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Attention : le film est surprenant et constitué de 2 parties, la 1ère étant un plan séquence de 37 mn tandis que la 2nde complète le puzzle qui est une mise en abyme. Soyez patient : ne partez-pas ! Effectivement, cela débute comme le tournage d’un film amateur de zombies, dans une ancienne station de pompage d’eau et où le réalisateur crie sur une actrice lors de la 42e prise, lui reprochant de ne pas suffisamment exprimer la peur. C’est filmé caméra à la main.Au bout de 37 mn, fin du film, intitulé « One cut of the head », avec défilé du générique. Fin de la 1ère partie. La 2nde partie constitue en fait les secrets du tournage (« making of » des anglophones) du plan séquence.. Irrésistible et jubilatoire ! Basé sur une pièce de théâtre, c’est une réflexion sur la mise en scène et l’improvisation, avec une mise en abyme, le tout d’une très grande drôlerie, les deux parties, mêmes similaires, étant complémentaires.
Dans les absurdités des distributeurs français, il y a The Blind Side. Nominé aux Oscars 2009, Sandra Bullock récompensée pour son rôle dans le film, il n’est pas sorti dans les salles obscures françaises. Et évidemment, les distributeurs français n’ont pas eu le nez creux. The Blind Side est un film exceptionnel, de la caste des chefs d’œuvre qui n’en n’ont pas l’air, qui n’en n’ont pas le casting ni même l’équipe technique. Et pourtant, le travail de John Lee Hancock sur le film est tellement incroyable qu’il propulse le film dans une dimension inimaginable : mis en scène avec une retenue incroyable qui l’empêche de tomber dans le misérabilisme le plus abject et la propagande républicano-chrétienne (deux scènes sont à sortir du lot de par leur mise en scène virtuose : celle de la rencontre entre Sandra Bullock et la mère biologique de Michael Oher et celle où Oher retrouve son frère qu’il n’a pas vu depuis 10 ans), The Blind Side tient son spectateur en haleine (et en pleurs) deux heures durant grâce à des performances d’acteurs à tomber. Non seulement Sandra Bullock mérite clairement son Oscar de la Meilleure Actrice 2009, mais en plus Quinton Aaron et surtout le jeune Jae Head, déjà entrevu dans la première saison de Friday Night Lights où il était déjà très bon, portent le film avec des interprétations incroyables. Le film se permet même de se garder la légendaire Kathy Bates sous le coude pour nous la servir après une heure de film, dans un rôle qui lui permet de faire ce qu’elle fait de mieux : la dame de fer au grand cœur. The Blind Side n’est pas forcément un film scénaristiquement surprenant, mais c’est un film au grand cœur qui n’en fait pas trop et qui est mis en scène par un réalisateur en état de grâce. C’est un chef d’œuvre qui n’est à louper sous aucun prétexte.
Un scénario nullissime et des acteurs peu convaincants pour un navet apocalyptique.
Usmonov nous entraîne ici dans un voyage initiatique original : le héros, 20 ans, marié depuis 3 mois, n'arrive pas à faire l'amour à sa jeune épouse. Alors il part à la recherche de celle qui saura éveiller sa sexualité. Mais pour aller au 7ème ciel il devra mourir un peu et perdre sa part d'innocence et de pureté.
Voilà un film que j'aurais aimé mieux noter mais je me dois d'être objectif. Musicalement très beau, visuellement aussi, le couple formé par Judi Dench et Jim Broadbent est sublime et fort mais le film en lui-même n'est pas très passionant, pas très vivant et la réalisation qui nous fait passer du passé au présent et du présent au passé n'aide pas la concentration. Décevant quand même !!
Scénario très légers. Les acteurs sont pas bon, les combats ben on voit qu'il sont pas chorégraphie et que les acteurs qui les jouent ne sont pas des combattants. Des raccourcie qui embrouille l'histoire et semble porter la réal vers une facilité scénaristique. On croirait que de ce scénario touffus le réal ne savait plus comment boucler sont film. Bref pas bon !
Il est comme ça des films qui donnent envie d'ouvrir des livres. Sylvie Testud est remarquable.
Le plus nul des films nuls que les américains ont pu nous pondre.. Je pensais pas qu'en 2017 on pouvait encore oser sortir de telle flop !! Ceux qui ne l'on pas vu, passer votre chemin !
La très singulière irruption de l’onirisme surréaliste dans l’univers du film noir américain (le décor est celui utilisé pour « La soif du mal » et, fait étonnant, un des personnages centraux est un véritable sosie d’Orson Welles). Le film est du début des années cinquante et il faudra attendre David Lynch pour voir quelque chose de comparable. Hommage soit rendu à S. Bourgoin pour avoir déterré cette pépite pour l’éditeur de DVD Bach films. Elle avait fait un bide absolu à sa sortie en salle et connu toutes les avanies dans son exploitation commerciale ultérieure. La présentation érudite faite par Bourgoin en bonus est passionnante. Un film qu’il faut voir pour ses qualités intrinsèques et pour son standing de cinéphile tordu.
Ils sont roms, ils forment un petit groupe de garçons dans un bar homosexuel de Viennes et ils parlent. Ils parlent d'eux, énormément, de leurs femmes, leurs enfants quand ils en ont. Mais ils parlent surtout de leur attrait physique, d'une homosexualité qui ne serait pas la leur, et d'argent, constamment d'argent, du coût d'une passe, de la concurrence qui règne dans le milieu qu'ils fréquentent. Après un début très flamboyant aux allures romanesques, "Brothers of the Night" s'enfonce dans un reportage qui n'en est pas vraiment un, où l'on écoute avec beaucoup de patience ces garçons désagréables, hautains, sans que jamais n'affleure la moindre émotion. Certes, dans les costumes marins, les éclairages colorés, il y a quelque chose du cinéma de Fassbinder, particulièrement de son "Querelle de Brest". Mais c'est bien là le seul intérêt de cette œuvre ennuyeuse, impudique, à la limite de la provocation. On aurait aimé des émotions plus vives, des personnages attachants. On y voit des jeunes gens qui se disputent, dansent, dans un brouhaha d'images et de sons.
Le réalisateur se fond parfaitement avec son jeune comédien et révèle intensément la beauté d'un adolescent perdu et candide au milieu de ses phantasmes et d'un monde adulte à la fois aimant et cruel ou maladroit. La pédophilie est enfin approchée sans peur ni mimique ; elle touche.
Film grandiose de par les décors, mais où il est dur de rester concentré tant on a l'impression d'avoir vu ce film plusieurs fois.
Lorsque l'on mélange un Ethan Hawke qui a fait ses preuves avec une bimbo de disney dans un film de tutures qui font boomboom... Ca nous donne une jolie pub d'1h30 pour Ford. Ce film n'est ni bon, ni mauvais, il n'est même pas un divertissement. Il manque une âme et une finalité à ce film. A regarder en dernier recours.
Lion d'or à la Mostra de Venise 1962 (à égalité avec "L'Enfance d'Ivan" d'Andrei Tarkovski), "Journal Intime" fut le fruit de la collaboration entre Valerio Zurlini et Vasco Pratolini d'après le roman éponyme de ce dernier. Et, à l'instar de "L'Enfance d'Ivan" (même si le film ne rentre pas dans la même catégorie), force est de constater que ce "Journal intime" est une réussite. Réussite du point de vue scénaristique, dans la relation qu'entretiennent les deux frères jusqu'aux événements tragiques qui les entourent. Car "Journal intime" est doté d'une puissante force émotionnelle, due à l'histoire évidemment, mais aussi à l'interprétation formidable de Marcello Mastroianni ainsi que de Jacques Perrin, qui tout deux campent leurs rôles comme si il s'agissait de leur propre personne, et ce dans les moindres détails, ce qui apporte un grand sentiment d'authenticité à l'ensemble. A noter que l'action se déroule durant la Seconde Guerre Mondiale, mais que cette dernière est reléguée au dernier rang dans l'histoire, Zurlini privilégiant les relations fraternelles, ce qui évite de faire sombrer le film dans un méli-mélo dramatique. En épurant au maximum son histoire, Zurlini va à l'essentiel. On ressent une touche néo-réaliste dans ce long-métrage, tant la réalité y est dépeinte avec authenticité. Esthétiquement parlant, dans la mise en scène, Zurlini effectue aussi un coup de maître, en s'inspirant des tableaux de Morandi. Mais surtout, le cinéaste prend soin de ne pas sombrer dans le pur et simple mélodrame, avec gros plans sur des visages souffrants et musique larmoyante par derrière. Soit, la tristesse est montrée de manière crue, sans artifices, soit Zurlini préfère le champ de la suggestion de par des ellipses narratives ou des hors champs. "Journal intime" est un film poignant, réaliste, émouvant, servi par deux acteurs principaux au summum de leur art, et d'une réalisation formidable, extrêmement réaliste et sans concessions.
J'ai vu ce film la première fois à la télé, il y a longtemps (25 ans au moins) et je me souviens qu'il m'a scotché. Moi qui recherchais dans la SF la guerre intergalactique je suis tombé de ma chaise après avoir reçu une claque magistral. Pourtant je ne suis pas trop hippie mais là j'ai plongé dans le pessimisme de ce film. L'ayant revu aujourd'hui, je l'ai encore resenti et d'autant plus fort quand je réalise la merde sociale et matériel qui est désormais notre monde.
La vie des triades de l’intérieur,la guerre de pouvoir commence et tout est bon pour arriver aux commandes. La violence est de mise,tout comme la manipulation. Johnnie To fait naitre le premier volet d'un polar intelligent est brillant dans sa mise en scène et dans son image.
Après Parasite, nouveau coup de coeur sud-coréen. Super personnages, super relations entre le flic et le gangster, super histoire. Un bon rythme. Un film policier à la fois classique et qui change, pas avec les grosses ficelles des films américains mais avec les fines ficelles et l'humour sud-coréens.
Même si Barbet Schroeder tente d'instiller un peu d'ambiguïté dans ce film policier standard et sans surprises, l'histoire est peu prenante.
Aucune surprise dans ce mélodrame linéaire dans lequel l’histoire n'est qu'une enfilade de situations a la fin prévus d'avance.Tout ressemble a un soap aux personnages caricaturaux auquel le réalisateur n'a rien épargné.La mise en scène et d'un classicisme de bas étage et l'image qui se veut tiré des grands maitres de la peinture n'est que le reflet d'un copiste qui n'a rien compris de l'espace et encore moins de la lumiere.
Contrairement au 11 commandement avec Mickael Youn est toute la bande, Jackass 3D n'ont même pas fait l'effort de trouver un scénario, une histoire, quelque chose à raconter. Là, il y a une dizaine de trou de balle qui vomissent, qui se font mal, et qui rigole comme des p'tits ados de 14 ans. Même si les scènes attirent l'œil, il y a certains de leurs "délires" auquel je n'adhère pas du tout. Grandissez les gars sérieux !
Ce film est très touchant. Pour ceux qui ont vécu une histoire du même acabit (par exemple sortir de l'alcoolisme grâce à la découverte de la foi.. ) on comprends très vite à quel point ce film est proche de la réalité, ni plus ni moins. Bravo ! Au dela de la foi catholique, on peut aussi souligner le message sous jacent du film : L'amour peut sauver les hommes.
Une bonne suite dans laquelle Arnold Vosloo succéde a Liam Neeson d'une maniére plus qu'honorable. Méme si il n'ya plus Sam Raimi pour réaliser, il reste la méme âme, la méme musique et la méme cruauté: Le gangster Durant est toujours aussi sadique avec son coupe cigare, le docteur Westlake est toujours animé par la méme rage malgré qu'il ait dit s'en arranger dans le premier film. C'est bien, vraiment, on approfondit toujours plus les tourments insondables du malheureux personnage.
C'est l'histoire d'un jeune homme qui, après avoir découvert la supercherie de la gouvernante de son grand père afin de récupérer son héritage, décide de se déguiser et présente en tant que « cinéma à domicile » le film Tartuffe, bien évidemment tiré de la pièce de théâtre afin d'ouvrir les yeux à son grand père. Restauré depuis avec une lumière jaunâtre pas forcément indispensable, ce film muet allemand rayonne d'ingéniosité et d'idée. Si le réalisateur modifie et raccourci l'histoire de Tartuffe, elle est malgré tout assez bien rendue grâce, entre autre, aux jeux des acteurs et l'affreux hypocrite superbement interprété par Emil Jannings . L'autre histoire, celle du petit fils avec son grand père, reflète courtement l'hypocrisie mise en valeur par l'histoire de Tartuffe. Un film vieux, certes mais l'apparence de cette vieillesse n'apparaît pas tant que ça. Un film qui reflète avec classe le génie et la virevolte de ce cinéma oublié.
Très mauvais film j'ai perdu mon temps a l'avant première on reconnaît bien les scénario de gamin écrit par Franck Gastambide et surtout dans tout ces films des nais c'est quoi son délire ? Enfin bref si vous êtes comme moi fan des anciens taxi a ne surtout pas regarder Comment niquer la license Taxi 5 et bien donner les reine de la réalisation a Franck Gastambide.
au coeur de la place Tahrir, avec la peuple egyptie?...les 15 jours qui vont conduire au départ de Moubarak...un peuple en mouvement contre la misère, contre le régime policier et corropu, le combat pour la dignité. Après les tunisiens, les Egyptiens s'engagent sur la voie de la révolution. Le film montre, les visages, la foule, les espoirs, les questions...passionant!
Gags cherchés dans ce qu'il y a de plus facile et Eddie Murphy qui en fait des tonnes pour nous arracher un sourire (ce qui râte ! comme quoi éviter de payer des seconds rôles aurait été sans aucun doute plus bénéfique)...Tout est dans la facilité la plus grossière et le scénario est sans aucunz finesse. Beurkkk... Décidémment mieux vaut voir Eddie dans son meilleur rôle dans "Dreamgirls" !
Un film assez bancal, ni vraiment drôle, ni vraiment émouvant. L'introduction du film est assez laborieuse et n'apporte pas grand chose au film, il aurait été plus intéréssant de plonger directement dans le vif du sujet. Le cinéaste s'inspire beaucoup du cinéma de kusturica, mais c'est souvent poussif et peu poétique. La fin du film est un peu plus réussie et rompt brutalement avec le reste du récit. Le film se mue alors en une tragédie et se fait rattraper par la réalité. Néanmoins quelques bons gags mais la mise en scène est à l'avenant...Ce film m'a déçu.
Un premier film parfaitement maitrisé,qui parvient sans peine à nous faire parvenir les joies et les peines des métiers artistiques.Sauf que là il s'agit de personnages qui aspirent à un rève,et dont la vie réelle est loin de cette image idéalisée.C'est ce qui fait le sel de "La vie d'artiste".Le décalage de ces rèveurs par rapport à leur situation sociétale.Sandrine Kiberlain,à la recherche d'un premier role.Denis Podalydès qui croit avoir un talent d'écrivain.Emilie Dequenne,chanteuse de karaoké insatisfaite.3 destins qui se croisent,avançent,sans forcément aller là ou ils pensaient.Toute en discrétion,la mise en scène donne son charme à ce petit film qui reste tout de mème frileux dans son propos et peu original.
J'aime les films d'horreur, mais la... BORDEL ? C'est quoi ce film ? Une blague ? Et la fin... MAGIQUE !
Un éloge de la fessée comme on les aime. Vif et enlevé.
Le dernier film de Michael Mann est un pur bijou. Johnny Depp y fait une prestation absolument irréprochale ( comme toujours ) et les seconds rôles, que se soit Christian Bale ou Marion Cotillard, sont égalements parfaits. Des braquages de banques, des évasions, des courses poursuites, des fusillades... tout y est pour nous faire passer un pur moment de cinema. Avec Public Enemies, Michael Mann nous livre un nouveau chef d'oeuvre et prouve une nouvelle fois qu'il est un grand, un trés grand réalisateur. Un film à ne pas manquer.
Je n'ai pas accroché du tout.... Il m'arrive pourtant d'adorer des films plutôt difficiles, gênants ou dérangeants, et surtout beaucoup moins grand public que des productions américaines "grand spectacle" (à coups maintenant surtout d'effets spéciaux infographistes) mais avec Michael Haneke, vraiment, je coince complètement... je ne trouve rien qui m'enthousiasme. Cette réalisation m'a peut être trop rappelé celles d'Ingmar Bergman auxquelles je n'ai jamais adhéré outre mesure, pour ne pas dire pas du tout... Je reconnais que les acteurs s'en sortent bien mais j'ai eu un mal fou à tenir le coup pendant 2 heures et 24 minutes.... Ma consolation est de penser qu'il est très bien toutefois qu'il en soit ainsi. Les goûts et les couleurs ne se discutent pas, je respecte ceux qui sont des inconditionnels de tels réalisateurs. Si nous aimions tous les mêmes choses, les échanges de point de vue seraient inexistants et la vie n'aurait aucun charme.
Le message ne passe pas, on reste dans le schéma classique gentillet américain avec une morale inefficace. Ne perdez pas votre temps avec ce film, les scènes sont nuls, la réalisation et les dialogues plats et rien de transcendant. Ne perdez pas votre temps.
En regardant un Rohmer on sait d'avance que l'on ne verra pas du cinéma dynamique et plein de vie et avec La Marquise d'O... c'est vraiment dans le calme qu'il a réalisé son film. Le film il faut le dire débute bien et c'est plutôt prenant mais passé une demi-heure on commence à ressentir de la lassitude devant ce film assez monotone et statique même les acteurs jouent avec une certaine froideur et si les textes sont beaux par contre ils sont trop littéraires pour le cinéma. Finalement on se désintéresse autant aux personnages qu'à l'histoire de La Marquise d'O...
Réfugiés dans un camp de transit, une mère russe et son enfant errent comme des fantômes, en suspension, dans un décor irréel, écrasé par un ciel gris et sa propre tôle. Un choc que ce film qui se situe quelque part entre le réalisme documentaire, pur et dur, et le contemplatif, celui qui déchire l'âme.
J’aime bien les réalisations dites académiques ou classiques surtout si le contenu des films fait sens sans artifices. Ce film écrit comme un thriller est intéressant et fait écho au film « le labyrinthe du silence ». Avec une interprétation de qualité pour les 2 principaux rôles, le film retrace les démarches qui ont permis la capture d ‘Adolf Eichmann.
Le cinéma thaïllandais mériterait à être reconnu, génération boosté aux films made in USA, il faudrait sans doute plus de film de ce genre, des ovnis, des films kitchissimes à l'extrème. Basé sur une histoire vraie, on voit comment par le biais du sport, une équipe de parias change le regard des autres sur leur différence, ce qu'il y a de bien avec Satreelex c'est que jamais on ne tombe dans l'apitoiement et que l'on rit souvent avec à la clé un joli message sur la tolérance.
Très beau film derrière lequel ce cache une très belle histoire d'amour le tout orchestré par Jennifer Garner et Mark Ruffalo .
Un film de guerre assez particulier puisqu'il s'attache à nous montrer la lutte menée par des cheminots afin de stopper un convoi qui transporte des toiles de maîtres. A la tête d'un tout petit groupe, Labiche (B. Lancaster, massif et convaincant) va aller au bout de lui-même pour avoir le dernier mot. Assez violent, le film ne cache rien des agissements des nazis avec son lot d'exécutions sommaires. Il y a de l'action bien sûr, assez impressionnante d'ailleurs pour l'époque (bombardements aérien, accidents de vrais train, sans maquette ni effets digitaux, fusillade), magistralement mise en scène par J. Frankenheimer. Les acteurs jouent juste et le scénario est d'une rare noirceur, avec un final terrible et un rythme qui décolle enfin un peu et qui prend aux tripes. Bon film qui mérite une reconnaissance un peu plus vaste. D'autres critiques sur
Moi je conseil ce film à tout ceux qui veulent s'emmerder devant ce film stupide qui parvient à réalisé le paris d'être encore plus con qu'Amerian Pie. L'humour, le scenario et l'interprétation sont à ras les paquerette.
Un très beau film, qui traite bien plus que de la relation père fils d'une famille. On plonge dans un univers et un contexte particulier. Dans la classe pauvre du Brésil, qui tente de vivre et nous plonge dans des plaisirs simple, confronté à l'abandon d'une mère dont on ne sait si elle récupérera l'enfant et d'une classe bourgeoise pensant grâce à l'argent de pouvoir élever un enfant dans de manières conditions et sous de meilleurs auspices qu'une famille n'arrivant pas à joindre les deux bouts. Un abus de pouvoir, pour moi, qui se traduit tout au long du film par un rabaissement et une intrusion dans le quotidien de cette famille.Un film touchant, poignant où l'on ne peut ressentir que de l'empathie pour les personnages. Une très belle découverte, avec une réalisation simple mais efficace, un scénario qui est certes déjà vu mais pas avec autant de misère sociale et de conviction d'être plus puissants les uns que les autres. Et finalement, un lien attachant et existant entre un père et son fils qui ont juste des difficultés à s'accepter et à oublier le temps de l'absence. Je ne peux que vous le conseiller dès sa sortie en salle, il est vraiment très beau et à été totalement différent de ce à quoi je m'attendais.
Le cinéma fellinien années 60, depuis "La dolce Vita" jusqu’à "Juliette des esprits", constitue à mon sens le sommet de la filmographie du maestro, qui baissera ensuite inexorablement en qualité au fil des années, malgré quelques exceptions notables, telles "Amarcord" ou encore "Prova de orchestra"… Réalisé juste après ce chef d’œuvre fondamental qu’est "8 ½", "Juliette des esprits" apparaît donc comme une des perles du cinéaste, à mon sens injustement sous-estimée. Premier, mais aussi meilleur film en couleurs de Fellini, "Juliette des esprits" est un film puissamment onirique, affirmant clairement le choix de l’imaginaire fait par le cinéaste depuis le film précédent, et scellant la rupture avec ce qu’il restait de néo-réalisme dans son cinéma. Accordant bien peu d’importance à la trame dramatique, le film peut se voir comme le voyage intérieur d’une bourgeoise conformiste en pleine crise identitaire. Les rêves et les visions de Juliette, qui ne sont que la mise en images de son inconscient, constituent donc l’essentiel de ce film fantasmagorique. C’est avec un plaisir impatient que l’on attend donc chacune des manifestations visuelles de l’imagination débridée de Juliette, qui sont autant de moments d’anthologie, symboliquement forts par ce qu’ils suggèrent des obsessions du personnage, et visuellement éblouissants, avec un usage exubérant de la couleur. Cette exubérance, souvent présentée comme caractéristique du cinéma de Fellini, et qui malheureusement se transformera souvent par la suite en grotesque, est ici portée au sommet de sa beauté et de son raffinement, raffinement qui se manifeste par cette tonalité particulière du film. Derrière une certaine légèreté apparente, plutôt joyeuse, qui confère une forme d’humour au métrage, se cache une grande complexité, une profonde intelligence et une belle sensibilité. En cela, "Juliette des esprits" est un film que je ressens comme féminin.
"Pulse" ne restera pas gravé dans les mémoires; c'est un fait certain. Cependant, il faut bien avouer que le film, dans son genre n'est pas trop mal fichu, et surtout c'est assez divertissant, on ne s'ennuie pas. L'idée de départ est vraiment pas mauvaise. Cependant, le traitement et la réalisation de Jim Sonzero n'ont pas permi de faire de ce remake un bon film d'horreur. L'idée est intelligente mais ensuite, le scénario part un peu dans la facilité. Parlons des effets spéciaux, il y a beaucoup à dire dessus. Pour un film américain de 2006, on pouvait s'attendre à voir des effets spéciaux "potables". Eh bien, évidemment, c'est tout le contraire. On a l'impression d'être revenu 5 ans en arrière. Certaines scènes deviennent ainsi ridicules à cause de ces effets spéciaux. Ainsi, ils desservent complètement le film. Le casting est vraiment très hétérogène: certains acteurs jouent le jeu et d'autres le survolent complètement. Les 2 acteurs principaux ne sont pas mauvais du tout, contrairement aux seconds rôles caricaturaux. Ian Somerhalder, fraichement sorti de "Lost", est assez charismatique et Kristen Bell joue bien. Même si ce film est regardable, ce n'est pas non plus du grand cinéma, ni un grand film d'horreur. On se demande ce que viennent faire Wes Craven et les frères Weinstein dans cette galère.