CALM/arwiki huggingface dataset:
استمرت الرسم الكلاسيكي الصيني في أوائل عهد أسرة تشينغ الحديثة، مع رسومات واقعية للغاية كالتي كانت موجودة في أواخر عهد أسرة مينغ في أوائل القرن السابع عشر. وتمثل صور الإمبراطور كانغ شي، ة الإمبراطور يونغ تشنغ، والإمبراطور تشيان لونغ أمثلة ممتازة على رسم بورتريه صيني واقعي. وخلال فترة حكم تشيان لونغ واستمرار القرن التاسع عشر، كان لأسلوب الرسم الباروكي الأوروبي تأثير ملحوظ على البورتريهات الصينية، خاصة مع التأثيرات المرئية المرسومة للإضاءة والتظليل. وبالمثل، كانت لوحات شرق آسيا وغيرها من الأعمال الفنية (مثل الخزف والورنيش) ذات قيمة عالية في أوروبا منذ الاتصال الأولي في القرن السادس عشر.
الرسم الياباني.
يُعتبر الرسم الياباني (絵 画) واحدا من أقدم الفنون اليابانية وأكثرها دقة، ويضم مجموعة واسعة من الأنواع والأنماط. وكما هو الحال مع الفنون اليابانية بشكل عام، تطور الرسم الياباني من خلال تاريخ طويل من التوليف والتنافس بين الجماليات اليابانية الأصلية والتكيف مع الأفكار المستوردة. "أوكييو-إه" أو "صور العالم العائم" هو نوع من المطبوعات الخشبية اليابانية (أو "النقوش الخشبية") والرسومات التي تم إنتاجها بين القرنين السابع عشر والعشرين، وتتميز بزخارف من المناظر الطبيعية والمسرح ومناطق الملاذ، وهو النوع الفني الرئيسي للطباعة الخشبية اليابانية. وكان للطباعة اليابانية، خاصة في فترة إيدو، تأثير هائل على الرسم الفرنسي خلال القرن التاسع عشر.
الرسم الكوري.
بدأت الرسم الكوري كشكل مستقل حوالي عام 108 قبل الميلاد عند سقوط غوجوسون، مما يجعله واحدا من أقدم الفنون في العالم. وتطور العمل الفني لتلك الفترة الزمنية إلى الأساليب المختلفة التي ميزت فترة الممالك الثلاث في كوريا، وأبرزها الرسومات واللوحات الجدارية التي تزين مقابر الملوك في جوجوريو. واتسم الرسم الكوري خلال فترة الممالك الثلاث وعبر سلالة مملكة غوريو بمزيج من المناظر الطبيعية على الطراز الكوري، والموضوعات التي تركز على البوذيين، والتأكيد على الملاحظة السماوية التي سهّلت التطور السريع لعلم الفلك الكوري.
الرسم الهندي.
تدور الرسومات الهندية تاريخيًا حول الآلهة والملوك الدينيين. والفن الهندي هو مصطلح جماعي لعدة مدارس فنية مختلفة موجودة في شبه القارة الهندية. وتباينت الرسومات من لوحات جصية كبيرة من أجانتا إلى لوحات مصغرة مغولية معقدة للأعمال المعدنية المزخرفة من مدرسة تانجور. وتتأثر الرسومات من غاندارا–تاكسيلا بالأعمال الفارسية في الغرب. وتم تطوير النمط الشرقي للرسم في الغالب حول مدرسة الفن في نالاندا، ومعظم الأعمال مستوحاة من مشاهد مختلفة من الأساطير الهندية.
كانت أولى الرسومات الهندية هي اللوحات الصخرية لأزمنة ما قبل التاريخ، والنقوش الصخرية الموجودة في أماكن مثل ملاجئ الصخور في بيمبتكا، وبعضها أقدم من 5500 قبل الميلاد. استمرت هذه الأعمال، وبعد عدة آلاف من السنين في القرن السابع، كانت الأعمدة المنحوتة في أجانتا (ولاية ماهاراشترا) تمثل مثالًا رائعًا للرسومات الهندية، وكانت الألوان، ومعظمها من الظلال الحمراء والبرتقالية، مشتقة من المعادن.
كهوف أجانتا في ولاية ماهاراشترا بالهند هي آثار كهوف منحوتة في الصخور يعود تاريخها إلى القرن الثاني قبل الميلاد، وتحتوي على رسومات ونحت يعتبر بمثابة روائع الفن الديني البوذي والفن التصويري العالمي.
لوحة مادهوباني.
لوحة مادهوباني هي نمط من الرسم الهندي، يُمارس في منطقة ميثيلا بولاية بيهار بالهند. وتكتنف أصول لوحة مادهوباني للعصور القديمة.
رسم راجبوت.
رسم راجبوت هو أسلوب من الرسم الهندي ازدهر خلال القرن الثامن عشر في البلاط الملكي في راجبوتانا بالهند، وطورت كل مملكة في راجبوت أسلوب متميز، ولكن مع بعض السمات المشتركة، وتصور رسومات راجبوت عددًا من الموضوعات، وأحداث الملاحم مثل رامايانا وماهابهاراتا، والمناظر الطبيعية الجميلة، والبشر. وكانت الرسومات المصغرة هي البيئة المفضلة لرسم راجبوت، لكن العديد من المخطوطات تحتوي أيضا على رسومات راجبوت، كما تم لاسم رسومات على جدران القصور، والغرف الداخلية للحصون.
تم استخدام الألوان المستخرجة من بعض المعادن، والمصادر النباتية، وقشر المحارة، والأحجار الكريمة، والذهب، والفضة. وكان إعداد الألوان المرغوبة عملية طويلة، تستغرق أحيانًا أسابيع، وكانت الفرش المستخدمة رفيعة جدا.
الرسم المغولي.
الرسم المغولي هو أسلوب معين في الرسم الهندي يقتصر عادة على الرسوم التوضيحية على الكتب ويتم في شكل منمنمات، حيث ظهر وتطور وتشكل خلال فترة الإمبراطورية المغولية في القرن السادس عشر والتاسع عشر.
الرسم الثنجفوري.
الرسم الثنجفوري هو شكل مهم من أشكال الرسم الكلاسيكي في جنوب الهند الأصلي يرجع إلى بلدة ثنجفور في ولاية تاميل نادو. ويرجع تاريخ الفن إلى أوائل القرن التاسع، وهي الفترة التي سيطر عليها حكام تشولا، الذين شجعوا الفن والأدب. وتشتهر هذه الرسومات بأناقتها، وألوانها الغنية، والاهتمام بالتفاصيل. وكانت تتضمن مواضيع معظم هذه الرسومات الآلهة الهندوسية والآلوهية ومشاهد من الأساطير الهندوسية.
وتنطوي عملية صنع لوحة ثنجافورية على العديد من المراحل، وتتضمن المرحلة الأولى عمل رسم أولي للصورة على قاعدة تتكون من قطعة قماش ملصوقة على قاعدة خشبية، ثم يتم خلط مسحوق الطباشير أو أكسيد الزنك مع المادة اللاصقة القابلة للذوبان في الماء ويتم تطبيقها على القاعدة، ولجعل القاعدة أكثر سلاسة يتم سنفرتها أحيانا. وبعد الانتهاء من الرسم، تتم زخرفة المجوهرات والثياب في الصورة بأحجار شبه كريمة، وتستخدم الأربطة أو الخيوط أيضا لتزيين المجوهرات. علاوة على ذلك، يتم لصق رقائق الذهب. وأخيرا، تستخدم الأصباغ لإضافة ألوان إلى الأشكال الموجودة في اللوحات.
مدرسة مدراس.
قام البريطانيون خلال فترة الحكم البريطاني في الهند بتأسيس مستوطنة ضخمة في مدراس وحولها، وتم اختيار جورج تاون لتأسيس معهد من شأنه تلبية التوقعات الفنية للعائلة المالكة في لندن، مما أصبح يعرف باسم مدرسة مدراس. في البداية، تم توظيف الفنانين التقليديين لإنتاج أنواع رائعة من الأثاث، والأعمال المعدنية، والتحف، وأرسلت أعمالهم إلى القصور الملكية للملكة.
على عكس مدرسة البنغال حيث "النسخ" هو معيار التدريس، تزدهر مدرسة مدراس على "خلق" أساليب وحجج واتجاهات جديدة.
مدرسة بنغال.
كانت مدرسة البنغال الفنية فنًا مؤثرًا في الفن، الذي ازدهر في الهند خلال عهد الراج البريطاني في أوائل القرن العشرين. وكانت مرتبطة بالقومية الهندية، ولكن تم الترويج لها ودعمها من قِبَل العديد من مديري الفنون البريطانية.
نشأت مدرسة البنغال كحركة طليعية وحركة قومية تتفاعل مع أساليب الفن الأكاديمي التي رُوِجَت في الهند، سواء من قِبَل الفنانين الهنود مثل راجا رافي فارما وفي مدارس الفن البريطاني. وبعد التأثير الواسع للأفكار الروحية الهندية في الغرب، حاول مدرس الفن البريطاني إرنست بينفيلد هافيل إصلاح طرق التدريس في كلية كلكتا للفنون من خلال تشجيع الطلاب على تقليد المنمنمات المغولية. وتسبب ذلك في جدل كبير أدى إلى إضراب الطلاب والشكاوى من الصحافة المحلية، بما في ذلك القوميين الذين اعتبروه خطوة رجعية. وكان هافل مدعومًا من قِبَل الفنان أبينيندرانات طاغور، ابن شقيق الشاعر رابيندراناث طاغور. ورسم طاغور عددًا من الأعمال التي تأثرت بالفن المغولي، وهو أسلوب اعتقد هو وهافل أنهما معبران عن الصفات الروحية المتميزة للهند، في مقابل "الصفات المادية" للغرب. ورسمت بهارات ماتا (أم الهند)، أشهر لوحة في طاغور، حيث رسمت امرأة شابة بأربعة أذرع بطريقة الآلهة الهندوسية، تحمل أشياء رمزية لطموحات الهند الوطنية. وفي وقت لاحق حاول طاغور تطوير روابط مع فنانين يابانيين كجزء من طموح لبناء نموذج فني شامل.
تراجع تأثير مدرسة البنغال في الهند مع انتشار الأفكار الحداثية في العشرينات. وفي فترة ما بعد الاستقلال، أظهر الفنانون الهنود قدرا أكبر من القدرة على التكيف عندما اقترضوا من الأساليب الأوروبية ودمجوها بحرية مع الزخارف الهندية إلى أشكال جديدة من الفن. واليوم بعد عملية تحرير السوق في الهند، يواجه الفنانون مزيدًا من الانفتاح على المشهد الفني الدولي الذي يساعدهم في الظهور بأشكال فنية جديدة لم يسبق لها مثيل في الهند. وكان جيتيش كالات قد اشتهر في أواخر التسعينات بلوحاته الحديثة والتي لا تتعدى نطاق التعريف العام. ومع ذلك، في الوقت الذي يحاول فيه الفنانون في الهند في القرن الجديد أساليب ومظاهر جديدة، لم يكن من الممكن الحصول على مثل هذا الاعتراف السريع دون مساعدة بيوت الأعمال التي تدخل الآن مجال الفن كما لم يسبق لها مثيل.
الرسم الهندي الحديث.
كانت أمريتا شير جيل رسّامة هندية، تُعرف أحيانًا باسم فريدا كاهلو الهندية، وتعتبر اليوم رسامة مهمة في الهند في القرن العشرين، والتي يقف إرثها على قدم المساواة مع سادة عصر النهضة البنغالي، وهي أيضا "أغلى" امرأة رسامة في الهند.
اليوم، هي من بين تسعة أساتذة تم إعلان أعمالهم ككنوز فنية من قِبَل هيئة المسح الأثري بالهند في عامي 1976 و1979، وأكثر من 100 لوحة من لوحاتها معروضة الآن في المعرض الوطني للفن الحديث في نيودلهي.
وخلال الحقبة الاستعمارية، بدأت التأثيرات الغربية تؤثر على الفن الهندي. وطور بعض الفنانين أسلوبًا استخدم أفكارًا غربية عن التأليف والمنظور والواقعية لتوضيح المواضيع الهندية. واستلهم آخرون، مثل جاميني روي من الفن الشعبي.
وبحلول وقت الاستقلال في عام 1947، قدمت العديد من المدارس الفنية في الهند إمكانية الوصول إلى التقنيات والأفكار الحديثة. وتم إنشاء صالات لعرض أعمال هؤلاء الفنانين. وعادةً ما يُظهر الفن الهندي الحديث تأثير الأنماط الغربية، ولكنه غالبًا ما يكون مستوحى من الموضوعات والصور الهندية. وبدأ الفنانون الرئيسيون يكتسبون اعترافًا دوليًا في البداية بين المغتربين الهنود ثم أيضًا بين الجماهير غير الهندية.
حصل الفن الهندي على دَفعة مع التحرير الاقتصادي للبلاد منذ أوائل التسعينات. وبدأ الفنانون من مختلف المجالات في جلب أنماط عمل متنوعة، ورسَّخ العديد من الفنانين أنفسهم في سوق الفن العالمي في الهند ما بعد التحرير، مثل الرسام ناتفار بهافسار، والفنان التشكيلي ديفاجيوتي راي، والنحات أنيش كابور الذي اكتسبت أعماله الفنية العملاقة الانتباه لحجمها الكبير، كما تم افتتاح العديد من المنازل الفنية، والمعارض في الولايات المتحدة الأمريكية وأوروبا لعرض الأعمال الفنية الهندية.
الرسم الفلبيني.
يمكن اعتبار الرسم الفلبيني ككل بمثابة دمج للعديد من التأثيرات الثقافية، على الرغم من أنه يميل إلى أن يكون أكثر غربية في شكله الحالي مع جذور شرقية.
ويمكن العثور على الرسم الفلبيني المبكر في تصاميم منمقة على الفخار الطقسي في الفلبين، وتم العثور على أدلة على صنع الفخار الفلبيني في وقت مبكر من 6000 قبل الميلاد في كهف سانجا-سانجا في سولو، وكهف لورينيت في كاجايان. وقد ثبت أنه بحلول عام 5000 قبل الميلاد، كانت تُمارَس صناعة الفخار في جميع أنحاء البلاد. وبدأ الفلبينيون الأوائل بصناعة الفخار قبل جيرانهم الكمبوديين وفي نفس الوقت تقريبا مع التايلانديين كجزء من ما يبدو أنه تطور واسع النطاق في العصر الجليدي لتكنولوجيا الفخار. وتتجلى أدلة أخرى للرسم في تقليد الوشم لدى الفلبينيين الأوائل، الذين أشار إليهم المستكشف البرتغالي باسم "الأشخاص المرسومين" في بيسايا، حيث تزين أجسامهم تصميمات مختلفة تشير إلى النباتات والحيوانات مع الهيئات السماوية في تصبغ ملون مختلف.
بدأ الفلبينيون في إنشاء لوحات في التقليد الأوروبي خلال الفترة الإسبانية في القرن السابع عشر، وكانت أقرب هذه اللوحات لوحات جدارية للكنيسة، وصور دينية من مصادر كتابية، بالإضافة إلى نقوش، ومنحوتات، وطباعة حجرية تتميز بأيقونات مسيحية ونبل أوروبي. وأنتجت معظم اللوحات والمنحوتات بين القرن التاسع عشر والقرن العشرين مزيجًا من الأعمال الفنية الدينية والسياسية والمناظر الطبيعية، مع صفات من الجمال والظلام والضوء. وارتبط الرسامون الحداثيون الأوائل مثل داميان دومينجو باللوحات الدينية والعلمانية، بينما أظهر فن خوان لونا وفليكس هيدالجو اتجاهًا للبيان السياسي. واستخدم فنانون مثل فرناندو أمورسولو ما بعد الحداثة لإنتاج لوحات تشرح الثقافة والطبيعة والوئام في الفلبين، في حين استخدم فنانون آخرون مثل فرناندو زوبل الحقائق والتجريد في عمله.
كانت مصر القديمة، وهي حضارة ذات تقاليد قوية جدا من العمارة والنحت (كلاهما مطلي بألوان زاهية)، تحتوي على العديد من اللوحات الجدارية في المعابد والمباني، ورُسِمَت رسومًا توضيحية على مخطوطات البردي. وغالبا ما تكون الرسومات الجدارية المصرية والرسومات الزخرفية رسومات تخطيطية، وأحيانا تكون رمزية أكثر منها واقعية. وترتبط اللوحة المصرية ارتباطًا وثيقًا بلغتها المكتوبة، وتسمى بالهيروغليفية المصرية، وتوجد الرموز المرسومة بين الأشكال الأولى للغة المكتوبة. ورسم المصريون أيضا على الكتان. ونجت اللوحات المصرية القديمة بسبب المناخ الجاف للغاية، وخلق المصريون القدماء لوحات لجعل الحياة الآخرة للمتوفى مكانًا لطيفًا. وشملت الموضوعات رحلة عبر العالم الآخر أو الآلهة الوقائية التي تقدم المتوفى لآلهة العالم السفلي. ومن أمثلة هذه الرسومات لوحات للآلهة رع، وحورس، وأنوبيس، ونوت، وأوزوريس، وإيزيس. وتظهر بعض لوحات المقابر الأنشطة التي شارك المتوفى بها عندما كان على قيد الحياة. وفي المملكة الحديثة وما بعدها، تم دفن كتاب الموتى مع الشخص المدفون، والذي كان يعتبر مهما للتقدم للحياة الآخرة.
كانت الحضارة المينوسية موجودة في جزيرة كريت شمال مصر. وكانت اللوحات الجدارية الموجودة في قصر كنوسوس مشابهة لتلك الموجودة لدى المصريين، ولكنها حرة أكثر في الأسلوب، ثم غزت قبائل من شمال اليونان اليونان، فاتخذ الفن اليوناني اتجاهًا جديدًا حوالي عام 1100 قبل الميلاد.
كان لدى اليونان القديمة رسامين ماهرين ونحاتين، وكذلك مهندسين معماريين، والبارثينون هو مثال على هندستها المعمارية التي استمرت إلى الأيام الحديثة. وغالبا ما يوصف النحت على الرخام اليوناني بأنه أعلى شكل من أشكال الفن الكلاسيكي. ويعطي الرسم على الفخار من اليونان القديمة والالخزف لمحة مفيدة بشكل خاص في طريقة عمل المجتمع في اليونان القديمة، كما تعطي اللوحة المزهرية ذات الشكل الأسود والرسم باللون الأحمر العديد من الأمثلة الباقية عن الرسم اليوناني، ومن الرسامين اليونانيين المشهورين على الألواح الخشبية الذين ورد ذكرهم في النصوص أبيليس، وزيوكيس، وباراساسيوس، ولكن لا توجد أمثلة على الرسم اليوناني القديم غير فقط الأوصاف المكتوبة من قبل معاصريهم أو الرومان اللاحقين. وعاش زيكسسيس في الفترة ما بين 5-6 قبل الميلاد، وقيل إنه أول من استخدم مزج الألوان. ووفقا لبلينيوس الأكبر، كانت واقعية لوحاته تصل لدرجة أن الطيور حاولت أكل العنب المطلي، ويوصف أبيليس بأنه أعظم رسامي العصور القديمة لتقنيته المثالية في الرسم، والتلوين، والتصميم.
تأثر الفن الروماني باليونان ويمكن اعتباره جزئيا كسليل للوحة اليونانية القديمة. ومع ذلك، فإن اللوحة الرومانية لها خصائص فريدة من نوعها. واللوحات الرومانية الوحيدة الباقية هي لوحات جدارية، كثير منها من فيلات في كامبانيا في جنوب إيطاليا. ويمكن تجميع مثل هذا الرسم في 4 "أنماط" أو فترات، وقد يحتوي على خداع البصر، والمناظر الطبيعية الصرفة. وتقريبا اللوحات الوحيدة الباقية من العالم القديم هي عدد من الصور التي تم العثور عليها في مقبرة الفيوم العتيقة.و على الرغم من أنها لم تكن من أفضل اللوحات ولا من أعلى مستويات الجودة، إلا أنها مثيرة للإعجاب في حد ذاتها، وتعطي فكرة عن الجودة التي يجب أن يكون لها أفضل عمل قديم. وهناك عدد صغير جدا من المنمنمات من الكتب القديمة المتأصلة مصورة أيضا، وعدد أكبر نسبيًا منها يرجع لفترة العصور الوسطى المبكرة.
أدى صعود المسيحية إلى إضفاء روح وأهداف مختلفة على أساليب الرسم. وقد وضع الفن البيزنطي، الذي تم تأسيسه في القرن السادس، تركيزًا كبيرًا على الحفاظ على الرموز والأساليب التقليدية، وتطوّر بشكل تدريجي خلال آلاف السنين من الإمبراطورية البيزنطية والتقاليد الحية للرموز الأرثوذكسية اليونانية والروسية. وتمت مقارنة الفن البيزنطي بالتجريد المعاصر، في تسطيحه وتصويره بأناقة كبيرة للأرقام والمناظر الطبيعية، وبعض فترات الفن البيزنطي، وخاصة ما يسمى بالفن المقدوني في حوالي القرن العاشر، هي أكثر مرونة في النهج.
وفي أوروبا الكاثوليكية ما بعد العتيقة، ظهر أول نمط فني مميز يتضمن الرسم الجزيري للجزر البريطانية، حيث الأمثلة الوحيدة الباقية هي منمنمات في المخطوطات المضيئة مثل كتاب كيلز، وهي الأكثر شهرة لزخارفها المجردة، على الرغم من الأرقام كما تم تصويرها، ولا سيما في لوحات الإنجيلي. ويمزج فن هذه الفترة بين التأثيرات الإنشائية و"البربرية" مع التأثير البيزنطي القوي والتطلع إلى استعادة الآثار القديمة والتوازن.
تم تزيين جدران الكنائس الرومانية والكنائس القوطية بالرسومات الجدارية وكذلك النحت والعديد من اللوحات الجدارية.
في منتصف القرن الثالث عشر، أصبح الفن في القرون الوسطى والفن القوطي أكثر واقعية مع بدايات الاهتمام بتصوير الحجم والمنظور في إيطاليا مع تشيمابو ثم تلميذه جوتو، ثم أصبح التعامل مع أفضل الرسامين أكثر سهولة وإبداعًا، فهم يُعتبَرون سادة القرون الوسطى العظماء للرسم في الثقافة الغربية. واستخدم تشيمابو في إطار التقاليد البيزنطية مقاربة أكثر واقعية ودرامية لفنه، ثم أخذ تلميذه جوتو هذه الابتكارات إلى مستوى أعلى والتي بدورها وضعت الأسس لتقليد اللوحة الغربية، وكان كلا الفنانَيّن رائدَين في التحرك نحو الطبيعية.
بنيت الكنائس مع المزيد والمزيد من النوافذ، وأصبح استخدام الزجاج الملون عنصرًا أساسيًا في الزخرفة. وتم العثور على واحدة من الأمثلة الأكثر شهرة في كاتدرائية نوتردام دو باري. وبحلول القرن الرابع عشر، كانت المجتمعات الغربية أكثر ثراءً، ووجد الرسامون رعاة جدد في طبقة النبلاء وحتى البرجوازية. وأخذت المخطوطات المضيئة شخصية جديدة، وسرعان ما أصبح هذا النمط معروفًا بالنمط الدولي.
عصر النهضة والنهجية.
بشّر عصر النهضة، وهو حركة ثقافية تمتد تقريبا من القرن الرابع عشر حتى منتصف القرن السابع عشر، بدراسة المصادر الكلاسيكية، وكذلك التقدم في العلوم التي أثرت تأثيرا عميقا في الحياة الفكرية والفنية الأوروبية. وفي البلدان المنخفضة، وخاصة في فلاندر في العصر الحديث، تم تأسيس طريقة جديدة للرسم في بداية القرن الخامس عشر. وعلى خطى التطورات التي حدثت في تذهيب المخطوطات، ولا سيما من قِبَل الأخوين ليمبورغ، أصبح الفنانون مفتونين بالواقعية في العالم المرئي، وبدأوا في تمثيل الأشياء بطريقة طبيعية للغاية. واستخدم الرسامون مثل روبرت كامبين الرسم الزيتي لتمثيل الطبيعة التي كانوا يهدفون إليها، وأصبحوا قادرين في تلك الفترة على خلق ألوان أكثر ثراء. وعلى عكس الإيطاليين، الذين استُمِدَت أعمالهم بشكل كبير من فن اليونان القديمة وروما، احتفظ الشماليون بآثار نمطية للنحت والمخطوطات المذهبة في العصور الوسطى. أهم الفنانين في هذه الفترة كان يان فان إيك، الذي يُصنف من بين أروع الفنانين المعروفين الآن باسم الرسامين الأوائل من هولندا. وكان الرسام الأول لهذه الفترة روبرت كامبين، الذي يتبع عمله الفن القوطي العالمي.، وهناك أيضا روجييه فان دير وايدن، الذي ركزت أعماله على العاطفة الإنسانية والدراما، وهوجو فان دير جويس (الذي كان له تأثير كبير في إيطاليا)، وديريك باوتس (الذي كان من بين أوائل الرسامين الشماليين الذين أظهروا استخدام نقطة التلاشي الوحيدة)، وبيتروس كريستوس، وهانس ميملنغ، وخيرارد دافيد.
ويعكس فن عصر النهضة ثورة الأفكار والعلوم (علم الفلك والجغرافيا) التي حدثت في هذه الفترة، والإصلاح، واختراع آلة الطباعة. ويقول دورر، الذي يعتبر أحد أعظم أصحاب شركات الطباعة أن الرسامين ليسوا مجرد حرفيين بل مفكرين أيضا، وتطورت الرسومات من كونها مثبته على الأثاث أو الجدران أو غيرها من المباني إلى صور متحركة يمكن تعليقها بسهولة على الجدران.
باروكية وروكوكو.
ترتبط اللوحة الباروكية بالحركة الثقافية الباروكية، وهي حركة غالباً ما تُعرف بالأوتوقراطية والإصلاح المضاد أو الإحياء الكاثوليكي. ومع ذلك، فإن وجود لوحة باروكية مهمة في الدول غير المطلقة والبروتستانتية يؤكد أيضًا على شعبيتها، حيث انتشر هذا النمط في جميع أنحاء أوروبا الغربية.
ويتميز رسم الباروكية بالدراما الرائعة، والألوان الغنية والعميقة، والظلال الداكنة. وكان المقصود من الفن الباروكي أن يثير العاطفة بدلاً من العقلانية الهادئة التي كانت موجودة خلال عصر النهضة. ومن بين أعظم رسامي الباروك كارافاجيو، ورامبرانت، وفرانس هالس، وروبنز، وفيلاسكيز، وبوسان، ويوهانس فيرمير.
وفي إيطاليا، يجسد الطراز الباروكي لوحات دينية وأسطورية لفنانين مثل جويدو ريني. وظهر نوع بارع أكثر هدوءًا من الباروك في الجمهورية الهولندية، حيث كانت الرسومات عن الموضوعات اليومية شائعة لدى جامعي الطبقة المتوسطة، وأصبح العديد من الرسامين متخصصين في هذا النوع، والبعض الآخر في المناظر الطبيعية أو المناظر البحرية أو الحياة الساكنة.
خلال القرن الثامن عشر، تبعت روكوكو امتدادًا للباروك، وغالبًا، وتطورت أولاً في الفنون الزخرفية والتصميم الداخلي في فرنسا. وجلبت خلافة لويس الخامس عشر تغييرا في فنانين المحكمة والأزياء الفنية العامة، ومثلت ثلاثينيات القرن العشرين ذروة تطور شركة روكوكو في فرنسا، حيث تمثلت في أعمال أنطوان واتو وفرانسوا بوشير. ومازالت الروكوكو تحتفظ بالمذاق الباروكي للأشكال والأنماط المعقدة مع البدء في دمج مجموعة متنوعة من الخصائص المتنوعة، بما في ذلك مذاق التصاميم الشرقية والتركيبات غير المتماثلة.
وانتشر أسلوب الروكوكو مع الفنانين الفرنسيين والمنشورات المحفورة. وتم استقباله بسهولة في الأجزاء الكاثوليكية في ألمانيا، وبوهيميا، والنمسا، حيث تم دمجه مع تقاليد الباروك الألمانية الحيوية.
يمثل السادة الفرنسيون واتو، وبوشير، وفوندرارد الأسلوب، مثل جيوفاني باتيستا تيبولو وجان بابتيست سيمون شاردان الذي اعتبره البعض أفضل رسام فرنسي في القرن الثامن عشر. وكان البورتريه عنصرا هاما في الرسم في جميع البلدان، ولكن بشكل خاص في إنجلترا. وفي فرنسا خلال عصر الروكوكو، تفوق جان باتيست غريوز (الرسام المفضل لديني ديدرو) في رسومات الصور والتاريخ، وكان موريس كوينتين دي لا تور من كبار الرسامين.
ساعد وليام هوغارث في تطوير أساس نظري لجمال الروكوكو. وبدأت بداية النهاية لروكوكو في أوائل ستينيات القرن التاسع عشر، حيث بدأت شخصيات مثل فولتير وجاك فرانسوا بلونديل بالتعبير عن انتقاداتهم لسطحية الفن وتدهوره. انتقد بلونديل "الخليط المضحك من قشر المحار، والتنين، والقصب، وأشجار النخيل، والنباتات" في المناطق الداخلية المعاصرة.
وبحلول عام 1785، كانت روكوكو قد خرجت من الموضة في فرنسا، وحل محلها النظام وجدية الفنانين الكلاسيكيين الجدد مثل جاك لوي دافيد.
بحلول منتصف القرن التاسع عشر، تحرر الرسامون من مطالب تصوير مشاهد من الدين أو الميثولوجيا أو البورتريه أو التاريخ، وبدأت فكرة "الفن من أجل الفن" في التعبير عنها في أعمال الرسامين، مثل فرانسيسكو دي غويا وجون كونستابل، ورأى الرسامون الرومانسيون رسم المناظر الطبيعية كنوع مهم للتعبير عن غرور البشرية في معارضة عظمة الطبيعة. وحتى ذلك الحين، لم يكن رسم المناظر الطبيعية هو الأسلوب الأكثر أهمية بالنسبة للرسامين. وفي الولايات المتحدة، عُرف التقليد الرومانسي لرسم المناظر الطبيعية باسم مدرسة نهر هدسون، ومن أنصارها توماس كول، وكنيسة فريدريك إدوين، وألبرت بيرشتات، وتوماس موران، وجون فريدريك كينسيت.
رسم الرسام البارز في مدرسة باربيزون كاميل كوروت كلا من الرسومات الرومانسية والواقعية، وجسد عمله الانطباعية، كما هو الحال مع لوحات يوجين بودين الذي كان واحدا من أوائل رسامي المناظر الطبيعية الفرنسيين الذي رسم في الهواء الطلق. وكان غوستاف كوربيه إحدى القوى الرئيسية في التحول نحو الواقعية في منتصف القرن. وفي الثلث الأخير من القرن، عمل الانطباعيون مثل إدوار مانيه، وكلود مونيه، وبيير أوغست رينوار، وكاميل بيسارو، وألفريد سيسلي، وبيرت موريسو، وماري كاسات، وإدغار ديغا في نهج أكثر مباشرة مما كان يُعرض في السابق على الملأ، وركز كل من مانيه، وديغا، ورينوار، وموريسوت، وكاسات في المقام الأول على موضوع الإنسان.
تبنى بيسارو بعض تجارب ما بعد الانطباعية. وقاد الفنانون الانطباعيون الأصغر سنا ، مثل فينسنت فان غوخ، وبول غوغان، وجورج سورات، إلى جانب بول سيزان الفن إلى حافة الحداثة. وانتشرت موجة الانطباعية في جميع أنحاء العالم، بما في ذلك في الولايات المتحدة، حيث أصبحت جزءا لا يتجزأ من لوحة الانطباعيين الأمريكيين، مثل تشايلد هاسام، وجون توختتمان، وثيودور روبنسون. وفي أستراليا، رسم رسامون من مدرسة هايدلبرغ مثل آرثر ستريتون، وفريدريك ماكوبن، وتشارلز كوندر في الهواء الطلق، وكانوا مهتمين بشكل خاص بالمناظر الطبيعية الأسترالية والضوء. وفي نفس الوقت في أمريكا في مطلع القرن العشرين، كانت هناك واقعية أصلية وشبه معزولة، كما هي متجسدة في العمل الرمزي لتوماس إيكنز.
في أواخر القرن التاسع عشر، كانت هناك أيضًا مجموعات مختلفة من الرسامين الرمزيين الغير متشابهين إلى حدٍّ ما، وكان لأعمالهم صدى لدى فنانين صغار في القرن العشرين، خاصة مع الحوشيين والسرياليين، ومن بينهم غوستاف مورو، وأديلون ريدون، وبيير بوفيس دي شافان، وهنري فانتين-لاتور، وأرنولد بوكلين، وإدفارد مونش، وفيليسيان روبس، وجان تووروب، وغوستاف كليمت، ومن ضمنهم رموز الرمزية الروسية مثل ميخائيل فروبيل.
قام الرسامون الرمزيون بحفر الأساطير وتصوير الحلم من أجل لغة بصرية للروح بحثًا عن لوحات مفعمة بالذكريات التي كانت تجلب للعالم عالما ثابتا من الصمت، ولم تكن الرموز المستخدمة في الرمزية شعارات مألوفة، بل هي إشارات شخصية خاصة غامضة، وأثر الرسامون الرمزيون على حركة الفن الحديث المعاصر. ووُجِدَ الرسامون الرمزيون عبر القرون والثقافات مع استكشافهم لموضوعات تشبه الحلم، وقد وصف برنارد ديلفايل سريالية رينيه ماغريت بأنها "رمز + فرويد".
القرن العشرين والفن الحديث والمعاصر.
كان تراث الرسامين، مثل فان جوخ، وسيزان، وغوغان، وسورا أمرًا ضروريًا لتطوير الفن الحديث. وفي بداية القرن العشرين، أحدث هنري ماتيس والعديد من الفنانين الشباب ثورة في عالم الفن في باريس مع اللوحات الفنية "البرية" والمتعددة الألوان والتعبيرية والمناظر الطبيعية التي وصفها النقاد بـالحوشية. وصنع بابلو بيكاسو لوحاته التكعيبية الأولى بناء على فكرة سيزان بأنه يمكن أن ينقسم تصوير الطبيعة إلى ثلاث مواد صلبة: المكعب، والكروي، والمخروط.
رواد القرن العشرين.
تدل النسخة الثانية من لوحة الرقص لهنري ماتيس على نقطة رئيسية في حياته المهنية وفي تطوير الرسم الحديث، ويعكس ذلك انبهار ماتيس المبدئي بالفن البدائي، فالألوان الدافئة الشديدة ضد الخلفية الزرقاء والخضراء الباردة والتتابع الإيقاعي لعشاق الرقص ينقلان مشاعر التحرر العاطفي ومذهب المتعة. وصنع بابلو بيكاسو لوحاته التكعيبية الأولى بناء على فكرة سيزان التي يمكن تقسم كل تصوير الطبيعة إلى ثلاث مواد صلبة: المكعب، الكرة، والمخروط. مع لوحة آنسات أفينيون Les Demoiselles d'Avignon) 1907)، وابتكر بيكاسو بشكل جذري صورة جديدة راديكالية تصور مشهد الدعارة الخام والبدائية مع خمس عاهرات بطريقة تذكرنا بالأقنعة القبلية الأفريقية واختراعاته التكعيبية الجديدة. توم تطوير التكعيب التحليلي بشكل مشترك من قبل بابلو بيكاسو وجورجس براكي ممثل في الكمان والشمعدان في باريس من حوالي عام 1908 حتى عام 1912. وتبعت التكعيبية التحليلية، أول مظاهر واضحة للتكعيبية، التكعيبية الاصطناعية التي مارسها براك بيكاسو، وفرناند ليجيه، وخوان جريس، وألبرت غليزيس، ومارسيل دوشامب، وعدد آخر من الفنانين في عشرينيات القرن العشرين. وتتميز التكعيبية الاصطناعية بإدخال القوام والسطوح المختلفة وعناصر الكولاج ومجموعة متنوعة كبيرة من المواد المدمجة.
الرسم في الأمريكتين.
خلال الفترة التي سبقت وتلت الاستكشاف الأوروبي وتسوية الأمريكتين، بما في ذلك أمريكا الشمالية، وأمريكا الوسطى، وأمريكا الجنوبية، وجزر البحر الكاريبي، وجزر الأنتيل، وجزر الأنتيل الصغرى، والمجموعات الجزرية الأخرى، أنتجت الثقافات الأصلية للسكان الأصليين الأعمال الإبداعية بما في ذلك الهندسة المعمارية، والفخار، والسيراميك، والنسج، والنحت، والرسم، والجداريات، وكذلك غيرها من الأشياء الدينية والنفعية. واستضافت كل قارة من الأمريكتين مجتمعات كانت ثقافات فريدة ومتطورة بشكل فردي. وكان التأثير الأفريقي قويا بشكل خاص في فن الكاريبي وأمريكا الجنوبية. وكان لفن السكان الأصليين في الأمريكتين تأثيار هائلا على الفن الأوروبي والعكس بالعكس أثناء وبعد عصر الاستكشاف. وكانت كل من إسبانيا، والبرتغال، وفرنسا، وهولندا، وإنجلترا كلها قوى استعمارية قوية ومؤثرة في الأمريكتين خلال القرن الخامس عشر وبعده. وبحلول القرن التاسع عشر بدأ التأثير الثقافي يتدفق في كلا الاتجاهين عبر المحيط الأطلسي.
الرسم الإسلامي.