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Certaines critiques ont eu l'indécence de voir dans ce drôle d'objet cinématographique "Transfiguration" des relents lynchéens. Certes, il y a évidemment l'aspect très expérimental du film, et une bande-son qui rappelle peut-être celle du sublime "Eraserhead". Mais la comparaison s'arrête là. "Transfiguration" est un long, très long récit où il autant question de banlieue new-yorkaise, de discrimination, d'amour, d'orphelinat, de deuil que de vampire. Pourtant il y avait de l'idée, celle avant tout de faire porter par un jeune collégien des quartiers du Queens, une soif pour le sang de ses victimes humaines. Mais le jeune homme, Milo, qui vit avec un frère, vautré des journées entières dans un canapé, tombe amoureux et son destin bascule. Il faut regretter une mise en scène très dépouillée, sinon ennuyeuse. Certes, on ressent le manque absolu de moyens. Pour autant, la direction d'acteurs est intéressante, s'agissant notamment du jeune garçon qui semble en permanence sur la brèche, entre son désir de sang et sa soif d'humanité. Mais le récit s'étire langoureusement, avec une sorte d'évidence quant à la fin. Les décors sont désolants, la photographie à la limite du noir et blanc n'exprime aucune émotion. On cherche à avoir peur, en vain. On cherche à vibrer pour ce jeune couple, en vain aussi. Quant à la représentation de la délinquance des quartiers, elle inspire autant de rejet que d'invraisemblance. "Transfiguration" était un beau projet et sans doute que le cinéma n'était pas le genre le plus adapté pour raconter cette histoire.
Considéré par plusieurs critiques comme le premier chef d'oeuvre du cinéma parlant américain, "Hallelujah !" a deux originalités : d'abord tous les acteurs sont afro-américains, ensuite King Vidor, grand réalisateur novateur trop oublié par la postérité, se fait un malin plaisir d'éviter la platitude technique à une époque, celle du tout début du parlant, où on se contentait de filmer sans la moindre créativité la parole ; il nous réserve même un ou deux beaux moments de lyrisme très typique de son cinéma, notamment la scène où le protagoniste traverse une suite d'extérieurs en chantant "Going Home"... Reste que la vision des noirs, si elle est tout de même à mille lieues de celle ultra-raciste de "Naissance d'une Nation" où ils avaient comme seules fonctions soit d'être paresseux soit de tenter de violer de la blanche, est très condescendante en les représentant comme des grands gamins un peu bébêtes. Eh oui, il faudra attendre les années 50 pour voir enfin une vision égalitaire des noirs dans le cinéma hollywoodien... De plus, l'histoire est assez simpliste, les rebondissements sont parfois mal amenés (pourquoi elle attend que son bonhomme revienne avant de tenter de se barrer alors qu'elle avait toute la journée tranquille pour le faire ???) et le discours évangéliste est lourdaud. Reste l'originalité, la technique et les moments de lyrisme...
Il ma beaucoup fait rire et pourtant d'habitude il m'en faut. C'est vrai qu'on se croit vraiment à la maison et c'est rassurent de voir que c'est partout pareil. En plus, j'ai eu l'opportunité de rencontré marie Hélia et quelques comediens, il sont vraiment chouette pas prisent de tete. Bref Film à petit budget qui s'en sort tres tres bien.
Très beau film ! On y prend goût en tant que spectateur, et en tant qu'enquêteur qui essaie de résoudre une affaire de meurtre bien spéciale. 4 étoiles pour cette oeuvre hautement drôle et divertissante.
En 1989,"Mélodie pour un meurtre" marquait le grand retour d'Al Pacino au cinéma,4 ans après l'avoir quitté pour se consacrer au théâtre.Sans surprise,il choisit le rôle d'un flic déprimé,plaqué par sa femme,usé par son boulot.Un personnage qui manque cruellement d'envergure pour lui,où il ne peut exprimer son jeu physique.L'intrigue surfe sur la vague de l'époque du thriller érotique:des hommes assassinés sur leur lit par une femme ayant répondue à une petite annonce.Cela se traduit par une relation sur-développée entre le flic et sa maîtresse suspecte,et complètement ratée.Aucune alchimie entre Pacino et Ellen Barkin,franchement mauvaise et inexpressive avec son rictus de guingois.De l'érotisme de comptoir.A l'inverse,celle entre Pacino et John Goodman est inachevée.Un duo drôle et complémentaire,qui n'aurait demandé qu'à avoir plus de scènes en commun.Le ponpon revient quand même à la résolution de l'intrigue: expédiée,pathétique et à peine digne d'Hollywood Nights.Harold Becker est un faiseur inopérant qui évite le nanar de peu grâce à son respect pour les codes de genre,mais sûrement pas grâce à un Al Pacino en roue libre.
Un polar ou Robert Shaw joue un méchant kidnappeur avec en plus une poupée dynamitée et un enfant caché quelque part avec le pantin voilà de quoi m'attirer malheureusement si le début de Tomorrow At Ten parvient sans peine à nous capter il n'en est pas de même du reste du film. Bien que très court (moins d'1h20) Tomorrow At Ten m'a par moment ennuyé car passé le 1er quart d'heure le suspense tombe rapidement et Tomorrow At Ten va s'enliser dans des scènes de dialogues peu passionnantes en fait le film vaut essentiellement pour Robert Shaw excellent en homme froid et insensible, une séquence intéressante lorsque le policier parvient à lui tirer les vers du nez sur son enfance. Niveau mise en scène rien de mirobolant.
C'est un scandale que ce film soit autorisé pour les enfants de plus de 12 ans, il s'agit d'un film pour adulte avec scènes pornographiques !
Film à part dans la filmographie de Gus Van Sant, Even Cowgilrs get the Blues est un échec cinglant. A mi-chemin entre la grosse production ( due au casting de tout premier choix ) et le film indépendant, il déroute et déconcerte par son côté fourre-tout et ses situations abracadabrantes ( l'intrigue: une jeune auto stoppeuse aux pouces anormalement grands depuis sa naissance se retrouve dans un ranch entretenu par des cowgirls en pleine révolution ). Si l'on retrouve certains thèmes chers au réalisateur ( la marginalité du personnage d'Uma Thurman ou encore l'homosexualité ), le film demeure malheureusement trop impersonnel pour satisfaire le spectateur. Où est donc passé la poésie de My Own Private Idaho ( que l'on retrouvera également dans la trilogie Elephant-Gerry-Last Days ) ? En définitive, je pense que ce film restera le moins bon film de Gus Van Sant à ce jour... C'est dommage, car le casting aurait pu servir le film au lieu de le desservir. Un échec, donc, mais bon: l'exception confirme la règle...
Magnifique film plein d'humanité, d'humour, d'émotion, de réconfort. Ce film vous bouleversera tous.
Personnages peu attachants, scénario américain dans toute sa splendeur trés bof, actions bof, 3D pas trés utile....pas essentiel au cinéma, on s’ennui un peu beaucoup..bon film en DVD chez soi quand on a plus rien à regarder ou pour s'endormir.
Inséparables suffirait, s’il n’y avait que lui, à prouver que les petites histoires font les petits, tout petits films, tellement petits qu’ils passent inaperçus, qu’ils sortent au cinéma quelques jours puis disparaissent dans les bacs en soldes des grandes surfaces. Car si le spectateur indulgent n’attendait rien d’un postulat indigent et surtout rebattu – on ne compte plus aujourd’hui les buddy movies –, la linéarité bêta avec laquelle se déroule le film de Varante Soudjian suffit à miner une intrigue aux rebondissements nuls ou à ce point téléphonés qu’ils transforment aussitôt le public en assemblée de marabouts capables, une heure à l’avance, de prédire tout ce qui va suivre. Non que les comédiens jouent mal, non que la réalisation soit laide ; seulement, rien ne se passe, ou plutôt tout se passe comme prévu, sans perturbations ni appropriations artistiques d’un genre qu’il est plus facile d’investir que de réussir. D’autant que le comique tourne en roue libre, n’est pas pensé comme une tonalité apte à dire quelque chose sur le monde ou sur ces personnages qui s’agitent, se déguisent mais ne transmettent rien. Et ce ne sont pas les blagues sur Dark Vador ou la raillerie voulue cynique à l’encontre de la Russie et de son idéologie militaire qui conféreront à l’ensemble une identité. Nul hasard, donc, si le thème de l’usurpation est au cœur des préoccupations d’Inséparables. Pas de chance pour lui, sa fraude artistique est vite éventée. Un produit comique terriblement anecdotique et qui ne dispose que de son duo de tête pour amuser la galerie. C’est bien peu.
Quelques belles figures, de beaux paysages et quelques valeurs morales mises en avant, mais franchement que cela est pénible et long a regarder. Ps : laissons le sport aux sportifs et les rôles aux vrais acteurs quitte à faire du doublage.
Une comèdie inclassable ne veut pas toujours dire une comèdie bonne ou rèussie! Quand le roi Arnold III de Corsalina, criblè de dettes de jeu, voudrait marier sa fille au fils du roi du surgelè, cela donne une « galette du roi » qui dèrive parfois vers le grand n'importe quoi! En 1985, le monde entier a les yeux tournès vers Corsalina, père de la Mèditerranèe dont les rivages enchanteurs s'ètirent avec grâce sous un ciel toujours attirant! Le comique est malheureusement loin d'être percutant et l'on ne retient que la composition de la regrettèe Pauline Lafont! C'est peu! Roger Hanin (« Ma main le nain ! ») est mauvais, Claude Pièplu ridicule! il est triste de constater que des acteurs comme Jean-Pierre Bacri ou Jacques Villeret sont sous-exploitès avec un scènario qui n'aide pas! On notera la participation d'Eddy Mitchell qui chante le temps d'une sèquence, « Le temps qui passe » , hommage à la chanson de Dooley Wilson dans "Casablanca". En somme, la folie de Jean-Michel Ribes ne fonctionne pas...
Une magnifique adaptation du conte de Dickens avec les Muppets et un génial Michael Caine en Scrooge. Vu que j'adore les Muppets et que Michael Caine est mon acteur préféré je ne pouvais qu'apprécier Noël chez les Muppets. Ce film est une vraie merveille, amusant et les chansons sont entraînantes. A voir à tout prix.
Touchant portrait d'un personnage extraordinaire. De l'esprit, de l'humour, de la l'intelligence. Et les coulisses de l'histoire de Charlie Hebdo... pour comprendre. Ça donne envie de lire les innombrables romans de Cavanna!
Romancier, dramaturge, scènariste pour Wim Wenders et rèalisayeur d'un film dèjà interprètè par Bruno Ganz ("La femme gauchère"), Peter Handke cultive ici l'abstraction pour adapter un de ses livres! A travers la quête gèographique et philosophique d'un vieil ècrivain, d'une jeune femme, d'un joueur et d'un soldat, il èvoque la recherche de l'harmonie et le besoin d'èchapper aux rèalitès du monde! Dèambulation au milieu de paysages superbes, longs monologues suivis de cris et de chuchotements, cette errance prendra toute sa signification avec l'èmouvante intervention de Jeanne Moreau dans le rôle de la femme de l'ècrivain! Mais que tout ceci au final est ennuyeux avec des personnages peu attachants qusi dèsincarnès...
Après un début prometteur cool un peu à la "Ocean's Eleven", le film traîne en longueur pendant une heure. On pourrait penser que le film prend son temps pour approfondir les différents protagonistes à l'instar du magistral "Quand la ville dort" de John Huston. Ce n'est pas le cas, en fait on abonde en séquences inutiles, n'apportant absolument rien à l'intrigue. De plus, à part Brian Keith, le casting est franchement peu brillant, trop monolithique même pour Kim Novak qui jouait ici un de ses premiers rôles au cinéma. Quelques échanges de dialogues piquants sont quand même à signaler et à sauver. Bon si la première heure n'a pas endormi le spectateur, ce dernier peut apprécier la scène du hold-up ainsi que la poursuite dans le parking qui s'ensuit. Un film noir très mineur.
Niveau faible... Pas très bien joué, trop de musiques, trop de clichés.
J'avais beau être en vacances et avoir du temps à perdre, je suis affligé !!
Si la dénonciation est bien sûr exposée et traitée ici, de grosse lacunes sur l'interprétation et la mise en scène. On croirait voir un film des années 80 tellement les erreurs d'attitudes, de plans et autres paraissent relevés de l'amateurisme. Arquette semble se débattre seule dans ses sables glissants. Desservi également que ce soit une fiction mais n'enlevant pas le drame qui s'est (et se) joué en Birmanie. 1.5/5 juste pour le fond du scénario !!!
L'histoire est sans queue ni tête, on y croit rarement, quelques retournements de situation valent le détour, mais ce thriller est dans l'ensemble pltôt raté. Ca se veut sulfureux, c'est plus ennuyeux qu'autre chose, et on sait que Rachael Leigh Cook, et Jonathan Rhys Meyers valent beaucoup mieux que ça!
Scénario poignant, réalisation impeccable, actrice magnifique. Seule la fin est un peu tronquée Pas une seconde d'ennui
Un film policier bien terne, plutôt mou du genou (pardonnez-moi l'expression). Si j'avais su qu'il fallait attendre les trente dernières minutes pour avoir droit à un peu d'activité, à du suspense, je m'aurai évité un grand ennui devant le bavardage incessant et inutile qui compose le première heure de ce long métrage. Dernière remarque, quand on offre à une actrice un rôle si important, il faut choisir une actrice possédant charisme, personnalité et affichant un visage expressif, or nous voyons tout le contraire chez l'actrice prise pour le rôle principal qui joue sans nous faire tomber dans l'admiration, dans un charme attendu et espéré !!
Un thriller à couper le souffle avec la toujours très "caliante", Victoria Abril. La scène d’ouverture donne le ton de ce qui va suivre et l'on comprend tout de suite que Victoria s’est mise dans de sales draps et que ses addictions diverses ne l’aideront pas à s’en sortir. De retour à Madrid après un séjour pour le moins glauque au Mexique elle sera la proie d’un tueur voulant récupérer le carnet d’adresse qu’elle a volé après avoir assister à une exécution. Tout repose donc sur les frêles épaules de Victoria qui n’a pas son pareil pour jouer les « bêtes apeurées ». Le sacrifice de sa belle-mère lui permettra de se construire un avenir.
Première réelle collaboration entre Stewart Granger et Jean Simmons (après César et Cléopatre, en 1945, où Granger avait un second rôle et Simmons une figuration). Ils partageront ensuite leur vie et de nouveau la tête d'affiche en 1953 avec La reine vierge. Côté histoire, ici, c'est pompé à bloc sur "Papa longue-jambes" (1931, et remaké avec Fred Astaire en 1955). Restent 2 prestations honnêtes, mais c'est quand même une comédie romantique qui va pas chercher très loin
Après avoir lu le livre et vu une première fois ce film, j’avais envie de le revoir. Ce film est fort sympathique avec une histoire prenante soutenue par un visuel soigné. Le film reprend bien le livre (d’après le peu de souvenir du livre de mon impression pour ma première diffusion de ce film). L’histoire est prenante car les péripéties des Baudelaires sont nombreuses et ils se retrouvent toujours assez vite sous la menace du comte Olaf. Les personnages sont très intéressants : les Baudelaires sont attachants, et le comte Olaf est à la fois inquiétant et amusant (ça lui donne un aspect assez particulier étant méchant). Quant à l’oncleet à la tante, pas vraiment signifiant à nos yeux mais l’oncle est sympathique et la psychose de la tante fat sourire. Visuellement, le film est très appliqué : les décors sont beaux et variés. Les images sont généralement des décors à couleurs tristes ou sombres. Un procédé visuel qui se veut être à l’image de la menace que pèse sur les orphelins. On pourra remarquer que les couleurs, sur la dernière scène du film sont plus vives.
Tout comme il n'existe pas assez d'étoiles pour le noter, il n’existe probablement pas assez de mots pour qualifier ce long-métrage de légende: Métaphysique, poétique, spectaculaire, minimaliste, philosophique, humaniste, nietzschéen, gnostique, psychédélique, contemplatif, alarmant, hypnotique, déroutant, universel… Enfin, si on ne devait ne garder qu’un seul et unique terme pour définir ce chef d'œuvre, celui-ci serait sans nul doute "transcendantal"! En s’attaquant au space-opéra, Stanley Kubrick nous a une nouvelle fois prouvé que quelque soit le genre, il n’en ressort que des références incontournables puisque la technique avec laquelle il filme les voyages spatiaux et l'image qu'il donne aux relations de l'Homme à l'infini, à la vie extraterrestre et à l'intelligence artificielle ont chacune révolutionnées la science-fiction plus qu'aucun film avant lui.
Qu'est-ce que je me suis ennuyé, j'ai encore du mal à me rendre compte que c'est bel et bien Georges Roy Hill, réalisateur des classiques Butch Cassidy et le Kid et L'arnaque, qui a fait cette comédie navrante. Pour que cette comédie soit réussie il aurait fallu au moins une collaboration Billy Wilder/Howard Hawks et une modification presque totale des gags, quant à Paul Newman c'est simple, il joue l'un des pires rôles de sa carrière. A éviter.
Jerry Lewis et Dean Martin dans un western comique. C'est un ratage, non pas à cause des acteurs mais des gags qui sont pas efficaces du tout. Cinquante minutes catastrophique avec en plus des rajouts de chansonnettes. Les dernières minutes restantes sont meilleurs, le travail est fait avec un peu plus de sérieux, mais malheureusement cela n'arrive que bien trop tardivement.
C'est le premier film de Oliver Stone (1974). Un écrivain invite des amis dans sa maison de campagne. Ils se font attaqués par des individus étranges. Un grand homme noir au visage défiguré, un nain à la voix enrouée et une femme vamp dominatrice. Il y a beaucoup de choses dans le film mais j'ai compris que tout les personnages succombent par leurs propres vices. C'est le thème que l'on voit dans les autres films de Oliver Stone mais içi sous la forme de film d'horreur. Shining de Kubrick (1980) abordera la même chose (un écrivain souhaite décimer sa famille) mais de façon plus épuré.
Je n'avais sous la main qu'une vieille cassette en VF, tellement ce film a été oublié. Maintenant que je l'ai vu, je comprend pourquoi. Le film est bourré de problème. Les acteurs ne jouent pas très bien et la VF rend ça encore pire avec des doublages très amateurs. L'histoire n'est pas terrible, mais le pire c'est la mise en scène. Les musiques sont déplacées, on parle de trafic de cocaïne, il y a des morts etc... Et on nous mets des musiques mexicaines qui font vacances pendant tout le film. Un "coke-tail" parfait pour un film qui s'oublie instantanément !
Un film intrigant, construit comme un thriller psychologique. L'ambiance est lourde et témoigne parfaitement du malaise de Mark David Chapman. La psychologie de ce personnage est oppressante, malsaine. Le côté intimiste du film procure au spectateur une sensation de voyeurisme, il devient dès lors un observateur privilégié de la descente aux enfers de cette homme bloqué entre la schizophrénie et l'attardement mental. L'interprétation de Jared Leto est excellente et cet acteur nous prouve une nouvelle fois, après Requiem for a dream, qu'il n'hésite pas à s'investir totalement dans ses rôles. Un film très intéressant nous desservant une vision inédite de ce drame international.
Super longuet, pas très émouvant, l'autisme du garçon est littéralement survolé. Un téléfilm fade qui ne m'a pas convaincu.
Le premier film du Grand CARNÉ. Ce film intéresse surtout par la mise en place de ce qui sera son cinéma. Les thèmes de l'amour, l'exotisme, la culture populaire. Nous pouvons retrouver le Londres de "Drôle de drame", le personnage maléfique, tenu par Jean-Louis Barrault, que nous retrouverons dans "Quai des brumes", par Michel Simon, et dans "Les enfants du paradis", par Pierre Renoir... Nous pouvons nous amuser à faire d'autres comparaisons de ce type avec les autres films du duo Carné-Prévert. Bref, ce film ressemble à une synthèse de ce qui sera le cinéma de Carné.
Très bon thriller judiciaire mené d'une main de maître par le regretté Sydney Polack qui adapte ici l'un des best-seller de John Grisham. L'histoire comme la réalisation est tourmentée et l'on se demande sans arrêt comment Mitch McDeere (Tom Cruise) va se sortir du pétrin dans lequel il s'est fourré après avoir accepté un poste d'avocat dans un grand cabinet de Memphis. Car après avoir goûté aux voitures, maisons et hôtels de luxe, il découvre la vérité sur son cabinet rongé par la mafia et se retrouve face à un choix crucial. Soit il collabore avec le FBI et dénonce ses collègues et clients, au risque d'être radié du barreau, soit il reste fidèle au cabinet, au risque d'être un jour tué. Le suspense est haletant, les acteurs sont géniaux, la réalisation nerveuse réussit à nous tenir en haleine et malgré quelques longueurs (au début notamment) le film finit en beauté dans une fin aussi classe qu'inattendue. Du bon polar et du grand cinéma.
C’est quoi "4 aventures de Reinette et Mirabelle"? Un film gentillet, assez ringard, digne d’une fiction TV familiale de TF1? Une sympathique étude de mœurs, pleine d’humour, captant subtilement "l’air du temps"? Ou alors du cinéma qui sous les airs de la simplicité (mais une simplicité recherchée, travaillée), touche du doigt une réalité complexe, pouvant même se prévaloir d’une réelle dimension philosophique? Je ne sais pas trop… Il faut dire que les années 80 ont quand même bien entaché un film comme Reinette et Mirabelle, ce qui trouble le jugement. Formellement d’abord, avec cette musique affreuse que Rohmer a le bon goût de nous épargner une bonne partie du film. Et puis ce jeu des acteurs, qui couvre les personnages d’une naïveté caricaturale, qui peut légitimement agacer. Le film a parfois les allures d’un "Oui-oui monte à Paris" pour adultes. Signe d’une époque "prospère"? Mais là, on me rétorquera que le film est conte, et que l’intention de Rohmer n’est bien évidemment pas de retranscrire le réel en filmant le réel (ce qui garantit en général la médiocrité d’un film), mais de capter plus subtilement une réalité derrière les façons du sketch, du conte. J’acquiesce. Dans le fond maintenant, de la supposée étude de mœurs, il ne reste pas grand-chose, tant cette France des années 80 nous apparaît lointaine aujourd’hui, que ses préoccupations ne sont plus nôtres, et que sa complexité actuelle nécessite une véritable approche philosophique et tolère assez difficilement ce type de représentation bon enfant, "à la Amélie Poulain". Alors que penser aujourd’hui de ce film? Je n’y vois pas, pour ma part, la dimension philosophique tant vantée. Peut-être vaguement un exemplaire cinématographique de "La philosophie pour les nuls". Reste que c’est souvent assez drôle, on dira "rafraichissant", et que Rohmer est bon caricaturiste. Quant à ceux qui jugent ça vraiment trop ringard, la vision du clip bonus "Bois ton café" risque de conforter définitivement leur avis…
Le moins bien de tous mais l'ambiance reste la même. Même si on regrette que Gordon Bombay soit beaucoup moins présent. Les ducks ont encore frappés et sont toujours aussi sales gosses.
Nul , rien à sauver , ni le scénario , ni les acteurs.
Pfou ! Qu'est-ce que ça m'a paru long ! Pourquoi ? Pour plusieurs raisons. La première, c'est le design de l'animation qui est plus que moyen (Shrek était bien mieux à ce niveau-là), la seconde, c'est le fait que c'est uniquement destiné aux enfants en mal de conte de fées, et encore ,je ne parle que pour les petites filles, les petits garçon ne penseraient même pas (normalement) à regarder ça. Le dernier pont, c'est le côté très niais du film, ou trop entendu, certaines répliques sont "courues d'avance" et certaines scènes d'un ridicule complet. Heureusement que le ridicule ne tue pas, sinon Jean Cubaud, le réalisateur, serait déjà mort depuis longtemps ! A éviter absolument.
Le film se préoccupe beaucoup trop sur la vie privée de Mark Felt (n°2 du FBI) par rapport à l'énorme complot du Watergate. On en perd les éléments essentiels qui se révèlent répétitifs et qui font que l'affaire perd de son intérêt et de là le film. Cela ne vaut pas les "hommes de président" interprété alors par Hoffmann et Redford...
Surjoué, sans scénario, beaucoup de gags pourris dont une défection… A éviter, c'est un film sans intérêt.