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Un mot pourfend le sylphe. « Balthazar, je te baptise ». Le reste est magie, ballet sublime, tant gestuel que verbal. Ils sont déjà là où l'éphémère voisine avec l'éternel, où l'on se cache pour mieux se découvrir. Plus précisément, je pense à la fille alitée qui tend un morceau de sucre à l'ânon, celui-ci le prend et effectue un léger mouvement de tête, laissant apparaître derrière lui le corps d'une infirmière assise sur le banc du jardin, s'apprêtant à son tour à tendre une cuillère à l'infirme. Les plans défilent au sein d'un montage très serré, sans que nous ayons le temps d'en contempler la plasticité. Quelque chose de sibyllin se passe, dans et entre ces regards, ces gestes, ces voix, donnant lieu à de véritables faisceaux de sensations. Mais ce que la caméra a l'air de cueillir, à l'extrémité des objets et des êtres, c'est toute l'énigme et la profondeur de l'homme. Robert Bresson a bâti, en treize long-métrages, une entreprise cinématographique sensible et humaniste, une déclaration d'amour faite à l'homme, dans ce qui le meut et l'émeut, dans la simplicité de son expérience comme dans sa confrontation avec ce qui le transcende et le pervertit.
Film qui passe du mélodrame au polar d'une séquence à l'autre, Samuel Fuller montre tout son talent pour conter une histoire. Il rend un sujet plutôt banal (au début) très prenant car le récit est rempli de trouvaille narrative et de réalisation (les scènes sont très courtes et parfois anecdotiques). Beaucoup de superbes plans dans un noir et blanc très net, un goût prononcé pour le tabou en traitant de la pédophile de manière sobre.
Attiré par le beau titre et les bonnes critiques ici présentes,j'ai voulu le voir lors de son passage à la tv.Quelle déception,ni fait ni à faire...C'est même se moquer des spectateurs que de prendre aussi peu soin des cadrages.Seuls les extérieurs sont beaux à regarder mais seulement quand il ne se passe rien.Les acteurs jouent plus mal les uns que les autres et le final surtout avec les voix françaises est indigne à tous les points de vues...Je ne le reverra pas même en v.o.
Idée est original mais c'est trop stupide, on peut ce demander que fait dans ce cas la police, le docteur et les amis même pas fichu d'entendre la raison.
Scénario : mauvais. Personnages : mauvais. Acteurs et actrices : très mauvais (et mauvaises). Clichés : plus qu'exagérés! Émotions : aucunes. Incohérences : 100% (et constamment). Effets spéciaux : du budget (sûrement tout le budget) pour un amalgames de grand n'importe quoi. Mise en scène : mauvaise. Bande son : fatigante. En résumé et pour finir, j'adore tous les genre de films, mais je me demande encore qui peut payer pour aller voir ce genre de film, complètement idiot! Et pourtant, que je suis indulgent sur l'idiotie! En fait, il ne faut pas poser son cerveau, il n'en faut pas. Je rajouterai : à vomir!!
un drame qui nous montre le talent d'Al Pacino dans ce genre de rôle !!! une très belle histoire
Très bon film d'Alain Corneau. Sur une trame simpliste, la recherche d'un autre soi-même, un voyage dans une Inde fascinante, très bien filmée (photographie de Angelo), avec une belle musique, un Jean-Hughes Anglade habité par son rôle, des rencontres incroyables, une fin assez belle avec "la femme". C'est très beau, poétique, philosophique, et très cinématographique. Certes, cela demande des efforts d'attention, car c'est assez lent, mais malgré cela, se laisse voir sans ennui.
Le roman de Delphine de Vigan mêlait habilement la réalité et la fiction, le narrateur se confondait parfois avec la romancière et tout l'intérêt du roman visait à démêler le vrai du faux. Le film perd complètement cette dimension (il aurait fallu le traiter comme un docu-fiction sur un réalisateur de film pour que ça fonctionne) et ne conserve que le reste de l'intrigue, qui a indéniablement moins de piquant. Reste donc un petit thriller psychologique pas si bien réalisé que ça...
Robert Stevenson est un habitué des films Disney, on lui doit quelques grands classiques tels que Mary Poppins (1964), Un amour de coccinelle (1968) & L'apprentie sorcière (1971). Avec That Darn Cat! (1965), parfaitement retitré en France par "L'Espion aux pattes de velours", il réalise une amusante comédie d’espionnage, parfaitement calibrée pour toute la famille, dans le plus pure style des films Disney. Ici, il est question de PV (Petit Voyou), un magnifique chat Siamois qui devient le témoin d’une affaire de kidnapping. Un peu plus tôt dans la journée, suite au braquage d’une banque, les deux malfrats ont enlevés une des employées de la banque. Pour parvenir à mettre la main sur les deux malfaiteurs, le F.B.I décide de mettre en place une filature consistant à suivre nuits et jours le chat en espérant qu’il retourne chez les deux malfrats. Quiproquos, gags enfantins, matous vagabonds, bref une sympathique comédie pour les enfants et pour les plus nostalgiques d’entre nous. Signalons enfin la présence au casting de Dean Jones, que l’on a pu voir dans le mémorable 4 bassets pour un danois (1967), autre film Disney. A noter enfin pour la petite anecdote qu’il y a fort à parier que le Siamois du film soit le même chat qui a joué dans L'Incroyable Randonnée (1963), autre film Disney mettant en scène deux chiens et un chat (dont un remake a même vu le jour dans les années 90 sous le titre : L'Incroyable Voyage - 1993).
Quel bel hommage à ces jeunes sacrifiés pour la gloire d'une poignée de hauts gradés peu scrupuleux. Même si parfois, c'est un peu tiré par les cheveux, le film fait mouche. Merci
Le grand amoureux des monstres Guillermo Del Toro livre avec Crimson Peak son oeuvre la plus aboutie visuellement, déchaînement d'images iconiques et de décors somptueux dans un gigantesque cabinet d'idées qui pousse constamment le cadre à épouser la puissance tragique qu'il enferme. L'histoire, dans son plus simple appareil, se révèle avant tout comme pic du souffle référentiel qui anime le cinéaste, cinématographique, littéraire et pictural, assumant comme jamais l'essence de son imaginaire pour mieux nourrir le conte gothique qu'il nous offre. On pourrait certes regretter le manque de chair du récit, mais ce serait ignorer la force première du film et essentielle au travail de Del Toro : le médium cinéma dévoué corps et âme à l'histoire qu'il sert. Des palettes variées de terrifiants spectres à la respiration sanguinolente d'une demeure labyrinthique, de l'oppression de la profondeur de champ aux excès du jump-scare, chaque brique de la direction artistique et de la mise en scène, même imparfaite, construit la demeure de la passion qui dévore les protagonistes, poison inhérent qui marque le temps et l'âme tel le pourpre imbibant la neige.
Malgré une fin qui "tue", le reste est un film lent, banal, prévisible, où les personnages ne sont ni attachant ni présent. Et la fin qui "tue" n'est qu'un happy end merdique
Un film d'action très moyen pourtant ça débutait assez bien mais les scènes d'action sont quasiment similaires et peu spectaculaires d'où un certain ennui.
Un thriller écolo extrêmement tendu, au suspense garanti qui rappelle un peu par son décor le célèbre "Délivrance" de John Boorman. C'est le genre de film qu'il est difficile de ne pas apprécier, ces aventures en milieu hostile ou extrême étant pratiquement toujours remplies de rebondissements. Tourné dans des décors sauvages magnifiques, le film permet à Meryl Streep d'endosser un rôle très physique, plutôt inhabituel pour elle, tandis que Kevin Bacon est comme toujours, aussi délectable en méchant inquiétant et violent. Un très bon divertissement.
On connaissait Durringer au théâtre, mais il y a aussi Durringer derrière la caméra. Pour qui connait ces textes, il sera impossible de ne pas reconnaitre cette virulence cru et amer qui caractérise sa plume. La descente aux enfers est imminente, avec ce générique déjà étouffant et cette première scène choquante, abrupte. Les dès sont lançés et le réalisateur/scénariste a annoncé la couleur: noir. Ensuite, le film se compose de deux parties. Il y a la chute. De scènes de viols en scènes de meurtre, la plongée dans le monde de la nuit des zonards et violente et étouffante. Durringer se sert d'une unique source de lumière: le néon. Lumière pâle, ombre allongées, tout est minutieusement mise en scène pour rendre le spectateur claustrophobe et anxieux. Effet garantie, le sans-gêne de cette bande aux moeurs très douteux dérange voire horrifie e peut en répugner certains. Mais il serait dommage de s'arrêter là où tout commence. La prise de conscience se fai languir mais pointe le bout de son nez. François et Rufin se détachentet prenent l'air... pour inlassablement se faire reprendre par se désir de vengeance. Mais le coeur renaît et malgrès les chutes, l'espoir, en la personne de Claire prend de plus en plus d'importance. L'amitié nait aussi avec vigueur entre ces deux personnages voire même une pointe d'amour mais très suggérée. Pour finalement arriver à la renaissance, la purification (image de la douche à la fin relativement explicite). Pas intacts même plutôt amochés. La mise en scène de Durringer est méthodique et rempli de cohésion. Malgrès les deux parties apparentes, le film est une unité de noirceur et le réalisateur met tout en oeuvre pour créer un univers incroyablement prenant. Rarement un polar avait été aussi bien mis en scène. Le scénario presque muet et plein de non-dits est délicat et entraînant avec une écriture crue mais étrangement poétique. Enfin que serait le film sans acteurs. Si Gérald Laroche (Trois huit...) est le plus nuancé et sublime.
Le début est prometteur mais très vite on comprend que le film n'est pas une grand production et perd de sa qualité vers la fin jusqu'à devenir ridicule.
Un très beau film de science-fiction avec Sam Neill et le regretté Robin Williams. Un robot devient un androïde humain. La transformation est impressionnante. De bons effets spéciaux.Une excellente adaptation de la nouvelle futuriste d'Issac Asimov.
Hahaha, franchement j'ai ri devant ce film, emmerdant pour un thriller. Mann s'est bien troué la dessus. Pourquoi pensez-vous que le titre n'est pas celui du livre dont il est inspiré (de loin, heureusement pour Thomas Harris sinon jamais il aurait fait le Silence des Agneaux) ? Parce qu'il est trop nul, et qu'à part le nom des persos rien ne correspond au livre. Quand on a la chance d'avoir une bonne histoire, servie sur un plateau par un bouquin et un auteur génial, pourquoi tout changer ? Parce qu'on s'appelle Mann et qu'on pense mieux faire ? Ben loupé. Avec le vrai film : Dragon Rouge, le tueur m'impressionnait, rester seul chez soi ensuite te donnait des sueurs froides, là j'ai pu vaquer à mes occupations tranquille, 6è sens ou American Pie même combat au niveau des émotions. Alors à part un scénario du coup indigent, une intrigue inexistante, une fin minable (ouah ils passent à travers la fenêtre et c'est fini, ça vaut Bioman), on a Petersen au mieux de sa forme, si vous voulez voir un acteur sans expression c'est le meilleur exemple que j'ai vu, il fait juste pire que dans les experts, impressionnant. Si vous voyez un truc à garder la dedans dites le moi, j'ai pas vu pour ma part.
Un sujet ambitieux traité par dessus la guibole. Si le personnage principal tient la route et fait le job, les personnages secondaires, eux, tombent dans la grandiloquence et plongent le film dans la caricature.
Un petit policier sans doute réalisé dans des conditions difficiles, on retiendra surtout la présence de Blier qui fait une bonne première partie mais s'efface un peu trop sur la fin.
Un énième film sur le thème du duo mal assorti. La réalisation est juste passable, les personnages caricaturaux, le scénario prévisible... J'ajoute à la décharge que j'ai vu une version doublée franchement horripilante (façon le Flic de Beverly Hills en pire).
Je gonfle volontairement la note parce que ce docu/film est absolument indispensable et aussi courageux, quelque part. En tout cas c'était le premier du genre sur le sujet.
Qu'en est-il du véritables scénario ou l'héros était censé utiliser son sabre pour combattre les ennemis ? Ormis ce détail le reste est relativement correct, la synesthésie est respecté ! Mais cela n'en fait pas un film référence.
Les Rolling Stones filmés par Martin Scorsese. Je dois avouer que même en étant pas fan du groupe britannique, l'affiche faisait saliver. Mais alors que l'on espérait un documentaire plongeant dans les coulisses avant le concert, qui s'appuie sur les relations entre les différents membres, sur comment Mr Scorsese va filmer ces 4 légendes sur scène, etc, tout ceci se retrouve confiné durant les 5 premières minutes de ce "Shine a Light" avant de laisser place au concert pur et dur, entrecoupé de quelque images d'archives, bien trop rare pour une bonne rétrospective du groupe. C'est ça le problème. "Shine a Light" se vend comme un docu-concert. On espérait dans ce cas plus d'éléments vis à vis de l'histoire des Stones ce qui représente une certaine déception. Au final, pour ceux qui espéraient un vrai documentaire rétrospectif de la carrière des Rolling Stones entrecoupés du concert tourné à New-York, passez votre chemin. Pour les aficionados de la bande à Mick Jagger, vous ne serez pas décus de ce film qui se trouve être l'un des concerts les mieux filmés (Scorsese aux commandes oblige) du marché.
Biopic s'il en est, cette "Symphonie fantastique" sait dans sa première partie se faire particulièrement plaisant, aussi bien par son rythme entraînant que la fougue et la conviction d'un Jean-Louis Barrault particulièrement inspiré. Ainsi, ce qui aurait pu rapidement n'être un banal témoignage sur la vie d'Hector Berlioz se transforme en belle leçon de vie, surtout que l'ensemble des interprètes s'avère à la hauteur du projet. Hélas, le film a en définitive bien du mal à tenir la distance, et c'est seulement au bout de trois quarts d'heure que l'on commence à trouver le temps long, le récit perdant clairement de sa vivacité, surtout que l'on sent bien que derrière la caméra, Christian-Jaque n'a plus grand-chose à raconter. Le dernier quart d'heure est d'ailleurs totalement de trop (que ne ferait-on pas pour qu'un film dure 90 minutes!), si bien que c'est au final la relative déception qui prédomine, et ce même si l'on pourra tout de même s'aventurer une fois vers cette "Symphonie fantastique", aussi bien pour se dégrossir sur ce grand compositeur qu'était Berlioz que pour cette première partie de grande qualité.
L'une des meilleures comédies kitsch avec Bud Spencer et Terence Hill. Un duo incontournable et légendaire.L'une des meilleures suites On l'appelle Trinita. Un dernier volet cultisme. Une trilogie hilarante du western spaghetti à la comédie rigolote.
Inspiré d'un roman de Chester Himes, je pensais avoir faire à un bon polar noir mais ce n'est pas le cas, mise à part la couleur de la peau des acteurs Rage in Harlem (ne comportant nulle rage) ne constitue en rien un polar noir, c'est plutôt une comédie policière mais l'humour ne marche pas (lorsque le chien est pris en otage c'est le seul moment du film qui fait sourire) et la mise en scène manque d'épaisseur. Dès le 1er quart d'heure le film n'a aucune saveur et l'on se désintéresse vite fait de ce film raté ou seul les acteurs parviennent à tirer leur épingle du jeu. Ma note est sévère mais Rage à Harlem sans être catastrophique peine au minimum à nous divertir.
Découvert au cycle Univerciné italien nantais 2014. Emballage visuel et sonore du meilleur goût pour une situation quelque peu scabreuse. La musique planante rassure, les visages et les corps sont investis avec douceur,ouf... L'inévitable provocation verbale autant que physique (les deux copines), avec ce pli de balayer les écueils en chargeant l'autre. Ils sont officiellement dans leur tribu, copains et copines, cours ensemble. Silence sur les familles. Ce couple très jeune, noyé dans son excitation, lui sous addiction, et elle qui souhaite d'abord perdre sa virginité, montre sa complémentarité dans son oscillation incontournable entre virtuel et réel. Avec sa g... longue, il symbolise l'introversion et elle, petite balle mousse qui rebondit, davantage l'adaptation en vue d'évoluer. L'escalade vers le malsain fait craindre le pire jusqu'à l'effet boomerang. Les voilà ensemble ou dos à dos dans leur A2 circulaire et symbolique... L'adulte s'invite hors champ sur le mode éducatif et l'ado se rebelle entre sa demande de cadre et son désir d'en découdre. Un moment on craint que la jeune fille écope de tout... Ce serait compter sans le contournement du réalisateur convaincu qu'illusions et ressources vont de pair et qu'on sent, tant il soigne sa projection sur son public fatalement clivé, désireux de rallier l'adulte et l'ado qu'il porte en lui.
Judge Priest est l'un des films les plus sous-estimés de John Ford. Il est surtout l'un des moins connus, parce que quasiment inaccessible. Ce qui est fort regrettable. Dans son film, l'un de ses préférés, Ford décrit avec de nombreuses touches d'humour les mœurs d'une petite ville du Sud des États-Unis, peu après la fin de la Guerre civile. Comme souvent chez Ford, le film repose presque entièrement sur les personnages, drôles et touchants, qui incarnent les valeurs de l'Amérique. La figure centrale du film est un petit juge affable voire débonnaire en fin de carrière, interprété par Will Rogers (il s'agit de du rôle-phare de sa carrière). Ford déclara à son sujet : « Les gens de l'Ouest étaient comme Will Rogers. C'étaient des hommes bourrus et imparfaits, mais beaucoup étaient foncièrement doux et la plupart étaient foncièrement moraux et religieux, comme la plupart des gens qui vivent de la terre. ». On remarquera entre autres la présence de Hattie McDaniel, la fameuse nounou d'Autant en emporte le vent (1938), première actrice noire a avoir reçu un "Academy Awââârd" La seconde partie du film est la plus éclatante, le témoignage du révérend Brand lors du procès constitue la scène la plus forte du film. Le film s'achève triomphalement sur le glorieux "National Anthem Of The Confederate States Of America". ?????????????????? I wish I was in the land of cotton, Old times there are not forgotten; Look away! Look away! Look away, Dixie's Land! In Dixie's Land where I was born in, Early on one frosty morning, Look away! Look away! Look away, Dixie's Land! ? le film : http://www.youtube.com/watch?v=s6RDOx5CKt0 (Que cette critique ne soit pas très académique, je m'en tape.)
Grand fan de Ghost in The Shell (le manga comme les films animés de Mamoru Oshii) j'attendais cette adaptation avec curiosité et inquiétude. Et pour être honnête, non seulement j'ai beaucoup aimé mais en plus je me demande ce qu'on peut lui reprocher en particulier. Quelques effets numériques franchement ratés certes mais la DA est à l'image de Scarlett Johansson, sublime. Le scénario dévie par certains aspects de l'original mais reste basé sur le même récit et a par quelques coupes qui se font franchement sentir, tout tient la route. De plus si on peut regretter le manque de sang qui rend l'univers si viscéral, il est bon de remarquer que rare son les blockbusters actuels qui s'assument autant quitte a restreindre son public (bien qu'ici le public visé reste très large). Personnellement j'ai pas vu d'autre blockbuster s'assumer autant ces dernières années. A part Blade Runner 2049. Et c'est la le problème de ce Ghost in The Shell en ce qui me concerne, il passe après Blade Runner premier du nom (qui a toujours 20 ans d'avance sur les films actuels) et il a au moins la chance d'être sorti quelques mois avant 2049. Car ce qui manque cruellement dans ce GiTS c'est bien un cœur. Un cœur pour combler la magnifique Scarlett Johansson qui à l'image de ce film n'est pas dénué d'âme mais ne parvient pas a ressentir et faire ressentir des émotions. A l'inverse d'un 2049 touché par la grâce. Reste un beau film que je conseille a tous, particulièrement aux néophytes, un des meilleurs univers de SF/Cyberpunk n'attend que vous.
Juste magnifique !! Des images à couper le souffle... Un documentaire sous marin à ne pas manquer tellement la nature est belle ! Bravo à Mr Perrin
C'est nul. Ca veut faire passer un message et ça en oublie tout humour. Trop lourd, et trop trop trop classique dans la forme. On s'est bien fait avoir...
Le film épique fait place au film catastrophique, à commencer par un casting délirant, puis un choix délibéré d'abaisser les personnages et cette histoire. A l'image de Moise allant au hasard dans le désert, le metteur en scène ne semble pas savoir où il va, mais avec moins de réussite que le patriarche biblique, il nous perd au long de trois heures embarrassantes. Miracle ou plaie ? A vous de voir, mais je ne serais pas surpris que le véritable exode auquel vous risquiez d'assister soit celui des spectateurs quittant la salle.
Un film totalement délirant et impénétrable à jeun. Malheureusement j'ai l'impression qu'il est impénétrable tout court. A réserver aux fans.
Un sujet amener sans clicher, c'est beau, profond, les acteurs son juste. a voir
Chef d'oeuvre des 60's de [Freddie Francis] simplement beau comme la mort, on comprend à sa vision que cet inédit aux intrigues étrangement paralleles comme doubles, dissemblantes, ait engendré tant de haines et de passions -enfin le fluide paralysant des "envahisseurs" reste une trouvaille parmi d'autres à ne pas manquer.
Slumdog Millionaire est un film absolument génial!!!!! Je savais que ça m'aurait plu mais pas à ce point-là!!!! La réalisation de Danny Boyle est vraiment super efficace!!!! Le montage est vraiment bluffant!! Tous les angles de caméra différents que l'équipe a pu trouver sont vraiment incroyables!!!! On est pris dès les premières minutes dans cette histoire d'amitié et d'amour sur fond de drame bien qu'avec de temps en temps quelques petites touches d'humour. Les trois acteurs donnant vie à Jamal Malik sont attachants dès les premières secondes, pareil pour ceux ( et celles ) qui incarnent Salim Malik et Latika. Les meilleurs des neuf acteurs sont évidemment Dev Patel très touchant et Freida Pinto toujours aussi belle. La musique est excellente avec des chansons très rythmées et une belle chorégraphie à la toute fin. Les réponses que donnent Jamal à " Qui veut gagner des Millions ? "pendant tout le film font toutes référence à une partie de sa vie qui émeut le spectateur à chaque fois. Vous l'avez évidemment compris, Slumdog Millionaire est un film qu'il faut absolument avoir vu dans sa vie au moins une fois. Superbe!!!!!!!!!
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un casting de luxe que des pointures Stallone dans un rôle qui lui va comme un gant ou il montre ses talents d'acteurs, loin de ses rôles de destructeurs, de gros bras un très bon film montrant l'envers de la police de NY
N'étant pas un grand fan d'Al Pacino, je me suis mis devant ce film un peu à reculons, quasi certain de ne pas adhérer au jeu de l'acteur (encore une fois) et bien j'ai eu une bien agréable surprise !! Pour une fois, il est bon et même très bon et j'ai passé une superbe soirée en compagnie de Mr Danny Collins !! Ce film est plaisant, drôle, émouvant, touchant, triste et j'en passe et vraiment j'en suis ressorti avec la banane !! Une vraie comédie dramatique comme on les aime sur la célébrité, les remords, la rédemption et l'amour !! Une vraie réussite !!! Bravo.
Un film sans trop de relief, les personnages sont un peu ternes même si l’histoire aurait mérité mieux
Super navet, grossier et sans aucune histoire, la morale rien, et Will Smith (quel honte de jouer dans un tel film[il font bien faire une erreur de jeunesse] en plus il est handicapé et on le voie ke 2min dans le film lui ki tenè le second rôle