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J'attendais tellement de ce film ! Quelle déception. Il ne suffit pas de faire du Rembrandt pour "créer" une œuvre spirituelle. Il ne suffit pas pour un réalisateur de tenir le rôle principal pour qu'on y croie. Il ne suffit pas d'accumuler des scénettes pour prétendre proposer "sa" version de l'évangile (le bon gars Judas). Car on ne croit pas un seul instant à la fascination de l'apôtre pour un Jésus falot et mollasson qui glande en réajustant sans cesse son voile (que de vent dans les Aurès !) et fait le révolutionnaire en renversant quelques clapiers ! (Cette scène des pseudos vendeurs chassés du Temple est particulièrement grotesque.) On voit aussi Jésus qui fait la planche sur l'eau (à défaut de marcher dessus !), le genre d'audace pseudo poétique qui va faire crier le rédacteur snob au génie ! L'esthétisme est appuyé, l'accent pseudo-araméen des banlieues navrant, et surtout, surtout, tout est lent, lent, lent... Voilà un réalisateur qui ne sait pas capter une scène sans qu'elle s'étire comme s'il n'était pas sûr que le spectateur ait bien compris, ne soit pas assez attentif à ses trouvailles de mise en scène... Eh bien, désolé, qu'on soit croyant ou athée (comme moi), l’Évangile, c'est tout sauf emmerdant ! C'est tout sauf esthétisant. C'est tout sauf ce grand vide quant au message, à cette Bonne Nouvelle an acte (incroyable, pas un seul miracle dans ce film ! A croire que ce Jésus est vraiment un glandeur impuissant ou un doux rêveur !). Bref, une oeuvrette sympa, sans doute sincère, même pas blasphématoire (mais une œuvre blasphématoire est préférable à un pensum creux), mais plate, sans conviction, sans souffle, sans prise de position personnelle de l'auteur qui "illustre" son "Évangile selon Judas" en faisant du sous-Pasolini et du faux-Scorcese ! PS Je mets une deuxième étoile uniquement pour la photogénie du décor algérien.
Un direct to dvd qui avait largement sa place au cinéma. Malgré un manque d'actions, et certains lieux communs sur le braquage, ce film modeste se démarque sur deux points : 1- Le scénario, très intelligent et bourrés de rebondissements. 2-Le casting, de qualité pour ce type de production. Bref, une vraie surprise que je recommande.
Ce film est d'une lenteur désespérante. Je conseille d'amener votre thermos de café fort sauf à vous y endormir d'ennuis. Luca Marinelli est cependant un bon acteur que j'ai trouvé sympathique ainsi que la jeune fille dont il tombe amoureux. Au lieu de présenter un film de 2h08 au cours duquel on s'ennuie le metteur en scène aurait dû faire beaucoup de coupures pour le réduire à 1h15 !
Out of Africa est certainement l’un des meilleurs films de Sydney Pollack. La mise en scène du célèbre réalisateur est irréprochable. Ce film romantique est certainement l’un des meilleurs du genre. Le scénario est recherché, travaillé et les sujets sont exploités. Le développement des personnages est efficace et le film est captivant du début à la fin. De plus, les acteurs comme Meryl Streep, Robert Redford et Klaus Maria Brandauer sont convaincants dans leurs rôles.
Takeshi Kitano signe un policier noir, violent et sans concession qui vous atterrit dessus telle une torgnole en pleine face comme lui seul en a le secret.
Il y a tant de belles choses dans ce mélodrame qu'il faut oublier les rares lourdeurs ou maladresses pour ne retenir que les leçons de vie dans les années 50 aux états unis. La forme est parfaite, la musique réussie, la nature en accord avec les ressentis heureux ou douloureux, les acteurs bien dirigés. Ce témoignage est un bien précieux pour les historiens. Le thème est banal mais ce mélodrame tire son originalité dans la comparaison des deux couples parents et enfants, les parents semblant vivre des moments moins dramatiques que ceux qui arrivent pourtant dans l'insouciance de la jeunesse. Les propos sont moins banaux car les quatre parents se disputent la garde de leurs enfants comme si c'étaient des bébés, ce qui constitue pour nous spectateurs de 2015 une surprise de taille, cela d'ailleurs parait totalement ridicule. C'est le propre de Daves, ce grand humaniste, de montrer les choses telles qu'elles ont pu exister sans jamais s'occuper du regard des autres. Coté acteurs, ils sont tous à féliciter avec une mention spéciale pour Arthur Kennedy auquel je trouve beaucoup de mérite d'avoir sa vie durant accepté autant de rôles qui ne sont jamais à son avantage; ici c'est un alcoolique invétéré, ailleurs un traitre ou un lâche et parfois même un tueur.
''Mortel Motel'' est un film que j'ai acheté en DVD, juste pour la présence de Rose Mcgowan et le synopsie plutôt intéressant, plutôt méfiant vu la pochette vraiment pas terrible, j'ai visionné ce film d"horreur qui n'en est pas un, on tombe plutôt dans le genre policier-thriller, et j'ai trouvé le film plutôt moyen, c'est extrêmement long à démarrer et très plat et sa finit bizarrement la fin est extrêmement surprenante et encore une fois Rose Mcgowan est génial, un film à voir à l'occasion !
Honteux. Les nanars, ça ne me dérange pas, au contraire, je les apprécie. Mais quand on voit que le film s'appelle "Les Dents de la mer", ça donne envie de se pendre. Comment peut-on gâcher ainsi un tel chef d'oeuvre ? On se demande même si son rôle premier n'est pas de parodier. On a même droit à un joli requin imitant flipper, faisant de belles acrobaties dans l'eau.. Je crache sur ce film. Une véritable honte.
c'est un conte comme j'aime. Je n'ai pas vu un aussi beau conte de Noël depuis 3 noisettes pour cendrillon. pour les fans des films fantastiques a l'ancienne. ce que j'aime c'est qu'il fait film ancien comme s'il avait ete fait y ont 40 ans. je prefere ce genre de film qui nous expédie dans un monde fantastique de nain, soriciere, avec une belle histoire très romantique. je me suis longtemps demandé quand va-on refaire ce type de film qui nous sort de notre univers impitoyable. Je donne a ce superbe film une note de 20/20 Si vous etes un nostagique et que vous aimez les contes il est parfait.
Adapté des polars de David Peace,les Red Riding Trilogy forment une trilogie assez complexe,qui dresse un portrait peu flatteur de l'Angleterre des années 70.Ce premier volet,se déroulant en 1974,relate l'enquête obsessionnelle d'un jeune journaliste du Yorshire,d'abord en quête d'un scoop,puis de vérité,et enfin de justice.Corruption à tous les étages,intimidations,viol,meurtres...Le constat de l'Angleterre thatchérienne est sans concessions,et fait peur.Le polar est très sombre,parfois trop,dans on a l'impression que la descente dans les ténèbre ne s'arrêtera jamais.Le scénario est riche,fidèle au matériau d'origine.L'ambiance suinte la terreur glauque des petites cités grises et pluvieuses.Dans le rôle principal,Andrew Garfield est parfait.Le décalage entre son physique poupin et sa détermination de fer continue de faire des ravages.Pourtant,malgré toutes ses qualités,on constate que ce polar social reste désespérément plat.La mise en scène morne y est bien sûr pour quelque chose.La distanciation avec les personnages et l'histoire est trop grande pour qu'on se sente pleinement impliqué.Dommage.
Deux ou trois scènes chantantes très platement filmées et quelques fonds d'écran tout simplement hideux... bon visiblement cela suffit amplement à montrer que le vieux briscard Walsh n'avait pas trop envie de se fouler sur cette comédie westernienne. Le reste ne fait que le confirmer. Bon Kenneth More avec son allure et son comportement ultra-british est amusant, le fait que son personnage aurait dû se faire buter au moins une bonne cinquantaine de fois mais qu'il arrive toujours à s'en sortir de façon improbable au grand désespoir du croque-mort du coin aussi, et il y a deux ou trois allusions sexuelles (c'est fou ce que l'on peut suggérer avec un revolver !!!) marrantes. Mais à part ça Jayne Mansfield est loin d'être convaincante et le scénario n'est pas du Billy Wilder, sans parler bien sûr puisque je l'ai déjà fait plus haut de la réalisation de Raoul Walsh...
Cette suite n'a que peu d'intérêt sauf pour la scène finale qui répond à une question (même si certains ici n'ont pas du tout aimé ou n'ont pas compris l'intérêt), le reste est rempli d'incohérences dont certaines en totale contradiction avec le premier volet. Et puis voilà, la tension tombe complètement à plat ici, la grotte n'est pas filmée de la même façon, on ne ressent pas l'angoisse claustrophobique qui faisait la force du premier The Descent, les créatures sont trop montrées et trop caricaturales, tout comme les autres acteurs, on enchaîne scène gore sur scène gore, on recycle et on fait même réapparaître une héroïne du premier pour aider à casser du monstre. Bref, ne faîtes pas un The Descent Part 3 par pitié, ou alors complètement différent, une préquelle orientée sur les créatures, leur origine, leur histoire, mais pas sur un énième groupe de crétins qui redescend dans la grotte pour voir si les bébêtes sont toujours là...
Ce n'est pas Willy qu'il faut sauver, mais le spectateur, tellement ce film est une énorme connerie indigeste, censée enthousiasmer les plus jeunes.
Navet!!!! Le scénario tiens sur une page et encore... Dommage, le mélange thriller, requins, bikini auraient pu fonctionner mais pour cette fois-ci, c'est loupé. Côté infographie c'est la cata!!! Même les requins virtuels de "Peur Bleue" de Renny Harlin qui date quand même de 1999, étaient un cran au dessus. Rien ne vaut le requin réel ( ou le "Bruce" des Dents de la Mer) en plastique, caoutchou ou autre dérivé!!! Bref navet, navet, navet... Et la 3D ne sert à rien, comme d'hab!!!
Il ne faut jamais s'attendre à grand chose des parodies et j'ai bien fait. Reprendre les mêmes scènes du film, rendre la chute complètement folle c'était l'objectif du film sauf que les acteurs sont têtes à claque l'humour est lourd sans être drôle. Une daube
Sans aucun doute l'un des meilleurs films du Joel Shumacher... Capable du pire ("8mm", ses 2 "Batman", "Bad Company") et parfois du meilleur ("Le fantôme de l'opéra", "Phone game") il offre ici un bijou d'adrénaline et de pétage de plomb. A partir d'une idée toute simple il réalise un film poisseux, nerveux sur un homme qui pète les plombs... Et c'est mémorable ! Michael Douglas n'y est pas pour rien dans ce rôle. Ici la descente aux enfers d'un homme qui ne supporte plus les barrières du stress qui plombe son quotidien. Enorme... On peut par contre regretter les stéréotypes qu'on pourrait juger racistes et plus ou moins malsains. est-ce calculer ?! On ne peut pas vraiment savoir mais en même temps il serait emps de ne pas être trop paranoïaque, ne pas voir le mal partout... Mais la question est posée.
Noter "L'idole" n'est pas chose aisée. Vers la moitié du film, je me suis dit : "Ça c'est du quatre étoiles assuré pour Allociné !". Sauf que la seconde moitié n'a pas à mon goût la saveur de la première. Vers la fin, on frôle carrément les deux toutes petites étoiles... Enfin bon, jusqu'à la scène du repas en tête-à-tête je me suis régalé, c'est déjà pas si mal. Les fondations du film sont inattendues : en France, une Australienne, doublure de théâtre frustrée de n'avoir joué que cinq fois de la saison, emménage sur le même palier qu'un vieux Chinois, ancien cuisinier résolu à partir en maison de retraite. L'artiste, Sarah, c'est Leelee Sobieski, remarquable et en français dans le texte s'il vous plaît ! Elle se met rapidement une partie de l'immeuble à dos, faut dire que certains locataires semblent incommodés par la puissance sonore de ses ébats avec l'acteur principal de la pièce (Jalil Lespert). Un peu à la ramasse psychologiquement au point de planifier son suicide, elle noue rapidement une certaine complicité avec M. Zao. M. Zao (impeccable James Wong), par une surprenante coïncidence, décide de rester dans l'immeuble et de se remettre à cuisiner ;-). Leurs bons rapports sont mal vus, d'une part par la petite voisine Caroline qui auparavant passait du temps avec le vieil homme, mais aussi par un couple bien assorti d'imbéciles un peu racistes sur les bords. Les deux personnages centraux sont vraiment intéressants, leur duo décalé permet un film au ton très spécifique. Néanmoins, si James Wong est génial, son personnage apparaît beaucoup trop chargé en clichés... A un tel point que c'en devient caricatural : le chinois plein de sagesse, impassible, adepte du taïchi, respectueux des traditions etc. "L'idole" est un long-métrage passé totalement inaperçu de façon assez injuste. Après, je dois avouer qu'il n'est pas exempt de défauts malgré d'excellentes choses. Je vous incite à le découvrir tout de même.
Des comédiens proche de l'amateurisme, des dialogues soporifiques, le scénar doit tenir sur un post-it. Visiblement, cette séquelle de The hamilton a été tourné juste afin de payer les impôts des butcher brothers
Un immense film sur l’Italie des années de plomb, où une mise en scène un peu austère souligne le pessimisme radical de Rossi. Rien ne vient sauver l’ambiance délétère qui règne dans la politique italienne des années 70. Le gouvernement conservateur fait assassiner des magistrats en tentant de faire porter ses crimes par la victime d’une erreur judiciaire. L’inspecteur Rogas (Lino Ventura), trop malin pour le rôle qu’on veut lui faire jouer, flaire la vérité. Au moment où il s’en ouvre au secrétaire du parti communiste italien, les deux hommes sont assassinés. Le chef de la police fera passer Rogas pour un paranoïaque qui aurait tué secrétaire du PCI sous prétexte que celui-ci aurait fait parti d’un complot imaginaire. Jamais la vérité ne sera dévoilée. Dernier mot d’un communiste : «La vérité n’est pas toujours révolutionnaire». Un des moments forts du film : l’entretien entre le président Rochès (Max von Sydow) et Rogas, venu l’avertir que sa vie est en danger. C’est l’occasion d’un extraordinaire délire mystique de Rochès sur la transcendance absolue de la justice : «L’erreur judiciaire n’existe pas» (…) «A chaque fois – je dis bien à chaque fois – que le prêtre mange le pain et boit le vin, le mystère s’accomplit. (…) Quand le juge célèbre (sic) la loi, c’est comme quand le prêtre célèbre la messe» (…) «Je n’ai jamais cru à Voltaire, à son traité sur la tolérance. (…) La vertu ? La pitié ? L’innocent tombé à la suite d’une erreur ? Quelle erreur ? (…) Ainsi on arrive à Bertrand Russel, à Sartre, à Marcuse et à tous les délire de la jeunesse d’aujourd’hui !». Du grand Rossi. Du grand Max von Sydow. Petit mot final sur Lino : si on avait le moindre doute, ce serait la confirmation qu’il est un acteur magnifique. Une présence massive, virile, avec infiniment de sensibilité et de subtilité. Parfois, sur son visage filmé en gros plan, passe une pensée, une réaction, une émotion, comme un rai d’ombre ou de lumière, et c’est toujours parfaitement juste et sobre.
"Othello 2003" ou l'art de la manipulation, d'après une pièce de Shakespeare. C'est un peu tiré par les cheveux mais on entre vite dans l'histoire.
Fanny Ardant, pour sa première réalisation, nous convie à un drame familial où l'honneur, les sous-entendus, la vengeance sont les points forts et sont constamment remis en cause. Fanny Ardant, telle qu'on la connait, nous le savons, est une femme de caractère, forte, ayant un côté masculin marqué. Et son tempérament, elle le déverse tout au long de son film pour en donner un bijou d'émotions et de tensions. Les choix artistiques de Fanny Ardant sont grandioses. Ronit Elkabetz était LA parfaite interprète, dans un rôle qui lui va comme un gant, dans lequel elle excelle et est éblouissante. Elle est le pivot de l'histoire et, avec un caractère de femme également bien trempé, ressemble à Fanny Ardant, avec une voix grave et éraillée qui fait parfois froid dans le dos. La musique choisie est très bonne, et les cordes du violon qui grésillent vont on ne peut mieux avec le ton donné au film. D'un point de vue technique, Cendres et sang est absolument magnifique! Du début à la fin, les cadrages sont excellents et les couleurs sublimes et somptueuses. Cendres et sang est un film bicolore: le rouge, couleur flamboyante, couleur du sang, couleur de l'amour, et le gris, couleur terne, couleur des cendres. Le film tourne autour de ces deux couleurs: à part les notes très subtilement apportées de rouge, le reste du film est dans un ton très terne. Du début à la fin, Fanny Ardant respecte le parti prix qu'elle s'est imposé, et signe finalement un très, très beau film, dont on se souviendra longtemps des intenses couleurs et des visages, parfois vengeurs, parfois bouleversés, parfois heureux. Du grand art, bravo!
Quelques répliques amusantes ne suffisent pas à donner des moments d’anthologie dignes de "La soupe au canard". A réserver aux passionnés des Marx Brothers.
"Holy Field Holy War" traite du combat des petits paysans polonais contre la production intensive et la pollution qui en découle, avec en arrière-fond l'intrusion d'une multinationale américaine qui prospecte les sols. Au-delà de son sujet et de sa valeur documentaire, le film est surtout une belle leçon de mise en scène et de construction. On s'immerge dans un paysage en trompe l'œil pour en découvrir graduellement les secrets… Le sujet voilé du film (ou tout du moins son second sujet après les ravages de l'agriculture intensive) ne se révèle qu'à mi-course, après être passé de propriété en propriété pour y voir les conditions de vie et surtout de survie de chacun. Le film est partisan puisqu'il prend le parti des agriculteurs en pointant du doigt les grandes firmes, mais sa mise en scène ne tombe pas dans la caricature du film qui interpelle et dénonce en martelant un discours. Sa justesse vient de ce que le réalisateur évite tout commentaire, effet de montage ou de dramatisation. L'éloquence vient des images...
Mon 2ème film à 5 étoiles pour cette année (je ne suis pas prodigue en la matière, au rebours de certains qui distribuent libéralement les notations maximum, de préférence pour de bons gros navets). Cette fable humaniste est d'abord absolument somptueuse (du début paradisiaque dans ce zoo extraordinaire à ce voyage non moins extraordinaire en plein Pacifique), et dans la forme et dans le fond (rencontre avec soi-même, rencontre avec Dieu, un Dieu très syncrétique, communion dans l'épreuve avec la beauté du monde). Ils étaient 5 dans un canot de survie, Arche improbable : un ado de 17 ans, un zèbre blessé, une hyène, une femelle orang-outan et un tigre du Bengale. Il n'en reste rapidement que 2 : l'ado et le tigre. Plus de 200 jours à la dérive, avec une escale étrange sur une mangrove flottante peuplée de suricates, avant d'aborder les côtes mexicaines. Pi Patel (Suraj Sharma, jeune acteur indien remarquable) et "Richard Parker" (tigre de synthèse plus vrai que nature) : le jeune homme qui survit grâce au fauve. Ou bien s'agit-il d'une ombre tutélaire, d'une imagination surdimensionnée et d'un courage exceptionnel ? Le plus clair de cette aventure, film d'apprentissage ("Life of Pi"), se situe sur un esquif prolongé d'un radeau construit avec les moyens du bord, mais ce huis-clos en pleine mer réussit à passionner, tant les enjeux sont immenses (et les épisodes grandioses, tel celui des poissons-volants, sorte de manne, avec le désert remplacé par l'océan). Très belle mise en scène, ample et modeste à la fois, du chevronné Ang Lee. Pour tous publics, avec plusieurs niveaux de lecture cependant, mais un émerveillement de tous les instants, naïf dans le meilleur des sens. Vu en numérique (je déteste la 3D). Enchantement pour les yeux et le coeur.
C'est un bon film méconnue et assez drôle qui se moque des militaires , j'ai bien aimée , de plus on peut voir Gainsbourg chantait sa magnifique mais trop méconnue chanson "la noyé "
Quelle nullité ! Quelle daube ! Un film romantique n a pas un super scénario mais la.... C est le fond du trou. C est nul. Il n y a rien à garder. Même les acteurs...Un conseil : passez votre chemin.
Même si personnellement je préfère la variation surréaliste que Luis Bunuel a fait du roman de Pierre Louys avec Fernando Rey, il faut reconnaître que «La Femme et le Pantin» version Josef Von Sternberg est un film digne d'intérêt. Tout d'abord parce qu'il y a Marlene Dietrich et que le réalisateur l'a filme et la photographie comme jamais. Mais aussi parce que le film bénéficie des excellentes compositions des acteurs Lionel Atwill et Edward Everett Horton (pour ce dernier c'est une habitude !). De plus certaines séquences sont très belles, comme celle du duel ou encore celle du carnaval, et le développement de ce film purement cynique se révèle souvent intéressant. A voir.
Pour un individu saint d'esprit ,quitter l'Alsace profonde est un but! Toute la puissance du film réside là. Il est grandement déprimant de voir une Alsace pareille,ce patois et ces ambiances lourdes dans les chaumières... Ces décors qui vous glassent le sang tellement ils respirent tout sauf la joie de vivre;le temps,trop souvent à la pluie et si dur. Stanislas Merhar est décidemment fait pour incarner la sévérité et la froideur;Sophie Quinton la douceur des anges et Aurélien Recoing possède l'ambuiguité avec une propension pour jouer les durs. Le réal montre une Alsace qui n'est pas celle des cartes postales,une Alsace dure et distante. C'est un vrai engagement que de défendre la beauté d'un tel parti pris esthétique,si ce choix peut s'avérer un plus il peut aussi rebuter le spectateur,elle peut paraître au combien déprimante pour qui y vit,mais c'est une Alsace que le réal aime. C'est aussi une Alsace de silence,ou le passé doit rester sous terre et y demeurer. Le choix des cadres statiques pèse aussi sur l'oeuvre malgrè un Stanislas remuant,l'ensemblr reste trop froid pour moi.
Réalisé en 2004 par l'excellent John Sayles ("Lonestar", "Limbo"), "Silver City" fait une apparition fracassante sur le grand écran 5 ans après... dans une seule salle (à Paris) ! On reconnait rapidement le style de Sayles, son goût pour les scénarios à pistes multiples, sa mise en scène discrète mais fluide, la densité de l'écriture et des personnages... Oui, sauf que... Sauf que à force d'en faire trop, notamment en multipliant les protagonistes, Sayles perd le fil de son intrigue dont on ne saisi que le contour et le film traine alors un peu en longueur. Quant au casting, il est à tomber : Maria Bello, Thora Birch, Richard Dreyfuss, Chris Cooper, Billy Zane (tiens un revenant), Kris Kristofferson, Tim Roth... Enorme !
Le parangon de l'académisme. Froid, sans tripe, sans fantaisie, scolaire, prévisible, un gros balai dans le derrière.
"Nous York" est un film tellement mauvais et décevant, qu'il ne donne pas la moindre envie d'être indulgent ! C'est plutôt la colère de s'être fait avoir par une réalisation qui est tout sauf du cinéma ! Aucun scénario, aucun humour, rien de rien ! Tout est creux, vide et bâclé à un point rarement atteint, des dialogues puérils à l'histoire qui ne tient pas debout, si on peut parler d'histoire, des personnages eux-mêmes, plutôt ridicules, qui jouent faux et donc extrêmement mal jusqu'aux situations très caricaturales et bourrées de clichés... Difficile de faire pire dans le genre ! Sans en être bien sûr la suite, "Tout ce qui brille", sympathique, enjoué et agréable, semble presque être un chef-d'œuvre à côté ! Que dire de cette bêtise où le spectateur n'est autre qu'un simple tiroir caisse doublé d'une pauvre cloche qui elle, ne peut même pas être dédommagée ? Ce film est bien le reflet d'une époque où l'homme n'a plus d'exigence, accepte tout et n'importe quoi, ne sait plus communiquer véritablement pour finalement se résigner devant une télé poubelle et un cinéma qui le devient tout autant !!! Affligeant !
Quelle originalité! Nous faire découvrir redécouvrir la magie du cinéma quand il est fait sans artifice. Les acteurs sont juste, le ton calme et reposant comme il devrait l'être pour tout le monde au crépuscule de sa vie. L'histoire raconte la naissance d'un amour, les joies de l'amitié et les craintes que provoquent chez certains d'entre nous la mort, le deuil et la solitude. Jean Claude Brisseau nous montre ici qu'il est aussi grand comédien que réalisateur, mais ce serait sans compter sur la beautée envoûtante et énigmatique de Virginie Legeay qui ne se contente pas uniquement de nous dévoiler se charmes, puisqu'elle accompagne l'acteur principale et réalisateur à l'écriture de ce film. Plus qu'une muse cette jeune femme a un vrai talent qui me peine de ne pas voir plus souvent.