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Tobe Hooper semble ignorer ce qu’est le rythme .Mal filmé et visiblement réalisé sans la moindre motivation, THE TOOLBOX MURDER est complètement vain.Tobe Hooper devré prendre sa retraite pour se mettre dans son confortable fauteuil et admiré et se remémoré son unique film massacre a la tronconneuse .
Le génial Orson Welles a recontré bien des difficultés pour tourner ce maudit "Don Quixote de la Mancha", par ailleurs inachevé. Mais Welles a l'habitude de voir ses films tronqués, quand ils ne sont pas jetés à la mer par les producteurs! Par conséquent, cela ne retire rien à ce long-métrage formidablement interprété, et mis en scène. Le narrateur, Orson Welles lui-même, nous en dit plus sur la légende de l'anti-héros le plus célèbre, Don Quichotte.
Mankiewicz signe là un film qui repose avant tout sur son scénario, parfaitement écrit avec de brillants dialogues (la tirade de Kirk Douglas contre la radio) et nous livre une étude critique non dénuée de cynisme des mœurs américaines au travers de trois flash-backs montrant les parcours de différents couples. La mise en scène est d'une admirable perfection et les acteurs sont exceptionnels.
non qu'on s'ennuye dans le film, on retrouve surtout trop de stéréotypes pour que ce soit crédible. PLV : revoir ce film actuellement nous permet instantanément de le dater.
Techiné fait ce qu'il fait de mieux semblerait-il. C'est-à-dire du Techiné. Ca veut dire que c'est vaguement profond, vaguement émouvant, vaguement plein de choses, mais réellement chiant. Un cinéma sans vie, ethéré dans le pire sens du terme, confondant délicatesse et ennui, subtilité et mort tout simplement. Anémique.
Un très beau film sobre et classique magnifié par la présence de Charlotte Gainsbourg
Je ne m’étais jamais vraiment intéressée à l’histoire de ce personnage. Néanmoins, le film m’a embarquée et j’ai découvert une partie de la biographie de ce sombre héros! (Sans jeu de mots...) L’acteur principal est très crédible. J’ai redécouvert Pénélope Cruz, aussi forte que fragile Je vous conseille ce film!
Une œuvre un peu spéciale, que seul les fans de l'acteur-réalisateur comprendrons...
La bande-annonce était alléchante, slasher-movie à l'ambiance décalée années 80 renforçant d'autant plus le côté horrifique. En réalité, le rythme est extrêmement inégal. Les 20 premières minutes sont d'un ennui mortel, même pour installer les personnages. Quand la boucherie commence (enfin), on est peu surpris, car là encore, beaucoup de longueurs, de décisions étonnement bêtes des victimes, de l'apparition 100% systématique des tueurs pile à l'endroit où les victimes sont, etc. Le mari et la fille jouent pas mal les victimes, d'autant que l'actrice a l'habitude de jouer (NY unité spéciale etc) depuis ses 8-10 ans. IL y a une belle photographie (et non script, ce qui veut bien dire dans les plans statiques) et cadrages à certains moments, mais rien de plus. Et la dernière scène voire minutesont complètement inutiles.
Magnifique film! Comment se fait-il qu'aucune critique ne soit encore postée ? C'est à n'y rien comprendre. Enfin bon, pour ma part, j'ai découvert ce film de Bourvil et il est vraiment attrayant et passionnant à suivre. Un film intelligent, poétique, bien écrit, bien joué et une fin qui, pour une fois, change de l'habituelle fin que nous pouvons deviner pour ce genre de film d'époque. Une agréable surprise surtout pour un jeune de ma génération (25 ans) qui n'est "logiquement" pas "conditionner" pour voir de vieux films comme celui-ci (il date quand même de 1949). Pourtant, malgré son vieille âge, sa qualité d'image et du son est parfaitement remastérisée et travaillée (aucun défaut). Merci Duchâteau de nous faire découvrir tous ces superbes vieux films (malheureusement ignoré, pour la plupart, par la jeune génération).
Immanquablement, ce film fait penser à "Seul au Monde" de R .Zémeckis. Seulement dans Seul au monde, Tom Hanks faisait vraiment vivre son personnage dans l'émotion, dans la souffrance. Nous assistions avec lui, à ses états d’âmes, à ses réactions, à sa solitude. Bizarrement, ici, rien de tout cela, jamais Ridley Scott n'arrive à dramatiser son histoire, son héros et les situations qu'il affronte. Pourtant nous sommes sur Mars, seul et abandonné. Cela doit être flippant au minimum ! Du coup, malgré une séquence d'ouverture pleine de dramaturgie, des paysages grandioses et rouges, on attend qui se passe vraiment quelque chose, sans que ce soit des scènes mille fois vus dans ce genre de film. Clichés, clichés, quand tu nous tiens! Sur terre, la Nasa est en alerte maximum pour récupérer astronaute perdu. Et là aussi dommage c'est cliché, cliché... Bon sang de bois, monsieur Ridley Scott, quand on a réalisé tant de chefs d’œuvres, pourriez vous nous épargner de voir un tel film, qui même s'il est acceptable, il est bien au deçà de votre génie.
Au Boulot... Jerry ! (1980) est une énième comédie réalisée, interprétée et scénarisée (!) par Jerry Lewis. Un film a réserver uniquement aux fans du comédien, ceux qui ne se lasseront pas de le voir grimacer durant 90 minutes, de faire des gaffes, des idioties et des blagues dont vous serez les seuls à en rire. Ici, il incarne un clown dont le cirque qui l’emploie fait faillite. Il décide de se reconvertir, mais manque de chance, Jerry est tellement maladroit qu’il perd son travail. Et ce sera à chaque fois comme ça, les uns après les autres, Jerry se fera mettre à la porte, changeant de job de jour en jour. Armez-vous de patience car supporter Jerry Lewis lorsque l’on peine à le trouver drôle, cela relève du masochisme.
Moi Tonya est un film épatant. J'ai été très surpris de prendre du plaisir sur ce film biographique de Tonya Harding, célèbre patineuse artistique américaine. Le film est monté en documentaire avec 2 parties : la 1ère autour de l'enfance et le début de carrière de la patineuse puis la 2nd autour de l'affaire qui secoua l'Amérique dans les années 90 suite à l'agression de l'autre patineuse américaine Nancy Kerrigan. Les acteurs sont excellents, y compris Margot Robbie excellente dans le rôle de cette patineuse vulgaire et provocatrice. Bref : hilarant, mordant, provocateur, étonnant.
Charlie Chaplin tourne avec son "modèle réduit" ! Rare et peut-être unique fois où Chaplin partage l'affiche et la vedette avec quelqu'un d'autre. Véritable phénomène, le jeune Jackie Coogan est extra-ordinaire de justesse, de réalisme. Ces scènes de séparation forcée et des retrouvailles sont gravées à jamais dans ma mémoire. "Un film avec un sourire et peut-être une larme" : il n'y a pas qu'une fois où on rit et où on pleure. Le film dure 50 minutes, mais au moins tout est dit : c'est beau, le message est poétique et universel. Encore une fois merci Monsieur Chaplin.
Bref, si Sam Raimi relève haut la main son défi il ne réussit pas l'exploit d'un Burton qui parvenait à insuffler à Batman son univers personnel tout en respectant l'esprit originel de la BD. Malgré ces quelques réticences Spider-Man reste un divertissement haut de gamme dont le premier degré permanent et l'esprit bon enfant sont tout à fait réjouissants dans une industrie hollywoodienne de plus en plus gangrenée par le cynisme...Le choix de Tobey Maguire est payant. De même, Kirsten Dunst en Mary Jane est particulièrement convaincante. Dans les seconds rôles, JK Simmons est une parfaite reproduction vivante du rédacteur en chef du "Daily Bugle", omniprésent dans les comic books. Car le film, s'il peut rallier de nouveaux aficionados, a le mérite de respecter les fans des bandes-dessinées. Les scènes d'effets spéciaux sont souvent approximatives, peu prenantes et pire que tout : Willem Dafoe en fait des caisses dans un pathétique costume de Bouffon Vert. Heureusement le film se termine sur une vraie belle ambiguïté en faisant de Spiderman la réelle Némesis d'un Peter Parker plus maudit que béni par ses dons. A voir !
Une comédie horrifique très sympathique. Scénario entraînant, qui reprend les codes du slasher movie. Un humour assumé qui ne vient pas parodier le scenario. Et un petit bonus pour l'actrice principale sue je trouve pertinente dans ce rôle. Bravo !
On dirait le Sud. Le temps dure longtemps, et la vie sûrement plus d’un million d’années. Et toujours en été… L’affiche le suggère et les premières séquences aussi : Ici (quelque part au pied des Pyrénées) c’est le Paradis. Du moins, pour Lucie et son père, ça l’était avant que la mère ne les quitte. Ça l’est encore un peu, tant ces deux-là se sont soudés pour continuer malgré tout, rester debout ensemble, et faire vivre la petite exploitation familiale qui visiblement bat de l’aile. Avec délicatesse et audace, la réalisatrice dit les douleurs enfouies, les émotions troubles, la violence et le désir. "Paradis Perdu" est un sacré film, sensuel et bouleversant !
Quelques passages drôles, et franchement, une très bonne idée de départ. Le problème c'est que l'ensemble s'essouffle rapidement en tombant dans le "gnangnan" absolu. Dommage, je pense qu'il y avait moyen de faire mieux. Quant aux critiques presses ditirambiques... Il ne faut pas en tenir compte. Ils jugent plus un concept et un amour du cinéma, qu'un film. Dommage, aussi...
Très déçu par ce film qui paraissait prometteur! L'histoire est assez floue. Seuls les acteurs valent le détour comme Nicole Kidman, Daniel Craig et Eva Green.
Un film avec de belles images mais un film incomplet. Comment réaliser un tel film sans mentionner une seule seconde l’arrivée du frelon asiatique et survoler aussi rapidement la question du varroa ? Voilà qui ne dira peut-être rien aux non-initiés et pourtant ce sont bien là des prédateurs et des préoccupations réelles des apiculteurs Européens tout autant que les pesticides. Le film traite majoritairement de l’industrie apicole et agricole, Américaine et Chinoise, avec toutes leurs dérives. C’est bien dommage pour l’image de l’apiculture que pratiquent des milliers de passionnés en Europe à savoir une apiculture centrée sur l’abeille et non l’homme et sa cupidité. Quant à l’abeille tueuse, à part susciter de la peur au spectateur pour un épiphénomène elle n’apporte rien au service de l’abeille et de l’apiculture en Europe (les questions posées après la projection aux apiculteurs dans la salle l’ont montré). Notre ami apiculteur « Tyrolien » apporte une note de douceur dans cet univers de brutes et de machines, mais était-ce vraiment le meilleur choix pour montrer une apiculture jeune, en pleine évolution et pas réservée à quelque montagnards isolés ? Pourquoi ne pas avoir montré les expériences d’apiculture en ville par exemple ? Si vous voulez réellement en savoir plus sur l’abeille inscrivez-vous dans un rucher école.
Apres un premier opus très proche d’un univers très féerique, celui-ci tire plus son inspiration du seigneur des anneaux avec de nombreux combats. Sinon à part sa rien ne changement, l’histoire reste identique, les enfants n’ont pas changé. La machine prend bien et les grands enfants que nous sommes restent émerveillés devant le film
Following que dire: j'ai vu tout les Nolan et j'ai était bluffé a chaque fois, c'est le dernier film qui me manque a voir et je me suis dit, est ce que je vais être encore bluffé: et bien maintenant je peux dire que OUI, j'ai était encore une fois bluffé de part la qualité de la réalisation qui est juste excellent, soigné et très stylé, vraiment magnifique réalisation grâce au talent de Nolan. Ainsi que par le montage qui est vraiment énorme, montage inversé, ce qui rend le film un vrai puzzle, un puzzle captivant de bout en bout. Le scénario est très travaillé, très soigné et très intéressante a suivre, captivant du début jusqu'à la fin: est quelle fin, encore un twist final qui ma encore bien scotché et bien surprit: Bravo. Les personnages sont très bien écrit, très charismatique et magnifiquement bien interprétée par des acteurs qui sont plus que convaincant: chapeau. Les musiques sont vraiment très sympa et colle parfaitement a l'ambiance du film qui est vraiment excellent: ambiance mystérieuse qui est vraiment très prenant. Voila rythmé ,captivant, réalisation magnifique, acteurs parfait dans leur rôle: voila ce qui vous attend dans ce film qui est juste énorme. Premier film de grand Nolan qui encore une fois montre l'étendu du son talent. Un pur chef oeurvre.
Chef d'oeuvre d'humour britannique, fantasme est vraiment très drôle d'un bout à l'autre, sans la moindre fausse note. Eclats de rire garanti, et une subtilité malgré tout qui permet à ce film de s'élever loin au-dessus d'une bonne partie des films du genre.
Un drame historique assez poussif dans sa partie introductive, plus intéressant lorsqu'il développe davantage la psychologie des personnages. Trop conventionnel dans l'ensemble mais pas désagréable.
J'ai bien aimé ce film, je ne comprends pas vraiment les critiques. Oui c'est long, mais il faut sans doutes une certaine preparation pour entrer dans une telle base, et il n'y a pas assez d'aliens pour les gens, et bien je dirais que la suggestion est bien plus probante que s'il y aurait eu un tas de mauvais effets speciaux. Je le trouve meme plutot intelligent, dans le fait où si nous voudrions faire celà, ce serait surement de cette façon ^^ bref, 6 ans pour le sortir, j'imagine bien que le gouvernement à fait un sacré tri avant d'en autoriser la diffusion. En tout cas on ne s'ennuie pas une seconde, et c'est bien celà s'essentiel.
Assez moyen malgré le casting mais le scénario est baclé.
Film creux ... Le thème pourrait sembler attrayant et captivant mais la réalité est tout autre . Deux enfants surdoués ayant 99,99 de moyenne sur 100 sont stressés pour réussir un concours qui est déplorable. Tout cela pour intégrer des universités prestigieuses américaines qui a mon humble avis les accepteront bien volontiers ... Pour le débat on voit des personnes parlés le plus vite possible sans entendre les arguments. Difficile de s’accrocher à des enfants qui sont condescendants mais paradoxalement incertains d’eux. 0,01/100 donc pour ce film illogique et mal écrit.
Pour résumer : film français.
Une grande claque ! La découverte de cette trilogie unique et forte constitue un véritable voyage cinématographique et historique. Pour une fois l'expression de chef d'oeuvre n'est pas galvaudée tant ces films sont absolument passionnants et fascinants dans leur capacité à nous replonger avec humanité au coeur de la période la plus noire du XXème siècle. A voir absolument !
Les années 80 ont rendu le teen movie universel. En effet, avec les œuvres de John Hughes, le teen movie est devenu un genre à part entière. Mais grâce à John Badham, il s’est diversifié. WarGames est un pur teen movie, avec un héros joué par le jeune Matthew Broderick, dont le love interest est joué par une des pensionnaires du Breakfast Club, Ally Sheedy. Et pourtant, au lieu d’être une simple comédie, le film est un thriller catastrophe, parfaitement ancré dans son époque, la Guerre Froide. Surfant sur la mode des nouvelles technologies et des jeux vidéo, WarGames met en scène un héros sympathique et sarcastique (ce qui est déjà une belle réussite) embringué dans une histoire qui le dépasse. Et Matthew Broderick est l’acteur parfait pour ce rôle. Comme d’habitude chez John Badham, le film est extrêmement efficace et même 25 ans après la fin de la Guerre Froide, le spectateur est plongé dans l’époque du film. La grande force du film est de pouvoir distiller son malaise crescendo afin de finir dans une séquence hallucinante de tension, à grand renfort de lumières stroboscopiques et d’acteurs qui en font des tonnes, sans en faire trop. John Wood, Ally Sheedy et Dabney Coleman sont excellents, tout comme le duo John Spencer – Michael Madsen qui se voit offrir une première scène tout aussi réussie que cette séquence finale. WarGames est un excellent film, un thriller qui n’a pas pris une ride grâce à sa réalisation efficace, ses bons acteurs et son score qui n’est même pas trop daté. Une belle surprise et un vrai classique.
Un très bon film sur un épisode de la Seconde Guerre Mondiale, pourtant célèbre, mais dont on parle peu. Ce film rend hommage à la résistance et aux forces françaises libres : ça nous change des films habituels sur les Américains et sur la Shoah. Nous ne sommes pas dans une vision manichéenne des choses. Tous les Allemands ne sont pas des monstres sans coeur. Déjà, il y a une distinction entre les SS, milice endoctrinée sous les ordres de Himmler, et les soldats allemands, soldats patriotes. On sent que les scénaristes ont voulu être les plus fidèles possibles à la réalité historique. Une bonne musique est là pour nous plonger dans l'ambiance. Ajoutons à cela le casting de très haut niveau. Il n'y a pas une scène sans un grand acteur. C'est un bon petit film patriote, et pourtant ce n'est pas qu'une réalisation française (ex : Coppola a co-écrit le scénario). Un classique que je recommande chaudement !
Attention, cet avis contient des spoilers tels que :vous pouvez y aller les yeux fermésDionysos, divinité de la fête, des ivresses de toute sorte, des excès et des trucs de guingois sert aussi de nom aux musiciens du groupe à l'origine du film. Leur musique hybride invente des sonorités barrées, baroques et foutraques que ne restitue qu'en de trop rares moments « La mécanique du cœur ». Une horloge à la place du cœur, c'est bien le problème du film. Très lisse, trop propre, bavarde, froide et tristement raide, cette animation numérique peine à incarner cette histoire d'amour et à nous faire vibrer. Sa créativité se déploie surtout lorsque qu'il s'agit d'illustrer des passages en train. Ça fait cher les 3 clips. Moralité : Marre du rail rectiligne, vive la roue libre !
Buster Keaton nous fait voyager à travers trois époques bien différentes : l’Age de Pierre, l’Antiquité Romaine et les Temps Modernes. Un jeune homme essaie de trouver l’amour en bravant divers obstacles à travers les trois époques, entre ruses et manigances, il parviendra à ses fins. Chaque époque étant reconstituée en studio, en s’amusera à voir les dinosaures et autres lions féroces en peluche, nous sommes au début de l’Histoire du cinéma, tous les moyens sont bons pour vous faire croire tout ce que l’on voit à l’image. Les Trois Ages (1923) est le premier long-métrage du comédien, surfant sur la vague créée par le phénomène Chaplin, Keaton, il est promis à une longue et belle carrière devant lui.
Vu dès aujourd'hui avec des amies car on suit beaucoup les films de Jupiter Films. Ce doc est important, nécessaire, et fait réfléchir. C'est un jeune qui l'a fait et on sent beaucoup de sincérité dans la démarche, dans le montage, les plans. Sujet passionnant. On en a parlé pendant tout l'après-midi en sortant de la séance. Foncez-y !
Fresque surprenante issue d'un Cinéma taïwanais anémique, A Touch Of Zen est le plus magistral des films d'arts martiaux. Le réalisateur King Hu s'est mis au défit de captiver son spectateur durant plus de trois heures, et il y parvient pleinement : si l'action met du temps avant de se mettre en place, ce n'est que pour nous plonger dans la tranquillité apparente de ce monde rural dans l'Empire du milieu médiéval, et nous surprendre si aisément quand les ficelles sont mises en place : il est si facile au spectateur de tomber dans le piège qu'il se tiendra en éveil pendant tout le film, mais il n'en sera pas moins subjugué par les rebondissements et les scènes de combat spectaculaires. Ce n'est pas le premier film du genre, mais il en établie les codes (est-ce une qualité ? Non, mais cela prouve son influence énorme), on ne peut plus compter maintenant le nombres de films où la princesse au lieu d'une fragilité de blanche-neige est une guerrière accomplie, les méchants traites qui feignent la conversion... Mais ce qu'il y a de plus beau, c'est bien évidemment la maîtrise de King Hu, qui enferme dans le champ de sa caméra tant de beauté visuelle, mêlant les décors à l'action et les personnages aux décors.
Un film vraiment magnifique et touchant. Et avec deux excellent acteurs (Robert Downey Jr et Jamie Foxx)
Film vraiment sympa. comme quoi il ne faut pas toujours se fier aux critiques.
"Mondovino" est un document passionnant sur le milieu finalement méconnu du vin. Jonathan Nossiter montre une viticulture à deux vitesses, l'une que l'on peut qualifier de mondialisée, l'autre plus locale et familiale. Oeuvre à charge à l'encontre de quelques acteurs du vin (Rolland et Parker prennent très cher), il dénonce un système qui repose sur quelques personnes seulement et sur la volatilité des prix, comme peut l'être l'art contemporain. Évidemment le manque de subjectivité est flagrant, et on voit clairement le parti pris du réalisateur, mais c'est nécessaire quand l'on fait un documentaire, pour exposer son point de vue. Et en effet il y a de quoi se révolter quand on voit les pratiques de certains pour faire s'envoler les prix, uniformiser les goûts, et mettre à mal les exploitations françaises, au détriment de la qualité.
Récit éponyme du premier élu homosexuel américain, Harvey Milk s’attache et réussit à coller le plus possible à la réalité des faits de l’époque. Dans un San Francisco bien différent d’aujourd’hui, les performances remarquables de Sean Penn et Josh Brolin donnent corps à ce film bien construit et bien réalisé. Gus Van Sant réussit à ne jamais tomber sur un quelconque cliché sur l’homosexualité en réalisant un très bon biopic justement récompensé. Peut-être un peu pompeux par moment, le film nous montre une fois de plus que les américains savent exorciser leurs « vieux » démons et que Gus Van Sant est décidemment un bon réalisateur.
Le film réussit à nous faire nous identifier au personnage : comme lui on se fait trimbaler sans comprendre grand chose. Le film est constitué d'une longue succession de scènes séparées par des ellipses, ce qui lui donne un aspect décousu. En rajoutant la quasi-absence de dialogues, on obtient un film fort ennuyant. J'ai hésité plus d'une fois à partir avant la fin du film et cela aura peut-être été mieux.
Ca n'aura évidemment échappé à personne : le fantôme de Tim Burton rode en permanence sur l'adaptation du roman de Mathias Malzieu, mais comme c'est à la grande période du Monsieur à laquelle on pense constamment, il n'y a aucun problème à cela. D'autant que si l'œuvre apparaît très référencée, elle garde presque toujours une teneur très personnelle, que ce soit pour l'univers, les décors, les personnages ou même la façon dont le récit est construit, donnant l'impression d'une grande liberté et surtout d'une imagination constante. Les auteurs transposant leur roman à l'écran s'y cassent souvent les dents, et pourtant Malzieu semble être régulièrement dans son élément, avoir un autre réalisateur à ses côtés lui ayant été probablement bénéfique. Alors c'est vrai que sur l'ensemble, les deux compères ne sont pas toujours aussi inspirés, le mélange des genres donnant parfois un aspect hybride assez déconcertant, et pas forcément dans le ton que l'on aurait souhaité. Mais que ce soit l'excellente bande-originale animant régulièrement le récit, l'étrange poésie berçant l'histoire ou la présence « magique » du grand Georges Méliès (doublé par un Jean Rochefort égal à lui-même, c'est-à-dire génial), « Jack et la mécanique du cœur » nous apparaît comme une parenthèse enchantée, le genre de spectacle que l'on aimerait voir toutes les semaines au cinéma, magnifiquement animé et en définitive assez émouvant : une belle réussite.
Quelques bonnes idée mais alors trés mal exploitée. Scenario et réalisation chaotique à des moments. 10/20
Autant le dire tout de suite, un Sautet mineur. A voir essentiellement pour sa magnifique distribution. Pour l'histoire et le rythme, en revanche, vous repasserez!
Long pénible et peu compréhensible malgré quelques belles images. Les gens silencieux ont l air sincères et innocents mais non.... Une mère cherche à récupérer de l argent pour un mari mort qui ne l est pas et traine sans but en laissant son fils de 5 ans jouer avec sa kalashnikoff...! moralité celui qui tire le glaive périra par le glaive....et c'est bien ainsi