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"Les rendez-vous d'Anna" est l'une des plus belles rèussites de Chantal Akerman, indiscutablement! C'est un film à voir si possible au milieu de la nuit où l'on sort de là en ètant certain d'avoir participè quelque peu aux errances d'Anna dans ces gares françaises, belges ou allemandes! Mais ce qui ne fait aucun doute, c'est la sincèritè totale d'Akerman, son audace et son pouvoir de fascination pour les travellings et les plans fixes, avec un jeu de lumière absolument remarquable! A la hauteur de ses rendez-vous et du scènario, il fallait une actrice de qualitè et de talent! En glissant d'un quai à l'autre, Aurore Clèment trouve peut-être son plus beau rôle au cinèma parce qu'elle a le regard de quelqu'un qui semble constamment perdue en croisant au cours de ses dèplacements, des gens peu satisfaits de leur existence, où le nèant et l'absolu semblent se mêler en elle! On se souviendra longtemps de ses silences dans les compartiments ou les couloirs d'un train, de ses quais de gare qu'elle arpente ou de sa brève nuit avec sa mère (Lèa Massari, magnifique, même si on ne la voit que dix-quinze minutes). Et de la chanson, "Les amants d'un jour", d'Edith Piaf, qu’Aurore Clèment chante a cappella pour Jean-Pierre Cassel! Mais derrière les stations de gare, avec ses trains de nuit, ses passagers anonymes et son inimitable atmosphère, il y a finalement un peu d'Anna en chacun de nous...
Le réalisateur Marcus Nispel se charge de relancer une nouvelle adaptation du guerrier Conan. Ayant tourner auparavant un film sur les vikings (Pathfinder). Hollywood s'est dit et pourquoi pas lui ! Moué, au final voilà un bien mauvais coup d'épée. J'ai rien n'apprécier, même pas sur un plan de divertir. Je veux bien comprendre que de passer après John Milius est pas une mince affaire, mais mince quoi. L'acteur principal s'efface tout seul malgré sa prestance. Dans le lot seul Stephen Lang procure une très minime satisfaction. Pour ce qui de la composition musicale, ici c'est Tyler Bates, si vous vous demandez claque t-elle aussi fort que celle de Basil Poledouris, enlever vous cette idée. Bon, Marcus fait de ce retour de Conan, le barbant. Pitié faut vraiment stopper le massacre.
Un film gnangnan sur les bords : à ne guère voir pour le moment !!
Nanard international mélangeant la comédie, le kung fu, les agents très spéciaux, les méchants trafiquants, voir les super héros, les spécialistes du genre ont de quoi se régaler. Cocorico la meilleur prestation reste celle de Duphilo dans un rôle dont il a le secret. Critique qui respecte parfaitement la charte.
La première partie du film est interessante sans pour autant transcender. La deuxième partie quant à elle, est d'un ridicule... c'est du grand n'importe quoi, absolument pas crédible! A fuir!
Quel bol d'air dans cette période qui se veut morose. Un piège tendu avec brio et un rappel incroyable c'est que nous avons le pouvoir d'inverser la tendance et que le pouvoir est aussi entre nos mains. On ri, on est profondément ému mais on ne s’apitoie pas. On veut juste que la machine ne s'enraye pas et que le piège prendra. Bravo à l'équipe de Fakir et MERCI!
Cinquième long-métrage de Gregg Araki et deuxième opus de sa "Trilogie de l'Apocalypse Adolescente", The Doom Generation est une œuvre insolente, décomplexée et déroutante. Coloré de toutes parts, outrageux de par sa violence graphique sans retenue, aux scènes érotiques sensuelles et provocantes et aux dialogues naturels, le film met en scène un couple d'adolescents paumés qui, après une rencontre fortuite avec un énigmatique beau jeune homme, va commencer un road-trip dramatique fait de rencontres improbables et d'expériences nouvelles. De nombreuses scènes-choc nous clouent de par leur spontanéité et leur improbabilité tout en restant dans un contexte purement logique et réaliste. On reste tout de même intrigué par tous ces signes récurrents qui viennent se caler dans le scénario (chaque achat coûte 6.66$, les ex de l'héroïne Amy, etc...), s'entremêlant à une expérimentation physique des trois jeunes gens qui goûtent peu à peu aux plaisirs sexuels les plus incongrus, se découvrant petit à petit. Au niveau de l'interprétation, Araki retrouve son acteur fétiche James Duval et s'entoure de la magnifique Rose McGowan, alors débutante, ainsi que du charismatique Johnathon Schaech. Le reste du casting n'est qu'apparitions (importantes) d'acteurs alors inconnus comme Parker Posey, Cress Williams et même le groupe Skinny Puppy. Commençant comme un film de mœurs américaines à scénettes sans réelle importance, l'histoire de The Doom Generation se concrétise petit à petit jusqu'à un final déconcertant d'imprévisibilité et de violence, une marque de fabrique chez Araki, qui boucle un road-movie passionnant sur les crises d'identité chez les adolescents des années 90. Ainsi, à travers une trame au semblant banale, le metteur en scène réussit à captiver avec grâce et volupté un univers réel palpable pas si lointain que ça...
la plus grosse production steven seagal avec un casting choc, pour un film qui décoiffe, du bon divertissement
Mes Meilleures amies propose une trame familière de feel-good movie romantique, et s'appuie largement sur le talent de Kristen Wiig, qui a coécrit le film et interprète le personnage principal. Le scénario ne brille pas par son originalité, mais il est suffisamment bien mené pour que le comique trash qui vient parfois s'y greffer ne déséquilibre pas l'ensemble. Le film réussit le mariage entre mélancolie et bouffonnerie avec un naturel qu'aucune autre production de Judd Apatow n'avait atteint jusque là. Le talent d'improvisation des actrices y est pour beaucoup et permet au film d'échapper au léger ennui que pourraient provoquer les passages obligés du buddy movie et de la comédie romantique (Mes meilleures amies est un mélange là aussi très réussi des deux genres). Le résultat est un film incroyablement souple, qui accueille les idées comiques les plus inattendues et leur laisse tout l'espace nécessaire. Les meilleurs gags sont ceux qui s'étirent au point de devenir des sketches à part entière, comme avec la géniale scène des discours qui oppose Annie et Helen. Mes meilleures amies a été vendu (à tort) comme une version girly de Very Bad Trip. C'est plutôt une comédie excentrique, au tempo inhabituel, qui réussit le grand écart entre le gag scato et une vision presque poétique de la trentaine. Critique détaillée: https://www.espace-critique.fr/critique-mes-meilleures-amies/
Film inclassable et icconoclaste, ce "Killer Tongue" est représentatif du vent de renouveau qui a soufflé sur le fantastique ibérique au milieu des années 90. Porté par un casting propre à ravir les fantasticophiles, avec en tête Mindy Clarke ("Retour des M-V III") et Robert Englund (Mr Freddy Kruegger himself!), ce film provocateur et destroy emboite joyeusement le pas aux premiers film d'Alex de la Iglesias de par son exhubérence typiquement hispannique. Le film multiplie les scènes gores et les gags délirants avec un sens de la provocation que n'auraient pas renié Lloyd Kauffman et la TROMA. OFNI sans équivalent, cette honnête production horrifique se revoit avec d'autant plus de plaisir à l'heure où le cinéma fantastique espagnol a du mal à se défaire du schéma classique (fantôme+gosses=grosse trouille) qui l'a propulsé en tête du box-office.
Débile à souhait. Un film à dormir debout! On regarde Steven S, JCVD, Chuck N ou Lorenzo L et rien qu' avec leur générique, on est dans les bras de Morphée. C'est plus efficzce qu'un somnifère ou une anésthésie. C'est du vécu, ça marche avec tous les titres et partout (salon, chambre; cinéma, bal; aéroport, mer, tempête, ouragan, tsunami, tremblement de terre,...) A ne pas rater pour les insomniaques. A éviter pour les apnéistes du sommeil.
On revient au niveau du premier. L'argument est tout bête : On doit retrouver le Graal avant les nazis (pourquoi se gêner ?) le scénario est tout bête. La présence de Sean Connery apporte une dimension supplémentaire et le fait d'avoir confié le premier rôle féminin à une méchante est une idée excellente. Des gags, de l'humour, de l'action, des rebondissements. Bref, encore un chef d'œuvre !
Crazy Heart, c'est le quotidien d'un chanteur devenu has-been. Celui qui n'a plus écrit de chansons depuis belle lurette. Qui a vu son son élève dépasser le maître. Qui a un public de fans lui demandant éternellement les mêmes tubes. Ce qui ne l'aide pas à vivre avec son temps. Comme en plus il est alcoolique et fume comme un pompier...Je ne vois pas trop ce que cette jeune journaliste va trouver à cette éponge à whisky. Pour lui, ce qui est sûr, c'est qu'elle sera une bouffée d'oxygène. Et pourquoi pas se poser avec son fils et elle ? Tout de suite, ce serait vivre ce qu'il n'a jamais réellement vécu. Lui qui enquille les rencontres d'un soir avec une femme en général toute aussi paumée que lui. Cette mère célibataire amènera chez lui une véritable prise de conscience. Lutter contre ses démons et même les vaincre. Renouer avec son fils. Retrouver l'inspiration. Enfin. Est-ce que la vie d'un chanteur de country toujours sur les routes entre deux galas dans des cabarets est compatible avec une vie de famille ? C'est là que Crazy Heart ne finit ni particulièrement bien ni particulièrement mal. Tout dépend d'où sont situées ses priorités. Il y a une réelle amertume qui s'en dégage car les gens autour de lui qui ont compté ont du mal à pardonner et même ne le font pas. Si chanter et jouer de la guitare est sa seule raison de vivre, là par contre...
Un film étonnant et moderne au point qu'il semble avoir colonisé l'imaginaire de Verhoeven pour son Basic Instinct et Cronenberg pour son Faux Semblants. Beaucoup moins standard et lambda qu'il n'y paraît. Rétrospectivement, c'était l'oeuvre audacieuse et visionnaire d'un Siodmak au sommet.
J'aime trop Wood Harris (do you know Barksdale man ?). Hormis cela, ce film est très très bon. Je conseil au amateur.
A part "Ridicule" que j'ai beaucoup aimé et sans évoquer "Les Bronzés", "Les Bronzés font du ski" (j'ai la décence de ne pas parler du troisième !!!), films qui s'appuient totalement sur le Splendid et où la mise en scène est très impersonnelle, Patrice Leconte est un cinéaste qui m'a jamais véritablement emballé. "Le Mari de la coiffeuse", même si je lui reconnais une originalité incontestable, ne fait pas exception. Originalité qui réside dans le fait que ce n'est absolument pas un film avec une histoire classique mais dans une oeuvre de sensations. Mais la réalisation technique de Patrice Leconte est trop plate, trop sage pour vraiment bien savoir profiter de toutes les possibilités de sa peu banale histoire, pour la rendre percutante. Quant à Jean Rochefort, son interprétation est irréprochable, comme d'habitude avec cet acteur d'exception, mais malheureusement il était déjà beaucoup trop vieux pour jouer son personnage. Aussitôt vu, aussitôt oublié...
A voir ce film sud-coréen, on a une impression très forte : dans ce pays, l'identité nationale tourne autour de la bouffe ! Pourquoi pas ? En tout cas, tout le film tourne autour d'un concours national qui permettra de désigner LE GRAND CHEF, celui qui maîtrise le mieux toutes les facettes du métier de grand cuisinier. Et, en Corée, ça comprend même la découpe de la viande sur un bœuf entier ! Dommage que le film soit extrêmement brouillon. Dommage aussi que le réalisateur ait voulu assez souvent introduire des scènes qu'il aurait voulu burlesques. Dommage, car il est aussi doué pour le burlesque que Raymond Domenech pour être sélectionneur d'une équipe de football. Sinon, on apprend des choses intéressantes sur la culture coréenne et sur son histoire. Tout ça, en s'ennuyant quand même assez souvent !
Un excellent western ! Très bon rôle de Clint Eastwood!
Un sacré film. Que du dialogue, que du blabla, que des discussions. Des nazis insultent les juifs et préparent le génocide. Angoissant et prenant, un bon film d’histoire. Je le déconseille aux moins de 10 ans. 4/5
Un manque de charisme évident de Benaffleck dans ce film et aussi de Farel comment ruiné une licence Marvel
"Les trottoirs de Bangkok" ou un nom qui n'a aucun rapport avec le film (a part quelques passages dans Bangkok), en faite on s'attend a un film plutot en Thailande et la plupart de ce film se passe en France avec des français !! Et on ne sait pas qui est le bon ou le méchant dans le film tellement il se passe de choses inutiles :-/ Signalons juste le passage dans le salon de massage/GogoBar ou les filles sont superbe seule bon point du film ...
Hautement autobiographique (le père du réalisateur était écrivain), Jacob Berger nous plonge corps et âme dans un drame familiale et oedipien des plus sombres. L'atmosphère générale est terriblement lourde. Personne n'est bon, tout le monde en prend pour son grade, à commencer par cette ébauche de père, qui passe du statut de victime à celui de bourreau au fur et à mesure des révélations. Le fils qui malgré ses erreurs et les quelques circonstances atténuantes qu'il avance, ne nous fait pas tellement pitié. C'est un gamin comme les autres mais qui a mal tourné à cause de ce père, comme se plairait à nous l'expliquer les psys de comptoire. Enfin, la fille change de bord en même temps que son père. Elle l'idôlatrait est avait "sacrifié" sa vie pour l'oeuvre de son paternelle avant de s'apercevoir que celui-ci lui a menti. Le propos, digne d'une tragédie grecque pourra en rebuter certains ( trop de drame tue le drame ?! ). L'héritage télévisuel de Jacob Berger se resent, en particulier lors des flash-backs, et fonctionne assez mal dans un film de cinéma.
Mouais... la sauce ne prend que rarement. Si le film se veut une comédie, alors c'est rarement drole, pas très crédible et ca dégage surtout un sentiment de devoir baclé. Cependant Soul Kitchen a un coté revigorant assez appréciable, certaines situations de ces trentenaires sont amusantes mais si souvent invraisemblables. Indigeste.
Un péplum très classique sur la forme avec ton dramatique, costumes et interventions de personnages fameux de l'époque (Claigula, Pince Pilate, Pierre...). Notons aussi la bonne performance d'acteur de Richard Burton. Le film se démarque surtout par son sujet: un jeune tribun romain se retrouve confronté à la naissance du christianisme et finit par se convertir. Avec un tel sujet, le risque de tomber dans le prosélytisme est grand même si l'idée d'un personnage de péplum se remettant en cause et trouvant la rédemption pouvait être intéressante. Et hélas, le film en fait des tonnes avec son message religieux au point de ressembler par moment à un véritable cours de catéchisme. Au final un film pompeux et maladroit qui aurait gagné à être plus subtil. Heureusement, sa suite ("Les Gladiateurs", réalisé par Delmer Daves) sera de bien meilleure facture.
Ardant défenseur de la cause des femmes. Mizoguchi dépeint un Japon médiéval ou règne l'injustice des hommes. Construit sur un grand flash-back le film captive par le beauté de sont noir et blanc et par la précision implacable de ses cadres. Le réalisateur sait donner à l'histoire une intensité poignante.
Si l'ennui était un des Beaux-arts, on pourrait proposer "Les Amants du Texas" en Défense et Illustration. Il (Bob Muldoon) s'est évadé, va retrouver sa belle (Ruth Guthrie) et leur enfant qu'il n'a jamais vue (Sylvie, qui va fêter ses 4 ans). On imagine que ça va être difficile. Et que tout n'est pas blanc, ou noir. Au bout d'1 h 37, le drame promis est accompli, et on s'est copieusement barbé. Autour de moi, les bâillements se faisaient de plus en plus nombreux, au fil des non-rebondissements successifs. J'ai vaillamment résisté pour ma part à la léthargie ambiante - heureusement cette purge, je l'ai visionnée juste avant le dîner. C'est non seulement soporifique dans le traitement, mais c'est en plus à prétentions "auteuristes"..... Casey Affleck ne réussit jamais à faire mieux que le minimum syndical du pov' p'tit gars endossant un costume de gangster trop grand pour lui ("l'Amant"). "L'Amante" est un poil mieux (Rooney Mara). Quant au "Texas", aucun parti opportun n'en est tiré, ni dramaturgique, ni photogénique. Encore plus raté que "Lawless".
Que dire sinon que je suis consterné. Les "Zombies" (en fait, des soldats zombifiés, sous l'emprise d'une cérémonie magique) ne sont que de loin le sujet de cette... romance. En gros, l'intrigue amoureuse prend le pas sur le scénario bancale et effroyable de cette production, tout juste dans le timing pour être considéré comme un long-métrage. Mention spéciale pour els reproduction photos géantes qui servent de décors et les acteurs... légèrement à côté de leurs rôles. Même pas drôle.
Sincèrement, lorsque j’ai commencé à écouter le film, je n’étais pas très certaine si ça allait être bon, mais l’histoire m’a conquise. Le scénario est parfait. Les actrices jouent bien leur rôle. Pour ma part, j’ai bien aimé. J’ai été très surprise et vous le serez aussi en tout cas je vous le souhaite. En plus, 1h30 de film ça passe très vite. À écouter sans hésitation!
Je suis d'être fan du film original de Victor Sjöström à cause de son moralisme lourdingue mais il faut tout de même lui reconnaître deux grands mérites : le premier, savoir dégager un climat fantastique du début jusqu'à la fin, le second, suinter de brutalité. Deux grands mérites que ce remake de Julien Duvivier ne possède pas, le fantastique étant notamment juste exploité un peu au début et un peu à la fin. Par contre le moralisme lourdingue est lui bien présent. On a affaire à un alcoolique bien récalcitrant de chez récalcitrant qui a vraiment l'air que de vouloir faire du tort à son entourage vs une salutiste sainte de chez sainte et donc parfaite de chez parfaite ; ce serait un euphémisme de dire qu'on ne croule pas sous la finesse dans la caractérisation des personnages, le Bien vs le Mal point barre... Reste tout de même un casting qui assure, mention spéciale pour Louis Jouvet qui apparaît peu mais grandiose comme à son habitude, et une technique incontestablement très soigné.
Encore un film coup de poing signé Jacques Audiard. A travers une mise en scene astucieuse et brillante, le cinéaste nous plonge dans une ambiance d'une extrême noirceur, qui renforce magistralement cet excellent scenario, mélancolique, pessimiste... Un véritable choc. La bande-originale est parfaite, et notamment les moments très forts dans lesquels le personnage de Tom (Romain Duris) joue du piano. Une oeuvre saisissante qui montre encore une fois le talent de Jacques Audiard, qui s'approche de pres du chef d'oeuvre.
Peu engageant au premier abord le film s'avère vite plus vivant et moins politiquement correct que certains westerns tournés 10 ou 20 ans plus tard. Avec une part d'Histoire et des personnages hauts en couleurs on ne s'ennuie pas, seule Claudette Colbert nous rappelle lourdement que l'on visionne un film d'avant guerre
Loin d'être un des meilleurs films de De Funès, "Le Grand Restaurant" est également loin d'être un ratage. Assez amusant, voire tordant (la scène du jeu d'ombres, au début), le film se laisse voir sans déplaisir. Le scénario est aussi fin qu'une feuille de papier à cigarettes, et tiendrait sur un cran de timbre-poste (un chef d'état a été enlevé, il faut le retrouver), mais on ne regarde pas un film comme celui-ci pour le scénario, avouons-le. Un honnête film moyen. Une série B comique.
Protocole, n, m : ensemble des règles et opérations dont l'ordre strict doit être respecté dans la conduite d'une expérience, compte rendu de cet ensemble. L'efficacité en cuisine dépend du bon respect de la recette et du temps de cuisson, avec un soupçon de place laissé à l'expression de...l'instinct.
Derrière son vernis joliment arty/indé, Those People souffre d’un scénario complètement raté, qui fait tout reposer sur l’affection sans bornes que sont censés ressentir tous les personnages pour un jeune aristo déchu, centre d’attention permanent. Or le garçon est complètement détestable, ce qui rend toute cette histoire de triangle amoureux invraisemblable et poussive. Tout est mal écrit, et en plus assez mal joué, pour un résultat superficiel et convenu.
Une satyre politique qui ne m'a pas arraché un sourire , très décevant vu les critiques de la presse .
Un quasi huis clos racontant la folie d'un type qui ne sait plus faire la différence entre ses cauchemars, ses fantasmes, et la réalité. Après un début intrigant, le film perd son intérêt, et s'embrouille tout seul.
Décevant, une belle histoire pour faire rêver les plus petits, mais c'est tout. Les rêves sont encore plus beaux quand on les partage en profondeur, et là c'est le néant. Ici, les thèmes traités ne sont que le hasard, la chance pour réaliser ses rêves. Du coup, le scénario en est complètement touchée et truffés de rebondissements, et encore j'espère que vous avez compris l'ironie. On se doute bien que le réalisateur n'a pas fait exprès de traités ces thématiques. Kuno Becker, n'y peut vraiment rien et ne sauve en rien son personnage caricatural de celui qui à des rêves pleins la tête et de celui qui est un véritable joueur qui change les matchs à sa manière par des prouesses techniques remarquables.(D'ailleurs, ils sont très peu dans le monde à réaliser des roulettes tous les deux minutes dans un match, je tiens à le signaler. Zidane, Cristiano Ronaldo, Messi, ils ne le font pas EUX !). La sous-intrigue parallèle amoureuse et des "filles de joies matérialistes" en est aussi un brin irritant. Les coulisses du club ne sont pas représentées (seulement en surface, encore une fois...), les séquences de coaching sont d'un irréalisme total. Et l'univers du football est bien trop généralisée dans son ensemble. La soif du football n'y est pas, il n'y a aucune passion. Ce thème n'est pas facile car le risque est de tomber dans la facilité, mais autant faire simple. Le football est un sport simple non ? Ca ne sera pas une Palme d'Or, ni un Oscar, mais faire simple sans être caricatural n'empêche en rien d'être cohérent. Quand est-ce que nous aurons droit à un vrai film de football sans tomber dans le cliché, et les paillettes ? Peut-être jamais. Comparé au second, le premier est bien mieux réalisé en terme de scènes "matchs". C'est bien plus prenant, et au moins le film n'a jamais aussi bien répondu à la philosophie du football : seul le rectangle vert tient en elle la magie du football. Sauf que c'est tout. "Goal" est tombé dans le piège du hors-jeu...
Abluka – Suspicions nous plonge dans un Isbanbul prochain. Après vingt années de prison, Kadir sort et s’engage à aider la police dans la lutte contre le terrorisme en étant informateur. Mais la dure réalité politique, la pression des autorités et la violence qui règne avec son frère le rend parano. A trop insister sur la suspicion que chacun a envers l’autre, le réalisateur en oublie sa propre intrigue. Il renforce également le climat sombre et sans espoir de par une mise en scène sans attrait. On se perd alors dans cette caricature abondante de la corruption et de l’anxiété. Emin Alper oublie surtout de rendre ses personnages humains. Jamais il ne nous a possible d’avoir de la compassion pour Kadir ou son frère chasseur de chiens errants. Abluka – Suspicions est une œuvre trop métaphorique et sans conclusion réellement percutante. D'autres critiques sur ma page Facebook : Cinéphiles 44
40 ans après le chef-d'oeuvre La Nuit des morts-vivants, Romero nous donne un des pires films de zombies que j'ai vu. Tout sonne faux (par exemple lorsqu'un des personnage est attaqué les autres regardent tranquillement sans réagir). Un scénario extrêmement mal écrit, dialogues et situations balourdes. Le filon "zombie" du cinéaste est largement épuisé.
Sujet très intéressant montrant les dessous d'une campagne électorale ainsi que la transformation d'un homme aux convictions fortes en politicien. Malheureusement, le film est gâché par une mise en scène absolument calamiteuse. Des gros plans qui n'ont aucun sens, des coupes absurdes et une utilisation de la musique calamiteuse.