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Je me doutais bien qu'avec Franck Dubosc et son éternel et unique rôle de beauf qui s'avère être un super héro mais je me disais qu'avec le talent de François-Xavier Demaison ça compenserait ! Mais non, personne ne peut compenser Dubosc toujours plus nul et en plus ça doit être contagieux cette nullité parce que Demaison est très en dessous de ce à quoi il nous a habitué, Josiane Balasko est sous employée et c'est bien dommage, Thierry Lhermite fait peine il semble lyophilisé et peu crédible en chez de village (le clin d'oeil à Tintin fait peur), Amelle Chahbi y joue les figurante à texte et pareil pour Caroline Anglade, même la magnifique Maïwen y fait un piètre prestation. La magie du sable farine et des eaux turquoise n'opèrent pas on a perpétuellement l'impression d'être sur le parking du super U de Velizy Ce film est poussif, les gags sont téléphonés, les personnages font pitié et on est content quand ça s'arrête surtout quand on voit arriver Kev Adams, un des pires qui soit et qui annonce l'horreur d'un second opus, pourvu que non ! A éviter, on a du mal à rire même en essayant très fort, on a du mal, on y arrive pas
Zero... je ne sais pas comment ce film obtient 2.7/5. On ne rie pas, on s’ennuie, on attend le générique de fin... c’est bien de surfer sur un concept qui a réellement fonctionné mais faut-il Le faire avec un peu de talent... les comédiens sont des caricatures d’eux-memes, le scénario inexistant... c’est un sitcom des années 90! Passez votre chemin et ne vous fiez pas aux avis qui donnent 4 ou 5 étoiles... c’est incompréhensible une telle note !
J'ai vraiment beaucoup apprécié le film, je n'ai pas décroché un instant, en fait je ne sais pas trop pourquoi. Le film est envoutant, les acteurs jouent bien, l'intrigue est intéressante, la réalisation est bien... et puis il y a cette atmosphère d'angoisse tout le long du film qui nous tient en haleine.
Un animé simple dans son intrigue mais qui envoie du pâté! La musique est pas mal non plus.
"Le mieux est l'ennemi du bien": voilà qui se vérifie avec ce film. A vouloir rester à la hauteur des précédentes réalisations, son auteur répond aux écueuils courant: trop travaillé, il accumulle les longeurs qui n'apportent pas beaucoup au film. Résultat, on ne compatit pas vraiment au personnage tout en étant au bord de l'écoeurement.
Calimucho est un film dramatique nul. Dans un cirque willy et Dick s'occupent de Timo, on voit leurs travail. Le film n'est pas réussi, laçant.
Un très bon film malgré l'atmosphère triste qui imprègne l'histoire. Fernandel, toujours impeccable, joue dans un registre quelque peu inhabituel pour lui (ici pas des larges sourires, pas de rires à gorge déployée etc...). En effet, il incarne un père qui n'a pas revu sa fille depuis deux années et qui va être ravagé par la peine lorsqu'il découvre que cette dernière est devenue une prostituée. A la fin, il se résigne à rentrer chez lui et à ne pas révéler la terrible nouvelle à sa femme et à sa plus jeune fille et laisser ces dernières dans l'illusion que Marie-Louise a réussi sa vie en allant vivre à Paris. Un film vraiment touchant et méconnu qui mérite d'être vu.
Une comédie sans consistance, des situations poussives (hilarant le gag de la pharmacie où l'on fait tomber un panneau publicitaire....) un scénario mal ficelé, des acteurs pas convaincus, sans doute bien désolés de devoir tenter de sauver le vide d'une intrigue brouillon qui au final tombe bien à plat. Passez votre chemin !
Mais !? mais c'est de la merde! Pourtant vu le casting ça semblait ambitieux, en fait on a l'impression que les acteurs se demandent ce qu'ils font là, on les comprend et malheureusement le film n'est même pas assez kitch pour nous faire rire un peu.
Bien que l'histoire soit mignonne avec l'aspect d'un conte, le film tourne très vite en téléfilm trivial pas du tout captivant.
Inspiré de la vie de l’entraineur de basket Ralph Klein, on s’attendait à entendre beaucoup de crissements de chaussures et voir quelques dunks mais que nenni ! Le sport ne joue ici qu’un rôle mineur et ça aurait pu être une équipe de cricket ou de pétanque que ça n’y aurait rien changé, le fil conducteur de Playoff c’est l’image du père. A travers 3 personnages est évoquée l’absence paternelle qui est resté un vrai traumatisme pour chacun d’entre eux. En dépit de la bonne prestation des comédiens, on est vraiment peu enthousiasmé par un scénario qui manque totalement de rebonds. Son rythme plutôt lent a toutes les chances de vous rendre la partie ennuyeuse !
Un beau film avec de merveilleux acteurs tout particulièrement Ana Girardot... De beaux moments de grâce 🎬
Dans un numéro d'autodérision brillant, John McTiernan synthétise tout un pan du cinéma d'action et s'amuse de ses codes. L'opposition entre fiction et réalité est menée avec intelligence et fait naître des scènes cultes.
"La mer à boire" fait plutôt figure d'une soupe assez indigeste ! Quel mélange de tout et de rien que cet amoncellement de points de vue ou d'états d'âmes de patron, d'ouvriers où personne n'est crédible pour deux sous ! Toutes les situations sont fausses et archi fabriquées ! Pourquoi encore choisir le milieu du très haut luxe avec ces bateaux exorbitants, ces villas de bord de mer, dont le quidam n'a rien à faire ? C'est décidément une maladie contagieuse que le tape à l'œil dans le monde du cinéma... De plus, Daniel Auteuil ne brille pas autant que ses bateaux et n'est vraiment pas dans son meilleur jour, son jeu est particulièrement hésitant, et loin d'être convaincant ! On retiendra malgré tout cette part de vérité très bien vue, comme tout patron, le héros est un personnage assez imbuvable qui sous des apparences humanistes ne voit au final que son intérêt avant tout ! Et jusque dans sa vie privée où il réduit même à néant l'espoir de cette guide connue en Russie, déchirant son billet d'avion devant des jeunes qui l'auraient certainement eux, très apprécié (très courant là-aussi au cinéma !)... La fin abracadabrante et brutale, où ce même patron découvre son usine vide, tombe comme un cheveu sur la soupe, terme plus qu'au goût du jour pour cette mauvaise réalisation ! Non, franchement tout sonne faux au point d'agacer au plus haut point !
Whoopi Goldberg toujours aussi épatante dans un petit film sas envergure. Malgré une idée plutôt original le scénario reste dans une optique inaboutie. Le tout est trop lisse et manque cruellemtn de rythme surtout en seconde partie. Sympatique mais insuffisant, on reste un peu sur notre faim.
C'est l'un des rares films en couleurs avec Fernand Raynaud et certes ce n'est pas de la haute philosophie n'y de la psychanalyse Freudienne, il faut le reconnaitre. Cependant les amateurs du célèbre comique y trouveront leur compte sans problème et les autres également car ce film est un véritable plaisir à regarder. Les dialogues s'ils ne sont pas de Michel Audiard n'en reste pas moins truculent et les quiproquos qui pleuvent par paquets son bien drôle eux aussi. Reste le fait que ce film à vieilli et que dans le domaine des autobus ce film peut aujourd'hui paraitre sans queux ni tête. Une fois de plus l'ivresse totale de l'humour à la française est là mais manque parfois un peu de réalité. Ce film est comme à l'accoutumé un festival Fernand Raynaud, grimaces, sourires niais, accent auvergnat, tête d'idiot du village, bref j'en passe et des meilleurs. Il est ici accompagné dans son délire le plus complet par une banque de joyeux lurons et luronne Carmet, Guiomar, Richard, Adam, Galabru, Tornade, Marin, Morel, Lumont...et la blonde très années soixante Christiane Minazolly.
Malgré un message intéressant, le film en prend pas. Les aspects concernant l'avortement (impossibilité pour les jeunes filles de garder le bébé, pression sociale, viols etc.) sont exprimés de manière bien trop explicite. Mais c'est surtout la deuxième partie, larmoyante et interminable que j'ai trouvée dénuée d'intérêt. Bref, ce n'est pas parce qu'il parle d'un sujet grave qu'un film est réussi.
Difficile de prendre au sérieux le parcours trash et rebelle de cette gamine des quartiers riches de Paris qui n'a aucune raison d'en arriver là."Hell"(2005)montre la descente aux enfers d'une post-ado trop gâtée et riche(quel malheur!)que Sara Forestier rend des plus antipathique.Le sort de son personnage nous indiffère,d'autant que les péripéties sont des plus attendues,et que le traitement n'explique pas tellement les raisons d'un tel comportement.Repoussant.
Un chef-d'oeuvre de comédie doublé d'une oeuvre avant-gardiste et audacieuse avec un discours féministe et des allusions explicites au sexe et à l'homosexualité très osées pour l'époque. Les situations comiques sont légion, la réalisation de Jacques Feyder très inspiré et les acteurs excellents dont la formidable Françoise Rosay qui livre une performance mémorable. Un très grand film à ne manquer sous aucun prétexte.
Excellent film de Sean Penn qui démontre une nouvelle fois son talent de réalisateur après The Indian Runner, Crossing Guard, The Pledge. Into The Wild est à la fois une film d'aventure et un film philosophique découpé en plusieurs chapitres échelonnant la vie qu'a choisi Christopher McCandless. Une vie qui l'a mené sur des chemins inconnus, qui l'a fait rencontré des personnes de tous univers. Un voyage presque fantastique, surtout idéaliste, qui nous plonge dans un récit initiatique quasiment hypnotisant. Un film qui fait réfléchir... c'est sûr!
Près de 15 ans avant Match Point (2005), Woody Allen réalisait déjà un film a proprement parler, du même type. Deux histoires bien distinctes, deux hommes que tout oppose, mais là où ils se rejoignent, c’est sur la difficulté qu’ils ont à régler leurs problèmes. L’un (Martin Landau) est ophtalmologue, marié depuis des lustres avec la même femme mais entretient aussi depuis deux ans, une relation en cachette avec une autre. Ne sachant pas quoi faire pour préserver son mariage avant que son épouse apprenne son adultère, il décide de faire assassiner sa maîtresse. Quant au second personnage (Woody Allen), c’est un réalisateur raté, tant au niveau professionnel que sentimental, si bien qu’il va tomber sous le charme d’une de ses collègues alors qu’il est lui aussi marié. Ce qui fait la force de Crimes et Délits (1990), c’est son histoire rocambolesque, mais aussi et surtout son casting, dans lequel on retrouve Anjelica Huston & Mia Farrow.
un classique made in Hong-Kong !!! Donnie Yen remarquable !
Remake du film du même nom de 1947, "Miracle sur la 34ème rue" est le film de noël par excellence, prodiguant les valeurs habituelles : famille, amour, partage, croyance,... Mais il faut reconnaitre que Richard Attenborough a "dépensé sans compter" pour nous représenté un père noël plus vrai que nature et ainsi faire vivre le doute sur ses origines. Je ne connaissais pas ce film avant son visionnage, pourtant il m'a directement replongé en enfance notamment par son casting made in 1990. Mara Wilson qui était mon idole depuis "Madame Doubtfire" et que j'ai toujours beaucoup de plaisir à retrouver. J'ai aussi beaucoup jouer au jeu, montre ton visage et je te dirai dans quelle œuvre je t'ai vu, avec le casting. Le scénario est captivant du début à la fin, même si on sait d'avance que cela se terminera par un merveilleux happy end. Ce film est un très beau conte de noël, et je pense qu'il va entrer dans mes incontournables de cette saison.
Mouais, rien à dire. Ce film ne va pas me laisser un souvenir impérissable... Trop caricatural. Heureusement, il y a belle-maman qui amène quelques situations comiques.
C'était quoi le but de ce film ? Parler de l'Afrique post-coloniale ? Ça m'en a tout l'air étant donné que le fameux Doumbé rappelle fortement Patrice Lumumba, ministre assassiné de l'ancien Congo belge. C'est de ça que le film voulait parler ? Ouais ben faudra repasser alors. Parce que cet "Etat sauvage" n'est rien d'autre qu'un horrible navet. Quel ennui. Il ne se passe absolument rien. En tout cas, rien d'intéressant. Et qu'est-ce que c'est mou bon sang, il n'y a aucun rythme. Le film est littéralement bouffé par de nombreuses scènes qui tirent en longueur ou qui n'apportent absolument rien. Passée la première demi-heure, ça tourne à la catastrophe. Et avec un tâcheron comme Francis Girod derrière la caméra... bonjour les dégâts. Et pour ne rien arranger, on trouve rien de mieux plus tard que de centrer l'histoire sur le tandem Barrault/Dutronc. Ce n'est pas pour charger gratuitement la dame mais visiblement, elle n'a pas hérité du talent de tonton. Son jeu est d'une fadeur exaspérante. Hélas, Dutronc, pour le coup n'est pas mieux. Il donne l'impression de s'ennuyer à mourir et de ne jamais y croire. Leurs échanges sont carrément assommants. Claude Brasseur est aussi perdant, pour deux raisons : la première étant qu'on ne le voit finalement pas beaucoup et la deuxième, c'est qu'il est si mal dirigé qu'il en devient mauvais. Il n'y a que Michel Piccoli qui tienne son rang. Moi, humble spectateur, je n'ai que ce conseil à vous donner : fuyez cette purge. Vous ne perdrez absolument rien.
Une simple tranche de vie. Trois femmes, trois cheminements sur un temps donné. Les quiproquos de la charia ou comment rendre les relations amoureuses compliquées. Des rires, des questionnements,un bon moment et aussi une jolie balade Libanaise.
Beaucoup aimé. Un polar exotique avec des personnages hauts en couleur ! Les décors et images sont top ! les acteurs sont tous très bons avec des visages qu'on ne voit pas chez vous. Si le film parait assez léger au départ parceque ludique, on comprends vers la fin que derrière assassinat de cette femme se cache les maux de la société turque. A voir !
"Film", si on peut appeler cette abomination ainsi, de zombies. Un vidéomontage plutôt mauvais. Le jeu des acteurs n'étant pas non plus bon, voir plutôt mauvais. Le maquillage des zombies étant un peu exagéré et ne ressemblant que très peu aux autres films de zombies connus. L'histoire est plutôt basique et banale: "Le LHC, l'accélérateur de particule le plus puissant au monde, devient incontrôlable, et produit des radiations détruisant ainsi le cerveau des victimes et les transforme en zombies." L'histoire est un peu téléphonée: les scènes qui sont censées être effrayantes et surprendre sont plutôt prévisibles, voir énormément prévisible. La fin, n'était, par contre, par vraiment prévisible. À là fin, lorsque l'actrice principale, Zoë Hatherell, est poursuivie par des zombies étant sortie seule des tunnels, rentre dans le bâtiment et qu'elle s'approche des escaliers, on entend les zombies briser la glace de la porte et être non loin de celle-ci, vous êtes d'accord? Or, la femme a le temps d'appeler sa camarade de classe et copine et le professeur a le temps, au bout d'environ 5 minutes, d'entrer dans la salle. Que font les zombies à ce moment là? Ont-ils disparus? Ce sont-ils perdus? Je ne crois en aucun cas à ces suppositions, je pense juste que la fin, et que le "film", en lui même, a été plutôt baclé. C'est pour toutes ces raisons, que je déconseille fortement ce film aux grands fans de zombies, qui croient voir un film qui les comblera, vous ne ferez que perdre 1h20 de votre temps. À bon entendeur, je vous souhaite un bon après-midi ou une bonne soirée. Cordialement, HappoelCritique.
Retour sur la tuerie du 6 décembre 1989 du lycée polytechnique de Montréal. Son sujet effroyable, son décor enneigé, son atmosphère hivernale et son esthétisme noir et blanc suggèrent la froideur. Mais la caméra de Denis Villeneuve, spontanée et bien vivante, parvient à capter l’essence des êtres. Elle est parfois un peu tremblante, et l'on sentirait presque le cœur de ses victimes qui palpite. POLYTECHNIQUE est loin de l’impression contreplaquée que suscitent la fluidité des travellings de « Elephant » ou la stabilité des longs plans fixes à la Haneke ; sous le déversement de violence dont il est l’objet, il y a une humanité que l’on ne trouve pas chez les autres. Et c’est une belle part d’humanité que de faire un film pour rendre hommage à toutes celles qui, ce jour-là, ont trouvé la mort et toutes celles dont l’âme, en tant que femme, a été blessée. On admire la parfaite sobriété du point de vue, POLYTECHNIQUE évite le film à thèse sur le féminisme ou l’élaboration subjective du portrait psychologique d’un meurtrier. Plus que cela, son scénario est subtilement divisé en dytique masculin/féminin : le point de vue d’une femme victime désignée au nom de toutes les autres d’un acte effroyable de sexisme pur, et celui d’un homme, qui voit s’abattre sur ses épaules au même moment toute la culpabilité portée par les hommes de l’époque - celle d’être un homme. Le choc qu’a suscité la tuerie en décembre 1989 se répercute vingt ans plus tard, dans un véritable choc cinématographique.
L'affiche était alléchante, la bande annonce plaisante. Mais dès le début c'est usant. Après, c'est tuant... Je n'ai pas réussi à rester plus d'une demi-heure dans la salle. Bref, je n'ai pas aimé.
Nanni Moretti choisit pour ce film, un formidable duo d'actrices. Marguerita Buy et Giulia Lazzarini, grande comédienne du Piccolo Teatro de Strehler. Le réalisateur a déclaré "Je n’ai jamais pensé interpréter moi-même ce film. Cela fait déjà quelque temps que je ne le fais plus, et j’en suis heureux. Avant, cela m’amusait ; aujourd’hui je n’ai plus cette idée fixe de vouloir construire mon personnage film après film." Il sera malgré tout un frère magnifique pour sa principale protagoniste. Avec beaucoup de finesse, d'intelligence et un incontestable brio, Nanni Moretti, coécrit le sujet avec trois femmes, Chiara Valerio, Gaia Manzini et Valia Santella. Le scénario qui s'en suit est brillant. La réalisation, le montage aussi, plongent le spectateur dans un certain questionnement. Un film dans le film. Les scènes se mêlent habilement les unes aux autres et interrogent. Des flashbacks astucieux ponctuent le récit. L'ensemble reste d'une extraordinaire limpidité. La direction d'acteurs est remarquable. La bande-son toute aussi réussie. John Tarturro apporte des moments irrésistibles de drôlerie. Je pense, entre autres, à une scène d'anniversaire. Pour des raisons qui n'entrent pas dans le cadre d'une critique je n'en dirai pas davantage sur la justesse de plusieurs passages. Ceux de l'hôpital en particulier, quand trois pas deviennent trop douloureux, par exemple. De beaucoup de répliques, de tant de regards, ceux de Marguerita et de Giovanni pour Ada. Ces deux êtres aimants, et aimés, confrontés au deuil m'ont bouleversé. Une sœur, qui fait ce qu'elle peut. Un frère, parfait en toutes occasions. Mia Madre est une totale réussite. Un film magnifique qui touche au plus profond en passant avec une incroyable dextérité du drame le plus profond à des scènes de comédie pure et bienvenues.
Sans doute Kirk Douglas et John Wayne sont toujours impeccables, mais on les sent un peu perdus dans ce western poussif bourré de clichés. De la bagarre de saloon au chef indien (qui s'exprime en espagnol !), ça sent la petite fabrication. Quand on pense que ce film a été tourné à l'époque des grands westerns spaghetti, on constate que le cinéma américain commercial avait du mal à se renouveler. Il a fait mieux depuis heureusement.
Rares sont les films de ce genre qui m'intéressent , mais là j'ai été absolument touché . Je l'ai été notamment sur la narration simple mais très belle , narrant une très forte histoire d'amitié assez hors du commun , mais aussi sur les personnages qui sont très bien construits , charismatiques et très attachants ! Les contextes historiques et politiques sont forts intéressants et renforcent ( mais relativement peu ) la trame principale . Bref , c'est un excellent film !
Très bon film. Change des habituels clichés Marvel (bla-bla méchant). On se retrouve face une héroïne puissante qui tape très fort avant la sortie de Avenger. Un de mes films préféré de Marvel avec Doctor Strange. Très amusant également qui change des blagues passables habituellement lourdes de la licence. Je recommande.
Glen or Glenda est le premier film important dans la très courte filmographie d'Edward D.Wood Jr. C'est peut être le film le plus personnel du pire réalisateur de tous les temps, en raison de son caractère quasiment autobiographique. Ed Wood y joue d'ailleurs son propre rôle, celui d'un homme qui se travestit en cachette car il n'ose pas l'avouer à sa future femme ( il faut s'avoir qu'en 1942, Ed Wood portait des dessous féminins sous son uniforme de Marines, soit onze ans avant de tourner Glen or Glenda ). Malgré une mise en scène ridicule et de nombreuses incohérences narratives, ce premier essai est amusant et touchant, et l'on se surprend à éprouver de la sympathie pour les personnages. On retrouve toute la famille de cet excentrique cinéaste qu'était Ed Wood : Timothy Farrell dans le rôle du psychiâtre, Dolores Fuller dans celui de la femme de Glen / Glenda, et surtout Bela Lugosi dans le rôle du narrateur marionnettiste parlant de dragons verts dévorant les petits garçons, les queues de chiots et les gros escargots ( Tout un programme ). Une série Z aux allures de documentaire qui mérite d'être vu, rien que pour découvrir l'univers du pire cinéaste de l'histoire du cinéma. Un film pitoyable, mais aussi très drôle.
Lorsque Mark Pellington, auteur du grand clip pop rock «U2 3D», décide d’œuvrer pour le cinéma indépendant américain, il en résulte «Henry Poole is here» (USA, 2008). L’éponyme Henry Poole est un homme seul, au visage sombre. Sous un climat radieux (qui ne tombera pas, même pendant les nuits éclatantes), Henry Poole intègre un modeste quartier américain, comme il en existe par centaine dans les séries américaines, et achète une maison où manque un mur. Sous les ordres de l’agent immobilier, le mur est rebâti. Sur son front, une tache. La voisine d’Henry Poole voit dans cette vulgaire tache la trace d’une présence divine. Reproduisant le miracle du saint Suaire, cette salissure anodine dessine les contours du Christ. Henry Poole, que le film révèle atteint d’une maladie mortelle, se confronte, à travers le mur, à la présence de Dieu en son foyer. Par cette métaphore aux accents grotesques, Pellington entend interroger la foi. Et comme la foi, aux Etats-Unis, pays érigé sur le principe du Capital, ne peut concevoir son élévation sans en vendre ses bienfaits, Pellington donne à son conte une allure clinquante et aguicheuse. Basé sur l’esthétique du scopitone (le film a par ailleurs proposé un concours Myspace pour élire la meilleure chanson d'après le «pitch» du film), «Henry Poole is here» fait de la foi un gadget, une trace de rien, rien moins qu’une chiure sur le mur. De là, et Pellington réussit à le faire croire à son personnage désespéré, la foi s’expose comme une révélation manifestée par un simple signe. Exit les propos de Saint Thomas d’Aquin et les films de Rossellini, Pellington croit en Dieu et, pour lui, Dieu est en s’imposant ou n’est pas. Le ton mou du film, dû en grande partie à cause de la mièvrerie des sentiments et de l’expression funeste dont Luke Wilson ne démord pas, s’adjoint à une caricature de la foi religieuse. Et tout cela baigne dans un soleil somptueux, bassin idyllique pour que surgisse, par une divulgation médiocre, la volonté de Dieu.