CATIE-AQ/allocine_clean huggingface dataset:
+Très beau, très esthétique. +Les rapports sociaux et les dominations sont bien illustrées (rapport entre commanditaire-mécène et artiste, entre les maîtres de maison et le personnel-boniche, entre le maître et la disciple...). +Sont évoquées aussi les minorités religieuses et leur vulnérabilité (ici, vu les coutumes et paroles, plus vraisemblablement une Juive qu'une Protestante). -Scarlett a un bon jeu, mais il est dommage que sa sensualité - hors de propos - vienne parasiter la moitié du film. -De plus, dans le tableau de Vermeer, il me semble bien que c'était une fille brunette et moins charnue que la grande fille pulpeuse et incendiaire figurée par Johansson.
Remplacez le nom d'Ed Wood par celui de Luis Bunuel ou David Lynch (admettons qu'il s'agisse de son père) et vous pouvez être sûr que les trois quarts des spectateurs diront qu'il s'agit d'un des plus grands films de l'histoire du cinéma et blablabla... Seulement voilà, tous ont vu le petit travail de Tim Burton et se moquent lâchement (et pire que tout, sans savoir pourquoi) d'un des réalisateurs désormais emblématique de la série Z, se pliant à cette absurde hiérarchie établie par le consensus. Je persiste et signe : "Glen ou Glenda" n'a absolument rien à avoir avec un "Plan 9 from outer space", petite bouse amusante bricolée dans des conditions particulières et qui ne mérite pas au passage le statut de "pire film" patati patata... Disons qu'il était commun... Celui-ci est à l'inverse complètement hors-norme, commençant comme une sorte d'essai néoréaliste (hem, hem) pour virer vers la dissertation d'auteur convaincu de ce qu'il dit et enfin plonger dans le fantasme surréaliste encore plus délirant qu'à l'habitude dans la mesure où les raccords absolument pitoyables (euphémisme), en fait la technique en général donnent un charme fou à cet OVNI incompréhensible. En somme, ce qui rend "Glen ou Glenda" si fort, si puissant, c'est qu'il s'agisse d'un nanar complètement disproportionné qui avait à la base de véritables prétentions artistiques, voire sociologiques. Ce qui le rend si drôle, c'est qu'il n'avait aucun aspect du film de genre pourri que l'on voit venir à dix kilomètres. Donc oui Ed Wood surprend et déroute, oui on ne sait jamais où il veut en venir (et je ne sais toujours pas malgré le recul) et oui on reste cloué à son siège lorsque Bela Lugosi prononce ses prophéties. Au final, on peut diviser cette oeuvre en trois parties : une première amusante, une deuxième hilarante et une troisième ennuyante. Mais ce que je peux vous jurer, c'est que des films comme ça se comptent sur les doigts d'une main et qu'il serait littéralement criminel de passer à côté !
Superbe comédie américaine des années 40 au point d'en être presque un modèle classique.En effet, Leisen est avant tout un décorateur soigné mais pas un grand cinéaste et ici il a les 2 talents.La raison est facile à trouver:Billy Wilder apparait dans le scénario et il est visible qu'il a participé au tournage;ce qui montre l'importance du script et de la qualité de l'interprétation des comédiens dans ce type de film.Claudette Colbert et John Barrymore étant au dessus du lot.Il y a de nombreuses sequences vraiment originales comme la meute de taxis bloquant le Ritz ou Don Ameche plongeant un blaireau dans la carafe d'eau du président d'un tribunal français.
Un film en forme de thriller d'assises qui se laisse regarder tant par un scénario qui tient la toute . Réalisation Plate sans relief et un Harrison Ford académique , limite statique . Certes des rebondissements mais un peu téléphonés ! Même la fin !
Classique du genre, 2000 Maniacs se voit tyrannisé par ce remake risible. J'aime le Z qui tâche mais là, c'est même pas drôle. je me suis bien emmerdé.
Depuis de nombreuses décennies, le cinéma français nous offre la possibilité croissante d'élargir notre éventail de choix parmi le genre qu'il a coutume de courtiser le plus dans son histoire, à savoir la bonne vieille comédie populaire. Certaines sont devenues des classiques, d'autres de très bons films, où les plus modestes d'entre eux finissent par mourir malencontreusement dans l'ignorance du temps; et pour les derniers enfin, des ratés artistiques ayant, ou n'ayant pas, connus le succès dans les salles obscures. Les Sous-doués fait partie de ces longs métrages dont l'incroyable recette au box-office fait encore sourire aujourd'hui. Le scénario est tout ce qu'il y a de plus croustillant pour engager une série de gags et tenir ainsi la petite heure et demi qu'il s'est largement fixé. En bref, des étudiants stupides essayant d'obtenir le baccalauréat déclenchent tout un tas de péripéties, toutes plus invraisemblables les unes que les autres, pour tenter de faire avancer la trame décidemment bien mince. Certes, beaucoup de réalisations partant du même point de départ, aux allures quasiment identiques de teen movie, ont réussies le même enjeu. Lequel ? Faire rire et passer un très bon moment. Or, le film de Claude Zidi, bien qu'il puisse encore faire sourire les nostalgiques, est de nos jours totalement désuet. L'humour est périmé, les personnages caricaturaux sont à la limite de devenir antipathiques, et le reste demeure du même acabit. Maria Pacôme peine à trouver de la crédibilité dans son rôle de proviseur, par un manque de cynisme et d'esprit corrosif qui lui serait beaucoup plus jouissif. Il en est de même pour Daniel Auteuil, où l'humour nous fait repenser instinctivement à celui des Charlots. Pourtant, cette ambiance dégage un sentiment plutôt accueillant de la part de cette petite troupe fort sympathique. Il peut nous arriver de sourire par compassion, mais non de sincérité. Sans être une grande comédie, Les Sous-doués est toutefois regardable, c'est tout.
Un superbe film d'aventures avec un grand A qui se situe dans la lignée des Trois Lanciers du Bengale et de Gunga Din, avec l'Inde pour décor exotique pour accueillir ces aventures mouvementées. Le film est traité un peu comme un western, les Indiens des Indes remplaçant les Peaux-Rouges, Tyrone Power peut y imposer sa prestance habituelle au sein de nombreuses péripéties. L'aspect spectaculaire a été choisi au détriment des problèmes causés par la colonisation britannique et le soulèvement de la population locale, thèmes traités de façon anecdotique, sans tenter d'en analyser les raisons profondes. Le principal est d'offrir au public un joli film soigné et distrayant qui fut aussi en 1953, avec La Tunique, l'une des premières réussites du procédé Cinemascope, et ce but est largement atteint.
Seulement sept films au compteur et pourtant, Anthony Minghella est très vite devenu une valeur sûr du 7ème Art, avec des films tel que Le Patient anglais (1997), Le Talentueux M. Ripley (2000) ou son dernier Par effraction (2007). Le cinéaste Anglais aura réussit à rentrer dans la légende, nous quittant cependant bien trop vite ! Avec Retour à Cold Mountain (2004), le cinéaste s’est inspiré du roman éponyme de Charles Frazier, véritable best-seller, la tâche allait s’avérer difficile, vu le contexte et les multiples contraintes. En pleine Guerre de Sécession, un homme et une femme fou amoureux l’un de l’autre, vont se jurer fidélité et mettront tout en œuvre pour se retrouver. La mise en scène, les couleurs, les cadrages, les décors, les costumes, tout a été fait en fonction du film, démesurés et impressionnants ! Une histoire d’amour puissante, portée par d’excellents comédiens, à commencer par le duo central : Jude Law & Nicole Kidman et à leur côté, une pléiade d’acteurs tous aussi talentueux : Renée Zellweger, Natalie Portman, Cillian Murphy, Philip Seymour Hoffman & Donald Sutherland. Une fresque romanesque passionnante de bout en bout, qui aura bien mérité ses 8 nominations aux Golden Globes 2004 et ses 7 nominations aux Oscars la même année !
Plein de chaleur et d'émotion, "Les Choristes" raconte une histoire simple mais le fait bien, tant grâce à la qualité de son écriture qu'à l'attachement que l'on porte aux différents personnages. Du très bon cinéma populaire.
Magnifique film et bien plus et au delà d'un documentaire! Le cinéaste et sa caméra nous emportent dans quatre moments artistiques filmés au coeur de la création artistique: " le chant, la danse, la photo, le théâtre". Beauté des visages, des voix, des corps, des plans, des ralentis dans les travellings ... la lumière et le son particulièrement bien orchestrés sont ici porteurs d'émotion et font de ce film un splendide hommage à l'Art sous toutes ses formes.
Ce film est beaucoup trop parti dans d’étranges délires pour moi. Ne vous attendez à aucune fin rationnelle.
Mauvais remake de shining... devient rapidement soporifique et chiant
Que dire de ce film? ah je sais c'est ennuyeux, très ennuyeux je vous laisse deviner la suite...
Bon, je dois avouer que ce film (?) m'a vite ennuyé car le millefeuille des thèmes abordés est pesant, décousu par moments, voire mal ficelé (rien ne nous éclaire sur les raisons du brusque changement d'approche du fils par rapport à la "religion"). A vrai dire, ce film (?) n'explore pas les raisons d'un mode de fonctionnement archaïque d'une société musulmane que l'on sent frustrée et inhibée, voire névrosée (sexe et religion) ... J'en retiendrai (était-ce là le propos du réalisateur ?) que la secousse du printemps arabe n'offre pas de réelles perspectives d'une évolution radicale ni à court ni à moyen terme. Bien déçu aussi que la question du port du foulard n'ait été posée qu'en terme de "c'est moche". Les questions de fond (dignité, respect et place de la femme) ne sont pas vraiment abordées. Ces deux portraits de femmes offrent un angle de vue mais n'y suffisent pas. On repassera.
Nannnn, ça ne décolle pas malgré un casting sympathique. Historiette tirée par les cheveux, qui manque de rebondissements et de saveurs dans les dialogues
Documentaire edifiant sur un moine boudhiste raciste et intolérant. Encore une fois, la religion engendre la haine, ici elle est dirigée contre les musulmans en Birmanie. Et ça se passe aujourd'hui. Surréaliste!!
bonjour le tome 2 et franchement trés décevant !!!!! rien a voir avec le premiers
Le film est d’une rare intelligence, comme toute l’oeuvre de son auteur (Entre les murs, Vers le Sud, L’Emploi du temps, Ressources humaines, etc.). Il a travaillé le scénario avec Robin Campillo, qui présentait en compétition officielle 120 battements par minute, sur l’action des militants d’Act up, film marquant qui a reçu le Grand prix du jury. Un groupe de jeunes de diverses origines se retrouve pour un atelier en plein été à la Ciotat, où Olivia, une écrivaine connue, leur propose d’écrire ensemble un roman. Les divergences apparaissent déjà lorsqu’il faut définir le lieu et le temps du récit : l’époque et le terrain du chantier naval disparu ou bien le port de plaisance. Antoine s’isole du groupe par des réflexions agressives et racistes. Il est fasciné par le virtuel, un jeu vidéo par lequel débute le film, un groupe menaçant qui véhicule des idées d’extrême droite… Sa confrontation avec Olivia et leur trouble réciproque fera le corps du film et se situe moins sur la langue que sur les idées. En fait, Antoine louvoie. Il s’ennuie. Il ne sait où trouver sa place dans un monde qui ne lui offre aucune perspective. Et ne trouve donc pas sa place non plus dans l’atelier. Et encore moins face à Olivia qui lui semble représenter « le système ». La violence n’est pas loin, comme un possible qui donne une tension au film, déjà renforcée par le scope qui intègre la lumière et l’espace des calanques. L’enjeu sera de la dépasser par un dialogue qui s’affirme avant tout comme une disposition d’esprit. (extrait du compte-rendu du festival de Cannes par Olivier Barlet sur le site d'Africultures)
Excellent Film français de divertissement Super rigolo Qui a lancé de Bon acteur français L histoire est super Avec la fin sur le pont du Gard Inoubliable
film completement nul ,si vous avez du temps a perdre je vous conseille de le voir !!!
GoldenEye ou comment ressusciter une franchise. Six ans après avoir laissé James Bond dans le très violent Permis de tuer avec Timothy Dalton, revoici notre agent secret dans une nouvelle aventure inédite. Premier Bond des années 90, premier avec Pierce Brosnan, GoldenEye joue la carte de la surenchère sur tous les points : des scènes d'action magistrales, un scénario complexe, des courses-poursuites dantesques, des James Bond girls plantureuses et un grand souffle de renouveau font de cette 16e aventure une des meilleures de la saga. Le réalisateur néo-zélandais Martin Campbell redonne un sacré coup de fouet à la franchise et s'entoure d'acteurs plus que charismatiques : Pierce Brosnan assure totalement son nouveau rôle principal, Sean Bean campe avec perfection son Némésis machiavélique tandis que les quasi-inconnues Famke Janssen et Izabella Scorupto interprètent deux James Bond girls du plus bel effet. Le scénario joue encore une fois sur la Guerre Froide ou plutôt sur ses séquelles, la fameuse Guerre étant terminée, et nous apercevons donc Bond confronté aux années 90. On retiendra bien sûr et surtout les scènes d'action mémorables comme la scène d'introduction, l'impressionnante fusillade entre Bond et les gardes d'Ourumov, la course-poursuite en tank dans les rues de Saint-Pétersbourg ou encore cette séquence culte où Xenia étouffe son partenaire entre ses cuisses. En bref, un retour plus que réussi pour James Bond qui, à travers un film d'action explosif, ne manque pas d'apporter au genre un nouveau souffle bienvenu. Mon épisode préféré de la saga.
Un titre pareil ne pouvant s’autoriser une conquête de la naïveté humaine, il était attendu de la part de ce documentaire une certaine fraicheur de fond qui n’aurait su se montrer incompatible avec l’indispensable récapitulatif de faits connus de tous. Aussi, si IN THE SHADOW OF THE MOON sait se montrer passionnant dans sa propension à relater les états d’âme et ressentis des protagonistes de la conquête spatiale de l’époque et de Apollo 11 en particulier (Neil Armstrong exclu, sa réputée discrétion n’ayant une nouvelle fois pas su se mettre en retrait), il est réellement dommageable de voir certaines digressions historiques s’étirer sur la longueur. La suite sur http://monboxoffice-3.skyrock.com
Un film long et ennuyeux sans grand interêt , si ce n'est sa curiosité .
Beaucoup de bons points (l'histoire et les dialogues, les acteurs, le montage du film...) pour ce film espagnol qui dégage une source de vérités. Et chapeau pour un premier film au style Almodovar !
Quand L'inspecteur s'emmêle est à coup sur le meilleur opus de toute la saga mettant en scène notre inspecteur-gaffeur préféré qu'est jacque Clouseau,toujours merveilleusement interprèté par le génialissime Peter Sellers!!!! Cette fois-ci,Clouseau est le personnage centrale de cette aventure et permet ainsi à Peter Sellers de montrer un grand nombre de point de caractère de son personnage, ce qu'il n'avait peut faire dans le film précédent!! Cet opus bénéficis en plus d'un très grand nombre d'éxellent personnages secondaires: on y découvre pour la première fois le fantastique Herbert Lome, jouant le drôlissime commissaire Dreffus!!! Quand l'inspecteur s'emmêle est un très grand classique de l'histoire du cinéma dépassant de très loin le film précédent!!! Un vrai chef d'oeuvre!!!!!!
Le départ attise la curiosité et les personnages sont assez bien travaillé mais l'ensemble perd vite pied et le récit ralentit de plus en plus pour devenir limite passif.
C'est sans aucun doute le meilleur film de Liliana Cavani! D'une autre envergure par rapport à ses premières oeuvres qui n'emportèrent pas l'adhèsion, "Portier de nuit" suscita de vives polèmiques en èvoquant magistralement les rapports sado-masochistes d'un officier SS et d'une dèportèe retrouvèe après sa libèration! Dirk Bogarde en serpent, Charlotte Rampling en victime fascinèe, deux comèdiens exceptionnels! Les critiques ètaient injustifièes: d'une part l'oeuvre s'imposait par la maîtrise de la rèalisation, d'autre part, si elle mettait l'accent sur la trouble fascination exercèe par le nazisme, elle n'entendait nullement exalter ce dernier, comme l'avaient prouvè les films tournès prècèdemment par Cavani par la tèlèvision! Ce grand film controversè est, depuis, devenu une icône...
Un film époustouflant de réalisme, de vie, de mort, d'amour, amitié, avec des acteurs exceptionnels , une mise en scène, un scénario et une musique au top ! Un film rare. 4.5/5
Harrison Ford ne savait pas que manier le fouet et piloter le faucon millenium. C'est aussi un acteur talentueux qui s'est engagé avec des auteurs matures, intelligents et capable du meilleur. Après "The Conversation" de Coppola, c'est Peter Weir qui l'adoube héros de son drame policier chez les Amish. Dans Witness, Peter Weir utilise la thématique du "regard témoin" et confronte deux mondes, celui de la ville et celui des amish, afin de mieux montrer les possibilités d'évolutions de l'individu en fonction du milieu où il se trouve et les dérives d'une société urbaine en proie à la violence et à la corruption. Dans la film, tout le monde, de l'auteur au spectateur est témoin de ce qui est raconté et c'est là qu'est la grande force du travail de Weir. Il invite à s'interroger tout en prenant plaisir à regarder une œuvre pleine de sens, de puissance, magistralement filmée et interprétée. Du grand art.
Les mots bleus est un film complètement raté. Un mélo psychologique mal interprété meme surjoué, une réalisation inexistante. Alain Corneau habitué des films noirs signe ici (malheureusement) un film hors de son élément...Dès les premières minutes on ne croit pas aux personnages et pas une seconde l'histoire parait interressante. On pense bien évidemment à la Petite Chartreuse mais sans poésie, sans inspiration, sans histoire, sans rien. Beaucoup de scènes sont risibles malgré elles nottament la fin. Les scènes dites "émouvantes" ne le sont pas et son en plus desservies par un montage catastrophique qui ne laisse meme pas le temps de reflechir ou de s'attacher aux personnages. On ne croit donc pas une seconde aux interprétations de Sylvie Testud et Sergi Lopez. La petite Camille Gauthier est très jolie et s'en sort honorablement. Film on ne peut plus décevant de la part de l'excellent Alain Corneau, aussitot vu, aussitot oublié.
Prévisible, mièvre, lent et ennuyeux, puis surtout plein d'incohérences et de clichés ! Forget it ! / Vergessen Sie diesen Film !
Mauvais film d'horreur (bien qu'il existe réellement pire) Devil Inside malgré un début assez prenant lasse rapidement car construit comme un reportage (genre de film que je n'apprécie pas particulièrement) ce qui fait que le style de Devil Inside limite le côté obscur et terrifiant d'un véritable film d'horreur. De plus les scènes de possession ont tendance à nous faire sourire et le ton de Devil Inside se prend un peu trop au sérieux sans avoir le talent nécessaire pour faire avaler la pilule.
Le début du film est magnifique mais,a partir du moment ou l'on voie un mec se faire bouffer par des loups, on se retrouve avec une histoire bizarre, sans vraiment de scénario et qui nous parle plus de théatre que de l' histoire meme.Encore un film qui n' aurait jamais du etre réalisé(ou du moins produit avec plus de soin).
Pas incontournable mais The Gunfighter est un western de qualité que les amateurs du genre apprécieront.
Pendant plus de deux heures, le schéma suivant se répète en boucle : un problème, une solution. Pour être sûr que l'on comprenne bien la solution proposée, elle nous est toujours expliquée deux fois, une première, en langage scientifique, une seconde fois, à l'aide de métaphores simplistes. Malheureusement, Mark Watney et la NASA ne rencontrent que des problèmes, ce qui fait deux fois plus d'explications pour nous. A cela, il faut ajouter un humour pas toujours bien venu, une photo parfois laide (certainement pour donner un aspect réaliste au film) et une musique disco décalée. Pour couronner le tout, on ne ressent jamais vraiment la solitude du héros.
Wes Craven dresse le portrait très juste d’une jeunesse en difficulté confrontée à un monde des adultes peu enclin à l'écouter, ainsi qu'à un noyau familial explosé, fragilisé par ses secrets. Il crée ainsi l’une des figures du cinéma horrifique les plus riches et passionnantes de l’histoire du 7e art qu'il lie au thème globale de la transmission intergénérationnelle. Lire notre critique des Griffes de la Nuit (incluant un dossier sur la saga Freddy Krueger) sur notre site Terreurvision !
J'ai regardé ce film car il a inspiré un jeu célèbre, Clock Tower et ses suites avec Scissorman ! Qu'en est-il ? Et bien il s'agit d'un film vraiment classique de l'horreur, des filles en bikini, la vengeance d'un homme défiguré par une bande de jeunes, de l'hémoglobine coulant à flot. Un petit film sans envergure qui fait le boulot, mais sans plus.
Avec Keep the Lights On (2012), le réalisateur s’inspire de son propre vécu pour y retranscrire une relation amoureuse complexe entre deux hommes dont l’un assume mal son homosexualité. Raconté sur presque une décennie, le film accumule les ellipses et laisse plus d’une fois le spectateur dans le flou. Il en résulte au final un joli drame humain, émouvant et ultra réaliste, où deux êtres se déchirent sans parvenir à ne former plus qu’un couple (stable). Le premier est réalisateur de documentaire, le second est avocat et il se drogue. Très accro aux drogues, difficile dans pareille situation de mener une vie de couple bien sous tous rapports. C’est pourtant ce que va tenter de faire Erik, en poussant Paul à suivre une cure de désintoxication, dans le seul but de sauver ce qu’il reste de leur couple. Très autobiographique (ce qui insuffle d’avantage au film un côté réaliste), Ira Sachs ne parvient cependant pas à nous émouvoir sur toute la durée du film (certaines séquences s’avèrent assez répétitives). Si le film est imparfait sur toute la durée, il n’en reste pas moins captivant et ce, en très grande partie grâce à son tandem formé par Thure Lindhardt & Zachary Booth.
Fritz Lang pose le débat de fond entre justice et protection de la société, entre justice professionelle et justice populaire. Un débat qui reste d'actualité. L'organisation de la pègre en société souterraine parallèle quasi militaire peut paraitre farfelue, mais souvenons-nous que l'intrigue se déroule en pleine montée du nazisme. Un chef d'oeuvre classique qu'il faut avoir vu.
Une année après les événements de Mai 68, un bon Mocky en faveur de la libération des moeurs sexuelles féminines. Les acteurs principaux sont assez inspirés. Même si les situations sont assez cocasses, cela manque de rythme et bien sûr, comme tous les Mocky, cela n'est pas filmé avec grand art.
Un film culte, ok! Et ça se comprend... A la façon de Blair Witch en terme de qualité/prix (!) et la façon des grands gallios en terme de gore, voilà un film qui ne laisse pas insensible. On adore ou on déteste mais il n'ya pas de demi mesure. Ceux qui détestent ont très certainement été choqué par la violence psychologique du film en espérant que ceux qui ont adoré ne l'ont pas aimé pour les mêmes raisons! C'est vraiment un chef d'oeuvre d'efficacité et de mise en scène. Toutes les images de paysage, de ciel, de personnages donnent la nausée et tout est malsain. Même des situations archi connues de femmes poursuivies par un tueur sont habilement rendues. Tobe Hooper rappelle imanquablement Dario Argento dans la délectation du meurtre. Mais les qualités du film sont aussi ses défauts. C'est vraiement difficile à regarder tant l'atmosphère est lourde et malsaine. je suis habitué à ce genre de films mais la dernière partie du film est vraiment limite, limite. On pourra prendre ça pour de la violence gratuite mais on pourra aussi se dire que Tobe Hooper a réussi à nous mettre dans la peau de Leatherface. En effet, la blonde victime idéale nous met tellement les nerfs à vif qu'on a envie aussi de prendre la tronconneuse et de la tuer pour de bon... C'est terifiant! Bref, un film ultra dérangeant qui peut expliquer qu'on l'adore ou qu'on le déteste.
C'est une romance plate et sans originalité. Tout hélas, comme la performance de N. Wats.