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Alfonso Cuarón, le nom d'un réalisateur mexicain qui sur le plan international rentre très tôt parmi les plus grands de par son talent, et nous pouvons dire également son "génie". La Petite princesse est une adaptation de l'oeuvre d'une romancière anglaise. L'animation japonaise l'adapta également sous le nom de Princesse Sarah, bref, passons. Cuarón caresse l'innocence, on ressent aussi comme un parfum constant que l'on hume du début à la fin. L'histoire d'un petite fille, craquante, charmante, douce, jouer par Liesel Matthews, Son père et elle quitterons l'Inde car il est sous l'obligation de partir en guerre, et laissera sa petite fille dans un internat à New-York. Elle ne manque de rien, sauf que la directrice est sévère et suffisante. Sans qu'il y est aucune magie, Cuarón lui, nous en donne, du rêve, de la tendresse, il filme les enfants comme un Spielberg s'est le faire. La musique de Patrick Doyle est d'émotion. Petits et grands foncez dedans !!!
Pour vous dire : je n'ai jamais eu envie de prendre le temps de poster une critique, sachez que je viens de créer un compte sur Allociné uniquement pour ce film. Je viens de sortir de la séance et je suis tellement dégoûté d'avoir dépensé 20€ (2 places) pour un film aussi mauvais. Et pourtant ! Je suis une personne très ouverte et vraiment pas difficile avec les films. Mais alors là je ne sais pas quoi dire de positif... Acteur non crédible, trop d'effet raté et inutile, il n’effraie pas, les gens se sont mit à parler dans la salle par ennui...enfin rien ne va. J'espère ne plus jamais être déçu à ce point en allant voir un nouveau film. :(
J'ai ri deux fois, pour une comedie c'est peu. Cela dit un casting impressionant avec quelques roles sympas ( Namase Katsuhisa est toujours aussi bon)
Un très bon film! Rosario Dawson y est fabuleuse! Et les chansons sont super!!
Un thriller vu par le prisme de l'art où chaque élément tient une signification et un rôle précis dans la narration du film. Une réalisation subtile et efficace sublimée par des jeux d'acteurs époustouflants (J. GYLLENHAAL et M. SHANNON).
superbe premier film , images magnifiques personnages qui nous embarquent dans leur histoire . émouvant
Excellente satire de l'Italie fasciste, brillamment enlevée par l'un des grands princes de la comédie italienne, Dino Risi. Les deux fanfarons Gassman et Tognazzi sont parfaits en anti-héros pleutres, entraînés malgré eux dans des situations rocambolesques et dépassés par les évènements.
Le genre de film qui permet de changer de perspective ... a voir
En caïd psychopathe et gentleman Bernard-Pierre Donnadieu est très bon. Voilà à peu près tout ce qu'il y a à sauver de ce polar sombre et désespéré. L'ensemble du film et des personnages tombent vite dans la caricature et on s'ennuit.
Un beau film qui ne manque pas d’originalité. De belles images, une belle histoire, c’est un très beau film qui mérite le coup d’œil.
Très très bon film des frères COEN... Comment ne pas apprécier un tel film ?! En ne sachant pas voir un film sans le premier degré de base. En n'appréciant pas un humour rarement exploité au cinéma. En étant choqué par des acteurs employés à contre-emploi... La vraie qualité du film est un scénario dingue mais solide qui assume une bonne part de loufoquerie. Un côté loufoque d'ailleurs parfaitement joué par des acteurs tous géniaux et tous dans une belle osmose. La différence entre l'humour décalé et les scènes à la violence hyper réaliste sont une bonne idée qui oblige à une réaction jubilatoire. Seul petit défaut, quelques scènes trop en longueur car d'une importance bien relative comparé à l'intrigue principale (surtout au début, mise en place poussive). Mais le plaisir est là, une vraie récréation après "No country..."
Grotesque décidement le cinéma Français n'est pas très efficace très la matière ,et ce pauvre Cornillac est toujours aussi mauvais ,avec sa tête à vendre des lacets .
"Friends With Money" était un sujet très riche mais la réalisatrice Nicole Holofcener, quelques épisodes de Sex And The City à son actif, n'a pas réussi son essai. Elle n'arrive pas à traiter son sujet et est ainsi très brouillon sur les 4 histoires. Elle n'arrive pas à les traiter en approfondissement et ainsi on reste complètement sur notre fin. Ceci a un vrai rapport avec le scénario qui n'est pas assez abouti et qui ainsi laisse le spectateur complètement en plan et attendant des réponses à des histoires qui s'arrêtent sans aucune fin réelle. De plus, contrairement à ce que laissait penser la bande annonce, ce n'est pas du tout un film comique ou alors il est raté puisqu'on ne rit pas une seule fois. Tout au contraire, on s'ennuie même ferme, ce qui est un comble pour un film durant 1h30mn, ce qui est très court. Concernant le traitement de ces 4 femmes et de leurs histoires de couple, c'est vraiment pleins de clichés et la sauce ne prend pas pusique le traitement de ces femmes est inachevé. En revanche, seul bon point qui donne mon étoile est le quatuor composé par Joan Cusack, Frances McDormand; Catherine Keener et Jennifer Aniston. Joan Cusack est comme à son habitude parfaite. Cependant, la prestation la plus étonnante est celle de Jennifer Aniston qui tient son meilleur rôle depuis la série Friends. Ainsi, la sauce ne prend vraiment pas et vous pouvez ainsi louper ce film sans problème.
Des barres de rire! Ou comment faire semblant d'être triste quand on perd quelqu'un qu'on aime pas...
Ennuit mortel , quelques passage qui nous font esperer , mais on retombe vite dans l'ennuit.
Il n'y a pas à s'étendre sur un tel navet, dommage que l'on ne puisse mettre de notes négatives ! Dommage pour le porte monnaie des pigeons ( et j'en suis) qui ont acheté cette arnaque. Mettre un tel film en vente en dvd est déjà à lui seul scandaleux !
Film sympathique à regarder.
Pour moi ce film est décevant, les personnages sont lourds, il y a aucune émotion, les acteurs sur joue ou sont transparent. Léa Seydoux et Marion Cotillard nous ont habitué à mieux et surtout Xavier Dolan... C'est bien dommage d'avoir un réalisateur 5 étoiles un casting 5 étoiles et un film qui vaut même pas une étoile....
"The Lady" à l'image de son titre, reste un film bien fade où le personnage de Aung San Suu Kyi n'est absolument pas construit et manque de charisme ! Luc Besson ne nous explique en aucune façon ce qui motive cette femme revenue dans son pays pour voir sa mère malade... Rien de sa vie d'occidentale rangée ne nous prépare à comprendre et donc à croire en cet engagement politique soudain. Il aurait fallu étayer davantage le propos afin de démarrer sur du solide ! De plus, en Birmanie, cet engagement n'est pas plus clair, qui sont ses collaborateurs, comment se met en place réellement son action ? Tout est flou, gommé ! Au lieu de cela, le film prend une tournure mélodramatique qui affaiblit énormément ce combat ! Pourquoi cette ultra féminisation, cette sensibilité exacerbée, ces personnages gauches, mièvres qui manquent de poigne, de conviction ? Pourquoi l'histoire balance-t-elle autant entre sa famille et sa patrie ? Le film hésite sans arrêt et ne se situe pas vraiment dans sa démarche ! À vouloir tout aborder comme dans un catalogue exhaustif, on sort finalement frustré d'être passé à côté du vrai personnage que doit être Aung San Suu Kyi pour n'en retenir que l'image d'une femme élégante aux orchidées, une Lady !
Grand spectacle, même pour un film qui fait ses 80 années. Le cinéma est cet art populaire, ce qui est tout à son honneur car il sait toucher les gens dans leurs plus grandes expressions. Il trouve sa force dans sa puissance narrative pour des spectacles pour petits et grands et Hollywood savait raconter des histoires et les mettre en forme. C'est un spectacle familial quasi idéal, avec action, humour, dépaysement. Les scènes d'actions restent efficaces et il y a même une véritable féerie dans certaines séquences aquatiques. La description des tribus peut préter à discussion, mais c'est un spectacle avant tout, clairement défini avec ses bons et mauvais personnages
Certes, on pourra toujours regretter quelques scènes scènes un peu longuettes ou lourdaudes, mais au fond qu'importe, tant le plaisir est dans l'ensemble grand. Après son déja excellent "Ma vie en l'air", Rémi Bezançon récidive avec cette chaleureuse chronique familiale, jouant de manière très subtile et bien dosée sur les différents moments d'une vie, que ce soit la tristesse, la joie, l'émotion... On passe d'ailleurs vraiment par tous les états, et il est vrai que les personnages s'avèrent incroyablement attachants, justement par ses défauts et ses qualités face auquelles on se reconnait avec une très grande aisance. Le scénario s'avère bien écrit, tout comme les dialogues, et le montage est quant à lui très réussi, nous permettant grâce à cinq journées très bien choisies l'évolution des comportements et des gens lors d'une vie. Bref, un film drôle, émouvant, sensible, voila du cinéma français comme on l'aime et on en redemande. Un petit bijou!
Scénario sordide. Mise en scène très légère. Lumières fausses et pas esthétique. Gad Elmaleh inexistant.
septiemeartetdemi.com - On entre dans le film de la manière dont on entre dans les gentils films américains des années 1950 ; un gentil capitaine débarque une professeure d'anglais (gentille mais de fort caractère, pour varier) en un pays follement exotique : Siam, la future Thaïlande. On commence une visite guidée de décors qu'on n'aurait pas conçus autrement pour une histoire se déroulant sur Mars tant le dépaysement est figuré avec inexpérience charmante de la réalité. Après quoi le spectateur est introduit auprès du roi local incarné par le suisso-germano-soviétique Yul Brynner. On ne découvrira qu'à la fin, fait très étrange, l'absence d'une romance (quoique cet aspect soit couvert en second plan) ; en revanche, on se rend vite compte que la formule est inhabituelle pour commencer : l'humour est situationnel, mais ne commet pas l'erreur de s'éterniser au-delà de l'existence qui lui est impartie pour être pertinent. Ce qu'on appelle aujourd'hui des "vannes" sont prégnantes et récurrentes, une trouvaille plaisante tant que le semi-sabir des autochtones, ne consistant en fait qu'en l'élision de certaines particules grammaticales (ce qu'on appelle "petit-nègre") ne nous écorche pas les oreilles de ses stéréotypes persistants. Ces impairs sont à remettre à leur époque ; le tout est hautement artistique, et la vocation de faire voyager le public dans l'espace n'a rien perdu de sa superbe car le film a aussi tranquillement voyagé dans le temps jusqu'à nos jours.
depuis le temps que je voulais le voir j'ai été déçu 2/5
Vrmt sympa comme film ^^ sur qu il n était pas fait pour le grand écrant mais c est un tres bon film dvd! Et a tout les nases qui saigne le film car "Beuuuu ça ressemnle pas au livre NIA NIA NIA" Vous êtes pitoyable oui j ai lue le livre oui le film n est pas une adaptation fidel et alors? Qui dit que le réalisateur voulais en faire une copie conforme? C est pas un film pourrie pour autent! c est comme le dernier sherlock holmes Avec R.D jr. C est pas tirer d un roman mais ça apporte un nouveau souffle a la légende! Vous savez même plus regardé un film a force !
Ça faisait longtemps que je n'avais pas vu un film aussi raté que celui-là. Autant j'avais apprécié "Janis et John", autant "Chez Gino" me paraît bancal à tous les niveaux. Que le réalisateur demande aux acteurs de jouer mal est une chose, mais là, ça a dû déteindre, parce qu'ils (sur)jouent mal en permanence, même quand ils devraient jouer juste, hormis peut-être Sergi Lopez tout en méchanceté bovine monolithique. Les scènes s'enlisent pratiquement toutes, au point que mêmes les rares d'entre elles qui sont drôles, un peu, au début s'achèvent en capilotade, le rythme est aberrant, le scénario ne tient pas debout, la photographie est le plus souvent pénible (y compris quand on suppose que c'est un vrai réalisateur qui est aux commandes), la bande son est pathétique et complètement à côté de la plaque... Jusqu'au générique qui est atroce, c'est dire ! Un malheureux ratage, total et sans rémission, qu'il vaut mieux fuir.
Au coeur d'un monde dévasté, où la plupart des personnes ont perdu leur humanité, un père et son fils vont tenter de se trouver un but et de survivre. Bouleversant, triste, choquant... Les mots ne manquent pas pour décrire cette expérience unique en son genre. 1h50 d'émotion! Tout simplement énorme. Le travail des couleurs, des décors, des costumes est vraiment sidérant!
Le Couteau dans l'eau, premier long-métrage réalisé par Roman Polanski en 1962, a littéralement sonné le glas du cinéma polonais classique. Premier film à s'éloigner des contraintes du réalisme social liées à la politique du pays, cette oeuvre en apparence simpliste, demeure un superbe objet de cinéma, certes non dépourvu de menus défauts (l'approximation de l'interprétation par exemple), mais qui subjugue par son étonnante maîtrise technique. Co-écrit avec Jerzy Skolimowski, Le Couteau dans l'eau est le seul film de Roman Polanski tourné dans la langue maternelle du cinéaste. Roman Polanski fait preuve de son aisance à filmer une action réduite et un trio de personnages dans un décor exigu (un petit voilier), avec un sens réel du suspense. Les hommes cyniques et insolents sont réduits à un rapport de forces et d'affrontements ineptes tandis que la femme, sous son apparence apathique apparaît comme le personnage le plus fort et raisonné du trio. Avec sa liberté de ton confondante, sa mise en scène virtuose, son montage prenant et son intrigue amère qui n'est pas sans rappeler celle de Plein soleil de René Clément sorti deux ans auparavant, le tout bercé par la composition jazzy de Krzysztof Komeda, Le Couteau dans l'eau révèle l'un des cinéastes majeurs du XXè siècle, qui se voit offrir pour l'occasion un billet simple pour le monde du Cinéma.
Plus typé jeu vidéo que ses prédécesseurs, ce RE Apocalypse se montre comme étant l'un des plus fidèles aux résident evil originaux. Les idées sont bonnes, la violence omniprésente, le scénario basique, la réalisation nerveuse. Un bon film d'action et un bon volet de la saga RE.
Un grand classique, évidemment peu de surprise par contre le film permet à Paul Newman de faire un grand numéro et à Macqueen de faire une brève apparition.
Beaucoup plus ébouriffant que leurs virées au "Club Med'", "les Bronzés Font du Ski" est la démonstration de l'efficacité du pouvoir comique de l'équipe du Splendid. Du coup, au-delà d'un scénario toujours aussi mince, les muscles zygomatiques et abdominaux n'ont aucun répit. De la musique du générique, signée Pierre Bachelet, aux personnages (mémorable Jean-Claude Dusse alias Michel Blanc), en passant par les situations et les dialogues, tout y est excessivement jouissif. C'est devenu tellement culte d'ailleurs qu'il est quasiment impossible de faire une journée de ski par exemple, sans entendre l'une des répliques du film sur les pistes ou "quand te reverrai-je, pays merveilleux ?" sur un télésiège à l'arrêt.
Le scénario tient sur un post-it, les premières minutes suffisent à décrypter tout le film. J'étais allé voir ce film pour ses acteurs, mais eux-même mettent dans leur jeu toute leur mauvaise volonté, sans doute conscients de prendre part à un navet qui plombera leur filmographie. Le thème de "la femme de bonne bourgeoisie qui est séduite par le bel ouvrier étranger" est un classique des films pornographiques, qui ne sont pas réputés pour leur finesse. Une honte pour le cinéma français.
Richard Quine est assurément un cinéaste sous estimé comme l’affirment Tavernier et Coursodon dans leur Anthologie du cinéma américain. Ce film noir qui arrive juste avant l’irrémédiable déclin du genre s’avère être une véritable pépite. En plus de confier à Fred Mac Murray dix ans après “Assurance sur la mort” un nouveau rôle d’honnête citoyen dévoyé du droit chemin par l’appel du sexe; il découvre une Kim Novak dont la sensualité animale inonde l’écran avec une première apparition où ses seins sont plus que suggérés sous un chandail très moulant. Mac Murray n’a vraiment pas de chance, après avoir succombé à une mante religieuse dans le chef d’œuvre de Wilder il sera sous la direction de Quine, victime de la maîtresse d’un gangster dont il assure la filature sur les ordres de son chef. Il y laissera la vie dans les deux cas. Le processus de décision du passage à l'acte était très progressif dans “Double Indemnity”, la sulfureuse Stanwyck tissant patiemment sa toile. Ici l’unité de temps est plus ramassée et le flash est immédiat. Il fallait bien une Kim Novak avec sa sexualité à fleur de peau pour entraîner ce flic désabusé dans un plan aussi fou. Le suspense est parfaitement rendu et on aperçoit déjà avec Quine l’évolution progressive du film noir vers ce qui deviendra le thriller si prisé dans les années 80 et 90. Du grand art.
On n'attendait pas un tel film choc de la part du cinéaste d'"Un temps pour l'ivresse des chevaux" (film intéressant mais à la lenteur hypnotique). Ici, pas de longs plans séquences à l'iranienne, mais un film efficace qui touche à l'universel. Certes, le cinéaste y va fort pour susciter l'émotion : tous les enfants du film sont mutilés physiquement ou mentalement par la guerre et il n'hésite jamais à nous faire partager leur détresse. Suivant tout un groupe de personnages, il nous montre les différents ravages causés par la guerre et aussi par le régime de Saddam Hussein qui a systématiquement poursuivi les kurdes. Cette coproduction (Iran-Irak) bénéficie d'un budget suffisant pour impressionner le spectateur habitué à l'austérité des films de la région. Les images sont souvent somptueuses, mais elles ne rendent pas pour autant l'horreur esthétique. Les enfants sont tous impeccables et le cinéaste se permet même des envolées oniriques bienvenues. Bref, un très grand film, nécessaire pour rappeler l'horreur de toutes les guerres et les ravages qu'elles causent sur les êtres humains.
On va être assez bref, car le film est mauvais. Edith Piaf et Claude François ont eu le droit à un magnifique Biopic, à la hauteur de ce qu’il représentaient (Gainsbourg était très bien aussi) mais là, on s’attaque à un autre mythe avec une ambition cinématographique proche du néant … non c’est le néant. Pas d’histoire, pas de réflexion, pas de cinéma, c’est dommage, la réalisatrice prend le parti de traiter la vie personnelle de Dalida et franchement, c’est long, ennuyeux et très mal écrit. On navigue entre pleins d’époques et on s’y perd souvent. Les biopics cités précédemment nous faisaient vivre une histoire et travaillaient le côté personnel et professionnel (paradoxe, lien …). Creux, vain et sans idée, Dalida est pour moi un mythe et ce film ne lui rend aucunement hommage. Le point fort, l’actrice Sveva Alviti qui est brillante et les 15 dernières minutes qu’on peut sauver. PS : si vous ne connaissez pas sa vie personnelle, vous en apprendrez un peu plus, j’y vais un peu fort car il y avait tant de choses à dire et à mettre en scène avec une personnalité comme cela, enfin bref.
A quoi bon! Ce film ne sert à rien. Presque une désertion totale dans la salle. Un ennui profond mais qui a le mérite d'être constant. Bravo pour cette prouesse.
J'adore Risi mais là, il faut reconnaître, que les invraisemblances du scénario, combinées avec un humour qui, pour une fois, ne passe pas du tout la rampe, ne permettent pas à cette Chambre de captiver le spectateur. L'association Dewaere / Tognazzi ne convainc en effet pas, ce dernier - malgré son génie - ne parvenant pas à être crédible dans son rôle de tombeur égrillard. Restent Ornella Muti, magnifique mais, alors, piètre comédienne, dont il faudra attendre quelques années pour qu'éclose son talent ("Conte de de la folie ordinaire", "Le futur est femme"...) et le lac Majeur, particulièrement bien filmé.
Un navet de la pire espèce. Rien a voir avec le premier opus.
Que dire ... nul et perte de temps .... Les personnages ont bien joué leurs rôles , mais l'histoire ne ressemble a rien, chaque scène était prévisible et sans intérêt , la ligne Narrative étais très vague. on y apprend rien sur le monde de l'art a part la concurrence des entreprises et encores cetais très mal traités.
ouais ! very moyen assez plat , les acteurs sont assez bons mais il y a des moments où on s'emm....,pardon on s'embête un peu
Pas mal, bonne aventure, avec des enfants diable et Ice Cube qui fait de son mieux. Agréable a voir
digne d'un tv-film... aucune innovation, aucun rythme, aucun suspense. Meme le scénario qui pouvait etre sympa est nul.
Quelle ambiance! Si le "choc entre les classes sociales" est intéressent au début, le reste est véritablement mauvais. Ce film est un navet l'histoire est pesante et on a envi de quitter l'écran au plus vite. A noté la prestation de la petite fille qui joue très bien son rôle (et ses répliques sont très intéressante mais ne sauve pas ce film).
Le western américain a la faculté d’offrir au cinéma l’équivalent de l’épopée littéraire. Genre de prédilection de John Ford, le western prend tantôt une allure mineure («Wagon Master» (USA, 1950)) tantôt une grandeur épique («Stagecoach» (USA, 1939)). «The Searchers» (USA, 1956), œuvre pilier dans le cinéma fordien, est l’apogée de l’aventure romanesque. La quête du Paradis perdu, thème essentiel de John Ford, se décline là sous la forme d’une poursuite incessante. Ethan Edwards (John Wayne), ancien combattant de la guerre de Sécession, voit la famille de son frère massacrée par un groupe d’indien rebelle. La partialité cathartique du film expose davantage les indiens comme une horde sauvage que comme une tribu révoltée. Seules les deux nièces d’Ethan survivent. D’une longue recherche sous la tutelle d’une chasse raciale, Ford réalise une œuvre aussi belle qu’elle est fougueuse. La technique engagée sur le tournage, en l’occurrence le VistaVision, n’y est pas indifférente. Large étendue des plaines, chaleur pudique des couleurs, c’est un délice léché qui caractérise les images. Le charme est d’autant plus exquis qu’il érige la poursuite en un fabuleux récit. Oserions-nous imaginer que «L’Odyssée» d’Homére eût été conté en prose ? Il repose là du même ressort. L’élégance des images de Ford n’a d’égal que la beauté du récit. «The Searchers» est à tort blâmé pour son racisme. Certes, la haine du personnage de Wayne meut la poursuite, mais elle est in fine cicatrisée par une réminiscence magnifique. Quand Ethan Edwards soulève sa nièce devenue femme, c’est l’écho du même geste tendre de l’introduction. C’est sur cette incroyable prépotence de la famille, la capacité que Ford a de nous lier à la famille d’Ethan que repose l’affect du film. Grande épopée chevaleresque, «The Searchers», sans conteste un des plus beaux films de Ford, fournit la base de la violence du cinéma américain contemporain mais aussi élève le western au rang de genre épique suprême.
Traffic est sans aucun doute l'un de mes Soderbergh préféré. Un film "mafieux" qui ne ressemble à aucun autres. En effet, il est très original dans le sens où il entremêle plusieurs histoires de plusieurs personnages qui ont des liens indirects entre eux et qui touchent à tous les étages aux trafic (flics corrompues, DEA, Tête pensante, politiciens, consommateurs). Le film montre également toutes les personnes périphériques au trafic de drogue entre les Etats-Unis et le Mexique. Le casting est lui aussi époustouflant: Michael Douglas, Catherine Zeta-Jones, Don Cheadle, Benicio Del Toro, Dennis Quaid, Luis Guzman, ou encore Steven Bauer et Salma Hayek. Rien que ça... Bref, Traffic est un film à voir absolument.
nul..il se passe rien...histoire prévisible. scénarios dignes de séries B. la musique essaie de donner plus de suspens mais souvent à outrance.
Les films apathiques de Philippe Garrel n'ont jamais été ma tasse de thé. Celui-ci faisant près de trois heures, il m'a particulièrement gonflé. (Et oui, moi aussi je peux être un poète à 2 balles)
sa aurai pu être pas mal du tout mais pour finir c'est assez mauvais pas grand chose à tirer de ce film mise à part que c'est assez gore par moment
Un bon film policier. Une très bonne histoire avec des rebondissements. Un joli casting pour un film assez peu connu.
Simple, juste, intemporel. Du bon Oliveira comme on ne n'en verra bientôt plus.