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Des que l'action commence véritablement Cela ne s'arrête pas c'est constamment Ca ma donné mal au crâne limite... C'est trop bien fait des effets réalistes a couper le souffle... Epoustouflant...
Les recettes du cinéaste iranien Asghar Farhadi ont de plus en plus de mal à prendre. Le choix de filmer dans un cadre ibérique n’y change pas grand-chose, le réalisateur semble avoir perdu beaucoup de son imagination. Son film précédent (« Le Client ») paraissait déjà bien fade si on le comparait aux grandes réussites que furent « Le Passé » et, bien plus encore, « La Séparation » (2011), un chef d’œuvre acclamé pour de justes raisons. Aujourd’hui, malheureusement, avec ce nouvel opus qui a été élu comme film d’ouverture du festival de Cannes, Asghar Farhadi risque de faire sombrer les spectateurs dans un irrépressible ennui. Ni le casting 3 étoiles (Penelope Cruz, Javier Bardem, Ricardo Darin) ni le cadre hispanique, plutôt bien choisi, ne suffisent à séduire. L’histoire de la disparition d’une adolescente au cours d’un repas de noce, disparition dont on apprend vite qu’elle est la conséquence d’un enlèvement, devrait, en toute logique, provoquer de l’intérêt, sinon de la passion, et de l’émotion. Mais il n’en est rien. Les protagonistes débattent interminablement sur ce qu’il convient de faire, se perdent en atermoiements et en hésitations, et nous barbent ! Certes, une révélation, en milieu de film, cherche à en relancer l’intérêt. Mais c’est peine perdue, la révélation en question n’ayant rien que de très prévisible. Et le thriller psychologique se contente à nouveau de s’enliser dans du bavardage. Bien peu palpitant, tout ça !
Excellent film, je me suis senti très vite habité dans ce film sur la chine et les ravages psychologiques qu'elle peut causer. Je trouve le film très réaliste autant sur les décors que sur l'aspect des acteurs. Au début du film on souffre pour cette femme qui vit seul avec sa fille, et ensuite on souffre pour ce père revenu. Vraiment, c'est ma belle surprise de l'année. Allez le voir, il vaut le coup
"et si je parle" n'est pas un produit de pure consommation. Au dela des images au grain parfois difficile à supporter, ce film nous fait réfléchir sur la communication, sur le couple et sur la société. Et si les dialogues semblent insupportables à certains, c'est peut être parce que c'est notre quotidien qui nous est renvoyé, ces phrase courtes sans lien avec l'autre, n'est ce pas la majorité de ce que nous prononçons dans une journée ? Ce film ne rentre pas dans les cases bien labéllisées des productions habituelles, ce n'est pas du pré formatté, du pré-maché, il faut réfléchir aux images qui nous sont montrées. Et ça fait du bien. Pierre Cradlux
Si l'on ne reconnaît pas forcément la patte d'Elia Kazan durant toute toute la durée du film, "Le Dernier nabab" n'en demeure pas moins l'un de ses films qui arrivent à vous marquer durablement, réussissant même à se faire envoutant par moment. Mais n'allez surtout pas croire que l'oeuvre se limite à un simple exercice de style sans fond. Bien au contraire, le milieu du cinéma décrit par Kazan arrive à se faire passionnant, désabusé certes mais qui n'en demeure pas moins fascinante. A ce titre, le personnage de Robert De Niro, inspiré du grand producteur Irving Thalberg, s'avère tout aussi passionnant car aussi touchant parfois que presque cruel à d'autres, ne nous laissant jamais de sentiments bien tranchés à son égard. Le réalisateur va même jusqu'à s'offrir quelques scènes évoquant La Nouvelle Vague, à l'image de la relation entre Stahr et son amie, totalement inattendu et dont l'élégance nous laisse pantois. Et même si l'ensemble n'est pas sans quelques longueurs et que l'on pourra toujours émettre de ci de là quelques réserves, la réussite n'en demeure pas moins au rendez-vous. Beau et marquant.
Un film qui n'a pas l'air d'être trés apprecié mais que j'ai trouvé extrêmement prenant,doté d'un suspens en béton.Le seul bémol de ce film réside en sa scéne finale,tellement simpliste qu'elle en devient enfantine.Mais à part cela,l'ambiance angoissante et le suspens tiennent en haleine jusqu'au bout et les acteurs sont trés bon,en particulier Dustin Hoffman et Samuel L. Jackson.Les effets spéciaux,les images et les effets sonores sont réussis.Un film que je trouve sous-estimé.
D'une extrême lenteur, le film essaie de décrire ce que sera la vie de personnes ayant vécu un choc terrible. Malheureusement, le tout reste très superficiel et franchement ennuyant à regarder.
Si le tremblement de terre et le tsunami sont traités de manière elliptique, ce sont davantage les ravages sur la communauté d'une petite bourgade artificiellement scindée en deux que ce film intimiste et universel, doux et violent ausculte sur un mode opératique qui donne naissance à de nombreuses scènes émouvantes et dévastatrices comme autant de tableaux où trois couples errent dans les décombres et les ruines. Il est très intéressant pour nous Occidentaux de voir l'attitude fataliste et résignée des japonais, qui agissent avec une dignité et un courage exemplaires. Le film montre aussi comment la promesse d'une nouvelle vie doit être accomplie, y compris dans l'exil sans espoir de retour et la séparation définitive. Avec infiniment de délicatesse et de mélancolie, le film véhicule un tsunami d'émotions et de sensations, sans recherche d'effets. Le dérèglement des vies bousculées et les phobies qu'il fait naitre n'ont pas besoin de tapage ni de grandiloquence. La beauté paradoxale de paysages sépulcraux et désertés contribue au lyrisme poignant de l'ensemble, porté par le concours de personnages forts et attachants.
Il faut rendre justice à ce film qui soulève de nombreuses questions pourvu que l'on veuille se les poser avec le réalisateur ( décision d'un jury, confiance en l'individu, en ses proches, a priori social, "ethnique" , bonté , duplicité, doute, amour passion ou conjugal ...) qui le fait à travers un récit exemplaire , touchant , teinté d'humour , où Raimu excelle en face de M. Morgan séduisante dans une situation qui préfigure Théorème de Pasolini. Noir et blanc , ambiance petite bourgeoise et mise en scène d'époque, agréablement surannées; questions intemporelles .
Dans la veine de winnie l'ourson au niveau de l'animation comme du ton, le petit corbeau touche parfaitement sa cible des 3-6 ans. C'est juste moralisant comme il faut, rigolo, pas trop gnan-gnan. Mes filles de 3 et 5 ans ont beaucoup aimé et je me suis bien moins ennuyé que parfois en les accompagnant. Vous pouvez y aller avec plaisir.
"Les contes de Canterbury" est, comme son nom l'indique, une compilation de contes médiévaux. Ils ont néanmoins tous un point commun: ils tournent tous autour du sexe. Attendez-vous à beaucoup de plans de nus, de scènes grivoises, etc. On est au début des années 70 et le cinéma de l'époque n'avait pas froid aux yeux. Dommage cependant, que les contes en question soient si creux, vides de substances, sans chutes ni subtilités. Le plaisir visuel est satisfait (héhéhéhé) mais pour le reste... L'inspiration n'est pas au rendez-vous mais scènes de débauche, sans fond, finissent par lasser. Pier Paolo Pasolini a choisit la voie de la facilité et non celle de la qualité.
Waoouh je me suis marré comme un dingue! Je suis passé voir ce film avec un ami pendant le fête du cinéma sans savoir réellement ce que nous allions découvrir et franchement je le conseille vivement. Alors oui on est loin des films d'actions à plusieurs millions de dollars, mais que c'est frais et léger avec somme toute une histoire émouvante mais rempli de gags du début à la fin! Pour des "amateurs" je dis juste bravo à tout le monde! Seul inconvénient, sa diffusion, j'en ai parlé à quelques amis qui étaient intéressés de le découvrir mais il semble qu'il n'est pas diffusé partout... si il repasse par chez moi je ferais de la pub c'est certain!
Cecil B. DeMille s’auto-remake, après une première version en 1923, il en réalise une deuxième, tout en couleurs cette fois-ci, avec des moyens conséquents, voir démentiels !! Véritable chef d’œuvre épique en technicolor, dans des décors en plâtre somptueux et dantesques (représentant l’Egypte et le Sinaï) et filmé en transparence (pour une très grande partie des scènes). Ajoutez à cela, des SFX impressionnants et très beaux visuellement, aux côtés d’un casting riche en têtes d’affiche, avec dans les rôles titre, Charlton Heston, Yul Brynner, Anne Baxter & Vincent Price ! Les Dix commandements (1955) est une œuvre majeure dans l’Histoire Hollywoodienne, très fidèle, on y apprend un maximum de choses et on en ressort, au bout de ces 3h40, avec des images plein la tête et sûr d’y avoir appris beaucoup de choses sur le prophète Moïse et tout ce qui s’en rapproche. Une fresque ahurissante, un spectacle vivant d’une beauté visuelle qui, cinquante ans plus tard, n’en finit pas de surprendre et d’émerveiller !
L'Homme araignée, le tous premier film consacrée a Spider-Man. Honnêtement le film a une histoire un peu pourave, les acteurs sont pas top et le film est très très kitsch, et les effets spéciaux sont moche, mais le tout est tellement pouri que sa en devient un peu (un tout petit peu ) drôle.
Le réalisateur excelle à dépeindre ce mélange paradoxal de combativité, découragement, solidarité et peur, qui atteint un microcosme représentatif de la résistance polonaise. La tonalité tant naturaliste que surréaliste est saisissante, et un superbe noir et blanc crée à merveille une sensation d’étouffement dans les séquences d'égout. Wajda ne cherche pas les effets : si la partition musicale est d’un beau lyrisme expressionniste, elle ne surligne jamais l’action ; si les drames individuels rejoignent le malheur collectif, jamais la mise en scène ne verse dans le misérabilisme et l’émotion facile. Wajda est également subtil dans ses métaphores politiques : la dislocation des membres qui se perdent dans les égouts symbolise la déstabilisation de l’unité nationale, et l’inactivité des Soviétiques, jamais évoquée explicitement, n’en est que plus évidente. "Kanal" se situe esthétiquement entre classicisme et modernité, et évite deux écueils d’un certain cinéma d’Europe de l’Est de l’époque : la rhétorique héroïque et le manichéisme inhérent au réalisme socialiste.
Du dèjà vu à l'amèricaine sauf que "Captifs" est un survival à la française, accompagnè d'une ambiance poisseuse et angoissante dans la droite lignèe de "Hostel". La grande force du cinèma de genre, celle qui en fait une forme d'art à part, est de pouvoir se baser sur des postulats irrèalistes et tendus du slip, pour parler en filigrane des sujets les plus sèrieux qui soient comme le thème de l'enlèvement! A ce titre, le film de Yann Gozlan n'est pas un cas d'ècole dont l'originalitè n'est pas de mise! Très conventionnel et très français, "Captifs" n'est ni plus ni moins qu'un ènième film de genre (bien avant, il y eut "Turistas" et "Hostel") où les tortionnaires serbes sentent le rèchauffè à plein nez! Et si la mise en scène est classique avec un final vite expèdiè, le rèalisateur signe tout de même une, voir deux bonnes scènes, comme cette course-poursuite dans un champs de maïs! Quelques regrets cependant car Zoè Fèlix est vraiment bien, même si cette dernière arrive toujours à se sortir de situations critiques et invraisemblables...
Avec son intrigue dénoncant les groupes d'influence & les alliances excessives, on ne peut être que séduit par un thriller tout en nuances à la fin magistrale, - en dépit d'il est vrai plusieurs blancs inutiles -: Classique.
Il est un peu compliqué de tourner un film sous format documentaire d'autant plus quand le sujet est la vie d'actrice et que par définition les femmes filmées sont réellement des actrices mais jouent un rôle... on s'y perd un peu, on ne sais plus quoi penser de telles ou telle actrice, est-ce un rôle, ou est ce la réalité?
Voilà un très grand film signé Kiarostami. "Close up" est un film ambitieux, émouvant et intelligent, que demander de plus ? Il entame une réflexion très intéressante sur l'artiste : qu'est ce qu'un artiste? Comment imiter l'artiste? Mais également, quels sont les priviléges de la vie d'un artiste? Ou encore, Qu'elle est la différence entre la réalité et la fiction? Tout le film converge vers l'idée que cet homme s'est laissé emporter par la fiction au détriement de la réalité et va ainsi devoir payer pour cela. Morale bien simpliste et bien cruelle que la fin vient du film vient renverser entièrement avec une grande subtilité. Le personnage principal devient ami avec Sabzian et au final celui ci a tout gagné : le respect, des amis, et quelques instants de bonheur. "Close up" apparait également comme une critique subtile de la situation actuelle en Iran. La censure est évoquée de manière intelligente mais également le chomage, le manque de respect pour la population... Ce film apparait donc incontestablement comme très complet. La mise en scène est de grande qualité. Les plans sont esthétiquement très aboutis, la gestion du mouvement est plus que satisfaisante et même originale. Mention spéciale au jeu d'acteur, particulièrement abouti dans un domaine artistique. Kiarostami est donc très inspiré par cette histoire et cela se ressent tout au long du film. Pas une scène de trop, aucun faux pas du début à la fin. Une qualité artistique inestimable. Excellent film, à voir absolument.
Luis Bunuel fait là un film dans la plus pure tradition Nouvelle Vague : une histoire aux introspections psychologiques, des dialogues calculés à la virgule et aux messages virulents. Au final "Belle de jour" est le conte onirique d'une femme traditionelle des années 60 qui refoule une émancipation pourtant tant souhaitée. Ce refoulement explique les visions et les rêves sado-masochiste de la femme. Elle se voit humiliée, fouettée, utilisée, veuve... Derrière son visage et son caractére timide, le personnage de Catherine Deneuve est en fait une devérgondée qui n'a pas peur des expériences. Le film souffre cependant d'instants trop confut. Le cheminement cyclique qu'il nous affiche à la fin, nous laisse pantois et victime de question encore à vif à la fin du film. Cependant ce mystére filmique fait de "Belle de jour" un bon film de la Nouvelle Vague qui se regarde avec plaisir et avec intelligence. Bunuel ne prend pas son public pour un débile et lui propose un voyage dans les méandres infinis d'une femme au foyer. En conclusion : on aime parce que l'histoire se suit avec aisance et garde cette part de mystére qui fait qu'on a envie de le revoir.
Au final un film intéressant, c'est joli et plutôt bien joué, mais les personnages de l'histoire ne sont pas intéressants et manque clairement de profondeur pour qu'on s'y accroche. Un petit film qui part trop dans tout les sens en oubliant l'essentiel (une histoire.. des sentiments).
Après le succès de "Tenue de soirée" (1986) Blier fils retrouve son acteur Gérard Depardieu pour une histoire d'adultère qui pourrait être banale... Mais non car Blier a de l'idée et ose la disgression d'un postulat tout bête pourtant, combien d'adultères se commettent avec un partenaire moins "beau" ou moins séduisant que le conjoint officiel ?!... En en conclusion de démontrer que l'amour physique n'est pas toujouts en osmose avec les sentiments... Depardieu en chef d'entreprise a tout dont une femme magnifique (César à la clef pour Carole Bouquet) qu'il aime mais le trompe bientôt avec sa secrétaire (Josiane Balasko dans l'un de ses meilleurs rôles), une femme au physsique passe partout et un peu ronde... Le cynisme de Blier va alors sortir des bouches de ses interprètes, mais un cynisme qui reflète la pensée réelle qu'on s'imagine mais qu'on ose pas penser. On jubile devant l'épouse qui a honte d'être cocue par "ça" où la magnifique scène du diner où le mari-amant s'explique en démontrant la différence entre faire l'amour et donner de l'amour. Il manque sans doute un peu plus de passion et la musique, certe très belle, est parfois trop omniprésente. Cependant ce film (César du meilleur film, actrice, scénario, réal et montage !) est une histoire d'amour qui remet les pendules à l'heure et libère une certaine idée trop répandue que la chair et les sentiments ne vont pas l'un sans l'autre.
C'est laid, pas vraiment bien joué et peu attrayant. Des effets pourris pour une histoire pas mieux et des acteurs insignifiants.
Petit bijoux de l'animation traditionnelle de Disney, les Aristochats nous plonge dans un paris des années 1910. Bourré d'humour et de gags parfaitement chronométrés, le génie de Disney parodie John Wayne à travers un vieux chat de gouttière et Marilyn Monroe à l'image de la duchesse. Des personnages cultes comme Napoléon et Lafayette viennent combler le tout. Les Aristochats possède une ambiance Jazzy unique en son genre et quelques chansons classiques du style "everybody wants to be cat".
Un film sympathique fondé sur une histoire sympathique avec des étudiants sympathiques joués par des acteurs sympathiques. Entre humour et mélancolie, une bonne petite comédie.
Bon sujet, une fois n'est pas coutume... Hélas, et serait-on presque tenté de dire comme d'habitude, le traitement n'apparaît pas vraiment à la hauteur, et ce même si la sincérité (ce qui est toujours bon à prendre) de Stuart Townsend se fait ressentir à chaque instant. Et d'ailleurs, avouons-le : cela fonctionne un temps. L'oeuvre réussit un temps à trouver un rythme soutenu, le propos ayant au moins le mérite de rester toujours clair et accessible à tous, sans jamais trop s'éparpiller dans des sous-intrigues en général bien peu passionnantes. Mais à force de vouloir être sincère, Townsend en oublie quelque peu le cinéma... Le montage finit par se faire un peu épileptique, et le parti pris en faveur des militants en définitive lourd et bien peu convaincant (un comble!!). On retiendra alors bien quelques scènes réussies, mais tellement prises au milieu d'un pathos fort agaçant qu'on ne retient finalement presque que ça... Cela dit, ne soyons pas trop sévères car le film n'a au fond rien d'insoutenable, mais on était tout de même en droit d'attendre plus d'un film s'attaquant à un événement aussi important et intéressant. Dommage.
Un formidable western sur fond de révolution au Mexique. On suit avec un enthousiasme les aventures de Paco et sa bande qui s'évertuent à devenir des révolutionnaire tout en rechignant à abandonner le banditisme. Franco Nerro est quant à lui excellent en mercenaire aussi habile qu'amoral. La musique de Morricone et le talent du réalisateur Sergio Corbucci font le reste. Sans conteste l'un des plus grands westerns spaghetti et l'une des œuvres les plus exaltantes sur la révolution mexicaine.
comment peut-on aimer ces IM***, c'est de l'humour pour ID**, fait par des ID****. Je ne comprendrai jamais l'engouement pour les Beatles
Ce 3ème opus vient achever la saga... et quelle saga. Pierre Boulle serait fier de voir comment son roman a pu être retranscrit au cinéma. C'est du grand spectacle. Ce 3ème épisode montre la lutte finale entre les singes mené par César et un groupe militaire dissident mené par un homme qui ne comprend que la guerre. Ce film est le plus sombre des 3. L'esthétisme est parfait, les singes sont toujours aussi impressionnants de réalisme. On se confond à apprécier les singes plutôt que les humains qui se révèlent au final sans compassion ni amour. La fin m'a un peu laissé sur ma faim, j'aurai aimé voir autre chose... mais je n'en dit pas plus :) Bref : pour conclure une saga mythique où se mêlent des thèmes sociaux, politiques et familiaux. Matt Reeves a réussit tout ce que Tim Burton a échoué dans sa version.
Le plaisir d'écouter ce dialecte d'Italie, je crois que c'est vers Palerme, un petit hameau à coté de la ville ; des autochtones complétement primitifs. Le sexe semble la seule préoccupation des locaux, l'or aussi, le pèse quoi ... Si l'on veut faire une virée dans cette campagne italienne de la moitié du XXe siècle (je pense que ça se passe en 50/60 par là), alors on sera comblé. Je pense que les réalisateurs ne sont pas trop loin de la réalité... Perso j'ai bien aimé, en tout cas c'est une curiosité.
Film d'horreur zombiesque pour papis et mamies cardiaques.Aucune chance de sursauter.Pas de frissons non plus.
Un film raté principalement du fait de son manque de dynamique et sa longueur qui feront vite perdre au spectateur tout intérêt pour cette histoire peu original. Un super-vilain ridicule se battant (pendant des scènes d'action mal filmées) contre un gentil naïf et une jolie jeune fille pleine bons sentiments... ça sent le déjà vu! Les décors sont jolis, mais ça ne donne à ce nanar asiatique le mérite de s'y attarder.
Franchement que dire si ce n'est que l'on sort de ce Mission Impossible épuisé, lessivé comme si l'on habitait le personne de Ethan Hunt mais surtout conquis. L'aventure est archi rythmée, le scénario se veut un peu compliqué mais il se suit aisément, on est plongé au coeur de l'histoire, le suspens est mémorable. Il comporte évidemment son lot d'incohérences ou plutôt d'actions franchement irréalistes mais cela ne gâche rien, de même que les 5 dernières minutes qui sont un peu une plongée au coeur du monde des bisounours. Ce mission impossible est un grand moment de bravoure de 2h, avec en point d'orgue évidemment la cascade sur la plus haute tour du monde à Dubaï, sans effet spéciaux et réellement vertigineuse. Mission impossible est un vrai film de fan, dans la lignée du 1er épisode avec la touche d'action des 2ème et 3ème, bref un condensé de ce qu'il s'est fait de mieux dans chacun de ces films pour un résultat plus qu'abouti.
Après "The Player" et "Short Cuts", Robert Altman livre une nouvelle fresque dont il a le secret! Prenant cette fois pour cible le milieu de la mode et tournè à Paris en mars 1994 au moment de la prèsentation des collections automne-hiver, il combine d'authentiques dèfilès aux pèripèties fantaisistes d'un scènario au vitriol! Son casting èblouissant, de Sophia Loren à Marcello Mastroianni, en passant par Lauren Bacall, Julia Roberts et Jean Rochefort, rèunit stars de cinèma et vedettes de la mode parisienne, mannequins et crèateurs tels que Thierry Mugler ou Jean-Paul Gautier! A travers une galerie de portraits caricaturaux, il dènonce l'hypocrisie et le narcissisme d'un microcosme obsèdè par les apparences, et il èvoque le rôle social du vêtement qui rèvèle autant qu'il cache! D'où le pied-de-nez de la sèquence finale au cours de laquelle une styliste dèpossèdèe de son entreprise fait dèfiler ses modèles dans le plus simple appareil! il fallait oser! Tous se sont donc prêtès au jeu de cette farce caustique qui raille les travers d'un univers impitoyable hantè par le paraître! Ce "Prêt-à-porter" reste tout de même un film mineur d'Altman...
merveilleux,quel univers fantastique avec cette bande sortie de nulle part et qui nous enchante. je me suis régalé,du cinéma comme on l'aime.