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Le Jour où la Terre s’Arrêta est un grand classique de science-fiction du Septième Art. Nous sommes dans les années 1950 et le monde est divisé en deux bloc, c’est la Guerre Froide. Mais un jour l’arrivé d’une soucoupe volante vient perturber la vie de la capitale des Etats-Unis, Washington. A son bord l’extraterrestre Klaatu et son robot géant Gort viennent porter un message pour la population terrienne. Mais Klaatu va se heurter à la violence et à l’incompréhension mais sera aidé par Helen une jeune veuve et de son fils Bobby et d’un savant, le professeur Barnhardt dans sa quête. Avec Le Jour où la Terre s’Arrêta Robert Wise a donné naissance à un grand classique de science-fiction. Certains pourrons penser que le film est peuplé de martiens, de soucoupes volantes et d’invasions martiennes avec de l’action… et bien NON. Le Jour où la Terre s’Arrêta ne possède pratiquement aucune scène d’action appart l’arrivée de Klaatu où Gort détruit des engins militaires avec son rayon laser mais c’est tout. Le film de Robert Wise est un film de science-fiction certes mais à caractère psychologique avec des réflexions sur la paranoïa des années 1950 à propos des invasions martiennes et ce que croyait la population et à l’accueil qui est réservé à ces nouveaux arrivants, toujours de manière brutale dans les films américains. Et pour une fois l’extraterrestre Klaatu est de forme humanoïde contrairement à tous les autres films de SF où les extraterrestres sont des créatures monstrueuses et tentaculaires. Le film possède une musique électronique excellente avec des sons très fort et très assourdissant, très typique des films d’extraterrestres d‘époque. Les acteurs sont très bon en particulier Michael Rennie qui joue Klaatu, l’acteur apporte du mystère, de la froideur au film. Le Jour où la Terre s’Arrêta est un grand film de science fiction. Un grand classique et « Klaatu Barada Nikto.»
Une Illustration surprenante du pouvoir guérisseur de l’art au niveau personnel mais aussi comme vecteur de transfert auquel tout ceux qui ont une passion peuvent s’identifier
Pour son mythique "Paris-Texas", Wim Wenders voulait avant tout exprimer l'idèe que l'on peut avoir de l'Amèrique en tant qu'europèen, cet ensemble de nombreuses couleurs, le soleil, le ciel bleu...Dans "L'ami amèricain", c'est au contraire Hambourg et Paris qui sont perçus avec un oeil amèricain! Le film est marquè par les thrillers hollywoodiens des annèes 50! D'un affrontement entre deux conceptions du cinèma naît une image superbe, proche de l'hyperrèalisme amèricain! Aigüe, violente, douloureuse, la photo de ce film baroque se taillerait presque la part du lion s'il n'y avait pas le tandem extraordinaire Dennis Hopper-Bruno Ganz et une plèiade de metteurs en scène lègendaires tels que Jean Eustache, Samuel Fuller, Nicholas Ray ou Daniel Schmid! Cette distribution ahurissante crèaient au fil que le film avance une atmosphère particulièrement envoûtante, rendant le mètrage unique en son genre! Un thriller typiquement wendersien qui fait parti des plus belles rèussites plastiques du cinèma franco-allemand des 70’s...
Elia Kazan adapte John Steinbeck pour "A l'Est D'Eden" et il revisite le mythe d'Abel et Caïn, mais dans le sud des États-Unis durant la première guerre mondiale. On y suit deux frères, vivant uniquement avec leur père, l'un étant plus aimé et qui à mieux réussi sa vie, pendant que l'autre est plus torturé et obsédé à l'idée d'impressionner son père et de retrouver sa mère. Le scénario est intéressant et bien écrit, la mise en scène de Kazan est bonne, il a le sens du détail et filme vraiment bien cette campagne. Il arrive aussi à ressortir la dramaturgie du livre, et les études des personnages s'avèrent intéressante et brillante. James Dean est impeccable, les seconds rôle aussi. Un très bon film, malheureusement célèbre uniquement pour la prestation de Dean alors qu'il mérite mieux que ça. C'est un grand drame familial, poignant et captivant.
Pas facile de donner une note à ce film ... Il sera soit considéré comme un chef d'oeuvre soit comme une ignominie ! Ne dois surtout pas être considéré comme un film d'horreur-épouvante et est réservé à un public TRÈS averti. Pour ma part, j'ai été plutôt déçu par la première partie :l’exécution de la fillette, le "monstre" sorti d'un film à petit budget .... La seconde partie, très dure à supporter, est plus intéressante. L'aspect psychologique du film est trop peu traité, bien que passionnant. Bref, beaucoup de souffrance et d'hémoglobine pour un message à peine effleuré. A part ça le jeu des actrices est assez bon.
Vraiment excellent ce film, le meilleur de la trilogie acteurs, musique et réalisation se mélangent très bien... merci beaucoup pour cette oeuvre réellement superbe.
5/5, la note est un peu élevé parce que les notes sont injustement basses. Le film ne révolutionne bien entendu rien, mais il reste convaincant et agréable dans son genre. D'ailleurs, au vu de la pochette, du synopsis et de l'histoire, je ne comprends même pas que ceux qui n'aiment pas les films musicaux gnan-gnan aient regardé. De même, les insultes envers Mariah Carey sont injustes, son jeu est plutôt pas mal.
Honnêtement un très mauvais film, humour de très mauvais goût je n'ai absolument pas rigoler devant chacune des blagues du film. Je m' attendez à un bon film de rappeur résultat j'avait l'impression de voir une mauvaise copie de american pie et ted bref très déçu.
Dans Le coeur des hommes 3, on entre à nouveau dans la vie des personnages que l’on connait déjà : leurs problèmes, leurs maladies, leurs amours …. Retrouver les potes du 1er et 2è volet est, à priori, un plaisir. Il en manque un. Le réalisateur a donc fait entrer dans le groupe un 4è compère. Ce personnage, tout neuf, vient s’intégrer parfaitement aux aventures des personnages déjà installés. Le jeu des acteurs et les gags revisités sont toujours aussi lourds, mais ce quatrième personnage apporte une touche, très petite, de sensibilité. Le souci c’est le scénario, rien de nouveau. Cà se traîne, cela manque d’originalité et les blagues sexistes sont lourdingues. Dans les couples, les femmes n’ont pas le beau rôle ! Seuls les 4 garçons sont mis en valeur, enfin en valeur c’est vite dit. En terme de mysoginie et machisme, on ne peut guère faire mieux. Les conversations des garçons, lors de leur soirée, se situe uniquement en dessous de la ceinture et le moins que l’on puisse dire c’est qu’elles manquent d’élégance ! Le vrai atout du film est l’arrivée de l’excellent Eric Elmosnino mais tout seul il ne peut pas faire grand chose. Espérons qu’il ne signera pas pour un 4è volet….Bernard Campan, Jean-Pierre Darroussin, Marc Lavoine ne sont pas mauvais mais leurs personnages n’ont pas évolué depuis le 1er opus. Aucune surprise donc dans leurs jeux, leurs réactions, leurs personnages …. Cette bande de potes que l’on a pu trouver attachante et amusante dans le 1er volet, est devenue bien ridicule… entre la musique dégoulinante et la dernière scène on a une overdose ! Pas nécessaire, revoyez le 1er si ils vous manquent !
Admirable!... So many hungry mouths 2 be fed / But the food is 4 the rich / And when you die the price goes up / So... " Darwin's Nightmare " / Funker Vogt ( tm.)
Le film alterne avec élégance entre l'histoire du déclin des activités portuaires de Gènes et les péripéties de deux êtres déclassés et pourtant heureux dans leur façon simple d'aimer. Un vent d'insoumission idéologique soufflerait-il d'Italie ?
Lorsqu'on se souvient de la des.c.r.i.p.tion de Casanova qu'en fait le cardinal de Bernis:"Casanova serait bel homme s'il n'était aussi laid",Léonard Whiting,qui prête ses traits à Casanova adolescent,présente une beauté angélique. Sinon,un grand maître du cinéma italien recrée une Venise du XVIIIème aussi naturelle qu'éternelle,avec le clair de ses palais et l'obscur de ses ruelles méphitiques. Après les premières scènes d'une enfance plutôt grise entre un père tôt disparu et une mère trop volage, l'adolescence du personnage est plus colorée... Un magnifique film de Comencini,truculent autant que sensuel,qui grouille de vie,de scènes baroques,de personnages pittoresques et de créatures affriolantes qui affolent la sensualité naissante du jeune Casanova,hésitant entre foi et chair,au grand dam de son confesseur,qui cherche désespérément à le retenir sur la voie des tentations....
Quel navet !!! Heureusement pour moi que je l'ai regardé sur une sélection de ma box.......car cela ne vaut pas le prix d'une place de ciné.... Je ne m'étais pas renseigné et j'avais juste vu la bande annonce en VF : totalement mensongère puisqu'elle montre les toutes premières images du film... Donc quand on voit çà, un combat contre des Musulmans, quelque part au Moyen Orient au Moyen Age, et qu'on voit le titre du film, on est en droit de penser que l'action se déroulera au temps des Croisades au Moyen Orient......... Pas du tout l'action se passe...........en Chine ou du moins quelque part en Asie.... L'histoire n'est donc absolument pas crédible.... A quand "Croisades" chez les Incas ? "Croisades" au Japon ? ou "Croisades" au pays des kangourous....????
pur chef d'oeuvre, mérite d'être vu en tout les cas, et inmanquable si l'on aime le cinema des 70's. ce film vend du rêve dans toute sa simplicité.
Coup de cœur inattendu. Parti pour voir une comédie dramatique un peu cucul la praline, j’ai été bluffé par ce bijou d’humour et de drame portés par deux magnifiques acteurs. L’année 2014 commence très fort ! J’ai longtemps hésité à lui mettre 10/10, mais malheureusement la bande-annonce m’a gâché la plupart des blagues. Néanmoins, on peut dire que Philomena a frôlé le 10/10 et c’est déjà très grand ! Lisez la critique complète sur le blog de Marvelll.
L'un des chefs d'oeuvre des studios Ealing. Alec Guiness est un modeste employé au talent scientifique inexploité. Il réussit un jour à inventer un tissu insalissable et inaltérable, ce qui lui vaut d'être traqué par les pontes de l'industrie textile menacé par son invention, mais aussi par les ouvriers dont le job est également désormais en danger. Satire féroce et prémonitoire qui renvoie pratiquement dos à dos les patron capitalistes voulant préserver leurs profit et les ouvriers syndicalistes au discours formaté et mécanique, les deux faisant une alliance tacite pour maintenir leurs gagne pain intact. Bien que montré sous un jour sympathique et attachant, le personnage naïf et lunaire incarné par Alec Guiness n'est pas exempt de reproche non plus, enfermé dans sa bulle et totalement inconscient des conséquence de son invention. Quelques idées géniales comme de filmer les patrons comme des vautours malfaisant vêtus de noir (notamment le PDG, vieillard venu de Londres filmé à l'allure grotesque et inquiétante) tout comme l’atmosphère à la limite du fantastique lors de la traque nocturne finale de Guiness, seul personnage vêtu de blanc, poursuivi par des hordes sombres. Superbe photo au passage de Douglas Slocombe. Un final cinglant et lucide pour un très grand film.
Film complexe on est admiré par le talent le barbra streisand mais on se demande pourquoi avoir fait de se film une comédie musical , certaines chansons ne sont pas vraiment nécessaire. Néanmoins, c'était un sujet risque et barbra streisand à prit beaucoup de risques dans ce film au sujet poignant , cela reste très réussi.
Quelle horreur !!!! Vu en avant première à la soirée des passionnés , c'est rare quand je quitte la salle avant la fin ! C'est mal joué, pas drôle , affligeant ! A conseiller à votre pire ennemi !
Un vieux plagiat de la belle et la bête... Une fin qui se veut surprenante mais qui ne l'est pas, on se fait juste chier...
Charlot S'Evade est un court-métrage d'une dizaine de minutes avec une musique tout son long ,qui date d'environ 100 ans donc est muet et en noir et blanc . Ce court-métrage de et avec Charlie Chaplin est une nouvelle aventure de Charlot qui est vraiment très drôle . Je le condeille ,on rit beaucoup .
C’est l’histoire de l’improbable rapprochement de deux êtres perdus, basé sur une interprétation très sobre, sans longues explications psychologiques, et essentiellement sur la confrontation de deux excellents comédiens. Benoît Poelvoorde est bouleversant de sensibilité et de pudeur dans un rôle inhabituel, Isabelle Carré est profonde et touchante, comme à son habitude. Vu et revu avec beaucoup d’émotion.
Le mouvement est une part essentielle du cinéma des Coen, il incarne très souvent le masque qui voile le trouble profond. «Barton Fink» (USA, 1991), avant «Fargo», opère par ce mouvement la révélation du mal. C’est ce mal enfouis que scrute le premier plan sur la tapisserie, c’est la noirceur des institutions de l’industrie du cinéma que sonde le travelling curieux entre les dessins de fougère. Cette effervescence alanguie de la technique a pour but de formaliser les vicissitudes du personnage principal, Barton Fink. Les Coen atteignent dans ce film le paroxysme de leur esthétique. Même encore «No country…» n’a pas atteint une telle beauté du mouvement. Ce dernier film accomplit davantage sa beauté dans ses effluves picturaux que dans le flux de la temporalité. Pour sourdre du monde la perversion des choses, les Coen relatent l’aventure d’un jeune écrivain de théâtre dans l’Hollywood de la seconde guerre mondiale. Si l’on observe le film en plan très large, l’on ne peut y discerner que l’exploitation romanesque d’un jeune auteur par la vilaine machine industrielle. Cette vision du film s’inscrit d’ailleurs totalement dans le statut singulier que les Coen réussissent à sauvegarder, celui de cinéastes indépendants dont l’œuvre renouvelle l’héritage hollywoodien. Mais si l’on pose un regard plus clairvoyant, on peut y observer la perte de soi dans l’enfer d’Hollywood, et par extension dans le commerce artistique. «Barton Fink» est un pamphlet contre le monstre économique et institutionnel de l’art. La peur de l’auteur face à la page blanche, est mise en forme par les Coen de façon sublime. La pression d’Hollywood sur la création est dressée par les Coen dans la chambre de Fink. Au dessus de la machine à écrire trône une photo idyllique d’une mannequin au bord de la mère. Ce mannequin c’est la lisse consistance du cinéma vénal. L’auteur rencontre in fine ce mannequin est demeure à ses côtés. C’est la perte de l’identité de l’artiste sous l’étreinte d’Hollywood.
Difficile de tenir vingt minutes dans ce film brouillon et amorphe. N'essayez même pas de le regarder "en accéléré" pour savoir "où ça mène". La réponse est : nulle part. Pas de crescendo dans l'horreur, dans l'angoisse, dans la folie, mais une succession de scènes décousues, sans autre cohérence psychologique que celle du statut social des personnages (En gros : "mon père est médecin et fortuné, je suis donc artiste et sociopathe"). Bisous à tous les égarés, comme moi, qu'un visionnage du film a amenés sur Allociné, pour vérifier s'ils ne sont pas passés à côté d'un film génial et visionnaire (ben, non).
J'adore les films dits "choraux" car je trouve que même dans ceux qui sont pas terrible, il y a toujours une ou deux scènes à sauver, mais là, voilà un terrible contre exemple : on rarement vu un film aussi mal troussé où tout sonne faux : les intrigues, les dialogues, le jeu des acteurs (pourtant pas des premiers venus) et surtout quel est l'intérêt de faire un film choral si ce n'est de ne jamais réussir à faire coexister les personnages et les intrigues entre eux : les personnages n'ont aucune épaisseur dramatique et on sort de la vraiment peiné pour ce gachis...
Eh ben, on a touché le fond. Le réalisateur nous montre une succession de petites séquences filmées caméra à l'épaule, qui n'ont aucun intérêt. Un personnage parle, ça n’intéresse personne, des tranches de vie dont on se fout et qui n'ont absolument rien d’intéressant. C'est plat, chiant et même pas à prendre au dernier degrés. Zéro, nul.
On commence à l'apprécier le grand Peter Parker, ce personnage si maladroit et mystérieux. Pourtant, alors que sa vie repose enfin sur le parfait équilibre, il bascule vers le côté obscure. La face sombre de sa propre personnalité, autant dire un ennemi des plus redoutables. Les sentiments oscillent, le rythme également. En effet, le tempo de cette aventure est assez hétérogène. Pourtant il s'en passe des choses dans ce 3ème volet, mais paradoxalement, on rencontre certains passages longuets. Des scènes où les émotions, les ressentis des personnages sont mis en avant. Un passage obligé mais qui perds tout de même en intensité. Les méchants quant à eux sont bien au rendez vous. Entre le bouffon vert qui balance entre le bien et le mal, le colossal homme de sable et l'horrible Venom. Tout cela ne forme qu'un meltingpot d'entités qui s'entrecroisent, s'aiment et se déchirent. La scène finale, d'une qualité exceptionnelle en tout points, remonte largement le niveau. Un rendu très chargé mais mené à bien par le talent de Sam Raimi qui ne sombre à aucun moment dans la démesure, même pour l'un des films les plus chers de l'histoire du cinéma. Un blockbuster de choix pour une saga historique. 4,5/5
le 3ème volet de la bande des quatre potes avec un nouveau Eric ELMOSNINO, qui a bien pris ses marques après Gérard DARMON.Ce film reste fidèle à l'esprit donné dés le premier opus. Les personnages ont vieillis, se sont assagis mais ont gardé l'esprit d'amitié. Des répliques marrantes. La boucle est bouclée
quand Kostis débarque sur cette île grecque en plein hiver il fait froid, il pleut et la population locale est de 800 habitants. la routine s'installe jusqu'à l'arrivée des touristes et de l'été. un film magnifique sur la solitude , les rencontres fortuites , la jeunesse avec tous ces excès comme alcool et sexe. très belles interprétations et belles plages de Grèce.
En ce qui me conserne le meilleur Bruce Lee. J'ai tout les Bruce Lee en VHS. Un fan. D'ailleur j'en profite pour déconseillé les versions remasterisés, les cris légendaire de Lee ne sont pas toujours les siens, il se sont largement aténué, les combats paraisses tout de suite moins violent.
Comme bien d'autres avant elle, la franchise Poltergeist décide de moderniser son image en offrant au jeune public une nouvelle version, avec des effets moins vieillissants et une mise en scène remise au goût du jour. Mais, en dépit des précédents points forts, le métrage souffre clairement d'un scénario quelque peu bâclé, visible dans ses dialogues et à travers la facilité déconcertante qu'on pourra observer sur la fin. Aussi, caricaturés à l'extrême, la plupart des personnages perdent clairement en saveur, et ce, de manière croissante. Alors, une fois n'est pas coutume, il faudra se résoudre à l'évidence : un bon film d'horreur ne se base pas réellement sur la réussite de ses effets, mais davantage sur l'ambiance qui s'en dégage, car la peur, la vraie, n'est pas véhiculée se par la forme, mais bien par le fond.
Un film policier série noir, qui découvre ses secrets au fil du temps, mais qui reste toujours aussi mal joué par des acteurs qui n'en sont pas (claude brasseur est mauvais et sophie marceau encore plus). Les seuls intérêts du film résident dans l'ambiance de Cuba et dans la beauté sculpturale de Marceau que l'on voit quelquefois dénudée. Mais sinon...
Vraiment sympa! J'arrive pas à croire qu'ils sortent des trucs débiles comme High School Musical pour les gosses et pas des histoires aussi cool et artistiquement interessantes que ce film... Je le recommande aux 10-20 ans; c'est une version plus teen & celebrities de Save the Last dance ^^
Love story qui traine en longueur. On s'ennuie ferme et on ne tient jusqu'au bout que pour profiter de la fraicheur de 2 actrices superbes : Mila Jovovich et Denise Richards. Mais tout cela ne fait helas pas un film...
Astérix est bel et bien mort. Entre les pitreries d'un Benoit Poelvoorde ridicule, d'un Clovis Cornillac pas engagé et d'un Gerard Depardieu qui nous avez habitué à mieux, cet opus s'acharne à ruiner l'esprit de la bande dessinée éponyme, un peu comme si les scénaristes et le réalisateur avait eu la fâcheuse idée de tuer le personnage. L'humour est absent, tout comme le scénario.
Un vrai GRAND film d'hommes, réalisé par un grand metteur en scène et servi par une galerie d'excellents acteurs. Un film sur la bravoure, le sens de l'honneur, de la loyauté et sur les illusions perdues d'une génération. A voir, à revoir et à montrer. De magnifiques images de mer et de bateaux, une atmosphère unique.
étant fan de foot us je peux que aimer ce film , à voir , et tous ceux qui regarder ce film s'en rien connaître du foot us ... aucun intêret
Whaou, tout simplement whaou. La mort en pleine gloire et la renaissance d'un passionné. Entre rires et larmes, des moments intimistes d'une intensité rare, ce film vous submerge !
Quelques facilités de scénario, notamment les atermoiement du début et l'interprétation monolithique de John Payne (qui se rattrapera à la fin) empêche de hisser cette excellente série B au niveau d'un chef d'œuvre. On peut s'amuser à contextualiser puisque la référence au sénateur anticommuniste McCarthy est évidente, mais cela ne date pas pour autant le film dont le propos n'a pas vieilli d'un poil, la démonstration de la versatilité (et de l'imbécilité) de la foule est éclatante. Le rôle des femmes est également bien vu, dans une communauté dominée par les ligues de vertus (on voit au début du film un stand des "femmes pour la tempérance"), la fiancée du suspect affiche une femme forte et déterminée, mais les meilleures répliques seront celles formulées par Dolly (joué par Dolores Moran, la femme du producteur) qui interprète une jolie et pétulante prostituée qui n'a pas froid aux yeux, ancienne maitresse du suspect et qui trouvera le moyende le sauver plusieurs fois… y compris à la fin en compagnie… de sa fiancée…En plein maccarthysme et en plein Code Hays, fallait le faire ! Chapeau.
Comment peut-on autant forcé la mise en scène? Les réactions agaçantes des personnages n'en finissaient pas d'entamer ma patience. Que ça soit l'hsytérie, la niaiserie, l'arrogance, le faux semblant (la scène où la mère se plaint d'être si pauvre et de travailler si dur est simplement rageant! c'est vrai que posséder un hotel en grece est un signe évident de pauvreté!) la fille quant à elle est aussi pignouf que la mère. L'étalage de la vie privée d'une petite punaise capricieuse et d'une mère lassive voilà ce que promet mama mia. C'est enfin mal chanté, des scènes sont effroyables de superficialité: vieilles peaux qui se la jouent divas, hommes surmaturés et sans caractère,... je ne trouve aucun argument assez fort pour vous le déconseiller et le comble, pour vous en rendre vraiment compte, c'est d'aller le voir(mais surtout ne dépenser aucun sous pour cela, il vous prendra déjà votre temps c'est déjà plus qu'assez) Je ne suis pas fan des comédies musicales mais malgré tout j'arrive à en apprécier les qualités: Moulin Rouge par exemple était vraiment sympa, dans Mama mia à part les paysages c'est nauséabond
Comme les critiques précedente, ce film ressemble plus a un conte pour enfant qu'un film d'horreur. Les zombies sont bidons, tout comme le scénar. Longue sont les 1h30.
"I Origins" n'est pas un film parmi tant d'autres, il se démarque par un scénario original écrite avec une plume de maître. Tout au cours du long-métrage le réalisateur nous mène dans une histoire hors du commun joué par un Michael Pitt en forme. L'acteur fait une rencontre mêlée au hasard, alors le couple sera confrontée à deux esprits bien différents, l'un marqué par la spiritualité et la croyance, le second par les faits et les événements concrets. À cela s'ajoute des images magnifiques et une réflexion profonde sur le monde d'aujourd'hui en parallèle avec des événements d'actualité. Il s'agit d'un chef-d'oeuvre à voir et à revoir que je conseil fortement.
Un vrai plaisir ! J'ai toujours aimé les films qui assumait totalement le coté délire / parodie / clin d'oeil / on se lâche ! Maurice Barthélémy à réussi un très bon casting (acteurs venant de la publicité, du théatre, et du café théatre) et nous propose une galerie de personnages allumés pour notre plus grand plaisir. Pour les fans, on reconnait la pate du Robin des bois.