CALM/arwiki huggingface dataset:
يتضمن الفوفينام استخدام اليدين والمرفقين والساقين والركبتين والأسلحة مثل السيوف والسكاكين والمخالب والمراوح. بحيث يتعلم الطلاب أيضًا كيفية التعامل مع الأسلحة المحمولة باليد، والهجمات المضادة، والتقييد. فمن بين فنون القتال الفيتنامية تعد الفوفينام الأكبر إنتشاراًً والأكثر تطورًا في فيتنام مع أكثر من 60 مدرسة حول العالم، بما في ذلك بولندا وبلجيكا وكمبوديا والدنمارك وألمانيا والولايات المتحدة والمغرب والنرويج وروسيا وفرنسا ورومانيا وسويسرا والسويد وسنغافورة وأوزبكستان وتايلاند وإيطاليا وأستراليا والهند وباكستان وإيران وإسبانيا والجزائر وتايوان واليونان. ويعتبر نغوين فون تشيو حاليا هو رئيس مجلس الفوفينام الآن.
يمارس الفوفينام بالسلاح أو بدونه، فهو فن يقوم على مبدأ ما بين الصلب واللين، ويشمل تدريب الجسد وكذلك العقل، كما يعتمد على القوة ورد فعل الخصم. يتضمن الفوفينام أيضًا تقنيات اليد والكوع والركل والهروب والرفع. ويتم تدريب كل من تقنيات الهجوم والدفاع، وكذلك أشكال القتال والمصارعة التقليدية. مع مجموعة واسعة من التقنيات التي تشمل اللكم، الركل، الأشكال، المصارعة، السيف، العصا، الفأس، المروحة القابلة للطي وغيرها.
يمكن الفوفينام من الدفاع عن النفس ضد الهجمات بدون الأسلحة مثل الخنق من الخلف أو الإسقاط، وكذالك تمكن منالدفاع ضد المهاجمين المسلحين بالسكاكين أو السيوف. ويتعلم الطلاب المتقدمون الجمع بين التقنيات الهجومية والدفاع عن أنفسهم ضد المسلحين. بحيث يقوم المدربون بتعليم الأسلحة التقليدية مثل العصا الطويلة والعصا القصيرة والسكين والسيف والصابر. وبالتالي، تعمل الأسلحة كأجهزة تدريب للوصول إلى السيطرة المثلى على الجسم والعقل.
تأسست الفوفينام فيات فو داو باسم الفوفينام بواسطة من طرف نجوين لوك في عام 1938، بهدف تزويد الممارسين بطريقة فعالة للدفاع عن النفس بعد فترة قصيرة من التعلم. بحيث يعتقد نجوين أن فنون الدفاع عن النفس ستساهم في تحرير الفيتنام من الهيمنة الخارجية، هذا البلد الذي كانت فرنسا تحكمه منذ عام 1859. ويعتبر فن الفوفينام الذي قام نغوين بتجميعه من الأنماط الصينية للكونغ فو، ومعرفته الخاصة بفنون القتال الفيتنامية التقليدية، وعناصر الأنظمة الحربية اليابانية والكورية وتم إنشاؤه جزئيًا كرد فعل للاحتلال الفرنسي، بهدف تعزيز الشعور بالهوية الوطنية للشعب الفيتنامي. وبالتالي فإن فوفينام له أصول معادية لسياسة الٳحتلال والٳستعمار.
بعد دعوته لإظهار الفوفينام علنًا في هانوي مع تلاميذه في عام 1940، تمت دعوة نجوين لوك لتدريس الفن في مدرسة مدرسة هانوي العادية، واكتسبت هذه المدرسة فيما بعد شعبية واسعة بفضل فن الفوفينام. خلال السنوات التالية، تعرض هذا الفن للقمع بعد أن ازدادت الاضطرابات السياسية في جميع أنحاء الفيتنام، بسبب التوجه السياسي القومي للنظام. بحلول عام 1954، هاجر نجوين إلى جنوب الفيتنام، حيث كان قادرًا على مواصلة التدريس وإنشاء مدارس فوفينام. وبعد وفاته في عام 1960، واصل الأستاذ الكبير لي سانغ التطوير والترويج الدولي للفوفينام حتى وفاته في 27 سبتمبر سنة 2010. وقد تم إنشاء أول مدرسة للفوفينام خارج الفيتنام في هيوستن بتكساس، من قبل المهاجرين الفيتناميين في عام 1976 بعد سقوط سايغون. وبحلول عام 2000، تم إنشاء مدارس الفوفينام في أستراليا وبلجيكا وكندا وفرنسا وألمانيا وإيطاليا والمغرب وبولندا وإسبانيا وسويسرا والولايات المتحدة وعدة دول أخرى.
يتواجد الفوفينام الآن باسم الفوفينام فيات فو داو، بدون الدلالات السياسية التي حملتها في الأصل.
الثقافة والمبادئ.
شعار الفوفينام فيات فو داو يتكون من مستطيل متصل بدائرة بشكل ذات لون أصفر، زاوي في الأعلى، دائري في الأسفل. يرمز هذا الشكل إلى كمال مبدأ ما بين الصلب واللين. وداخل هذا الشكل ذات اللون الأصفر، نجد النص الأحمر "Vovinam" مكتوب فوق النص الأزرق البحري "Việt Võ Đạo". ويظهر أسفل النص رمز يين ويانغ باللون الأحمر والأزرق البحري. يُحاط رمز يين ويانغ بدائرة بيضاء سميكة ترمز إلى وجود الداو، مع مهمة التوسط بين الين ويانغ، لإخضاع الاثنين. وتوجد خريطة صفراء للفيتنام فوق رمز يين ويانغ.
يتكون زي الفوفينام فيات فو داو الرسمي، والمسمى "võ phục"، من سترة وسروال مصنوعين من قماش صلب بلون أزرق فاتح. بشكل عام، يعتبر هذا الزي أقل سمكاً من من زي الجودو المسمى "كيكوجيس" ويشبه إلى حد كبير زي الكاراتيه في الشكل. عادة ما يتم صناعته في الفيتنام ويستورد ٳلى باقي الدول. ويمكن أن يشتمل الجزء الخلفي من الزي على تطريز متطور إلى حد ما يمثل حيواناً من الحيوانات القتالية مثل التنين، طائر الفينيق والنمر أو نقوش مطرزة عند الطلب مثل اسم النادي. يرتدي بعض الممارسين أيضًا رقعة علم بلادهم على الأكمام. ومن المعتاد أيضًا وضع اسمه الأول على الصدر، على الجانب الأيمن، حيث يتم حجز الجانب الأيسر لشعار الفوفينام. ويُطرز الاسم الأول للممارس على ملصق قماش بلون الحزام.
هنري ماتيس (Henri Matisse) عاش (1869-1954 م) هو رسّام فرنسي. من كبار أساتذة المدرسة الوحشية (fauvisme)، تفوق في أعماله على أقرانه، استعمل تدريجات واسعة من الألوان المنتظمة، في رسوماته الإهليجية (كانت تُعْنى بالشكل العام للمواضيع، مهملة التفاصيل الدقيقة)، يعتبر من أبرز الفنانين التشكيليين في القرن العشرين.
وُلد ماتيس في لو كاتو-كامبرازي، في إقليم نور في شمال فرنسا، وهو الابن البكر لتاجر حبوب ثري. ونشأ في بوهين-أون-فرمندواس، بيكاردي، فرنسا. في عام 1887 ذهب إلى باريس لدراسة القانون، ,ومن ثم عمل كمسؤول محكمة في بلدته لو كاتو-كامبرازي بعد نيله اللقب. بدأ بالرسم للمرة الأولى عام 1889، بعد أن أحضرت له والدته مستلزمات الرسم خلال فترة تشافي بعد نوبة التهاب الزائدة الدودية. إكتشف ماتيس حينها "نوع من الجنة"، كما وصف ذلك لاحقًا، وقرّر أن يصبح فنّانًا، مما أخاب أمل والده بشدّة.
في عام 1891 عاد إلى باريس لدراسة الفن في أكاديمية جوليان وأصبح طالب لويليام-أدولف بوغيرو وغوستاف مورو. في البداية كان يرسم الطبيعة الصامتة والمناظر الطبيعيية بشكل تقليدي، حيث أتقنها بشكل مقبول. وقد تأثر ماتيس من أعمال أساتذة الفن السابقين مثل جان-بابتيست-سيميون شاردين، ونيكولا بوسان، وأنطوان واتو، فضلاً عن الفنانين المعاصرين، مثل إدوار مانيه، والفنون اليابانية. كان شاردين واحدًا من الرسامين الأكثر إعجابًا لماتيس؛ كطالب فن رسم ماتيس نسخ لأربع لوحات لشاردين في متحف اللوفر.
في العامين 1896 و 1897، زار ماتيس الرسّام الأسترالي بيتر راسل في جزيرو بيل إيل قبالة ساحل بريتاني. عرّفه راسل على الانطباعية وأعمال فان غوخ، والذي كان صديقًا راسل ولكن كان غير معروفًا تمامًا في ذلك الحين. وتغيّر أسلوب ماتيس تمامًا. وقال ماتيس لاحقًا "راسل كان أستاذي، وراسل أوضح لي نظريّة اللون". في عام 1896 عرض ماتيس خمس لوحات في صالون الشركة الوطنية للفنون الجميلة، اثنان منها تم شراؤها من قبل الدولة.
كان لديه ابنة من العارضة كارولين جوبلو، تُدعى مارغاريت، وُلدت عام 1894. في عام 1898 تزوّج أميلي نويل باراير؛ وربيّا مارغاريت سوية وكان لديهما كذلك ابنان، جون (ولد عام 1899) وبيير (وُلد عام 1900). عملتا مارغاريت وأميلي أحيانًا كعارضات لماتيس.
بدات شهرة ماتيس تتضح بعد أن اشترك مع بعض زملائه في صالة ن خريف عام 1905 واعتبر ماتيس زعيماً للحركة عندما أطلق اسم الوحوش على جماعته في مطلع القرن العشرين، وهي الوحشية التي لم تدم طويلاً.
وانهالت عليه الدعوات من المعجبين في أمريكا والسويد والنرويج لينشئ مراكز لأسلوب الدراسة الوحشية لذلك كان لتعليمه أثر في مسار التصوير الحديث.
تتضمن أعماله لوحات تصويرية، منقوشات، منحوتات، زجاجيات (كنيسة الدومينيكيين في فينشي، 1950 م). تَعْرِض العديد من متاحف العالم أعماله، وخصص اثنان منها له -في فرنسا-: أحدهما في نيس (Nice) والآخر في كاتو (Cateau).
كان جان أوغست دومينيك آنغر (29 أغسطس 1780 - 14 يناير 1867) رسامًا كلاسيكيًا حديثًا فرنسيًا. تأثر آنغر بشكل كبير بالتقاليد الفنية الماضية، وطمح إلى أن يصبح الحامي للأرثذوكسية التقليدية في مواجهة حركة الرومانسية الصاعدة. على الرغم من أنه اعتبر نفسه رسامًا تاريخيًا في تقليدٍ لنيكولاس بوسين وجاك لوي ديفيد، إلا أن لوحات البورتريه الخاصة به، سواءً المرسومة أو المصوّرة، تُعتبر أعظم إرث له. جعلت منه التشويهات التعبيرية في الشكل والفضاء رائدًا هامًا للفن الحديث، حيث أثر على بيكاسو وماتيس وغيرهم من الحداثيين.
وُلد آنغر لعائلة متواضعة في مونتوبان وسافر إلى باريس للدراسة في أستوديو ديفيد. كان ظهوره الأول في صالون باريس في عام 1802 حيث فاز بجائزة روما عن لوحته «سفراء أجامِمنون في خيمة آخيل». تطور أسلوبه –الذي كشف عن دراسته المتعمقة لأساليب فناني عصر النهضة الكبار الإيطاليين والفلمنك– بشكل كامل بحلول الوقت الذي غادر فيه ليقيم في روما في عام 1806، ولم يتغير كثيرًا بعد ذلك ولبقية حياته. أثناء عمله في روما، وبعد ذلك في فلورنسا في الفترة من 1806 إلى 1824، اعتاد أن يرسل لوحات بانتظام إلى صالون باريس، حيث كانت تُنتقد من قبل النقاد الذين وجدوا أسلوبه شاذًا ومهجورًا. حصل على عمولات ضئيلة عن اللوحات التاريخية التي طمح إلى أن يصورها خلال تلك الفترة، ولكنه كان قادرًا على إعالة نفسه وزوجته كرسّام ومصوّر بورتريهات.
اعتُرف به أخيرًا في الصالون في عام 1824، عندما قوبلت لوحته الرفائيلية المعروفة بعهد لويس الثالث عشر باستحسان، واعتُرف به كزعيم للمدرسة الكلاسيكية الحديثة في فرنسا. على الرغم من أن دخله من عمولات اللوحات التاريخية قد اضطره لتصوير بورتريهات أقل، إلا أن لوحة البورتريه للسيد بيرتن خاصته سجلت نجاحه الشعبي المقبل في عام 1833. في العام التالي، تسبب سخطه نتيجة للانتقاد القاسي للوحته الطموحة المُسماه باستشهاد القديس سِمفوريان في رجوعه إلى إيطاليا، حيث تولى إدارة الأكاديمية الفرنسية في روما في عام 1835، وعاد بعد ذلك إلى باريس في عام 1841 ليقضي بقية حياته هناك. رسم آنغر نسخًا جديدة من العديد من لوحاته السابقة في سنواته اللاحقة، إضافة إلى سلسلة من التصاميم لنوافذ زجاج معشق، وعدة بورتريهات مهمة للنساء، وأيضًا الحمام التركي، التي كانت الأخيرة من عدة لوحات استشراقية للمرأة العارية، والتي أنهاها في سن 83.
السنوات الأولى: مونتوبان وتولوز.
وُلد آنغر ببلدية مونتوبان في إقليم تارن وغارون بفرنسا. كان الأول من بين سبعة أطفال (خمسة منهم بقوا على قيد الحياة بعد مرحلة الرضاعة) لجان ماري جوزيف آنغر (1755-1814) وزوجته آن موليت (1758-1817). كان والده فنانًا ناجحًا متميزًا في جميع أنواع الفنون؛ كان مصورًا للبورتريهات المصغرة، ونحاتًا، وبنّاءً بالحجارة تزيينيًا، وموسيقيًا هاويًا. أما والدته فكانت الابنة القريبة من كونها أميّة لصانع شعر مستعار. تلقى آنغر الشاب من والده تشجيعًا وتعليمات مبكرة في الرسم والموسيقى، وصُنعت أول رسمة معروفة له، والتي كانت عبارة عن تصوير تقريبي لمسبوكة عتيقة، في عام 1789. التحق آنغر بالمدرسة المحلية المعروفة بمدرسة الأخوة للتعليم المسيحي ابتداءً من عام 1786، ولكن تعطل تعليمه بسبب الفوضى الناتجة من الثورة الفرنسية، ووضع إغلاق المدرسة في عام 1791 نهاية لتعليمه التقليدي. استمر عدم اكماله لتعليمه في أن يكون مصدر انعدام للثقة بالنفس بالنسبة إليه.
أخذ جوزيف آنغر ابنه إلى تولوز في عام 1791، حيث التحق آنغر الشاب بالأكاديمية الملكية للرسم والنحت. تعلم هناك على يد النحّات جان بيير فيغان، ومصور المناظر الطبيعية جان بريانت، والرسام الكلاسيكي الحديث غيوم جوزيف روك. كان لتبجيل روك لرافائيل تأثيرًا فارقًا على الفنان الشاب. فاز آنغر بجوائز في دروب عديدة، مثل التكوين، و«الأشكال والتحف»، ودراسة الحياة. تطورت موهبته الموسيقية على يد عازف الكمان ليجو، ومن سن الثالثة عشرة إلى السادسة عشرة لعب الكمان الثاني في الأوركسترا الوطنية للعاصمة تولوز.
عزم آنغر على أن يكون رسامًا تاريخيًا منذ صغره، وكان رسم التاريخ يعتبر أعلى مستوى من الرسم في التسلسل الهرمي للفنانين الذي كونته الأكاديمية الملكية للرسم والنحت في عهد لويس الرابع عشر واستمر حتى القرن التاسع عشر. لم يكن يريد صنع بورتريهات أو رسوم للحياة الواقعية كوالده، بل أراد تجسيد أبطال الدين والتاريخ والميثيولوجيا، وإضفاء قدر من المثالية إليهم، وإظهارهم بطرق تفسر أفعالهم، ومنافسة أفضل الأعمال الأدبية والفلسفية.
في باريس (1797– 1806).
مُنح آنغر الجائزة الأولى في الرسم من قبل الأكاديمية في مارس 1797، وسافر في أغسطس إلى باريس للدراسة في استوديو جاك لوي ديفيد، الرسام الرائد في فرنسا –وأوروبا بأكملها– خلال الفترة الثورية، والذي مكث آنغر في الاستوديو الخاص به لأربعة سنوات. حذا آنغر حذو معلمه متبعًا الاتجاه الكلاسيكي الحديث. كان ديفيد يعمل على تحفته الضخمة «تدخل نساء السابين» في عام 1797، وكان يعدل تدريجيًا من أسلوبه بعيدًا عن النماذج الرومانية من الواقعية الصارمة إلى مُثُل النقاء والفضيلة والبساطة في الفن اليوناني. تحدث إتيان جين ديليكلوز، الذي كان أحد الطلاب الآخرين لديفيد وناقدًا للفن فيما بعد، عن آنغر واصفًا إياه:
لم يتميز فقط بالصدق في شخصيته ونزعته تجاه العمل بمفرده... لقد كان أحد أكثر الأشخاص ولعًا...شارك قليلًا في جميع الحماقات المثيرة للاضطراب من حوله، ودرس بمثابرة أكثر من معظم زملاءه التلامذة...جميع الصفات التي تميز اليوم موهبة هذا الفنان، كدقة الكِفاف، والعاطفة العميقة والحقيقية للشكل، والتصميم بدقة وحزم استثنائيان، يمكن رؤيتها بالفعل في رسومه التقريبية الأولى. بينما أشار العديد من رفاقه، وديفيد بذاته، إلى ميله نحو المبالغة في رسومه التقريبية، إلا أن الجميع قد صُعق بتراكيبه العظيمة واعترفوا بموهبته.
قُبل آنغر في قسم الرسم في كلية الفنون الجميلة في أكتوبر عام 1799، وقد فاز عن رسوماته لجذوع أجساد الذكور بالجائزة الكبرى لتصوير الأشكال في عامي 1800 و1801. تنافس أيضًا على جائزة روما في نفس العامين، وهي أعلى جائزة في الأكاديمية، والتي منحت الفائز الحق في الإقامة لمدة أربع سنوات في أكاديمية فرنسا في روما. جاء آنغر في المركز الثاني بعد محاولته الأولى، لكنه تمكن من الحصول على الجائزة الأولى مع سفراء أجامِمنون في خيمة آخيل في عام 1801. إن أشكال المبعوثين على يمين اللوحة قوية ومتينة مثل التماثيل، بنفس الشكل الذي يُتبع في الأسلوب الذي علمه ديفيد، ولكن الشخصية الرئيسية على اليسار، آخيل وباتروكلُوَس، متحركة وزاهية وسامية، كأشكال في نقش منخفض رقيق.
أُجلت إقامته في روما حتى عام 1806 بسبب نقص الموارد المالية للدولة. عمل في باريس في هذه الأثناء إلى جانب العديد من طلاب ديفيد الآخرين في استوديو ممنوح من الدولة، كما طور أسلوبًا شدد على نقاء الكِفاف. وجد إلهامًا في أعمال رافائيل، وفي لوحات المزهريات للحضارة الإتروسكانية، وفي نقوش الخطوط العريضة للفنان الإنجليزي جون فلاكسمان. أظهرت رسوماته لثنائية الجنس وحورية السلماسيس نموذجًا جديدًا منمقًا للجمال الأنثوي، والذي سيظهر مرات أخرى لاحقًا في جوبيتر وتيتيس ولوحاته العارية الشهيرة.
ظهر لأول مرة في صالون باريس مع لوحة بورتريه لامرأة (مكان وجودها الحالي غير معروف) في عام 1802. رسم سلسلة من البورتريهات بين عامي 1804 و1806، والتي كانت مدهشة نظرًا لدقتها البالغة، وبالأخص في ثراء أنسجتها وتفاصيلها الدقيقة. شملت هذه اللوحات صورة فيليبير ريفييه (1805)، وصورة سابين ريفييه (1805-1806)، وصورة السيدة أيمون (المعروف أيضًا باسم زيلي الحسناء، 1806)، وصورة كارولين ريفييه (1805–1806). لم تكن الأوجه الأنثوية مفصّلة على الإطلاق، بل تم تلطيفها، وما كان جديرًا بالملاحظة فيها هي عيونها البيضاوية الكبيرة، والألوان الجسدية الناعمة، وتعبيراتها التي تشبه الأحلام. عادةً ما كانت صوره ذات خلفيات بسيطة بلون صاف داكن أو فاتح، أو بشكل السماء. كانت تلك اللوحات بمثابة بداية لسلسلة من شأنها أن تجعله من بين الفنانين الأكثر احتفاءً في القرن التاسع عشر.
ميكيلانجلو ميريزي والملقب كارافاجيو ، نسبة إلى مدينة مسقط رأسه، عاش (1571 - 1610 م).
هو رسًّام إيطالي، قام بإضفاء جوٍ درامي على مشاهد لوحاته الواقعية، من خلال لجوءه إلى استغلال تفاوت الضوء والظلال (ثلاثة مشاهد من حياة القديس متى 1600 م، قيامة لعازر 1608 وغيرها). كان له تأثير كبير على الفنانين الذين جاؤوا بعده، وأطلق اسمه على تيار فني شمل كامل أوروبا.
من لوحات الفنان المشهورة هي «موت العذراء» وقد كانت أحد الأسباب التي جعلته فارا من حكم البابا عليه بالموت.
لديه انفصام بالشخصية، يفكر بطريقتين مختلفتين، يدمجها أثناء رسمه.نصفه ينفذ ما يأمره به الرهبان أثناء رسمه اللوحات ونصفه الآخر يرسم مظاهر من حياته الشخصية ويدمجهما بصورة غير ملحوظة حيث يستعمل الناس الموجودين في حياته كنموذج للرسم وهذا لن يسر الرهبان لأن رسوماته يجب أن تكون لها علاقة بالدين المسيحي ولا يجوز ان يرسم حبيبته أو صديقه في تلك الرسومات
أهم اعماله :
بداياته في روما (1592/95- 1600).
بعد تدريبه الأولي على يد سيمون بيتيرزانو، غادر كارافاجيو ميلان متجهًا إلى روما عام 1592، بعد نزاعات وإصابة رجل شرطة. وصل الفنان الشاب إلى روما «عاريًا ومحتاجًا بشدة... دون عنوان ثابت ودون مؤونة... وبمبلغ مالي قليل جدًا». أقام أثناء هذه الفترة مع باندولفو بوتشي البخيل، المعروف باسم «المونسنيور سلطة». بعد عدة أشهر، كان يرسم لوحات فنية ذات طابع تجاري لفنان البابا كليمنت الثامن المفضل والناجح جدًا غيسيبي سيزاري، و«يرسم الأزهار والفواكه» في ورشته التي تشبه المصنع.
كان هناك طلب كبير على اللوحات في روما لملء الكنائس والقصور الضخمة الجديدة التي كانت تُبنى في تلك الفترة. كانت الكنيسة في تلك الفترة تبحث عن بديل إنشائي للنهجية في الفن الديني الذي كان موكَلًا إلى الإصلاح المضاد الكاثوليكي. كان ابتكار كارافاجيو عبارة عن واقعية جذرية تجمع بين الملاحظة المادية المباشرة والاستخدام الدرامي والمسرحي للجلاء والقتمة الذي يُعرف باسم القتامية (الانتقال من الضوء إلى الظلمة بقيمة وسطية قليلة).
من بين الأعمال المعروفة في تلك الفترة لوحة "الفتى الذي يقشر الفواكه" (بالإنجليزية: "Boy Peeling a Fruit") (لوحته المعروفة الأولى)، ولوحة "فتى يحمل سلة فواكه" (بالإنجليزية: "Boy with a Basket of Fruit")"،" ولوحة "باخوس الشاب المريض" (بالإنجليزية": Young Sick Bacchus")، التي يُفترض أنها لوحة له رسمها أثناء فترة تعافيه من مرض خطير أدى إلى انتهاء عمله مع سيزاري. توضح اللوحات الثلاث الخصوصية المادية التي أصبح كارافاجيو معروفًا بها: حلل أستاذ في علم البستنة لوحة الفتى الذي يحمل سلة الفواكه، وتمكن من التعرّف على صنف نباتي وتوصّل إلى أن «...ورقة شجرة تين تحمل آفة فطرية حارقة بارزة تشبه سرطان الأشجار».
ترك كارافاجيو سيزاري عازمًا على شق طريقه الفني الخاص بعد نزاع حاد. شكّل صداقات مهمة جدًا في تلك الفترة، مع الرسام بروسبيرو أورسي، والمعماري أونوريو لونغي، ومع الفنان الصقلي ماريو مينيتي الذي كان يبلغ من العمر ستين عامًا. قدّمه أورسي، الضليع في المهنة، إلى جامعي اللوحات المؤثرين، بينما عرّفه لونغي، بحقد أكثر، على عالم قتال الشوارع الروماني. عمل مينيتي كعارض لدى كارافاجيو، وبعد عدة سنوات، كان له دور فعال في مساعدته في الحصول على مهمات مهمة في صقلية. كانت أول إشارة توثيقية إلى كارافاجيو في وثيقة معاصرة من روما هي وضع اسمه، إلى جانب اسم بروسبيرو أورسي كشريك له، «كمساعد» في موكب في شهر أوكتوبر من عام 1594 إكرامًا للقديس لوقا. تُمثل نسخة طبق الأصل من تقرير محكمة بتاريخ 11 يوليو عام 1597، عندما شهد كارافاجيو وبروسبيرو أوسي في جريمة قرب كنيسة سان لويجي دي فرانسيث، أول تقرير غني بالمعلومات عن حياته في المدينة.
يشير بلاغ نُشر في مرحلة مبكرة عن كارافاجيو، ويعود تاريخة لعام 1604 ويصف حياته قبل ثلاث سنوات من هذا التاريخ، إلى أنه «بعد أسبوعين من العمل المتواصل، كان يمشي مختالًا مدة شهر أو اثنين حاملًا سيفه على وسطه، ويتبعه خادم له، متنقلًا من ملعب إلى آخر، ومستعد دائمًا للخوض في قتال أو جدال، لذلك كان من الغريب تمامًا الاتفاق معه». عام 1606، صرع شابًا في قتال شوارع، من المرجح أنه فعل ذلك غير عامد، وهرب من روما بعد أن حُكم عليه بالموت.
تعرض لوحة قارئ الحظ، وهي أول لوحة يرسمها وتحتوي على أكثر من شخص واحد، فتاة غجرية تقرأ حظ أحد الشبان، ويُرجّح أن هذا الشاب هو مينيتي، الذي ينزع خاتمه سرّا بينما تضرب العرّافة يده. كان ذلك الموضوع جديدًا نسبيًا بالنسبة إلى روما، وثبت تأثيره بشكل كبير على القرن التالي وما بعده. على أي حال، حدث ذلك لاحقًا، فقد باع كارافاجيو اللوحة مقابل مبلغ زهيد في تلك الفترة. تُعتبر لوحة "الغش بورق اللعب" (بالإنجليزية: "The Cardsharp")- التي تعرض شابًا ساذجًا يقع ضحية الغش في ورق اللعب- أكثر تعقيدًا، ومن المرجَّح أنها أول عمل عظيم لكارافاجيو. وعلى غرار لوحة قارئ الحظ، حظيت بشعبية واسعة، وبقيت منها أكثر من 50 نسخة. الأهم من ذلك أنها جذبت رعاية الكاردينال فرانسيسكو ماريا ديل مونتي، وهو واحد من الخبراء القادة في روما. أنجز كارافاجيو عددًا من القطع الفنية الحميمية لديل مونتي ومعارفه الأثرياء من محبي الفن -منها لوحة "الموسيقيون" (بالإنجليزية: "The" "Musicians")، "وعازف" "العود" (بالإنجليزية: "The" "Lute" "Player")، "وباخوس" الثمل (بالإنجليزية: "Bacchus")، ولوحة "الفتى الذي تعضه سحلية" (بالإنجليزية: "Boy Bitten by a Lizard") التي كانت لوحة رمزية لكن واقعية في الوقت نفسه- يصوّر فيها مينيتي وعارضين مراهقين آخرين.
تمحورت لوحات كارافاجيو الدينية الأولى حول الواقعية وظهور ملحوظ للروحانية. كانت لوحة "مريم المجدلية التائبة" (بالإنجليزية: "Penitent Magdalene")، التي تصوّر اللحظة التي اعتزلت فيها مريم المجدلية حياة المومس وهي تجلس باكية على الأرض ومجوهراتها مبعثرة حولها، أول هذه اللوحات. «لم تبدو وكأنها لوحة دينية على الإطلاق... فتاة تجلس على مقعد خشبي منخفض تجفف شعرها... أين التوبة... والمعاناة... والوعد بالخلاص؟». كانت اللوحة مغموطة، بطريقة لومبارد، ولم تكن متكلفة بالطريقة الرومانية التي كانت سائدة تلك الفترة. وتبعتها لوحات أخرى رُسمت بالأسلوب نفسه، ومنها: لوحة "القديسة كاثرين" (بالإنجليزية: "Saint Catherime")، "ومارثا ومريم المجدلية" (بالإنجليزية: "Martha and Mary Magdalene")، "وجوديث تقطع رأس هولوفيرن" (بالإنجليزية: "Judith beheading Holofernes")، "وتضحية إسحاق" (بالإنجليزية: "Sacrifice of Issac")، "والقديس فرانسيس الأسيزي منتشيًا" (بالإنجليزية: "Saint Francis of Assisi in Ecstasy")، "ولوحة استراحة أثناء الرحلة إلى مصر" (بالإنجليزية: "Rest" "on the Flight into Egypt"). زادت هذه الأعمال، التي عُرضت على مجموعة محدودة من الأشخاص، من شهرة كارافاجيو بين الخبراء والفنانين المعاصرين. لكن تعتمد السمعة الحقيقية على المهام العامة، ومن أجل الحصول عليها كان من الضروري التطلّع إلى لفت انتباه الكنيسة.
جريمة نكراء (1606).
عاش كارافاجيو حياة صاخبة، وكان ذا سمعة سيئة بسبب مشاركته في قتال الشوارع، حتى في زمان ومكان اعتُبر فيه ذلك السلوك عاديًا، وملأت تقارير سجلات الشرطة وإجراءات المحاكمات صفحات عديدة. في 29 مارس من عام 1606، قتل شابًا يُدعى رانوتشيو توماسوني من مدينة تيرني (أومبريا) بغير قصد على الأرجح. بقيت ظروف القتال وموت رانوتشيو توماسوني غامضة. أشارت العديد من الرسائل الإخبارية إلى نزاع بسبب دين في القمار ولعبة كرة مضرب، ورسخت هذه التبريرات في مخيلة الشعب. لكن أوضحت مصادر مطلعة حديثة أن الأمر حصل بسبب أشياء عديدة أخرى.
كان كارافاجيو مصابًا بالحمى قبل وفاته، وما زال سبب وفاته موضع نقاش ودراسة تاريخيين. يفترض المؤرخون بشكل تقليدي أن سبب وفاته هو إصابته بمرض الزهري. قال البعض أنه كان مصابًا بالملاريا، أو من المحتمل أنه كان مصابًا بداء البروسيلات بسبب تناوله منتجات الألبان غير المبسترة. يناقش بعض العلماء فكرة أن كارافاجيو هُوجم وقُتل من قبل «الأعداء» نفسهم الذين كانوا يطاردونه منذ فراره من مالطا، من المحتمل أن يكونوا من المنتمين إلى جماعة وينغاكورت (بالإنجليزية: Wingacourt) أو فصائل الفرسان.
بابلو رويز بيكاسو (ولِد في 25 أكتوبر 1881، مالقة، إسبانيا - توفي في 8 أبريل 1973، موجان، فرنسا) رسام ونحات وفنان تشكيلي إسباني وأحد أشهر الفنانين في القرن العشرين وينسب إليه الفضل في تأسيس الحركة التكعيبية في الفن.
ولد بابلو بيكاسو عام 1881 بمدينة مالقة في جنوب إسبانيا لأسرة متوسطة الحال، وكان بابلو هو الطفل الأول فيها، كانت أمه تدعى ماريا بيكاسو (وهو الاسم الذي اشتهر به بابلو فيما بعد)، أما والده فهو الفنان خوسيه رويث الذي كان يعمل أستاذًا للرسم والتصوير في إحدى مدارس الرسم وكذلك كان أمينًا للمتحف المحلي، وقد تخصص في رسم الطيور والطبيعة، وكان أجداد رويث من الطبقة الأرستقراطية إلى حد ما.
أظهر بابلو شغفه ومهارته في الرسم منذ سن مبكرة، وكانت أمه تقول أن من أولى الكلمات التي نطقها بابلو كانت تعني "قلم رصاص". في السابعة من عمره تلقى بابلو على يد والده تدريبًا رسميًا في الرسم والتصوير الزيتي، وكان رويز فنانًا تقليديًا وأستاذًا أكاديميًا مما جعله يعتقد أن التدريب المثالي يعتمد على النسخ المنضبط، ورسم أجساد بشرية من نماذج حية. وهكذا أصبح بابلو منشغلًا بالرسم على حساب دراسته.
عام 1891 انتقلت العائلة إلى لا كورونيا حيث أصبح الأب أستاذًا بكلية الفنون الجميلة، ومكثوا فيها أربعة أعوام تقريبًا. وفي إحدى المرات قام بابلو وهو في سن الثالثة عشرة بإتمام رسم أحد السكيتشات التي لم يكن والده قد انتهى منها بعد وقد كانت اللوحة لحمامة، وحينما تفحص الأب تقنية إبنه في الرسم شعر إن إبنه قد تفوق عليه، وأعلن وقتها التخلي عن الرسم رغم وجود لوحات له في وقت لاحق.
وفي عام 1895 تعرض بابلو لصدمة شديدة بعد وفاة شقيقته الصغرى ذات السبع سنوات بعد إصابتها بمرض الدفتيريا، وبعد وفاتها انتقلت العائلة مرة أخرى إلى برشلونة حيث عمل الأب هناك أستاذًا بأكاديمية الفنون الجميلة، وبدأ بابلو في الازدهار من جديد مع إبقاءه على الحزن والحنين إلى الوطن الحقيقي.
أقنع الأب المسؤولين في الأكاديمية بالسماح لإبنه بالتقدم في امتحان القبول للمستوى المتقدم، وكانت هذه الامتحانات تستغرق في الغالب شهرًا إلا أن بيكاسو أنجزها في أسبوع واحد، الأمر الذي حاز إعجاب لجنة التحكيم ببيكاسو الذي كان في الثالثة عشرة من عمره وقتها. وكان بيكاسو يفتقر للانضباط إلا أنه استطاع أن يكوّن العديد من الصداقات التي أثّرت في حياته في وقتٍ لاحق.
قام والده بتأجير حجرة صغيره له بجوار المنزل ليستطيع فيها بيكاسو العمل بمفرده، وكان والده يقوم بزيارته عدة مرات في اليوم وتفحّص رسوماته، والتناقش معه حول بعض الأمور أحيانًا. بعدها قرر والد بيكاسو وعمه إرساله إلى أكاديمية مدريد الملكية في سان فيرناندو، وهي أهم أكاديمية للرسم في البلاد.
في السادسة عشرة من عمره، بدأ بيكاسو في المكوث في المدينة على نفقته للمرة الأولى إلا أنه وبعد تسجيله في الأكاديمية بدأ يكره النظام الرسمي في التعليم وبدأ في ترك المحاضرات. وعلى الرغم من أن مدريد كان لديها العديد من عوامل الجذب، مثل متحف البرادو الذي يضم أعمالًا لدييغو فيلاثكيث، فرانثيسكو غويا، وزورباران فرانشسكو إلا أن بيكاسو أعجب خاصةً بأعمال الفنان إل غريكو (يوناني الأصل) حيث الألوان اللافتة، والأطراف الممدودة، والملامح الغامضة، والتي تأثر بها بيكاسو وظهرت في أعماله فيما بعده.
في عام 1911 كانت أولى رحلات بيكاسو إلى باريس، عاصمة الفن في أوروبا، وهناك قابل للمرة الأولى صديقه الفرنسي الشاعر والصحفي ماكس جاكوب والذي ساعد بيكاسو في تعلم اللغة الفرنسية والأدب الفرنسي، وسريعًا ما انتقلا للعيش معًا في غرفة صغيرة حيث كان ينام جاكوب في الليل بينما كان ينام بيكاسو نهارًا ويعمل ليلًا، وقد مرّ عليه أوقات كثيرة عانى فيها من الفقر، واليأس، والبرد، حتى أن الكثير من أعماله كان يقوم بحرقها ليحتفظ بالغرفة دافئة. وأثناء الخمسة أشهر الأولى في عام 1901 عاد بيكاسو للعيش مرة أخرى في مدريد حيث قام هو وصديقه الفوضوىّ فرانثيسكو سولير بتأسيس مجلة "يانج آرت" والتي نشرت خمسة أعداد، كان سولير يكتب المقالات فيها بينما ساهم بيكاسو بالرسوم وأغلبها كان الكاريكتير الذي صوّر بيكاسو من خلاله معاناة الفقراء. صدر العدد الأول من هذه المجلة في 31 مارس 1901، وهو الوقت الذي بدأ فيه بيكاسو بالتوقيع باسم "بيكاسو" بعد أن ظل طوال سنواته السابقة يوقع على أعماله مستخدمًا اسم "بابلو رويث بيكاسو".