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Grosse déception ! Je me faisais une joie de revoir Kate Winslet que j'aime beaucoup. Mais là,je me dis :que fait elle dans cette galère ! Le film est interminable, les dialogues d'une grande pauvreté. Seul point positif, la beauté des paysages.
Un peu long et niais par moment.
La Dame de Fer... M. Thatcher a été une figure de la Grande-Bretagne, elle a été celle qui a changé les choses, elle a été celle qui restera gravée dans l'histoire, vu qu'elle a été la première femme au pouvoir d'un territoire aussi grand. Malheureusement, "La Dame de Fer" a un autre visage dans ce film, le visage d'une femme gaga et aigris. Aucune action, au suspense, aucune envie de rester jusqu'à la fin ...
Voilà un documentaire qui révèle peut-être le meilleur de l’être humain, ce don à soi-même de la vie, qui est un vouloir « se » vivre ; une découverte essentielle, rendue possible par un regard intérieur, intense et profond, qui donne à voir et ressentir la vulnérabilité et la douleur d’être. Ici, ni « gourou », ni même hypnotiseur, ou psychologue rassurant ; aucune tentative d’échapper à la Vérité, en mettant en place une solution d’évitement et de contournement de la souffrance. La quête de l’Identité, bien-sûr nécessaire, authentique et courageuse, devient exemplaire : nous assistons à une auto-analyse, en présence d’une caméra, qui se trouve remplacer la conscience prêtée de l’analyste. Le « héros » de ce film, qui aurait pu en rester aux succès spectaculaires de son entreprise et à la superficialité du « beau monde » dans lequel il vit, demeure humain, parce que sa blessure intérieure, qu’il ne méconnaît justement pas, le rend précisément modeste. Non ce film n’est pas une apologie de la réussite. C’est tout le contraire. La pulsion de vie l’emporte finalement, même si ce qu’il apprend est, selon ses mots mêmes, « atroce ». C’est un « héros » sage, qui ne va pas au-devant de l’échec et la lettre qu’il écrit m’apparaît, peut-être moins destinée à la mère biologique, qu’à la Providence, une transcendance, disons « Dieu ». Il va pouvoir embrasser la vie, car il s’est guéri, en replongeant le nouveau-né qu’il fût dans la vérité de sa naissance. Un beau film émouvant, à voir et méditer.
Ce qui aurait pu devenir un film drôle, méchant et cynique, débouche au final sur du grand n'importe quoi. On en ressort frustré. Une bonne idée mal exploitée. Vraiment dommage. J'aurais dû écouter son titre : m'enfuir à toutes jambes !
Dans ce 2eme opus, Rambo est cet fois ci renvoyé au Vietnam pour libérer des prisonniers américains détenuent dans un camp militaire. Le 2eme Rambo est tout simplement un pur film d'action avec des scénes d'action explosives qui surpassent celles du premier volet. Trop bon.
Malgré quelques idées intéressantes ce film ne restera pas dans les annales du cinéma italien.Un scénario décousu une réalisation approximative et une interpretation vraiment limite n'en font qu'un produit bis assez bas de gamme à réserver aux amateurs du genre.
Même si le scénario est un peu tiré par les cheveux, on rit devant cette satire de la pornographie dans les années 70, alors en plein essor. En fait une histoire qui se devait intellectuelle ( "Le miroir de l'âme" !) est transformé en un film X pour les besoins d'un réalisateur cupide et sans morale Bob Morlock (Jean Pierre Marielle excellent ici). On retrouve avec plaisir de jeunes comédiens en début de carrière : Gérard Jugnot, Michel, Blanc, Sabine Azéma... On note des messages intéressants sur la nullité du cinéma porno, mais toujours traités avec beaucoup d'humour. Pierre Richard et Miou Miou forme un duo convaincant, et qui s'aime, contrastant avec la vulgarité obscène des gros plans de sexe et d'amas de viandes que veut tourner Morlock. En somme, Georges Lautner réussit ici une comédie drôle et humaine, en abordant un sujet qui en est tout son contraire.
Au-delà de l'idée et de la réalisation du film, incontestablement originales, au-delà de l'horreur de Watkins pour le cinéma formaté, que je partage pleinement, le contenu de «La commune» (1999) n'a pas suscité mon adhésion. Écouter, plus de cinq heures durant (version longue), des militants de gauche, des chômeurs, des sans-papiers, des intermittents du spectacle, hurler des slogans simplistes, sous prétexte d'une évocation, finalement assez partiale, d'un épisode tragique de l'histoire de France, s'avère à la longue assez lassant! D'autant plus que le point de vue des adversaires est systématiquement caricaturé. Certes, la répression de la Commune décidée par Thiers fut odieuse et ne compte certainement pas parmi les faits d'armes les plus glorieux de l'armée française. Mais le film convainc pourtant que les germes de l'échec sanglant étaient décidément contenus dans les prémisses mêmes de l'aventure. Celle-ci ne pouvait que mal se terminer! L'idée de Watkins de transformer le plateau de tournage en un lieu de débat politique était certes bonne, mais, tant qu'à faire, il aurait dû avoir le courage d'aller jusqu'au bout en engageant des gens capables de faire valoir sérieusement un point de vue en contradiction avec le sien et celui des communards. On aurait dans ce cas assisté à une véritable confrontation d'idées, capable de nourrir une vraie réflexion, alors qu'ici l'entreprise vire à l'autocélébration communarde, voire à la propagande manipulatrice, ce qui est un comble! Très décevant!
Après quelques années passées chez les Yakuzas, Kôji Wakamatsu décide de quitter le monde des gangsters pour se lancer dans le cinéma. Avec Quand l'embryon part braconner (1966), il réunit dans un petit appartement un homme et une femme. Cet homme est célibataire, sa femme l’a quitté car elle souhaite élever un enfant, ce que lui refuse catégoriquement. D’apparence calme, il va pourtant s’avérer être d’une nature très violente, aux pulsions sadiques et malsaines, ses fantasmes rejaillissent entre haine et dégoût. Il séquestre sa partenaire d’un soir et la torture à coups de fouet, avant que celle-ci, dans un moment désespéré, ne se venge de tout le mal qu’il lui a fait endurer. S’il y a bien une histoire logique derrière toute cette violence gratuite envers cette femme qui n’a rien demandé, on peut se demander où est l’intérêt de réaliser un tel film. Qu’y a t’il à comprendre ? Car très franchement, il n’y a rien, aucune réflexion, aucune remise en question, aucune analyse, bref, une heure quinze de torture en huis clos, pour au final, un amer goût d’incompréhension … . Par contre, l’interdiction aux moins de 18 ans est légèrement abusive, sachant qu’il s’agit d’un film des années 60 et que la censure au japon est très présente, on n’a pas à faire ici à un film d’une extrême violence au point d’être vomitif.
un flic bourré qui renverse un enfant en vélo ....et ment lors de l'arrivée des secours, le scénario assez mince qui se laisse regarder d'un oeil même si il y a quelques longueurs , sans rebondissement sans réel suspens , on attend une explication et ben non , y'en aura pas, à noter la fin totalement bâclée et la présence de melissa georges , excellente dans triangle
Je suis quelque peu médusé par les notes dithyrambiques attribuées à cette pâle copie de Rocky premier du nom (à la note inférieure, un comble !). Tous les ingrédients sont réunis mais les cuisiniers ont raté l'entrée, le plat et le dessert. Et commençons par l'acteur principal, Michael B. Jordan, musclé mais sans grand charisme, impossible d'éprouver une once d'empathie ou de sympathie pour lui. Et puis son histoire d'amour, car il en faut une, sans intérêt mais à laquelle on rajoute un petit handicap- la jolie demoiselle va devenir sourde -histoire d'attendrir les ménagères. Et les dialogues, on en parle ? répétitifs et d'une grande niaiserie, du genre "tu vois garçon, pour gagner, faut se battre". Et pour finir, parlons de notre Rocky à nous, Stallone - mollasson et trop souvent en roue libre - qui à lui aussi droit à son gros malheur histoire de rajouter encore plus de mélodrame et de faire un parallèle avec Adrian. Et je passe sur la scène ridicule des motards de rue ou sur le final "oui-oui fait de la boxe" avecle gros méchant champion qui vient féliciter le digne héritier de papa Creed. On est bien loin du film de 1976 qui dépeignait avec brio l'ascension du jeune Rocky Balboa aidé par les charismatiques Paulie et Mickey.
Nous avions ce film en cassette quand j'étais petite, et je l'ai beaucoup regardé (j'étais le genre de petite fille à regarder des films en boucle) Il n'avait rien de particulier pour m'attirer, mais je ne sais pas pourquoi, je l'aimais bien. Jme dis aujourd'hui qu'il aurait peut-être dû m'être interdis à mon jeune âge, car il y a dedans quelques scènes et allusions au sexe, même si ce n'est pas bien mechant... La scène du baiser me faisait particulièrement rire. Aujourd'hui ce film ne me fait pas rire plus que ça, mais je ne peux m'empêcher de l'apprécier grâce au côté "rappel de l'enfance" qu'il connote pour moi. C'est une petite comédie sans prétention, mignonne et pépére, dont on se contente bien agréablement un soir de pluie, en pyjama avec un chocolat chaud sur les genoux.
4.5/5 Belle surprise que ce Célibataires ou presque. Bien plus qu'une comédie pour teenage. Le concept des trois amis fuyant à tout prix la vie amoureuse, dont au final, ne peuvent s'échapper fonctionne à merveille. On retrouve des situations cocasses à mourir de rire, et le charme de poots ne vache en rein cette petite peloche.
Je pense que je ne vais rien dire de plus que ce qui a déjà été dis sur les Tontons. Ce film est un sommet de la comédie. On a une succession de dialogues hilarants et une parodie géniale des films de gangster. Ici le crime est une entreprise quasiment comme une autre ou l on a des conseils d administration, des luttes d influences et de bourres brochette d acteurs est merveilleuse. Un film que l on revoit à chaque fois avec plaisir en évitant si possible la version colorisée franchement hideuse (comme toutes ces versions d ailleurs). A noter aussi que c est le seul bon film ou vous pouvez voir Jean Lefebvre.
Avant l'incompréhensible mode Kiarostami, "Bashu le petit étranger" avait permis de faire connaissance avec le cinéma iranien. Dès le début, un chef d'oeuvre ! Du sentiment, pas de sentimentalisme. Avec "Delbaran", le chef d'oeuvre du cinéma iranien.
Le cinéma muet tient dans ce « Sidewalk stories » réalisé il y a vingt ans seulement, un modèle du genre qui renvoie « The artist » à ses chères études. Charles Lane qui joue et réalise, donne un ton très personnel à la fantaisie des personnages et aux drames des situations dans un noir et blanc qui s’impose avec une logique évidente. L’utilisation de la musique est d’une pertinence du même acabit. La gamine qui accompagne notre héros est craquante ! On pense bien évidemment à Charlot (« The kid ») mais aussi à toute cette veine du cinéma réaliste américain que Lionel Rogosin a su mettre en lumière. Un coffret 3 DVD lui est consacré. Pour en savoir plus
Au cinéma, il est interdit de s’ennuyer et cela ne m’arrive pas souvent mais ce fut le cas avec ‘’Piège mortel’’ faute en est au ‘’Limier’’ de Mankiewicz pour lequel j’ai une grande admiration et un plaisir renouvelé à chaque vision. Ce soir, en dehors de la découverte du talent de comédien de Christopher Reeve et de la nostalgie éprouvée à le revoir aussi en forme, peu de chose m’ont plu. D’abord, c’est beaucoup plus du théâtre que du cinéma et un théâtre empli de bavardages sans aucun intérêt intellectuel. Ensuite, au lieu d’aérer la pièce Lumet la confine et sa mise en scène bien que travaillée et soignée ne se met pas au service de la pièce. Ses gros plans à l’instar de ceux des téléfilms détournent encore l’attention du texte déjà assez vide de sens et plein d’esbroufe. L’ensemble se veut intelligent mais à la sortie il ne reste rien en dehors du jeu des acteurs excellents et bien dirigés comme d’habitude. Parfois de prises de vues se produisent lors des scènes d’action. On sait que Lumet a de la personnalité et qu’il est capable de faire du beau cinéma mais il lui faut des sujets qui lui conviennent bien, ce n’est pas la sophistication qui lui va le mieux ni le cynisme avec lequel il se complait à conclure.
Un Roland Emmerich tourné avant son arrivée à la tête d'énormes blockbusters hollywoodiens : pourquoi pas ! Hélas, si la personnalité d'un réalisateur s'exprime souvent beaucoup mieux dans son pays d'origine, on en est très loin ici. La copie avait beau être médiocre, elle n'est pas responsable de l'indigence du scénario, des personnages ultra-stéréotypés et surtout d'un manque de moyens criants à chaque instant. Dans les années 40, le grand producteur Val Lewton avait eu la géniale idée de combler ses budgets restreints par une inventivité constante et un pouvoir de suggestion ayant au final donné quelques chefs-d'œuvre. Emmerich fait exactement le contraire, espérant visiblement nous en mettre plein la vue avec des décors de misère et des scènes d'action frôlant la série Z (les vols de navettes sont parmi les trucs les plus ridicules vus depuis longtemps), le tout porté par des acteurs globalement peu convaincants (Malcolm McDowell excepté). Au final, « Moon 44 » n'a même pas le charme d'un nanar sympathique, brillant exclusivement par sa banalité et sa faiblesse à tous les niveaux : sans être totalement ennuyeux, le résultat est accablant.
Il y'avait bien longtemps que je ne m'etais pas autant ennuyé. Scénario... on a vu mieux. Acteurs tres mauvais. Dialogues... on en parle? Un navet. Sauf pour les frileux qui ne veulent pas regarder un film d'horreur sous peine d'avoir peur. Scream vous a fait peur. Au mieux ryde vous fera rire. Au pire bailler
Un reboot phénoménal et magique. A la fois romantique et musical, La Belle et la Bête est un chef d'oeuvre des studios Disney. Une perle rare. 5/5 *****
Une facette méconnue du chanteur sur son rapport au cinéma et une sorte de mise à nu de l'acteur. On n'est plus dans le faste du parc des Princes mais dans l'intimité de la caméra et du tournage. Robert Hossein, Patrice Leconte, Laetitia Masson, Jean-Francois Stévenin, Claude Lelouch, Dominique Besnehard apportent un autre regard et témoignent de la présence du chanteur à l'écran. Autre visage, autre personnalité, d'une docilité incroyable sur un plateau et qui aimait profondément les films pour avoir passé sa vie à en regarder. Un document touchant par un réalisateur et chef opérateur ami qui a su montrer un Johnny entre ombre et lumière, ici plus bluesman que rocker, et qu'on pourrait dépeindre en deux mots: authenticité et sincérité.
Réalisé par John Cassavetes en 1980,"Gloria" est une petite merveille du cinéma indépendant américain... Porté par l'immense Gena Rowlands (la femme du cinéaste et la mère de Nick Cassavetes), ce film hybride passionne et divertit. Les aventures tragi-comiques de Gloria Swenson, une ancienne prostituée dont le nom rappelle l'immense actrice Gloria Swanson, et du petit Phil Dawn, dont la famille a été tuée par la mafia, sont d'une beauté absolue ! Le film captive du début à la fin, avec beaucoup d'humour et beaucoup de virtuosité. Un scénario peu complexe permet d'exceller dans tous les autres domaines, que ce soit la réalisation, les acteurs, la musique, l'ambiance... Un classique !
L’histoire d’un jeune parisien cultivé qui rencontre une coiffeuse de province. On suit le parcours sentimental de ce couple dans lequel la jeune femme va tout donner avec une générosité sans bornes alors qu’on ne parviendra jamais à savoir ce que lui ressent. Le sait-il d’ailleurs lui-même ? Une fausse comédie sur les relations dans un couple inégal ou quand l’histoire de Clément, jeune homme bourgeois insipide s’efface face à celle de Jennifer, personnage entier, charnel, touchant et vrai, interprété brillamment par Emilie Dequenne qui crève l’écran.
Très bon film de série B qui augure de la plus belle manière de la suite brillante de la carrière de Michael Mann qui se réalisera pleinement dans les années 50 dans les westerns qu'il réalisera avec James Stewart à ses côtés. L’histoire de ce malfrat en fuite avec deux femmes qui se disputent son cœur vaut surtout pour l’affrontement des deux amantes et pour la réaction de celle qui sent son bien-aimé lui échapper. La photo est superbe quoique les décors laissent parfois à désirer. Claire Trevor rend très bien le côté pathétique de celle qui ne peut rien contre un amour naissant et les différentes prises de vue d'Anthony Mann aux moments forts de cet affrontement renforcent le jeu de l’actrice.
Un film pas du tout intéressant avec du déjà vu , et en plus on fait un mix de tout mais le film ne prend pas , en plus on a l'impression de voir un film des années 70 , avec une musique naze
L'incroyable monde des pétasses des lycées. Coups bas, rumeurs, hypocrisie... Tout y est fidèlement reproduit. Et c'est un pur régal de plonger là dedans. On rigole, on s'attache, on pointe du doigt ces stéréotypes que l'on connaît. Excellent divertissement.
Qu’est-ce qui fait l’attrait d’un film ? Soit l’intérêt des personnages ; soit l’intérêt de l’histoire. Ici, rien n’est intéressant : la caméra est plantée dans un appartement berlinois, et n’en sort guère. En fait, on ne sort guère de la cuisine, où une famille nombreuse va et vient, échange des banalités, prend son petit déjeuner, puis s’en va à ses occupations, laissant seuls le chat (qui n’a rien d’étrange) et la grand-mère, dont on nous dit tout au long du film qu’elle dort, pour signifier qu’on ne doit pas faire trop de bruit. C’est tout. Le réalisateur, qui débute, noie le vide de son film sous un baratin prétentieux, duquel il ressort qu’il a choisi « Les métamorphoses », de Kafka, pour s'en inspirer, tout en concédant que le texte original « n’est qu’accessoirement perceptible » (sic). Cela frise l’escroquerie.
Un péplum introspectif qui oscille entre méditation et action. C'est le grand écart entre road movie (ou plutôt désert-movie) et 300, film exécrable d'action. Au final c'est très moyen et surtout cela manque cruellement de souffle.
ATTENTION !!! Chef d'oeuvre, ce barry lyndon est un vraie chef d'oeuvre de Stanley Kubrick tel Orange mécanique. Un scénario si envoûtant comme le maître Kubrick à l'habitude de faire, des musiques majestueuses, tellement émouvant qu'on se croirait a la place des personnages. Mais avent tout ce film est une magnifique descente aux enfers qui mériterais d'être respecté. Bravo Kubrick car c'est un chef d'oeuvre. A voire.
Film totalement méconnu dans notre bel et pur hexagone et donc difficile à trouver sauf pour moi, redoutable hacker qui l'ait trouvé dans un site très confidentiel, YouTube. La raison en est certainement que pour certains ce film serait de manière injustifiée et idiote un "éloge de la pédophilie". Moi personnellement, je n'y ait vu qu'une histoire d'amitié certes troublante mais (on enlève le "r", on remplace le "b" et le "l" par un "c" et un "h"!!!) aussi et surtout touchante. Hardy Krüger et Nicole Courcel sont absolument magnifiques. Patricia Gozzi, d'une maturité qui force le respect, est impressionnante et donne peut-être la plus grande performance d'un acteur enfant au cinéma. Le film doit aussi, il faut le reconnaître, à une réalisation qui, si elle n'évite pas quelques séquences inutiles comme celle à l'hôpital, est souvent inspirée et captive le spectateur de bout en bout, et dont n'est pas absente la poésie. Un des 4-5 films français que je voulais le plus voir, je ne le regrette pas car c'est un très grand et très beau film.
A éviter à tout prix . On s'ennuit de bout en bout ,un film d'une mediocrité exemplaire .
Il a beau être ancien et en noir et blanc, c'est film extraordinaire, aux dialogues sublimes, de quoi faire réfléchir tout athée, agnostique ou même chrétien et catholique sur le sens de la vocation sacerdotale, sur la présence réelle du Christ dans l'eucharistie (des scènes 'cultes' à ce sujet !).
Voilà un film suisse et même suisse allemand qui fait dans la dentelle. Il émane de ce spectacle une telle joie de vivre que l'on en sort ragaillardi. Cela fait plaisir de voir de telles œuvres produites dans nos contrées et on en aimerait bien de la sorte au moins deux fois par année. Quand le succès public est là, c’est sûrement l’une des plus belles manières de rapprocher nos communautés linguistiques. A voir en Bääärner Dütsch évidemment même si les sous titres prennent beaucoup de libertés apparemment pour ne pas nous choquer. Exemple : pu….de m… en allemand dans le texte a été traduit par « mon dieu ! » et m… par « mince » ! (enfin ! moi aussi je ne les écris pas en entier…).
Une blonde et un M. Muscles au regard bovin pour une comédie sans originalité. NUL!!!!!
alors là je dis non! c'est pas possible...c'est pas possible de lire autant d'excellentes critiques pour un film qui est INSUPPORTABLE. Poppy n'est pas marrante, ni fraîche, ni positive, ni originale mais juste insupportable, hystérique, et fatigante. Passé le quart d'heure on comprend que le film n'évolura pas et là c'est le drame.. bref, on sort de là (à la fin de la projection avec un certain courage..)avec une barre au crâne et une résolution: PLUS JAMAIS.
Un grand film, modèle de burlesque et de franche comédie. Chaque scène est travaillée avec un sens de la comédie irréprochable, le rythme est d'un dynamisme exceptionnel et les moyens du film sont excellents pour l'époque. Louis de Funès sait de plus en faire beaucoup pour son personnage sans atteindre l'overdose. On notera que les différences entre religions sont propices à des scènes devenues logiquement cultes(la danse et le chewing-gum). In contestablement un film culte.
Un western vosgien, viril, efficace, étonnant. Avec Bourvil dans un contre-emploi formidable, Ventura qui en impose vraiment et des seconds rôles impeccables (Jess Hahn, Michel Constantin...). S'appuyant sur un scénario solide de José Giovanni et exploitant parfaitement la beauté sauvage des décors, Robert Enrico conduit son récit avec maîtrise, en restant simple, et brasse intelligemment différents thèmes : honneur, vengeance, violence, amitié, morale, hypocrisie, préjugés sociaux... Un film de durs, qui n'exclut pas l'expression de sentiments profonds. Il y a là quelque chose de fort, d'amer et d'émouvant. Une grande réussite.
"The End" est un film extrême. Comme l'est l'oeuvre d'Hicham Lasri. Les concessions ne sont pas le dada de ce représentant de l'avant-garde du cinéma marocain. On s'en rend compte dès le premier coup d'oeil avec ce film - qui est son premier long-métrage du fiction. Et on en aura la confirmation avec son deuxième film : "C'est eux les chiens", et plus encore dans son prochain (encore inédit) : "The sea is behind". "The End" est un film glaçant à l'écriture clinique, à l'univers ultra réaliste, non dénué de dérision et d'humour. Il se trouve à la croisée des chemins du polar, du thriller et du film noir. Le noir et blanc - cher à Lasri - propose une vision double du moment présent, à cheval entre un passé largement dépassé et un présent moderne occidentalisé : une dualité esthétique à l'image de la ville de Casablanca, filmée ici comme jamais, à mille lieues des visions fantasmées auxquelles nous sommes habitués. Quand à la caméra, elle propose toujours le plan auquel on s'attend le moins, elle est l'instrument de la grande créativité visuelle du réalisateur. Quand à la distribution et à la direction d'acteur, c'est un régal. Le premier rôle est brillamment tenu par un très bon Salah Ben Salah, bien épaulé par un commissaire effrayant incarné par Sam Kanater. Et que dire des seconds rôles : des truands pires les uns que les autres, également succulents, à l'image de fidèles de la "famille Lasri" : Hassan Badida, Malek Akhmiss... "The End" est un film à l'esthétique très soignée proposant un objet cinématographique tout à fait novateur. Cinéphiles de tous pays, unissez vous derrière Lasri ! The End