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Une comédie dramatique pas terrible, ennuyeuse. Un scénario très pauvre et des interprétations très très moyennes pourtant avec une excellente distribution. Quelques subtilités doivent nous échapper, nous, Européens. Bref, pas grand à dire à part que part défaut, cela reste un film de dimanche après-midi, sans plus. 2/5 !!!
Un navet absolu qui répond à tous les codes du cinéma de "festival".... et donc encensé par la critique. En réalité : ce n'est jamais drôle, c'est toujours extrêmement mal filmé et sans aucun scénario digne de ce nom !
Grosse claque. La vie des autres est un film allemand sur l'espionnage pendant le régime de la RDA. Le scénario est intelligent, les acteurs, que je ne connaissais pas, sont tous excellents, les personnages sont attachants, la réalisation est superbe, la BO accompagne bien l'histoire et le film réussit à captiver du début à la fin. Le totalitarisme y est violemment critiqué et surtout le régime en RDA, qui nous dégoûte toujours plus au long de l'histoire. La puissance qui se dégage de ce film est indescriptible tant il est touchant et profondément humain. Je ne sais pas trop ce qui le rend à ce point exceptionnel : est-ce les relations très bien construites entre les personnages, le côté stressant et imprévisible de l'histoire, l'atmosphère oppressante de la vie en RDA qui est parfaitement retranscrite ou la fin qui est juste exceptionnelle ? Un chef-d'œuvre allemand d'une efficacité et d'une puissance dramatique rare. A voir.
On songe à Animal factory en visionnant Zonzon, ce film nous donne une image de l'univers carcéral français à travers 3 détenus mais Zonzon est aussi rapidement monotone ; il n'y a pas réellement d'histoire.
Les intentions étaient louables et Debra Winger est impeccable mais Costa-Gavras orchestre son récit avec la subtilité d'un pachyderme, la mise en scène étant de plus atrocement terne.
Un film d horreur extraordinaire qui te tien en haleine pendant toute sa durée . Le début est peut être un peu mou mais il faut bien mètre le scénario en place . :-)
Troisième opus de la saga Alien. David Fincher, réalisateur talentueux et reconnut, nous livre un excellent épisode, violent, efficace, haletant et réussi graphiquement.
Ce film est pour moi une déception. Dès le départ, le réalisateur utilise complaisamment les ralentis, les images arrêtées, et autre travelling pour faire moderne. Le jeu des comédiens n'est pas naturel. Ainsi, Samuel Le Bihan semble par moments réciter ses répliques. On sent la volonté d'en mettre plein la vue mais l'émotion est absente. Les quelques scènes angoissantes et le suspense sont malheureusement gâchés par les trop nombreuses scènes spectaculaires totalement gratuites qui parsèment le film. Les combats de kung-fu envahissants et hors-sujet s'avèrent même gênants à la longue. Puis le scénario devient de plus en plus invraisemblable et ridicule. La fin est digne d'un film de série Z avecson monstre en image de synthèsemal foutu. Bref, beaucoup de moyens dépensés pour un résultat sans queue ni tête.
Une sorte de film poétique libre, un peu sur le modèle des séquences de free jazz, très noir mais qu’on peut appréhender comme onirique. Ça me semble le type même de cinéma expérimental raté, accouchant d’un gros pathos égaré et adolescent. Le meurtre y est un substitut de l’acte sexuel, l’état d’esprit est ultra puritain, le suicide est une conclusion imposée. Une thématique habituelle à Wakamatsu (et finalement assez japonaise, pour ce qui est du suicide) poussée ici à la caricature.
L'Enfer Des Zombies est sans conteste un des meilleurs films de Lucio Fulci. Du gore à outrance allant dans une violence graphique inouïe (La scène de l'énucléation est particulièrement choquante), une scène de cannibalisme vraiment crade et sanglante, une baston entre un requin et un zombie particulièrement bien filmée, des morsures qui font couler le sang à flot, des vues subjectives stressantes, un thème musical travaillé, un scénario prenant,... font de L'Enfer Des Zombies une excellente suite non officielle au chef d'oeuvre de Roméro, Zombie. A noter aussi que la première apparition graphique d'un zombie sur l'île est particulièrement bien mis en valeur à l'aide d'un mouvement de caméra ciruclaire très beau et le style visuel de Fulci est de toute façon très particulier et peu commun. Avec en prime une fin pessimiste, L'Enfer Des Zombies est l'un des meilleurs films de zombies qu'il nous ait été donné de voir...
Le mythe du loup-garou est tombé bien bas avec ce film qui repousse les limites de la série Z. Et dire que c'est le grand Wes Craven qui l'a réalisé! C'est à ne plus rien comprendre au cinéma.
De la merde en barre qui ridiculise comme jamais la pauvre Uma Thurman. Elle joue une super-héroïne très énervée après s'être fait larguer par son petit copain humain. Les gags sont ineptes(un requin balancé par une fenêtre),les effets spéciaux plus cheap que jamais,l'interprétation atteint les sommets du kitsch et la photographie de carte postale donne envie de se pendre. Pour un nanar comico-héroïque,c'est par ici que ça se passe.
Pire qu'un téléfilm de la grande époque de La Cinq, mal joué, incohérent, mal réalisé et avec un doublage à la limite du supportable. Manquerai plus qu'ils nous disent que c'est un hommage à Indiana Jones...
Intrigué par le bon bouche-à-oreille dont le nouveau film d'Asghar Farhadi (réalisateur iranien de l'excellent "Une séparation") était l'objet, je me suis laissé emporter dans ce drame familial des plus prenants. Je dois en effet le reconnaître, si le film est loin de me convaincre totalement, et pêche quant à sa longueur et sa lenteur, il y a quand même un certain nombre d'éléments tout à fait positifs qui se dégagent du film, et qui me redonnent un léger goût envers le cinéma français (la production est française, et le réalisateur est iranien. [...] Au contraire d'"Only God Forgives" dont j'ai toujous du mal à comprendre la présence au dernier Festival de Cannes, "Le passé" est pour moi un film qui me redonne vraiment de l'espoir quant à la capacité du cinéma français de nous offrir encore quelques beaux moments, impulsés par un réalisateur iranien toujours aussi inspiré. Un film puissant avec une intrigue familiale particulièrement prenante. Asghar Farhadi confirme ici l'étendue de son talent avec une réalisation soignée sublimant chaque regard, ou chaque dialogue. Bérénice Bejo nous offre une performance magistrale, aidée par un Ali Mosaffa toujours aussi convaincant.
Film horriblement mauvais...
Côté scénario (signé Craven lui-même !), c’est carrément la catastrophe ...et pour être tout à fait honnête, on s’en fiche un peu, tant le scénario déroule péniblement tous les artifices les plus attendus du cinéma d’horreur. Coincé par son studio qui a visiblement choisi de vendre son film aux moins de seize ans, Craven ne peut même pas se laisser aller aux délires les plus gore : à l’heure où même des séries télévisées visibles par tous s’autorisent des décapitions en tout genre, on se demande bien qui pourrait frémir devant un film aussi benêt, quand n’importe quel ado américain connaît l’intégrale des Destination finale sur le bout des doigts. My Soul To Take ne peut pas vraiment revendiquer un quelconque signe distinctif. Pire, non seulement il n’invente strictement rien et se contente de suivre une trame de slasher déjà vu un million de fois, mais en plus, il se paye le luxe d’être d’une rare lenteur et donc d’un ennui catastrophique. Avec son casting de teens inconnus, sa mise en scène plate et son histoire vraiment old school, prévisible et jamais effrayante, ce faux dernier Wes Craven n’est ni plus ni moins qu’un nanar de seconde zone qui n’aurait pas dû dépasser le stade du direct-to-dvd, et devient au passage le plus mauvais film du réalisateur… il n est pas beau de vieillir de nos jours ...mmddrrr
Antoine (Laurent Lafitte) circule à vélo, il est homo, c'est un bobo. 2 autres bobos (et même des archétypes du genre, dans la vie) cultivent comme lui "L'Art de la fugue" (ne pas chercher d'illustration contrapuntique savante cependant...), ses frères, Louis (Nicolas Bedos) et Gérard (Benjamin Biolay) - c'est-à-dire en fait (et seulement) une indécision sentimentale chronique. Ce film à l'ambition "chorale" et "chronique familiale" (conjoints ou assimilés, et parents des 3 "héros" à ajouter au casting) est une triste guimauve, sans cohérence, intérêt ou style (en coscénariste du réalisateur, annoncé "linguiste" de formation, Brice Cauvin, la bobo Raphaëlle Desplechin - soeur de - et en "consultante", la super-bobo Jaoui, panouillant en "Ariel", tout ce petit monde adaptant une oeuvrette bobo d'Outre-Atlantique, par écrivain "gay" : n'en jetez plus, la cour déborde !), sans aucun attrait, même d'interprétation (sauf, faisant ce qu'il peut, LL). Ai lu quelque part que ce pauvre produit a failli ne pas sortir en salles - son destin aurait effectivement dû se situer du côté de la "fiction" de service public télévisuel. Formatée, frelatée, vide, "moderne", comme ce dernier sait en régaler le contribuable....
Film bobo, prétentieux, très mal joué, bourré de clichés... Heureusement il y a une ou deux vues intéressantes de la cathédrale avant l’incendie...
j'ai adoré ce film surtout Kelley et quand samantha meurt j'ai pas arréter de pleurer ce film est tout bonnement géniale
une scénario passable, une mie en scène moyenne. Un film sans grand intérêt si ce n'est la présence d'Harrison Ford
Beau film , non ce n’est’ pas un film à l’eau de rose, des passages intenses, parfois violent, mais la poésie est là, et on ne voit pas le temps passer,
"Le désert rouge" est pour moi le plus grand film d'Antonioni, ou en tout cas le seul à pouvoir rivaliser avec cet autre chef d'oeuvre absolu qu'est "l'avventura". C'est aussi à mon sens l'un des plus beaux films en couleur de toute l'histoire du cinéma. Rien de moins. Réalisé en 1964, "Le désert rouge" est considéré comme le dernier volet d'une tétralogie exceptionnelle (après "L'avventura", "la notte", et "l'éclipse") dont il serait en quelque sorte le film somme. On y retrouve effectivement les thèmes chers à Antonioni: solitude de la femme moderne, crise du couple, rapport de l'individu au monde qui l'entoure, perte de repères et de sens, errance qui entraîne une souffrance, une douleur de vivre. Mais le film n'est ni le portrait psychologique d'une femme névrosée, ni une critique du monde industrialisé qui serait la cause de ce mal moderne. Antonioni traite son sujet en évitant tout naturalisme et toute dénonciation critique. Sa démarche est purement artistique et se révèle ici par le traitement inouï de la couleur. L'utilisation de la couleur permet de révéler l'état psychologique et mental des personnages; les paysages sont le reflet des sentiments et des tourments intérieurs de l'héroïne (magnifique Monica Vitti). Antonioni parvient ainsi à transformer un monde à la base austère et froid (les usines, les tuyaux, les terrains vagues, les marres de pétrole et de boue) en un monde abstrait d'une immense beauté. Mais c'est paradoxalement ce monde intérieur magnifié qui semble être à la base de la crise du personnage (Guiliana crira elle-même qu'elle ne supporte plus toutes ces couleurs). Contrairement à sa réputation, "Le désert rouge" n'est pas un film "intellectuel". Il suffit simplement de se servir de ses yeux pour ressentir. Et cette émotion forte, transmise par l'abstraction du film, en dit bien plus et se révèle au final bien plus enrichissante que tout discours vaguement psychologisant... A voir absolument.
Dessin moches, histoire bof, rythme à dormir. Bof de chez bof. Passez le chemin et vite. Ils exploitent le concept Barbie à mort
Premier long-métrage pour John McKay qui adapte la pièce de théâtre qu'il avait lui-même écrit quelques années auparavant. Crush - Le Club des frustrées (2002) met en scène trois femmes (entre la quarantaine et la cinquantaine), toutes sont célibataires et rêvent du grand amour. Chaque semaine, elles se retrouvent pour échanger leurs potins et surtout, parler de leur problèmes sentimentaux. Au final, on obtient une comédie dramatique "so British" en deux parties, d'un côté une "rom/com" et d'un autre un mélo/drame, l'ensemble étant relativement bancal, d'une durée excessive de 110 minutes, le film est parfois en perte de vitesse et a tendance à en faire trop. Seul consolation, le trio d'actrices (Andie MacDowell, Imelda Staunton & Kenny Doughty) qui parvient plus d'une fois à sauver les meubles et à nous pousser à regarder le film jusqu'au bout.
un de mes meilleur souvenir au cinema, decouverte dans un cinema d'arts
Le volet de trop qui massacre les deux premiers Visiteurs, excellentes comédies françaises. Ce remake américain est lourd, mal scénarisé, possède des dialogues navrants et des acteurs qui ne s'investissent jamais dans leur rôle. A croire que même eux ont trouvé ce troisième épisode désespérant de nullité et de bêtise.
J'avoue avoir lâché le film après la première demi heure, ça ne me passionnait pas, mais la scène finale m'a scotché… John Woo a du talent pour sûr. Même si je préfère pour l'instant son dernier film (3 royaumes) où j'ai été pris de bout en bout. Je compte revoir ce syndicat du crime car la fusillade finale m'a vraiment donné envie, elle ne vaut peut-être pas celle de Exiled de To, mais tout de même. Quel sens du rythme. Il n'empêche que malgré tout les acteurs sont convainquant, l'histoire pas trop mauvaise. Il me faut je pense un seconde visionnage.
Si, comme moi, vous n'avez jamais pu supporter les westerns spaghetti, ne perdez pas votre temps à regarder ce film car il ne fera que confirmer, voire empirer, vos préjugés à l'égard de ces ersatz. "Il était une fois dans l'Ouest" fait figure de chef-d'oeuvre à côté, c'est tout dire. Mise en scène hiératique au symbolisme confus et lourdingue, scénario linéaire et pourtant brouillon, interprétation über-lamentable (je vous défie de ne pas vous tenir les côtes devant le jeu halluciné/hallucinant de Franco Nero) et enfin, une musique... ah, la musique! Vous imaginez un duo entre Catherine Ringer imitant Montserrat Caballé et Renaud imitant Leonard Cohen, le tout avec un accent anglais digne de Jacques Delors? Eh bien voilà à quoi ça ressemble - en pire. En résumé, en conclusion, une heure trois quarts d'un supplice cinématographique à faire baver d'envie tous les grands inquisiteurs.
Si le premier quart d'heure en forme de pénible guide touristique inquiète, Michael Mann nous rassure vite sur ses intentions tant ce thriller aux scènes d'action époustouflantes s'appuyant sur un scénario habile nous procure des émotions fortes et s'avère à partir de là magistral jusqu'à la dernière minute. (Presque) deux heures de pur bonheur donc, soutenu par un affrontement Tom Cruise - Jamie Foxx au sommet de leur art. Passionnant.
Un très joli film dans le même genre que " pas un de moins" ou " the road home ". J'aime beaucoup ce réalisateur qui alterne les superproductions et les films sans budget. J'imagine que certains acteurs sont amateurs. Les paysages du Yunnan sont magnifiques et donnent envie de découvrir la Chine.
Une suite qui est diamétralement opposée au premier opus : là où ce dernier nous tirait une larme avec des scènes émouvantes et touchantes, le second nous sert des gags lourds et prévisibles, quand le scénario du premier est plein de rebondissements et d'originalité, le second tombe dans la facilité absolue en ne résultant qu'en la recherche de l'amour. À ce sujet, on atteint un niveau de mièvrerie encore inhabituelle même pour un dessin animé destiné aux plus jeunes... Tout fleure bon la romance outrancière et chaque personnage se trouve une "amoureuse" (même les élans, qui du coup n'ont plus le temps de nous faire rire...). La fin du film, également d'un niveau "cucul" à en pleurer de désespoir, est connue de tous dès le premier quart d'heure du film (et encore avec une grande marge...). Les chansons sont vite oubliées ainsi que les personnages secondaires très niais à l'image du film. Bref, ce film ennuira à souhait petits et grands. À éviter absolument.
Bien que habituée aux films de guerre, cette oeuvre m'a bouleversée et ne me quitte plus depuis que je l'ai vue. Son réalisme quasi-documentaire, son point de vue rarement exploité (la guerre du côté allemand, incarnée par des Allemands), son ambiance, l'humanité de ses personnages... on est immergé par son realisme, ce qui compense et justifie les quelques longueurs. Il n'y a pas de gentils d'un côté et de méchants de l'autre, il n'y a que des soldats. Le nazisme est abordé de manière très lointaine, afin de rejoindre l'état d'esprit des hommes de la Wehrmarcht une fois livrés aux horreurs du front. Un film méconnu que je place très haut dans mon classement.... on est ici loin de la mentalité de la production holywoodienne, on est dans l'Histoire.
Même pas peur! Le réalisateur a beau essayé de rendre effrayant son chat c'est raté. Quand à Mimsy Farmer elle semble fatiguée de jouer les effrayées de service, seul patrick magee avec ses gros yeux et ces sourcils en broussaille arrive à mettre un peu d'ambiance mais le scénario est bien mince et le rythme bien lent.
Belle histoire , bien filmé et réalisé malgré quelques longueurs . Du bon cinéma Français !
Tout acteur, quel qu'il soit, compte à son palmarès une ou plusieurs grosses coquilles. Dans celui d'Arnold Schwarzenegger, il y en a plusieurs mais la plus mémorable c'est ce fameux «Raw Deal». Alors que dire sur ce film de John Irvin? Pas grand chose à vrai dire. Ce film d'action se rapprochant plus de la série Z que de la série B n'apporte aucun motif de satisfaction: son histoire tient sur un timbre poste, la mise en scène est indigne, les acteurs sont mauvais, même Schwarzy n'arrive pas à se sortir de cette galère! C'est tout simple: c'est le vide abyssal, même les scènes de gunfights sont bien paresseuses. Irvin a fait son film sans la moindre envie, sans la moindre implication. Un contrat qui est très loin d'être rempli.
Comme il a l'habitude Robert Mulligan aime à raconter des histoires vraies ou qui auraient pu être vraies. Il privilégie toujours l'instant présent au suspense, à l'inquiétude ou à la curiosité de connaître la suite. Escalier interdit doit beaucoup à sa personnalité et à celle de Sandy Dennis, petit bout de femme apparemment fragile qui finit par obtenir des résultats probants sans pouvoir éviter quelques échecs. Sandy est une actrice à part qui n'a pas fait une grande carrière, sans doute à cause de sa frimousse qui prete à sourire avec tendresse, mais n'a pas du séduire des metteurs en scène importants. Elle est en tous cas ici inoubliable. En dehors d'être un film touchant, c'est aussi un témoignage très proche de ce qu'il se passait dans la moyennes des écoles populaires américaines des années 60/70 . La banalité du quotidien est rendue avec une authenticité bienvenue, il n'y a pas de marginaux ni dans un camp ni dans l'autre mais simplement des gens ordinaires qui n'ont guère envie de se comporter mieux qu'ils ne le font. Sandy fait partie des 10 pour cent des personnes qui aiment les autres et ont a coeur de faire quelque chose pour eux.
Un vieux savant (trop typique pour être sympathique) créateur d'un monde virtuel copié sur les années 30 est assassiné dans d'étranges circonstances. Sur ce, un jeune premier insipide au menton carré mène l'enquête tandis que la frontière entre réalité et virtualité se brouille. Sur son chemin, il ne manquera pas de croiser une blondasse insignifiante et un méchant à la frange impeccable et au menton tout aussi carré. Le scénario comporte des éléments intéressants, mais mises à part des bribes d'ambiance thirties, tout cela est illustré d'assez laide façon, au moyen d'un automatisme répulsif. Les personnages sont caricaturaux et interprétés par des acteurs médiocres. Bref, tout cela a été formaté de façon à plaire au plus grand nombre. Vous oublierez vite ce film sans personnalité.
En général, quand le titre d'un film est changé ou traduit, c'est compréhensible. Mais puisque "Wrecked" est intraduisible en français, le titre a été changé en "Lost Identity", soit un titre TOUJOURS EN ANGLAIS et qui n'a AUCUN RAPPORT avec l'histoire. Voilà, il fallait que ce soit dit avant de s'attaquer au film en lui-même... La comparaison avec "127 Hours" de Danny Boyle est assez inévitable. Deux films centrés sur un homme seul en proie aux hallucinations et à la peur, réalisés la même année... Soyons franc : "127 Hours", pourtant pas dégueulasse, est loin d'être au même niveau que "Wrecked". Déjà pour la prestation tout simplement epoustouflante d'Adrien Brody... Un des seuls acteurs qui ait réussi à me faire ressentir de l'empathie pour un personnage de fiction. Pour en finir avec la comparaison "127 Hours"/"Wrecked", Greenspan évite tous les pièges dans lesquels Danny Boyle était tombé : Un certain sentimentalisme, des personnages secondaires peu crédibles (peut-être aurait-il du être plus fidèle à l'histoire d'Aron Ralston), des flash-backs inutiles... Ici pas de flash-backs, juste un homme confronté à la solitude ainsi que la douleur, qui tente de survivre. Avant de se demander s'il ne ferait pas mieux d'en finir... Une belle réussite, avec un dénouement à la hauteur.
Un vieux de la vieille prend sous son aile une petite frappe et lui apprend les rouages du métier afin de l'aider. Une belle histoire sur la passation des connaissances qui peut s'apparenter à une histoire entre un père et son fils. L'histoire est simple et va droit au but. C'est efficace et ça fait plaisir. La réalisation est inventive, ose et nous plonge dès le départ dans l'univers d'un réalisateur qui a son style. La lumière est belle. Les comédiens sont très bons. Le petit nouveau, Rachid Youcef, fait une belle performance. Il serait maintenant intéressant de le voir dans un rôle complètement opposé. Un très beau premier petit film comme on aime en découvrir.
des aventures exotiques invraisemblables et absurdes, des dialogues souvent insipides, un zeste de vulgarité et de superficiel, une interprétation approximative, un montage bâclé... un ensemble assez navrant! dommage pour la rare G. Hawn au grand écran.
Sans être un grand classique de John Huston, ce film est tout de même très intéréssant à suivre, avec un humour noir très réussi, et des personnages aussi ambigus que réussis. Huston donne à ce film une tournure très personnelle, notamment dans les rapports que peuvent avoir les deux héros. Surtout que l'ensemble est très bien joué, avec notamment la présence de Jack Nicholson, Kathleen Turner et Anjelica Huston. Pas mal du tout.
Le scénario et les dialogues de ce film sont prévus pour un court métrage de 20 minutes tout au plus, génériques inclus ! Vraiment trop long...
Scénar assez provoc dans le contexte de la mort de Lee avec plusieurs allusions on est quand meme frustré a la vision car le supterfuge ne tient pas la route et on attends les 20 dernieres minutes qui sont une delivrance.
On ne l'avait pas remarqué dans la bande annonce, mais ce film n'est pas à 100% en animation: Les corps des acteurs sont réels, seuls les têtes des personnages sont animés. Les acteurs sont donc insérés dans une image en fond. Cette technique de réalisation nous a vraiment gênés. Les plans sont trop fixes, l'action perd en dynamisme et le jeu des acteurs nous a paru souvent sur-joué. Dommage car l'histoire, les personnages, tout est intéressant, mais le choix de réalisation est mauvais à nos yeux. En résumé, une déception!
Une vraie réussite ce randonnée pour un tueur . La poursuite dans les montagnes est passionnante, et l'interaction entre les 2 protagonistes est suffisament réussie pour maintenir le suspense .
Ce documentaire alterne interviews d'artistes par Martin Scorsese lui-même et images de concerts avec une dextérité propre au réalisateur de "Taxi driver" et d'"Aviator". Rappelons l'impressionnante liste des artistes concernés: Bob Dylan, Joni Michell, Neil Diamond, Emmylou Harris, Neil Young, Van Morrison, Ron Wood, Muddy Waters, Eric Clapton, The Staples, Ringo Starr, Dr John, Ronnie Hawkins, Paul Butterfield & The Band. Pendant près de deux heures, Scorsese nous fait partager son intérêt, sa passion, de toutes ces personnes, tout en imposant son style propre. Un excellent documentaire.