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Deuxième Carnosaur et deuxième fournée de dinos en caoutchouc ! Le scénario se révèle mieux construit que le premier opus (normal, on a plagié avec un zèle remarquable celui d'Aliens cette fois) ce qui n'empêche heureusement pas de multiples aberrations si chères à l'amateur de ce genre de production de seconde zone. Les dinosaures (les meilleurs acteurs du film) sont toujours autant mis en valeur dans ce survival très sympa qui se conclue sur un duel dantesque entre un Tyrannosaure et une pelleteuse conduite par un gamin ! Fauché mais jouissif !
Première plongée dans l'univers complexe, graphique, élégant, intriguant et souvent envoûtant de Yoshishige Yoshida, qui aborde la relation quasi-incestueuse avant de devenir incestueuse tout court entre un fils et sa mère... Dans le rôle de cette dernière, Mariko Okada (épouse du cinéaste !!!), vingt ans de moins que l'âge de son personnage (ce qui est volontaire, rien de tel pour renforcer l'ambiguïté !!!), est franchement fascinante, même si pour le coup Ruriko Asaoka, l'actrice japonaise la plus canon que j'ai vu après Ayako Wakao dans "Herbes flottantes", a ma préférence en jeune femme un brin délurée et sensuelle à donf qu'on se dit que le personnage du fils doit réellement être englué jusqu'au cou dans ses problèmes œdipiens pour rester insensible. En tous les cas, ce film visuellement et techniquement pleinement maîtrisé traite avec beaucoup de délicatesse et de sensiblerie un sujet délicat. Première plongée mais pas dernière, ça c'est sûr...
Sydney Pollack a parfaitement saisi l'univers d'Horace McCoy, auteur du sublime roman qu'était "On achève bien les chevaux" et s'en empare pour le retranscrire à l'écran avec une fougue palpitante et une lucidité impitoyable. Sa caméra se promène sur la piste danse avec grâce, saisissant au passage les moments d'épuisement, de désespoir mais aussi de vivacité et d'espoir. Ces gens qui dansent des jours et des semaines durant pour tenter de gagner une récompense sont des victimes de la Dépression, des déçus de l'american dream qui dansent jusqu'à l'épuisement, jusqu'à la folie, jusqu'à la mort parfois. Le décor unique de la salle de danse crée une atmosphère étouffante qui correspond parfaitement au sentiment que l'on avait en lisant le livre. McCoy et Pollack ont la même vision des choses, de cette Amérique loin d'être parfaite et qui est mise en scène (Gig Young est parfait dans le rôle du commentateur et animateur de ce spectacle qui ressemble plus à un carnage qu'à un concours de danse) pour le plus grand bonheur des spectateurs. Et les spectateurs c'est nous, pris dans l'effervescence du cours des choses comme Jane Fonda et Michael Sarrazin, tous deux touchants en couple tragique. Le chef-d’œuvre de Sydney Pollack.
Un film très très lent, quasiment aucunes actions pendant 50 minutes, et une fin complètement pourri et ratée, personnellement je suis déçu.
Two Eyes Staring est tout simplement a éviter , un très faible film d 'horreur .
Saviez-vous que l 'école n est pas obligatoire en france? Superbes histoires de gens qui sont allés en dehors des clous du système en ne laissant pas leurs enfants à l 'école. Je recommande ce film tourné dans un style amateur mais bien plus puissant qu'une grosse production. Une fois le documentaire digéré vous aurez certainement les idée plus large si vos enfants ne s' épannouissent pas dans le système scolaire. Il est bon de savoir qu'il existe d'autres solutions!
Un scénario un peu bidon, un film de série b sans complexe certe mé sans grand intéret ni charisme... samuel lee jackson essaye de sauver ce qui peut l'être pour meubler les carences de ce film...les effets spéciaux sont dépassés et les méchants pitoyables...
Pas d histoire, pas d action, pas de dialogue, pas de fin. Bref nous avons perdu 1h20 de notre vie.
Totalement naïf et mal écris : un come back dont il valait mieux s'abstenir.
Yi-Yi d'Edward Yang Est une réussite sublime. Tant dans son aspect technique (la photo, le cadrage) que dans sa narration et sa musique, Yi-Yi est sobre et raffiné. NJ se pose des question sur sa vie passée, et se demande ce qu'elle aurait été. Des parallèles sont alors fait avec ses enfants, car sa fille est au stade où elle découvre l'amour et son fils à un stade ou il découvre la vie. Aussi NJ voudrait être l'ami de son fils pour l'aider à ne pas faire d'erreurs. Mais les erreurs font la vie. Yi-Yi paraîtra chiant (n'ayons pas peur des mots) à quiconque n'aime pas les films d'auteurs, car toute la réussite du film tient au fait qu'il n'y a pas de zèle, qu'il est élégant. C'est une œuvre immense, profonde et entière, maîtrisée à la perfection. C'est un petit chef d'oeuvre qui dit les choses de la vie sur un ton mélancolique et musical. La vie mérite d'être vécue, et c'est aussi simple que cela.
A travers "Giulietta degli spiriti" réalisé en 1965, Frederico Fellini a cru bon de nous servir une ode à sa femme qu'est la célèbre Giulietta Masina dont le prénom est réutilisé jusque dans le titre. Le cinéaste aime sa conjointe devenue muse, l'admire en tant qu'actrice. Il en est tellement raide dingue qu'il oublie son film par la même occasion, chose quelque peu problématique chez tout spectateur ne ressentant pas les mêmes émotions que le metteur en scène pour la figure féminine exhibée durant plus de deux heures à l'écran. On est contraint de la voir du début à la fin sous tous les angles, regards et postures possibles afin de la magnifier sans cesse. Le pseudo-scénario exposé, original et intéressant si on en lit les trois premières lignes est vite rattrappé par la passion furieuse éprouvée par le maître pour vous-savez-qui désormais. N'ayant absolument aucun moyen de relever un tant soi peu le rythme sans relief émanant sans cesse, celui-ci est surtout prétexte à exposer les phantasmes subsistants de Fellini, venu vider toutes ses idées saugrenues à l'écran. Délirant ? Non, seulement affreusement dépassé, fortement ancré dans la culture pop des années 60, très démodé aujourd'hui mais sans charme. Les couleurs apparaissent criardes, s'avèrent mal utilisées, ne jutifient pas le propos déjà peu passionnant, illustrant avec une grande laideur des décors et costumes absurdes, ne rentrant à mon avis que très mal dans la thématique du rêve et de l'illusion. A ce sujet, on pourra tout de même signaler l'audacieuse tentative de brouiller les pistes en entremêlant les différents récits, essayant de pénétrer dans l'univers cérébral du personnage de Masina, alter-ego féminin de Fellini. L'aspect technique à proprement parler est certes soigné mais le meilleur de ce film réside sur ce qu'il tente de réaliser et très rarement dans ce qu'il expose vraiment. Souvent long, prétentieux et ennuyeux.
Naomi Kawaze est une habituée du Festival de Cannes : depuis sa Caméra d'Or obtenue en 1997 avec "Suzaku", 3 de ses films ont été sélectionnés en compétition officielle et elle a obtenu le Grand Prix du jury en 1997 avec "La forêt de Mogari", par ailleurs le plus difficile d'accès des trois et, à mon humble avis, le moins réussi. Sans atteindre le sommet de "Shara" (2003), "Hanezu, l'esprit des montagnes" entraine le spectateur sur des chemins très poétiques et très délicats. Même pour un esprit cartésien, son mélange de légende et de réalité s'appréhende facilement et elle a su trouver la juste nuance concernant la façon de filmer, avec une caméra à l'épaule qui permet au spectateur de vivre au milieu des personnages sans pour autant être secoué comme un prunier. Son évocation de la nature est très sensuelle et le résultat final très réussi.
Ce film est d'une nullité sans nom avec des acteur en carton, tout comme les décors d'ailleurs, des costumes digne d'un carnaval de maternelle, un scénario à pleurer, et des dialogues qui donnent l'impression d'avoir été écrits par des drogués. 0,5 et je note large !!!!
J'adore !!! DEPARTURE est d'une beauté plastique à couper le souffle. Bande-son, rares moments musicaux, bruit du vent dans les feuilles, souffles courts nourrissent le regard que porte le jeune Elliot sur le monde qui l'entoure. Une beauté à la fois vibrante et étouffante. C'est tout le sujet du film : la tentative maladroite, parfois violente cruelle et égocentrée d'un adolescent qui rêve d'une vie différente. Une vie où il se passe de vraies choses. Une vie où la poésie et l'amour auraient leur place. Une vie où l'on pourrait aimer et être aimé. Une vie où les petits rien du quotidien ne sont pas seulement du temps qui passe mais du temps qui vibre. Aspiration naïve mais nécessaire de la jeunesse. Rien de plus urgent en ces temps de crise car la révolution commence peut être dans cette dimension de l'intime avant de s'étendre au social ou au politique. Tout l'art du réalisateur est de jouer de la frontière des clichés qui servent de référence au jeune Elliot (Rimbaud, la poésie...) et de la réalité à laquelle ils renvoient (force et sensualité de la nature, désir d'une expression qui brise les convenances du langage quotidien et urgence d'un contact charnel retrouvé). Plonger une famille anglaise corsetée par la sauvegarde des apparences dans la sensualité du sud-ouest français crée immédiatement un cadre propice à ce conflit. L'entrechoc des deux langues - français et anglais - rend concret la question de la langue comme vecteur ou barrière à la communication. Les acteurs sont formidables. Nul doute que nous entendrons souvent parler d'eux dans l'avenir. Quant au réalisateur, c'est son premier film. Un futur classique.
Découvert en VOST . Le film est un vrai ratage en terme d'adaptation d'animé. En plus une production Blum house, donc il faut les plans caméra / found footage soit pénible et agacant et n'apportant rien à l'histoire. Le film est très niais dans l'ensemble.Vous vous rendez que Jem doit assembler les pièces d'un petit robot high tec de façon chasse au trésor pour obtenir un message holographique de son papa pour lui dire d’être heureuse et de suivre sa destinée !! Il aurait pu écrire ça sur papier...Seul plus, la présence de Juliette Lewis (trop rare au ciné à mon gout)
un trop petit film sans grand interet. en effet on suit les aventures de cette femme et de son employee un peu a coté de ses pompes mais on s ennuie quand meme pas mal. dommage.
Un bon moment à passer en famille. C'est sympatique mais vraiment pas de la bonne comédie.
Que dire de ce film, si ce n'est de faire le triste constat d'un film pourrave, filmé par un réalisateur de clip de médeux, qui accouche d'un film de braquage et de road movie nul à chier. À l'image de ces personnages caricaturaux à l'extrême : Costner dingue du King et psychopathe à ses heures perdues, Kilmer en gentil bandit, Cox en fille facile qui voit en Kilmer son prince charmant et lui colle au cul comme pas possible, et son petit lardon qui ne pense qu'à chouraver les portefeuilles des adultes et jouer au bandit pour faire comme les grands. Tout ceci est déplorable, comment peut-on aussi mal utiliser des acteurs ? Où est l'intérêt de voir ces deux acteurs singés comme Elvis et ridicules au possible, cette amourette crétine et lourdingue entre Cox et Kilmer ? Je n'omettrais pas de vous parler des fusillades sanglantes irréalistes et du grand n'importe quoi qui s'en dégage, d'une réalisation clipesque à en vomir. Le film n'est pas prenant, à aucun moment jouissif, on se croirait dans une mauvaise série policière, il manquait plus qu'ils fassent un peu de kung fu pour voir Chuck Norris faire son apparition!!! Encore un film où il manque un réalisateur et un scénariste digne de ce nom. Désolé, mais ce n'est pas ce que j'appelle du cinéma.
Un des tout plus beaux films de guerre du cinéma américain avec ''Les maraudeurs attaquent'' de Fuller. C'est du pur cinéma comme Fleischer sait en faire avec en plus ici une profondeur psychologique qu'il néglige souvent dans ses films d'actions. La mise en scène est somptueuse, il n'y a pas d'autres mots. Le cinémascope y est comme chez Ford utilisé au mieux et les flash-backs particulièrement réussis, une présence féminine étant plus que bienvenue: Terry Moore remplissant parfaitement ce rôle. Par contraste il saute aux yeux que seuls les hommes aiment la guerre, Robert Wagner maintenant déjà un climat conflictuel sur son lieu de travail que son épouse perçoit à sa grande surprise. Les scènes héroïques abondent, il est difficile d'en ressortir une du lot, peut-être celle qui vaut à Sam Gifford sa ''Silver star''. Le coté insolite de Waco et de ses deux ''femmes'' en marcels kakis est surprenant chez Fleischer de même que son comportement final lorsqu'il félicite Sam. C'est un film dense où il se passe beaucoup de choses et qui peut vraiment aider les jeunes adolescents actuels à se faire une idée de cette guerre du pacifique. D'autre part, son coté optimisme sur le rapprochement de deux personnes d'une classe sociale opposée ne paraît pas impossible dans les conditions décrites. Tout cela fait que ce film doit être vu par tous et toutes; les DVD sont là pour ça.
L'idée de départ n'est pas mauvaise, mais les dialogues sont mauvais, les acteurs ne relèvent pas le niveau et de plus c'est mal tourné. Film à éviter.
Durant un voyage sur un ferry, le jeune fils de Maria disparaît. Six mois plus tard, la mère est appelée sur l'Ile d'Hierro pour identifier un cadavre qui pourrait être celui de son fils... Certes ce film espagnol possède deux réels talents qu'il faudra surveiller à l'avenir, le premier concerne le metteur en scène Gabe Ibanez qui nous propose de réel talent en terme de réalisation, car certains plans sont vraiment bien maîtrisé, et le deuxième concerne la subtile performance de Elena Anaya qui, dans le rôle de la mère déboussolée, s'avère archi convaincante et bien étonnante. Mais malheureusement l'histoire tourne vite en rond du début ( qui nous montre une séquence d'accident de voiture par ailleurs très bien filmée ) jusqu'à un twist final tout de même bien prévisible et qui ne devrait pas surprendre beaucoup de monde. Pas le must donc provenant du cinéma ibérique qui nous avait habitué, ces dernières années, à beaucoup mieux par rapport à leurs qualités pour trouver des scénarios novateur.
Un acteur raté, héros d'une vieille série ringarde, est appelé à la rescousse pour arrêter un serial killer obsédé par la série. "Mindhorn" commence plutôt bien, avec une moquerie des séries policières des années 80, et le personnage de Julian Barratt, sorte de parodie de David Hasselhoff, acteur arrogant débarquant sur l'île de Man (choix original pour le déroulement du film). Mais l'ensemble s'enlise rapidement, dans l'humour basique, et une intrigue assez pauvre. On note néanmoins quelques bons mots, et guest stars amusantes. Le final est un peu plus relevé, mais on aurait aimé plus d'audace visuelle vu le matériel détourné. Dommage.
Quand je vois ce film je me dis mais quel gâchis!! En effet, quel fantastique sujet que la découverte du tombeau du Christ. Une lutte de religion, un monde qui pourrait s'effondrer, des croyances remisent en cause, enfin bref, il y avait tellement à faire. Hélas, trois fois hélas. On se rend bien compte que le film n'arriva à rien. Plus les minutes passent, plus on arrive à un grand n'importe quoi, et finalement, un final des plus catastrophique. Encore une fois, c'est vraiment dommage, on aurais pu attendre beaucoup, beaucoup mieux...
On y retrouve l’acteur fétiche de Bo Widerberg, Thommy Berggren (le Jean-Pierre Léaud suédois) et le musicien italien Giuseppe Torelli (1658-1709) remplaçant Mozart pour la musique. Le film est inspiré de la jeunesse du réalisateur et raconte la vie d’un jeune homme en 1936, dans un quartier ouvrier (Malmö ?), rêvant d’être écrivain et coincé entre un père alcoolique et une mère dévouée et travailleuse. N’est pas Renoir ou Truffaut qui veut ! Seul intérêt, l’évocation de la situation politique (montée du nazisme et de l’extrême droite).
Pour son originalité, Mise À Mort Du Cerf Sacré n’a certainement pas volé son Prix du Scénario reçu à Cannes. Le réalisateur Yórgos Lánthimos signe un thriller vraiment pas comme les autres qui flirte avec le fantastique et une ambiance horrifique. Très différent dans le ton de The Lobster, le film devraient cependant séduire tout ceux qui avaient aimé le précédent film du réalisateur par sa folie dérangeante. Il se dégage de ce film une atmosphère cauchemardesque pesante vraiment réussie qui ne conviendra probablement pas à tous les spectateurs. La longueur excessive du long métrage l’empêchera cependant d’être la grande réussite qu’il semblait être dans sa première heure pleine de mystères. [lire la critique complète sur freakingeek.com]
Le naufrage annoncé s'est réalisé et aucun Deus Ex Machina ne viendra sauver Jackson de la purge qu'il a créée. Quelle tristesse d'être revenu pour un voyage de près de 8 heures dans la Terre du Milieu pour un tel résultat. Lamentable. Comme dans les deux premiers opus, la narration s'embourbe et un blabla insupportable tient lieu de dialogue. Jackson résout ses misérables intrigues secondaires (l'histoire d'amour, la folie de Thorin, l'histoire d'amour) n'importe comment avant d’enchaîner sur une bataille finale dans laquelle tout sonne faux. Les scènes s’enchaînent sans cohérence et les événements WTF se succèdent dans un délire total (Des vers géants sérieusement ?). Comment Jackson peut il accepter que Bilbo arrive à tuer des orques en leur lançant des cailloux ??? Putain c'est une honte. On abolie toute vraisemblances pour ajouter des rebondissements foireux, l'orque fait de l'apnée pendant une demie heure dans l'eau gelée avant de revenir en mettre une couche alors qu'on a qu'une envie : que s'arrête toute cette crétinerie. Cette trilogie spectaculaire dopée au CGI mais aussi désincarnée qu'une production d'Heroic Fantasy lambda restera pour moi la défiguration d'une oeuvre et d'un monde qui ne le méritait pas.
Que de longueurs, que de blabala, que d'ennui, et puis tout le monde n'est pas obligé d'aimer le basquet…pourtant il y avait des bonnes idées, notamment celles de nous présenter un monde où rien n'est simple, où personne ne prétend à la perfection, mais sinon ça tourne en rond, et la fin est aussi claire que du jus de boudin. On retiendra le sourire de Rosario Dawson, c'est déjà ça !
scenario astucieux, comediens exquis, une belle mise en scene pour ce film historique ou sous texte joliment moderne! unntres bon moment
Un film mais complètement barré ! J'ai adoré, comme toujours avec Jean-Marc Vallée à la réalisation, cette histoire. Jake Gyllenhaal est juste génial et le duo qu'il forme avec le jeune Judah Lewis est jouissif. L'évolution de l'histoire et du personnage est tellement bien pensée, le dénouement est parfait. Difficile de mettre des mots sur cet ovni. Il faut vraiment le voir !
Les arrivants, ce sont les migrants de Mongolie, d’Erythrée ou d’ailleurs qui débarque sans papier à la CAFDA pour essayer, aider par des assistantes sociales, d’obtenir un statut de demandeur d’asile. On suit durant 1h50 ces familles face à 2 assistantes sociales : Caroline, jeune et impulsive ; Colette, plus agée, compatissante et bordélique. Mais toutes 2 sont toujours de bonne volonté. Ce documentaire est un film social, humanitaire ; un vrai moment de vérité. La caméra se fait absente et on suit les entretiens de ces assistantes sociales comme si on était avec elles dans le bureau. Ces entretiens offrent toutes la complexité de ces situations, du point de vue des affamés à leurs hôtes potentiels. Et nous renvoie aussi à nos limites en terme de capacités d’accueil de la misère. Jamais militant, ce film laisse chacun se positionner par rapport à ce problème complexe ; sans aucun jugement ni pathos. 1h50 ; çà peut paraître long, mais on est pris par le sort de ces familles et les états d’âmes de ces travailleurs sociaux, ce qui fait de ce doc un bon thriller social. A la fin du film, je me suis posé pleins de questions… Un documentaire intelligent qui pousse à réfléchir sur notre modèle de société, sur le monde, la nature humaine et l’incontournable pragmatisme des individus, quel qu’il soit, dans des situations si complexes.
Presque TOUT les films de S.F. sont des événements à ne pas rater. Dont ce film-ci : Snowpiercer, ou le guide de survie dans un train qui traverse non pas seulement un désert arctique, mais navigue aussi entre différentes haines des studios HOLLYWOODIENS. Car oui : Bong Joon Ho à réussit un exploit : il n'as demandé aucune aides de la part de ces producteurs, encore une fois Hollywoodiens. A-t'il eu tort? Peut-être. Car son film ne vas pas assez vite : le spectateur à des fois la dure impression que les acteurs font du "sur place". Pourtant, côté scénario, tout avait l'air bien : Chris Evans, (la personnalité qui peut s'adapter à toutes sortes de rôles) en chef de révolte, avec à ses côtés une pléiade d'effets spéciaux (très bien faits ceci dit). Malheureusement, à force d'expliquer avec le même ton monocorde, "Le Transperceneige" à un mal fou à percer dans l'ennui du spectateur, qui se retrouve dans une position inconfortable, car il n'est pas transporté. Survint une fin fait à la va-vite, sans surprise. Le spectateur quitte donc la salle, juste avec l'impression d'avoir assisté à un spectacle américain, et aussi de s'être fait ruiner. Tiré d'une histoire vraie.
Faute d'avoir raté la séance d'un autre film je suis tombé sur ce navet. En France on aime bien les has-beens et les losers et les critiques favorables ne peuvent que confirmer. Plus jamais un Woody Allen ! Eric Rohmer excellait dans l’art des marivaudages mêmes si les personnages et les situations étaient incongrus. Mais le film de Woody sonne faux. « Fake » est le mot. A la fin du film, on se pose la question SO WHAT ?
Un gene Hackman, en pleine forme. Le film ma bien plus, je trouve que l'histoire reste très convaincante,
Exploité aussi sous le titre "Dent pour dent", ce film d'action cousu sur mesure pour Chuck Norris et ses célèbres combats a terriblement vieilli; le scénario et la réalisation sont limites, les scènes de cascades restent bonnes malgré une utilisation abusive de ralentis propres aux années 80. Heureusement Christopher Lee et Richard Roundtree viennent au secours de ce film déja certainement oublié par beaucoup.
Alfonso Cuarón signe un grandiose - extraordinaire - exceptionnel - génial film de SF d'une prouesse technique et d'un réalisme sans précédent, accompagné d'une musique sensationnelle, servi par des acteurs exceptionnel, et procurant une expérience sensorielle inédite. Le plus grand film sur l'espace et ses dangers ! Un chef-d'oeuvre à voir absolument !
Le début est attirant mais après c'est laborieux.Résultat c'est nul, une insulte pour le spectateur.
Habituellement fan des adaptations de Stefan King, je n'ai pas du tout apprécié l'histoire de celle-ci, dont j'ai décroché au bout de 30 minutes... le manque de rythme conduit rapidement à l'ennui, et le coup du chien mordu par une bête qui devient mauvais est pour le moins bateau... alors que le charme des histoire de King est souvent le originalité et leur atmosphère. Pas ce coup-ci.
Ce film est génial, fin, subtil. En dehors des poncifs habituels. Je l'ai vu par hasard sur netflix, je ne savais pas du tout à quoi m'attendre et c'est vraiment une belle surprise. C'est difficile de résumer le film, il faut le voir.
Il est juste excellent ! La folie et l'inventivité de son scénario n'ont pas pris une seule ride, et niveau mystère, on se rend bien compte que Lost n'a en fait rien inventé! Les aventures du professeur Quatermann sont géniales, je recommande aussi La marque, deuxième opus de la série et un de mes préférés! Le travail sur l'ambiance et l'atmosphère dans Les monstres de l'espace est très réussi, dommage que Allociné spoile dans son résumé l'origine martienne du vaisseau trouvé dans le métro.
Film indépendant qui part sur bonne intention et un bon casting mais quel ennui !! Trop long, trop plat, trop TOUT !! Pas de franche rigolade, ni de dramaturgie crédible. Passez votre chemin