, emmener ses confrères venus arrondir leurs fins de mois dans un hymne à la terre exalté, trouver ici le tremplin filmique dont il rêve chaque matin, avant sa séance d’aérobic. Las, il joue lui-même trop mal. Et le texte qu’on lui fourgue est lui-même trop minable. Et l’absence totale de talent dans l’équipe est elle-même trop criante. Et le timide flirt avec l’univers du zéro ne tient même pas ses promesses : on rit à peine. A zapper.
Après le succès international de « NO » Pablo Larrain poursuit son ascension dans un cinéma militant et très marqué dans la radicalité de sa mise en scène. S’éloignant et s’affranchissant totalement du biopic classique il propose une lecture presque intégralement fictionnelle de la fuite de Neruda hors des frontières chiliennes. Comme une ode à la poésie il construit son film de la même manière, en apportant un côté méta (fiction-littérature) qui finira par dessiner ses personnages et leurs trajectoires. Le spectateur est pris par la main dans cette aventure qui, selon son réalisateur, ne pouvait être mis en scène autrement. Entre onirisme passif et splendeur des paysages filmés, cette partie du jeu du chat et de la souris prend tout son sens dans un final inattendu et bienvenu, seule sortie possible d’un tel récit. Ce road-movie comme d’un autre temps est la confirmation d’un vrai talent d’auteur et de mise en scène de Pablo Larrain qui maîtrise de plus en plus son cinéma et offre une nouvelle évasion cinématographique (il faudra suivre assidument son prochain film, le (vrai) biopic ( ? ), « Jackie »). L’ambivalence de sa réalisation est mise en avant autant dans son honnêteté que dans sa propension à jouer d’effets trompeurs pour mieux triturer son récit et perdre le spectateur dans une rêverie poétique. Un film rusé comme son personnage principal (parfait interprétation cabotine de Luis Gnecco) et persistant comme le jeu de Gael Garcia Bernal, malin petit pantin.
Jon AVNET a filmé de manière touchante cette sorte de Guerre des boutons made in USA sur fond de Guerre du Vietnam. Déjà un beau rôle pour Kevin COSTNER mais que dire des jeunes acteurs ? Elijah WOOD y incarne là avec Stu un de ses plus beaux rôles avec un look différent par rapport à ses précédents films ayant presque la boule à zéro alors qu'il avait des cheveux plutôt longs. La scène la plus spectaculaire est celle du château d'eau où un enfant manque de peu de se noyer. C'est grâce à Stu qui mettra la sienne en danger qu'il aura la vie sauve. Un très beau moment de courage ! C'est une des raisons que je décerne 4 étoiles bien méritées à ce très beau film que j'ai enregistré en DVD et que j'aurai plaisir à revoir. Pour Elijah WOOD, ce n'était que le début d'une carrière de plus en plus brillante et triomphale. Il a su donner ses lettres de noblesse à ce film et à tant d'autres que ce soit avant ou après. Faites comme moi! Regardez ou enregistrez ce film et tous les autres où il a joué. Vous êtes sûrs de passer un bon moment !
C'est mauvais, du début à la fin, mais bon c'est avec Chuck Norris donc ça passe ! C'est un Walker Texas Rangers version film.
Un OVNI venu d’une Atlantide cinématographique : la production tchèque du début des années 60. « Marketa » est une évocation lyrique d’un Moyen-Age tchèque disputé entre un vieux paganisme au plus près de la nature et la christianisation, entre le chaos féodal et la montée du pouvoir monarchique. Les personnages (surtout les hobereaux plus ou moins brigands) gardent un attachement presque totémique au monde animal. La mise en scène a quelque chose d’enchantée dans sa manière de montrer une forme de magie animique comme la ferveur mystique. C’est magnifique, comparable seulement à certains films polonais (la critique cite en général « Mère Jeanne des Anges » de Kawalerowicz). Gros écueil cependant : le style évite aussi bien la narration traditionnelle que les effets spectaculaires, ce qui rend la compréhension de l’intrigue très difficile au premier visionnage lorsqu’on ne connaît pas le thème du roman dont le film est une adaptation.
Le Château représente à mon sens l'oeuvre la plus dense, la plus inépuisable et l'une des plus remarquables du cinéma de Michael Haneke. Absolument néophyte en matière de lectures kafkaïennes j'ai curieusement l'impression d'avoir compris et saisi les sens multiples de l'oeuvre du romancier en la présence de ce film d'une rare complexité et d'une grande intelligence. L'intemporalité de la direction artistique, le rythme métronomique des séquences se refermant comme quelques portes en forme d'écrans noirs, la richesse sémantique des effets d'ellipse évoquant à la fois le rêve, le souvenir ou encore l’absurdité existentielle du parcours de K. contribue à faire du Château LE film inextricable par excellence. Réalisé dans l'horizontalité du format panoramique Le Château n'a de vertical que son hors-champ, pratiquement uniquement constitué de nombreux plans-séquence fixes et de travelling latéraux enfermant le héros dans le labyrinthe oppressant de sa quête inexplicable. C'est sur un mode soustractif - et non minimaliste - que Michael Haneke construit son chef d'oeuvre télévisuel, inachevant volontairement son film pour mieux rester fidèle à l'oeuvre de Kafka tout en donnant raison à la vacuité permanente de ce périple, périple situé à mi-chemin entre l'épopée abstraite et le capharnaüm grotesque. Un film absolument brillant, la confirmation d'un immense cinéaste.
Apparemment ce film est tiré d’un roman graphique dont l’un des réalisateurs et scénaristes est l’auteur, ce qui explique peut-être pourquoi l’ensemble à l’air, dans l’aspect esthétique, d’une contrefaçon des films “Sin City”. Ce ne serait pas désagréable si un budget, apparemment tendu, n’avait pas conduit à l’utilisation maladroite de fonds verts ce qui donne un résultat médiocre à l’écran. Cela pourrait passer si l’histoire présentée était intéressante, mais tel malheureusement n’est pas le cas. Ça commence comme un film de super-héros pour bifurquer en plein milieu vers le polar noir dans un pastiche de ce qui se faisait dans les années 40. Ce gloubiboulga cinématographique est assez improbable et donne un résultat franchement raté et totalement ennuyeux pour ne pas dire risible. Les super-héros sont de banals doux rêveurs qui font le coup de poing dans des tenus évoquant des pyjamas (sans les gadgets ou la fortune de Batman). L’aspect polar de l’histoire reprend tous les clichés du film noir des années 40 : héros torturé par son passé, flics corrompus, femme fatale, homme de main tout en muscle, caïd cruel et dulcinée inaccessible…, cela vous rappelle quelque chose ? Eh, oui, “Sin city” ! Je vous l’ai dis un vrai copier/coller. Las, le talent de Frank Miller est ici absent et le scénario enchaîne les péripéties sans jamais réussir à faire décoller une intrigue qui enchaîne les lieux communs, les clichés, pour former un film insipide et souvent pas loin d’être grotesque. Les acteurs semblent piégés dans des interprétations un peu stéréotypées tant leurs personnages sont de purs clichés. Un direct-to-DVD de piètre qualité qui copie éhontément la saga de Frank Miller, mais le talent en moins. Un franc ratage qui ne mérite pas qu’on s’y intéresse.
RI-DI-CULE. D'un autre côté je n'ai pas tenu le coup jusqu'au bout. Incohérences, réactions idiotes des personnages, de même pour certains dialogues (du genre "tiens on dirait le bruit d'une fonderie". Alors là, chapeau bas à celui qui reconnait le bruit d'une fonderie en pleine forêt), etc... Aucun interêt.
Un bon film. Réalisé et interprété avec talent et passion. Le film dure 2h33, et pourtant on aurait envie que ça continue encore... Très bonne bande son, dont les tres bonnes compositions de Marco Beltrami
Vraiment pas mal. Excellente interprétation des deux jeunes acteurs, mise en scène poignante et scénario vraiment prenant.
Film tout simplement raté: les acteurs sont mauvais (mention spéciale pour le père, qui essaie de pomper tant bien que mal toute l'expressivité de Nicholson dans Shining sans une once de son talent), l'histoire est atterante - on sait dés l'apparition de la porte qui en est responsable. Seul le changement de luminosité peut être intéréssant, mais ça ne change rien. Un film loupé, prétentieusement appelé "The Room"... A éviter, réellement.
"La fille du RER" commence comme un Téchiné classique ; agité, décousu, rapide et frustrant. La construction en chapitres (Circonstances-Conséquences) relève aussi d'une habitude pour le cinéaste français qui, sur un sujet douteux et dangereux, a opté pour un radicalisme surprenant de sa part. Pour les habitués et les admirateurs de Téchiné, l'évolution de son langage à chaque film a tout d'une passionnante participation à travers le récit, admirablement actif. Il faut louer à ce vétéran du beau cinéma français qui dure, l'audace d'un renouvellement apaisant, et riche, à chaque nouvelle évènement, de porter plus haut encore le sujet concerné. Pourtant ici, le point de vue adopté n'est pas convaincant. L'agression et le mensonge dissimulé d'un côté (en la personne solitaire de la fille), la quête de vérité et la théorisation de l'antisémitisme de l'autre (à travers ce qui l'entoure), n'aboutit qu'à une toile de fond sur laquelle se développera les thématiques du couple, de la famille disloquée et du paraître, sans que ceux-ci n'aient d'autres inventions qu'à l'accoutumée, visibles de la même manière dans n'importe quel drame français. A force de recul face à son sujet, à force d'une certaine pudeur, André Téchiné s'éloigne et abandonne l'histoire véridique à un résumé fastidieux et dénué d'enjeux dramatiques (quelle place l'antisémitisme occupe-t-il encore aujourd'hui dans notre société? Quel machination médiatique a voulue que ce fait divers soit porté aux premières pages alors même qu'aucune preuve ne le soutenait?). En revanche, à l'intérieur de l'histoire, Téchiné magnifie ses thèmes de prédilection ; les relations amoureuses de la première partie sont d'une beauté poignante, et l'évolution du rapport mère/fille assez juste. La fiction prend plus d'importance que la réalité, comme si la crainte de mettre en scène un sujet si brusque avait envahi Téchiné au point de n'en faire qu'un vague fond politique dont même la cause initiale est d'une minceur anorexique. Là
4 critiques en tout et pour tout au moment ou j'écris ces lignes.....ce film mériterait tout de même d'être vu par un plus grand nombre... Comme toujours avec le "dogme", des personnages étranges, attachants, avec des moments à suivre, une ambiance douce-amère ici. Les 1h30 passent comme un charme, et s'il n'y a pas grand chose à raconter, on garde un souvenir d'un agréable moment de cinéma.
Un film typiquement français! Des dialogues un peu "prout prout", des situations qui se veulent subjugantes, outrageantes, étonnantes, touchantes etc... Mais qui, en définitive, sont lamentablement discréditées par l'idiotie de la mise en scène et les dialogues ridicules! Ce film me fait penser à la parodie des inconnus du film où les héroïnes cassent des vases ou regardent la pluie tomber par la fenêtre... Des films pseudo intellectuels et chiants à mourir sont la panacée de certains auteurs et d'un certains public, moi j'estime que la masturbation intellectuelle est à prendre et à exploiter dans une juste mesure...Pas comme ici! A éviter!!!
« Jamais on ira à ces profondeurs ! » Faut croire que si...Encore un blockbuster sans surprise où un groupe d'amèricains doit sauver le monde! Le problème cette fois, c'est le noyau sur la Terre qui ne tourne plus! Un scènario très routinier pour cette sèrie B de science-fiction qui traîne en longueur (2h15, ça fait long quand même). Ne comptons pas sur Hilary Swank et Tchèky Karyo pour sauver le monde d'une destruction imminente, tant ils ne sont pas à leur place! En revanche, Aaron Eckhart est le seul à être plausible et à tirer son èpingle du jeu! Quoi d'autre ? Jon Amiel signe son plus mauvais film, les effets visuels ne sont pas top et les scènes de destructions sentent le rèchauffè à plein nez et valent plus ou moins le dètour pour la pulvèrisation du Colisèe à Rome! Quand la planète ne tourne pas rond, c'est au plus profond de son imagination qu'il faut chercher la solution! A bon entendeur...
Au temps du Moyen-âge. Quelque part entre La source de Bergman et Mère Jeanne des anges de Kawalerowicz, un film vaguement mystique, qui se traîne au gré des errances de son héros à la triste figure. D'un ennui prodigieux.
Un film sur la danse de claquettes !? Ça a le mérite d'être original, mais je suis étonné de voir qu'il est quasiment inconnu. Car personnellement je l'ai trouvé vachement bien, et principalement pour deux raisons : les acteurs et la danse. Pour être très bref concernant l'histoire, on suit un prodige des claquettes essayer de s'en sortir en sortant de prison. L'homme qui joue Max est Gregory Hines, véritable génie de cette discipline dans la vraie vie, il est malheureusement décédé en 2003, à l'âge de 57 ans, à la suite d'un cancer du foie. J'ai adoré son personnage super cool, au physique impressionnant, toujours souriant, taquin, il a la gueule du mec sympa. Dans la scène d'ouverture il fait des claquettes torse nu dans sa minuscule cellule sombre, sur une planche d'un mètre carré ; et là, en à peine cinq minutes, j'ai presque su d'avance que j'allais aimer ce film ! Il y a aussi une petite troupe de sexagénaires, se présentant comme d'anciennes stars, tous d'authentiques danseurs dans leur vie et d'ailleurs chacun nous fait une démonstration de leur talent dans le film, lors d'un défi amical saisissant pour leur âge, dont Sammy Davis Jr., qui mourût un peu plus d'un an après la sortie du métrage. Pour ce qui est des claquettes, j'avoue que j'en avais à peine vu avant, un tout petit peu à la télé, et là chaque moment de danse m'a fasciné, ce qu'ils font avec leurs jambes est réellement spectaculaire ! Comment font-ils pour être si rapide ?! Les pas glissés, c'est magnifique ! A un moment ils en font carrément dans la rue, une chorégraphie à quatre qui ne dure que quelques secondes mais... sublime, y a pas d'autre mot. Au final Tap Dance fut pour moi une grande surprise, très agréable à regarder, avec beaucoup d'humour et une très bonne bande-son, je vous le conseille fortement !
Un grand western comme je les aime où John Wayne donne la pleine mesure de son talent malgré les critiques. L'humour et l'émotion se mêlent à l'action qui ne manque pas dans ce très bon film qui demeure, pour moi, l'un des meilleurs westerns qu'ait tourné John Wayne. Du bon, du gros, de l'excellent western avec un John Wayne magistral. C'est l'une des rares réussites de George Sherman dans le genre.Avec un Richard Boone particulièrement impressionnant, dans le rôle du méchant, un spécialiste du genre. Cet acteur méconnu en France, mais qui fut une instituion aux Etats-Unis, a tourné plusieurs westerns avec son ami John Wayne. Il n'a pas eu la place qu'il méritait dans le cinéma hollywoodien.
L'élégance et la justesse du dernier film de Claude Dutty apportent un vent de fraîcheur au cinéma français en cet été caniculaire. Un casting plutôt réussi avec entre autres Noémie Lvovsky, Marie Kremer, Julien Baumgartner, Judith Godrèche et Stéphane De Groodt qui servent de leur talent un scénario bien ficelé et sensible. Les répliques fines, des scènes émouvantes et poétiques qui nous poursuivent au-delà de la séance. Claude Dutty frappe juste avec "Chez nous c'est trois" !
" summertime " est une comédie romantique qui se regarde comme une bonne guimauve. En effet j'ai pris beaucoup de plaisir à suivre ce film plein de fraîcheur et bons sentiments qui est une agréable douceur en cette période estivale.
Porco Rosso : Encore une fois, Miasaki nous invente une histoire originale, une aventure remplit d’action et d’humour avec une pointe de romanesque. Et c’est avec une de ses passions : l’aviation qui nous fait décoller avec des personnages plus qu’attachants, il y a toujours un coté mystérieux et sorcier dans les héros, la, on suit un ancien homme aviateur qui est devenu un cochon par sorcellerie et ça, en plein guerre des années 20. Il y a toujours un vrai contexte avec un coté imaginaire/merveilleux. Et on a le droit toujours à une petite fille intrépide qui va le suivre et qui va limite tomber sous le charme mais c’est dur de toucher le cœur d’un cochon solitaire. Donc voila, scénario riche en émotion et idée, il y a juste la fin qui est un poil rapide mais on garde ce coté mystérieux avec une fin sans fin, on apprécie quand même. Et pour ce qui est de l’animation, c’est parfait, riche en détail comme d’habitude, très créative avec des musiques qui accompagnent une sublime mise en scène. Et en plus dans ce film d’animation, on a le droit a la voix de Jean Reno pour le rôle principale. Donc voila, encore un Miasaki qui nous fait voyage et qui nous transporte.
L'arrivée de "nouvelles" techniques produit toujours ce genre d'avatars. Déjà, Voyage Au Centre de la Terre 3d n'avait pas grand chose dans le ventre mais là c'est encore pire... Tous les mauvais clichés, tous les mauvais ressorts, tous les trucs éculés de tous les plus mauvais films d'horreur sont utilisés dans un scénario d'une platitude à vomir. Seuls les pervers éprouveront sans doute un certain plaisir à voir des jeunes filles torturées de manière vicieuse et avec un réel sadisme psychologique. Les amateurs de Torture Porn n'y trouveront toutefois pas totalement leur compte dans la mesure où ces tortures manquent singulièrement d'instruments élaborés mais du coup, le côté artisanal des méthodes utilisées renforcent le perversité de ces scènes. Un film pour pervers incultes et peu amateurs de cinéma.
En lisant un article sur Chabrol, j'ai appris qu'il avait donné un rôle "normal" à Sylvia Krystel (je ne sais plus le titre...) et je me suis rappelé que j'avais regardé "Emmanuelle" il y a quelques années (je n'avais même pas 16 ans, quel scandale...) C'est le seul film érotique que j'ai jamais vu. Et honnêtement, je m'étais ennuyé. Peut-être audacieux dans les années 70, ce film a très très très mal vieilli. Et la capacité d'un film à durer, qu'il soit érotique ou non, permet de se donner une idée assez précise de sa qualité finale...
Sylvie est folle... Le film ne nous dira jamais vraiment quel est son mal, juste qu'elle est "un peu fragile" et qu'elle a fait un séjour à "l'hôpital des fous"... Un mari formidable, deux enfants adorables, et une petite vie en apparence tranquille ou tout tourne rond, sauf Sylvie qui elle tourne un peu en rond... Un jour elle croise sur son chemin Jalal, un "sans papier" comme disent les braves gens et comme Sylvie est folle, elle ne se rend pas bien compte qu'en Sarkozie il est devenu criminel d'aider son prochain et elle s'engage à corps exalté et à cœur perdu dans le bénévolat et une aide sans limite aux cotés d'Isabelle, un autre genre de folle mais qui elle sait ce qu'elle risque et connait malgré cela encore tout le sens du mot Résistance. Sylvie s'engage alors dans un parcours initiatique qui la sauvera ou la perdra, selon l'appréciation du spectateur. Jean-Pierre Ameris réalise là une œuvre comme rarement la télévision nous en offre...ni même le cinéma Un film jamais manichéen, souvent drôle et léger, parfois bouleversant, de ceux, sans mélo, ou l'on se retrouve pourtant en sanglots devant le visage d'une femme anéantie et le long plan qui suit, fixé sur un champ de blé. Isabelle Carré y est proprement incroyable et les superlatifs me manqueraient pour décrire ce qu'elle apporte à ce film épatant qui sait sans forcer le trait nous ouvrir les yeux sur ceux qu'en France on ne veux plus voir et qui se cachent dans des forets, sur ceux qu'on traite comme on oserait pas traiter des animaux, sur ceux sur qui, pour une fois, un vrai cinéaste a su poser un regard sans mièvrerie, bienveillant, authentique et faire en cela un bel acte de résistance au petit fascisme ordinaire qui contamine chaque jour un peu plus notre beau pays de liberté, d'égalité et de fraternité mais qui "ne peut pas accueillir toute la misère du monde". Essentiel... Pour une fois France 3 a su faire honneur à son titre de chaine de "Service public", c'est pas si souvent...
Une comédie poussive, Fernandel ne se donne visiblement pas à fond.
"Le voleur et l'enfant" est une très belle œuvre qui avait justement été sélectionnée aux oscars 1998 dans la catégorie des meilleurs films étrangers. Non seulement l'histoire est prenante et émouvante, mais elle permet aussi de découvrir comment vivaient les russes dans les années cinquante. La réalisation classique est de très belle facture et les trois acteurs principaux sont très très bons.
Andrew Lau n'a jamais réellement confirmé après sa trilogie "Internal Affairs" et c'est pas ce "Guillotines" qui va me faire changer d'avis. Pourtant le film débute bien avec de l'action et des scènes d'action assez impressionnantes puis il y a cette idée du groupe des guillotines qui est pas mal et qui m'a bien plus mais tout ça c'est que le début car le coté "histoire" prend le dessus et cela devient tout de suite moins intéressant, trop lent et un scénario qui s'éparpille un peu trop, les personnages aussi sont pas tous assez développés et les acteurs sont pas vraiment inspirés. Ce film ne restera donc pas dans ma mémoire dommage que le réalisateur ne soit pas simplement resté dans le registre de l'action ça aurait pu donné un bon divertissement.
Pour résumer le thème du film : l'éducation autoritaire c'est pas bien, la pédagogie gnangnan et jean foutiste c'est mieux et ça permet aux enfants de s'épanouir. Laissez une vingtaine de gamins dans une salle sans un minimum de cadre et de règles à établir, vous verrez si c'est productif et favorable au respect. Un film à éviter pour les messages éculés et erronés qu'il délivre.
Vu en avant première au cinéma Balzac, ce documentaire-film plein de chaleur et de tendresse est une leçon d'humanité. Ce ne sont pas la qualité des images ou la construction du film qui font son charme, mais la belle histoire vraie du rapprochement possible d'enfants palestiniens et israéliens qui dansent ensemble joyeusement grâce à un professeur charismatique et des enfants lumineux. Une leçon d'espoir contre le racisme et l'ostracisme qui peuvent être combattus des l'enfance. Un film réconfortant au caractère pédagogique qui mérite d'être vu.
pas de surprise, ce film est copier/coller sur le 1 . le scénario est très prévisible !! et puis le doublage est pas bon
Génial! Je l'ai vu au cinoche, j'ai adoré! Plutôt que de faire un biopic, Laurent Tirard a imaginé des événements dans la vie du jeune Molière...se retrouver chez un personnage un peu ridicule qui n'est pas sans faire penser au Monsieur Jourdain du " Bourgeois Gentilhomme "! Et qui aurait donc inspiré le jeune Jean-Baptiste Poquelin pour ses oeuvres(même si l'on dit maintenant que Corneille aurait aidé Molière à écrire ses pièces)... Romain Duris est extrèmement convaincant et Luchini toujours égal à lui même! Un très bon film! Distrayant!