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Film noir sur un scénario déjà vu dans un film US : un policier prend l'identité d'un truand, est mis en prison, là il rencontre un chef de gang d'où une amitié naîtra. Le faux truand sort, rejoint alors le gang, et tombe amoureux de la femme du chef de gang. Malgré cela,il réussit néanmoins à démanteler le réseau de gangsters.Classique film noir sans beaucoup d'originalité. Que vient faire Stroheim ici ? Vidal est correct, Hossein aussi. La réalisation est banale, avec quelques incohérences et invraisemblances. Un film sans qualité.
"Le dernier voyage du juge Feng", c' est un film à voir. Un juge qui se déplace à pied de village en village, parmi des minorités chinoises, ça n' est pas banal; le dépaysement est garanti. On ne s' ennuie pas un instant. Les trois personnages principaux sont intéressants. À travers eux, on est amené à réfléchir sur quantité de questions qui nous touchent. Ce n'est pas à une promenade bucolique que nous sommes conviés. Le film est globalement pessimiste. Par certains aspects, il traite de l' incommunicabilité. Le scénario est très bien construit, avec une progression régulière. Au début, le juge est enthousiaste, il gravit les montagnes en chantant; comme les chinois en général, il est amateur de franches rigolades. Mais petit à petit, il accumule les désillusions, et le doute l' envahit. Le spectateur peut éprouver quelques déceptions... On pouvait s' attendre à ce que le juge ait à traiter des affaires déchirantes, et qu' il soit amené à rendre des jugements à la Salomon... Malheureusement, les conflits se succèdent entre mesquinerie et banalité. Mais cela, c' est le quotidien du juge, on n' y peut rien. On peut aussi s' étonner des réactions excessives et caricaturales de certains villageois. Maladresse du réalisteur, ou reflet de traditions culturelles aux antipodes des nôtres? Le débat est ouvert... On aimerait en débattre avec des spécialistes. Une bonne raison pour aller voir le film !
Un film tendre, charmant, très bien écrit et dialogué, qui se distingue très fortement de la filmographie de Claude Autant-Lara plus connu pour sa corrosive verve anti-bourgeoise. Les comédiens sont tous excellents, mention spéciale à Jacques Tati dans le rôle du fantôme, dont les énormes talents de mime transcende le fait que son personnage ne parle pas, à François Périer, émouvant dans le rôle d'un délinquant sentimental, et bien sûr à la délicieuse Odette Joyeux. Les effets de transparence sur le fantôme et son chien sont remarquablement bien réussis. L'ensemble ne manque pas d'humour, ni de fraîcheur. Une véritable bouffée d'air pur.
En général, je n'aime pas les films français actuels. Et bien là, j'ai pris une grosse baffe dans la gueule. Pour faire simple, ce film est le meilleur film de cape et d'épée qu'il m'ait été donné de voir. Déjà, l'histoire étant tirée d'un célèbre roman, elle est forcément passionnante à suivre. Un excellent scénario donc. Les acteurs sont sublimes à commencer par Fabrice Luchini qui compose un méchant irrésistible. Daniel Auteuil est aussi très convaincant dans son rôle de Lagardère. Le casting est prestigieux et on retrouve la crème des acteurs français (Noiret, Perez, Gillain,...). Mais là où le film m'a le plus bluffé, c'est sur les scènes de combats et les cascades à cheval. Les combats à l'épée sont superbes et parfaitement chorégraphiés. Qui plus est ils sont inventifs. Il faut voir Daniel Auteuil se battre comme un beau diable sur les quais de Seine face à une douzaine d'hommes qui l'entourent pour comprendre toute la qualité des combats de ce film. J'ai toujours bien aimé les films de De Broca, mais alors là, il a frappé un grand coup. Les costumes et décors sont sublimes et permettent de croire à l'ensemble. On ne s'ennuie pas une seule seconde. Bref, ce film de cape et d'épée a du panache et se révèle être un véritable bonheur. Du grand cinéma français (pour une fois).
Bohemian Rhapsody devait initialement plonger dans les méandres de la vie du pillier du groupe légendaire, les ayants droits en ayant décidé autrement, en résulte un film lisse, souvent fade a la narration charcutée ( l'oscar du meilleur montage est un vaste complot ) mais qui a au moins le mérite de se montrer assez divertissant pour une soirée. reste aussi que la recomposition scène par scène du live aid est magistrale et que Rami Malek fait un très bon boulot, sans se montrer bouleversant pour autant.
Bon film....Les acteurs sont formidables....Même . Halliday est très bien.....Pas déçue du tout, surtout ayant entendu les critiques radio sur ce film...Allez le voir.....
La guerre n'est pas finie pour Glenn Ford dans "A Time for Killing" de Phil Karlson, elle est partout dans les paysages de l'Ouest, dans les villes comme dans les dèserts, ou vers la frontière mexicaine! Cet ètat de siège permanent ne peut jamais être dèfinitivement levè! Glenn Ford, George Hamilton et Inger Stevens en savent quelque chose! C'est d'ailleurs cette dernière que l'on remarque en premier dont la morale de la survie, dans sa simplicitè primitive, est une morale presque tragique, où les regards et les silences en disent longs telle la scène du point d'eau! Glenn Ford peut capituler, ça n'obligera pas une poignèe de soldats confèdèrès à le faire! L'intèrêt de ce western dèsenchantè de Karlson, c'est donc Inger Stevens! En revanche, les deux clowns nordistes et les deux fuyards sudistes qui ne pensent qu'à se battre tombent dans le caricatural! Ce qui est dommage car l’ensemble des comèdiens (Ford, Hamilton, Stevens) se meuvent avec talent dans les turbulences westerniennes (la fin de la guerre de Sècession) d’un scènario enlevè! A noter la petite figuration de Harrison Ford au dèbut du film qui se contente juste de saluer son supèrieur hièrarchique et d'exècuter les ordres...
Sur un site américain, on trouve cette définition surprenante du dernier opus(le mot est galvaudé mais il prend ici tout son sens) de Park Chan-wook : Oldboy La vie d'Adèle = Mademoiselle. Il serait intéressant de savoir ce que Kechiche en pense mais, bien évidemment, les deux films ne se ressemblent guère sauf à considérer qu'ils exploitent dans les deux cas une intrigue saphique, ce qui est exact, mais réducteur. Mademoiselle est avant toute chose un bijou de mise en scène, une splendeur en costumes, raffinée et brutale dans une tradition très asiatique et peut-être plus japonaise que coréenne. Park est sans nul doute l'un des réalisateurs actuels parmi les plus brillants, du genre à faire étinceler un scénario malin mais tout de même relativement limité. Un sujet à tiroirs, tel un bon film d'espionnage, dont la situation dans la Corée des années 30, occupée par les japonais, est à peine traitée du point de vue politique et social car Park a d'autres ambitions. Esthétique, pour commencer, mais aussi ludique, avec ses pointes d'humour et un ton globalement goguenard et un jeu constant entre des scènes sophistiquées et d'autres proches de la vulgarité. Mademoiselle fonctionne aussi comme un pastiche des films d'époque, avec subtilité et parfois violence. Peut-on parler d'oeuvre féministe ? Certainement, si l'on prend en compte les personnages masculins -un aréopage de pervers, de manipulateurs et d'escrocs- qui pensent que l'on peut tout exiger des femmes, de la tromperie à la soumission. Grand spectacle total, Mademoiselle est une preuve de plus que le cinéma coréen n'est jamais aussi bon que quand il s'amuse à nous perturber et à nous éloigner d'une certaine zone de confort. Malgré ses images léchées, le film de Park est dérangeant et parfois malsain, c'est ce qui fait en partie son intérêt, comme chez Cronenberg ou Oshima.
Enfin un regard humain sur le gaz de schiste ! Ce film permet de sortir du débat sur le principe de précaution et propose de vraies réponses aux propositions d'exploitation du gaz schiste en France (Nicolas Sarkozy le souhaite). On réfléchie au prochain président en France et on soutient les Etats Unis dans leur lutte pour l'assainissement de ce marché.
S'il n'atteint jamais la puissance d'un "Gladiator" ou d'un "Alexandre", TROIE demeure un divertissement d'excellente qualité qui se suit de bout en bout avec le plus vif intérêt. La reconstitution de la cité est parfaite, le scénario tient la route, les acteurs sont tous bons dans leurs rôles... Mention spéciale à Eric Bana pour son interprètation du prince Hector. Du grand spectacle à ne pas manquer !
Un film aux frontières du Nanard mais même dans si on le classe dedans c'est loupé car j'ai déjà vu bien plus drôle. Le doublage français bien conscient de la "qualité" de l'œuvre se met au diapason et donne un film d'horreur qui plus est mollasson, dans un décor qui n'aurait pas fait rougir un film des années 50 et ou on va voir défiler tout les stéréotypes du genre en une heure et demie. L'aspect nul est bancal fait tout de même passer un moment pas désagréable pour peu qu'on aime s'amuser avec un très mauvais film.
Une oeuvre d'une beauté incroyable ! 4 heures de magie intense. Pour une première réalisation, Costner frappe fort ! On ne le lâche pas d'une seul semelle tellement on est absorbé par l'histoire. Tout simplement sublime.
Pierre Schoeller signe un film absolument fascinant d'un bout à l'autre. Le réalisateur a un talent extraordinaire : la mise en scène est virtuose et certains plans, totalement brillants, sont d'une intelligence rare. Le film est donc bourré de bonnes idées, mais c'est à chaque fois glissé avec délicatesse et tact. Il parvient ainsi à rendre la réforme des gares et le Ministre des Transports plus emballant que la grande majorité des meilleurs polars. Enfin, les personnages sont glaçants de réalité et de cynisme, non seulement grâce aux acteurs, tous excellents, mais surtout grâce à une écriture très travaillée et un scénario qui met à nu les rouages poisseux de l'exercice de l'Etat. Un pur chef d’œuvre de cinéma.
Encore une fois, Oliver Stone prend le spectateur à contre pied avec ce film. En effet, le réalisateur américain habitués aux controverses, se contente donc de narrer le parcours d'un homme pour qui le costume de président ,de la première puissance mondiale, n'était pas du tout à sa mesure. Hormis la politique désastreuse de l'administration Bush, Oliver Stone dépeint un personnage alcoolique, pas très cultivé (par rapport à son entourage) et arrive à nous procurer un sentiment de compassion à son égard pour diverses raisons: il a toujours vécu par procuration, c'est le mal aimé de la famille, il est constamment manipulé,... Bref, on s'aperçoit finalement que George W. Bush n'est qu'un simple paumé qui a toujours rêvé de faire une carrière de base ball en tant que joueur. Le scénario est heureusement non linéaire, même si une bonne quantité de flashbacks (qui témoignent les moments clés de sa vie se situant avant son double mandat) sont présents dans la première heure. D'ailleurs, celle-ci constitue la partie la moins intéressante du métrage. Non pas que je me suis ennuyé, le chapelet de saynètes est plutôt cocasse dans son ensemble, mais pour moi le véritable intérêt du film c'est quand ça parle politique, quand les choses sérieuses commencent, ça en devient passionnant. Assister aux réunions de la politique extérieure américaine fait froid dans le dos: la vision géopolitique du vice président Dick Cheney est bien flippante. Niveau interprétation, je suis assez satisfait du casting dans son ensemble, avec en tête Josh Brolin, qui n'avait pas du tout le physique de l'emploi de prime abord et pourtant grâce à sa gestuelle et ses mimiques on croirait vraiment le Bush original. Sans oublier le bluffant Richard Dreyfuss en Dick Cheney, pourquoi cet acteur est si rare de nos jours ? Seul véritable bémol dans ce film, c'est la partition musicale: elle est rare et pas vraiment inspirée pour le coup.
Ce film mérite 4 étoiles juste pour le trio formé par Ti Lung, Alexander Fu Sheng et surtout Ku Feng qui campe un méchant incroyable,tout simplement l'un des meilleurs du studio. Bref, rien qu'avec ces trois grandes stars de la Shaw, le spectacle est immédiatement assuré !
En voilà un film culte dont le nom revient souvent dans le milieu des films d'horreur. Mon avis ? Un navet indigne de son statut qu'on ose comparer à "Massacre à la tronçonneuse". Dés le début on a compris : acteurs pas concernés avec des tronches de Charlot (vous savez, les charlots font l'espagne ..), les méchants sont tordant de rire tellement ils sont ridicules, situations rocambolesques, ... Tellement médiocre que ça ne fait même pas rire. Et pourtant je ne suis pas un jeunot qui crache sur un film dés que celui-ci a plus de 15 ans...
Mouais... Les plus indulgents diront inégaux, les plus sévères diront ennuyeux. Car c'est vrai qu'il n'est pas vraiment passionnant, ce « Rabia ». Tournant trop souvent en rond sans jamais vraiment réussir à sublimer son potentiel dramatique, ce qui aurait ainsi pu être un splendide thriller Kafkaïen s'avère un film assez lent, bien loin en tout cas du suspense attendu et du malaise promis. Malgré tout, il faut reconnaître à Sebastian Cordero un vrai talent pour filmer les décors et en particulier cette immense maison, rendue ici vraiment étrange et intrigante pour notre plus grand plaisir. De plus, la prestation sensible de la belle Martina Garcia, manifestement le plus beau personnage du film (le seul?) permet de nous offrir un minimum d'émotions. Ainsi, à défaut d'être un véritable échec, « Rabia » reste un film « moyen », qui aura certes eu au moins le mérite de révéler une actrice de grand talent, mais s'étant hélas trop attaché à soigner son ambiance aux dépens de son scénario. Dommage.
Ce film vu au festival de Cannes sort en salles alors que d’autres bien plus honorables, à mes yeux, ne seront pas distribués. Une vendeuse de film est licenciée pour une cause qu’elle ne comprend pas tout de suite. Elle a couché avec le réalisateur dont elle est la compagne dans la vraie vie. Elle rencontre Isabelle Huppert, espèce de fée clochette au sourire permanent, dans les ruelles de Cannes, mais peu nous chaut. Ce film dilettante entre amis qui s’amusent visiblement bien, est tellement léger qu’il s’oublie, à peine sommes-nous revenus dans la rue à Cannes la Bocca où il fait bien chaud. Ah, si ! Huppert prend beaucoup de photographies avec son polaroid, elle prétend que la photographie modifie celui qui est photographié ; ce presque rien rohmérien, n’a rien fait bouger chez moi.
Un film au coeur de l'action collective, qui fait prendre conscience de l'urgence climatique et de la société plus désirable que nous pouvons construire ensemble et qui est déjà en marche. Un témoignage plein de vie, de force, de joie, d'humour, de résistance citoyenne qui donne envie de se bouger tous ensemble. A recommander chaudement A voir, en famille, entre collègues, amis !
La fameuse et tant redouté première année de médecine a peut être trouvé là son film référence. Bachotage, pressions psychologiques, esprit de compétition mais aussi de camaraderie, le film montre tous les aspects de cette année si particulière pour les aspirants médecins. On éprouve de l'empathie pour les deux étudiants, d'autant plus si on a comme eux eu déjà la "chance" de subir une année à étudier sans arrêt (ayant fait prépa, j'ai fait cette douloureuse expérience). Certes, le film est peut être un peu excessif (je doute que tous les élèves de médecine soient à ce point bosseurs) mais en tout cas très instructif. Sachant les obstacles qu'ils ont dû franchir, je ne verrai probablement plus les médecins comme avant ...
Baroque, ésotérique, pessimiste du début à la fin, ce très bon film d'horreur, vaguement inspiré de Lovecraft, fut considéré à titre non officiel comme le premier volet d'une trilogie des Portes de l'Enfer, l'Au-delà et la Maison près du cimetière en constituant les deux autres. Comme pour ses autres films d'horreur, Lucio Fulci ne mise pas sur des performances d'acteurs solides ou sur une intrigue un tant soit peu cohérente, l'intérêt étant ailleurs : une atmosphère macabre, suffocante et quasi gothique, une photographie stylisée, une bande originale obsédante de Fabio Frizzi et des effets spéciaux bien gores. Deux scènes à retenir en la matière : une jeune fille vomissant littéralement ses tripes et un pauvre diable se faisant transpercer la tête d'une extrémité à l'autre par une perceuse. Un classique du genre à voir comme le brouillon (très réussi) du chef-d'oeuvre que constituera l'Au-delà.
Voici ma première critique sur un film sorti en DTV : The Grudge 3. Malheureusement, cette critique est négative. The Grudge 3 est une suite trop différente des deux premiers films de la saga. Premièrement The Grudge 3 ne possède pas ce que The Grudge 1 & 2 possédaient : des acteurs crédibles ! Il y a toujours autant de suspens mais c'est l'opus qui fait le moins peur (alors que je crois que c'est le plus sanglant) car l'ambiance manque d'une certaine noirceur. Après, on apprend plusieurs choses à propos de la famille Saeki, à propos de la malédiction ect... mais j'apprécie que certaines choses soient restées floues, laissant un petit côté mystérieux :comme le fait qu'on ne sache pas vraiment comment les fantômes tuent les victimes de la malédiction. Donc un film utile mais très décevant.
des visions,une mere envahissante irrelle et peu crédible ou son personnage reste un mystere, ça manque de profondeur et d'histoire.Cette pauvre petite qui perd les pédales..mouais ,on a fait mieux quand meme.
Une bouse infâme, au scénario honteusement pompé sur Une Nuit En Enfer, et avec des acteurs sûrement recrutés au rabais...
Les histoires "simples" au cinéma, sont souvent les meilleures, quand le réalisateur apporte la dimension sentimentale nécessaire à ses personnages... Il semble que cela soit le cas ici.... Un jeune homme va connaitre l'emprisonnement et la mise à l'écart, tout en étant victime de la communauté dans laquelle il vit (au canada)..... Injustice donc, et double sanction... C'est avant tout un portrait humain, un portrait social, et le réalisme des situations montrent la difficulté de vivre en prison, de s'affirmer face à la justice, quand vous êtes innocent... Le jeune acteur principal, manque peut être d'expression, mais il tient le film par l'authenticité de son personnage..... En arrière plan, le monde du hockey sur glace, nous parle de Sydney Crosby, joueur le plus reconnu du hockey américain, et jeune prodige, jusqu'à des pépins de santé, (commotions à répétition)... Le style du film est soigné et proche du cinéma indépendant américain.....psychologie et émotion en sont les deux moteurs.....Je conseille.....
C'est du cinéma qui triture la durée des plans et des séquences ; c'est un art de la pause, de l'étirement temporel et du déséquilibre... Maurice Pialat sculpte chaque plan de son film, il dénature l'écorce du réel pour mieux la rendre visible aux yeux du spectateur. Van Gogh est un paradigme d'impureté - et donc aucunement naturaliste, comme l'ont prétendu certains - une oeuvre d'Art agaçante - car témoignant d'une certaine antipathie de la part de son auteur - mais qui repose sur la conviction d'un vrai regard de cinéaste : regard tiède, mêlant l'instabilité empirique du personnage du peintre ( Un Van Gogh partiellement détourné de son authenticité historique, mais qu'importe ! ) à l'imposante charpente du métrage. Le réalisme chez Pialat est un réalisme de la fabrication : décomposé par le cadre puis finalement raccommodé grâce à l'incarnation des comédiens, le réel est un terrain complexe car nuancé, mesuré, partagé. Une fois encore le cinéaste explore le réel dans son absence de dramatisation : longues séquences dialoguées, escamotage de l'action pure et dure, visage de Jacques Dutronc taillé par la caméra-burin de Maurice Pialat. C'est une oeuvre manifeste de l'absence, un film d'une rare profondeur : Van Gogh, c'est le Pialat de la maturité.
pas terrible histoire un peu plate on ne voit rien un final un peu plus animé sans plus
Le film d’horreur le plus bizarre du cinéma. Même si l’idée générale du film est bonne, on a jamais vu un réalisateur, des dialogues et des acteurs aussi minables. Le château ressemble à celui d’Alice aux pays des merveilles et le Funnyman parlant à la caméra nous fait juste regretter encore plus d’avoir acheter ce film. On rit à chaque scènes de meurtre devant la débilitée de celles-ci et les effets gores ratés. La seule réaction qu’on ait en regardant ce film, c’est l’envie d’appuyer sur la touche open du lecteur DVD. En résumé, Funnyman est débile, bizarre et sans intérêt, alors si ( comme moi ) vous trouvé que le résumé derrière la jaquette du DVD est super, ne vous faites pas arnaquer en achetant cette merde et en perdant 1h30 de votre vie, regardez plutôt le rayon d’à côté et achetez un bon film gore comme détour mortel ou saw III.
pfft, dire que j'adore les petits films mélangeant horreur et humour... mais là, le seul truc horrible, c'est l'humour justement! J'ai même réussi à m'endormir! Un nanar qui ne sera jamais culte...
Excellente comédie américaine des années 90 sur les apparences, la manipulation des médias et la beauté intérieure. Dustin Hoffman en raté mais héros improbable mène ce film au scénario cynique et moins convenu qu'on pourrait le croire de prime abord.
La violence conjugale, exploitée ici avec justesse, poigne et originalité. Terrifiant à quel point l'amour peut être aussi violemment porté.
Pique-nique à Hanging Rock (1975) est un surplus de fantasmagorie, d’onirisme et d’énigmes, pour ceux qui aiment voir des films auxquels on ne donnent aucune réponse, où l’on reste perplexe du début à la fin et dont le dénouement final nous reste en travers de la gorge, ce film est fait pour vous. Mise à part cela, les plans et cadrages sont très beaux, la B.O sublime (très belle flûte traversière), mais pour ce qui est du reste, on est trop mis à l’écart pour pouvoir aisément entrer dans le vif du sujet et parvenir à tout comprendre.
Un mélange entre La Guerre des Mondes et Cloverfield à la limite du navet. Les seuls points réellement positifs du film sont les effets spéciaux particulièrement réussis et une action constante tout au long de celui-ci. A part ça, pas grand chose à garder. Les acteurs sont pour la plupart du temps assez pathétiques. Et que dire du scénario ? Enfin faudrait-il déjà qu'il y en ait un. Cela peut se résumer à une invasion d'aliens, sans véritables rebondissements. Cependant la fin du film, bien qu'elle soit strictement invraisemblable, a le mérite d'être assez originale. Au final, on ne s'ennuie pas, c'est divertissant, mais on est quand même très loin d'un film indispensable. Si vous cherchez un bon-film de SF, passez votre chemin.
Certes le film est long et lent ! Au creux de mon fauteuil j’ai vécu les dernières séquences avec la hâte que cela finisse : « on n’en peut plus » comme le dit à l’écran un des protagonistes ! C’est cette réflexion qui m’a fait comprendre que ce rythme est une des forces de ce documentaire. Il épouse celui bien réel de cette histoire et nous permet d’entrer nous même dans ce huis clos au côté des familles délogées, au côté de ces conseillers municipaux qui pris au jeu de la politique prennent peu à peu conscience d’un processus qui les dépasse. Au début on est au spectacle, la caméra nous montre les aspects comiques, parfois grotesques de cette situation peu ordinaire. On fait connaissance avec les personnages. Puis au fur et à mesure que s’égrènent les jours avec les contingences de la vie précaire dans ce lieu confiné, on entre dans l’intimité de ces gens, on partage avec eux les espoirs puis peu à peu les doutes, la colère et on passe de la comédie à la tragédie. Stefano Savona a le talent de construire des films qui, loin de nous donner à voir, nous font vivre de l’intérieur ces situations sociales que nous regardons au quotidien de l’extérieur. Ce film n’a pas été beaucoup montré. C’est une chance de le voir. Si vous en avez l’occasion ne le ratez pas !