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Auréolé d’une solide réputation acquise tout au long des festivals indépendants qu’il a écumé, States of Grace illustre pourtant les limites de la transposition autobiographique littérale. Ne s’improvise pas metteur en scène qui veut. Aussi c’est sans finesse que Destin Cretton est passé d’un court sur le même sujet à son premier long-métrage. Tout n’est pas loupé, telles ces séquences où sont exaltées la libération par l’art de ces jeunes désœuvrés. Le rap de Marcus provoque même quelques frissons, mais reste comme une rare éclaircie dans la brume. Aussi grave soit-il, ce sujet devait-il être traité par les seuls pathos et grosses ficelles ? À force de survoler tous ses personnages, le film empile les bribes sans s’arrêter en profondeur sur la moindre histoire. À ne pas trancher entre fiction et documentaire, la narration noie aussi la quelconque empathie qui aurait pu naitre. Les scènes se succèdent sans le moindre souci de fil rouge ou de cohérence. Palme de la médiocrité à Mason, personnage interprété par John Gallagher Jr, dont la niaiserie et la candeur transpirent à chaque plan. À mille lieux de la saine ambition que recouvrait ce projet.
Énième fable écologique du cinéma d'animation japonais, "Le Royaume sans Pluie" fait tout en moins bien que les autres. Passons sur le message qui est balancé a la tronche du spectateur sans la moindre subtilité et qui s'adresse clairement aux très jeunes. Le film manque d'une lecture adulte là où l'animation japonaise excelle d'habitude. Le pire ici c'est encore l'aspect technique. Animation digne d'une série animée télé moyenne, DA en grand manque d'inspiration et de personnalité. Chara design pauvre et impersonnel. Univers vu et revu. C'est simple, on n'est pas du tout dans le niveau qualitatif du cinéma. C'est à se demander pourquoi un distributeur français a décidé de sortir ça dans nos salles. Pour finir, les gags, les dialogues, les personnages, tout à été fait 1000 fois par d'autres avant lui. A tous les niveaux, on est dans le registre des séries télé produites en quantités industrielles au Japon chaque trimestre. En plus, ce film passe juste après "les enfants de la mer" qui lui est incroyable de beauté et de poésie. Je le qualifierait bien de Ghibli du pauvre mais ce serait lui donner trop d'importance tant il se situe à des années lumières du moins bon de leurs films. Bref. Si vous aimez l'animation japonaise, passez votre chemin. Si vous voulez un conte pour vos enfants, vous trouverez mieux aussi.
Une nullité cinématographique. Tout sonne faux, rien n'est crédible, les acteurs sont nuls. Un néant total!
Jusqu'à present, les films d'horreurs n'etaient pas de franches reussites dans le cinema francais, comme le pitoyable "Promenons nous dans les bois" de Lionel Delplanque. Je decouvres par hasard, lors d'une diffusion à la television, le deuxieme film d'Alexandre Aja, "Haute tension". A la fin du film, j'etais litteralement scotché, tout est parfait dans le film!!!! Les plans et cadrages qui nous font tenir en haleine tout au long du film. Une histoire qui fait frissonner avec une surprise à la fin. Une excellente interpretation de Cecile de France, Maiween ou Philippe Nahon. Le film d'horreur Francais est né avec ce film et je souhaites une trés bonne carriere à Alexandre Aja pour le reste de sa carriere et qu'il nous regale avec ses prochains films. Ames sensibles s'abstenir, sinon a voir.
Dans cette vraie-fausse suite de la Fiancée du Monstre, Ed Wood franchit encore un palier dans le n'importe nawak. Si le fond semble pour une fois un poil réfléchi (le film se moque du charlatanisme), la forme est catastrophiquement hilarante et ce, dès les premières minutes, avec ce monologue d'introduction d'un ridicule incroyable illustré par une multitude de stock shots non moins improbables. Le spectateur n'est pas au bout de ses surprises au fil de cette sombre histoire de fantômes à laquelle je n'ai absolument rien compris. Tout ce dont je me souviens, ce sont ces séances de charlatanisme avec ce pauvre mec faisant le guignol sous son drap et cette trompette jouant seule (et mal) en lévitation ! Quelques gags parsèment le récit mais l'humour involontaire demeure bien plus efficace. Ed Wood était un comique de génie qui s'ignorait.
Des Heroic fantasy dans le cinéma, il n'y en a pas beaucoup, mais des réussis, encore moins. Les trois heures sont justifiées, les combats sont énormes, l'histoire est développé autant que le budget l'a permis et pour ma part, les acteurs correspondent parfaitement à l'attendu... Kristanna Loken crève littéralement l'écran, plus que Lagertha dans Vikings, c'est pour dire !... Excellent !
Assez amusant à regarder ce film carcéral avec ses prisonnières et gardiennes en mini-jupe et cependant plutôt lassant au bout d'une demi-heure, le final raté n'aide pas à rehausser le niveau de Women in Cages. A regarder plus par curiosité qu'autre chose notamment pour Pam Grier en matronne.
Pour sa première réalisation Emmanuel Hoss-Desmarais raconte les péripéties d'un homme qui après avoir percuté un piéton sous l'emprise de l'alcool décide de se débarrasser du corps et par peur de la police décide d'aller vivre dans la foret dans une déneigeuse. L'idée de base est simpliste on suit cette personne qui tente de survivre dans une ambiance froide comme la température on le voit en proie avec ses doutes et son sentiment de culpabilité. Le film est parsemé de flashback qui nous permettent de connaitre et comprendre un peu plus le personnage mais ça ne m'a pas du tout convaincu il manque quelque chose à cette histoire, ça manque de rythme il ne se passe quasiment rien bref je me suis beaucoup trop ennuyé.
Mais quelle idée m'a pris de vouloir regarder ce truc là. Aucune originalité, la fin du monde d'après les Mayas, plein d'incohérences du style: Quand Cuzco a détruit les Mayas, ceux-ci ont fait une chanson que l'on a retenue des milliers d'années après (faudrait leur dire que C Colomb n'a découvert l'Amérique qu'en 1492). Les effets spéciaux sont d'une nullité effarante et n'ont d'égal que la platitude larmoyante du scénario. A fuir absolument !!!
On sourit de voir comme ce film a mal vieilli, mais n'empêche que l'on passe un agréable moment en compagnie de Romy Schneider, toute jeune (quoiqu'elle n'a jamais été vieille) !
Ce film est génial !! Bon scénario, bien réalisé, Emma Watson et Logan lerman joue de façon formidable ! Lorsque que j'ai fini de le regardé, je ne voulai faire qu'une seul chose, le regardé une nouvelle fois !!
Bien qu'un projet de tourner une adaptation du monument de Cervantès pour le septième art ne soit pas récente, ce long-métrage est l'un des seuls, voire le seul Don Quichotte achevé, Orson Welles et Terry Giliam s'y étant cassé les dents en leurs temps. S'il ne faut pas s'attendre à un chef d'oeuvre, il faut tout de même constater que le réalisateur de "Bullitt" a gardé la forme. Les acteurs assurent un numéro plutôt bien mené, particulièrement Bob Hobskins, qui joue un Sancho Panza supersticieux et timoré. Il est vrai que plusieurs plans d'effets spéciaux sont moins réussis que d'autres, mais les visions hallucinées de Don Quichotte sont bien rendues, John Lightow jouant avec sincérité et candeur. En bref, une petite adaptation agréable et fidèle à l'esprit décalé et lunaire de Cervantès.
Faute à la boulimie de la télé, les bons policiers sont aujourd'hui denrées rares au cinéma. Corneau, la preuve justement, se réduisant même à tourner un remake superflu du Deuxième Souffle' (Lino Ventura s'en retourne dans sa tombe). Mais on le sait, ce n'était pas le cas entre 1955 et 1980. Cette période avantageuse nous permet désormais de savoir au préalable à quels polars faut-il jeter un il plus attentif. Aisé pour notre propre plaisir bien sûr, moins pour que nous en donnions un avis plus juste et honnête, fatalement. Ceci dit, il faudrait être sacrément malhonnête pour ne pas reconnaître que Police Python 357' (1975) sort du lot. Le mécanisme du récit, le soin et l'esthétisme s'y référant, démontrent que Corneau, lui qui n'avait pourtant qu'un seul et moyen film à son actif (France, société anonyme', 1974), maîtrisait déjà son sujet. Pas surprenant qu'Yves Montand, alors au faîte de sa gloire, son épouse Simone Signoret, et le glorieux François Périer se laissèrent convaicre par l'aventure de ce réalisateur cinéphile, ex-assistant de Costa Gavras et adepte de Fritz Lang et de Jean-Pierre Melville. D'autres éléments, d'ordre psychologique (des personnages) voire géographique (le choix du lieu, atypique, Orléans) agrementent cette fiction haletante qui n'a pris la moindre ride, même si certains devront se montrer indulgent avec l'époque (Peugeot 404, cabines téléphoniques ). Mais tout comme dans Le cercle rouge' ou le Dernier domicile connu', la perfection perdure tout au long du film, ne perdant rien de son suspense. Quelques rares voix se sont élevées contre une fin accélérée, mais ce n'est pas clairement justifié. Corneau entrait, cette fois, bel et bien dans la cour des grands et ignorait encore qu'il allait réaliser trois autres perles noires consécutives, La menace' (1977), Série Noire' (1979) et Le Choix des Armes' (1981). Des films (ou des Dvd) à conseiller à la jeune génération, probablement moins bien influencée par ses plus récents
Amputé de moitié, méconnu, oublié, ce film inimaginable n'en est pas moins la plus grande oeuvre de cinéma qui soit.
C'est le remake par le même cinéaste d'un film de 1932 qui avait eu beaucoup de succès, dans le monde entier, dont on retrouve l'écho après-guerre chez de nombreux comme chez Bergman (La Nuit des Forains 1953), Fellini (Les Feux du Music-Hall 1950 et la Strada 1954), Cukor (To Be or not to be 1942) etc. Quatre films qui en retour ont eu une grande influence sur le remake en couleur. Par exemple la musique imite celle de Nino Rota Une troupe de théâtre famélique et dérisoire arrive dans un petit village portuaire. Il fait une chaleur insupportable. La représentation n'est pas un succès. Le chef de la troupe (joué par le très célèbre acteur de kabuki, trésor national vivant, Ganjirō Nakamura) retrouve là une femme dont il a eu un fils 12 ans avant. Mais sa maîtresse actuelle l'apprend et décide de se venger en envoyant la jeune actrice de la troupe (la sublime Ayako Wakao), à laquelle "aucun homme ne peut résister", séduire le fils. Entre la comédie et le drame comme les trois films cités, entre l'émotion et la fatalité, mêlant l'ironie féroce (le mauvais Kabuki) à la compassion (l'amour de l'ancienne maîtresse magistralement incarnée par Haruko Sugimura, une actrice présente dans presque tous les films d'Ozu) entre l'oppression de la canicule et l'espoir de l'amour, Herbes Flottantes d'Ozu est un des films les plus poétiques de ce maître de la poésie.
Mid-sommeil. C’est un peu la nouvelle tendance, faire du film d’épouvante classe, bien emballé dans une jolie boite. Le film commence aux States sur une mystérieuse tragédie familiale. Dani, la fille de la famille en est très affectée. Avec son mec, Christian, ça va pas fort. Lui et ses potes étudiants en ethnologie ont prévu d’aller dans une communauté paumée en Suède. Dani les suit. Arrivés là-bas, ils se rendent compte que les habitants de ce petit village sont étranges. C’est avant tout très beau. La photo est belle, léchée, lumineuse. Mais froide. Presque autant que ces personnages agaçants tant ils sont apathiques. Il ne faudra donc pas compter sur eux pour nous réveiller de la torpeur dans laquelle on s’est enfoncé dès la première demi-heure du film. Car c’est bien là qu’est le problème majeur de Midsommar. Il mise tout sur l’ambiance et le décor mais omet de raconter quelque chose et la maigre intrigue qu’il esquisse est cousue de fils blancs. Cette séquence d’ouverture est parfaitement inutile tout comme l’ensemble des rituels du village exposés en long, en large, en travers et en plongée et en contre-plongée. C’est joli mais profondément ennuyeux et ça côtoie même le grotesque lors de cette scène d’accouplement en public. En somme ce joli paquet vide de 2h30 pourrait être allégé d’une heure, rien que ça. Quant à savoir où le film veut en venir, libre à chacun d’y voir un éloge du relativisme culturel ou au contraire un plaidoyer contre les sectes voire même le parcours erratique d’une jeune paumée qui trouve la famille qui lui manque. Bref, beaucoup de bruit pour peu de choses.
C'est un excellent dessin animé réalisé par le studio qui a fait la trilogie des "Dragons". C'est intelligent, plein d'aventures et de rebondissements. Pour petits et grands. Le Yéti "Everest" est vraiment intelllgent, beau et adorable.
Un bon film, ca fait plaisir de voir des vikings. On aurait préféré des meilleurs effets spéciaux mais ca tient la route tout comme l'histoire.
C'est un très bon film. Les acteurs sont bons, le scénario aussi et le tout est très bien fait. Quelques trucs drôles et pas mal de suspense. Ce film mérite 4 étoiles car c'est bien comme cela que l'on veut voir les films policiers.
Film quelconque donc sans originalité: scénario ultra classique, rythme mollasson, mise en scène banale, rien ne surprend le spectateur hormis le fait que le réalisateur est Lumet. A éviter.
Ce blockbuster signé Disney & Jerry Bruckheimer n’avait rien à cacher. On savait très bien que le résultat serait digne de ce nom. Budget conséquent, acteurs bankable, de l’action à foison, des SFX dantesques et enfin, une B.O rythmée, voilà ce que nous réserve Mission G (2009), film d’espionnage où une escouade de cochons d’inde (!!) tente de mettre fin au plan orchestré par un industriel peu scrupuleux. Hélas, comme toujours avec ce genre de film, le scénario se retrouve désuet et incroyablement dénué d’intérêt ! Si bien que les 90 minutes du film paraissent interminables. Reconnaissons tout de même le très bon travail au niveau des SFX avec des rongeurs plus vrai que nature (notamment grâce au travail sur la fourrure, les mimiques, les museaux, etc) sans oublier bien sûr, l’effet 3D en Relief qui pimente le tout. Mais, c’est bien trop peu face à un film de cette ampleur qui au final, satisfera uniquement nos chères têtes blondes.
A voir absolument si l'on veut découvrir, faire découvrir ou retrouver Frantz Fanon : l'homme, ses combats et sa pensée. C'est plus qu'un portrait, c'est un film qui redonne vie à l'héritage de F. Fanon par une analyse fanonnienne du présent. Le réalisateur, Hassane Mézine, multiplie les points de vue en donnant la parole à de figures de luttes actuelles sur plusieurs continents, et donne à voir la vie de l'homme et sa pratique de psychiatre de manière inédite. C'est surtout un beau film, on sort de la salle de cinéma galvanisé, conscient de faire partie de la grande famille humaine, avec l'envie de lutter pour que disparaissent les injustices du racisme. Dans les derniers instants de sa vie, Frantz Fanon a confié à un ami qu'alors que les médecins désespéraient de son état, lui pensait au peuple algérien et aux peuples du Tiers-Monde : "Si j'ai tenu, c'est à cause d'eux". En ça, ce film lui est très fidèle. Il a été projeté à Toulouse dans une salle plein à craquer. C'était très touchant de voir se retrouver dans la salle des gens de tous horizons réunis autour de l'héritage de Fanon. A ne pas manquer !
La Califfa ...... Ah Romy ,magnifique Romy qui s'intronise dans cette scène d 'ouverture très dure mais également très belle ...portée par la musique de "Ennio Morricone" omniprésente ! Après le cultissime "la piscine"de Jacques Deray ,Romy s'offre une parenthèse italienne en 1970 avec Alberto Bevilacqua, journaliste au " Messagero " qui était surtout connu pour ses travaux littéraires. En 1960, il avait écrit La Califfa et dix ans plus tard, il décida de porter son roman à l'écran, sans expérience cinématographique préalable. Toutefois, il fallait moderniser son récit et l'adapter à une nouvelle situation sociale. Le propos restait le même, et Alberto Bevilacqua se plaisait à le définir comme " le portrait de l'humanité féminine en pleine mutation, face à la suprématie séculaire du mâle. " Pour accéder à plus de réalisme, il emmena son équipe dans la région de Terni, zone industrielle du nord de l 'Italie. Le tournage commença par une audacieuse scène d'amour et Romy Schneider se retrouvant toute nue pour les premières prises de vues déclara avec humour qu'il s'agissait peut-être d'une " technique subtile chère aux réalisateurs italiens pour mettre tout de suite à son aise son interprète féminine". La Califfa connut les honneurs d'une sélection au Festival de Cannes 1971 pour représenter officiellement l'Italie. La caméra elle,ne peut décoller son objectif du regard argentique ,bleu,vert .. de Romy qui ,écrasant tout sur son passage tour à tour déchirante et fatale ...elle est la califfa ... Quand à la musique du maître elle n 'est pas seulement d 'une grande merveille mais également semblable à une partition que Sergio Leone n 'aurait pas renier pour ses westerns ...puisque il y a dans cette oeuvre un duel permanent ... Romy tu manques terriblement .......
C'est une réalisation touchante et pleine d'espoir que nous offre Jean-Jacques Annaud dans des décors somptueux, celui d'une jungle vierge de toute civilisation (tournée en Thaïlande et au Cambodge). Après avoir réalisé L'Ours (1988), puis divers films jusque dans les années 2000, il retrouve l'univers animalier une seconde fois pour Deux Frères (2004), avec des acteurs de talents, tels que Guy Pearce, Jean-Claude Dreyfus et le tout jeune Freddie Highmore, dans son troisième long-métrage (on l'a d'ailleurs retrouvé un an plus tard au côté de Johnny Depp dans Charlie et la chocolaterie en 2005). Un film d'une beauté somptueuse, des animaux remarquables grâce à leur prestation face aux caméras, et c'est à Thierry Le Portier que l'on doit cet exploit, un dresseur animalier hors pair, qui avait déjà travaillé sur L'Ours et sans oublier le chef d'uvre de Ridley Scott : Gladiator (2000).
Oh les gars ! Faut revenir dans le vrai monde là ... Je me suis fié aux notes pour regarder ce film, résultat : 2H d'un ennuie mortel, il se passe rien. C'est le genre de film où on attend jusqu'à la fin pour savoir le fin fond de l'histoire, le genre de film qu'on veut arrêter au milieu mais où on se dit qu'il va bien se passer quelque chose à un moment donné. Et non, à la fin, on a rien ! Ça se termine comme ça a commencé.... Fuyez pauvres fous comme disait l'autre !
On y croit pas une seule minute! Pourtant Sophie Marceau se montre convaincante et s'est beaucoup investie pour jouer cette femme èduquèe incarcèrèe pour avoir contribuer à l'èvasion de son èpoux! L'univers carcèral, c'est souvent le monde des hommes! Femme engagèe qui se prèsente comme une rèalisatrice citoyenne, Audrey Estrougo connait bien le dossier! Ce qui lui plaît, c'est de filmer et de montrer ce qu'il ne va pas dans notre sociètè! Dans "Regarde-moi", elle s'intèressait dèjà à la jeunesse des banlieues ; dans "Toi, moi, les autres", au quotidien des sans-papiers ; dans "Une histoire banale", aux consèquences d'un viol chez une jeune femme! Pour "La taularde", Estrougo a visitè plusieurs prisons en relevant les anecdotes et brosse un portrait sans dètour des prisons de femmes! Cet ètat des lieux assez alarmant et peu crèdible est malheureusement tirè par les cheveux! On ne croit guère à ces taulardes hystèriques, si tristes soient-elles! il ne reste qu'à regarder la performance de Marceau et des matons, Marie-Sohna Condè et Carole Franck! Cela ne fait qu'avec peine, un tout petit film de prison de plus à voir. "Ombline", avec Mèlanie Thierry, ètait quand même plus rèussi...
Un mini van qui transporte un ado rebelle et un cercueil: on se croirait presque dans un "Little miss sunshine" israélien ! Riklis a travaillé ce road-movie de manière classique, et oublie d'approfondir son histoire et ses personnages. Le sort réservé à cette jeune immigrée roumaine nous parait bien moins grave avec cet humour un peu noir qu'utilise Riklis, comme pour dire la lassitude qui caractérise les israéliens face à leur actualité (la pauvreté, les attentats-suicides).
Un excellent dessin animé japonais avec un beau graphisme, une jolie histoire familiale, une belle morale de transmission. C'est délicat, sensible, attachant.
La ligne rouge est un très beau film de Terrence Malick. Le film retranscrit plutôt bien l'horreur de la guerre et son impact sur les soldats. Les scènes de guerre font preuve de beaucoup de réalisme, on retrouve l'incompréhension que les soldats pouvaient vivre sur le front. Le film bénéficie d'un casting 5 étoiles : Jim Caviezel est impeccable dans le rôle principal, il est accompagné par d'excellents acteurs : Sean Penn, Nick Nolte, Adrian Brody, Elias Koteas, Woody Harrelson, … Par contre, il faut se méfier de l'affiche qui promet à l'écran des superstars telles que George Clooney ou encore Jared Leto qui se cantonne en réalité qu'à des apparitions. Il y a de beaux décors. La musique de Hans Zimmer est absolument sublime, une de ses meilleures compositions, la bande originale toute seule est un régal en soi. Il n'y a vraiment pas grand chose à redire sur le film.
Mama est sans doute le film d'horreur que j'ai le plus apprecié en cette année 2013. Pourquoi ? Car le film a une très belle histoire réellement touchante. Dans la salle, personne ne rigolait(même pendant les jumpscares) , tout le monde était scotché au film. Les acteurs sont formidables, surtout les 2 petites filles. Le film a une bonne ambiance assez angoissante. Quelques scène m'ont vraiment fait peur. La musique est vraiment pas mal et colle bien à l'ambiance. Pour parler de "Mama", la créature, j'ai trouvé son design très impressionnant. Un défaut que j'ai lu plusieurs fois à propos du film, c'est que l'image est trop sombre. Eh ben, j'ai vus 3 fois le film sur 3 tv différentes. Sur 2 d'entre elles, l'image était un peu sombre en effet. Mais sur la 3 ème (qui n'était autre que l'écran géant du cinéma) c'était parfaitement visible. Vous l'aurez compris, j'ai été charmé par Mama et je vais suivre de près les plans de son réalisateur.
Coups de feu dans la Sierra... Titre pittoresque pour un film qui ne l'est pas moins, éventuels prémices du chef d'oeuvre de Sam Peckinpah : le bien nommé Straw Dogs. Pour son deuxième long métrage le réalisateur s'interroge déjà sur la barbarie humaine et la perte de l'innocence d'une icône de beauté souillée par la violence. En ce sens la séquence du mariage est tout à fait représentative de cette thématique : couleurs criardes des prostituées déguisées en demoiselles d'honneur, montage agressif annonçant l'oeuvre toute entière de Peckinpah, puritanisme bafoué à grands coups de castagnes... Le film est une réussite fonctionnant sur l'instantanéité, davantage efficace même que certains films plus connus du cinéaste ( La Horde Sauvage en tête ) car moins esthétisé, moins distancié que dans ces derniers. Coups de feu dans la Sierra demeure donc une oeuvre d'excellente facture, qui n'a pas encore l'envergure d'une pièce maîtresse mais qui s'en rapproche indiscutablement. Peut-être le film le plus modeste de Sam Peckinpah.