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Une bonne comédie aux dialogues toujours très bon d'Audiard! Un Louis De Funès parfais en bon pigeon et un Jean Gabin parfais en arnaqueur gentleman!
Ballet d'entrée très réussi pour Danny Boyle avec "Petits meurtres entres amis", comédie noire et acide qui se transforme petit à petit en un thriller à suspense et à rebondissement. La caméra du réalisateur anglais est très propre et crée à merveille la confusion en démentant constamment un plan par le suivant. En découle un sentiment d'incertitude qui relaye à merveille celui provoqué par une intrigue bien écrite et des rebondissements parfois attendus mais dont l'amoncellement finit par surprendre. Incertitude encore confortée par des personnages névrosés et instables, solidement campés (belle perf' d'Ewan McGregor). La BO et son thème récurrent au piano maintiennent ce qu'il faut de tension jusqu'à un twist final très réussi. Bref, un très beau coup d'essai !
On s'attend à une banale histoire d'un mec de la ville qui va faire du traineau et finalement c'est un peu plus sympat' qu'il n'y parait. Le scénario est bien trouvé. Il y a pas mal de scènes plutôt marrantes..
Malgré une idée de départ plutôt intéressante quoique classique, un film qui souffre d'un certain manque d'envergure et d'un rythme poussif. Interprétation assez bonne, à l'image de Connie Nielsen. Au final, bien peu réaliste.
C'est tellement vulgaire la première moitié que je voulais arrêter le film au bout de 20 minutes. La deuxième partie du film prend un plus de substance. Mais, on finit par se poser de question. Tout ça, pourquoi ? Ca commence comme Rosemary's baby mais termine comme un documentaire pour les supporteurs de pro-life. Les femmes enceintes auront toutes à gagner, de regarder un bon documentaire, ailleurs. Ce film n'a aucune classe. Les acteurs jouent mal. Les acteurs n'ont aucun charisme. Comme d'hab, placement de produits pour cigarettes et l'alcool (1664 bien en évidence pour ne pas la rater et une scène où les gens sont hyper heureux de fumer des clopes !). Les dialogues ne volent pas très haut. Ce film ne m'a pas donné envie de lire le roman contrairement à ce que j'ai ressenti en regardant l'excellent The Descendants.
Dans un parc d'attraction, un bus est arrêté par des ours enragés (!), un petit groupe de personnes prend la fuite pour finalement se retrouver dans une sorte de forêt magique où ils y affrontent leurs cauchemars du passé... Le film tient sur des bases impuissantes, il essaie de s'appuyer sur cette histoire entre "Jumanji" et "The ring" avec un acharnement pitoyable: même quand il s'écroule par terre, il continue d'avancer. "Are you ready" se veut en plus être un film commercial, il n'hésite donc pas a y aller quand il s'agit d'utiliser des effets spéciaux (ratés) et des décors tape à l'oeil (ridicules). Les scénaristes ont recycler du "déja vu" pour donner du "déja vu 100 fois". Les scènes d'actions se résument à des courses poursuites entre les personnages et un ours, puis entre les personnages et une bande de rats puis pour finir entre les personnages et des éboulements. La mise en scène est molle, le réalisateur commet parfois des incohérences et pire, il lui arrive même d'oublier ses personnages. "Are you ready" est une véritable insulte au cinéma coréen et montre ce que la commercialisation peut infliger à l'art, c'est une véritable épreuve de force car non, on n'est vraiment pas près pour voir un tel film.
"Ce qui me semble beau, ce que je voudrais faire, c'est un livre sur rien, un livre sans attache extérieure, qui se tiendrait de lui-même par la force interne de son style" Flaubert, lettre à Louise Colet. Gustave, après quatre ans de travail acharné et aliénant est parvenu à transformer un court article de fait divers sur le suicide d'une femme adultère en un roman de 500 pages. Sophie Barthes s'est donc attaqué à ce sacré morceau, objet de 19 adaptations cinématographiques avant elle. J'ai eu la chance de voir cette nouvelle adaptation de "Madame Bovary" en avant-première. Le film est sublime, tant au niveau de la photographie que des plans ou du jeu des acteurs. La réalisatrice a fait le choix de se concentrer avant tout sur l'ennui ressenti par l'héroïne qui cherche à meubler comme elle peut sa vie vie creuse et sans but. C'est un choix louable, puisqu'il est impossible de traiter tous les aspects abordés dans cet éminent pavé de la littérature française. Le personnage de Monsieur Lheureux est brillamment traité, apparaissant comme un vautour avide et sans pitié. Je ne peux toutefois m'empêcher d'émettre une petite réserve quant à certains points. Charles occupe une place bien trop maigre. Le "Charbovary" de Flaubert est fade et insipide, mais il est avant tout fou amoureux de son épouse. Cette passion destructrice est occultée dans cette adaptation, Charles est seulement antipathique. Par ailleurs, le prénom "Rodolphe" n'est évoqué à aucun moment, dans le film est simplement désigné comme "le marquis". En outre, j'ai trouvé la mort d'Emma bien trop douce et rapide, et son agonie beaucoup plus lisse, beaucoup plus propre que dans le roman ou dans la version filmique de Chabrol. En bref, cette adaptation de "Madame Bovary" est un film sur l'ennui mais qui n'ennuie pas, globalement fidèle à l'oeuvre de Flaubert. A voir.
Cameron est un technicien hors pair et maîtrise donc parfaitement les scènes d'action. Malheureusement, pour l'humour, il se montre nettement moins doué. Seulement quelques scènes avec l'excellent Bill Paxton fonctionnent dans la première partie du film. La seconde, elle, pâtit trop d'un méchant inexistant.
Cette histoire de détective privé m’a rappelé les séries télé de mon enfant dans les années ’80 : « Vegas », « Timide et sans complexe », « Simon & Simon », « Mike Hammer » ou « Les Enquêtes de Remington Steele ». A l’époque, les scénaristes ne semblaient pas avoir d’imagination et tous les héros étaient détective privé. 35 ans après, il faut croire qu’il y a une nouvelle panne d’inspiration des scénaristes car le scénario de « L.A. Rush » est minimaliste et juste un prétexte pour enchaîner des petites scènes sans vrai enjeu dans le quartier de Venice, à Los Angeles, pendant 94 minutes. On ne s’ennuie pas car il y a un nombre assez impressionnant de personnages haut-en-couleur. Néanmoins, le film ne restera pas gravé dans ma mémoire. La fin de carrière de Bruce Willis est décidément étonnante…
A l'image du travail effectué par Jacques Tardi dans sa BD "C'était la guerre des tranchées", Joseph Vilsmaier montre dans ce film, très loin des super-productions du genre et des clichés "historico-scolaires", le destin tragique et abominable de soldats allemands déchiquetés par l'horreur de la guerre. Partis en croyant mener une opération éclair au pays des steppes, ces jeunes hommes découvrent la réalité du front russe. Très vite, les soldats redeviennent des hommes et les combats se livrent entre leurs sentiments. La colère et la peur, omniprésentes ne sont pas exhibées mais, bien au contraire, montrées avec pudeur et sincérité. Ce film rappelle également que les nazis ne formaient que la partie, hélas, meurtrière de l'Allemagne, alors que de nombreux Allemands étaient enrôlés (souvent) de force pour constituer les unités de l'armée envoyée au quatre coins du monde. "Stalingrad" efface peu à peu les frontières et prouve, s'il en était besoin, que face à la mort, les Allemands et les Russes étaient avant tout des hommes dont l'unique priorité était de survivre, coûte que coûte...
La déception est grande pour Cogan : Killing Them Softly !! Dans un film de genre, on s'attend à ce que ça bouge et on se retrouve dans des dialogues interminables entre les personnages. Brad Pitt a surement jouer dans ce navet pour le cash, ce n'est surement pas pour le scénario. D'ailleurs, on ne le voit pas beaucoup dans le film, pas plus que Liotta et Jenkins qui sont avec Pitt en tête d'affiche comme si c'était les personnages principaux. Vous remarquerez que tout les gros noms ne sont pas les personnages principaux, ils ne passe que quelques brefs moments dans le film. On appelle ça du marketing ! Malheureusement, je me suis fait avoir !! Je me suis fié à la bande annonce qui ne correspondait pas du tout à la réalité du film. En résumé : ennuyant et un film qui sent le manque de budget ou d'imagination.
Quatre personnages que l'on suit et que l'on découvre au travers de leurs brèves rencontres savoureuses: le Sdf peintre pour Juliette, le lunaire propriétaire de l'hôtel où loge (provisoirement) le jeune et beau Rudy, l'amoureux de Marilyn, la mystérieuse Prune, etc. S'enchaînent ainsi des tranches de vie où chacun tente de gérer son angoisse à sa façon. Un film qui joue avec l'humour et la tendresse. J'ai bien apprécié.
Film de guerre situé en 1943 dans le Pacifique qui est surtout orienté sur la psychologie et la confrontation des différents personnages .Il s'agit principalement du général Cummings détesté par ses hommes et qui les considèrent comme des pions sur un jeu d’échecs , un lieutenant plus pacifiste qui sera envoyé en mission suicide par ce même général après avoir été son aide de camp et surtout un sergent chef meneur d'hommes sans sentiment très dur cruel et impitoyable .Considéré à juste titre par beaucoup de critiques de cinéma comme l'un des meilleur film de Walsh et l'un des plus grand film de guerre de l'histoire du cinéma. J'ai forcé un peu la note qui me semble bien insuffisante...
Epoustouflant. Un suspens rare et une fin sidérante ! Enormissime . Le meilleur thriller que j'ai jamais eu l'occasion de voir.
"Le train" (1964) TCM le 12.02.2017 Phénoménal : on se laisse porter par cette histoire de guerre qui n'en est pas vraiment une ! Tout est parfait (ou presque) dans ce film et on sent que rien n'a été laissé à la légère ! Malgré sa longueur, on ne s'ennuie pas une seconde. En passant par toutes sortes d'états d'âme : suspense, crainte, espérance Scénario superbe. Et curieux ce casting qui mélange les nationalités, et pourtant ça marche et Burt Lancaster se surpasse ! On est loin des films bâclés de nos jours (2017) au budget de misère... On cherche en vain les défauts de cette production. Ah si, en étant pinailleur, un expert en ferroviaire constatera quand même pas mal d'erreurs ! Par exemple, cette image pourtant fréquemment vue dans beaucoup de films : lors de la traction d'un train, les barres d'attelage sont tendues à l'extrême : essayez un peu de les dissocier de leurs crochets ! En outre, si un convoi est coupé lors de sa marche, les boyaux de freins se séparent et provoquent la mise en action automatique du Westinghouse qui déclenche l'arrêt du train ! etc... mais peu importe, ça ne nuit pas au film ! Le succès (mérité) a été au rendez-vous à une époque où c'était la guerre TV- Cinéma qui faisait rage : 3,5 millions d'entrées ! Là, c'est le cinéma qui a remporté la manche. Savourez cette histoire pleine d'en...train ! willycopresto
Sur le point de devenir une star populaire,grâce justement à Jean Girault,Louis de Funès tournait déja des comédies exaltantes,comme ce "Faites sauter la banque!"(1963),où un armurier floué par son banquier,se fait justice lui-même en creusant un tunnel pour la braquer.On a l'impression d'être dans une comédie italienne,avec des personnages caractéristiques,grotesques et flamboyants.De Funès choisit de ne pas forcer sur les grimaces,et se laisse entraîner par la mécanique huilée de l'histoire:colère/préparation du plan/exécution/soubresauts/chute inattendue.Jean-Pierre Marielle est savoureux.Le film aurait du rester en noir et blanc,car sa colorisation ultérieure n'est pas une réussite.On y retrouve des éléments typiques de la société des années 60,comme les commérages entre voisins,gendarme zélé et amourette policée de jeunes adultes.Les gags portent évidemment sur ce qui peut contrecarrer la réussite du plan.A noter,le fait que Woody Allen a pompé ce film pour son "Escrocs mais pas trop"...
Sempiternelle comédie américaine pour abrutis. Aucun intérêt.
Cinquième film du réalisateur Norvégien Morten Tyldum dont le thème conte une période de la Seconde Guerre mondiale tenue secrète durant 50 ans, par le gouvernement britannique. L'histoire d'une machine allemande appelée Enigma, permettant de déchiffrer les codes et d'Alan Turing chargée de décrypter le code d'accès à Enigma qui était pourtant réputée pour être inviolable. Londres 1939, la guerre est déclarée, Alan Turing, génie mathématicien de 27 ans, est embauché par le MI6, services secrets britanniques ; il est entouré des meilleurs cryptographes britanniques ; leur objectif : trier 159 milliards de milliards de combinaisons possibles de la machine Enigma. Cela prendrait 20 millions d'années alors qu'ils doivent le faire en 20 Minutes. Alan est un génie solitaire, hors normes, donc mal-aimé car différent. Parfois arrogant, il est détesté de ses collègues, excepté de la jolie et intelligente Melle Joan Elisabeth Clarke. Elle va l'aider à améliorer son relationnelet ainsi amener l'équipe ressoudée, à construire la machine à décoder les messages : véritable cerveau électrique fait de câbles et d'acier. Mais cette machine est électromécanique donc lente.La machine d'Alan Turing fut le précurseur des ordinateurs et nous assistons à cette époque aux débuts de l' "intelligence artificielle". Imitation Game : signifie : conversation humaine avec des machines. Le bon scénar de Graham Moore (Oscar du Meilleur scénario adapté) ne traite pas seulement les problèmes techniques de la réalisation de la machine ; il aborde également l'homosexualité du personnage principal. Homosexualité qui était un crime en grande Bretagne dans les années40. Coté casting, nous sommes comblés, car en plus du fantastique Benedict Cumberbatch dans le rôle d'Alan Turing nous trouvons également la belle Keira Knightley dans celui de Joan Clarke. Un très bon Biopic à ne pas manquer.
Premier long-métrage pour Alexandre Aja, après son court-métrage Over the rainbow (1997). Produit par son père (le cinéaste Alexandre Arcady), le jeune réalisateur en herbe s'est attaqué à la nouvelle de Julio Cortazar : "Graffiti" et en a restitué une oeuvre à la fois fantastique et d'anticipation. Furia (2000) est un premier film bien trop bancal pour satisfaire. Les faibles moyens mis en oeuvre se voit constamment, les reconstitutions sont bien trop sobres pour être crédibles, la mise en scène est bien trop amorphe pour nous intéresser un minimum, bien que le film ne dure que 90 minutes, il nous paraît bien plus long, tant ce dernier peine clairement à nous passionner et on reste finalement bien trop indifférent aux sorts des personnages. Malgré une distribution plutôt réussit avec dans le second rôle, Marion Cotillard à tout juste 24 ans (Taxi 1 - 1998). Alexandre Aja avait-il vu trop grand pour son premier film ? A seulement 21 ans, il faut croire que oui. Cependant, cela ne lui a pas porté préjudice puisque par la suite son second film lui aura rapporté une belle reconnaissance auprès du public (Haute tension - 2003), ainsi qu'une Green Card lui permettant de signer des oeuvres toutes plus réussies les unes que les autres (La Colline a des yeux - 2006, Mirrors - 2008 & Piranha - 2010).
Avec ce film, André Malraux démontre que, en plus de ses talents d’écrivain, il dispose d’un indéniable talent pour la réalisation. Le tournage a eu lieu en Espagne pendant la guerre civile et cela se ressent sur l’authenticité que dégage le film. Œuvre engagée en faveur de la République et de l’antifascisme, «L’Espoir» parvient à dresser le portrait formidable d’une Espagne Républicaine, à la fois miséreuse et digne, émouvante et forte. Seul bémol au film : Malraux use des ellipses à foison, au point d'en abuser.
Un documentaire cinématographique très réussi, loin des docus TV, très beau tant artistiquement qu'émotionnellement. Beaucoup de rires et de silences intenses, des images fortes, des petits riens qui en disent long. Pas de jeux d'acteurs mais des patients, tout simplement, qui attendent chaque jour leur étoile filante. Ce film est un beau cadeau pour tous autant que nous sommes. Un film qui met en lumière le quotidien de patients isolés et vieillissants, que nous serons peut être un jour, ou que nous côtoyons déjà de près ou de loin. Courez y !
Il y a tyler qui joue dans ce film !!!
La réalisatrice de « Tempête de sable » a passé 10 années auprès de la communauté Bédouine en Israël et c’est certainement ce qui fait que son film sonne si juste. Sur un thème déjà vu, Elite Zexer parvient à apporter un souffle nouveau, résolument féministe et engagé. On découvre un pan de la société qui est méconnu des Israéliens, qui passent pourtant tous les jours autour du camp, sur des voies rapides. Nous voilà les témoins privilégiés des familles qui peuplent ce campement. Comme les nouvelles générations ont de plus en plus accès à l’éducation et à internet, les traditions deviennent de plus en plus jaugées au sein des communautés et donc, possiblement critiquées même dans un système pourtant totalement défavorable à l’expression des femmes. C’est qu’il en faut du courage pour oser mettre son grain de sable dans les rouages datés des traditions… Ruba Blal est juste parfaite comme porte drapeau d’une jeunesse qui ose questionner les règles avec ironie et discernement, mais qui est aussi déchirée par le poids des coutumes ancrées depuis des générations. On s’attache à ces femmes qui vivent un second mariage d’un père / époux qui doit lutter pour sauver la face et préserver le paraitre si important dans cette communauté. Joliment filmé, parsemé d’humour et de moments réjouissants, le film ne manque pas d’être réaliste même s’il est porteur d’un message d’espoir pour la condition des femmes. Qu’il serait bon d’avoir une suite avec les futures générations !
A part son très bon casting qui dégage une certaine énergie, il n'y a pas grand chose de véritablement intéressant dans ce film philippins. Son histoire, qui parle en gros du quotidien des propriètaires et des clients d'un cinéma porno, s'avère bien vite lassante et la mise en scène manque quelques peu de générosité. Un long métrage assez spécial dans son style.
En petite forme le père Spielberg ces dernières années ? Pour dire une telle sottise, il faut avoir éviter plusieurs de ces films de la dernière décennie. Et ce film montre qu'il est dans une certain continuité, celle de "Lincoln" et "Le pont des espions" notamment. Film dossier sérieux et prenant, il nous immerge dans une Amérique sur le point de perdre son innocence. S'il n'est pas le 1er à le faire, il le fait à sa façon, avec son talent et ses convictions. Visuellement, il fait moins dans le classicisme que sur les films cités plus haut. Sa caméra virevolte, trousse des mouvements élaborés, happe le spectateur. Confronté à un scénario loin d'être cinématographique (des gens dans des pièces qui discutent, parfois au téléphone), il appuie le propos en faisant du tout un film d'espionnage haletant, avec des travellings dynamiques, le tout entrecoupé de plans plus longs où les acteurs ont le temps de donner leur pleine mesure (et il a un casting incroyable pour). Vibrant, le film donne son poids de vue, forcément dogmatique, mais il représente la colère d'hommes et de femmes qui vivent la fin d'une époque. Plus de collusion avec des politiques, une presse libre et indépendante, au service des gouvernés et non des gouvernants. Un point de vue noble, exposé avec parfois un manque de nuances, mais toujours juste. Mise en scène intense, scènes captivantes, acteurs incroyables scénario prenant, un petit bijou de narration qui rappelle la bonne santé artistique du bonhomme. Et surtout, le film ne donne qu'un aperçu de l'affaire, qui recèle de nombreux protagonistes (on pourrait imaginer suivre le parcours du 1er journaliste qui a bossé sur l'affaire pour le compte du TImes, le mythique N. Sheehan). D'autres critiques sur thisismymovies.over-blog.com
Un film ennuyant, à part deux ou trois scènes qui donnent envie de vomir.. le reste du temps on tourne en rond. Je ne parlerais même pas des réactions des personnages, souvent ridicules (surtout pour l'héroïne à la fin).. Il ne suffit pas d'exposer de la violence à outrance pour faire un bon film du genre.
Lance Henrikssen sous-employé, Russel Crowe pas encore une star, DiCaprio encore puceau, Hackman égal à lui-même... Des tireurs tous caricaturaux comme l'évadé sanguinaire, le tireur mytho, le tueur à gage, le dandy...etc... Scénario aussi peu original que possible (la vengeance volé à Sergio Leone !!!) et une mise en scène hilarante de débilité ; on voit le soleil à travers un homme ayant reçu une balle... le gros plan sur des dizaines de mains armés d'une dizaines de flingues qui tirent à tout... le duel final où Hackman fait un salto arrière digne des JO... Ridicule débile sans grand intérêt.
Une belle façon de voir le monde et après ... Bien filmé et très bien joué j'ai adoré!
Après la trilogie de l'incommunicabilité, Michelangelo Antonioni passe à la couleur avec "Le Désert Rouge", film déroutant et abstrait qui met en scène un personnage totalement désespéré (Giuliana), interprété par la magnifique Monica Vitti. Alors que les précédents films du maître italien se focalisaient sur une incapacité des êtres à communiquer entre eux, celui-ci est plutôt la représentation d'une difficulté à vivre dans un monde incompréhensible et nuisible. Si Corrado (Richard Harris) semble pouvoir évacuer son malaise en voyageant sans cesse, en échappant donc à un décor uniforme, Giuliana ne trouve pas d'issue, condamnée à errer dans un monde pollué par l'expansion des zones industrielles, qui inspirent pourtant fortement Antonioni sur un plan architectural - et donc cinématographique. Le désespoir de Giuliana contamine les lieux dans lesquels elle évolue, il ne contraste avec le monde que par sa veste verte qu'elle porte au début et à la toute fin du film; hormis cet écart, sa chevelure fait écho au bois rouge de la cabane dans laquelle elle se trouve avec certaines connaissances et dans sa maison où, pendant une nuit d'amour qui engendre la séparation avec son amant, sa vision est absorbée par un rouge perçant et artificiel au-dessus d'elle. Giuliana doit se résoudre à accepter son état de dépression perpétuelle et dans son rêve de liberté qu'elle évoque à travers une histoire qu'elle raconte à son fils (une jeune fille vivant seule sur une plage déserte et qui soudain entend un bruit continu qu'elle ne peut localiser), réside l'idée que le bonheur est illusoire et que même dans le lieu le plus idyllique qui soit, l'harmonie sera toujours brisée par un événement irrationnel. Peut-être le film le plus sombre d’Antonioni, « Le Désert Rouge » est une œuvre exigeante au fort pouvoir de fascination, une pièce importante dans la filmographie du cinéaste.
On atteint avec ce film les profondeur de ce qu'il est possible de faire . La jaquette et le scénario peuvent paraître intéressant , mais dés les premières minutes on comprend que l'on a faire a un film d'amateur sans queue ni tête. A visionner 15 minutes pour se moquer , pas plus ...
Ce film apporte enfin ce qu'il a toujours manqué à Transformers et notamment dans les derniers films : un vrai attachement pour ses personnages et une véritable relation. Le film prends le temps de développer la relation entre Charlie et Bee et bordel ça marche super bien ! Le film ne fait pas dans la surenchère, on note même quelque plans assez dingues (notamment dans la scène finale). Côté scénario c'est évidemment simple mais c'est efficace et bien mené. Une agréable surprise, à total contrepied de ce à quoi la saga nous avait habitué. Bref un très bon film, je recommande !
Bon passez votre chemin, c'est une perte de temps inutile ! Ce film est une succession de scènes sans queue ni tête ! Ce qui se passe n'a aucun sens. On change de lieu sans trop savoir pourquoi et comment. Je m'attendais à un film d'horreur. Un BON film d'horreur. Avec un sujet tel que le sanatorium ( qui est considéré, rappelons le, comme l'endroit le plus hanté au monde ) j'avais de gros espoirs. Quelle déception ! Et les acteurs, on en parle ou pas ? Le jeu est vraiment mauvais. Si vous voulez voir un film qui se passe dans un hôpital, a tant regarder Grave Encounters. Au moins, là, on sursaute !