CATIE-AQ/allocine_clean huggingface dataset:
Farid Bentoumi est né dans les Alpes d’un père algérien et d’une mère toulousaine. Il voulait au travers de son premier long-métrage, traiter de la situation des bi-nationaux. Pour ce faire il décide, comme beaucoup l’ont fait avant lui, d’employer la comédie pour défendre quelques moralités. C’est ainsi qu’on retrouve tous les clichés du genre et le résultat est tel qu’on fait face à une comédie sociale gentillette parfaite pour satisfaire le public qui ne va au cinéma que pour se détendre et ne penser à rien d’autres. Nous ne détaillerons donc pas tous les éléments de mises en scène qu’on retrouve un peu partout. En mettant de côté tout ce qui est intégration, Good Luck Algeria est aussi l’hommage d’un réalisateur pour son frère, Noureddine Bentoumi qui a participé aux Jeux Olympiques d’hivers en 2006. D'autres critiques sur ma page Facebook : Cinéphiles 44
Magnifique, tout simplement magnifique. J'ai acheté ce film 0,20 €uros dans un vide grenier et j'ai fait une affaire. En effet, un agréable moment de détente, on ne pense à rien, on se laisse entraîner par le jeu d'acteur du grand Franck Dubosc de la première minute à la dernière seconde de ce chef d’œuvre. Le scénario est aussi relevé et travaillé que pour le premier volet, c'est dire la performance. Pas du tout un sentiment de déjà vu. On rit à grand éclats de voix devant les pitreries des Gatineau, Patrick Chirac et autre Jean Pierre Satellite ! ... Et quel générique de fin... on ne s'y attend plus, il arrive et il libère le spectateur, sans aucun doute le meilleur moment du film.
Cet Hitchcock est décevant de par sa lenteur et ses trop rares éclairs de mise en scène, dénué d'humour cette histoire peine à captiver malgré les bonnes compositions de Henry Fonda et Vera Miles, adapter une histoire vraie ne réussi pas à Hitch qui ne réitèrera pas l'expérience fort heureusement, bof bof.
L'Âge de glace : La dérive des continents est un 4ème opus encore une fois très divertissant. Dès le début, on constate que l'animation a fait un très très grand pas! Jamais L'Âge de glace n'a été aussi agréable à l'oeil et détaillé, les couleurs sont magnifiques!!! Les personnages sont incroyablement détaillés!!!! Les décors sont splendides!!!!! Et pourtant la patte particulière de L'Âge de glace est respectée mais tellement plus détaillée et colorée!!! Une prouesse visuelle!!!!!!!!! Malheureusement, je n'ai pas pu le voir en 3D mais je sais qu'elle est bien. Gérard Lanvin, Elie Semoun, Vincent Cassel, Armelle Gallaud, Alexis Tomassian, Christophe Dechavanne sont encore une fois excellents et Laura Blanc, Lisa Caruso et Évelyne Grandjean qui sont nouvelles dans la quadrilogie font également super bien leur travail. Manny, Sid, Diego, Ellie, Scrat, Crash et Eddie sont toujours aussi attachants Les nouveaux personnages sont très bons: La mémé de Sid est assez marrante, Pêche est attachante et Kira très séduisante et attachante. Les pirates ont des têtes très amusantes mais ne font pas tous rire. Encore une fois, la musique de John Powell fonctionne du tonnerre et est toujours aussi réussie. La chanson de fin " We are a family " est une grande réussite. L'humour est bien là avec plusieurs situations très marrantes et Scrat est toujours aussi hilarant. Côté scénario, c'est un peu plus classique avec des rebondissements assez prévisibles mais ça marche. Les scènes d'action sont nombreuses et mettent extrêmement dans l'ambiance. En conclusion, L'Âge de glace 4 est une suite un petit poil moins bien que les autres mais garde son côté toujours aussi loufoque et amusant et divertissant.
" La chambre des tortures " ... " Mon dieu !!! Que c 'est nul " ...
Encore un film d'animation vu avec mes neveux et ma nièce qui s'est reconnu dans le dernier court-métrage. Nous avons tous adoré ces trois histoires. La première, avec le renard, la souris et les hiboux est du beauté renversante ... ! Un régal pour les yeux des petits mais aussi des plus grand ! Le court-métrage central en marionnette est plein de surprises. 45 minutes qui mettent du baume au coeur pour cet hiver. Maintenant : on est prêt à attendre le Père Noël !!
Le sens de la vie selon les frères Coen ou plutôt l'absence de sens de la vie. Ce film absurde est le plus personnel du duo. Plus le héros avance dans sa quête de réponses plus il s'en éloigne. Les Coen nous livrent ainsi leur philosophie de vie, dans cette adaptation contemporaine et personnelle du "livre de Job". Pour eux la vie n 'est qu'une succession de coïncidences qui n'ont un sens que si l'on veut bien leur en donner un. Et comme remèdes, ils proposent le renoncement (tout simplement lâcher prise) et l'humour (même s'il est absurde et noir). On peut trouver cela désolant ou réconfortant selon nos convictions personnelles ou nos opinions religieuses. Pour moi, on ne peut qu'adorer ou détester ce film.
Ce reportage sur les répétitions de la Traviata ne convainc qu'à moitié. Alors que l'on pouvait s'attendre à éplucher le travail du metteur en scène (le formidable Jean-François Sivadier), le réalisateur ne s'attache qu'au personnage (plus bankable) de Natalie Dessay. La diva a, bien entendu, une importance fondamentale, mais il eut été bien plus intéressant de suivre le processus de création dans son ensemble plutôt que les seules répétitions avec la star.
Certe, ce film , ne fait pas figure de grande originalité. Le scénario reste previsible, mais cela ne m'a pas empeché de passer un très bon moment de cinéma. Les acteurs, et la touche asiatique font de ce film, un film a la fois drole, fin, sensible, tendre... On passe un très bon moment de cinéma devant ce film que demander de plus ?
Peut etre que le scénario est simple, mais on ne vois pas beaucoup de films avec un tournoi ! Les différents styles de combats sont tout simplement extras, jean claude van damme toujours aussi efficace et on se régale. Il vous faut par contre aimer les combats...
Film drôle et émouvant. Personnages auxquels on s'attache. Manu Payet et Audrey Lamy forment un beau duo sans oublier les autres comédiens qui jouent vraiment bien. J'ai passé un très bon moment. Film à voir !
Deux amis, voyant leurs projets professionnels respectifs échouer, décident de partir à la recherche d'un trésor enfoui au large du Congo. Malgré ce que suggère son titre, "Les Aventuriers" n'a pas grand chose d'un film d'aventure. Les trois premiers quart d'heure tiennent plus du film de copains assez fade, puis vient une partie en Afrique exotique mais trop courte. Le final bouscule les conventions, et propose un cadre original (le Fort Boyard, méconnu à l'époque), mais dans l'ensemble le film a du mal à tenir la route. Reste le tandem attachant, formé par Alain Delon et Lino Ventura, qui amène quelques touches d'humour et d'émotion.
Hindsight (polar néo romantik coreen 2012) polar fleur bleue, polar fâné C'est bien la premiére fois que le cinéma coréen me laisse dubitatif. Peu de violence, aucune noirceur. Ce film prend comme prétexte un fond de polar mais en fait n'est qu'une comédie romatique à l'eau de pissenlit. C'est bien joué, bien éclairé, mais ça n'a pas le moindre intérêt. C'est une petite escroquerie intellectuelle. Ils sont où les coups de marteau? Elles sont où les poursuites fiévreuses? Romantisme de merde! Ca fait clip de karaoké! A éviter
Le retour à la réalisation de Stephan Elliot,dont on n'a pas oublié le "Priscilla,folle du désert",se fait dans le cadre d'une comédie enlevée,se passant dans les années 30,au ton irrévérencieux,né du choc des cultures.Quand une américaine indépendante et épanouie,arrive dans la demeure britannique de sa belle-famille corsetée,la confrontation est immédiate,surtout avec une belle-mère aveuglée par ses préjugés.Le duel entre Kristin Scott Thomas(enlaidie,dans une composition sur mesure)et Jessica Biel(charmante,dont les talents d'actrice prennent enfin de la substance)ne manque pas de sel,ni de piquant.Pourtant,au-delà d'une mise en scène excessivement classique,cette satire sociale ne met pas assez les pieds dans le plat,et reste trop gentillette.D'ailleurs,le ton désinvolte forcé,censé collé de plus près à son époque,fait au contraire plonger le film dans la naïveté et les images d'Epinal.Ben Barnes,le minet d'"Un mariage de rêve" fait pâle figure,pour ne pas dire plus,alors que le rôle de Colin Firth se rapproche de l'inutile.Heureusement,la bonne humeur généralisée,d'une équipe qui a pris du plaisir à tourner,est communicative,et on assiste tout de même à des moments savoureux(chien écrasé,le french cancan,le tango...).Pas si dédaignable.
Les bidasses, les sous-doués, les charlots ou encore mon curé, la France des années 70 a conquis une réputation Nationale, avec un grand N, et sans doute aussi une grande haine pour les membres du CNC, en matière d’indigences non-drôles à la beaufitude assumée. J’avertis le nostalgique : malgré son pitch alléchant, Fais gaffe à la gaffe ! est inscrit à ce registre. Mais laissez-moi donc vous conter comment on en est arrivé là. A l’orée de la vingtaine, le cadet Boujenah tente de se faire un prénom en allant proposer l’impensable au mythique Franquin : adapter son Gaston en salles. Un peu trop magnanime, le bon André lui accorde le droit de reprendre ses gags, mais demande prudemment qu’on renomme les protagonistes. Exit donc De Mesmaeker, Prunelle, Mademoiselle Jeanne ; place à Mercantilos, Prunus et la belle Pénélope. Même Lagaffe répond dorénavant au sobriquet concis de « G ». Au passage, il devient bourreau des cœurs, musicien génial, inventeur astucieux et fils spirituel du boss, le paternaliste Dupuis, pardon, monsieur Dumoulin. Pendant que Prevost cabotine à ne plus savoir où donner de la tête, la jeune Chazel semble s’interroger sur sa présence ici – et bien-sûr, on la comprend. Mais c’est surtout Roger Miremont, auteur d’une performance remarquablement nulle, qui aimantera les regards des plus atterrés. Entre échanges verbaux de bar PMU et comique troupier des soirées sur TF1, on ne rit jamais, on sourit à peine, et encore, toujours au vingt-huitième degré. Heureusement le naufrage est bref. De nos jours, plus personne ne se rappelle le frère de l’humoriste pied-noir en chef dans la bande à Drucker. Tu m’étonnes.
Toute la valeur morale et historique du film tient sur l’affirmation de Rohmer (relayée à l’unanimité par la critique), de la fidélité de l’œuvre aux écrits. Valeur à relativiser cependant, tant la tendance sentimentaliste au témoignage individuel dans la retranscription de l’histoire collective est discutable, et tant le texte original est truffé d’erreurs. Le film adopte donc le point de vue moral de l’aristocrate anglaise Grace Elliott, qui entretenait des relations d’amitiés avec le roi, ainsi qu’avec le duc d’Orléans, malgré certains clivages politiques. Par cette vision subjective, Rohmer nous montre les horreurs de la Grande Terreur et cherche à poser la question intéressante: quel prix à payer pouvons-nous tolérer au nom de la Liberté? Mais problème, un survol rapide des Mémoires de Grace Elliott montre que le cinéaste, malgré ses dires, n’est pas fidèle aux écrits, mais arrange et manipule constamment le texte dans un sens clairement idéologique. Et alors tout l’édifice du film s’effondre. Par exemple, pour nous rendre plus juste Grace Elliott, Rohmer nous la montre initialement favorable aux idées progressistes de la Révolution. Cela est totalement démenti par les écrits, dans lesquels Grace Elliott ne se cache pas d’être une farouche monarchiste, vouant une haine à la Révolution dès juillet 1789. Et les exemples de manipulations de ce type sont nombreux. A noter cette omniprésence de la violence implicitement sexuelle des révolutionnaires (totalement absente du livre) qui en fait tous des violeurs potentiels, transformés en animaux dénués de langage, profondément idiots, et à la nature clairement criminelle. Rajouté à ces falsifications idéologiques une certaine obscénité sociale (le "bon" peuple est celui des domestiques ayant adopté les valeurs de l’aristocratie), "L’anglaise et le duc" doit être jugé pour ce qu’il est vraiment: un film au radicalisme idéologique virulent (et non assumé) qui est comme un non respect honteux à la complexité du passé.
Vous est-il déjà arrivé de regarder un film que vous pensiez ne pas avoir vu avant de découvrir que c'était le cas en allant le noter sur Allociné ? Et bien c'est exactement ce qui m'est arrivé avec « Angel Eyes », et au vu du résultat je le comprends. Pourtant tout n'est pas à jeter, Luis Mandoki avait probablement les meilleures intentions du monde et quelques idées ne sont pas dégueulasses, mais lorsqu'on opte pour un tel traitement, il ne faut pas s'étonner que le résultat soit médiocre. C'est que l'ami Luis fait à peu près tous les mauvais choix en matière de réalisation, tandis que le scénario se perd dans des considérations totalement bidons, sans pour autant réussir à rendre vraiment crédible cette histoire d'amour devant laquelle on aurait souhaité être ému. Il faut dire qu'entre une Jennifer Lopez égale à elle-même (c'est à dire très moyenne) et un Jim Caviezel confondant « avoir l'air mystérieux » et « avoir l'air idiot », l'œuvre partait avec un sacré handicap. Handicap jamais comblé par des dialogues et des situations sonnant souvent faux, tout juste sauvé par quelques réflexions générales à peu près potables. Et encore, bien que Mandoki nous évite les poncifs type « la famille, y a que ça de vrai », un regard un peu plus subtil et approfondi n'aurait pas été de trop... Bref, si l'on évite donc de justesse le désastre, « Angel Eyes » reste un mélo beaucoup trop lourdaud et sirupeux pour porter à l'indulgence : dispensable...
Je gonfle un peu le note (je lui aurais mis 4 étoiles objectivement), car je trouve injustes les commentaires de ceux l'ayant noté 0 ou 1 étoiles. je m'explique Certains reprochent à ce film d'être éloigné du premier opus. Or c'est volontaire justement puisqu'il a été voulu proche DU LIVRE. Car oui, starship troopers est un bouquin avant d'être une saga. Les multiples références sont de fait très plaisantes (le monologue de Rico au début est l'introduction du bouquin, les capsules de saut, les scaphandres de combat...) D'aucun disent "c'est un film Japonais donc le scénar' est forcément nul"... nan mais c'est quoi cet esprit. Le cinéma ne se limite pas aux USA et la patte japonaise est loin d'être dénuée d'intérêt/ La réalisation est remarquable. Mais rien d'étonnant lorsqu'on sait que c'était le papa d'Appleseed aux commandes. L'histoire se tient et se dévoile petit à petit. Les deux petits reproches que j'auraient à formuler, le film est trop court (mais je suppose qu'il y avait une grosse contrainte buidgétaire), et le fond des personnages n'est pas assez creusé. On n'a pas le temps de s'attacher à eux. Bref, je le recommande à tous les vrais fans de starship troopers ou de SF en général. Regardez le avec un oeil nouveau, que vous ayez aimé ou détesté les précédents
Je n’ai pas été convaincu par Polly et moi. La mise en scène de John Hamburg n’a rien d’exceptionnelle, le scénario est plat et l’humour ne fonctionne pas toujours très bien, le film est souvent assez ennuyeux etc… Bref je me demande ce qu’un acteur comme Philip Seymour Hoffman est venu faire dans un tel film, 05 / 20.
Un scénario trop simpliste et désespérément prévisible.
Petit film mignon voire naïf sur un pauvre type, un looser né, qui accède à la notoriété et trouve l'amour. C'est assez niais et caricatural : le patron odieux, les femmes vouées au rôle de boniches-objets sexuels, le héros qui réussit malgré lui, ... Rien de palpitant par ailleurs, c'est le train-train d'un journal que Renoir nous décrit. Pas conquis donc.
Nul de chez nul, un scénario brouillons, des dialogues pas terribles ! les acteurs sont mal utilisés. Berry et Dubosc meublent comme ils peuvent. ce film restera comme un navet, sans plus.
Un polar efficace du sud-coréen Kim Seong-hun. Un scénario diabolique, millimétré, avec le souci du détail. Les rebondissements maintiennent un suspense constant. Ce thriller noir et parfois violent manque cependant d’un peu de délicatesse. Les rôles principaux sont remarquablement interprétés : Lee Seon-gyoon dans le rôle de KO et Jo Jin-woong dans celui de Park le maitre chanteur. Le pitch : Un homme se rend aux funérailles de sa mère.Téléphonant au volant de sa voiture, il renverse et tue un piéton ; il cache le corps dans le coffre.Cet homme se nomme KO Gun-su, il est lieutenant de police et ses ennuis commencent.
Film incroyable. C'est un film qui marque au fer rouge et reste avec vous plusieurs jours/mois. Vraiment bien fait et traumantisant. SVP, faites une suite ou on retrouve Nathan. �
Un bon petit film tranquille de cet extraordinaire serviteur du cinéma que n’a jamais cessé d’être sa vie durant Pierre Tchernia, plein d’humour et au scénario habile, mais qui n’atteint pas les sommets, c’est indiscutable. Alors, pourquoi quatre étoiles ? Pour la seule présence, écrasante, monstrueuse et inoubliable de celui qui est sans doute un des plus grands acteurs français de tous les temps, Michel Serrault. Dans le double rôle de Perrin et de son cousin Brossard, il réussit le tour de force permanent de rendre compte de leur ressemblance (et pour cause) tout en nuançant avec une finesse prodigieuse son jeu pour qu’à aucun moment le spectateur ne puisse les confondre, contrairement aux personnages de l’histoire qui (mis à part son conseiller intime joué avec son acidité habituelle par Jean Poiret), se laissent constamment entraîner dans la confusion, créant une suite d’imbroglios du meilleur comique. La scène où Brossard se faisant passer pour Perrin donne une leçon de comédie à son adversaire politique est irrésistible. Cette performance d’acteur, toute en sobriété et sans une once de cabotinage ou de mauvais goût est tout simplement à ranger parmi les plus fortes de l’histoire de la comédie française.
Esthétisant à mort son film pseudo historique sur l'art du kung fu, Wong Kar Wai oublie qu'il est important de raconter une histoire de manière compréhensible!
En 2011, il y a "Tomboy" de Céline Sciamma. En 1968, il y a "L'enfance nue" de Maurice Pialat. Pourquoi ce parallèle? La justesse dont l'enfance est abordée. Le portrait d'enfants en marge, déjà, d'un environnement qui ne leur convient pas. Le récit docu/fiction apporte une spontanéité dans les dialogues. Cru, intime et progressif, le personnage central fédère l'idée de la rébellion. On apprécie aussi le rôle des deux femmes des foyers dans lequel il évolue. Pas des seconds rôles banales, mais deux femmes aux caractères mordants et qui savent mener les reines. Le réalisateur leur offre deux monologues d'envergure. Tout autant que son premier film, qui est une franche réussite.
Ewan McGregor est surprenant en chanteur de cette comédie musicale. J'aime bien son innocence dans ce rôle de poète. Je suis moins fan du rôle de Nicole Kidman et de toutes ses cabrioles en plus de ses cris aigus. Mais l'univers est réussi ! Il faut évidemment aimer le rouge, les courtisanes et les comédies musicales. L'histoire est belle et compliquée. C'est un régal pour les yeux et les oreilles.
Tourné à New York, un solide polar à l'ambiance très européenne dans lequel le réalisateur de la trilogie Millénium apporte ce qu’il faut de psychologie, d’humour et d’action pour un divertissement sans prétention, porté par un couple de cinéma qui a du mordant !
Comme pour Psychose II cette suite continue de dépendre des moments marquants du film de Hitchcock pour les réutiliser en enlevant inévitablement le degré de suspense, de même Bates n'a plus vraiment d'ambiguïtés dans la caractérisation de son personnage, encore moins que le précédent volet (qui arrivait un minimum à en jouer). Le tout est compensé par une identité visuelle qui contraste avec le noir et blanc du premier et l'aspect téléfilm du second, quelques plans sont esthétiquement intéressants, bon boulot du directeur photo donc, tout comme celui de Perkins, devant et derrière la caméra. Foncièrement rien de honteux dans cette proposition (car oui quand on lit "Psychose III" on se dit d'avance que c'est un navet) mais inévitablement en manque d'idées scénaristiques.
Un archétype des films de science fiction porté par un duo Pitt, Willis au sommet. Twelve Monkeys s'est imposé grâce à un univers futuriste crédible et sans concession, théâtre d'un scénario aux intrigues complexes qui désorientent sans cesse ses spectateurs en jouant sur le temps, les lieux et la folie, bousculant sans arrêt les sensations d'un public à la fois fasciné par son issue et dégouté par ce qu'il découvre. La faute à l'univers excessivement sale construit par un Terry Gilliam qui tourne ses scènes dans les situations les plus glauques et repoussantes possibles entre salle d'interrogation souterraine, prisons, centre psychiatrique et immeubles en ruine. Un mot sur les acteurs, excellents. D'abord Brad Pitt qui apporte un souffle comique certes psychotique mais salvateur dans ce film excessivement sombre. Il réussit l'exploit de rendre un fou dangereux crédible et empathique. Il s'oppose au personnage de Madeleine Stowe, finalement le personnage le plus proche du spectateur dont le doute s'insinue peu à peu et risque de nous emporter à tous moment. Quant à Bruce Willis son ambivalence entre innocence / vulnérabilité et puissance masculine brute trouve dans James Cole son meilleur réceptacle. En bref, c'est un classique à voir.
Montaine, la fille de Nicolas Vanier, n'a que 2 ans lorsqu'il décide avec sa femme de tenter cette aventure. Une expérience unique et inoubliable, que l'explorateur nous fait partager avec passion.
Excellent film ! On est happé tout le long, tant par la qualité du jeu des acteurs, la réalisation, et le tout avec un scénario relativement simple et sans explosions. Plongeon dans l'univers Serbe, avec ses traits d'humour et sa corruption. Gagnerait à être plus connu !
Un chef d'œuvre unique, une leçon à tout le 7ème art.
Film magistral. On reste littéralement scotché devant l'enfer que vit cet homme. L'acteur principal est parfait dans son rôle, les musiques sont bien choisis et placé au bon moment ce qui accentue les émotions.
Un film dont on connait la fin dès les premières minutes du film donc c'est dommage...
Très long à commencer et la fin est prévisible ... Dommage, on arrive pas à s'attacher aux personnages, on ne rentre pas dans l'émotion que le film souhaite nous procurer ! Je ne le conseille pas
Scénarisé par Cocteau et interprété par Jean Marais, «Julietta» (France, 1953) de Marc Allégret n’est pas tout à fait un film de la «qualité française». Bien qu’Allégret apparaisse aujourd’hui comme un éminent représentant cette tendance conservatrice qui a paralysé le cinéma français avant la venue de la Nouvelle Vague, «Julietta», grâce à la vivacité de son scénario et de ses interprètes, échappe à la morosité des films moyens de son époque. L’intrigue use des principes du vaudeville qui compose l’ouvrage de Louis de Vilmorin dont le film est adapté. Cocteau, qui aurait conseillé Allégret sur la réalisation, relève la qualité du scénario et permet à l’intrigue de suivre un rythme plus dynamique. André Landrecourt (Marais) fait la rencontre de Julietta (Dany Robin), une jeune femme idéaliste vouée à épouser un homme riche. Etant descendu de son train pour rendre à Landrecourt sa valise, elle rate le départ. Pour se pardonner, il l’invite chez elle en attendant le lendemain où elle pourra prendre le nouveau train. L’irrévérence de son caractère pousse Julietta à rester chez Landrecourt en secret pendant que ce-dernier invite sa fiancée, la vive et très bourgeoise Rosie Facibey (Jeanne Moreau) chez elle. Les qui pro quo se succèdent et déchaînent les jalousies et les terreurs, Julietta passant auprès de Rosie comme le fantôme du manoir. L’intrigue se base sur l’un des choix les plus éculés de l’art dramatique : l’amour raisonnable ou passionnel. Devant les interprétations qui se suffisent à exprimer le tourbillon vif de l’intrigue, la photographie d’Henri Alekan permet d’exalter le film et d’en exprimer la dualité par une esthétique soulignée du noir et blanc. Dans la perspective d’un cinéma français attiédi au lendemain de la seconde guerre mondiale, l’œuvre d’Allégret emploie de plaisants outils singuliers (la photographie, les décors et la frénésie comique sophistiqué qui évoque quelque peu le cinéma de Lubtisch).