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"Eastern Plays" où le parcours initiatique violent d'un jeune garçon et la rédemption introspéctive de son frêre qui se demande s'il pourra aimer de nouveau un jour... Un film plus que touchant où le spectateur s'identifie au personnage ... Le premier film d'un cinéaste qui semble vouloir faire des vagues dans le cinéma Bulgare. A voir absolument!!!!
Parmi les multiples sauts d'Akira Kurosawa du côté de l'Occident, l'un des plus beaux, avec «Ran» est «Hakuchi» (Japon, 1951), adaptation de l'ouvrage homonyme de Dostoïevsky. Au retour de la guerre, comme dans «Nora inu», un jeune homme traumatisé, Kameda, se retrouve piégé par sa naïveté et sa propension imparable à dégager un élan de bonté. Kurosawa forme, autour de cette intrigue tragique par son astreinte, une figure récurrente du triangle. Souvent se situe en point hégémonique, la figure vampirique et ensorcelante de Nasu (magnifique Setsuko Hara qui quitte l'émotion douce de chez Ozu pour vêtir un personnage noir et faustien). Dans un cadre souvent composé en triangle, répartissant les points de lecture du cadre en une figure parfaite du dialogue et du mouvement (le triangle et sa disposition parfaite à l'ambivalence n'est-il pas le plus proche du cercle ?) permet à l'esthétique du film de formuler le caractère même de la tragédie : l'angoisse du choix. Pour cette raison, «Hakuchi» avère, par une composition somptueusement signifiante, la place de Kurosawa comme grand tragédien du cinéma. Des facultés du 7ème art à exprimer la condition humaine, sont employés la mise en correspondance au sein même du cadre de différents objets par un positionnement judicieux du regard sur le monde. En choisissant tel angle et tel axe, Kurosawa permet de révèler, par un moyen très expressionniste, la «substantifique moelle» de la scène. Des couteaux, exposés dans une vitrine, qui se dirigent vers le coeur de l'idiot mettent en évidence le suspense de la séquence. Autre moyen de dynamique cinématographique : la mise en correspondance au sein des séquences, parmi les plans. Les fondus ou les volets sont les moyens le plus répandus pour rendre visible cette perpétuelle cinétique. La profonde tristesse du film, outre de prendre place dans les yeux accablés de Kameda, provient de cet insaisissable trialectique entre la vie, la mort et l'amour, entre l'homme, la femme et le destin.
Non mais quelle idée de pondre une suite au désastre des frères Strause… Quelle idée aussi de prendre une soirée pour la regarder... À l’instar de son prédécesseur, rien ne fonctionne : les effets gores ne suffisent pas à donner de l’impact à une mise en scène à la ramasse échouant en permanence à apporter une quelconque émotion, que ce soit lors des séquences de destruction ou d’affrontement ou celles en huis-clos.
Malheureusement mal joué, mal doublé, mal cadré ! dialogues ultra cliché et sans saveur. Désolé pour Kev Adams mais c'est une mauvaise série...
Une comédie très très légère, l’ensemble est bien mené mais les les dialogues sont décevants de banalité et les clichés se comptent par dizaine. Dupontel est moyennement crédible ds son rôle d’écrivain. Heureusement, C Frot campe un personnage haut en couleurs.
Une excellente surprise de 2012, avec un film qui ne prend pas ses spectateurs pour des imbéciles. Ayant compris que nos attentes concernaient essentiellement les nazis, l'essentiel du film se place de leur côté, suivant leur manoeuvre et utilisant leur réputation pour se livrer à des gags très OSS 117 dans l'esprit. Mais si Iron Sky a tout du délire ludique, il s'enveloppe d'un écrin technique irréprochable, se donnant des airs d'univers spatiaux digne de Star Wars. Avec un dernier acte tenant pleinement ses promesses et du politiquement incorrect égratignant le camp des alliés, Iron Sky est un morceau de bravoure qui évite intelligemment la lourdeur, même si il n'évite pas toujours la baisse de rythme (en milieu de film notamment)... Très largement recommandable.
Pas mauvais mauvais, mais on a quand même l'impression que le résultat aurait pu être bien meilleur si son scénario avait mieux exploité son sujet. Son développement fantastique est vraiment son gros point faible.
C'est une toute petite aventure. La chasse du dragon est pas du tout émoustillante. La bête est foiré par le manque d'argent, résultat, le FX est hideux. Par contre le jeu des acteurs est correcte, c"est que tu tiens jusqu'au bout.
Un film magnifique! L'histoire est belle, et les acteurs d'une justesse rarement atteinte. Au final, le spectateur ne peut être que bouleversé devant tant de féérie. Incontournable!
Cette nouvelle entreprise dans laquelle nous embarque Pierre Jolivet est, comme son titre l’indique, de plus grande envergure. Pourtant, LA TRES TRES GRANDE ENTREPRISE, tout comme son prédécesseur, marche en mode automatique et se dessert parfois par la facilité un peu surréaliste de ses situations… Mais tout comme son prédécesseur également, elle tire un avantage considérable de son contexte politico-social très contemporain et non-moraliste, de se laisser servir par un groupe d’acteurs tous formidables en altermondialistes, et sachant en plus maintenir un bon sens du rythme, nous réservant les meilleures surprises en flopée sur la dernière partie du film. LA TRES TRES GRANDE ENTREPRISE forme un savoureux mélange de genres, ludique et malin, qui divertit sans abêtir.
film qui partait de manière trés rythmé on se retrouve d'entrée avec du gunfight à la manière de temps d'autres films d'action. Cepandant par la suite la psychologie des personnages va etre travaillé notemment celle du "méchant" en nous racontant son enfance ainsi que sa famille ce qui rend le personnage plus humain. Cette manière de faire c'est un peu la marque asiatique. bref avi aux amateurs de ce genre
Une belle réflexion sur la question de l'autonomie psychique, de la violence, de l'abus. Quelles sexualités lorsqu'on est handicapé.e.s ? Comment être parents d'un.e handicapé.e mental.e, respectueux de sa liberté de choix, protecteurs, mais non décideurs pour elle/lui, engagés, mais non intrusifs ? On peut lire une chronique plus détaillée sur Tess magazine...
Bof bof ... comme le dit le titre du film, ça parle de gamins, avec des blagues et vannes de gamins. ça fera rire les plus jeunes d'entre nous, à quelques scènes certains adultes, pas de quoi fouetter un Chabat ! Vraiment, je m'attendais à un humour plus caustique et surtout moins prévisible, je suis déçu...
Rien d'autre à dire que nul.
Film long et lent même si les acteurs sont excellents.
c'est pas bien... Bebouzze, Besson, deux raisons pour ne pas aimer.
Gilles Béhat réussit un très bon film d'action avec un Bernard-Pierre Donadieu très détestable dans le rôle de la brute, Bernard Giraudeau est impeccable dans le rôle du redresseur de tort complètement dégoûté par la vie. Efficace, réalisation soignée, un film nerveux qui change des films d'action américains (mais je crois que le film est adapté d'un roman américain).
Très beau film. Émouvant. On découvre une artiste finalement très mystérieuse. Et puis quelle voix. On a vraiment beaucoup aimé
la transition Darmon - Elmosnino se fait très bien. Marc Lavoine comme ses copains toujours excellents, voici un 3° volet bien plaisant et plus moral : abordant la maladie, la reconnaissance de paternité.. Vivement le 4°
Absolument déçue par ce film que j'attendais avec impatience car j'adore l'acteur Channing Tatum et surtout les romances! C'est insipide, on y croit pas une seule seconde, je n'accroche pas mais alors pas du tout avec la performance de Rachel Mcadams, ça aurait pu être cent milles fois mieux surtout que le thème est assez intéressant. Bref un film qui ne restera pas gravé dans les annales et surtout pas dans ma collection de dvds de films d'amour ^^
Le plus amusant en voyant «Ostrov» (Russie, 2008) de Pavel Lounguine, c’est d’imaginer Luis Bunuel face au film. Le génie du surréalisme aurait certainement bien ri devant tant de bigoterie. Trivialement, ce film de Lounguine se résumerait comme le calvaire rédempteur d’un prêtre facétieux, hanté par le meurtre qu’il a du commettre sous le joug nazi. Le poids de la religion sur la conscience humaine est retranscrit, quelque peu impertinemment, par des paysages sublimes sur-esthétisés d’une île enneigée et par des chants christiques quasi-transcendants. Les images sont chargées, par Andreï Jegalov, directeur de la photographie, d’une oraison mystique aux teintes blêmes. Il y a assurément de l’inspiration picturale dans la composition des plans. La démarche, qui consiste à donner aux choses cinématographiées leur valeur par un appui outrageux de leur apparence, relève du même procédé appliqué par le piètre cinéma de divertissement occidental. Autrement dit, «Ostrov», sous l’apparence d’une culture russe, est confectionné tel un film américain. Il aurait fallu que Lounguine voit les chef d’œuvres de Paradjanov pour savoir que le mystique au cinéma n’est pas une affaire de foi sublime mais plutôt d’icônes, de création d’imaginaire. Ce film à toutefois l’avantage de nous assurer que, non, le cinéma au service de la religion ne donne jamais de films fructueux. Si le cinéma est né à la fin du XIXème siècle, aux horizons en France de la séparation de l’Eglise et de l’Etat, ce n’est pas par hasard. Quand la religion s’est essoufflée dans le cœur des hommes (dès que Nietzche eût proclamé la mort de Dieu), le cinéma est né, s’est substitué à son rôle de fascination et d’images du monde. Le mélange de ces deux modes d’appréhension du réel délivre souvent une œuvre hybride, bancale, voire pathétique comme dans ce cas-là. «Ostrov» peut susciter le rire involontaire, quoique généralement il dégage la prétention.
Quelle nullité! Prenez une caméra, filmez tout et n' importe quoi, sans dialogues (les dialogues sont superflus dans le cinéma intello, tout le monde sait cela!) et vous aurez un chef d'oeuvre à la Ferreri! Ferreri, ce même "cinéaste" qui a pondu la Grande Bouffe, autre "chef d' oeuvre" pour ado-provocateur-et-attardé-qui-veut-choquer-le-bourgeois. Bref, un navetissime comme seuls les réalisateurs impuissants et férus de psychololo à deux balles savent en faire. Le présentateur dudit " film" nous averti que cette crotte est un chef d'oeuvre (!). N' en croyez rien, c' est un soporifique d' une facilité inimaginable qui n' enchantera que ceux qui se la joue intellos et qui croient comprendre quelques chose là où il n' y a strictement rien à comprendre si ce n' est l' esbroufe, l'incompétence, l'indigence et la prétention de Ferreri. N'importe quel amateur débutant en fait autant.
Quatre années après le film nommé my left foot, Jim Sheridan retrouve Daniel Day-Lewis pour relater une affaire qui a réellement existé et qu'il intitulera Au nom du père. Le film relate le parcours torturé d'un jeune hippie irlandais qui traverse les pays britanniques de Belfast pour arriver à Londres, qui va s'envoyer en l'air avec une bande de jeunes tous aussi libérés que lui dans le mode social sur le modèle " tu fumes, tu baises" et qui va se trouver au mauvais endroit au mauvais moment et qui va le conduire à être traduit en justice et être condamné à trente ans de prison en emmenant dans sa peine le groupe de hippies et des membres de sa famille. Le scénario est remarquablement bien ficelé et s'il peine à démarrer laissant une place importante dans l'émotion lors des interrogatoires musclés et dans les contacts familiaux, la suite s'étale de façon efficace et sur un rythme effréné. Le film démontre de façon brillante et sans se complaire dans les excès de violence la dureté de la vie en prison et tout est organisé pour délivrer une vision complète de ce genre de situation: règlements de compte, douche froide, rébellion, attaque sur gardien de prison, trafic de drogue... tous ces éléments permettent d'afficher une ambiance particulièrement réaliste. Le film délivre aussi le sentiment d'impression que possèdent certains détenus qui forment des clans contre d'autres. Daniel Day-Lewis impressionne par sa composition ahurissante d'un bout à l'autre du film, passant du statut de petit voleur à un homme prêt à tout pour sauver sa peau et se réaménager une santé de fer afin de ne pas se briser et se relever pour qu'éclate la vérité qu'il connaît et qu'il souhaite faire entendre à travers tout le Royaume-Uni. Le film est une ode au courage et à l'obstination des idées que chacun garde en soi pour parvenir à ses fins. Voici un brillant témoignage de la malhonnêteté d'un système prêt à sacrifier un homme innocent au profit de la tranquillité d'un pays. Un film culte!
Quelle déception. Rien à voir avec la série de l'époque, les comédiens sont lourds, et Nicole Kidman n'est vraiment pas crédible. On s'ennuie clairement.
Un film où le néant est roi, j'ai beaucoup de mal a adhérer à ce genre d'oeuvre où le scénario ne dépasse pas une page alors que la durée du film excède une heure trente. La mise en scène est d'une lenteur incroyable ce qui nous inflige des longueurs insuportable et des scènes souvent inintéressante. Vraiment pas essentiel.
La montée du fascisme vue par Dino Risi. Gassman et Tognazzi, traîne-savates, bras cassés, s'engagent dans cette marche des pieds-nickekés fascistes où la couardise et la bêtise règnent en maître ! Savoureux !
Parfait, le drame y est, avec une première partie mystèrieuse plutôt policière sur sa disparition,une seconde très touchante sur son traumatisme et une troisième partie effrayante et géniale sur les extraterrestres. Bref, pas connu mais à voire quand même!!
"Retour à Zombieland est donc un très bon film, dans la droite lignée du 1er épisode. Parmi les défauts, nous noterons une intrigue assez simpliste, parfois prévisible et qui contient quelques facilités scénaristiques. Nous noterons aussi un manque de développement concernant certains personnages principaux. Pour les qualités, nous noterons une intrigue qui reste malgré tout prenante et qui contient quelques bons rebondissements, un univers bien développé, un rythme et une ambiance très bien maîtrisés, une bonne mise en scène, Little Rock (jouée par Abigail Breslin) qui est bien développée, le casting très correct et enfin les décors très bien réalisés. Retour à Zombieland est donc fidèle à son prédécesseur : un très bon film. Rendez-vous en 2029 pour un troisième épisode ?" Critique complète sur cineomax.over-blog.com/
« Cypher » est un film de science fiction aux multiples rebondissements. Il y en a peut être, à ce propos, un peu trop. Mais finalement, le spectateur est, en quelques sortes, fasciné par ce film d’espionnage et de contre-espionnage dans lequel, on doute de tout le monde. Vincenzo Natali réalise avec « Cypher » un film sur l’identité et dépeint un futur (mais est ce vraiment futuriste comme thème ?) impitoyable pour les entreprises. Et il fait cela très bien avec des plans serrés aux belles couleurs, un bon montage et une mise en scène efficace. Le tout dans de splendides décors intemporels mais sophistiqués. On regrettera quelques longueurs mais grâce à cette fin où tout s’éclaire, on lui pardonne largement.
J'ai adoré ce téléfilm, c'est mon préférée. Il a détrôné Dirty Dancing. J'ai beaucoup rigolé. Je mets 5 étoiles.
Beau film signé par Frank Capra. Apaisant, simple et beau, oui, voici les trois adjectifs qui qualifient le mieux ce classique. C'est un message de paix qui est ici évoqué, mais loin d'être dégoulinant de bons sentiments. Ce message nous touche, au contraire, et même si il peut aujourd'hui paraitre un peu naif, il n'en demeure pas moins puissant, aidé par de somptueux décors et d'excellents personnages. Ronald Colman est d'ailleurs très convaincant, mais on a un faible pour Edward Everett Horton, deux grands seconds roles au sommet de leur art ici. C'est donc apaisé et heureux que l'on ressort de ce film, l'un des plus importants de son metteur en scène. A voir.
ce film ne se regarde pas pour la profondeur du scénario, ça c'est sur, mais la dextérité de l'acteur principal, les cascades et autres mouvements font que ce film est très sympa à regarder.
Un excellent thriller à la fois sulfureux et audacieux dont le trio principal Dillon, Richards et Campbell est impeccable de trahisons et de sensualité. Un scénario béton et rempli de rebondissments à souhait. Et la compositon de Bill Murray apporte une mini touche humouristique qui n'est pas en déplaire. Un très bon film.
Une suite absolument remarquable qui ne trahi en aucun cas l'esprit de la franchise. Les acteurs sont tout bonnement géniaux et le scénario, parsemé de rebondissements nous tient en haleine jusqu'au bout. Merci J.J. Abrams.
Ce film se situe exactement entre Minnelli et Sirk auquel il emprunte le meilleur et ne verse ni dans l’excès dramatique ni dans l’excès artificiel. Il demeure en permanence dans la vérité du quotidien des personnes ayant eu la chance d’accéder à un entourage suffisamment aisé. Il est beau, lumineux, intelligent et riche d’enseignement pour les jeunes intellectuels. Il est sentimentalement profond et émouvant, bref, il est quasiment parfait. Richard Quine n’est pas n’importe qui et le fait d’avoir réussi entre autres, un film noir aussi juste que ‘’Pushover’’ et une comédie musicale aussi emballante que ‘’My sister Eileen’’ en est une preuve absolue. Il y a dans ‘’ Strangers when we meet’’ une dizaine de plans qui coupent la respiration en mettant en lumière la force des sentiments éprouvés par les deux amants. Inutile d’ajouter l’exceptionnelle qualité des acteurs, tous étant au top de ce que Quine leur demandait.
Luc Besson, fidèle à son image, produit une fois de plus un film pro-américain qui ne parvient pas à éveiller quoi que ce soit. Les scènes d'action comme le reste sont mal foutues. A éviter absolument.
Film a chier... Des blagues a deux balles... Des femmes voilées dans la salle qui crient des qu'il y a une scène avec un bisou.... Arrêtez avec ces clichés de merde!!!!!!!!!!!!
Longtemps décrié, se reboot de la saga Spider-man, s'il n'atteint pas le niveau des films de Sam Raimi, possède pourtant quelques qualités. Et en premier lieu Andrew Garfield, qui interprète un Peter Parker moins niais que celui de Tobey Maguire et lui confère plus de profondeur. A commencer par le sentiment d'abandon qu'il ressent depuis la disparition de ses parents, "The Amazing Spider-Man" s'attardant plus, et à raison, sur les origines du héros. Et changement de décennie oblige, Peter porte maintenant des lentilles de contact, se déplace en skateboard et ne sort jamais sans son portable ! Emma Stone assure également le contrat, et une belle alchimie existe entre les deux acteurs. On peut également saluer Marc Webb pour avoir osé prendre le contrepied de la tendance actuelle des films de super-héros qui est à la noirceur (la norme depuis les Batman de Christopher Nolan) en lui injectant une bonne dose d'humour, et ce même si se n'est qu'un demi-succès. Si le couple principal est assez bien écrit et interprété, il n'en va pas de même pour le méchant, le Lézard, intéressant mais mal exploité. Or comme disait Hitchcock, plus le méchant est réussi meilleur sera le film. Ici, c'est raté. Dommage également que l'une des meilleures idées du film ne soit pas exploitée en profondeur, à savoir Spider-Man utilisant les caractéristiques propres aux araignées. Intéressant mais utilisé de manière anecdotique à seulement deux reprises, lorsqu'il tisse une toile dans les égouts et se fit aux vibrations des filaments pour repérer les « intrus » et quand il emprisonne le Lézard dans un cocon. Très tourné vers un public jeune et adolescent, "The Amazing Spider-Man" est inégal et maladroit mais avec juste suffisamment de qualités pour nous faire espérer une suite plus réussie.
Quel ennui ! Peu d'émotions vraies. Des dialogues plats. Des scènes collées les unes après les autres sans donner l'impression qu'il y ai un quelconque schéma directeur. C'est dommage car l'idée initiale était bonne, mais il faut plus qu'une bonne idée pour un faire un bon film.
De Terence Davies, on ne connaît que "Chez les heureux du monde", adaptation d'un roman d'Edith Wharton. Révélé par "Distant Voices", uniquement connu des cinéphiles, ce cinéaste anglais évoque avec une certaine amertume la ville de son enfance, sa ville natale, Liverpool. En partie construit sur des images d'archives (les images tournées pour l'occasion sont moins convaincantes, vidées de nostalgie dans leur tentative de reconsidérer la ville telle qu'elle est aujourd'hui), le travail de Davies - et son talent - naît du montage ; sa profonde recherche d'images (vidéos, rarement colorées, ou photographies), admirablement vivantes et émouvantes d'une époque déchue, traitant de la guerre comme de la pauvreté ou de la naissance de la modernité architecturale, est épatante dans sa canalisation historique, et le rapport que ces images ont entre elles est riche, construit, poétique par les douces notes d'une berceuse de Fauré, conduisant l'image dans le sens de l'Histoire. Leur puissance évocatrice et pessimiste est un appel à la paix, un manifeste humain pour les droits et la morale. La construction est assez virtuose de simplicité pour faire passer les archives comme des séquences spécialement tournées pour être liées les unes aux autres. Le film rappelle aussi la mise en scène soutenant ces images d'époque qui, parce qu'elles sont passées, pourraient faire croire qu'elles n'étaient pas réfléchies (la notion du cadrage, par exemple, est toujours présente) ; "Of Time and the City" devient alors la mise en abyme du cinéma, notamment dans sa glorification, son apogée, voire même son ironique mise en beauté spectaculaire - l'ouverture sur rideau - . L'homosexualité est aussi au coeur de cette bouleversante déclamation en prose à la victoire et aux défaites de l'Homme. Souvent critiqué pour ses choix sexuels, l'auteur évoque subtilement sa condition, pendant que les visages des enfants pauvres jouant dans les rues couleur charbon rappellent la difficulté de vivre en une tell
[spoiler][spoiler]Une daube [spoiler]monumentale! [spoiler]Remplide plans longs etridicules, d'acteurs bidons, de [spoiler]clichés: les méchants [spoiler][spoiler]sontdeslatinos,[/spoiler] les parents (beaucoup) tropsévères envers leur gamin... Passer votre chemin. pu[spo[/spoiler]iler]b:je vends pleins de jeux à 7 euros chez moi venez : 4 rue bidon (toi! [spoiler]tais toi!) et des gamecubes avec 10 jeux 80 eurose[/spoiler]t une SNintendo avec trois jeux à 130 [/spoiler]euros.[/[/spoiler]spoiler][/spoiler][/spoiler][/spoiler]
« Tell tale » est un film dont l’idée de base peut paraître séduisante, mais dont le résultat s’avère tout sauf réussi. En deux mots : un homme transplanté du cœur se met à tuer les responsables de la mort de son donneur et de la femme de celui-ci sous la férule d’un cœur qui lui indique par des pics de tachycardie qui ils sont. On a donc un film qui se situe entre thriller et fantastique ; il est d’ailleurs fait mention d’une inspiration (très lointaine vous pouvez me croire) de la nouvelle fantastique « Un cœur révélateur » d’Edgar Alan Poe. Le résultat est un film ennuyeux, aux péripéties absurdes et au jeu d’acteur à la dérive. Si on comprend vite le coup du cœur vengeur, l’absence de personnalité du principal protagoniste et les effets manqués pour traduire sa perte de contrôle dans les meurtres au profit du cœur rendent la dramatique grotesque. Josh Lukas semble incapable de jouer avec un tant soit peu de conviction ce père célibataire momentanément privé de libre arbitre ; la faute à un scénario mal ficelé plus qu’à un manque de talent cela dit. L’histoire d’amour avec le pédiatre de sa fille est boiteuse et la complicité du flic, opportunément ex-amant de la femme de son donneur, confine au risible et à l’agacement devant tant d’outrance scénaristique. La tension qui devrait irriguer le film est aux abonnés absents et confine l’action dans une dynamique proche de l’arythmie cardiaque et ce n’est pas le triste twist final qui arrivera à racheter tant de séquences atones. Bref un film dont l’idée aurait pu donner une petite série B maligne, mais qui accouche finalement d’un nanar indigent dans tous les compartiments et qui laisse le spectateur au bord d’un besoin de réanimation cardiaque pour sortir de sa léthargie.