CATIE-AQ/allocine_clean huggingface dataset:
Oeuvre un peu bâtarde dans la filmographie de François Truffaut,"La Sirène du Mississippi",suspense sentimental élaboré,ne parvient pas à trouver la bonne distance entre étalage de clichés et véritable souffle romanesque.Cela étant,on ne que louer son audace formelle.On constate que Truffaut maîtrise nettement mieux sa seconde partie(les amants en fuite)que sa première(l'ambiance pesante sur l'île de la Réunion).Ce qui l'intéresse,ce sont les tourments du couple,formé de façon insolite,sa passion amoureuse,son caractère fuyant,sa destinée fragile.Le propriétaire réservé et riche tombant follement amoureuse d'une usurpatrice à la beauté ensorcelante.En victime consentante,et dans un contre-emploi absolu,Jean-Paul Belmondo trouve quoi qu'on en dise un de ses rôles les plus aboutis,où sa tristesse dissimulée derrière sa jovialité ne fait que ressortir.A ses côtés,Catherine Deneuve est en terrain connu,en blonde diaphane,mystérieuse et semblant insensible.Truffaut a voulu rendre hommage à Hitchcock,son maître à penser.Son influence ressort maladroitement à travers des fondus enchaînés et autres symboles.Les repères sont perturbés,mais le voyage en veut quand même la peine.
Prix de la mise en scène ex æquo avec "Mulholland Drive" de David Lynch au festival de Cannes 2001, "The Barber : l'homme qui n'était plus là" des frères Coen (bien que Ethan Coen ne soit pas crédité) nous emmène en 1949 dans une petite ville de Californie, suivre un coiffeur Ed Crane qu soupçonne sa femme de le tromper avec son patron. Tout va changer lorsqu'il va rencontrer un client qui lui propose de faire fortune et il va commencer à rentrer dans des jeux de manipulations et de chantages. Hommage aux films noirs de l'âge d'or Hollywoodien (avec un Billy Bob Thornton rappelant par moment le géant Humphrey Bogart, du moins fumant autant) mais sans jamais tomber dans la caricature et la lourdeur, avec une superbe photographie en noir et blanc et une mise en scène maitrisé et élégante. L'écriture est de qualités, que ce soit au niveau du scénario qui nous offre plusieurs rebondissements bien pensés et surprenant et un suspense tenant de bout en bout, des dialogues ou bien la galeries de personnages fascinantes qu'ils mettent en scène et notamment celui de Ed, sombre, solitaire et complexe. Emmené par un très grand Billy Bob Thornton, les interprétations sont impeccables, à l'image de Frances McDormand ou James Gandolfini. Un film brillant, tragique, sombre et fascinant.
Ce film est vraiment inintéressant !!!!
Ararat, voila un film magnifique. Egoyan nous fait une nouvelle fois une présentation de son génie. J'ai découvert un nouveau acteur qu'on est pas prêt d'oublier: David Alpay... Bravo!
Ce film eut un succès populaire énorme dans le monde entier. Le scénario et la mise en scène sont tellement véridiques que le spectateur est profondément touché. Peu de films peuvent produire autant d'émotion avec si peu de moyens. Aujourd'hui on ne trouve que la version espagnole, la version française Marcelin, Pain et Vin a, encore une fois, quasiment disparue. Un remake a été réalisé en 1991 mais c'était pour ridiculiser le film de Vajda. C'est quand même étrange qu'on trouve des financiers pour investir dans un remake tandis que la version originale en français est introuvable
Un hommage raté aux polars français populaires d'antan. Bien que "Les Parrains" ne soit pas mauvais au point qu'on ne puisse pas le regarder, il n'est vraiment à voir que s'il n'y a rien d'autre à la télé.
Le film est tellement débile qu'il en devient drôle. Un beau petit navet.
Un film d'horreur a petit budget qui n'est franchement pas fascinant, mais dans lequel on saura souligner quelques qualités. En effet, "La Traque" fait évoluer son intrigue et ses personnages autour d'une sorte de sangliers pas zombies mais presque, atteints d'une maladie étrange provoquée plus ou moins directement par les chasseurs qui la traquent, et du début a la fin le film saura entretenir un certain rythme, nous offrir des rebondissements, alors que les bêtes et les scenes sanglantes sont sombres et assez peu présentes, et l'ensemble s'avère relativement (relativement..) efficace a l'occasion. Il s'agit d'un premier long-métrage pour Antoine Blossier, j'avoue être assez optimiste pour la suite.
Minimaliste à souhait, ce film donne autant à entendre qu'à voir. A l'image, l'actrice est épatante de naturel et de justesse : une femelle orang-outan qui vient de fêter ses quarante ans. Au son, des commentaires de visiteurs et de soigneurs de la belle. Et en prime une délicate musique pour basson signée Philippe Hersant. Un bijou à ne pas rater sauf bien sûr s'il vous faut à tout prix de l'action et de l'aventure.
François Ozon se prend pour un grand auteur, et nous éclabousse de sa prétention, avec une idée de départ très intéressante, malheureusement gâchée par trop de mauvais choix.. Celui-ci ne cherche qu'à se faire mousser, et choisi d'opter pour une pseudo-réflexion absurde et lourdingue, au lieu de se lancer dans un thriller étouffant, loin des conventions, déroutant, et réfléchi. Son film est rébarbatif, prétentieux et sans saveur.. La maison n'a plus qu'à brûler, ça ne sera pas une grande perte.
Pas convaincu par l'univers du 1 c'est d'un seul œil que je regarde ce deuxième opus, et force est de constater que c'est pas brillant brillant (mais on assiste à un très beau lancé de casserole..). Nombre incalculable de "scare-jump", un personnage qui devient complètement fou (surjoué par l'acteur), références à Psychose/Shining bancales.. C'est vide de sens, d’Intérêt et ça ne fait même pas peur..
Hyper déçus! J'adore Milla Jovovich qui est une très bonne actrice mais là tout son travaille est gaché par ces soit disant "images réels d'archive" qui , au lieu de donner du rythme au film, le plombe littéralement à chaque fois! L'interprétation de Charlotte Milchard est pathétique et inintéressant ( et puis qu'est-ce qu'elle est vilaine :-O). L'image de la pochette ne correspond pas au fond du film,on veux nous faire croire qu'il va sagir d'exorcisme alors qu'on y parle de E.T, c'est de la publicité mensongère. On se perd dans les différent personnage vrai ou acteur, acteur ou vrai?! Au final ils sont tous faux,pfff, ça m'a gonflé :-/ voila
Après 7 chapitres à sévir près de Crystal Lake, Jason prend le large pour Manhattan, c'est du moins ce que l'on croit, mais à cause de la restriction budgétaire de la Paramount qui a ensuite vendu la franchise, le réalisateur a du revoir entièrement ses plans voilà pourquoi le film se déroule en grande partie sur le bateau. Ce 8e volet fait partie des moins bons, il est extrêmement poussif, il n'y a rien de bon à garder, il est même terriblement ennuyeux malgré le changement de décor.
L’archétype de la comédie que l'on à l'impression d'avoir biglée mille fois mais dont on ne se souvient pas. Quelques esthètes diront que ce n'est pourtant pas la subtilité qui manque ! Certes, mais à défaut d'une écriture inspirée, l'humour, ou ce qui s'en approche le plus semble uniquement vouloir s'exprimer à travers des répliques "chocs" (probablement destinées à devenir "virales" dans les cours de récréation) aboyées à grand renfort de grimaces (la bande annonce suffit pour s'en rendre compte). Ce contrepoint au bon goût enracine ce film dans la liste toujours plus longue des sous-produits cinématographiques (navet) dont le 7ème art se passerait bien. Une comédie consternante que l'on se fera un devoir moral d'oublier en tirant la chasse.
Abbas Kiarostami prend son temps. On avait pu le constater dans Copie Conforme, notamment, où le film se déroulait également dans un temps court. Like someone in love (superbe musique d'Ella Fitzgerald) se déroule sur 24 heures et quelques scènes seulement. Mais chaque scène est vécue dans son ensemble. Le spectateur assiste aussi à ces moments creux, qui sont finalement le coeur de la vie, avec parfois des trouvailles visuelles magnifiques. Cette histoire de prostitution, traitée de façon non manichéenne, touche et questionne sur les raisons d'agir de 3 personnages fort différents : la jeune fille se prostituant, son client, intellectuel âgé, dont la motivation n'est pas vraiment élucidée, et le fiancé de la jeune fille, violent bien qu'amoureux. La lenteur permet une totale immersion dans les lieux fréquentés mais Kiarostami n'oublie pas l'humour, omniprésent, qui relance l'attention du spectateur. Un très beau film.
Ce film, sur l'exil d'un ancien terroriste d'extrême gauche italienne réfugié en France à la suite la doctrine Mitterrand et rattrapé par son passé à la suite d'un attentat en 2002 après la fin de cette doctrine, fait le choix de s'attarder plus sur la situation personnelle de ce persnnage et de sa fille que sur l'évolution de la situation politique en Italie. Pourquoi pas, c'est le choix du réalisateur même si, pour ce genre de film, la combinaison des deux me semble nécessaire.Le souci, c'est que même dans le suivi de la situation de ce Marco et de sa fille, ce film est assez superficiel.
Dans la lignée des plus grands western, Hostiles est un film magnifique, très humain et très émouvant. On suit les protagonistes dans leur captivant périple à travers les sublimes paysages de l'Ouest américain. Les performances des acteurs à l'affiche sont transcendantes de justesse. Grand moment de Cinéma !
Un très grand Gerard Philippe magistral qui incarne un séducteur incapable de "s'attacher" à ses conquêtes. Un personnage complexe. Même sa sincérité a un côté manipulateur. Gerard Philippe fait penser au Patrick Deweare de Série noire.
Concert satanique pour ètudiants possèdès! C'est un peu le menu où un groupe de hard-rock se produit dans la petite ville de Mill Basin, aux Etats-Unis! Mais bientôt, un prof affronte ses ètudiants possèdès par la musique diabolique. "Black Roses" repose sur un thème proche de celui de "The Gate" de Tibor Takacs! Celui d'un groupe de hard rock qui dèchaîne les forces du mal et ouvre les portes de l'enfer! Ici, d'ètranges messes noires se dèroulent en coulisses! Le public envoûtè se livre au meurtre, au parricide, et se mètamorphose en effrayantes crèatures dèmoniaques! La bande son met à l'honneur les vedettes du Heavy Metal tels que Lizzy Borden, Tempest ou King Cobra (les puristes apprècieront). Le rock de l'enfer selon John Fasano, qui nous donne quelques scènes nanardesques sataniquement drôles qu'on savoure lentement (le film dure 80 minutes)...
On a du mal à comprendre que le film ait pu être qualifié de raciste par certains critiques à sa sortie. Nous sommes en présence d'une charge féroce contre la société sudiste esclavagiste, d'une sorte de "anti Autant en emporte le vent". Mandingo a d'ailleurs très probablement inspiré Quentin Tarantino pour son Django. Sans doute le film est-il plus spectaculaire, plus commercial, plus voyeur et provocateur que "12 years a slave", surtout en 1975, mais il n'en reste pas moins un des meilleurs films anti esclavagistes. Tous les acteurs sont excellents, à commencer par James Mason dans son rôle d'ignoble propriétaire raciste et Susan Georges dans celui de la femme blanche alcoolique et frustrée. Une révolte d'esclaves est esquissée dans le film, mais le livre dont est tiré Mandingo se terminait par une autre révolte de plus grande ampleur. On regrette que cet aspect n'ait pas été développé, mais le film a été coupé de plus d'une heure et demi ! Voici donc une oeuvre majeure du grand Richard Fleisher injustement démolie. A redécouvrir au moment où on encense injustement le pensum de Spielberg, Lincoln, qui cherche à nous faire croire que l'émancipation des esclaves serait l'oeuvre d'une poignée de politiciens blancs corrompus, en oubliant les luttes menées par les Afro-américains !
un couple de trentenaires ont du mal à concevoir et ça commence à miner leur relation amoureuse. rien de novateur dans ce pitch de départ. mais heureusement, le manque d'originalité est largement compensé par la qualité de l'interprétation, l'humour discret distillé tout le long, et surtout, surtout par l'attachement instantané que l'on ressent pour ce couple. Guido est la gentillesse incarnée, et tellement attendrissant face à Antonia, la femme qu'il aime, qui est pourtant si différente de lui. j'ai été ému par tant d'amour et de complicité. et oui, que voulez-vous, je suis fleur bleue.
Dur dur ! C'est lourd, poussif, surjoué, pas drôle... Et comme dans à peu près tous les films " comiques " français récents, outre l'absence totale de toute finesse et subtilité, celle plus grave d'un minimum de vraisemblance désamorce tous les effets recherchés, d'ailleurs très téléphonés ! Ainsi, au bout d'un délai plus ou moins long, le moment de découverte passé, on s'ennuie copieusement et on commence à trouver les acteurs très agaçants, voire antipathiques... Heureusement, comme dans tout film, même beaucoup trop long, la fin tant attendue fini toujours par arriver !
Ce brave Lincoln serait outré par cette réincarnation lamentable de son personnage! Et pourquoi pas miss France fight les zombies? Sa sonne aussi bien non?! Rien qu'au titre on sait d'ores et déjà que l'on s’aventure dans la série b voir z car l'histoire est absolument ridicule sauf pour ceux ou celles qui fantasment à l'idée de voir un ancien président décapiter des putains de zombies plus que grotesques, dont on ne sais même pas d'où ils sortent en plus. C'est prodigieux, ce film valait vraiment le coup d'être tourné. Nul Nul NUL, archi nul!! 0/5
Un très mauvais Mario Bava. L'histoire pille allégrement l'Exorciste de Friedkin, et on a du mal à tenir jusqu'au bout tant il ne se passe pas grand chose. A éviter!
Proche des comédies d'antan, bon enfant, l'on passe un happy moment sans réfléchir, à suivre une histoire rodée, mais relevée par l'interprétation farfelue d'Adam Sandler, irrésistible quelques douze années plus tard dans la peau de Zohan, dans Rien que pour vos cheveux.
Quel film ! Un noir et blanc superbe et surtout une musique qui colle à la peau ! Aussi fort sans doute que l'esprit de vengeance qui anime Joe Grant !
Avec Retour à Montauk, Volker Schlöndorff rappelle que les mots sont avant tout des fragments d’images. Images vécues qui rejaillissent telle une source vive dans l’esprit de l’écrivain, images spectrales d’un passé revivifié par le temps, images imaginaires enfin, celles qui relient les segments, rapiècent les trous par lesquels filtre l’existence de même que le bungalow ventile l’espace, chasse les bruits urbains pour leur opposer la musique de ses marées. Nous entrons dans l’œuvre par la bouche de l’écrivain, dont la diction parfaite porte la douce mélancolie d’une vie qui n’est, curieusement, pas destinée à son auditoire. On s’accumule les uns derrière les autres pour extraire le précieux autographe, on applaudit, on salue. Dans la méconnaissance de l’homme derrière la plume, de cet homme qui ignore par ailleurs tout de lui. Car l’auteur s’adresse à nous, spectateurs des images soufflées par les mots, et des mots soufflés par les images. Le film repose sur le mouvement fondamental de deux cœurs qui s’arrimèrent jadis et s’arriment le temps d’une nuit, plonge son protagoniste principal dans le chaos de New York pour mieux faire éclater les vagues contre lesquelles éclatent ses souvenirs et ses espoirs. C’est le mouvement d’un retour, d’une marche arrière avant de s’envoler et recouvrer sa solitude. Un ami laisse Paul Klee à la lumière afin de disparaître ensemble, dans cette confusion de l’humain et de l’art qui harcèle l’âme du poète, dans cette confusion égoïste rendant la vie commune inopérante. Dans sa présence-absence lumineuse, Stellan Skarsgård irradie le film à la manière de ses deux femmes qui constituent ses deux mondes, les deux pôles entre lesquels il oscille, avec en prime une troisième femme jouant le rôle d’intermédiaire. Avec ce Retour, Schlöndorff touche la grâce.
Critique de "Chiens de paille" (2011). Déjà je n'ai pas vu le film original dont celui-ci est le remake. Je m'attendais plus à un snuff movie. Ce film est assez moyen, je ne vois pas de message derrière cette violence. Il ne se passe pas grand-chose jusqu'aux dix dernières minutes très violentes. Le reste du film est facilement oubliable. 1,5/5
V/H/S/2 reprend les bases du premier en nous mettant une trame principal ou deux jeunes vont visiter une maison et regarder des cassettes étrange , s'en suivra alors différent sketchs horrifique , moins nombreux que le précédent (4 sans compter la trame principal ) mais ces 4 sketchs sont bien plus approfondis et aboutie que dans le précédent film , plus long avant tout . On explore différent horizons , les fantômes , les zombies ( un excellent sketch ou nous "sommes" un zombie original et bien trouvé ) , une secte et même les extraterrestres ( sketch qui peut faire penser au film "Dark Skies"), c'est souvent original et captivant , parfois gore et munie d'une bonne ambiance ( ambiance malsaine et ultra violente pour le sketch de la secte Thaïlandaise ) . Le concept du Found Footage est vraiment bien mis en scène , parfois de façon caméra subjective pour rajouter une touche d'immersion et c'est réussit . Bref ce second volet de VHS se démontre comme une petit perle du Found Footage Horrifique a voir absolument pour tout amateur du genre .
Surprenant, intelligent, beauté des prises de vues Sorte d'ovni qui ne vous laissera pas indifférent.
Un film entièrement prévisible. C'est à se demander si on peut vraiment innover avec des films qui ont pour thème le mariage. C'est très réaliste, sûrement trop et toute surprise est à exclure.
Vous vous êtes dèjà demandè si votre vie pouvait être diffèrente ? Une nouvelle preuve en est faite : Emmanuelle Chriqui est une actrice qui use plus de son joli physique que de son talent! Dans une comèdie d'amour, d'argent et de pouvoir où le spectateur sait de suite reconnaître sans hèsiter ce qui tient ou ne tient pas debout dans l'histoire! Donc "Taking Chances", avec Justin Long dans le rôle principal, est mèdiocre telle est la conclusion! Le rèalisateur nous conte une curieuse histoire dans une ville en faillite de la Caroline du Sud où tout le monde est en manque de chance!Soient les habitants en payent le prix, soient ils regardent la ville s'ècroulèe, dèrivèe et disparaître par le biais d'un casino! Et le personnage de Justin Long (le seul à tirer son èpingle du jeu) ne fait pas exception même si le musèe local où il bosse est du genre pas mal!Long & Chriqui vont donc lancer la rèvolte pour arrêter ce projet de construction! Le rôle de Chriqui contredit la mise en scène, ce qui ne facilite pas la comprèhension de ce personnage opaque par un spectateur même averti! Et puis le shèrif, très con, n'arrange pas les choses...
Comme le laissent suggérer la bande-annonce et le manque de notoriété du film, il est effectivement daté, même si c'est son but d'être un brin vintage. Sorrentino y fait ses gammes, comme une espèce de puceau du cinéma, dont l'avenir prouva qu'il en fut un bon amant. Et bien dans ce coup-ci, L'uomo in più, on voit qu'il avait déjà le fluide sacré au fond de lui. Souvent ça se cherche, au long des effets esthétiques, mais ça se trouve, et une dense cohérence couronne la curiosité aimable et la patience du spectateur, pas venu pour rien. A la lecture du pitch on pouvait s'attendre à une thématique quasi fantastique à la manière de "La double vie de Véronique" de Kieslowski, mais non, on suit juste le destin de deux stars au rabais portant le même nom de famille, au gré de leurs hasards, et lorsque cela se télescope ce n'est pas en fabuleux moment de cinéma portant message, non, l'un voit l'autre à la télé dans une émission de télé-réalité aussi conne que les autres et il se sent proche comme on peut l'être au visionnage d'une de ces débilités, où un gars/une fille de chez nous, le brave peuple, est mis dans une situation où on s'identifie à ses mouvements d'humeur, de manière plus intime qu'avec un proche de sang ou de coeur, par le mystère de la tv et de nos illusions... Toni Servillo était lui aussi déjà un killer de chez killers, et s'il faut aller voir ce film c'est surtout pour lui. Il y incarne la faconde et le génie torve napolitain avec un brio universel comme seul peut l'être le local enraciné. Au final un souffle latin nous gonfle l'esprit au-delà de la salle de cinoche, sans rien demander en échange, nous soumettant à sa gratuité classique et inimitable. Même si le manque d'unité nationale a mis Mario Draghi la vampire américain à la tête de la plus belle botte du monde, ce n'est pas à ces roublards amalfitains qu'il va faire le catéchisme.
c'est film très romantique et que le sergeant est beau et sexy,je trouve qu'il forme un beau couple a quand la sortie en dvd en français
Datant de 1987, ce beau poème de Bela Tarr parvient seulement maintenant à se frayer un chemin jusque dans les salles françaises. Et le constat est immédiat : on est bien devant une oeuvre exceptionnelle à plus d'un titre. Tout d'abord parce que le cinéaste est d'une exigence formelle incroyable : chaque plan est travaillé jusqu'à l'obsession. Le cinéaste multiplie les longs plans séquences avec travellings latéraux afin de mieux scruter le moindre élément du décor. Mais son dispositif formel très élaboré est là pour servir une thématique très intéressante. Ainsi, le cinéaste multiplie les cadres à l'intérieur même du cadre cinématographique (il filme des fenêtres, des portes et des murs), il y emprisonne même ses personnages, faisant d'eux des ombres fantomatiques. Il les filme souvent au travers de miroirs et de glaces, simples reflets d'une vie désespérante car ne menant fatalement qu'à une seule issue : la tombe. Le cinéaste parvient à créer un monde à part. Certes, on entend pendant tout le film des bruits industriels qui montrent qu'une vie active existe, mais elle se situe hors champ. Les personnages du film ne font strictement rien, à part se divertir (au sens pascalien du terme, c'est à dire l'idée que l'homme cherche à oublier sa condition de simple poussière coincée entre deux infinis par le biais du jeu, de l'amour et pourquoi pas ici de l'alcool). On trouve donc peu d'espoir dans ce magnifique poème où de nombreuses scènes nous emportent très loin, comme en apesanteur. C'est un film en état de grâce réalisé par un des meilleurs cinéastes contemporains. Amateurs de cinéma contemplatif à la Tarkovski, laissez-vous tenter et vous verrez que cette oeuvre vous comblera.
Un thriller coréen qui parait bien fade à côté de l’excellent "Old Boy" du même réalisateur et constituant lui aussi la trilogie de la vengeance. Même si l’esthétique est belle, la construction du film, quant à elle, est prétentieuse et confuse, présentant beaucoup de lenteurs, de redondances, de flashs-back et un rythme poussif et inégal. Une réalisation très ennuyeuse dans laquelle on trouve très peu d’intérêt à suivre la revanche de son héroïne !
Une amusante évocation du milieu du Music Hall dans les années 1920 dans le Faubourg Saint Martin. Dommage que ça parte un peu dans tous les sens notamment avec une intrigue policière mineure peu claire et non nécessaire, sinon c'est truculent, enjoué et intelligent. De plus le film se fiche complètement des codes moraux que Jeanson se fait un malin plaisir de ridiculiser.(L'idée du ménage à trois avec Louis Jouvet est traitée de façon géniale).Raymond Souplex montre qu'il pouvait faire autre chose que du Bourrel. Quant à Suzy Delair la voir jouer est un tout simplement un émerveillement.
Affligeant....y a pas d'autres mots d une lourdeur et un bavardage philosophique inutile je faire une pétition pour me faire rembourser