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Avec "Le premier cercle", Laurent Tuel nous tricote un petit polar qui manque singulièrement de punch, de profondeur des personnages et une relation père fils qui n'est pas assez accentuèe pour qu'on puisse y croire! Niveau scènario, c’est très basique: la prèparation d’un casse, la police qui veille, un amour impossible et un hèritage familial lourd à porter...Malgrè une mise en scène soignèe et la beautè lumineuse de Vahina Giocante, l'enquête policière manque de rythme, traînant en longueur (sauf pour le hold-up) et le film manque ègalement d'un minimum de vèritè notamment Jean Rèno, inexpressif en chef de clan! Une dèception au final car le jeune Gaspard Ulliel ètait parfaitement à l'aise en fils de truand et les dècors naturels superbes...
The Major and the minor est le premier film de Billy Wilder seul et, comme il le fera toujours en tant que scénariste, c'est lui qui l'a co-écrit. Certes, on n'est pas encore dans les chefs-d'oeuvres de maturité du maître, mais il s'agit véritablement d'une plongée dans l'univers de Wilder, avec ses quiproquos désopilants, ses dialogues irrésistibles et ses personnages doubles-jeux malgré eux. Ginger Rogers joue à merveille ses rôles de fillette-jeune fille/femme - mère/ grand-mère, et se joue avec plaisir de tous les naïfs qu'elle croise, à commencer par Ray Milland. On est transporté de fil en aiguille depuis New-York dans un train pour l'Iowa, et puis dans un camp de militaires aux allures de camp scouts, avec des plaisanteries et des pirouettes typiques de Wilder. Billy Wilder, habitué des scénarios sophistiqués, assure d'emblée de jeu une mise en scène solide, même si elle n'a pas été reconnue avant Le Poison. Pourtant, son génie crève les yeux, et c'est toujours avec délice qu'on peut revoir ses premières, qui ne sont pas même effacées par les plus grands succès de Wilder.
Bof bof vraiment. C'est un film convenu, pas très original, pas du tout palpitant ni drôle, ni émouvant. C'est le film le moins bien de ce réalisateur. "Barbecue" et "Retour chez ma mère" étaient vraiment beaucoup mieux. En plus, cette femme qui s'épanche dans un bouquin (en parlant aussi de ses proches) et qui trompe carrément son mari (même s'il est devenu impuissant), c'est tout simplement agaçant. Je n'ai pas bien adhéré à cette histoire qui, de surcroît, est assez banale, terne, sans envergure.
Le film est mauvais , le scénario attendu , tout ce passe comme prévu , aucun vrai rébondissement , Jeffrey dean Morgan n'est pas crédible , en plus de mettre christopher lee sur l'affiche du film est juste pitoyable alors qu'il a 3 scènes , donc un conseil evitez - le !
Dialogues grossiers, clichés à la pelle, des acteurs qui en fond des tonnes, même le casting élogieux ne sauve pas cette "comédie" barbante. A éviter
Peu légitime dans le cinéma engagé Bolognini s’est attaché le très politisé Ugo Pirro, auteur des scénarii d'�Enquête sur un citoyen au-dessus de tout soupçon� et “La Classe ouvrière va au paradis� pour Elio Petri. Il retravaillera avec lui sur “L’héritage� quatre années plus tard. « Chronique d’un homicide » commence par une manifestation bâclée avec au total un trentaine de figurants (ce sera encore plus nul lors de l’affrontement avec les fascistes, un peu plus tard) et un côté caméra à l’épaule qui dans la confusion des plans permet de masquer l’absence de moyen. Heureusement il y a la suite, même si la pesante et inappropriée musique d’Ennio Morricone amène un côté balourd qui contraste avec la finesse du propos. Cette histoire d’abord profondément engagée à gauche, va peu à peu basculer dans un drame générationnel et la fin à ce titre, est plutôt éloignée des conventions de ce genre de film. Le réalisateur condamne les extrêmes, et s’appuie sur un trio d’acteurs remarquables, avec une sobriété des décors qui ne laissent aucune place à la digression. Massimo Ranieri retranscrit bien la progression implacable vers l’abandon de tout sentiment au profit de la logique révolutionnaire pure et dure, finissant par n’opposer que du mépris à sa famille bourgeoise, dans des scènes douloureuses où sa mère (Valentina Cortese) ira de détresse en détresse. Enfin Martin Balsam joue avec beaucoup de complexité cet homme à la fois juge intègre qui résiste aux pressions des deux issues jouées d’avances et père aimant qui voudrait comprendre comment la jeunesse en est arrivée à de tels extrêmes. Malheureusement, le reste du casting n’est clairement pas à la hauteur et il est regrettable, que la médiocre Petra Pauly soit utilisée essentiellement pour figurer dans une scène où on la voit seins nus avec une autre fille. Y viennent faire quoi les nichons??
C'est long, très long, prétentieux et mortellement ennuyeux. Des plans fixes interminables et inutiles. Aucune émotion. Le générique de fin est le meilleur moment du film.
Frederick Wiseman est un documentariste passionnant. Sa méthode consiste à s'immerger dans un lieu ou un institution et à l'observer avec discrétion (ni commentaire ni entretien). Cela conduit à un tournage intense (ici, 12 semaines de tournage de janvier à mars 2012) pour en repartir avec une matière importante (ici, 160 heures de rushes) puis à un long et patient travail de montage où le film émerge peu à peu. Ainsi, avec un sens assuré du cadre et du rythme, il nous plonge au cœur du fonctionnement d'un musée qui depuis son origine place l'Art au cœur de la Cité (le musée est situé à Trafalgar Square, soit au cœur de Londres).
pas du tout a mon gout trop absurde aussi drôle que les mauvaises blague carambar. a voir pour la curiosité si il pleut et que vous avez vraiment rien d'autre a regarder. desolé pour ceux qui ont aimé
L'ambiance des films allemand des années 20 a souvent un petit coté sinistre involontaire du coup on passe de la vie normale des personnages à l'intrigue sans vraiment voir la différence. Donc ça rend ce film muet assez ennuyeux malgré la présence de Marlène.
La-men-table. Sidéré par tant de médiocrité. Une réalisation à l’emporte pièce, un début poussif et une présentation des protagonistes lente et douloureuse, tant elle n’est ni drôle, ni captivante. Tout sonne faux : Les liens d’amitié, les histoires de coeur. Tout est caricatural à l’excès. Même cette bande de dépressifs, au mieux débiles légers (le gardien de la piscine) ne parvient pas à donner le change sur la nature de leurs relations, ni même sur le fond. Parfois joyeux, toujours déprimants. Comment ne pas vouloir fuir ce spectacle sans saveur au bout de 45 minutes ? En étant coincé dans le milieu de la rangée. Un léger sursaut avec l’apparition d’une nouvelle coach sans jambe, tyrannique et vulgaire, qui parvient à arracher quelques sourires. Une fin caricatural, au gout amer de happy end. Écœurant jusqu’au bout. Ce film, un feel good ? A fuir.
Comment dire??? Des monstres et des robots géants. C'est tout se qui a de bien dans ce film. Bof bof bof bof!!!!
Une soupe de plus, non même une vrai daube. A éviter
Primé trois fois au Festival de Cannes 1991 (Palme d'Or, prix de la Mise en Scène, Prix d'Interprétation Masculine), "Barton Fink" est un des films les plus étranges de la filmographie des frères Coen. S'inspirant du blocage qu'ils ont rencontré lors de l'écriture de "Miller's Crossing", ils nous livrent ici une réflexion sur les affres de la création au cœur de l'Hollywood des années 40 où les studios étaient tout-puissants et où la créativité des auteurs étaient brimés par leurs contrats, menant certains à l'alcoolisme. L'époque n'est pas choisie au hasard et certains personnages sont fortement inspirés par des figures emblématiques du cinéma de ces années-là. Mais au-delà de brimer Hollywood ("jette une pierre ici, elle tombera forcément sur un scénariste" dira un producteur dans le film), le film va plus loin et nous montre un personnage en proie au doute, incapable d'écrire un film de série B sur le monde du catch, tellement coincé par ses idées sur la dramaturgie qu'il oublie d'écouter les autres. C'est dans cette atmosphère étrange et moite (surtout lors des scènes dans l'hôtel) qu'évolue le film qui finit par nous dérouter complètement pour mieux nous intriguer et nous pousser à la réflexion. En effet, "Barton Fink" est un film à plusieurs niveaux de lecture comme en témoigne certains objets (le cadre dans la chambre, le paquet de Charlie) ou le personnage de John Goodman, tour à tour amical, jovial, inquiétant et surtout intriguant. Et au cœur de cet univers, le personnage de Barton Fink se débat du mieux qu'il peut pour s'en sortir, coincé entre son blocage d'écriture et des personnes qui ne font rien pour l'aider (l'écrivain alcoolique inspiré de Faulkner, le producteur qui réclame la touche "Fink" sans pour autant laisser parler son interlocuteur). John Turturro, dans le rôle complexe et torturé de Fink, offre d'ailleurs là une de ses meilleures prestations.
Quel gâchis : de bons acteurs, un pitch qui aurait pu être intéressant ... et un film TOTALEMENT RATE !!!! Ce film est une grosse, très grosse merde, taillée comme un blockbuster ! Même Disney ne fait pas aussi mièvre dans ses films adressés au moins de 10 ans !!!!!!!!!!!! Si vous avez un cerveau, fuyez !
J'ai sèrieusement du mal à comprendre les critiques négatives envers "La légende de Beowulf". Quand j'entends que le scénario est nul ou que c'est moche, ou qu'il n'y a pas de rythme je deviens fou. Comment ne peut on pas voir ici le meilleur film d'héroic fantasy depuis "Le seigneur des anneaux", le cadeau ultime pour les geeks et les fans de fantasy élevé à "Conan le barbare" ? Epique, barbare, bad ass, violent, politiquement incorrect, spectaculaire, "La légende de Beowulf" s'inscrit comme le digne héritier du barbare cimmérien. Visuellement proche des écrits de Howard et de Tolkien, scènes d'actions extrêmement inspiré de la démeusure spectacuaire de "God of war", scénario en bêton armé écrit par Roger Avary, co-auteur de "Pulp Fiction", alliant grand spectacle et personnages pronfonds, racontant les démons et les faiblesses d'un homme, les démons des hommes. "Entre la vértié et la légende, mieux vaut imprimer la légende" c'est la phrase clé du western de John Ford "L'homme qui tua Liberty Valence" et cette phrase colle parfaitement à ce qu'est Beowulf. La mise en scène ultra virtuose en fait certes parfois un peu trop, Zemeckis prenant un plaisir fou avec ses nouveaux jouets, la performance capture étant encore experimental à l'époque. Peu de monde voyait l'intêret de cette technologie, d'ou son échec commercial. A mes yeux, "La légende de Beowulf" représente l'anti "300" en terme de film de barbare. L'un étant involontairement drôle et statique, l'autre bad ass et spectaculaire. Et pour une fois, on a droit à un blockbuster pour adultes et pas pour mioches avec des "Narnias" et compagnie tout pourris. "La légende de Beowulf" a tout d'un classique du genre.
"Lost Horizon" de Frank Capra est sans doute le plus cèlèbre de ces films qui ont pour thème la dècouverte d'une civilisation perdue, vèritable paradis terrestre par ailleurs! (il s'agit encore une fois de l'adaptation d'un roman de James Hilton, en l'occurence). Luis Bunuel, en diverses occasions, exprima son admiration pour cette oeuvre, et cela n'a rien d'ètonnant! L'histoire, assez romantique, est celle d'une expèdition en avion parvenant au pays (de pure fiction) de Shangri-La! La mystique tibètaine aidant, les habitants, des immortels, y vivent dans une paix perpètuelle! Tout cela baigne dans une profonde poèsie onirique! L'imagination qu'y dèploie Capra est bien èloignèe de celle des comèdies prètendument rèalistes auxquelles il doit sa cèlèbritè! Dans ce classique injustement oubliè, il nous fait entendre quelque chose qui est en chacun de nous et qui brille du même èclat que les neiges du Shangri-La: l'appel vers l'inaccessible! De plus les dècors sont superbes et l'interprètation (Ronald Colman surtout) remarquable! Un formidable hymne à la paix et à l'amour qu'il faut rèhabiliter de toute urgence...
Android Chaotique... Il ne se passe rien et si action il y à, alors vous vous retrouvez avec les protagonistes qui font de la poursuite surplace dans un désert, plus avec des petits z'avion robotique, navrant et ennuyeux.
Les 2 actrices sont exelentes,mais le scenario est plat et ca devient ennuyeux.
comédie gentillette qui s'oublie très vite PLV : à réserver aux fans de Michael J. Fox toujours aussi sympathique.
Famille, rédemption, baseball : infernal triptique du cinéma US. Un fermier entend une voix qui lui dit de construire un terrain de base ball. - > Il le fait et voit débarquer sur ce terrain une glorieuse équipe de joueurs morts. Puis la voix persiste et l'envoie chercher un écrivain noir à l'autre bout des US, puis c'est l'affichage d'un stade qui l'envoie quérir un médecin, mort aussi, dans le Minesota Au retour sur ses champs de maïs, c'est in fine son père mort qui revient en baseballeur pour qu'ils puissent se réconcilier (et le médecin va servir pour sauver sa fille et un public drainé par la voix (?), va se payer un match à l'ancienne pour sauver la ferme de la faillite). Incroyable gloubiboulga à base de métempsychose et de guimauve familiale. Sidérante mélasse qui concourrait en son temps pour l'oscar du meilleur film !! Bon, y'en a qui aiment. Mais ceux qui craignent le genre seront prévenus.
Premier long-métrage pour Abel Ferry qui s’est attelé à un film de genre avec Vertige (anciennement titré "Ferrata") où l’on se retrouve en pleine montagne aux côtés d’un groupe d’amis fin près à escalader une montagne réputée pour les sensations qu’elle procure ! Le film se découpe en deux parties, la première est assez redondante car elle traite des phobies (peur du vide essentiellement), avec quelques passages pour le moins calme (trop calme ?). Puis la seconde partie prend un virage à 180 degrés et vire au survival (le groupe se retrouve pourchassé par un psychotique pouilleux). Si Abel Ferry ne révolutionne pas le genre, il distrait aisément (à partir de la deuxième partie), grâce à ses comédiens efficaces et sa mise en scène qui alterne avec des plans subjectifs. Vertiges & adrénalines sont au programme de ce survival estival !
Facture classique, biographie tronquée : cette description de "la faille" sentimentale d'Oscar Wilde donne envie d'en savoir davantage sur l'avant-gardiste qu'il semblait être en pleine époque victorienne, quand le rang social positionnait l'individu, le plus aristocrate pouvant aussi se voir couper les vivres. Le grand homme (acteur Stephen Fry de haute stature) plus mère ou père de substitution qu'amant du jeune à la peau douce (Jude Law, qui fait tout gracile à côté). La cruauté juvénile décuple la compréhension déjà évidente du conteur attitré de ses propres enfants. Bosie, intrigant à fuir après consommation, sera cause de l'opprobre, alors que les choix d'admirateurs semblaient inépuisables... Distribution étincelante, situation claires, contraste entre les acteurs, permissivité sexuelle pour mettre à l'épreuve les liens. Une société intellectuellement capable mais puritaine jusqu'à l'os. Dialogues délectables, je pense à la présentation des deux "combattants", à l'intervention du Maître au théâtre ou à la barre... Nul doute qu'il maîtrisait l'art de dire les choses sans les dire, toujours armé de sa verve littéraire. Peinture de moeurs, homos ou hétéros s'y retrouvent tellement c'est la passion dans tous ses états. Elégance, capacité à assumer le pire, jamais rien de trop trivial si l'analyste (et sociologue avant l'heure) Oscar Wilde était dans les parages, en tous cas si l'on en croit ce portrait.
A éviter à tout prix, tout est tellement médiocre, que dis-je... MAUVAIS que je ne sais par où commencer. Entre le jeu d'acteur lamentable, le scénario bidon, la mise en scène pathétique l'équation est parfaite pour avoir Messieurs et Mesdames le navet du siècle !
Ocean's Eleven est un film à voir en tant que pur divertissement. Mais divertissement ne rime pas obligatoirement avec sans intérêt (sinon, ce serait quand même dommage). Un casting en or qui remplit son cahier des charges hormis Julia Roberts que je trouve un peu trop lisse, les acteurs sont tous attachants et drôles (surtout Carl Reiner en vieux braqueur à la retraite, absolument délicieux). Le scénario est très bien écrit, et s'il paraît simple au début, il se complexifie au fil du braquage, pour un résultat parfait. Drôle, bien écrit, et pourtant pas trop bling-bling, Ocean's Eleven est ce que l'on peut appeler un bon film.
Un film extraordinaire, un OVNI qui ne peut laisser indifférent. Je comprends que l'on puisse détester ce film viscéral, obscur (comme son titre l'indique), fillm de sensations pures qui laisse toute sa part à l'imagination du spectateur. Bande-son magnifique, images jamais vues, "Sombre" est une expérience. Moi j'ai vraiment beaucoup aimé !
"Cosmopolis" fait preuve d'une indéniable qualité cinématographique tant les images sont soignées et très intéressantes... Les cadrages et la lumière sont extrêmement bien étudiés et flattent au plus au point l'œil du spectateur... De plus, le thème induit par le roman qui a inspiré ce film était particulièrement attrayant mais il y a malgré tout un MAIS de taille qu'on ne peut pas passer sous silence... ! En effet, les dialogues, les paroles qui font tout de même l'histoire risquent d'en rebuter plus d'un même si les échanges sont parfois très riches et très justes ! On commence d'abord par bien s'accrocher, on persévère un peu,... beaucoup, on essaie de comprendre, d'interpréter puis tout finit par lasser... Bien sûr, on pourra toujours se dire que l'incohérence de l'ensemble des situations reflète le chaos général vécu par Robert Pattinson très en forme et très bon dans ce rôle de traider ruiné qui finit par déraisonner totalement ! La relation que le héros a avec les quelques personnages, est pour le moins assez étrange et décousue tout comme les lieux qui se succèdent sans logique apparente... On pourra certes toujours extrapoler et trouver une justification et une explication à ce parcours en limousine, car au fond ce n'est pas si compliqué ... Mais pourquoi toujours vouloir se démarquer au point de faire un cinéma confus, abstrait et hermétique à ce point et au final prétentieux et ennuyeux qu'un certain public encensera ou fera pour le moins semblant ! Après le classique mais néanmoins très bon "A Dangerous Method", David Cronenberg fait donc le choix d'un cinéma plus abstrait mais peu accessible et c'est bien dommage...
Quelques bonnes vannes, quelques bons moments, mais n'étant pas fan de Judd Apatow, j'ai finalement trouvé ça sans style : ni drôle, ni émouvant, ni attachant. A la limite du vide!
Francis Ford Coppola revient en grande forme avec ce petit film plein d'envie qui rappelle le début de sa carrière chez Roger Corman et l'économie des moyens! Un trip visuel accompagné par une voix off glaçante qui donne une forte impression de lente agonie. Une psychologie pour Coppola mais aussi un cauchemar perpétuel pour les spectateurs! Jouant de toutes les forces de sa filmographie (le temps, la création, la famille...) Coppola irrigue littéralement son dernier film en la personne de Val Kilmer qui vit ici peut être son second souffle. Ellen Fanning continue, quand à elle de prouver qu'elle est l'enfant star de cette décennie avec Chloé Moretz ! Un Bruce Dern qui fait froid dans le dos et un scénario entortiller, complexe et surtout qui s'axe autour de l'oeuvre d'Edgar Allan Poe (sobrement interprété par Ben Chaplin). Bref, un grand moment de cinéma indépendant qui prouve enfin que le rêve du Nouvel Hollywood pouvait arriver à termes!
Voila un bon thriller avec des acteurs, des dialogues et une intrigue qui m'ont plu. L'intrigue s’avérera peut-être trop simple, mais ce qui est certain c'est que les personnages ne le sont pas. Ils portent tous un masque, et quand ils le tombent ils sont moins beaux. A vrai dire c'est un très bon film. Pour une fois qu'on ressent de l'empathie, du dégoût, n'importe quoi, c'est la preuve que c'en est un. Appréciez aussi la bande son, elle mérite qu'on s'y attarde.
Une catastrophe absolue, indigne de la série, laide, stupide, aux frontières de ce qui est humainement supportable en terme d'ennui.
franchement film ennuyant j'ai perdu mon temps a le regardé passé votre chemin rien de vraiment intérréssant si ce n'est la musique angoissante a coup de violon mais franchement le film est d'un ennui total!
Chiant mal joué ,moche ,Le film le plus nul de Rob Zombie
On voit de moins en moins de western de nos jours, au cinéma. Le plus souvent, ce ne sont plus des westerns à l’ancienne, mais des réflexions sur le genre. Sherif Jackson se place entre les deux. En effet, si on retrouve les éléments chers au western dans Sherif Jackson, surtout dans les personnages stéréotypés (le banquier véreux et à la solde du grand méchant, les nouveaux arrivants mal vus, la maison close…), on est bien plus dans une histoire de vengeance pure et simple. Si les distributeurs français ont centré le titre du film sur le personnage secondaire d’Ed Harris, le long métrage est bien plus centré sur le personnage de January Jones. Malheureusement, aucun de ces deux acteurs (voire même les autres) ne sont bien castés. Même s’ils sont plutôt bons (surtout Eduardo Noriega), ils ne sont pas crédibles dans les rôles ui leurs sont attribués. Le film se veut être original. Là, les frères Miller ne se sont pas loupés, le film est vraiment original. Mais l’originalité ne fait pas tout : il faut garder une certaine cohérence dans les personnages, dans leurs évolutions, dans leurs interactions avec les autres, une certaine cohérence dans l’intrigue, à partir du moment où on choisit d’en avoir, afin que le spectateur puisse croire ce qu’il se passe. Et ceci n’arrive absolument jamais dans Sherif Jackson. Pour deux ou trois scènes réussies (dont celle du repas où s’invite le Shérif Jackson), le film est particulièrement ennuyeux, très mal réalisé (le climax est catastrophique) et se trouve être bien trop long, même à 90 minutes seulement. Sherif Jackson est un vrai loupé, un film ennuyeux, qui monte crescendo jusqu’à une fin catastrophique. Malheureusement pour les frères Miller, à ce point-là du film, le spectateur ne s’intéresse déjà plus à ce qu’il se passe.
Film vu en philo et intelligemment choisi d'un point de vue pédagogique. Cinématographiquement parlant, ce long-métrage néo-zélandais (réalisé par une Niki Caro qui a depuis fait ses preuves à Hollywood) mondialement récompensé (les Festivals indépendants lui ont fait la part belle) est à l'inverse très loin d'être abouti bien que pas désagréable. La culture maori n'est que très peu connue en Occident, aussi un traitement de ce thème semblait plus qu'intéressant, qui plus est sans se noyer dans une fresque historique ou je ne sais quoi de ce genre... Le début du film se révèle donc forcément intriguant, attisant notre curiosité sur des normes et valeurs dont nous ne sommes pas forcément familiers. L'introduction complètement ratée jette malheureusement un froid, entre ralentis inappropriés, montage tape-à-l'oeil et choix sonores très discutables. Une petite voix-off termine d'exposer maladroitement les faits avant que l'oeuvre ne puisse enfin réellement démarrer. Durant disons une heure, les personnages (attachants) maintiennent à flots une production peu inspirée visuellement qui parvient malgré tout à retenir l'attention de par les émotions véhiculées. Les valeurs de respect et de tolérance ne m'ont bien évidemment pas laissé insensible dans la mesure où elles ne sont pas trop lourdement mises en avant. L'interprétation de qualité (notamment la petite fille) a de quoi convaincre, et ce malgré les grossièretés du récit. Et puis, dans le derniers tiers, ça se gâte : les sentiments ne sont plus présents que pour servir un gros mélo, exagéré, alourdi par une réalisation pesante en plus d'être conformiste ; les travers observés lors de l'ouverture refont leur apparition jusqu'au point de saturation pour le spectateur. Bien évidemment, il est difficile d'en vouloir à "Paï", petit film parmi tant d'autres qui est parvenu à nous captiver une bonne partie du temps mais dont les maladresses récurrentes finissent par le plomber, malgré de bonnes intentions incontestables.