CATIE-AQ/allocine_clean huggingface dataset:
Epique et historique, une histoire simple et donc pas facile à traiter: la prouesse est réussie. L'éloignement de la contrée et la méconnaissance du peuple nous permet d'avoir un regard limpide et neuf sur les valeurs humaines et sociales. Les acteurs sont très beaux et charismatiques, les décors magnifiques, tout cela empreint de charme exotique qui heureusement échappe aux emphases du type hollywoodien. Les effets spéciaux ne sont pas vraiment à la hauteur hélas, film thailandais oblige.
Quel film rondement mené ! Un vrai scénario qui met en scène une histoire qui évolue sans cesse, avec un fil conducteur fort. Je craignais que les situations se répètent avec des scènes où Jake filme une nouvelle fois... et bien non, c'est intelligemment fait. Chaque nouveau moment apporte son écho à l'histoire et c'est filmé subtilement. L.A. la nuit, c'est très beau et c'est super bien filmé. Seul petit bémol sur la bande son, qui aurait pu être mieux selon moi, surtout que cela s'y prêtait. Par contre, je ne vois pas trop le rapport avec Drive, à part qu'il y a une voiture qui roule la nuit... Pour le reste, rien à voir ! Un film corrosif servi par un Jake Gyllenhaal aux petits oignons... Jake, c'est Donnie Darko, c'est Source Code, c'est Prisoners, c'est Enemy... Ca fait déjà une belle petite filmo :)
Toujours sur le thème de la tentation d'esquiver la routine matrimoniale guettant l'individu normalement constitué. Ici par la fenêtre de deux appartements en vis-à-vis. Des alarmes de part et d'autre... Une amorce de tangentes mutuelles ponctuée de traversées de rues. On a bien les expressions typiques des films muets de Lubitsch, Blue Monte irrésistible campant l'un des deux hommes avec ce flegme apte à neutraliser les bévues à grandes rasades de scènes rigolardes. Toujours le mythe du médecin pour corser l'ambiguïté de la relation féminine une fois démystifiée la question médicale... Sont également croquées l'ivresse et la danse en surimpressions savantes en veux-tu en voilà, gargarismes d'images au ras du dérapage sauvé par la notion de solitude des êtres où qu'ils se trouvent... Ainsi n'apparaît pas mieux loti le mâle émoustillé par une possible conquête comparé à celle qui se contente d'écouter la radio at home, ses pieds attestant d'une félicité évidente. Le concert radiodiffusé, sous la houlette d' un chef d'orchestre déhanché à souhait, révèle au spectateur un conjoint ivre-mort et une voisine coeur d'artichaut. Grande réflexion sur les espoirs vains du dehors et les bienfaits du repli tant que l'imagination est stimulée, heureuse époque où la télé formatée comme en 2012 n'existait pas ! Un Lubitsch muet qui déride jeunes et moins jeunes en garantissant de remplir les salles ! Extrait presse ci-après
Premier long-métrage pour l'un des romanciers les plus populaire en France. Bernard Werber qui s'était laissé tenter par quelques courts-métrages, notamment avec Nos amis les humains (2003), reprend la même trame que celui-ci pour l'adapter en version longue avec Nos amis les terriens. Accompagné par Claude Lelouch (qui n'avait plus produit de film pour un autre réalisateur depuis près de 13ans), réalise ici un film qui mélange avec pertes et fracas, des prises de vues en extérieurs et des prises de vues « théâtrales ». Un mélange qui s'opère bizarrement, puisque l'on alterne entre ces deux modes durant toute la durée du film. Si le scénario en lui-même est clair et précis, faire croire à une observation par des extra-terrestre sur notre mode de vie, nos comportements en tant qu'humains, pour cela, on suit jour après jours deux couples « cobayes » que l'on espionne dans la vie de tous les jours afin de mieux comprendre leur mode de fonctionnement. Bon, jusque là, sa va, mais à l'écran, c'est tout autre chose ! Entre la mise en scène qui est trop longue, ennuyeuse et des acteurs qui ne savent pas du tout jouer. On découvre au cours de ces longues minutes interminables des situations grotesques qui auraient pu devenir involontairement hilarantes, mais le film flirte tellement avec la catastrophe que l'envie d'en sourire disparaît vite ! Cette étude du comportement humain aurait mieux fait de ne pas voir le jour, le court-métrage suffisait amplement, pourquoi vouloir s'obstiner à se ridiculiser ?
Le Capitaine Kirk à la barre!! Pour ce cinquième volet de Star Trek,c'est William Shatner qui passe derrière la caméra,à l'instar de son compère Leonard Nimoy pour les deux précédents. Sauf que "L'Ultime Frontière"(1989) a un mal fou à se montrer à la hauteur de son scénario cosmique: le demi-frère de Spock,révélant avec ses pouvoirs vulcains les peurs intimes de chacun,les manipule pour aller à la rencontre de son créateur dans une autre galaxie. La connaissance de Dieu en personne est l'objectif final. Cela ouvrait au film des perspectives philosophiques immenses,mais très mal exploitées,Shatner se révélant plus à l'aise dans l'anecdotique(le camping en permission)ou les trouvailles amusantes(les chaussures de Spock). L'autre problème,c'est le vieillissement de l'équipage d'origine(la plupart approchent ou dépassent la soixantaine)et leur tendance désormais à se caricaturer dans les grandes largeurs(McCoy plus marmonneur que jamais,Chekov toujours plus gaffeur,Scotty désintéressé). Malgré tout,pour ceux qui apprécient cet univers toujours aussi riche et étonnant,cet opus se regarde aisément.
ça ne vaut pas grand chose! j'ai trouvé ça très cucul! après, j'ai peut etre aussi passé l'age de regarder ce genre de dessin animé. les dessins sont assez jolis.
Un film qui fait travailler les zygomatiques ! De l'action avec des courses-poursuites entre Depardieu et les triades chinoises, des gags hilarants (comment ne pas rire devant les doubles angéliques et démoniaques de Depardieu et Clavier, qui, respectivement, lui fait faire un carambolage de voitures sur autoroute, et déculotte les filles et électrise les mamies pour le second) et des répliques qui deviennent vite cultes ("AIN comme pain, du bon pain", "la Sainte-Vierge n'a pas du tout une grosse tête !", " les Toyota elles ont failli niquer le père Tarain !"...). Un régal d'humour et d'action qui n'est jamais dans le politiquement incorrect (les blagues sur les religions sont toujours un peu tendues pour certains, mais ici rien de tel !). Que l'on y croit ou pas, on croit tous aux éclats de rire que nous arrache cette comédie familiale ! À voir absolument !
Un deuxième film (troisième avec BTS World Tour Love Yourself in Seoul) dans les coulisses d'une tournée de BTS extrêmement bien et touchant que l'on peut voir avec Bring The Soul The Movie. Fierté d'une petite française de campagne : les BTS sont à Paris, vue sur la Tour Eiffel, quand ils se mettent à raconter leur tournée autour d'un bon repas. Ceci est la trame centrale du film et on adhère complètement au style parisien de TaeTae. Le film est agréable, drôle et touchant. Les Army ont autant leur place que BTS dans ce film que je ne me lasserai pas de revoir pendant les trois jours du 7,8,9 et plus si possible... Bon visionnage Army et non Army, je tiens à préciser que mon papa a franchement apprécié ce film qui lui a permit de découvrir un peu BTS autrement que par les éloges de sa fille. Il l'a pensé sincèrement.
Que dire de ce film : Absolument magnifique et drôle. Jim Carrey est décidément impressionnant. Un film parfait.
Sarah Suco réalise un premier film dont manifestement l'empreinte autobiographique est majeure. Elle se projette dans cette petite fille de 12 ans, Camille, une artiste en herbe, que les parents vont entraîner avec ses frères et sœurs dans l'enfer de l'embrigadement sectaire. Mais pour une fois, le sujet, s'il a déjà été traité maintes fois sur les écrans, concerne une communauté catholique française, extrémiste, sans doute en contre-point des stéréotypes qui circulent contre d'autres religions par les temps qui courent. Mais voilà, le film souffre des qualités de ses défauts. La mise en scène, profondément démonstrative, enlise ses personnages dans des caricatures de l'univers chrétien. On peut imaginer que les scènes s'inspirent des souvenirs que la réalisatrice a cultivés, mais ils semblent si grotesques, si excessifs qu'ils en perdent toute crédibilité. L'autre problème demeure le choix de la jeune actrice. Elle est sensée incarner une adolescente de 12 ans. En fait, le traitement temporel du récit précipite les années, et on ne saisit plus l'âge de la jeune-fille. Elle paraît si mature que son enfance s'efface. On la voit certes douter, certes afficher sa loyauté affective à ses parents. Mais elle finit par prendre la mesure du destin terrible qui s'abat sur sa famille et s'engage dans une lutte tout aussi maladroite qu'invraisemblable. L'attitude des pouvoirs publics est totalement incompréhensible et le spectateur peine à croire à la façon dont la fratrie se tire de ce cauchemar. On ne parle pas de certains personnages comme ce garçon de 18 ans, ou même les parents de Camille qui se perdent dans des comportements ridicules, si énormes qu'ils semblent parfaitement invraisemblables. "Les éblouis" ne répond pas aux attentes laissées par un tel sujet. Peut-être est-ce lié à un marquage trop fort dans le récit et la mise en scène de l'enfance de la réalisatrice, qui l'empêche de prendre la distance et la hauteur nécessaires pour mener son scénario.
Passablement décevant. La confrontation Hoffman/Hackman vendue à grand coup de pub n'est tout simplement jamais venue. Quand on attendait ce clou du spectacle, la pilule reste coincée. D'autant plus que les rebondissements sont dans leur majorité plutôt prévisibles. Reste les acteurs, irréprochables.
Un film de 85 min sur un artiste... de Jazz. On pourrait croire qu'il va forcément y avoir des temps morts, ou des lenteurs. Et bien non! On ne s'ennuie pas une seconde. Entre les phases où la musique est jouée, et les frasques de Médo, seul, ou en bonne compagnie (Louis Sclavis, Claude Barthélémy, et tous les autres!), on découvre un homme touchant, devant et derrière le rideau. Bravo!
Le foyer est un espace. L’art de l’espace mis en perspective avec le temps se résume par le phénomène cinématographique. «Home» (France, 2008) d’Ursula Meier tente de définir les frontières du chez-soi par un burlesque situationnel qui se meut, dans son absolu, en un film d’angoisse. Une famille habite au bord d’une autoroute déserte qui, alors qu’elle semblait abandonnée, reprend son activité. Cette première situation ébauche l’intrusion de l’étranger au sein même du foyer familial. Alors qu’avant, au début du film, tous pouvaient jouer au hockey sur le bitume désertique, ils sont condamnés à rester cloîtrés de l’autre côté de la clôture, risquant leur peau dès qu’il leur faut traverser la chaussée pour se rendre à l’école ou au marché. Reclus chez eux, les membres de la famille s’entassent, dorment ensemble, retrouvent une promiscuité que le champ libre de leur ancien espace (celui comprenant l’autoroute) avait éparpillée. Cette situation en engendre une autre, plus oppressante, où le père, sous l’impulsion de sa jeune fille maniaque, cloisonne la maison de ciment et de moellons. Dans cette étouffante atmosphère, sous la lumière obscure, la famille se sclérose, se soumet à la névrose du monde qui envahit la maison. Le foyer, tel que le dessine le film, est un cadre délimité où s’introduit sans gêne le monde extérieur. L’humour avec lequel Meier verse ce drame familial, chargé de symbolique, conserve la trace, un peu effacée, du comique de son court-métrage «Tous à table». La seconde partie, dont l’éminente part métaphorique évoque «Bug» de Friedkin où la névrose de l’individu atteint le décor, réduit l’espace, le défait de son naturalisme pour le rendre abstrait et y plonger les personnages. «Home» se termine sur une fuite qui abandonne le travail de renfermement du film et ouvre un horizon plus clément, un soleil renouvelé dans lequel puiser un espoir. Cet optimisme arrive comme un étranger dans le trouble du film, aux dépens de Meier vraisemblablement.
Un film comique passable. Car franchement, qui peut croire une seconde à l'histoire ? Le gang des "bigs moustaches" décide de prendre les usagers du métro en otage (au sens propre, n'en déplaise aux messieurs de l'UMP). Le maire, une espèce de pleutre pesant 50 kg tout mouillé, s'emmitoufle dans sa couette en attendant que ça se tasse. Les flics et le personnel du métro, une bande de grincheux malpolis, passent leur temps à se pourrir les uns les autres. Les otages ne valent pas mieux, entre la Portougèche qui ne capte pas un mot, le black homosexuel qui la ramène sans cesse ou encore le contrôleur qui taille le bout de gras avec les preneurs d'otages. Bref, tous des tarés. Les dialogues sont en parfaite adéquation avec les personnages : jeux de mots, insultes, ... Même les doubleurs français sont de la partie. Ils se sont fait un malin plaisir à ridiculiser les répliques, par exemple en prêtant une voix d'eunuque à l'un des gros policiers blacks. Cet humour décalé ne serait pas gênant si le scénario était bon, or ce n'est pas le cas. On s'emmerde. Le suspense est proche du néant. Au final donc, un quasi-nanar.
Ce film d'animation est d'excellente facture. On passe un très bon moment devant ce bébé en cravate qui entraîne Tim, 7 ans, son nouveau "frère" dans cette lutte contre les petits chiots. C'est drôle, parfois caustique et toutes les générations peuvent s'y retrouver, même si certaines situations comiques peuvent échapper aux plus jeunes. Un très bon divertissement.
The Giant est un croisement entre l’Elephant Man de David Lynch et Les Idiots de Lars von Trier. C’est l’histoire de Rikard qui rêve de remporter un championnat de pétanque. Mais l’homme est rapidement rattrapé par les moqueries ou doutes de son entourage du fait de son autisme et de sa forte malformation. Difficilement classable, Johannes Nyholm réalise un conte de fée ancré dans la réalité. Ou peut-être est-ce un film fantastique filmé comme un documentaire. Quoi qu’il en soit, The Giant est ce genre de pépite inattendue qui surprend à chaque instant. Drôle, triste ou touchant, les émotions font essence entre des apostrophes de paysages grandioses mis en scènes sur des musiques de western. Etrange mais sublime, The Giant est un film sur le rêve et la différence. D'autres critiques sur notre page Facebook : Cinéphiles 44 et notre site cinephiles44.com
Kassovitz confirme qu'il n'est décidemment pas un grand réalisateur. Après le déja médiocre ghotika , il s'enfonce lamentablement avec ce babylon , reconnu quasiment à l'unanimité comme un navet. Une véritable honte .
A voir absolument. Travail de journaliste d'investigation clair, édifiant et courageux. Pour tous ceux qui ont des doutes sur le bien-fondé de la lutte contre les Organismes Génétiquement Modifiés, là ils ne pourront plus dire qu'ils ignoraient la réalité: des stratégies internationales de colonisation du vivant, par éradication des espèces naturelles pour survivance des seuls OGM ; asphyxie financière et ruine des agriculteurs ; baîllonnements, licenciements menaces des scientifiques indépendants ; soudoiement des représentants politiques, noyautage des structures politiques, corruption ou intimidation de journalistes et juristes... Le capitalisme triomphant dans toute son horreur. Et la résistance lucide et d'autant plus héroïque qu'elle reste isolée de poignées d'irréductibles. Pas de neutralité possible dans ce conflit. Où vous situez-vous ?
Très bon film très bien réalisé à aller voir en familles ou entre amis jusqu’à la dernière minute on croit savoir l’intrigue mais de grosse surprise en oerspective
Disney montre encore une fois que ses suites, c'est comme les films de Chuck Norris, c'est toujours raté.
Les personnages sont très attachants, et tout est fait pour. La réalisation est impeccable, mais quelle est l'histoire ? Le producteur a du oublier qu'un film doit raconter une histoire. Dommage...
Ce film est une véritable claque ! C'est une putain de leçon de vie. Un putain de voyage. Un film français avec un vrai scénario, tenu de bout en bout, ET un vrai jeu d'acteur, c'est tellement rare qu'il faut le souligner. Il m'a retourné... On en ressort, on fait WoW, et ça fait du bien car en un an de sorties de cinéma, je n'ai pas beaucoup fait WoW.
Franchement j'ai passé un excellent moment, c'est un film pas vraiment rock comme l'annonce le titre mais plutôt du genre qui passe du rire aux larmes. On s'identifie bien à cette famille, je n'ai pourtant aucun lien avec le maroc, mais les sentiments et les valeurs représentés sont universels. Bref, allez y si vous aimez être touchés par des choses simples et humaines.
Ce mignon petit film sponsorisé par l'office du tourisme londonien jongle bien, dans sa première demi-heure, entre son humour ses scènes émouvantes avant de nous lancer une petite romance basée sur la différence d’âges déjà vue mille fois. Ce mélodrame gentillet ne pourra au mieux que rassurer quelques seniors en mal d’amour. Ceci dit, ça fait plaisir de voir que Dustin est toujours aussi convaincant en amoureux transi.
J'aurais peut-être mis une meilleure note s'ils n'avaient pas oser appeler ce film l'île au trésor. Comment peut-on gâcher un tel chef d'oeuvre de la littérature ? Jugnot n'a pas du tout charisme en Long John Silver et le côté comédie n'est vraiment pas à sa place ici. En plus, c'est même pas marrant. Une honte. Je met quand même une étoile pour la beauté d'Alice Taglioni.
Si ce film était un légume, ce serait sans aucun doute un navet...
Carbone est un Superbe polar Français inspire d une histoire vraie On reconnaît les films d Olivier Marshall par leur réalisme et leur violence lancinante. Benoit Magimel, acteur Caméléon, est au centre de l’histoire et tient le film sur ses épaules . Les seconds rôles comme souvent chez les films de Marshall sont excellents. A voir !
Très beau et émouvant premier film. Un scénario poignant admirablement servi par des acteurs très justes et une photographie digne des plus grands ! À voir donc.
Un magnifique hommage à l'une des plus belle BD crée. Certes l'histoire des 2 BD n'est pas respectée en totalité bien que les deux BD se mixent habilement bien, mais j'ai retrouvé tout l'univers de Tintin dans ce film : d'abord les personnages qui sont tous très fidèles au niveau de leurs caractères et physiques (Dupond et Dupont, Tintin, Milou, le capitaine Haddock, la Castafiore, les autres personnages secondaires ...) mais aussi l'ambiance de l'époque (les années 30 - 40) qui est, elle, très bien restituée. Bref en tant que fan des BD je salue les efforts de Spielberg pour nous donner un film aussi beau (visuellement parlant), bourré d'humour et de clins d’œils. Bref j'adore !
On reste dans la parfaite continuité de cette saga culte : action et humour sont de mises ! Toujours incontournable !
Belle image, belle bande-son, belle atmosphère presque irréelle de la ville la nuit, mais ça ne fait pas tout ! Ennui, longueurs insupportables pour un film aussi court, acteurs autre part qu'avec nous. À la prétention j'aurais préféré la générosité.
Subtil et langoureux, le jeu des acteurs sonne vrai tout comme la musique sonne juste.
Nul! je suis très déçu, je pensais en sortir une bonne leçon sur ce qu'est devenu le monde à travers les relations humaines qu'on peut entretenir avec des personnes comme nous et qu'on méprise injustement. Des personnes qu'on ne considèrent même plus comme des humains mais comme des robots qui ne mérientent même plus un Bonjour et encore moins un , le film ne dénonce rien... Au lieu de ça, on nous sert un petit film à l'eau de rose avec son histoire d'amour très peu intéressante. Aucun intérêt donc. Déçu.
Ce film est juste énorme et intemporel. Un peu un Nicky Larson (manga japonais) version "j'en ai rien à foutre des autres", avec une bonne dose de kitsch - voulu. Ford Fairlane, c'est un côté macho qu'on a tous un peu envie d'avoir : peur de rien, salaud avec les femmes (ce qui lui permet de sortir avec), plein de répliques blessantes... Mais avec quand même un côté loser qui nous retient. Faut voir le film plusieurs fois pour saisir toutes les subtilités (oui il y en a !). L'une de mes répliques préférées... "Ca va Zouzou ?? T'inquiète pas si tu tombes, j'm'en sortirai !"
Un film époustouflant sur le destin croisé d'une ville, d'une famille juive et d'une communauté afro-américaine en quête d'une qualité de vie décente grâce aux salaires offerts par l'industrie automobile. Le film, par des interviewes de grande qualité et grâce à des images d'archives étonnantes, retrace la gloire et la chute de la ville, sans pour autant tomber dans le sensationnalisme. Les faits sont complexes et le film réussit à montrer les paradoxes d'une société clivée, marquée par la ghettoïsation progressive, poussant peu à peu les blancs vers la périphérie puis vers d'autres villes, tout en montrant malgré tout comment cette ville multi-culturelle est encore capable de se réinventer par ses diverses influences culturelles. La place de l'automobile dans la ville enfin, clé de son succès, cause de son déclin, par la construction d'autoroutes urbaines qui facilitent l'accélération de la fuite vers la périphérie, par la fuite des capitaux pour produire ailleurs, là où la main d'oeuvre est moins chère. Un portrait familial tendre, lucide et sans concession qui nous touche par le ton juste adopté. Bref, on est pris comme dans un thriller et on se sent plus intelligent en sortant du film.
La chanson était déjà un plagiat. Espérons que le film ne soit jamais plagié.
1/20. On nage en plein délire avec ce film, c'est du grand n'importe quoi, les effets spéciaux sont pourris, l'histoire est pathétique, un pur navet ce film, je vous le déconseille fortement, une nullité hors du commun....
Une série B, voir Z, mal fichu et mal dégrossit, qui sent limite l'amateurisme...bizarre de la part du réalisateur de l'excellent "Elle s'appelait Sarah" ?
Un très joli film qui mêle rire et émotion et fait aussi réfléchir sur notre course permanente à l'argent. C'est une vraie comédie dramatique avec des scènes désopilantes dès que Frédérique Bel et Virginie Hocq apparaissent à l'écran et de vrais moments d'émotion. Ceux qui ont lu le livre seront émus de retrouver les personnages attachants du livre tels qu'ils les avaient imaginés. A ne pas manquer.
Un mélodrame typique des années 50 qui commence avec une chanson romantique interprétée brillamment et une promenade sur le Mississipi. Le ton est donné et le cinémascope couleur fort bien utilisé et constamment beau soutiendra le tout de bout en bout. Cela aurait pu être un grand film sans quelques maladresses qui hélas ne peuvent jamais être oubliées, même par le souvenir de grands moments. On sent nettement une oeuvre littéraire, et non un scénario, à ressentir au fond de soi plus qu'à attendre du visuel. Cela se traduit par fort peu d'actions et un coté intellectuel qui peut ennuyer la génération actuelle friande de sensations fortes Le roman de Faulkner doit être riche en connotations psychologiques car on assiste à des faces à faces de grande intensité. Les acteurs en font tous un peu trop, ce qui nous fait sortir du réel, mais comme Martin Ritt à du talent ce n'est que plus agréable, nous sommes au cinéma.Le réalisateur n'est qu'au début de sa carrière longue de 26 films mais déjà on y sent une générosité envers les spectateurs qui ne cessera de croitre. Orson Welles bien que très caricatural nous amène à réfléchir sur son personnage beaucoup plus intéressant qu'il ne le laisse paraître. '' Quelle haine il t'a fallu pour vouloir me tuer , que d' Amour il t'a fallu pour m'empêcher de mourir''! C'est aussi un film original fort différent de ceux du même genre de Kazan,Minnelli ou Sirk et c'est en plus cette originalité qui en fait son prix.
Superbe film. Le Maître nous fait encore rêver avec "Pas de printemps pour Marnie". Je pensais à un film moins policier, me suis-je dit naïvement pendant le visionnage alors qu'on tombe petit à petit dans une psychologie efficace. Les acteurs sont brillants. Bref, il n'y a rien à dire comme d'habitude chez l'oncle Alfred, c'est encore une fois la perfection même si ce n'est pas son meilleur film. Je resignale (encore) la musique de Bernard Herrman présente dans le film et qui nous transporte dans le suspens désiré. Remarquable!