[es] Este artículo examina el uso del metateatro en una selección de piezas teatrales firmadas por autores afroamericanos contemporáneos. Siguiendo el trabajo de Caroline Levine sobre formas teatrales, se cuestionan los alcances dramatúrgicos y políticos de esta técnica cuando se emplea junto con la recreación del guión Amo-Esclavo. Comparando White Noise (2019), de Suzan-Lori Parks, y Slave Play (2018), de Jeremy O. Harris, el artículo analiza lo que la recreación metateatral de la esclavitud en ambas obras ofrece, en términos de posibilidades y límites, para examinar el continuo arraigo psíquico y afectivo de la esclavitud en la sociedad actual. Aunque el teatro dentro del teatro, en su función autorreflexiva propia de la tradición occidental, permite que algunos personajes entiendan su papel en la sociedad, esto no siempre desemboca inequívocamente en una acción progresiva. Es especialmente reseñable que ambas obras concluyen vinculando visualmente la emancipación verbal de los protagonistas negros respecto a los guiones de la esclavitud, con su antagonista heterosexual, blanco, masculino y liberal sobrepasado por el peso de los papeles históricos que aceptó representar. De esta manera, ambas obras parecen sugerir que, para el liberal blanco, un encuentro afectivo con su implicación estructural al hacer perdurar el legado de la esclavitud podría ser un requisito previo para imaginar un cambio sistémico. Por consiguiente, ambas obras desafían tanto a los personajes que intervienen en la obra dentro de la obra como a su público, instándolo a considerar su propia posición y papel en un escenario racial profundamente arraigado.

[pt] Este artigo analisa as estratégias da peça dentro da peça na dramaturgia afro-americana recente. Na sequência do trabalho de Caroline Levine sobre as formas, interrogar-nos-emos sobre as potencialidades dramatúrgicas e políticas deste dispositivo quando utilizado em conjunto com a representação do modelo Mestre-escravo. Comparando White Noise de Suzan-Lori Parks (2019) e Slave Play de Jeremy O. Harris (2018), o artigo analisa o que a re/interpretação metateatral da escravatura nas duas peças oferece, em termos de possibilidades e limites, para sondar o contínuo domínio psíquico e afectivo da escravatura nos temas contemporâneos. Ainda que a peça dentro da peça, na sua função auto-reflexiva própria à tradição ocidental, permita que algumas personagens tenham uma percepção do seu papel no campo social, esta compreensão não se traduz necessariamente numa acção progressiva. O final das duas peças, por exemplo, vincula visualmente a emancipação vocal dos protagonistas negros dos guiões da escravatura ao seu rival heterossexual, branco, masculino e liberal que se desmorona sob o peso da consciência do papel histórico que aceitou representar. Assim, as peças parecem sugerir que, para liberais brancos, um encontro afectivo com os mecanismos herdados da escravatura poderia ser uma condição para imaginar uma mudança estrutural. Ao fazê-lo, estas peças desafiam as personagens que participam na peça dentro da peça em palco e o seu público fora do palco a considerarem o seu próprio posicionamento e as suas acções, num guião racial bem enraizado.