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Humiliation, viol, tortures, souffrance...on croyait avoir tout vu dans le perturbant "I Spit on Your Grave". il faut croire que non! Steven R. Monroe remet le couvert dans une suite encore plus crade que le premier volet! Si "I Spit on Your Grave 2" torture à mort son personnage principal (la scène du taser est particulièrement ignoble), il pourrait bien ègalement torturer l'esprit de ses spectateurs! Ultra violent au niveau des souffrances gratuites que l'on inflige à cette pauvre Jemma Dallender qui ressemble à la moitiè du film à un « morceau de viande » et dèjà vu quant au scènario! Personne ne peut se remettre après autant de souffrances (et surtout pas un top model que l’on a shootè à la kètamine) avec des invraisemblances aussi grosses qu'une maison: des catacombes bulgares qui vous mènent directement à une èglise, un gentil prêtre, une police à côtè de ses pompes et une vengeance qui n’a rien de très sommaire...Cette suite s'imposait-elle ? Non, car elle n’ajoute strictement rien à l’original ! Refaire le même film pour voir jusqu'où peut aller la cruautè humaine et dètruisant sans appel l’atmosphère malsaine conçue dans les deux prècèdentes versions, je vois pas trop l'intèrêt! Mais mieux que rien, ça reste pas grand chose! Rèvèler le monstre derrière l'homme, l'homme derrière le monstre et mettre en èvidence le rapport à la violence de nos sociètès modernes, tel est le but de Steven R. Monroe! 1* pour Jemma Dallender qui a acceptè de jouer courageusement dans une suite qui verse dans la routine et qui se montre impitoyable avec le spectateur (le cotè voyeurisme que l'on nous balance en pleine tronche est quand même bien dègueulasse). En terme de film dèrangeant, mieux vaut remettre le nez dans la version de 1978 avec Camille Keaton et surtout celle de 2010 avec Sarah Butler et arrêter de nous pondre des suites qui consistent à faire une surenchère sur la violence et la torture de manière attractive...
Superficiel, démago, creux, infantiliste, consensuel. ce film est trop lisse et trop esthétisant pour masquer le véritable but de ce film : faire du fric sur des bons sentiments et des problèmes urgents qui méritent un traitement sérieux et un ton plus alarmiste. Une niaiserie commmerciale ne peut avoir la force de conviction nécessaire pour parler de ces catastrophes.
Absolument sublime et magnifique, Dreyer réalise l'un des plus grands films de l'histoire du cinéma aussi complexe qu'émouvant.
C'est trop de bonheur ce film, une des comédies françaises les plus cultes et une de mes comédies préférées
Ce film est bouleversant et captivant. Une histoire qui est rarement abordée au cinéma, une mère à la recherche de sa fille. Une histoire simple et tragique très émouvante.
Très bon film dans l'ensemble. Tout n'est pas parfait mais l'ensemble dégage un vent de fraicheur. On se laisse entrainer au fond du gouffre assez facilement. Le film a un bon rythme on ne s'ennuie jamais. J'aime beaucoup cette romance entre les deux personnages. Ca a quelque chose de sincère. Bref j'adore !
Bien que mes souvenirs soient lointains et que je n'aie pas eu l'occasion de revoir ce film, son souvenir est oujours vivant et il me permet d'écrire ce que je pense. Il s'agit d'un film bien tourné, avec une tonalité douce qui ne se heurte pas à la sensibilité du spectateur. C'est l'exaltation d'un Grand Amour avec des sentiments nobles, fait rare au cinéma, qui écarte toute passion négative et fatale. La cohexistence harmonieuse entre la mère et la fille dans un contexte difficile puisque elles aiment le même homme est le point fort de ce film qui met aussi en évidence le rôle de la mère et celui de la femme. Le début et la fin de ce film en Grèce peut avoir une valeur symbolique sur la douceur du paysage de ce pays. Les couleurs et les scènes sont bien conçues aussi, mais un spectateur qui n'a pas vécu cette époque des années 70 aura du mal à les apprécier. Il s'agit d'un psychodrame, c'est-à-dire une analyse fine de la psychologie humaine. Le réalisateur, à partir de cette analyse crée son histoire et c'est cela qui fait le point fort de ce film.
On ne va pas trop s'attarder sur ce polar raté signé Abel Ferrara : le film a le budget, le casting et le scénario d'une série B mais son esprit de sérieux le fait même parfois pencher vers la série Z. Si quelques scènes valent le détour, notamment un meurtre où le tueur est plongé dans une lumière rouge semblable à celle d'un giallo, le film est plombé par des dialogues convenus, des acteurs qui en font des tonnes et des ressorts scénaristiques grotesques – le flic qui se sert de son vieux trauma d'ex-boxeur pour affronter un fou furieux, expert en arts martiaux, sorte de Jean-Claude Van Damme qui aurait mal tourné. Proche de la parodie avec ces "mafieux" qui parlent business autour d'un bon plat de cannellonis et approximatif dans son intérêt pour les personnages (la pauvre Mélanie Griffith, étrangement éjectée du récit, avant d'être rattrapée sur la fin), "Fear City" n'est pas un désastre absolu – on reconnaît tout de même une manière singulière de filmer les bas-fonds new-yorkais – mais un film qui sera très vite oublié.
Long, mou, ennuyant, cette histoire ne m'a vraiment pas convaincue plus que ça, malgré une fin plutôt belle mais qui ne fera pas couler le titanic..
"Tu seras mon fils" ou l'admirable rencontre entre un terroir, un cépage et un savoir-faire. Les dialogues, à couteaux tirés, assurent au film un intérêt qui ne faiblit pas au fil des minutes. Les répliques fusent de part et d'autre, cinglantes et rarement gratuites. Dans la bouche de Niels Arestrup, elles prennent même une dimension supplémentaire. Jamais l'acteur franco-danois n'a semblé impose rune telle présence devant la caméra. Il est tout simplement magistral. Le décalage avec le personnage et, il faut bien l'avouer, la moindre maîtrise théâtrale, de Lorànt Deutsch accentue cette impression. Le background musical est irréprochable et se marie à merveille avec le cadre, id est le vignoble des châteaux bordelais. Il s'agit, ici-aussi, d'une des grandes attractions de "Tu seras mon fils". Les bouteilles s'entrechoquent, les bouchons sautent dans tous les sens, la vigne s'étend à perte de vue, l'argot pinaresque imbibe l'atmosphère... tout amateur de vin appréciera. Pour couronner le tout, Gilles Legrand fait montre d'une maîtrise toute hitchcockienne du suspense. Ce dernier va crescendo pour finir en apothéose, bien que le dénouement se devine assez facilement. Que manque-t-il finalement ? Peut-être plus de rebondissements ou encore un personnage incarné par Lorànt Deutsch un peu moins effacé.
L'un de mes Scorsese préférés ! Il y aurait beaucoup de choses à dire sur ce chef d'oeuvre, à commencer par le nom du personnage incarné par Robert De Niro : Rupert Pupkin. Ce nom étrange sonne faux de prime abord, mais l'on peut y voir une modification du mot " pumpkin " ( citrouille en anglais ), terme évoquant Halloween et par conséquent le Diable. On peut dans un second temps y voir la contraction de deux autres mots : " puppet " et " king " ( signifiant respectivement marionnette et roi ). Or, Rupert n'est ni le Diable, ni le roi de quoi que ce soit : il est bel et bien le pantin de ses propres rêves, un être maladivement touchant, un pauvre type n'ayant plus rien à voir avec le boxeur machiste de Raging Bull ou avec le paranoïaque Travis Bickle. De ces huit collaborations avec Scorsese, Robert De Niro nous offre avec The King Of Comedy sa composition la plus grincante. Il est incroyable de voir avec quelle facilité l'acteur passe d'un registre à l'autre au sein du même film : grand enfant capricieux vivant encore chez sa mère, fanatique plein d'espoir, mégalomane attachant, dangereux ravisseur...et enfin clown grotesque, clown sublime bref : acteur. Au niveau de l'épaisseur de son protagoniste, Martin Scorsese a rarement fait mieux. Ensuite, on ne reprochera pas le classicisme de la mise en scène qui sert à merveille cette critique du glamour, de la célébrité et du besoin d'être reconnu...mais aussi du constat inquiétant d'un désir flagrant d'en savoir toujours plus sur les vedettes, de pénétrer leur intimité. Jerry Lewis joue à merveille les présentateurs antipathiques, générateur involontaire du malaise de ce film drôle, cruel et pathétique. L'un des films de Martin Scorsese les plus méconnus. Malheureusement. Une mine d'or psychologique et politique. Génial !
Une question: comment en 2014, à l'heure où défilent encore dans la rue les banderoles de la manif pour tous, et avec la carrière et le talent déjà prouvé de François Ozon, peut-on arriver à commettre l'impardonnable erreur de traiter le thème du transgenre, plus que jamais en demande d'une littérature et cinématographie crédible, comme une mascarade à l'ambiguïté trop facile qui ne parvient jamais à verser dans le comique (ou plutôt le ridicule) ou le dramatique. A force de frotter les genres les uns contre les autres, Ozon provoque l'auto-destruction d'un scénario qui paraissait prometteur (belles scènes d'ouverture) mais aussi d'un sujet qui, même s'il peut prêter à la dérision, demeure néanmoins sensible et requiert beaucoup de délicatesse. C'est à nouveau au travers d'un conte, hyper normé et stéréotypé (le mari beauf, le monde du travail, le rapprochement travesti-pervers douteux), qu'il déroule un scénario qui se limite souvent à l'anecdote et très peu à la psychologie, et tente des rebondissements qui sont finalement tous prévisibles, un peu comme un Almodovar mais sans rythme et sans effusion. Romain Duris en poupée potiche parait trop à l'aise dans ses bas, et son absence de charisme tout comme son talent à minauder ne le rendent pas touchant pour un sou. Et quand on se prendrait presque à s'émouvoir, Ozon insiste pour nous faire éclater de rire. Rien n'est important finalement ici, c'est le jeu pour le jeu et la mort qui se prenait tant au sérieux ne sert que de prétexte. Le grinçant se révèle être du mauvais goût, le réalisateur dégrade fatalement et dangereusement le personnage-clé de son dernier opus et on finit par se demander franchement ce qui se passe derrière cette caméra insolente, puérile et régressive. A vouloir traiter ce sujet intime sans jamais se pencher du côté de la pudeur, Ozon passe à côté de deux occasions: faire un film déchirant ou une comédie tonitruante.
un sujet délicat traité avec humour, sentiment et sensualité... Les relations affectives et sexuelles des personnes handicapées au travers de l'histoire de Mark qui recherche et veut connaître l'amour... La jolie Helen Hunt sera sa "thérapeute". L'Humour sarcastique de Mark et les délicieux échanges avec W.H. Macy (Shameless) en prêtre qui ne perd pas une miette des confessions intimes de son paroissien font de ce film un moment délicat et plein de tendresse.
L'écrivain Anna Gavalda voit un autre de ses romans adaptés au cinéma. "Je l'aimais" n'était déjà pas très palpitant à lire. Je confirme qu'il n'est pas plaisant à voir sur grand écran! Pourquoi? L'histoire assez plate, facile, mille fois racontée. Daniel Auteuil, aussi bon acteur soit-il, n'est pas crédible un instant! Qui pourrait honnêtement éprouver un coup de foudre pour un homme transpirant; bafouillant trois quatre mots, pas très beau, sans vrai charme? Marie-Josée Croze? Non, merci, pas possible, pas comme ça! Marie-Josée Croze justement, ne joue pas justement ici. Belle c'est vrai. Envoûtante sûrement. Mais pas suffisamment impliquée dans son rôle pour laisser exprimer ses émotions! Ce n'est pas une histoire d'amour, c'est une aventure purement physique. S'expatrier aussi loin pour consommer son "amour" sans rien voir de ce qui nous entoure? Pas possible. Heureusement, il reste la scène du restaurant avec la femme baffouée, la talentueuse Florence Loiret-Caille (elle rappelle Zabou elle-même, plus jeune) et l'arrivée du générique de fin... Bien peu.
c'est un "examen de conscience" dont le scénario est peu original et manque de crédibilité ! la mise en scène est très approximative, et le jeu des acteurs plutôt moyen ! Hélas ! on s'ennuie ! à la fin, on a envie de dire : Tout ça pour çà !!
une pale copie des films de virus. tout juste nul.
Époustouflant ! Un polar nerveux avec un Lee Marvin en très grande forme et une Angie Dickinson dans un rôle trouble, vénal, hypocrite et fascinant........ Un superbe polar du grand Don Siegel qui nous plonge dans les années 60 et les fins très morales..............
aimant les film d'horreur asiatique je me suis penche sur ce film. l'ambiance est reussite le village est flippant, pour le reste c'est plus délicat la mise en scene les acteurs n'est pas au rendez vous, l'angoisse ne se fait pas ressentir. bref assez decu. vous pouvez passez votre chemin!
Une agrèable surprise! Pour son retour au grand ècran après une longue absence, Isabelle Adjani, tout en nèvroses et en fragilitès, frappe fort une fois de plus! "La journèe de la jupe" brosse remarquablement le portrait d'une France en pleine emprise et d'un corps professoral dèsabusè, laissè à lui-même face à ces bouleversements! Le rèalisateur Jean-Paul Lilienfeld nous met tout de suite dans le sujet qui est grave, et il faut bien le reconnaitre, il n'y a plus de respect de la part des élèves vis à vis des professeurs! La violence, comme les èmeutes de 2005 qui ont inspirè le scènario du film à Lilienfeld, est comparable à un cri d’amour inaudible! En professeur en pleine crise de nerfs, Adjani porte à bout de bras cette oeuvre forte et rude, riche en rebondissements pyscho-dramatiques à rèpètition! Ce film est aussi un message et ne prend pas parti, il dènonce! il dènonce la violence et l'incomprèhension du terme "respect" chez l'adolescent et en fait une rèussite exemplaire...
Très beau film tout en finesse qui mêle tromperie, cynisme et amour. Le duo Clooney/Zeta-Jones est tout simple sublime. On ne s'en lasse pas !
Un fond normalement intéressant avec l'histoire de relation père - fils mais finalement devenant plat ; plus ennuyeux tu meurs!
Quelle déception !! Long, trop long, ennuyeux ! Trop de com pour ce film qui n'en vaut finalement pas la peine. Il s'agît d'un enchaînement de plans incohérents, repetitifs et inutiles... qu'on ne comprend pas, tout comme l'histoire (s'il y en a vraiment une). Un Paris non représentatif et presque absent. Bref trop d'artifices sans logiques pour un film très pauvre. Rien de vraiment artistique ou intellectuel... c'est juste une grosse douille.
Cinquante ans jour pour jour après les évènements du 17 octobre 1961, Yasmina Adi revient sur ce tragique fait divers par le biais d’images d’archives et d’interventions de témoins ou familles de victimes. Tous se souviennent avec exactitude ce qui s’est passé ce soir là, lorsque le F.L.N (le Front de Libération Nationale) avait lancé un appel à destination des milliers d’Algériens vivant à Paris (et proche banlieue) afin de protester contre le couvre-feu qui leur était imposé. Une manifestation pacifiste qui se solda par plusieurs morts et blessés plus ou moins grave. Réprimée par les forces de l’ordre, cette manifestation reste un tabou dans l’Histoire de France (plusieurs Algériens furent jetés dans la Seine au moment de la manifestation). Ici on noie les Algériens (2011) nous fait revivre minutes par minutes tout le déroulement de cet événement, grâce aux nombreuses archives (audio, journaux, photos, etc), ainsi qu’aux témoignages de personnes ayant survécu à ce lynchage. Un documentaire important qui se devait de voir le jour, afin de mettre en lumière un événement peu connu du grand public. Dans le même registre, il est tout aussi important de découvrir le film Octobre à Paris (1962), de Jacques Panijel, qui a bénéficié d’une ressortie en même temps que le film de Yasmina Adi, et qui retrace le même événement mais de l’intérieur (réalisé au moment de la manifestation, il avait été rapidement censuré).
sujet déjà vu et revu, mais cela occupe un dimanche morose au ciel gris, mieux vaux regarder la belle et vénéneuse infirmière
On sait ce que l'on achète quand on décide de voir american girls 5 ou plutôt bring it on 5, un film de cheerleaders ou vont finalement s'affronter 2 équipes qui ne s'aiment pas avec en vedette la capitaine d'une des 2 équipes et avec sans doute une romance à la clef, voire une romance impossible. On vient donc voir un film léger, au scénario minimum, mais enlevé, punchy et sexy avec de belles chorégraphies de cheerleaders. Ce cinquième opus, déjà, à le mérite de ne pas baisser le niveau global de la franchise et de tenir son rang car le numéro 1 était une référence dans le genre. Le choix de Christina Milian, chanteuse, danseuse et vraie actrice est une réussite et elle assure parfaitement par son talent correct d'actrice, son énergie, son humour et sa prestation sexy en diable sans jamais être vulgaire. Ce cinquième volet est afro hispanique et cela apporte beaucoup de rythme musical en ne se limitant pas au r ’n b. Un très bon divertissement dans le genre cheerleaders, la référence restant sans aucun doute à ce jour la remarquable série hellcats qui hélas n'a compté su'une saison de 22 épisodes. Mention bien plus pour le film et mention très bien à Christina Milian.
Tres long, pas d’attachement pour les personnages, les acteurs peu convaincants je déconseille fortement
Le western est un genre d'une richesse infinie qui autorise toutes les libertés, tous les styles et tous les registres : drame, comédie, picaresque, aventure ... Il n'a pas besoin d'être réinventé, même si son âge d'or est lointain : il s'auto-alimente sans peine autour de quelques constantes : des colts, de la poussière et des paysages grandioses (on peut y ajouter des indiens et un shérif mais ce n'est pas indispensable). Puisqu'il n'a plus rien à prouver, Jacques Audiard entre dans cet univers avec une certaine humilité. Son scénario n'a rien d'époustouflant, a priori, avec une intrigue qui tourne autour d'une chasse à l'homme menée par deux frères, au temps de la ruée vers l'or, de l'Oregon à la Californie. Mais on connait le cinéaste et sacapacité à donner de l'épaisseur à n'importe quel récit. Progressivement, les Frères Sisters se charge d'une densité et d'une profondeur qui passent non pas par des scènes spectaculaires mais beaucoup par des dialogues entre ces deux frères, dont le portrait ne cesse de s'affiner, un pari risqué, mais tenu haut la main. Pour la forme, c'est à dire l'image, pas d'inquiétude, elle est somptueuse, dans cette Amérique sauvage qui découvre la modernité à travers des idées nouvelles et des innovations techniques et/ou hygiéniques (le dentifrice, la chasse d'eau). Le plus étonnant est de voir cette chevauchée que l'on attend sanglante se transformer en épopée sentimentale et fraternelle comme quoi à l'ouest il peut y a voir quelque chose de nouveau. Et quelle direction d'acteurs : Joaquin Phoenix, Jake Gyllenhaal et John C. Reilly sont à redécouvrir, débarrassés, surtout le premier, de quelques-uns de leurs tics de comédiens. Les frères Sisters, malgré une dose de violence obligatoire, va tout droit vers l'apaisement et une certaine sérénité. Etonnant et exaltant.
C'est premièrement honteux qu'il y ait le mot "sharks" dans le titre. Deuxiement c'est honteux d'appeler ca un film. Troisiement c'est en finalité une pure daube que personne ne devrait avoir à voir !
Le film qui lança la sublime Gene Tierney ! Je retiendrai la magnifique scène d'exposition, et l'élégance de la mise en scène, qui donne une atmosphère légère et grave. Et bien sûr Gene Tierney ...
La Fièvre du samedi soir fait partie de ces films à se focaliser uniquement sur la bande originale ( qui est ici très bonne puisque signée par les Bee Gees ) et sur le physique des interprètes ( en l'occurrence John Travolta et Karen-Lynn Gorney ) . Hélas , on ne trouve pas de cinéma comme on l'entend dans le long-métrage de John Badham déjà à cause du fait d'un manque évident d'idées , de mise en scène et de scénario . En effet , le film accumule les clichés et les caricatures (le portrait de Tony Manero , ses amis , sa famille ) . Tout est prévisible , il n'y a là aucune surprise et la fin se veut dramatique tire-larmes et elle en devient ridicule . Le ridicule est d'ailleurs un des gros problèmes de La Fièvre du samedi soir qui est également présent dans une scène que l'on pourrait même qualifier d"'incontournable" tant elle est piteuse à savoir la scène de la bagarre . Bref , le film est aberrant , mièvre , ennuyant et fade .
Un scenario curieusement inversé en tout fait qu'on s interesse d'abord à cette comédie familiale et psychologique pleine de vie, hélas R.Downey Jr ne vivant pas son rôle à 100% l'histoire perd de son interêt et enfin l'ensemble convoyant des clichés insensés tels que luxe et hédonisme le tout ne tient pas la route: en définitive seule H Hunter semble tirer son épingle du jeu, défendant son bifteak d'actrice en vrai harpie intello.
Du roman, Kaufman n'en tire pas grand chose : le côté scientifique de l'affaire est traité de manière guignolesque, la complexité du scénario s'évaporant dans une mise en scène mollassonne. Pas grand chose a retenir donc de ce soit-disant thriller qui paraît cousu du fil blanc à l'écran. A noter l'absence totale de psychologie des personnages et une opposition entre culure américaine et nippone qui fait sourire dans son traitement à la truelle. Vraiment pas mémorable.
Une perte de temps absolue. Ce film fait partie de ces longs-métrages à faible budget, tourné caméra à l'épaule avec des interviews des divers protagonistes pour faire docu-film. On a déjà vu un nombre incalculable de fois depuis Cannibal Holocaust dans les 70's...Sauf que là il ne se passe rien du tout, l'ennui se fait sentir en moins de 30 minutes...Du déjà vu, de très mauvais acteurs qui ne permettent pas de s'imerger dans le film, des tonnes de plans inutiles...
2 étoiles pour Belmondo et le chien malgre la belle histoire entre Belbel et son chien : le scenario est tres leger, film mou et aucun interet de mettre autant d'acteurs pour 2 secondes d'apparition
Un bon film, avec un bon casting, et qui ne mérite pas d'être descendu de cette façon !
Ce film est insoutenable de débilité, de crétinerie. Les clichés abondent toujours dans le même sens, à savoir que les riches blancs sont les méchants et que les pauvres noirs sont les gentils. Le monde est malheureusement plus complexe que cela. Le public est pris pour un amas de crétins, et il semblerait que ce n'est pas usurpé au vu du nombre de spectateurs qui plébiscitent cette purge...décidément, le titre original est tout à fait de circonstance. Et dire que James de Monaco avait réalisé il y a sept ans le petit bijou STATEN ISLAND tout à fait remarquable. Qu'est-il allé fabriquer dans cette série absolument lamentable des Purges? Ah ah ah...Mais après tout ce n'est pas si drôle, ce serait même plutôt triste. Paix à son âme.
C'est divin. C'est un délice à savourer sans aucune modération. Audrey Tautou est sublime de beauté, elle drague les vieux messieurs dans des palaces de la côte d'Azur. Gad Elmaleh c'est un serveur, il est superbe de charme, comme vous le savez. Et elle le prend pour un milliardaire parce qu'il s'assoit un moment dans un fauteuil alors qu'il sert dans un bar. Elle le prend pour un jeune milliardaire mignon, elle le drague, il se laisse séduire, il lui dit pas qu'il est pauvre, il est fou de désir, il se ruine pour elle, c'est délicieux ! C'est jamais vulgaire, c'est romantique, c'est romanesque, ça finit dans l'amour, évidemment, c'est adorable. C'est un film exquis !
De très belles photos surtout celles des fermiers ou fermières avec leurs animaux. C'est étonnant de voir la tendresse entre les maîtres et les animaux de ferme immortalisée avec autant de sensibilité. Un documentaire à voir au moins une fois.
Beau film à voir en famille il ravira petits et grands. On s attache aux personnages et les acteurs sont géniaux particulièrement les enfants
Magnifique Loach n'a pas perdu la main et livre est excellent film sans une touche d'humour et nous obtenons un film ou l'espoir n'est plus permis, on sent bien les idées politiques de l'auteur qui les fait passer par l'émotion de ses personnes. Vraiment épatant.
Un très beau film touchant et plein d'espoir. L'actrice joue Rachida à la perfection. Plusieurs scènes chocs à déconseiller aux âmes sensibles. Ce film vous bouleversera tous.