CATIE-AQ/allocine_clean huggingface dataset:
Tout ou presque est réuni pour en faire un film grandiose. La découverte d'un romancier peu connu et de son éditeur, le coup de projecteur sur le métier de l'édition et le dilemme dans lequel ces professionnels se retrouvent, la relation forte presque paternelle qui unit les deux acteurs principaux, des rôles secondaires qui donnent du relief au film, et des acteurs merveilleux. le seul gros bémol vient la réalisation... le filtre sépia alourdit l'oeuvre et certaines mises en scènes sont trop appuyées. en tout cas ça donne envie de se replonger dans les classiques de la littérature !!
Excellent film de zombie "petit budget" accès sur la survie et la psychologie des personnages.
Bon, il ne sert à rien de tortiller du cul pendant des plombes, autant aller droit au but: «Casino», c’est un putain de film culte des années 90, un putain de film de gangsters et un putain de film culte tout court. Et aussi l’un des meilleurs films du père Scorsese. Vous excuserez ma grossièreté, mais quand j’ai un truc sur le cœur, je l’exprime comme je l’entends, que ça plaise ou non, je m’en tape pas mal. Œuvre s’étendant sur près de trois heures (2h50 pour être précis), «Casino» est une fresque monumentale se plaçant de le contexte du Las Végas des années 70, alors dominé par les mafieux italiens. Il n’y a pas de secrets: l’univers de Végas est bien à part: les magouilles y fusent à tout va, les insultes également, les prostitués font des passes bien onéreuses (et ouais dans ce milieu là, faut casquer sévère quand on a la gaule). S’étalant sur onze ans, l’histoire se déroulant devant nos yeux contient donc tous les thèmes chers au père Scorsese et la violence (qu’elle soit verbale au physique) y tient une place de choix. «Casino», c’est aussi une flopée de personnages hauts en couleurs, que ce soit celui interprété par Robert de Niro (qui livre ici une de ses meilleurs prestations) ou celui joué par Sharon Stone (qui tient la son deuxième rôle notable, trois ans après «Basic Instinct»). Vous affolez pas, je ne cite pas les autres personnages, mais je ne les oublie pas. Les acteurs sont donc très bons, l’époque choisie est bien reconstituée. Mais le défaut de ce film ne serait-il pas sa longueur. Sans doute que si. Ce n’est qu’un avis personnel, mais j’ai eu l’impression à deux ou trois reprises que Scorsese faisait un peu de surplace et donc insérait des scènes de remplissage. C’est la seule ombre à ce tableau, dont la craie n’est pas blanche mais rouge.
Un régal !!! j’espère qu'il en ressortira une série . les acteurs jouent juste et c'est un plaisir de regarder ce film.
Mouai, on hésite entre de la pure fumisterie, et le sentiment qu'un gamer qu'a filmé une partie de son jeu vidéo (le scénario en moins). C'est nul, limite ennuyant et tellement lourd niveau propagande qu'à la fin, c'en est même chiant.
Alors comment dire, j'ai vu ce film hier soir et je n'ai pas aimé du tout, les acteurs sont tous affligeant, les effets spéciaux, j'en parle même pas, il ne passe rien, et ça a très très mal vieilli. Mais le pire sont les abérations des scènes, ils sont tous là comme des légumes à attendre que les choses se passent. Pèle-méle : les personnages disparaissent les uns après les autres et personnes ne percutent, l'asiatique, énervant au possible avec son humour à 2 balles est enfermé dans les toilettes, voit la transformation de la femme par la fenêtre et les 2 pitoyables sbires (bien plus hilarantes qu'effrayantes) faire le guêt et dis à ceux de la pièce à coté "ils sont là à attendre je ne sais quoi !!!", non mais franchement, même un enfant de 5ans aurait compris de suite .... Le prête qui a cent fois le temps de se barrer reste là à attendre .... Personnes ne se posent pas plus de question sur tout ce qu'il voit etc ..... Quand je vois la note globale du film ... tout ça car c'est du John Carpenter, à coté de ça Rosemary's Baby ou La malédiction de Damiens sont des chef d'oeuvres absolus. La musique qui a vieilli également, bien qu'un peu répétitive, sauve un peu les meubles, mais c'est tout. Pour moi, un pur navet, rien à sauver, y'a tellement-tellement mieux.
Sous couvert d’analyse sociologique de la banlieue parisienne (car le « elle » du titre n’est pas le personnage de Marina Vlady, qui ne sert que fil conducteur entre quelques morceaux du film, mais bien l’Ile de France), Jean-Luc Godard s’essaie à des méthodes de narrations expérimentales avec la prétention intellectualiste qui caractérise son œuvre. Mais, alors que le discours se prétend être politiquement engagé, l’insupportable voix-off chuchoté ne fait que déblatérer que des inepties et des lieux communs sur les grands débats des années 60 (explosion du consumérisme, guerre du Viêt-Nam, politique industrielle…) tandis qu’à l’écran défilent des scènes sans rapports les unes avec les autres. Le travail de patchwork scénaristique et de collage d’images de Godard était, avec Deux ou trois choses que je sais d’elle, est encore balbutiant et n’a abouti qu’à un objet cinématographique flou et vide de sens, mais qui marque les prémisses de ce style que le réalisateur ne lâchera plus, sans se soucier de perdre en chemin le soutien du public amateur de la façon qu’avait le cinéma de la Nouvelle Vague de raconter des histoires concrètes.
L'un des grands classique des années 70 et on peut comprendre pourquoi. Bien qu'il faut reconnaitre que ce film soit particulièrement frois, il n'en reste pas moins très bien fait, avec un solide scénario, carré et intéressant. L'interprétation est impeccable, sobre et homogène, ou l'on peut retrouver en compagnie de Steve MCQueen la lumineuse Jacqueline Bisset et l'excellent Robert Vaughn. De plus, la fameuse course-poursuite en voitures est toujours aussi mythique aujourd'hui et la musique de Lalo Schifrin est de celle que l'on oublie pas de sitot. Un must!
La présence de James Dean à l'écran est impressionnante, il fait de ce film un chef d'oeuvre!
Pas moyen de s'attacher à ce film d'horreur. Marre d'attendre de sursauter avec les films de fantômes reclus dans un village maudit au fond d'une forêt... Archi convenu, seule l'idée d'enfants aurait pu tenir la route si on était entré dans le vif du sujet immédiatement. C'est loin d'être le cas.
C'est plustôt de voir un si mauvais film.heureusement pour le film José garcia est présent.Le scénario est super super mauvais.Et je reste poli.
Le 1 passe, Le 2 est moins bien mais ok, le 3 tjrs visible, le 4 nul, le 5 plus nul que nul, il n'est même pas sorti en Belgique et je comprend pourquoi!!! Et ils espèrent trouver les moyens d'en faire encore 1...??? Prions mes frères pour que ce jour n’arrive jamais!!!
Un scénario mal écrit, un réalisateur qui ne sait pas comment filmer, des acteurs peu impliqués campant des personnages inintéressants, il n’en faut pas plus pour comprendre le bide que le film a pu se prendre au box-office et auprès des critiques. C’est bien la catastrophe annoncée, une de plus pour Ryan Reynolds qui n’était pourtant pas le pire élément de ce film.
Erreur de parcours d'un réalisateur de séries. Affligeant.
Cannes n'aime pas que la pellicule soit chimiquement impressionnée, perturbée, bouleversée par un des acteurs les plus radioactifs en activité : Jean-Pierre LéAUD - réservant son accueil à un Brad Pitt fadasse et inoffensif. Cannes n'aime pas que Laetitia danse pour nous légèrement vétue de voiles, sirène dangereusement sensuelle, sexuelle. Cannes a tout simplement et bêtement rejeté ce cadeau, ce théâtre magique, cet hommage vivant. Le maître mot de "Visages" est "cadre". Extension idéale de "Et là bas quelle heure est-il ?" on retrouve JP LéAUD, on reprend (presque) là où on l'avait laissé, et vogue la galère ! Fanny ARDANT est le pivot du film, assurant la réussite du système de vases communicants entre Taipei et Paris, ou plutôt cette zone fantasmatique, anamorphosée, qui s'étend des bassins du Jardin des Tuileries aux salles du Louvre et certaines de ses coursives. C'est elle qui sert de go between, semble tenir à bout de bras, sur un fil, tente de rassembler un tournage qui fuit à vau l'eau, la production, la technique, les décors et surtout les acteurs, aussi sauvages et mystérieux que des animaux en liberté, qui partent en vrille et vivent leur scènes chacun, à droite à gauche, que Tsai Ming Liang abandonne et observe se débattre dans des Histoires sans Paroles avec beaucoup d'amusement, de malice. Après, que vous dire ? ça se passe de mot. C'est du temps qui passe, au travers d'un tamis de poésie, de couleurs, de reflets, d'images de toute beauté (séquences du tunnel), de drôlerie burlesque, de fantaisie "musical", aquatique ; apparition nocturne et végétale, sexuelle avec Mathieu AMALRIC ; scène captée sur le tournage entre JP LéAUD, LEE KANG SHENG et titi ; monologues au mirroir "Saalomééé ! Danseuh pourrr moouaah !" ; obstination de Laetitia CASTA soudain très sombre, à obturer le cadre à grands coups de chatertone ; monochrome, écran noir. Ceux qui auront quitté la salle avant la fin auront raté la scène de la chambre froide à réveiller les morts
consternant - mal ecrit - mal interprété - pourquoi ce film a été finançé ? un mystère - une enigme - bref, une merde...
"Sans identité" est assurément un film réussi et efficace même s'il s'éloigne du très bon roman "Hors de moi" de Didier van Cauwelaert ! En effet, ce thriller devenu ici plus un film d'action, vise un tout autre registre que celui du passionnant roman à l'univers beaucoup plus subtil ! Mais curieusement, on se laisse prendre par cette réalisation plutôt vitaminée avec un Iam Neeson très à l'aise dans son rôle... Donc une drôle de sensation d'avoir été trompé sur le contenu, sans bizarrement pour autant ressentir de déception... en découvrant au final une libre adaptation dans l'ensemble, assez originale ! Donc juste un petit regret, à savoir ce qu'aurait pu donner une adaptation plus sensible et plus fidèle au livre ?
Pauvre Marie-Antoinette : calomniée, outragée de son vivant, son image cinématographique est ces temps-ci de plus lamentable ! Après la sucrerie bourrative et "peopolisante" de Sofia Coppola en 2006, voici le portrait "collatéral" de la pauvre souveraine en lesbienne pleurnicharde (Diane Kruger, ridicule en amante de Yolande – « Gabrielle » - de Polastron, duchesse de Polignac, alias Virginie Ledoyen, pas mieux) devant la caméra d'un Benoît Jacquot encore moins légitime que l'Américaine iconoclaste (seul avantage sur le "Marie-Antoinette" de la susdite : on échappe au moins au rock tonitruant...). Ces "Adieux à la Reine" ou quelques jours décisifs de l'Histoire de France autour du 14 juillet 1789 vus avec les yeux de l'imaginaire "Sidonie Laborde" (pseudo lectrice de la reine), toutes contre-vérités mises à part, pourraient présenter quelque intérêt au moins dramatique : que nenni, l'inévitable Léa Seydoux traîne son inexpressivité coutumière pendant 1 h 40 dans les couloirs de Versailles, lui-même curieusement inexpressif, au milieu d'un récit d'une rare vacuité. A oublier !
Après un [REC]³ Genesis décevant, on avait un peu peur d’avoir perdu Paco Plaza mais avec Verónica, il signe un nouveau grand film d’épouvante diaboliquement efficace qui le place en nouveau maître de l’horreur espagnol. Il se dégage une ambiance particulièrement angoissante tout le long du film grâce à un sublime travail sur l’image et le son. Mais c’est aussi la véritable révélation de la jeune et talentueuse Sandra Escacena qui porte vraiment le long métrage sur ces épaules. Une actrice espagnole qui pourrait remporter un Goya parmi les sept auquel le film est nommé et devrait rapidement refaire parler d’elle. [lire la critique complète sur Freakingeek.com]
La Fureur De Vaincre : Ah voila !!! Le deuxième film de Bruce Lee et voila le film qui montre tout la puissance, la grand force et la maitrise arts martiaux de Bruce Lee comparé au premier : Big Boss qui ne montré pas tout son talent. Vraiment, on passe un cap au niveau des combats de Bruce Lee. Déjà, ils sont plus nombreux, plus long, mieux chorégraphie et plus varié (apparition des cultes et mythique nunchaku) et mieux mit en scène. Mais surtout, ils sont nettement plus efficace, plus spectaculaire, nerveux et plus violent aussi. Car oui, les films de Bruce Lee et celui la en particulier sont assez violent et n’hésite pas a montre du sang ou des combats violents mais c’est la que on voit tout la puissance et l’incroyable énergie et force de Bruce Lee. Et il fait très fort avec ce film, il est vraiment excellent : très charismatique (tout dans les yeux) mais il est aussi très fort et ce film le montre à merveille : vraiment une légende est né. Son personnage dans le film est génial, très vengeur et très porté sur l’honneur mais il sa ma fait bizarre car c’est quand même un personnage bagarreur, assez violent qui n’hésité pas a tué et ça fait bizarre mais bon c’est le personnage, a-t-il raison de vouloir faire justice soit même ? Mais moi je dis oui car ça nous offre des supers et magnifiques scène de combats. De plus, l’histoire est simple : basée sur la vengeance, l’honneur, la guerre entre école… Simple mais efficace et très captivant et intéressant à suivre, vraiment on ne s’ennuie pas, il y a un bon dosage entre combat et histoire. Et j’ai bien aimée la critique : car le film dénonce le « racisme » entre chinois et japonais et tout les injuste sur ce thème, et c’est fait avec habileté : et ça c’est bien. Voila, un classique de genre a ne pas raté car Bruce Lee est vraiment énorme et très fort dans ce film. Un gros coup de cœur pour ce chef-d’œuvre de la légende du maitre des arts martiaux, le dragon : Bruce Lee.
1 bonne surprise! 1 des films de mon héros que je n'avais jms vu jusqu'il y a 2 jours. Je parle de Richard Bradford bien sûr. ;) XD Ou peut-être plutôt B.W. :) Je ne savais quasi rien à propos de ce film qu'il a tourné l'année de mon film préféré de ts les tps, Die Hard, le 1er du nom (soit Piège de Cristal pour les incultes); mais je pensais que Sunset était moyen, comme qqs uns de ses 1ers films que j'ai vus. Et non, finalement, ce film est vraiment drôle, intéressant, original... De Blake Edwards, ç'aurait été très surprenant si 7ait pas drôle du tps. J'aime pas les choses de cette époque, les voitures, habits, styles, architectures... mais, si je préfère les westerns ds d'autres décors et se passant en des tps un peu plus vieux, 7ait intéressant de voir un vrai western mixé avec un buddy movie et une comédie policière. Un autre film se passant ds ces tps que j'aime malgré tt est L'Echange, du génial Eastwood. Excellent aussi de voir comment était la cérémonie des Oscars à l'époque. :D Sinon, je n'avais pas vu venir la référence à Chaplin, à travers le personnage d'Alfie Alperin. Après qu'on l'aie vu, on réalise qu'Alfie Alperin sonne comme Charlie Chaplin. Mais bon, considérant le dangereux psychopathe qu'il est, je pouvais pas voir un parallèle avec l'excellentissime Charlot, jusqu'à ce qu'il se mette une moustache postiche ressemblant à celle de Charlie, et un gd chapeau, et qu'il aie été présenté comme le perso du Vagabond (sachant que, comme vs savez, le perso principal de Chaplin est the Tramp, autrement dit le clodo) et qu'il fait un court sketch avec qqs mouvements et cascades drôles, ds le style de Chaplin.
LE PROJET CLOUZOT. L'évenement cinématographique de 1964 sort enfin... en documentaire. Seul les images du film sont magnifiques. Faire revivre le duo Schneider/ Reggiani, la superbe, quelle aventure, le reste beaucoup moins.
En cette année 1969, Jean-Paul Belmondo a décidé de décontenancer son public ! Comment? En jouant coup sur coup dans deux films où il est utilisé dans des contre emplois absolus. Le premier étant «La sirène du mississipi» qui a reçu un accueil assez tiède de la part du public. Le deuxième étant cet «Homme qui me plaît» signé Claude Lelouch qui fut également accueilli avec une certaine réserve à sa sortie. Pourtant, le cinéaste n’a pas lésiné sur les moyens en s’offrant non seulement les services de Bébel mais en s’offrant aussi ceux d’Annie Girardot ! Malgré la présence de ces deux illustres acteurs, à aucun moment la mayonnaise ne prend réellement. L’alchimie entre Bébel et Girardot n’est pas très bonne. Les deux acteurs ne semblent pas pleinement convaincus par l’entreprise. Aucun des deux ne semble totalement dirigé et ne se montre donc totalement convaincant, donnant même l'impression de s'ennuyer. La plupart des films de Lelouch présentent ce défaut: l’histoire de départ à un potentiel certain, mais il n’y a rien de bien concret qui en découle, «Un Homme qui me plait» n’échappe pas à la règle.
Le titre original comme le titre en français font plutôt penser à un film érotique des années 1970-1980. Mais ce film date bien de 1942 et n'a rien d'érotique a priori. La censure de l'époque n'a d'ailleurs pas bronché. Cela dit, elle n'a rien vu des ambiguïtés sexuelles du scénario. Il s'agit quand même de l'histoire d'un homme d'âge mûr qui s'entiche d'une soi-disant gamine de douze ans... Tous les sous-entendus font le sel de cette comédie dont on retiendra aussi l'humour de certains dialogues et le savoir-faire de Billy Wilder qui signe là son premier film aux États-Unis, divertissement de commande alors que le pays est en guerre. Wilder avait auparavant écrit de nombreux scénarios, notamment pour Lubitsch en Allemagne, et coréalisé un long-métrage en France : Mauvaise Graine (1934). On peut toutefois être réservé quant au postulat de départ de cette comédie. À savoir : faire passer Ginger Rogers, âgée de 31 ans au moment du tournage, pour une adolescente prépubère. Si l'on bloque sur cet artifice, alors on goûte peu les quiproquos et il devient difficile de ne pas trouver la trame générale, en surface, assez bête. Sur la thématique de l'amour et de la différence d'âge, Billy Wilder fera beaucoup plus subtil et charmant, quinze plus tard, dans Love in the Afternoon (Ariane), avec Audrey Hepburn et Gary Cooper.
Ronit Elkabetz survole de toute sa classe ce film qui part d'un fait divers mais s"enferme radicalement dans les clichés,dommage car on pouvait faire beaucoup mieux avec un tel sujet,le petit elbé aussi est pas mal.
Un très bon film d'animation vraiment unique et glauque.. J'ai pas décroché une seconde, je ne comprend pas qu'il soit si peu connu.
Une film qui, à la façon d'une œuvre de Rembrandt, associe étroitement la lumière et l'obscurité pour montrer la complexité de l'âme. Les personnages sont quasiment tous tiraillés entre le bien et le mal. Mais, comme chez Rembrandt, c'est tout de même l'obscurité qui l'emporte. Le suspense est savamment entretenu, à l'exception de la partie centrale, un peu creuse. Robert Hossein éclabousse le film de sa classe, mais les "seconds couteaux" ne sont pas mal non plus. A ce jour, le meilleur Jean Duvivier qu'il m'ait été donné de voir.
Alors là, on atteint des sommets de foutage de gueule made in Besson. C'est d'autant plus impardonnable et inadmissible de la part de Luc Besson, du fait que celui-ci a déjà prouvé qu'il est capable de faire du très très bon. Ce deuxième épisode est pire que le premier. Les images sont laides, certaines scènes sont tout bonnement inutiles et ne servent qu'à meubler ou faire beau (la séquence d'ouverture par exemple), certaines scènes sont franchement ridicules, le scénario est pitoyable, avec un pseudo-rebondissement pour essayer de faire comme Harry Potter, une action soporifique, et des gags franchement lamentables. La palme tout de même aux indigènes, affublés de costumes grotesques. Cet Arthur est un navet irrécupérable, et encore une fois Luc Besson nous manque de respect.
Très bon film, mettre en avant la science et plus particulièrement les maths pour démontrer des événements anormal pour nous, c'est un joli coup de maître. Un film très modeste avec une origine basé sur des faits réels de 2006. Bravo, super moment.
Un sacré bon Thriller ! Et oui encore un, vous connaissez mon genre de prédilection maintenant. L'intrigue tourne autour de trois amis. Un d'eux, Dave Boyle va vivre un drame. Plusieurs années après, une nouvelle tragédie rapproche soudain les trois hommes. Un énorme travail sur la phycologie des personnages, une photographie parfaite, un jeu d'acteur parfait (et un très bon casting). Tout le long du film plusieurs questions se posent, au policier comme à nous et si cela fonctionne si bien, c'est grâce à l'habile intégration du soupçon. Nous vivons l’enquête avec le minimum d'indices, le minimum de fait et aucun plan qui nous en dit trop. Et Clint Eastwood manie parfaitement cet art. Un thriller de plus a apprécier.
malgre un gros casting ca reste un navet je suis ennuyer a mourrir payer une place plein tarif c est une escrocquerie
John Whoo est un excellent réalisateur mais surtout quand il revient sur ses terres Maîtresses : La Chine. Avec cette histoire conquête et des scènes de combats grandioses, une mise en scène dans des décors de la terre de Chine sont parfaits. Mais la longueur des dialogues et du scénario donne la sensation de longueur que l’on devrait ne pas avoir. Dommage car dans l’ensemble c’est un très grand film.
Pourquoi ? Pourquoi avoir réalisé un film entièrement chanté ? Je veux dire… J’aime bien les comédies musicales (ou du moins, j’ai rien contre). Raconter son histoire au rythme de différentes chansons, c’est très sympa… mais ici, on chante non-stop. Non-stop, putain! On chante pour se présenter (IIII AAAAAM JEAAAAAAN VAAAAAALJEAAAAAAAN !!! – AAAAND IIII AAAAAM JAAAAAVEEERT !!!), on chante pour demander à manger, et on chante pour tout et n’importe quoi. Sans déconner, il ne doit pas y avoir plus de cinq répliques non chantées dans le film. Ah, et ça dure 2h30, au passage. Vous avez bien lu: 2h30 juste insoutenables, pendant lesquelles un casting prestigieux enchaîne les performances toutes plus gênantes les unes que les autres (moi, voir Anne Hathaway s’égosiller et renifler en gros plan, ça me met mal à l’aise). Et c’est clairement Hugh Jackman -que j’aime beaucoup- qui m’a fait le plus de peine dans ce film. Tous les autres bons acteurs livrent des performances très oubliables, quoique c’est curieusement Russel Crowe (pourtant particulièrement critiqué par la presse) que j’ai trouvé le plus convainc… enfin, le moins mauvais. Que dire de plus ? On s’ennuie, on s’ennuie, et on s’ennuie. Je me souviens avoir regardé ma montre après trois heures de longue souffrance, pour me rendre compte que le film n’avait commencé que depuis une heure et demi… Puis, tout est larmoyant au possible, c'en est limite indécent. Tom Hooper comptais sûrement faire chialer tous les spectateurs de son film, mais c'est pas en filmant des gens en gros plan en train de se lamenter qu'il m'arrachera une larme (au mieux, un rire bien gras). Enfin perso, j'avais jamais été aussi satisfait de voir des personnages mourir dans un film (surtout le petit Gavroche), parce que c'est le seul moyen pour qu'ils s'arrêtent de chanter. Voilà, je crois que j'ai tout dit. Non, mais sérieusement... Tom Hooper m'a violé.
J'allais dire que cell phone n'était pas aussi catastrophique que ce que pense la moitié des personnes qui l'ont vu, mais après avoir vu le final, je ne peux que compatir. Il y a un manque de moyen évident, les trois quart des dialogues de servent à rien et on ne comprend pas comment chacun parvient à être contaminer(ou comment fait le mec pour contaminer tout le monde, ce n'est pas bien décrit, rien de scientifique). A oublier !
J'adore ce genre de films parodiques depuis Y-a-t-il un pilote dans l'avion ? Bon on en est loin ici, ca vole très bas mais ça m'a fait (parfois) rire. Le plus drôle étant certainement de reconnaitre tous les films parodiés. Tous les grands succès espagnols de ces dernières années y passent de REC à Les autres, de L'orphelinat à Mar Adentro en passant par Le labyrinthe de Pan et Ouvre les yeux. Petite pensée pour Leslie Nielsen dont c'est la dernière apparition. Un Direct-to-DVD qui aurait aussi bien pu sortir en salles quand on voit les merdes qui inondent les écrans régulièrement. Très bien pour finir un week-end après un samedi de fiesta...