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Des scènes d'action survitaminées, des dialogues hilarants et un Schwarzy presque émouvant : c'est ce que nous apporte ce surprenant Last Action Hero, véritable hommage à la cinéphilie à travers lequel on suit le jeune Danny, spectateur affamé d'images pétaradantes qui sèche l'école pour mieux se faire des films... Bizarrement, au-delà de son aspect très conventionnel, le film de John Mc Tiernan possède une réelle grammaire, un style lui étant propre ainsi qu'une chaleur communicative. Bien sûr, les adeptes de poursuites de bagnoles, de castagnes et de brutes de décoffrage seront comblés... Mais pour peu qu'il s'intéresse un minimum à la culture pop-corn, le spectateur averti pourra lui aussi trouver son compte : la mise en abîme hors du commun de Last Action Hero procure un véritable enthousiasme. Quant à Schwarzy, il surprend par tant d'autodérision. Les hommes politiques sont deux fois pire que le reste, dit l'un des personnages du film... On aurait aimé que notre ami Arnold s'en tienne à cette réplique.
Encore un excellent film à l'actif du réalisateur Dino Risi. L'histoire est très belle tout comme l'interprétation. Vittorio Gassman est ultra-convaincant dans ce rôle d'ancien militaire aveugle, il n'a pas volé son prix d'interprétation à Cannes. Alessandro Momo est aussi très convaincant et Agostina Belli est tout simplement sublime (aussi physiquement que talentueusement !). Il est à noter aussi que les dialogues sonnent toujours juste. Certainement un des meilleurs films de son réalisateur.
Artistique, Magique et Différent...... Un film sur la mélancolie de l'adolescence qui ne peut que faire du bien à une génération en souffrance. Un film plein d'espoir, derrière des imagespourtant parfois très noires. Les textes sont à écouter et réécouter !!!
Quelle immense surprise que ce Rogue One ! Tellement plus qu'un simple objet visant à faire du profit. Je l'affirme d'autant plus que j'étais sceptique face à ce projet et que j'ai eu beaucoup de mal à m'intéresser à ce film mais au vu des échos positifs, j'ai décidé de tenter. On part toujours dans une galaxie très, très lointaine mais on ne regarde pas au même endroit que d'habitude. On a donc l'occasion de voir un Empire des plus féroces, beaucoup plus dangereux que ce que montrait les autres films. On a également droit à une rebellion plus radicale, plus féroce, violente, chose inimaginable dans un film Star Wars qui est avant tout familial. Et pourtant, les thèmes habituels sont conservés, la Force, la famille, l'amitié mais tout cela en étant renouvelé. Il est une fois de plus appréciable d'avoir une femme comme personnage principal, Felicity Jones excelle en Jyn. Le reste du casting est également très satisfaisant, notamment un Forest Whitaker assez étonnant et barré. Etendre l'univers de Star Wars de cette manière, c'est définitivement oui. Un bon scénario sur une histoire qu'on connait un peu pourtant, des personnages attachants et une réalisation grand spectacle qui nous offre les plus belles séquences de bataille spatiale. On a également droit à de très belles émotions et une conclusion douce amère, définitivement pas enfantine pour le coup. Rogue One offre ce qu'il y a de mieux dans Star Wars, de façon très audacieuse.
Quelque problème technique survenu sera rapidement réparé dans ce border 3, les larmes de coquille fantôme coule à flot, combat incessant de la cyber-police contre les bugs de hacker, une lutte sans merci parmi tous ces cyborgs humanisés. Le terrorisme hacking au sein de sa société, la république ministérielle défensive est en état d'alerte, urgence mission offensive tactique unité policière, à venir Ghost Stands Alone, quatrième et dernier épisode de la mini-série manga animée, en cours d'actualité et de mise à jour, wait and see again.
3 eme film film de l'association Michael Winner Charles Bronson, ce polar est l un de leus meilleurs films. Et dire que un an plus tard ce sera "Un justicier dans la ville"(1974) leur derniere reussite a voir!
Le premier, c'est Conan en comparaison de cette sombre bouse, d'un ennui à la hauteur du ratage de ses effets spéciaux numériques. Rien à sauver dans ce récit pourtant plus ambitieux que son prédécesseur, mais hélas nettement plus fauché...
Un bon petit western qui a de bons décors, de bons costumes et de bonnes musiques. Il allie aussi bien la comédie que l'action.
bluffant, Genialissime cet épisode 3,5 de la saga est une réussite grandiose ! chapeau bas aux genis qui ont rescusite le Grand Moff Tarkin, 22 ans après sa mort pour lui rendre son rôle! cet épisode, dont le tragique triomphe a chaque étape nous rappelle que star Wars ce n'est pas que la lutte du bien contre le mail mais également une quête insatiable envers sa propre identité.
Le film de glande de jeunes New Yorkais a été fait et refait, certes. Mais depuis les deux monstrueux The Wackness de Jonathan Levine et The We and the I de Michel Gondry, la barre a été placée très haute pour ne serait-ce qu’exister. Gimme the Loot joue pourtant la carte du classicisme, avec deux personnages, du graff, du rap et le Bronx comme personnage prépondérant, étouffant et violent. Qui plus est, le film n’a pas grand-chose à raconter et se moque très vite de son histoire principale. Mais il le fait avec une telle énergie et une telle envie de bien faire qu’on ne peut que se passionner pour les tribulations de nos deux héros, pas forcément sympathiques mais très attachants, grâce au charme de leurs interprètes, Tashiana Washington & Ty Hickson, qui sont très vite rejoints par la vraie révélation du film, l’hilarant Meeko Gattuso, en vieux caïd sur le retour, drôle et charismatique. La bande-son évite les clichés du genre tout en restant catchy et les tics auteurisants du film (image granuleuse, utilisation de différents types de vidéo, acteurs inconnus) ne sautent pas aux yeux. Ajoutez-y une fin parfaite et posez-vous la question : que demande le peuple ? Gimme the Loot est une excellente surprise, un de ces films qui frappe où on ne l’attend pas et qui fait partie de ce genre dont on se rappellera longtemps.
C'est terriblement banal et très long à regarder. Les comédiens sont assez justes mais trop terriens. On a la désagréable sensation d'avoir vu un milliard de fois cette histoire de jeunes qui se cherchent et qui ont du mal à se trouver. La réalisation d'Alain Raoust est à l'avenant, terne et sans éclat.
Nous sommes à quelque semaines de la chute de Ben Ali. Trois amis, membres d’un orchestre traditionnels, se serrent les coudes pour survivre. Moha, musicien doué mais découragé cherche désespérément de l’argent pour se payer une place sur un bateau clandestin vers Europe. Walid, beau gosse, compte sur son charme pour s’en sortir. Fathi trime dur pour obtenir un poste d’enseignant ; il est amoureux de Noura, qui travaille à la réception d’un grand hôtel. Issue de la classe moyenne et avec une formation multilingue, Noura semble mieux armée que chacun des trois garçons pour affronter la vie. Elle sera pourtant la seule d’entre eux à être, d’entrée de jeux, sensible aux arguments du printemps arabe, avant même que le suicide d’un jeune vendeur de légumes ne provoque les émeutes qui balayeront Ben Ali. En nous entraînant à la suite de chacun des trois personnages, Raja Amari nous livre bien des facettes de cette crise : le désespoir au départ silencieux des plus modestes, la corruption des fonctionnaires, le rôle moteur des classes moyennes dans le déclenchement du mouvement, l’isolement et l’incompréhension du clan Ben Ali. Comme dans tous les films de Raja Amari (bien que Printemps tunisien ait été à l’origine une commande de Arte), les hommes semblent à la remorque des femmes. C’est ici le cas de Fathi, subjugué et gentiment dominé par Noura ; c’est aussi le cas de Ben Ali lui même, que l’on aperçoit à peine et qui paraît un jouet dans les mains de son épouse…
Voilà une nouvelle fois les frères Paul, les jumaux bodybuildés de "The Barbarians", dans un nanar à la hauteur de leur talent. Si l'autodérision est de mise, cela n'excuse pas ce... cette... chose immonde qui se fait passer pour du cinéma. Et si l'on fait abstraction de quelques répliques qui font sourire, le reste s'apparente à du néant, tout simplement...
Ici commence la dégringolade. Ou comment enterrer une saga par le support-même du téléfilm qui, par ses plus faibles coûts et son écoulement massif, sonne le glas de la qualité cinématographique. Rien, sinon si peu à sauver ! Le chien est bien, oui. Mais les acteurs, non. La famille originale cède sa place à une tripotée d’amateurs qui ne délivrent aucune alchimie ni vivre-ensemble. L’apport thématique s’avère ici nul, tant l’avalanche de gags assez navrant ne débouche que sur du grand n’importe quoi. Beethoven 3 est symptomatique d’une manière de construire le récit par strates successives, les unes n’ayant aucune incidence sur les autres. Empilement, compilation, entassement, tout cela vaut pour qualifier la structure de ce blasphème qui engendra néanmoins bon nombre d’avortons d’une valeur similaire.
Les deux meilleures amies grandissent, et les idéaux et les préoccupations divergent. Un film poignant, en bonne partie grâce à l'incroyable Elle Fanning.
trés bon film à petit budget, dommage ce film et mal aime des critiques.
c'est gentillet,une belle histoire d'amitié entre un renard et une enfant,aucune surprise.
du très bon cinéma d'auteur/docu à la française. très rafraichissant. le problème c'est qu'on voit trop ce genre de film.
Wow ce film est la plus grosse claque de ma vie! Avec Kaboom, Araki signe un grand film qui mélange tous les genres: on voyage dans la comédie de sexe, ainsi que dans le film d'horreur tout en passant par le fantastique, on nage dans un gros délire auquel il est "difficile de ne pas prendre son pied" Tout d'abord, le scénario est très bien fait, on s'éclate toutes les 5 secondes, on a des répliques qui tue et qui vont restés graver dans les annales, on a, comme je l'ai dit tout à l'heure, un mélange de genre cinématographique excellent, et enfin le final sous une musique de placebo (the bitter end) est mythique! On sort de la salle époustouflé par ce film! Ensuite, les acteurs sont géniaux!!! Juno Temple vaut le détour avec son personnage de nympho qui balance des répliques cinglantes, Haley Bennett m'a trop fait rire avec certaines de ces phrases ("à part sucer une bite en écoutant du lady gaga, on ne fait pas plus pédé") et enfin Thomas Dekker est plus que génial avec son personnage totalement paumé, il est parfait, il n'y a rien à dire! Enfin, la réalisation de Gregg Araki est parfaite, on plonge tout comme les personnages dans ce délire totalement barré, la façon de réaliser le film accroit le délire, c'est comme si on avait fumé quelque chose avant d'entrer dans la salle et que l'on voit des hallucinations pendant une heure trente! On reprend connaissance qu'à la fin du film, qui est d'ailleurs ce qui nous fait sortir de ce rêve complètement barge tellement qu'elle est surprenante et haletante (je n'en dit pas plus), et on peut dire, en sortant de la salle que ce film est de "la jouissance sous toutes ces formes"! C 'est donc un film à voir et à revoir tellement qu'il est jouissif! C'est du grand art! Merci araki!!!!!
Disons en préalable que je n'ai absolument rien contre la cinéma expérimental, décalé, différent et tout ce que vous voudrez, encore faut-il que ça m'apporte quelque chose : du plaisir, de l'émotion, de l'intérêt, de la réflexion… Par ailleurs en matière de cinéma de même que dans les autres arts ce qui compte c'est le résultat et le ressenti. Peut m'importe alors les intentions, les références cachées ou non. Or qu'avons-nous ici ? Des sketches qui se traînent lamentablement, qui ne raconte pas grand-chose et se terminent en eau de boudin, la palme étant ce dialogue insipide et interminable entre Bashung et le dénommé Arno, véritable négation de ce qu'est le cinéma. Les tentatives d'humour sont d'une lourdeur pachydermique, les dialogues sont pauvres. Bref on s'ennuie, on ne s'accroche à rien. Quant aux guest-stars, ils viennent cachetonner sans conviction. Le seul petit point positif que j'ai noté c'est la photographie de Pierre Aïm qui a su magnifiquement filmer les deux actrices du film en les rendant très belles (je n'ai pas dit talentueuses) Ah, un mot sur le belle l'affiche racoleuse qui nous montre Anna Monglalis topless, alors qu'elle ne l'est pas dans le film !
Mathieu Amalric change violement de registre en très peu de temps ! Il y a encore cinq mois, on le retrouvait dans un fauteuil roulant suite à un accident vasculaire cérébral (Le Scaphandre et le papillon). La semaine dernière, il interprétait un psychologue au département des ressources humaines pour le compte d’une multinationale (La Question Humaine). Cette fois-ci, il incarne Richard O., un parisien trentenaire qui multiplie les conquêtes amoureuses à longueurs de journées. Tel un chasseur, il arpente les rues de la capitale avec son ami, à la recherche de femmes prêtent à se laisser envoûter par son charme et ses désirs. Damien Odoul réalise ici un film curieux, vide et … , on en vient même à chercher les mots, tant les adjectifs nous manquent pour arriver à qualifier ce film si bizarre et étrange ! On a du mal à voir où le réalisateur veut en venir, son film patauge dans la débauche, le sexe, les fantasmes et les pulsions, tout cela pour en arriver où ? Aucune idée ! Seul Mathieu Amalric arrive à nous tenir captiver par sa prestation plus qu’étonnante ou choquante (à vous d’en juger).
Vu sur DVD. Film qui marque durablement. Le voleur et sa femme sont remarquables. Les tableaux et la façon de filmer éblouiassants. Il parait que le film est avant tout une critique du thatcherisme, avec Spita représentant la classe dirigeante thatcherienne pillant le pays, les cuisiners représentant la classe ouvrière soumise aux puissants, les clients du Restaurant la classe élevée, complice même si elle peut se retrouver victime, et Helen Mirren symbolisant l'Angleterre, sous l'emprise de Thatcher, mais s'émancipant progressivement. Son amant, représente la Gauche, impuissante et se laissant humilier sans combattre (ses livres sont régulièrement jetés à terre par Spita). Même sans connaître cette interprétation, j'ai apprécié le film par son esthétisme et l'intensité des scènes
On reste sans voix quand on voit le résultat de la réunion de deux si grands acteurs. Le réalisateur était-il à la hauteur ?
Un bon pitch de départ et des idées sympas, mais le résultat, du grand catastrophique et du grand n'importe quoi. Bien dommage, cela aurait pu être un bon film de série B, mais là il est plus dans la série Z en dépit de bons effets spéciaux et 2-3 moments corrects. L'idée de départ n'est clairement pas assez exploitée, pas assez développé, ni assez fouillée.
On passe un moment agréable en compagnie de nos acteurs qu'on retrouve pour un deuxième volets sympathique qui certes n'est pas très abouti , et ni très bien scénarisé malheureusement .
Une histoire d’amour qui ne m'a malheureusement pas touchée. La première partie est longue et on voit leur lien s’écailler pour ensuite éclore et enfin retomber aussi sec. A force de trainer ça en longueur, leur histoire n’est plus romantique, elle est juste triste, voir destructrice. La fin du film me laisse sur un sentiment de gâchis. Enfin, bref peu pour moi.
Pour son cinquième long-métrage, Wes Anderson nous emmène en Inde à travers les pérégrinations de trois frères à la recherche de leur mère et de leur unité perdue après la mort accidentelle de leur père. Le film est un peu lent à démarrer (comme le train qui lui donne son titre) mais il s’emballe peu à peu et atteint même des sommets cinématographiques (l’enterrement du jeune garçon, le dialogue sans paroles avec la mère). La mise en scène est étonnante et revigorante, la direction d’acteurs parfaite et les comédiens épatants, Adrien Brody et Owen Wilson en tête. Le film dégage surtout l’impression d’un véritable travail familial : outre Owen Wilson déjà cité, Bill Murray, Anjelica Huston et Jason Schwartzman font déjà partie de l’univers d’Anderson. La communion d’esprit entre tous les participants de cette magnifique aventure est si parfaite qu’au générique de fin (surprenant Joe Dassin !), on n’a qu’une envie : être avec eux sur les routes indiennes…
Pas grand chose à dire sur ce film sans grand intérèt, dialogues poussifs et surjoués, scénario vraiment léger pour qu'on puisse se passionné ou être ému. Décevant.
Je soutiens Philippe Val et Charlie-Hebdo dans ce procès grandguignolesque. Spizner (l'avocat de Chirac et d'autres bandits...) est toujours d'aussi mauvaise foi.
nullissimo quoi de plus une histoire plate on s'ennuie à mourir dans ce film dialogues inaudibles
Un très beau film à l'ambiance très noire mais tellement romantique. Dur, cruel, le scénario est solide décrivant un amour fou où l'héroïne sera amenée au pire pour conquérir l'homme qu'elle aime. Une mise en scène solide, une interprétation qui ne l'est pas moins : une Emmanuelle Béart parfaite, un Harvey Keitel égal à lui-même et une belle révélation en la personne de Norman Reedus. Puissant, dérangeant.
'Au royaume des balances, le flic est roi.' Même si on comprend bien que Lumet cherche à dénoncer un système qui se mord la queue. Son film est trop long, et parfois trop lent, pour qu'on puisse vraiment s'y plonger.
Moins bon que le premier mais tout de même bien délirant sur certain passage, d'autres sont beaucoup plus chiant, mais ça reste un bon film à l'humour gras !
Point positif : la bande son qui permet de découvrir une partie du répertoire de l'excellente Nina Simone. Il y a un film autour... vraiment... ah bon... ? Rien remarqué !
Ann est une femme comme les autres, bien sous tous rapports, jusqu’à ce qu’elle chamboule toute sa vie, du jour au lendemain, lorsqu’elle découvre son mari embrasser une autre femme. Si l’interprétation d’Isabelle Huppert est parfaite (l’incarnation de la solitude), le film en lui même séduit beaucoup moins, dû à la mise en scène trop amorphe et lassante.
Le scénario est ici aussi mauvais que la réalisation est visuellement bien foutue. Le principal défaut de ce film donc réside dans son écriture totalement décousue. Dès le moment où il tourne au slasher, il présente un trou énorme dans son scénario. (Spoilers) Si le spectateur sait où habitent les personnages, ce n'est pas le cas du tueur, et pourtant... Et ce n'est qu'une de ses très nombreuses improbabilités parmi tout un tas d'incohérences. Également, certains dialogues m'ont parus très forcés à cause du jeu assez mauvais d'un certain nombre d'acteurs. Cependant, même si l'escapade des ados jure un peu avec le reste du film, j'ai trouvé l'ambiance générale et la réalisation franchement flippante. Les décors sont bien trouvés et bien exploités, le gore et l'angoisse se marient parfaitement bien au travers de plans visuellement très recherchés. Le travail fait sur le tueur dans les deux parties du film est vraiment réussi et la musique contribue à créer et ponctuer un climat d'angoisse parfois insoutenable. Pour peu que l'on fasse abstraction du scénario, le film remplit son rôle qui est de faire peur, mais quand même, la forme prime franchement sur le fond et c'est très regrettable.
beaucoup moin bien que le premier qui ma fait beaucoup plus rire
prétentieux et ampoulé, des tas de scènes qui se voudraient émouvantes se révèlent ridicules, certaines fois les enchainements sont tellement mauvais qu'on se demande si l'on a pas oublié une bobine. Jusqu'au casting qui est mauvais, comment un couple comme celui qui est décrit, physiquement du genre force de la nature, peut avoir une fille de 18 ans d'un modèle tanagra, on lui en donne 12 ans ! la bande annonce, très sympathique est vraiment trompeuse...
Un scénario mal écrit pour un telefilm mal foutu, aux ressorts totalement grippés.
C'est long, inutile, et les acteurs ne servent à rien. Une perte de vie.
La lecture de ce pitch sans originalité nous faisait nous demander à quel humour fonctionnerait cet énième road trip: Celle des teen-movies venant généralement des studios d'Appatow ou celle des comédies nordiques? Eh bien, la réponse est simple puisqu'il n'y a absolument rien de drôle dans ce film! Si l'on peut trouver les personnages attachants, leurs mésaventures au cœur de décors enneigés ne servent qu'à accumuler des situations toutes aussi ridicules les unes que les autres.
Une bien mauvaise suite du film èrotique soft "9 semaines 1/2" interprètè par un Mickey Rourke tristement bouffi et vieilli!Agathe de la Fontaine n'est pas du tout crèdible et le film est surtout regardable pour la beautè d'Angie Everhart et la petite apparition de Sami Nacèri en voyou!A èviter...
Un film prenant de bout en bout, tragique et montre les pièges du nationalisme sans pour autant tomber dans les clichés, et reste tellement vrai
C'est un excellent thriller mêlant intelligemment la psychologie, l'action et l'humour. Le suspens maintient en haleine comme il faut. C'est incompréhensible ces mauvaises critiques, vraiment blasées et aigries. En tout cas, moi j'ai bien profité de ce film très bien foutu.
Suite à la critique de David B., je pense que vous devriez revoir ce film, car beaucoup de choses ont dû vous échapper. Dommage qu'un territoire qui ne vous plaise pas puisse d'ambler provoquer une réaction aussi négative de votre part.
Pour moi un polar noir doit être nerveux et tendu mais je n'ai pas ressenti de telles choses en regardant Nightfall bien que le scénario soit astucieux et les comédiens très bons mais la mise en scène de Tourneur est trop calme à mon goût. Cependant Nightfall est loin d'être mauvais.
Un budget conséquent a permis à Fassbinder en 1978 de s’offrir une star internationale pour tête d’affiche, l’excellent Dirk Bogarde, viscéralement habité par le personnage ambigu qu’il interprète, de recréer avec faste l’atmosphère trouble qui régnait dans l’Allemagne du début des années trente et de mettre en image cette histoire tirée d’une œuvre de Vladimir Nabokov dont l’adaptation est signée par le dramaturge Tom Stoppard. Sélectionné pour le Festival de Cannes et reparti sans prix, ce film n’avait pas suscité en son temps un enthousiasme délirant. L’ambiance qui s’en dégage, en dépit de quelques moments d’humour sarcastique, confine la plupart du temps à la monotonie voire à l’oppression du fait du peu de lisibilité du déroulement du récit en général et de l’évolution psychologique de son personnage principal, le doublement bien nommé Hermann Hermann. Très théâtral dans sa forme (ici, cela devient un défaut), trop opaque dans son fond, « Despair » ne convainc pas vraiment et on s’attarde davantage à contempler la complexité et la virtuosité du travail du metteur en scène plutôt qu’à s’intéresser à cette histoire tortueuse qui se conclut dans la banalité.
"Je m'appelle David Wong. Un jour, j'ai vu un rein muni de tentacules s'arracher du dos d'un type et se carapater sur le lino de ma cuisine. Mais c'est une autre histoire..." Dès la géniale scène d'introduction magiquement absurde, le ton est donné, le film de Don Coscarelli est un trip complètement délirant où vous pourrez croiser à tout moment des esprits, des zombies, des limaces voraces, un chien qui conduit, une dimension parallèle, une créature-charcuterie et même une moustache volante tueuse (si, si !) parmi tant d'autres choses. D'une inventivité folle qui compense son manque évident de budget, "John dies at the end" est aussi un régal niveau dialogues, le nombre de punchlines débité à la seconde est tout bonnement hallucinant, pas vu mieux depuis "Detention" à ce niveau. On retrouve d'ailleurs dans ces deux films, la même volonté jusqu'au-boutiste d'exploiter à fond leurs idées les plus farfelues mais toujours dans un tout étonnamment cohérent malgré l'absurdité assumée du propos. Forcément, tout le monde n'adhérera pas, le genre de trip comico-horrifique qui ne peut que diviser mais ceux qui monteront dans le train en auront pour leur argent. Un OFNI drôle et brillant qui ne ressemble à rien d'autre !