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Quasi chef-d'oeuvre d'Yves Boisset, une vraie surprise pour un film qui a déjà plus de 30 ans! L'histoire est vraiment captivante du début jusqu'à la fin. Beaucoup de maîtrise dans le sujet, surtout sur le racisme et la france populaire des trentes glorieuses. Des têtes connues et des interprétations à la hauteur. On croirait être dans une comédie jusqu'au drame. Bouleversant et vrai. A voir!
Filmé comme un téléfilm. Histoire fade, attendue.
« Snowden » est un film passionnant qui offre de bonnes séquences dignes des meilleurs thrillers. L’histoire est prenante, même si on la connaît. L’intrigue est bonne et la construction narrative est bien orchestrée. La photographie est plaisante et le casting délivre de très bonnes performances, notamment Joseph Gordon-Levitt qui offre un personnage calme, posé, réfléchi, intelligent. Un métrage qui aurait mérité un meilleur sort.
Une pièce de théâtre monumentale adaptée sur grand écran de façon magistrale. Des acteurs hallucinants et des dialogues croustillants. Que dire de plus sur ce chef d’œuvre du cinéma français ?
The Manson Family est un film cruellement indépendant tourné en plus de 14 ans par Jim Van Bebber. Cette oeuvre est avant tout violente, dérangeante, faux documentaire mais vrai film d'horreur inspiré d'un fait divers qui a térrorisé l'Amérique durant les années hippies. Il est à signaler directement que le film, dans sa deuxième partie du moins, enchaîne les scènes barbares et sanglantes à souhait pour le faire ressembler à une vraie boucherie au point de retourner l'estomac du spectateur. The Manson Family ouvre la voie, non pas à l'histoire de Charles Manson, mais à ce qui s'est réellement passé et se concentre davantage sur sa secte comme le dit le titre du film. En effet, Manson doit apparaître une dizaine de minutes dans tout le long-métrage... Jim Van Bebber a réalisé là un film au montage très stylisé (Surtout lors des trips au LSD) qui a la force de choquer le spectateur grâce à ses images d'une rare cruauté tout en s'attaquant aux médias... Un film exclusivement réservé à un public très averti et surtout pas à Roman Polanski (Sharon Tate, sa défunte femme, fut massacrer par "la famille de Manson") !!!
Ce film est superbe de vérité , paysage, histoire, acteurs. Une famille paisible d'Afrique de l'ouest qui en quelques jours vire au cauchemar. C'est très bien filmé très bien mise en scène, la musique donne une dimension encore plus grave plus lourde à cette période d'enfer vécu par le jeune garçon. Le réalisateur met bien en évidence l'état mental décalé dans lequel les hommes étaient obligés de se mettre pour pouvoir faire leurs atrocités. Mais en même temps, du coup on comprends qu'il est impossible de bien imaginer ce que ce petit garçon a vécu.
Rien d'new mais alors banal comme tout temps perdu !
L'approche du film est très intéressante : montrer la mise en place de l'attaque des japonais, les préparatifs, la façon dont tout cela est "ignoré" par les Américains, qui aurient tout de même pu se douter de cette attaque et mieux s'y préparer... Le jeu des acteurs et les dialogues ont vieilli, au contraire des scènes d'action, de bombardements, qui sont vraiment impressionnante pour l'époque. Bref, un très bon film de guerre.
Un excellent film d'horreur avec le talentueux Sam Neill de la saga Jurassic Park , le légendaire Jurgen Prochnow ( Dune , Twin Peaks, Judge Dredd , Da Vinci Code), le regretté Charlton Heston ( Les Dix Commandements , Ben Hur, La Planète des singes , L'île au trésor , True Lies, Hamlet, Armageddon, L'Enfer du dimanche, le remake La Planète des Singes de Tim Burton) !!!! Par le réalisateur d'Halloween , New York 1997 , Christine, Los Angeles 2013 , Vampires !!!
Acteurs de seconde zone, musiques saoulantes, dialogues mal écrit, mise en scène ratée et de nombreuses scènes improbables. Passez votre chemin !
Une femme, épouse, mère, entre deux frères aux destinées heurtées. Elle est jolie comme un coeur, simplissime mais parée de couleurs chatoyantes. A l'image de ce film, faussement eau de rose : car on pourrait le croire au départ, ça fait assez images de pub tellement c'est esthétique, aux effets recherchés. Beaucoup de profondeur en définitive. Surtout à partir de cette cruelle séquence dans la grotte afghane, on a du mal à croire ce qui nous est montré. Constants allers-retours entre les deux époux qui pensent l'un à l'autre. Tentation de se laisser glisser vers la facilité, reprise de soi... Moralement très abouti aussi ! Je déteste les oeuvres récentes de Lars Von Trier (pourtant fort talentueux mais si abrupt !) et suis donc ravie de découvrir cette merveilleuse Suzanne Bier tellement plus douce - et saine - dans son approche des travers humains !
A la fois un classique du cinéma d'épouvante, un huit-clos angoissant et un thriller de science-fiction crépusculaire, "The thing" est surtout un film culte, orchestré par le génial John Carpenter, qui mérite amplement sa réputation. La science de la mise en scène de Carpenter conjuguée à la fantastique bande originale d'Ennio Morricone font des ravages, créant une atmosphère inquiétante, propice à une montée crescendo de la tension. Le film ne souffre d’aucun temps-mort et gagne au contraire en intensité de minute en minute à mesure que le piège se referme autour des personnages. Le design de la fameuse "chose" est très inventif et donne un côté très organique qui rappelle le premier "Alien" et colle parfaitement avec le cinéma de Carpenter. Ce dernier exploite à merveille le potentiel de la créature qui lui permet d'entreprendre une étude approfondie de la psychologie d'hommes poussés à bout, paralysés par la peur et aveuglés par la paranoïa. L'évolution progressive de ces scientifiques vers la folie est aussi terrifiante que fascinante à suivre, offrant de la matière aux différents acteurs qui s'en sortent tous très bien, Kurt Russell en tête. Somme toute, un immense film d'un grand cinéaste à voir et à revoir.
Un film qui manque beaucoup trop de consistance pour nous tenir éveillé jusqu'à la fin. Quoiqu'on en dise et quoiqu'on en pense, dans le genre, La Grande Evasion est quand même le must du must.
Calamity Jane, de son vrai nom Martha Jane Cannary, est certainement la plus cèlèbre des trop rares hèroïnes du western! D'origine misèrable, elle se retrouva orpheline à treize ans! Elle partit alors pour l'Ouest, où commença pour elle une vie riche d'aventures! Cèlèbre pour son ètonnante capacitè à supporter de grandes doses de whisky, sa rapiditè au tir, son habiletè aux cartes et ses qualitès de cavalière èmèrite, la figure de Martha Jane Cannary devait èvidemment sèduire beaucoup de rèalisateurs de westerns! Mais les diffèrentes incarnations de Calamity Jane à l'ècran ont malheureusement à peu près toutes en commun de n'avoir pratiquement rien à voir avec la rèalitè historique! Pourtant dans "The Plainsman", le rôle de Calamity Jane est tenu par l'excellente Jean Arthur et en 1948, c'est Jane Russell qui reprend ce rôle dans un film plein d'humour signè Norman Z. McLeod et intitulè "Pale Face". Une troisième grande actrice prêtera l'annèe suivante son visage à Calamity Jane: Yvonne de Carlo dans "Calamity Jane and Sam" de George Sherman! C'est dans les annèes 50 que l'on trouve selon moi la meilleure Calamity Jane du cinèma! La douce et survoltèe Doris Day, « blonde du Fart West » par excellence, dans un western comique / musical dirigè par David Butler pour la Warner Bros, avec Howard Keel dans le rôle de Wild Bill Hickock! Un divertissement plein de charme, haut en couleurs et avec beaucoup d'humour, la lègende en chansons de la plus renommèe des femmes hors-la-loi avec une Doris Day gouailleuse à souhait, qui chante et danse avec merveille en mettant les audiences à genoux! Une comèdie musicale à redècouvrir absolument qui reprèsente ce que Butler (acteur au temps de D.W Griffith) pouvait faire de mieux dans le genre...
"La guerre est déclarée" tout en étant une terrible histoire vraie vécue par les 2 acteurs du film, m'a laissé un drôle de sentiment... Le côté autodérision certes assumé volontairement par les parents du petit Adam/Gabriel, ne permet finalement pas de faire corps avec la souffrance de ce couple et finit même curieusement par déranger. Cette volonté qu'ont les deux parents de se protéger, de réfléchir, de raisonner afin de rester forts, positifs face à la maladie de l'enfant apporte bon nombre de fausses notes et comble du comble, rend nos 2 acteurs peu crédibles ! La faute peut-être à vouloir interpréter leur propre rôle à la façon d'un exorcisme, d'une catharsis... Pour qui l'a vécu, la maladie d'un enfant, d'un proche, met le temps entre parenthèses, nous déconnecte, nous lave le cerveau, nous lamine littéralement... Difficile alors d'imaginer dans une telle situation, de rire tel un jeu des peurs qui nous obsèdent, de faire la fête avec les copains, de parler de "gentil carcinome", de boire le champagne après la découverte d'une tumeur maligne dont une partie est restée de plus, dans le cerveau, ... Bien sûr, cette histoire traitée avec ce parti pris, avec cette distance, plaira à coup sûr tout en passant à côté des véritables angoisses ressenties à travers la douleur de la maladie. Et d'ailleurs, le plus souvent, Valérie Donzelli ne va pas jusqu'au bout de son propos en dégageant en touche, en fuyant le plus souvent à travers des images, des plans esthétisants façon clip vidéo accompagnés de musiques qui affadissent le tout ! On en oublie même le rapport à l'enfant... Le film perd ainsi beaucoup de force, d'émotion ce qui est pour le coup, ici énormément gênant ! On a ainsi quelquefois la sensation bizarre de se tromper d'histoire et d'en oublier le sujet principal ! Un film qui à ne pas vouloir trop effrayer, plaira donc à un large public en le rassurant mais dérangera sans doute celui qui a connu les affres de la maladie...
C'est un sublime film d'animation "tranche de vie" réalisé par le successeur désigné de Miyazaki, Yoshifumi Kondo, malheureusement trop tôt disparu après la sortie du film. La chanson "Country Road" de Olivia Newton John est le fil conducteur de l'amour de nos jeunes protagonistes apprenti-luthier et potentielle écrivaine. A voir par l'intermédiaire du blu-ray britannique, Disney-Buena Vista France traîne des pieds pour le doubler ou même le distribuer.
Comment est-ce possible de produire encore ce type de film ? Image numérique laide à pleurer, scénario insipide enfilant les clichés, idées de montage pillées à d'autres films et mal réalisées, direction d'acteurs inexistante. Ce n'est ni drôle, ni émouvant, juste un peu triste de voir un comédien comme Guillaume Depardieu gâcher son talent. C'est le type même de produit pré-formaté, censé s'adresser à un public allant souvent au cinéma, les célibataires. Avec ce genre de nullité, on comprend la baisse de la fréquentation dans les salles.
Ce second volet est excellent et nettement meilleur que le premier ! Une chasse à l’homme palpitante et vraiment prenante, accompagnée d’effets spéciaux incroyables ! Une ambiance sombre et trépidante. De quoi nous régaler ! Bravo ! La critique entière sur notre site Mediashow !
Vraiment décevant! Je n'ai vraiment pas trouvé plus drôle ce film que la série
Il aurait été étonnant que ce film ne soit pas une réussite avec le talent de Siodmak, talent multiforme s'épanouissant encore plus dans les films ‘’noirs’’ de son époque. ‘’Le fils de Dracula’’ est en fait traité comme un film policier avec des rebondissements inattendus. La mise en scène est somptueuse ce qui convient parfaitement à ce genre cinématographique qui repose essentiellement sur la beauté des séquences et la magie qu’elles dégagent. Ce deuxième Dracula de l’histoire du cinéma parlant est en outre assez surprenant puisque le comte se transforme à volonté en chauve- souris ou en petit nuage blanc. Le résultat est superbe d’autant que les ambiances de marais sont tout à fait indiquées. Lon Chaney Junior fait un Dracula abouti et sa proie consentante nous fascine autant qu’elle nous glace. Quant à la pellicule noire et blanche, c’est un régal des yeux. La bande son étant elle aussi irréprochable.
Réalisé par Dan Curtis qui a essentiellement travaillé pour la télévision Burnt Offerings est un film de maison hantée tout à fait dans le style des années 70, il n'est pas particulièrement marquant exceptée la fin et c'est dommage car tout au long du film Burnt Offerings possède une ambiance inquiétante. Le problème du film c'est qu'il joue toujours sur l'attente et c'est un peu lassant car Burnt Offerings dure presque 2 heures beaucoup trop long pour un film d'épouvante qui met trop de temps pour s'installer. Certes Dan Curtis évite le côté guignolesque que peut parfois avoir ce type d'histoire mais j'aurais aimé frissonner en regardant Burnt Offerings. Ce film a 15 voire 30 minutes de trop, Burnt Offerings pâtit de sa sobriété.
Très joli film asiatique qui mélange bouddhisme et enquête policière. C'est amusant de voir un détective moderne portant une tunique traditionnelle et qui sort son téléphone portable en plein monastère centenaire ! C'est une vraie plongée dans un pays encore très "ancestral" mais confronté à la modernité, le tout saupoudré d'une bonne intrigue policière. A voir !
Un film catastrophe auquel il est très dur d'accrocher : la mise en scène est fade et le scénario est très mal ficelé. Les acteurs jouent bien mais ça ne suffit pas à sauver le film. Un film qui ne stresse pas mais qui, par contre, ennui beaucoup !
Tout semble faux, les motivations des "amis" du personnage de Will Smith sont à vomir, d'ailleurs ils jouent une fausse culpabilité à laquelle personne ne croit. Je ne comprends pas comment autant de gens peuvent mettre une bonne note à ce film et le critique de la presse qui est très mauvaise me rassure. Seul Will Smith relève un peu le niveau car il joue bien, mais ce film sonne creux malgré le drame fort qu'il aborde. Il ne m'a absolument pas touché. Je me suis ennuyé ce qui est très rare pour moi au cinéma.
Les premières minutes, bien réalisées et au ton résolument pessimiste, sont séduisantes et laissent augurer quelque chose d'intéressant. Hélas, les mauvaises critiques étaient pour l'occasion justifiées car le charme s'évapore très rapidement. Passe encore le scénario pas toujours limpide ou une interprétation moyenne (à l'exception peut-être de Stanley Tucci et Delroy Lindo) : ce sont surtout les effets spéciaux proches du hideux (d'où sortent ces couleurs?) qui gênent, peu aidés par une dimension hollywoodienne assez lourdaude. Car comme d'hab, les américains sont quand même très forts et vont sauver la planète de façon incroyable, le tout en un laps de temps record! Peu de surprises donc, et surtout pas quant à qui va survivre ou y rester, puisque l'on devine très vite les malchanceux, et dans l'ordre de disparition s'il vous plaît! C'est dommage car à de rares moments (notamment sur la fin), on décèle un certain talent, presque intimiste chez Jon Amiel, comme s'il se cachait un « auteur » que cette grosse machine sans âme aurait écrabouillé. Médiocre... ou presque.
Mais que la misère est jolie ! Ayant lu quelques d'articles vantant le travail de Sylvain George, et partant donc d'un à priori favorable, j'avais hâte de voir l'œuvre de ce documentariste au regard prétendument poétique. Aussi, la déception fut grande devant cette 'balade dans la zone de Calais' sous psychotropes qui ressemble vite à un très laborieux vidéoclip de la misère. Ce montage désolant en cut-up d'images, péniblement retravaillées par ordinateur, inondé d'un noir et blanc charbonneux, déréalise les lieux et les personnages, ces pauvres immigrés clandestins n'y sont que des pantins macabres (en voyant ces êtres égarés, errer dans les rues désolées et les faubourgs en friche de la ville, on peut même penser à des scènes de LA NUIT DES MORTS VIVANTS de George Romero). Là où le réalisateur se loupe particulièrement, c'est que s'il voulait nous faire éprouver de l'empathie pour ces hommes, il les condamne au rôle de faire-valoir des ses délires formalistes. Même durant les quelques scènes où ils témoignent de certains aspects de leur combat de réfugié clandestin (les seuls moments du film un peu captivants), le réalisateur parvient même, par l'usage de gros plans particulièrement laids qui déforment les visages et font ressortir les défauts physiques, à rendre ces hommes effrayant et hostiles. Et comme si ça ne suffisait pas, certains plans (heureusement, ils sont rares) sont accompagnés d'une musique très désagréable, faite de couinements d'accordéon désaccordé (en fait, c'est de l'harmonica, mais ça n'en est pas moins pénible).
Trois ans après Trauma, film qui a donné un nouveau souffle à la carrière de Dario Argento et qui a lancé sa fille Asia, le père et la fille collaborent à nouveau sur un thriller original baptisé "le syndrome de stendhal". Le film relate l'histoire d'une femme inspecteur de police lancée à la recherche d'un violeur de femmes et tueur en série. Elle souffre du syndrome de stendhal, une sensation qui lui permet de s'immerger dans les oeuvres d'art. La première partie est ennivrante, Dario Argento utilise de nombreux effets spéciaux accompagnés de la musique terriblement envoûtante d'Ennio Morricone et on s'aperçoit que cette jeune femme est malade lorsque vient l'élément déclencheur et le face-à-face entre Asia et le meurtrier. Dario Argento dresse le portrait psychologique de cette jeune femme torturée mentalement par les épreuves successives qu'elle va traverser tout le long du film. Le scénario est remarquablement bien ficelé et ne souffre d'aucun temps mort grâce à une ambiance glauque, des dialogues efficaces et des scènes ultra-violentes qui pourront choquer les plus jeunes. Le résultat est plaisant et le dénouement est tout à fait innatendu, Argento comme à son habitude, multiplie les fausses pistes et les brouillent de telle sorte à scotcher le spectateur à son siège jusqu'à la dernière seconde du film. Un film à la fois romantique, sombre, pessimiste, violent et implacable! Asia Argento trouve ici un de ses meilleurs rôles où elle démontre toute l'étendue de son immense talent et sa forte personnalité. Le maître du giallo Dario Argento réalise un film poétique et sanglant qui constitue l'un des meilleurs films de sa flamboyante filmographie.
Téléfilm américain dont il est difficile de trouver le genre. A cause du testament paternel, 3 soeurs sont obligées de cohabiter ensemble dans le ranch de leur père, afin de gagner une certaine somme d'argent sinon elles perdront le ranch. Mais leur passé personnel ainsi que leur personnalité vont apporter des anecdotes et des contraintes inattendues. De plus, l'ancien personnel du ranch va continuer à travailler sur place. Tout cela donne 1 suite inattendue d'histoires secondaires. De plus, 1 tueur inconnu s'en prend à des êtres vivants des environs. Donc 3 histoires parallèles existent dans ce téléfilm. A la fin, tout est bien qui finit bien. 1 téléfilm uniquement réservé à ceux qui aiment la vie dans 1 ranch sur fond d'histoires d'amours ridicules. J'espère ne plus revoir ce film. Je donne seulement 1 étoile et demie.
Jason Statham semble être condamné a avoir son nom au générique de toutes les productions bourrine et vide de scénario.En même temps ce n'est pas un super acteur,mais bon il pourrait varier de temps en temps.Sinon le film donne l'étrange sensation d'être sous psychotrope,c'est du vrai n'importe quoi.Une sorte de court lola court version trash,c'est vraiment pas super mais pourtant la mise en scène est assez efficace pour suivre cette course sans intérêt.Il n'y a pas d'histoire,c'est mal filmé,c'est nul mais ça se regarde.J'en suis le premier surpris.
J'aime ce film plein de tendresse et de nostalgie sur le temps qui passe. C'est bien écrit, bien joué, intimiste, plein de réflexions intéressantes sur l'amitié, l'amour, la famille, le chemin déjà parcouru et à parcourir. Il mériterait d'être d'avantage connu et reconnu.
Je ne critiquerai pas les dessins, la technique de l'animation, les chansons qui sont très bien. Mais ce dessin-animé est un des plus machos de la série Disney, et je suis loin d'être une féministe. Wendy s'en prend plein la figure pour pas un rond, Peter est un vaurien mal élevé et sans coeur, etc... Bref ça a mal vieilli.
Basé sur un concept qui sera repris dans la saga Mission : Impossible, Darkman fait partie de ces films qui ont terriblement mal vieillis. On notera des effets gore en gélatine (comme dans Evil Dead), une caméra de mauvaise qualité (digne des série policières type K2000 sans la voiture), des décors soit sur fond vert, soit en superposant des morceaux de papier (une fois qu'on a repéré ça, on ne peut s'en détacher), des punch lines très mauvaises et un tendance à surjouer pour l'ensemble des les acteurs. Dans un sens, Darkman fait penser au mauvais Judge Dredd de 1995.
Une coimédie française itéressante et qui bénéficie de l'increvable Albert Dupontel, parfait pour ce rôle de pervers allumé du bocal.
Film avec une certaine sensibilité. C'est plaisant, mais loin d'être détonant. Pour moi, Bruel est une erreur de casting. Doit-on tout pardonner à Miller? On reste sur notre fin quand à la mise en abîme du scénario. Cela manque de poêtisme et de charme. Une histoire d'amour qui ne nous fait absolument pas rêver et on plonge tête la première dans le sinisme accablant du personnage principal.
Je m'attendais à mieux quand même ! Je trouve que ce film manque d'émotions, de passion, de rythme, d'intérêts. C'est assez complexe et le visuel est assez cheap. L'ensemble n'est pas assez vivant pour captiver le spectateur et nous offrir le spectacle que l'on espère !!
Dennis Lehane est un écrivain que j’apprécie énormément. Plusieurs de ses romans ont été adaptés avec une vraie réussite à l’écran et il a lui-même scénarisé celui-ci. J’ai été séduit par ce film noir dont l’apparente quiétude se révèle pesante et de plus en plus tendue à l’approche de son dénouement final. La nature difficile à cerner du personnage incarné avec un certain brio par Tom Hardy n’est pas indifférente à cet état de fait, tout comme l’est également la mise en scène du belge Michael R. Roskam. A noter que « Quand Vient la Nuit » est le dernier film de James Gandolfini.
Je n'aime pas du tout la fin. Spoiler :j'aurai preféré une fin avec un amour passioné et assumé entre maurice et clive. Si mes souvenirs son bon on peu partager le film en 2. Avec d'un coté a l'université et de l'autre dans la maison de campagne. Je perefere vraiment qund ils s'aiment tous les 2.
Voilà un vrai navet intersidéral !!! Une vraie comédie française ratée de A à Z, un vrai mauvais film d'été (quoique, heureusement, on ne nous inflige pas de pareilles punitions tous les ans). Il n'y a rien de bon, rien de bien, rien de drôle. De plus les acteurs ont tellement dû s'ennuyer pendant le tournage qu'ils n'arrivent même pas à jouer bien. Que sont venus faire dans cette daube Rochdy Zem, Dominique Pinon, Bruno Lochet et Jean François Stevenin ??? Il leur manquait des heures pour leur dossier d'intermittent, ou ils ont des problêmes financiers ? A éviter à tout prix !!!
La saga Matrix est pour moi un chef d'œuvre rien qu'avec son scenario très recherché et ses scènes de combats absolument hallucinantes. Matrix est une saga unique. Bien que le scenario soit assez dur à comprendre, on sait tout de suite que le scenario est très profond mais si on arrive à comprendre alors on peut alors s'inventer un univers et s'imaginer de nombreuses choses. Voilà en quoi la saga Matrix est révolutionnaire dans son genre. Les scènes de combats sont épiques, incroyables et faites d'une façon mémorable. Les acteurs sont très biens surtout Hugo Weaving dans le rôle de l'Agent Smith qui encore une fois montre son talent d'acteurs. Certains seront peut-être déçus de cette suite car en effet le rythme est un peu long mais d'autres ( comme moi ) verront cette suite comme un chef d'œuvre.
Une jolie comédie venu d'Irlande avec la rafraîchissante Maisie Williams dans ce second rôle pour le cinéma après sa première prestation plutôt convaincante dans le moyen Heatstroke sortie directement en vidéo chez nous. Elle confirme son potentiel pour la comédie familiale autour de cette histoire de famille recomposée dans le Dublin des années 90. Quelques jolies scènes avec David Wilmot en loser attendrissant et James Nesbitt en coach de sport psychorigide.