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Comment rester sec devant "Les parapluies de Cherbourg", Technicolor enchanté. LE film de 2013 serait-il donc un "vieux" film tout juste cinquantenaire ? Car là, quand même, c'est LA claque. On peut ne pas être sensible, voire être carrément agacé par les dégoulinades de violons MichelLegrandtesques et le jusqu'au-boutisme musical de ce film en chanté... mais on ne peut hélas (ou heureusement) que constater la force lacrymale toujours intense de la partition des "parapluies", qui a grandement contribué à sa notoriété. Mais la véritable surprise, c'est le choc visuel de cette nouvelle sortie en salle. La restauration (voire sublimation) numérique flambant neuve efface en une seconde les souvenirs ternes et affadis des éternelles rediffusions télé. Ici, tout pète, tout éclate, tout chatoie ; les rouges, les roses, les oranges, les bleus, dans une incroyable profusion de fleurs, de rayures, d'a-plats, d'associations que même Christian Lacroix, au temps de sa gloire, n'aurait pas osé. Encore plus qu'un film en chanté, c'est une peinture en chanté que nous a livré Jacques Demy et qui, cinquante ans après, abasourdit encore de son incroyable modernité et radicalité...
un film sur le monde politique vu à travers un jeune homme engagé pour écrire les discours du ministre des affaires étrangères. Il va devoir faire face à ce monde impitoyable et s'imposer tout en respectant la susceptibilité des uns et des autres. de très bons acteurs, des dialogues ciselés, très bien joué, bien orchestré. Thierry lhermitte donne cette touche comique qui nous fait du bien dans ce genre de film. Un film intelligent
Très certainement le meilleur film sur le thème de l'abduction. L'histoire est tiré de faits supposés réels ce qui accentue le malaise dans ce film, après libre à chacun d'y croire ou non! Toujours est-il que la scène de l'abduction de Travis Walton est probablement l'une des plus marquante (par sa violence) que j'ai vu dans un film. Difficile de trouver le sommeil juste après vu ce film :s
serieusement , a part les 10 dernières minutes absolument vertigineuse , y a rien , on se fait chier . c 'est vraiment dommage car il ya du talent derrière ce drame de science fiction . note : 4.3 /10
Vu grâce à la reprise actuelle dans une copie d’excellente tenue, La Randonnée est effectivement un très beau film, sans doute l’un des plus beaux de Roeg avec Ne vous retournez pas. Ici, il se livre à une comparaison entre civilisation (les deux gamins blancs perdus dans le bush australien) et la nature (incarnée par l’aborigène David Gulpilil dans son premier rôle) au profit de cette dernière. Si le long-métrage est fortement marqué par une idéologie post soixante-huitarde, le réalisateur n’est pas totalement naïf et la nature n’est pas dépourvue d’aspérités et de cruauté. Simplement, elle reste en harmonie avec son écosystème, alors que la civilisation blanche est décrite comme prédatrice, à la fois pour elle-même et pour son environnement. Tout ceci ne donne pourtant pas lieu à un film à thèse ennuyeux et pontifiant puisque le cinéaste a recours davantage à l’image (superbes paysages) pour narrer cette aventure, tandis que les dialogues restent périphériques. Finalement, les trois jeunes, dans leur errance, vont recréer une sorte de paradis perdu, avant que les barrières sociologiques et mentales fassent s’effondrer cette belle utopie. Est-ce une préfiguration de la victoire capitaliste à venir ? En tout cas, le film, lui, s’impose encore comme une œuvre forte et indépendante d’esprit, à la force poétique intacte.
Navet, nanard, tout ça tout ça. A se demander comment ça a pu marcher à l'époque. Les films du moment devaient vraiment être mauvais. Pas étonnant que des parodies aient vu le jour comme y'a-t-il un pilote dans l'avion !
Fendard, jouissif, indispensable. Les gags s'enchaînent les uns après les autres. Parfois il y a du déchet, mais c'est normal. Peut-être le meilleur de la série des "Y a-t-il". On en redemande !
Original, mais au final sans intérêt. Assez long à démarrer, en plus le film est court, et il ne s'y passe vraiment pas grand chose,à part le fameux jeu.J'ai pas vraiment accroché, même si l'idée de départ était pas mal.
C'est pas possible qu'un film datant de 91 soit aussi mauvais dans les effets spéciaux.Mais s'il y avait que cela,le scénario est nul,le seul pouvoir du captain america est de stmiluler des gastros. En somme la pire adaptation d'un comic books,et surtout un des pire films de tous les temps.
Ce chapitre 9 brille par son scénario famélique, stupide - on réinvente ici en rajoutant des idées complêtement absurdes, mention spéciale au poignard magique - des morts banales et une mise en scène ridicule. On se demande quand est ce que c'est du second ou du premier degré, car les deux s'entremêlent bizarrement et sans aucun sens. Dans ce Final Friday ou pas d'ailleurs, on a aussi des effets visuels immondes. D'ailleurs, un V13 sans Jason, c'est encore plus chiant. Et je ne parle pas de la gueule pathétique du Jason Vorhees de cet épisode, en plastoc. La franchise s'est perdue dans sa recherche compulsive de la superlation. De toutes façons, ça n'a jamais été qu'une série de faible intérêt. Ainsi, Jason va en enfer est un très mauvais film, en comptant les quelques passages assez drôles (malgré eux). A éviter.
L’histoire d’une prof alcoolique qui se perd et d’un jeune garçon qui se cherche. Je déteste Béatrice Dalle (c’est physique, je n’y peux rien), en tant qu’actrice comme en tant que femme, et pour une fois que l’affiche était (très) belle, je me suis dit qu’il fallait retenter. Hélas, le format appartient très clairement au genre pédant « auteur » franco français, et la scène d’ouverture est bien lourde en ce sens. Puis viennent les promenades sans fin et sans dialogues, mais il faut tenir, la suite comme l’esthétique en valent la « peine ». Je vais finir par croire que la patience est le signe extérieur dans lequel se retrouvent certains cinéphiles. Le propos est déprimant au possible, et si ce n’est pas l’alcool, ce sera la religion, l’exigence du regard des désabusés de l’humanité ne fait pas de quartier, et les deux monologues de la Dalle sont particulièrement bien réussis, au point d’être sur le CD de la musique du film. Musique qui est elle aussi parfaite dans son genre, originale, branchée mais pas dans le sens où l’entend le jeune auditeur de Skyrock, et sensible sinon artistique. Ensuite vient le spectacle de Béatrice, vulgaire au possible dans sa jeunesse, ses traits sont devenus caricaturaux, mais elle porte bien, et son jeu de mathématicienne diplômée (même s’il oblige à éclater de rire intérieurement !) n’est pas raté. La fatigue générale de son visage laisse présager une fin de carrière difficile, mais au moins aura t’elle laissée une jolie trace. Enfin, le petit nouveau est bien agréable à contempler, et le jeu des protagonistes abouti dans l’ensemble. Pour le reste, c’est un bel essai sur l’existentialisme des jusqu’au boutistes. Ceux de la réflexion sur le sens de la vie, les comportements borderline et l’ennui profond des villes de province. La vie, c’est à vivre, pas à réfléchir, se diront les idiots, et ils ont sûrement raison… d’être idiots. Magnifique, profond, et très clairement déprimant.
La Semaine de la Critique du Festival de Cannes aurait-elle un ressentiment quelconque envers la Sicile ? 2013 : "Salvo", tourné du côté de Palerme, film ennuyeux et prétentieux. 2014 : "Mezzanotte", tourné à Catane, film ennuyeux et sans grand intérêt. 2 films présentés à la Semaine de la Critique, 2 films dont les scenarii étaient plutôt prometteurs mais qui s’enlisent dans l’ennui par manque de souffle dans la réalisation. Dans "Mezzanotte", Davide est un jeune adolescent sicilien de 14 ans et, question sexualité, il se cherche. Est-il vraiment un garçon ? N’est-il pas, un peu, beaucoup, une fille ? L’amour que lui porte sa mère est fort, trop fort. Son père, lui, ne supporte pas le caractère androgyne de son fils et, non content de rejeter Davide, il le bat. Un beau jour, ou, plutôt, une belle nuit, Davide s’enfuit et rejoint une bande de marginaux, homosexuels et travestis, qui volent et qui se prostituent. Parmi eux, un homme en blanc, mystérieux, ambigu. On saura gré à Sebastiano Riso d’avoir épargné aux spectateurs les scènes scabreuses et racoleuses que son sujet pouvait apporter. Par contre, l’approche qu’il a de ce sujet reste très superficielle et la réalisation de son film manque cruellement de souffle : deux raisons qui expliquent l’ennui qu’on est en droit de ressentir à la vision de son film.
Surprenante adaptation de la célèbre légende allemande « Le Joueur de flûte de Hamelin » retranscrite également par les frères Grimm.Ici, il n'y a pas de dialogues et les décors et marionnettes utilisés pour l'animation sont grossiers et austères. Déstabilisant de prime abord mais cela produit vite son petit effet. Mes connaissances en cinéma d'animation tchèques sont réduites mais je retrouve dans le travail de Jiri Barta celui de son compatriote et confrère Jan Švankmajer. Ce dernier avait signé une adaptation (1988) très personnelle des « Aventures d'Alice au pays des merveilles » de Lewis Carroll qu'il nimbé d'un surréalisme sombre et oppressant. Deux avant, on décèle une démarche similaire chez Barta dont l'atmosphère de son « Krysar, le joueur de flûte » se veut obscur, quasi-angoissante. Sur le fond de l'histoire, l'animateur prend quelques libertés avec le conte originel (notamment sur la fin) et on y perçoit, vu le contexte géographique et politique de la Tchécoslovaquie à l'époque, un discours encore imprégné de l'idéologie communiste (la cupidité des personnages se compare facilement aux capitalistes). Cet excellent film d'animation tchèque mérite amplement le détour.
Avec sa première œuvre "Eraserhead", David Lynch impose tout de suite sa patte et son style. C'est quasiment un film expérimental et même une expérience cinématographique, mais une bonne expérience. Il arrive a instaure un climat sombre, malsain, dérangeant et ambigu tout le long de son récit où l'on suit un homme qui découvre qu'il est père d'un enfant prématuré et s'ensuivre une histoire mêlant rêve, vision, réalité et voyage initiatique. Les images fortes et mémorables ne manquent pas (le poulet, l'enfant, la "dame dans le radiateur", la fin, toute l'introduction...). Lynch utilise bien le noir et blanc et sa maitrise technique est, dès ce premier film, impressionnante, rappelant parfois l’expressionnisme Allemand. Jack Nance avec sa coupe "électrique" est impeccable dans un rôle compliqué. Lynch passa plus de cinq années à concevoir son film et le décrit lui-même comme un "rêve de choses sombres et troublantes" Plus qu'un film, c'est une véritable expérience cinématographique que nous propose David Lynch, qui peut paraitre déroutante, mais qui m'a totalement fasciné et je suis entré dans ce film que l'on peut interpréter de différentes façons, et qui est de toute façon unique et une œuvre à part. Incroyable et inoubliable pour ma part.
Une satire molle de la société espagnole et de la place de la religion, sur un rythme d'une lenteur assommante, avec des dialogues aussi inoubliables que la coupe du monde de bridge 1985. Bref, voir ce film a été pour moi un véritable chemin de croix. Peut-être le plus emmerdant film de Luis Buñuel qu'il m'ait été donné de regarder.
C'est une grande déception. En effet, je me faisais une joie de voir ce film, le sujet étant très intéressant. Au final, quel pensum ! En plus c'est très long (2 h 20) ! C'est très pénible à visionner, c'est très dur, très lourd et assez confus. Ce fut pour moi une vraie corvée ce visionnage. Alors oui les décors, les costumes sont très beaux et les acteurs jouent bien mais c'est tout. La façon dont est fait le film et tout ce qui s'y passe, c'est assez détestable en fin de compte.
Ce film est à la fois le chef d'œuvre d'Ettore Scola, et un chef d'oeuvre du cinéma, dépeignant, avec un réel amour pour le septième art, comment l'amitié entre trois hommes va être disloquée par l'amour pour une même femme qui va en changer deux d'entre eux, et finir avec le troisième qui sera resté tout au long du film égal à lui-même. Les diiférents changements de couleurs (noir et blanc, sépia, et couleurs) de l'image indiquant le temps où se situe l'action directement par rapport à l'histoire et l'évolution pour le cinéma, film qui allie le fond et la forme, bien que Scola montre qu'à son époque, avec l'arrivée de la télévision, la forme devient plus importante pour le grand public que le fond, avec le personnage de Nicola qui va perdre un jeu télévisé parce qu'il aime trop cet art qu'est le cinéma.
le ton du film est particulier et pourra dérouter ceux qui s'attendent à une comédie bien grasse pour teenagers, ça n'en reste pas moins très drôle, une bonne surprise
J'ai adoré, une comédie romantique excellente, qui a tous les éléments nécéssaires pour une bonne histoire (histoire d'amour impossible, humour omniprésent...). Hugh Grant est parfait et Julia Roberts assez étonnante dans ce rôle quasi autobiographique.
Le scénario est abracadabrant et la pseudo analyse psychologique semble bancale. Néanmoins, l'excellente prestation d'Isabelle Carré parvient à rendre le film intéressant.
Puisqu'il faut 100 caractères pour laisser un avis : direction d'acteurs lamentable , scenar écrit entre l entrée et le plat du midi , jeu sans conviction ,Azema/Dussolier nécessiteux, les autres .. inutile de les citer . Bref ,Chatiliez vieillit mal .
J'ai beaucoup aimé ce fils (un peu documentaire quand même) sur un compositeur si connu aujourd'hui mais mort dans l'indifférence totale. Décors et costumes merveilleurs dans la grande Venise. Michel Serrault plein d'humour dans son role d'évêque. Je ne mets pas la 4e étoile pour le mauvais raccord entre la voix de la cantatrice Anna et le mouvement de ses lèvres. Agréable moment classique.
Un des nanar le plus genial jamais réaliser !! tellement mauvais, les acteur tellement pitoyable, les maquillage peinture verte qui part dans l'eau tellement horrible que ce film est exelent (il faut bien entendu le prendre au second degré), un MAGNIFIQUE NAVET qu'on apprecie a regarde entre amis pour delirer !
Lifshitz a souhaité donner la parole, ô combien utile en ces temps d'intolérance prononcée (cf les manifs contre le mariage pour tous), à ces oubliés de l'histoire, des homosexuels, hommes et femmes, qui ont dû vivre leur homosexualité en des temps très incertains. Temps où on ne parlait pas de ces choses-là, comme il est rappelé à plusieurs reprises dans le film. Lifshitz a raison de nous montrer ici la conviction de ces personnes âgées qu'on montre si rarement au cinéma ou à la télévision, ou sinon, que pour laisser déblatérer les experts à grands coups de clichés (Alzheimer, maisons de retraite, etc.). Il le fait avec une poésie certaine (la scène de la tourterelle), une adresse incroyable pour recevoir les confidences de tous ces êtres humains que la vie a plus ou moins blessés, mais qui ont une parole libre, spontanée et réfléchie, qui parlent de désir, d'amour, du corps, grand tabou de la vieillesse. Une grande émotion sourd de ces interviews, entrecoupées de superbes paysages de nature, filmés sur écran large. Les documents d'archives montrent la liberté incroyable qu'il y a eue dans les années 70. Nous sommes plutôt en régression !
Un film policier à la mise en scène très efficace, qui constitue le premier opus d’une série de 4 films. Un grand classique du polar californien made in 80’s, à la manière du "Flic de Beverly Hills", qui mélange habilement humour et action. Une réalisation dont le charme repose surtout sur son duo de choc, la complicité entre Mel Gibson et Danny Glover fonctionnant parfaitement bien. Un buddy movie intemporel et de référence !
Rue Barbare est réellement l'un des films cultes majeurs des années 80. Véritable tournant dans la carrière de Bernard Giraudeau, c'est aussi le cas dans la violence montrée à l'écran dans un film d'action francais. La musique de Bernard Lavilliers ponctue magnifiquement tout le film et elle nous reste aussi longtemps après, avec la chanson "Ya peut-etre un ailleurs". Giraudeau se donne à fond et nous offre sa meilleure interpretation. Les seconds roles ne démeritent pas et donnent tous de la consistance à leurs personnages. Gros succés (largement mérité) à sa sortie en salle, le film n'est malheureusement toujours pas disponible en DVD. Injustice!
bien sympa, bon combattant avec une dose d'humour à l'asiatique..j'ai bien aimé un mélange entre un peux very bad trip et hong bak..
Très moyen ! A la base je l'ai regardé uniquement pour Cécile de France, mais 'Le Tour du monde en 80 jours' est plus une perte de temps qu'autre chose ! Tout d'abord, visuellement le film est peu plaisant (il a déjà mal vieilli alors qu'il date que de 2004). De plus, parfois je me suis ennuyé, notamment au début. Heureusement qu'il y a Cécile de France et que certains passages "remontent" le niveau.
Superbe film marquant l'histoire et montrant que le monde est naturellement mauvais, intransigeant et qu'il a peur du bouleversement! Don Askins coach des Miners du Texas, qui monte la première équipe de joueur noir dans le monde du basket-ball en 1966, va aller jusqu'a décrocher le titre national pour défendre la cause de toute son équipe! Prouver la valeur des joueurs noirs!
l'idée de base est pas forcement mauvaise mais passé les 25 premières minutes du film, c'est une suite d'événements inutiles qui s'enchainent ...jusqu'au bout !
Je donne 0.5 point pour que le film n’ai plus le statut de "Les 250 meilleurs films de tous les temps selon les spectateurs"car 58 critiques 5* sur 74 me parait surévalué.
Une comédie d'espionnage qui lorgne un peu vers la deuxième version de "L'Homme qui en savait trop" d'Alfred Hitchcock, surtout parce qu'il se déroule à Marrakech (en partie seulement pour le Hitchcock !!!) qui a tous les poncifs du genre sans vraiment réussir à être soit drôle, soit à avoir du suspense. On peut souligner malgré tout deux ou trois rebondissements qui parviennent à surprendre, la beauté de Senta Berger et une galerie de seconds rôles intéressante. On est en plein dans la catégorie "film à regarder pour passer un début de soirée sans prise de tête et pour aussitôt l'oublier ensuite".
Film dans la même lignée qu'Esther ; une belle surprise!! En le sélectionnant, je m'attendais pas du tout à cela. On passe vraiment par toutes les émotions : que ce soit, la peur, l'apitoiement, la joie, la crainte, la haine. Riche en émotions. La petite fille colle complétement au personnage.
En plus d’être le meilleur film de son auteur, ainsi qu’un de mes dix films préférés de tout les temps, « Walkabout » est un magnifique récit sur la confrontation entre la nature sauvage et le monde moderne, sûrement le plus beau avec « La forêt d’émeraude ». Hors le film de Roeg, s’il partage les même thématiques que celui de Boorman, reste plus pessimiste. En effet, la frontière qui sépare la nature et le monde dit civilisé est symbolisé par deux suicides, celui du père à l’entrée du bush,et celui de l’aborigène à la fin du voyage,illustrant l’incompatibilité des deux mondes. Pourtant entre les deux, lors de cette randonnée, s’épanouit une sorte d’Eden retrouvé, une harmonie presque parfaite entre la jeune fille, son petit frère et cet aborigène qui les entraîne dans son périple initiatique. Pour autant la vision de Roeg n’est pas idyllique, la vie dans le bush est belle parce qu’elle est sauvage et cruelle, la grande différence avec la ville, c’est son absence d’hypocrisie, cette hypocrisie camouflé par la technologie et le confort, ces chasseurs bien à l’abri derrière leurs fusils à lunette, ces arbres classés et étiquetés dans les parcs, ces piscines chloré en bord de mer… La jeune héroïne, transformé après son périple, se retrouve confronté à ces deux choix de vie. La mise en scène et le montage de Roeg, splendide et d’une richesse rare, font de « Walkabout » un film dont les thématiques sont plus que jamais d’actualité, une œuvre qui se bonifie avec le temps.
Edward Zwick est coutumier du fait, à savoir d'une part des films trop longs et englués dans leur incroyable lenteur et d'autre part la guimauve qui suinte de partout, de la guimauve neuneu de base mais aussi de la guimauve patriotique pseudo-héroïque, prétentieuse et pathétique. Daniel "Bond" Craig est bien gentil mais se fait vite avaler par ce malstrom très pleurnichard et très vain qui ne rend vraiment pas service à l'Histoire puisqu'il s'agit d'évènements réels semble-t-il. Le film fait penser à un Koh Lanta dans la forêt dans lequel on se bastonne de temps en temps avec les Allemands entre deux retours dans les cabanes en rondins et même une danse folklorique (Rabbi Jacob dans les cordes). Les enjeux se retrouvent donc réduits à leur plus simple expression (un comble !) pour un film grandiloquent qui tente de nous tirer la larme à l'oeil mais qui nous fait bailler aux corneilles.
Le Chef d Œuvre du cinéma Français toutes périodes confondues!Je l ai vu maintes et maintes fois,et à chaque vision,c est du bonheur!
Etrange destin que celui de George Sanders qui nous tira sa révérence finale à 65 ans en plein accord avec lui même. Flegmatique, cynique, très certainement extrêmement intelligent dans sa vie, ce personnage romancé de Vidocq doit lui ressembler beaucoup. L'ironie distanciée dont sait fait preuve Douglas Sirk lui convient donc magnifiquement et à cet égard ''A scandal in Paris'' est un chef d'oeuvre. Rarement les dialogues ne furent aussi brillants et subtils du début à la fin d'un film. Ceci en augmente encore la valeur car visuellement tout est déjà superbe. C'est avant tout un film plein de raffinements de toutes sortes même dans les scènes tragiquescomme celle de la mort de Loretta, personnage à laquelle Carole Landis donne un charme fou,il est d'ailleurs étonnant que son mari ne lui ait pas pardonné, sans doute était-il trop bête pour cela. j'avoue avoir du mal à croire que ce film ait été tourné aux états-unis tant son style est éloigné du cinéma américain. Sirk est pour moi le roi des cinéastes éclectiques même si c'est son western que j'apprécie un des moins de toute la vingtaine de ses films que j'ai pu voir ( sur une quarantaine), mon préféré demeurant ''La fille des marais''.
Une bande annonce qui ne reflète pas la réalité du film. On s'attend à ce que le film se déroule à 200 à l'heure. Finalement beaucoup de longueurs et deux heures d'attente pour voir une scène mythique de vengeance au painball!
Y'a du bien: beauté des paysages, l'atmosphère de cette Algérie bien rendue, quelques personnages sympathiques. Dans le moins bien: c'est looooooong et quand même un peu niaisou. Dans le très mauvais: nan mais sérieusement qu'est-ce que c'est que cette mise en scène à deux balles, bourrée de clichés et de ralentis grotesque ? Enfin, l'histoire m'a singulièrement énervé: celle d'un pauvre mec faiblard incapable de forcer son destin.
Le début de La Ferme de la terreur est assez prenant car Craven nous offre un climat étrange qui nous intrigue malheureusement la mise en scène s'égare au bout d'une demi-heure et le suspense peine à ressortir par la suite pire car le film devient banal et seule la scène finale est réussie. Dommage car à la base l'histoire était bonne.