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Je voulais voir un nanar, quitte à continuer dans la saga des requins d’Asylum vu qu’ils sont bons qu’à ça, enfin bon... Du coup, là, rien qu’au titre j’étais sur de mon choix. Sauf qu’à force d’user la formule on se perd, rien de nouveau dans le style, que de l’attendu et du prévisible, tant la trame que l’histoire, moisie et connue jusqu’au « twist » de l’happy end. C’est pas les acteurs qui relèvent le niveau, entre la « look like fille d’Hulk Hogan » sortie des séries, une autre « scientifique » blonde bimbo qui n’aide que par 3 appels au portable, Tilk de Stargate SG-1 en version dépressif et un clone de (héros de Jaws), on a un bon ramassis de casting loupé et qui essaie à peine. On perd pas de temps sur les explications et la logique, au point que les « scientifiques » confondent 60 et 90° quand ils tournent. D’une manière générale ça balance des termes techniques pour faire intelligent, sauf qu’ils sont à côté de la plaque. On est bien dans le genre nanar de requins avec les longueurs inhérentes au fait de ne pas trop en montrer (et dépenser moins en FX foireux sous couvert de suspens), des dialogues nazes, une VF mal doublée, une musique moche, des ralentis et des contreplongées pourries, avec une mention spéciale au passage en moto, tourné à 2 à l’heure et ça se voit… Bref on a un nanar sans le côté sympa vu qu’il n’est pas marrant, juste lourd et lent, donc il est juste naze. Merci de surexploiter le filon au point de ne plus rien en faire, juste perdre de l’inspiration et se louper. Ah et la scène post générique ne sert à rien.
Gilliam a tenté de refaire un peu Sacré Graal, mais avec deux Monty Python seulement, moins de fantaisie et d'absurde. L'idée était sympathique, mais on est vite déçus du résultat.
La documentariste, Phoebe Hart, va faire un voyage pour la découverte d’elle-même afin d’avancer vers l’avenir et se réconcilier avec la honte du passé et le secret de famille qui entoure son état d’intersexuée. Malgré le refus pur et simple de sa mère de participer au film, Phoebe décide de mener sa recherche pour résoudre l’histoire de sa vie et obtenir les témoignages d'autres personnes concernées par l’intersexuation. Avec l'aide de sa sœur Bonnie et le soutien de son mari James, elle prend la route pour revenir sur sa jeunesse. Après une enfance heureuse et insouciante, au début de sa puberté, Phoebe apprit brutalement qu'elle ne menstruera jamais et qu’elle ne pourrait pas avoir d’enfants. Mais personne ne lui en expliqua les raisons et le sujet fut tabou. à 17 ans, la mère de Phoebe estima qu’elle était assez mure pour comprendre et le secret de famille a finalement été révélé. Phoebe avait subi une orchidectomie, chirurgie pour enlever ses testicules non descendus, des cicatrices émotionnelles qui sont encore à vif aujourd'hui. Le voyage de Phoebe autour de l'Australie lui permet de rencontrer d’autres personnes intersexuées et agit comme un miroir sur sa propre expérience. Elle prend de précieuses leçons pour la guérison et en matière de résilience, mais elle voit aussi l'impact que son état de santé a sur toutes ses relations. Phoebe et James veulent fonder une famille, mais l'infertilité et le stress de la procédure d'adoption mettent la pression sur leur mariage. Phoebe commence à comprendre les décisions difficiles qu’ont prises ses parents. Est-ce que parler ouvertement avec sa mère va donner à Phoebe les réponses qu'elle cherche ? (« Chéries-Chéris 2012 »)
Avec le retour de James Wong qui avait réalisé le premier Destination finale, on pouvait s'attendre à un bon troisième film mais c'est tout le contraire ! Le réalisateur cherche à innover mais les idées sont plutôt mauvaises. De plus, le scénario est très bancale, les dialogues bidons et les acteurs très moyens. Ça reste divertissant mais on sent vraiment que ça s'essouffle !
J'ai vu un film... qui a littéralement marqué le genre de la comédie noire grinçante et so british... C'est un chef-d'oeuvre plein d'humour, de surprises... Le casting est exceptionnel, avec Alec Guinness en chef d'orchestre d'une troupe de pacotille (Peter Sellers, Cecil Parker, Herbert Lom...), et sa tête de tueur psychopathe aux dents proéminentes, qui fait beaucoup pour garder la tête froide malgré les péripéties où il y aurait de quoi perdre son sang-froid... et l'excellente Katie Johnson avec sa bonne tête de "mamie gentille"... Tout au long du film, même si les gags puisent dans le comique de répétition, ils réussissent à se renouveler et à faire naître rires et fou-rires... Le film monte dans un crescendo irrésistible et on ne cesse d'être surpris, et amusé... Un très grand film...
La rencontre successive avec les édifiants prédateurs de ce nouveau pays qu'est le Soudan du Sud - Chinois attirés par le pétrole, missionnaires texans, entrepreneurs occidentaux et même les Nations Unies - pourrait, confrontée aux témoignages désespérés de la population locale, porter à réfléchir sur cette éternelle répétition d'un colonialisme dominateur et inhumain, à "comprendre, comme le dit Sauper, ce qu'on sait, au fond, depuis longtemps". Encore faudrait-il que cet atterrissage échappe à la duplicité de sa méthode. (...) En dehors des scènes d'avion, la beauté est absente de Nous sommes venus en amis. Qu'est-ce qui mobilise un spectateur ? Le choc, le dégoût, ou la beauté, la résistance ? Là est l'ambiguïté de fond, avec en toile de fond cette autre question : quelle est l'image médiatisable, celle qui fait vendre ? A trop aimer le père Ubu, Sauper cultive le spectaculaire en nous détournant de l'analyse.
3 femmes (la fille, la mère et la grande-mère) se regardent dans un miroir brisé, symbole (trop appuyé) de l'identité incertaine de l'une, des souvenirs brouillés de l'autre et du destin brisé de la troisième... avec le traumatisme de Hiroshima comme arrière-plan. Yoshida est un plasticien qui compose ses plans comme autant de tableaux.
"Gimme Shelter" n'est pas un simple documentaire musical sur le concert gratuit que donnèrent les Stones en 1969 : c'est avant tout le témoignange dramatique de la fin d'un monde aujourd'hui enterré. Tout au long des sixties, la révoultion culturelle américaine avait connu un formidable essor dans la musique grâce à un renouveau artistique incroyable, l'invention constante de nouveaux sons, l'exploration continue vers des pistes jusqu'alors inconnues qui allaient marquer toute une époque. La limite n'existait pas, tant bien dans l'art que ses à-côtés. Pas de censure non plus, liberté de ton totale et concerts monumentaux agrémentés d'une folie meurtière. Le mouvement a lui-même sombré dans l'auto-destruction, la faute notamment à des consommations illicites bien trop élevées changeant les comportements pas toujours de la meilleure des manières. Et c'est de cela dont traite "Gimme Shelter" : ce qui aurait du être une apothéose devient une plongée en enfer, invivable, insoutenable mais également complètement surréaliste : l'état de transe devient monde parallèle et les actions incontrôlées. Un peu trop même... Si bien que dans la foule, les excités deviennent rois. A chaque morceau, les Stones doivent s'arrêter à cause d'une nouvelle bagarre. De plus en plus violentes, celles-ci deviennent dangeureuses et l'on en vient à retenir son souffle en espérant que tout le monde soit indemne, ce qui n'est évidemment pas le cas. Le couteau d'un "Hell's Angels" s'élève dans le ciel avant de s'abattre sur un spectateur, lynché jusqu'au dernier souffle. Symbole d'un arrêt de mort inévitable pour un style qui avait atteint les sommets. La folie des hommes reprit le dessus et le détruisit. Dramatique paradoxe je le répète, ce sont les fans eux-mêmes qui ont tout mis en l'air. Le pire, c'est que personne n'aura retenu la leçon puisqu'au cours de la décénnie suivante, le septième art connut à Hollywood le même scénario.
Lana s'ennuie dans cette ville au nord d'Israêl, et moi aussi… J'ai complétement décroché à la moitié du film, après la scène où Lana s'en va nager avec le poète dans la mer. Le scénario est éclaté; je vois ce que le film essaie de me montrer mais c'est parfois fait assez grossièrement, la scène de la fête et le deus ex machina incarné par la star, le curieuse scène verte avec la petite Tamar, nièce de Lana, face à la mer, le rapport conflictuel entre le maire qui veut vendre sa ville et la teneuse de bar qui veut la faire vivre, et les scènes qui portent une certaine grâce à l'écran retombent trop rapidement à plat.
La première chose que l'on se demande tout de suite après avoir vu "Trouble in Paradise" du génial Ernst Lubitsch, c'est où le film serait éventuellement imparfait. En fait nulle part, chaque cadrage, chaque réplique, chaque situation, n'importe lequel des autres détails de la mise en scène sont chacun parfaitement à leur place. Quand à le chercher dans l'interprétation, il vaut capituler tout de suite avec l'éblouissant trio de charme Herbert Marshall-Miriam Hopkins-Kay Francis. Et c'est pas la peine de chercher non plus dans les seconds rôles surtout quand on sait qu'ils portent les noms d'Edward Everett Horton, de Charles Ruggles ou de C. Aubrey Smith. En bref, c'est un raffinement et une élégance extrêmes qui règnent tout au long de cette comédie bien que le sexe soit évoqué d'une manière très frontale, puisque les personnages d'Herbert Marshall et de Miriam Hopkins trouvent un aphrodisiaque très puissant à travers le vol, et ceci dès le générique du début. "Trouble in Paradise" est incontestablement la reine des comédies sophistiquées, la fameuse Lubitsch Touch à son zénith, qui se déguste comme une coupe de champagne, et attention ce n'est pas que du bon champagne, c'est carrément du Dom Perignon.
Un film catastrophe de série B,réalisé avec peu de moyens et avec une distribution pas folichone.On y croit pas vraiment et heureusement,il n'est pas très long.
Multi-primé dans son pays, «La Soledad» (Espagne, 2007) de Jaime Rosales est né dans un contexte très peu favorable à l’expression singulière du cinéma. Dans cette ambiance délétère où sont privilégiés les films commerciaux, Rosales réussit d’une part à contourner les vices attractifs de l’industrie mercantile et d’autre part à produire une œuvre étonnante qui révèle le montage comme une image patente et redynamise le procédé le plus galvaudé de la narration cinématographique : le champ-contre champ. L’intrigue est simple mais est reléguée au second rang derrière l’aménagement étonnant opéré par l’esthétique. Film choral où se mêlent plusieurs vies communes autour du drame de la mort, Rosales ne fait qu’emprunter un genre très vite consumé par Robert Altman et consort. Il faut revenir à la construction de l’image pour comprendre la richesse de l’œuvre. Bien souvent, l’écran est scindé en son centre en deux parties dont chacune propose la même valeur de plan. Se côtoient deux plans d’ensemble ou deux gros plans (très souvent ces deux types). Ce procédé, dont on peut craindre, à tort, l’usage fétichiste, convient au propos du film et bien au-delà. Rosales met à bien cet effet de deux manières. Les plans d’ensemble font cohabiter très souvent un lieu d’action dans lequel s’active un protagoniste et un lieu de vide, plein d’absence. Cette mise en parallèle met en exergue la solitude des êtres et exprime pertinemment l’isolement par une technique cinématographique. Le second effet que sert ce split-screen se révèle lors de la présence de deux gros plans. L’un apparait de face, l’autre de profil. Plus que de briser l’habitude du face à face, Rosales met en évidence la collure du montage et comble son intervalle. Plus que de revitaliser le champ-contre champ, ce procédé figure cette formule par une forme angulaire. A droite de l’écran apparaît la vue de celui qui à gauche est représenté par une vue extérieure. Mysticisme et démystification dans le même espace.
Je ne m'attendais pas à un film mouvementé, passionnant...! Doillon fait toujours dans les films intimistes,mais à ce point là, ca déssert carrément le jeu des acteurs (Lou Doillon n'avait déjà pas beaucoup de proposition... heureusement qu'elle s'est lancée ds la musique(sans son pere...)et donc cette fois avec du talent). Donc trop de bla bla pour peu de chose, envie de leur mettre à tous des claques, et surtout envie de quitter la salle rapidement...
J'attendais pas grand-chose de ce téléfilm nommé "Lake Placid VS Anaconda", qui possède il faut le reconnaître un casting vraiment mauvais (surtout en ce qui concerne les performances des jolies actrices) et une mise en scène assez affligeante. Mais l'ensemble n'est pas si désagréable à suivre que cela, car il y a une bonne dose d'humour au niveau des dialogues, l'histoire est assez fun à suivre et les effets spéciaux sont plutôt de qualité pour une production de ce genre. On notera par ailleurs la présence bien sympathique de Robert Englund dans un second-rôle qui n'a par contre pas une très grande importance dans le récit.
Beaucoup ont détesté ce film, sous prétexte que le scénario est fort mince (une famille est partie en vacances à bord d’une voiture dont le régulateur de vitesse tombe subrepticement en panne, donc le père ne peut plus ni freiner ni s’arrêter). Les gags s’accumulent et ne sont pas très subtils, mais le film n’a pas été conçu pour faire réfléchir le spectateur. Je me suis beaucoup amusé, et j’ai fort admiré la réalisation, très acrobatique, puisque tout a été tourné dans les conditions réelles du voyage. Après tout, les films de Laurel et Hardy non plus n’incitent pas à de profondes réflexions ! Et, soit dit en passant, la satire des individus obsédés de ce qu’ils appellent « la technologie » (le mot exact est « technique ») n’est pas une entreprise vaine.
Le film est assez méconnu, et pourtant ça vaut vraiment la peine de le découvrir. " La Belle et le Cavalier " soit comment un prince espagnol, installé dans l'Italie du Sud occupée par les Bourbons, tombe amoureux d'une magnifique paysanne qui n'est rien d'autre que Sophia Loren ! Sujet et scénario écrit par des grands du cinéma et de la littérature italienne (Raffaele la Capria, Giuseppe Patroni Griffi, Maccari), mise en scène de Francesco Rosi, volontiers engagé à gauche et qui s'éloigne pour une fois de ses sujets préférés (Mains basse sur la ville, Cadavres exquis, L'affaire Mattei, Les trois frères, etc. ), napolitain qui connait bien le midi italien, un cast parfait composé non seulement par le magnifique couple Loren - Omar Sharif, mais également par la star mexicaine Dolores Del Rio et par le français Georges Wison (excellent), ainsi que la sublime musique de Piero Piccioni font de ce film un pur moment de bonheur. Film étrange et magique, à voir en version originale napolitaine...
Izumi, femme au foyer timide et soumise au volonté de son mari écrivain et frigide, se décide à trouver du boulot afin de mettre un terme à sa triste routine et de gagner son indépendance. Alors qu'elle travaille dans une épicerie où elle promouvoie des saucisses-apéro, une femme l'aborde et lui propose d'être mannequin pour des nt peu à peu dans la pornographie, elle devient ami avec une enseignante d'université qui se prostitue. "Guilty of Romance" est un film original, mais lassant, avec des scènes et des evènements qui partent dans tous les s'y perd.
Pays de cocagne est un film de documentaire nul. Le film nous montre des sujets d'actualité de l'époque, on peut voir quelques beaux paysages, mais les discutions ne sont pas prenantes et le choix des personnes à interviewé aurait du être plus judicieux. Le premier documentaire de Pierre Étaix et ça se voit qu'il n'a pas l'habitude comme ce n'est pas son domaine et il est plutôt doué dans la comédie. La seule scène sympa est le début, mais après on décroche.
En se voulant dans la continuité tant thématique qu’artistique du chef d’œuvre de Fernando Meirelles, La cité de Dieu, Paulo Morelli nous sert un plagiat bien fade dépourvu d’effets visuels ou de mise en scène aussi originaux. Le réalisateur brésilien semble mélanger le dynamisme narratif et l’écriture brouillonne. Cette adaptation cinématographique d’une série télé à la mode au Brésil devait axer son scénario sur la relation des personnages au cœur des favelas, mais là encore les deux héros ne sont que des archétypes mal travaillés. Vous l’aurez compris, choisir que s’attarder sur ce ratage plutôt que revoir le magnifique La cité de Dieu serait une perte de temps regrettable.
Le film propose une ambiance intimiste, proche du quotidien. Les dialogues sont bien travaillés (on a l’impression de regarder une pièce de théâtre) et feront facilement sourire. Hélas, le film s'essouffle rapidement et on finit par s’ennuyer un peu. Dommage.
Autre version de cette sordide histoire déjà filmée dans "The girl next door" qui était plus trash et axée sur les tortures. Ici on aborde l'aspect psychologique plus profondément et l'environnement global qui mena à cette atrocité envers cette pauvre jeune fille. Page et Keener sont excellentes. Un film dur, très dur!
Je n’ai peut-être pas réussi à saisir le degré pour apprécier ce film. La surexcitation de la mise en scène fatigue et ne respecte en rien l’époque à laquelle est censée se dérouler l’action. Des déplacements à la vitesse du son en 1890, c’est un peu trop. C’est du cinéma, Ok, mais pas celui que j’aime. Je passe. Le film est trop long et le scénario indigent. Les dialogues sont bavards et sans saveur. Les effets spéciaux, pas toujours réussis, se multiplient et n’apportent rien. Au final, un film que je regrette d’avoir vu pour le temps perdu.
De l'action et une pointe d'humour. Un soupçon de dramatique, ce film à tout pour plaire. A VOIR !! Je pense que vous ne serez pas déçu.
Ce film m'a scochté, ca a été une surprise totale. Franchement je l'ai regardé en me disant "si c'est nul je coupe" et ben.....j'ai été au bout comme ca, naturellement, et vraiment comme dans les dessins animés, la bouche ouverte. A voir et a revoir !
Pour adapter librement « Nana », roman d’Emile Zola, Jean Renoir finança entierement le film en vendant les tableaux que son père lui avait légués. La grande idée est d’opposer deux mondes : celui d’une Nana interprété par une Catherine Hessling gesticulante, pesante et hystérique, face à deux aristocrates, le Comte Muffat et le Comte de Vandeuvres, interprétés respectivement par le sobre acteur allemand Werner Krauss et le presque aussi retenu Jean Angelo. De même les décors passent de l’imposant hall de réception de l’hôtel particulier de Nana, et son escalier monumental, au salon minimaliste aux tentures assez laides. Cette ode à sa femme, ancien modèle de son père, qui devait la propulser au rang de star, est finalement plombé par l’interprétation plus qu’outrancière de cette dernière, parfois à la limité du regardable. Elle enlève toute crédibilité à la fascination qu’elle exerce sur les hommes en développant un érotisme proche d’un concert de klaxon d’embouteillage mélangé à un ventilateur en sur régime. Ainsi, le film devient un pensum, de deux heures et demi tout de même ! Dans ces conditions, il n’est pas étonnant, qu’en dépit de qualité certaines (Longchamp, le plan sur les mains des deux Comtes, la scène finale dans la version allongée de deux minutes, et quelques autres), le film fut moyennement acceuilli. Ayant coûté un million de francs (une fortune à l’époque), Renoir en sortit ruiné. Il disait avoir été influencé par « Folies de femmes » d’Erich Von Stroheim. La rigueur en moins. Heureusement, la suite de son eouvre confirma la phrase de Nietsche : « tout ce qui ne vous tue pas, vous rend plus fort ». Et Renoir devint très très fort.
Une vraie merveille ce dessin animé que ce soit au niveau du graphisme, des effets spéciaux, du message véhiculé, de l'amusement. Les mimiques, le comportement des lapins sont un vrai plaisir. Aussi je tiens à préciser que j'ai lu une critique disant que c'est "nul" qui m'a horrifié.
"Mission" est une claque, visuelle et sonore. Peu de dialogue dans le film de Roland Joffé, l'essentiel se trouve dans la beauté de l'image et dans la Bande Original. En effet, la Palme d'Or 1986 a misé sur la force de ses images pour bouleversé le spectateur et cela marche. On est emporté dans cette histoire qui confronte la dureté des colonisateurs face au peuple d'Amérique du sud durant les années 1750. Émouvant, dure, magnifique, "Mission" réussi à nous transporté jusqu'en Amazonie même si cela n'est pas du aux deux acteurs principaux à savoir Robert De Niro et Jérémy Irons. Loin d'être mauvais, au contraire, c'est juste que la prestation de ces derniers passe en-dessous de l'esthétique du film lui-même. "Mission" est donc un film à voir absolument, peu connu (et c'est dommage), il serait bête de passer à côté et de louper un film qui possède une telle atmosphère. Mention spéciale pour la bande originale. Culte.
un tres joli film sur l'adultère , tout en nuances , magnifiquement filmé en 35 mm ce qui donne a la réalisation l'étroitesse de la vie au début du 20 âme siècle en pays scandinave. la mise en scène est discrète, le jeu merveilleusement simple est magnifique , les décors somptueux , un film ou la confidence est de mise, c'est parfait de bout en bout.
Un nanard absolu. Rien ne fonctionne : une histoire incompréhensible, des acteurs qui jouent mal, des décors minimalistes. On en vient à regretter Ed Wood...
film pathétique , quelques jolies actrices mais le scénario n'a aucun sens, et l'ensemble est très mal joué , on s'ennuie ferme. Le meilleur du film c'est la pochette , mais qui est aussi à mourir de rire quand le résumé du film annonce un chef d'oeuvre...c'est plutôt une grosse daube...
Fair Game n'est un grand film mais il offre tout de même de bonnes scènes d'action et personellemnt je n'ai pas trouvé que Cindy Crawford jouait si mal que cela.
Sans être un grand Alfred Hitchcock, Le Rideau déchiré n'en reste pas moins un assez bon film. Bien sur, le sujet a un peu vieilli et le maitre nousa avait habitué à des scénarios plus développés, mais il n'en reste pas moins que l'ensemble est très agréable, avec quelques très bonnes séquences, que ce soit au niveau de l'action ou des dialogues, dont le morceau de bravoure est la dernière demi-heure, avec le bus et la scène du théatre. Même si Paul Newman et Julie Andrews manquent un peu (et étonnamment) d'expressivité, l'ensemble n'en reste pas moins fort agréable et divertissant. Et comme on dit, un Hitchcock moyen vaut en général un bon film. Ce film ne semble pas échapper à la règle...
Difficile aujourd'hui de regarder ce spectacle : on assiste à un enchaînement de gags façon burlesque qui ne font pas (plus?) rire. L'intérêt actuel du film peut résider dans l'aspect historique, mais que c'est ennuyeux !
Malgré un bon casting et la bonne interprétation des actrices, le scénario n'est d'aucun intêret. Dommage..
Le navet a trouvé sa nouvel définition. C'est bourré d'erreur de script, scénario linéaire, et creux a souhait. acteur nul, effets spéciaux honteux, dialogue lourd dingue. j’exagère a peine.
Comprend pas bien comment ce film a pu s'attirer autant de louanges... L'interprète principale est bien, mais c'est pas non plus Jodie Foster. Quant au thème, le social enjolivé, n'est pas Ken Loach qui veut...
Alien Apocalypse est ridicule, mal joué, horriblement scénarisé, atrocement dialogué, inffamement mis en scène et basé sur une idée ridicule. Bruce Campbell est-il si désespéré qu'il accepte d'interpréter de tels rôles?! Ah lala... Elle est bien loin l'époque d'Evil Dead...
D'une déception totale !!! Un buzz inadmissible ! C'est une comédie potache façon "Bidochon" à multiples tiroirs à sketchs ridicules joués par des personnages caricaturaux à outrance ! 2h30 de vide, objectivement dénaturées par des gesticulations pénibles. La dénonciation du mensonge, de l'individualisme et du déni est remarquablement mal traité ici ! Seul Cluzet tient à bout de bras (comme il peut) cette pseudo comédie dramatique. Heureusement que le bouffon de service Dujardin tient un rôle mineur, sinon cela aurait été de la torture ! On est sur des One Man Show en permanence catastrophiques ! Vraiment une ÉNOOOORME déception !!! A fuir ! (Et dire que la France aime cela, le niveau est bien bas !!!)