CATIE-AQ/allocine_clean huggingface dataset:
Encore une fois, bon comic. Dynamique, personnages réussis... Très bien dans son genre.
Un petit film libanais sympathique au demeurant et plein de bonnes intentions. Mais le scénario aborde pleins de thèmes qui partent un peu dans tous les sens. Ca manque donc de cohésion et d'une force de mise en scène qui nuit beaucoup à l'intérêt que l'on pourrait porter à l'histoire. Du coup on ne s'identifie pas et on ne s'attache pas vraiment à ce personnage, aussi charmant et plein de vie soit-il. Le jeune acteur qui l'incarne est plutôt bon et possède un certain charisme mais cela ne suffit pas. De plus l'action se passant exclusivement de nuit, on ne voit pas toujours grand chose et la photo n'est pas très belle. C'est dommage car le tout aurait pu donner un joli film plein de charme et de poésie. Deux éléments qui ne sont présents qu'à de trop rares moments. Un premier long métrage pas franchement convaincant mais qui laisse entrevoir quelques lueurs d'espoir pour son metteur en scène. Attendons le deuxième.
Même si la fin très sociale-démocrate (très allemande donc) peut paraître bidon au vu de ce qui a précédé, Metropolis, sur le fond, assez glaçant, et sur la forme, très en avance sur son époque, demeure l'un des films les plus influents de l'histoire du cinéma, et sans doute le meilleur de Fritz Lang (même si j'ai une tendresse particulière pour Fury, son premier film américain).
Dans la même veine que « Lion », le jeune « tigre », surnom qui lui est donné, surprend par son courage. Lui ne rugit pas, il chante, et quelle voix ! Elle prend la forme d’un passeport diplomatique, d’un gage de liberté, hors de Gaza, cette cage dans laquelle il piétine. Puis, quand on arrive en ville, non plus à Calcutta, mais au Caire, le choc occidental séduit et oppresse à la fois. Quitte ou double, un coup de projecteur peut entrainer la gloire, comme il peut s’avérer fatal. Après s’être extirpé de ses ruines, Mohammed Assaf ne peut plus reculer. Sympathique et sans prétention, Le chanteur de Gaza est l’histoire vraie d’un réfugié palestinien devenu une star de télé-crochet.
Surpris de voir que le film n'est pas d'un sombre inconnu mais du réalisateur de "Bullit" ! Petite réalisation sans fioriture. Mais qui n'est franchement pas désagréable. J. Lithgow est investit par le rôle qui lui va très bien. Par contre, je ne sais que penser de B. Hoskins. Est-ce le rôle ou lui qui est monocorde et bancal ? Toujours est-il qu'à part s'inquiéter pour son île, on ne doit rien attendre de plus. Et je dis bancal car comment peut-il espérer alors qu'il est bien conscient que A. Quixano est complètement à la ramasse... ? Un détail qui manque de logique et qui diminue fortement l'intérêt de l'histoire et du duo. Un détail : Allociné fait une erreur (encore) sur la durée qui est de près de 3 heures et non 2.
pour démarrer ma critique du film et ma note de 4 étoiles je le justifie de cette façon, pour moi un film de zombie doit avoir avant tout une narration se pourquoi du comment les choses ont commencés à dégénéré mais aussi de comprendre pourquoi une intervention militaire est nécessaire et ce film te permet justement de rentrer dans cette aspect la ont comprends simplement ou on met les pieds le scénario n'est pas compliquer et heureusement car croyez moi un scénario à la Peter Jackson le seigneur des anneaux ou les Hobbits dans un film de zombie ça deviendrait vite soulent car ca serais super compliquer de le comprendre et Navy Seals à justement un scénario éfficase justement parce que l'action arrive après les premières images de la contamination et le rôle des militaires donne un sacrer coup de pouce pour le déroulement du film le film commence trés bien avec une entrée d'image démarre bien dans l'action avec un milieux intéressant et se fini justement avec une narration qui permet de mieux comprendre d’où vient l'épidémie et comment l'affronter certes l'histoire n'est pas difficile certe les effets spéciaux ne sont pas au top mais le film est trés bien donc il mérite 4 étoiles car le jeux des acteurs est présents, les zombies sont éfficases, l'action est présent et agréable pour passer un trés bon moment le jours d'une soirée délire quand il y a plus rien à la tv chouette film à posséder dans une vidéothèque au passage je ne suis pas d'accord avec certaines critiques.
Passez votre chemin! Quelle déception! Le jeu des acteurs est faible, le scenario n'a ni queue ne tête , l'histoire est compliquée voire incompréhensible ....il est difficile de trouver quelque chose de bon là dedans.
un film qui mérite d'être vu tant par le jeu des acteurs que par la morale de l'histoire! passionnant et epoustouflant!!
A la fois film d'action et film de zombies, "Navy Seals : Battle for New-Orléans" se trouve être un long-métrage bien ridicule et que l'on a bien du mal à pouvoir visionner jusqu'à la fin. La mise en scène s'avère bien catastrophique - les cadrages sont franchement immondes -, le casting est lamentable, les morts-vivants sont très mal maquillés et l'histoire ne possède pas une once d'originalité. Bref, voici une série Z lamentable et qui s'impose comme étant un des pire films de zombies que j'ai pu voir jusqu'à présent.
Franchement, j'ai adoré. Le décor glauque à souhait, les ados qui meurent les uns après les autres, tout ceci n'est certes pas nouveau, l'enfermement en milieu hostile, les relations qui se tendent entre les protagonistes, c'est le thème du "huis-clos" de Sartre revisité. Sans dévoiler l'intrigue principale du film, c'est une histoire terrifiante de gamine jalouse et mal dans sa peau, le film ne souffre pas de temps mort, et il est bien interprété.On se croirait soi-même enfermé avec eux dans le bunker.
Il était une fois.... Dans un autre temps, un autre monde, c'était la formule permettant d'entrer dans l'univers magique des fées, des princes charmants et des beaux mariages annoncés. En 2019, l'univers visé est frelaté, l'argent y est facile (dès lors que l'on a ni morale, ni goût de l'effort), on y fait commerce de ses charmes ("retravaillés" - façon "médecine esthétique", voire chirurgie plastique), et les messieurs vous louent le temps (plus ou moins long, plus ou moins renouvelé) d'un coït tarifé. Du moins quand on s'appelle "Sofia", et que l'on a comme "plan de carrière" de se prostituer (sachons dire les choses - même si le client est chic, et friqué). Le temps d'un été cannois, la bimbo en silicone essaiera de se faire prosélyte auprès de sa cousine de 16 ans (l'âge où elle-même entra dans la "carrière" horizontale...). Tous les sujets se valent, a priori. Encore faut-il de bons auteurs, et un(e) cinéaste compétent(e). Avec une "Zahia" en coscénariste, une Zlotowski (intello/bobo montée en graine) aux manettes, et la même Zahia (Dehar) en "star", ce "Une Fille facile" partait, lui, sous de bien tristes auspices ! Voir dans cette Barbie rafistolée une héritière de BB (la beauté - naturelle - incarnée), et dans ce pauvre opus filmique la veine d'un conte moral rohmérien - les deux lus sous la plume de certains critiques pros - est parfaitement risible. Passez plutôt votre chemin !
Un thriller ultra classique et prévisible a l'extrême , tout est calibré pour rentrer dans les codes du genre tout en lâchant des acteurs en surchauffe. Prévisible de bout en bout, le scénario raconte la chasse entre un couple témoin d'une tentative de meurtre perpétré par un tueur a gages professionnel et une petite frappe psychopathe, une galerie de personnages dont les changements apparaissent comme une évidence , des dialogues avec une bonnes dose de faux badass et une fin efficace mais lourde. Revenu sur le devant de la scène avec sa magnifique performance dans "The Wrestler", Mickey Rourke est impassible mais classe tout de même, devant supporter un Joseph Gordon-Levitt hystériquement insupportable et face a un couple totalement impassible composé de Diane Lane et Thomas Jane. Réalisateur reconnu pour son Shakespeare In Love, John Madden filme de façon très classique et sans grande envie cette chasse , un grand manque de rythme mais une certaine froideur classe qui donne un peu de positif. Un thriller terriblement mou et classique, pas de grand intérêt mais ça se regarde...
Prix Jean Vigo et présentation à Cannes en 2010 dans une section parallèle. Katell Quilleveré faisait à 29 ans une entrée remarquée dans le cinéma d'auteur français. "Un poison violent" est une chronique assez classique du difficile passage de l'adolescence à l'âge adulte dans une bourgeoisie provinciale et catholique qui semble figée hors du temps. La jeune Clara Augarde,15 ans,est une belle découverte,avec son mysticisme jamais percé à jour. Quilleveré questionne la foi et les premiers émois amoureux dans un amalgame pas franchement harmonieux,subtil ou âpre. Les références au cinéma de Bresson sont nombreuses,mais Pialat est loin,malgré ce qui est entendu par ailleurs. En fait,il ne se passe presque rien,et surtout rien ne se dégage par rapport à ce que l'on connaît déjà sur le sujet. On retiendra donc,outre la composition sobre de Lio,cette atmosphère de Bretagne traditionnelle.
Affligeant, lourd, niais, pas drôle. Jeux d'acteurs médiocres, scénario décevant. On dirait la pâle copie d'une comédie romantique à l'américaine, grossière et caricaturale. Dommage.
Un monument du muet dans le genre superproduction, la technique, le soin du détail font que le film garde encore une belle puissance.
Dans ce téléfilm où Christophe Dechavanne (l'animateur de Ciel mon mardi, c'était lui !) faisait ces premiers pas, la star canine à la Beethoven ne manque pas de chien, mais du mordant, oui ! Et c'est cela qui est regrettable car même si l'ensemble ne tourne pas rond, seul le gros chien pouvait apporter un plus. Et là, bingo !! ...nous tombons sur un os ! ...ou pas !
Quand Anthony Mann aborde la Guerre de Corée, il le fait de manière intelligente, nous plongeant au cœur du conflit qui est aussi bien physique que psychologique pour les soldats. On suit ici un régiment qui tente d'atteindre la cote 465 pour parvenir à retrouver ses lignes mais dont le chemin va être semé d'embûches. Le scénario nous fait vivre en même temps que les personnages leurs inquiétudes, leurs tensions et leurs victoires aussi bien que leurs défaites, le tout appuyé par la mise en scène solidement construite d'Anthony Mann qui n'hésite pas à faire beaucoup de gros plans sur ses personnages, ne sortant jamais du régiment qu'il suit pour nous montrer le conflit d'une manière intérieure et terriblement intense. Filmé dans des décors superbes et avec un noir et blanc qui colle parfaitement à l'ambiance du film, "Cote 465" se révèle surprenant et vraiment immersif, bénéficiant en plus de la présence de Robert Ryan et d'Aldo Ray, tous deux excellents en rivaux au sein du même groupe.
Avec "Training Day", Antoine Fuqua livre un polar violent et très sombre sur les rues de Los Angeles et la criminalité qui y règne, avec ses gangs, ses drogués et ses policiers corrompus. Signé David Ayer, le scénario ne nous épargne rien et se concentre sur une seule journée, celle que passe la jeune recrue Jake Hoyt aux côtés du sergent Alonzo Harris de la brigade narcotique. Une journée remplie de désillusions, de violence et de manipulation qui ne laissera pas ses personnages indemnes. Filmé avec efficacité, lorgnant du côté du polar réaliste avec ses images de rues mal famées et ses personnages nuancés, "Training Day" n'est pas seulement marquant grâce à la réussite de son scénario très bien ficelé et très pessimiste mais également grâce à l'interprétation de ses acteurs. Que ce soit Denzel Washington en flic violent et corrompu ou Ethan Hawke en jeune recrue plein d'illusions, le film laisse un souvenir intense.
Impressionnant sommet de l'anime des années 90, "Jin-Roh" travaille une intrigue complexe et des personnages ambigüs, comme les mangas savent si bien les construire, avec un refus du spectaculaire d'autant plus étonnant que les images sont d'une beauté sidérante : on avait rarement vu à l'époque un film d'animation japonais miser à ce point sur les mouvements imperceptibles (curieusement, dans le cas de "Jin-Roh", la fixité des personnages résultant d'une technologie encore assez simple, et sans doute de budgets réduits, joue en faveur du film !) et surtout sur de magnifiques interludes méditatifs ! Le scénario de Mamoru Oshii fait légèrement écho à celui de son "Ghost In the Shell", avec sa fascination "machiniste" et "techno-fasciste" un peu gênante, sans parler de l'inutile obscurité de ces luttes entre groupuscules concurrents, au sein du pouvoir comme de l'opposition dans un Japon dystopique. Mais c'est la grand talent de Hiroyuki Okiura qui crée ici une œuvre profondément poétique et émouvante, dépassant le symbolisme un peu facile du conte du "Petit Chaperon Rouge", et réussissant un mélange étonnant de splendeur suspendue, de mélodrame déchirant et de violence brutale.
Quand j'ai vu ce film, j'ai eu l'impression que tout était irréprochable en fait, rien ne m'a déplu ! Les acteurs sont époustouflants, Michael Pitt a un charisme innommable, le film est extrêmement bien filmé je trouve, j'ai d'ailleurs adoré les passages "making-of", les voix-off sont innatendues et bien foutues et c'est un film,drôle et qui met de bonne humeur surtout. Pourquoi ? Car le final est une happy-end mais bien trouvée, et cohérente, donc ça passe. Ca passe carrément. Un chef-d'oeuvre !
On s'y attendait et bien sûr, pas d'agréable surprise : c'est nul ! Les effets speciaux sont pitoyables mais à la hauteur du jeu des acteurs... Le scenario est capillotracté et on s'ennuie ferme. A éviter !
"Les Figures de l'Ombre", un film prédestiné pour sa sortie du 8 mars 2017, journée de la Femme, sauf qu'ici la portée du symbole en dépasse largement les enjeux... En effet cette histoire vraie nous transporte bien au delà de cette revendication, rien que par la destinée ô combien exceptionnelle de ces trois mathématiciennes afro-américaines qui ont marqué profondément l'Histoire, la grande et aussi celle de la NASA... Ce portrait croisé nous est brossé dans une totale humilité et dans la plus grande sobriété, grâce à trois actrices formidables, touchantes qui incarnent trois phénomènes pleines de ténacité, d'énergie et de bonne humeur ! On ne peut que se sentir tout petits et admiratifs face à leur capacité à faire reconnaître leur talent voire leur génie, à se battre pour être entendues et écoutées en dépit de leur sexe et surtout de leur couleur de peau dans cet état de Virginie, on ne peut plus ségrégationniste en... 1962 ! Toujours discrètes et dignes, leur percée respective dans ce monde machiste et empreint de racisme, se fera à force de regards insistants, à force de persuasion tranquille même si quelques coups de griffe sont donnés ici et là avec beaucoup d'humour... Theodore Melfi a su diriger des actrices avec un tact étonnant qui dénote une sensibilité à fleur de peau, en les magnifiant plus d'une fois. Évidemment Taraji P. Henson en calculatrice éminente crève l'écran par sa performance à tous niveaux, mais ses deux partenaires (Octavia Spencer et Janelle Monáe) à leur façon sont émouvantes aussi, l'une dans sa rigueur indéfectible et l'autre dans son obstination à se dépasser coûte que coûte... Alors, on se doute bien que l'aspect plus ou moins académique nous guette quelque part, mais ce témoignage fort et décisif par son impact et sa nécessité l'emporte avant tout sans conteste ! Alors autant découvrir rapidement ces trois tranches de vie hors du commun qui invitent au respect et qui valent vraiment une séance...
Honnête comédie qui fait souvent rigoler, avec quelques punchlines franchement bonnes. Sans pour autant être génial, vous ne devriez pas être déçu par Les Mythos.
Une comédie aux ambitions très limitées dont le succès reste pour moi un mystère. Le Petit Nicolas n'est pas populaire, il est bête et à réserver aux moins de 13ans. Et encore sa représentation misogyne, caricaturale et superficielle de la société en fait une arme de destruction massive auprès de cerveaux en construction. Dans le Petit Nicolas il y a : un scénario sans intérêt et sans surprise basé sur un quiproquo épais comme une feuille de papier, des dialogues qui pas une fois ne s'élève au-delà de la conversation du café du coin, des acteurs en roue libre surjouant à l'unisson comme s'ils se croyaient sur le plateau de PBLV, des personnages incroyablement caricaturaux (la mère au foyer émotive et incapable, le chef d'entreprise idiot, le bouillon méchant), une image si proprette qu'on se croirait dans une pub canard WC, des décors et costumes si laids qu'ils mériteraient au chef décorateur une peine d'intérêt général et enfin le comble pour une comédie, des gags incapables de vous arracher un sourire. En somme un film fade, sans intérêt et qui ne fait pas rire, en un mot : faible.
raptor est un navet comme il y en t'en. On le regarde sans se poser de questions,soit on aime sois on aime pas.bref sa pete pas plus haut que son cul.
Film très moyen dommage l'idée est pas mal mais mise a part quelques apparitions et hurlements...on s'emmerde...ça passe une heure et demi un dimanche pluvieux.
Une petite production animée qui ne fait vraiment pas ses preuves. Même pas drôle, même pas Fun. Si La ferme en folie (2207) n'était pas une grande réussite animée, elle avait au moins la prétention d'être drôle. The missing Lynx - titre original- fait partie des produits finalisés avant même d'avoir été écrit. N'occupant aucune place auprès de ses aînés, on sera vite amené à l'oublier. Animation assez hideuse même pas digne d'une école d'animation telle que l'ECV, l'ESMA ou Les Gobelins. Alors ne perdez pas de temps ici et foncez voir des courts métrages. Ils vous apporterons davantage de plaisir.
"Repas de famille" davantage choisi par défaut à cause de l'horaire, m'a fait découvrir ces fameux "Chevaliers du fiel" dont j'ignorais l'existence ! Et bien, il faut dire de suite que ce film n'est pas le meilleur chemin à prendre pour faire connaissance de leur univers ! À vrai dire, c'est même totalement sidéré que je suis sorti de cette séance à un point où je me demande l'intérêt de produire un tel film... Sans vouloir jouer au difficile, rien ne semble émerger à aucun moment de cette histoire s'il y en a une ! Tout tombe à plat, gags, jeu des comédiens, décors,... et j'en passe ! Et même en persévérant et en attendant un inespéré rebondissement qui permettrait peut-être une accroche bienvenue, il faut se résoudre jusqu'au bout à supporter des dialogues insipides et lourds, des situations pénibles et attendues, des personnages caricaturaux au possible et tout ceci aboutit à un galimatias indigeste et assurément à un grand n'importe quoi ! Et que dire de ce four hi tech, sur lequel on n'arrête pas de s'attarder sans aucune justification aucune ! Franchement, à bien vouloir chercher, il n'y a rien à sauver de cette triste réalisation pour laquelle, le public de la salle n'a jamais manifesté de réaction d'enthousiasme ! Un comble pour une comédie de cet acabit sensée être drôle !
Pourquoi un mec vient chez vous juste pour vous faire chier? Quelle différence il y-a entre un mec de gauche et un mec de droite? Un couloir, c'est important un couloir? M. Blier une fois de plus a une mise en scène et des textes d'exception. En plus il nous parle de tendresse, d'amour, l'amour de l'autre, ce donner a l'autre, comment lui changer la vie a l'autre... et par la même occasion changer la notre de vie... Allez voir Les Côtelettes fermer les yeux... puis écoutez.
A part le debut du film , aucun interet pour ce film. Acteurs mediocre , scenario improbable , scene d'action banale , presque a voir au second degres pour s'amuser un peu de tous les poncifs du genre.
Sur le principe, un film de zombies sans zombies et quasiment intégralement suggéré : je suis pour. Encore faudrait-il que les bonnes intentions suivent derrière car là, niveau idées c'est un peu le désert. Certes l'œuvre ne joue pas mal sur l'ambiguïté des intrus et leurs motivations, mais très vite l'entreprise apparaît répétitive, longue, lassante... Sincèrement, le coup des étrangers qui viennent provoquer l'inquiétude sans que l'on sache si cela est justifié ou pas, j'ai l'impression de l'avoir vu des centaines de fois ! Pourtant le début laisse de l'espoir : on ne sait sur quel pied danser, changeant d'avis face aux différentes situations... Sauf que cela fonctionne sur 30 minutes maximum, pas 90 ! J'avais presque l'impression sur la durée d'assister toujours à la même scène, simplement dans une pièce ou avec un détail différent. En fait, j'en ai eu marre assez vite. Je me suis ennuyé. Pas vraiment de rythme, d'enjeux nouveaux qui auraient permis d'installer durablement cette angoisse diffuse, ce virus invisible et pourtant omniprésent : avec une vraie écriture, des personnages plus complexes, des relations plus ambiguës, sans doute le résultat eût été différent, seules la noirceur(notamment dans le dénouement)et la sobriété dont fait preuve Trey Edward Shults derrière la caméra sauvant l'entreprise du bide total. Bref, un film d'ambiance de plus, ni stimulant, ni plaisant, ni même efficace. Juste un titre ayant crû que de faire (un peu) différemment des autres suffirait pour réussir. Grave erreur de jugement.
Len Wiseman était parvenu à faire entrer John McClane dans l'ère du numérique dans un quatrième épisode anxiogène et maîtrisé de bout en bout. John Moore, ne faisant preuve d'aucune ambition, le fusille. Il n'est certes pas aidé par un scénario calamiteux aux répliques affligeantes mais il se montre incapable de diriger une scène d'action convenablement. Un naufrage.
Une pure merveille, une palme d'or parfaitement méritée...
On comprend vite le pourquoi du comment. Soit je suis rapide, soit le réalisateur a mal fait son travail, ou les 2... La scène du dénouement est mal jouée, ça tourne limite au ridicule lors des bagarres et dialogues. Ça commençait pourtant très bien... Mais non.
ça un film, mes couilles oui. J'ai fait mieux avec ma camèra 8mm. Ce qui m'enerve le plus c'est comment un gars qui pése 35 grammes peut tabasser des mastondontes dans ce prison des plus pourris. On sent même le caractére mou de snoop tellement il fume de la marijuana. Eh oui les gars désolé mais ce film, si c'est un film d'ailleurs est une merde de rhinoceros pardonez moi de l'expression.
Un petit bijou outre Atlantique comme seuls nos voisins britanniques savent en réaliser depuis des années. Histoire humaine, situations loufoques, dialogues succulents et surtout une BO qui reste gravée dans nos mémoires. Une comédie jouissive que l'on n'hésite pas à revoir avec grand plaisir.
Deux hommes partent camper en forêt. Ils se baignent dans une source d’eau chaude puis rentrent chez eux. Avant de tourner Certaines femmes qui est sorti le mois dernier sur nos écrans, Kelly Reichardt avait tourné en 2007 son premier film. Le voir aujourd’hui c’est toucher du doigt l’extrême cohérence de l’œuvre de cette réalisatrice indé, par ailleurs auteure des très réussis Wendy et Lucy, La Dernière piste et Night Moves. Le scénario de Old Joy tient sur un timbre poste. C’est sa principale qualité ; c’est aussi son principal défaut. On peut se laisser hypnotiser par la simplicité dépouillée de cette histoire. Rien ne se passe que de très ordinaire dans Old Joy. Un long trajet automobile de la ville vers la forêt. Quelques hésitations sur l’embranchement à trouver. Une nuit autour d’un feu de bois. Une marche. Un bain dans une source. Puis le trajet retour en tous points semblables à l’aller. La vie tout simplement. Ce refus radical de faire « joli », de dramatiser constitue-t-il un retour à l’authenticité vraie du cinéma, loin de tout artifice ? Sans doute. Mais le cinéma offre la possibilité de compresser le temps et l’espace, de raconter des histoires, bref de sublimer la réalité. Réduire le cinéma à n’être qu’un miroir posé sur le bord de chemin, c’est comme demander à un peintre de photographier la réalité. Et puis surtout… c’est très chiant.