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Tout est réussi, le respect de l'histoire originale, la photographie, le développement de l'histoire, les décors, les personnages mais surtout le jeu des acteurs, adultes comme enfant, attachant comme révulsant. Tout somme juste, frais et sincère. Une vrai réussite pour un film que je ne voulais pas voir car trop plon plon par rapport à mes envies du moment mais que je ne regrette pas d'avoir vu avec mes enfants.
Heureusement que des actrices Almodovar sont là pour assurer,sinon ce serait la débacle .
N’étant pas un fan absolu de Woody Allen, j’avoue que cet opus est parmi ceux qui me réconcilient avec un réalisateur qui s’est visiblement bien amusé à tricoter ce genre d’intrigues pseudo-existentielles, pour un prof de philo légèrement sur la touche et qui voit son destin basculer le jour où une discussion de bistrot le ramène à la vraie vie. Ce qu’il en fera est autre chose, mais Woody Allen, le scénariste cette fois joue avec malice sur des tableaux divers, où la noirceur n’est que palabres, et le thriller, un placebo. Un amalgame de circonstances qui paradoxalement se révèle dans un dépouillement scénique total, bien agréable. Joaquim Phoenix et Emma Stone forment un excellent couple, contre-nature. Des interprètes de première urgence. Pour en savoir plus
A voir, touchant. Malgré un fin attendue, ce téléfilm est très bien tourné et surtout joué. Aurait mérité un film en développant les perso. autour de l'exceptionnel attardé.
In my oopinion, this film is the best of all times. Two unforgettable legends a love pair in this 1959 film. No one can go through the whole movie without being affected by the beauty, charm and bursting talent of the young Romy Schneider in portraying Katia, a young school girl, then the emperor's amour, at last his morganatic wife, and the unbelieavable acting power of Curd Jürgens in portraying Tsar Alexander II. Despite their enormous age discrepancy what a great love and what a complete devotion, till the end of their lives. In spite of some differences with the real history, it is basically the same. We owe these two legends a lot, especially this magnificent movie. Thanks to both for everything. May both of them rest in eternal peace.
Tout simplement grandiose, d'un point de vue historique comme cinématographique.
Le titre porte bien son nom... Après le magnifique "Partir" il était d'autant plus intéressant de voir Yvan Attal dans ce rôle... Le problème du film reste sans aucun doute un scénario bien mince autant dans son intrigue que dans ses dialogues. L'intrigue est fragile dès lors qu'on ne comprend pas bien pourquoi Maya (Valéria Bruni-Tedeschi splendide) rappelle son ex et surtout comment a-t-elle son numéro après 15 ou 20 ans ?! Les dialogues n'aident pas puisqu'ils sont sans saveurs et futiles. Quelques scènes sont risibles (et ce n'est pas voulu), on pense surtout à la scène de la tronçonneuse évidemment. 1 étoile grâce au jeu superbe des deux acteurs principaux qui font ce qu'ils peuvent...
Hélas pour nous. Hélas pour nous. Hélas pour nous. Hélas pour nous.
ce film est franchement nul. on attend en permanence un coup de théâtre, mais il n'y en a aucun. pourquoi ? parce que le réalisateur s'est rendu compte qu'il suffisait de parler d'inceste et de suicide pour choquer et ébahir les gens... c'est un nanard, mais comme c'est estampillé dogme, faut trouver ça branché...
C'est la 5ème année à Poudlard et la saga continue de nous révéler ses secrets. On le savait dés le début, nos héros (qui grandissent à vue d’œil) n'allait pas être épargnés niveau aventures et cela se ressent de plus en plus. Encore une fois, Harry et ses ami(e)s font face à des dangers plus grands et exécutent des missions plus périlleuses qu'avant. Comme pour chaque film, de nouveaux personnages font leurs entrées. Et pour cette année, David Yates, le nouveau réalisateur, nous a préparer quelques changements radicaux (mais pas définitifs). Alors que la tête à claque et très exaspérante Imelda Staunton essayera de faire régner l'ordre et le calme à Poudlard, Helena Bonham Carter fait une entrée fracassante. Evanna Lynch, nouvelle élève à l'école de sorcellerie, s'alliera à la cause d'Harry et ses ami(e)s. Yates, nous a concocté un nouvel affrontement excellent et un final sombre qui va laisser des traces, encore une fois.
Ouille, ouille, ouille... Il peut arriver aux meilleurs de se planter, et Gus Van Sant le prouve dans les grandes largeurs. Si le point de départ est plutôt intéressant et que le réalisateur exploite avec un certain talent le décor forestier (quelques scènes ont visuellement une certaine gueule), pour le reste... C'est long, larmoyant, souvent pénible et parfois limite grotesque, malgré un ou deux rebondissements potables. Habituellement si subtil, Van Sant y va ici avec ses gros sabots, l'ensemble apparaissant souvent terriblement démonstratif et lourdaud, à l'image de nombreux dialogues insignifiants et du pathos en veux-tu en voilà... Même Matthew McConaughey apparaît un bon cran en-dessous de ses dernières prestations, sans parler d'une Naomi Watts encore plus fade que d'habitude. Reste une poignée de moments touchants, mais mieux vaut vite oublier ce gros loupé ayant trop souvent des allures de téléfilm du samedi après-midi : bref, à éviter, et je n'aurais pourtant jamais pensé écrire cela d'une œuvre signée par l'auteur d' « Harvey Milk »...
J’avais lu plusieurs critiques élogieuses sur le film et la bande-annonce m’avait vraiment intrigué, je suis donc allé voir le film avec curiosité et enthousiasme, deux sentiments qui n’ont pas été déçus. L’histoire elle-même mêlant le drame et le thriller mérite le détour ne serais-ce que le dépaysement de la langue et de la Belgique flamande, associant rivalité linguistique, trafique d’hormone et drame amoureux, elle crée une tension absolument jamais démentie durant les deux heures que dure le film. Mais comme l’ont souligné nombre de critiques, la vraie révélation du film est son acteur principal Matthias Shoenaerts dont la présence physique écrase tous les plans où il apparaît et dont le silence crée une menace sourde vraiment impressionnant. Il réussit avec brio à camper un personnage brisé par un drame qui l’a laissé mutilé et dont les répercussions ont fait de lui un être d’aspect froid et massif à la limite de la monstruosité et qui pourtant cache en lui une vulnérabilité tenant de son incapacité à trouver une place dans un monde où sa particularité, pourtant invisible, le laisse hors de la société. Si le film est peu violent au sans habituel qu’on donne à ce mot (hormis la scène où le héros subit ce qui va le briser, scène vraiment très dure) il traîne tout le long une tension sourde et on s’attend à tout moment à ce que le héros explose. Un film d’une puissance dramatique incroyable, à la tension forte et au personnage principal mémorable dans sa dualité d’être à la fois brutal et vulnérable. Si vous ne l’avez pas encore vu, réjouissez-vous vous avez encore le plaisir de la découverte qui vous attend !
Sur les affiches, les réalisateurs sont désignés par leurs seuls prénoms Nana et Simon: il s'agit de Nana Ekvtimishvili et Simon Gross. Une famille heureuse est un film géorgien, donc rare. Le point de départ de l'intrigue se retrouve dans de nombreux films contemporains: une mère de famille, professeur, décide, le jour de son anniversaire, de ne pas le fêter et de quitter le domicile où s'entassent plusieurs générations, des grands-parents aux petits-enfants adolescents. Scandale dans la famille! Tous vont tenter de retenir la femme indigne, celle qui ne respecte pas les traditions, la soumission à l'ordre patriarcal, le jeu de rôles imposé par la société. Têtue, indifférente aux reproches de sa mère qui, elle, n'a jamais quitté sa cuisine, laissant ses enfants se débrouiller avec leur propre vie, elle va s'installer seule dans un petit logement, où elle peut, enfin, écouter de la musique et le bruissement des feuilles d'arbres, tout en continuant de corriger ses copies. Un film qui réserve des moments vrais de bonheur égoïste, où les autres sont oubliés parce qu'ils ont trop empiété sur le jardin privé de l'héroïne; un film où, finalement on se sent bien, car les Géorgiens ont le sens de la fête et du chant; ; un film où l'on rit parfois des hommes qui se veulent protecteurs mais où les femmes osent s'exprimer et évoquer leur sexualité subie; un film où la caméra ne fait pas les pieds au mur, mais où on respire la vie et la ville. Un film incarné. La famille n'est évidemment pas le refuge du bonheur, comme le titre nous l'a ironiquement indiqué: elle est l'endroit du mensonge, de l'hypocrisie. Le dernier plan laisse planer un doute sur le pardon accordé à celui qui a trompé cette femme.
Je donne rarement quatre étoiles, mais ce film le mérite largement. Un chef d'oeuvre sublime sous tous ses aspects. À voir et à revoir.
Il est parfois difficile d'écrire des critiques sur les films tant ceux-ci peuvent avoir un propos creux et inintéressant. Dans le cas de La Vengeance du serpent à plumes", c'est le défaut le plus criant et le plus apparent. Pourtant le long-métrage de Gérard Oury n'est pas vraiment mauvais, et le regarder ressemble moins à une corvée que de voir des nanars comme "Superflic se déchaîne". Néanmoins soyons francs : l'humour est hyper lourd, pas fin, et les gags ont pour certains vieillis, sans parler des SFX. Puis les personnages ne sont pas d'un intérêt extrême...C'était à prévoir avec Coluche (pour l'humour bien sûr) dans le rôle-titre mais le produit final n'en est pas moins réjouissant, parce que quand même, de temps à autre, le scénario nous offre quelques dialogues efficaces et qui font mouche. Alors certes ce n'est pas suffisant pour conclure de la réussite du film, surtout de la part d'un cinéaste qui a réalisé autant de succès populaires ("La Grande Vadrouille" et "La folie des grandeurs" entre autres), mais bon on s'en contentera pour cette fois.
Une réalisation bien trop molle et sans tension dans ces conditions le coté déphasé des personnages est bien inutile et même contreproductif. Ils ont tout tenté pourtant pour accentuer le coté dramatique jusqu'à laisser les cheveux de Deneuve toujours mouillées après une nuit et une matinée, il fallait oser. Le film se regarde sans plus.
Claude Chabrol adapte Simenon avec son talent habituel et donne à Michel Serrault l'un des plus grands rôles de sa carrière. Il y est formidable dans ce rôle de chapelier qui a tué sa femme mais qui continue de faire croire qu'elle est en vie, tour à tour gentil, posé, guilleret, menaçant, moqueur et énervé, il ne cesse de nous fasciner et il ne reste à Chabrol qu'à filmer son histoire à sa sauce habituelle. Peinture d'une petite ville de province avec ses petits bourgeois, ses ruelles pluvieuses ou brumeuses qui cachent des choses enfouies à chaque coin de rue, "Les fantômes du chapelier" est un vrai délice, faisant brillamment le portrait d'un assassin aussi grandiose que médiocre et de son voisin, discret tailleur arménien qui ne peut rien faire d'autre que de suivre le coupable sans vouloir s'attirer d'ennuis.
Dialogues incompréhensibles . La bande son est de piètre qualité. Le film ressemble plus à un documentaire. Les acteurs sont par ailleurs excellents.
Malgrès une idée sympathique, ce film est profondement ennuyeux et ne pourrait être conseillé qu'en valium lors d'une insomnie persistante, ou, pour les masos, comme instrument de torture.
Locataires, le film précédent de Kim Ki-duk, était un petit bijou, savant dosage de douceur et de violence, poétique bien que dans un cadre très réaliste, rythmé par une musique lancinante. Dans ce nouveau film, il y a toujours le mélange doux violent, la poésie, et une autre musique lancinante. Le réalisme est beaucoup plus loin, probablement sur la côte (toute l'action du film se passe sur un bateau, en pleine mer). N'est-ce que pour cela que l'on ne retrouve pas le charme ? Pas seulement. Il n'y a aucun mystère, rien ou presque n'est laissé à l'imagination du spectateur, tout est souligné à gros traits bien épais. Les personnages ne sont que des figures poétiques, sans consistance, sans réalité. Dans "Locataires", le passage entre la douceur extrême et la brutalité de certaines scènes était toujours surprenante, subtile, signifiante. Ici, la symbolique de l'arc, utilisé comme arme, puis comme instrument de musique, est d'une lourdeur pathétique. Pourtant, l'idée de départ était originale, l'histoire est clairement racontée, la photo plutôt jolie... Mais ces qualités ne sauvent pas le film de l'ennui.
TF1 qui débauche un de ses animateurs pour faire l'acteur, ça vous suffit ? A moi aussi. Le chien joue mieux que Dechavanne, surtout que c'était déjà pas mon animateur préféré, un bon aigri chiant (ça se voit encore plus maintenant qu'il n'anime guère plus), avec une histoire banale, déjà vue et minable, du lourd en perspective, et en vrai.
De tres tres loin le plus mauvais de Mann, les images ne sont pas belles (contrairement à ses futurs chef d'oeuvres), la musique est criarde au possible (tres années 80 avec une espece de clavecin electronique), les acteurs pas specialement bons et les dialogues ridicules... Ca fait beaucoup donc et je ne chercherai pas d'excuses quelconques pour pardonner ce ratage (la Paramount,patati patata). Ca me fait d'autant plus mal que je suis fan de Michael Mann. Pas a eviter pour autant, ça peut etre interessant pour voir a quel point le cineaste a evolué et progressé pour devenir l'un des plus grands aujourd'hui.
Désolé, je soutiens moralement ce film et j'envois plein d'amour à tout le monde, mais ce n'est pas mon cinéma, je déteste l'abscons et l'ennui, la poésie poétique pour l'art qui cache le vide ... trop tiède ... perso j'ai décroché très vite, malgré mon amour de l'Afrique
Oh my god que c'est mauvais!!! Passez votre chemin, même si l'idée, le lieu, peuvent être séduisant pour les amateurs de sensations, ce film aurait pu, avec une véritable équipe de bon réalisateurs être bon.... mais la réalisation, le casting ou la direction d'acteur, que sais-je, rend ce film d'une daube pas possible !! Aucune profondeur des personnages, de l'histoire, on dirait un film de débutant, est ce le manque d'argent? Est ce le manque de passion ? En tout cas, non, ce n'est pas un film à voir, c'est juste une grosse déception. Quand on voit des films comme conjuring, ou insidious, impossible de rivaliser avec ça...perte de temps et d'argent...
Le duo détonnant d'Outkast tente un pari difficile en essayant d'adapter leurs foisonnant univers musical dans un long-métrage sous la houlette d'un clippeur chevronné mais c'est bien là le problème, un film de 2 heures n'est pas un clip vidéo et malgré une photographie de qualité et une restitution soigné, Idlewild ne tient pas la distance tout simplement. Les numéros musicaux ne sont jamais aussi extravagant que promis et l'intrigue mafieuse reste convenue et un brin ennuyeuse sans oublier les effets "clips vidéos" totalement éculés. Il vaut mieux en rester aux albums.
Il est impossible d'aimer "Seul contre tous". A moins bien sur de s'appeler Francis Heaulmes ou Guy Georges. Mais ce n'est pas pour autant qu'il s'agit d'un mauvais film. "Seul contre tous" se regarde plutôt comme un expérience cinématographique éprouvante et désagréable qui nous met extrêmement mal à l'aise. Le film nous procure au foultitude d'émotions allant du dégoût, à la haine en passant par la peur. Un film qui procure autant d'émotions, même désagréables, ne peut être qu'un film réussi.
Coincé entre deux squelettes dégoulinants de sueur, l'enfant tremblote, malade - ils le sont tous.L'iris bouillonnant de l'objectif encercle les passagers, pénètre leurs âmes et, au gré des kilomètres, expose doucement leurs plus intimes pulsions. Rongés par la haine,abrutis de violence, les 3 complices n'épargnent rien à leurs otages.. Sous la face rougeoyante d'un soleil de plomb se joue un drame d'une toute puissante finesse, efficacement mené par une brochette d'énergumènes déphasés. Avec ses airs de road movie décomplexé, l'haletante débandade laisse apparaître dans son sillage une ecchymose cuisante de cruauté, dont quelques clébards errants pourront se délecter.
Un très grand chef d'oeuvre de Claude Lelouch qui est malheureusement mal vu et méconnu. Je ne comprends pas toutes ces critiques. Je ne suis, loin de là, pas du tout fan de Piaf, mais quand je regarde ce film, je trouve qu'il a toute sa splendeur, classique, parfois comique et dramatique, avec de très bons acteurs qui donnent toute leur générosité. Et je voudrais faire appel à toutes les mauvaises critiques par rapport à Claude Lelouch, que c'est un maître, un génie du dialogue et du scénario. Beaucoup me contredirons, en me disant qu'il n'arrête pas d'envoyer des séquences, des scènes, des flash-back à tord et à travers qui n'ont aucune importance. Et bien si! La particularité chez Lelouch, c'est la jonction entre les personnages, longue à attendre parfois, mais divertissante et très plaisante (en tous cas pour moi), les hasards et les destins qui se profilent, les dialogues très sérieux et réalistes (pas comme dans des films où des personnages parlent les uns derrière les autres comme des bouquins, sans expressions de la vie courante ou sans se couper la parole). Et bien Lelouch fait en sorte que ce film en soit le plus réaliste possible et le plus sérieux qu'il soit, du début à la fin du film. Et c'est parce que c'est un réalisateur trop réaliste et sérieux, que beaucoup critiquent son genre de cinéma. En tous cas, c'est un film très divertissant, les décors des années 40 sont somptueux. Grand chef d'oeuvre soit-il, que la musique de Francis Lai l'est aussi. Bref, un grand film tristement oublié.
Cette suite pourra sans doute décevoir pour certains, mais pour ma part je l'ai trouvé géniale. Moins sombre mais plus aventureuse, Alice passe ici de l'autre côté du miroir et va devoir aider le Chapelier Fou à retrouver sa famille disparue. Pour cela, elle va avoir besoin du temps, ou plutôt du Maître du temps qui est donc ici une personne : nouveau personnage, bientôt adoré de tous. Incarné par Sascha Baron Cohen, son perso est épatant autant visuellement (moitié homme, moitié robot horloge, les yeux bleus qui disjonctent) que mentalement (un côté doux, l'autre fou). Il y apporte un vrai plus au film. On retrouve aussi tous les amis/ennemis d'Alice : le Chapelier fou terriblement attachant, le lapin, le lièvre, le chat et autres animaux, la Reine Blanche mais aussi la Reine de Coeur toujours aussi folle... L'histoire est très dynamique car Alice va naviguer entre plusieurs passés et présents afin d'accomplir l'impossible. On en apprend davantage sur les personnages, comme les différents entre les deux sœurs reines, la famille du Chapelier, celle d'Alice... On retient donc l'importance de la famille, mais aussi d'autres sujets comme le féminisme naissant ou encore le temps, qui peut s'avérer autant notre ennemi que notre ami selon notre utilisation et façon de voir les choses. Quelques moments émouvants sont également au rendez-vous. Les effets visuels et féeriques nous en mettent toujours plein la vue. Cette suite se déclare être une superbe aventure avec de jolies leçons à retenir.
Après une série de films mineurs,voire ratés pour certains,Woody Allen revient à un cinéma de meilleure qualité et plus ambitieux."Melinda et Melinda" part d'un exercice de style tout simple.2 films en un à partir d'un même synopsis de départ.Une partie tragique,une partie comique.Evident,mais il fallait y penser.Le seul point commun entre ces 2 films dans le film étant Melinda,incarné par la subtile et très belle Radha mitchell.Héroïne digne des meilleurs Allen,elle peut s'exprimer sur toute une gamme d'émotions.Cet opus atteint une certaine portée philosophique,nous indiquant que la vie peut être vue sous des angles différents selon l'enchaînement d'évènements,ses relations,son caractère,ses coups de coeur.Chaque acte en entraîne un autre et ainsi de suite.La vie n'est pas linéaire.Elle est faite de hauts et de bas.Même si ici Allen pousse le procédé en voyant tout en rose ou tout en noir!Saluons la très bonne direction d'acteurs duquel émerge un Will Ferrell taquin,la musique soignée et le scénario malin.Le Woody qu'on aime.
Profondément antimilitariste, André De Toth a toujours considéré que la guerre était faite pour des criminels, par des criminels. Pour le dernier film de sa carrière, il reprend le thème des Douze Salopards de Robert Aldrich et le transpose dans le désert de Lybie. La hiérarchie, officiers et généraux principalement, en prend pour son matricule. André de Toth traite le sujet de la guerre avec un cynisme non voilé et il se délecte à montrer des cadres militaires dévoyés, des mercenaires indisciplinés, railleurs, ironiques à l'instinct bestial, mal rasés et vêtus comme des chiffonniers. Il ne pouvait faire mieux pour tourner l'armée en dérision. Le colonel Masters (Nigel Green), qui commande une unité de mercenaires, en est la parfaite incarnation. Michael Caine incarne le capitaine Douglas qui va devoir composer tant bien que mal avec le capitaine Leech (Nigel Davenport) et ses hommes, un ramassis de truands et anciens trafiquants. Le commando dirigé par les deux hommes doit détruire un dépôt de carburant allemand. Le film a été tourné dans le désert d'Almeria, en Espagne. Le montage est soigné comme d'habitude avec ce réalisateur au fort tempérament. La musique utilisée lors de certaines séquences malencontreuses et les dialogues cinglants renforcent le ton volontairement caustique voulu par André de Toth. Nonobstant l'aspect acerbe du cinéaste, Enfants de salauds reste un excellent film de guerre même si quelques scènes peuvent apparaître déconcertantes, voire choquantes. Tourné avec réalisme, ce film austère au caractère dérangeant est à voir absolument et constitue l'une des œuvres majeures d'André de Toth, le cynisme atteignant son paroxysme jusqu'à la scène finale.
Je ne recommande pas, c'est long, on s'ennuie, et l'humour est particulièrement pauvre et inutilement graveleux. Le scénario tient en deux phrases, c'est valable pour plusieurs films c'est vrai, mais ici cette idée de base n'est pas approfondie, et les gags les plus basiques sont choisis. Par exemple, la scène de découverte après le premier orage manque de rythme : elle se lève, ne remarque rien (?!), pisse debout (?!), et se recouche : c'est long pour rien et pas du tout cohérent. Je plains ceux qui ont payé leur place ! [1/5]
Bon film des années 90 dans l'ambiance du Dance machine!
Destination Finale 2 est pour moi un ovni dans le sens où malgré que l'intrigue est prévisible, ça se laisse regarder sans problème. La réalisation est correcte et la violence ne fait pas office de prétexte (pour une fois) à cette catégorie qui d'habitude mise sur la meilleure méthode pour faire vomir le spectateur.
Pathétique. Une pale copie de l’original : NEUF REINES
Superbe adaptation du Comic de James O'Barr et interprété avec force et conviction par un Brandon Lee magistral,qui malheureusement allait y laisser sa peau.Un chant du cygne version gothique,savant mélange entre ténèbres et lumières,à l'égal du dilemme tragique de son personnage,amoureux transit et vengeur malgré lui. CULTE!!!
Vraiment déçue. A u début ça commence super bien, le film est bien, il y a un peu de suspense. Mais la deuxième partie est réellement ennuyante. Je suis restée sur ma fin. L'intrigue ne tient pas spécialement en haleine.
Très beau film en noir et blanc qui traite des horreurs de la guerre. La propagande militariste japonaise est balayée par la réalité du terrain, faite d'hommes détruits physiquement et psychologiquement. L'action est centrée sur le travail et les états d'âme de l'infirmière Nishi, confrontée aux soldats mutilés qu'il faut tenter de sauver. Mais sauver en amputant est-ce vraiment sauver ? Comment garder son humanité dans une guerre, peut-on résister à la folie, telles sont les questions que pose le réalisateur, qui brille par une mise en scène sobre et efficace, avec des images parfois insoutenables. Les acteurs sont excellents.