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CREED est un très grand film. Il n'y a aucun temps mort. L'histoire est vraiment intéressant. Les acteurs sont particulièrement bien choisi. Bref, tout cela annonce du très bon pour les prochains films.
C'est une perte de temps et de neurones, franchement j'vois pas le plaisir à voir se film ? du Margot Robbie à outrance qui joue la psychée de bas étage. des images franchement dégeu, cette couleur mais c'est juste ignoble ! des dialogues d'un ennui, sur en plus des sujets déprimants et inintéressants. Saupoudré d'une fin plus ou moins attendue et sadique. J'ai vomi.
Film très poignant qui aborde le don d'organes côté donneurs et côté receveurs avec beaucoup de pudeur
J'ai adoré! y a un super supsens et les actrices sont géniales. Ca fait longtemps que j'avais pas vu un film aussi prenant. J' étais à la place de Hafsia Herzi pendant tout le film. la musique de christophe est aussi super.
Je n'ai rien contre les histoires foutraques auxquelles on ne comprend rien, encore faut-il qu'il en reste quelque chose. ici, on regarde le trio d'acteurs principaux uniquement parce que c'est un plaisir de les voir jouer, il en est de même pour la délicieuse Milva et ce jusqu'à ce qu'apparaisse Tom Novembre (terrible erreur de casting) nous faisant réaliser qu'on est en train de regarder n'importe quoi. Bref tout cela n'a pas grand intérêt.
Je trouve que ce film est cliché, mal joué... on ne s'attache à aucun personnage, les situations sont improbables et pas du tout crédibles... bref, je ne m'attendais pas à un chef d'œuvre, mais je pensais quand même passé un bon moment, ce qui n'a pas été le cas...
En enmenant son héroïne vers une mort certaine et brutale, au-dela d'elle-mème, Perelman signe une oeuvre profondément humaniste et sinçère. Où l'être humain dans sa complexité, sa férocité et son désenchantement est au centre du récit. Ce film est une ôde au désir de survivre coûte que coûte et indirectement à la vie elle-mème. C'est aussi un film sur les regrèts et les remords que l'on éprouve vis à vis de soi avant de mourrir ainsi que sur les traumas des victimes, donc cette histoire tragique est une sorte chute libre dans le purgatoire du subconscient d'une victime. Sans aucun doutes l'une des oeuvres phares des cette année 2008. Ennivrant, maitrisé dans un tourbillon de couleur, d'émotions et de mouvements, ce film audacieux et tragique est une pure merveille. Intense, captivant, exaltant et brutal. A voir et à revoir sans aucun problème.
Film sympa dans lequel on passe un bon moment ! Bonne musique et acteurs attachant ! Univers de la dance et de la musique mis en avant... Ophélie Winter à l'époque en pleine gloire jouant son propre rôle... A voir !
Un film très réaliste qui ne finit pas de surprendre. J'aime beaucoup les personnages ainsi que leurs relations.
J'ai vraiment détesté ! L'histoire est répétitive et ridicule, le casting peine à convaincre, la mise en scène est beaucoup trop "too-much"... Je retiens seulement deux ou trois scènes d'action, et quelques effets visuels, mais dans l'ensemble je dirais que ce film est à déconseiller. Après pour un simple divertissement, il est peut-être passable, et encore... c
Un des meilleurs films de son réalisateur! Contrairement à son habitude, pour ce film Douglas Sirk n'utilise pas un technicolor flamboyant mais un noir et blanc très brillamment contrasté qui restitue à merveille l'univers des romans de William Faulkner. N'ayant pas lu le roman original, je serais incapable de dire quoi que ce soit de la qualité de l'adaptation, mais le fait que Faulkner avait considéré le film comme la meilleure transposition d'une de ses oeuvres au cinéma, je me fie largement à son jugement pour la penser excellente. Au niveau de l'interprétation, si le réalisateur est arrivé à tirer le meilleur de Robert Stack et de Rock Hudson, surtout dans le discours qu'il tient dans son journal pour ce dernier, c'est Dorothy Malone, sexy dans sa robe blanche, qui se taille la part du lion en incarnant le personnage le plus humain et le plus attachant du film. Il est à noter aussi que les scènes de courses aériennes sont franchement spectaculaires et très réalistes. Un excellent film.
J'ai trouvé ce film remarquablement bien joué, une photo intéressante et une très bonne mise en scène. ...un des rares films qui parlent du massacre de my lai c'est à souligner. tiré d'une histoire vraie ce film expose l'idée ou le véritable ennemi est la guerre. "bozz" est excellent
Ce film ne vaut pas vraiment le coup. À peine vu que j’ai déjà oublié l’histoire, si ce n’est que c’est un compte de Noël. Il y a tellement de long métrage sur Winnie l’Ourson, que ça en finit par nous ennuyer. Moi qui suis un passionné de film d’animation, je les ai tous vus, et je regrette que les personnages de la forêt des rêves bleus soient mangés à toutes les sauces: Noël, Thanksgiving, Pâque, Halloween, Vacance d’été, etc. C’est trop. Tous ces films voient le jour au détriment de la qualité, et c’est bien dommage.
Un bon film d'action en pleine montagne, intense, avec une bonne intrigue. Les paysages sont beaux, et le tout est porté par une très bonne prestation de Sylvester Stallone.
Oliver Stone réalise une oeuvre engagée contre le pouvoir salvadorien ainsi que la politique américaine dans le pays. Bien qu'était de tendance de gauche, ce film n'est pourtant pas manichéen comme le montre une scène peu reluisante pour les rebelles communistes. Si on peut reprocher au réalisateur de ne pas suffisamment expliquer le contexte géopolitique du pays, il réussit néanmoins une oeuvre forte avec plusieurs scènes percutantes. James Woods est parfait dans le rôle principal, et certaines scènes du film peuvent être assimilées à certaines situations dans des peys actuellement en guerre. Excellent.
film sans aucune surprise. scénario plus que prévisible. n'apporte rien de plus au 1er volet. Le spectateur visé est un enfant de 8 ans maximum
Le sujet avait de quoi être passionnant, hélas, ce n'est pas vraiment une réussite que ce film de Zinnemmann. Le drame se fait à plusieurs reprises plutot pesants, et on a vraiment du mal à s'attacher aux personnages, ce qui paraissait pourant pourtant choses plutot aisées compte tenu du sujet. Cela est sans doute aussi dû à des dialogues parfois poussifs (notamment l'interminable discussion entre Gregory Peck (qui en fait ici un peu trop) et Omar Sharif) et à un scénario parfois assez étrange, tout comme le sont les motivations des personnages. Pourtant, Et vint le jour de la vengeance n'est pas ce qu'on pourrait appeler une catastrophe : la photo est soignée et la musique de Jarre arrive à donner au film un aspect plutot singulier à cette oeuvre qui n'a rien d'honteuse mais dont on pouvait espérer vraiment meiux, surtout vu la qualité de son sujet. Dommage.
Non mais quelle claque!! Excellent nanar!!! la plus sublime que j'ai jamais vu!!! c'est ZE NANAR par excellence! Je me suis marré du début à la fin! Ca n'arrête pas du début à la fin! on ne s'ennuit à aucun moment, et l'escalade du délire ne s'arrête jamais d'augmenter jusqu'à la pure folie! c'est un délice totale!! Et le faite que la délicieuse et excellente "Brittany Murphy" (alias "Shellie" dans Sin City) joue dans ce film, rajoute énormément de plaisir à le regarder. Franchement c'est jouissif un tel bijou! A ne pas mettre entre n'importe quels mains! La preuve lisez les autres coms donant 0 étoiles! ;o)
Au bout d'à peine 2 minutes de film, une mélodie merveilleuse et ténébreuse débute, alors que se dessinent dans l'obscurité les phares d'une limousine sur la route sinueuse de Mulholland Drive, et moi je suis déjà hypnotisé. Des actrices à la fois sublimes et géniales (surtout Naomi Watts, simplement incroyable), et une mise en scène redoutable. J'ai honte de ne m'être jamais essayé au cinéma de David Lynch. Désormais je sais vers qui me pencher pour partir en voyage. 2h30 de film ? Balivernes, c'est totalement pas représentatif de ce que vaut cette oeuvre : Même si elle semble durer beaucoup moins longtemps que ça, elle fait partie de ces bijoux qui, des jours après le premier visionnage, persistent dans l'esprit. Ceci sans mentionner le cauchemar que j'ai fait la nuit qui a suivi cette fulgurante découverte. Je m'attendais à un film lyrique et poétique, mais je ne pensais pas être crispé de terreur aux deux tiers du film. C'est brillant, je suis passé par tous les états : La stupeur, l'angoisse, le rire, l'émerveillement, l'émotion, et l'incompréhension devant la dernière demi-heure de film, sans doute la clé de tout. Et en toute honnêteté, si je n'étais pas allé voir une explication détaillée sur le net, je serais ressorti du film avec un nœud dans la gorge, prêt à crier sur tous les toits que ce n'était qu'une bouse pour cinéphiles arrogants qui font semblant d'avoir compris ce qu'il n'y avait pas à comprendre. Mais pour moi maintenant, (presque) tout fait sens, et quand on réalise l'ampleur du truc et qu'on revoit le film, c'est encore difficile de se remettre de tous ces éléments brillants. En définitive, le choc le plus fort survient après la séance, quand on réalise le dessein de chaque détail, et qu'on prend pleinement conscience de l'histoire qu'on a sous les yeux mais qu'on a du mal à réaliser : Mulholland Drive est finalement l'un des drames les plus bouleversants qu'il m'ait été donné de voir.
"Pulp, a film about life, death and supermarkets" est consacré au dernier concert du groupe "Pulp" dans leur ville de Sheffield 25 ans après leur débuts et suite à une reformation mise en oeuvre par leur lead singer, Jarvis Crocker. Le film est réussi dans la mesure où indépendamment des confessions intimes des membres du groupe (problèmes de santé de la claviériste candida doyle), il montre aussi l'attachement des vraies gens à ce groupe, interviews et témoignages à l'appui, l'occasion de sourire souvent mais également d'être ému par le temps qui passe et par ces fans, parfois venus de loin pour écouter Jarvis et sa bande.
Mad Max... mais en version ridicule ! la selection musicale... une des scènes pas très "fun" avec du Fine Young Cannibals en fond musical (un truc péchu des 80's), annonce le côté un peu ridicule de ces punks dégénérés qui pullulent tout le long du film. Ca partait d'un bon sentiment, Rhona Mitra, s'en sort plutôt pas mal également... mais les idées (des chevaliers, des punks, l'univers a la mad max, un virus mortel), toutes mixées dans un seul et même film c'est un peu too much. La ou The Descent gagnait par sa sobriété, celui ci se plante par son côté "nawak" mais pas jouissif.
Satyre crue, atypique et stimulante (3,25/4). Ce conte des années 80/90 chargé d'intensité sexuelle suit l'ascension sociale et la déchéance d'un arriviste égoïste, ambitieux et manipulateur dans une Espagne minée par un climat d'affairisme et de promotion immobilière effrénée. Une première trahison amoureuse conduit Bénito Gonzales (magnifiquement interprété par Javier Bardem), jeune homme d'extraction populaire travaillant dans le bâtiment, à laisser libre court à sa soif de réussite en manipulant les femmes tombées sous son charme et séduites par ses promesses. Il ambitionne de s'enrichir en construisant une tour phallique qui soit la plus haute de Bénidorm, reflet de sa propre virilité et de son ambition démesurée. A cet effet il convainc son amante, Claudia, (interprétée par la ravissante Maribel Verdu) de coucher avec un banquier susceptible de financer ses projets avant d'épouser lui même la fille du banquier en question, Marta (interprétée par Maria de Medeiros). S'instaure alors une relation triangulaire frustrante pour les deux femmes alors que Benito, outrageusement machiste, poursuit sa quête sans le moindre scrupule. Mais son succès est de courte durée et sa fortune ne tarde pas à basculer...Bigas Luna se livre à un exercice jouissif de déconstruction de l'archétype du machiste méditerranéen et du rêve espagnol en écornant au passage les icônes de la culture populaire ibérique. La simplicité binaire du scénario (ascension puis chute) est largement compensée par l'intensité du personnage principal à la fois attachant, ridicule et odieux ainsi que par le coté baroque de ses frasques sexuelles. La liberté de ton du film et l'absence de retenue caractéristique du réalisateur Bigas Luna donne toute son envergure au rôle de Javier Bardem, tout en exploitant sa dimension comique. On peut cependant conseiller aux spectateurs qui découvrent ce réalisateur atypique et peu pudique de se renseigner rapidement sur son style pour éviter une déception ou un choc.
Un bien mauvais remake du film "La cuisine au beurre" qui réunissait les deux génies du cinéma français qu'étaient Bourvil et Fernandel. Dans cette nouvelle version, tout sonne faux, le jeu d'acteurs est mauvais.
James Braddock, Chuck Norris lui-même, et la Cannon, tout le monde touche le fond, avec cet ultime opus. En même temps, quand on voit dès le générique que le réalisateur est Aaron Norris, le scénariste Chuck Norris, et les producteurs, messieurs Golan et Globus, on pouvait s'attendre au pire.
Génial ! Au départ on se demande si ça va être aussi nul tout le long, mais en faite, super introduction quand on y repense. On voit les acteurs blasés par la série qu'il font tellement elle est ridicule, mais le pire c'est que des extraterrestres les adules ! Bref, un pure délire avec des acteurs parfait !
Au XVIIIe siècle, Marianne, jeune peintre, est engagée pour réaliser le portrait d’Héloïse, promise à un homme qu'elle ne connait pas et à qui le portrait doit être envoyé. Les superlatifs se bousculent pour dire la charge émotionnelle portée par ce film. La beauté et la délicatesse sont partout. Dans la photographie d'abord. Majesté des paysages baignés de lumière, harmonie des couleurs, mystère des intérieurs d'une grande simplicité tamisée, éclairage des visages, des regards et des corps. Dans la mise en scène ensuite, à la fois vive et en retenue, qui montre et laisse deviner. Dans les dialogues aussi qui en peu de mots, simples et subtils, disent tout. Dans les silences et les sons, du frottement du fusain sur le papier, aux crépitements du feu des cheminées jusqu'aux rythmes des respirations. Dans la fluidité du récit astucieux qui ne découvre pas tout et laisse volontiers imaginer, deviner. Dans la tonalité d'un clavecin qui ne joue que quelques notes éparpillées d'une mystérieuse musique qu'on reconnait pourtant. Dans un "je ne sais pas" qui dit précisément le "je ne sais pas" qu'il veut dire. Dans le pinceau qui dévoile la texture d'une peau, les traits d'un visage, la colère d'un regard. Dans l'interprétation de Luana Bajrami, touchant oiseau tombé du nid et combattante. Dans celle de Valeria Golino, dont le regard perdu et la voix voilée portent merveilleusement le spleen de son personnage. Dans le duo fusionnel formé par Adèle Haenel intense et Noémie Merland touchée par la grâce. Par les sujets abordés, de la condition des femmes, qu'elles soit bien nées, bonnes ou artistes, de la création, fragilité et puissance de l'artiste et de celles de son modèle, de la naissance d'un amour guidant vers l'émancipation. De la portée du souvenir. Tout est délicatesse et beauté, jusqu'à ce titre merveilleusement romanesque : "Portrait de la jeune fille en feu".
Manque d'originalité, du vu et revu. Le réalisateur n'exprime pas assez son titre qui méritait mieux...
Film plein de fraicheur, d'innocence, qui donne le sourire. Une bonne comédie romantique "adulte" et simple. On ne retrouve aucune niaiseries et clichés souvent utilisés dans ce style de film. Le duo à l'écran, assez surprenant marche très bien et on y croit! Les scénarios sont actuels, modernes Le film représente assez bien la jeunesse aujourd'hui et son fonctionnement post-diplôme. Une grande bouffée d'air frais et un hymne à l'amitié et le romantisme!
Ce thriller trouble se mue rapidement en réflexion philosophique. Comment vivre le moins mal ? En suivant la voie de Cutter le fou ou celle de Bone le trop sage ? Entre eux survit une femme, lasse et lumineuse, que Lisa Eichhorn transforme en personnage de tragédie. Jusqu’au dénouement, entre cauchemar et paranoïa, la vérité se dérobe. Le film reste mystérieux, presque voluptueux dans la sourde angoisse qu’il diffuse. On est frappé par la sensibilité d’Ivan Passer, son intelligence à peindre l’Amérique comme elle n’a jamais aimé se voir : une terre sans pitié pour ses enfants sans défense.
Ce n'est pas à un vieux réalisateur de nanars télévisuels que l'on va apprendre à faire la grimace. Le très prolifique Fred Olen Ray signe un film de guerre avec l'inénarrable Steven Seagal pris au piège dans un village quelconque d'Afghanistan encerclé par des talibans. Arrêtons nous un instant sur Steven Seagal. Là, ce n'est pas possible. Moi qui pensais que les soldats américains étaient tous beaux et athlétiques, ça fait peur à voir. Seagal ressemble moins à un GI qu'à une sorte de fusion entre Obélix et Bud Spencer. Casquette à l'envers vissée sur le crâne, lunettes de soleil, bouc, il est méconnaissable. Et chaque déplacement lui semble terriblement douloureux. Déjà qu'on ne le voit que vingt minutes mais en plus de ça, quand il ouvre la bouche, c'est pour l'entendre baragouiner des généralités sur la guerre. Et quand il se lève, c'est pour marcher à deux à l'heure comme un vieillard nonagénaire. Le cas Seagal expédié et sans aucun intérêt, il faut se farcir d'interminables scènes de fusillades où les djihadistes à la queue leu leu et jamais plus d'un dans le champ tombent sous les balles de soldats américains certes moins bouffis que Seagal mais ressemblant comme deux gouttes d'eau à des paysans du Kentucky. A aucun moment, on ne voit l'impact des balles. A aucun moment, on ne voit du sang gicler. Les explosions sont misérables. Il n'y a que deux ou trois décors à tout casser. En fait, c'est un film fauché de partout. Manque d'argent. Manque de talent. Une ex-star de film d'action qui a abdiqué. Joli cocktail.
Ennuyeux, maniéré, et surtout ridicule. Le début, les premières minutes, est prometteur. On croit qu’on va voir un grand film. Il n’en est rien. On s’embraque dans une histoire de rien du tout… Un attrape-nigaud.
Bon, c'est vrai que ça sentait pas très bon à première vue, mais l'appel des nouveaux implants capillaires de Nicolas Cage (ici en chanteur de Nickelback) a été le plus fort. Mais bon, à part ça : ouille que ça pique aux yeux ! Les dix premières minutes suffisent à poser les bases : un fantastique de pacotille brodé par une intrigue brouillonne durant laquelle on voit pleins de gars se balancer des boules de feux ; mais aussi des très risibles « Horvath, tu m'as trahi ! » lâchés sur un simple regard par un Merlin (oui oui, il est là...) à la voix de golgoth, le tout sur fond d'une Monica Belucci qui ne fera qu'une brève apparition juste le temps de se faire emprisonner dans une « gigogne » (oui, c'est un mot que j'ai découvert moi aussi, mais il faudra s'y faire : le film regorgeant de « rends-moi la poupée gigogne ! ») Si malgré tout une once d'envie subsiste en vous, sachez qu'à cela s'enchaîne une magnifique ambiance teenage-Disney-guimauve en plein New-York avec un gamin à baffer... Mais je vous vois venir... En fait c'est peut-être ce que vous cherchiez : du ringard à gogo pour vous poêler entre potes devant un gros nanar ? Bon, alors si c'est dans ce cas de figure là - et SEULEMENT dans ce cas de figure précis - "l'apprenti sorcier" peut valoir le déplacement. Entre les mimiques minables de Jay Baruchel, Alfred Molina qui se risque à une imitation de Ribery, des kamehamehas en veux-tu en voilà (attention spoiler : attendez-vous à un kameha-mitraillette qui vaut son pesant d’or à la fin), des propos à double-entrée à la pelle comme « fais confiance en ton anneau » ou « j’ai envie d'aller un peu plus loin ( sourire salasse) », le film réserve son lot de sourire et de fous rires. Mais bon, ne nous leurrons pas, seuls les détenteurs d'une carte illimitée sauront apprécier le plaisir de l'autodérision, car payer pour voir une telle immondice de guimauve et de bien-pensance, plutôt voir ma tronche peinte sur un vase aux côtés de celui de Nicolas Cage himself...
Ce film est horrible... la seule chose qui est bien dedans, c'est qu'il fait rire par ses effets spéciaux de folies et ses faux raccords trop souvent présents !! Je conseille de le regarder quand même (à plusieurs) , mais juste pour bien rigoler :)
Pur produit commercial, d'une rare médiocrité et qui utilise Clint Eastwood dans le seul but d'appâter le chaland.
C’est une famille unie dans une ferme isolée de l’Afrique du sud blanche et dévote. Un père, une mère, un fils, trois filles. Un jour, un nouvel enfant fait son arrivée. Il s’appelle Pieter, il a le même âge que Janno, le fils jusqu’alors unique. Abandonné par ses parents, il a vécu une enfance douloureuse et solitaire. La cohabitation entre les deux adolescents s’annonce difficile. Les Moissonneurs nous fait voyager dans un monde exotique : la province sud-africaine du Free State, ses hauts plateaux, ses immenses champs de blé. C’est le bastion des boers, ces colons blancs installés dans ce bout du monde depuis plusieurs siècles. La fin de l’apartheid les a privés de leur pouvoir mais n’a guère modifié leur mode de vie et leur isolement. Le Free Stateserait dit-on la région du monde comptant le plus grand nombre de pratiquants fervents. Le premier film de Etienne Kallos restitue l’atmosphère hors du temps de cette communauté. Sans le téléphone portable qu’utilise une seule fois Jan, le père de famille, on se serait cru cinquante ans plus tôt, dans un monde sans ordinateur, sans télévision. L’arrivée de Pieter met à mal le clan familial. L’adolescent, narco-dépendant, est particulièrement violent. Son irruption provoque le dévoilement de secrets jusque là étouffés. Il révèle au spectateur le pacte sur lequel est construit sa famille d’accueil. Sa relation avec Janno, qui combat des pulsions homosexuelles inavouables, est un mélange complexe de rivalité et d’attirance mutuelle. Si Les Moissonneurs nous plonge dans une ambiance déroutante, son scénario trop pauvre ne réussit pas à maintenir l’intérêt sur la durée. Dommage…
Pour la bande son on peut ne pas aimer Dépêche Mode, version fin des années 80, époque où se passe le film. Moi j'aime, comme j'aime ce film un peu adolescent. Les adultes semblent avoir renoncé à la vie. Le point de vue du film est très subjectif. Il semble être filmé de l'intérieur. C'est comme si nous étions dans la tête de l'héroïne, bouleversée et submergée par ses hormones. Aveuglée par une rivalité mal gérée avec sa mère (trop belle), mais encore dans les brumes de l'enfance, incapable d'avoir un jugement personnel sur ses proches. Elle se rend compte de la réalité de la situation vers la fin du film (et nous aussi par le fait) alors que tous les autres personnages semblent être au courant. C'est un film à voir. Isabelle EC
Des personnages finement gratinés pour un scénario subtil, au délicieux arrière-goût de théâtre de boulevard... Dans l'espace exigu de cet ESCALIER C, la folie n'est pas loin ! Folie douce ou véritable hystérie, une manière aussi sagace que réjouissante de traiter le contexte social préoccupant d'une époque, servi par des acteurs épatants : Robin Renucci, Jean-Pierre Bacri, Jacques Bonnaffé, Catherine Frot.
Bien que légèrement inférieur par rapport à l’exceptionnel premier opus, « La secte du lotus blanc » s’avère un très grand film du cinéma d’arts-martiaux grâce à ses séquences de combats ingénieux spectaculaires et aussi pour son humour très présent tout au long du long métrage. Jet Li campe avec talent le rôle principal, les décors sont grandioses et le scénario ne manque pas de rebondissements. Une suite qui s’avère donc totalement recommandable.
Un documentaire passionnant sur la conquête spatiale et l'histoire émouvante de ce petit singe envoyé dans l'espace.
Très mauvais ! Des gros plans, de la caméra qui tremble, des mini-accélérations répétitives, on sent que le caméra-man s'est amusé à filmer n'importe comment et à faire des petits effets pour combler le manque d'action et les mauvaises prises de vue. L'environnement, les tenues et l'équipement des soldats sont bons. Même les acteurs sont suffisamment bons. C'est la réalisation et les caméras qui foutent en l'air l'intrigue par les mauvais plans et et l'utilisation abusive de la caméra à l'épaule. Indigeste !