CATIE-AQ/allocine_clean huggingface dataset:
Le film semble très proche du roman de Stendhal .L’interprétation selon laquelle le rouge symbolise l’armée et le noir l’église n’est pas la seule. C’est néanmoins la plus probable et celle qui prédomine dans le film. Julien Sorel est très sensible au prestige de l’uniforme…Ambitieux plutôt qu’arriviste, il s’identifie aux personnages qu’il admire. J’ai cru déceler une pointe d’humour lorsque Julien Sorel séminariste est appelé à « faire la lecture » .Il cite Chrysostome surnommé « Bouche d’or » et se révèle un bien piètre orateur en trébuchant sue les mots…Un autre séminariste prendra le relais…Sur la plan suivant, un séminariste « maniéré » comme dans la « cage aux folles » découpe des tartines de pain !!!
Un excellent dessin-animé de mon enfance, la 1ère fois c'était dans les débuts de TéléToon j'étais tout gosse et je l'ai enregistré direct, un culte !
Tout sur ma mère est d'une véritable grâce, subtile et touchant. Le meilleur de Pedro Almodovar
J'aime beaucoup ce film très émouvant une très belle histoire entre une mère et sa fille JE CONSEILLE ABSOLUMENT CE SUPERBE FILM !!!!
Très bon film... ASSEZ ORIGNIAL.... très bien interprété... j'avais peur d'un film documentaire un peu long..... je n'ai pas vu le temps passer....
La musique est bien plus forte que tout le reste : elle a beau être au coeur d'un parfait nanar, elle reste cette inconnue qui anime ébats, passions, tourments, qui fait se lever les jours et embaumer les nuits. Ici Schumann, l'homme, et sa femme, Clara. De la réalisatrice d' "Allemagne, mère blafarde", on attendait tant : un manifeste pour la femme, la preuve de l'inexistance des sexes dans l'art, la confrontation de deux figures mythiques de la musique romantique, l'un (Robert Schumann) sombrant dans la folie, par l'overdose de notes dans des nuits sans fins et face à la perte progressive de sa femme, aimée par l'autre (le jeune et fougueux Brahms), artiste complet en devenir. Mais Helma Sanders-Brahms (on note donc une descendance) oublie tout ; le fond social, les contraintes économiques, et va même jusqu'à embellir des personnages qui, en entiers génies qu'ils sont, n'en étaient pas moins peu fréquentables. Il ne faut pas oublier que Brahms, et même à travers l'amour qu'il portait à Clara Schumann, était le meilleur ami du vin et l'un des clients réguliers des bordels de l'époque. Quant à Schumann, le pauvre est enlaidi dans une folie grotesque, mimée par un Pascal Greggory catastrophique et mal doublé. L'échec exorbitant de ce film sans grand budget ne tient même pas sur son scénario plat et sa mise en images pauvre et saccadée, mais sur deux éléments qu'il était impensable de rater pour une femme issue de par son nom d'une grande génération d'artistes ; le casting (Malik Zidi est l'acteur le plus improbable que l'on pouvait trouver pour interpréter Brahms!, Martina Gedeck toute en poses et en regards endormis et Pascal Greggory gesticulant et criant son texte sous une masse capillaire digne d'un cheval fou), et l'utilisation de la musique. Il faut voir Clara interpréter lors d'un concert public le concerto pour piano de son mari tout en le regardant au balcon (chose insensée quand l'on sait la difficultée technique du morceau et la concentration qu'il requie
La légende de Clark Kent(ou Kal-El)renaissait de ses cendres de façon bien douloureuse.Bryan Singer,fan de la première heure,a voulu à la fois moderniser le mythe,tout en faisant de multiples références au passé.Cet alliage risqué est un ratage complet.Les effets en sont multiples:excès d'effets numériques et de musique à fond les ouates,acteur principal sans carrure,morale bêtement passéiste et sécuritaire,traitement trop premier degré qui étouffe toute respiration...Superman méritait mieux que ce reboot fait à la va-vite,qui finalement ne dévoile pas les zones d'ombres du personnage,mais uniquement l'obtention de ses pouvoirs et sa confrontation avec son adversaire de toujours(Kevin Spacey,en plein délire cabotin).Un film boursoufflé et bâclé.
C'est un peu hallucinant de voir tant de bonnes critiques de presse sur ce film. Sans vouloir croire au copinage et échange d'ascensseur, on va dire que ce film est plutôt une démonstration de style qui prend place dans le débat entre cinéastes français mais qui ne dira rien au public. La démarche est ici de contester le naturalisme omniprésent dans les films français et de renouer avec l'onirique. On filme donc une pièce de théâtre, un huis clos intello subversif. Bref, si vous vous attendez à avoir une belle histoire avec des plans magnifiques, un scénario bien ficelé qui vous fera versé une larme, partager une émotion, réfléchir sur le monde, passez votre chemin. Peut être un beau mot sur le décor ou une bande son qui tient un peu la route.
Après la sortie au cinéma de The Marine (2007), la WWE (World Wrestling Entertainment, il s’agit d’une des plus importantes fédérations de catch au monde) qui produit le film, récidive avec une suite, enfin, pas vraiment. Car seul le titre a un rapport avec le premier film. En effet, The Marine 2 (2009) est un sous-produit destiné au marché du DTV, réalisé par un réalisateur inconnu du grand public et quant au premier rôle : John Cena, il a laissé sa place à Theodore DiBiase (tous deux sont des catcheurs évoluant au sein de la firme WWE). Réalisation à petit budget, acteurs inconnus (si ce n’est Michael Rooker), le tournage s’est effectué quant à lui en Thaïlande, à Phuket, dans un complexe hôtelier. Pour des raisons de budget et de contraintes évidentes, la plupart des scènes de cascades ont été réalisées en studio ou alors sur place, en évitant bien évidemment d’utiliser de véritables explosifs (ce qui a eu pour conséquence, d’avoir un gros travail au niveau de la post-production, avec notamment des SFX et autres incrustations plutôt bas de gamme et visibles à l’image). Niveau intrigue, c’est le calme plat : une horde de rebelles prend en otage les occupants du complexe, mais manque de chance pour eux, un marine séjourne sur place et va se charger de tous les éliminer un par un, tout en évitant que les otages (et sa femme) se fassent descendre. Bref, rien d’original en fin de compte, un banal film d’action divertissant et testostéroné. Un DTV qui devrait réjouir les aficionados de films d’action décérébrés.
On croit au début qu'il y a un scénario et une histoire sur l'au-delà qui s'annonce prenante, et puis on se retrouve avec ... rien. La soi-disant passion contre laquelle l'héroine lutte, pour son locataire français, est bien fade, tout comme le par ailleurs très bon acteur Samuel Le Bihan (apparemment, le hors-frontière ne lui réussit pas beaucoup). En fait, personne ne brille particulièrement, pas même Margot Kidder qui viendrait plutôt jeter sur le sujet de la vie après la mort un discrédit total, car même si elle est le pont qui permet au personnage principal de s'y retrouver, son interprétation est aux confins du grotesque. Mais de toutes façons, tout le film est mal mené, alors que dire de plus ?
Ce film est d'une lenteur affligeante et d'un ennui mortel. J'ai failli partir dès le départ mais par respect pour la personne qui m'accompagnait j'ai tenu en lisant les journaux sur mon portable...
Ce qui est impressionnant dans le produit de Juan-Antonio Bayona, ce n’est pas tant son enfilade de déjà-vus. C’est surtout la cueillette de prix qu’il a ramassés. Deux prix à Gérardmer, sept Goyas à Madrid… sans compter le tabac fait en Espagne. « Les Innocents », il y a longtemps, « Les Autres », « L’Echine du Diable », ou « L’Esprit De La Ruche », plus récemment, racontaient les mêmes choses avec bien plus de brio. Car ce scénario s’il est porté par une technique très sophistiquée et de bons acteurs, contient plusieurs entorses à la logique, et se révèle du début à la fin hyper convenu. Il faudrait songer à faire figurer l’amnésie cinéphilique dans la liste des maladies nécessitant une totale prise en charge par les Caisses de la Sécurité Sociale.
Je ne comprends pas ce flot de mauvaises critiques, car pourtant The meyerowitz stories est une bonne comédie dramatique efficace, sympathique, populaire et poignante. Je le déconseille aux moins de 10 ans. 4/5
Encore un bon western signé par ce vieux routier d'H. Hathaway, qui mélange ici deux de ses genres de prédilection : le polar et le western. Bien aidé par un casting en or et un scénario précis, le bougre signe donc un pur film noir en huis clos, le tout dans un relais de diligence (une des inspirations directes de Tarantino pour "Les 8 salopards"). le héros campé par T. Power est classique dans son caractère, mais il a un background intéressant, tout comme celui de la femme forte campée par la sublime S. Hayward, sans oublier un bad guy ambivalent qui se révèle peu à peu. Sauf qu'autour, c'est un peu le désert et que les autres protagonistes sont trop peu développés, y compris le méchant joué par J. Elam, véritable brute perverse comme il savait si bien le faire. Un film brutal, prenant, aux gros plans bien choisis et au contrastes très marqués (superbe photo en N&B, choix artistique payant et justifié), avec comme toujours un découpage précis et efficace d'Hathaway. Le scénario et la mise en scène se mettent régulièrement de concert pour créer des scènes de suspense vraiment prenantes, comme le repas du soir avec les passagers de la diligence, tendu à l'extrême, ou bien encore le truc du message écrit sur une feuille. Bref, du travail solide, pour un western divertissant, qui a pour menus défauts et un prologue et un épilogue sans aucun rapport avec le film et des personnages trop stéréotypés, mais pour le reste, un pur régal. D'autres critiques sur thisismymovies.over-blog.com
Un beau ratage de la part du réalisateur de Nightcall, qui n'a pas grand chose à dire et qui s'étire en longueur, malgré un casting irréprochable. Irréprochable à une exception près : Zawe Ashton, une catastrophe, heureusement peu connue pour le moment. À éviter...
Un film mauvais qui sonne faux dès le départ, d'une grande prétention, nombriliste, ( regarder comme les personnages de mon films sont beaux et parfait ) bourré de cliché, sans ame et sans talent, rendant les acteurs mauvais, ceux-ci semblant jouer sans y croire ( Girardot et Lanvin en tête ) . A passer.
Bof! Des histoires de couple qui s'entrecroisent sans grande originalité. Tout cela manque de rythme qui plus est. Plus d'ennui que de passion et rien de nouveau à l'horizon...
Je suis très étonné de voir l'avalanche de bonnes critiques sur ce film... Très honnêtement, la seule raison valable pour aller le voir tient en un nom : Philip Seymour Hoffman (Günther Bachmann). Sa densité et son jeu d'acteur sont impeccables. J'ai aussi trouvé la prestation de Grigoriy Dobrygin (Issa Karpov) intéressante. Pour le reste, ce ne sont que deux heures de vide : intrigue largement prévisible, musique qui alterne entre inutilité et absence, personnages bien trop caricaturaux... En bref, ça ne décolle jamais et on se serait cru dans une mauvaise série B. Ajoutez à ça une trop large propension du réalisateur à être manichéen et vous obtenez un film qui ne restera sûrement pas dans les annales.
On serait tenté de crier au scandale, comment ont-ils pu envisager et mettre en chantier une suite au cultissime chef d'oeuvre d'Alfred Hitchcock. 22 ans après Psychose (1960), Anthony Perkins rampile à nouveau dans le rôle du psychopathe Norman Bates, qui cette fois-ci quitte l'hôpital psychiatrique pour revenir dans son hôtel. On suit pas à pas sa réinsertion mais sa mère va faire son apparition, faisant ainsi ressurgir de sombres et douloureux souvenirs. C'est Richard Franklin qui a eu la lourde tâche de succéder au "maître du suspens", le résultat est certes honorable, mais reconnaissons tout de même qu'il s'agit bel et bien d'une suite inutile, tant l'oeuvre d'origine se suffit à elle-même. Anthony Perkins de son côté a pris un sacré coup de vieux, le film ayant été réalisé en couleurs, il donne une toute autre vision de son personnage, ainsi que de l'hôtel en lui-même. A ses côtés, on retrouve l'inconnue Meg Tilly qui s'avère relativement convainquante. Avec un scénario bien construit et une B.O convenable, cette suite s'avère beaucoup moins catastrohique que ce qu'Hollywood a l'habitude de nous servir en matière de suite, on a évité le pire, mais restons sur nos gardes car il existe encore deux autres suites (1986 & 1990).
Pas mauvais en soi, mais à réserver aux inconditionnels de Tina Turner.
Une plongée de plusieurs années dans la mafia New Yorkaise d un naturel étonnant. Les dialogues et les interprètes réussissent à rendre ce polar extrêmement réaliste, limite documentaire ce qui fait à la fois la réussite est le talon d Achille de "Donnie Brasco" dont on pourrait penser qu il manque de flamboyance. Le duo d acteur est remarquable avec Al Paccino étonnant en gangster minable mais touchant par sa sincérité, face à lui Johnny Depp en infiltré qui peine de plus en plus à trouver la limite de ce qui est acceptable pour lui dans son environnement. Son sens du sacrifice aussi est un aspect intéressant du film, sacrifiant sa vie de famille pour son devoir avec une reconnaissance nulle. Même s il aurait gagné à être plus ambitieux à mon goût Donnie Brasco reste un polar de très bon niveau.
Très... « français » que ce film. Bien malheureusement pour lui à dire vrai, mais aussi surtout pour nous ! Les premières images laissent suggérer un léger souci plastique de la part de Barbet Schroeder qui n'est pas pour déplaire. Mais très vite, le style surfait et désuet mis en avant n'est plus une simple référence amusante, mais bien une pierre angulaire de l'édifice qu'on ne peut plus supporter. On s'ennuie très vite tant la mise en scène et la réalisation sont paresseuses. Le film est bavard au possible pour enchainer des dialogues téléphonés qui alignent les quelques maigres idées directrices que le film n'a même pas cherché à suggérer. En plus le rythme est très papy, avec beaucoup de temps morts et des scènes qui allongent artificiellement l'intrigue sans pour autant servir à quoi que ce soit. Histoire de ne pas arranger l'affaire, l'interprétation est d'une fadeur sans nom : qu'il s'agisse aussi de ce Benoit Magimel qui nous sort sa panoplie de mimiques et de réflexions bon marchés ou bien tous ces acteurs japonais qui peinent à transmettre quelque émotion à travers leurs difficultés de Français, cet ensemble suggère vite l'apathie et la somnolence... Bref, à part quelques passages pseudo-érotiques dignes d'une pub pour gel douche qui peuvent amener quelques sourires, on s'ennuie vite à mourir, d'autant plus que l'intrigue est bien faiblarde et que ce qui devait faire office de grand twist final est en fait perceptible comme le nez au milieu de la figure dès la première demi-heure. Bref, avec son ambiance ratée "d'Antre de la folie" à la sauce "Neuvième porte", le tout jeté au milieu d'une plâtrée d'images d'Epinal concernant le Japon, "Inju" ressemble plus à une adaptation oisive d'un banal roman de gare plutôt qu'au vrai polar qu'il prétendait « peut-être » devenir. Mais, après tout, si vous assumez votre âme de mamie qui se plait à lire des soupes littéraires, alors peut-être y trouverez vous son compte avec ce ce « presque-non-film ».
Film navrant avec, entre autres, ce ressort honteux et sans imagination de la stigmatisation d’un pays... et le pire c’est de voir l’avalanche de bonnes critiques émanant comme par hasard de nouveaux inscrits AlloCiné qui n’ont vu que ce film... ravi de voir tous ces « nouveaux » cinéphiles de décembre débarquer mais il faudrait quand même penser à voir d’autres choses hein... ;-)
“Paris blues” se passe à New York…hum, non je déconne, à Paris donc et raconte l'histoire de deux musiciens de Jazz dans le Saint-Germain-des-près des années 60. Les deux compères sont joués par Paul Newman et Sidney Poitier. Et bien évidemment, une histoire d'amour nous y est racontée. C'est peut être le majeur défaut du film que de montrer un Paris touristique, ville des amoureux, qui ne connait pas le racisme et permet aux artistes de s'épanouir. Mais fort heureusement, cette impression est balayée par la modernité des relations amoureuses des personnages. Ils ne tombent pas dans le cliché et permettent au film de ne pas se trouver marqué par le passage du temps, d'où cette ressortie dvd, fort opportune. Martin Ritt, le réalisateur, avec qui Newman a collaboré à maintes reprises, nous présente un Paris arty, alternatif, le Paris de musiciens ayant choisi de vivre en marge pour mieux se réaliser dans leur passion qu'est le Jazz. La question au centre de ce métrage est celle du choix entre une vie de couple classique, dans la droite ligne de l'american way of life ou celle de la solitude artistique. Car pour vraiment créer, est-il possible de vivre à deux, d'être épanoui ou faut-il préférer un certain égoïsme quitte à ce que cet isolement exacerbe le talent ? Intéressant comme sujet mais hélas pas toujours bien approfondi. Le film n'est donc pas l'aboutissement qu'il aurait pu être. Cependant sa réussite indéniable est de restituer de manière tout à fait crédible l'univers jazzy de cette époque et de nous emporter sur cette musique même si, comme moi, vous êtes totalement hermétiques à ce style. suite ici ... http://dante7.unblog.fr/page/2/
Je suis déçue du 2.J'avais adoré le 1.Avec un josh harnet qui était excellent dans ce role;le 2 n'a rien d'innovant à part des vampires;
Un documentaire sur le Yoga thérapeutique Iyengar, Le réalisateur nous y raconte son expérience très personnelle et laborieuse, mais est-ce suffisant pour pouvoir parler du yoga et en faire un film? Il semble ignorer que ces pratiques s’appuient sur des textes millénaires issue de la culture védique, et sont propos sonne donc aussi creux que semble naïf son étonnement devant les bienfaits du yoga. Inutile donc d'aller voir ce documentaire long et fastidieux pour comprendre ce que le yoga nous apporte. Il suffit d'en faire.
Mêlant maladroitement divers influences dans un univers mal défini, Jean-Paul Améris adapte le roman de Victor Hugo à travers une photographie gothique. Son conte baroque ne s’appuie que sur son travail visuel, à défaut du coté politico-social du livre d’origine qui ne transparait que dans les dernières minutes du film et d’une bonne interprétation, les acteurs ne faisant que réciter inlassablement leurs textes artificiels. Ce film en costumes n’a aucune intensité…Qui aurait réellement pu croire un instant que les studios d’Europacorp avait le talent de s’attaquer à de tels chefs d’œuvres de la littérature française?
Quelle claque *Cloverfield* a été à sa sortie au cinéma (2008) ! Au point que je l’élise à chaud "meilleur film de monstres" ! L'histoire n'est certes pas originale mais la mise en scène est très novatrice et inédite dans le genre, donnant à l'oeuvre une dimension prenant la mesure de la catastrophe narrée. La caméra au poing est bien maîtrisée sans donner à aucun moment la nausée (qui est un risque dans ce choix de mise en scène). Nous suivons un groupe d'étudiants lambda et qui ne fait que subir les événements qui se passent autour d'eux. On se met facilement dans leur peau, on vit donc mieux la catastrophe de l'intérieur et - point fort du scénario - le mystère reste entier laissant aux spectateurs le loisir de travailler leur imaginaire. New York est donc attaqué par un monstre géant. Son allure général qui ne ressemble à rien de connu, ses apparitions furtives et l'absence de musique de soutien renforcent son mystère et l'atmosphère oppressante. Le film avait réussi à me surprendre deux fois (chose rare). Matt Reeves fait quelques clins d'œil à *Godzilla* et à la catastrophe du *World Trade Center*, choses appréciables. Malgré un budget modeste, rien à dire sur les effets spéciaux ou sur la bande-son par ailleurs dantesque. Une véritable surprise inattendue : bravo les producteurs, on en redemande...
Excellent documentaire avec des images cumulées provenant de différentes sources. On est plongé au cœur de la vie d'un athlète de haut niveau. On y découvre sa famille, ses potes, mais surtout la formidable force mentale qui est nécessaire pour arriver à un tel niveau de compétition. Le même mental nécessaire pour affronter les blessures. Un documentaire réellement subjuguant.
J'ai ressenti tout ce qu'il y avait à voir et à ressentir dans ce film : Des filles qui travaillent comme strip teaseuses dans un club pour se faire de l'argent et continuer d'espérer réaliser leurs rêves, j'ai ressenti justement tout le désespoir qu'il y a autour d'elles, la colère qu'elles éprouvent, ll'envie qu'elles ont de vivre une autre vie (de vivre l'amour ou d'avoir des enfants), le mal être qu'il y a au fond d'elles. Vraiment un excellent film.
Ma note semble extrêmement élevée mais soyons clairs, je trouve ce film génial pour ce à quoi il est destiné: la télévision. Original et fun, j'ai même fait "Awwww!" à un moment, c'est pour dire. Bref, j'le conseille pour les personnes qui, comme moi, ont une insomnie à 3 heures du matin et cherchent à passer le temps avec un petit plaisir coupable. Cela dit, une question subsiste:Pourquoi est ce la ronde et noire qui fini seule?
En adaptant le roman d'Hunter S. Thompson, reposant sur le principe du journalisme gonzo qui consiste à écrire en pleine subjectivité, Terry Gilliam nous livre un film délirant dont lui seul a le secret. Il faut dire que mettre en images les expériences complètement folles de Thompson lui-même sous l'emprise de la drogue en plein reportage sportif à Las Vegas relèvent d'un défi majeur que le cinéaste arrive à relever. Visuellement, "Las Vegas Parano" ressemble à un trip que l'on vivrait en même temps que le personnage. La caméra bouge, les décors se forment et se déforment, des lézards viennent peupler un bar pour nous offrir un film absolument barré. Le scénario est finalement assez mince et tient dans son ensemble grâce à la voix-off du narrateur dont les propos offrent une perspective intéressante sur l'Amérique du début des années 70. Mais il est dur de retenir quelque chose d'intelligible dans l'ensemble tant le rythme est effréné, porté par la composition hallucinée de Johnny Depp qui est ici au sommet de sa forme. A ses côtés, Benicio Del Toro, moustache improbable et bedaine naissante, en fait également des tonnes, le tout pour nous plonger au cœur de ce trip qui mérite qu'on y participe.
Kevin Costner et Tony Scott sont réunis pour un même film, deux grandes figures que j'adore avec en plus de cela, une Madeleine Stowe à tomber et Anthony Quinn. Une belle histoire avec une romance impossible qui tourne mal, c'est violent et assez extrême mais pas pétaradant ni aussi rythmé que les autres films de Tony Scott. La photographie est très belle et la fin émouvante. Seul reproche : quelques longueurs qui n'entache en rien ce bon film.
Un pur chef d’œuvre made in france. A voir absolument.
Un film complètement absurde, avec des situations complètement impossibles, aucune intrigue et des dialogues vides de sens, le tout pour préparer une fin à l'américaine... JE LE DECONSEILLE TOUT SIMPLEMENT !
Ce film mérite absolument d'être vu. Il devrait plaire à tous. Une polémique s'est développée pour savoir si ce film est un documentaire ou une fiction. C'est apparemment un mélange des deux, et au final c'est une réussite. Il faut savoir que ce film a été tourné dans des conditions difficiles ; on peut pardonner certaines scènes moins bien filmées que les autres.
Je cherche encore pourquoi ce film s'appelle "Funny People" tellement il ne m'a pas fait rire... Adam Sandler est vraiment inégal dans ses différents films, dans celui-là, il est au fond.