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Gabin à son meilleur, entouré d’une bande d’acteurs tous aussi fabuleux que Michel Simon, Pierre Brasseur, Aymos ou Robert Le Vigan. Vous ajoutez au tout Marcel Carné à la réalisation, Prévert aux dialogues et Trauner aux décors et vous ne pouvez rien avoir d’autre qu’un chef d’œuvre du cinéma français dans ce qu’il a de plus typique. Il s’agit d’un film très noir qui ressemble à s’y méprendre à la chanson « Amsterdam » de Brel qui donne une peinture si crue de la vie dans les ports. Tous les personnages sont très marqués dans leurs caractères ce qui renforce encore l’aspect dramatique du film. Gabin qui est dans sa période "Front populaire" campe un de ces personnages qui de « Pépé le Moko » à « La Belle équipe » en passant par « Le jour se lève » ou « la bête humaine » embrassent un destin scellé dès le départ du sceau du malheur. Quoiqu’il fasse, homme du peuple de peu de condition il n’aura pas le droit au bonheur même s’il l’approche un moment comme dans « La Belle équipe ». La prestation de Brasseur père en demi-sel à la limite de l’homosexualité est hallucinante. Le Vigan en poète désabusé de la vie qui cède ses habits au légionnaire déserteur est habité comme souvent par son personnage. L’ambiance est donc lourde même si l'on rit quelquefois. Le thème principal de ces films d’avant-guerre était avant tout le déterminisme social qui veut que chacun soit enfermé dans sa condition avec une incommunicabilité entre les strates comme dans « Gueule d’amour ». Du grand art nourri au lait du Front populaire.
Quel dommage de voir un sujet aussi fort donner en définitive un film aussi peu captivant. En effet, il y avait de quoi être séduit par le « duel » ayant opposé le grand chef d'orchestre Wilhelm Furtwangler et le major Steve Arnold, inculte notoire. Hélas, cette adaptation d'une pièce tirée de faits on ne peut plus réels ne séduit pas. Le rythme est incroyablement mou, il ne se passe pas grand-chose et la montée en puissance, le malaise espéré n'interviennent que très rarement. Istvan Szabo a néanmoins quelques mérites : celui de diriger Harvey Keitel et Stellan Skarsgard remarquablement, de ne pas prendre prendre parti trop facilement, et de mettre bien en évidence la difficulté d'accuser de « collaborateur » certaines personnes durant la Seconde Guerre Mondiale. D'ailleurs, ce n'est pas un hasard si le dernier tiers, qui traite beaucoup de cette dernière question, est de loin le plus intéressant de l'oeuvre. Imparfait donc, légèrement ennuyeux et décevant ce « Taking Sides », mais pas infréquentable pour autant. A vous de juger...
Une idée original pour aborder le thème de Noel dans les festivités d'un Noel parfait ... à voir et à découvrir pour une soirée parfaite ...
MARDI CINEMA. Une oeuvre mineure de Monsieur Cinéma. Bien écrit avec la crème de ses acteurs préférés mais une mise en scène molle. Il sait que je sais que c'est lui qui sait.
Soporifique. L'enquête à base d'histoire de l'art, très bien. Mais quand Sherlock Holmes passe son temps à regarder la pluie tomber par la fenêtre, à aller gratter de l'argent chez sa sœur, ou encore à tenter de communiquer avec un muet... ça devient de la torture cinématographique. Heureusement, elle ne dure qu'1h14, c'est déjà ça.
Un très beau film auxquelles les années ne font que conférer un certain charme (dire que ce film a dans les 80 ans !). Beaucoup de sensibilité, de délicatesse et de profondeur dans ce film très réaliste où dureté de la vie et noblesse des sentiments font bon ménage, sublimé par une mise en scène magistrale.
Formidable film de Jacques Audiard ! En réalisant ce Héros très discret, le réalisateur de "Sur mes lèvres" entre dans le panthéon des grands scinéastes français. L'histoire de cet imposteur contée pas à pas, sans esbrouffe et sans jamais en rajouter, laisse sans voix. Le scénario pousse les détails à l'extrême. Seul petit bémol... La fin du film qui retombe comme un soufflet, comme si le fils Audiard avait cédé à quelque voix moralisatrice... Et si ce héros très discret ressemblait au final à quelques autres, qui, des années et des années plus tard, ont réclamé des médailles qu'ils ne méritaient pas. Dommage.
Pour le titre, j'ai vu ce doc et quelle perte de temps! Franchement, s'aveugler sur ses convictions et tourner un doc aussi partial et autant à charge par mépris, c'est effrayant. Quand l'impétuosité, l'arrogance intellectuelle et l'absence de discernement se conjuguent ensemble dans une bobine, vous en sortirez l'estomac retourné et l'hypothalamus piétiné. Passez votre chemin.
Yvan Attal s'est répandu sur tout les plateaux TV en parlant de la connerie de ce chien, de son homosexualité sans savoir que ce frotter pour un chien n'a rien de sexuel même si à lui et d'autres cela rappel l'acte sexuel des humains, l'on est pas loin des vidéo gags TF1. Pour les vieux comme moi prévoir un renouvellement des piles pour le sonotone quand Charlotte parle...l'adulescence a ses limites. Pendant qu'on y est et en un mot préférez -et pourtant- "La Moutarde me monte au nez" de Claude Zidi, avec sa belle mère à Yvan, Jane Birkin. Ce cinéma du Chien Stupide, de bourgeois qui s'ennuient à l'humour gris et gras... Un mauvais livre peut faire un bon film mais un bon livre c'est souvent hélas le contraire. Tout est dans la bande annonce alors l'on peut se dispenser de voir le film sauf si l'on s'identifie à ce couple de bobo sur le retour. Après un "ils sont partout" avec, comme une injonction d'Attal, qu'il soit à Cannes (sans effet heureusement), il faudrait tout de même parfois, laisser la place à un cinéma populaire, pas pour autant populiste, mais ça en France on ne sait plus faire. Carné, Prévert, Renoir....et tant d'autres dont il faudrait remontrer les films aussi aux "réalisateurs" d'aujourd'hui, les sortir de leur ennuie, cynisme et facilités. L'ambition du cinéma comme de toute œuvre est -serait- de bousculer nos émotions jusqu'à parfois changer nos vies. Là rien de tout ça.
Après un départ un peu laborieux le film devient excellent avec des acteurs de grande classe. De plus un bon scénario et une description du fonctionnement de la camorra à la fin du XIXème siècle en font un film injustement méconnu.
Osons une comparaison audacieuse : toutes proportions gardées, Pierre Jolivet est notre Ken Loach à nous, décrivant la déréliction sociale via les barres d'immeubles sordides, les zones commerciales sinistres et les petits coups foireux. Si le scénario de Jamais de la vie est à ranger dans la catégorie poids léger, la densité de ses atmosphères et de ses silences compense le faux rythme d'un film qui ne devient polar qu'en toute fin de projection. Jamais de la vie est dominé par un acteur exceptionnel dont l'épaisseur épargne au scénario tout besoin d'explication. Olivier Gourmet, loser fatigué, dignité ravalée, en a vécu des vertes et des pas mûres, imagine t-on. Pas besoin d'en rajouter, un seul des regards vaut tous les dialogues du monde. Il suinte l'authenticité du type qui a vécu une VDM par tous les pores, Gourmet monopolise l'écran et aucun de ses actes, nulle expression de ses traits, ne semblent surfaits. Au sommet de son art, il illumine le pessimisme d film de sa noirceur. Façon de parler mais il est au-delà des superlatifs, notre ami belge.
film perturbant, on n'hésite entre détester ou plaindre Karla (victime de son amour pour Paul, complètement dévastateur...) personnellement il m'est arriver d'avoir de la pitié pour elle... et savoir que c'est tirée d'une histoire vraie nous tente d'autant plus à vouloir comprendre ce qu'il c'est passé. Le film manque un peu de punch à certains moments, mais reste très accrocheur. A voir !
C'est une comédie poussive, sans relief, sans saveur, terne. Cela se traîne en longueur. Il y a d'autres films bien meilleurs actuellement à privilégier.
Fan de la première heure de la mythique série de Chris Carter, je ne boude pas mon plaisir à suivre cette nouvelle enquête particulièrement macabre, toujours à la frontière du réel et du surnaturel. Les agents spéciaux Mulder et Scully sont toujours là et nous reviennent en grande forme pour tenter de résoudre une énigme ou foi et science cohabitent. Si jamais Chris Carter peut poursuivre sur ce terrain, je l’encourage vivement à lancer un X-Files 3... Un long métrage Millennium serait un vrai bonheur !
Entre une bourgeoisie de province inculte et qui prête à rire, des agents de change mendiants ainsi qu'une lesbienne psychologue monstrueuse, Mocky joue au caid dans ce film noir à l'intrigue trop mince et pas très étudiée mais rien que pour le titre il est sûr que l'ensemble vaut.
Superbe film. Le rythme, lent, est indispensable pour que la magie opère. Un film vrai, nuancé, unique. Rithy Panh, natif de ce splendide mais tourmenté Cambodge, rend hommage aux âmes anciennes, mortes sur cette terre d'injustices et de beauté. Grâce à lui, et sans que rien, jamais, soit explicite, on découvre la réalité complexe et terrible de cette colonisation française, où les petits Blancs n'étaient pas moins exploités que les indigènes. Isabelle Huppert est extraordinaire en femme d'airain mais lasse, basse parfois, jeune femme qui a perdu sa vie de ride en ride, de vague en vague. J'avais aimé Indochine, grand mélodrame, et aussi L'Amant, surproduction et superproduction du roman ; je pense que ce film va plus loin, recréant la vérité historique et les moments d'émotion de cet empire perdu. Finalement, une oeuvre meilleure encore que le roman de Duras, première oeuvre encore un peu plate et classique, comparé au reste de sa création littéraire. Je ne vois guère d'équivalent dans le répertoire anglo-saxon car, enfin, les Anglo-saxons ont-ils jamais réellement tiré un bilan juste de leur épouvantable passé colonial ? Out of Africa est un beau film, trop beau pour être honnête, et, de toute façon, tiré des mémoires d'une Danoise, Karen Blixen. Le cinéma français ou plutôt francophone a tout intérêt à produire ce genre d'oeuvres au carrefour des pays et des époques, loin de tout exotisme voyeuriste et vain.
Un classique du cinéma qui mérite sa réputation, celle-ci vient sourtout du fameux couple Bogart, Bergman. Ces deux acteurs livrent içi des prestations fantastiques, Bogart en homme meurtris et qui ne crois plus en rien est içi somptueux alors que de son coté Ingrid Bergman en femme irrésistible et tirrallés par ces sentiments illumine l'écran de sa présence.De plus Casablanca est un film aun scénario très bon et sourtout très osé pour l'époque, ce film est donc très audacieux magnifiquement interprétés. A voir d'urgence.
Inspirées d’une série de court-métrages, ces aventures incroyables d’une coccinelle et d’une fourmi noire sont une prouesse technologique made in France, à la fraîcheur revigorante, pleine de trouvailles visuelles ébouriffantes, qui mélangent avec une parfaite harmonie l’animation et le réel. Cette histoire fabuleuse enchantera petits et grands, grâce à son double niveau de lecture et ses nombreuses références cinéphiles.
Le film vaut surtout par R Darin star argentine et le glaçant A Ammann . Pour le reste un thriller convenu qui voulais peut être nous emmener dans des méandres mystérieux mais qui loupe sa cible . On s'ennuie ferme face à un scénario mou et souvent invraisemblable .
Trop d'action (souvent fouillie). L'impression d'avoir déjà vu ça cent fois, rien d'original, rien de nouveau. Pas d'esprit épique. A mille lieues de l'esprit de la série. Bref décevant et sans intérêt.
Pas épatant, mais ce n'est pas une énirme surprise ;) Film sans originalité pour adolescents, pour les fans de la petite chanteuse et de la série. A noter tout de même que le film est pour une fois moins pénible que la série.
La gouaille d'Arletty se prête à merveille au personnage. Les dialogues sont savoureux et servis par un casting impeccable.
Grouillant d'acteurs crédible, un scénario dans une veine intéressante mais malheureusement je ne suis pas un motard donc je ne peu rien prouver sur la fidélité de ce film par rapport aux courses réels. J'ai trouvé ce film très bon, quelques petits clichés scénaristique revu de nos jours mais en 2003 ça devait être pas mal. Des petites longueurs de temps à autre mais voilà ! Un film à voir...
Avec Frot et clavier on n’est jamais déçu. J’ai passé un très bon moment. Je le recommande. Moment détente garanti
Ce film se regarde sans plus, personnellement déçu pas assez d'action.
Triste recueil de courts-métrages, le plus souvent médiocres, qui laissent pantois devant la jeune production actuelle. La mise en scène est la plupart du temps branchouille et insupportable (usage abusif de la caméra à l'épaule, bougeotte permanente, saturation de l'image, ralentis et montage clipesque, etc.) La sobriété et l'humilité sont aux abonnés absents, y compris sur le plan scénaristique. La plupart des films ne racontent tout simplement...rien ! Sans compter qu'ils donnent par ailleurs une image déplorable de la ville de Caen (multiplication des cadavres ou des violences gratuites, indifférence entre les gens, scènes glauques). On croirait des spots estampillés Brice Hortefeux en faveur de la lutte contre l'insécurité... Quelques films, trop rares, parviennent à tirer leur épingle du jeu comme "Rendez-vous au nouveau monde" ou encore "Lumières du soir" avec la participation clin d'oeil et bienvenue de François Morel.
A éviter! autant le un était magnifique (oui oui je l'ai même trouvé mieux que la version venant de l'est :p) autant celui ci est une merde sidérale. Pas étonnant, c'est le papa de Ringo qui était derrière les caméras... N'empêche que dans les bonus du dvd, il y a un court métrage nommé RINGS (réalisé par Jonathan Liebsmann) qui m'a achevé sur place tant il est bien fait! A louer rien que pour ça! :p
Qu'est ce que j'ai pû m'ennuyer devant ce film ... Je te quitte, puis je reviens et enfin je pars pour de bon ... C'est lent, on ne s'attache pas du tout aux personnages, à vrai dire on s'en fout completement.
On dirait un film fait par des ados avec la caméra de leurs parents... Pas accroché du tout ! fallait regarder quoi ??... :o(
Mankiewicz est un maître dont on ne parle, à mon goût pas assez. Sans atteindre la fulgurance de "Eve" ou de l'audacieux "Soudain l'été dernier", "Un mariage à Boston" prouve toutefois que l'on pouvait déjà nourrir d'incroyables espoirs envers ce metteur en scène exigeant, cultivé et atypique.
Pour Django Unchained je n'ai fait qu'apporter ma pierre à un édifice constitué de nombreuses critiques (justement) élogieuses. Pour le film que je vais vous présenter c'est autre chose. Le film n'a que peu de critiques (du moins en France) et quand il y en a elles ne sont pas élogieuses. Personnellement je n'en attendais pas énormément de ce film et l'ai surtout regardé par curiosité... plus grand fut le coup de coeur! D'abord il faut savoir que le film n'est pas un Blockbuster Américain mais un film Norvégien à petit budget (3 millions de dollars). Mais vous allez me dire mais qu'est ce qu'il a pour lui alors? Le film est tourné à la manière d'un documentaire à la manière de District 9 (un film génial que je présenterai peut-être) ou Chronicle (lui aussi) et on suit une petite équipe de tournage composée d'étudiants dans les denses forêts et montagnes Norvégiennes où des créatures supposées mythologiques sont présentes. L'équipe y suit un chasseur de troll (d'où le titre, par ailleurs l'acteur est juste excellent) qui a pour rôle de garder les nombreuses variétés de trolls dans leur habitat naturel et de faire attention à ce qu'ils ne dépassent pas les frontières. Les gens ne doivent pas être au courant... Le réalisme - que dis-je, le naturalisme - du film vient bien entendu de l'aspect documentaire qui donne une saveur unique au film. Les trolls existent vraiment! Mais si! Bref, sous son aspect simpliste le film se révèle incroyablement immersif et intéressant, preuve qu'un scénario ne fait pas tout! De plus le final est impressionnant et les scènes d'action sont haletantes. Le voyage vaut vraiment la peine et les trolls (par ailleurs super bien faits et variés) n'attendent plus que vous! A voir : pour vivre un voyage initiatique plus vrai que nature! Ma note : 9/10. Le gouvernement Norvégien nous cache des choses les amis... :p
Le réalisateur dénonce la haine des nazis envers des tziganes. Ce chef d'oeuvre est d'une rare violence. Malcolm McDowell incarne un nazi sadique comme il en existait beaucoup à l'époque. Un film qui montre les horreurs de la seconde guerre mondiale.
L'original d'une des + grandes oeuvres comiques de l'histoire, faits par & contenant tout de même de ces superbes portraits de " psychos-rigides " en tout genre quasiment autistes sinon aimant tout salir en général : Il faut se souvenir que tout cela était sérieux à la base!..
Très marrant. Je trouve que c'est une bonne histoire, qui remet certaines choses en compte. J'aime beaucoup le casting choisi. Les acteurs ont très bien été choisis. Si vous voulez passer un bon moment, ce film est fait pour vous.
Bien mais assez d'humour, cependant il y a des scènes d'éclat de rires inoubliable
Les films français des années 60 qui sont censés se dérouler aux états unis sont rarement des réussites. C'est encore le cas ici même si le film reste regardable. Le casting avait de la gueule pourtant.
Jia Zhang Ke (I Wish I Knew, Histoires de Shanghai - 2011) s'est intéressé de près aux conséquences de la construction du (tant décrié) Barrage des Trois Gorges en Chine (qui a nécessité d'engloutir une vingtaine de villes ainsi qu'une centaine de villages et de déplacer près de 2 millions de personnes). Réalisé juste avant l'ouverture du barrage (en 2006), le réalisateur nous offre de superbes images apocalyptiques, d'une Chine en pleine mutation, cherchant à tout prix à se moderniser, quitte à sacrifier quelques traditions. La mondialisation prenant le pas sur une Chine ancestrale et coutumière, les images parlent d'elles mêmes, les dialogues se font rare, les plans sont contemplatifs, au grès des explosions ou des bruits de marteaux où les ouvriers tentent ce qu'ils peuvent pour démolirent les habitations encore debout. Still life (2007) oscille à la fois entre documentaire et drame fictionnel, on ne sait jamais dans quelle direction se dirige le cinéaste. Une mise en scène volontairement amorphe, pour réfléchir aux conséquences et profiter du paysage, ce dernier exprimant beaucoup de chose. Récompensé par un Lion d'Or lors du 63ème Festival de Venise, on reste cependant dubitatif fasse à une telle récompense pour une oeuvre qui n'en méritait pas spécialement.
un suspense astucieux dans un thriller géniale l'histoire a un sens que j'aime bien .
Un film très bien pensé, écrit et interprété, original, un très bon moment au cinéma. Arthur Mazet trouve le rôle qui lui va bien, avec un groupe de jeunes épatants, Thomas VDB au poil, une aventure passionnante.
Autant le 1 m'avait plu car il y avait de bonnes idées. Par contre celui ci aieeee.
Que faire face à un tel chef-d'oeuvre? Sinon écrire une nouvelle fois le panégyrique de celui qui se range parmi les quatre ou cinq plus grands réalisateurs de l'histoire du cinéma mondial. «Gertrud» (1964) représente en effet le point d'aboutissement d'une quête cinématographique dont la rigueur est à nulle autre pareille. Dreyer y accède au comble de l'ascèse et du dépouillement pour y révéler l'âme humaine dans toute sa nudité. Le minimalisme de la mise en scène est époustouflant et a d'ailleurs souvent été comparé à celui d'Antonioni. Mais la comparaison tourne vite court car point de place ici pour le vide, le désenchantement et le cynisme. L'espace laissé vacant est en effet aussitôt comblé par la profondeur des regards et par l'incandescence des paroles. Le cinéaste danois nous livre ici une ode à l'amour. Et, sI son héroïne se refuse à concrétiser ce dernier, ce n'est qu'en raison de l'idée, toute de pureté et d'absoluité, qu'elle s'en fait, même si l'on peut percevoir en outre quelque orgueil platonisant et quelque angélisme désincarné dans son refus d'en assumer les contingences. Si elle éconduit ses trois amants, c'est en raison de l'impureté manifeste de leur amour, mais sans doute aussi suite à son incapacité propre d'accepter l'imperfection de sa condition. On le voit, avec «Gertrud», le cinéma se met à nouveau au chevet de ces profondeurs de l'âme dont la révélation compte parmi les vocations les plus hautes mais aussi les plus oubliées du septième art. La redécouverte de l'oeuvre du grand danois n'en est rendue que plus impérative et plus urgente!
Le cinéma français a véritablement connu un âge d'or dans les années 30. La Bandera fait partie de cette période glorieuse de notre cinéma national. L'histoire est intéressante, la réalisation de qualité (ce qui n'est pas surprenant de la part du futur réalisateur de La Belle équipe et de Panique) et l'interprétation est excellente (Jean Gabin à cette époque était l'incarnation idéale de l'homme du peuple). De plus, ce film nous permet de découvrir ce qu'était la Légion espagnole. Ce contexte historique est, par contre, très peu expliqué, ce qui est normal pour les spectateurs de l'époque mais peut être un peu handicapant pour le spectateur d'aujourd'hui. L'autre point un peu surprenant est le nombre de personnes parlant le Français dans la Légion espagnole (mais c'est une convention assez courante dans le cinéma populaire quelque soit le pays). Enfin, faire interpréter une marocaine à Annabella et non par une marocaine est un choix un peu surprenant aujourd'hui même si, une fois encore, c'était une habitude à l'époque et que le maquillage est suffisamment crédible pour que cela marche. Il ne faudrait pas non plus trop s'attarder sur ce point car, contrairement à beaucoup de films de cette époque, les indigènes (comme on disait alors) des colonies ne sont pas présentés de manières caricaturales et Aïscha est un personnage sensible et important dont tombe amoureux Jean Gabin (chose qui devait pouvoir choquer dans cette période coloniale). Même si on n'atteint pas les sommets de La Grande illusion et de La Belle équipe, La Bandera est un film d'une grande qualité qui garde toujours aujourd'hui le charme particulier de cette époque.
Lamentable, plutôt nul,trop brouillon et super pas crédible.On annonce à la télé l'apparition de vaisseaux de la même façon qu'on commente la météo. Plein d'autres erreurs de scénario gâchent ce film.On croirait voir une parodie de film d'invasion tellement c'est risible.Le plus nul dans tout ça, c'est moi qui suis resté jusqu'à la fin. Ou peut-être pas car ce navet est marrant tellement il est nul. Celui qui a pondu cela est-il vraiment fier de lui ? Il est clair que c'est un profond manque d'imagination qui fait tomber dans cet écueil.
J’ai toujours un peu de mal à me plonger dans un film muet, mais difficile de ne pas être séduit par celui-ci. L’histoire est limpide, mais elle a une densité qui la rend très moderne. Esthétiquement, c’est un bonheur et la bande originale est parfaite (composée par Chaplin), notamment l’air entraînant qui revient régulièrement et qu’on a l’impression d’avoir toujours connu. L’acteur Chaplin est tout simplement exceptionnel et l’ensemble dégage une classe et une finesse que j’ai trouvées très émouvantes. Un film qui reste aussi intemporel que l’efficacité de ses gags et que la beauté de son dénouement.
Vu en avant première. Vraiment très sympa. Un pastiche des films de capes et d'épés des années 60 et hollywoodien des années 30.
Edward Burns n'en finis pas de nous pondre merde sur merde. Purple Violets est la pire. le scénaio est totalement insipide; les comédiens consternants et la bande son assourdissante et nauséeuse. Vu en vod à 2,99€. Du vol pur et simple.
L’adaptation d’un roman au cinéma pose l’éternelle question du choix entre la fidélité et la réinvention. Fleischer avait choisi la deuxième option pour « 20 000 lieux sous les mers » et livré un grand film. Gallone se contente de suivre au pus près, en condensant l’ensemble dans 110 minutes. Bénéficiant du cinémascope et de moyens, d’un casting plutôt solide, mais malheureusement d’un choix musical qui frôle le ridicule, il était possible de réaliser autre chose que cette épopée dont le souffle que Jules Vernes avait insufflé a disparu. Bien loin du roman et même inférieur à la série TV pourtant très moyenne.
Poignant, bouleversant, poétique, impactant, touchant, et j´en passe... MERCI pour ce si beau film !