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Ce film m’a fait penser à une vieille blague : « Dieu a créé le plus beau pays du monde : La France. Mais pour éviter que les autres pays soient jaloux, il a créé les français ! » En effet, il y a beaucoup d’humour dans ce film mais c’est souvent de l’humour très involontaire des gens à leur dépend, cette fameuse mauvaise foi si latine et si jusque- boutiste. Cette mauvaise fois française m’a aussi fait penser à un autre documentaire vu il y a tout juste 10 ans « 10ème chambre, instants d’audiences » de Raymond Depardon, tout aussi passionnant. Car, « Tout est permis » côté mise en scène, est très pauvre et on voit bien que Coline Serreau n’a ni le talent d’un Michael Moore, ni le budget du trublion américain. Par contre, ses histoires me plaisent beaucoup en général (« Chaos » (2001), « La Crise » (1992), « Romuald et Juliette » (1989), « 3 Hommes et un Couffin » (1985)) et ici le fond prime beaucoup sur la forme. La réalisatrice démonte toutes les idées reçues et arguments fallacieux véhiculés par les lobbyings des automobilistes ou des alcooliers tout en mettant chaque délinquant devant ses propres contradictions. Ce film devrait d’ailleurs être montré obligatoirement dans les écoles pour lutter contre la délinquance routière et surtout contre la con... des français ! A noter que ce film a été boycotté par le réseau UGC sur Paris la semaine de sa sortie et c’est d’autant plus dommage que ce film est d’utilité publique et peut à lui seul sauver de nombreuses vies par une prise de conscience de chacun. Je ne saurais que trop vous conseiller de le voir si vous êtes vous-même automobiliste, ou même uniquement piéton, voire même si vous êtes simplement français !
Ce serait facile que de comparer Clown à Ca, s'agissant de deux films concernant des Clowns mangeurs/tueurs d'enfants, mais là où les deux films se rapprochent c'est que ce ne sont pas des films d'horreur ou de gore, ce sont des films d'angoisses et d'épouvantes, et qu'ils sont tous les deux très efficaces dans la frayeur. Au début, on peut s'attendre à un film de série B avec des acteurs peu connus et peu convaincants, avec un petit budget et des effets spéciaux dégueulasses, mais pas du tout, c'est là où c'est très surprenant ! Les acteurs sont impliqués, l'histoire ne cesse de monter en puissance et les effets spéciaux sont très corrects. Je ne suis pas sûr qu'avec plus de budget on aurait pu faire mieux. Je n'attendais rien, je me retrouve avec une bonne surprise. Je note en conséquence !
4,3 - Malgré quelques passages qui manquent de crédibilité et surtout de spontanéïté notamment de la part du comédien qui joue le rôle du fils, l'ensemble est excellent !! Autant la BO, la mise en scène que l'écriture et les différentes interprétations... Denis Quaid étant vraiment remarquable !! L'histoire est sublime et c'est un réel plaisir de pouvoir la découvrir au cinéma ! Ce genre d'histoire est faite pour le 7e art... Beaucoup d'émotions et de beauté dans ce récit.
Cette suite de " l'hirondelle d'or " est un brin plus " macho " que le film précédent. Normal, Chang Cheh est cette fois à la réalisation, il fait donc la part belle aux hommes, Wang Yu en tête, tout en cultivant sa fascination pour la violence graphique et le sadisme. Malgré tout Cheng Peï Peï réussit à imposer sa force et sa douceur féminine sur le tournage, le film trouve dès lors un certain équilibre et devient une suite originale et réussie.
Le film est bien en dessous des promesses de la bande-annonce : le sordide inutile de certaines scènes vient diminuer le message social. Les acteurs ne semblent pas à l'aise dans leurs rôles.
Un film digne des "Jeudis de l'angoisse". Toutes les ficelles du film d'horreur des années 80 sont réunies. Le réalisateur use jusqu'à la corde les plans subjectifs et les plans serrés. Les adeptes du démon sont forcement vétus de cuir et de clous... Tous les clichés sont là... Bref film pour ado.
Mick Garris, pourtant grand habitué des adaptations des romans de Stephen King, puisqu’on lui doit notamment La Nuit déchirée (1992), Le Fléau (1994), Shining (1997) et Riding the Bullet (2004), cette fois-ci, c’est avec Désolation (2006), sa cinquième adaptation qu’il poursuit sa carrière de réalisateur. Sauf qu’ici, il nous déçoit complètement. Cette histoire de shérif revenu d’entre les morts peine à captiver par sa mise en scène grotesque, ses répliques ridicules et ses acteurs pitoyables. Alors que le film pourrait être qualifié de « nanar », le fait que ce film soit ridicule au plus haut point et ne nous fasse pas rire, il est donc difficile de le qualifier ainsi. C’est pour cela que le terme le plus convenable serait « série z ». Une bouse de première catégorie, a un avenir déjà pas très radieux, normal puisqu’il s’agit d’un direct to video, ce film nous ennuie, malgré la présence incompréhensible de Ron Perlman au générique !?!?! Bizarrement Désolation baigne dans le catholicisme pur et dur, où l’on nous rabâche sans cesse que « Dieu est Amour » (dixit passage du film) et ce, durant près de deux longues heures interminables. Pourquoi et pour quelle raison un tel acharnement à ce sujet, on n’en sait strictement rien ! Une chose est sure, ce film est une perte de temps, un téléfilm comme on peut en voir sur les chaînes hertziennes, un vrai gâchis en somme !
Un très bon documentaire sur le réchauffement climatique, mené par DiCaprio, avec de bonnes interviews et des explications claires même si pas très rassurantes pour le futur de l'humanité....4/5
Bravo à Sandrine Dumarais: très émouvant de retrouver Georges et les siens au travers de sa modeste caméra. Ainsi revivent ses parents, ses amantes et ses ami(e)s Jeanne,Marcel,Püppsshen et les autres ainsi que toute sa ménagerie de toutous de matous et j'en passe: AVOIR A TOUT PRIX!
Un classique camp, un peu longuet mais superbe. Elisabeth Taylor, en tragi-comédienne torturée, rayonne.
J'ai eu la chance de gagner des places pour aller voir ce "petit" film. "Petit" car il ne contient pas beaucoup d'originalité, que c'est du déjà-vu permanent. Bien qu'il y'ait des moments sympathiques et émouvant entre frères interprétés par des acteurs qui jouent bien, mais qui sont énervants vers la fin à cause de leurs problèmes à rallonge qui bloque toujours l'histoire. En effet, à cause de ça, on retombe beaucoup trop vite dans l'ennui. Et à la fin, on a hâte que ça se termine!
Une affaire qui fait froid dans le dos, surtout lorsque l'on apprend qu'elle est vraie ! L'histoire hallucinante de trois enfants retrouvés morts après avoir été torturés, trois coupables triés sur le volet car ce sont trois jeunes punks délurés, et un vrai tueur que protège par extension la justice... Il y a de quoi en faire des cauchemars ! Car ici, presque autant que le meurtrier lui-même, les forces de l'ordre sont coupables de faire disparaître les preuves, d'accuser à tort et à travers, de déformer les témoignages... Juste pour faire disparaître trois jeunes qui font "tâche" dans le sacro-saint décor rural de l'Arkansas. Il y a également de quoi être écœuré de la bêtise humaine ! Heureusement, le détective privé scrupuleux joué par un Colin Firth un peu en retrait mais réaliste, va tout faire pour rétablir une vérité que personne ne veut entendre. Reese Witherspoon est cruellement émouvante en mère glissant dans la folie après avoir perdu son enfant, et qui en plus de cela devrait renoncer à accuser comme les autres les trois satanistes juste pour se défouler, alors qu'elle est peut-être la seule personne qui en aurait vraiment besoin... Quand on lit la résolution abracadabrante de l'affaire en fin de film, on se tape la tête contre les murs de cette folie humaine... À voir au moins pour découvrir cette affaire sordide mais vraie !
On aime ou aime pas, c'est vraiment le genre de film qui fait appel aux affinités de chacun. Pour ma part, j'ai apprécié le duel coeur/raison (même si la balance a penché du mauvais côté pour moi). Hilary Swank est toujours aussi saisissante et j'ai trouvé que les bruitages etaient assez réussis dans le genre "angoisse". Concernant le scénario, n'etant pas une habituée des films pseudos religieux, il m'a semblé intéressant. Par contre, la fin quasi apocalyptique...moyen moyen.
Ben ... pour les féministes convaincues / convaincus, inutile d'aller le voir, rien de nouveau. Pour les autres, c'est un enchevêtrements de séquences, de tout et de rien où il manque une bose dose de pédagogie et de scénario. A tout cumuler pour que le spectateur soit interpellé, on l'ennuie. A la fin du film, la salle est sortie, morose et sur sa faim (petit cinéma de province, on a le temps de se regarder). L'ultime astuce scénaristique qui consiste à faire défiler le générique de fin dans le silence absolu pour que la réflexion émerge du panel de constats dramatiques qui se sont succédés, sans nous apprendre rien de nouveau, est pitoyable. Pas assez fin pour changer le monde. Dommage.
Une honte, oui comme son titre l'indique. Une honte pour l'histoire du film d'animation. Que dire d'autre de Tarzoon sinon qu'il peut se résumer en deux mots: vulgaire et bâclé.
Bien que, dans certains pays, les choses se soient arrangées, ce n'est sûrement pas toujours facile de vivre sa vie affective lorsqu'on est homosexuel. Alors, quand on est membre d'une communauté juive ultra-orthodoxe de Jérusalem, vous imaginez la galère. Avec beaucoup de pudeur, sans aucun désir de choquer pour le plaisir de choquer, Haim Tabakman, dont c'est le premier film, nous montre comment Aaron, un homme marié, père de famille, commerçant très respecté dans sa communauté, se prend de passion pour Ezri, son nouvel employé. Bien entendu, cet événement va déclencher la foudre. Présenté à Cannes 2009 dans la sélection Un Certain Regard, on se demande pourquoi ce film, largement supérieur à presque tous les films de la sélection Officielle, n'a pas fait partie de celle-ci.
La forme récitative est un peu inédite : une mise en scène classique d’une fiction éclairée par le commentaire de ceux qui ont vécu cette histoire. Rien à voir avec le classique de la TV qui intercale interview et vidéos. C’est tellement bien fait, fluide et lumineux que l’on se laisse vite emporter par l’histoire de cette communauté homosexuelle suisse qui dans les années cinquante réussissait à vivre malgré l’homophobie régnante en Europe. Stefan Haupt a su retrouver, le ton, l’ambiance et les couleurs (primauté de l’ocre) de ces années malheureusement toujours présentes. Pour en savoir plus
Attention chef d'oeuvre oublié. Je découvre cette oeuvre par hasard en 2011 et je suis surpris par le discours incroyablement amer de Robert Wise au sujet de l'ambivalence et la faiblesse de l'esprit humain lorsque l'homme est plongé dans certaines épreuves insoutenables, loin de chez lui, confronté à des différences culturelles et des privations affectives. Un équipage militaire américain sillonne le fleuve Yang Tse pour porter assistance aux missions religieuses et diplomatiques présentes sur le territoire en 1927, période trouble pour la Chine en pleine guerre civile. Idéaux, violence, coutumes, honneur, perte de soi et de ses convictions sont les thèmes manipulés par Wise avec un brio réellement inattendu pour l'époque. En réalité le film date de 1967 mais il semble avoir 20 ans de plus car il est lent et long. Mais cette longueur nous plonge davantage dans les méandres du fleuve et ceux de l'âme de ces marins aux profils psychologiques torturés. C'est un film réussi sur l'anticolonialisme et sur le droit à l'erreur de jugement. Vaste débat mais immense oeuvre...
ce film est pour moi excelent, tout d'abord parce qu'il est pour moi un tres bon souvenir de jeunesse, et pour ces effect spéciaux bleuffant, des acteurs pas trp mauvais, de l'humour, de l'action, on passse un tres bon moment.
Scénario nul, fin de film nul, histoire sans aucun intérêt, très déçu d’avoir perdu mon temps sur ce film
Mouais... C'est clair que ça s'adresse plutôt aux jeunes. Il y a quelques passages sympa, c'est vrai mais dans l'ensemble c'est plus que moyen: le scénario est hyper prévisible et les quelques effets spéciaux très mal faits.
Gros ratage. Sydney Pollack réalise un remake juste imbuvable sur tous les plans, l'histoire, les acteurs, toute la partie au début à Paris est fade, pire c'est neutre. Film fait dans les années 90 dont à le gout est comme l'impression de se taper un mauvis film des années 40.
A un euro le dvd, faut y aller les gars, vous regretterez pas votre pognon. C'est pas le film du siècle mais ça fait passer un moment agréable.
Vision un peu trop angélique de la rédemption de l'ours (R.Jenkins) par l'irruption fascinée de l'étranger dans son quotidien routinier. Cependant le film gagne en crédibilité grâce à une fin en pointillés, évitant la guimauve du "happy end", et le couple Jenkins/Abbass nous réserve de beaux, et justes, moments d'émotion.
Un film d'anticipation espagnol avec un casting intéressant seulement la réalisation a du mal à rendre l'histoire palpitante. En résumé Le film baigne dans une atmosphère bizarre mais ne décolle jamais vraiment.
On m'avait que trop fois recommandé Tarkoski, mais aussi prévenue de la lenteur souvent décrite comme insupportable des plans mais aussi jugée magnifique. Pour cette 1ère j'ai donc accepté de sortir du temps pour ce visionnage et de participer au voyage du Stalker. On suit un homme mélancolique qui est une sorte de passeur dans une monde à part, nommé la zone. Il y a accompagne un écrivant et un physicien qui souhaite découvrir cet endroit secret mais aussi bien gardé par les autorités. Lors de leur voyage on comprend qu'ils cherchent plus en particulier une pièce censée les changer et leur donner une sorte de bonheur existentiel. Les thèmes philosophiques abordés par les trois hommes sont vastes et concernant principalement la société. On est plus au moins touché à mesure par leur discussions mais ce n'est pas ce qui vaut de voir ce film. Si on accepte de faire ce voyage assez envoûtant on est capturé avec ces hommes dans leur quêtes. Les images de ce monde captivent, il est en ruine mais donne aussi la sensation de renaître (d'ailleurs le film entier baigne dans l'eau!!!). Les plans sont d'une richesse incroyable, leur lenteur donnent du suspense, les détails envoûtent et ouvrent la porte à l'imaginaire. On est d'abord intrigué par le lieu, ensuite on ressent avec les hommes leur questionnement, leur lassitude, leur angoisse au moment d'arriver à l'endroit dit et le choc une fois que celui-ci est dévoilé. La fin est d'autant plus un saisissante car elles remette en perspectives toute la démarche.
Voilà un film avec un message fort et universel, avec une belle histoire d'amour, avec une intrigue policière et mystérieuse jusqu'au coup de théâtre final, avec un portrait cinglant de la corruption d'une époque et baignant dans l'esprit et la culture argentine des années 70. Le réalisateur prend sont temps, à l'ancienne, du temps où le cinéma respirait sans haleter, et déploie le récit à son rythme et sans aucun ennui pour le spectateur. La construction narrative est impeccable et aboutie et les acteurs sont habités par leurs rôles. A ne point rater.
Remake aseptisé et sans âme du film sud-coréen éponyme de 2003, cette version du vieux garçon de Spike Lee accumule les maladresse visuelles en voulant imiter le cinéma asiatique. Josh Brolin est particulièrement mauvais en loser caricatural dans ce jeu vidéo stylisé qui accumule, sans queue ni tête, toutes les atrocités possibles et inimaginables de l’Homme : inceste, torture, folie, cruauté malsaine... Où est l’intérêt de ce film absurde ?
je n'ai tenu qu'une demi-heure. Dur, dur, de voir des acteurs au charme de mollusque essayer d'être convaincant dans un film aux effets spéciaux miteux.
Toni a onze ans. Elle boxe dans la salle de son frère entourée de garçons plus âgés qu’elle. Elle rejoint parallèlement les Lionnes, un groupe de filles qui pratiquent dans une salle adjacente le drill, une variante musclée du hip hop. « The Fits » est un film déroutant. Un film sur la boxe sans combat. Un film sur la danse sans musique. Mais aussi un film sur l’enfance sans adultes. Et un film sur les Noirs sans aucun Blanc – si ce n’est la silhouette entr’aperçue d’une psychologue. À voir la bande-annonce, on imaginait être sur un chemin tracé d’avance : le parcours initiatique d’une gamine sportive qui passe de la boxe au hip hop. Anna Rose Holmer nous surprend autant qu’elle trompe notre attente en introduisant un élément dramatique. Les jeunes danseuses manifestent, les unes après les autres, les mêmes symptômes inquiétants : des convulsions (en anglais « fits »). Quelle en est la cause ? Une maladie sexuellement transmissible ? Un empoisonnement de l’eau potable ? Du coup, l’enjeu du film se déplace. Il ne s’agit plus de savoir si Toni va réussir à intégrer les Lionnes mais de connaître les causes de ces convulsions. Sans doute aurait-il été d’une banalité paresseuse de traiter, comme on l’a déjà trop fait, l’histoire d’une jeune sportive qui, à force de volonté et de sacrifice, devient championne dans sa discipline. On saura donc grâce à Anna Rose Holmer de nous avoir évité ce film-là. Faut-il pour autant la remercier pour ce film-ci ? Oui, à condition de comprendre ce qu’elle a voulu dire. Plongée immersive dans le corps d’une préadolescente ? Opacité du désir ? Métaphore de la puberté ? Les thèmes que charrient « The Fits » sont trop lourds, trop confus pour convaincre.
Très bon film, avec un très bon suspens et une belle histoire d'amour !
Excellente surprise,interressant et amusant et le tout est veridique...Depardon réalise ici un interressant "best-of" de differents instants d'audience,une première!Et ce film confirme que tout le monde,vous,moi sommes de vrais acteurs dans la vie de tous les jours...
Le Rocky sauce Coréenne... Le premier quart d'heure du film laisse à désirer, après ça prend un peu de consistance, le personnage principal est plus profond et une histoire d'amour rentre également, on y trouve aussi une musique très soignés. Cependant sur la longueur le film aurait pu être bien plus encore, ne vous attendez pas à des combats aussi dynamique que la saga Rocky, disons que c'est plus épurés et surtout dans un esprit de réalisation plus expéditif, au final on s'attache pas trop à y voir des combats magnifique, mais plus à voir une histoire, l'histoire de ce boxeur. Il garde une certaine maturité sur le fait que c'est une histoire vrai et c'est là que vous apprendrez après avoir vu tout le film dans son ensemble, que les matchs sont maintenant de 12 rounds et non plus de 15.
Si vous n'aimez pas Van Gogh, n'y allez pas ! Si vous n'aimez pas voir de belles images, n'y allez pas ! Si vous ne voulez pas vous instruire sur la vie deVan Gogh, n'y allez pas ! Si pour vous 2h pour un film c'est trop long, n'y allez pas ! Si vous n'aimez pas le style enquête policière, n'y allez pas ! Mais vous ratez vraiment un sacré film !!
Décidément, j'aime les films historiques britanniques: ils sont bien faits, crédibles, élégants... Et on apprend quelque chose. Cromwell, c'est l'aventure du parlementarisme anglais! Evidemment, celui-ci a évolué. Mais on a ici la représentation tangible de son essence. Un pays gouverné par les représentants du peuple et qui doivent rendre des comptes à ce même peuple. C'est l'essence-même de la Démocratie... pourvu que les Députés jouent le jeu avec sérieux et honnêteté intellectuelle. Le film nous montre à la fois les forces et les faiblesses d'un tel système de gouvernement.En cela Cromwell est un film qu'il faut montrer à ses enfants dès qu'ils ont suffisamment de connaissances en matière d'Histoire. Car il faut en effet avoir quelques connaissances de base et "suivre"! Les dialogues sont percutants et bien écrits. Les débats parlementaires sont bien rendus. Certains reprocheront aux scènes de bataille d'être "fades": je leur répondrai que si Cromwell porte sur une période de guerre civile, les scènes guerrières ne sont pas l'essentiel dans cette oeuvre qui aurait pu (à la limite) s'en dispenser totalement. Non! L'intérêt essentiel de ce film réside dans l'argument politique. Evidemment, Cromwell n'était pas un "tendre": il était certainement ce qu'on appellerait de nos jours un "psycho-rigide". Il était un Puritain... Une sorte de personnage qui ne trouve pas son égal dans notre culture française. Mais un Robespierre n'était-il pas, à sa manière, un Puritain?? Ce qui nous amène à dire que les collégiens français apprendront aussi que la France n'a pas été le seul pays à avoir décapité son roi... A consommer sans modération!
La comédie italienne dans ce qu’elle ouvait avoir de plus féroce avec cette palme d’or du Festival de Cannes. Pietro Germi à qui l’on devait déjà le truculent « Divorce à l’italienne » livre ici son chef-d’oeuvre. Cinq ans après le ton s’est encore durci et Germi nous dresse un portrait certes fort drôle mais sans illusion de la moyenne bourgeoisie italienne qui s’est affirmée avec le miracle économique de l’après-guerre. Dans ce microcosme où tous les hommes sont des vitelloni en puissance et les femmes des mégères non apprivoisées tout est dans le meilleur des mondes tant que chacun consent à rester à la place qui lui est dévolue ai sein de la communauté. Le pauvre Bisigato, simple petit comptable dans une banque, est enfermé dans le rôle du mari entièrement dominé par une épouse plus fortunée que lui. Inutile de préciser qu’il est la risée perpétuelle de ses camarades attablés à longueur de journée au café de la place centrale de Trévise. Quand il va tomber amoureux pour de bon de la belle Virna Lisi, ancienne prostituée reconvertie caissière, toute la machinerie va se mettre en place pour le faire revenir à la place qu’il n’aurait jamais dû quitter. La police, la justice et l’église vont venir rappeler Bisigato à ses obligations. Il finira par remettre ses boules Quiès, symbole de son isolement passé et futur. Ce sketch est le plus symbolique d’une société encore corsetée dans ses principes et Germi nous fait constater que cinq ans après son pamphlet sur le divorce, la situation n’a pas beaucoup évolué. Le dernier sketch où les camarades se sont transmis les grâces d’une jeune paysanne un peu trop délurée sans doute mais mineure malgré tout rappelle que la classe bourgeoise sait faire preuve de solidarité quand il s’agit de son honorabilité. Les décennies passent et rien ne change vraiment quant au fond semble nous dire Germi. Les jeunes pousses qui passent des coups de téléphones anonymes semblent être fin prêts à prendre la succession de leurs aînés
Un film vraiment insupportable à regarder d'une part pour sa réalisation flou et mal cadré , bref qui fout vite la gerbe et surtout des personnages caricaturaux qui balancent des réfléxions philosophiques intellos à tout va , pour au final ne rien dire du tout.Le coté donné donneur de leçons , impétueux , et arrogant du personnage principal énerve très vite comme le film.C'est prétentieux , ça se finit en queue de poisson , c'est du cinéma d'auteur français bien chiant qui cherche avec le sujet le plus bateau a nous inviter à réfléchir sur les rapports humains alors qu'en fait y a rien à dire.Bref un bon navet qui plaira sans doute à ceux qui aiment bien le cinéma complexe , torturé et sans magie.
Remarquablement réalisé par les frères Hughes, ce Thriller d'époque bénéficie d'une mise en scène très soignée. Les décors et la lumière particulière composent une belle reconstitution de la vie à Londres vers la fin du 19 ème siècle. Le scénario violent et très sophistiqué nous conte une enquête grandiose, au suspense haletant. La grande qualité de ce film réside aussi dans son duo de premiers rôles avec Heather Graham, très convaincante dans son personnage de prostituée irlandaise, et Johnny Depp sublime dans le rôle de l'énigmatique inspecteur Abberline. Attention toutefois aux âmes sensibles qui devraient s'abstenir car les scènes chocs ne manquent pas. Les reconstitutions d'expériences médicales psychiatriques plutôt éprouvantes créent une ambiance oppressante et une atmosphère glauque.