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L'ambiance de ce film est assez spéciale. On a du mal à le situer entre l'humour et le macabre. L'idée du scénario est plutôt intéressante, une potion permet la vie éternelle. Même après que le cœur ait arrêté de battre la vie continue. Le problème se pose alors sur l'esthétisme de ces corps en décomposition. La réalisation est plutôt médiocre, le film est monotone, les scènes sont parfois très longues. Cependant c'est intéressant de voir Bruce Willis dans un rôle un peu moins conventionnel.
Après Muriel où déjà il tournait en rond, Resnais s’est essayé sans succès au film politique (La guerre est finie) avant de revenir à ses obsessions sur le temps et la mémoire. Avec son snobisme déjà patent, il se croit obligé de chercher une touche d’originalité en abordant un genre nouveau pour lui, à savoir la science-fiction. En fait, on voit très vite ce qui a captivé le futur auteur de Mon oncle d’Amérique dans cette histoire de voyage dans le temps : séduit par les théories alors naissantes du cognitivisme, Resnais est persuadé que l’être humain est l’égal de la souris de laboratoire (ou du chien de Pavlov ou des rats de Mon oncle d’Amérique qui envahiront l’écran de façon obsessionnelle et grotesque). Il s’efforce donc, comme il le fera dans tout le restant de son « œuvre » petite et misanthrope, de démontrer le ridicule et l’aléatoire attachés à la condition humaine… Je passe pudiquement sur les pseudo qualités de cinéaste du Monsieur car, à mon humble avis, il n’en a pas : tout n’est qu’esbroufe et tape-à-l’œil dans une réalisation lourde et faussement inspirée et sa caméra s’embourbe au rythme de sa pensée… C’est le début d’une suite de films où ledit Resnais va se foutre du monde impunément, avec le concours d’une certaine critique parisianiste qui va l’encenser au rythme de ses productions défécatoires… Une étoile pour Claude Rich, un de nos plus grands acteurs, dont on se demande ce qu’il vient faire dans cette galère.
Avoir sélectionné ce film au festival de cannes et, de surcroît, l’avoir présenté dans la section « Un Certain Regard ne constitue pas une preuve d’ouverture ou de subtilité artistique. Il s’agit ni plus ni moins d’un cas de préciosité cinéphilique. Et présenter la réalisatrice Jessica Hausner comme fer de lance de la nouvelle vague autrichienne est du pur foutage de gueule. Certes le choix des acteurs et surtout de Franziska Weiss est judicieux. Ils sont impressionnants de vérité. A la fois sobres et arides, ils transmettent l’inquiétude à la perfection. Mais qu’en est-il de l’histoire ? Haussner a prétendu dans des interviews avoir été influencée par Hitchcock. De toute évidence, elle n’a rien compris de l’enseignement du Maître. Hitch apporte toujours des indices ou des explications au meurtre. Certes, dans « Qui A Tué Harry ? », on ne sait rien du meurtrier, ni du mobile, mais il s’agit d’une comédie sarcastique, où l’important est l’intrigue amoureuse entre d’autres personnages. Dans « Hotel », on ne rigole pas, il n’y a aucun second degré. Non seulement aucune autre intrigue n’est vraiment engagée, mais on n’apprend rien sur le ou les meurtres. Comment? Pourquoi ? Qu’est-ce qui s’est passé ? D’ailleurs y en a t’il vraiment eu des meurtres? En fait, on ressort super aigri de s’être laissé entraîné dans une mise en scène archi statique, une narration désespérément lente, gravement chiante et foncièrement futile.
Vingt ans après l'avoir vu au cinéma, ce film ne me quitte toujours pas. Régis Wargnier a signé là son chef-d'oeuvre qu'il n'a jamais égalé depuis. Dominique Blanc n'a jamais plus été aussi bien filmée ; Régis Wargnier aime les femmes, Régis Wargnier n'est pas insensible à la beauté intemporelle de Dominique Blanc, et ça se voit. Ce film, étroitement resserré sur ses quatre personnages principaux, dégage une atmosphère étouffante entre ces deux enfants orphelins, l'un de mère, l'autre de père et ces deux adultes qui se trouvent par hasard et qui resteront aveugles au duel à mort des enfants. Les enfants ; parfaitement coachés, très bien dirigés (trop parfois ?), d'une justesse incroyable ; et dire qu'ils ne sont jamais revenus devant ou autour de la caméra... la relation des personnages est étrange, entre répulsion et attirance ; incapables de s'aimer, dans l'impossibilité de se haïr. Un film sur le fil du rasoir, qui sait ne pas tomber dans le mélo ni dans la surenchère. Jusqu'au dernier moment, il est impossible de savoir si l'on va vers une cicatrisation des blessures des uns et des autres ou vers un drame. Le final est poingnant comme un opéra. Opéra. On y vient. Il n'y a pas quatre personnages, il y en a cinq : la musique de Prokofiev vient s'enchâsser dans l'histoire d'une façon si intime qu'il serait impossible au film d'exister sans cette bande son. Dominique Blanc est sublime, merveilleuse, magnifique ; elle est une actrice immense, bien sûr ; mais dans ce film, elle est plus que cela. Jean Rochefort démontre encore sa maîtrise parfaite de son art ; la scène où il tente de retenir le personnage de Dominique Blanc est anthologique. Bref, voilà un "petit film" peu connu, mais qui marquera non seulement la carrière de Régis Wargnier, mais plus largement le cinéma français du... siècle dernier.
Un film d'Alfred Hitchcock méconnu et de qualité ne peut être qu'à découvrir. Je trouve que le titre français est meilleur que l'original, en effet Montgomery Clift lié par le secret de la confession ne peut rien dire, la loi du silence. Il est très rapidement soupçonné d'un meurtre qu'il n'a pas commis, un thème souvent utilisé par le maître du suspens, mais ne peut se défendre à cause de ses plus profondes convictions. Alors, beaucoup se diront pourquoi se tait-il, pourquoi sacrifier sa vie. Cela ne gâche rien à ce très bon film, même si on a un peu de mal à imaginer dans la réalité une telle chose. Montgomery Clift, malgré des tensions avec le réalisateur, est excellent dans le rôle du père Logan, Karl Malden et Anne Baxter sont bien dirigés et complètent ce casting de très bonne qualité. La bande originale du film m'a plu et donne pas mal de rythme, le scénario est bon avec une histoire d'amour chamboulé par la guerre. Un très bon film à ne pas manquer si on est fan d'Hitchcock ou de Clift, ou comme moi des deux.
Tellement + fin que tant de films d'aujourd'hui , ne ratez pas ce film ultra-actuel ainsi que génial et jouissif de ce génie infiniment sous-estimé & qui pourtant ( et heureusement ) n'a rien à voir avec - par exemple - Tarantino ou D. Fincher !
Un très bon moment à passer. Un film original dans son scénario et sa mise en scène, qui ne ressemble à rien que je n'ai déjà vu. A voir !
L'aspect de l'espionnage technologique a beau être bien exploité, la musique de Quincy Jones a beau être très inspirée et Sean Connery a beau être parfait en cerveau d'un cambriolage, il n'empêche ce "Gang Anderson" est vraiment peu emballant. L'histoire est très loin d'être passionnante et puis surtout la mise en scène de Sidney Lumet est vraiment très molle. Elle décolle juste un petit peu vers la fin mais il est beaucoup trop tard. Il est inutile de préciser que le réalisateur de "12 Hommes en colère" a fait et fera beaucoup mieux par la suite.
Vu hier en Vod. super moment. un scénario cousu main! C'est un vrai bon film bien écrit ! stimulant, enthousiasmant. ca faisiat longtemms. sympa le cinoche australien!
Remake largement à la hauteur du "Zombie" de Romero, "L'armée des Morts" est aussi la première réalisation de Zack Snyder dont ce sera pour l'heure l'unique film d'horreur à son actif. Loin de pomper lâchement le film du maître en la matière, il reprend simplement la trame de départ et le lieu du supermarché qui tient pour un huit-clos durant une bonne partie. Là où Snyder se révèle sacrément efficace, c'est qu'à contrario de Tom Savini et son remake insipide, il casse les codes du genre en nous offrant des morts-vivants déchaînés et avides de chaires fraîches, l'ambiance change donc du tout au tout et là où l'on est habituellement angoissé dans un climat languissant, il fait monter la dose de stress à son paroxysme avec des courses poursuites haletantes et effrénées pour la survie de notre espèce. Les acteurs, bien qu'assez éloignés des têtes d'affiche, s'avèrent très bons et surtout particulièrement attachants pour la plupart puisque plutôt fouillés en terme de psychologie. Pour le reste c'est du classique, mises à part quelques scènes d'action marquantes, et le gore quoique bien présent ne l'est pas à outrance, c'est dans l'ensemble très bien foutu, parfaitement mis en scène et l'on retrouve de temps à autre quelques fulgurances de réalisation qui feront de Zack Snyder par la suite un réalisateur à part à l'univers bien marqué. Pour le coup, son premier long s'apparente à un coup de maître dans un domaine pour lequel on n'attendait plus grand chose et il le place allégrement parmi les meilleurs films du genre. Chapeau bas M. Snyder.
Soyez avertis : ce film peut en décourager plus d'un par la lenteur de l'époque et par le fait qu'il soit muet. Il est donc indispensable que l'on se remette dans le contexte et l'époque dans lequel l’œuvre a été tournée lorsque l'on appuie sur play. Metropolis a été le premier film classé dans le patrimoine mondial de l'UNESCO. 310 jours de tournage, 620 kilomètres de pellicule, 36 000 figurants, 1100 crânes rasés, 200 000 costumes, 50 véhicules imaginaires et 500 gratte-ciel de 70 étages : Metropolis est réellement le premier film de science-fiction avec des effets spéciaux, alors révolutionnaires. C'est du jamais vu pour l'époque ! Dans cette œuvre, Fritz Lang aborde deux des leitmotivs principaux de la science-fiction telle que nous la connaissons aujourd'hui : l'intelligence artificielle et la perte du contrôle des hommes sur leurs créations technologiques. La modernité de l’œuvre est assez stupéfiante. Deux exemples frappants : des immeubles illuminés vers la fin du film en mode « Time Square », ainsi qu'une conversation téléphonique avec caméra intégrée. Le gros bémol de cette histoire est la fin, où la modernité et la science-fiction s'évanouissent pour laisser place au Moyen-Age : « Burn the witch, burn the witch ! ». D'ailleurs, Fritz Lang regretta sa vie entière la fin de son film et ne l'assumait absolument pas. "Je n'aime pas Metropolis. C'est faux, la conclusion est fausse, je ne l'acceptais déjà pas quand je réalisais le film" (Les Cahiers du cinéma, septembre 1959). A voir lorsque l'on aime le cinéma un peu plus que ça, à ne pas voir le lendemain de la veille, et à ne pas voir si on n'aime pas la musique classique.
Une parodie sur les films de gangs MAIS réalisée en 1988 , une vrai comédie americaine franchement trop drôle , un peu à la "y a-t-il un flic?"Remplie de bons gags à toutes les scnènes.
C'est vrai qu'il est amusant ce film et rien que pour la prestation des chats, je lui donnais déja 3 étoiles... Le reste se laisse regarder avec un p'tit sourire ;-)
Ce film appartient à une idéologie politique visant à redéfinir et actualiser l'assise du pouvoir en se fondant non plus sur la distinction entre nationaux et étrangers - la mondialisation rendant cette conception inopérante - mais sur un clivage homme-femme, utilisable à échelle planétaire et plus adapté aux nouveaux moyens de diffusion basés sur l'internet. En matiere d'organisation sociale et productive, la réalisation de cette doctrine entraînera une déliquescence de la famille et du couple, permettant une plus grande disponibilité de l'individu (suppression de la passion amoureuse) et une mobilité géographique accrue qui permettra une réduction du chômage frictionnel. La grande question qui surviendra à l'avenir portera sur la possession des enfants; la solution optimale étant de les recueillir dès la naissance au sein de services spécialisés et de les préparer dès le plus jeune à leur futur métier.
Pathétique en tout point !
Après un début plutôt prenant on se rend compte que La Guerre des abîmes est un bien pâle film d'aventures qui manque totalement d'envergure et d'action. Le seul point positif c'est la magnifique BO de John Barry.
Film vu en Italie (vo), ce qui explique le fait que je puisse en parler, j'ai été plus qu'agréablement surprise. Il ne faut pas se laisser avoir par l'apparente banalité du synopsis, car ce film est tout sauf banal. Il s'attaque à des sujets tout à fait profonds, comme la dépression, la perte, la trahison ou encore les non-dits. Mais ce film a le don de toujours rester dans l'absurde, sans jamais devenir grotesque. C'est un petit bijou qui montre à quel point et jusq'où peuvent aller la lâcheté et les enfantillages de ceux qui se prétendent "adultes". À voir dès que vous pourrez !
Un divertissement efficace et un film de science-fiction à la structure assez classique mais à l'univers plutôt inventif et servi par de jeunes interprètes convaincants. Ce premier film pose les bases d'une saga qui vaudra certainement le détour.
Quatre-vingt minutes de supplice, cette phrase peut résumer ce film; si l'on peut appeler cela un film car, oui, celui dispose d'un budget médiocre, un scénario et des dialoges pitoyable et une qualité d'image équivalent à celle d'un Blackberry Curve, Mulberry Street fait parti des rares films que j'ai accéléré pour voir juste comment il se termine. Et je n'ai pas été au bout de mes surprises: des hommes-rats mutants ( ressemblant fortement aux orcs du Seigneur Des Anneaux ), des scènes d'actions filmée en accéléré, des acteurs aussi expressifs qu'un morceau de bois, des effets-spéciaux fait avec After Effect et Photoshop ( je n'invente rien c'est dit dans les bonus ) et le clou du spectacle: le pire cameraman jamais vu, le zoom et omniprésent et celui-ci à l'air de filmer avec ses pieds tellement la caméra tremble... Tout cela pour dire que Mulberry Street est vraiment à déconseiller à tous.
je ne l'ai même pas regardé jusqu'à la fin tellement je l'ai trouvé mal fait ... des effets spéciaux assez médiocre
Grandeur et dècadence! Ne tournons pas autour du pot, Robert Rossen ètait un des forts bons rèalisateurs amèricains de l'après-guerre auquel il faudra rendre justice un jour! il a certes acceptè diverses besognes, mais possèdait un solide mètier et une très grande honnêtetè, qui se manifestèrent devant des sujets dignes de ces qualitès tel que le brillant "All the King's Men" qu'il rèalisa en 1949! Une certaine maîtrise du scènario et une grande prestation de Broderick Crawford, sensationnel à tout point de vue dans le rôle douteux de Willie Stark, font de ce film passionnant une totale rèussite! On n'a beaucoup comparè le mètrage de Rossen à celui d'Elia Kazan, "A Face in the Crowd", mais "All the King's Men" le surpasse d'une bonne tête! Un classique important du cinèma amèricain avec quelques Oscars à la clè: meilleur film, meilleur acteur et meilleure actrice dans un second rôle pour la formidable Mercedes McCambridge qui tourne ici son premier film pour le cinèma...
Encore une fois, McTiernan s'absente à la barre et cela se ressent : Moins bon que Die hard 3, l'épisode 4 reste honorable. Le scénario est bien plus crédible que l'épisode 2. Len Wiseman - undeworld - s'inspire de faits réels : celui de pirates informatiques qui se sont introduits dans les systèmes de réseau de communication et de l'énergie pour tenter de mettre à genoux un pays. Loin de l'histoire type des Die hard 1 et 3 (celui du braquage géant masqué en prise d'otage), l'épisode 4 tente de relancer avec vigueur une trilogie qui s’essouffle. Les acteurs de second plan restent tout de même excellents. On note la découverte surprise de l'actrice Mary Elizabeth Winstead qui campe dans le rôle de Lucy Mc Lane, et l'apparition de Maggie Q. Elle donne une touche féminine sexy dans un monde de brutes. Die Hard 4 reste un bon film à regarder sans prise de tête !
Troisième long-métrage pour le trio Abel/Gordon/Romy qui une fois de plus (on ne change pas une recette qui marche), nous convie à une étonnante, amusante et réjouissante fable burlesque, ponctuée ici et là de chorégraphies, de running gag (les appels téléphoniques à l’hôtel, l’Anglais et son chien, etc) et de poésie. On retrouve une fois de plus les deux personnages principaux incarnés par Fiona Gordon & Dominique Abel, deux inadaptés, deux énergumènes qui tombent sous le charme l’un de l’autre mais qui ne parviennent jamais à rester ensemble. Comme toujours, les dialogues se font rares au profit des nombreuses chorégraphies où le mot légèreté prend tout son sens. Sincère, touchant, innocent et drôle, La Fée (2011) est à réserver à une certaine catégorie de spectateurs, qui ne chercheront rien d’autre qu’à rêver et à se laisser emporter dans les délires de ces doux-dingues.
Passionant, une grande histoire d'amour entre un homme et ses rêves! François Cluzet, un peu mou ou plutôt un peu trop perdu, dans la première partie du Film, prend son personnage à deux mains dans la seconde partie. Issu e l'histoire du personnage originale Philippe Berre, ce film, merveilleusement réalisé vous emmène dans un endroit ou il n'existe aucune lois ni limites, le pays des rêves. On apprécie particulièrement, du début jusqu'a la fin ce tiraillement qui nait en nous en même temps que l'espoir naît autour de ce chantier fictif , alors que le spectateur sait bien que cela finira mal! Ce film est l'Histoire d'un Homme qui a toujours rêvé d'être chef de chantier, et qui est prêt à tout pour ses rêves, même si il doit sacrifier sa (une partie de) sa vie. Un super film que je conseil vivement! Bravo, c'est un exemple qui illustre parfaitement la capabilité du cinéma français! Et puis après tout, on a tous rêvé, étant petit, d'être chef de chantier...
Un film que l'on pourrait considérer comme une sorte de suite des "Aventures de Robin des Bois" parce qu'il met en scène le fils de Robin de Bois bien sûr mais sutout parce que la mise en scène rappelle très fortement celle de Michael Curtiz. Le petit problème c'est que fiston est ici beaucoup moins charismatique que papounet et que pour une suite ça ne fait pas très originale car la dulcinée s'appelle aussi Marianne et que les personnages, dont celui de Jean sans Terre, n'ont pas l'air d'avoir vieilli des masses. En plus, je sais qu'on est pas dans un cours d'histoire mais présenter Richard Coeur de Lion comme un hyper-grand démocrate et Jean sans Terre comme un type tellement ignoble qu'en comparaison de son frère c'est Hitler, Staline, Franco et Ceausescu réunis, même avec toute la bonne volonté du monde... Reste que sans valoir celui de la sublime Olivia de Havilland, la Marianne d'ici n'est pas désagréable à regarder et est moins conne qu'elle en a l'air et qu'on a le droit à quelques bons rebondissements dont certains ne sont pas totalement prévisibles. A voir si on ne veut pas trop se prendre la tête.
Heureusement que le fauteuil du cinéma était inconfortable, ça m'a permis au moins de ne pas m'endormir. D'ailleurs je mets -0 étoile. Pourtant le générique était plutôt sympa et prometteur, mais après ça se gâte. On ne comprend que couic à l'histoire, les flash-back sont abrutissants et les acteurs sont mous du genou. Julia Roberts est aussi sexy que mon rideau de douche (et ne sait toujours pas marcher avec des talons), et Clive Owen a le regard bovin. Seul Paul Giamatti mérite un intérêt c'est à dire d'ouvrir un oeil, mais ça ne suffit malheureusement pas. On attend nerveusement(après de longues tirades aussi passionnantes qu'un livre Arlequin), la fameuse découverte pour laquelle tout le monde se bagarre, et... on en rit jaune tellement elle est ridicule ! Ma maman m'avait pourtant bien dit de pas y aller, j'aurai dû l'écouter !
Le film commence, gros rock qui tache sur un combat de scorpions en CGI tout moche, mais badass quand même, le tout pompé sur l'ouverture de Men In Black. M'attendant à une grosse série B bien grasse, je dois avouer que j'ai eu ce que j’attendais. Le problème, c'est que ce n'est rien de plus. Visuellement, c'est très laid. De plus, c'est très long, et la plupart des bons acteurs ne survivent pas à la première demi-heure (vraiment très dommage, Christian Slater étant un des trois acteurs les plus cools de tous les temps). Ice-T est sous utilisé et le duo Kevin Pollak – Thomas Haden Church est sous-utilisé pour mon plus grand malheur. Le film se veut sans répit, cruel et drôle. Il n'est qu'ennuyeux, cruel (bon, ça, c'est réussi, il faut bien l'avouer) et titille parfois le zygomatique sans jamais provoquer l'éclat de rire. Il y a cependant de très bons points au film, à commencer par l'enfant, pas insupportable du tout, pas non plus sympathique, faut pas abuser. La musique aussi, mais c'est à peu près tout. Au final, c'est un film insignifiant qui s'oublie dans la semaine où on l'a vu. Dommage.
Réalisation percutante, la tension est permanente, cette violent histoire n'a toujours pas perdu de son intensité! L'un des meilleur film d'action fantastique jamais réaliser!
Un film malsain et tranchant. Un rôle intéressant et difficile pour Mlle Portman, une interprétation charismatique de M. Cassel. La souffrance est le thème principal, celle-ci nous est transmise et le film perd tout sous intérêt au point de vouloir quitter la salle.
Comme quoi, même quand la promesse est belle, Hollywood ne voit que le bout de son nez lorsqu'il aborde le divertissement familial. Partant d'une superbe idée, « Cœur d'encre » parvient ainsi à goinfrer absolument tout ce qu'il entreprend dans la facilité et le spectacle. Ce n'est pourtant pas faute d'avoir de bonnes intuitions, d'imaginer nombre de situations captivantes et originales, mais à chaque fois on vient se heurter au mur des dures réalités, celles de l'argent et du manque d'audace. Etre ambitieux, c'est bien : encore faut-il s'en donner les moyens. Combien de fois me suis-je dit durant le film : « putain, ça c'est prometteur » pour n'accoucher de rien quelques minutes plus tard. Bon, au moins l'œuvre a son petit truc à elle, ne serait-ce qu'à travers ce bel hommage à la littérature (principalement enfantine), une introduction visuellement réussie ou encore ce séduisant personnage de Doigt de poussière, mais l'impression d'avoir constamment à faire à un brouillon, où l'on jette les idées les unes après les autres sans chercher à aller plus loin limite terriblement son intérêt. Bref, pas le scandale du siècle, mais une œuvre presque banale, voire parfois légèrement fauchée : rageant.
Que reste-il de nos hèros et où se situe Steve Carver dans tout ça ? Eh bien, le rèalisateur de "Capone" se fait plaisir en jouant les Steven Spielberg dans la jungle amazonienne, à 500 miles de toute civilisation! Le dèbut de "River of Death" ressemble à un film de guerre puis le spectateur se retrouve embarquè en pleine expèdition vers la lègendaire Citè Perdue! Bienvenue dans notre coin de paradis! Si vous attendez de cette critique qu'elle vous dèvoile des informations exclusives sur la nature de cette production « Cannon » , vous allez vous dire que ça ne casse pas des briques! Peut-être mais c'est à voir assurèment au second degrè avec un scènario qui part dans tous les sens! Michael Dudikoff nous fait du Michael Dudikoff en trouvant un rôle sur mesure! Dans les seconds plans, Donald Pleasence cabotine à fond les ballons en changeant plusieurs fois de moumoute ; Robert Vaughn reprend à peu de choses près le personnage de Julian Glover dans "Indiana Jones and the Last Crusade" [...] Le genre de film d'aventures entre tribu anthropophage, pouvoir de guèrison et mèdecin nazi qui garnissait dans les 90's les rayons de sèries B et Z en tirant le maximum de budgets minimums! Du Dudikoff cousu main pour une « rivière de la mort » distrayante, sans plus...
Je m'attendais à passer un bon moment devant Du sang sur la neige mais j'ai connu Raoul Walsh plus inspiré qui retrouve encore une fois Errol Flynn. Film d'aventures tourné durant la 2nde Guerre Mondiale qui semble vouloir prévenir le danger ennemi, une intrigue pas mauvaise qui avait tout pour créer du bon suspense avec ces Allemands voulant infiltrés l'Amérique mais le traitement ne m'a pas passionné, je ne serais dire si c'est la sauce qui n'a pas pris sur moi ou si c'est tout simplement un film moyen.