[es] Este artículo examina el uso del metateatro en una selección de piezas teatrales firmadas por autores afroamericanos contemporáneos. Siguiendo el trabajo de Caroline Levine sobre formas teatrales, se cuestionan los alcances dramatúrgicos y políticos de esta técnica cuando se emplea junto con la recreación del guión Amo-Esclavo. Comparando White Noise (2019), de Suzan-Lori Parks, y Slave Play (2018), de Jeremy O. Harris, el artículo analiza lo que la recreación metateatral de la esclavitud en ambas obras ofrece, en términos de posibilidades y límites, para examinar el continuo arraigo psíquico y afectivo de la esclavitud en la sociedad actual. Aunque el teatro dentro del teatro, en su función autorreflexiva propia de la tradición occidental, permite que algunos personajes entiendan su papel en la sociedad, esto no siempre desemboca inequívocamente en una acción progresiva. Es especialmente reseñable que ambas obras concluyen vinculando visualmente la emancipación verbal de los protagonistas negros respecto a los guiones de la esclavitud, con su antagonista heterosexual, blanco, masculino y liberal sobrepasado por el peso de los papeles históricos que aceptó representar. De esta manera, ambas obras parecen sugerir que, para el liberal blanco, un encuentro afectivo con su implicación estructural al hacer perdurar el legado de la esclavitud podría ser un requisito previo para imaginar un cambio sistémico. Por consiguiente, ambas obras desafían tanto a los personajes que intervienen en la obra dentro de la obra como a su público, instándolo a considerar su propia posición y papel en un escenario racial profundamente arraigado.

[fr] Cet article s'intéresse aux procédés du théâtre dans le théâtre dans des pièces afro-américaines contemporaines. À la suite du travail de Caroline Levine sur les formes, nous considérons les potentialités dramaturgiques et politiques de ce dispositif lorsqu'il est utilisé en parallèle du scénario Maître-Esclave. En comparant White Noise (2019) de Suzan-Lori Parks et Slave Play (2018) de Jeremy O. Harris, l'article examine ce que le rejeu métathéâtral de l'esclavage offre, en termes de possibilités et de limites, pour sonder l'emprise psychique et affective persistante de l'esclavage sur les sujets contemporains. Si le théâtre dans le théâtre dans sa fonction occidentale traditionnelle d'autoréflexion peut permettre à certains personnages de cerner la nature de leur rôle social, cette compréhension ne se traduit pas nécessairement par un passage à l'acte que l'on pourrait qualifier de progressif. Le dénouement des deux pièces lie visuellement l'émancipation verbale des protagonistes noirs vis-à-vis des scénarios de l'esclavage à leur rival masculin hétérosexuel, blanc et libéral qui plie sous le poids des rôles historiques que le libéral blanc a acceptés de rejouer. Ainsi, les pièces semblent suggérer que pour l'homme blanc et libéral, une rencontre affective des mécanismes structurels hérités de l'esclavage pourrait être une condition préalable pour envisager une mutation systémique. Ainsi, les deux pièces mettent au défi les personnages qui rejouent le scénario Maître-Esclave et le public dans la salle de considérer leurs propres positionnements et actions dans un scénario racial dominant.