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HahaHa trop mauvais, en tant qu'acteurs il ne faut pas avoir trop d'amour propre pour jouer ça.
Un polar de John Frankenheimer qui parle de fachisme anti-noir par un groupe de nazis dont l'un d'eux, auquel on ne voit que ses yeux, braque une station service tuant froidement le caissier et un policier de patrouille. Un inspecteur qui connait bien la victime, ancien alcoolique et divorcé de deux enfants, mène l'enquète pour trouver les coupables mème sur plusieurs états d'Amérique. Un long métrage méconnu et oublié qui mérite plus d'attention. Le scénario est intriguant et bien ficelé, une mise en scène palpitante, des méchants sans scrupules et un inspecteur de police tenace incarné par Don Johnson qui, mème si son role fait penser à Sonny Crockett de "Deux flics à Miami", est excellent. A ses cotés, il y a la belle Pénélope Ann Miller toujours ravissante et William Forsythe en chef de police. J'ai bien aimé aussi la scène avec le psychologue qui ressemble à Woody Allen qui lache un peu de zelle dans cette histoire pas rose du tout. A découvrir.
« Flight » est un film passionnant qui commence comme un film catastrophe pour rapidement se transformer en drame intimiste, d'une rare profondeur. Le début est très immersif et Robert Zemeckis (« Forrest Gump, « Retour vers le futur »), parvient à insuffler une tension énorme qui grimpe inexorablement jusqu'à l'accident aérien, véritable paroxysme de cette première partie. Cette scène est d'ailleurs simplement géniale, d'une précision et d'un réalisme à peine croyable. On est sanglé dans le cockpit, avec les pilotes et on suit chaque événement qui conduit inexorablement vers le crash. Ensuite, le suspense retombe complètement et on plonge dans la vie dissolue du pilote qui passe peu à peu du statut de Héros à celui d'alcoolique pathétique, incapable de faire face à ses responsabilités. Sur la forme, le film est d'une grande qualité, l'interprétation de Denzel Washington est géniale et l'ensemble se suit avec beaucoup de plaisir malgré un léger manque de rythme en deuxième partie. Sur le fond, en plus d'une étude intéressante sur les conduites addictives, le film montre de manière passionnante comment une compagnie aérienne pourrait couvrir les agissements d'un pilote pour échapper à une condamnation. Un film très efficace et un peu flippant si on doit prendre un avion.
Certes Paul Newman est bon (sans être exceptionnel) mais ne parvient pas à sauver pas ce film qui souffre de trop nombreux défauts : Des longueurs insupportables (l'interminable scène avec la maman, la scène des œufs), des ellipses comme s'il en pleuvaient, des personnages secondaires caricaturaux, des mystères (où sont les blacks ?), une ambiance bisounours (aucun vrai méchant parmi les détenus). Seuls points positifs, la scène absurde mais néanmoins plaisante de la laveuse de voiture (du Russ Meyer avant le lettre) et un anticléricalisme de bon aloi. Mais ça ne fait pas le compte
Premier Opus d'une trilogie exceptionnelle par bien des aspects, la nullité de ce film le rend incontournable, tout dans ce film est ridicule et hilarant... Les acteurs sont incroyablement mauvais, les effets spéciaux dignes d'un film du 16eme siècle et le scénario... M'a fait tellement rire que j'ai cru me faire dessus la première fois. Mention Spéciale à la scène d'intro sur fond vert qui est unique en son genre!
Formidable documentaire, avec des images vraiment superbes et rares et un ton pédagogique, mais pas didactique. Quel meilleur moyen d'alerter la population sur la disparition des espèces maritimes qu'en mettant en avant leur beauté ? Les deux réalisateurs y sont parvenus avec réussite. Pas besoin de plus de commentaires, il suffit de voir.
Je trouve ce film excellent, je l'ai vue pour la première fois à la télé en 89 j'avais 10 ans et je ne m'en lasse toujours pas, il ne vieilli pas, le scénario tiens la route, les scène d'avion sont plutôt bien réalisées, je n'ai jamais vue les suite, et ne pense pas le faire pour ne pas être déçu comme pour beaucoup de films du même genre où ils ont voulus faire des suites et cela s'avère plus que médiocre.
Un film poignant sur les évènements tragiques qui eurent lieu durant la dictature argentine. Certaines scènes nécessitent d'avoir un coeur bien accroché car elles nous montrent de près ce que fut la barbarie des militaires.
Très beau film, j'en garde de très bon souvenirs malgré le fait que cela fait 6 ans que je ne l'ai pas vu. C'est un film marquant quand on l'a vu jeune (j'avais 13 ans) et je me souviens toujours dece train et de ce vélo :')
Mais comment peut-on faire des films aussi vulgaires et du niveau d'un comique de maternelle ? A part les gags pipi-caca, les US ne savent plus rien faire d'autre dans le registre comédie ! Lamentable.
Asger Holm (Jakob Cedergren - vu, déjà flic, mais barbu, dans la série suédoise "Meurtres à Sandhamm") est en pénitence au standard du "112" de Copenhague (on apprendra peu à peu pourquoi, et complètement lors de la fin haletante). Le quadra est à bout de nerfs, quand commence (normalement) sa dernière soirée d'appels d'urgence. C'est la routine, des poivrots ou drogués agressés, en crise... des vols, accidents divers (de voie publique, ou domestiques).... quand arrive un appel étrange. C'est le début, pratiquement en temps réel, d'un drame familial à tiroirs, que le policier tente, à distance, en menant (dans le brouillard) l'enquête, de régler. Un huis-clos comme on en a déjà vu (dans une cabine téléphonique, dans un cercueil...), croit-on au début. Avant de se laisser happer par une dramaturgie, aussi complexe que les moyens cinématographiques convoqués sont simples.... Tout repose sur l'acteur principal, ses collègues du plateau téléphonique n'étant que des silhouettes, et les autres acteurs, des voix au bout du fil.... Remarquable : émotion et sidération (dans la salle du Quartier Latin où j'étais, on aurait entendu voler une mouche...). Une histoire banale, comme un (sinistre) fait divers ? Pas que - puisque la vie du policier déchu devient aussi un des enjeux de l'affaire, justifiant pleinement le titre "The Guilty" de cet excellent premier "long" d'un tout jeune auteur danois (30 ans), Gustav Möller.
Se film ne mérite pas sa place au cinéma,En clair gros navet.
J'adore! Sous ses apparences de petit film pour enfants, "Où est la maison de mon ami?" se révèle être au final une oeuvre très riche, à différents degrés de lecture. Kiarostami nous raconte une histoire dans un langage d'une simplicité universelle qui ouvre le film à tous les publics. Le parcours de cet enfant, engagé dans une course contre la montre pour rendre à son copain de classe, menacé d'exclusion, son cahier pris par inadvertance, peut être lu à différents niveaux. On ressent tout d'abord une émotion directement touchante pour cet enfant et les sentiments qui l'animent (solidarité, amitié, innocence,...). Kiarostami fait preuve ici d'un grand talent pour restituer le monde intérieur de l'enfant. Un talent de la vérité et de la simplicité au pouvoir sobrement émouvant. Le monde de l'enfant rentre constamment en conflit avec le monde des adultes, refermés sur eux mêmes et étrangers aux bonnes intentions de l'enfant. La société des adultes, enfermé dans le surmoi et ayant banni l'imaginaire et la poésie de son quotidien, apparaît, par contraste, bien inconséquente et bien triste. Le parcours initiatique de l'enfant qui découvre le monde prend alors des airs de fable humaniste. Se situant toujours à hauteur du regard de l'enfant, le film est une mise en lumière très fine de l'incohérence du monde adulte et de l'autorité contradictoire qu'il exerce. Cinématographiquement, "Où est la maison de mon ami?" est également une belle réussite avec des images superbes, une mise en scène discrètement symbolique, et un traitement de sons naturels très intéressant, qui viennent souligner et renforcer les sensations et émotions de l'enfant (le chat qui miaule, le bruit du vent, etc...). Un véritable petit bijou, très réjouissant et non dénué d'un certain humour qui rappelera celui du géorgien Otar Iosseliani. Je ne peux que très vivement vous le recommander.
Une vallée des hautes montagnes de la Nouvelle Guinée, loin de tout. Tout est vert et brumeux. Le temps semble s'être arrêté il y a des milliers d'années. Stéphane Breton y filme l'ordinaire du bout du monde. Avec autant de pudeur que d'humanité.
Un bon thriller, et je trouve que les acteurs jouent très bien. Un peu trop clasique à mon goût, au bout de 20mn on connait déja l'assassin, à noter aussi un bon scénario. Un film à voir.
excellent film. Bons dialogues, bonne interprétation et fin étonnante.
Les Gazelles....L’histoire ? Il n’y en a pas. C’est un fourre tout de scènes où l’on retrouve quatre nanas, pas trop bien dans leurs bottes, chasseuses de mecs, avec leurs tares, leurs gniards, et leurs ragnagnas. Quand on parle de films «girly», on pense inévitablement à «Lol» ou «Tout ce qui brille», ou «Mes meilleures amies» dans les plus récents, films qui ne révolutionnent rien mais qui sont plutôt bien faits. Ici tout est naze ! Même le titre est naze ! Il y en a une qui a passé dix jours à Marrakech ou quoi ? Les gazelles !!! Le scénario est indigent, les dialogues du même acabit que ceux entre deux vendeuses de supermarché, la mise en scène nulle de chez nulle, et des comédiennes au taquet qui surjouent, et qui ne parviennent pas à me décocher la moitié du tiers d’un pseudo sourire. En fait c’est une bande de filles qui se comportent comme des mecs...et c’est là qu’est le problème. Cela ne suffit pas à en faire un film...CA NE SUFFIT PAS BORDEL !!! Sinon j’en ai ras le bol de me taper des films indigents sous prétexte d’aider le cinéma français en général, et les petits films en particulier. Je ne recommande pas du tout.
On pourra dire ce qu'on veut sur ce film, mais au final, il se relève chiant. le film se construis sur des rendez-vous vous, aux nombres de 9. Ces rendez-vous sont autant de façon pour Mr Oscar,( joué par il est vrai un éblouissant Denis Lavant, l'acteur fétiche de Carax) de changé de vie. Et oui on peut y voir une métaphore évidente sur le fait que dans la vie l'Homme joue plusieurs rôle et qu'au fond la vie n'est ni plus ni moins qu'un film. Mais bon cette métaphore est exploité de façon simpliste et au lieu que le réalisateur démontre vraiment son propos, il préfère construire son film sur des scènes plus ou moins oniriques. Alors bien sur sa fais rêver, mais pas assez, car quand on y pense, il y a peux de très belles scènes qui arrivent à la fois à réunir la forme et le fond. Alors oui le début du film est beau, mais on se dit à quoi bon, à quoi bon, parce qu'au final, tout ce film reste un vaste trip qui ne nous embarque jamais. En effet, aucune scène n'arrive à nous toucher, d'accord on est parfois intrigué, mais après on fatigue, on fatigue par la paresse infinie dont fait preuve le film. Les relations entre personnage sont justes oubliés pour laisser place à cette métaphysique, qui n'a rien de passionnante. Il y a deux scènes qui méritent qu'on s'y attarde. Il s'agit du deuxième rendez-vous très métaphysique, mais qui s'arrête là où on aurait aimé qu'il commence. Et surtout le troisième rendez-vous, avec le personnage de Mr Merde qui est une métaphore de la bête, avec aussi l'apparition de Eva Mendez (non mais sérieux qui est plus belle que Eva dans ce film ?) en métaphore de la belle. Bref cette scène ma fasciner par la cohabitation entre la bête et la belle. Bref au final, un film auquel tout le monde, est ébahis, moi sa m'ébahis pas tellement, les interprétations du film sont simples à comprendre, bref super forme et quelques supers passages,mais ça reste d'un creux infini.
Visiblement meilleur devant que derrière la caméra, Kevin Spacey livre ici un huis-clot fade et peu rythmé, qui se suit sans ennui, mais également sans beaucoup d'intérêt.
Le moins qu'on puisse dire c'est que c'est "spécial" comme film. La mise en scène est recherchée et travaillée, sans aucun doute, mais tend surtout à rendre le récit, déjà non-linéaire, encore plus nébuleux. En gros après 45 bonnes minutes de "what the fuck" incompréhensible, on commence seulement à entrapercevoir où ils veulent en venir et la dernière demi-heure passe plus facilement. Enfin, encore faut-il tenir jusque là, parce qu'en plus d'être extrêmement confus, ça manque cruellement de rythme: la combinaison gagnante! En fin de compte, beaucoup de complications et d'artifices pour un résultat laborieux finalement assez dépitant, il semblerait cependant que le film ait été beaucoup apprécié dans les festivals internationaux, donc peut être que c'est juste qu'il me manque la culture cinématographique et la sophistication nécessaires pour apprécier cette oeuvre à sa juste valeur. Je reste perplexe.
Un thriller classique qui ne surprend pas un seul moment le spectateur. Le scénario est un patchwork des classiques du genre et n'éblouit pas par sa mise en scène presque bâclée. Le film repose uniquement sur la présence de Pierce Brosnan, incontournable James Bond, et sur l'acteur spartiate montant, Gerard Butler. Le final est téléphoné dès la moitié du film et n'a donc rien d'attrayant. La tension est minimisée au maximum et on ne sombre donc pas dans un thriller psychologique qui aurait pu être divertissant. Un film qui n'a rien d'exceptionnel, qui se regarde par curiosité.
Eh oui ! Quatre étoiles. Non pas que ce film constitue une date incontournable dans l'histoire du cinéma, mais il ne mérite tout de même pas le zéro pointé. Loin des rôles qui l'ont rendu célèbre, Pierre Richard interprète avec justesse et émotion cet individu épris de beauté et d'absolu, de gourmandise et de raffinement, détruit par la mesquine marche de l'humanité, indifférente et grossière. Evidemment, le film est lent. On est loin des clip-films hollywoodiens. Mais il pourra toucher les âmes attentives et patientes.
Le film doit beaucoup au charme de Seville, ville encore trop peu filmée aujourd'hui.Pour ce qui est du scenario, il parvient à captiver malgré de grosses incohérences. Les acteurs sont plutôt bons, la réalisation de M.Gil s'avère correcte. En définitive, Jeu de Rôles est un thriller honnête qui constitue une alternative à ExistenZ de Cronenberg, mais l'univers du jeu virtuel n'a pas encore trouvé sa référence cinématographique (à moins qu'Avalon, que je n'ai pas vu...).
Un film culte britannique qui revela Joseph Fiennes et Rufus Sewell entre autres... A voir et à revoir.
Ce n'est pas parce que "Blood Feast" est le premier film gore de l'histoire du cinéma que c'est un chef-d’œuvre ! Sérieusement. Il y à bien quelques scènes à sauvez (les scènes gores en fait qui pu bon le bis) et le reste ... Bref , je pense que ce film est à voir pour les fans de cinéma bis , de gore à la Fulci et pour les grands fans de films d'horreur juste parce que c'est "le"premier film gore de l'histoire du cinéma. Pour les autres je déconseille fortement.
Cela fait du bien de voir ce genre de film sortir en salles, ça change des grosses productions et du divertissement. Vrai coup de coeur pour ce film osé, qui interroge l'art, l'humain... je conseille vivement.
En gros, c'est le premier, mais on s'est dit que y avait encore du pognon à gratter auprès dès parents dont la marmaille hurle dans la voiture pendant les embouteillages qu'ils veulent rentrer à la maison ou aller voir les 102 dalmatiens. Un scénario pueril doté d'un suspence infantilisant et lénifiant. Tout ça pour dire quoi ? Que les méchants restent méchants et n'ont pas droit à une seconde chance ? L'inspecteur Harry s'en charge déjà, merci d'être passé.
Tandis que la Hughes Aircraft engrange les bènèfices, la RKO plonge dans le rouge! Les films sont à l'arrêt, les projets n'ont pas d'autorisation, les techniciens-clès ont ètè licenciès, les stars attendent dans leurs loges! Le fantôme Howard Hughes a d'autres prèoccupations! Maintenant qu'il n'y a plus de communistes dans son ècurie, Hughes commande des films! Certains sont moyens et d'autres sont très rèussis comme celui-ci! En femme fortunèe, Corby Lane alias Jean Simmons a le coeur sur la main dans "She Couldn't Say No" et nous le fait savoir à travers cette excellente comèdie de la RKO (produite par Howard Hughes) et rèalisèe par Lloyd Bacon, homme à tout faire de la Warner, qui signe en 1954 son dernier film après une carrière bien remplie! Ce dernier est au plus près des personnages, sans jamais cèder à la facilitè! C'est cadrè sans souci d'èlègance, c'est finalement terre à terre, et tout est là, avec une histoire à la Henry Cornelius dont l'accumulation de pèripèties laisse ensuite rêveur! C'est très sympa, entraînant et souvent hilarant (la sonnette de porte, la partie de pèche) avec un Robert Mitchum (en toubib de choc) qui ne rate pas son numèro et son baiser chocolatè face à Jean Simmons! Bacon observe les petites joies et les contrariètès de ces deux êtres que tout oppose avec humour et tendresse! Au final, une rèussite avec une interprètation parfaite, jusque dans les seconds rôles tel que Arthur Hunnicutt, gentil et attachant soiffard! Qu’il faisait bon de vivre dans cet hameau du Arkansas...
Huit ans après avoir triomphé dans un rôle de marginal dans Orange Mécanique, Malcolm McDowell se voit offrir le rôle du plus déjanté des empereurs romains: Caligula. Ce film possède le budget le plus pharaonique du cinéma dit érotique et on ne peut qu'admirer le résultat de cette superproduction qui relate le règne de cet empereur aussi bref que sanguinaire au cours de cette période qu'on appelait la décadence romaine. Cette décadence romaine est merveilleusement exposée et exhibée au travers de multiples scènes érotiques voire à certains moment pornographiques. Le scénario tient la route et enchaîne une succession de scènes d'amour et de tortures sexuelles parfois à la limite du supportable. Au menu de ce film érotico-historique: tentatives d'empoisonnement, meurtres, tortures, maladie, folie et trahisons viennent décomposer un film aussi dément que son interprête principal McDowell qui s'en donne à coeur joie et qui délivre une composition ahurissante dans ce rôle de dégénéré qui lui colle à la peau. Les décors qui entourent le film sont impressionnants de réalisme et de beauté, la musique de Tchaïkovski qui accompagne le film donne de la légèreté à certaines scènes qui peuvent choquer par leur immoralité ou par leur violence. Tous ces paramètres donnent un résultat plaisant pour un public cependant très averti!
Plus que la révélation confirmée depuis de Sophie Marceau, La boum doit son succès à son ton juste et à sa capacité à bien lire et mettre en scène les troubles de l'adolescence et ceux de la vie de couple.
Avec un scénario bateau au possible, des péripéties courrues d'avance et des acteurs peu inspirés venus pour payer leurs impôts, Mort ou Vif n'a rien pour plaire... Sauf qu'il semble que Sam Raimi se soit amusé comme un petit fou derrière la caméra, s'évertuant à créer un film rythmé fonctionnant sur un subtil second degré. On est pas devant un chef d'oeuvre, c'est sur, mais on n'a, en tout cas, pas le temps de s'ennuyer...
Très déçu par ce pensum soviétique qui est passé à côté du chef-d'oeuvre littéraire dont il est adapté. La Russie méridionale et l'Ukraine pendant la guerre civile (celle de 1917....) devraient pourtant constituer un matériau de premier choix pour les cinéastes, hélas, on attend encore LE film sur cette période troublée, épique, violente et fondamentale.
Une plage, de la pluie et beaucoup d'ennui. On reconstitue peu à peu le drame qui s'est déroulé au même endroit quelques années plus tôt. Mais on le fait sans grand intérêt. Le héros tape vite sur les nerfs, avec son regard de chien battu et ses sautes d'humeur régulières.
Un film qui ne se regarde que d'un oeil et dont on ne gardera pas grand chose, tant dans le scénario que les expressions des comédiens. PLV : Matt Le Blanc restera toujours Joey même si c'est plus compliqué avec les femmes dans ce rôle
Dans Moscou ne dort jamais, Johnny O’Reilly bâtit son récit autour de cinq personnages principaux : un entrepreneur menacé de faillite, un adolescent devant composer entre son amie et sa grand-mère, une adolescente à la recherche de son père naturel, une chanteuse éprise de deux hommes et un acteur au bout du rouleau. Cet échantillon n’est pas représentatif de la population moscovite. Le scénario très écrit tisse des liens entre chacun de ces protagonistes. Le récit se veut donc ambitieux. Il l’est probablement trop. Traiter de façon satisfaisante ces cinq personnages en moins de deux heures relève de la gageure. De plus, ce trop grand nombre de protagonistes et de destins associés morcellent Moscou ne dort jamais en séquences courtes. Ceci nuit à l’installation des protagonistes et à leur appréhension par les spectateurs. La mise en scène impactée par le processus narratif suivi ménage cependant de beaux plans, notamment aériens, de la capitale russe qui apparaît ainsi tentaculaire et toujours en activité car Moscou ne dort jamais.
Film magnifique par sa très grande sobriété, et sa sincérité. J'y ai un peu retrouvé l'atmosphère de "des hommes et des dieux". Une très forte histoire d'amitié dans le cadre superbe d'une radicalité positive. De très bons comédiens. On ressort de ce film, touché dans le mille, convaincu qu'il est possible d'avoir une seconde vie, belle et intense. Quel bonheur! Merci à Cédric Kahn, et à ses acteurs présents à l'avant première. Vous nous révélez quelque chose!
Un film de tueur en série sans inovation. On visionne et on zappe. Rien d'autre à dire.
Suffisamment passionnant pour mériter quatre étoiles malgré des défauts qui risquent d’agacer les spectateurs appréciant les scénarios rigoureux. En effet, les invraisemblance et les exagérations sont nombreuses, il faut beaucoup aimer les films noirs américains pour tout pardonner. Si l’on y arrive, le film devient superbe car les trois acteurs principaux sont fascinants et ont des rôles les obligeant à s’employer comme s’ils étaient chacun la vedette principale. Il faut bien cela d’ailleurs pour tenir la comparaison avec Joan Crawford qui se déchaine dans un rôle parfait pour elle. Vincent Sherman a trouvé en Ethel une femme dans laquelle la carrière de cette actrice pourrait se confondre, son culot est phénoménal et elle se retrouve au final totalement broyée par une organisation qu’elle à tout fait pour développer au delà des limites possibles. Malgré les outrances, il y a dans la morale de ce film une grande partie des ambitions et des moyens employés par certaines femmes qu’il ne vaut pas mieux trouver sur son chemin. Le titre français ne correspond à rien car c'est Ethel tire les ficelles même si elle ne se rend pas compte des conséquences. ‘’The damned don’t cry’’ (ce qui est son cas) est un beau film qui fait froid dans le dos et nous laisse pantois devant l’héroïne. De très beaux plans le parsèment à commencer par l’arrivée d’Etel et son accueil à travers la vitre, les autres porteront sur son élégance, sa distinction et les changements de ses expressions.
" Max mon amour " réussit un pari osé et difficile, celui de confronter l'homme à son ego en évitant les écueils inhérents à un tel sujet. Seule une approche venue d'Orient pouvait sans doute y arriver. Avec tact, humour et maîtrise, cette histoire d'amour entre Charlotte Rampling et un singe - au risque de déranger - semble être une variation plutôt douce sur le thème récurrent du cinéaste japonais : l'érotisme. Les acteurs, Higgins déconcerté, Etaix inénarrable, Rampling égale à elle même, Max trouble-fête au vrai sens du mot, bref... " Max mon amour " montre que l'on peut traiter un sujet délicat sans tomber dans une obscénité hors de propos. Higgins, diplomate très distingué marié à une femme de son niveau se retrouve face à lui même, à sa virilité, dans une situation d'adultère inédite. Face à face " d'homme à homme " ? Très probablement, car si " Max mon amour " aborde la zoophilie, ce n'est pas un film pervers pour autant, c'est simplement un autre regard, n'en déplaise aux dévots et autres cloportes d'abside qui tombent en extase devant " la Passion du Christ ".
le jeu de la vérité est un téléfilm très moyen de Nell Scovell. La mise en scène reste académique, le scénario est peu intéressant, les acteurs comme Ben Ayres, Sarah Brown ou encore Kira Clavell ne sont pas très convaincants et je me suis un peu ennuyé. Bref, je ne le conseille pas.