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Il est des films que l'on aime pour leur mise en scène, leur interprétation, leur style ou leur qualité esthétique...Et puis d'autres qui, bien que dépourvus de certains atours, ont pour eux l'incroyable force de leur intrigue, d'autant plus si celle-ci est inspirée de faits réels. La sicilienne a un défaut majeur : sa réalisation, étriquée et sans ampleur. Marco Amenta débute mais il est évident qu'il ne sera jamais un Francesco Rosi. Son seul atout, ou presque, c'est son histoire, celle d'une jeune fille de 17 ans qui va témoigner contre un système mafieux qui régit toute une région et qui règne sans partage car la mort est la seule réponse à ceux qui auraient l'audace de le dénoncer. Le sale air de la peur est au coeur du film, palpable, viscéral, et contamine tout ce que cette adolescente va vivre. Ceux qui disent : déjà vu et mieux ailleurs ont (en partie) raison ; reste qu'un film est parfois davantage qu'un spectacle, et s'impose comme une oeuvre de salubrité publique. Il y des clichés dans La sicilienne ? Oui, et un énorme, les crimes de la Mafia sont une abomination qui révèle le pire de l'âme humaine. Si la combattre passe par l'utilisation de poncifs et de procédés empreints d'une certaine naïveté, pas grave, ce film restera utile sans prétendre à s'élever au rang de chef d'oeuvre du 7ème art.
Impossible de discerner les intentions du réalisateur à travers ce film brouillon qui ne parvient pas à trouver un style. Les péripéties du quotidien dans cet hôtel de luxe au bord de la faillite auraient pu générer des situations cocasses et on songe au cinéma tchèque de jadis : Au feu les pompiers (Milos FORMAN) ou Trains étroitement surveillés ( Jiri MENZEL ) par exemple. Ce ne sera pas le cas ici. Les épisodes à peine esquissés de la série d’interviews télévisées, à la limite du ridicule (Ne manque guère que la célèbre question « et Dieu dans tout cela ? ») n’y changeront rien non plus. Le film avance et des scènes improbables se succèdent : le syndicaliste tabassé dans le parking souterrain, le directeur de l’hôtel, pris de boisson, qui serre de près son employée de confiance, avant de la licencier, le vigile cocaïnomane qui abat froidement le descendant de l’assassin de l’archiduc etc… Quant à Jacques WEBER, s’il était censé incarner une caricature de B.H LEVY , ce qui aurait pu être fort drôle, il se limite à bredouiller inlassablement le texte de son intervention à venir devant les représentants de l’Union européenne attendus en foule dans l’hôtel, tandis que les employés y préparent une grève qu’ils voient décisive. Cette confusion maladroite des genres dégage un profond ennui et l’on se demande si le film n’aurait pas dû rester à l’état de projet.
On le sait tous que Spielberg est un passionné d'Histoire et notamment des Guerres Mondiales, il n'est donc pas étonnant de voir qu'en 2012 sorte dans les salles françaises le film "Cheval de Guerre" qui traite d'un cheval acheté par l'armé britannique pendant la première Guerre Mondiale. Ce cheval, nommé Joey, fut tout d'abord élevé par Albert (Jeremy Irvine) dans le but de labourer le champ. Joey démontra une plus grande force que prévue et une grande amitié se lia entre lui et Albert. Malheureusement, pour les besoins de l'armée et par manque d'argent de la famille d'Albert, Joey est racheté. Il va alors passé entre les mains de plusieurs maîtres. "Cheval de guerre" permet donc de croiser de nombreux personnages à un moment donné de leur vie. Certains de ces personnages sont plus intéressants que d'autres, la partie "française" avec notamment Niels Arestup étant l'une des meilleures. Certains "morceaux de vie" sont plus touchants que d'autres mais dans l'ensemble on s'attache à tous les maîtres de Joey. La mise en scène de Spielberg est une nouvelle fois remarquable, certains plans sont de toute beauté comme dans la scène finale. De plus, il est clair que Spielberg s'est amusé à filmer la partie dans les tranchées et sur le "no man's land" qui rappelle quelque peu la scène de débarquement de "Il faut sauver le soldat Ryan". Une fois encore, la BO composée évidemment par John Williams est très agréable à écouter. "Cheval de guerre" n'est donc pas qu'un simple autre film de Spielberg sur la guerre car il l'aborde sous un angle nouveau, avec toujours l'émotion qui accompagne ses films.
Pas terrible, ce western ! Le film adopte résolument un ton très manichéen, avec un scénario construit autour de Barbara Stanwyck qui est belle, riche et dominatrice. Le réalisateur va même jusqu'à inclure au début du film une chanson écrite sur elle où il est question de "femme au fouet" : il ne manque plus qu'une combinaison en latex ! Le petit soucis est que Barbara Stanwyck, excellente actrice au demeurant, n'est déjà plus jeune et peine à incarner avec crédit une femme fatale. Son jeu n'est vraiment pas convaincant dans ce film. Les acteurs qui incarnent les frères Bonnell sont assez peu charismatiques. Plusieurs scènes sont longuettes ou faciles (le mandat que se font passer de main en main les convives autour de la longue table...). La mise en scène est peu inventive, et le film a beaucoup vieilli. Il a été réalisé sept ans avant "Pour une poignée de dollars" de Sergio Leone, mais on dirait que quarante années les séparent ! Pour moi, le compte n'y est pas.
Une belle métaphore optimiste de ces inventions démocratisées par le bas.
Je regrette vraiment que c film soit diffusé de manière aussi confidentielle. C'est une histoire simple mais profonde sur la valeur de la vie. C'est aussi des décors et des personnages à la fois très réaliste et d'un esthétisme séduisant. J'ai passé un très bon moment peut être un peu court
Piccoli invente le film gériatrique, dans lequel, à l'execption d'un enfant, tous les personnages ont la soixantaine tassée. Tout est surrané, les appartements, l'atmosphère, les comportements. Quand on a dit ça il n'y a plus grand-chose d'autre à ajouter
Dans le genre "tentative de rédemption d'un jeune paumé", peu de films offrent de meilleures sensations que Will Hunting. La prestation du duo Matt Damon / Robin Williams est particulierement remarquable.
Trés bon film de sabre entre deux des plus grandes figures du cinéma asiatiques.Un choc des cultures qui a le mérite d'être ni raciste ni de tomber dans les clichés habituels entre chinois et japonais. Un duel de légende avec une conclusion des plus intelligentes envers les deux peuples.
voilà un film épatant tourné presque comme un thriller noir où l'espoir est un luxe trop cher... autant dire au âme sensible de s'abstenir de le visionner pour continuer à aller au pays avec le club med à prix cassé....personnellement j'ai trouvé un écho à un autre très bon film arabe récent, c'est "le Caire confidentiel" dont la noirceur est moins prononcée mais avec une toile de fond totalement identique, à savoir un système totalement corrompu.....à cette mise en scène s'ajoute des séquences de détresse non stop où l'on accompagne l’héroïne avec son fidèle ami d'institution en institution, pour les voir se faire tour à tour refouler....bref à mon sens c'est une mise en scène sublime, idem avec les acteurs en particulier la jeune provinciale tunisienne, c'est un film haletant qui ne peut que déclencher l'empathie.... à découvrir après l'évènement du printemps arabe pour constater que les véritables changement sont véritablement difficile à conduire...en général.
Excessif ,jubilatoire mais probablement si dérangeant qu'il n'intéresse pas les diffusions télé .
Un excellent biopic musical Irlandais qui relate le rêve d'un homme. Sur fond de mouvements sociaux (guerre) en Irlande du nord, l'apparition d'une scène punk, mouvement underground si il en fût, par un pur idéaliste fan de musique rock dans les années 70. Quelques images d'archive viennent rehausser l'ambiance de Belfast à cette époque. Nul besoin d'être un adepte de ce style de musique pour apprécier ce film empreint d'un idéalisme pouvant paraître désuet. Une réelle excellente surprise qui porte bien son nom...
J'en entends déjà s'insurger contre cette note si basse, et m'insulter pour cela. Ouais, ce film a une mise en scène vraiment incroyable pour son époque, mais c'est tout. Derrière ça moi tout ce que j'y ai vu c'est une œuvre de propagande simpliste et manichéenne (j'avais l'impression de voir le pendant soviétique de Rocky IV, alors je ne vois pas pourquoi je déglinguerais l'un sur sa morale niaise et insupportable et pas l'autre) et surtout chiant à en mourir, à un tel point que j'ai subi le film comme une longue punition alors qu'à la base je m'attendais à quelque chose d'exceptionnel, et pour un film qui dure un peu plus d'une heure c'est un comble. Et aucun personnage auquel se rattacher, suivant le parfait modèle communiste, les personnages sont noyés dans la masse et n'existent plus en tant qu'individu propre (sauf un qu'on voit tellement peu qu'au final on s'en fiche). Donc à part pour voir à quel point on a fait un grand pas depuis, je ne vois pas en quoi ce film dont je n'ai tiré aucun plaisir ni aucune émotion est un incontournable.
En même temps, au vu du sujet et la présence de Lasse Hallström aux commandes, il n'y avait pas de quoi attendre des miracles. Bon, on est bien content que cela se passe chez nous, ce n'est pas vilain visuellement, m'enfin... Ça n'en reste pas moins peu passionnant et nous rappelant régulièrement « Les Saveurs du palais », non pas que les récits soient les mêmes, mais dans le genre « la cuisine est un domaine ultra-cinégénique qui va vendre du rêve au spectateur pendant deux heures », personnellement je repasserais. Alors bien sûr que ce n'est pas antipathique, qu' Helen Mirren tient bien son rôle, quelques répliques faisant sourire de temps à autre tandis que Charlotte Le Bon est une véritable bouffée d'oxygène dans ce qui est le plus joli rôle du film, je n'en trouve cela pas moins très superficiel et assez paresseux cinématographiquement, dans la dynamique narrative comme dans l' « émotion », pour un résultat manquant singulièrement de saveur et de subtilité. Malgré tout, je dois reconnaître que dans le dernier tiers, le film prend une tournure légèrement dramatique inattendue en posant quelques questions assez pertinentes et qui, pour le coup, font un peu monter la sauce... Avant de déboucher, finalement, sur un logique et peu mémorable happy end : on y avait presque crû ! Pas insoutenable donc, mais totalement dispensable.
Moins que zéro étoile pour ce film X déguisé en film d'auteur "esthétique". Dialogues plats, personnages plats, situations plates, bref, tout est plat dans ce film, des scénaristes aux distributeurs. Même les jolies filles toutes nues paraissent insupportables. Sauf peut être les producteurs qui ont réussi à monter un film érotique avec l'argent des contribuables français et canadiens. Chapeau.
Cette fois, le tueur aime se mettre nu pour séduire ! ( et pour semble-t-il manger des glaces & se laver ) Paul Kersey veille ... Sport & Douches.com : 16,5
Il y eu un temps où Claude Zidi réalisait de très belles comédies qui ont marqués de nombreuses générations, même les dernières tant elles comportaient des éléments que l’ont a un peut tendance a ne plus retrouver dans les dernières comédies que l’on voit ces derniers temps : des gags a fusion, des bonnes innovations, permettant ainsi à une comédie de se démarquer des autres. Beaucoup de films de Zidi en faisait partie : les sous-doués, les ripoux…. L’aile ou la cuisse. Bref que des films qui sont devenus cultes depuis. Malheureusement depuis ce jour, il y a une ombre au tableau : La boite. Comédie sans grand intérêt qui nous apporte quelques sourires et dont on ne peut remarquer que les quelques trouvailles faits avec des accessoires ou éléments du décor (on pense ainsi au deux sous-doués), mais cette comédie ne ressemble en rien au style de Zidi, se rapprochant plus d’un simple film amateur que une pure comédie comme le réalisateur nous avait offert, il n’y a pas beaucoup de gags et sans grand charme, un comble pour une comédie signé Zidi. Ce dernier ne croit d’ailleurs plus à son film et cela se sent dans la façon dont il réalise la deuxième partie du film, quand on voit apparaitre Jean-Marie Bigard, comme si Zidi se rendait compte que son choix n’était pas le meilleur, mais jeté la faute qu’a Jean-Marie serait complètement absurde, tant les autres comédiens (les jeunes qui montent leur boite). Ce film, nous pose beaucoup de questions sur le choix de Zidi de réaliser ce film dont il signe aussi le scénario aidé de ses acolytes. Il n’a plus à rien à prouver alors a-t-il décidé de faire ce film pour aider son fils à se lancer dans la réalisation (son fils est premier assistant réalisateur). Certes le film n’est pas une réussite et laisse un sentiment d’inachevé tant on se demande si c’est bien Zidi qui a réalisé le film, mais on reconnait que quelques gags appuyés par un BO assez sympatoches... critique sur:cthiboy.blogs.allocine.fr
Dans des contrées nordiques, une jeune femme, tout juste mariée à un chasseur de rennes, se sent peu à peu délaissée par celui-ci, elle va alors faire appel à un chamane et à partir de ce moment-là, sa vie et sa personne vont être considérablement transformées... Pour sa première réalisation, Erik Blomberg s'inspire d'une légende nordique et braque sa caméra tout le long sur cette jeune femme qui va peu à peu se voir transformé par divers éléments fantastiques la rendant en prédatrice capable de changer d'apparence pour attirer les hommes et étendre son pouvoir de séduction. Et c'est là toute la réussite du film. Il met en scène un personnage qu'il rend fascinant et envoûtant, tout comme l'atmosphère où l'on ressent l'imaginaire du monde et des légendes nordique ainsi que de la sorcellerie ancestrale. C'est le cadre d'une vie où l'homme chasse pour se nourrir et où tout est rudimentaire et c'est avec une certaine finesse qu'il y inclus dans la seconde partie plusieurs éléments fantastiques allant du sacrifice aux vampirismes en passant par la transformation ou la sorcellerie. En plus de bien retranscrire tout ce qui tourne autour des mythes fantastiques, il retranscrit aussi très bien les paysages nordiques. Visuellement le film est magnifique et Blomberg met très bien en valeur les décors (naturels) arctiques. Malgré les nombreux thèmes qu'il doit aborder et la difficulté vis-à-vis des moyens, il s'en sort très bien, jouant avec divers trucages et artifices. Le film est court mais tout le long passionnant et les interprétations sont, dans l'ensemble, plutôt correctes. Une vraie bonne surprise pour ce film qui remporta le prix international du film légendaire à Cannes (par Jean Cocteau) ainsi que le Golden Globe du meilleur film étranger. Blomberg nous emmène dans un univers fascinant où s’entremêlent pulsions, sorcellerie, vampire et renne blanc.
David Lean est un des plus grands réalisateurs de tous les temps. Et c'est pas cette brillante adaptation quasi-fidèle du merveilleux roman de Charles Dickens qui pousserait à dire le contraire. Même si le film n'est pas exempt de défauts, comme le fait de choisir un acteur beaucoup trop âgé pour interpréter le rôle principal ou la fadeur de Valeria Hobson (Estella adulte) par rapport à Jean Simmons (Estella adolescente), il est une incontestable réussite. En effet, David Lean a parfaitement réussi à retranscrire l'atmosphère du roman à travers une excellente distribution menée par un John Mills très convaincant, malgré son défaut d'âge, et dont se distinguent principalement un fabuleux Alec Guinness et surtout une Jean Simmons parfaite en Estella adolescente, personnage dont elle arrive à merveille à retranscrire la complexité sur l'écran. Mais aussi grâce à une mise en scène inoubliable très soignée sur le plan esthétique, avec une magnifique photographie en noir et blanc et des décors extérieurs et en studio superbes. La première scène dans le cimetière est d'une beauté à couper le souffle et David Lean n'hésite pas à incruster une excellente scène légère très typique de Charles Dickens à travers la visite à l'assistant de l'avocat et de son père. Malgré ses petits défauts et grâce à ses très nombreuses grandes qualités, ce film est la meilleure adaptation d'un roman de Charles Dickens sur grad écran et un des plus grands films anglais de tous les temps.
Seuls les joueurs de "Dead Space" trouveront leur compte dans cette histoire assez creuse, qui a du mal à maintenir l'attention du spectateur. Les quelques révélations sur les évènements de la saga vidéo-ludique sont le seul véritable point positif de ce petit film d'animation, visuellement repoussant.
N'ayant pas vu l'original, ma critique de "footloose" ne subi aucun a priori, si ce n'est de savoir que je regarde un teen-movie. Pour une comédie dansante, le film manque cruellement de rythme avec des chorégraphies enfantines, soit trop tape à l’œil (en face du snack) soit bien ringarde (le country). Les acteurs ne font pas le poid, gros problème de casting, tout comme leur costumes. Les décors, pas trop mauvais, subissent une mise en scène paresseuse.
Le premier épisode m'avait laissé un coté mitigé, le second suit la même impression. Malgré que l'on assiste au combats à distance entre Holmes et Moriarty, on s’ennuie ferme devant cette aventure peu passionnante qui à plus des allures d’Indiana jones que des enquêtes de Sherlock Holmes, par moments j'ai eu du mal à croire au déductions de Sherlock Holmes tellement elle me paraissait tiré par les cheveux. Pour moi l’enquête a été complétement sacrifié sur l'autel d'une action non stop qui confère presque à Sherlock Holmes, un coté super héros. D'ailleurs le personnage interprété par robert downey par son cynisme me rappelle étrangement Tony Stark, ce qui donne l'impression que l'acteur joue le même personnage que dans Iron Man, ce n'est pas un mal mais s'il continue dans cet voie il finira par agacé comme Jack Sparrow dans Pirates des Caraïbes. Du coté des autres acteurs, je salue la prestation honorable de Jared Harris en professeur Moriarty, et de Paul Anderson, par contre Noomi Rapace ne sert à rien, à part faire de la figuration, c'est l'un des personnages les plus inutile qu'il soit mais au vu du peu de la qualité du film, c'est un moindre mal. Ce que Mission Impossible 4, avait réussit à faire en offrant un excellent divertissement, Sherlock Holmes par sa frénésie n'a offert qu'un ennui poli. Il vaudrait mieux arrêté la série sur cet épisode oubliable.
Troisième et dernière expédition (pour ces vacances de printemps tout du moins) au cinéma avec mes petits-enfants. Ce second épisode de "Rio" est, comme le précédent, très esthétique, avec des images magnifiques, des couleurs chatoyantes, du rythme, de la musique, du chant et des ballets, le tout servi par des animations et des textures totalement éblouissantes. Du coup, le scénario et l'histoire se retrouvent un peu au second plan, malgré un message important mais un peu trop souvent ressassé, le retour à la nature et la lutte contre la déforestation en Amazonie. L'ensemble est assez sympathique, avec des héros (personnages et animaux) attachants et souvent pittoresques. Ce film est néanmoins plutôt destiné aux enfants, leurs accompagnants adultes étant un peu laissés pour compte... Dans la salle où je me trouvais, il y avait beaucoup de très jeunes enfants, sans doute nettement dépassés par le film et générant -- hélas -- un brouhaha de fond assez gênant. Il serait temps que certains parents réalisent que 3 ans, c'est trop jeune pour suivre de bout en bout un film -- fut-il dessin animé -- de plus d'1h40...
Martin Scorsese en salle de montage avec sa monteuse Thelma Schoonmaker et le mari de cette dernière, l'immense réalisateur de génie britannique Michael Powell, Martin Scorsese échangeant quelques plaisanteries avec Brian de Palma, Martin Scorsese dînant et discutant avec ses parents... Heureusement que Martin Scorsese peut-être un show à lui tout seul car n'importe qui sachant se servir d'une caméra aurait pu en faire autant que le réalisateur qui ne fait que filmer si ce n'est poser quelques questions communes en hochant la tête comme un jouet à ressorts à chaque réponse du cinéaste. Faisant partie de la série "Cinéastes de notre temps", qui a donné un documentaire passionnant de Chris Marker sur Andreï Tarkovski (que je recommande au passage à tous les admirateurs de ce réalisateur s'ils ne l'ont pas déjà vu !!!), "The Scorsese Machine" ne vaut uniquement que pour le grand Martin Scorsese.
Un grand film avec une photographie très soignée et une musique de qualité qui rend ce film très esthétique. L'ambiance des années 50 est superbement retracée et le scénario embarque le spectateur jusqu'au bout. L'acteur principal est époustouflant dans ce rôle (j'ai mis du temps à me souvenir qu'il jouait dans Hannibal). Un très beau film & une belle performance d'acteur! Bref j'appréhendais d'Y aller en vue de la longueur du film mais il passe vraiment tout seul surtout sur une séance à 10h05 du mat. SI !
Merci d’avoir pris courageusement la caméra au lendemain du 11 janvier. Merci pour ce reportage à chaud le long des failles vibrantes de notre civilisation. Bravo pour ce « Même pas peur » kaléidoscope de pensées et de leurs penseurs que le montage fait intelligemment résonner en échos. Bravo pour cette idée d’ondes télévisuelles striées qui tiennent les discours « politiques » convenus à l’écart de notre jardin de pensée. J’ai été ravi de découvrir le film « Même pas peur » si justement à propos pour nous encourager à penser notre vie. J’ai été ravi de sentir l’énergie qui anime l’œuvre d’Ana Dumitrescu. Je souhaite à « Même pas peur » de rebondir de salles en salles comme il sait faire rebondir notre esprit de pensées en penseurs. JMP
Ce film est une adaptation fidèle du roman d'Ernest Hemingway (son meilleur livre selon moi). La couleur et la photographie sont spendides. Les acteurs bons. La réalisation est sobre mais correcte. Certains plans d'Ingrid Bergman sont simplement extraordinaires. Les confrontations et la psychologie des protagonistes sont bien rendus. Bref un très grand film classique fait par le réalisateur de "Autant en emporte le vent". A voir et à revoir.
C'est en couleurs et tout de suite accrocheur, un peu épique, toujours plaisant grâce au bon dosage de la comédie musicale et des dialogues parlés. Le manteau d'hermine laissant deviner des jambes parfaites, la sortie des tableaux comme on descend de son lit ou de son cheval, sans oublier le retour dans le cadre. Ainsi font la belle ancêtre et ses compagnons sur le mur selon les événements, le spectateur s'y acclimate sans problème, tout comme il passe de l'aïeule à sa copie conforme plus jeune et sa nuit de noces à la hussarde... On devine l'oeil malicieux de Lubitsch derrière l'agencement des intérieurs et des personnages, avec un pincement tout particulier puisqu'il mourut en début de tournage, causant l'émotion qu'on peut imaginer. Otto Preminger eut à finir le film sans le déformer ni se renier lui-même... Une réussite sur toute la ligne. Le dépaysement est total, il y a le même cadeau fait au public, c'est tellement bien fait qu'on adhère à la personnalité du colonel sans transition de la tyrannie au vague à l'âme de jouvenceau... Les deux styles combinés des cinéastes donnent une croustillante parodie mâtinée de romantisme. Un pur régal ! Jamais d'étalage de combats même si le côté chevaleresque est amplement abordé, à la place le marivaudage habituel et une scène de danse filmée avec grâce sous tous les angles possibles, à croire que tout le plateau dansait !
je crois savoir que ce documentaire est toujours étudié dans les écoles. C'est une bonne chose! Bien raconté, prenant et surtout pas larmoyant: vraiment, il n'y a rien à dire. J'ai bien apprécié les témoignages des survivants à la fin.
Un thriller mou et archiprévisible, qui une fois regardé est déjà oublié.
Un petit moment tranquille joué par deux acteurs efficaces. O passe un moment agréable sans prise de tête. PLV : du repos autour d'une histoire simple
Un gamin chinois voit sa famille massacré et est receuilli par un tueur qui lui apprends à en devenir un et s'ensuit des scènes de combats vu un billiard de fois et un scénar et des comédiens vraiment très nul jusqu'au final pourri et risible.