CALM/arwiki huggingface dataset:
منذ عام 2016، اكتسبت الحركة الرامية إلى تجريم الإجهاض في كوريا الجنوبية زخما متزايدا. وفي عام 2017، استخدم التماس وقعه أكثر من 235 ألف شخص للدعوة إلى إلغاء تجريم الإجهاض برفع حظر الإجهاض. وفي أواخر عام 2018، أظهر استطلاع للرأي أجراه معهد كوريا للصحة والشؤون الاجتماعية أن 75 في المئة من النساء ممن تتراوح أعمارهن بين 15 و44 سنة اعتقدن أن قانون الإجهاض غير عادل ويردن تنقيحه. من بين المستطلعات، ذكرت 20 في المائة من النساء أنهن قمن بالإجهاض رغم أنه غير قانوني في كوريا الجنوبية.
في 11 أبريل 2019، قرر سبعة من أصل تسعة قضاة في المحكمة الدستورية في كوريا الجنوبية أن تجريم الإجهاض في كوريا الجنوبية غير دستوري. وقد منحت المحكمة المشرعين الوقت حتى 31 ديسمبر 2020 لمراجعة القوانين حتى يتم تطبيق أحكام القانون الجنائي الكوري. وإذا لم يتمكن المشرعون من تعديل قانون الإجهاض بنجاح قبل هذا الموعد النهائي، فإن أحكام القانون الجنائي الكوري التي تجرم الإجهاض في كوريا الجنوبية سوف تصبح باطلة ولاغية.
قانون الخدمة الطبية الكورية (التنقيحات في عامي 1987 و 1994).
يحظر تعديل قانون الخدمة الطبية الكورية في عام 1987 على الممارسين الطبيين فحص أو المساعدة في فحص الحوامل لتحديد جنس الجنين. وعلاوة على ذلك، يحظر على مقدم الرعاية الطبية أن يكشف عن جنس الجنين للمرأة الحامل أو لأفرادها أو لعائلتها أو أي شخص آخر أثناء الحمل. ومع أن هذا الحكم لا يذكر صراحة الإجهاض، فإنه قد يحظر الإجهاض الذاتي الانتقائي بسبب الجنس الذي يعزى إلى حد كبير إلى تفضيل الأطفال الذكور في كوريا الجنوبية.
استناداً على دراسة استقصائية أجريت في عام 2005 شملت 25 مستشفى و 176 عيادة خاصة، قدرت إحدى الدراسات أن342,433  عملية إجهاض ذاتية أجريت في ذلك العام (نحو 330 ألف منها غير قانونية)، ما يعني أن معدل الإجهاض يبلغ 29.8 حالة إجهاض لكل 1000 امرأة تتراوح أعمارهن بين 15 و 44. وكان المعدل أعلى بين النساء غير المتزوجات منه بين النساء المتزوجات، حيث قدرت وزارة الصحة والرعاية الاجتماعية أن عدد حالات الإجهاض الذاتي التي أجريت في عام 2010 بلغ 169 ألف حالة. ويقدر باحثون آخرون، بما في ذلك بارك ميونغ - باي من جامعة باي تشاي، أنه قد يكون هناك ما يصل إلى 500 ألف أو مليون عملية إجهاض في السنة.
وفي الآونة الأخيرة، قدر أن عدد حالات الإجهاض التي تجرى سنويا انخفض إلى 50 ألف حالة في عام 2017.
على مر التاريخ، مرت الأشكال الفنية بتغييرات مفاجئة دورية تسمى الثورات الفنية. وصلت الحركات إلى نهايتها لتحل محلها حركة جديدة مختلفة بوضوح في العديد من الطرق اللافتة للنظر.
الثورة الفنية والثورات السياسية.
يتمثل دور الفنون الجميلة في التعبير عن قيم الثقافة الحالية وفي نفس الوقت تقديم النقد، أو التوازن، أو البدائل لأي من هذه القيم التي تثبت أنها لم تعد مفيدة. مع تغير الزمن، يتغير الفن. وإذا كانت التغييرات مفاجئة فإنها تعتبر ثورات. سبق أفضل الفنانين تغيرات المجتمع ليس بسبب قدرتهم على التبصر بالغيب (رؤية المستقبل)، ولكن لأن الإدراك الحساس هو جزء من موهبتهم في الرؤية.
غالبًا ما كان على الفنانين الذين نجحوا كفاية في تصوير رؤىً عاشت حتى تراها الأجيال القادمة، أن يتنقلوا في مسار غير مأمون في كثير من الأحيان بين قدرتهم على رؤية وتنفيذ ما لا يستطيع الفنانون الأقل شأنًا القيام به، والبقاء جذابين في نفس الوقت لرعاة أقوياء يمكنهم تمويل رؤاهم. على سبيل المثال، مُجدت اللوحات الأرستقراطية في أوائل القرن السابع عشر عندما كانت هناك حاجة لقيادة تجمع التجمعات السياسية الصغيرة في أمةٍ واحدة، ولكن فيما بعد عندما أصبحت القيادة قمعية، زاد الهجاء وأصبح الاهتمام أقل بالقادة كموضوعات وأكثر بمحن البشرية الأكثر شيوعًا.
ليس هناك فن يدين لسلطة الدولة كما يفعل التصوير الفرنسي. كان في عصر الملكية المطلقة التي أطلقها لويس الرابع عشر في القرن السابع عشر، أن وضع الفنانون من أمثال بوسان ولوران فرنسا في طليعة الفن الأوروبي. إذ وجدت فرساي انعكاسها المهيب في الفكرة القوية للكلاسيكية - أسلوب التصوير، والذي استمر في الفنانين اللاحقين مثل إنجرس، الذي عبرت بساطته وعظمته عن السلطة في عالم فيه جوبيتر في جوف عرشه.
أمثلة على الفن الثوري المصاحب للحركات الثقافية والسياسية:
علميًا وتقنيًا (العلمية والتكنولوجية).
ليست كل الثورات الفنية سياسية. في بعض الأحيان، أحدثت الابتكارات العلمية والتكنولوجية تحولات غير متوقعة في أعمال الفنانين. فالثورة الأسلوبية المعروفة بالانطباعية، التي أسسها مصورون يتوقون إلى تصوير الألوان المتغيرة للضوء والظل بشكل أصح، لا يمكن فصلها عن الاكتشافات والاختراعات في منتصف القرن التاسع عشر الذي ولد فيه هذا الأسلوب.
بدأ أوجين شيفريل، الكيميائي الفرنسي الذي عُيِّن كمدير للأصباغ في المشغولات النسجية (التابستري) الفرنسية، في استكشاف الطبيعة البصرية للألوان بهدف تحسين اللون في الأقمشة. أدرك شيفريل أن العين، وليس الصبغة، هي التي كان لها التأثير الأكبر على اللون، وانطلاقًا من هذا، أحدث ثورة في نظرية الألوان باستيعاب ما أصبح يسمى قانون التباين المتزامن: إن الألوان تؤثر على بعضها البعض عندما تُوضع بجوار بعضها، فيفرض كلٌ منها اللون المكمل له على الآخر. تبنى(تقَّبل) الرسام الفرنسي أوجين ديلاكروا، الذي كان يجرب ما أسماه النغمات المكسورة، كتاب شيفرول، «قانون التباين في اللون (1839)» مع توضيحاته حول كيف يمكن للألوان المتجاورة أن تعزز أو تضعف من بعضها البعض، واستكشافه لجميع الألوان المرئية للطيف. استلهامًا من أطروحة شيفريل لعام 1839، نقل ديلاكروا حماسه للفنانين الشباب الذين ألهمهم. كان شيفريل هو الذي قاد الانطباعيين إلى فهم أنه ينبغي عليهم تطبيق ضربات فرشاة منفصلة من اللون النقي على اللوحة والسماح لعين المشاهد بمزجها بصريًا.
ساعدهم بشكل كبير في هذا الابتكارات في الألوان الزيتية نفسها. منذ عصر النهضة، كان على الرسامين طحن الأصباغ وإضافة الزيت ومن ثَمَّ تخليق ألوانهم الخاصة؛ تجف هذه الألوان المستهلكة للوقت بسرعة أيضًا، ما يجعل التصوير في الاستديو ضرورة للأعمال الكبيرة، وحدَّ من مزج الرسامين للألوان فلون أو لونان فقط في كل مرة وملء مساحة كاملة باستخدام لون واحد فقط قبل جفافه. في عام 1841، ابتكر رسام أمريكي محدود الشهرة يدعى جون ج. راند تحسينًا بسيطًا لم يكن ممكنًا للحركة الانطباعية أن تحدث بدونه: أنبوب القصدير الصغير المرن ذو الغطاء القابل للإزالة والذي يمكن تخزين الألوان الزيتية فيه. ظلت الألوان الزيتية المحفوظة في هذه الأنابيب رطبة وسهلة الاستخدام – ويمكن حملها بسهولة. لأول مرة منذ عصر النهضة، لم يكن الرسامون محاصرين بالإطار الزمني لمدى تجفيف طلاء الزيت.
يمكن بسهولة وضع الألوان في الأنابيب وحملها إلى العالم الحقيقي، لمراقبة تمثيل اللون والضوء الطبيعي مباشرة، في الظل والحركة، للتصوير في نفس الوقت. كما أدى بيع الألوان الزيتية في أنابيب إلى ظهور الأصباغ الجديدة المبهرة - أصفر الكروم وأزرق الكادميوم - التي اخترعها الكيميائيون الصناعيون بحلول القرن التاسع عشر.جعلت الأنابيب الانطباعيين أحرارًا في التلوين بسرعة، وعلى كامل اللوحة، بدلاً من أقسام محددة بلون واحد بعناية في كل مرة؛ باختصار، أن يرسموا مباشرة باللون الزيتي - تتسابق عبر قماش كل الألوان التي تأتي في متناول اليد، مستلهمين اسمهم «الانطباعيين» - لأن مثل هذه الفرشاة سريعة وجريئة وعبث من الألوان المنفصلة جعل النقاد المعاصرين يعتقدون أن لوحاتهم كانت مجرد انطباعات، وليست لوحاتٍ مكتملة، والتي كان يجب ألا تمتلك أي علامات مرئية للفرشاة على الإطلاق، وسلسه (بلا آثار التحام) تحت طبقات من الورنيش.
قال بيير-أوجست رينوار « بدون ألوان في الأنابيب، لم يكن ليصبح هناك سيزان، أو مونيه، أو بيزارو، أو انطباعية»
أخيرًا، اعتُبرت التقنيات المتأنية والواقعية المفرطة للكلاسيكية الفرنسية الجديدة جافةً وعديمة الحيوية عند مقارنتها بالرؤية الرائعة الجديدة  للعالم التي اتضحت عبر الاختراع الجديد للتصوير الفوتوغرافي بحلول منتصف خمسينيات القرن التاسع عشر. لم يكن الأمر فحسب القدرة المتزايدة لهذا الاختراع الجديد، وخاصة بواسطة المخترع الفرنسي داجوريري، ما جعل واقعية الصورة المرسومة زائدة عن الحاجة لكونه تنافس عمدا في ديوراما باريس مع لوحات تاريخية واسعة النطاق (كبيرة الحجم). فقد بدت موضوعات الكلاسيكية الجديدة، التي تقصرها التقاليد الأكاديمية على الأساطير اليونانية والرومانية، والمعارك التاريخية، والقصص التوراتية، مبتذلة ومحدودة  بشكل فاضح (مشين)  للفنانين الذين يتوقون إلى استكشاف العالم الفعلي أمام أعينهم التي كشفت عنها الكاميرا - الحياة اليومية، مجموعات عفوية من الناس العاديين تقوم بأشياء بسيطة، وباريس نفسها، والمناظر الطبيعية الريفية وعلى الأخص لعبة الضوء المُلتقط - وليس التأليه الخيالي للأحداث الماضية التي لم تُرَ. أثرت أوائل الصور على الأسلوب الانطباعي باستخدامها لعدم التناسق، والقص وبشكل أوضح تغبش الحركة، كما تم التقاطها عن غير قصد في السرعات البطيئة للغاية للتصوير المبكر.
وضع إدغار ديغا، وكلود مونيه، وبيير أوغست رينوار - في تأطيرهم، لاستخدام اللون، والضوء والظل، والموضوع - هذه الابتكارات لبدء العمل على خلق لغة جديدة من الجمال البصري والمعنى.
يعتبر قانون مكافحة الفساد الأمريكي -الذي يعرف اختصارًا باللغة الإنكليزية بـ "AACA"- بمثابة تشريع أنموذجي يهدف إلى الحد من تأثير المال على السياسة الأمريكية من خلال إصلاح قوانين الاسترضاء والشفافية وقوانين تمويل الحملات الانتخابية. صِيغ القانون في عام 2011 من خلال رئيس لجنة الانتخابات الفيدرالية السابق تريفور بوتر، بالتشاور مع العشرات من الخبراء الاستراتيجيين، وقادة الإصلاح الديموقراطي والوكلاء الدستوريين المنتمين لمختلف الأطياف السياسية، ويعتبر القانون مدعومًا من قبل العديد من منظّمات الإصلاح كمنظمة »مثلونا «التي تدعو إلى تعديل القوانين المحلية والفيدرالية لتصبح مشابهة لقانون مكافحة الفساد الأمريكي. وُضع القانون بهدف الحد من الممارسات الخارجة عن القانون التي يُنظر إليها على أنّها سبب رئيسيّ من أسباب الفساد السياسي.
تغطي أحكام قانون مكافحة الفساد الأمريكي:
يشير واضعو قانون مكافحة الفساد الأمريكي إلى استناد أحكامه إلى القوانين الحالية التي صمدت في وجه الطعون القضائية، وبالتالي فإن هذه الأحكام هي أحكام دستورية.
كُتب قانون مكافحة الفساد الأمريكي بالتشاور مع خبراء استراتيجيين سياسيين ومع قادة تيار الإصلاح الديموقراطي ومع الوكلاء الدستوريين المنتمين لمختلف الأطياف السياسية. كان من بين المؤلفين المشاركين في كتابة قانون مكافحة الفساد كل من تريفر بوتور، الممثل السابق للجنة الانتخابات الفيدرالية، والأستاذ في جامعة هارفارد والناشط لورينس ليسينغ، وثيودور روزفلت الرابع، ومدير منظمة »مثلونا «جوش سيلفر. أُزيح الستار عن هذا القانون في عام 2012.
القوانين المستندة على قانون مكافحة الفساد الأمريكي.
يعدّ الهدف الرئيسي من وضع قانون مكافحة الفساد الأمريكي هو أن يصبح بمثابة تشريع نموذجي يحدّد قواعد خاصة بالمدينة والولاية ويحدد القوانين الفيدرالية التي تمنع المال من إفساد الحكومة الأمريكية. تدافع العديد من المنظمات –من بينها منظمة »مثلونا«- عن القوانين الحكومية والمحلية التي تعكس أحكام قانون مكافحة الفساد الأمريكي، وغالبًا ما تستعمل في ذلك طريقة مبادرات الاقتراع. يختلف قانون مكافحة الفساد الأمريكي في نهجه -المبني في الغالب على أحكام دستورية- عن النهج الذي تتبعه مجموعات الإصلاح الانتخابي الأخرى كمنظمة »موف تو آميند« التي تدعو إلى تعديل الدستور وإلغاء عدد من قرارت المحكمة العليا، كقضية »اتحاد المواطنين ضد لجنة الانتخابات الاتحادية«، و »قضية باكلي ضد فاليو«.
قانون تلاهاسي لمكافحة الفساد.
وافق الناخبون في مدينة تالهاسي التابعة لولاية فلوريدا الأمريكية، على إجراء تعديل على ميثاق المدينة على غرار قانون مكافحة الفساد الأمريكي. تأسست في المدينة وفقًا للاستفتاء -الذي أيد فيه 67% من الناخبون مقترحاته- لجنة أخلاقيات للمدينة، وفرضت خصومات عامة على التبرعات السياسية تصل حتى 25 دولارًا، وأُمرت اللجنة بوضع قانون للأخلاقيات في غضون ستة أشهر من تمرير الاستفتاء، وتخفيض القيمة المقبولة للمساهمات السياسية لمرشحي المدن إلى 250 دولار لكل متبرع.
أُقرت المبادرة بدعم من ائتلاف سياسي متنوع من المدافعين المحليين، بما في ذلك رئيس شبكة حزب الشاي في فلوريدا، والرئيسة السابقة لرابطة فلوريدا للناخبات ورئيس منظمة قضية فلوريدا المشتركة.
رسوم التسجيل والتقارير الشهرية لنفقات جماعات الضغط، المقترح سي: سان فرانسيسكو.
أقرّ الناخبون في سان فرانسيسكو في الثالث من نوفمبر 2015 الاقتراح سي بموافقة 74.83 منهم. يفرض المقترح الذي وضعته لجنة الأخلاقيات في سان فرانسيسكو على جماعات الضغط التسجيل في لجنة الأخلاقيات ودفع رسوم تسجيل قدرها 500 دولار، وتقديم تقارير شهرية تكشف فيها عن مصادر البيانات المالية لأنشطة الضغط التي تقوم بها. كما يوسع المقترح من معنى مصطلح »عضو جماعة ضغط« ليشمل الأشخاص الذين ينفقون ما يزيد عن 2500 دولار في الشهر في سبيل التأثير على تشريعات المدينة أو على الإجراءات الإدارية فيها، يمنع المقترح -بالإضافة لما سبق- جماعات الضغط من تقديم هدايا لموظفي المدينة كلفتها تزيد عن 25 دولارًا.
قرارات سوفولك ، وهي إعلان صدر في 9 سبتمبر 1774 من قبل قادة مقاطعة سوفولك، ماساتشوستس. وفي هذا الإعلان تم رفض قانون حكومة ماساتشوستس وقرار مقاطعة البضائع المستوردة من بريطانيا ما لم يتم إلغاء هذه القوانين التي لا تطاق. وقد اعترف رجل الدولة إدموند بيرك بهذه القرارات باعتباره تطوراً كبيراً في العداء الاستعماري الذي أدى بدوره إلى اعتماد إعلان استقلال الولايات المتحدة من مملكة بريطانيا العظمى في عام 1776، وحث المصالحة البريطانية مع المستعمرات الأمريكية. وقد صادق الكونغرس القاري الأول على القرارات في 17 سبتمبر 1774.
يغطي العصر الذهبي الدنماركي فترة من الإنتاج الإبداعي الاستثنائي في الدنمارك، خاصة خلال النصف الأول من القرن التاسع عشر. على الرغم من أن كوبنهاغن عانت من الحرائق والقصف والإفلاس الوطني، إلا أن الفنون قد عاشت فترة جديدة من الإبداع حفزتها الرومانسية من ألمانيا. من المحتمل أن تكون هذه الفترة مرتبطة بشكل شائع بالعصر الذهبي للرسم الدنماركي من عام 1800 إلى حوالي عام 1850 والذي يشمل أعمال كريستوفر فيلهلم إكرسبيرج وطلابه، بما في ذلك فيلهلم بيندز وكريستين كوبكي ومارتينوس روربي وكونستانتين هانسن وويلهيلم مارستراند. بالإضافة إلى النحات برتيل ثورفالدن.
شهد العصر الذهبي الدنماركي تطورًا للهندسة المعمارية الدنماركية في النمط الكلاسيكي الحديث. اكتسبت مدينة كوبنهاغن، على وجه الخصوص، شكلًا جديدًا، بمباني صممها كل من كريستيان فريدريك هانسن ومايكل جوتليب بيندسبول.
فيما يتعلق بالموسيقى، يغطي العصر الذهبي شخصيات مستوحاة من القومية الرومانية الدنماركية بما في ذلك ج. ب. هارتمان، هانز كريستيان لومبي، نيلز غاي وأستاذ الباليه أوغست بورنفيل. تركز الأدب على التفكير الرومانسي، الذي قدمه في عام 1802 الفيلسوف النرويجي الألماني هنريك ستيفنز. كان المساهمون الرئيسيون هم آدم أولينشلاغر، وبرنارد سيفرين إنجمان، إن. ف. جروندتفيغ، وأخيرًا وليس آخرًا هانز كريستيان أندرسن نصير الحكايات الخيالية الحديثة. عزز سورين كيركجارد الفلسفة بينما حقق هانز كريستيان أورستد تقدمًا أساسيًا في العلوم. وهكذا، كان للعصر الذهبي تأثير عميق ليس فقط على الحياة في الدنمارك ولكن مع مرور الوقت على الساحة الدولية أيضًا.
يمكن تتبع أصول العصر الذهبي إلى بداية القرن التاسع عشر، والتي كانت فترة عصيبة للغاية بالنسبة للدنمارك. شهدت كوبنهاجن، مركز الحياة الفكرية في البلاد، حرائق ضخمة لأول مرة في عامي 1794 و1795 والتي دمرت كل من قصر كريستيانزبورج ومساحات واسعة من المدينة الداخلية. في عام 1801، نتيجة لتورط الدولة في عصبة الحياد المسلح، ألحق الأسطول البريطاني أضرارًا جسيمة بالمدينة خلال معركة كوبنهاغن. في عام 1807، بسبب شائعات بأن الفرنسيين قد يجبرون الدنمارك على إغلاق بحر البلطيق أمام شحناتهم، قصف البريطانيون كوبنهاغن مرة أخرى، هذه المرة استُهدفت المدينة وسكانها المدنيين على وجه التحديد. في عام 1813، ونتيجة لعجز البلاد عن دعم تكاليف الحرب، أعلنت الدنمارك إفلاس الدولة. وما زاد الطين بلة، لم تعد النرويج جزءًا من المجال الدنماركي عندما سلمت إلى السويد في العام التالي.
وفر دمار كوبنهاغن، مع ذلك، فرصًا جديدة. وسع المعماريون والمخططون الشوارع، إذ أنشأوا مبانٍ كلاسيكية مصممة بشكل جميل توفر مظهرًا أكثر إشراقًا وحميمية. في ذلك الوقت، مع عدد سكان يبغ مئة ألف فقط، كانت المدينة لا تزال صغيرةً جدًا، وبُنيت داخل حدود الأسوار القديمة. نتيجةً لذلك، التقت شخصيات بارزة بشكل متكرر، وتبادلوا الأفكار وجمعوا بين الفنون والعلوم. ربما كان هنريك ستيفنز أكثر المؤيدين للفكرة الرومانسية فعاليةً. في سلسلة من المحاضرات في كوبنهاغن، نقل بنجاح الأفكار خلف الرومانسية الألمانية إلى الدنماركيين. سارع المفكرون المؤثرون، مثل أولينشلاغر وجروندتفيغ، إلى تبني وجهات نظره. لم يمض وقت طويل قبل أن يشارك الدنماركيون من جميع فروع الفنون والعلوم في عصر جديد من القومية الرومانسية، والمعروف لاحقًا باسم العصر الذهبي الدنماركي.
في مجال الرسم، أصبح التغيير واضحًا. بينما كان الفن يدعم سابقًا الملكية والمؤسسة، أدرك كريستوفر فيلهلم إكرسبيرج وطلابه أنه مع وصول التصنيع، أصبحت الطبقات الوسطى تزداد قوةً وتأثيرًا. مهد الفن التاريخي الكبير الطريق إلى لوحات فنية ذات مناظر طبيعية جذابة دون مزايدة.
يُعتقد أن العصر الذهبي استمر حتى عام 1850 تقريبًا. في ذلك الوقت، عانت الثقافة الدنماركية من اندلاع حرب شليسفيغ الأولى (1848-1851). إضافةً إلى ذلك، فإن الإصلاحات السياسية التي شملت نهاية الملكية المطلقة في عام 1848 واعتماد الدستور الدنماركي في العام التالي كانت بمثابة إشارة إلى بداية عهد جديد. أخيرًا، فتح امتداد كوبنهاغن خارج الأسوار القديمة خلال خمسينيات القرن التاسع عشر آفاقًا جديدة للتوسع الحضري.
كان الفيلسوف الدنماركي فالديمار فيديل، عام 1890، أول من استخدم مرة مصطلح العصر الذهبي لوصف هذه الفترة. في عام 1896، رأى المؤلف فيلهلم أندرسن أن العصر الذهبي الذي بدأه هنريك ستيفنز هو أغنى فترة في تاريخ الدنمارك الثقافي.
مع بداية القرن التاسع عشر، ظهر العصر الذهبي للرسم الدنماركي ليشكل نمطًا قوميًا متميزًا لأول مرة منذ العصور الوسطى. استمرت الفترة حتى منتصف القرن. تتميز لوحات هذا العصر بأسلوب رسم مماثل للوحات العصر الذهبي الهولندي، وخاصةً رسمه الطبيعي وتصور الضوء الشمالي الناعم ولكنه يتيح تباينًا قويًا في الألوان. عادةً ما تكون معالجة المشاهد إصدارًا مثاليًا للواقع، ولكنها تبدو كذلك بشكل أكثر وضوحًا، ويبدو أكثر واقعية مما هو عليه الحال بالفعل. تعد المشاهد الداخلية، غالبًا مجموعات صور صغيرة، شائعةً أيضًا، مع معاملة مشابهة للأشياء والأثاث المنزلي المتواضع، وغالبًا ما تكون من دائرة الأصدقاء للفنان. شوهد الفن الدنماركي الصغير خارج البلاد (في الحقيقة بقي معظمه هناك حتى يومنا هذا) على الرغم من أن القائد المدرّب الدنماركي للرسم الرومنسي الألماني كاسبار ديفيد فريدريش كان مهمًا في نشر تأثيره في ألمانيا.
كان كريستوفر ويلهيل إيكيرسبيرج شخصية مهمة جدًا، إذ درس في باريس مع جاك لويس دافيد، وتأثر بشكل أكبر بالمنحوتات الكلاسيكية الجديدة من قبل النحات بيرتيل ثورفالدن. درس إيكرسبيرج في الأكاديمية من عام 1818 إلى عام 1853، وأصبح مديرًا من عام 1827 إلى عام 1828، وكان له تأثير مهم على الجيل التالي، الفترة التي ظهرت فيها اللوحة الطبيعية. درَّس معظم الفنانين البارزين في تلك الفترة، بما في ذلك: فيلهلم بيندز وألبرت كوشلر وكريستين كوبكي وفيلهيلم كهن ويورغن رود وهولجر رود ومارتينوس روربي وكونستانتين هانسن وويلهيلم مارستراند.
يشير استقصاء للرسومات والخطوط التحتية والرسومات الزيتية واللوحات النهائية التي قام بها إكرسبيرج وتلاميذه كريستين كوبكي وكونستانتين هانسن، مستخدمين رؤيتهم الإيطالية كمثال، إلى عدد من الجوانب المهمة التي سلطت الضوء على العملية الإبداعية في رسم العصر الذهبي الدنماركي في النصف الأول من القرن التاسع عشر. الرسومات الأولية -يفضل أن تكون الرسومات التركيبية- التي رُسمت أمام الحافز بُنيت بدقة واستنسخت العديد من التفاصيل. حظيت الهندسة المعمارية بأكبر قدر من الاهتمام من الرسامين، في حين حظيت النباتات والصخور والأحجار وكذلك الأشكال في المناظر الطبيعية بأولوية منخفضة. نُفذ الرسم الذي أجري مباشرةً من النموذج في عدة حالات بهدف نقله إلى اللوحة، والتي غالبًا ما كانت أكبر من الرسم. يمكن تغيير بعض العناصر أثناء العملية، لكن الفنان احتفظ بشكل عام بالخطوط الأصلية بدقة تامة. في بعض الحالات، غُيرت العمارة بوعي وذلك لتعزيز الأشكال وخلق الانسجام في الصورة. وبهذه الطريقة، يمكننا أن نثبت أنه على الرغم من أن الزخارف الإيطالية تبدو واقعية للوهلة الأولى، إلا أنها عُدلت أو حتى تلاعب بها الفنانين.
الفن اليوناني البوذي هو المظهر الفني للبوذية اليونانية، توفيق حضاري بين الحضارة اليونانية القديمة والبوذية. يتميز الفن اليوناني البوذي بالواقعية المثالية القوية والوصف الحسي للفن الهلنستي بالإضافة إلى أول تمثيل لبوذا في صورة بشرية، وهو ما ساعد في تعريف القانون الفني (وبالأحرى النحتي) للفن البوذي على طول القارة الآسيوية حتى الوقت الحاضر. إنه أيضًا مثال قوي على التوافق الحضاري بين التقاليد الشرقية والغربية.
ترجع أصول الفن اليوناني البوذي إلى المملكة اليونانية البخترية (250-130 ق.م.) التي تقع حاليًا في أفغانستان ومنها انطلقت الحضارة الهلنستية إلى شبه القارة الهندية (180-10 ق.م.). تحت حكم اليونانيين الهنود والكوشانيين، ازدهر التفاعل بين الحضارتين اليونانية والبوذية في غاندارا التي تقع حاليًا في شمال باكستان، قبل أن تمتد إلى الهند، وهو ما أثر على فن ماتهورا، ومن ثم على الفن الهندوسي لإمبراطورية جوبتا، التي كانت ستمتد إلى بقية جنوب شرق آسيا. وامتد تأثير الفن اليوناني البوذي أيضًا إلى الشمال تجاه آسيا الوسطى، وهو ما كان شديد التأثير على فن حوض تاريم وفي النهاية، أثر على الفن في كل من الصين وكوريا واليابان.
الفن الهلنستيني في جنوب آسيا.
أُسست ولايات هلنستية قوية في مناطق من باختر وبلاد الصغد، وشمال الهند فيما بعد لمدة ثلاثة قرون بعد غزو الأسكندر الأكبر الذي كان نحو 330 ق.م.، وإمبراطورية سلوقيون حتى 250 ق.م. التي تبعتها المملكة اليونانية الباخترية حتى 130 ق.م.، والمملكة الهندية اليونانية من 180 ق.م. حتى ما يقرب من 10 ق.م.
نجد أوضح النماذج عن الفن الهلنستي في عملات الملوك اليونانيين الباختريين لهذه الفترة، مثل ديميتيرياس الأول من باختر. استُخرج العديد من عملات الملوك اليونانيين الباختريين، بما فيها أكبر عملات فضية وذهبية سُكَّت في العالم الهلنستي، وتعتبر من ضمن الأفضل في التطور الفني والتقني: «تظهر درجة من التفرد لا تضاهيها الأوصاف الأكثر رقة التي اعتاد أن يصفها بها معاصروها الملكيون من الغرب الأقصى». «اليونان والعالم الهلنستي».
أسست هذه الممالك الهلنستية مدنًا على الطراز اليوناني، كما في آي-خانوم في باختر، التي تعرض سمات معمارية هلنستية بحتة، والمنحوتات الهلنستية، وبقايا مطبوعات ورق البردي الأرسطي وكنوز من العملات.
نفذت هذه العناصر اليونانية في الهند مبكرًا جدًا كما يظهر في تاج عمود باتاليبوترا (القرن الثالث ق.م.)، لكن أصبح تأثيرها شديدًا بشكل ملحوظ بالتحديد في شمال غرب الهند، بعد غزو اليونانيين الباختريين في 180 ق.م.، عندما أسسوا المملكة الهندية اليونانية في الهند. أُسست مدن يونانية محصنة مثل سركب في شمال باكستان. استخدمت الأساليب المعمارية الزخارف الهلنستية مثل أكاليل الورد واللفائف. عُثر على لوحات حجرية بالزيوت العطرية تمثل مواضيع هلنستية بحتة مثل النيريد وهي تمتطي وحش البحر سيتوس.
عُثر على آلهة هلنستية مثل أطلس في هادا. وصُورت آلهة الرياح وهو ما سيؤثر على تمثيل الرياح فتكون بعيدة حتى اليابان. تصور مشاهد ديونيساك أشخاصًا على الطريقة الكلاسيكية إذ يشربون الخمر من القوارير ويعزفون على الآلات الموسيقية.
إبداعات غاندارا المبكرة: اللوحات الحجرية (القرن الثاني قبل الميلاد- القرن الأول بعد الميلاد).
اليونانيون في آسيا مشهورون بالعمارة بسبب لوحاتهم الحجرية، يطلق عليها أيضًا «صواني الحمام»، صوانٍ دائرية غالبًا ما توجد في أماكن تقع في باختر وغاندارا، وهي تمثل عادةً مشاهد الأساطير اليونانية. تعزى أقدم واحدة منها إلى الحقبة الهندية اليونانية في القرن الثاني والقرن الأول من الحقبة العامة (استُرجع قليل منها من المرحلة الهندية اليونانية الخامسة في سركب). استمر الإنتاج حتى عصر هنود الفرثيا، لكنهم اختفوا فعليًا بعد القرن الأول.
بدأ الفن الإغريقي في الحضارتين السيكلادية والمينوسية، وأطلق شرارة الفن الكلاسيكي الغربي في الحقب التالية: الهندسية والقديمة والكلاسيكية (مع تطورات أخرى في الحقبة الهيلينستية). تشبع الفن الإغريقي بآثار الحضارات الشرقية، والفن الروماني ونماذجه، والديانة الجديدة التي ظهرت في العصر البيزنطي (المسيحية الأرثوذكية)، كما تشرّب الأفكار الإيطالية والأوروبية أثناء الفترة الرومانتيكية (مع انتعاش الثورة اليونانية) وحتى فترة الحداثة وما بعد الحداثة.
هناك خمسة أشكال رئيسية للفن الإغريقي: العمارة، والنحت، والرسم، وتشكيل الأواني الخزفية، وصناعة الجواهر.
بدأ الإنتاج الفني اليوناني في عصر ما قبل التاريخ، في الحضارتين السيكلادية والمينوسية السابقتين للإغريق، وقد تأثر كلاهما بالتقاليد المحلية والفن المصري القديم.
يُوجد ثلاث تقسيمات بحثية لمراحل الفن الإغريقي القديم اللاحقة، والتي تتماشى بالكاد مع الحقب التاريخية الحاملة لنفس الاسم، وهي الحقب القديمة، والكلاسيكية، والهيلينستية. تُؤرخ الحقبة القديمة عادةً من العام 1000 قبل الميلاد. تُتخذ الحروب الفارسية (الممتدة من عام 480 قبل الميلاد إلى 448 قبل الميلاد) كالحد الفارق بين الفترتين القديمة والكلاسيكية، بينما يُتخذ موت الإسكندر الأكبر (عام 323 قبل الميلاد) كالحدث الفاصل بين الفترتين الكلاسيكية والهيلينستية.
بطبيعة الحال، ظهر مختلف الأنواع من الفنون بسرعات متفاوتة في مناطق متعددة من العالم الإغريقي، واختلفت إلى حدٍ ما من فنانٍ إلى آخر. كان هناك تحول صارخ بين الحقبة والأخرى.
مارَس الفن الإغريقي القديم تأثيرًا هائلًا على ثقافة دولٍ عديدة منذ العصور القديمة وحتى وقتنا هذا، خاصةً فيما يتعلق بالعمارة والنحت. ففي الغرب، انحدرت الإمبراطورية الرومانية بشكلٍ كبير من النماذج الإغريقية. وفي الشرق، فتحت غزوات الإسكندر الأكبر باب التبادل الثقافي بين الإغريق، وآسيا الوسطى، والهند لقرونٍ عديدة، ما نتج عنه الفن البوذي اليوناني، بالإضافة إلى تشعباتٍ أخرى عديدة تصل حتى اليابان.
بعد عصر النهضة في أوروبا، ألهمت الجماليات الإنسانية والمعايير التقنية العالية في الفن الإغريقي أجيال عديدة من الفنانين الأوروبيين. كانت الأواني الزحفية إما زرقاء مع نقوشٍ سوداء، أو سوداء مع نقوشٍ زرقاء.
يُطلق مصطلح الفن البيزنطي على الإمبراطورية الرومانية الشرقية من القرن الخامس تقريبًا حتى سقوط قسطنطين عام 1453. (عُرفت الإمبراطورية الرومانية في تلك الفترة بالإمبراطورية البيزنطية). قد يُطلق هذا المصطلح كذلك على الدول المعاصرة للإمبراطورية البيزنطية، والتي شاركتها ثقافةً واحدة، بدون أن تكون جزءًا منها في الواقع، مثل: بلغاريا، وروسيا، والبندقية التي ارتبطت ارتباطًا وثيقًا بالإمبراطورية البيزنطية برغم كونها جزءًا من الثقافة الأوروبية الغربية في نواحٍ أخرى. قد يُستخدم أيضًا لوصف الفن الشعبي أثناء فترة حكم الإمبراطور السابق عثمان للإمبراطورية البيزنطية بعد 1453. استمر النمط الفني البيزنطي بشكلٍ ما في روسيا والدول الأرثوذكية إلى عصرنا الحاضر.
نما الفن البيزنطي من الفن الإغريقي القديم، وظل متأثرًا بتراثه الكلاسيكي حتى قبل العام 1453 على الأقل، رغم اختلافه عنه في بعض النواحي. أبرز هذه الاختلافات استبدال المذهب الإنساني للفن الإغريقي القديم بالمذهب المسيحي. فإن كان غرض الفن الكلاسيكي هو تمجيد الإنسان، فإن غرض الفن البيزنطي تمجيد الله.
بدلًا من العري، سادت مجسمات الإله الوالد، وعيسى المسيح، ومريم العذراء، وقديسي وشهداء المسيحية، وأصبحت محل الانتباه الحصري للفن البيزنطي. من أهم أشكال الفن البيزنطي -كانت وما تزال - المدرسة الكريتية، باعتبارها المدرسة الرائدة في الفن الإغريقي ما بعد البيزنطي، بعد سقوط الكريت على يد العثمانيين عام 1669. دمجت المدرسة الكريتية بين التقاليد البيزنطية والتأثيري الأوروبي الغربي المتزايد.
الحقبة ما بعد البيزنطية والحديثة.