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Auteur du séduisant « Jean-Philippe » trois ans plus tôt, c'était avec un a priori favorable que j'ai découvert « Le Premier cercle » de Laurent Tuel, qui n'a hélas rien de comparable à un autre cercle illustre : rouge, celui-ci. J'ai d'ailleurs rapidement compris que j'allais connaître un calvaire devant des dialogues à hurler, des situations risibles, des personnages bidons et des acteurs souvent en roue libre sans la moindre once de charisme. Pour être d'ailleurs honnête, j'ai déjà oublié 90% du film, si ce n'est son incapacité chronique à provoquer une quelconque tension, empathie durant 95 minutes. Heureusement que la plastique sublime de Vahina Giocante est là pour nous occuper un peu les yeux et le règlement de comptes final plutôt bien fait, car pour le reste, Tuel se plante en beauté, signant probablement l'une des réalisations les plus lourdes et insignifiantes (les deux en même temps, fallait le faire!) de ces dernières années, à l'image d'un dénouement absolument ridicule, mais parfaitement à l'image de l'œuvre. A fuir !
Je voulais mettre une étoile, si j'en mets deux c'est uniquement pour le rôle de la belle mère, belle interprétation! Je ne peux pas en dire autant des autres acteurs, surtout le personnage principal, il n'y a aucune émotions, rien c'est mal joué, c'est dommage car l'idée de départ était bonne, mais ce qui déçoit le plus en ce qui me concerne, c'est la fin!!! nullissime!!! La réaction de la jeune fille est totalement incohérente, ça fout en l'air tout le film. N'y allez pas surtout, il n'y a pas d'angoisses, pas de passion, pas d'émotion......
Interrail est un film réalisé par Carmen Alessandrin, la fille de Lisa Azuelos connu notamment pour le film "LOL " dont elle est réalisatrice. On retrouve d'ailleurs toute son influence dans un film que Lisa Azuelos aurait pu réaliser. Dés les premières secondes du film, le spectateur rencontre des personnages totalement archétypes qui seront exagérés tout au long du film. Les dialogues n'apportent rien à la narration et au développement des personnages, qui pour certains sont mal joués. Il n'y a donc aucune évolution et pourtant certaines pistes été bien trouvées. Lle triangle amoureux qui est quand même le conflit central du groupe commence bien mais ne va pas jusqu'au bout des choses (les deux filles passent très très vite à autre chose alors que la trahison est relativement forte). L'histoire personnelle de Lou est bâclée alors que nous nous attendons à comprendre pourquoi ce stage est si important pour elle, à quel point elle aime le journalisme et tout l'émancipation qu'elle essaye d'avoir vis-à-vis de sa mère. Sa caméra, qui est pourtant un élément très intéressant, n'est pas suffisamment mis en valeur pour comprendre le dur geste qu'elle va devoir faire pour gagner un peu l'argent. La relation entre Malik et son frère qui est une très bonne piste nous laisse sur notre fin... bref toute ses bonne idées ne vont pas jusqu'au bout. Sur le plan de l'évolution narrative le spectateur ai dépourvu de toute évolution. Les obstacles se resolves avec une facilité déconcertante qui en devient ridicule.
Ben pour poursuivre sur les "films" que Selena Gomez a tenté de faire, en échouant systématiquement. Faut dire qu'elle est pas aidée, ni par le scénario (souvent débile, ça doit être un bizutage à Hollywood de commencer par un navet), ni par la musique, ni par les tentatives d'humour foireuses, ni par quoi que ce soit d'autres. Bon certes on a un casting entre séries et films de série B (j'ai nommé ML Parker et Elisabeth Shue), deux actrices que j'apprécie, mais comme elles se font allègrement voler la vedette par une fausse actrice tant pis pour la note finale, surtout que rien d'autre ne relève le niveau. A voir si vous aimez les ados, le parler sexe de façon cucul.
Il est tout à fait possible de faire un film de braquage sans fusillade et c'est Sidney Lumet qui en apporte la preuve. "Un après midi de chien" marque une rupture avec les autres films de ce genre dans lesquels les voyous mettent au point tous leurs plans de manière organisée . Lumet s’est d'ailleurs inspiré d’un fait réel ayant eu lieu en août 1972 pour nous montrer les répercussions d'un hold up manqué planifié par des deux bandits de très petite envergure. Deux bandits qui se retrouvent pris au piège, assiégés par les policiers et qui n'ont pas d'autre solution que de prendre des employés de la banque comme otages. Alors que le huis-clos bascule lentement vers le drame psychologique, ce fait divers banal devient une véritable affaire médiatique, démontrant une société américaine particulièrement soumise à la pression des journalistes. "Un après midi de chien" vaut également par l'interprétation d'Al Pacino qui incarne un personnage homosexuel et par celle de John Cazale qui malgré ses allures lymphatiques est un personnage particulièrement inquiétant. Du grand Sidney Lumet...
On se passe de commentaire quand on tombe devant un film 100 % Français de cette ampleur ... Gerard Pirès tente ici en vain d'imiter le cinéma Américain et c'est d'un raté sans nom . Scénario bidon couru d'avance , casting sympa pour les comédies mais frustrant pour un drame ; on sort dépité de cette réalisation du dimanche . Seuls les effets spéciaux restent globalement correctes mais ça ne sauve rien . A oublier très très très vite
Après le succès de "Le bleu des villes" (1998) Stephane Brizé réalise une sorte de "Ronde" (1950 par Max Ophüls) version hyper réaliste et moderne. On voit 12 couples plus ou moins officiels pour des instantanées de leur quotidien intime. Le film est produit par Claude Lelouch en un mibimum de temps, avec un budget limité et avec de vrais comédiens mais débutant au cinéma. Malheureusement cet économie de moyens et l'ambition de cette expérience manque cruellement de chair. La mise en scène trop statique ajouté au jeu trop théâtral des comédiens donne la douloureuse sensation d'être en présence d'une répétition théâtrale. Les scènes se suivent comme autant d'actes sur la banalité des scènes, elles-mêmes pas aidées par des dialogues peu intéressants. Par contre, l'ensemble est un témoignage assez précis certe moins glamour mais plus ancré dans la réalité des choses. Bon point en tous cas pour l'improvisation "contrôlée" des interprètes. Une ambition louable que ce film, qui pourtant semble avoir eu le bénéfice d'une liberté totale pour le réalisateur (dixit Stepahne Brizé lui-même), mais qui ressemble surtout à un film d'étude de fin d'année d'une thèse sociologique.
"Ghosts of mars" résulte d'une totale incompréhension. Car l'auteur aux manettes n'est autre que John Carpenter, metteur en scène de nombreux films fantastique (plus ou moins réussis) fin 70's début 80's qui sont devenus des classiques pour toute une génération (pèle-mêle citons "Fog", Assaut", "Ney York 97", "The Thing" ou "Halloween"). Depuis la décennie 1990, il s'est enferré dans une pléthore de séries B fun mais auto-paraodique à l'image de "Los Angeles 2013" suite ultra jouissive du culte "New York 97" qui s'est tapé un bide cosmique lors de sa sortie salles. "Ghosts of Mars" ne déroge pas à la règle ni à celle d'ailleurs de la bande-annonce ultra-fun et ultra-mensongère. Ici, comprenez qu'on a le droit a un patchwork entre "Aliens le retour" (l'arrivée dans une ville hostile remplie de monstres), "Le Témoin du Mal" (l'esprit se déplace de corps en corps) ainsi que "Total Recall" (les mêmes décors rouges de Mars) ou "The Thing" (pour une pseudo-paranoïa sur qui est infecté). Passé une première heure ennuyante à mourir où le groupe constitué de nombreux seconds couteaux (Ice Cube, Jason Statham, Pam Grier) explore les recoins de la ville sans que rien ne se passe, Carpenter nous offre de qu'il sait faire de mieux à savoir trente dernières minutes où mené par un Ice Cube inexpressif, le groupe se met à dézinguer chaque monstre sur une musique de rock ridicule tandis que le chef des méchants est grimé comme le chanteur d'un groupe de black métal. Ne parlons même pas de la mise en scène façon téléfilm NT1 qui est constitué autour d'une histoire flashback totalement raté même si on est déçu de ne pas voir cette scène finale rêvée d'une nouvelle bataille entre Natasha + Ice vs Ghosts of Mars....
Un film d’aventures urbaines à l’ancienne, rythmé par des situations évidemment improbables. On s’amuse davantage dans la seconde partie, quand cela vire à l’exagération cartoonesque. C'est très divertissant et aucun risque d'ennui.
Le premier film de Rollin que je vois. Je peux dire que dans le domaine des séries Z à la française, je n'en suis pas déçu ! Il s'agit d'un des films amateurs les plus pitoyables ( eh oui, comment peut-on appeler ça un film de professionnels ? ) à tous les étages : scénario, acteurs, rythme, direction artistique, son, réalisation, absolument tout. Puis le titre n'a pas l'air de respecter les attentes du spectateur. On y trouve plus d'érotisme à deux sous que de l'action. Et en parlant d'action, les morts-vivants ne sont pas crédibles, on se croirait en plein Carnaval, ils sont invincibles quand on leur tire dessus, lorsqu'ils se bagarrent entre eux c'est pire qu'un match de catch ennuyeux. Je pense que l'histoire doit être le bouc-émissaire du film : une histoire d'amour et de famille mal construite, très naïve, on a très envie de donner une bonne paire de claque à la petite fille tellement son jeu est inadmissible, surtout le “Non, taisez-vous monsieur le maire”, avec une voix monocorde tout au long. C'est un robot en fait ? Les anachronismes sont multiples, le son est tout droit sorti d'un répertoire sonore, le montage est lacunaire, les acteurs sont tout sauf motivés . . . Même un crétin pourrait faire mieux pour ce film. Il mérite parfaitement sa place à Nanarland.
Encore un magnifique film de Sirk. La mise en scène est grandiose, les couleurs vive comme toujours. Bien qu'il s'agisse d'un remake d'un chef d'œuvre des années trente, cette version apporte de nouvelles choses et les acteurs principaux sont touchant !
Alors, celui-là, y a pas à tortiller : c'est du Ken Loach comme on l'aime. Tout dans ce film respire la patte du réalisateur et notamment son obsession au réalisme. La mise en scène est sobre, à la limite du documentaire, mais reste efficace pour montrer le côté triste des quartiers populaires d'Écosse. Pareil pour le choix des acteurs : le casting n'est constitué que de purs inconnus qui jouent bien leur rôle. Bien entendu, l'acteur principal du film Martin Compston est une véritable révélation en interprétant avec justesse le rôle d'un adolescent à la fois détestable et attachant. En fait, le film raconte l'histoire de ce jeune garçon qui va tout faire pour rendre sa famille heureuse, allant jusqu'à se lancer dans le trafic de drogues. Malheureusement, il rencontrera beaucoup trop d'obstacles pour finalement voir sa quête vouer à l'échec et commettre un acte désespéré. On ne peut qu'être touché face à l'histoire d'un garçon en manque d'affection et de repaires qui a de bonnes intentions au départ mais se prendra ensuite de mauvaises décisions. Et c'est là la force de Ken Loach : 'arriver à insérer de grands récits au sein d'une triste réalité. Bref, "Sweet Sixteen", c'est un très bon film et je vous le recommande.
Je sus sorti pris à la gorge comme rarement un film m'en a donné l'occasion. Un documentaire magnifique sur ce qu'est une démarche artistique. Aussi farfelue puisse-t-elle paraitre quand on ne fait pas partie de ce monde, cette démarche est finement disséquée avec simplicité pour nous donner à voir, et surtout à ressentir, l'amour pur et le don de l'artiste pour son art. Le film nous fait vivre la préparation de l'exposition de Marina Abramovic au MoMA tout en opérant une rétrospective qui met en lumière sans doute l'une des plus belles histoires d'amour vue au cinéma.
Un petit film francais sur des valeurs d'actualités... l'acceptation des choix de nos proches. Des scénes très droles et de bon acteurs !
Jack Cardiff a vidè "La motocyclette", d'Andrè Pieyre de Mandiargues, de tout prolongement, ne gardant que la suite des èvènements! Le rèalisateur a soustrait du livre tout ambiguïtè, banalisant l'intrigue et les personnages, supprimant les dètails les plus significatifs! Ainsi Marianne Faithfull est nue sous sa tenue de caoutchouc, Cardiff faisant appel à un èrotisme franc et sain pour èmoustiller le spectateur! Dans le livre, elle a gardè un slip, mais elle a omis de le changer et il est donc de propretè douteuse! Le trouble èmoi sensuel plus ou moins malsain est ainsi remplacè par l'image de la pin-up hollywoodienne belle et fraîche! De même, dans le chalet où elle est violèe, elle reconnaît qu'il ne s'agit pas de son fiancè en touchant dans le noir le crâne lègèrement dègarni de son amant! Mais là encore le sèducteur professionnel d'âge mûr devient dans le film le classique play-boy aux dents blanches Alain Delon, montrè en un plan très bref teintè d'orange! De fait lorsque Cardiff est impuissant à traduire la magie du langage, il donne dans l'abstrait, terminant les scènes d'amour par un bariolage non figuratif de plusieurs minutes! Aussi, au lieu de respecter le dèbut limpide de Pieyre de Mandiargues (la fille se levant à l'aube pour enfourcher sa moto), le film commence par un curieux rêve psychanalytique à base de numèros de cirque et de dompteurs! Dès lors l'habiletè de technicien du rèalisateur qui fait des randonnèes à moto de superbes moments du cinèma devient inutile! Certaines situations sont en effets puissantes en elles-mêmes, mais d'autres ne valent que par le regard du romancier qui saisit un dètail plutôt qu'un autre et suggère l'explication psychologique! Pieyre de Mandiargues est èvidemment un ècrivain de cette catègorie, le plus difficile à adapter, car il faut tout "rècrire" avec la camèra une fois ètablies les grandes lignes du scènario! Reste une excellente photographie et une interprètation marquante de Marianne Faithfull...
C'est une suite parfaitement réussie. J'ai autant aimé que le premier. C'est bien vu, rythmé, drôle, bien observé. En tant que parent, j'ai autant aimé que mes deux filles, dont l'une est adolescente.
Film extrêmement émouvant, tracé d'une vie hors du commun, celle de David Helfgott pianiste surdoué qui mène une vie de travail intense depuis tout petit, qui sombre peu à peu dans la folie, en ne perdant rien de son incroyable talent pour le piano. Ce qu'il n'arrive pas à dire par la parole, il le dit par sa musique, et ça c'est plus beau que tout. Et Geoffrey Rush est hallucinant !
Attendu par tout les fans du monde et même par les non-fans, dont moi; ce second opus de la saga Star Trek d'Abrams brille par son efficacité et surtout son grand spectacle et parvient même à détrôner son prédécesseur qui était déjà très bon. Abrams parvient, une fois de plus, à nous faire rêver: scènes d'action aux effets spéciaux à couper le souffle et fine touche d'humour comme a son habitude. Mais le metteur en scène oblige, ces films sont aussi écrits très intelligemment. Into Darkness n'y fait pas objection. Extrêmement bien ficelé et mis en scène avec soin, Star Trek Into Darkness se différencie avec brio des autres blockbusters de l'été. Une grand moment de science-fiction pendant deux heures, on en redemande ! Nous retrouvons l'équipage de l'Enterprise face à une menace et pas n'importe laquelle puisque c'est un membre de Starfleet même qui se révélera être l'un de leurs plus grand ennemi. Incarné par Benedict Cumberbatch qui apporte ce côté sombre au personnage, les bandes-annonces ne dévoilaient d'ailleurs aucunes informations sur celui-ci, ce qui est d'ailleurs une excellente idée pour maintenir ce mystère autour de ce "John Harrison" qui en fascinera plus d'un... Jim Kirk est bien moins arrogent que dans le premier opus d'Abrams et Bones bien plus présent se qui sont des bonnes nouvelle pour tout les fans. Michael Giacchino donne du meilleur de lui même en composant un score titanesque et sûrement l'un de ses meilleurs; plus sombre, plus épique bien plus "puissant" que le premier. Into Darkness n'abuse plus de tous les lens flares ce qui rend l'aspect visuel de l'image plus épuré, moins "factice" que le rendu du premier opus se qui est aussi plutôt une bonne chose. Pour finir, Star Trek Into Darkness a beau ne pas faire l'unanimité, une chose est sûre : J.J. Abrams est parti pour nous faire un excellant Star Wars VII !!
PFFF... Que de clichés ! Un film ennuyeux et vite oublié.
Remake inutile de l'excellent film de S. Peckinpah avec Steve McQueen.
Du début à la fin j’ai attendu en vain le démarrage. Dans une stepe morne et marécageuse, un climat glacial, des couleurs ternes... un monastère étriqué avec quelques moines orthodoxes. L’introspection sur les perturbations de l’âme slave et celle de ses moines peint des personnalités nombrilistes, obsessionnelles, torturées par d'innombrables péchés. Mais quels péchés ? L’un pousse du charbon sur une digue de planches enneigées et gelées, l’autre peint des icônes en chambre et le troisième court entre les deux premiers. De quoi auraient-ils du s’accuser, s’ils avaient participé à la vraie vie ? La vision de la religion (et de la vie) projetée par ce couvent est sinistre avec ce moine énergumène et prophète délirant, qui manipule sans ménagement la détresse de pauvres gens crédules. La scénario est invraisemblable (mais sans surprise) : le moine inlassablement creuse dans le même stock de charbon (inépuisable) d’une épave coulée pendant la guerre. Il retrouve au bout de 30 ans son camarade de guerre qu’il croyait avoir tué. Mais comme, finalement, il ne l’a que blessé au bras, celui-ci a nagé tranquillement dans l’eau gelée toute la nuit. On termine par son choix méticuleux du cercueil dans lequel il va s’allonger pour mourir comme s’il décidait d’aller dormir. Après une heure et demie d’ennui, la fin s’envole dans le fantasmagorique qu’un fond de musique russe essaie de rendre mélo et sacré. Certains y ont vu un profond message spirituel. S’il en est un, c’est celui d’une microsociété paralysée par son nombrilisme. Son espérance incantatoire dans la transcendance s’érige en seule échappatoire d’un enfer qu’elle s’est elle-même imposée. La preuve ? Le guerrier mort s’en est mieux tiré : lui, il s’est impliqué dans la vie et le moine lui paraît bien étrange. Dommage d’y avoir perdu la soirée.
Nul, aucun intérêt, tout passe très vite sans intrigue,l'histoire est imprévisible. On a vu mieux comme effets visuels. A zapper.
ça part un peu dans tous les sens, sans véritable histoire ni enjeu. Mais c'est hilarant, dépaysant, cartoonesque et dans la veine de Les Nuls. Il faut donc avoir connu ce groupe et l'apprécier pour plonger dans le Marsupilami. A noter que les effets spéciaux sont plus réussis que dans la plupart des productions américaines. Un vrai bon moment de cinéma divertissant et drôle.
Un film de science-fiction dans lequel le scénario n'est pas un prétexte pour montrer des effets spéciaux (de qualité au demeurant). Non, Virtual Revolution est un film indépendant d'un vrai réalisateur qui suit une idée, qu'on sent travaillée et mûrie, et qui réussit à y faire adhérer ses comédiens. Les acteurs (mention spéciale à l'inspecteur et au hacker) et les effets spéciaux sont au service du scénario et de l'idée qui traverse tout le film. C'est aussi un film qui crée un univers et on a hâte de voir ce que le réalisateur pourrait faire avec un peu plus de moyens.
Une cata ! A ne pas voir avec des enfants, vulgaire, des obscénités toutes les 2 minutes, on a l’impression d’un scénario écrit par des enfants de CE1, et en plus mal joué
La vision américaine de l'Iran est sûrement un peu trop caricaturée, cependant cette histoire (vraie) d'une femme américaine retenue dans le pays natal de son mari par ce dernier, peu être transposée pour d'autres pays. Le film est très fort tellement on est touché par l'épreuve et les obstacles que doit surmonter cette mère. Le film souffre cependant de quelques longueurs.
Un film plutot sympa, rien d'exceptionnel, mais quand même. C'est vrai que le fait de voir des enfants se transformer petit à petit en machine à tuer est affreyant, des moments assez gores réussis, du suspens présent... Mais j'aime beaucoup le côté psychologique du film, les parents n'accèptent pas que leurs enfants puissent être comme ça, et rejettent la faute sur les autres parents, ce qui fait qu'au final, peu d'adulte oseront s'en prendre aux enfants ! Bien dérangeant, les enfants ont vraiment une tête à faire peur, toujours la même expression, le regard vide, brrr. Surtout le bouclé et la blonde ! Bref, à voir. Mais si vous prennez compte des critiques "ouah trop gore, violent, du sang partout, sa tue" etc, vous serez dessus, car je dirai que sur 1h30, il y a... 20 minutes de scènes gore (bien intenses) seulement.
Encore une bonne idée foutue en l'air par Hollywood. Trois quarts d'heure pour mettre en place le décor et les personnages (et encore, ils se sont pas foulés), une demi-heure d'épilogue, et entre les deux, ABSOLUMENT RIEN !!!
Alors là par contre non, bidon, le syndrome de la suite merdique, le nanar... Le jeu de l'actrice à moitié destroy est pitoyable, on sent, comme dans le 3, que besson n'a que ce prétexte pour attirer des filles dans son lit : les faire jouer ensuite. Seulement être actrice s'improvise pas du jour au lendemain sans un minimum de talent. Hormis que le jeu des autres acteurs rattrape rien quand ça l'empire pas, on relève tellement d'incohérences (comment on les retrouve, comment on les sème, comment le héros se protège de 2 chargeurs de mitraillettes avec une fine porte en bois, comment la marmotte met les boulettes dans...) que ça en devient insupportable. Autant le 1er était de facture honnête dans son genre, ça divertissait, autant celui là fait chier franchement et contribue à justifier la réputation de Besson.
Le film que tout amateur heavy métal se doit d'avoir vu au moins une fois dans sa vie. D'ailleurs, en y pensant bien, même ceux qui détestent le heavy métal doivent l'avoir vu ! "Spinal Tap" caricature avec justesse le ridicule (mais aussi le talent) des groupes de rock des années 80. Tout est là et fait échos aux vrais groupes de cette époque : Les chevelures improbables, les goûts vestimentaires douteux, les tensions entre les membres, la mise en scène des concerts à base de flammes et de décors, les batteurs qui s'étouffent dans leurs vomis, etc... Spinal Tap est le documentaire qui parle le mieux du rock des années 80, et pourtant tout est faux !
Quel film Magnifique,à l'image de son interprète principal.Lelouch dont les manies de cinéaste peuvent parfois agaçer,livrait avec "Itinéraire d'un enfant gaté"une oeuvre d'une puissance rare.A travers le destin peu ordinaire d'un homme qui quitte sa vie du jour au lendemain sans laisser de traces,c'est chacun d'entre nous qui peut se reconnaitre.Sam Lion,enfant de la balle,à la carrière brisée au cirque,ne s'y est jamais fait,montant une entreprise qui lui ressemble peu.La BO est à pleurer,et la chanson Le Blues du businessmann reflète parfaitement l'état d'esprit de cet homme.Enchevetrement de flash-back,d'images exotiques,d'humour hilarant et d'émotion intenable;c'est un véritable tourbillon qui nous touche en plein coeur.Malgré ses failles et son apparent égoisme,on s'attache à Sam Lion,car on aimerait tous faire comme lui parfois.Tout plaquer.Belmondo est désarmant de vérité,Anconina est un touchant naif.Une histoire intemporelle...
Un film calme, peut être un peu trop...
Cette série B devrais s'appeler ''Le boucher de l'opéra ''Sinon c'est pas si mal pour une production Menahem Golan.
Très bon film. On se prend facilement dans cette histoire qui en fait en est deux. On s'y prend très vite au jeu et on regarde le développement de chacune. Deux films en un! C est un film précieux.