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Federico Fellini adapte au cinéma un mythe à savoir le Don Juan le plus célèbre de l'histoire, Giacomo Casanova. Le réalisateur livre une fresque absolument démentielle de près de deux heures trente pour distiller le portrait de cet homme qu'il dit haïr lui-même. Fellini décide de présenter l'homme interprété brillamment par le géant Donald Sutherland non pas comme un grand séducteur pour la romance mais comme un opportuniste, un cynique qui ne pense qu'au sexe. Le film développe une succession d'intrigues plus cocasses, plus drôles, plus orgiaques les unes que les autres et qui affichent clairement les moeurs du dix-huitième siècle au sein des familles très aisées. Le film propose au spectateur de parcourir l'europe et de montrer que chaque pays de cette époque ne songeait qu'à s'amuser, à manger et à s'envoyer en l'air. On s'éloigne ainsi de l'idée des grandes manières dont nous nous forgions les idées dans les livres d'histoire, Fellini dresse un portrait saisissant non seulement de son personnage mais cette époque. Si le but est simple, le scénario lui est extrêmement bien ficelé ajouté à des dialogues percutants qui atteignent le spectateur de manière jouissive et qui n'ennuie pas un seul instant malgré sa longueur. La musique de Nino Rota qui accompagne le film est envoûtante, étrange et apporte une ambiance qui fige le spectateur qui ne peut se débarrasser de la magie qu'elle crée. Donald Sutherland se fond dans le personnage de manière presque naturelle et effectue par cela la plus grande composition du personnage de Casanova. Federico Fellini décide de tourner en ridicule le mythe du début à la fin et délivre un film unique, extraordinaire muni de moyens colossaux pour accomplir les décors splendides, les costumes d'époque et engager des acteurs hors du commun qui achèvent de propulser cette superproduction en un véritable chef-d'oeuvre du septième art à ranger dans la même catégorie que des films tels que Barry Lyndon. En un mot, sublime!
J’y suis allé un peu tardivement, peu convaincu... Tout ça ressemblait sur bien trop de points à « Projet X » et en plus, il fallait que cette copie soit Made In France... Autant d’éléments qui sont d’habitude synonymes de fuite. Et pourtant : voilà que j’ai eu une bonne surprise ! Alors certes, la filiation avec « Projet X » est évidente tant les similitudes et les clins d’œil sont nombreux, mais malgré tout, ce « Babysitting » sait d’une part l’assumer et d’autre part proposer un état d’esprit différent. Davantage bon enfant, plus tourné vers le burlesque, ce film dégage un potentiel sympathique réel avec de nombreuses bonnes idées et des personnages au fond bien plus attachants. Au final, je pourrais presque dire de « Babysitting » qu’il est un remake de Projet X fort réussi car totalement réapproprié et pleinement assumé...
Un gros nanar perclus de clichés, de jeux de mots de mauvais goût et surtout de bons sentiments. Le héros, un grand ado doté d'un strabisme convergent redoutable, se complaît à barboter dans la honte la plus totale. Il enchaîne les remarques niaises sous les regards ahuris de ses deux compagnons faire-valoir qui se spécialisent, pour leur part, dans la beaufitude extrême. Drôle ? Non. Intéressant ? Non. Long ? Oui. Même la BOF semble avoir été faite pour abrutir le spectateur. "Everybody wants to be italian" : le film qui vient rappeler que le genre du nanar est immortel.
Film d'une audace narrative inouïe, doublée d'une des expériences visuelles les plus fortes que le cinéma ait jamais produit. Tout ceux qui ont vu ou plutôt subie cette autodestruction dans la mutilation compulsive, ont peut être compris que le rapport à notre corps n'est que la métaphore matérialisée, la réification, de notre rapport a notre moi profond, les deux étant unis par un lien irréversible. Or, contrairement a ceux qu'on pourrait penser ce masochisme effréné ne témoigne pas d'une haine de soi, mais d'un amour de soi radical confinant à un narcissisme absolu, qui trouve son acmé dans "l'auto-anthropophagie". Cette oeuvre inclassable, que certains pourraient trouver sordide, n'est rien d'autre que l'histoire d'amour d'une personne pour son corps: cette source de plaisir et de douleur infinis. La réalisatrice nous montre seulement que l'automutilation (aussi destructrice soit-elle) et la volonté de souffrir, peuvent être la garantie de notre équilibre psychique et la certitude d'une jouissance exacerbée basée uniquement sur l'autosatisfaction mutilatoire. Le film de De Van part du principe qu'étant aliéné dès notre enfance par un corpus normatif intransigeant: moral, social, légal... notre corps devient notre ultime espace de liberté, le dernier endroit sur lequel on puisse marquer, graver au sens propre ses sentiments. Pourtant, là aussi le regard des gens, leur incompréhension, explicite efficacement leur intolérance, la société elle-même dépouille notre être de notre corps, objet public, puisque son utilisation même dans l'intimité est règlementée. Oubliant ainsi de comprendre le caractère souvent vital de ce type de pratique, qui est avant tout l'extériorisation d'une introspection douloureuse mais cathartique. Pour toutes ces raisons ce film est un chef d'oeuvre, peut être inégalable de par cette volonté hautement transgressive de réappropriation forcée ( par la mortification) de notre être matérialisé (le corps).
Ce film est un milliard de fois meilleur que Factotum, adapté de Bukowski. C'est certes sordide mais il y a un tel appétit de néo-réalisme qu'on ne peut prendre ce film qu'en plein dans la gueule.
Immersion totale. 14 individus, hommes ou femmes, toxicos ou voleurs, escrocs ou clandestins; 14 profils humains face à la justice. Jamais voyeur, cet excellent documentaire de Depardon rend hommage au délicat métier des magistrats, avocats, substituts du procureur, sans les glorifier pour autant; tout en mettant en relief les parcours difficiles de ces délinquants en herbe ou déjà affirmés. Entre justifications, mensonges, aveux, sermons; on ne prend jamais parti, mais on est complétement impliqué. Pas de gentil ni de méchant, juste deux humains, si différents et en même temps si proches; l'un qui fait son boulot, l'autre qui tente de survivre. Un bijou d'humanité.
Ce ''grand film'' qui a attiré en 1963 plus de 8 millions de spectateurs français demeure toujours un beau spectacle sans craindre une déception. En faire un chef d'oeuvre même de genre est une autre histoire car il comporte de nombreux défauts. Parmi ceux ci son coté ''américain'' bien trop excessif car si les lieux et les décors ont été parfaitement conformes à la réalité passée, l'interprétation du comportement des prisonniers est du pur spectacle hollywoodien et, si c'est tant mieux pour notre plaisir ce serait une erreur de prendre cela comme vérité. Cette dramatique histoire n'avait que 20 ans lors du tournage, ce qui rend son contexte douloureux et qu'il devient difficile de pardonner à Sturges ses complaisances. La pire de toutes étant l'assassinat de trois gradés allemands par des membres de la résistance avec la complicité des tenanciers du bistrot. On ne doit pas tourner un film sur un fait historique sans penser aux survivants. Coté cinéma le creusement des tunnels et la façon de les filmer reste un modèle. Il en est de même pour le suspense même si le scénario est connu, il était d'ailleurs inutile d'en rajouter avec la claustrophobie de ''tunnel king''. La mise en scène est bien réussie avec des cotés aérées bien venus qui compensent les intérieurs étouffants, les personnages sont suffisamment approfondis et c'est ''Big X'' qui a le rôle essentiel comme il se doit. Steve McQueen (the ''cooler king'') se remarque d'une façon étonnante; c'est essentiellement du à sa personnalité assez insupportable dans la vraie vie mais qui lui permet de crever l'écran dans ses rôles.
L'art cinématographique peut tout se permettre quand un grand cinéaste motivé et imprégné d'une œuvre est aux commandes.C'est exactement ce qui se passe ici mais attention il faut être un peu préparé à l'univers des ultra intellectuels nihilistes.Tout beigne dans une ambiance glauque qui ne plait à personne mais dont personne ne souhaite sortir.Que cela soit le héros ou les différents personnages rencontrés par hasard mais pas n'importe où.Il se dégage aussi une sombre beauté qui accroit notre malaise mais la mise en scène est si réussie qu'un vrai bonheur cinématographique nous envahit.Un très grand film rare,profond sur la difficulté de vivre en parfaite honnêteté avec soi-même,difficilement classable mais à coup sur inoubliable.Merci à Ornella Mutti d'avoir accepté ce rôle,beaucoup l'auraient refusé.
Décidément, j'ai du mal à me passionner pour les films d'horreur japonais. Ce qui fait surtout peur dans ce film, c'est le doublage français !
Une comédie super sympa, inusable, vraiment fraîche ! A voir, revoir, on passe un super bon moment ! Le quatuor Michèle Laroque, Valérie Benguigui, Aure Atika et Géraldine Nakache est détonant et vraiment drôle.
Il y a vraiment des personnes qui ont aimé, sans snobisme ? J'ai trouvé le film très prévisible tout du long, très bavard aussi. J'ai commencé à visionner ce film sans savoir le moins du monde de quoi il retournait, je connaissais juste le nom du réalisateur, Joseph L. Mankiewicz, pas le premier venu, Laurence Olivier, une référence, et Michael Caine que j'adore. Dans le générique de début, j'ai remarqué la présence d'un " introducing machin ", annonce récurrente de beaucoup de films qui m'a toujours beaucoup amusée car les intéressés " introducted " n'ont jamais, ( ou j'en ai manqué, sans doute ), fait une carrière digne de ce nom. Une sorte de malédiction, en somme. Bref, ce Alec Hawthorne jouant le rôle d'un inspecteur de police était devenu "inconnu au bataillon ", comme toujours. Malgré un bon début d'intrigue où je prévoyais plus ou moins la suite des événements, je me suis assoupie et réveillée lorsque le fameux inspecteur était déjà sur les lieux. Malgré mon cerveau embrumé de sommeil, je l'ai reconnu aussitôt. Je ne sas pas si le réalisateur comptait jouer sur cet effet, il semblerait que oui. Bref, le thème du mépris de caste et du racisme abordé de façon frontale avec un demi-Italien, c'est fort. Mais il y a pire, c'est le remake; pas eu le courage de regarder plus de dix minutes.
J'ai vu ce film il y a 3/4 ans... je me suis marré une fois !!!! Point barre... Cela dit, cela en fait un film assez exceptionnel...
Je savais que le cinéma de Satyajit Ray était capable de me faire fondre. "La Complainte du sentier" a notamment été pour moi un de mes plus profonds chocs cinéphiles. Mais là, j'en ai encore la confirmation. Déjà je ne vois absolument pas comment il peut être possible de résister un seul instant au rayon de soleil incroyablement photogénique, qui réussit à être aussi fascinant tout en paraissant paradoxalement proche de nous, qu'est Madhabi Mukherjee. Quel charisme, quelle présence, quelle beauté, quel talent... Ensuite Ray réussit à décrire avec une grande justesse et une grande subtilité le quotidien d'un couple profondément attachant auquel on s'identifie sans le moindre mal (Ozu aurait certainement adoré le film !!!), tout en ne négligeant jamais les personnages secondaires et en développant sans la moindre lourdeur une réflexion sur la place de la femme dans la société indienne. Et puis, sujet qui ne peut que toucher directement au cœur, le film raconte surtout l'histoire d'une femme qui va se révéler à soi-même. On soulignera aussi un petit moment de suspense auquel on ne s'attendait pas dans ce type d'oeuvre mais tellement bien amené que cela n'apparaît nullement gratuit et une fin aussi émouvante qu'optimiste qui justifie brillamment le titre du film. Une très grande réussite qui fait à nouveau comprendre pourquoi Satyajit Ray est considéré comme un grand parmi les grands.
Vraiment très banal avec un scénario vu maints et maints fois et ultra prévisible, un jeu d'acteur assez moyen, des décisions prises intrigantes, des scènes de combat ou d'action attendues et mal orchestrées. Bref, cela ne vaut pas le détour, un quelconque téléfilm de TF1 d'un dimanche après-midi pluvieux et triste !
Vrai film de barge......Pas trop aimé...Quelques scènes interressantes et certaines ridicules.
The hard word c'est, un générique minable, des seconds rôles horribles et complètement faux dans des personnages qui nous rappellent les séries cheap des années 80, un scénario qui ne tient qu'à deux braquages peu spectaculaires, la traversée du désert à peu près de la 10ème à la 60ème, un Guy Pierce déprimant et sans charisme, une histoire banale et on va s'arrêter là. Un vrai film de vidéos club comme on en fait plus. Indigeste.
Une boue indigeste avec des effets spéciaux ratés, des acteurs mauvais à en pleurer (mention spéciale à Bryan Krause véritable roi du navet et du cacheton facile) et pour conclure un scénario d'un ridicule affligeant.Comment peut on réaliser et surtout produire de telles horreurs? That's the question.
N'ayant jamais vu la première version, je ne peux pas comparer. Par conséquent, je trouve que ce film est un chef d'œuvre qui reprend fidèlement la légende. Je le conseille à toutes personnes aimant les films basés sur la mythologie grecque ( qui est de loin la meilleur ).
La Collectionneuse, est l'un des premiers long-métrages réalisés par Eric Rohmer, en fait le deuxième je crois. Il fait partie du cycle des 6 contes moraux. J'ai été charmée par le film, dont il se dégage une profonde sensation de vie. Par là j'entends que ces personnages ressentent la vie, son ennui, son poids, et réagissent chacun à leur manière, en se batissant plus ou moins une philosophie de vie, pour affronter cette linéarité vide qui s'offre à eux. Je l'ai vu comme un film sur la pluralité de sphilosophies de vie, sur la pluralité des modes de vie, des façons de tromper son ennui, de remplir son temps. Outre ce côté intellectuel du film, résolument présent, par l'importance des mots, qui on le voit sont choisi avec une très grande attention,- outre cela donc, on est résolument bien dans ce film, en plein charme, en pleine futilité aussi (les personnages se baignent, profitent des vacances, parlent du sexe, et le pratiquent, s'adonnent avec délectation aux taches ménagères), on fait un petit voyage du côté de la légèreté, que les beaux sourires de l'actrice, Haydée Politoff, enchantent. Un film sur l'esprit aussi, et ses méandres, un film sur la manipulation, bref tout ce qu'il faut pour charmer l'intellect et les sens à la fois dans ce film.
bavard, prétentieux, sans intérêt, mise en scène laide....Même Nicole Kidman n'est pas convaincante, c'est tout dire....
Une excellente pourriture, ne perdez pas votre temps pour des film de ce style
Remake à l’identique d'un classique absolu du fantastique d'inspiration horrifique qui affola en son temps le palpitant! Tout remake apporte rarement de satisfactions mais souvent des dèceptions. « Carrie » version 2013 n'est pas un mauvais film en soi, c'est juste une copie conforme, un pur produit commercial pour la jeunesse facebookienne qui n'a pas vu l'original! On colle donc une actrice en vogue pour ouvrir le bal (Chloë Grace Moretz) et pour jouer le rôle mythique de Carrie White qui subit une fois de plus les persècutions d'une mère bigote (Julianne Moore, aussi folle et aussi rousse que Piper Laurie) et de teenagers cruels dont Portia Doubleday! Ses pouvoirs paranormaux lui permettront une sanglante vengeance dans la dernière partie mais sans split screen! Par contre, la rèalisatrice n’hèsite pas à nous montrer plusieurs fois (et inutilement) la chute du fameux seau de sang de porc lors du bal fatidique! Avant même que le moindre centimètre de pellicule ne soit impressionnè, "Carrie" galère dèjà dans la comparaison avec sa première version. « Vous n'oublierez jamais son nom ! » En effet, on oubliera jamais Sissy Spacek dans le film de Brian de Palma qui en deux temps, trois mesures, èclipsait tous les autres films d'Avoriaz 1977! En gros, l'effet de surprise ne joue plus ici et la mise en scène de Kimberly Peirce ne captive à aucun moment par sa construction crescendo et par son utilisation de tous les procèdès cinèmatographiques comme l'avait fait le virtuose Brian de Palma! Un coup pour rien en somme malgrè des qualitès certaines en termes d’ambiance...
Ouh l, il y en a qui ont fumé un peu trop la moquette! On sent la très forte influence japonaise (production et réalisation obligent!) avec les combats de gars costumés en monstres de latex. Les doublages sont absolument catastrophiques et l'histoire fantastiquement nulles. Mais bon, c'est toujours sympa de voir Michael Berryman, Vivian Wu et Mark Hamill! Au-delà de ça, rien à voir...
Liam Neeson, en dépit de succès publics depuis sa reconversion en action man, devrait penser à ajouter des rôles dignes de ce nom à sa carrière pourtant jadis prestigieuse car il va finir comme Nicolas Cage quand les spectateurs lambda se lasseront. En effet, entre des seconds rôles dans des blockbusters idiots (« Battleship », « La Colère des Titans », …) et des premiers rôles dans des « Taken » et sous-« Taken » certes divertissants mais où sa palette de jeu est limitée, ses compositions n’ont plus le luxe d’antan. Et ce n’est pas ce virage dans le thriller sombre qui contredira cet état de fait. Il n’y est pas mauvais, juste absent, faisant le strict minimum comme l’ensemble du casting peu engageant et encore moins attirant. Quant au film, s’il est correctement réalisé, il ne dépasse pas le statut de téléfilm de luxe et n’a surtout rien de bien original à nous offrir. Tout est déjà et vu jusqu’au final qui semble clôturer n’importe quel épisode d’une série télévisée policière type « N.C.I.S. » ou « New York, Unité spéciale ». Qui plus est l’intrigue est bizarrement située à la fin des années 90, ce qui déconnecte totalement le film de toute réalité prégnante au regard de thriller actuels comme l’excellent « Gone Girl » pour parler de film très récent. Mais surtout cela n’apporte rien au récit car le réalisateur ne joue jamais sur les codes de cette époque. Ajouté à cela des trous narratifs dans l’enquête quand celle-ci se met en route et une sous-intrigue mettant le détective privé en relation avec un jeune sans-abri qui se révèle totalement inutile et sonnant faux… Et pour ce qui est de l’ambiance, elle est noire, certes, mais vu le sujet elle aurait dû être beaucoup plus glauque et poisseuse. C’est regardable mais dommage, car tout cela semblait prometteur mais sera vite oublié et noyé dans le flot des sorties…
Très bien fait! A voir pour les amateurs du genre!
Quel film pitoyable, c'est une farce ! ; acteurs, intrigue, action, uniformes, dialogues, tout frise la nullité. L'officier allemand est représenté comme un débile, les acteurs tirent en l'air, les chargeurs sont sans fin, le bruit des détonations est tout à fait irréel, les dialogues comiques, etc, etc etc. Bref pas grand chose à tirer de ce film que je n'ai même pas visionné jusqu'à la fin.
Ce film me donne envie vraiment de le voir,surtout avec l'exellent acteur ,Jérémie Renier !
tres bon film de science fiction superbe charlotte et linda à voir
L'unique film du graphiste Saul Bass est un chef d'oeuvre : créateur de formes aux talents inouïs, l'auteur des célèbres génériques hitchcockiens reste avec Phase IV fidèle à ses figures abstraites, ses couleurs ambrées et autres explorations géométriques d'un univers mathématique, angoissant et proprement mental, projeté, tel un désert assassin tenant lieu d'échiquier fatal. Ne serait-ce que pour ses images, techniquement parfaites en plus de servir un excellent scénario ( Saul Bass lorgne beaucoup sur la science-fiction du cinéma de série B des années 50 ) Phase IV mérite le détour, accompagné d'une bande-son anxiogène et remarquablement élaborée. Le trio de comédiens est impeccable quant à lui, installant ce film méconnu au rang des incontournables du genre. On retiendra d'ores et déjà la magnifique introduction s'attardant sur les colonies de fourmis, évoquant inéluctablement la peur primale d'une mort rampante, grouillante et putréfiée. L'un de mes derniers grands chocs personnels...
La lourde dénonciation des tares du franquisme dans Ana y los lobos (1973), à travers diverses caricatures, réduit le film à un pamphlet, certes courageux et militant. On peut aussi souligner la grâce de Géraldine Chaplin et une lointaine influence de Bunuel. Saura fera nettement mieux avec Cria cuervos.
Note : 16/20 (Vu en Avant-Première le 16/10/2016) Très bon film d'animation dans l'ensemble, drôle et tendre, avec une musique et une histoire très sympas, des personnages attachants ...
Un film que j'avais vu en colonie de vacances, étant enfant, projeté par un directeur qui aimait bien les péplums ! Un merveilleux souvenir avec un Giulano Gemma bondissant !
Un film sorti en petit circuit pour ce réalisateur indien qui pourrait bien surprendre. Il commence sa carrière par des documentaires, ce long-métrage tire, par moments, vers ce style cinématographique. Si le film souffre de quelques imperfections, dont un scénario quelque peu léthargique, la réalisation est une vraie réussite. Gurvinder Singh n'impose rien. Avec une succession d'images magnifiques, des situations souvent bouleversantes, une ambiance lourde, et parfois écrasante de silence, il parvient à capter l'attention des premières images jusqu'à la toute fin du film. La paranoïa qui étouffe les principaux protagonistes appuie avec une grande maestria sur ces évènements dramatiques survenus en Inde et plus exactement en 1984.
c'est la première fois que je quitte une salle avant la fin d'un film. Non seulement c'est un navet mais c'est insupportable à regarder...comment peut-on faire un film pareil et le financer??aucun intérêt, aucun scenario
Lorsque l'on m'a parlé de Hustle & Flow pour la première fois, j'ai eut très envi de le regarder car je m'attendais à un 8mile. Mais tout ce que j'ai trouvé c'est un film raté. Pourquoi ? C'est simple, ce film est un grand n'importe quoi! Le scénario est sordide du début à la fin : un mac d'une trentaine d'année vivant avec ses prostituées et voulant se mettre à enregistrer poussé par une envi d'être entendu !!! La seule chose qui sauve ce film est une bande son excellente ainsi qu'un casting exceptionel.
Quel film ! 47 ans après Buñuel, un cinéaste ose enfin aborder de nouveau le thème de la prostitution volontaire traité comme fantasme féminin. (un fantasme intellectuel et non sexuel qui existe bel est bien). Le film est réalisé avec tact, intelligence, décontraction et une certaine pointe d'humour (et aussi avec une bonne dose d'érotisme) Marine Vacth y est sublime. Certains s'offusquent que le film s'abstient de porter un jugement sur son sujet ! Mais justement, quel jugement ? Pourquoi juger ? Il n'y a rien à juger ! Chacun est libre faire ce qu'il veut de son propre corps (y compris à 17 ans, à cet âge on est plus un enfant) et cela ne regarde personne d'autres. Et si le film affirme haut et fort ce principe essentiel, il va plus loin encore en abordant le problème des rapports entre le sexe, le corps et la société : Longtemps diabolisé, on a aujourd'hui tendance à sacraliser le sexe et à en glorifier son aspect intime. Ozon, lui, banalise le sexe, c'est un acte comme les autres, comme le boire, le manger... Le film se garde aussi de tout angélisme, les dangers de la prostitution y sont évoqués, ses aspects sordides aussi, mais le film se préserve bien, et c'est ce qui fait sa force, de ne nous délivrer une quelconque morale. Chef d'œuvre !
Amoureux du loup, je ne le conseille pas. Le film n'est qu'une suite de massacres faites de scènes atroces. Je ne vais pas au cinéma pour me cacher les yeux la moitié du temps, parce que ce qui est montré me retourne le ventre. On est loin de la beauté et de la poésie de "Deux frères" ou de "L'ours". Personnellement je n'ai pas passé un bon moment. Âmes sensibles, s'abstenir.
Comment avec un sujet aussi intéressant et l'utilisation aussi abusive d'un procédé génial qu'est le plan séquence, on peut malgré tout faire un film aussi chiant que ce Elephant. Van Sant privilégie l'effet de style, l'expérimentation mais il oublie avant tout de faire un film racontant une histoire prenante en nous faisant nous attacher aux personnages qui ne sont ici que des pantins sillonnant un couloir sans fin... 80 minutes de supplice tout simplement.