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Le cinéaste Douglas Sirk est plutôt connu pour avoir fait des chefs d'oeuvres dans le genre mélodrame, il a aussi fait des polars de qualités comme "Des filles disparaissent" sortit en 1947 !! Comme le titre l'indique, "Des filles disparaissent" suite à des petites annonces paru dans les journaux quotidiens à Londres auquel y figure une amie du personnage principale dont cette dernière aide la police malgré le danger de trouver le coupable et beaucoup de suspects comme possible criminels. J'ai beaucoup aimé ce film en noir et blanc qui vieillit bien et se laisse regarder avec le temps. Il possède un scénario malin qui ménage quelques surprises, les décors, comme souvent chez Douglas Sirk avec quelques scènes à l'extérieur, sont très bien reconstitués. Ce long métrage a de très bons comédiens comme Lucille Ball entouré par beaucoup d'hommes pour citer ceux qui sont en haut de l'affiche George Sanders, Charles Coburn ou Boris Carloff tous excellents. Un bon polar a découvrir.
Comme tous les films de Baz Lurhmann on aime ou on deteste. Moi j'adore et je pense que ce sont ces réalisateurs (à l'instar d'un Tarantino ou d'un Tim Burton) qui de part leur originalité et leurs prises de risques donnent un réel intéret au cinéma. A voir seulement si on à l'esprit ouvert...
Edward Norton déclare son amour aux films noirs et à la ville de New York dans ce chef-d'œuvre de fin d'année. Également devant sa propre caméra, il interprète avec un talent fou un personnage atteint du syndrome Gilles de la Tourette. L'ambiance jazz et l'image somptueuse de la ville permettent au spectateur de savourer paisiblement ce polar palpitant.
Difficile de mettre en mot un tel chef d'oeuvre. Mustang est non seulement une claque nous donnant envie de nous lever contre l'injustice, l'archaïsme et le poids de la tradition, un florilège d'émotions, un bouquet d'images somptueuses (et pas uniquement par la beauté lunaire des jeunes filles) et un (quasi-)thriller. Inoubliable !
Pff! 9 heures et demie! Pouah! Je croyais que, après le visionnage de cet incroyable documentaire, je ne serais pas prêt de revoir une seul film avant longtemps. Ce qui est drôle, c'est que j'ai revu le film! Et l'expérience reste la même que lors du premier visionnage. Malgré sa longueur, Lanzmann sait nous captiver par ses interviews directes et en nous donnant une vision encore plus horrible et puissante sur l'holocauste. C'est bien évidemment long, et beaucoup ne sont pas restés jusqu'à la fin parce qu'ils considéraient le film comme étant ennuyeux, et, je le reconnais, moi aussi j'aurais trouvé un film de 9 heures (un documentaire qui plus est) difficile à terminer. Cependant, pour moi en tout cas, le visionnage de ce documentaire c'est fait tout seul (en y mettant un peu du mien aussi...) et je crois aujourd'hui que j'en suis sorti grandi.
Avec "Nightbreed", Clive Barker mettait en scène sans totale latitude sa propre adaptation de son quatrième roman, "Cabal" (paru en 1988 et publié en France en 1990 sous le titre "Cabale"). Le scénario aborde sous un angle inhabituel les monstres, faisant d'eux les victimes d'une cruelle persécution génocidaire. A Midian, sous un cimetière, le Peuple de la Nuit se terre, se protégeant de ses ennemis. Ça peut paraître bizarre à dire mais on retrouve un peu le schéma de la série "Fraggle Rock", avec un "Doc" qui cherche à détruire les craintifs habitants d'un monde souterrain. Rêvant régulièrement de ce lieu mythique et inquiétant, Aaron Boone se décide à s'y rendre lorsque sous l'influence de son psychanalyste il se convainc d'être le meurtrier qui sévit dans la région. Dès les dix premières minutes on avait en effet assisté à une séquence de massacre particulièrement efficace. Sans grande prestance, Craig Sheffer ne m'a pas enthousiasmé. Concernant la distribution, j'ai davantage compris le choix d'Anne Bobby pour jouer sa petite amie Lori. C'est une surprise que de retrouver David Cronenberg tenant l'un des premiers rôles. Son interprétation assez froide du personnage du docteur Decker ne jure pas, mais on le préfèrera toujours derrière la caméra où, là, il excelle. J'avais remarqué avant d'en trouver la confirmation sur le Net que le nom Philip K. Decker était une référence à l'auteur de science-fiction Philip K. Dick. Si l'histoire retient rapidement notre attention, le film ne décolle jamais et toute la dernière partie déçoit beaucoup. Décors qui sonnent parfois faux (ça a été tourné en studio en Angleterre) et maquillages inventifs mais à la limite de l'outrancier renforcent ce constat de demi-échec. L'abondance voire la surenchère de créatures difformes nous donnait pourtant l'impression d'une version live du "Gandahar" de René Laloux ! Malheureusement il n'a pas vraiment été tiré parti de cette galerie entrecroisant horreur esthétique et aspiration à la paix
Probablement un des tous meilleurs Corneau, avec un Yves Montand épatant, et une belle brochette d'acteurs/trices excellents, comme la belle Carole Laure, et le toujours ambigu Jean-François Balmer...Excellent !
Moi qui adore Lang comme réalisateur j'avais toujours entendu dire que ses westerns n'étaient pas fameux et je l'avais constaté en partie avec Les Anges des maudits mais maintenant avec Les Pionniers de la Western Union ça se confirme car voici un vieux western des plus classiques qui ne se distingue pas réellement des autres et dont on peine à reconnaître la patte de Lang. Etrange que le metteur en scène de Metropolis réalise un film des plus consensuels et si Les Pionniers de la Western Union avait été réalisé par un autre j'aurais sans doute été plus indulgent mais d'un tel cinéaste on s'attend à un western qui se détache du lot.
Film lent , statique, où il ne se passe pas grand chose, et où on ne voit pas grand chose non plus de la guerre, le film se passant quasiment dans son intégralite à l'abri celle-ci, dans une maison... Sinon les acteurs se défendent bien.
Film emblématique et incontournable, près de 75 ans nous sépare de ce chef d’oeuvre ultime, 40 ans après l’ouverture du cinéma au grand public par les frères Lumière, Ernest B. Schoedsack & Merian C. Cooper font déjà preuve de beaucoup d’ingéniosité pour avoir donné vie à un pareil film. L’histoire incroyable de Kong, une créature légendaire vivant sur Skull Island. Son histoire, tout le monde la connaît, King Kong a eu droit à d’innombrable suites (dont trois suites, deux remakes et pas moins de sept dérivés). Là où la version de 1933 reste un summum dans l’Histoire, c’est qu’à l’époque, nous avions encore rarement vu un tel film. Notamment au niveau des prouesses techniques, le fait que le film soit en quasi totalité réalisé en « transparence » afin de faire apparaître Kong en arrière plan face aux aventuriers ou en plein New York. La pratique du « stop motion » a été très utilisé dans ce film, puisque aucun technicien n’a enfilé de costume de singe, il a donc fallut recréer les mouvements du grand singe image par image. Et puis, ingrédient essentiel de cette œuvre, son histoire, à la fois bouleversante et captivante, cette relation ambiguë entre Kong et Ann Darrow (l’actrice blonde qui se retrouve piégée). Une œuvre cultissime, indémodable même avec les avancées techniques en matière de trucages et autre motion capture. Voir et revoir ce joyaux est un pur plaisir. Fort heureusement, bien que les autres suites aient été de piètres exemples, on saluera l’excellent remake signé Peter Jackson, qui en 2005, nous offrit un impressionnant King Kong, tout en numérique !
Pas très palpitant, on y voit comme un remake de pulp fiction et si quelqu'un a compris la finle mec qui sort de sa voiture, les coups de feu et la nana qui surgit s'il peut m'expliquer car là???
J'attendais certainement trop de ce film. Je l'ai trouvé long et sans grand intérêt. J'espérais plus de suspens, là on entre dans l'histoire très rapidement et cela n'aboutit nulle part dans la mesure où ce sujet sensible reste un mystère, chacun ayant sa propre histoire et restant sur ses positions. Un navet !
Bien plus mature que l’Alice au pays des merveilles auquel il est fréquemment comparé, Le voyage de Chihiro brille par l’intelligence de son univers visuel fantasmatique. La force symbolique de tous les éléments qui composent cette fable et le lyrisme de son scénario ont largement de quoi convaincre même le public le plus réticent à l’immersion dans les films d’animation. Comme à son habitude, Hayao Miyazaki parvient à ôter tout le manichéisme qui caractérise habituellement les contes pour enfants et à transformer cette aventure faite de magie et d’imagerie mythologique en un apprentissage des dures réalités de la vie pour cette petite Chihiro. Chaque personnage et chaque scène recèlent de la beauté et des puissances évocatrices suffisantes pour le rendre inoubliable. Toute cette subtilité fait définitivement de cette œuvre une référence incontournable de la japanimation.
Scénario bas de gamme, le reste du même acabit. 1 demi-étoile.
Un film qui flirte du début à la fin avec la niaiserie mais qui se rattrape chaque fois in extremis. Les images de synthèse ont fait bien des progrès, même en 6 mètres sur 3 ! Surtout pour enfants en fait, sans les grosses ficelles morales des films Disney et avec quelques bons moments humoristiques.
Tout simplement magnifique, complètement délirant et déjanté. Impressionnant pour l'époque. Je me demande même si maintenant on pourrait encore faire un film comme ça...
Chabrol excelle à suggérer le malaises derrière les contenances, la fausse jovialité des fêtes ou les habitudes bourgeoise. « Les bonnes femmes » donne le sentiment d’être radicalement construit autour de ce principe de vanité, de démystification : jusqu‘à la tragédie finale. Le réalisateur adopte le point de vue de ses personnages féminins, et du coup réussi à croquer des comportements masculins au vitriol (mention spéciale pour le patron de la boutique, irrésistible de suffisance paternaliste, et pour les deux sinistres rigolos dragueurs). C’est presque plus impressionnant que les portraits de femmes. C’est du cinéma au fil des successions de scènes, qui restitue le sentiment de la durée réelle (jusqu’à la limite de l’ennui), et l‘improvisation des actions au quotidien. On a du mal à comprendre ce qui a pu motiver l’interdiction aux mineurs. Le film devait être ressenti au moment de sa sortie comme porteur d’un mauvais esprit beaucoup plus condamnable que la violence ou le sexe explicitement montrés.
Prétentieux et vain, intello-barbant, du cinéma toc pourtant adoubé par une certaine critique bien-pensante.
Un film décousu qui semble écrit et réalisé dans l'urgence. Les émotions ne passent pas et le fond n'est pas travaillé. Déception.
Un film facile sur un homme endetté qui entre dans le grand banditisme à travers une arnaque à l'Etat. Il commet toutes les bourdes du genre en parlant de film comme Scarface mais en oubliant de citer "Les affranchis" dans lequel il est évident que rouler en Porsche attire l'oeil... Et que c'est évidemment "faire profil bas" qu'il faut faire. Aune surprise ni aucun plaisir à regarder ce navet avec des personnages tous plus détestables les uns que les autres (En dehors, il faut le dire, de Michael Youn qui est parfait dans un rôle dramatique et sérieux... Comme un nouvel acteur prometteur pourrait l'être, bravo à lui !). Très déçu également par la fausse morale qui veut qu'entrer dans le grand banditisme pour sauver 35 familles d'employésLe PDG passe quand même d'un dépôt de bilan à la création d'une boîte de traders dont tous les dirigeants sont présents depuis moins 3 mois et roulent tous en voitures de luxe. Sans compter que la boîte semblait avoir fait faillite ! Elle se remet à tourner toute seule ?Beaucoup d'incohérences et des manières de voyou de bas étages sans compter le vocabulaires de racailles... Moi qui croyait que le fisc et le beau-père suivait de près "Antoine Roca" dont la dette s"élevait à 1 million d'euros... Aucune crédibilité !
Transformer un récit de quelques pages en un long métrage, c'est sûr il va falloir meubler tout ce temps! Corman a maintenant l'habitude d'adapter Poe -en prenant bien soin de ne jamais faire transparaitre la noirceur de l'auteur et ainsi transformer des sombres et poétiques récits en une soupe commerciale d'une banalité à pleurer- Il s'attaque ici à une angoisse macabre de l'auteur: la claustrophobie. Une jeune femme vient rendre visite à une ancienne connaissance dans le but de l'épouser. Mais elle découvre que l'homme en question (Ray Milland, toujours très droit et classieux, limite monolithique, remplace Price; et malheureusement l'épouvante c'est pas son job à l'ex-bellâtre!) est hanté par une peur obsessionnelle: celle de se faire enterrer vivant! Ok donc notre ami a peur, ça s'est fait; comment combler l'heure de métrage qu'il reste? en nous servant des dialogues lancinants et en nous présentant des personnages plus ou moins utiles à l'intrigue... L'intrigue en question venons-y: elle est effectivement intéressante et le twist est habile; le seul problème est qu'il faut attendre une bonne heure avant qu'elle n'apparaisse et que tout soit réglé en cinq minutes chrono! Un mauvais film.
je suis allée voir le film hier aux halles!! déjà la bande annonce est très efficace mais le dénouement final est extraordinaire , je ne m'attendais pas à une telle révélation.. tout est en subtilité, une très belle mise en scène maitrisée.. je pensais pas non plus que nous étions qu'a quelques heures de NY, étant moi-même férue de road-trip ! ça donne vraiment envie d'aller faire un tour dans la forêt.. une mention spéciale a l'excellent et non moins très joli alex pettyfer ;) qui explose dans ce rôle de "frère"/ "ami"/ "protecteur"/ ténébreux ! pour un 1er film.. chapeau les artistes
Quand même déçu du film. Je m'attendais à bien mieux...
Dommage que la réalisation ait si peu de relief car l'intrigue est loin d'être mauvaise, seul Michael Caine apporte de la saveur à ce film.
Une certitude, le réalisateur s'est fait plaisir en tournant ce film. Il n'est cependant pas sûr que ce plaisir soit partagé par les spectateurs, car raconter laborieusement quelques anecdotes sur un mode essentiellement contemplatif ne risque pas de retenir l'intérêt du plus grand nombre. Mais le pire dans ce film est la peinture désastreuse qui est faite des habitants de Calabre, région réputée pour ses enlèvements avec demande de rançon et l'omniprésence de la mafia locale, la N'drangheta (crimes et délits en tous genres). La population locale y est présentée - à tort ou à raison - comme une tribu d'attardés mentaux, aux superstitions innombrables et aux distractions infantiles. Point n'était besoin de cela pour la déconsidérer aux yeux des Italiens du Nord et des nations européennes en général...
un film pour le soutien de l'effort de guerre qui ne propose pas grand chose d'original avec un résultat assez peu palpitant.
Truculente à souhait, cette farce vaudevillesque enchaîne les coups de théâtre avec une virtuosité que Germi n'a jamais égalée. Culte!
Le thème, qui voudrait être avant-gardiste ou prémonitoire est en fait totalement aberrant. L'ensemble n'est pas sauvé par des dialogues insipides, des scènes à la limite du sordide et une bande son agaçante (surtout par son thème musical omniprésent).
Vous êtes sur que c'est un film du XXIème siècle ? Car je trouve que les graphisme sont merdique et même Pixar en 2001 avait fait beaucoup mieux pour Toy Story. Même si le scenario est drôle et l'histoire recherché, on n'arrive pas à suivre ce film en entier. Bref je le déconseille vivement.
Vu en avant première en présence de Mylène au Grand Rex, et ce film est vraiment bien mais attention mieux vaut être prévenu il est TRES TRES violent ! Finalement plus violent que flippant ! Si vous avez vu Martyr du même réalisateur, c'est quasiment le même niveau de violence, trash et extreme !
Unique! Poésie et Action! Perfection même. Un film d'animation totalement réussi. Le merveilleux et fantastique sont habilement mélangés pour former un long-métrage génial muni d'un scénario très intéressant plein de sagesse et de philosophie. Des décors fabuleux pour un film d'animation excellent! Je vous le recommande en tant que fan de Miyazaki!
Une fois de plus on ne pas reprocher à Benoit Jacquot d’avoir rendue sa reconstitution historique particulièrement belle à voir, essentiellement grâce aux splendides costumes d’époque que portent ses acteurs. Mais comme trop souvent chez le réalisateur, la magnificence du contexte peine à nous faire oublier la pauvreté de son propos. Le marquis de Sade n’apparait pas comme le manipulateur cruel qu’il fut mais plutôt comme un philosophe édoniste, certes mais alors qu’est ce que cette histoire a à nous apprendre à propos du plus célèbre des libertins de France ? Si peu de choses en somme, sinon replacer sa sulfureuse réputation au cœur d’une période de profonds bouleversements, et encore même la partie leçon d’histoire est confuse dans sa construction. Daniel Auteuil non plus n’offre pas une prestation mémorable, ne faisant que réciter des paroles déclamatoires, tandis que le directeur photo s’efforce constamment à diviser son visage entre l’ombre et la lumière au risque de faux-raccord lumières hasardeux. Face à lui, seule l’élégance innocente d’Isild Le Besco donne du charme à ce récit sans rythme ni suspense.
4,5/5. Hallucinant!! Cette version du célèbre roman de Tolstoï est surprenante et complètement déjantée. Joe Wright n'a pas manqué d'inspiration ni d'inventivité en nous livrant ce somptueux spectacle qui m'a fait penser à une sorte d'opéra flamboyant ( à la Verdi) dépoussiérant avec virtuosité la plus classique des histoires d'amour de la littérature. Toute la mise en scène tourne autour d'un vieux théâtre baroque où les acteurs s'animent dans un ballet complexe, à l'image de l'incroyable scène du bal. J'ai adoré ce film!
Luciano Tovoli a été le chef opérateur des plus grands cinéastes italiens avant de réaliser Le général de l'armée morte (1983), une farce macabre sur un général chargé de rapatrier les morts de la dernière guerre en Italie. La platitude de la mise en scène ne compense pas l'originalité du sujet.
Ce film a bercé ma jeunesse, j'ai grandi avec Personne. Personnage sans égal. Western spaghetti hors-norme, drôle et touchant. BO parfaite et inoubliable. Rôle en or pour Terence Hill, meilleur que jamais. Rôle hommage pour Henry Fonda quant à lui. Pour moi "Mon Nom est Personne" est culte, un chef-d'œuvre, le film qui fait partie de la famille tant on l'a regardé et aimé. Je ne peux m'empêcher de me dire qu'il faut que je le revoie chaque fois que je vois des photos ou que j'écoute la musique d'Ennio Morricone. Un amour fou et une nostalgie s'emparent de moi rien qu'en y pensant.
Critique au cahier du cinèma, Eric Rohmer fut portè à ses dèbuts avec ce "Signe du lion" par la nouvelle vague, annonçant dèjà l'intèrêt extrême, que portera le cinèaste aux lieux et aux temps où il situe ses intrigues! Film superbe sur l'indiffèrence et la solitude, on est frappè pour son premier long-mètrage par la retenue du ton et la noirceur du propos! Son rythme assez lent recrèe parfaitement l'atmosphère insolite de ce Paris dèsertè par les vacances, traduisant l'angoisse sourde qui monte de ses rues vides! Dans son plus beau rôle (loin des rôles secondaires), Jess Hahn en peintre bohème est remarquable de bout en bout avec la courte apparition de Jean-Luc Godard en Sisyphe de l'èlectrophone! Un chef d'oeuvre et une photographie en noir et blanc splendide de Nicolas Hayer...
Enfin un film qui parle d'autre chose que toujours nous nous nous les hommes ! Et si on était un peu plus simple ? Et si on appréciait le monde merveilleux qui nous entoure fait de courage et de vie ? Nos petits empereurs sont plein d'amour et vous nous le transmettez si bien par une image d'une qualité superbe ! Une histoire décrite sans chichi sans trop de mots et sans phrase inutile... la réalisation est un chef d'oeuvre ! Et Émilie Simon merci pour cette BO somptueuse...
Ce film du réalisateur portugais Joao Pedro Rodrigues est assez particulier. Il commence quasiment comme un documentaire sur la faune, on suit un ornithologue observant des oiseaux, et se poursuit par une aventure chargée de références mystiques. Ce film nécessite quelques connaissances religieuses pour saisir quelque peu sa trame et ses symboles. Toutefois, il ne faudra pas s’offusquer par son aspect assez provocateur en mêlant sexualité et religion. Bref, un ovni dans la production cinématographique. Si l’image est belle, cela reste cependant assez ennuyeux.
Lorsqu’un film est bon, on peut le déceler à son générique. La vacuité de cette énorme navet pouvait se révéler à son introduction faite de quelques plans tape-à-l’œil et vains, et à l’usage d’une chanson culte, « I put a spell on you », non pas chantée par le mythique Screamin Jay Hawkins, mais par un mièvre imitateur. Avant même le générique, le titre est révélateur de l’ampleur de l’esbroufe miteuse que Sergei Bodrov, sert à son public. Le coït furtif (signification d’un « quickie »), n’est pas si furtif que ça. En outre, il est purement anecdotique, et est insignifiant dans le film du point de vue dramatique. Quand aux acteurs, leur performance est d'autant plus pitoyable, qu'ils ne peuvent s'accrocher à rien pour donner le meilleur d'eux-mêmes. Ce qu'ils font habituellement. Sauf qu'ici, les dialogues sont éculés et désespérant de banalité, et la psychologie des personnages ciselée à la truelle et au marteau. Du coup Jason-Leigh choisit de conserver dans tout le film une moue passe partout lui donnant l'air d'un canard ridicule, et Mashkov, lui croit heureux de se répandre en épuisants exercices de cabotinage. Que certains spectateurs aient pu trouver ce film intéressant est plus que surprenant, vu sa lenteur assommante, son scénario improbable, et ses ressorts dramatiques incroyablement cliché. En revanche, que certains critiques, donc théoriquement habitués à l'excellence, y aient décelé une originalité ou une profondeur quelconque, relève de l'incompétence professionnelle aggravée de bêtise congénitale. Après Nomads, Mongols, et ce Quickie,on pourrait ainsi résumer la filmographie du Russe: "Bodrov, ou l'art d'un potache à transformer des projets qui, au départ, ne semblaient pas dénué d'intérêt, en daubes interminables.
Si vous faite une retrospective B. Singer, je vous conseil d'attaquer par "The usual suspects" et laisser tomber celui-ci... Vous ne raterez rien. On arrive vraiment difficilement à la fin et quand on y est, on se dit que ça n'a servit à rien !
Film important puisqu'il s'agit d'un film particulièrement ambitieux, que ce soit en terme de durée (1h10) ou en terme artistique, l'Inferno étant l'adaptation, plutôt fidèle, de l'oeuvre de Dante. Premier long-métrage de l'histoire (a priori), il ne s'y passe malheureuseument pas grand chose, l'intrigue se résumant à une visite guidée des enfers que le poète Virgile offre à Dante. Le film est donc une succession de tableaux, qui peuvent s'avèrer surprenants pour l'époque, que ce soit en terme de violence ou de nudité à l'écran.
On aurait dû intituler ce film "Hold the Crap". Un scénario incompréhensible, une direction d'acteurs indigeste et un tas de cadavres à la fin d'une torture cinématographique dont on aurait espéré qu'elle dure beaucoup moins longtemps. Film à éviter.
Voici le premier film qui inaugura une saga magistrale, lyrique, époustouflante... Le film, qui a maintenant 13 ans, n'a pas pris une ride, les décors sont juste somptueux, les acteurs excellents, touchants, une mise en scène virtuose et surtout une quête pour l'anneau qui dura 3 films, grands chef d'oeuvres. Des dialogues mémorables. Un chef d'oeuvre de l'Heroic Fantasy/Fantastique/Aventure. Bref, le commencement d'une saga culte qui reste et restera dans les mémoires de tous.