CATIE-AQ/allocine_clean huggingface dataset:
Huis-clos singulier bien joué qui flirte habilement avec le fantastique, nous éprouvons la solitude et la douloureuse déception sentimentale des personnages à travers le partage libérateur de leurs confidences, étrangement réunis en même endroit autour d'un individu invisible, pervers et manipulateur présent mais absent. C'est comme si nous redescendions de nos illusions après la montée d'un trip imprudent, avec une prise de conscience nécessaire du danger et de la complexité des relations humaines, en particulier du désir amoureux.
Amis cinéphiles, le giallo fait un retour en force en ces années 2000. Parfois désagréable (Giallo de Dario Argento) ou sur la bonne voie(Imago Mortis de Stefano Bessoni), Masks de Andreas Marschall joue autant la carte de l'hommage qu'il suit son propre chemin. En cette année 2011, la belle Stella échoue au conservatoire d'art dramatique. Pourtant, elle est guidée vers une autre école où elle serait plus à même de perfectionner un talent encore en veille. Mais en ce lieu, la Méthode a ses revers... Masks est un film aux qualités esthétiques flagrantes : tourné en scope avec une image nette, utilisation d'angles baroques ou de contre plongées déstabilisants, lumière expressive et jeu sur les couleurs significatifs (le rouge en particulier rappelle le Suspiria de Argento) qui participent d'une ambiance chargée. Le film bénéficie donc d'une attention particulière concernant l'atmosphère, Marschall est un fan des productions seventies (l'intro et son effet vintage est très réussi) et donne à son oeuvre l'esthétisme des productions de cette époque. Masks se veut une réflexion sur le Jeu de comédien, la Possession par le costume ou la Suggestion, le sujet étant plus profond qu'il n'y paraît. Malheureusement, la direction d'acteurs n'est pas le point fort du métrage, étonnant quand on voit que Marschall s'intéresse tant à l'art scénique (l'a t-il fait exprès pour mettre en exergue les passages scandés ?). De plus, Masks dispose d'un rythme lent (il pourrait ennuyer) mais qui se libère dans sa dernière partie. Certaines séquences de violence graphique, à la traditionnelle, ont un rendu excessivement stylisé. Production de qualité, Masks ne peut s'apprécier qu'avec un minimum de références cinématographiques. 4/5
Un tel travail d'artisanat, que ce soit pour les décors où les animations qui ont malheureusement pris un coup de vieux, se salue de loin, tellement le travail sur un film d'animation actuellement est devenu compartimenté, segmenté, rationalisé. Sans jeter l'opprobre sur l'animation moderne, les marionnettistes d'antan livrait une oeuvre portée par une idée travaillé, orientée, et pas seulement répondant un cahier des charges, qui se retrouve inévitablement dans les productions en images de synthèse actuelles. Dark Cristal fait parti des oeuvres aujourd'hui extrèmement rares, si ce n'est disparues.
On craignait les élans de patriotisme et Eastwood nous sert le contraire, à savoir : un film anti-patriotique et démystificateur. L'histoire se divise en deux segments : d'un côté la guerre remanié par les médias et présenté au public, et de l'autre la guerre vécu par les soldats eux-mêmes. Sans être un chef d'oeuvre, Mémoires de nos pères est un très bon film comme Eastwood sait les faire.
Deux types dont on apprend que ces sont de rares survivants d'un monde envahi par les zombis, sont mollement filmés dans la campagne verdoyante et bavardent beaucoup, ils sont parfois à pied, parfois en voiture, ils écoutent de la musique et mettent cinq minutes à se brosser les dents. Soporifique et sans aucun intérêt.
Aujourd'hui popularisé avec la sortie de "The Disaster Artist", le film "The Room", sacré comme le plus nul de tous les temps (coiffant au poteau les films d'Ed Wood) est un objet étrange comme on en croise une fois dans sa vie. Semblant venu d'une autre dimension, Tommy Wiseau, affirmant que Marlon Brando et Tennessee Williams sont ses références, livre avec "The Room" un film totalement improbable, grand moment de n'importe quoi dont on se demande bien ce qu'il peut raconter. Il y a certes ce triangle amoureux avec Johnny qui aime Lisa mais Lisa qui ne l'aime plus et qui couche avec Mark, le meilleur ami de Johnny. Mais il y a aussi la mère de Lisa qui a le cancer, le jeune Denny qui a des ennuis avec la drogue, un couple d'amis venant chez Johnny pour coucher ensemble, des lancers de ballon en smoking, des chutes sortant de nulle part... Il est incroyable de voir combien Wiseau, passionné par son projet et son envie de faire un film, semble n'avoir retenu aucune leçon des films qu'il a pu voir. Tout ici confine au ridicule : le jeu d'acteur exacerbé, à côté de la plaque ; le scénario ouvrant des pistes pour les laisser tomber ensuite ; les dialogues répétitifs au possible ; la mise en scène totalement cheap, atteignant son summum lors des scènes de sexe tout droit sorties d'un film érotique des années 90. Devenu culte aujourd'hui, le film a pourtant l'air totalement fou de se prendre au sérieux et d'oser le faire alors que Wiseau semble y livrer un numéro de narcissisme assez hallucinant. Alors oui c'est totalement mauvais mais bon ne nions pas le charme indéniable que le film a tant il nous laisse à la fois amusés et perplexes devant ce déferlement de mauvais goût et d'amateurisme où la passion côtoie le narcissisme et la bizarrerie la plus loufoque !
L’idée de cette animation est si simple qu’il est à se demander pourquoi est-ce que personne n’y avait pensé avant ! « Tous en scène » surfe sur les codes à succès des plus grands télé-crochets pour offrir une comédie musicale animée aux faux airs d’un « The Voice » animalier. Presqu’un copier / coller du véritable Cahier des Charges de ces émissions, les personnes répondent à des clichés sociétales américains volontairement exploités. Personnalités différentes, motivations de vie disparates et influences tranchées, ils ont pourtant ce but commun que de donner un sens à leur vie grâce à leur passion musicale. Ça ne vous rappelle rien ? Peu importe, on adhère puis on adore ! Au rendez-vous, une souris aux allures de gangster, une jeune éléphant dévoré par sa timidité, une truie hispanique mère de famille, un jeune gorille délinquant qui souhaite s’en sortir et une porc-épic dominée par son petit ami. Les personnages secondaires sont tout aussi savoureux et parfois même mieux que nos chanteurs comme par exemple Miss Crawly, l’assistante caméléon de notre directeur koala, qui marque par son humour. Impossible de parler des personnages sans parler de la bande-originale. De Franck Sinatra à Taylor Swift en passant par Sam Smith, l’animation est un bijoux musical qui propose un panel auditif lui permettant de s’aligner face au colossal « La La Land ». Avec un large répertoire, chaque génération en aura pour ses oreilles. Animation, comédie musicale… « Tous en scène » est une pépite cinématographique remplie de péripéties au sein d’une synergie collaborative où chacun y cherche sont compte. Beaucoup de rires, quelques instants de pures émotions, ce florilège pétillant de joies de vivre justifie sa nomination aux Golden Globes 2017. Bilan : 2016 signait « Zootopie »… 2017, se sera « Tous en Scène » !
Il n'y a que la présence de Barbara Stanwick dans son age d'or qui donne au film un peu d'intérêt, le reste est passable et quand je dis passable c'est passable rien a rajouté.
Les Innocents est un film de grande qualité, qui souffre peut-être un peu de son intrigue trop plate. Mais il y a d’évidentes qualités. Celles qui m’ont le plus frappé, et je commencerai donc par-là sont les qualités techniques. Le film est vraiment très esthétique, avec une mise en scène réfléchie, intelligente, exploitant à merveille les hors-champs. La photographie est élégante, le noir est blanc est superbe, et les décors sont soignés. L’ambiance du métrage est réellement prenante, et on tient là une adaptation riche en atmosphère du Tour d’écrou. Franchement sur le plan technique rien à redire, d’autant que même la musique est de qualité avec notamment la berceuse tout à fait remarquable, et qui met dans le coup d’entrée ! Le casting est aussi solide. Si Deborah Kerr tient la distance, et se montre très crédible, je dirai que la surprise vient des deux enfants. Ils ont été parfaitement choisi, pouvant être à la fois de charmantes têtes blondes et de détestables pestes ! Ils sont excellents, très investis, et ils ne font aucun faux pas, c’est rare lorsqu’on parle d’un casting d’enfants ! Les autres acteurs sont tout à fait corrects et crédibles eux aussi. Le petit défaut que je relèverai dans ce film tient dans l’intrigue. Le début est prenant, et l’histoire se suit sans déplaisir, mais dans la deuxième partie j’ai eu le sentiment d’un léger délitement, avec une intrigue moins tenue, avec moins de fluidité dans la narration, et quelques lourdeurs. Reste que l’histoire est soignée et intrigante, et c’est dur de décrocher ! En conclusion Les Innocents reste une excellente découverte pour moi. C’est un film très propre, sans grand défaut notable, et qui rentre en effet dans les classiques du genre à l’époque. Pas vraiment horrifique, on est plus dans un thriller teinté de surnaturel, et le résultat saura je pense plaire aux amateurs les plus exigeants. 4.5
Une aventure palpitante à laquelle viennent s'ajouter une très belle photographie et une brochette d'acteurs succulents.
Un film qui tient toutes ses promesses: divertissant et instructif, même si donner l'année et la vitesse du record du monde sur une moto de 850 cm3 n'est pas si simple à placer dans une conversation mondaine. Celà dit Anthony Hopkins est à l'image de la moto de Burt Munro: beaucoup d'acteurs ne peuvent voir que la poussière de la roue arrière de son talent. si je puis me risquer à cette métaphore un peu... fumeuse! sur ce, je retourne voir les "Ghost rider"...
Un vrai et bon sujet, des acteurs sans doute capables d'exprimer quelque chose mais malheureusement une mise en scène trop superficielle, si ce n'est le scénario lui même. L'ennui n'est pas loin !
petite comédie très mais alors très moyenne ben stiler en fait 10000 fois trop comme toujours le film a sombré des qu'il est apparue ce type me fatigue grave
Ca ne bouge pas des masses. Les acteurs jouent normalement, sans plus. Il n'y a rien à se mettre sous la dent, la mise en scène, le scénario, le rythme, tout est soporifique, conventionnel, sans enthousiasme, sans passion, bref : C'est creux ! On est proche du vide intégral dans le film. Il ne s'y passe rien d'intéressant, rien de divertissement. Les dialogues n'ont rien d'alléchant et le coup du téléphone à la police et de la localisation de l'appel en même pas 20 secondes... "lol".
Visiblement les personnages principaux du film n'ont pas l'air de savoir que la vasectomie, la pilule contraceptive (inventée par Gregory Pincus douze ans auparavant !!!) et bien évidemment le préservatif existent. En ce qui concerne l'avortement, il n'était pas encore légalisé à l'époque... Ce petit point de détail, qui n'est pas tellement un détail, passé, cette petite comédie familiale se laisse regarder sans trop de déplaisir, même si le scénario n'est pas très original et que les mioches sont quelques fois des éloges à la stérilisation, en très grande partie grâce à l'abattage du duo Henry Fonda-Lucille Ball. Même si au final, la seule chose qu'on ait envie de dire c'est "Vive Gregory Pincus !!!".
D'accord nous avons une histoire qui parle de jumeaux (un garçon et une fille) qui couchent ensemble. Mais à aucun moment on ne cherche à comprendre pourquoi, est-ce juste passionnelle, sentimentale ou amoureux ? Rien n'est exploité, les réactions sont surjouées et l'ensemble n'est pas fou. Dommage, on a déjà vu largement mieux. A éviter.
Il y a 2 cinémas: celui qui s'efforce autant qu'il peut de reproduire la réalité qui l'entoure, et celui qui créé son propre monde (et nous aide d'ailleurs bien souvent à mieux appréhender le notre). Sokourov fait partie de cette 2ème catégorie de cinéastes, celle des artistes. Voilà pourquoi "Aleksandra" n'est pas un film sur le conflit en Tchéchénie, mais un film sur la vie et sur ce qui a toujours intéressé Sokourov: les sentiments et les émotions humaines, et notamment, la solitude et la peur de la mort. Ergoter sur des sous-entendus politiques contenus dans le film, comme l'ont fait nombre de journalistes à Cannes, c'est se tromper d'étage. Sokourov ne fait pas de politique, il fait de l'art. Accuser le cinéaste de "pro-Poutinisme" (il faut lire par exemple l'article terrible du Monde), c'est bien plus grave que de la simple bêtise et du manque d'intelligence journalistique (si le film parle du conflit, il parle de réconciliation, c'est tout ce que peut faire un artiste): c'est tuer l'art, l'obliger à rentrer dans le moule du conformisme, l'obliger à se prononcer sur ce qui ne le concerne pas. Faudrait-il condamner l'oeuvre de Tarkovski parce qu'il n'y dénonce pas la "dictature communiste"?... Et bien sûr, nos "gentils" journalistes oublient allègrement de parler de l'essentiel ici: c'est à dire de mise en scène, et de poésie. Ils ne savent plus ce qu'est l'art. Question mise en scène justement, combien de films sortis en 2007 soutiennent la comparaison avec "Aleksandra"? Regardez cette chaleur blanche, étourdissante, ces couleurs toujours à la limite de rentrer en incandescence, ressentez cette douceur et cette sensualité extraordinaire enfouie derrière le mutisme...Si "Aleksandra" n'est pas le meilleur Sokourov (pas assez abstrait et onirique à mon goût et moins d'audaces visuelles que d'habitude), il n'en reste pas moins un très beau film sur la solitude et le manque affectif. Protégeons Sokourov, protégeons l'art et la poésie du fléau de la pensée unique.
Un mythe est restè constant depuis toutes ces annèes: celui de "L'île au trèsor", ce roman universel de R.L Stevenson, lu par les ècoliers, collègiens et autres amateurs d'aventures, dans toutes les langues parlèes ou traduites qui existent sur notre globe! C'est Victor Fleming qui, le premier, porte cette oeuvre à l'ècran, avec Wallace Beery et Jackie Cooper! Ce dernier ètait alors, après Jackie Coogan, l'un de ces enfants prodiges du cinèma amèricain! il ètait normal qu'on l'oppose à la brute plus ou moins sentimentale qu'incarnait un truculent Beery, colèreux pirate à la jambe de bois, mais au grand coeur malgrè ses apparences! Ce film de 1934, la meilleure adaptation du roman de Stevenson, allait inspirer d'autres oeuvres de moindre importance...
Ce n'est pas un chef d'oeuvre, OK mais pourquoi les spectateurs en sortent-ils tous en souriant? C'est rare. Un film sans violence, sans sexe où les regards sont plus importants que les paroles. C'est vrai, certaines choses sont du déjà vu. Et alors? Faut-il toujours de l'extraordinaire? L'actrice joue plutôt bien, un peu grimaçante mais c'est probablement dû à son extrême maigreur, mais elle est crédible. Le producteur en déroute est formidable ainsi que tous les autres acteurs du film. On passe un bon moment, vraiment.
Après Easy Rider, Jack Nicholson se lance dans u film où il incarne un anti-héros bagarreur, égoïste, infidèle et désagréable au possible. Nous comprenons que l'homme a renoncer à un destin prometteur de pianiste pour devenir foreur pétrolier. Robert Dupea est l'exemple parfait de l'homme excentrique ( La scène du piano sur la route, ou son duel avec un chien furieux, ou encore sa commande de l'omelette ), en quête de liberté et d'une vie facile. Un joyeux luron, qui ne se plie à aucune règle et qui entretient avec la société un rapport assez complexe. Sa solitude, son ennui, son inssociabilité, et sa quête de nouvelle vie se font rapidement ressentir et pourtant Robert ne semble pas convaincu par les solutions qu'il a de changer de vie. Certes il quitte son job avec dédain, mais la démarche n'est pas immédiate alors qu'il y a belle lurette qu'il a réaliser qu'il pédalait dans la choucroute. Il n'est pas non-plus aider avec sa gourde de femme ( joliment jouée par Karen Black ) qui ne pense qu'à elle et qui ne possède pas une onde de réflexion. Bref, un joli couple de bras-cassés. Après un énième soucis, Robert décide de rendre visite à son père, malade, afin de se réconcilier avec lui. la séquence entre le père et le fils est d'un réalisme touchant. Nicholson est confronter à un jugement silencieux, dont seul le regard est synonyme de compassion. Cette scène résume la prestation de Jack Nicholson, qui demeure irréprochable. Rafelson achève un film horriblement dépressif qui possède le mérite d'être adorer ou bien détester ( D'un certain point de vue, le film est ennuyeux à en crever ou bien la dur réalité vous touchera profondément ) Mais une réaction se fera obligatoirement vis-à-vis de ce drame.
Malgré son thème, ce n'est pas un film d'horreur mais plutôt un thriller avec pour toile de fond la possession. Si on le visionne en sachant ça, on peut l'apprécier à sa juste valeur. Une idée originale sombre et teintée d'humour. Petit : une b.o sympa :)
Pendant une vingtaine de minutes, Civeyrac rend assez bien compte de la fascination exercée sur la fillette noire par le monde bourgeois blanc. Hélas, le film s’enlise ensuite dans une chronique superficielle et laborieuse filmée en des plans trop serrés, étouffants. Civeyrac nous fait attendre une prise de conscience qui n’arrive pas, malgré les inégalités de classes et la violence policière qu’il s’oblige à évoquer, en les maintenant toutefois à la marge du récit. Domine une mélancolie forcée, gage artificiel d'empathie. Dans les derniers plans, Mon amie Victoria effleure l’histoire du sacrifice du petit frère, au destin sans doute brisé par la chance qu’aura sa sœur et qui lui est refusée. C’est trop tard et c’est maladroitement fait (plan anodin sur le gamin de dos regardant passer des trains). Il y avait de quoi faire un beau mélodrame mais les personnages comme les milieux sociaux traversés restent fantomatiques.
Un merveilleux film, les interprètes jouent vrai, spontanés, déjantés, romantiques, tragi-comiques, la mise en scène au diapason des musiques et chansons donnant le tempo de l'émotion, sous le signe du rire, de la joie de vivre, de l'impossibilité de s'aimer face aux tabous sociaux, avec un bouquet d'espoir que l'amour victorieux entre Laurent et Safi, parfume d'un bout à l'autre, et un bonheur d'expression auquel on adhère sans temps morts… Romeo, le Blanc aime la Noire Juliette, mais, ici, la tragédie s'efface sous le coeur battant, et l'émotion de chaque scène, dialogue, nous entraine dans une danse africaine et jubilatoire au pas endiablé... Ni dieu, ni maître, que le droit irrépressible de s'aimer, et bye bye à ceux - familles archaïques, faux amis - que ça derange. Si vous n'avez pas le moral, si vous êtes tristounet, alors, après la pluie, le bon temps, foncez voir ce petit bijou de poésie vécue… Le mariage réussi du de l'universel et du particulier. Bravissimo !﻿
des comédiens excellents, une histoire originale et une mise en scène intéressante qui mène habilement l'intrigue -
Ce film est MAGNIFIQUE. Il transmet avec une profonde émotion des valeurs fortes, telles que l'amour entre frères et soeurs et l'importance de la famille. Cette puissance émotionnelle se dégage à travers les personnages, incroyablement bien animés et qui pourraient être comparés à de véritables acteurs (la petite Lilo et sa grande soeur forment à ce titre un duo étonnamment humain et touchant). Quant à Stitch, l'un des plus célèbres personnages de la galerie Disney, c'est une créature très attachante, mais aussi drôle et mignonne comme tout. Il faut dire que Stitch a le mérite d'être un héros totalement original chez Disney, une invention qui n'est inspirée d'aucun conte. Ainsi, Stitch est comme un enfant abandonné qui, une fois aux côtés de Lilo (orpheline toute mimi) se trouve enfin une famille... Encore une belle histoire que nous racontent les studios de Mickey. Notons aussi (mais ça c'est pas tellement une nouvelle) la qualité de l'animation, avec des décors et des dessins très soignés (colorés notamment avec du pastel). La réalisation est digne d'un véritable film avec acteurs et l'histoire est sympa. C'est ce qui fait que "Lilo et Stitch" est une réussite totale, et sans aucun doute l'un des plus beaux DISNEY jamais réalisés...
Pitoyable!!! Je vois pas quoi dire de plus.... Tout est complètement bidon! Où est l'humour????
Très sympa ce documentaire, il donne vraiment la parole aux membres du groupe, sans se contenter de mettre Joe en avant comme j'ai déjà pu le voir dans d'autres documentaires. On passe de morceaux de concerts à des commentaires de chaque membre du groupe. Des anecdotes assez sympas de leur part, avec le recul des années qui sont passées. Un petit peu de contexte de l'époque. Peut-être que ça aurait pu être un peu plus précis sur les dates. Je pense que ceux qui ne connaissent pas bien les Clash doivent être un peu perdus. Mais on y apprend pas mal de choses et c'est très divertissant. Dommage que ce soit un peu court.
Ce film est avant tout le très beau portrait d'une femme peut-être trop petite pour ses rêves (ou trop originale pour ce monde). C'est Jennifer Jason Leigh qui l'incarne avec un très grand talent, que j'avais déjà pu admirer dans Dolorès Claiborne. Sadie veut juste exprimer ses émotions par la chanson, comme le fait Georgia, sa soeur, à laquelle le succès sourit, ce qui n'est pas son cas à elle. Sadie a tout d'une icône punk-rock, alors que Georgia est plutôt dans le registre des protest singers et du folk. Elle se détruit par l'alcool et la drogue, en perpétuelle recherche d'elle-même et d'un peu de reconnaissance. Sadie triture sa voix, qui est "rough"(rude, "brut") et mince, là où celle de sa soeur est plus enveloppante et, somme toute, classique. La valeur de ce film réside aussi dans l'éclairage qu'il porte sur les liens familiaux, les incompréhensions et les blessures mutuelles qui les marquent : Georgia qui essaie sincèrement d'aider sa soeur mais qui ne la comprend pas. Et Sadie, qui dit à plusieurs reprises, de manière très impudique -pour les gens que l'émotion dérange- que sa soeur est la seule personne qui lui manquera quand elle quittera la Terre. Et Jake, le mari de Georgia, interprété par Ted Levine, que l'on sent touché par la faiblesse et la volonté pugnace de Sadie de s'en sortir (même si elle n'est pas armée en conséquence ou fait les mauvais choix), et qui, en ce sens, est plus proche d'elle que sa soeur. Comme il le dit à un moment : elle est courageuse et elle ne pense pas à mal. Axel, le jeune livreur qui épouse Sadie, est lui aussi très touchant, et l'on se prend à espérer qu'à 2, les obstacles pourront s'effacer.
Quel ennui ! on se dit que le film va démarrer, qu'il va se passer quelques chose, non rien. Travolta et Freeman sont des faire valoir d'un film qui sent le rance, le déjà vu. Quel dommage !
De meilleur qualité visuel que le premier mais moins bon sur le fond. Dommage, déjà le premier volet était passé (selon moi) à côté de quelque chose de grand, de bonnes idées avaient été mises en place mais l'atmosphère ne suivait pas. Pareil pour cette suite, le acteurs sont crédibles et l'on trouve peu de longueurs. L'intrigue est moyenne, (on ne croit pas à l'histoire des yeux, ça meuble uniquement une intrigue relativement faible). La bande son est bonne cependant. Comme pour le premier, on trouve des maladresses et quelque incohérences dans le scénario. Je trouve la fin mauvaise et bâclée. Dommage car comme je l'ai dis, certain éléments étaient bons (l'étrangeté de la famille, la difformité de l'enfant, les retours dans le passé... j'aurais bien aimé que l'étrange passé de cette aire de repos contribue à la création d'une atmosphère afin de presque suggérer un mythe, celui de ce lieu de non-retour. Un travail intéressant sur le symbolique a tout de même était entrepris selon moi). Mais quelque chose est bancal, on ne s'attache pas aux protagonistes comme l'on devrait et donc presque aucune compassion est éprouvée. De plus, le tout maque de poésie. Dans le même genre, je préfère de loin Reeker et sa suite, ici 2/5.
Ce film n'est pas passionnant, on s'ennuie ferme, le scenario est sans surprises.Le seul bon point est la presence de Demi Moore et Bruce Willlis.