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Film particulier, pour les uns : pure chef d’œuvre, pour d'autres : énorme échec cinématographique. Plus qu'une question de gout je pense que l'on assiste à un véritable clivage des mentalités, chaque spectateur à déjà une vision intrinsèque de la banlieue qui colle ou non avec celle du film. Je ne veux pas tomber dans le cliché bateau des bobos qui se répugnent du tableau dresser par cette œuvre ou des caïras qui se reconnaissent dans la cruauté des événements qu'il relate. Pour ma part j’écris cette critique en écoutant le titre d'IAM présent dans le film, et si il y a bien une chose sur laquelle nous pouvons nous accorder, après tout, c'est sur le remous, l’émoi, la fièvre, le bouillonnement, l'agitation, l’anxiété. Autant d’émotions qu'il nous est inutile de nier avoir ressenti et, tandis que chaque note de piano raisonnent encore en moi, si c'est ainsi que l'on doit raisonner alors ce film est un incontestable succès.
Petit film d'aventre comique dans la continuité de la filmo Spencer-Hill... Rien de bien folichon, rien d'original mais toujours le plaisir de revoir nos deux compères toujours autant en forme. L'alternance bastons interminables à coup de baffes monumentales et les gags à deux balles fonctionnen et charment toujours...Si on est un minimum fan ! C'est simple et bête mais ça donn toujours le sourire sans donner mal à la tête.
Une histoire vraie exemplaire! Et un hèros anonyme qui mèritait bien un film! Actrice mèdiocre, Angelina Jolie est en revanche une très bonne rèalisatrice! Cette dernière retrace admirablement l'existence du coureur olympique Louie Zamperini, amèricain et fils d'immigrès italiens, devenu athlète de haut niveau dans les annèes 30! Incroyable destin que celui qui avait des ailes aux pieds au point qu'on le surnommait « la tornade de Torrance » .Soldat dans la guerre du Pacifique, son avion est malheureusement abattu! il survit à 45 jours de mer (la faim, la soif, les requins...) et à plusieurs mois de camp dans des conditions effroyables! Jack O'Connell, avec son entêtement et son mental d'acier, est un bouleversant Zamperini! La guerre brisera ses rêves de gloire mais ne le brisera pas lui!Avec le talent immense de ce jeune acteur britannique, cela pourrait faire une oeuvre à part entière! Dèbarque Miyavi dans la seconde partie, tortionnaire japonais ignoble et lâche à tailler au couteau! Cela pourrait aussi faire un film à part entière! « Un instant de douleur peut mener à une vie de gloire ! » Certes, mais Angelina Jolie fait de nous les complices de cette descente aux enfers où le statut de Zamperini est forcèment « condamnèe » face à la montèe de la cruautè (Mutsuhiro Watanabe dit « l'oiseau »). L'impossibilitè des prisonniers à se rebeller ou à fuir rend, èvidemment, encore plus terribles la dèrision et l'indiffèrence des japonais qui organisent cette terreur proche du cauchemar! Film dur, "Unbroken" prend l'allure d'une course folle, lorgnant dans ses meilleurs moments vers le "Furyo" de Nagisa Oshima! Zamperini a consacrè sa vie à tirer les leçons de tout ce qu'il a vècu en les transformant par la suite en message pour les jeunes gènèrations! On ne peut que saluer le courage de ce grand monsieur qui a tout vu et tout connu : la gloire et l'enfer...
Pourtant ouvert à toute forme de cinéma et ayant une grande tendresse pour les films de K. Loach, ces moyens métrages sont sans intérêts. De belles photos n&b de l'Ecosse miséreuse d'après guerre que l'on verrait avec plaisir exposées dans une galerie. La mise en scène est celle d'un appareil photo sur trépied. Le gamin n'offre qu'une seule pose famélique et boudeuse. Plate succession de situations pathétiques ne suscitant aucune émotion.
Franchement, ce n'est pas terrible. Le précédent film de la saga avait déjà ouvert la brèche du mobilier hanté, avec l'horloge possédée, mais il avait le mérite d'être divertissant et un brin inquiétant. Cette fois, c'est plutôt l'ennui qui prédomine, alors que l'effroi demeure assez prévisible. Malgré les "efforts" ( si on peut dire ça comme ça ) du film pour créer un lien avec Amityville, je trouve le résultat raté. L'ambiance habituelle de ces films n'est pas présente. Pourtant, la réalisation en elle-même est plus soignée que dans le précédent film, mais le résultat global est moins convaincant, le plaisir du divertissement est presque absent et il y a peu de chance que vous regardiez ce septième film jusqu'à la fin... Bien que je ne sois pas fan du tout premier film qui est considéré comme un grand classique et qui a tout de même vieilli, je vous conseillerais plutôt de le (re)voir au lieu de perdre du temps avec celui-ci. Et le sixième film était sympa aussi, même si on ne se trouvait déjà plus dans la fameuse maison. Mais là, on a typiquement l'exemple qu'à force de trop vouloir tirer sur la corde, on n'en tire rien de bon... D'ailleurs, le cinquième film était une vraie purge lui aussi, mais il dégageait une ambiance plus "fidèle" que ce septième film, c'est dire !
Sans une once d'espoir, ce film qui pourrait très bien être l'oeuvre de frères Dardenne hongrois, la sensualité (même étrange et trouble) en plus. C'est filmé (et monté) au couteau, hyper tendu et oppressant. Seuls éléments de vie, l'enfant et les (très beaux) corps des actrices. Mais le premier est bien mal né, et les seconds sont malmenés. Un film vénéneux, troublant et totalement désespéré.
Magnifique film sur la musique qui est l'expression de la culture d'un peuple. Une énergie intacte. Une passion qui unit les générations.
Authentique, frais et source d'espoir au sujet de l'action citoyenne. Ce documentaire nous emmène au coeur de problèmes rencontrés dans notre société, et nous démontre bien qu'en agissant en faveur de convictions fortes, l'Homme peut faire de grandes choses. Comme dit un grand Monsieur "Ce n'est pas parce que le destin nous refuse quelque chose à un certain moment qu'il faut considérer ce refus comme définitif"- Anthony Robbins. YES WE GRAINE. Amélie B.
Ca mérite le déplacement... Le titre résume à lui tout seul le thème du film, par l'étude des sentiments, et la découverte de la nature. Très belle prestation de V. Efira et B. Lavernhe. Ce film, peut aussi nous faire réfléchir : Dans notre société, devons-nous obligatoirement être tous identiques, ou pouvons-nous être différents ?
«Le sorgho rouge» (1987) est le premier long métrage de Zhang Yimou, le premier d'une série évoquant l'histoire récente de la Chine et qui culminera avec le génial «Épouses et concubines» en 1991 pour conclure en 1995 avec «Shanghaï Triad». Ce premier film, qui évoque la vie de paysans pauvres ainsi que l'invasion japonaise dans la Chine des années 30, est tout à fait remarquable. La mise en scène, plutôt traditionnelle, est fort simple, mais colle merveilleusement à la simplicité et à la rudesse de l'existence de ces viticulteurs, producteurs de vin de sorgho rouge. Les images, en particulier, sont somptueuses et jouent sur une opposition très rude des couleurs: le rouge, couleur dominante (elle le restera dans les films ultérieurs du réalisateur, au moins jusqu'à Shanghaï Triad), couleur du vin, de la viande et du sang, le bleu, couleur du ciel omniprésent et l'or, couleur des champs de sorgho et de la lumière solaire, qui écrase et brûle les corps. À défaut d'être révolutionnaire sur le plan de la réalisation, ce film est d'une beauté rafraîchissante, d'une beauté neuve qui a quelque chose de brut, de primordial, d'archaïque... Il donne à voir la splendeur de la nature dans sa simplicité native et encore dépourvue de la sophistication de la culture. Un film d'une grande sincérité et authenticité, qui a révélé le réalisateur chinois mais aussi sa muse et épouse, Gong Li. À découvrir absolument...
J'ai passé un très bon moment devant ce film! Natalie Portman est parfaite dans ce rôle de femme forte qui prend les choses en main pour se protéger face à des bandits.
Peut être un des seuls à sauver dans cette saga, le scénario est assez concret, et certaines scène assez gore. Même si le film en lui même est un peu hors contexte, il parvient a s'en sortir mieux que ses prédécesseures.
Le réalisateur israélien Amos Gitai porte un regard singulier sur la Shoah. Il évite l'écueil de la représentation figurative au profit d'une lecture personnelle et poétique. Des fulgurances formelles bouleversantes émaillent ce film qui ne ressemble à aucun autre
Couronné par quatre statuettes lors de la dernière cérémonie des Oscar où personne ne l'attendait vraiment, Le discours d'un Roi s'est ainsi fait sa place sur le trône des révélations ciné de cette année 2011. Cinéaste novice, Tom Hooper a flairé le bon coup en mettant en lumière le parcours méconnu du père de la Reine Elizabeth II, le bien nommé Albert "Bertie" George VI. Réflexion sur la naissance de l'influence de la communication dans le monde politique, et leçon de courage d'un bègue aux cicatrices béantes appelé à devenir un Grand de ce Monde, son biopic, bien que souffrant d'un académisme un tantinet latent, recèle nombre de qualités intrinsèques. En témoigne une mise en scène épurée au service d'une ambiance de l'Angleterre d'entre-deux guerres de premier ordre, un casting royal en très grande forme, et un scénario savoureux, riche en anecdotes, pour une œuvre loin de n'être qu'anecdotique. Retrouvez ma critique complète sur "Le discours d'un Roi", accompagnée de photos et d'anecdotes, sur mon blog : http://soldatguignol.blogs.allocine.fr/ Merci !
Quelle bonne surprise que ce film belge ! Grand prix du festival de Gerardmer (c'est déjà par ce titre que j'ai découvert ce film), Thomas est amoureux est une oeuvre originale par bien des aspects. Filmé intégralement par l'intermédiaire d'un visiophone, le métrage raconte l'histoire d'un agoraphobe enfermé chez lui depuis 8 ans, qui n'a de contact avec les gens que par l'intermédiaire d'un écran. Bien interprété et prenant de bout en bout, le film étonne par sa justesse sur les rapports humains et touche par son personnage principal (dont on n'entend que la voix) mais qui devient au fur et à mesure attachant. Film atypique et confidentiel, Thomas est amoureux est la preuve que le cinéma belge est à l'origine de bien jolies découvertes. Et tant mieux !
Comment écrire une critique sur une oeuvre aussi dure et poignante que Shoah? Pour cela reste le plus grand témoignage du XXe siècle sur le génocide des juifs lors de la 2e guerre mondiale, un témoignage très long (9h de film quand même!!) sur l'horreur PURE et inoubliable, les survivants sont vraiment poignants. Comme disait Hegel "ne me parler plus jamais d'humanité", ce qu'on a envie de dire après avoir vu ce travail titanesque de Claude Lanzmann, bravo surtout à lui !! Bouleversant, mais reversé à un public très averti car je trouve ça trop facile de critiquer ce documentaire avec sa mise en scène aléatoire et brouillant, et ses dialogues peu constructifs. C'est surtout : pourquoi cela a existé ? Comment peut-on vivre après avoir vécu ça ? Il faut vraiment prendre du recul sur cet oeuvre. Bref Shoah est un trésor inestimable, un travail de mémoire comme il en existe peu dans le monde, on voit bien que le travail de journalisme est réellement essentiel dans certains cas ! je suis désolé mais ceux qui mettent en dessous de 2 étoiles ne voient vraiment pas le véritable objectif du film, ce genre de documentaire doit exister pour honorer la mémoire des victimes de la shoah.
Le produit est formaté pour ratisser large : pro et anti-mariage, libertins et fidèles, homo et hétéros et comme le film ne souhaite pas être classé comique, on y ajoute une séquence lacrymale bien épaisse. Le pitch final est basé sur une invraisemblance assez colossale : Comment se fait-il qu'une libertine doive attendre le mariage pour s'apercevoir que son partenaire est un mauvais choix ? Ce film est en fait faussement subversif, on se moque (un peu) de la religion, mais elle est omniprésente. Et puis il y a l'argent dont tous ces gens semblent blindés, mais au fait qu'est-ce qu'ils font dans la vie ? Et pourquoi la nana qui partage platoniquement l'appartement de Grant recherche-elle du travail ? C'est donc un film de producteur (dans producteur il y a produit) non pas fait pour exprimer quelque chose mais pour se faire des sous.
Ce film est magnifique , que ce soit pour l'histoire ou pour les images. Apparemment , l'histoire a été énormément modifiée par rapport au livre , mais je pense que c'est largement mieux comme ça ! Les personnages sont très attachants, les images sont bien filmées....rien à dire , à part que c'est très bon, et qu'on a pas forcément besoin d'avoir moins de 10 ans pour apprécier !
Bon j'avoue que j'ai été surprise parce que le film ne tombe à aucun moment dans la vulgarité ou le degré le plus haut des blagues scatologiques ! Bon il y a certaines blagues limites mais bon ça passe dans l'ambiance générale du film. Enfin, c'est quand même un film qui sert à rien selon moi !
Il y a 5 ans, la Caméra d'Or cannoise avait été attribuée à un film qui ne m'avait pas plu du tout, "mon trésor", le premier film de l'israélienne Keren Yedaya. Par contre, ce film avait rencontré un franc succès critique et le public français l'avait apprécié. 5 ans, après, la même réalisatrice présentait son second film, "Jaffa", en sélection officielle du Festival de Cannes 2009, hors compétition. Un film très différent et, à mon avis, beaucoup plus intéressant. Un film qui, à travers les rapports entre une famille israélienne qui tient un petit garage et leurs deux ouvriers arabes, montre les rapports difficiles qu'entretiennent entre eux, dans l'état d'Israël, les juifs et les arabes de nationalité israélienne. Les rapports difficiles mais aussi les relations amoureuses qui peuvent se nouer, comme ici entre Mali, la juive, et Toufik, l'arabe. En fait, tout irait bien sans la bêtise crasse de Meir, le frère de Mali, dont le racisme et le poil dans la main n'arrêtent pas de mettre de l'huile sur le feu. Alors qu'on croyait assister à une nouvelle resucée de "Romeo et Juliette", un événement dramatique fait bifurquer le film vers une toute autre direction. De son propre aveu, Keren Yedaya s'est beaucoup inspirée des mélos en provenance d'Egypte. Elle excelle dans sa façon de scruter les visages et elle arrive à émouvoir sans trop verser dans le pathos. Dans le rôle du père juif, on retrouve Moni Moshonov, qu'on a pu voir récemment dans les 2 derniers films de James Gray ("Two lovers" et "la nuit nous appartient") ainsi que dans "Kedma" et "mariage tardif". On retrouve aussi la grande Ronit Elkabetz dans un rôle qui ne lui convient pas très bien, celui d'une mère juive à la limite de l'hystérie. On l'a connue meilleure ! Elle retrouve sa fille de "mon trésor", Dana Ivgy, excellente. Quant à Mahmud Shalaby qui joue Toufik, c'est son premier rôle au cinéma et il crève l'écran. Roy Assaf, dans le rôle de Meir, est également très convaincant.
Une préquelle de Transmorphers qui s'inspire (difficile d'y voir un rapprochement), de Transformers 2. A oublier net, j'ai eu un meilleur intérêt de regarder le premier Asylum-Transmorphers qui se passe dans un monde bien plus apocalyptique.
Excellent film à la narration enchevêtrée fort ludique. Un long métrage qui prête à réfléchir et ouvre les yeux sur un sujet complexe, révoltant mais qui nous interroge au plus profond de nous-même sur le rapport à l'argent. N'oublions pas le poids de l'évasion et de l'optimisation fiscale sur les finances publiques ( évalué à 100mds d'euros, soit de l'ordre de 30% du budget de l'Etat une fois soustraite la participation à l'UE) et leurs conséquences sur le financement de nos services et la protection de nos biens communs.
Clichés en pagaille, prévisibilitéde la narration , lourdeur de l humour et platitude de la mise en scène en font un navet à éviter.
L'idée de base se tient : faire un "portrait" (acide) d'un "tycoon" français de fiction (mais dont les sources d'inspiration - collective, dans tous les sens du terme, pas de scénariste ou dialoguiste crédité - sont transparentes) sous forme de reportage, avec aux manettes un journaliste extrême-gauchisant, sorte de Michael Moore du (très) pauvre (Joseph - comme Staline ? - Klein, alias Laurent Laffite, barbu). Mais au développement, tout se gâte, dès les premiers plans. Le côté improvisation donne des échanges verbaux médiocres, le budget sans doute très étriqué fait que rien n'est crédible (ainsi, entre cent exemples, un mauvais poster présenté comme un Bosch sorti du Louvre, ou une réception d'anniversaire avec un "gratin" assuré par une poignée de figurants habillés au décrochez-moi-ça - même l'usine en grève fait "cheap" !), la dramaturgie (entre la finance pour les Nuls - avec petits films explicatifs en fil rouge - et les pages "people") est poussive à souhait, et SURTOUT, les interprètes sont absolument lamentables (Alain Doutey mis à part, en représentant roublard des "200 Familles"), telle Laurence Arné (l'épouse "artiste"), une sous Alice Taglioni, et évidemment F-X Demaison, alias "Michel Ganiant" - il fallait oser (casté sans doute parce qu'ancien "trader" aux "States" - en fait grouillot pour salle de marchés probable - pour la touche "authentique" - hélas, hélas...). LA-MEN-TABLE ! Ni "brûlot", ni drôle, ni informatif.... Divertir en moralisant (la lointaine ambition de Stéphane Kazakdjian, eu égard au sujet abordé et à son traitement), rien de plus difficile, qui ne tolère aucune médiocrité...
Dès les première minutes, on ne peut s'empêcher de penser au (très décevant) Légion - L'Armée des anges (2010), mais cela n'a rien d'étonnant puisqu'il s'agit du même réalisateur, qui pour son second film nous livre un western post-apocalyptique où les anges ont été remplacé par des prêtres et des vampires ! Priest (2011) est adapté de la bande dessinée éponyme créée par Min-Woo Hyung. Le résultat final est tout bonnement indigeste, un énième film d'action décérébré, sur fond de catholicisme, l'ensemble étant dénué d'intérêt, on s'ennuie inlassablement au grès d'une histoire tiré par les cheveux et au combien inintéressante. Bien évidemment, une fois de plus, la 3D relief n'apporte strictement rien au spectateur, ce qui n'est pas le cas des producteurs qui se feront un plaisir de récolter quelques dollars supplémentaires.
Pour moi « cucul » est le terme le plus approprié pour qualifier ce film sirupeux, niais sur le fond(le contenu des cours de maths est à hurler de rire ! l’ambition professionnelle), médiocre sur la réalisation, majoritairement mauvais sur l’interprétation. Il n’est sauvé ni par la bonne prestation personnelle de Swara Baskar ni par celle du jeune doué en maths. Une seule scène poignante est à la hauteur du propos structurant de ce premier long métrage qui , par ailleurs, dessert plutôt le message voulu: l’éducation = levier de la promotion sociale (des femmes en particulier) ; la volonté = levier de l’apprentissage.
Arte aime les films pour bobos allumés. Surtout grecs ? Surtout grecs et très malsains ? Après "Strella", qui avait l'ambition de faire du Almodovar à l'athénienne, "Canine". Voulant flirter sans doute avec une étrangeté à la Haneke, pour banlieue athénienne. Nouveau ratage. Lanthimos n'est pas plus inspiré que Koutras. Car il ne suffit évidemment pas de poser une situation improbable pour personnages à destins plus improbables encore, pour que la mécanique fonctionne. Y compris en filmant avec les pieds - pour faire "auteur". Le spectateur, même a priori bienveillant (ce que je m'efforce d'être), a d'emblée l'impression d'assister à un foutage de gueule majuscule. Et plus on "avance", plus cela se confirme, avec une surcharge de scènes complaisantes, et un bafouillage constant en guise de "style". Le vide abyssal qui se dégage de tout cela (bref, heureusement) permet - seul "avantage" - à chacun de peupler à sa convenance, et de trouver du sens à ce qui en manque cruellement - si du moins bonne volonté. Ce qui ne fut pas mon cas !
très bon film, les images et le jeux des comédiens, esthétisant mais bien fait, un bon scenario également.
Un film très très très long qui réunit pourtant 2 monstres sacrés du ciné (le jeune Brad Pitt et le vieillissant Harrison Ford) mais qui souffre d'un scénario trop léger et prévisible, d'une mise en scène lourde et d'un manque d'efficacité évident! Dommage
Le roman de Sébastien Japrisot m’avait assez plu, sa mise en images par Jean-Pierre Jeunet le rend meilleur, le génial réalisateur lui apportant son style singulier et son talent. « Un Long Dimanche de Fiançailles » est un festival technique qui sert magnifiquement cette minutieuse enquête à la reconstitution flamboyante et au casting de ouf. Une grande fresque non dénuée de quelques longueurs toutefois.
Si certaines scènes (notamment celles avec Hilary Swank) ne sont pas dénuées d'intérêt, l'ensemble reste toutefois confus à l'image des dialogues. Ces derniers agacent plus qu'ils ne captivent. La réalisation opte elle pour un parti pris original mais cela ne suffit pas à faire d'Hollywood People un bon film. La bande son quant à elle n'est guère efficace. De bonnes idées finalement mais mal exploitées !
Malgré une histoire délirante on touche quand même le fond de la série Z, c'est pittoresque, on rigole tellement que c'est ridicule... Je sais que pour certain ce film est culte, je me demande comment ! Je regarderais probablement son remake, j'ai hâte de voir l'évolution du projet, juste par curiosité ! Je lui accorde une très généreuse étoile car on se marre bien et que l'idée de base est "intéressante" (il fallait le faire)...
Une très belle surprise. Je le recommande chaudement et vous invite à laisser une chance a ce film qui degage véritablement quelque chose selon moi.
Bon ,allez je l'avoue, j'ai hésité longtemps à mettre 3 étoiles, parce que je ne suis pas un grand fan de film avec des revenants. Mais en fait, malgré ce détail tout à fait personnel, il n'en reste pas moins que ce film est bon. L'histoire tient la route, dérange en jouant avec les tabous, et fiche la trouille (Vive ma couette !) ! Bref, au dernier moment j'ai mis 4 étoiles. Car l'histoire de cette famille modèle qui avait tout pour être heureuse, et qui se retrouve confronté à l'horreur du présent du passé est bonne. Bref, un film à voir
Tellement contemplatif que ça en devient étouffant.. Je ne dois pas être fait pour le cinéma de Nuri Bilge..
Rarement vu une histoire aussi originale : un colon qui tombe amoureux d'une indigène, fallait y penser ! Et surtout quelle morale : "L'amour est plus fort que les conventions, renonce à tout si tu aimes", ça c'est quelque chose d'inédit. Ah non, vraiment, un des plus grands films d'amour comme j'en ai pas vu depuis longtemps, entre merde et clichés.
Terrible comme film ! Richard Pryor est excellent. On rigole du début à la fin même si le scénario est un peu "tarte à la crème". A voir absolument.
En 1930, en passant du muet au sonore, Fritz Lang réussit un film qui marque toujours l’histoire du cinéma. Une technique méticuleuse, une mise en scène qui compose avec le montage à venir. D'où ces nombreuses séquences merveilleuses, comme l’interrogatoire fabuleux des clients d’un bordel, le réquisitoire de l'ivrogne. La direction d’acteurs sans reproche permet à Peter Lorre d’endosser l’un de ses plus grands rôles, sur un scénario qui compte plus sur la psychologie des faits, que sur les faits eux-mêmes. Le coupable est connu d’entrée de jeu, la meute va s’acharner … Chef d'oeuvre ! S’il pressent à travers cette histoire de meurtriers d’enfants et de vindicte populaire la montée du nazisme, Fritz Lang réussit surtout une peinture universelle de l’humanité, qu’elle soit d’hier ou d’aujourd’hui. Il énonce aussi les principes judiciaires d’une autre vérité sur la maladie mentale, qui aujourd’hui tapissent encore les prétoires. Pour en savoir plus