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Film qui prend la forme d'un feuilleton, Feuillade s'inspirant des romans populaires de l'époque. Scénario rocambolesque et pas sans incohérences, le réalisateur faisant clairement le choix de privilégier le rythme et les rebondissements à foison. Les Vampires, c'est un peu le 24 heures chrono des années 10. L'histoire multiplie les péripéties, des gentils s'avèrent être des traitres, des méchants changent de camp, des personnages importants meurent brutalement, d'autres que l'on croit morts reviennent à la vie, ect. On croise des experts en déguisement, en poison, un hypnotiseur, j'en passe et des meilleurs. On a même droit à une des toutes premières utilisations du flash back et à une des premières femmes fatales avec le personnage d'Irma Vep. La mise en scène est tout aussi intéressante, Feuillade propose un montage enlevé et dynamique, travaille sur la profondeur de champ et reste le premier à avoir exploité Paris comme décor de cinéma. Ses rues, ses toits d'immeubles, sa banlieue sont le théâtre de crimes et de poursuites. Les Vampires est également d'une importance capitale par l'influence que le film a eu, notament sur un cinéaste comme Fritz Lang qui réutilisera à son compte une structure narrative proche du feuilleton dans certains de ses films et l'idée d'une organisation criminelle tentaculaire dans ses Docteur Mabuse ou les Araignées.
On n'y croit pas un seul instant... C'est mal joué, ça sonne faux... Plein d'incohérences... Vraiment pas super !
Film documentaire assez mou.
Il faut être honnête, j'ai vu "The Man without a star" uniquement car il est mis en relation avec "Lonely Are the Brave". Malheureusement le film de King Vidor est à mille lieux de la qualité de l'oeuvre de David Miller. Vidor disait lui-même ne pas être très fier de ce long-métrage, et il est aisé de comprendre en quoi. En effet, si les deux films ont en commun les thèmes de la liberté, ou plutôt sa disparition dû aux barbelés, "The Man without a star" choisit le camps de ceux qui se résigne. Pour un moindre mal certes, mais les faits sont là, Douglas se résigne et accepte le capitalisme sauvage. C'est sur ce point essentiel que le long-métrage de Vidor déçoit, pas que l'intention soit mauvaise, mais le point de rupture est tellement brusque, dans un rythme qui ne savait déjà pas où aller, et le changement de conviction tellement rapide qu'il est difficile d'y croire. Cet effort est d'autant plus problématique que aucun des personnages n'aide à s'intéresser, Douglas s'en sort avec les honneurs mais le récit tourne très vite en rond, se contentant de répéter en boucle un schéma qui était devenu exaspérant après la première moitié de film. De plus, les antagonistes font preuve d'un grand manque de nuance, Jeanne Crain est toutefois impérial en patronne vénéneuse bien que le rôle en lui-même ne soit pas glorieux. Mais le souci le plus évident du long-métrage réside dans sa mise en scène fainéante, voir brouillonne lors du dernier tiers, de Vidor, et, du moins selon les dires de l'acteur, de Douglas qui aurait participé au processus de réalisation. "The Man without a star" est un film de commande et cela se ressent, bien que l'intention thématique soit louable est en partie tenue, le récit se contente trop longuement de faire du surplace sans jamais être mis en relief par des personnages un tant soit peu intéressants. En résulte une oeuvre cherchant à offrir le strict minimum, sans parvenir à le faire correctement.
Fritz Lang n'a pas signé que des chefs d'oeuvres : la preuve en images avec ce "Démon s'éveille la nuit", qui se révèle au final quelque peu décevant. Non pas que l'ensemble soit particulièrement mauvais, mais on sent bien que Lang a du mal à se défaire des conventions du théâtre, si bien qu'on a une forte tendance à s'ennuyer, d'autant plus que les personnages n'ont pas un intérêt majeur, allant même jusqu'à manquer de crédibilité, la faute aussi à des dialogues moins percutant qu'à l'habitude. Mais c'est bel et bien dans le style dramatique que Lang est décidément, tant le film se révèle puissant, percutent, violent lorsque les rumeurs et les masques commencent à tomber. Cette demi-heure est d'ailleurs un intense moment de cinéma ou Lang retrouve toute la maitrise de son sujet. Hélas, la fin est très loin des attentes espérées après ce (très) brillant sursaut, et fait qu'au final, même si l'ensemble est loin d'être honteux une certaine déception quant au cinéaste que l'on adore tant habituellement. Dommage.
Franchement, c’est un plaisir de retrouver Ivan Reitman et son univers. C’est simple, mais je trouve ça assez inventif et intrigant. Surtout qu’autour de ça, il y a une belle comédie dressée autour de David Duchovny et de Orlando Jones qui, pour moi, fonctionne très bien. Rafraichissant, spectaculaire sur la fin, et agréable en son ensemble. Que demander de plus…
Je pense que c est un film que l on aime ou que l on aime pas. Dans la lignee d herzog on en ressort essoufflé tellement c'est dur psychologiquement. Assez loin de la véritable histoire mais assez proche de mon imagination . À voir!!!
Essai navrant d'un giallo à la française dont le seul intérêt est la présence (nue) de Brigitte Lahaie et Florence Guérin qui sont les 2 seules à jouer correctement. Malgré la courte durée du film (moins de 1h20) Le Couteau sous la gorge traîne à cause d'une mise en scène sans inspiration ne parvenant à aucun moment à installer le suspense quant au scène de meurtre rien d'alléchant. Si Le Couteau sous la gorge n'est pas un pur nanar c'est assurément un film raté.
On ne rigole à aucun moment dans cette comédie navrante, les acteurs jouent mal, il n'y a aucun aucun points positifs à retenir.
L'Enfer du Dimanche enfonce les portes, le film n'est pas des plus subtils mais le style est efficace. Un long métrage qui procure des frissons, des scènes qui retournent et une brochette d'acteurs qui répondent présent. Le regard est attachant, les consensus pleuvent tout comme les coups de Trafalgar et en cela le film gagne en consistance.
Un très joli film, efficacement raconté et parfaitement interprété par les acteurs (petits ou adultes). Un beau moment.
Tous les ingrédients du genre sont réunis : paysage grandiose, héros solitaire (le petit Alan Ladd, coupe de douilles rockabilly, drôlement fagoté – du moins jusqu’au dénouement du film, voix à la Mel Gibson), horde de méchants, manichéisme (relatif, ici), pugilats, conflits d’intérêts, tempêtes sous les crânes, musique pour spectateurs aveugles et/ou durs de la feuille… Genre hyper formaté, quelque peu simpliste, mais Georges Stevens ne sombre pas dans la « shame » et au contraire mène à bien son affaire avec maestria tout en pimentant son film avec les sentiments de Marian (Jean Arthur, très sexy à 53 ans) pour Shane (Ladd) qui d’ailleurs reprendra son chemin en solo pour ne pas briser la famille qu’il a aidée…
Avec Le Labyrinthe des rêves, Sogo Ishii capte cette porosité entre la réalité et la fiction qui change le film en long rêve éveillé : les protagonistes n’ont de cesse de nous échapper, d’opère un véritable flottement de leurs identités au gré des rencontres, des humeurs et des vagues. Qui est le meurtrier ? Y-a-t-il d’ailleurs un meurtrier ? Qu’attend au juste la jeune Tomiko de l’existence ? À partir d’une lenteur narrative s’exécute pourtant une destinée vrombissante, à l’image du train lancé à pleine vitesse sur les rails où errent les solitudes à la recherche de toute forme d’adrénaline. La locomotive agit en accélérateur de particules : elle produit un déplacement définitif, la cassure d’une rêverie ; l’on passe de l’autre côté, l’on revient à la morne réalité, déjà moins morne parce qu’on en a tiré quelque chose, un fruit, un enfant, et qu’en lui réside l’espoir. La fiction comme évasion paradoxale qui change la marge en ligne de fuite pourtant toute droite : les routes de terre débouchent sur la voie ferrée, sur le destin qui reprend ses droits. Au terme de ce Labyrinthe des rêves, c’est le doute identitaire qui explose dans le cœur du spectateur avec, en prime, le portrait d’une héroïne qui a accepté de se perdre un temps pour pouvoir se trouver : de receveuse, elle devient donneuse de vie. Sublime.
Une grosse surprise à la mise en scène trash, délirante, et vachement sanglante ! Je m'attendais à un humour nunuche, mais ce n'est pas du tout le cas. Le film est même beaucoup plus sérieux qu'il n'y parait avec une morale de faux super-héro en détresse cherchant à s'évader. L'acteur principal tout simplement génial fait la grande force de ce film jubilatoire, délicieusement violent et décalé. Une petite révélation en la matière. J'ai également très bien aimé la prestation de la jeune actrice. Par contre, j'ai moins été emballé par celle de Nicolas Cage qui, on dirait, a eu du mal à trouver sa place. Bref, on espère que la suite sera toute aussi réussie.
Dans la grande lignée des westerns démythificateurs, « La Poussière, la sueur et la poudre » est un beau spécimen. D'un réalisme à couper au couteau aussi bien dans le récit que dans les scènes d'action, le film a quelque chose de très sec le rendant très percutant, d'autant que derrière la caméra, Dick Richards fait tout pour renforcer ce sentiment. Mise en scène sobre et retenue, photo assez sale, décors ne vendant pas du rêve... Il n'y a aucune fausse note et on prend beaucoup d'intérêt à suivre ces aventures, à l'image de personnages beaucoup plus complexes qu'il n'y paraît. Il est rare de voir un tel soin apporté aux seconds rôles, remarquablement choisis physiquement et apportant de nouveaux enjeux à l'œuvre par leur étonnante diversité. Leur opposition avec le Ben « Kid » Mockridge, jeune héros plein d'idéaux et totalement déconnecté de la dure réalité de l'Ouest, n'en est que plus intéressante, évitant intelligemment la caricature et donnant au film un côté « Blanche-Neige au Far-West » très bien rendu, marquant aussi (brutalement) la fin de l'innocence, voire de l'enfance. Le règlement de comptes final en est une parfaite illustration, à la fois très rapide et très long, mais rendant surtout avec beaucoup de force le propos de l'œuvre, violente et désabusée. Et si on lui préférera de justesse « Du sang dans la poussière » (déjà avec Gary Grimes), « La Poussière, la sueur et la poudre » n'en est pas moins une découverte aussi marquante qu'inattendue.
Belle surprise! Ouf est une jolie comédie décalée, originale et touchante, avec un très bon casting! Un bon moment de cinéma!
Des prisonniers juifs dans un camp de concentration sont chargés par les Nazis de conduire leurs coreligionnaires dans les chambres à gaz, de nettoyer les traces, de jeter les cendres des morts... On assiste à cette mécanique, industrie de l'horreur, embarqués dans le point de vue de Saul. Pourquoi ces prisonniers ne se révoltent pas ? Pourquoi, alors qu'ils se savent condamnés, obéissent-ils aux ordres ignobles ? Pourquoi ne s'unissent-ils pas pour lancer une mutinerie ? Ces questions restent sans réponses. Le film montre Saul et les autres accomplir leur besogne tel des automates. Mais lorsque Saul croit reconnaitre son fils parmi les cadavres, il s'obstine à trouver un rabbin afin d'enterrer l'enfant religieusement. Un désir qui parait absurde, grotesque, face à l'horreur qui se trame. Saul conduit sans rechigner les siens à la mort, fouille leurs vêtements à la recherche d'or, manipule benoîtement les cadavres, mais ne s'éveille et ne s'anime que lorsqu'il s'agit de mener à bien sa quête d'un rabbin. Le désir incohérent du personnage principal met donc mal à l'aise et empêche tout empathie. Reste à regarder les prétentions formalistes arrogantes du réalisateur qui pense sans doute que la gravité du sujet et de sa mise en scène suffiront à faire taire toute critique.
Robert Wise peut-être considèrè indubitablement comme l'un des maîtres de la boxe au cinèma! Sa maîtrise parfaite de la technique et sons sens du rècit lui permettent de rèaliser une oeuvre irrèprochable où le film dure le temps de l'action! C'est une nuit traversèe d'èclairs pathètiques que nous avons ici! Le combat en quatre rounds acharnès est filmè au plus près quelques fois camèra à l’èpaule, avec des angles extraordinaires qui sont mille fois plus efficaces que certains autres films du genre! Quant à l'interpretation de Robert Ryan en boxeur sur le dèclin, elle est tout simplement grandiose! il forme avec la sublime Audrey Totter un couple maudit qui a fait date depuis! On retiendra pour finir une sèquence absolument magnifique, celle d'Audrey Totter, au-dessus d’un pont, qui regarde dèfiler les trains dans la nuit! Un spectacle cinèmatographique par excellence dont la maîtrise de Wise est confondante! La leçon ne sera pas oublièe de sitôt puisque "The Set-Up" est à ce jour le meilleur film de boxe qui soit...
Excelent, Jonathan Rhys-Meyers y est grandiose comme si il avait été fait pour ce role depuis toujours (malgres les playback plutot raté ^^) la biopic du King qui aura toujours fait peur a finalement vu le jour et elle ne pouvait pas etre mieux!
Christopher Nolan montre avec son 1 er long metrage qu' il est un grand du cinéma. Ce film en noir et blanc (pas vieux) est un pur bijoux de cinema. Des acteurs pertinents ,une tres bonne intrigue un bon twist. Nolan est un grand , et ce film est un bon moyen d'annonce le grandiose Memento.
Fan des films d'horreur....... Quelle déception. Film ni queue ni tête. Un film qui peut-être mis dans la catégorie The Human Centipede On a l'impression que c'est un doc de propagande des associations vegan. A voir par curiosité. J'ai gâché un paquet de popcorn pour rien....
Tout simplement mauvais!.Scénar filles font tout pour se faire enlever 'oh je vois des affiches de filles disparues, mais surtout je parle à tout le monde, je me fais draguer, je reste bien seule et olala je suis enlevée" des scènes vraiment peu crédibles, c'est la série " les vacances de l'amour" par ab production mais en mieux filmé! On reste stupéfait quelque peu, par cet ennuie qui nous gagne, rempli de clichés, ce film à suspens sans tension, on ne ressent ni compassion, ni angoisse...Quant à la performances des acteurs juste plate et sans saveur, et une réalisation quelque peu racoleuse, pas crédible pour un sous, mais il porte bien son nom car après avoir appuyé sur play " bientôt les ténèbres de la médiocrité s’abattront sous vos yeux, qui ne resteront pas ouverts bien longtemps...
S'il y a bien un adjectif qui ne correspond pas à ce film c'est "aride". On nous présente ce documentaire comme un film évoquant le génocide arménien. En réalité c'est davantage un documentaire sur la quête d'identité, la multi-culturalité et le besoin de connaître ses origines pour avancer. Et ce chemin-là est aride en effet. Comment se construire sans savoir véritablement d'où l'on vient ? Le voyage qu'entreprend Arnaud semble être une sorte de thérapie, c'est le premier de sa famille à fouler le même chemin que celui de son arrière-grand-père, cent ans après. Les paysages sont époustouflants, j'ai parfois retenu mon souffle durant certaines de ces séquences comme si le moindre bruit pouvait troubler un tel spectacle. On se surprend à marcher à côté d'Arnaud, on traverse toutes sortes d'émotions : le rire (après certaines réflexions de villageois), la gêne (lorsque l'on sent que le sujet génocide ne doit pas être abordé) et de l'émotion pure lorsque certaines de ses personnes se prennent d'affection pour son histoire alors qu'ils n'en connaissent quasiment rien. C'est la simplicité qui est le maître mot de ce film. Ici on ne cherche pas à provoquer l'émotion, on ne cherche pas à enquêter sur le génocide arménien à proprement parler, il n'y a ni méchant ni gentil, il y a juste un jeune homme en quête des origines de son nom (nom qui n'est même pas vraiment le sien d'ailleurs…). Khayadjanian signifie fils de la vie et de l'esprit si l'on se réfère aux origines multiples du jeune réalisateur et cela le résume parfaitement. Même s'il ne connaîtra probablement jamais la véritable histoire de ses ancêtres, son héritage est riche et il transmet absolument tout ce qu'on lui a légué à travers ses films. Bravo.
Avant toute chose, sachez que je suis plutôt abonné aux blockbusters américains décervelés mais j'adore l'actrice Keira Knightley et la bande-annonce m'avait séduit "alors pourquoi ?" me suis-je dit. La première heure a retenu mon attention pour le soin apporté aux décors et quelques clins d’œil aux progrès de l'époque (la généralisation de l'électricité) mais la deuxième moitié du film m'a paru interminable et je pense que je n'étais pas le seul dans la salle à soupirer d'ennui. Le problème est que la vie de Colette ne semble pas avoir été si passionnante, dès lors comment en faire un film passionnant ? Autre chose qui m'a réellement choqué est la langue dans laquelle le film a été tourné : alors que nous nous intéressons à des personnages littéraires français sinon francophones, les dialogues sont en Anglais. Donc je me suis tapé des sous-titres durant tout le film pour suivre une histoire qui se passe exclusivement en France ... C'est tout de même incroyable que ce film n'ait pas trouvé une société de production française ! Bref, le film était intéressant à défaut d'être captivant mais vous pouvez sans remords attendre la sortie vidéo.
J'ai trouvé ce film digne d'un épisode de charmed. Selon moi, les actrices sont médiocres, l'histoire est superficielle et les effets spéciaux sont ridicules.
Bon la première chose qui dérange dans ce film : c’est le visuel formidablement laid, qui ne sert absolument pas l’histoire. Je trouve qu'avec un scénario pareil, il aurait fallu une atmosphère esthétiquement parfaite afin de faire ressortir les dysfonctionnements de cette famille. Ensuite, l’inceste est un sujet qui porte évidemment une charge émotionnelle et dramatique très forte, et avec lequel il est facile de mettre le spectateur mal à l’aise. Mais c’est un sujet faussement facile. Il ne suffit pas selon moi de citer des faits (même si le premier discours du fils est assez bien fait) pour rendre compte de toute la complexité du sujet. Il faut installer une ambiance crédible autour de ce traumatisme. Et là les personnages ne sont pas assez travaillés : on ne peut pas traiter d’inceste et rester autant en surface dans la psychologie des membres de la famille. Le frère cadet, beauf et raciste, est simplement too much, la sœur est beaucoup trop lisse et les grands-parents des héros étonnement absents. Bref, on a là un sujet très riche que je trouve un peu gâché par la facilité : "on va parler d’inceste, sortir des p’tits détails crus au milieu d’un beau dîner, tout ça caméra à l’épaule parce qu’on est des intellos et ça va le faire", sauf que non ça le fait pas, il aurait fallu rajouter un peu de psychologie et de crédibilité là-dedans.
Une belle adaptation de Stendalh. Une mise en scène très travaillée et de grands acteurs. Un vrai bonheur . Gérard Philipe est inoubliable .
ça commençait comme un charme et ça finit comme un cheveu sur la soupe. L'idée antiromantique de la comédie romantique est plaisante mais c'est pour en revenir au poncif du genre : NON ! Mis à par cela, le film est franchement répétitif.
Tres bon film d'action, pour la suite des Canons de Navaronne avec une exellente distribution. Dommage que Gregory PECK n'ait pas tenu le rôle de Keith MALLORY. mais très bonne interpretation générale d'où les 3 Etoiles. sur 4.
Perso, lorsque je regarde un film intitulé « Trader », j'espère avant tout que celui-ci va dénoncer ce milieu aussi antipathique que cynique, et cela de façon violente si possible. Et bien pas du tout ! En plus d'avoir droit à un mini-éloge sur la politique libérale de Margaret Thatcher (allô quoi !), nous devons subir un spectacle souvent ennuyeux sur des personnages dans le meilleur des cas inintéressants (à l'exception peut-être de Lisa, joliment interprété par Anna Friel), où les préoccupations de chacun sont à la limite de l'indécence. Je n'ai absolument rien contre les histoires d'escrocs, au contraire, mais encore faut-il qu'elles aient du panache, du rythme, des situations excitantes et pertinentes... là, c'est le calme plat pendant 97 minutes, James Dearden n'étant manifestement pas l'homme de la situation derrière la caméra. Pourtant je ne lui en veux presque pas tant le projet semblait d'emblée voué à l'échec avec une telle histoire et un tel parti pris pour un héros qui ne méritait certainement pas que l'on adapte ses mémoires sur grand écran. Bref, si l'on sauvera (quand même) quelques scènes bien senties, difficile pour autant d'être indulgent devant un spectacle aussi poussif et illégitime : à éviter.
Le film est limpide, sans discours superflu, une véritable marque de fabrique pour Laurent Cantet. Faire intervenir des amateurs renforcent l'aspect documentaire. Une première et franche réussite.
Un film ultra minimaliste de Claire Denis . Le thème est simple : un énorme et long embouteillage dans Paris , Valérie Lemercier est coincée dans sa voiture. La radio demande aux gens de s’ entraider, Vincent Lindon surgit de nulle part et monte dans sa voiture . Il y a un côté « le Grand Embouteillage » de Luigi Comencini ( chef d’œuvre absolu à revoir ). La 1ere partie dure quand même une heure, c’est long , il ne se passe pas grand chose. .Puis il y attraction entre les deux et il y aura rendez -vous dans un hôtel,rencontre d’un soir.Tout cela est filmé par petites touches , beaucoup de gros plans , sur des bouts de moquettes au sole, sur les corps, des bouts peau , des doigts de pied. On ne sait même pas si ils font vraiment l’amour, il n’y a rien de sensuel dans cette rencontre, ni d’érotique . On est plutôt dans des fragments de cinéma, une ébauche impressionniste. Lemercier n’est pas particulièrement à l’aise , elle a du mal à transmettre , sur ce personnage , loin de son style et de ses habitudes. A noter le apparitions courtes d’actrices fétiches que l’on aime beaucoup : Hélene Filières et Florence Caille. Et une bande son originale très intéressante, envoutante de Dickon Hinchliffe, qui permet de garder l’accroche, Un exercice de style intéressant mais très lent , un peu soporifique.
A voir absolument ! En Douce de Jean Jonasson. Un ton personnel, très touchant, par son humanisme. Une évocation saisissante. Ce n'est pas la vie en rose mais c'est quand même la vie en couleur. Que mille et une fleurs s'épanouissent. Mon coeur fait boum ! Longue vie au film !
la catastrophe totale: ni poétique, ni intelligent, ni festif. A réserver à ceux qui veulent voir Orphée dans un terrain vague derrière Carrefour ou Pan à poil avec des baskets.
Ce film se résume en un mot : majestueux.
Au niveau de la mise en scène, c'est l'esthétisme d'un mauvais roman-photo style sixties avec un doublage digne d'un épisode de "Derrick" ; même Jean-Louis Trintignant donne l'impression de s'être mal doublé lui-même. Pour l'intrigue, le réalisateur a juste pompé sur "Les Diaboliques" d'Henri-Georges Clouzot donc aucun risque d'être stupéfait par des rebondissements que l'on voit venir depuis longtemps. Insignifiant est le premier mot qui vient à l'esprit après la vision de ce film totalement indispensable.
On y est finalement parvenu. Voilà qu'on entre dans ce que l'on peut appeler un film ©.