[en] During the Elizabethan time, imposing and changing sets aroused the audience's admiration and were regarded as the main asset of the performance of a given play. Let us bear in mind the works of Herbert Beerbohm Tree where there were drastic cuts in the text to enable hordes of supernumeraries – either human or animal – to have enough time to occupy the scenic space. At the beginning of the twentieth century in France, naturalist décors were also Pharaonic: André Antoine looked for the genuine representation of the loci. He resorted to specific techniques such as electric lighting, paying particular attention to the reconstruction of historic Rome or classic Verona… although the verisimilitude of those places might not make the plot sound more intelligible. Today excess is expressed differently. An empty space or the quasi absence of sets used to surprise and even irritate the critics but they do not shock any longer. We now tend to consider that such designs have more in common with the principles established in 16th-century playhouses. Yet, emptiness often seems excessive when for instance a mere candelabrum is sufficient to symbolise an inner space. Thus excess, whether it is expressed through extravagance or through absence is anchored in the art of scenography. What are the consequences of such choices on the reception of the play by the audience? In this paper, I would like to display some of the excessive sets and props that were chosen by directors from the 19th century onward in England, so as to show to what extent excessiveness influences the meaning of a given play.

[fr] À l'époque victorienne, les décors monumentaux et changeants suscitaient l'admiration du public et constituaient l'attrait majeur de la représentation d'une pièce de théâtre. Que l'on songe par exemple aux mises en scène de Herbert Beerbohm Tree qui nécessitaient des coupes drastiques dans le texte afin que des hordes de figurants, humains ou animaux, aient le temps de venir habiter l'espace scénique. Au début du xxe siècle en France, le naturalisme donne également lieu à des décors pharaoniques : André Antoine recherche l'exacte représentation du lieu implicite à l'action. Il recourt à la technique, et plus particulièrement à l'éclairage électrique, en veillant à la reconstitution historique de l'époque romaine ou de la Vérone classique… si tant est que la vraisemblance des lieux ait ici un rôle à jouer. De nos jours, l'excès est inverse : c'est le vide total ou le " non-décor " qui, s'ils ont surpris voire indigné la critique autrefois, ne choquent plus à présent si l'on convient que cette esthétique épouse peut-être plus fidèlement les principes du théâtre élisabéthain. Quoi qu'il en soit, ce vide n'en paraît pas moins excessif quand un maigre candélabre suffit, par exemple, à symboliser un espace intérieur… Ainsi, l'excès, qu'il soit dans l'outrance ou, à l'inverse, dans l'absence, s'exprime pleinement sur la scène. Quelle en est la conséquence sur la réception de la pièce par le public ? Dans cette communication, je souhaiterais rendre compte, par le biais de schémas et de photographies, de certaines représentations esthétiques excessives des pièces de Shakespeare qui ont fait date depuis le xixe siècle en Angleterre et en France, afin de montrer dans quelle (dé)mesure l'enveloppe scénique influe sur le sens d'une œuvre donnée. Je m'interrogerai en outre sur le sens de l'excès scénographique.