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Second volet de la trilogie qui consacra Antonioni, "La Notte" se situe entre "L'Avventura" et "L'Eclisse" et, soyons dès ces premiers mots tout à fait clairs, est de très loin le plus abouti des trois. Oeuvre majeure de son auteur, elle emploie une métaphore classique dans les codes du cinéma d'auteur Européen des sixties. L'écrivain qu'interprète Mastroianni n'est autre que la représentation à peine voilée de l'artiste en général et par extension du cinéaste qui d'une certaine manière s'implique personnellement dans ce qui pourrait bien être son alter-ego. Survient une crise de couple posant un cruel dilemme car l'écrivain ne peut créer que lorsque sa femme est là (elle le stimule autant sexuellement qu'artistiquement) tandis que celle-ci ne parvient pas à se sentir libre lors de tels instants. Alors, à la sortie de son dernier ouvrage, elle décide de s'en aller. Déboussolé, il va tenter de la retrouver sans se douter que l'un et l'autre bien que proches physiquement vivront une nuit peu prévisible. S'enfonçant dans une soirée sans fin, le couple se cherche, se perd, se retrouve... Cette réflexion sur le sens de la relation amoureuse et la place que celui-ci peut occuper dans les activités créatrices évoque en outre la question de l'intégrité pour Antonioni dans une époque pourrie par le fric. Critiquant cyniquement la bourgeoisie, il se situe dans la vague contestataire des normes sociales alors en place. Sur la forme, il rompt avec les schémas traditionnels : l'intrigue ne comprend pas les 3 actes significatifs, la musique jazzy est décalée, le rythme ralenti à l'extrême afin d'illustrer l'errance d'hommes perdus... Les plans longs et léchés en contact direct avec la faune contemporaine servent un trio d'acteurs géniaux interprétant des protagonistes complexes et tourmentés. Profond et novateur, "La Notte" souffre néanmoins de dialogues trop explicites sortant les sentiments de leur contexte pour ensuite les renfermer dans la banalité, voire la caricature.
Roi, Dame, Valet : le vaudeville selon Skolimowski. Beaucoup d'humour, une matière première sulfureuse ( à savoir un roman de Vladimir Nabokov, rien que ça ! ), des personnages aussi ridicules que discrètement pervers, Stanley Myers à la musique et surtout la sensation d'une comédie réjouissante, ronde, tout sauf conventionnelle. Les qualificatifs ne manquent pas : lubrique, grotesque, passionnant, surprenant, onirique... Méconnu en comparaison d'autres réalisations de Jerzy Skolimowski, Roi, Dame, Valet reste à mon sens l'une de ses réussites majeures. Les outrances du cinéaste sont encore de la partie mais elles demeurent pour une fois totalement incorporées à l'intrigue, balayant le côté " petit malin " que l'on pourrait habituellement attribuer au bonhomme. Ainsi le cinéma de Skolimowski gagne en lyrisme ce qu'il perd en démonstration, reste fidèle à sa marque de fabrique - être original à tout prix - tout en évitant l'écueil d'une mise en scène contente de ses effets. La séquence de la barque renvoie directement au chef d'oeuvre de Roman Polanski, le superbe Couteau dans L'eau ( duquel Skolimowski à d'ailleurs écrit le scénario ). Une très bonne comédie qui vieillit bien, de surcroît. A découvrir de nouveau.
Deuxième clap pour L'Homme qui en savait trop ! Alfred Hitchcock réalise ici le remake de sa première version (datant de 1934), nous offrant cette fois-ci un James Stewart sensationnel et charismatique. Si l'original se déroulait en Suisse, cette nouvelle uvre se déroule (en partie) en Afrique du Nord, plus précisément à Marrakech. On y découvre un Maroc différent de celui d'aujourd'hui, cinquante ans en arrière, on constate que ce pays a gardé tout son charme. Seul frenchy présent dans le film : Daniel Gélin, qui remplace son prédécesseur, un certain Pierre Fresnay. Comme toujours, on retrouve la même sensation de mystère, d'énigme et de suspens comme sait nous le rendre Alfred Hitchcock en dirigeant un tandem parfais et remarquable tout au long du film : James Stewart & Doris Day (qui, grâce à son interprétation a permis au film de remporter un Oscar de la Meilleur Chanson). Encadré comme à chaque fois par Bernard Herrmann, un compositeur étonnant et tellement agréable à l'écoute, on a d'ailleurs pu le retrouver dans plusieurs films d'Hitchcock, notamment La Mort aux trousses (1959), Psychose (1960) ou encore Pas de printemps pour Marnie (1964). Clôturant ce sublime film sur une séquence philharmonique inoubliable se déroulant au Royal Albert Hall de Londres, un moment d'anthologie qui confirme une fois de plus au bout de deux heures les talents du maître du suspens !
Gentil film familial .... Les 2 enfants jouent très bien et Matt Damon et Scarlet Johansson sont sympathiques. Rien d'extraordinaire, pas un film inoubliable mais on a passé un bon moment en famille. Plein de bons sentiments, une volonté d'aider les animaux , ça fait du bien , ça change de tous les films de brutes et de bagarres gratuites.
Un film poignant. Qui retrace tant de destins brisés. Un film vrai, simplement tourné et qui fait le job. Un très bon jeu d'acteur, et beau coups de messages subliminaux. J'adore !
Très bien. Instructif et divertissant. Ce tour d'horizon des revues de presse télévisuelset radiophonisues est édifiant. La 1ere partie sur la dette éclaire considérablement sur les "intérêts" en jeu.
C'est l'histoire d'une fille qui devient tellement intelligente qu'elle se transforme en clé USB. Du grand n'importe quoi.
Un film quelque peu "étrange", je pense que c'est le mot qui convient le mieux. Sans prise de tête, une comédie horrifique qui fonctionne sur tous les points puisque effectivement on rigole devant tant de bêtises et d'incompréhension. Et le côté voulu et assumé renforce le tout avec brio. Niveau acteur ça ne vole évidement pas bien haut, mais on appréciera fortement les merveilleuses formes et la beauté incontestable de la merveilleuse Roxane Mesquida. Un film bien sympathique, qui ne demande aucune réflexion et qui répond parfaitement à sa mission côté divertissement.
Un excellent film à tout point de vue, que j'ai eu la chance de voir dans une version totalement restaurée de très bonne qualité, dans le cadre du Festival Lumière 2019 de Lyon. Ce film de plus de 70 ans, a très bien vieilli quant à sa forme et à la façon de jouer des acteurs et reste d'actualité avec, en toile de fond, le thème de l'euthanasie. La réalisation est impeccable : une succession de scènes le plus souvent brèves et aux dialogues percutants ou très bien ciselés suivant le moment, une héroïne cornélienne, drappée dans sa dignité, des retournements de situations inattendus, et en accompagnement, ces tableaux de la vie sentimentale ou professionnelle des Jurés qui au final et dans une large mesure va expliquer leur verdict. Les personnages secondaires ont une véritable épaisseur et les acteurs second rôle jouent à la perfection. Et quel plaisir, de revoir, si mangnifiquement filmée, la France d'après guerre, que ce soit la ville, ses bistrots, ses taxis, ou la campagne avec ses paysans, ses gendarmes, et tous ces gens si touchants avec leurs coiffures et costumes de l'époque, sans parler de la mentalité, bourgeoises, militaire, paysanne, mais presque toujours très conservatrice qui régnait en 195 et qu'on ne peut regarder qu'avec nostalgie. Le seul petit reproche, peut-être, c'est le caractère didactique du film, sa volonté de trop démontrer ce qui aurait pu être seulement suggéré.
Metro manila fait mouche grâce à sa simplicité, il prouve qu'il ne suffit pas d'en faire des caisses pour arriver à un excellent résultat. On y trouve autant d'espoir que de désespoir, on y trouve la vie tout simplement. Semé d'embuche et de moment de grâce. Les acteurs sont d'une justesse incroyable, les paysages sont magnifiques et l'histoire n'est que vérité. Excellent, à voir !
Encore moins bien que l'original ! Le scénario est très mauvais et complètement prévisible! Angelina surjoue et prend la pose à chaque plan. Johnny sauve le peu qui reste à sauver...
Un film sensible et touchant sur la difficulté d'écrire et de vivre pour une jeune femme au début du siècle dans une atmosphère envoutante de Portugal aristocratique d'avant guerre. Les acteurs, les décors les costumes tous participent à la réussite du film; A ne pas manquer
Film pour enfants dans la lignée de Spy Kids ou autre ânerie cinématographique, Top Chronos est pathétique et terriblement anodin. Pourtant, on se surprend à le regarder jusqu'au bout. Ce n'est pas nul, simplement destiné à un public jeune, qui fermera les yeux sur l'histoire prévisible, les bons sentiments et les comédiens inexpérimentés.
Avec Tsar, Pavel Lounguine continue d'explorer des thèmes qu'il avait abordés dans l'Ile. Outre une féroce réflexion bien actuelle sur les rapports entre la politique et les idéologies, Tsar aborde le problème du bien et du mal et de la folie du pouvoir sans morale. Au delà de la violence des images l'émotion est souvent au rendez-vous. Dieu est le personnage le plus invisible et sans doute le plus incontournable du film. Un parti pris audacieux qui donne au film une singulière originalité ce qui n'a pas privé Lounguine de quelques clins d'oeil à l'Ivan le terrible d'Eisenstein.
Excellent film de qui tient davantage du western que de la SF proprement dite. Pour une fois, un film qui n'a rien pillé à Blade runner ni à Alien, ce qui est rare. Un scénard et des décors qui lui sont propres. Un Sean Connery en pleine forme et qui incarne super bien le héros. Aucun temps morts et une histoire, certes linéaire mais qui vous emmène. Un des rares films sci-fi que je peux voir et revoir, ils ne sont pas si nombreux ! je recommande !!
Driven to Kill est la résultante de la rencontre improbable d'un formidable scénario et d'un jeu d'acteur au sommet supplée par des scènes d'action qui n'ont rien à envier à un Replicant ou un Double Impact de la star incontestée du genre. Ajoutez à cela une formidable bande son digne des plus grands virtuoses de la Balalaika et vous obtenez un résultat insolite qui complète le palmarès d'un Seagal on ne peut plus en forme, nous faisant redécouvrir l'art déchu du burlesque à travers son interprétation musclée d'un homme blessé dans sa conscience pure. Une pure merveille cinématographique qui aurait sa place dans le panthéon des films de potager les plus saugrenus entre "L'attaque de la Moussaka géante" et "Le retour des Tomates Tueuses". Le seul point négatif reste pour moi l'absence de bonus DvD qui aurait pu m'éclairer sur les subterfuges utilisés pour la réalisation de cascades à couper le souffle d'une loutre asthmatique.
un excellent action thriller qui nous tient en haleine jusqu'au bout !!!
Les Evadés est l'exemple même du chef-d'oeuvre. Ce film est un véritable bijou. Porté par un duo d'acteurs magistral (Tim Robbins et Morgan Freeman sont excellents), Les Evadés est un film sur la liberté, l'espoir, l'amitié et qui est ô combien humain. Frank Darabont nous offre un pur moment de cinéma car le film est réussi de bout en bout. Pas une seconde d'ennui, on se laisse transporter par cette histoire ô combien touchante. Il n'y a rien de plus à dire sur ce chef-d'oeuvre si ce n'est de le voir (d'urgence !!!) ou de le re-revoir. Magnifique.
Avec Alice dans les villes et les Ailes du désir, Jusqu'au bout du monde clôt en quelque sorte l'univers "Wenders", l'univers du photographe, l'invitation au voyage et à la poésie s'achève ici au coeur de l'Australie et bien au-delà après une course à travers le monde. Esthétique, nous avons là toute la raison de vivre du photographe errant à travers le monde à la recherche de toujours plus de rêves à transmettre. Ici le scénario n'est que prétexte à un voyage initiatique entre amour, poésie et clichés instantanés. Un film méconnu sans doute de part sa longueur, et le fait qu'il fût amputé à sa sortie d"une bonne heure. Comme à son habitude la bande son et les images se succèdent parfaitement orchestré par une distribution d'acteurs remarquables. Mention spéciale pour le couple improbable Jeanne Moreau / Max Von Sydow. Deux monstres sacrés du cinéma, de l'émotion à l'état pur. Le scénario n'est pas en reste, ce film reste encore aujourd'hui, certainement le plus complexe réalisé à ce jour par Wenders. Il faut cependant rester accroché plus de 4 heures (pour la version non amputée). Un voyage initiatique en compagnie de la merveilleuse solveig Dommartin égérie de Wenders et disparue beaucoup trop tôt. Un film que l'on redécouvre à chaque nouvelle vision et sous des aspects différents à chaque fois... Tant de choses à dire... Difficile à dissocier des films précédemment cités, avec ces 3 films, la messe est dite, 3 chefs d'oeuvres du 7ème art, qui ne font qu'un au final...
Jaume Balaguero, cela va du nul (« [Rec 2] ») au magistral (« Malveillance »). « Darkness » fait malheureusement plutôt partie de la première catégorie, même si le désastre n'est pas aussi grand. C'est un peu plus personnel que ce qu'on peut voir habituellement dans le genre, un peu plus soigné et surtout pas mal joué, l'émouvante Anna Paquin démontrant une fois de plus son grand talent. Mais quelle banalité... Clichés, situations éculées, grandiloquence, effets vus et revus, rebondissements peu excitants et surtout un aspect très creux sont au programme d'un récit terriblement faible, bien qu'il essaye de nous amener vers une histoire demaison hantée qui n'en est finalement pas vraiment une. C'est ça le pire : il y a quelques bonnes intentions, mais même celles-ci tombent à plat tant elles sont bâclées, à l'image d'un dénouementparticulièrement sombrequi aurait eu de la gueule s'il n'était pas aussi expédié, se contentant juste de ne pas terminer comme d'habitude sans chercher à aller plus loin. Résultat : sans être insoutenable, c'est plutôt nous qui plongeons dans les ténèbres devant cette œuvre se donnant de grands airs, mais ne ressemblant finalement pas à grand-chose...
Une interprétation plate de l'oeuvre de Golding, qui elle est un véritable chef d'oeuvre. Ce film ne fait que raconter l'histoire, sans même s'attarder sur la psychologie des personnages, pourtant base du livre, ni sur les enjeux philosophiques : l'absurdité gagnant peu à peu sur la raison, à cause de l'éducation rigide et sans raisonnement qu'on eu ces enfants; la remise en cause de l'innocence de l'enfance voire la démonstration de son côté cruel; le démantèlement trop rapide d'une civilisation, peut-être par manque d'exemple puisque les adultes sont eux-mêmes en guerre, nucléaire qui plus est. La musique, doucereuse et répétitive, casse le côté haletant et sombre de l'histoire. En bref, l'esprit de l'oeuvre a été en grande partie omis. Toutefois, les prises de vues sont intéressantes, car elles mettent en avant le jeu naturel des acteurs.
Tout d'abord, il est vrai de dire que ce Hunger-Games comporte moins d'action que les deux précédents. MAIS, il ne faut cependant pas non plus exagérer en disant qu'il ne se passe rien, que c'est long et ennuyeux, qu'il y a trop de blabla et patati patata ... Car c'est absolument faux. Certes, l'action est moins présente mais bien là (je peux citer beaucoup de passages), il y a aussi plus de parlotte mais une fois encore, ce n'est pas inintéressant et ceux qui affirment le contraire n'ont rien compris et sont justes là à regarder une image qui est tout simplement magnifique et tellement bien joué. Le dialogue (pour les moins futés qui ne l'ont toujours pas compris) est là pour instaurer les bases de la rébellion contre le Capitole. À tous les gens qui vont voir Hunger Games dans le seul but de voir des morts, des explosions, des armes tirant de tous côté et des camions sautant d'un pont et qui, par la suite, déçus de ce qu'ils voient (car les dialogues c'est pas leur truc) vont aller mettre une note de 0,5/5 ou 1/5 tout en justifiant leur note par le pathétique "il ne se passe rien dans ce film", allez plutôt voir the raid ou expendables... Hunger Games n'est pas un film d'action avant tout. Sachez le. Car malgré ces mauvaises critiques, cet opus est tout aussi passionnant que les deux premiers. En plus, cet Hunger Games, comparé aux deux premiers, nous permet de découvrir un peu l'univers de certains districts. Pour les VÉRITABLES fans, allez le voir sans aucune hésitation, vous ne serez pas déçus.
Ach, la guerre, gross malheur...Si vous avez un peu de temps à perdre ou si vous êtes à la quête du navet absolu, cette comèdie / èrotique est pour vous! En fait, "Le Diable rose", en Normandie, est une maison de rendez-vous galants et coquins! On y trouve des dècors pauvres sous l'Occupation et une distribution calamiteuse, avec notamment Roger Carel, Brigitte Lahaie, Pierre Doris ou Jeanne Herviale...rien que du beau monde en somme! Acteurs mauvais, dialogues à l'emporte-pièce ne remontent guère le niveau de ce film fauchè et ratè! A fuir d'urgence car le show exigè par le tâcheron Pierre B. Reinhard, qui ne semble guère s'être investi dans cette nullitè, est terrible parfois, même en tant de guerre...
On ne sait pas trop si il s'agit d'un film de science-fiction où d'une berceuse tellement on s’endort. A part la scène avec la voiture allemande, il n'y a rien de bon.
Avec âpreté et énergie, Bruno Barreto s’inspire de faits réels pour suivre le destin tragique d’un jeune délinquant des favelas. Misère des bouges de Rio, drogue, violence, prostitution, guerre des gangs, école du crime pour enfants déshérités sans repères, le tout à quelques encablures des beaux quartiers de Copacabana, ce regard sans concession sur les inégalités féroces de la société brésilienne agit comme un coup de poing. Si le sujet n’est pas nouveau, il est traité avec sincérité et réalisme, servi par un jeune interprète inoubliable dans son expression de la haine, de la révolte et de l’impuissance.
Il ne sentait pas bon, ce film : alors que la presse A-DO-RE habituellement ce genre de productions, voilà qu'elle était ici franchement mitigée, ce qui, par l'absurde, aurait pu être bon signe, mais pas au vu des arguments et encore moins de la bande-annonce si vous avez eu la « chance » de la voir précédemment. Je veux bien reconnaître quelques qualités : il y a un minimum de personnalité, d'enjeux, la présence étrange de Marion Cotillard ainsi que quelques scènes (notamment dans la dernière partie) permettant à « Gueule d'ange » d'avoir ses moments et de ne pas sombrer totalement. Mais bon... ça sent quand même le titre bien prétentieux pour pas grand-chose, se donnant de grands airs alors que quasiment rien ne le justifie. Partant d'une idée de départ relativement audacieuse, Vanessa Filho ne sait finalement pas quoi en faire et se perd dans de nombreux plans poseurs et un scénario brassant beaucoup de vide, aux choix parfois assez incompréhensibles, si bien que l'ennui s'est vite emparé de moi pour ne me relâcher qu'à de rares passages, en partie grâce au personnage d'Alban Lenoir, que ce dernier incarne avec une vraie présence : le (seul) vrai point fort, c'est lui. Si je lui trouve, donc, quelques circonstances atténuantes, cela ne m'empêche pas de trouver ce genre de cinéma exclusivement réservé à une (toute) petite chapelle qui vous expliquera sa remarquable réussite (et encore, elle devrait être encore plus réduite que d'habitude), où toutes les personnes un minimum lucides ayant envie de passer un bon moment au cinéma ne s'y tromperont pas : désolé Marion, mais là, ce projet avait vraiment tout du traquenard...
Un naufrage total. Rien à sauver. Affligeant de médiocrité.
Très impatiente de le voir en salle, « A cure for life » fut mon premier choix sur les sorties de la semaine. Il remplit à merveille ses conditions de thriller : l'histoire est très prenante, parsemée de mystères et de rebondissements. On ne s'ennuie pas sur les 2h30 de film, l'ambiance est remplie de noirceur accompagnée de scènes de « tortures » malsaines mais superbes à la fois. Niveau esthétique, c'est magnifique : des couleurs fades et grisonnantes tout le long, ce qui représente bien cet endroit sinistre. Quelle est cette mystérieuse cure ? Quels sont les réels traitements et expériences que l'on pratique sur les patients ? Lockhart va peu à peu mener son enquête et va prendre le risque de perdre pied, quitte à lui même devenir peut-être fou... Dane De Haan est superbe dans son rôle, et je suis ravie de le voir enfin porter un premier rôle sur grand écran. On assemble donc en même temps que lui les pièces du puzzle. Cependant, je trouve qu'il y a des pistes que, nous spectateurs, on trouve limite dès la première demi-heure, tandis que Lockhart est long à la détente... (SPOILER :Pourquoi tu continues à boire cette eau ??) Quand au dénouement final, il m'a un peu déçu, sans doute aurais-je préféré quelque chose de moins... « fantastique », disons. C'est pourquoi je ne peux pas lui mettre 5/5. Dans l'ensemble, « A cure for life » est tout de même un thriller superbe visuellement et qui tient en haleine le spectateur jusqu'à la fin en le mettant dans la peau du héros principal, c'est ce que je recherche et c'est ce que j'aime, malgré une fin moins soutenue qui le pénalise.
Je comprends pourquoi ce film est devenu culte même si je trouve celà exagérer ! Mais je n aime pas les comédies musicales et un film completement kitsh mais pas ds le bon sens n'y changera rien . Eviter si possible
Du pur divertissement, on ne s'ennuie pas une seconde !!! Le duo Gibson/Glover reste magique et toujours aussi complémentaire !! Le retour de Joe Pesci et l'arrivée de René Russo apporte un réel plus à cette suite !! Les scènes d'actions et courses poursuites sont virevoltantes, sans temps mort, spectaculaire, avec une BO d'enfer !!! L'humour dans ce volet est omniprésent, on rigole beaucoup notamment la scène d'intro qui est d'anthologie !!
Vieux et complètement dépassé. Tout tient d'une autre époque.
Ca vous donne envie de faire du Hockey sur glace ! Ca cogne dur pendant les matchs mais c'est tendre en sortant du terrain. C'est a peu près toute l'histoire de ce film avec la participation encore exceptionnelle de Patrick Swayze.
Mary à tout prix est tout simplement l'une des comédies U.S. contemporaines les plus réussies que je connaisse. Ce film est devenu culte (et ce mot n'est même pas exagéré), empilant avec un rythme endiablé des scènes d'une hilarité mortelle (la scène de l'interrogatoire, du combat entre Ben Stiller et le chien, de la braguette...). Les frères Farrelly ont effectué un travail vraiment remarquable, et c'est d'ailleurs ce film qui leur a véritablement donné de la notoriété, c'est leur plus grande comédie. Ils sont devenus des piliers dans le registre de la comédie U.S. Après, on est en droit de ne pas apprécier leur humour gras et vulgaire, mais sincèrement, il me semble tout simplement impossible de ne pas piquer un seul fou rire durant le visionnage de ce divertissement. Ben Stiller est désopilant, et exhibe au spectateur tout son talent en un seul film; il parvient même à s'avérer assez touchant dans certaines situations. Il demeure selon moi aux côtés de Jim Carrey un des acteurs américains les plus drôles de notre époque. Matt Dillon, quant à lui, s'avère également hilarant, interprétant brillamment le type lourdingue et "méchant". Je trouve même qu'il a quelques airs de Jim Carrey ! Cameron Diaz est amusante, jolie, et juste, bien ancrée dans son personnage. Le scénario est réussi, pas aussi banal qu'il ne le laisse entendre, et l'on ne s'ennuie pas une seule seconde; en fait, à la fin des 2h10 de film (ce qui est très long dans le genre de la comédie), je me disais même que c'était trop court, et que j'en voulais encore ! Mary A Tout Prix a parfaitement réussi à respecter le registre de la comédie: il est hilarant, et je mets au défi quiconque de ne pas éclater de rire devant cette oeuvre qui multiplie les séquences d'une drôlerie insensée.
Un navet. Un navet. De chez les navets, c'est le navet de l'histoire du cinéma. On s'ennuis dès le générique d'intro jusqu'à la fin du générique de fin, des acteurs pitoyables et des effets spéciaux à pleurer de honte.
J'ai vu hier le film à l'Espace Saint Michel à Paris. Cela m'a emporté: un témoignage sur la déraison humaine traitée de telle façon que le réalisateur paraît lui aussi dérangé! J'adore cette auto-dérision et le film m'a paru apporter tellement de fraîcheur dans le quotidien cinématographique! Vive une telle liberté de ton et merci à Luc Moullet pour cette loupe portée sur l'être humain.