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Depuis le début de sa carrière, le surdoué D. Boyle navigue d'un genre à l'autre avec une certaine réussite et propose à chaque des expériences de cinéma intéressantes, pleines à ras bord d'images incroyables qui s'impriment sur la rétine et pour un résultat final qui s'avère toujours trans-genre. Après un "127 heures" en mode huis-clos en extérieur, voilà donc "Trance", un thriller qui navigue là encore entre les genres : thriller érotique, thriller psychologique, film de braquage avec ce qu'il faut de perversion, de manipulation et de tension. Le point de départ n'est pas franchement crédible et certains ressorts psychologiques sont un peu nébuleux mais ce qui compte içi, c'est avant les twists (nombreux), les voyages entre rêves et réalités et surtout des propositions visuelles hallucinantes avec quelques plans mémorables. Abandonnant quelque peu les films à Oscars, Boyle retrouve la nervosité, la simplicité, le 1er degré de ses films d'avant et abandonne son style poseur et plus consensuel, aussi bien sur le fond que sur la forme. Comme toujours, ça fera débat mais pour moi, c'est un excellent film de genre, porté par 3 acteurs qui nous emportent dans ce tourbillon de sensation et c'est au final une formidable attraction, type montagnes russes. Du très, très beau travail. D'autres critiques sur
Avec "Le petit dinosaure et la vallée des merveilles", ce film, "Charlie, mon héros" est l'autre chef d'oeuvre de Don Bluth ayant marqué mon enfance et que j'ai redécouvert récemment. Avec ce film d'animation, il imprime sa propre marque, bien différente de celle des studios Disney par lequel il est passé. Ici, le film a pour héros un chien nommé Charlie, qui est, au contraire des héros de Disney se distinguant par leur gentillesse, quelqu'un de roublard, individualiste, intéressé. Sa rencontre avec une petite orpheline qu'il protège pour veiller sur ses intérêts à lui face à son ennemi, Carcasse, provoquera en lui un conflit intérieur et l'amènera finalement à trouver la rédemption. On a donc affaire à un film plus sombre, plus chaotique, où le bien côtoie le mal ou l'indifférence chez les personnages. La quête de la rédemption du héros, savoir s'il terminera sa vie au paradis ou en enfer, le fil narratif du film, le rend très attrayant et vraiment original pour un film d'animation. Sinon, rien à dire en ce qui concerne les graphismes, qui sont bien pour l'époque ou les voies françaises, celles-ci sont géniales ! En bref, c'est un film d'animation que je trouve sublime et que je conseille de voir.
Ca aurait pu être un bon film, mais ce qui m'a choquée c'est cette cacophonie la musique omniprésente et usante en plus elle est plus forte que les voix des acteurs et parlons en de ces voix elles sont pourrav'. Les acteurs sont très mauvais, ce film est très mal réalisé la caméra qui bouge dans tous les sens donne le mal de mer, les images sont floues. Vers la fin un mec astique une carabine pendant perpète, les mecs parlent même plus Français et la musique est tellement forte qu'on comprend plus rien à ce qu'ils racontent puis ça deviens du n'importe quoi j'ai plus rien compris à partir de là. Trop laid, ça aurait pu être bien : filmé autrement et joué par d'autres acteurs.
Ce spectacle a pris un bon coup de vieux. C'est un peu cucul sur les bords du scénario, mais ça devait plaire dans les années 60. Aujourd'hui, il se retrouve dans la zone des séries z, à juste titre. Carcassonne n'est pas Dijon.
C'est un grand film, avec un duo d'acteurs fabuleux. Mr Jean Paul Belmondo, et la grande et merveilleuse Marlène Jobert, une histoire d'amour très drôle...prendant une époque bien dure !
Pas que l’idée de revoir cette poupée soit en cause, juste que le film est un navet incompréhensible, incohérent et pauvre au possible. Plusieurs Chucky en même temps et vlà que je me clone, le cadre de l’hôpital psychiatrique, on ne peut plus irréaliste. Oui, y a 3 patients, une infirmière, un aide soignant et un docteur tous fous bien sûr et adepte de méthode médicale bizarre. Non. Franchement, stop.
Une épopée grandiose, spectaculaire orchestré par l'incroyable et rassurant Glenn Ford et la timide mais peu à peu redoutable Maria Shell. Ce qui fait vraiment la force de ce film reste la traversée des époques, les nombreuses modifications qui s'opèrent à la fois physiquement mais aussi sur le caractère de chaque personnages. La panoplie des individus nous permet de les cerner psychologiquement et d'avoir une vue d'ensemble, une vue générale sur le but de ceux-ci. Autant vous le dire tout de suite, on s'y attache, on les reconnait rapidement et ce, malgré la multiplication des personnages qui peut rebuter. Les décors sont époustouflants où l'industrialisation et l'implantation humaine y est agréablement représenté face à une philosophie du personnage face au racisme et à la fin d'une ère de liberté... Avant tout tourné en un drame, elle est saupoudré d'un western relativement timide mais qui permet d'accorder à la suite des dialogues et de la réflexion, quelques scènes d'actions nerveuses et efficaces. Une réussite !
"Hôtel Singapura", c'est vraiment une oeuvre belle, riche, et aboutie. C'est aussi un film à sketch qui possède une cohérence parfaite dans sa construction. Le concept est superbe : on a le "fantôme" d'un musicien qui observera les tourments amoureux et/ou sexuels des occupants d'une chambre d'hôtel,car il en aura lui-même vécu un dans cette fameuse chambre, juste avant sa mort.Seuls les deux premiers sketchs échappent à cette logique, ce qui est un peu dommage, surtout que le tout premier est assez moyen. Le second est plutôt drôle, bien mis en scène, et très sympa à regarder grâce à son ton décalé. Mais tout le reste du film est splendide ! C'est touchant, parfois bouleversant, et souvent très sensuel. Une scène de sexe en particulier, qui introduira l'un des sketchs, est vraiment belle, tendre, et passionnée, mais absolument pas sale. C'est érotique, sensuel, et pas pornographique. Et tous les sketchs ont aussi une vrai puissance dramatique, grâce entre autres à leurs dialogues profonds et très bien construits, mais aussi grâce à leurs sujets. On a différents cas de tourments, comme un cruel friendzoning, ou la frustration d'un amant amoureux... Et bien d'autres ! En bref, certainement l'un des films à sketch les plus beaux et les plus intelligents qui existent.
Rien à voir avec le premier. Ici il s'agit d'une petite production, et ça se voit. Visuellement ce n'est pas trop mal réussi et j'aime bien le gore artisanal, mais au niveau scénario et jeu des acteurs, on tombe profondément dans l'absurde. Trop de clichés, trop de scène de sex pas toujours justifiées, trop de sang, trop d'humour raté... bref, j'ai préféré le premier même si sa fin m'avait beaucoup déçu.
Le "feel good movie" est une expression, qui selon moi, est employée à tord et à travers. Mais everybody wants some fais exception. Dés les première minutes nous sommes transportés dans les 80's: la musique, les tenues, les lieux... L'ambiance est retranscrite à merveille. Certains pourraient critiquer un scénario creux, mais c'est ce qui fais le force de ce film. On a envie de rejoindre cette bande pleine de personnages hauts en couleurs, envie de partager leurs moments, leurs soirées. J'ai pour ma part passé 2h de pur bonheur. Quand la lumière de la salle se rallume on a qu'une seule envie: y retourner et passer le reste de l'année universitaire avec eux.
Mon dieu quel nulité, pourtant j'ai l'humour extra large mais là c'est affreusement nul, j'ai regardé jusqu'a la fin par curiosité mais suivez mon conseil passez votre chemin sur ce film de merd...
Même si c'est plus un film musical qu'un documentaire, les images sont magnifiques et la musique splendide. Autant y aller juste pour ça car, pour le reste, on n'apprend pas grand chose sur la Jamaïque (mis à part que c'est pauvre et violent) ni sur les fondements de la musique reggae (mis à part que Bob Marley est un dieu et que c'est tranquille).
Du bonheur sur pellicule. Un Jack Lemmon au sommet pour un film qui monte en puissance constante dans l'humour et le n'importe quoi. La voix de Michel Roux apporte un plus en VF. Un road movie urbain délirant à voir ou revoir !
De belles images de Courchevel, des acteurs pleins de bonne volonté mais un scénario quasi inexistant Les nombreux clins d oeil (Rockey, les bronzés au ski ..) n arrivent pas à sauver un film poussif et lent les scketchs comiques font à peine sourire (merci gilbert montagné)
Voilà un petit thriller scandinave qui a le mérite de l'originalité et de l'ambition. L'intrigue passionne et dès le début le réalisateur instaure une ambiance de plomb. Les acteurs sont bons même si ceux qui jouent les flics manquent de charismes et de présence. Par contre bien qu'on est envie de poursuivre la mise en scène est peu inventive et surtyout le montage un peu cacophonique et crée une sensation d'incohérence. Des idées mais un manque de talent derrière la caméra. Le rythme reste trop monocorde et clinique pour laisser le spectateur aux aguets. Dommage.
Ce film est juste exceptionnel et retrace merveilleusement le parcours de Pelé et l'art du football brésilien selon les méthodes Ginga
«The Molly Maguires» (USA, 1969) de Martin Ritt délivre deux fois et en même temps l’histoire d’un homme qui échoue son projet social. La première histoire appartient au film : Jack Kehoe, un mineur d’origine irlandaise et chef d’une bande d’insurgés, voit son idéal socialiste détruit à cause d’une «taupe». La seconde histoire est d'ordre réel puisqu’il s’agit de l’échec de Martin Ritt à donner forme à un bouleversement. La fin des années 60 aux Etats-Unis voit s’épanouir un cinéma de jeunesse qui ne tardera pas à se réunir sous l’étendard circoncis du Nouvel Hollywood. A l’heure De Palma, Scorsese, Coppola ou Hopper, Ritt, vieux de la première génération de l’Actors Studio, conserve le classicisme de la forme pour donner corps à une modernité imminente. Seuls les dialogues, qui se permettent des «son of a bitch» adressés à des cadavres, ou l’émancipation des relations entre personnages, laissent présumer un désir premier de singularité. Du reste, la lumière manifestement emprunte de la peinture flamande du XVIème siècle, donnent aux plans leur pleine immanence picturale. Cette revendication maladroite du cinéma comme un parmi les beaux arts est soulignée, avec d’autant plus de lourdeur, par les musiques d’Henry Mancini. A croire qu’avoir été un minier insurgé, c’était l’aventure épique. Martin Ritt, s’il est motivé par une volonté de défendre les droits sociaux, oublie d’accomplir un geste crucial : celui de la sécularisation. Curieux de voir se dédoubler le destin tragique de Kehoe dans l’échec affirmé de la réalisation de Ritt. Le naturalisme auquel aspire Ritt, qui se recoupe tant avec Zola qu'avec Lumet, n'accomplit pas le projet d'un cinéma du réel, à l'époque même où les maladroites mais bien intentionnées pratiques du cinéma direct et du Free Cinema réussissent davantage le transfert de la réalité dans la matière filmique. Et si «The Molly Maguires» entend nous témoigner de la condition des mineurs, il s’échoue contre l’indécrottable mythologie des martyr.
Satire extrêmement drôle et particulièrement féroce sur le monde de l'entreprise, Carambolages est superbement porté par un Louis de Funès au sommet de son art – sa caricature de patron est plus vraie que nature – mais également par Jean-Claude Brialy, Michel Serrault et Sophie Daumier. Le film est à la fois très ancré dans les années 60 – décors pop, naissance de la société de consommation, marketing à tout va – et complètement intemporel, tant les comportements patron/employés et employés/employés y sont décrits avec justesse. Totalement jouissif.
Intelligent et subtil. La mise en scène et la narration sont formidables, avec les scènes du film qui se répondent, mais les décors et costumes ne sont pas en reste. Le réalisateur coréen Park Chan-Wook a l'art du détail. Mademoiselle est une belle histoire d'amour et de manipulation.
Autant 40 ans toujours puceau pouvait passer, autant 41 ans ne passe pas : il n'y a aucune véritable histoire, c'est vulgaire pour être vulgaire et le genre d'humour utilisé dans le film ne fait pas rire grand monde (pourtant je suis généralement bon public). Ne perdez pas votre temps : ce film n'a aucun intérêt.
Avant de livrer "King Kong", le duo Schoedsack-Cooper avait aussi trouver le temps de faire ce petit film toujours pour le compte de la RKO, en tournant dans les mêmes décors et avec certains acteurs de leur autre chef d'oeuvre. Ici, il est question de traque d'un homme par un autre homme. Le film installe assez lentement son histoire, se distinguant par des éclats de violence plutôt impressionnants pour l'époque. Grâce à des éclairages magnifiques, le film envoûte tout autant qu'il intrigue. Si les acteurs et les réactions des personnages ne sont pas au top (sauf l'interprète du comte Zaroff), le film est assez bien fait et se regarde d'une traite grâce à une durée raisonnable et dictée essentiellement par son faible budget (de nombreuses séquences du scénario n'ont jamais été tournées). La dernière partie fait éclater toute la virtuosité filmique de Schoedsack qui nous offre des travellings hallucinants de maîtrise et un final tétanisant. Bref, un grand film de genre, véritable matrice qui fera de nombreux élèves et autres rejetons. D'autres critiques sur
Tiens, un film produit par la Région PACA (Provence Alpes Côtes d'Azur pour les incultes) ! Ca fait bien plaisir, c'est pas si souvent. Donc je suis forcément pas trop objectif vis-à-vis de cette histoire qui se déroule dans la cité phocéenne. D'ailleurs, petit rappel : un jour l'Europe parlera marseillais. Ceci étant dit, "Un roman policier", malgré des moyens que l'on devine maigres, ne s'en sort pas si mal même si le scénario est parfois un peu limite (je pense en fait surtout à la scène de la douche). Mais les acteurs pour la plupart inconnus sont assez touchants. Parmi eux, on reconnaît quand même le talentueux Olivier Marchal qui par son aura et son expérience leur sert en quelque sorte de chaperon. Enfin, un brin d'analyse sociologique sur la vie des quartiers marseillais ou sur le thème de l'intégration d'une certaine population issue de l'immigration dans la police française rend ce film presque exemplaire. Marseille en force !
Je viens de rentré du cinéma et franchement le film est vraiment sympathique, bien meilleur que le premier, flippant, vraiment très propre. Limite aussi bien qu'un Conjuring, mais j'abuse. Ca fait longtemps qu'on l'attendait. Bon film !
La suite d'un film comique est souvent malheureusement synonyme de gags réchauffés et de lourdeur non assumée. Cela fait plaisir de voir que ce film ne se range pas dans cette catégorie et qu'il nous offre un spectacle certes moins réussi que le précédent volet mais très appréciable quand même. Cela fait maintenant deux ans que Paul Vitti est à la prison de Sing Sing. Tout se passerait pour le mieux s'il n’était pas constamment la cible de tentatives d'assassinats. Pour se sortir de ce mauvais pas, il se fait passer pour fou et son ancien psychologue, Ben Sobel, en devient responsable. Lorsqu'il comprend que c'était du chiqué, Ben se met en tête de trouver à Paul un emploi stable et surtout honnête... La réalisation est bonne mais manque cette fois encore de punch: cependant, le cadrage est très soigné, la mise en scène souvent efficace, les prises de vues réussies, les mouvements fluides et agréables et la profondeur de champ bien exploitée. Le scénario est un peu moins bon, la fin est trop happy end, l'humour un peu moins efficace et l'intrigue moins passionnante. Mais ce serait mentir que de dire qu'on ne passe pas un très bon moment et qu'on rigole beaucoup: les gags sont toujours réussis, le rythme est maîtrisé, les codes et clichés des films de gangsters sont habilement détournés et il n'y a quasiment pas de longueurs. Les acteurs sont toujours aussi convaincants, De Niro continue dans l'auto-dérision (parfois un tout petit trop) et il est très bon. Les personnages sont attachants et bien écrits. Les dialogues ont des répliques toujours aussi hilarantes et tout en finesse. La photographie d'Ellen Kuras est très réussie: la lumière est belle et il y a de bonnes couleurs. Le montage est bien rythmé et efficace. Les décors sont bons, Les costumes assez réussis; la musique est moins entraînante mais quand même plaisante. "Mafia Blues 2. La rechute" fait partie de ces suites qui n'égalent pas leur prédécesseur mais qui sont quand même très réussies.
Le film "de braquage" est un genre particulier. Celui-ci fait d'ailleurs référence à Heat. Le choix du réalisateur a été de tourner son hold up comme une sorte de documentaire ou de reportage dépouillé, froid, neutre d'où aucune personnalité ne ressort. Il en résulte qu'on ne peut s'attacher à aucun personnage car on ne voit que des silhouettes dont une bonne partie est de plus encagoulée. Le scénario entièrement linéaire ne réserve pas la moindre surprise. C'est tiré parait-il d'un fait divers, mais on a quand même du mal à croire que deux flics armés de pistolets puissent mettre en échec un commando équipé de fusils mitrailleurs et semble-t-il très expérimenté. Seules retiennent l'intérêt quelques scènes étranges, comme ces passants qui traversent avec insouciance une place où s'affrontent flics et truands. C'est peu pour faire un film.
J'ai pas accroché du tout. Ce mélange entre religieux et épouvante ne prend pas aux tripes un seul instant. Les effets spéciaux sont bons mais la caméra est trop mobile ce qui empêche de bien profiter des images. On ne voit même pas un de ces demons. 1/5
Avec ce film, Rohmer jette le masque : celui qui fut souvent traité de conservateur, voire de réactionnaire, et ce même par pas mal de ses admirateurs, fait carrément son "coming out" de royaliste fervant. En adaptant dans 'L'anglaise et le duc" les mémoires d'une écossaise royaliste, témoin de la Révolution Française et en particulier de la Terreur, en mettant en images cette vision forcément partiale de ces événements si importants de l'histoire de France, en allant même jusqu'à manipuler le texte original pour renforcer ce qu'il veut absolument prouver, il nous ouvre tout grand son jardin secret et il avoue la peur panique qu'il a du peuple, forcément paillard, violent et inculte. Bizarrement, on aimerait aimer ce qu'on voit sur l'écran, genre "je ne partage pas ses idées, mais j'ai suffisamment d'ouverture d'esprit pour faire fi de cette différence lorsqu'il s'agit d'apprécier un auteur", un peu ce qui se fait autour de Céline depuis plusieurs années. On pourrait même argumenter que ce que montre le film est finalement moins anti-Révolution que ce que Rohmer a propagé dans ses interviews à la sortie du film. On aimerait ... On pourrait ... Seulement voilà, il y a ce qu'on voit : il y a l'actrice principale, Lucy Russell, qui joue vraiment très mal, et on la voit quasiment en permanence ; il y a ce parti pris d'utiliser les techniques, nouvelles à l'époque, d'incrustation vidéo dans des tableaux pour toutes les scènes d'extérieur, ce qui nous ramène à certains films de la première moitié du siècle dernier, avec leurs décors qui, au mieux, nous arrachent aujourd'hui un sourire de nostalgie et le résultat s'avère très peu satisfaisant ; il y a un film très (trop) long et très bavard. Au bout du compte, il y a un film tout autant contestable sur la forme que sur le fond.
Non seulement on connait les gags à l'avance mais en plus ils sont mal servis. Ils tombent souvent à plat et le scénario gnan gnan devient pénible vers la fin. J'espère que Renée Zellweger va enfin aller dans des rôles plus sérieux qui lui permettront d'exploiter tout son potentiel.
Un tres bon momment, plein d'humour.
Si cette histoire sur le baseball ne semble guère engageante sur le papier.Et pour cause le thème de l'équipe de sportifs loser étant l'un des sujets préféré des cinéastes hollywoodien.Le film sportif étant même rongé jusqu’à l'os par les productions disney dans les années 90,avec des films comme les petits champions.Avec le stratège nous en sommes bien loin,enfin presque car il ne peut éviter les éternelles ralentis attachés au sport et la victoire.Hormis ces phases incontournables,le film possède une vraie atmosphère et surtout des dialogues brillants signés Aaron Sorkin.Le tout joué par un Brad Pitt qui jusqu'ici avait toujours été inexistant dans les premiers rôle qu'on lui confiait.Trouve enfin et pour la première fois dans son rôle de dirigeant sportif un personnage qu’il incarne,il était temps.
Bonsoir :) Ca il est revenu , film d'horreur ?? ^^ Je veux bien croire qu'a 6 ans la scène du petit bateau et du caniveau peut "effrayer", mais soyons franc c'est un vraiment un navet, oser dire que ce film vient d'un bouquin du fameux S.King c'est limite blessant pour lui .. 3 h de film, pendant 1h30 il y'a que des flash back !, je me suis dit oh c'est bon après sa va partir... ba non. il continue à parler de ces ballons.. Et le mieux, accrochez vous après 2h50 de blabla et de ballons ils décident de faire l'ultime confrontation avec le clown, un soupçon d'espoir, d'action :O!!. Au lieu de se battre contre "Ca", on voit une araignée géante avec des bras -_-, après quelque coups de pied et un arrachage de coeur, l’araignée meurt après avoir tuer un homme en le prenant et en le faisait tomber ^^. Bref ceux qui veulent un moment de rigolade, c'est le film qu'ils vous faut. Bonne soirée camarade :D
Film très lent ! Pendant toute la durée, j'ai espéré que quelque chose se passe mais rien ... Je mets une étoile pour de rares moments où l'on sourit.
Excellent film d'action. Les méchants ont la bonne idée de mourir et de laisser vivre la plupart des gentils. Les religieux mettent tous les indices dans les livres pour trouver le Trésor - et seuls les gentils les découvrent. A part ces incohérences nécessaire au Happy End (et le fait que des archéologues ne s'étonnent pas de trouver des textes antiques en allemand moderne dans une nécropole antique en Israël), le film est palpitant du début à la fin.
Film argentin présenté à Cannes 2005 dans le cadre de la Quinzaine des Réalisateurs, "Gémeaux" traite de l'inceste frère/soeur dans une famille bourgeoise de Buenos-Aires. Film à la réalisation peu convaincante, souffrant en plus d'un jeu outré de la part de plusieurs acteurs (celle qui joue la mère, en particulier). On peut vraiment s'en dispenser.
Passage à la réalisation d'une grande médiocrité pour Amanda Sthers, par ailleurs prétendument auteur à succès (?) - romans, théâtre. Scénario d'une grande vacuité, dialogues sonnant faux, mise en scène balbutiante où le ridicule (passages avec Fred Testot en particulier) le dispute au larmoyant (fin "ophélienne" de Carole Bouquet/Julia) ou à l'invraisemblable (la rencontre de Lila avec son "Prince charmant", sur fond d'annonce d'aéroport). On cherche à sauver quelque chose, et l'on songe au moins aux interprètes. Mais le casting "en or massif" (Arditi, Lonsdale, Chaumette, Mille, Bouquet, Cécile Cassel etc.) ne suffit pas, faute de direction d'acteurs, à donner au moins un divertissement passable.
Cruel, touchant, marquant, il n'y a pas besoin d'en écrire des tonnes pour qualifier ce film de Ken Loach! A travers l'histoire réelle d'une femme qui a vu sa vie lui retirer ses enfants du fait de sa misère, le film dénonce les services sociaux britanniques qui ne font pas le bien qu'ils devraient faire! Grand film!
long et nul. j'ai attendu, mais rien!! ah si, l'attaque d'un ours polaire! quelle affaire pour au final, ce résultat: un naufrage