CATIE-AQ/allocine_clean huggingface dataset:
Un film d’épouvante totalement prévisible, qui au lieu de nous suggérer un mystère, nous annonce directement le pourquoi du comment avec une mise en scène ressemblant au film d’horreur sans vraiment y réussir. Ce que l’on peut reprocher au film, c’est de ne jamais approfondir l’idée, rien que la durée est trop courte pour nous plonger dans cet univers, les plans qui sont censés nous faire peur sont « contredit » par le fait que l’on sait très bien ce qui se passe, même la musique rendant mal à l’aise, typique au genre horrifique, aurai pu être plus insistante. D’une humeur générale, c’est un semblant de film d’horreur qui aurai dû être plus approfondie, bien que l’on reconnaît la qualité du jeu d’acteur de l’enfant, ainsi que le réalisme de la poupée.
Une ode à l'esprit de mea culpa qui émaille la politique française depuis quelques années, avec toutes ses incohérences, caricatures et grossières approximations historiques... insupportable.
un ovni,un de mes films préférés , déjà que j'étais fan de l'émission strip tease ce film m'a fait un gros boom dans la tete , les acteurs sont criants de vérités c'est complètement décalés les personnages sont fan de Roy Orbison y a que des scènes cultes
Certainement le film le plus charmant depuis la mort aux trousses d'Hitchcock. Sans faire de bruit, ce film a marqué à jamais ceux qui l'ont vu : tout y est léger, fin, subtile à commencer par l'humour qui nous change des grossièretés américaines habituelles ou des pantalonnades françaises. On sort de ce film réconcilié un instant avec l'humanité. Oublié, il n'a malheureusement jamais été édité en DVD. C'est triste pour ceux qui ne l'ont pas vu et pour ceux qui ne le verront jamais...
Ce film est grandiose, j'ai pus le voir en 3D. Magnifique. A voir en urgence
Très largement considéré comme le meilleur film de propagande de tous les temps (voire, pour certains, le meilleur film tout court), "Le Cuirassé Potemkine" évoque la révolution de 1905, et en profite pour célébrer les idéologies soviétiques. Ainsi, on ne suit pas un protagoniste, mais une foule de marins ou de badauds effectuant une lutte des classes. Le seul personnage qui se détache du lot est un héros stakhanoviste qui initie le mouvement sans le diriger. Cependant, ce ne sont pas ces idées très primaires qui en font un grand film, mais sa forme. Avec son montage percutant et ultra-rythmé pour l'époque, Eisenstein révolutionna le cinéma. Allié avec des images poignantes et vives (notamment une violence graphique intense pour les 20's), cet ensemble s'avère très prenant, et parvient avec aisance à faire épouser au spectateur la cause de cette masse en révolte. Goebbels aurait d'ailleurs déclaré que "quiconque n'ayant pas de conviction politique pourrait devenir bolchévique en voyant ce film". Enfin, signalons des scènes emblématiques et très modernes de par leur mise en scène, avec le célèbre massacre sur les marches d'Odessa (qui n'a jamais eu lieu dans la réalité), et en particulier la séquence du landau, parodiée ou référencées à de multiples reprises. Un grand classique.
Acheté compulsivement car la jaquette était fort attirante (un gars avec une tronçonneuse en guise de main sur fond de pleine lune et avec un titre détonnant, yak!). Mais il faut bien dire que le résultat final est fort décevant. "Une love story sur fond de tronçonneuse" qu'ils disent les petits gars du marketing. Si la love story est bien présente, avec tous les bons gros clichés qui vont avec, la tronçonneuse, elle - je veux dire celle qui tranche et qui fait bien mal - se fait bien timide. Vous l'aurez compris, rien de gore ne vient entacher la pelloche. Les quelques scènes de fight (tant attendues) sont assez inégalement chorégraphiées (on appréciera quand même le combat à la piscine) et surtout ne semblent pas intéressées plus que ça le réal qui se contente de les torcher en un temps record, sans grande innovation et sans grande maitrise, quand elles ne sont pas clairement et simplement ellipsées. Vraiment frustrant comme procédé. Et comble du comble, il manque à tout cela un vrai bon scénario. Dommage.
Sublime! Comme bon nombre de grands cinéastes, pour son passage à la couleur Jean Renoir nous offre une explosion de teintes nuancées à la perfection et dignes de son père! Sa maîtrise des coloris est absolument étourdissante, rarement on aura vu photographie aussi subtile et éblouissante à la fois en matière de Technicolor. D'autant plus quand on sait que Renoir travaillait sur des rushes en noir et blanc, vu qu'il tournait en Inde et que le développement s'effectuait au Royaume-Uni! Vraiment «Le Fleuve» est la manifestation évidente de son génie retrouvé après plusieurs années d'hésitation (et un passage par Hollywood). Tous les éléments de ce film, chaque portion de l'image, chaque note jouée (que ce soit de la musique classique ou indienne), chaque geste, chaque séquence filmée est un véritable régal, d'autant plus que le scénario s'avère être d'une inestimable richesse, démultiplié par les nombreux personnages à la psychologie fouillée. «Le Fleuve» fonctionne comme parcours initiatique, comme méditation philosophique et métaphysique, comme allégorie (mythologique ou non, à l'image de ce Pâris détenteur de la fameuse pomme de discorde), ou plus simplement comme un magnifique drame. C'est aussi la rencontre de Jean Renoir et de l'Inde, pays fascinant et complexe dont il est l'un des rares cinéastes à avoir su comprendre l'âme (on est bien loin des clichés habituels et autres couleurs saturées à l'extrême). Esthétique parfaite, excellents interprètes, scénario en or massif,... Renoir retrouve les sommets qu'il avait atteint un peu plus de 10 ans auparavant, la couleur en plus et cette fois-ci avec l'anglais comme langue d'expression. À tous les amoureux du meilleur du cinéma français et de l'Inde je ne peux que recommander vivement ce grand chef-d'oeuvre qu'est «Le Fleuve»! À voir absolument! [4/4] http://artetpoiesis.blogspot.fr/
"Voulez-vous un bèbè nobel ? " c'est l'histoire improbable d'un affairiste, persuadè, qu'il pourrait commercialiser le sperme de personnalitès sèlectionnèes...Dans la grande tradition ringarde, Robert Pouret signe son plus mauvais film (les autres n'ètant pas non plus d'un grand niveau). Scènario: affligeant! Photo: laide! Mise en scène: mauvaise! Jean-Pierre Marielle: absent! Que retenir d'un tel film si ce n'est ces deux ingènieurs filous qui fondent une sorte d'institution de fècondation, devenant même par la suite un sponsor pour le cyclisme! On rit une, voir deux fois, par rèflexe conditionnè et surtout à cause de Darry Cowl qui essaye d'amuser la galerie avec son chimpanzè! Mais que c'est difficile...
C'est le fim précédent de ‘’L’auberge du dragon’’ de Tsui Hark de 1992. Son vrai titre étant ‘’Dragon gate in’’. C’est une déception par rapport aux nombreux films de sabre de l’époque, le scénario étant en plus totalement inexistant puisqu’il n’est que le prétexte à des combats mal filmés et ne sachant jamais se situer entre réalisme et chorégraphie. Pour ceux qui ne connaissent pas les films de sabre cela peut à la rigueur passer mais pour les autres mieux vaut passer son chemin.
Kickboxer 4 est comme les précédents films, un navet. La mise en scène de Albert Pyun est à revoir, les acteurs comme Sasha Mitchell, Kamel Krifa ou encore Jill Pierce ne sont pas convaincants dans leurs rôles, le film n’est pas intéressant et n’a aucun intérêt etc…
La réalisatrice a souhaité raconter cette histoire vraie dans ce film. C'est vraiment bien foutu et bien divertissant. Aucun risque d'ennui et de jolies filles à regarder indéniablement. Ces stripteaseuses ont pris leur revanche sur les financiers dégoûtants de Wall Street et elles ont bien eu raison.
Loin du naufrage annoncé, on a un film qui se laisse regarder et donne les réponses qu'on attendait sur la jeunesse du premier héros de Star Wars. On passe un bon moment et c'est tout ce qui compte. De plus, je trouve qu'on se rapproche de plus en plus de l'ambiance simple des SW d'origine et c'est tant mieux.
C'est avec ce genre de film que l'orient peut détrôner cinématographiquement Hollywood, qui ne produit plus des films, certes avec un haut niveau d'effets spéciaux, mais avec des contenus scénaristiques très faibles... Il y a un manque d'inspiration chez les Américains, qui vont se faire "manger" par un cinéma dynamique, joli, avec des histoires, une sensibilité, mais aussi, une certaine pudeur qui apportent un nouveau souffle, pour le plus grand plaisir de nos yeux, mais surtout, de nos esprits !!!!
Un film qui ne laisse pas indifférent avec un bon concept de départ...les acteurs ne jouent pas faux..j'ai tout de même une preference pour l'acteur jouant le rôle de Bruno Klement qui l'interprète divinement bien..Cependant je trouve l'idée du synopsis pas assez développé c'est-à-dire le dilemme entre continuer une vie de couple parsemée de difficultés ou retourner à la vie d'avant sans la personne qu'on aime...Mais bon, surement qu'il n'en fallait pas plus...A vrai dire c'est un bon moment passé en compagnie de ce film..belle réussite
La première partie est intéressante même si elle ressasse lamentablement les astuces grandioses des « Neuf Reines » et de « La Prisonnière Espagnole ». Après ça se gâte sérieusement avec fusillades et coups de théâtre mous de la carte, et l’arrivée de Stallone n’arrange rien. Pas plus glorieux qu’une paire de 2…
En adaptant le roman éponyme de Drieu La Rochelle (1931), Louis Malle change quelques éléments : l'alcool remplace la drogue en matière d'addiction ; l'actualité des années 1960 affleure ici et là. Mais l'essence du roman est bien transposée : dépression latente, de plus en plus accablante, misanthropie et solitude mélancoliques, sables mouvants d'une réalité médiocre qui engloutit peu à peu tout espoir, tableau sans concession d'une inaptitude à vivre avec soi-même, avec les autres... Le portrait du personnage principal, bourgeois intello plus ou moins oisif, est certes peu aimable, mais il touche profondément par sa noirceur. La composition de Maurice Ronet est mémorable. Louis Malle tourne autour de lui, de son personnage qui titube deux heures durant au bord de l'abîme, avec un mélange de respect trop littéraire (voix off, dialogues très écrits) et de stylisation inspirée. Pour la poétique des gestes et des sons, il se souvient manifestement de son expérience aux côtés de Robert Bresson (dont il fut l'assistant sur le tournage d'Un condamné à mort s'est échappé, 1956). La mise en scène est précise et fluide. Les gros plans sont oppressants. Le noir et blanc fait superbement suinter la tristesse poisseuse du récit. Et les Gymnopédies d'Erik Satie finissent par achever la bête. Lentement. Doucement. Fatalement.
Une pantalonnade hospitalière sans fin devant laquelle, rire ou même sourire m'est totalement impossible. Richard Pryor, présent dans chaque plan, s'enfonce, rame, se noie dans une très mauvaise imitation d'Eddy Murphy.
Difficile de suivre le film jusqu'au bout tant le scenario est leger, les scenes de combat repetitives et frisant souvent le ridicule et les dialogues d'une pauvrete absolue. Heureusement et helas peut etre, Maggie Q est superbement belle et on se demande ce qu'elle vient faire dans ce "petit" film.
très drôle en ce registre Isabelle Carré, son charisme va bien avec le personnage et c'est pour être détendu tout le long. C'est complètement centrée sur l'actrice, ce qu'elle fait, ce qu'elle fait croire, ses temps d'hésitation et ses jeux de séduction. Un film comme on en voit peu et pour moi, il ne ressemble pas aux autres! de se regarder, elle doit trop en rire!
Suite quelque peu inutile où Steven Soderbergh laisse (intelligemment) sa place à Gregory Jacobs et où Channing Tatum reprend pour la seconde fois le rôle de Mike Lane alias « Magic Mike » . Pour info, il ètait parti de son plein grè, il y a trois ans! Pourtant le revoilà mesdemoiselles, la piste est toute à lui! Cette suite n'est pas un film sur la danse mais plutôt un film sur les danseurs ou chaque homme essaye de trouver sa place dans le monde et de savoir ce qu'il va faire après en essayant de prendre sa vie en main! On suit ces stripteaseurs bodybuldès sur la route, dans des points(ne pas ratez le show d'anthologie de l'excellent Joe Manganiello dans la boutique de la station service)puis sur scène avec des shows qui raviront la gente fèminine! C'est parfois drôle mais moins ambitieux sur le papier! De plus, ça s'ètire un peu trop dans les discussions avec des passages inutiles comme la scène de la plage ou celle avec avec les quatre femmes d'âge mûr! Espèrons que Channing Tatum ne dansera pas une troisième fois sinon l'addition risque d'être salè...
Un film poignant et tellement réaliste que ça en est vite très effrayant et que c'est dur de prendre du recul devant . L'acteur principal est vraiment très crédible et bien que paraissant assez insensible devient rapidement attachant . La manière dont les images défilent sous nos yeux rappelle évidemment "pusher" , avec une tension permanente , des silences mal à l'aise , des scènes chocs plus ou moins prévisibles , une descente aux enfers . J'ai pris une claque
une nullité absolue, j'ai arrété le dvd au bout d'une demie heure tant tout était débile le sommun étant les effet spéciaux.a éviter
Captain Fantastic, dont certaines séquences promettent déjà de devenir cultes, s’impose à nos yeux comme un grain de folie, prônant l’important pouvoir de l’éducation, la perpétuelle remise en question des valeurs humaines élémentaires, la marginalité, et l’indépendance des convictions et de la pensée. Divertissant, tonifiant et intelligent : du grand cinéma indé, que l’on aurait bien tort de snober, tant il revigore et fait du bien !
Elijah wood a une bonne frimousse mais encore une fois manque de personnalité! Le film lui est..tout juste passable a cause d'une mise en scène maladroite et vieillote
Immense classique du cinèma français, ce film romantique est l'une des meilleures oeuvres de Jacques Becker dont l'influence de Renoir transparait nettement dans cette èvocation lyrique et sensuelle de la vie populaire de Paris de la « Belle Epoque » contrèe sur une excellente histoire d'amour! Le concept de noblesse dans un milieu donnè a permis une intelligente variation à Becker pour ce film, que suivra un autre grand classique,"Touchez pas au grisbi", qu'on ne prèsente plus! Reconstitution soignèe et rigoureuse du Paris d'avant 1914 servant de cadre à l'histoire vèridique d'un ouvrier, amoureux d'une prostituèe (« Casque d'Or »), puis son assassin,avant d'aboutir à l'èchafaud!Prestation grandiose de Simone Signoret qui fit chavirer tous les coeurs et dont la beautè faisait perdre la tête- et la vie -à Serge Reggiani! Si la musique de la plupart des films de l'èpoque se situe au niveau de la chansonnette, il n'en va pas de même pour cette oeuvre de très haute qualitè qui doit beaucoup à Georges Van Parys! Un must d'une beautè plastique ètonnante où l'on n'oubliera pas de sitôt le bonheur de ces amants au bord de la Marne...
De bons acteurs mais un Michael Redgrave ne livrant pas non plus une prestation marquante en père voulant sauvé son fils de la peine capitale, un scénario pas mauvais mais sans réelles surprise (bien que je ne m'attendais pas du tout à ce dénouement) Temps sans pitié peine à nous emballer de plus Joseph Losey semble peu inspiré dans sa mise en scène presque fade.
Howard, the duck est tout simplement la comédie la plus bandante que j'ai vu cette année ! Son ambiance résolument années 80 la rend immédiatement sympathique (ah, ces junkies violeurs fumeurs de ganja, ah, ces motardes surnommées Satan's sluts...), et la tendre naïveté du récit crée un cocktail excellent avec ses thèmes ouvertement incorrects (ce film est un des plus beaux éloges à la zoophilie que j'ai vu). Tant de délire totalement assumé (l'intro est une merveille de mise en abîme de la culture américaine), de morceaux de bravoures (le méchant professeur possédé aurait bien mérité d'être la vedette d'un film de Carpenter) et de scènes jouissives (le dénouement dantesque, l'épilogue rock'n roll...) sont autant d'arguments de poids pour apâter les nostalgiques de Qui veut la peau de Roger Rabbit. Si certaines scènes du film sont toutefois un peu longuettes, ce nouveau super héros a de quoi plaire (j'ai pas mal pensé, je ne sais pas pourquoi, à Austin Powers). A voir bien sûr en VF, les dialogues se révélant particulièrement savoureux. Une jouissance plein pot pendant une heure trois quart !
J'ai adoré! Un très bon remake du film poussiéreux de 1963. Dommage que les effets-spéciaux soient mauvais, c'est le seul point négatif.
La nature est fondamentale et il faut parfois sortir des sentiers battus, parceque là ou est le "populo" il n'y aura déception: Voilà en gros la morale de ce film au ton dogma, charmant et à voir comme une pub Stimorol.
Un film bien pauvre scénaristiquement. Le casting ridicule (Chris Brown, T.I et compagnie...) nous fait plus penser à un téléfilm qu'à un film de cinéma.
Un téléfilm directement sorti en vidéo, vaguement sur fond de pilote disparu au cours de la Seconde Guerre mondiale (les scènes de combats aériens réalisés dans Flight Simulator sont bluffantes... si vous avez une mauvaise vue). Bon, en fait, ça n'est pas le sujet. Il s'agit juste d'une histoire à quatre sous paramétrée pour occuper 1h26 sur une chaîne ciblée ménagère désœuvrée... Le casting n'est pas trop mauvais, surtout si vous aimez les inconnus, avec pour têtes d'affiche deux routiniers des soaps : Brooke Langton (Melrose Place) et Colin Egglesfield (La force du destin) ; le doublage est digne des meilleurs parodies (voix nasillardes et décalées). Quand on sait que cette production a été élue meilleur film dans 3 festivals de seconde zone, on se demande à quoi pouvaient ressembler les autres...
Courageous ou quand le cinéma américain sert de propagande à un Pasteur de l'église Baptiste. Du coup, non Monsieur le Pasteur Kendrick, je n'ai pas aimé votre film. Je vous accorde 1 étoile pour la qualité de vos images, et je réserve ce film pour les croyants pratiquants intégristes...
"Fièvre à Columbus University" est une sorte de drame contemporain sur l'Amèrique d'aujourd'hui qui se voile la face! John Singleton n'avait que 23 lorsqu'il fut citè à l'Oscar pour "Boyz'n the Hood"! Fidèle à l'esprit militant de ce premier long-mètrage, il passe au microscope le campus d'une universitè fictive dans laquelle il a rèuni un panel de personnages reprèsentatifs! Fille à papa dèsargentèe, athlète noir qui tente de s'en tirer grâce à ses dons pour la course à pied et shinheads habitès par la haine sont montrès sans concessions! Pour mener à bien son oeuvre de dènonciation, il s'est entourè de jeunes comèdiens prometteurs! Parmi eux , on reconnait le rappeur Ice Cube, la superbe Jennifer Connelly et Kristen Swanson! Malheureusement tous les personnages sont stèrèotypès et le film accumule tous les dèfauts du genre! A dèfaut d'être moyen, "Fièvre à Columbus University" se laisse voir...
J'hallucine. Je ne sais pas si les gens qui ont aimé ce film méritent de vivre. ^^ Si ça, c'est un bon moment de cinéma, ils doivent être les personnes les plus chiantes de l'univers. Je les imagine entre elles, avec leurs écharpes autour du cou et leur lunettes commenter ce plan rempli d'art. Oui, les deux acteurs ont une bonne tête, oui les paysages sont beaux mais 2 heures devant un film de marche et 3 minutes de dialogue, non vraiment, c'est pour se faire mousser qu'on annonce aimer un tel film. C'est mon ouverture d'esprit que j'ai perdu dans ce désert !
« Fin août, début septembre » raconte avec intelligence et délicatesse (la relation sado maso, un peu cheveu sur la soupe) la difficulté d’abandonner la manière dont la vie se vit à vingt ans, la trentaine passée. Choisissant des personnages typiques et bien intello-bobos, l’écueil de la caricature est évité grâce à des dialogues à la fois justes sans être démonstratifs. Le quatuor central (Amalric, Ledoyen, Cluzet et Balibar) y sont pour beaucoup, par la grâce d’une retenue qui n’exclue pas la présence, bien au contraire. Ca se gâte sérieusement lorsque en voulant accorder la forme et le fond, le cinéaste prend le parti de la proximité réaliste. Avec du grain gros comme des pastilles, des couleurs grisées-laides et une photographie tressautante qui habille une succession de gros plans et de plans américains, la pellicule est juste hideuse et parfois illisible. En ce qui concerne le style réaliste, remarquons que dans la vie, les couleurs du Paris des bobos où se déroule l’action n’a jamais cette laideur et, vous je ne sais pas, mais moi je ne vis pas en permanence avec des gens en gros plans et je ne passe pas ma vie à tressauter. Ce parti pris masque une lamentable absence de qualités techniques, qui massacre ce scénario pourtant très habile, écrit par d’Olivier Ayassas lui-même. Comme c’est un ancien des « Cahiers », une partie des critiques a encensé ce film ainsi que les critiques new-yorkais bobos (pardon pour le pléonasme).
Pauvre Dumas qui doit se retourner dans sa tombe... Quand on a la chance de posséder les romans de l'auteur, comment peut on inventer des scénarios aussi insipides ? La présence de Depardieu ne suffit pas à remonter le niveau.
Bon alors deja pour commencer et étonnement il est mieux que le 1er , bcp plus d' attaque de requins.maintenant ça reste un nanar, les acteurs sont des caricatures et jouent très mal.et les requins dans tout ça? Génial d' entendre des requins rugir, bon c est surement parce qu ils sont en plastique :-)
Quelle arnaque ce film ! Copiant sur les standards d'hollywood , ce blockbuster "made in china" ne mérite le détour que par son action et ces vols planés d'avions. Les explosions "en veux tu en voila" sont maitrisées, mais hors mis ce détail, tout est attendu et au final assez creux. J'allais dire que fait bruce willis dans ce nanard ? le coté financier surement ..... une ode propagandiste à la chine. à oublier très vite pour ma part ....
Absolument navrant qui me fait hésiter entre 0,5 et 1 étoile. "Dead fish" s’est voulu être plus ou moins une parodie déjantée de tueurs à gages, et ce n’est pas la prestation pour une fois à peu près sage mais toujours appliquée de Gary Oldman qui y change quelque chose. Bon allez, c’est décidé, rien que pour lui je mets 1 étoile, d’autant plus que le casting est pour ainsi dire le seul véritable aspect intéressant du film, puisque Robert Carlyle, Terence Stamp, et Billy Zane sont de la partie. La mise en scène souffre de manque d’imagination et ne crédibilise pas pour deux sous le déroulé de l’histoire. Film à éviter ou à oublier, mais que je prendrai soin de ne pas oublier à l'éviter.
Avec ce nouvel opus, on atteint des sommets en matière de beaufitude, après un premier volet en 2006 et un carton au box office (plus de 6 millions d'entrées), Fabien Onteniente & Franck Dubosc (scénaristes) récidivent avec un nouvel opus, toujours dans le même camping, avec les mêmes acteurs et la même trame (un étranger fait son apparition au sein du camping, il sera vite recueilli par l'amuseur de service). Il y a 4 ans, c'était Gérard Lanvin qui avait eu la lourde tâche d'interpréter l'intrus qui déteste le camping, cette fois-ci c'est Richard Anconina qui s'en charge (on ne l'avait plus revu au cinéma depuis 2007). Bref, comme vous l'aurez remarqué, niveau scénario, c'est la facilité qui prime, on prend les mêmes ingrédients qu'en 2006 et on les réutilise en changeant deux ou trois choses et en intégrant une ou deux petites idées (déjà maintes fois vues et revues, notamment la décision de vendre le camping et la rébellion des campeurs qui s'en suit). Camping 2 (2010) est la comédie à laquelle on s'attendait, prévisible tant au niveau des clichés, des stéréotypes, des situations que des répliques. Loin d'être drôle, bien au contraire, le film lasse très rapidement, passées les premières vingt minutes (et encore !).