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Ancien critique au Cahier du Cinéma, Cédric Anger s’est reconverti depuis peu en scénariste (Le Petit lieutenant - 2005) et aujourd’hui en tant que réalisateur. Rendant hommage au polar noir et glaçant, il aurait pu réussir son pari s’il y avait matière à consistance. Hors, Le Tueur est vide, lent, mou cela a beau être fait exprès, pour mieux s’imprégner du personnage, seulement l’ennui nous guette tout de même. Néanmoins, on saluera l’excellente distribution composée de Gilbert Melki, le glacial et l’impressionnant Grégoire Colin, aux côtés de la toujours ravissante Mélanie Laurent.
Divisé en cinq saisons, comme son titre l'indique, ce film offre donc les tableaux de cinq périodes de la vie du jeune moine. Chacune de ces périodes contient une épreuve directement liée à l'âge du héros. Le maître, quant à lui, guide son jeune disciple et lui apprend peu à peu à s'affranchir du désir. Au printemps, la cruauté de l'innocence enfantine fait rage. En été, c'est le désir du corps de l'autre qui sévit et provoque le départ du jeune moine, prêt à affronter le monde pour sa belle. L'automne symbolise l'amour et stigmatise ce désir de possession exclusive typiquement masculin, un désir qui peut facilement verser dans la folie. Difficile de ne pas y voir une critique de la société coréenne, très masculine dans son système de valeurs. L'hiver c'est le retour aux sources, à l'apprentissage. On observe son parcours, et on en tire des conclusions pour avancer de nouveau sur le droit chemin. Le renouveau lié au printemps annonce alors que la boucle est bouclée et qu'un nouveau cycle de la vie peut commencer. Ce qui ressort de cette oeuvre, c'est la volonté de la part du metteur en scène d'illustrer comment, à force d'abnégation et de douleur, on parvient à s'extirper du cycle de la vie et de la mort pour le dépasser et le comprendre. Chaque étape de ce parcours initiatique est parfaitement illustrée, avec une simplicité terriblement efficace. Kim Ki-duk s'est d'ailleurs beaucoup investi dans ce projet, puisqu'en plus d'en avoir écrit le scénario, de l'avoir mis en scène et de l'avoir filmé, il tient également dans son film le rôle du jeune moine adulte. Kim Ki-duk croit en l'homme et sa capacité à changer quand il se prend en main, un message qu'il fait passer de la manière la plus belle et la plus poétique qui soit en signant cette quête mystique d'une incroyable beauté. Les images sont souvent magnifiques et même surprenantes. Les points forts : Plus qu'un film, un poème de la vie. Les points faibles : ...
Nul nul nul nul heureusement qu'il y a Colin Farell c'est le seul intérêt du film ! Grosse déception
La vrai question est : mais qu'est ce que level five ? Une oeuvre envoûtante, triste, vraie, pure, magnifique.
Le scénario est maigre, cousu de fil blanc, c'est pas toujours très bien joué. Si c'est dynamique, cela ne suffit pas à nous combler.
Le dernier gros film de Lucio Fulci c'est Quella Villa Accanto Al Cimitero ( La Maison Près Du Cimetière ) qui date de 1981. Après une courte période de films excessivement réussis dans leur genre, le réalisateur de Frayeurs s'éloigne de son talent en nous offrant des nanars sans nom. Aenigma s'inspire de certains gialli et, en effet, des films d'Argento ( on notera un jeu sur les couleurs bien pauvre en comparaison de Suspiria par exemple ). La vengeance n'a rien d'originale et la tension accompagnant les séquences de meurtres sont mauvaises. Fulci garde par contre un goût prononcé pour les plans répulsifs et sa direction d'acteurs à deux sous. Un lointain maître ès Arts. 2/5
Encore une comédie remplit d'acteur de qualité mais dont le scénario tient sur 3 lignes. Malgré quelques bons mots éparpillés l'ensemble tourne à vide. Intéressant une petite scène avec michel bouquet dans un rôle un peu inhabituel.
Pour savourer ce film à tout les niveaux de lectures (et il y en a plusieurs) il faut une bonne culture des films d'horreur et toute la mythologie qui s'en rapporte ; tel que les films japonais (la culture des japonais envers les esprits), américains (les clichés respectif des jeunes du lycée). Il faut comprendre le pourquoi on regarde nous même les films d'horreurs (et c'est à double sens dans le film). Et alors la fin ainsi que toutes les actions anodines dans le film serons compréhensible et totalement crédible à ce moment là (comme par exemple la scène ou le groupe souhaite rester groupé). C'est subtile, geek, intelligent (pas forcement sur le film mais) sur le fait que si on y réfléchie un moment la barrière réel / film d'horreur est très bien trouvé. Il ne faut malheureusement pas le classer dans les films d'horreurs et surtout ne pas commencé sa culture par celui-ci, ou il en restera fade et incompris.
En voilà un excellent film de guerre, qui plus est réalisé par un français. Cette partie de la seconde guerre mondiale, souvent oubliée car non américaine, renait grâce à cette excellente oeuvre. Le duel de tireurs est fantastique, les acteurs sont présents et vivent leur histoire. Bref, un grand moment de cinéma ponctué par une scène d'ouverture si prenante qu'elle vous glace le sang.
Un film original, réussi, audacieux, musical, c'est du cinema.
Ce film incarne à lui seul le prestige du 7ème art. Émouvant, troublant, dérengeant ... il a amplement contribué à ma plus belle journée ! Faut dire que j'étais super bien accompagnée ! Un film qui a toute les chances d'être sélectionné pour le festival de Toulouse puisqu'il sera le seul en liste. Vive le cinéma, vive la Pologne et vive la vie ! Tu peux pas teste.
Pixar signe une quête initiatique originale, drôle, pleine de rebondissements et de rythme, et visuellement aussi superbe qu'irréprochable, avec une bande-son de qualité, des personnages attachants et un coq complètement barré. Une totale réussite !
Mouai..bof.. Au vu de la bande annonce, je m'attendait a un film franchement drôle, ou j'aurais rigolé de bout en bout. Mais malheureusement ce n'est pas le cas, les gages sont lourd et déjà vu mille fois, il y a bien quelques blagues qui mon quand même fait rire, c'est pour ça d'ailleurs que je lui mais pas zéro. Et j'ai aussi apprécier de voir autant de stars faire un petit coucou. Dommage car le scénario été pas trop mal, et les acteurs plutôt bien choisis. Reste plus qu'a espéré qu'il nous face pas une suite, même si j'ai de gros doute la dessus.
J'ai tant aimé ce film que je viens de commander le livre. 2 heures 20 de film, cela m'inquiétait un peu mais je n'ai jamais ressenti la somnolence. Ce film est une VRAIE HISTOIRE... passionnante et de plus sur fond africain, ce qui, pour des raisons personnelles, m'a ravie. Courez voir ce film, en quelque sorte d'aventures, pour TOUT PUBLIC.
Tout aussi sympa que Dreamgirl mais avec un casting moins coté et une B.O. au top .
Ecrire sur "Les sept samouraïs" c'est comme décrire le sommet de l’Everest, l’inatteignable, le divin, le saint graal du septième art. Ce que je vais dire est très banal mais face à un tel film seul le silence s'impose par respect. Tout est parfait dans ce film, l'histoire universelle, la richesse narrative, la multitude de détails qui fourmillent et dans l'histoire et dans le background, le souffle épique. la mise en scène, le travail sur les raccords. Les acteurs font un sans faute Toshiro Mifune en tête, forcément. Il est plus charismatique que jamais et possède sans doute le meilleur personnages des sept samouraïs. Certainement l'un des plus grands chef d'oeuvre jamais réalisé.
Sans nouvelles de Bernard Rose (Candyman, Anna Karenine) depuis dix ans le revoilà aux commandes de ce biopic d'un dealer anglais pour ma part totalement inconnu. Il aurait mieux fait de rester dans son congé sabbatique car ce nouvel opus est très décevant. Deux choses sont toutefois à sauver : la reconstitution historique est convaincante et l'incrustation du personnage dans des archives de l'époque techniquement très réussie. Enfin les acteurs sont tous très bien, Rhys Ifans en tête, tout comme David Thewlis et le toujours impeccable Luis Tosar. Chloé Sévigny est, elle aussi, pas mal mais le rôle est vraiment anecdotique. A côté de cela le scénario et la mise en scène ne tiennent pas la route. C'est tout simplement ennuyant. Et long. Une bonne demi-heure de moins n'aurait pas été vain. Le tout est fait assez mollement, avec platitude et manque de rythme, un comble pour ce genre de film qui demande tout le contraire, le parti pris étant la comédie. Et puis l'humour british si décalé et décapant la plupart du temps est ici totalement absent. Même si Rose ne semble pas vouloir juger, ce dealer élevé au rang de star, de "Robin des bois" moderne comme il est dit dans le film, coince un peu aux entournures. Au final on a là quelque chose de pas très moral faisant l'apologie des drogues douces et ridiculisant tout le reste. Enfin si cela avait été mieux fait...
Le succès commercial du film La dame en noir ayant réussi, à lui tout seul, à faire ressurgir le studio Hammer parmi les valeurs sûres du cinéma de genre britannique, a poussé les décideurs à vérifier de la pérennité de la franchise avant d’en lancer de nouvelles, déjà dans les tiroirs. La suite de ce film gothique prend donc place une cinquantaine d’années plus tard, nous entrainant directement en pleine seconde guerre mondiale, un changement d’époque qui a le mérite de mêler à son histoire de maison hantée une peur plus tangible et admise de tous, celle des bombardements par l’aviation allemande. En lieu et place du jeune homme qu’interprétait Daniel Radclife deux ans plus tôt, c’est cette fois une institutrice et ses élèves qui se retrouvent dans ce manoir hanté. L’attachement que l’on ressent pour ses gamins orphelins donne un minimum de suspense mais la peur ne s’installe jamais vraiment, la mise en scène préférant accumuler des gimmicks et des jump-scares que de mettre en place une réelle ambiance de tension. Si l’on n’a pas vu le précédent film, on ne comprend pas l’origine de la malédiction et donc les raisons de l’acharnement du fantôme sur cette pauvre enseignante. Le rythme mollasson et le scénario trop prévisible rendent ce film vraiment décevant, mais après tout le premier souffrait de ces deux mêmes problèmes et le fait que celui-ci n’attire pas le public est bien la preuve que c’était uniquement de voir Daniel Radcliffe se reconvertir qui avait assuré ce fameux succès.
C'est l’histoire d’un prêtre catholique, Adam, qui encadre des jeunes difficiles, désaxés, dévoyés (à côté d'eux, les jeunes de La fureur de vivre de Nicholas Ray de 1956 apparaissent comme des anges – le monde a bien changé), dans un village paumé, en forêt, non loin d'un lac. Des jeunes très durs, au vocabulaire ordurier, à la violence facile dès qu'ils repèrent la faiblesse de quelqu'un (ils s'en prennent à des simples d'esprit, violent l'un d'entre eux qui finit par se suicider). Adam, mal à l'aise dans sa peau – il se sait homosexuel, mais n'a pas franchi le pas, et se saoule parfois pour oublier, a suffisamment de charisme pour les encadrer efficacement. Un sujet fort donc, porté par une belle photo, une interprétation excellente, et qui s'attaque à un des tabous de la société polonaise. Adam fait partie de ces prêtres qui ont besoin d'affection : qui n'en a pas besoin ? Le célibat imposé est dur. Il combat ses démons en pratiquant la course à pied ("La course aussi est une prière", dit-il au jeune qui s'est confessé de son homosexualité et dont la fragilité l'a ému). Une des femmes du village s'offrirait bien à lui, mais ce n'est pas son choix. Il finit par se prendre d'amour pour Lukasz, un des garçons du foyer, à qui il apprend à nager dans une belle scène qui ressemble à une sorte de baptême. Autre référence biblique, Lukasz (cheveux longs, barbe légère) ressemble à ces images saint-sulpiciennes qui représentent Jésus et fleurissent partout en Pologne. Pourtant, Adam, conscient de sa propre nature, cherche à s'éloigner de la tentation, tout en étant tout autant conscient des ravages psychiques et physiques du renoncement.
Kevin Spacey est bien balèze comme il faut. Et Rachelle LeFevre mérite d'être ma femme plutôt que celle de Barry Pepper, malgré cela c'est un film à voir, assurément! On pourra s'étonner, ou pas, de la sortie dierct to dvd en France! Les voies du saigneur sont imperméables...
C'est avec grand plaisir que nous avons revu ce film en DVD alors que nous l'avions découvert lors de sa sortie en salles. Il adopte un ton de comédie saupoudrée de petites tragédies, parce que le choc des cultures, l'assimilation de nouvelles normes, la peur de perdre son identité et la croyance dans des valeurs immuables conduisent parfois à des incompréhensions, des accrocs, des ruptures temporaires ou définitives. Il y a de l'amour mais aussi cette difficulté, voire ce refus de dialogue du père qui campe sur ses positions et qui s'accroche à son autorité incontestable. Il y a son rêve qui est bien éloigné de ceux de ses enfants qui se sentent Anglais et pas membres de la communauté pakistanaise. Il y a cette Angleterre à la fois bigarée mais parfois frileuse face à la diversité. Il y a un couple qui se déchire autour de ce qui est négociable et ce qui ne l'est pas, et qui ne se définit pas de la même manière pour la mère ou le père. En somme un film qui pose des questions essentielles sans nous donner pour autant les réponses.
Non de non,quel film ! Difficile de ne pas en sortir traumatisé et ce mot est un peu faible. C'est cauchemardesque pour tout homme s'étant penché profondément sur le pourquoi et le comment d'une vie humaine. En plus il est superbe,Rock Hudson y trouve à 41 ans son rôle le plus marquant comparable à celui de Robert Mitchum dans ''la nuit du chasseur''.Cette oeuvre est une espèce d'OVNI dans celle de Frankenheimer et même dans l'histoire du cinéma ou les grandes originalités ne sont pas légions. J'en citerai quatre autres parmi la vingtaine existante: ''the fiend who walked the west'' de Douglas, ''the naked kiss'' de Fuller, ''the light at the edge of the world''de Billington et ''the singer not the song'' de Baker. La mise en scène n'est pas en reste et là où d'habitude je n'aime pas les images outrancières, ici, je les trouve parfaitement en situation; la scène des raisins écrasés aux pieds, filmée en pleine paranoïa est magnifique. Le récit est aussi remarquablement bien mené, il avance pas à pas dans une ambiance feutrée de plus en plus angoissante pour se terminer dans l'horreur absolue. La bande son n'est pas en reste et le noir et blanc s'impose de lui même. Une grande réussite. C'est malheureusement un film peu connu auquel on ne peut attribuer 5 étoles tellement il est particulier et peu enthousiasment,tant par son sujet que par sa forme. Il faut le voir bien préparé psychologiquement, s'intéresser aux autres, au cinéma et aimer la vie par dessus tout.
Lake Placid : the final chapter (2012), comment vous dire que tout le film est résumé sur l'affiche . Il y a des crocos, des filles en bikinis (qui enlèvent le haut assez souvent) et du sang . Que dire de plus. Les acteurs sont mauvais, la bande son ne sert à rien, je veux même pas parler de la VF . Yancy Butler commence à être fatigué, les effets spéciaux sont fait avec Windows Movies Maker, les filles enlèvent leurs hauts de maillot à tout bout de champs et enfin ce film à ni que ni tête . Mais j'adore regarder des nanars bien sanglants et bien nul comme celui-ci, autant que de très bons films . Bref bon films à regarder pour déconner entre potes ou tout seul .
Excellent film de surprenant acteurs et particulierement mhairi Anderson qui est absolument remarquable pour une petite fille de son age, ce role lui va a merveille, j'ai adorer ce film je le recommande vivement bravo au realisateur egalement j'adore ce film !!!
Sans doute l’un des plus mauvais Hitchcock que j’ai vu. Le suspense est totalement absent, Hitchcock qui habituellement arrive si bien à nous surprendre, nous livre une œuvre plate dont on connaît la fin après 5 minutes de film. Je suppose que le maitre du suspense était en panne d’inspiration à cette période, c’est dommage car les acteurs eux sont tous excellents, notamment Edna May Wonacott, une petite fille absolument charmante. La scène finale dans le train est à mon sens complètement ratée. Ceci dit, je ne suis pas inquiet, je suis persuadé que les futurs film que je verrais de ce grand réalisateur seront bien meilleurs.
Nul aucun intérêt à s endormir malgré quelque s bon acteur ..je vous le déconseille ..grossièreté boire fumer ne pas montrer ca a des enfants..
Ce long-métrage historique est certainement l’un des meilleurs traitant de cette période de l’Histoire. La mise en scène d’Anthony Harvey nous aide à entrer dans l’ambiance et nous accompagne littéralement tout le long. Le scénario est travaillé et le spectateur reste scotché tout el long. De plus, les acteurs comme Peter O'Toole, Katharine Hepburn, Anthony Hopkins et Nigel Terry sont tous irréprochables dans leurs rôles.
Très beau dessin animé. J'ai beaucoup aimé le film et le trio principal est vraiment très attachants. Les images sont jolies, les musiques et mélodies sont vraiment bonnes me concernant. L'histoire reste simple et la morale de même mais honnêtement ça reste efficace. Un plaisir de le revoir à chaque fois.
Grand prix lors du festival de Cannes 2004 qui, a bien y rèflèchir, valait plus ou moins la Palme d'or, "Old Boy", c'est un peu le mythe de Dorian Gray revisitè! Un homme (Choi Min-sik, inouï) est sèquestrè dans une chambre d'hôtel sans savoir par qui, ni pourquoi! Au fil des jours, il se met à ressembler au portrait hirsute et ridè punaisè au mur! Au bout de quinze ans, il est libèrè et traque son tortionnaire, un dandy au visage juvènile entre sourire innocent et cruautè absolue! Le monstre moral et son incarnation physique se retrouvent face à face: c'est la revanche du portrait èchappè de la toile pour règler ses comptes avec son double! Rèsultat, une extrapolation poètique et trash du mythe wildien, qui pousse tous les boutons dans le rouge! "Old Boy", expèrience ouvertement sensorielle de Park Chan-wook, est à l'image des coups d'extincteur d'"Irrèversible", des dèlires cyberpunks du japonais Shinya Tsukamoto, des effets de style de "Requiem for a Dream" ou des combats à mains nues de "Fight Club"! Une sombre et virtuose allègorie sur la vengeance, doublèe d'un drame humain poignant, pour une oeuvre qui travaille son public comme un boxeur martèle son sac d'entraînement, le laissant mèdusè, les yeux rouges et des sifflements plein la tête (la scène de combat en plan-sèquence où l'anti-hèros se bat à mains nues, seul contre 20 assaillants, est vertigineuse). Poisseux, marginal, ultraviolent, un vèritable èlectrochoc et un Choi Min-sik totalement hallucinè et hallucinant...
Film à l'esthétique soignée avec ses fondus, ses scènes en noir et blanc et sa voix off narratrice, malheureusement, l'histoire ne parvient jamais à nous emporter. Ceci s'explique notamment pas certaines longueurs et un rythme vraiment lent. Ça faisait bien longtemps que je n'avais pas éteins la télé avant la fin d’un film...
Un bon film pour s'évader. Mandy Moore joue très bien le rôle de cette jeune fille en quête d'aventure.
Considéré (à tort!) comme un film du cycle Roger Corman - Edgar Allan Poe, « La Malédiction d'Arkham » souffre d'un défaut inattendu : sa banalité. En effet, alors que l'œuvre est inspirée d'un poème de Poe mais surtout d'une nouvelle de H.P. Lovecraft, on pouvait s'attendre à nettement plus d'originalité dans le propos ! Malédiction, vengeance, superstition... Rien de nouveau sous le soleil du genre, si bien que j'ai parfois un peu décroché, loin de la fascination qu'avait pu exercer sur moi « Le Masque de la Mort Rouge » ou « La Chambre des tortures ». Reste que si vous aimez les productions AIP (sorte de Hammer américaine), cela devrait passer. Les décors (notamment intérieurs) sont plutôt séduisants, tandis que l'esthétique typiquement 60's est soignée et très plaisante. Enfin, c'est évidemment l'occasion pour Vincent Price de nous offrir une de ces prestations dont il a le secret, Debra Paget s'en sortant par ailleurs avec les honneurs. Bref, un Corman convenable (à noter une fin joliment ambiguë), mais ne se hissant jamais au niveau de ses plus belles réussites. Pour les fans donc, et (presque) seulement pour eux.
Bien sur c'est long mais c'est une page interessante du Chili qui se déroule sous nos yeux une époque pendant laquelle la politisation des gens était au sommet .Des massacres perpetrés par la dictature aux interrogations des militants sur l'utilité de leur lutte des dédisions prises et de leur résultat en terme de morts c'est une oeuvre intéressante qui décrit sans trop de fanatisme la vie d'une période sombre et pleine d'espoir pour les chiliens .
Très moyen, médiocre voir mauvais. La seule surprise est la façon de traiter du mariage, il est moins commun de voir les doutes des mariés que la bonne grosse cérémonie ricaine. Hormis cela rien à voir, la mise en scène est très hachée, le jeu d'acteur inexistant, la musique absente, les dialogues consternants... puis la fin se devine directement alors que la narration n'y amène pas (en gros comment les mariés se retrouvent là, à penser ça après tout ce qu'on a vu avant ? La suite n'est pas très logique, ni bien amenée). Enfin un téléfilm à l'eau de rose bien US, la preuve qu'on s'américanise, ça passe chez nous.
Après un septième volet qui n’avait absolument aucun intérêt, la saga Zatoichi rebondit à nouveau grâce au retour aux affaires du grand Kenji Misumi. Dès les premiers plans, on comprend qu’un bon réalisateur est à nouveau aux commandes tant chaque plan est travaillé. Si le cinéaste n’abandonne pas l’orientation plus commerciale de la série (beaucoup d’humour, des personnages plus lisses), il parvient à sublimer un script plutôt moyen par la maestria de sa réalisation, ainsi que par les sentiments profonds qu’il arrive à faire émerger de situations en apparence banales. Shintaro Katsu est une fois de plus impérial et il est brillamment secondé par la nurse-voleuse-prostituée, ainsi que par le bébé qu’il défend. On pourrait presque y voir une anticipation de la future saga Baby Cart. Au final, ce huitième épisode retrouve les qualités essentielles pour faire de cette saga à succès un monument du cinéma populaire mondial.
Un humour décapant qui feront de cette comédie musicale un culte du 7e art. On ne peut qu’aimer un film aussi divertissant. Ainsi que des chansons aussi drôle qu’entraînantes.
Quand on va manger un repas de 7 plats dans un restaurant étoilé, on se dit qu’il y en aura trop, si bons soient-ils. C’est ce que je me suis dit en allant voir un film chinois en VO de plus de 3 heures. Et encore, je ne pouvais pas sauter des plats dans ce cas. Mais voilà… le cinéma réserve autant de (bonnes) surprises que la cuisine. Dans « Une famille chinoise », le metteur en scène traitait l’histoire de deux couples désemparés par une situation de choix extrême pour sauver une petite fille atteinte de leucémie. Ici, une autre tragédie familiale, construite sur l’évolution et les traumatismes de la Chine moderne sur plusieurs décennies, nous raconte l’histoire d’un couple parmi beaucoup d’autres. Il y connaît une des pires épreuves qui soit : la perte de leur enfant unique. Cette saga familiale n’a rien du lyrisme du cinéma italien : les personnages sont imprégnés de dignité, irrigués d’humilité et les acteurs transmettent de manière bouleversante leurs déchirures internes. Naissance, mort, avortement, adoption, perte, enfant caché, le metteur en scène pose son regard par touches délicates, sans cris, de manière presque discrète, au travers de plans éloignés des personnages, pour insister sur un drame avec des silhouettes au loin, ou sur l’intimité, avec une connivence derrière un rideau.