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Frank McDonald a réalisé de nombreux films à partir de 1935 puis s'est orienté vers la télévision au début des années cinquante. Il n'a laissé aucun film marquant, malgré tout, ce "Duel au Colorado" ("Gunfight at Comanche Creek") tourné en toute fin de carrière en 1963 est intéressant à plus d'un titre. D'abord, parmi toute la filmographie de Audie Murphy dont une majorité de westerns, celui-ci est l'un des meilleurs qu'il ait tournés. Il n'agit pas en solitaire comme dans la plupart de ses rôles de justicier mais il évolue au sein d'une agence de détectives puis infiltre une bande de hors-la-loi afin de tenter de découvrir qui est le véritable chef de la bande et démasquer toute l'équipe qui agit de manière audacieuse sans jamais être repérée. Vous ne le verrez pas non plus tirer plus vite que son ombre (pour une fois) mais tenir un rôle de chien dressé au sein d'un clan de brutes n'hésite pas à tuer de sang-froid. Le montage du film ressemble quelque peu à celui d'un film noir des années 40-50 avec la technique de narration et le mystère qui plane presque jusqu'à la fin de l'histoire. À noter la présence de DeForest Kelley dans le rôle du chef de bande Troop, un homme vindicatif et sanguinaire, un acteur que l'on retrouve dans "L'homme aux colts d'or" en 1959 avec Richard Widmark et Henry Fonda. Ce "Duel au Colorado" constitue un bon western de série B à l'intrigue captivante.
un excellent film d'action type série B mais avec des acteurs vraiments trés bon et un scénar bien écrit. de l'amour, de l'action, du suspence, tout pour passer une bonne soirée
Première adaptation cinématographique pour le célèbre manga japonais publié pour la première fois en 1952 et qui connu par la suite, deux autres adaptations, cette fois-ci, en dessins animés pour le petit écran (1963/1966 & 2003/2004). Si le script reste fidèle à l'original, on regrettera le graphisme qui se satisfait du strict nécessaire. Niveau scénario, très enfantin, on a déjà connu plus palpitant (quête de l'identité, désastre écologique, domination des humains sur les robots, ...), ajoutez y une poignée de niaiseries (voir, une grosse poignée) et le film devrait aisément plaire aux plus jeunes (et à quelques nostalgiques).
Le premier film de Miguel Gomes (Tabou) n'intéressera que les fondus du réalisateur portugais. Le film se décompose en deux parties complètement distinctes (comme Tabou d'ailleurs !). La première est assez intrigante : un homme trentenaire assiste déguisé en cow-boy à une fête d'école costumée, lors de laquelle il se comporte en gamin. C'est complètement déstabilisant, avec un mélange de réalisme, de comédie musicale décalée, d'ellipses osées et d'ambiance irréelle. Il y a un charme original dans cette partie, qui aide à comprendre pourquoi Miguel Gomes a été remarqué dans tant de festivals. Un petit air de Wes Anderson (réalisateur qu'apprécie beaucoup Gomes) lunaire et dépressif. La seconde partie nous montre 7 adultes soigner dans une maison perdue en forêt le protagoniste de la première partie, atteint de rubéole. Le film se perd alors totalement dans une suite de saynètes confuses et prétentieuses, multipliant les allusions à tout sorte de contes. Ce qu'on voit ne semble avoir aucun sens, si ce n'est peut-être de montrer des adultes qui se comportent comme des enfants. C'est très formel, hyper intellectualisé, moche à regarder et formidablement ennuyeux.
L'avant garde du cinéma d'épouvante avec le grand Boris Karloff! A voir pour les amateurs du genre!
Il y a 25 ans, une mode s'empara du film d'horreur en nous proposant de mettre en vie des poupées ou marionnettes ( dolly,chucky,....). Certains s'en sont bien sortie de part leurs bonnes réalisations et un scénario qui tenait la route, d'autres comme puppet master a certes des personnages des plus loufoques mais le scénario est sans intérêt ce qui rend ce film ennuyeux.
On se demande qu'elle était l'idée de Forest Whitaker de jouer dans un film pareil ? Car le résultat n'est pas là du tout! Tout d'abord, à la vue du trailer, ça semblait assez concret, surtout avec Whitaker dans le casting, mais en faite, cette comédie tourne au désastre. Un scénario vu et revu, pas du tout recherché, laçant, ennuyant, je n'ai pas su voir le film en entier tellement la qualité n'était pas présente! Une histoire très banale, rien de surprenant en fin de compte. Une déception parmi tant d'autres. De plus, le doublage, pas terrible du tout, vraiment moyen, très mitigé en faite. Je n'avais pas la possibilité de le voir en VO malheureusement, je le regrette pas tant que ça vu le résultat final. Pourtant, le casting était là, intéressant, des choix assez judicieux, mais, qui a mal tourné, et qui, à cause du scénario, ben, "La guerre des pères" reste un film vraiment très décevant, ennuyant, fatiguant, et qui est loin d'être original! Je ne conseil pas ce film, sauf si vous êtes un amateur du genre, et que vous êtes un grand admirateur de Forest W. . Concernant ma note, je donne un petit 8/20. Ce-ci dit, celui qui regarde pour la première fois un film, et qui regarde celui-ci plus particulièrement, oui je pense qu'il passera un bon moment.
Ce film est un pur navet, sombrant dans la parodie involontaire, avec des scènes d'action ratées, abusant du ralenti juste à nous écoeurer.
Pour avoir le titre de comédie il faut encore que celle-ci soit drôle et trafic d'influence n'a pas une once de drôlerie. Il faut dire que les pseudo gags sont totalement foireux et l'histoire n'en n'est pas une. Donner de l'argent à quelqu’un comme Farugia pour réaliser un film est une insulte aux cinéma et aux spectateurs.
Digne de figurer parmi la liste des 10 pires films de serie C de l'histoire, King Rising 2 vaut quand même le détour pour une raison peu banale... Après la séquence où le héros rencontre la "Voyante" dans la forêt, on revient à la "forteresse" supposément médiévalĕ. À noter que meme le personnage principal ridiculise le décor d'un commentaire... Sur le plan d'ouverture montrant la façade, on peut voir apparaître, dans le travelling, un groupe d'automobiles stationnées à la droite des remparts de carton pâtes, et ce, pour environ quatre secondes! À la fin de la séquence, elles réapparaissent une autre fois. Unique!
"Avertissement : des scènes, des propos ou des images peuvent heurter la sensibilité des cinéphiles" Voila ce qui devrait figurer sur ce DVD tellement honteux qu'il en devient involontairement drôle. Voir un Nicolas Cage sous lexomil cachetonner dans cette production apathique et bigarrée se révèle plus hilarante qu'effrayante. Neil Labutte, plus habitué aux comédies, nous afflige d'un thriller mou du genou qui ne ravira que les spectateurs déviants ou les nanardeurs chevronnés. Courage, fuyez ...
La mort. Quoi de plus terrible nouvelle que la mort d’un proche, d’un parent, d’une personne aimée ? Des chercheurs en ont même établi une échelle de gradation de stress psychologique. Pour Ponette, c’est la perte de sa maman qui va être le choc à encaisser. Quoi de plus terrible que de voir une enfant de 4 ans pleurer pour une telle cause ? Un accident de voiture et c’est dans une chambre d’hôpital que le père doit annoncer à sa fille, qui a le bras dans le plâtre, la nouvelle. Derrière cette histoire où le réalisateur va à merveille se mettre dans l’esprit et le cœur de l’enfant d’une manière stupéfiante, est soulevée la question plus que de la réalisation, de l’interprétation. Sortie en 1996, le film a valu à Victoire Thivisol le prix d’interprétation du festival de Venise. Ce qui me pose problème, ce n’est pas tant le prix que l’impact psychologique sur l’enfant. Dans le générique on pourra lire qu’il y avait un psychologue pour les enfants. Si l’on en revient au film, on est stupéfait de constater la justesse des sentiments, la douleur, le déni de la mort, la réaction des autres enfants, l’irruption de la question de Dieu. Les morts peuvent-ils revenir ? Ponette y croira presque tout au long du film. Ce qui est touchant, outre l’interprétation de la petite, c’est l’apparition de Marie Trintignant. Apparition au sens propre comme au figuré, presque prémonitoire. Le film se termine par une note non pas réjouissante mais réaliste avec un cœur d’enfant rempli de celui de sa mère, de l’amour de la vie. L’immense qualité du film est de montrer le point de vue des enfants, s’approchant au plus près de la réalité mais aussi de leur imaginaire. Les adultes en rôle secondaire sont tous parfaits. Le film de Jacques Doillon est un beau film, le plus beau de sa filmographie, le plus touchant. Un film découvert dix ans après sa sortie mais qui dans dix ans gardera encore sa puissance émotionnelle.
A l'issue de la seconde guerre mondiale, les films de guerre envahissent les ècrans britanniques! Quand au cinèma psychologique, il essaie d'intègrer les acquis du documentaire, en particulier dans le superbe film de David Lean, "Brief Encounter". L'action se passe en province: une mère de famille rencontre un mèdecin, lui-même mariè; ils s'aiment, mais ils sont obligès de se quitter, par devoir! Ce chef d'oeuvre vaut surtout pour la description minutieuse qu'il fait de la vie provinciale en Grande Bretagne et du milieu petit-bourgeois! il devait consacrer le talent personnel de Lean, certainement l'un des meilleurs rèalisateurs britanniques de l'après-guerre, qui montre ici une mise en scène subtile pour faire de petits riens un rècit inoubliable! Grand Prix au festival de Cannes en 1946, "Brief Encounter" porte ègalement la marque du nèo-rèalisme et permit à d'excellents comèdiens, comme Trevor Howard et Celia Johnson, d'imposer avec force leur talent! Comment oublier leurs promenades dans des paysages magnifiques ? Et la voix-off de Celia Johnson, bercèe par le concerto pour piano n° 2 de Rachmaninov ? Ces moments rares au cinèma procurent à chaque fois le même bouleversement...
Il faut passer outre une première partie terriblement bavarde et bruyante pour apprécier la matière de cette parabole sociale sommairement réalisée mais bien interprétée. Intéressant sans être indispensable (à moins d'être fan de Fellini).
Le cadre est fascinant, qui en dépit du fait que c'est d'actualité et que c'était d'actualité déjà il y a vingt ans et que ce sera encore d'actualité dans vingt autres années est peu abordé, à savoir celui de ce qui se trame autour de la frontière mexicaine et des clandestins qui la passent ou essayent de la passer, et Jack Nicholson est comme à son habitude magistral dans le rôle ce qui est sûrement un des personnages les plus sobres et les plus humains qu'il ait interprété. Mais le reste est loin d'être à la hauteur. Le scénario use de grosses ficelles et les seconds rôles, Harvey Keitel notamment et je ne parle pas de Warren Oates, sont complètement transparents. Donc le résultat est peu convaincant et peu mémorable en dépit de quelques qualités incontestables.
Je ne sais pas si c’est la musique datée de Jean-Michel Jarre ou bien l’adaptation des voix des protagonistes en français qui donne un côté comique au film, mais tout cela sonne faux et fait super amateur. Pourtant, cela ne commençait pas trop mal avec une maladie apparaissant à Hambourg et un groupe formé de personnages hétéroclites qui semblaient mener une enquête en évitant les mises en quarantaine. Mais passé cette première partie, le métrage part dans tous les sens sans réel fil conducteur et cela finit par lasser jusqu’à un final des plus saugrenus. Mais que pouvions-nous espérer de plus d’un film avec Topor en coscénariste et Arrabal en acteur !? Seule la justification de la maladie sonne juste tant elle paraît d’actualité. Il vaut mieux ainsi revoir « Scènes de chasse en Bavière » du même Fleischmann qui lui, était un vrai drame faisant froid dans le dos par son propos et son traitement !
on ne peut s’empêcher de penser que l’on voit le meilleur du pire ; or, c’est justement le pire du pire qui aurait été intéressant à montrer. Les seules scènes réellement authentiques sont tournées lors des obsèques, tout le reste, c’est du montage, des poses caméras en gros plan des protagonistes auxquelles on a du mal à croire... En bref, déception. Cette vision unique occultant tout témoignage de procureurs, juges et policiers me dérange même.
ce film est le pire navet que j'ai toujours regreté de voir !!! a fuiiiir de toute urgence c'est completement debile du debut à la fin !!! aujourd'hui encore, je me demande comment j'ai pu regarder un film aussi pouris !?
C'est un film low cost australien sans grand intérêt. L'intrigue se situe au dessus d'un arbre perché.
Ce film ne peut que changer votre vision du monde. Je le recommande absolument.
Ignoble, boursouflé, puant,prétentieux, vaguement arty mais carrément misérable.
C'est gentillet tant l'histoire, le milieu psychiatrique que le réalisateur dépeint et les acteurs sont peu crédibles. Un divertissement assez lourd sans grand intérêt.
Vu en avant première : en ces temps moroses, un film rafraîchissant qui met du baume au coeur, aux couleurs de sa réalisatrice et de tous ses acteurs. Mention spécial à Philippe Rebbot que j'ai toujours plaisir à retrouver !
dans la lignée de "The Raid", super flics contre malfrats scénario pourri presque commique juste pour donner à prétexte des scènes de combat tout bonnement exceptionnelles, un peu à la "ong bak"
L’une des meilleures comédies de louis de Funès. Avec une histoire à rebondissements et de moment de pure comédie. A noter une fin totalement burlesque.
Avec l'immense succès des deux premier opus, les producteurs ont jugé bon de réitérer les mésaventures de la délirante famille Ubriacco. Mais les jeunes acteurs ont grandi et il faut donc les remplacer... Alors au lieu de les faire à nouveau parler dans leur tête (marque de fabrique de la série), c'est au tour de leurs nouveaux animaux de compagnie de penser et dialoguer comme des adultes. Sous fond de période de Noël, le film est hélas le moins réussi : moins inventif, aux gags cette fois-ci poussifs et aux acteurs peu convaincants (Travolta a l'air d'en avoir assez de sourire à tout bout de champ), on ne peut que se résigner à voir cette étrange famille se disputer continuellement comme la famille Griswold des National Lampoon's Vacation. Bref, réalisé par le méconnu Tom Ropelewski, Allo maman c'est Noël reste une belle déception.
Un film très difficile à voir jusqu'à son terme, seul attrait du spectateur : la réputation du metteur en scène Tobe Hooper, très brillant dans Poltergeit. Seul attrait du crocodile de la mort, on a vraiment l'impression que le metteur en scène s'amuse en réalisant ce film, un plaisir pervers qu'il sait nous faire partager. Le film n'en reste pas moins totalement médiocre. Un image d'une laideur qui confine à l'amateurisme, impression peut être accentuée par l'abjecte copie qu'a l'habitude de diffuser la chaîne du câble Action, une musique sursignifiante agrémentée des cris des femelles assassinées, un jeu tout en outrance (sauf le crocrodile qu'on voit à peine), un scénario qui ne tient pas la route... Certes, la vision du psychopathe courant après ses victimes une faux à la main (telle la petite fille) avant de les embrocher et de les donner à manger au crocrodile peut faire rire, mais je ne suis pas sûr du degré de volontariat de Tobe Hooper. Le meilleur moment du film : quand Mel Ferrer, au rôle sacrifié, se fait embrocher et dévorer par la bête. Pathétique.
Un très bon film bien joué très crédible et qui rends bien l ambiance des pilotes d essais et de leurs drôles de machines très bricolees qui ont quand même permis d aller sur la lune Neil Armstrong est très crédible mais Buz Aldringham beaucoup mois quant au 3 ème on ne le voit guère. ...
un 3ème volet inutile !! un manque de moyens qui se fait ressentir, que ce soit au niveau de l'histoire très mauvaise qu'au niveau des scènes d'actions très moyenne !! Même Stallone ne peut sauver le film
Un scénario creux et prévisible. Des acteurs jouant impressionnament mal. Des dialogues plats. Des effets spéciaux ratés. Des incohérences pourtant évidentes. Film totalement catastrophique.
Glorification de l'Homme fort, peuples soumis, les ficelles de la propagande sont lourdes et rendent rapidement le film insupportable. Scipion-Mussolini conquiert Carthage et restaure ainsi l'Empire Romain. Toute cela est mis en scène avec fadeur, le jeu des acteurs est très inégal (Sordi ferait d'ailleurs sa première apparition au cinéma dans ce film) et souvent grotesque (on pense à l'interprétation outrée de Sophinisba) , la caméra statique avec des hors champs maladroits. Le film aurait tenu une semaine en salle avant d'avoir été projeté gratuitement afin d'attirer les spectateurs lassés du fascisme. N'a d'intérêt que pas son aspect historique (celui de l'Italie de 1937).
On découvre avec le film la face cachée du pari sportif. Al Pacino est magnifique comme d'habitude. Pari réussi.
J'ai été voir le film car j'apprécie énormément le jeu d'Emma Thompson..il faut dire que le film est très moyen , le rôle d'emma trop caricatural et on s'ennuie un peu..
Très bonne surprise que ce "petit" polar paraguayen réalisé avec peu de moyens certes mais dont le scénario astucieux et la bonne interprétation des acteurs principaux (à la fois touchants et naturels) nous entrainent dans un tourbillon morbide et violent. Le tout en respectant la règle des 3 unités. Bravo.
D'un réalisateur de seconde zone, on aurait été poussé à l'indulgence envers cette comédie pas très drôle, visuellement assez laide, un peu trop bavarde, qui ne s'appuie en fait que sur une bonne galerie d'acteurs. Mais de Pedro Almodóvar, à qui on doit de belles réussites comme "Tout sur ma mère", "La Piel que habito" ou si on veut rester dans le domaine de la comédie "Femmes au bord de la crise de nerfs", ce n'est pas du tout le cas. "Les Amants passagers" est sans conteste non seulement le plus mauvais film que j'ai vu d'Almodóvar mais aussi le plus insignifiant.
"Bandaged" commence par séduire par la qualité de son image et par sa réalisation faite quasi exclusivement de plans très rapprochés. On ne sait où le film nous conduit : policier ? fantastique ? Mais ces deux pistes s'effacent pour laisser totalement la place à une histoire d'amour passionnée - et visuellement très explicite - entre l'infirmière et sa patiente. On réalise alors la pauvreté du propos, de l'histoire, et du jeu des acteurs.
Ce film a toutes les caractéristiques du cinéma d'Ozu, aussi bien au niveau de la mise en scène que des thèmes abordés et de la tonalité générale... et la qualité également, immense. Ozu ausculte avec une précision infinie (mais avec nettement plus de douceur qu'un Losey, tout de même) les relations entre les personnages. On a bien sur droit a un constat sur le fossé intergénérationnel, mais ici l'accent est mis sur d'autres thèmes. Le personnage principal, Noriko, 28 ans, refuse de se marier. L'irritation que provoque cette vie satisfaisante hors du cadre imposé va peu à peu l'éloigner de ses amies et de sa famille, qui, s'ils se plaignent de leur vie de couple... n'acceptent pas que Noriko ne désire pas la même vie qu'eux, et encore moins qu'elle s'en estime privilégiée. Ainsi, sans le vouloir, Noriko va provoquer l'évolution d'une situation qui la rendait pourtant, elle et les autres, heureux. Le film est très riche, et d'une sensibilité extrème.
Ce film est difficile à apprécier, non pas par le jeu des acteurs qui sont très bons. D'ailleurs Travolta et Washington sauvent le film de la catastrophe. La réalisation dynamique par les cadrages et les plans est bonne mais elle se suffisait à elle-même. La scène de l'accident de voiture met à mal le jeu des acteurs, elle n'était d'ailleurs pas utile du tout. Tony Scott a détruit son film à partir de ce moment. Il aurait du continuer sur la psychologie des personnages, sa réalisation saccadé et "clippante" était parfaitement adapté pour accentué ce dialogue psychologique entre Washington et Travolta. Et puis le gros problème c'est le scénario, et l'absence de suspense, j'ai sut la fin du film au bout de cinq minutes de discussion entre les deux personnages du film. Et enfin le coup de la bouteille du lait est inutile et incompréhensible, ce qui rend la fin du film pathétique. Amérique puritaine quand tu nous tiens. Au final on a un film sans suspense, plein de clichés qui aurait put être bien meilleur si Tony Scott était resté sur la psychologie des personnages et sa réalisation " clippante ". Travolta et Washington sont les seuls intérêts de ce film, mais ce n'est pas qu'avec celà que l'on fait un bon film.
Excellent film de Scola. Inspirée par Théophile Gautier, cette histoire d'une troupe ambulante est vraiment une réussite à tout point de vue. Une réalisation parfaite, de très bons acteurs (Ornella Muti, Massimo Troisi, et Emmanuelle Béart), une poésie souvent présente dans des décors formidables (dans les studios de Cinecitta), une émotion forte parfois, et surtout une mise en scène toute en intelligence, avec des dialogues souvent de haute qualité, et une musique très bien placée. Une oeuvre d'art cinématographique.
J ai voulu voir ce film car il était sur netflix... Incroyablement nul. J ai jamais vu un film aussi nul en 22 ans de vie. Voix françaises IMMONDES. Mes oreilles saignent encore. Histoire plate, longue, prévisible. Les bruitages sont de tres mauvaise qualité voire inexsistant. Je ne sais pas comment j ai réussi à regarder le film en entier. Je déconseille fortement. Ce film m a tellement choqué vu son niveau de nullité absolument que je me suis senti obligé de rediger un avis pour vous prévenir de cet immense navet.
un excellent thriller à la française avec un CLUZET en très bonne forme le rôle lui colle à la peau très bien orchestré, du suspens jusqu'au bout, pas d'incohérences , du très bon cinéma une pléiade d'acteurs chapeau bas Monsieur CANET
Une comédie savoureuse portée par des personnages attachants, incarnés par des acteurs géniaux ! Courrez voir "Rupture pour tous" allias "Love is dead" : drôle, émouvant, et résolument moderne.
Intéressant, presque un docu-fiction puisque basé sur des faits réels et assez fidèle à la réalité. Un film qui donne envie de réfléchir ou du moins de se pencher un peu plus sur un thème toujours d'actualité.
Mouais, m’enfin que dire, je sais pas, peut être bien peut être pas…. Alors la je bloque. J’aime les prestations des acteurs, Sagnier, Berléand, May et Maginel sont brillants. Maginel surjoue un poil trop même. Mais j’ai eu du mal à rentrer vraiment dans cet univers de lutte des classes et de jalousie social et professionnnel. Et même la fin confirme cette mauvaise impression que le film cherche son fil rouge sans jamais le trouver. A voir pour les acteurs pas pour le reste.
Déja le premier ne m avait pas laissé un souvenir impérissable, mais alors la le second m a laissé un mauvais souvenir. Prévisible, mal joué, sans suspense .... Seul point positif, mon enfant de 6 ans a aimé ... Bon signe ?
Beaucoup de promesses pour un film tourné comme un conte mais hélas, l’enchantement de départ se transforme vite en ennui profond tant il ne se passe rien ! Alors oui Sanjay Leela Bhansali a un don inné pour l’image, les décors et la photographie, mais visiblement la réalisation n’est pas son fort de même que le choix du scénariste, pas exempt de tout reproches (cf Prakash Kapadia déjà l’auteur des dialogues pas tjr logique de Devdas). Que dire de ? : Tout est mou dans ce film, les chansons sont nulles et constituent à ce niveau là une faute professionnelle pour un film qui est censé faire rêver. Seule Rani Mukerjee passe au travers de ce fiasco, de même que Ranbir Kapoor pas mauvais dans son rôle de doux rêveur, et la p’tite mamie qui est excellente. Mauvais (7/20)
Magnifique. Je viens de voir les 3 d'un seul coup sur Canal (bravo pour cette programmation) et je suis très content d'avoir la grippe aujourd'hui. Du grand art, subtile et véridique. (Petit détail des Twin Towers à New York à la fin de Santa Fé était remarquable).
Un film âpre et violent qui remet en cause les bons sentiments et les préjugés. Il y a une morale derrière cela qui énonce que le bien ne s'obtient pas sans mal parfois.
Très bonne interprétation des acteurs notamment de Denis Podalydès . Les élèves sont naturels , attachants ce qui apporte un vrai coup de fraicheur au film et beaucoup de justesse.