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Après la semi-claque Persona, il me tardait de voir Saraband. J'avoue que les mots me manquent. Je suis, à vrai dire, peu habitué à un cinéma d'une telle pureté. Certes, on pourrait lire la dernière oeuvre d'Ingmar Bergman comme une fresque familiale un peu vaine mais ce serait s'arrêter à la surface du film. Comme souvent dans les grands films, la vérité se cache ailleurs. Pourtant, ce premier niveau de lecture donne déjà un fantastique mélodrame, l'un des plus beaux du monde : Bergman fait montre d'une tendresse inouïe envers ses personnages. Il faut voir ce père qui a transposé l'amour pour sa femme dans l'intériorité de sa propre fille, le visage angélique de Liv Ulmann dans l'église, cette parabole familiale, magnifiée par les sublimes mélodies de Bach. Le mélodrame contenu pourrait bien être un produit tire-larmes et lourd, aux accents malickiens. Mais il n'en est rien car, à la différence de Malick, Bergman ne fait pas dans l'esbroufe formelle et délivre ici un portrait d'une rare justesse, jamais manichéen ou vaniteux. Cependant, il serait réducteur de borner ce chef-d'oeuvre à ce seul sens. Cinéaste de la dualité, Bergman oppose la vieillesse des corps aux caprices infantiles de ses personnages. Et si Karin, la jeune fille, s'intègre si bien à "l'intrigue", c'est justement parce que son contraste n'est que physique. Encore une fois (il l'avait déjà prouvé dans Persona), Ingmar Bergman sait faire parler les corps et les meilleurs morceaux du film ne sont pas tant les dialogues, pourtant d'une richesse infinie, que ces longs regards lyriques (l'épilogue, renversant). C'est dans ce sens que Bergman livre sa poésie douce, teintée de mélancolie et de nostalgie vieillissante. L'un des plus beaux films du monde.
Un film ennuyeux et raté, reprenant des thèmes que le réalisateur a déjà abordé par le passé mais qu'il semble ici parodier. Les décors sont aseptisés, les acteurs à moitié convaincants – Patricia Kaas très peu – et le scénario rempli de clichés. Quant à la bande originale, un ensemble de reprises du répertoire français transformées en soupe indigeste, elle est absolument insupportable. Les hold-up de Jeremy Irons, assez drôles, sauvent un peu le long-métrage, de même que la fin, pas si ratée, et l'intrigue policière. Il est tout de même dommage qu'ils soient les seuls bons éléments car l'idée de base était assez originale et aurait pu donner lieu à un bon film si elle avait été mieux exploitée.
Avec une approche minimaliste, jamais un film n’aura aussi bien réussi à faire vivre au spectateur l’émotion au travers de son personnage principal (Julio Chavez, magistral). C’est une gageure, d’autant que ce dernier traverse le présent en l’observant, comme absent à lui même et aux autres, jusqu’à la rencontre qui donnera un nouveau sens à sa vie. Profondément mélancolique, le final parachève ce chef d’œuvre. On pense à Mallick (de la bonne époque), à Tarkovski (Le Mirroir notamment).
Compte tenu de la fin plutôt surprenante et de l'acteur qui joue le fils du père de famille,je ne mettrai pas 0,5/5. L'histoire est classique:une famille dans un monde post-apocalyptique,c'est simple mais ça marche. Mais gros problème:c'est MOU et on s'ENNUIE. À la fin du film,je me suis félicité d'avoir tenu bon. Autant "Je suis une légende" j'ai complètement accroché et pourtant il n'y avait pas non plus énormément d'action,autant "The collapsed" m'a vraiment ennuyé. Et à part le fils de famille,les acteurs n'étaient vraiment pas bons. Et le concept de cet esprit maléfique ne tient absolument pas debout. C'est d'ailleurs ce qui fait que l'on n'y croit pas du tout,en partie. Bref,moins nul que Paranormal Activity mais pas comparable avec "28 jours plus tard" du même genre.
à par la bonne prestation de françois cluzet le reste du film est plus que médiocre on s'ennuie sérieusement malgré que le film ne dure que 1h15 l'histoire n'a rien d'original et ce film est rempli de cliché et c'est sur-jouer par les jeunes acteurs
Un film qui s'inspire du " samouraï " de Melville, et dont il n'a rien a rougir. " Ghost Dog " dispense une ambiance unique, entre hip-hop et sentences japonaises, qui laisse une marque indélébile à celui qui sait s'y ouvrir. Forrest Whitaker tient là un de ses meilleurs rôles et la présence d'Isaac de Bankolé ne peut qu'ajouter une touche de charme supplémentaire à un film qui n'en manquait pourtant pas.
Un superbe film, à la fois drôle et émouvant, qui retrace avec justesse ce que les participants ont vécu à Nuit Debout. Je n'ai pas décollé mes yeux de l'écran pendant tout le film. Pourquoi. D'abord parce que Mariana Otero rend les gens beau et c'est déjà un exploit quand qu'on sait que personne ne dormait ni ne prenait souvent de douche pendant Nuit Debout ! Mais au-delà du physique, elle réussi à montrer quelque chose dont a peu entendu parler dans les médias, omnibulés par la violence : c'est le travail. Car oui, les participants ont travaillé. Ils ont pensé et réfléchi à une nouvelle forme de démocratie, une nouvelle façon de distribuer la parole, de nouvelles façons de prendre des décisions. Mariana Otero a un regard presque maternel, et très juste et la fois sans complaisance. Elle montre bien les égarements, les atermoiements, les affrontements qui traversaient Nuit Debout. Elle suit la vie du mouvement : de son effervescence absolue début avril 2016, à son essoufflement en juin. Certains lui reprochent une fin un peu triste. Mais cette fin est bien réelle. Oui la place s'est vidée pendant l'été. Oui les gens étaient épuisés par des mois de lutte et par l'échec du combat contre la loi travail. Mais là n'est pas l'essentiel. Mariana Otero a pensé son film pour la postérité, comme un outil pour nous aider à réfléchir sur la façon dont on s'organise, pour nous aider à corriger les erreurs qui ont été faites. Grâce à ce film, mes proches pas forcément de gauche, vont pouvoir comprendre pourquoi je suis allée user mes jeans tous les soirs pendant plusieurs mois sur une place écouter parler des inconnus. Ils pourront comprendre pourquoi un beau matin de printemps 2016, des milliers de personnes se sont rassemblées au-delà des aspects de classe, de sexe, de religion, de profession pour échanger débattre et vivre ensemble une expérience incroyable. Et comprendre pourquoi pendant quelques mois, on a cru qu'on autre monde était possible.
Comme la plupart des films de Maïwen...on s'ennuuuuie!!! au secours! j'ai dû me forcer pour terminer ce navet. Son seul bon film est Polisse. Pour les autres, à jeter.
tres bon film. de plus emily osment sait jouer ce personnage a la perfection!
Il est brillant de voir qu'autant d'acteurs sont restés si longtemps dans la saga. J'aime toujours autant les bruitages du sergent Jones. Mais encore une fois, c'est mauvais et lourd à suivre si l'on n'accroche pas à l'humour et aux personnages qui sont exactement la ligné des précédents volets.
Doté d'un scénario aux bonnes idées, "The Way" n'est malheureusement pas assez bien traité. En effet, la réalisation est beaucoup trop amatrice et n'entraîne pas du tout le spectateur. Par ailleurs, les acteurs n'offrent pas assez d'émotions, ils sont ennuyeux à la manière des dialogues plutôt mal écrits. Ainsi, le film est aux premiers abords intéressants mais finit par être vraiment très décevant et pas captivant.
free state of John est un excellent film. Très bien interprété par des acteurs qui s'avèrent convainquants. Le scénario tient la route. Bref, du très bon travail.
Petit film d'horreur plutôt sympa et sans prétention, "Detour mortel" s'avère être un bon divertissement qui ne casse certes pas des briques (l'intrigue est sans surprises, la fin connue d'avance) mais qui a le mérite de se laisser regarder sans problèmes. Les acteurs sont plutôt bons dans l'ensemble, avec une mention spéciale pour Jeremy Sisto, probablement l'un de mes acteurs favoris, décidement trop rare à l'écran.
Un scénario qu’on a déjà trop vu au cinéma, des acteurs qui assurent le minimum syndical (avec un Matthew Perry qui reprend les mimiques du Chandler dans "Friends" avec une coupe de cheveux improbable, une Neve Campbell pas du tout crédible, un Dermot Mulronney énervant, un Oliver Platt inconsistant…) et une mise en scène sans intérêt font de ce film un ersatz de divertissement qui ne marquera pas les esprits mais qui peut se regarder d’un œil distrait !
Pour faire un monde il faut des gens dèchus! Pour Jean Marais, Daniel Gèlin, Aldo Fabrizi et autres bourreaux, assassins, voleurs ou voyous, des maisons religieuses offrent un bien curieux refuge où le silence et la solitude permettent de savoir où en sont ces hommes en mal de vivre! ils sont pareils : ni meilleurs, ni pires, tous ègaux! Et cependant tous divers, tous seuls, seuls à la recherche de soi-même! Des hommes libres de s'en aller au moment qu'ils jugeront opportun! Ni conseil ni reproche! C'est la règle de « la maison du silence » où l'on doit taire ses soucis quotidiens, ses dèsirs, ses ambitions, ses affections, même! Avec comme option : reculer vers le tumulte du monde et retomber dans le chaos, ou d'un èlan, passer la frontière derrière laquelle Dieu offre l'espèrance! Quasi invisible depuis sa sortie en 1953, "La maison du silence" de Georg Wilhelm Pabst est le genre de film religieux qui a mal vieilli même si le rèalisateur autrichien montre un savoir faire certain (les fourmis). Reste malgrè tout les compositions de Marais (qui tire une gueule de six pieds de long) et Gèlin, entre doutes et remords...
je sens pas la patte de , et surtout prefere l original plus dur et moins moraliste ou previsible
Un film brillant dans un genre depuis longtemps laissé de côté : le thriller d'espionnage dans les arcanes du pouvoir. Une intrigue simple, tendue et efficace (et pas si fictive qu'elle en à l'air), servie par d'excellents acteurs et une mise en scène précise et maîtrisée : * François Cluzet est excellent (comme très souvent) dans ce rôle de héros ordinaire, rendu humain, réaliste et nuancé dans ses talents, ses angoisses et ses faiblesses. Denis Podalydès est quant à lui époustouflant dans son rôle fourbe et manipulateur, doté d'une froideur et de l'arrogance qui caractérise les hommes proches des arcanes du pouvoir... Même absent de l'écran, son ombre plane sur de nombreuses scènes. * La mise en scène est précise, rigoureuse, sans effets de manche : les gros plans sont maîtrisés, au plus près des visages et des expressions des acteurs ; ou au plus près des mécanismes en mouvement pour rendre le côté mécanique machination kafkaïenne qui broie l'individu... Le choix du quasi huis clos ajoute encore à la tension et au réalisme des situations. J'ai lu quelque part que c'était le premier passage derrière la caméra du réalisateur : et bien il s'agit là d'un grand qui maîtrise parfaitement ses références et les sublime à l'écran : il y a du Pakula, du Lumet, du Eastwood, du Lautner ou du Verneuil dans ce film, mais avec la touche de modernité en plus... La scène d'introduction du Burn Out est exemplaire de maîtrise et de tension et pose parfaitement le cadre et l'ambiance. En conclusion, un grand film français de genre que je vois conseille fortement même s'il est sorti un peu en catimini.
A mesure que je plonge dans l'Oeuvre de Sokourov je découvre un cinéma richement méditatif, situé quelque part entre le ciel et la terre, un univers constitué de longs gestes, larges ou tourmentés, de regards perdus dans le vide, orientés vers le sable ou les nuages, de larmes ravalées dans le calme et la dignité... Univers d'ouverture au coeur duquel la parole n'a qu'un rôle secondaire, contingent, où les images installent l'attente sans jamais installer l'ennui. Le Jour de L'eclipse, film surgi de nulle part, d'une lumière pharaonique, d'un rythme apaisant, comme en suspens, est un chef d'oeuvre contemplatif en forme d'épopée désespérante. Sokourov filme un idéaliste entouré de la chaleur et du vacarme, le situant doucement dans un cadre étouffant, surchargé, transpirant, dans une temporalité difficilement réductible, quelque part entre l'aube de l'Humanité, les années 80 et la fin du Monde. Davantage encore que son modèle tarkovskien, Alexandre Sokourov capte et reconstitue, respectant le naturel mais aussi l'Art comme moyen de fabrication d'affects. Son film - comme son cinéma en général - est celui d'un temps scellé, céleste, ou la volonté de revenir aux essences s'affranchit de tout misérabilisme, de toute stigmatisation et de toute complaisance. C'est à pleurer de joie.
Il y a sans doute dans cette note un peu de mon gout pour la science fiction pris en compte, mais l'objectivité totale est impossible ! c'est pour moi un chef d’œuvre du genre ou presque, au même titre que "Contact", au sujet de la rencontre avec une forme d'intelligence inconnue. Le seul défaut à mon sens est sans doute d'avoir voulu faire un peu de spectacle d'action avec quelques personnages de cowboys déjantés, même si leur état est expliqué. Au détriment d'un peu plus d'explications et questionnements sur le fond. C'est pourquoi je le note 4.5. En tout cas superbe réalisation (=James Cameron), de bons acteurs, de l'émotion, une atmosphère prenante et angoissante... et encore mieux la musique ! grandiose !
François Onzon nous signe un film très troublant. Son film est assez captivant, malgré le peu d'action. La fin est très complexe, et on se demande si on a bien tout compris. En fin de compte, on a l'impression d'être un peu perdu tout le long du film, et c'est plutôt plaisant.
Un classique du cinéma X, et un film franchement surprenant... En effet, il s'agit déjà d'une comédie musicale, le film est très déguisé, les scènes érotiques ne sont pas très présentes (et le peu qu'il y a ne sont pas très convaincantes, mais sont assez amusantes) et cette façon de reprendre le plus fidèlement possible la vraie histoire d'Alice au pays des merveille, c'est très drôle ! Les costumes et décors sont assez marrants, certes ils ne sont pas géniaux, mais ils plaisant, un peu comme plaisent des décors de nanars... Ce serait exagérer de dire qu'il s'agit d'un bon film, mais il faut reconnaitre que c'est divertissant et que ça vaut le coup d’œil !
Wo..... nul NUL MOISI. Aucune histoire et ils ont réussi à choisir une actrice ( lol l'actrice ) qui joue dans american pie.... voilà le niveau. Non non non et encore non, toujours toujours les mêmes plans, avec un bonhonmme blanc qui ressemble à rien. Pas de temps à perdre
Second long-métrage pour le français Oliver Hermanus qui s’est attelé à un drame sociétal dont l’action se situe en Afrique du Sud (et a été en partie tourné en afrikaan, une langue germanique issue du néerlandais). On y découvre un père de famille (homosexuel) aux pulsions de plus en plus incontrôlables, surtout depuis qu’il a fait la connaissance d’un jeune homme d’une vingtaine d’année. François est un homme torturé, il vit dans l'Afrique du Sud post-Apartheid, il est blanc, homosexuel (mais il ne l’a jamais révélé), il parle l’afrikaan alors que le reste de la population parle anglais, bref tout est fait pour le déstabilisé et sa rencontre avec le jeune (et séduisant) Christian (pour qui il envie sa beauté), ne va pas faciliter les choses, pire, elles vont empirer. Ici, il est à la fois question de racisme et d’identité sexuelle, à travers un drame dont la prestation de Deon Lotz ne laisse pas indifférent. Néanmoins, on regrettera la mise en scène amorphe de Oliver Hermanus. Pour la petite anecdote, Beauty (2011) fut présenté lors du 64ème Festival de Cannes où il fut nominé à 4 reprises (il est finalement reparti avec la Queer Palm, le prix récompensant les films aux thématiques LGBT : lesbien, gay, bi & trans).
Un exellent film au dialogues grandioses et aux scénes qui sont devenues cultes.Coup de téte repose bien sur les épaules de Dewaere qui comme d'habitude créve l'écran d'une maniére originale.En plus de ca, on saluera les performances des roles secondaires tous exellents.Le scénario de Francis Veber est donc une perle de bon sens,où la peur fait parfois plus de ravages que l'acte lui-même.Dommage tout de même que le film s'arréte net.
Vraiment pas aimé ! Role mal jouer et dialogues plat ...DECEVANT !
Que dire de ce film ? C’était mon enfance
Chris Cooper propulse ce film! Le film en lui même n'a rien d'exceptionnel mais alors le jeu d'acteur produit par la prestance, l'image charismatique de Chris Cooper nous plonge réellement dans cette histoire d'espionnage. A voir...
Dragons 2 est un chef d'œuvre ! Encore plus d'action que dans le premier volet, et des décors sublime ! DreamWorks nous propose une suite d'enfer. Dean DeBlois nous réalise une merveille ! Ce film nous propose un divertissement immense, grandiose !
Quand je pense que j'ai réussit à rester jusqu'au bout de cette daube ! User son argent dans de pareil connerie. Moi qui voulait voir un bon film d'horreur bien sympathique pour pouvoir détendre mes pauvres neurones, et bien la j'ai été servit car ils ont été bien détendue mes neurones, un-peu trop même. Les effets visuels sont tellement mal foutue, ils vous piquent les yeux même avec la 3D qui était pourtant une bonne idée de base pour un film gore mais dans ce genre de nanar, la 3D ne pouvait qu'être mal exploité (je retourne voir saw 7). Le scénario est d'autant plus mauvais que les effets visuels, il se plante littéralement, il plonge dans une longue spirale qui l'engloutira pour qu'il ne puisse retrouver le fil de l'histoire afin qu'il soit complètement perdue dans ses propres événements. La mise en scène fait penser à celle provenant de nanars démunis de budget filmés qu'avec une seule caméra. Donc comme vous l'aurez compris l'aspect esthétique de ce film est tous simplement immonde, mais l'autre aspect l'est tout autant, du gore pour du gore, de la violence gratuite présentées en masse et bien sûre la torture, le principale sujet de ce film, le monopolisant entièrement. tout ceci est mélangé pour un résultat final ne donnant pas une leçon ni une morale, simplement pour le plaisir des sadiques et des psychopathes se promenant dans les salles de cinéma le soire. Donc pour conclure, un navet sans nom à éviter ou plutôt à ne surtout pas tenter.
Oui, j'ai tenté l'expérience. Et me suis bien marré durant l'heure et quart passée en salle. Et rassuré que même les personnes ayant lues le livre sont effondrées d'un tel résultat. Je n'ai pas envie de gaspiller davantage d'énergie si ce n'est un conseil : ne gaspillez pas d'argent pour cette catastrophe cinématographique. Sans doute la daube de cette décennie, voire plus...
Un suspense bien mené . J'aurais aimé que la première version soit la bonne , on aurait pu en tirer d'avantage.
Bel enthousiasme. Agréablement filmé. Peut réveiller les citoyens et les faire s'intéresser en étant partie prenante à leur vie de tous les jours.
Enfin une rétrospective Fassbinder a Paris! C'est génial et ce serait dommage de la laisser passer car c'est rare! Il faut absolument découvrir ou redécouvrir les œuvres de ce cinéaste allemand ,d' une modernité et d' une humanité remarquables! "maman Kuster s'en va au ciel " nous raconte les conséquences du suicide d'un ouvrier pour sa famille et en particulier pour sa femme. Le travaille de la presse a scandale qui récupère ce fait divers et détruit la réputation d' un homme et de sa famille,mais aussi la récupération politique et l'embrigadement de cette femme seule et désespérée pour servir leur cause. Le film est pessimiste: immoralité de la presse,individualisme forcené voir égoïsme des êtres,délitement de la famille, régression sociale, crise économique, règne de la loi du plus fort et du paraitre,désillusion devant les idéaux politiques( communistes,anarchistes)et leur impuissance, désespoir ,solitude ... Bref ce film est d' une modernité implacable dans son constat social, et l'analyse des êtres humains et de la société est d' une finesse et d' une justesse implacable ! Fassbinder nous tend un miroir sans faux semblant et c'est visionnaire. A voir absolument ,comme ses autres films !
Masahiro Shinoda était très bien de son époque puisqu'il a réalisé une sorte de film d'espionnage un peu style "Guerre froide", c'est-à-dire complexe où on est loin de tout piger, mais dans un contexte d'époque dans la bonne vieille tradition du chambara. L'ensemble est loin d'être captivant, il est parfois même difficile de ne pas décrocher le film se montrant particulièrement bavard, mais quelques scènes comme le duel final dans le brouillard valent le coup d'oeil. Quelques éclairs brillants au niveau de la technique comme dans la séquence citée ci-dessus justifient un peu aussi le détour.
Trés joli dessin animé que j'ai vu avec mes petits fils de 5 ans et 3 ans même moi, j'ai été sous le charme, trés joli et tendre
A voir surtout pour un Jean Louis Barrault possédé, le réalisateur laisse filer un peu trop l'enquête au profit d'une dénonciation des fanatiques. Un dénonciation finalement très restrictive puisqu'elle ne se base que sur un personnage.
"Ordure" est vulgaire, violent, laid, et peu crédible. Dans cette Ecosse du 21è siècle on peine à croire en une police aussi laxiste et à un personnage principal aussi "dingue". C'est davantage le sentiment d'un "grand n'importe quoi" qui domine plutot qu'une histoire originale et bien ficelée. Un film marginal et déjanté prend toujours des risques, mais celui-là pour moi se rapproche plus du navet que de la franche réussite.
Videl qui arrive à balancer des strikes à Burori, du grand n'importe quoi que ce film. Sa suite arrivera à faire encore pire, ce qui est un véritable exploit.
Après la vision de ce film, on pourra clairement lui retrouver une grosse ressemblance avec le "Furie" que tourna Fritz Lang en 1936, tant les deux films ont des point en commun, mais il est clair, pour moi, que ce long métrage est celui qui m'a laisser la plus forte impression dans la filmographie de ce réalisateur. C'est une histoire donc bien tragique, le tout sur fond d'intrigue policière, que nous offre ici le metteur en scène de " Pépé le Moko ", avec en prime une mise en scène de très grande qualité et qui réservera son lot de séquences marquantes aux spectateurs - la scène finale se déroulant sur le toit d'un immeuble est quand même un modèle du genre. Au niveau du casting, Michel Simon est juste exceptionnel dans le rôle d'un homme soupçonné à tort de meurtre, et il sera parfaitement seconder par Viviane Romance et Paul Bernard, qui interprètent ce couple cruel, sans guère de sentiments et que l'on ne pourra que hair à la fin du film. Notons également une photographie en noir et blanc qui apporte une atmosphère bien étouffante à cette oeuvre qui mérite bien son statut de classique du cinéma français.
Tout simplement culte! Un film de genre qui n'a absolument rien à envier aux plus récents et qui a tout à leur apprendre.
Je voudrai juste signaler que à mon sens la VF est meilleur que la VO. Certes il y a la censure notement d'un petit personnage à moustache ressemblant cruellement à Hitler. D'un point de vu musique de fond, la version française à totalement viré la bande son original et c'est pas plus mal. La bande son française est beaucoup plus cohérente à l’oreille avec les scènes qui se déroulent
Première remarque: impossible de visionner ce film en V.F., même pour les plus réfractaires à l'anglais. Pourquoi? D'abord parce que les paroles des chansons (magnifiques) originales, portent l'ensemble de la trame de l'histoire et donc, façonnent nos émotions lors du visionnage du film. Passer à côté de ça relève du non-sens. Ensuite, parce que c'est manquer les performances exceptionnelles des acteurs qui interprètent, pour la majorité d'entre eux, les textes eux-mêmes. On l'aura compris, cette version, plus que nulle autre apparemment, fait dans le baroque follement kitsch! Ce qui peut agacer comme ravir, c'est certain. Mais c'est un beau, très beau divertissement, à ne pas confronter, je pense, aux précédentes adaptations, mais à regarder comme une version édulcorée, baroque et kistch, d'un mythe à jamais indétrônable, dépoussiéré et plein de passion. Laissez-vous charmer, au moins une fois...
En dehors du paysage de rêve, je n'ai pas réussit à accroché sur cette histoire entre sensualité et magie noir. Difficile de rester captif durant tout le film.