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Il est clair que ce film n'est pas destiné au commun des mortels... Ce que je veut dire par là c'est que comme souvent dans les films d'Andreï Tarkovski, pour comprendre pleinement le message qu'il nous transmet il faut se concentrer sur le film. Et ce contrairement à tous ces blockbuster américains qui envahissent chaque été nos salles de cinéma. Ce film m'a paru assez complexe et à l'interprétation des événement assez libre ! En fait dans Stalker on peut sentir à la fois l'expérience du réalisateur, sa maîtrise du sujet, et son envie de s'essayer à autre chose...Au lieu d'un twist final il nous propose ici un film "instable" dont les protagonistes évoluent constamment, changeant d'état d'esprit au grès de leur péripéties. Ainsi les tempérament semble s'échanger entre les trois hommes.Finalement c'est ici en moins de 160 mn que Anreï Tarkovski nous dépeint un point de vue très philosophique sur l'instabilité de l'homme à travers de la science fiction...Soit dit en passant, c'est extraordinaire à quel point la "zone" dont il est question fait penser à Tchernobyl non loin de là... 7 ans plus tard en 1986 !
Basé sur des faits authentiques, ce film rappelle la malheureuse épopée du Katanga en 1960-61 qui fit sécession du Congo et devint l'enjeu des grandes puissances pour ses abondantes ressources minières, cuivre, cobalt et uranium notamment qui constituaient un enjeu stratégique. Le tout nouveau réalisateur Richie Smyth, encore inconnu de la planète cinéma, s'est emparé d'un sujet délicat et le traite avec un certain réalisme au travers la vie d'une compagnie onusienne et son commandant en provenance d'Irlande. Outre l'aspect politico-diplomatique, Smyth aborde les rapports houleux entre les forces de l'ONU et les mercenaires appelés en renfort par le très éphémère président du Katanga, Moïse Tshombe. Outre les très belles images qui dénotent une réelle maîtrise de la caméra, le metteur en scène présente les phases de combat de manière crédible ainsi que les relations humaines entre le commandant et ses hommes. Il montre également les enjeux géopolitiques qui peuvent parfois entrainer des décisions déplorables en n'hésitant pas à sacrifier des hommes sur le terrain. La fiction rejoint la réalité. Les différents acteurs sont tout à fait convaincants dans leurs rôles respectifs, hormis le chef des mercenaires trop caricatural. Voilà un excellent film qui remémore des évènements graves tels qu'ils se sont passés. Rien ne fut vraiment réglé car cette région fut encore la proie d'affrontements des années durant. Les convoitises minières restent d'ailleurs d'actualité dans cette région d'Afrique.
C'est une très jolie histoire, avec beaucoup de poésie, de moments tendres, attachants. C'est une histoire qui ravira les enfants, ceux qui ont gardé une âme d'enfant en eux mais la question que je me pose est : fallait-il en faire un film? Pour un documentaire, ce serait parfait mais en film, ça tourne en rond, ça manque de rythme, de vie et malgré les bons sentiments que l'on ressent, que l'on a envie de donner devant ce long métrage, nous restons forcément ennuyé, un peu dérangé car les lenteurs sont atroces !!
"Splendor In The Grass" est une sorte d'ovni, non seulement dans la carrière de Kazan, mais dans l'histoire du cinéma américain. Kazan a fait un pari particulièrement casse-gueule en voulant synthétiser trois perspectives radicalement différentes pour au final décrire une certaine Amérique: le mélo flamboyant (que n'aurait pas renié Douglas Sirk), la critique sociale ( chemin plus familier à Kazan) et le "coming-of-age movie" (grande spécialité US que l'on pourrait traduire par film sur l'apprentissage de la vie et la perte des illusions type "Un Été 42" plus tard). Si la jeunesse est dévorée par le puritanisme ambiant, Kazan réaffirme de façon très américaine en fin de compte la valeur du combat individuel et la possibilité de se réaliser face à l'adversité. De cette tension nait un grand film.
Comme presque tous les Pedro Almodovar au début l'histoire est floue et puis elle s'éclaircit, Femmes au bord de la crise de nerfs n'échappe pas à la règle. Les personnages sont comme toujours très bien interprétés avec une pointe d'humour. Mais je ne comprends tout de même pas l'intérêt de raconter la vie de cette femme qui ne paraît pas très intéressante !
Avant-dernier film de l'un des plus grands réalisateurs de sa génération, J.L. Mankiewicz ("Une aventure de Mme Muir", "Soudain l'été dernier" ou encore "La comtesse aux pieds nus") signe avec ce western un film particulièrement atypique. Emmené par un duo star qui fait des merveilles ce western ne ressemble à aucun autre. D'après un scénario de Robert Benton et David Newman ("Bonnie and Clyde" de Arthur Penn) on se retrouve au final plus dans une étude de moeurs, voir un thriller machiavélique non dénué d'un humour corrosif. Quasimment tous les protagonistes du film sont des salauds pour lesquels tous les moyens sont bons pour arriver à leur fin. Le personnage de Kirk Douglas (qui retrouve le réalisateur 21 ans après "Chaines conjugales") n'étant pas le dernier dans la vilenie. Ce western s'apparente donc plus à une fable extrêment cynique dont les personnages sont tous misanthropes d'une façon ou d'une autre. Mankiewicz brasse des tonnes de clichés (homosexualité, brute épaisse, manipulateur et même marijuana !) par la même occasion mais en transcendant le melting-pot carcéral dans un jeu savoureux entre le leader des prisonniers (Douglas) et le directeur-shérif (Henry Fonda). Un film unique dont la morale serait justement de ne pas en avoir (de morale !). Chef d'oeuvre.
Un cocktail d'humour et de cascades habilement chorégraphiées qui devrait ravir les fans de Jackie Chan.
Un petit film gentillet, sans prétentions certes, mais qui manque de style et de profondeur. Stephen Frears ( le réalisateur des Liaisons Dangereuses ) s'intéresse ici à la question du chômage avec une certaine humilité. C'est avec tendresse que l'on suit les péripéties de deux compagnons dont l'amitié va être mise à mal par leur petit commerce. The Van a quelque chose de si brouillon et de si naïf qu'il en devient presque attachant ( cela me fait presque mal de le dénigrer ), mais il reste cependant un film quelconque et assez poussif ( lourdeur de certains gags : les deux compères en tiennent une couche, si vous voyez ce que je veux dire...). Point positif : la musique d'Eric Clapton est plutôt sympathique. Au final, le film de Stephen Frears se laisse regarder mais s'oublie vite ( c'est un peu le genre de nanar que l'on regarde en deuxième partie de soirée le dimanche soir ). Et puis l'humour british n'a jamais été ma tasse de thé. Un petit divertissement, chaleureux mais décevant. Au suivant !
Du romantisme rose au goût plutôt acidulé, et bien souvent tentant d'adopter la forme d'une réalité terne & un peu prétentieuse, donc involontairement comique - surtout pour les cyniques -: A la folie pas du tout.
Quel travail remarquable sur la photographie et le cadre ! A l'image de l'affiche qui m'intriguait tant avant d'aller voir le film sur grand écran, chaque plan est travaillé à l'extrême. Le travail de composition est étonnant de précision. Pour tous les amoureux de l'Inde, dont je fais parti, courrez voir ce film, qui, loin des standards aseptisés de Bollywood, propose ici de voir le pays sous ses vrais couleurs. Le film nous replonge avec émotion dans les voyages en train rocambolesques, dans la campagne humide et verdoyante et dans les habitations chaudes et terreuses baignées par le soleil rasant et étouffant. Une vraie proposition de cinéma, charnelle et envoutante.
Pour son tout premier long-métrage, Clint Eastwood tente de réaliser un thriller captivant comme l’aurait fait Hitchcock, mais, en 1971, il manquait encore terriblement de talent créatif. Il utilise une histoire classique mais relativement réaliste de la petite histoire d’amour se transformant doucement en un harcèlement sauvage. Cependant, l’élément principal à ce genre de films, le suspense, est ici absolument absent. La mise en scène est moins axée sur la terreur des personnages que sur une alternative ridicule entre des scènes bucoliques et violentes.
Nul ! Amusé au début puis lassé, prondément lassé ensuite, il ne reste à sauver que la magnifique interprétation des acteurs... Au final, je n'ai RIEN compris ! Et me suis vu dans un film vraiment français....
Comme toutes les petites comédies à la française, on retrouve des guests sans intérêt (et sans talent pour la plupart), un scénario qui surfe sur une mode actuelle (Le porno), des gags hyper lourds... Du côté des guests donc, je ne retiens que les participations d'Eric Cantona et François Damiens, loin d'être drôles mais moins insupportables que d'autres. Un autre problème ? Les trois acteurs principaux en font des tonnes. Que ce soit dans les dialogues, le jeu d'acteur ou même le clin d'oeil à Dieudonné, ce film est profondément lourd. Ne parlons même pas des policiers qui sont représentés comme des cocus dépressifs et racistes, des références aux jeux Pro Evolution Soccer ou au film La Haine... Une pathétique tentative de plaire aux jeunes de banlieue, qui sera rapidement oubliée.
America dresse le portrait d’un pays complexe, attaché à son port d’armes et nostalgique d’un certain rêve américain, celui des pionniers. Passionnant.
Attention les yeux, voici venu la plus originale et la plus hilarante des comédies qu'il m'ait été donné de voir ! J'ai beaucoup de mal à répondre à la question : Quel est mon film préféré ? Mais "The Mask" fait sans le moindre doute parti de mon top 5. Peut-être même est-il le number one. Pour parler de ce film, il faut bien sur commencer par présenter son acteur principal, le brillant, l'hilarant, le maître de la comédie : Jim Carrey. Cet homme est né pour jouer ce rôle, il lui va à la perfection. Tout le monde connait le goût de monsieur Carrey pour la folie et les grimaces, et bien ce film était la parfaite opportunité pour qu'il laisse libre cour à tout son talent. C'est simple, si "The Mask" a eu du succès c'est en majeur partie grâce à ce merveilleux acteur. Il nous fait rire du début à la fin, ses mimiques sont en accord avec le personnage, Stanley Ipkiss, un jeune homme un peu loser et trop timide mais surtout fan de l'univers de Tex Avery qui va trouver un masque vert avec d'étranges pouvoirs... Certaines scènes de ce film sont devenues cultes, certaines répliques aussi ("Splendiiiiide !"). Mais que serait une excellente comédie sans une superbe actrice ? Pour sa première fois au cinéma, la magnifique Cameron Diaz joue le rôle de Tina Carlyle, une chanteuse de cabaret qui aura une influence sur Stanley Ipkiss. "The Mask" est très fidèle à l'univers des cartoons, c'est ce qui en fait son originalité. Ce film a un humour qui lui est propre et qui ne peut être comparé à aucun autre film. Il est unique, à mourir de rire et on ne s'en lasse jamais. Merci à Jim Carrey pour ce grand moment de comédie.
Avec un duo Michael Cera/Jack black et une intrigue aussi surprenante, on ne pouvais qe s'attendre qu'a une grosse surprise et c'est le cas ! Film complètement déjantée avec pour seul mot d' ordre: délire ! On se s'ennuit pas une seconde ! Un numéro deux ne ser jamais de trop .
Sur des faux airs de soap opéras, ce « Saving Face » parvient, l'air de rien, à tisser une jolie leçon de vie en touchant pourtant à toute sorte de tabous maintes fois évoqués au cinéma. Jouissant d'un dynamisme certain et de la présence radieuse de l'impériale Joan Chen, ce petit film parvient à se faire un spectacle des plus agréables.
Là ou les Espagnols excellent , les Français se fracassent toujours les dents , le fantastique et l'horreur font grise mine dans notre pays !. Par contre bonne surprise du film , Laetitia Casta est enfin devenue une vrai actrice , c'est toujours çà de gagné !.Encore une fois la 3 d est inutile .
ce qui m a vraiment plus avec Severance, c est avant tout l hommage au film de Slasher des annees 70 a 90 en sachant quand meme etre Original est avoir une panoplie de BONS acteurs, car en plus de ca on pourrait dire comedie Horrifique pour certain moment, BRAVO pour Severance ! PS, si il n aurait pas etais question d originalite, ce film aurait etait qu un pietre Remake d un film de genre de l epoque , ce n est pas le cas et c est d ailleurs pour une bonne raison que vous decouvrirez en Regardant ce Putain de bon film
Sincèrement, je trouve que cette suite avait le mérite de passer au cinéma!!!! Ce qui m'énerve un peu, c'est que plus tard, on a autorisé Peter Pan 2 à sortir au cinéma. Peter Pan 2 est une suite correct, mais qui méritait beaucoup moins de sortir au cinéma, à cause de son scénario qui ne tient pas debout. Le roi lion 2 est une belle réussite, autant au niveau des dessins ( qui sont de bonnes qualité), qu'au niveau du scénario ( qui tient très bien la route) et des chansons ( la première à d'ailleurs été reprise par la comédie musicale "Le roi lion"). Zira est aussi charismatique que Skart. Il est quand même un peu plus sombre que le premier, par moment ( c'est un peu moins coloré) mais ce n'est pas gênant. A voir.
Un film qui se veut familial, drôle, super mignon, il saura pourtant nous surprendre par ses qualités visuelles et par les émotions qui s’en dégagent, pour nous cueillir même quelques petits larmes !
Je prime sur l’originalité, mais pas sur celui d’un manque d’histoire, trop incohérent et sans explication. Très clairement, je n’ai pas compris le message qu’a voulu faire passer cette animation. L’environnement est attachant, avec des personnages qu’on prend gout à regarder dans le sens du détail. Mais il manque cette volonté de bien faire les choses, et cela est ressenti sur toute la longueur du film, il n’y a pas de morale qui ressort. On a l’impression que la chose mise vraiment en avant, c’est l’aspect esthétique du film, sans aucun charme autour, une plénitude exaspérante… L’ennuie se fait sentir au bout de 30 minutes, l’histoire n’est pas vraiment en phase avec le titre prétentieux donné au film, c’est du négligé, dû à un fort problème de narration. On ne comprend malheureusement pas tout, rien n’est expliqué. En tant que spectateur, on a l’impression que tout devait se dérouler comme cela puis c’est tout, aucune explication…le néant ! Heureusement que celui-ci ne dure qu’une bonne heure, j’en avais marre de perdre mon temps avec des choses peu subtiles.
Le jeu des acteurs n'est pas top, les décors en carton pâte ainsi que les effets spéciaux plombent la qualité du film.
A l'occasion des 50 ans d'Israël, Mograbi est sollicité pour faire un film sur cet évènement. Avec l'augmentation du chômage, le sujet évolue et d'autres histoires viennent se mêler à l'aventure; un réalisateur anglo-palestinien lui demande de l'aider dans son projet de documentaire sur la confiscation des biens de palestiniens entre 1945 et 1948 ainsi qu'une erreur administrative qui a conduit à agrandir la maison que Mograbi fait construire au dépens de son voisin qui ne peut faire ériger la sienne. Cela est d'autant plus délicat que sa maison est déjà revendue. La part de fiction n'est jamais explicitée mais on voit très bien comment cette dernière histoire articule les deux autres et les illustre. Mograbi réussit un film sans équivalent entre le triomphe de la célébration de l'anniversaire et de la culpabilité de la naissance (et de la croissance) de l'Etat.
Voilà déjà bien longtemps, bien trop longtemps et plus encore. Depuis cette date du 17 octobre 2013, chaque jour est une impression de douceur, une pensée souriante qui me fait un clin d’œil... La procrastination (vilain mot) s’est glissée lâchement entre mon désir fou de partager ces émotions si fortes et l’envie de garder pour moi ce qui m’avait été offert … Alors je n’ai que trop tardé, c’était égoïste de ma part. « LES ELEPHANTS » réalisé par Emmanuel Saada. Mes mains en tremblent encore comme sous l’effet d’une première caresse, mes yeux se « larment » au souvenir de ce que j’ai ressenti… Il y a peu de mots. Difficile d’en dire. Il faudrait pour cela que vous fermiez les yeux , que je vous prenne par la main et que je vous guide jusqu’à la salle où le silence, les couleurs, les âmes, les anges et la musique d’Alexandre Saada, vous feront planer au-dessus de la vie des personnages, de votre vie. Vous ouvrirez les yeux et retrouverez, en miroir de ces beaux acteurs, une petite partie de ce que vous étiez enfant, amant, aimant, pleurant, riant … Emmanuel Saada est un sacré cinéaste nom de Dieu, de Zeus et de tous les autres ! J’en ai pris plein la gueule ! J’ai des millions de choses à partager et vous en parler fait tout ressurgir… Courrez ! Allez vous servir : c’est merveilleux ! Merci Eric Boucher
Parfois, il existe des films qui vous font revivre un rêve d'enfant ou qui font vibrer d'émoi le spectateur épris de ses souvenirs. Tel est le cas avec "Le signe de Zorro" avec l'un de mes acteurs préférés, Tyrone Power, un acteur au sommet de la gloire dans les années quarante. Il n'a que 26 ans lorsqu'il interprète Don Diego de la Vega - Zorro - sous la houlette de Rouben Mamoulian auquel on doit parmi d'autres, L'esclave aux mains d'or en 1939, Rings on Her Fingers en 1942. Mamoulian réunit des seconds rôles non moins célèbres : la belle Linda Darnell (la fille du nouvel alcade, Lolita Quintero) et Basil Rathbone (l'ex Sherlock Holmes) passé aux rôles de méchants dans les films de cape et d'épée et de chevalerie (Le serment du chevalier noir …). Ici, il joue l'arrogant et autoritaire capitaine Esteban Pasquale face à un Tyrone Power tout en finesse qui n'est pas sans rappeler la série avec Guy Williams. Quel plaisir de revoir ces acteurs, en particulier Eugene Pallette dans le rôle du frère Felipe et sa délicieuse voix rocailleuse dans la VO. Le duel final entre les deux protagonistes est une pure merveille du genre. Un petit bijou de film qui fournit une superbe et homérique distraction.
Un peu déçu par cette comédie, ça promettait de réinventer un peu le teen-movie avec un peu plus de finesse et de charme mais au final c'est surtout très mou. Les acteurs sont charmants mais les rôles restent dans le classique avec le petit couple qui a bien du mal à se lâcher, la copine super fétarde, les potes fidèles...etc... Et même si la BO est sympa le rythme est trop saccadé et donc notre attention va de pair. Le scénario n'ose pas beaucoup et tout reste en surface malgré un bon début. Le vrai bon point reste la vision de New-York la nuit.
Très bon film. Pas de voyeurisme, ou de scènes inutiles. On ne tombe jamais dans le misérabilisme. Sujet traité avec justesse.
Dans un amalgame de genres, et sans jamais perdre le fil de son intrigue, LE DON DU ROI se présente sous la forme d’une chronique historique, dans laquelle se réunit un casting brillant, dirigé par le génial Robert Downey Jr, chaque fois dans un rôle où l’on ne l’y attends pas !
Pour faire rapide... c'est la série The Strain ( qui n'est pas géniale à la base ) adapté en film. L adaptation est ratée totale. L'histoire n'est basée que sur 2 soeurs, qui sont en quarantaine dans un lotissement pommé. Du coup, il ne se passe pas grand chose. Rien est abouti... Ils n'ont même pas creusé dans les rares atouts de la série pour développer le scénario du film. Bref, passez votre chemin...
Des jolies images, on retrouve aussi le coté sympathique d'autres films du duo Du Broca, Belmondo mais on n'est jamais entrainé par l'histoire, pas assez de rebondissements et trop de temps morts.
C'est pas une comédie française de référence, mais de voir Annie Cordy jeune en son temps puis qui joue la femme de Bourvil, d'entendre la chanson "Aragon et Castille" de Boby Lapointe chanter ici par Bourvil, puis quelques scènes comme la première rencontre cinématographique entre Bourvil et Louis de Funès est un enchantement. A prendre déjà comme plaisir content et comptant.
Il n’y décidemment que les animations japonaises qui soient capables de traiter avec autant de profondeur la psychologie de leurs personnages. L’univers uchronique que Hiroyuki Okiura nous dépeint à travers ses beaux dessins, réputés pour être faits entièrement à la main, est un monde sombre où va se tisser une intrigue très complexe de contre-espionnage sur fond de vague de terrorisme. Mais la véritable beauté du film vient du traitement de la noirceur de l’esprit de son personnage principal passant par des scènes introspectives cauchemardesques et une splendide métaphore du conte du Petit Chaperon Rouge ainsi que le lien passionnel qui va naitre entre ce militaire tiraillé par ses souvenirs et cette jeune inconnu. Très poétique et très brutal à la fois, Jin-Roh est une petite perle de la japanimation qui, autant grâce à ses graphismes léchés qu’à la pâte de Mamoru Oshii qui en signe le scénario retors, mérite amplement sa place dans le panthéon du genre.
Une curiosité devient vite avec le temps, un chef d'oeuvre, j'en suis sûr. Je l'ai vu le mois dernier, l'après-midi du 24 décembre, et avec le temps, je reste ébloui par ce film, qui est en tous points un chef d'oeuvre. Le plus beau film sur l'imagination sans complexe d'un enfant colérique. Ce monde imaginaire ou vrai, on n'en sait rien, laisse perplexe et me fait rêver encore aujourd'hui. C'est une oeuvre magnifique, et je ne trouve pas les mots pour en parler plus profondément. C'est tout simplement l'un des meilleurs films que j'ai pu voir dans ma vie, un film étrange et passionnant, idéal et consternant. Je reste bouche bée devant ce chef d'oeuvre du cinéma. Allez donc voir ça de plus près, mais n'en attendez rien, sinon le film perdra tout son charme.
Un magnifique film pour toute la famille. Une belle morale qui conviendra également aux plus grands. Des effets spéciaux incroyables, une 3D à couper le souffle et un scénario émouvant. A chaudement recommander!
Sans doute l'un des meilleurs films indiens jamais réalisés. Ce d'autant plus que les productions bollywoodiennes sont de qualité bien inégale. "Lagaan" est une pur moment de magie et d'onirisme mais aussi un pamphlet anticolonialiste merveilleusement réaliste. On est tellement subjugué par tant de poésie, d'émotion et d'humour que l'on ne voit guère passer les presque 4 heures de durée du film. La musique et la beauté des acteurs/actrices ainsi que des décors convaincront déjà les plus récalcitrant...
Pour ce film le réalisateur s'est adjoint comme co-scénariste l'écrivain Jorge Semprun, lui aussi très engagé, il fallait bien ça pour écrire un scénario audacieux, direct et polémique qui reste un réquisitoire terrible contre la Dictature des Colonels instaurée en Grèce en 1967. D'ailleurs Costa Gravas annonce la couleur d'entrée, le film débutant par un encart où on peut lire : "Toute ressemblance avec des évènements réels, des personnes mortes ou vivantes n'est pas le fait du hasard. Elle est volontaire." !... La malaise est toujours palpable, foisonnant et ce fascisme sous-jacent fait froid dans le dos.