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Est-ce qu'un jour on nous servira un film pour enfants original ? Parce que là, c'est du n'importe quoi, tout est cliché, et puis on s'étonne que ce film ait bidé. Le personnage principal est un ado toujours en quête de trésor, et bla bla....il tombe amoureux d'une fille ! (comme c'est original ! Citez-moi un film où il n'y a pas une relation amoureuse !). D'ailleurs cette fille ne sert strictement à rien à part montrer ses formes (avec de superbes lunettes 3D...). Le seul personnage potable est Monsieur Propre (ben quoi ? C'est un chauve musclé après tout !). Parce qu'il y a également le grand-père également en quête d'aventures, perdu depuis des années...rien d'original. Malheureusement, les scènes absolument clichées et ridicules ne sauvent pas ce film. D'ailleurs il porte très mal son nom, vu que les héros ne vont pas à un seul moment au centre de la terre ! A la place, on a préféré mélanger des livres de Jules Verne pour que le résultat soit complètement incohérent, pas original et cliché. Un film à oublier.
Le seul intérêt du film est de voir Julie Delpy trop rare sur nos écrans à mon gout.
Moi qui aime beaucoup la saga Mission Impossible et qui apprécie pas mal John Woo depuis Volte/Face, j'ai été extrêmement déçu du 2ème volet de la saga. Les scènes soit disant "Impossible" ne sont pas transcendantes, le film est ultra lourd en terme d'action et de délires (la course en moto et la lutte à la fin c'est du grand n'importe quoi). C'est plus des soldats c'est des héros de Marvel les gars. Et puis le film se résume à une succession d'utilisation de masques... La mission pour empêcher un ex agent de vendre une arme biologique mortelle se révèle bien pauvre au niveau du scénario. Bref : il était impossible de rater un film sur cette saga mais John Woo a réussi !
Ce film est d'une lenteur épouvantable. Les scènes censées faire peur ne sont pas du tout effrayantes. C'est un film ennuyeux, soporifique. A regarder en cas d'insomnie. La seule chose positive à mes yeux, c'est la doublure en Français qui pour une fois n'est pas trop mauvaise. A fuir !
Polar social et familial ancré dans la France des années 70, avec une interprétation parfaite des deux protagonistes principaux, François Cluzet et Guillaume Canet, ce film renoue avec le cinéma français traditionnel. Jacques Maillot nous livre donc un film nostalgique avec des répliques et des sentiments qui sonnent juste.
Premier long-métrage pour Derrick Borte qui réalise ici une passionnante satire sociale à la fois sur "l'american way of life" et sur le consumérisme. Dans une banlieue cossue (façon Desperate Housewives) des Etats-Unis, la famille Jones s'y installe, ils deviennent rapidement un modèle de réussite et tout le monde veut leur ressembler. Normal, puisqu'en réalité, tout ceci est calculé et prémédité. Ils sont envoyés ici par un important groupe industriel chargé de faire vendre tout autour d'eux divers produits de consommation (de luxe), de l'électroménager, de la nourriture, etc. A trop vouloir le perfectionnisme, certains ne tardent pas à dériver dangereusement jusqu'à passer l'arme à gauche. La Famille Jones (2010) est une surprenante et séduisante critique sociale, alternant l'humour et le drame parfaitement dosés, aux côtés d'une distribution qui mérite à elle seule le déplacement (Demi Moore & David Duchovny). Le film aurait gagné a être beaucoup plus grinçant, un brûlot digne de ce nom, dommage.
De la fantaisie, de l’imagination mais un trop plein d’effets de style et un sens du burlesque pas toujours efficace au service d’un scénario/prétexte pouvant être écrit sur un timbre-poste. Si la qualité de la photographie en noir et blanc due à Willy Kurant mérite d’être soulignée, il est regrettable de déplorer une post-synchronisation plus qu’approximative. Jean-Pierre Léaud est amusant, la chanson interprétée par Christiane Legrand magique mais l’ensemble demeure poussif et terriblement daté.
CE nouveau volet tend vers un fond résolument plus humoristique encore, ce qui n'est pas pour déplaire.
Il ne faut pas croire que les anti-héros n'existaient pas avant Indiana Jones.Au milieu des années 60, Peter Ustinov interpréta le rôle de Arthur Simpson, une sorte d'agent secret cambrioleur ayant le vertige et étant par dessus le marché pleutre à tout les étages.C'est dans "Topkapi" de Jules Dassin qu'Ustinov illumine l'écran dans ce rôle, un film d'aventure à l'exotisme exquis.A ses côtés, on retiendra surtout Melina Mercouri, charmante nymphomane au rire envouteur.Il seront six au total à vouloir dérober une dague d'une valeur inestimable dans le musée de Istanbul, Topkapi.Le film de Dassin est l'archétype du film d'aventure des années 60.Beaucoup d'exotisme, beaucoup de charme et beaucoup d'humour compensent un réel manque de punch et de scènes d'action.Ustinov fait rire, Mercouri charme l'assemblée et le reste de la bande se contente de meubler et même Maximilian Schell qui tient pourtant un des trois rôles principaux, ne parvient pas à convaincre et se fait tout simplement bouffer par les deux autres."Topkapi" est un bon film d'aventure, distrayant et entraînant et c'est tout ce qu'on lui demande.
Le film est constitué de petites histoires qui ne se connectent que de façon très artificielle. Ces petites histoires font entendre une musique bien particulière, qui est celle de Mouret : un couple éprouve ses sentiments en tentant un adultère croisé, une femme mûre souhaite céder à ses désirs et en informe son mari, un jeune homme meurt avant d'avoir connu le véritable amour, une jeune femme propose à une amie de coucher avec son mari ("je suis pour le partage des richesses"), etc... Le hic, c'est que cette fois-ci la petite musique sonne faux. Probablement en partie du fait de la structure bancale du film, mais aussi par la faute de ses acteurs/actrices, qui surjouent tous et toutes de façon notable. Un casting trois étoiles dont personne ne sort indemne, et surtout pas Frédérique Bel, dont on se demande si elle peut vraiment jouer autre chose que les idiotes. Peut-être aussi parce que la franche cruauté des films précédents est ici en berne. Du coup, le caractère un peu ampoulé des dialogues (renforcé par la voix off de Torreton - oui je sais, à ce stade, ça fait beaucoup) fait plus penser à une parodie de Rohmer qu'à la verve casanovienne. La dernière histoire est la seule à intéresser vaguement malgré le jeu toujours très bourgeois de Judith Godrèche. Malheureusement sa résolution convenue en forme de happy end ne la rend pas plus sauvable que le reste. Le marivaudage est un peu triste pour cette fois. D'autres critiques sur Christoblog : http://chris666blogsallocinefr.over-blog.com/
Film poignant sur une réalité à peine exagérée de quartiers abandonnés à la pauvreté où la survie de nombreuse familles monoparentales, le plus souvent où seule la mère est présente, ne tient que grâce à l’aide sociale. Conjugué à une dévastation du système éducatif tout cela mène à l’existence d’une Precious, fille au physique ingrat dont personne, y compris dans sa famille, ne se préoccupe vraiment. La partition jouée par Gaboure Sidibe est incroyable, elle parvient à jouer une jeune fille pauvre analphabète sans pour autant tomber dans le larmoyant, bien aidée par un scénario tout en sobriété. La mère jouée par Mo’Nique est vraiment le personnage le plus ambiguë du film à la fois monstre de narcissisme et femme amoureuse et bafouée qui ne parvient pas à voir la monstruosité de son homme, ni à aimer sa fille. Il y a aussi de vraies surprises avec les présences de Lenny Kravitz en aide malade au grand cœur et surtout Mariah Carey qui abandonne ses airs de Diva, et le maquillage avec, pour incarner avec pas mal de crédibilité une assistant sociale dépassée. Un film magnifique, d’ailleurs il a été couronné de prix, qui n’est pas sans rappeler le magnifique « Couleur Pourpre » et qui mérite vraiment d’être vu pour voir une face de l’Amérique des ghettos où les conséquences du racisme et de la pauvreté font toujours des victimes.
Alors qu'il tombe d'abord amoureux de Nora, une jeune danseuse qui aimerait devenir une vedette de Broadway, le marin Ted va se retrouver pris au piège lorsqu'il sera pris en photo, à son insu, dans une boîte de nuit avec une autre danseuse.. C'est en pleine période de grande dépression et peu de temps avant la Seconde Guerre Mondiale que Roy Del Ruth met en scène Born To Dance où il nous fait donc suivre ce triangle amoureux centré autour de Ted, qui fera tout pour satisfaire Nora. Comédie musicale typique de cette époque, on y retrouve logiquement de nombreuses chansons et chorégraphies et c'est tant mieux, tant elles sont réussies et oscillent entre bonheurs contagieux et légèretés. Si le schéma de l'histoire est plutôt simple voire même prévisible, il est pourtant efficace et surtout sublimé par la mise en scène de Roy Del Ruth qui dose à merveille les inclusions musicales et l'importance donnée à chacun des protagonistes. Il trouve toujours le bon équilibre entre les différents tons tandis que Born to Dance possède surtout un charme fou et des personnages tout le long intéressants, dont le traitement très optimiste ne dérange aucunement, bien au contraire même. Comme dans Broadway Melody of 1936 du même réalisateur, la réussite vient aussi des comédiens où chacun arrive à tirer son épingle du jeu et notamment la belle Eleanor Powell ainsi qu'un tout jeune James Stewart dans un rôle plutôt inhabituel pour lui, incluant même des numéros musicaux (dont il en rigolera par la suite). Les scènes mémorables se succèdent jusqu'à un pétillant final et il est finalement bien difficile d'y résister. Aussi charmant que pétillant, cette comédie musicale à la joie contagieuse permet d'admirer un magnifique trio d'acteurs dans une succession de numéros musicaux réussis et bien souvent irrésistibles. (et merci à Limguela !)
Un film d'une laideur rare qui n'apporte rien au cinéma d'épouvante , les acteurs sont ternes et l'image à l'instar du film , cette virée en Islande n'est pas une réussite .
On n'échappe pas à la beauté spectaculaire de ce bollywood millimétré. L'intrigue est connue d'avance, pleine d'obstacles sociétaux venant éprouver la passion amoureuse, toujours destructrice, mais le charme du film tient à la fervente sincérité de la mise en scène, rythmique et colorée. Un plaisir sucré comme une pâtisserie indienne.
J'ai beau aimer les cinémas du Sud en général et le cinéma iranien en particulier, je dois avouer que le film de Soheil Beiraghi m'a un peu déçu. Certes, on retrouve ici les qualités qu'on trouve presqu'à coup sûr dans les films en provenance de Téhéran : sûreté de la mise en scène, excellente direction d'acteurs, mise en relief de la complexité des relations humaines. Mais cette histoire d'une joueuse de futsall empêchée de sortir de son pays par un mari mécontent (tirée d'un fait réel) est un peu trop simple pour remplir tout un long-métrage. Le scénario use donc de différents subterfuges pour que le temps s'écoule : une course poursuite un peu ridicule et qui apparaît en déphasage avec le reste de l'intrigue, des atermoiements répétitifs et des scènes trop longuement étirées. La permission se laisse toutefois regarder comme un témoignage supplémentaire sur la condition de la femme en Iran. Sur une thématique proche (le pouvoir discrétionnaire d'un mari sur une femme libre, dans une société corsetée) était montré avec bien plus d'intensité dans le formidable film de la regrettée Ronit Elkabetz, Le procés de Viviane Ansalem.
Diourka Medveczky, probablement le plus mèconnu des rèalisateurs de notre temps! Trois enfants avec sa femme Bernadette Lafont (dont la regrettèe Pauline Lafont) puis en 1969 son seul long-mètrage, "Paul", immèdiatement saluè par la critique de l'èpoque, avant que Diourka ne disparaisse dèfinitivement des ècrans prèfèrant la solitude et la vie en plein air dans les Cèvennes! Autant dire qu'il n'existe plus...ou plutôt qu'il existe au cinèma qu'à travers Jean-Pierre-Lèaud & Bernadette Lafont, irradiant de jeunesse! L'histoire d'un jeune bourgeois qui rejoint une communautè de vègètariens [...] Inclassable, "Paul" est une oeuvre burlesque, primitive et cruelle! il s'agit surtout d'un travail exemplaire de mise en scène dans lequel la lumière, le choix des cadrages et l'interprètation (n'oublions pas de citer l'ètonnant Jean-Pierre Kalfon) tèmoignent des plus solides traditions de la Nouvelle Vague des sixties! il n'y a rien de surprenant que ce film n'ait jamais ètè distribuè en salles! Mais comme si Diourka poursuivait la rèalisation de l'utopie de ses personnages, près d'un demi siècle plus tard, il a adoptè leur mode de vie, celui d'un vègètivore, qui lui, aurait choisi la solitude! Une image de crèateur novateur qui n'aurait pu aller qu'en progressant! Unique...
Rutger Hauer est un acteur un peu comme Christophe Lambert, il y a du très bons mais aussi du très mauvais dans sa filmographie. Mort ou vif fait partie de la 2nde catégorie.
Très très mauvais...L'histoire, c'est du déjà vu. Le scénario, c'est du déjà vu. Reste la réalisation...ben je découvre ce réalisateur et j'ai peine à croire qu'il soit cinéaste de profession. Le choix des plans, le montage, les scènes d'action sont vraiment baclés et la direction des acteurs ne les rend pas crédibles. Les méchants tombent avant même que Richard Berry ait tiré (sans viser d'ailleurs). La seule scène dégageant un tant soit peu d'originalité est le lynchage de Richard Berry par les 2 motards malheureusement on peut apercevoir son plastron de protection pendant 1 sec. C'est un détail mais quand même... Je préfère nettement revoir un bon vieux "Le solitaire" ou "Le marginal" avec notre Bebel national, c'est vous dire! Ou dans le même genre, je vous recommande "Assault" de Carpenter et "Nid de guêpes", là y'a quelque chose!
En marge de la sortie de Munich, de Steven Spielberg, ce documentaire éclaire les évènements qui endeuillèrent les Jeux Olympiques de 1972. Alors que les Jeux Olympiques célèbrent la réconciliation et l'amitié entre les peuples, un groupe de terroristes prend en otage dix athlètes israéliens. Ceux qui se baptisent Septembre Noir exigent la libération de plus de 200 prisonniers politiques palestiniens, détenus pour la plupart en Israël. Démarre alors le compte à rebours, qui s'est achevé dans un véritable bain de sang. Ce documentaire ayant reçu l'Oscar en 2000 est en tous points exécrable. La réalisation tape-à-l'il comme un Hollywood Night, des musiques aussi ridicules qu'insensées, montage « thriller pour vous en foutre plein la vue », des propos irresponsables, arrogants, irrespectueux et sans pudeur. Certes on ressort de la projection avec la sensation d'en savoir plus mais un tel sujet ne méritait pas un tel traitement calamiteux. Les images d'archives s'enchaînent comme une pub pour Nike. Un jour en Septembre est un film-documentaire écoeurant et on reste éberlué devant une telle connerie. Le film prend une direction plus fiction que documentaire qui laisse perplexe quant à l'approche voulue du réalisateur, plus axé sur le fait de réaliser un suspense que de rendre un quelconque hommage aux athlètes disparus ou d'aborder un moindre point de vue. On essaiera de se souvenir de la reconstitution chronologique des évènements devant une telle merde cinématographique. Irresponsable et frustrant.
Le film tourne un peu en rond et les séquences de rêves finissent par lasser. Reste que les acteurs s'en donnent à coeur joie et j'ai ri et souri par moment. Un film qui se laisse donc regarder, sans plus.
Quel ennui ! Outre le scénario laborieux et les noms impossibles à retenir pour les non-initiés au manga (j'ai vu le film en VOST en prime), les personnages pleurent tout le temps et combattent peu. Le graphisme est carrément laid par moment à peine digne d'un épisode de Candy. Les combats sont pauvres et peu détaillés, pas vraiment de "sagesse" des arts martiaux à retenir non plus et beaucoup de confusion dans les dialogues -certains contre sens d'ailleurs. Et mes voisins qui se marraient tout le temps n'avaient pas trop l'air d'entrer dans le film dont la scène la plus violente s'est passée dans la salle lorsque je me suis levé pour leur gueuler de se taire. Bref, un ratage total cette séance.
Le film n'a que très peu d'intérêt, ça part dans tous les sens, le cancer, l’infidélité, l'envie d'un bébé et rien n'est traité à fond. Les acteurs choisis sont invraisemblables, la fille aînée a l'air d'avoir 30 ans. Le jeu est appuyé, la scène dans le salon de coiffure est pitoyable. Beaucoup de clichés comme le chef d'orchestre tyrannique qui dirige d'ailleurs très mal, un peu de cours auraient été souhaitables. Bref, un film ennuyeux et sans intérêt.
Bien que méconnue, "le prince de New-york" est clairement un des meilleurs Lumet ce qui si on connait la filmographie du bonhomme, démontre la qualité du film que l'on peut facilement qualifier de chef d'oeuvre et qui est une sorte d'anti-Serpico. Film dense et complexe racontant l'histoire d'un flic corrompu qui en quête de rédemption va balancer le système à qui il appartient sans se douter qu'il n'est qu'un pion manipulable dans les rouages impitoyables et déshumanisées de la justice. Passant du polar au film de procès, "Le prince de New-York" est un vrai drame policier qui prend vite des allures de véritables tragédies et se montre captivant de bout en bout malgré sa durée. Porté par d'excellents acteurs (dont Treat Williams qui mérite bien mieux que les suites de "the substitute" ), le film est aussi une oeuvre profondément travaillé en terme de mise en scène par un Lumet au sommet de son talent et qu'il est impératif de découvrir d'urgence.
Jean-Paul Rappeneau,friand de reconstitutions historiques et d'élans romanesques,s'adjuguait les services du Belmondo de la grande époque,pour une comédie d'aventures bondissante et épique."Les Mariés de l'an II" permettait ainsi à Bébel de combler son goût pour les cascades et les personnages vireloltants en perpétuel mouvement.C'est toujours léger,drôle,mais sans oublier une irréprochable direction artistique,lors des nombreuses scènes de foules.L'appropriation de l'époque de la Révolution par Rappeneau est palpable,même si les enjeux politiques(conflits sanglants entre royalistes et révolutionnaires)sont éludés au profit des rencontres pittoresques et des bons mots.Le casting est ultra-complet,avec de nombreux comédiens qui semblent s'amuser gaiement,comme Sami Frey,George Beller,Sim,Julien Guiomar,Michel Auclair...Le couple Jean-Paul Belmondo/Marlène Jobert fonctionne bien,selon le principe du slapstick,avec des je t'aime moi non plus,au milieu des prétendants et des évènements de 1789.Cependant,ce genre de film n'a aucune portée au-delà du divertissement pur,et ressemble plus à du théâtre filmé,sans le découpage en actes.Il ne dépasse pas sa condition,et souffre de trop de largesses au niveau de la véracité historique.Imparfait.
C'est ennuyeux puis d'un coup l'intrigue arrive...mais elle repart aussitot pour ne plus jamais revenir. paix à son âme, ce film restera un oublié du cinéma
premier opus de cette large saga un petit bijou de cinema que nous délivre misumi comme d habitude dans un film de sabre ce réalisateur excelle les acteurs sont juste impeccables et que dire shintaro Katsu qui s approprie et donne corps au personnage qu il ne quittera d ailleurs plus jusqu'à a la fin du rythme et des temps mort ( avant le duel par exemple ) extrêmement bien ponctues l utilisation du silence dans ces moments d attentes sont juste magique une musique et une photographie de très très bonnes factures elles aussi en bref pas spécialement de bémol meme le noir et blanc reste de mise pour un classique indémodable comme celui ci premier et memorable opus de cette série en quelques mots Merci monsieur Misumi Merci de nous proposer un tel cinema a voir et a revoir
Mon film préféré avec Le fantôme de Barbe Noir (toujours aussi poilant) ! Quand j'étais petit je trouvais tous ces personnages légèrement... inquiétants. La façon lente dont parlait l'homme de pierre, le gros escargot chevauché par quelqu'un (ou plutôt "escargoté" héhé), la "stupide" chauve-souris, Falcor un dragon-chien, etc. Mais ce qui fait que j'ai toujours aimé ce film, est le caractère du petit garçon rêveur Bastien. Moi non plus j'avais du mal à suivre les cours à cause de personnages fantastiques complètement délirants dans ma tête... Un film que l'on apprécie quand on est rêveur. Qui n'a pas pleuré lorsque Artax, le cheval d'Atreiyou s'enfonce dans les sables mouvants ? Qui n'a pas frissonné dans le dos lorsque le loup parle du néant ? J'adore.
C'est encore une fois du Japon que nous vient cette oeuvre complètement déjantée. Tout en conservant une certaine cohérence, le scénario part dans tous les sens pour un résultat qui frise le n'importe quoi. Il repousse les limites de l'absurde pour un résultat jouissif et franchement drôle. "Survive style 5 " propose en plus une belle gallerie de personnages hauts en couleur et une bonne B.O.. Bien sûr, son caractère atypique ne peut pas plaire à tout le monde mais laissez vous tentez et vous verrez.
C'est un beau film, rempli de paysages contemplatifs. Le monde a des places magnifiques, Terrence Mallick, ce cinéaste dont on aime tant qu'il nous déçoive, a fait des émules. Ca se place entre le documentaire et la fiction sensorielle au travers de ses jeunes personnages, la gamine notamment avec son regard ouvert sur le monde. La culture de ce peuple apparait au fil du récit et de ses divers personnages, son attachements à ses terres avec, ses difficultés à pouvoir s'inscrire dans l'avenir aussi quand sa culture a été rogné et a laissé place aux combines et aux échappatoires.
Til Schweiger est un acteur et réalisateur allemand vedette dans son pays mais totalement inconnu chez nous. Les plus attentifs l'auront vu en Lucky Luke dans Les Dalton de Philippe Haïm, la plupart le découvrent en ce moment en soldat nazi rénégat dans le Inglourious Basterds de Quentin Tarantino, bien que son rôle de brute épaisse ne lui permette pas de démontrer ses réels talents d'acteur. Dans Barfuss dont il assure également la réalisation et la signature du script, Schweiger incarne Nick, un marginal enchaînant les petits boulots et les conquêtes qui se retrouvera malgré lui obligé de s'occuper de Leila, une jeune handicapée mentale à qui il a sauvé la vie. Schweiger signe là un joli film sur la relation entre deux êtres paumés qui vont apprendre à s'apprécier au cours d'un voyage plein de vérité où chacun apprendra à s'apprécier et à retenir une leçon. Subtil sans sombrer dans le pathos facile ou la morale pompeuse avec quelques passages comiques assez réussis, Barfuss est un joli film avec des personnages sincères campés avec justesse par ses acteurs et filmé tout en pudeur et discrétion. Un film à découvrir.
Une comédie très sympathique. Ça se passe autour d'un dîner entre plusieurs couples d'amis, quand l'un d'eux propose un jeu qui s’avérera très révélateur. Et à partir de là les choses vont dégénérer, le comique et le tragique vont se croiser assaisonné de clichés sur les italiens... La fin est assez inattendue, mais pourquoi pas !
Val Kilmer nous offre l'un des ces plus beau role, le suspense a coupé le souffle. Un film d'une violence extreme. A voir d'urgence.
Sans grand intérêt.
Comédie romantique originale... virginie effira toujours aussi craquante....
Si l'on oublie la traduction pathétique du titre, ce film était un bijou qui anticipait à l'époque toutes les innovations de l'informatique pour améliorer notre confort. Culte !
Sur la trame classique d'un agent protégeant un témoin, Til Schweiger nous propose un très bon film qui jongle entre des scènes d'action efficaces et des moments plus intimistes. Une très bonne surprise.
ce film est un ovni dans le cinema francais, chaque scene et drole et surprenante, j'ai ri comme rarement, et natacha lindinger au top comme d'hab, je le regarderai de nouveau pour le plaisir