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Un chef-d'oeuvre de comédie horrique, totalement déjanté, avec des personnages totalement improbables hauts en couleur. Le meilleur film d'Alex de la Iglesia pour moi. 4.5/5
Ayant lu l'autobiographie de Howard Zinn, je tenais à voir ce documentaire retraçant les raisons de ses engagements, au travers de son livre "une histoire populaire américaine". Ce film retranscrit bien le leitmotiv de Zinn : être le porte-voix des opprimés et dénoncer les mensonges et la violence de l'establishment. La grandeur actuelle des Etats-Unis s'est bâtie sur les cadavres des Indiens, et au prix du sang de ses ouvriers et de ses soldats partis combattre pour la "liberté et la démocratie". Il est utile de le dire pour faire prendre conscience que rien n'a vraiment changé aujourd'hui.
Quoiqu'on en dise, ce film est un grand film français, un modèle de la comédie avec des dialogues et des situations à mourir de rire à chaque visionnage. Souvent classé dans les comédies de bas étages, je dis NON, haut et fort, ce film de Robert Lamoureux est un délice à chaque diffusion.
Ca devait faire son petit effet en son temps, c'est totalement inefficace aujourd'hui. Et encore... pour le suspense, on est loin d'un Hitchcock, pour l'épouvante on peut repasser. Tous les effets scénaristiques attendus sont là, la réalisation est insipide et le jeu d'acteurs à la limite du risible.
Je n'avais pas vu depuis longtemps un film aussi nul, ennuyant et pas drôle du tout. Aucun intérêt !
Absolument captivant d'un bout à l'autre; le scénario à tiroirs se suit avec d'autant plus d'intérêt que les acteurs sont en parfaite symbiose; à découvrir!
Bravo aux producteurs Norvégiens d'avoir eu le culot de se lancer dans un genre exclusivement réservé aux Américains (voire Coréens). Non seulement c'est prenant, mais c'est aussi extrêmement bien joué. Des effets spéciaux dignes de la côte Ouest, ni trop ni trop peu, le tout sur un scénario qui vous fera regarder la beauté des fjords désormais avec un soupçon d'appréhension. Les amateurs du genre ne seront pas déçus.
Un film à découvrir absolument pour plusieurs raisons. D’abord parce que nos trois dernières grandes guerres sont abordées par le coté familial sur 4 générations, ensuite parce que la grandeur humaine des gens anonymes passe avant la France et enfin pour tous les grands acteurs de l’époque qui donnent le meilleur d’eux même. Duvivier est un de nos cinq plus grands cinéastes, sa mise en scène est magnifique , nous sentons tellement le temps qui passe que cela devient parfois douloureux. Je ne sais si ce film est fait pour exalter la patrie mais il produit chez moi l’effet inverse: vivent les gens et que disparaissent les guerres! La version parue en DVD chez Gaumont parait courte tant les évènements sont denses et les sujets graves ce qui me fait, entre autres choses, ressentir la transformation de la butte Montmartre trop rapide. Je n’arrive pas à lui donner 5 étoiles car je trouve Raimu excessif sauf lors de la séquence finale, Jouvet trop caricatural comme souvent et je n’aime pas Suzy Prim viscéralement, sans aucune raison valable. Les autres acteurs me convenant tous, en particulier Louis Jourdan, je pense que ce ''chef d'oeuvre'' est mérite mieux que mon jugement.
Manifeste d'Agnès Varda en faveur de l'émancipation féminine, "L'une chante, l'autre pas" se veut avant tout un témoignage sur l'atmosphère revendicative des années 70. Pilule, avortement, mariage, partage des tâches ménagères... tout y passe. Gisèle Halimi, véritable guest star du film, rejoue même pour la bonne cause l'une des scènes du procès de Bobigny de 1972. Il s'agit d'ailleurs du seul passage un peu politique, Agnès Varda favorisant l'émotion et pas le rationnel, les personnages et pas l'Histoire. Il en résulte une œuvre assez plaisante avec les destins croisés de deux femmes des années 70 qui aspirent à plus de libertés. Le film manque toutefois de rythme et les nombreuses pauses musicales hachent un peu trop l'intrigue. Le jeu un peu incertain de quelques acteurs, en particulier dans le premier tiers, laisse lui-aussi à désirer. Une œuvre-phare donc, à connaître absolument, mais pas des plus exaltantes.
Le problème avec cette histoire qui se veut dramatique et émouvante, est qu'on n'a aucune empathie pour le personnage principal. On la voit, dès la première scène, mâchouillant son chewing gum, genre désinvolte, elle renverse un café sur les draps que sa collègue est en train de ranger, et n'a pas un mot d'excuse. "Ben quoi, je l'ai pas fait exprès". Et dès ce moment, elle apparaît comme antipathique. Ce qui va en s'aggravant tout au long du film, elle a un comportement détestable, lâche, déloyal, et on n'a qu'une seule envie, c'est qu'elle finisse en taule. Alors qu'on devrait être avec elle, souffrir pour elle. Son amant n'est pas plus attachant. C'est un film raté.
Premier métrage de Michel Gondry n'est que rarement réussit,le film s’avère plus être un premier essai raté qu'une œuvre concluante.
Les mystérieux frères Wachowski reviennent au cinéma avec l'adaptation d'un manga, Speed Racer. Problème, les 2 frangins cèdent ici à la facilité et répondent aux chants ensorcelants des sirènes d'Hollywood en réalisant un film qui, en voulant ratisser un large public, se compromet dans la médiocrité et la vacuité artistique. OK, c'est un film pour enfants (et encore pas sûr que les gosses accrochent à cette pseudo histoire de magouilles financières) mais ce n'est pas une raison pour bâcler le travail d'écriture et tout miser sur les effets spéciaux. Speed Racer incarne tout ce qui ne va pas aujourd'hui à Hollywood, le film accumule les effets spéciaux en utilisant à outrance les écrans bleus (ou vert), ce qui en plus donne des décors à vomir tellement colorés qu'on en aurait presque une crise d'épilepsie, sans prendre la peine d'avoir une histoire solidement construite. Car de ce côté là, c'est le vide absolu, le scénario est inintéressant, sans surprise et d'une profonde débilité tandis que les dialogues atteignent un niveau de niaiserie impressionnant. Côté humain, ça vaut pas mieux, les acteurs sont minables, en particulier le petit Paulie Litt qui ferait mieux d'aller à l'école que de faire le pitre devant une caméra et la réalisation est digne des plus gros nanards notamment lors des courses qui n'ont rien d'impressionnantes. Un film tellement pittoyable donc qu'on se demande s'il faut en rire ou en pleurer, comme cela rentre dans la catégorie 7ème art, je crois que je vais pleurer.
J'ai beaucoup aimé ce film. Les acteurs sobres et justes, la réalisation soignée qui prend son temps sans être ennuyeuse, la beauté de certains plans comme des photos illustrant le roman dont le film est tiré. Je n'ai pas lu le livre de Georges Simmenon mais le film donne une impression de fidélité et dégage une atmosphère très littéraire. Et puis cette fin qui nous laisse en suspend mais sans sentiment de frustration de ne pas vraiment savoir. Bravo à Mathieu Amalric qui nous livre un film très abouti visuellement en exploitant à merveille un récit d'une grande qualité.
Il est plus que certain que l'on risque de s'ennuyer devant ce documentaire au ton aussi sombre que son rythme est lent. Mais, dès lors que l’on s'attèle à y voir une splendide image de la Chine actuelle et une réflexion sur les conséquences de la politique économique qui y est aujourd'hui appliquée, on comprend l’importance du message qu’a voulu donner Jia Zhang-Ke, son réalisateur-sociologue, à un public international. Le plus rassurant vient du fait de voir que des documentaires aussi réalistes puissent être mis en image dans ce pays pourtant pris en étau par la censure gouvernementale.
J'avais vu le premier volet et j'avais beaucoup aimé cet humour décalé chez Deadpool. Pour le deuxième, je n'ai pas attendu la fin pour partir. Il n'a vraiment AUCUN sens. Des dialogues incohérents, des blagues nulles, des scènes d'action dont on ne comprend pas vraiment l'utilité.. Le personnage Deadpool n'est plus attachant et drôle
Ok je viens de le voir!!! Alors à chaud, un film qui vous pose, qui vous retourne comme un orangina et qui vous repose mais dès lors je crois qu'on est différent!!!C'est même certain!! j'ai envie d'en dire davantage mais je vous laisse le voir et y réfléchir. Moi j'ai adoré!!! Encore une fois, un certain Vincent Lindon plus que très bon!!! Merci Vincent pour Welcome et pour Pour Elle!! admirable!!!
malgré une pleiade de grands acteurs, ce film est trop long et vraiment pas super intéressant, c'est ennuyeux, et meme philippe noiret n'est pas tres bon, tout est creux!!!! a vite oublier
La première scène nous plonge déjà dans la peur. Un homme qui boite avec une main de fer, par un soir d'orage, regarde à travers la fenêtre d'une grande maison une femme et sa petite fille. Et oui, nous assistons bien à un film d'horreur. Ce couple étrange, qui se fait engagé par les propriétaires d'une imposante maison, et qui prépare une terrible vengeance, permet une insoutenable descente vers l'angoisse et l'épouvante. La tension, de plus en plus oppressante, est magistralement apportée notamment par Dominique Lavanant, réellement terrifiante en baby-sitter démoniaque. La fin du film n'échappe pas à certains clichés du genre, mais l'on reste bouche bée jusqu'au dénouement tant il est surprenant de retrouver des acteurs comme Lavanant, Nicole Garcia et Jean-Pierre Bacri dans ce genre de spectacle. Un film terrifiant bien trop mal connu.
J'encourage tout le monde à voir ce film pour son message qui réconcilie le masculin et le féminin sacré. Bien que Romancé, comme c'était après tout prévisible, il laisse une impression vibrante et profonde qui ne laisse pas indifférent. Il donne enfin la vérité sur la véritable place de la femme dans le message du Christ.
Le réalisateur adapte, avec une grande finesse, le beau roman de l’écrivain Richard Ford, récit du délitement d’un couple vu à travers le regard de leur fils adolescent, dans l’Amérique des sixties. Avec beaucoup de pudeur et de maîtrise, le réalisateur signe une œuvre simple, magnifique et très juste. Ceux qui n'aiment pas la lenteur, la psychologie, la délicatesse et la contemplation, passez votre chemin.
Claude-Michel Rome nous avait sorti « Crime en Aveyron » puis « Crime à Aigues-Mortes », cette fois-ci on prend les mêmes et on recommence en Lozère. La procureure citadine suffisante et faussement arrogante (à qui évidemment tout réussit) jouée par Florence Pernel, assistée par le commandant de gendarmerie rural très primaire (aux jugements toujours hâtifs et simplistes, on se demande comment il a pu devenir officier supérieur) joué par Vincent Winterhalter, doivent résoudre une histoire de meurtres dans le cadre très champêtre du Parc National des Cévennes. L’intérêt pour le scénario n’arrive jamais à décoller, bon tout d’abord les deux principaux protagonistes jouent faussement l’inimitié (parfois jusqu’au ridicule) pour faire croire qu’ils ont des méthodes différentes, mais cela sonne faux, et la qualité du jeu des acteurs en général est assez médiocre (pas de doute, c’est bien un téléfilm aux moyens très limités), ne parvenant pas en tout cas à rendre leur personnage attachant ou tout simplement intéressant à suivre. Ensuite, le scénario, pas aidé par un rythme très mou, est particulièrement tordu dans le huis clos très fermé à la fois d’une petite bourgade cévenole avec ses paysans bourrus et ses bergers écolos idéalistes, et des histoires d’amour pour le moins complexes. En fait, le seul véritable intérêt de cette production, la seule qui nous fait tenir jusqu’au bout, est celui des paysages des Cévennes, on a l’impression de regarder une vidéo de l’office de tourisme ça donne envie d’aller y faire une randonnée, c’est déjà ça on n’a pas entièrement perdu son temps.
Je ne savais pas qu'il y avait une suite à l'âme du guerrier il me tarde de le voir
Des acteurs avec beaucoup de talent qui abordent des questions essentielles avec beaucoup de finesse. Le film est théologiquement très cohérent.
Cette comédie dramatique londonienne montre un Pierce Brosnan plein d'humanité, mettant en cause les valeurs de notre société au fil d'un scenario astucieux. Une équipée improbable de 4 candidats au suicide, devenus amis pour la vie, alterne bons et mauvais moments. On ne peut même plus se suicider tranquillement !
Très bon film dans l'ensemble. Très prenant. Mention spéciale au p'tit bout de chou, qui m'a fait lâcher ma larmichette. ;) Oubliez la version française totalement bidon comme d'habitude avec les films de culture asiatique. A voir absolument en Vo.
Un banal téléfilm pas franchement passionnant ni même prenant, l'histoire d'un complot au plus haut niveau du gouvernement américain n'est pas franchement innovant et même trop souvent déjà vu. Le film se laisse apprécier mais ne créer pas la surprise au visionnage. Un bon divertissement qui s'oubliera très vite par la suite.
Tres bon dessin animée,vu en 3D. Quand Charlie Brown est amoureaux de la nouvelle qui vien d'arrivé et que son chien fait tout pour l'aider et l'emmener dans cette belle aventure. Snoopy est le fidele ami et nous fait rire.
Premier film de Sion Sono et celui qui a le plus marché. Portant sur le fait de choquer pour parler du suicide, le réalisateur pose aussi une touche de folie: des scènes exagérant les giclades de sang, un soi-disant méchant rockeur ou encore un groupe de J-pop vraiment envoûtant. Son film est devenu culte grâce notamment à la scène d'ouvertur qui mélange, bizarrement, une musique légère et joyeuse avec un massacre de 54 lycéenes. En voulant dénoncer la pression que le Japon porte, Sion préfère emprunter les codes de la folie et l'incompréhension totale qu'a le spectateur envers ces scènes d'une violence sans précédent. Un coup de coeur pour le réalisateur nippon le plus intéressant du moment.
Un des must dans le genre psycho-movies avec "bellâtre" cinglé: Près des clichés mais efficace, le film se laisse voir avec des effets plutôt saisissants mais bluffe surtout son public avec l'interprétation de cette complice-gouvernante de noir vêtue & imperturbable (C.Monreale): Inclassable.
Je ne connaissais pas l'homme, juste l'artiste. Dans ce film, on le découvre de A à Z, dans ses moments de doutes, de joie, de réflexion, d'émotion et de dévotion. Je le conseille fortement !
1973 en Espagne : une maison d’édition avec vendeurs au porte à porte se convertit à la production de fascicules et films érotiques, tournés par les dits vendeurs et leurs compagnes. Devant le succès obtenu, un des vendeurs, Alfredo Lopez (Javier Camara) écrit et réalise un film dans la veine du Septième Sceau de Bergman, en partenariat avec des danois. Sa femme, elle, veut à tout prix un enfant. Centré sur le destin de ce Lopez et de sa femme (Lopez a existé et tourné un unique film dans les années soixante-dix), le film se veut le reflet de cette époque de la fin du franquisme et de son carcan moral. Peinture de mœurs assez savoureuse donc, mais aussi regard sur les aléas du créateur face aux contraintes commerciales, et sur l’interférence entre vie privée et professionnelle. Réalisée à la manière et selon les moyens techniques des productions de l’époque, cette comédie vaut aussi par la manière dont elle sait intégrer des éléments tragiques dans son déroulement. Très bonne interprétation des deux comédiens principaux. On peut lui reprocher de vouloir trop traiter à la fois, et un humour parfois trop appuyé. Une rareté dans la production actuelle, et qui mérite le détour.
Ce film est très bien, l'enfant est assez effrayant avec le maquillage!
Destiné, et à réservé uniquement aux enfants. Une suite qui n'est absolument pas à la hauteur du premier volet.
Pas facile de chroniquer ce genre de pépite scénaristique brute de fonderie. On se souvient du diabolique The man from Earth, production minuscule qui avait étourdi par son intelligence des armées de leechers. Ici c’est tout comme : acteurs anonymes en quasi impro, effets spéciaux inexistants, photo de série télé et bande-son de galerie marchande, la force de cette Coherence ne réside pas dans sa forme. Ici la star, c’est le script, petit bijou retors propre à vriller nos restants de matière grise. Hélas de lui non plus je ne pourrai dire grand-chose, tout juste qu’il y est question d’un diner entre amis, que perturbe la tombée d’une comète apte à distordre l’espace-temps. Rien de plus, rien de moins. A mesure que la tension s’installe, l’histoire prend la route de puissantes montagnes russes neuronales, et très vite il devient tout bonnement impossible de décrocher. Microfilm sans moyen aucun, tourné dans le propre salon du réalisateur, campé par d’illustres inconnus perdus dans un labyrinthe métaphysique, cette petite merveille absconse est la première tentative à la barre de James Ward Byrkit, jusqu’ici travailleur de l’ombre (Rango, Pirate des Caraïbes). Espérons que ce ne soit pas la dernière.
Seule la fin est vraiment intéressante et comme certains l'ont soulignés, c'est un plagiat de l'excellent Ubik, roman de P.K. Dick ("Je suis vivant et vous êtes tous morts")
Encore un grand classique de Clint Eastwood dans cette magnifique histoire pleine de bons sentiments, un peu réactionnaire parfois. Kevin Costner est très bon, T.J. Lowther, qui interprète le jeune garçon, est épatant et Laura Dern est charmeuse. Un beau film.
Une histoire un peu moins prenante que pour "la fureur de vaincre", mais ce premier combat mythique face à Chuck Norris restera à tout jamais comme l'un des plus grands affrontements d'arts martiaux du septième art !
Parenté, n. f. : rapport entre personnes descendant les unes des autres, ou d'un ancêtre commun. Plaidoyer pour une meilleure acceptation sociale de l'adoption par les couples gays.
un très bon film, une belle histoire originale, des gueules, des dialogues, une morale, tout ce que j'aime
Vouloir faire un remake du meilleur film de Mankiewicz c'est un pari osé et même fou et de toute façon quelque soit le résultat on sait d'avance que Kenneth Branagh ne pourra pas surpasser ni même égaler Le Limier de Mankiewicz mais cependant rien n'empêche ce remake d'être un bon film en plus il y a la présence de Michael Caine (qui a aussi joué dans Un Américain bien tranquille autre remake d'un film de Mankiewicz) et il faut dire que pendant 15/20 minutes on y croît vraiment. Le début est réussi et très prenant dommage que le reste soit moins élégant devenant même grossier à la fin ; le passage ou Jude Law rend la monnaie de sa piècelorsqu'il est grimé en flic vulgaireremonte le niveau mais ce remake ne fait aucun ombre à son ainé. Quant à l'interprétation Michael Caine est impeccable et Jude Law pas mauvais mais un peu cabotin par moment. Encore un point à préciser l'ironie mordante du film de Mankiewicz est ici présente seulement au début.
Au moment ou le général italien Badogglio annonce l'armistice avec les américains les allemands attaquent les militaires italiens déboussolés. Après la chute de son régiment le lieutenant alberto sordi, qui fait une excellente prestation tout en nuance, essaye de ramener ses hommes vers le reste de l'armée mais ceux ci finissent par l'abandonner. Il décide alors de rentrer chez lui accompagné d'un petit groupe mais le voyage s'annonce périlleux. De la très bonne comédie italienne ou le comique est suivi de près par le drame.
Un tondeur de moutons du sud de la France décide de monter à Paris pour faire fortune et devient en peu de temps le coiffeur le plus célèbre de la ville et la coqueluche de toutes les poules qui y habitent. Une notoriété qui ne sera pas sans quelques conséquences. Ma critique risque d’être assez courte, étant donné que ce « Coiffeur pour dames » m’a peu inspiré et généralement ennuyé. Le pitch de départ, bien que peu original laissait tout de même la possibilité de voir une comédie enlevée et autrement plus ironique, mais il n’en n’est rien. Le film est tout ce qu’il y a d’indigeste car cédant bien trop facilement à la facilité. L’étoile que j’accorde est plus symbolique: juste pour la présence de Fernandel qui n‘est d‘ailleurs pas au meilleur de sa forme. Un film sans saveur.
Voilà, en 1h15 une fiction plus riche d'enseignements sur la société palestinienne que bien des documentaires. C'est un regard caustique, sans concession, plein d'humour mais aussi de constats cruels. Beaucoup de choses sont dites y compris au sujet du conflit avec Israël mais avec un doigté éloigné de lourdes démonstrations. Une belle surprise. Une véritable pépite. Un film très touchant. En passant, je trouve très prometteur que ce film ait pu être tourné avec la coopération d'administrations palestiniennes car il est loin d'être tendre envers elles.
Excellent film, les moyens mise en œuvre sont surprenants. On néglige aucune erreur. La musique, les plans caméra type "guerre" , les dialogues, les acteurs et le scénario sont la clés d'un succès garanti. La durée, la lumière et les décors (y compris les costumes ) sont parfaitement réalistes. Bravo !!!
L’ambition de Joe Lampton de passer d’un état modeste à la société des bien nantis est évoqué dès les premiers plans du film par un close up de ses bas troués suivi d’un plan large où il caresse un soulier verni avant de l’enfiler. Sa cupidité rencontrera un adversaire de taille sur son chemin en l’Amour. Le suspens repose sur le choix que fera Lampton entre la fille garante de prospérité ou l’autre qu’il estime profondément. En ce sens, A Room at the top repose en grande partie sur les épaules de Laurence Harvey qui offre une solide performance. Bien que l’acteur n’ait pas autant de couches et de souplesse à son jeu que sa principale partenaire, le spectateur demeure suspendu à ses réactions et à la décision qu’il prendra. D’ailleurs, tous les rôles entourant l’enjeu principal sont rendus avec justesse et sensibilité. Tant la mère et les collègues de Lampton, que les membres de l’entourage des deux femmes qu’il courtise. Simone Signoret prêtre à Alice toute sa force et sa vulnérabilité. Ses réactions sont troublantes et le sort de son personnage nous atteint tout comme le film dans sa globalité. La dernière séquence à l’église qui confond le public pendant un instant ne sachant s’il assiste aux funérailles d’Alice ou au mariage de Lampton est à la fois brillante et tragique. Elle confirme la victoire du diable et retentit comme le marteau du juge après l’énoncé de la sentence. Les chemins de la haute ville aborde un sujet à résonnance universelle rendu avec subtilité et maîtrise.
Obstinè de l'authentique, René Feret recrée avec precision, des annèes 30 aux annèes 60, l'univers d'une famille modeste habitant une petite ville minière du Nord de la France! Le point de dèpart du film, c'est la photo d'un petit garçon de quatre ans, mort accidentellement avant la naissance de Fèret, et dont il porte le prènom. "Baptême" est un mèlange d'anecdotes inventèes sur fond de réalitè! Le rèalisateur les regarde vivre avec les yeux du souvenir, son film ètant en partie autobiographique! Pour construire cette chronique populaire et familiale nourrie de ses souvenirs, Fèret travaille pendant plusieurs mois sur le scènario qu'il passera au crible d'une bonne dizaine de versions successives! Et il choisit de produire seul son film afin de pouvoir imposer deux acteurs peu connus: la superbe Valèrie Stroh au regard doux voir un peu triste et Jean-Yves Berteloot! Feret ne dèmontre rien, il montre seulement des gens simples avec tendresse et ironie, même si son film est souvent bouleversant, poignant, dèchirant! Une histoire simple, authentique, juste à vous briser le coeur pour longtemps! Beau et prècieux...
Petite comédie sans prétention qui permet à Bourvil de montrer qu’il est un grand acteur et à de Funés de faire ses débuts encore chevelu. L’histoire tient du théâtre de boulevard, il ne faut donc pas en attendre des merveilles d’invention. On s’amuse gentiment à voir cette France des années 50 où il faisait bon vivre quoique l’on en dise. Annie Cordy était très gironde ainsi que Noëlle Jacqueline.
Irrésistiblement complice de cet univers... Un film fragile mais inoubliable.
Film froid. Maniérisme des mouvements de caméra, esthétique glacé de journal de mode. Très écrit, tant au niveau du montage, du scénario et des dialogues. Aucun souffle de liberté et d'anticonformisme dans ce film dont la prétention est justement d'être à contre-courant.